CINE X WORLD

Crítica: Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras

2012-01-27T12:43:00.000-08:00

Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras
Sherlock Holmes - The Game of Shadows
EUA , 2011 - 129 min.
Ação / Aventura
Direção:
Guy Ritchie

Roteiro:
Michele Mulroney, Kieran Mulroney

Por Derek Klein

A estréia do primeiro Sherlock Holmes em 2009 aos cinemas foi bem positiva financeiramente para a Warner Bros., mas como bilheteria não significa necessariamente que o filme seja bom, o longa de Guy Ritchie foi apenas regular. Dois anos depois (o filme estreiou no final de 2011 nos Estados Unidos) o diretor inglês entrega uma película muito mais consistente, divertida, porém não menos descartável.

Na trama, Holmes começa a ligar uma série de roubos a um plano de proporções gigantescas vindo de uma inteligência astuciosa vivido por Jared Harris, interpretando o professor Moriarty, o grande inimigo do espião inglês. À medida que o plano vai seguindo adiante, Sherlock conhece uma cigana chamada Simza (vivida pela ótima Noomi Rapace), cuja personagem tem papel fundamental para que o espião consiga deter que Moriarty provoque uma guerra mundial.

Como no primeiro longa, a ambientação, design de produção, fotografia, trilha sonora, figurino são fantásticos, aqui a trilha de Hans Zimmer ganha uma mescla circense e faz com que a sonoplastia do filme beire a perfeição de acordo com a necessidade dos personagens e roteiros. Por falar em roteiro, aqui foi adicionado coerência, um arco dramático mais consistente e um vilão mais a altura do personagem principal, o que facilmente eleva a qualidade do filme e faz com que seu desenvolvimento seja mais agradável, entretanto, não possui poder e estrutura suficiente para manter a concentração e a vontade do expectador de querer saber como aquele “mistério” será resolvido.

Outro problema do segundo longa do espião fica por conta da incapacidade do diretor de trazer momentos originais aos personagens, nota-se a todos os momentos do filme a utilização de idéias que deram certo no primeiro, onde aqui são reconstruídas e/ou reforçadas para que o público tenha uma falsa sensação de vigor e inovação, exemplo disso, é uma cena particularmente interessante de um duelo entre as mentes de Sherlock e Moriarty, a sequência é ótima, mas nada que uma duplicação do que o personagem principal faz.

A solução dos problemas do longa ficam por conta de Robert Downey Jr, Jude Law, e Stephen Fry, não há um momento ruim da construção dos personagens feita pelos atores, a química entre Downey Jr. E Law aqui beira o sensacional e Fry como o irmão egocêntrico de Sherlock rouba as cenas em que aparece, Jared Harris cumpre muito bem o seu papel como vilão e o que decepciona um pouco, é a pouca presença de Noomi Rapace e Rachel McAdams, ambas atrizes ótimas, porém pouco exploradas. As sacadas do humor do filme tomam o cérebro do público pela peculiaridade da introdução das mesmas em situações prá lá de divertidas.

Como resultado final, Sherlock Holmes: O Jogo das Sombras aprendeu bastante em comparação ao original, mas ainda falta-lhe prender o público com um roteiro e situação mais atraentes e originais. Infelizmente, ao fim do filme a sensação que as mais de 2 horas de projeção produz é semelhante a franquia Piratas do Caribe, tudo aquilo é sustentando por atores ótimos que por consequência fazem inúmeras situações saírem da mesmice e da própria chatice para o engraçado e o divertido, mas a pergunta é, até quando?

Nota: 7,5

Crítica: Imortais

2012-01-09T07:08:00.000-08:00

Imortais

Immortals

EUA , 2011 - 110 min.

Épico / Fantasia

Direção:

Tarsem Singh

Roteiro:

Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides

Por Derek Klein

Depois de 470 milhões como um filme "R" (Classificação etária de 17 anos nos Estados Unidos), uma das maiores bilheterias para a faixa etária, até que demorou muito para que alguém ou os mesmos produtores tivessem a idéia brilhante de aproveitar o hype que "300" de Zack Snyder criou e faturar novos milhões com uma possível franquia que seguisse a linha do épico, vindo de uma adaptação da HQ conceituada de Frank Miller. O resultado não beira ao completo desastre, mas está muito longe de impactar em todos os aspectos como "300" impactou.

A história superficial fica por conta do Rei Hipérion que se sente deixado à deriva pelos Deuses em um momento que precisava de suas ajudas e inicia uma busca em torno do mítico Arco de Épiro para liberar os Titãs e vingar-se dos Deuses.

O roteiro claramente segue os moldes de 300 e Fúria de Titãs, mistura e distorce partes da mitologia grega, se aproveita do estilo de luta do filme Zack Snyder, utiliza do clichê de Perseu e constrói-se aqui também um herói de origem humilde que vai se destacar e enfim se tornará o único capaz de deter a desenfreada anarquia estabelecida pelo vilão, e que descaradamente tem um nome tão parecido quanto o protagonista de Fúria de Titãs, de Perseu, agora temos Teseu.

O que o diretor indiano Tarsem Singh parece ignorar durante todo o longa é que seus métodos para fugir das inevitáveis comparações a 300 ou Fúria de Titãs é que suas inspirações para inovar não são necessariamente inovações e sim, uma forma de retalhar o que já foi utilizado por outros realizadores e que julgou interessante o suficiente para utilizar em seu longa, de fato algumas coisas realmente são, como a sequência de ação protagonizada pelos Deuses que são 100% originadas do game God of War, outra tomada igualmente inspirada em um quadro famosíssimo de Michelangelo que proporciona uma das imagens artísticas mais sublimes do cinema atual, mas o problema é exatamente esse, nada é original, já foram vistos, explorados e experimentados, o pouco a acrescentar positivamente o filme em termos de ambientação e direção de arte é a riqueza de detalhes criado pelo diretor indiano que se sobressaltam perto dos longas de Snyder e Louis Leterrier, mas ironicamente é esta riqueza de detalhes que também expõe o gosto duvidoso de Singh. É altamente notável o quanto as origens do diretor influenciam sua direção no longa, em muitos exemplos o longa se apresenta como um carro alegórico de carnaval, exemplo gritante é o figurino dos Deuses, eles não podem apenas estarem com armaduras banhadas a ouro fosco (costume indiano de extravagância), eles precisam de capacetes, braceletes e tudo que há de possibilidade de enfeitar o corpo de um ser humano criadas através de um design que definitivamente assusta pela bizarrice, por horas. Os Deuses aqui parecem vindos de Milão numa coleção mal sucedida da Dolce e Gabbana e a exposição de músculos esculpidos, suor e sujeira faz com que os homens parecem mais corajosos e fortes que os Deuses em si. Isso funcionou perfeitamente em 300 com toda a exorbitância de Xerxes, aqui é um erro absurdo. Outro erro fica por conta da distorção da mitologia dos oráculos e tentar de todas as formas construírem um par romântico para trazer alguma emoção no terceiro ato, chega a ser constrangedor como a personagem de Freida Pinto simplesmente parece àquelas garotas repreendidas pelos pais e depois da primeira relação com o sexo oposto, ri por todos os cantos, segurando as mãos como se fosse a mulher mais apaixonada do mundo. Lamentável.

Apesar de descrever tudo com certa impiedade, o longa não é um desastre completo, apesar da estranheza vinda do diretor, o elenco se esforça dentro do possível, há elementos interessantes como o touro, uma criatura humana, mas que encorpa uma fantasia animalesca que impõe certo respeito, alguns caprichos na ambientação como o cenário de luta dos Deuses contra os Titãs, Henry Cavill segura as pontas no papel de protagonista e as sequências de ação, longe de serem originais, aliadas a um 3D sutil tem ótima decorrência nas telas.

O resultado do longa do indiano Tarsem Singh será satisfatório para a grande massa que não busca nada mais que um divertimento onde não se reflete o que assiste, mas desapontará claramente as pessoas que esperam algo mais original de produtores que até pouco tempo atrás praticamente reinventarão a maneira de fazer épicos e fizeram com que toda a testosterona do público masculino fossem liberadas por tudo que o Rei Leônidas e seus 300 soldados proporcionaram em quase duas horas de filme, a vontade de correr para a academia, comprar uma espada e um escudo virou quase um sonho de consumo para os homens. Já Imortais exibe abdomens definidos, coxas torneadas no intuito de embelezar os heróis e não os colocam para fazer jus ao que são.

Nota: 5,0

Crítica: Missão: Impossível - Protocolo Fantasma

2012-01-09T06:25:00.000-08:00

Missão: Impossível 4 - Protocolo Fantasma

Mission: Impossible - Ghost Protocol

EUA , 2011 - 133 min.

Ação / Aventura / Suspense

Direção:

Brad Bird

Roteiro:

André Nemec, Josh Appelbaum

Por Derek Klein

Após uma trilogia muito bem sucedida, um quarto Missão Impossível a primeira vista pareceu desnecessário e como de costume, um comum golpe de marketing de Hollywood para faturar milhões com o nome da conhecidíssima franquia. Tom Cruise não parecia a princípio tão empolgado com a idéia de um quarto filme e no fim a idéia de fazer um novo longa expandindo a história de Ethan parece apropriada com tanto que ele pudesse passar seu "legado" para outro espião, o onipresente Jeremy Renner (que curiosamente substituirá também Matt Damon na franquia Bourne). A saída de Brad Bird das animações para o live action a primeira vista foi temida pelo fracasso de não dar conta de estabelecer o fôlego que Missão Impossível: Protocolo Fantasma necessitava para despertar o interesse do público para uma nova trilogia para a franquia. O resultado felizmente foi surpreendente e muito satisfatório, onde Bird entrega aqui provavelmente o melhor M:I.

Na trama, Ethan Hunt (Cruise) é acusado de um atentado terrorista contra a Rússia, onde suas atitudes são consideradas dignas de um conflito que pode causar a terceira guerra mundial. Virando inimigo do estado, Hunt terá que se virar por seus meios para impedir que uma guerra se inicie e provar a sua inocência.

A premissa simples rende mais que o esperado e traz ares novos a franquia, um deles é a adição de um humor muito bem vindo que em nenhum momento compromete o desenvolvimento do filme, ao contrário, faz que com o longa não se leve a sério demais e garanta uma diversão de muito bom gosto para o espectador em busca do melhor nível de ação, que alias, é algo que não poderia faltar. No longa do diretor de Ratatouille, as sequências de ação são magistralmente orquestradas com tomadas de perder o fôlego, a já famosa sequência filmada em Dubai é para ser vista preferencialmente na maior tela que você puder encontrar e assim como J.J. Abrams, Bird desenvolveu um longa de novos horizontes sem perder a essência da franquia, aqui o título Missão Impossível nunca fez tanto jus ao nome.

O elenco possui ótimo entrosamento, destaques para Simon Pegg que possui ótimos momentos em tela, Tom Cruise traz o necessário para o personagem icônico, Paula Patton cumpre o que se espera da personagem, assim como todo o elenco que não deixa a desejar. O meu único ressalve é saber o que motiva os produtores de Hollywood a acreditar que Jeremy Renner possui todos os requisitos necessários para sustentar não apenas uma, mais três enormes franquias cujos personagens são movidos exclusivamente pela ação, cujos os papéis heroicos necessitam de um cara com imagem icônica para fazer com que o público acredite que tudo aquilo pode ser possível, Renner recentemente completou 41 anos, apesar de ter feito bons papeis em ótimos filmes como "Atração Perigosa" e "Guerra ao Terror" e ter desempenhado um bom papel agora no quarto filme da franquia, ele nem de longe tem fôlego para substituir Tom Cruise, Matt Damon (A Trilogia Bourne) e de quebra ser um super herói em "Os Vingadores". Vamos aguardar para ver até onde a surpresa será negativa ou positiva.

A surpreendente estréia de um diretor que dedicou a carreira toda as animações foi marcada por dar o respiro necessário que a franquia precisava para engatar uma nova trilogia e entregar uma diversão de primeira aos expectadores que não desgrudarão da cadeira nos 133 minutos de projeção.

Nota: 8,5

Crítica: Transformers: O Lado Oculto da Lua

2011-06-30T10:21:00.000-07:00

Transformers 3 - O Lado Oculto da Lua

Transformers - Dark of the Moon

EUA , 2011 - 157 min.

Ação / Ficção científica

Direção:

Michael Bay

Roteiro:

Ehren Kruger

Por Derek Klein

Depois de ser massacrado em 2009 por Transformers: A Vingança dos Derrotados, Michael Bay se sentiu ofendido pelas críticas e prometeu não voltar mais ao universo dos robôs que se transformam em carros. Pouco tempo depois, aliado a uma pressão do estúdio, o diretor enfim admite que errou no segundo longa e oficializa que vai dirigir o terceiro sob outros conceitos que não seja apenas a ação desenfreada, sem lógica e interruptível que foi todo o segundo filme. Desde então, Bay e o roteirista Ehren Kruger vem dizendo a impressa do quão empolgado eles estavam com o novo roteiro do próximo filme, que ele era imensamente melhor que o segundo, e mais sério também. O primeiro teaser do longa nos mostrou exatamente o que estávamos esperando ser introduzido a franquia um roteiro interessante que trouxesse de volta a honra que o primeiro longa conseguiu, quando ele era ainda descrente de todos. Pois bem, depois de assistir Transformers: O Lado Oculto da Lua, a sensação que se tem é apenas uma: Como alguém que foi massacrado pela crítica, passa dois anos da vida dele construindo os mesmos (literalmente OS MESMOS) erros de Transformers: A Vingança dos Derrotados?

Na trama, o jovem Sam Witwicky (Shia Laboulf) está em um novo relacionamento, (aqui entra Rosie Huntington-Whiteley no lugar de Megan Fox, depois da atriz ter comparado Michael Bay ao Adolf Hitler) e a sua vida volta de onde o conhecemos no primeiro longa, falido, descrente, desajeitado (ainda sim consegue fazer par com a modelo considerada a mulher mais sexy do mundo) e à procura de um novo emprego. Enquanto isso os Autobots estão aliados ao governo para missões secretas e proteção aos membros poderosos do governo. Quando o governo descobre que a omissão do verdadeiro propósito da primeira viagem a Lua está sendo ameaçada pelos Decepticons, que armam um plano de reconstruir Cybertron na Terra, já que agora os robôs vêm uma nova possibilidade no nosso planeta, sobre os artefatos recolhidos na época da corrida espacial. É claro, que os Autobots vão querer impedir toda a tirania proposta pelos Decepticons e assim iniciar a maior sequência de destruição já feita pela história do cinema.

Conhecendo Michael Bay e os propósitos de blockbusters como Transformers, é claro que ninguém espera uma obra-prima em termos de roteiro e muito menos atuação dos personagens, mas novamente não há nenhum tipo de comprometimento nestes termos e o expectador não tem a mínima conexão com os personagens, que por sinal, não demonstram nenhum tipo de carisma, então o resultado não poderia ser pior: quem está assistindo simplesmente não se importa com quem são os mocinhos e quem são os vilões, a única coisa que resta é ver robôs se matando e destruindo tudo ao redor sem nenhum tipo de foco. E nisso, Michael Bay não economiza a sequência ininterrupta de 40 minutos de uma guerra com os efeitos mais impressionantes já feitos desde Avatar, supera ainda a sequência final do filme de James Cameron em termos de grandiosidade de uma maneira que nada e nunca parece ter fim para o diretor americano, a ação só fica cada vez mais grandiosa, grandiosa, grandiosa a um ponto de que você se pergunta "Eles estão brigando porque mesmo?".

Claro, em termos técnicos, Bay é impecável, os efeitos de Transformers 3 são tão impressionantes que realmente da a impressão de ser o filme mais caro da história do cinema, aliado a um 3D poderoso, a experiência visual é impactante sem sombras de dúvidas. Mas como nenhum filme é feito somente de efeitos especiais e não há nenhuma conexão com nenhum dos personagens, a ação que deveria ser excitante acaba se tornando totalmente vazia e já na metade do terceiro ato ela torna-se cansativa o suficiente para você querer que aquilo acabe. Alias, os 157 minutos de película, como em seu antecessor, são novamente desnecessários, uma vez que não há uma história desenvolvida o suficiente para que justifique tamanha longa-metragem.

Outro desperdício sem fim em Transformers são os atores, a quantidade de nomes de peso no terceiro longa causa indignação a quem conhece a capacidade de grandes nomes como John Malkovich, Frances Mcdormand, o novamente desperdiçado John Torturro e a participação de Ken Jeong é para ressaltar a vergonha alheia que ele causa no bem-vindo "Se Beber, Não Case" e que aqui, não funciona. A substituta de Megan Fox, apesar de linda, não traz nada a mais que a outra: excitar marmanjos e fazer-los esquecer de que seus cérebros foram recolhidos pela moça que entrega o óculos 3D assim que entramos na sessão, e Shia Laboulf atua no modo automático, não há nada que ele faça no filme, em termos de atuação, que já não tenha feito nos longas anteriores.

Apesar de reconstruir maioria dos erros do segundo longa, neste devido a câmera Fusion System, que é bem maior que uma 35 mm (diâmetro convencional dos longas) faz com que Michael Bay desacelere os intensos cortes que mal se distinguia a ação, faz com que ela se torne uma ação mais equilibrada e mais fácil de ser assimilada, e em quesito de cenários, o diretor retorna ao terceiro longa com uma releitura à lá "A Ilha", em um conceito de tecnologia e sofisticação de encher os olhos, aliado ao patriotismo, que já é marca registrada do diretor resgata uma parte do (bom) clichê de Bay. Mas infelizmente nada justifica a construção visualmente sensacional sem vida alguma.

Além do totalmente descomprometido com os personagens e o roteiro, o diretor piora toda a situação com a imensa quantidade de alívios cômicos e piadinhas que são feitas uma atrás da outra, afetando ao longa de tal maneira a não ter o mínimo de interesse em manter até a coerência de certas cenas e inúmeras vezes o clímax é perdidos por alívios cômicos irritantes, que claramente pouco destes alívios são necessários, juntos então, a uma quantidade enorme de personagens que não acrescentam nada, absolutamente nada a trama, onde afeta a todos: ao filme, ao orçamento da produtora já que inúmeros destes personagens são feitos por computadorização gráfica e a nós que perdemos um longa que se tivesse respeitado o mínimo de coerência e tivesse o mínimo de comprometimento com o público já teria sido de muito bom grado.

Afinal, o que pedimos de Transformers e Michael Bay, não é a genialidade de Christopher Nolan, o suspense sobrenatural de Darren Aronofsky ou a incomparável conexão de personagens robóticos e alienígenas de James Cameron, era apenas nos entregar um bom roteiro, bons personagens e o mínimo de comprometimento como público, por que o resto nós já conhecemos, são requisitos mínimos de um bom filme de entretenimento e que Michael Bay e sua obsessão por efeitos especiais, tomadas grandiosas de perfeição, simplesmente os ignoram.

Nota: 4,5

Crítica: Invasão do Mundo: Batalha em Los Angeles

2011-03-20T16:20:00.000-07:00

Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles

World Invasion: Battle in Los Angeles

EUA , 2011 - 116 min

Ficção científica / Guerra

Direção:

Jonathan Liebesman

Roteiro:

Christopher Bertolini

Por Derek Klein

Depois da explosão que causou na Comic Con ano passado, Invasão do Mundo: Batalha em Los Angeles chega aos cinemas. Ao final do filme, a medíocre narração constrange a tal ponto que é impossível não se lembrar de Teletubbies e sua famosa frase “É hora de dar tchau”.

O erro de colocar um diretor tão incompetente com um orçamento de 70 milhões de dólares, de desperdiçar uma grande repercussão da Comic Con, de optar pelos piores caminhos de execução de um filme, por passar uma imagem de ficção cientifica com base de uma invasão alienígena quando o filme é voltado muito mais para soldados e a guerra em si, pela medíocre história, pelos clichês que rodam o gênero e por fim, conseguir criar uma das narrações mais didáticas e horríveis da última década do cinema.

Na medíocre trama, a terra é invadida por alienígenas que querem se apossar de nossa água em vários pontos do globo, um deles Los Angeles. A história foca um grupo de soldados que são enviados para o resgate de civis presos em uma delegacia em Santa Mônica, onde os eles precisam resgatar estas pessoas o mais rápido possível por que a intenção do governo é bombardear a cidade.

Há vários exemplos no cinema que não se precisa de muita originalidade para se construir um ótimo filme e nem de nenhum diretor conceituado e o maior exemplo é 500 Dias com Ela. A diferença é que Marc Webber é um diretor iniciante fantástico que sabe onde pode apelar, utiliza das melhores alternativas para executar o que pretende e traz o carisma necessário aos personagens na dosagem que precisa já Jonathan Liebesman se mostra tão incompetente que consegue perder oportunidades de apelos rápidos e de impacto como os efeitos sonoros de um filme de ficção científica de alíen. Alias, os erros do filme já começa no titulo alterado, de Batalha em Los Angeles o longa teve o nome alterado para Invasão do Mundo: Batalha em Los Angeles; Realmente há uma invasão do mundo, mas a última coisa que Liebesman faz é enfatizar o fato do motivo de toda a incessante, maçante e desagradável ação desenfreada acontecer é pelo fato de uma invasão alienígena, e se a intenção dele era trazer mistério, medo ou fobia de lutar com aquilo que não se vê, ele também peca pela falta de enquadramento necessário para este tipo de filme específico, sem contar a falta de uma boa trilha sonora e como já citado, os efeitos sonoros. Em nenhum momento do filme as naves alienígenas trazem ao público alguma sensação de originalidade ou impacto superior a raça humana, também não traz uma definição específica da forma dos alienígenas e quando decide usados no longa é apenas para causar um impacto de repugnância, muito clichê por sinal.

Impacto também é a palavra certa para o que Jonathan Liebesman tenta trazer ao filme e nem de longe obtém resultado, as atuações são de atores que parecem estar atuando no modo automático e personalidades que são oferecidas aos personagens são as mais exaustivas possíveis: o militar que se encontra na última missão da carreira e precisa provar para as pessoas o quanto ele é inocente das mortes de seus homens da sua penúltima missão falha, tem também a militar durona que quer mostrar que sabe lidar com situações graves, o soldado novato que não sabe como comandar sua tropa e é orgulhoso e assim por diante. Para tentar compensar, tenta criar situações delicadas para emocionar o público e acaba tornando a coisa mais clichê possível: tem o garotinho que acaba ficando órfão e precisa de um pai-modelo para enfrentar toda a situação, algumas piadinhas desagradáveis para minimizar a tensão (que ele acha ter criado e ter sido bem sucedida) e o vergonhoso sermão do veterano militar sobre o remorso da perca de seus homens. E vale também ressaltar como o iniciante diretor acha que para ter impacto as cenas de guerra, todos os personagens do filme têm que estar gritando sem parar, outro exemplo como Liebesman tenta extrair um apelo emocional inexistente para causar impacto e daí junta a câmera na mão, focos rápidos em rostos assustados e todo o clichê que tem se pode ter direito com um orçamento de 70 milhões de dólares.

A fim de trazer alguma realidade ao filme, várias cenas filmadas com câmera na mão são adicionadas ao filme sem nenhuma noção de enquadramento realístico, elas literalmente servem apenas para cegar o público da falta de criatividade, de um bom roteiro ou de um bom motivo para o filme existir. Por que ele não tem nenhuma mensagem a passar, não tem ação ou poder suficiente que consiga divertir o público, a única sensação que fica depois de tanta repercussão causada em seu nome é o desperdício de perder todos os elementos de um filme de ficção cientifica de destruição em massa e não trazer nada mais do que tiros, gritos e situações constrangedoras. Invasão do Mundo: Batalha em Los Angeles poderia ser facilmente um filme de guerra com o foco nos soldados que sofre com toda a guerra, o que impediu que Jonathan Liebesman construísse um filme assim era "Guerra ao Terror" de Kathryn Bigelow, a falta de um ótimo roteiro e o fato dele ser um péssimo diretor de atores.

Se a Warner Bros. está querendo limpar o nome do clássico "Fúria de Titãs" com uma sequência que será dirigida por Jonathan Liebesman, deveriam rever os conceitos e ver se estão colocando o diretor certo para fazer isto.

Nota: 3,0

Crítica Bravura Indômita

2011-02-13T11:30:00.000-08:00

Bravura Indômita

True Grit

EUA , 2010 - 110 minutos

Faroeste

Direção:

Joel e Ethan Coen
Roteiro:
Joel e Ethan Coen, baseado no romance de Charles Portis

Por Derek Klein

Esta semana cheia de oscariados chegando ao Brasil, chega o fortíssimo concorrente Bravura Indômita, remake do original de 1969, dirigido pelos irmãos Coen, e desde já, posso garantir que o filme tem absolutamente todos os requisitos esperados pela academia para vencer o Oscar de melhor filme deste ano.

Na trama, uma garota de 14 anos perde o pai, vitima de um assalto por roubo de ouro pelo bandido Tom Chaney (Josh Brolin). “Decidida a vingar a morte do pai, Mattie Ross (vivida pela estreante Hailee Steinfield) contrata o federal Reuben ‘‘Rooster’’ Cogburn (Jeff Bridges), um sujeito de ‘‘bravura indômita” como descrito no filme.

Como em Cisne Negro, de Darren Aronofski, a sacada do filme dos irmãos Coen está na forma como a história é desenvolvida, contada e reconstruída através do modo dos irmãos de dirigirem um filme. Joel e Ethan Coen trazem de volta todo o antigo faroeste de forma absurdamente minuciosa; Onde não poderiam faltar os combates em cima de cavalos, os roubos de bandidos por ouro, as mortes gratuitas vindas a se tornarem comuns e normais para a época, as falas caipiras, o orgulho dos personagens e a maneira selvagem de expressar seus afetos. Só de trazerem isso da melhor forma possível já seria um mérito aos irmãos, mais o que Bravura Indômita faz é esbanjar carismas com atuações memoráveis, criar situações cômicas envolvendo o grande herói do filme sem ridicularizá-lo, e na melhor maneira Coen, trazer um brilhantismo incontestável a uma garota de 14 anos que dá um show e rouba todas as cenas em que se encontra, misturando valores dos personagens sobre o que é o certo e o errado, de uma forma que só cabe ao público se deliciar com tudo isso.

Como já se esperava, Jeff Bridges dá um banho de atuação a todos ao seu redor como ''Rooster'' marcando o velho herói do faroeste que tem toda uma fabula de conquistas, caçadas, mortes e vitórias a sua volta e Bridges sabe entonar todas as características do personagem de forma fantástica, ora sendo orgulhoso, outra parecendo um velho bêbado, ora frio, ora de coração frágil e isso tudo sob a grande presença de o bravo pistoleiro de decisões, sabedoria e talentos incontestáveis e ainda torna-se mais interessante por que os irmãos Coen fazem com que o personagem desde o início não fique apenas no pedestal de histórias antigas, mas a todo o momento faz questão de testar a capacidade do herói, o que além de dar uma realidade maior ao personagem, deixa ao público uma conexão mais próxima e crível sobre o grande personagem. Matt Damon também se mostra muito competente como o novato federal que acha que sabe de tudo, com opiniões e decisões, na sua grande maioria, politicamente corretas, o que faz com que seu personagem enfrente muitas vezes a enorme diferença entre a sua opinião e a de ''Rooster'' sobre todos os obstáculos que virão conforme o andamento do filme, deixando a pequena Mattie Ross um pouco confusa sobre a total verdade em que ela acredita inicialmente sobre os dois.

Apesar de estar do lado de dois ''monstros'' do cinema atual, a estreante Haille Steinfield é a grande surpresa de todo o filme. Parece inacreditável que uma garota de 14 anos desenvolva uma atuação brilhante, realista e de carisma indiscutível, tão brilhante que, indicada ao Oscar de melhor atriz coadjuvante foi um grande erro da academia em subestimar e amenizar o trabalho desta garota que, sem sombra de dúvida, deveria estar e ganhar como melhor atriz, afinal ela somente foi indicada como coadjuvante para ter uma chance de ganhar o Oscar, uma decisão totalmente insensata e injusta, afinal a garota desempenha uma das atuações infantis mais críveis e competentes de toda a história do cinema, até Jeff Brigdes parece intimidado algumas vezes pela capacidade da garota. Nasce aqui um novo talento.

Dentro destes requisitos, Bravura Indômita parece ser o melhor indicado para uma academia que tem um favoritismo enorme em cima do faroeste, mas este ano, a dificuldade de um grande favorito vem de inúmeros obstáculos a serem enfrentados, por que a academia também adora boxe, filmes políticos britânicos e foi injusta com David Fincher em 2009 com O Curioso Caso de Benjamin Button. São obstáculos que, talvez, nem mesmo os irmãos Coen possam passar por cima.

Nota: 9,5

Crítica: O Ritual

2011-02-13T10:40:00.000-08:00

O Ritual

The Rite

EUA , 2011 - 114 min.

Suspense

Direção:

Mikael Håfström

Roteiro:

Michael Petroni

Por Derek Klein

Duas semanas depois de sua estréia nos Estados Unidos, O Ritual chega aos cinemas brasileiros. E para quem estava esperando algo parecido com "O Exorcista" poderá se decepcionar como o próprio personagem de Anthony Hopkins menciona a certo ponto do filme.

Na trama super batida, o Michael Novak (interpretado pelo pouco conhecido Colin O'Donoghue) está para se formar como padre, mas sente que não confia plenamente em sua fé para tomar a vida religiosa. Incentivado por um membro da igreja, Michael vai para Roma fazer um curso de exorcistas para ver com seus próprios olhos se o diabo existe ou não. Ainda descrente, o estudante é levado a conhecer o Padre Lucas (vivido por Anthony Hopkins) e junto do padre, ele vai conhecer inúmeros casos que vão obrigá-lo a sair da zona de segurança e optar por um dos lados: a fé ou o ceticismo.

A idéia do diretor Michel Hàfström é acabar com toda expectativa que poderia a se esperar vindo de uma espécie de homenagem ao clássico "O Exorcista" já no começo, o longa do diretor é baseado no realismo. Aqui não se vê cabeças girando, cama levitando e outras cenas do clássico, o demônio aqui se apresenta de forma mais sutil e de certa forma, sábio. E ao invés de colocar o personagem descrente em inúmeros conflitos com ele mesmo desde começo do filme como aconteceu com o desastroso "A Colheita do Mal'' com Hilary Swank, aonde a personagem descrente vai a uma cidadezinha resolver um mistério onde ela ser testada de suas descrenças e logo vem o desfecho de reviravoltas, o diretor sueco se contém até o meio do filme aos clichês do gênero e submete o personagem de O'Donoghue a não apenas buscar ciência dentro das incorporações demoníacas de vários personagens ao decorrer do filme, mas sim colocá-lo a tirar suas dúvidas com o próprio demônio.

Os debates são interessantes, a maneira realista das incorporações demoníacas, os sustos contidos trazem um clima de suspense bom, mas escorrega em não aproveitar e explorar mais, onde poderia colocar o personagem em situações mais anormais e duvidosas e obrigar com que o telespectador tente decifrar se os acontecimentos são realmente coisas do demônio ou que poderia ser explicado com a ciência, mas o diretor acaba seguindo o convencional, e os problemas que eram de outros acabam sendo deles, que acabam levando-o a analisar seu passado para resolver tudo. Uma pena.

Mas a dedicação de Anthony Hopkins em querer apagar a falta de criatividade do roteiro parece ser maior, e faz do Padre Lucas, um personagem profundamente assustador e interessante. Alice Braga também mantém um nível muito bom de atuação e como ambos os personagens contracenam na maioria das vezes com o protagonista, atuação do desconhecido Colin O'donoghue fica questionável em termos de qualidade, onde não se define bem se o ator foi forçado a conter-se pelo personagem ou não soube dar vida a ele.

Em um mês lotado de estréias de concorrentes ao Oscar e de extrema qualidade, O Ritual apenas não vai sofrer totalmente com sua falta de ''algo a mais'' por ter nomes de peso e ser intitulado com, hoje famoso, ''Baseado numa história real''. Caso o contrário, provavelmente O Ritual nem seria notado pela concorrência que o cinema encontra-se nesta semana. Mas de qualquer forma para os adoradores do gênero, o longa não é de todo o mal.

Nota: 7,0

Crítica: Cisne Negro

2011-02-07T14:11:00.000-08:00

Cisne Negro

Black Swan

EUA , 2010 - 108 min.

Suspense

Direção:

Darren Aronofsky

Roteiro:

Mark Heyman, Andres Heinz, John J. McLaughlin

Por Derek Klein

Acaba de chegar às telonas, o mais novo e aguardado trabalho do aclamado Darren Aronofski. Se Cisne Negro vai ganhar o Oscar, não sabemos. Mas dizer que ele não merece, é mentira.

Na trama, conhecemos Nina (Natalie Portman), uma bailarina doce e frágil, que tem como sua obsessão pessoal e profissional ser muito bem sucedida no balé. Quando surge uma nova peça na companhia de Thomas Leroy (vivido por Vincent Cassel) baseada no clássico "O Lago dos Cisnes", Nina precisa encarar uma dificuldade pessoal que o papel lhe impõe: viver os dois cisnes. O branco com toda a sua delicadeza e inocência é vivido e representado perfeitamente por Nina, mas quando a bailarina tem que encarnar o cisne negro, símbolo da sensualidade e provocações a jovem é ineficaz, o que faz com que Leroy fique de olho no trabalho de Lily, representação ideal do cisne negro. Com o passar dos ensaios e da busca pela perfeição para a interpretação de dois personagens distintos, Nina começa a sofrer uma intensa pressão que pode mudar tudo.

Aronofski nunca foi um diretor de mão fraca, muito menos de tomar decisões com que fizesse com que o telespectador fosse amenizado de todo o sofrimento, tensão e dor que seus personagens precisem passar e isso não é diferente com Cisne Negro. Como em Réquiem para um sonho e O Lutador, o diretor volta a mostrar que o estilo de vida que seguimos e as decisões que tomamos para chegarmos onde queremos tem um preço, mas não ache que Cisne Negro é material reciclado do que Aronofski já havia feito e criado, muito pelo contrário, aqui o diretor continua a surpreender o telespectador com a sua genialidade e capacidade de provocar inúmeras reações no telespectador e se torna novamente bem sucedido ao transpassar os gêneros e construir um filme com a força necessária que cada cena precisasse independente de conceitos de gêneros, algo que muitos tentam e pouquíssimos acertam.

A construção de Nina é simplesmente o ponto alto do filme. Aqui, o diretor não deixa de explorar a personagem fisicamente e psicologicamente um minuto sequer, testá-la ao extremo e nos entregar uma conexão com o público fantástica e falando em testar ao extremo, Natalie Portman que diga. A atriz simplesmente fez uma entrega literal de corpo e alma para a personagem de maneira tão dedicada que é capaz de ver as modificações da própria atriz para viver intensamente e insanamente uma personagem que vive de ultrapassar limites físicos e psicológicos. A sua conexão com o balé é realmente impressionante e pelas execuções dos movimentos, foi um trabalho muito árduo e que junto de seu brilhantismo fez uma atuação realmente memorável, onde favorita ao Oscar deste ano, será muito difícil não ganhar este premio.

Não é que Cisne Negro seja um completo símbolo de originalidade em relação à personagem que conturba toda a sua vida em devoção a algo, mas torna-se fantástico pela maneira totalmente insana, cruel, linda, fabulosa e provocativa que Darren Aronofski faz questão de fotografar de maneira que fez total diferença para o resultado do filme, e é mais um exemplo do fantástico trabalho deste diretor, que começou há tão pouco tempo e hoje, com certeza é um dos melhores diretores da atualidade.

Espero realmente um dia estar vivo para ver um trabalho de Aronofski com toda a sua intensidade e extremismos com a genialidade totalmente lógica e calculada de Christopher Nolan. Com certeza será uma experiência poderosa.

Nota: 9,5

Crítica: Harry Potter e as Relíquias da Morte (Parte 1)

2010-12-20T00:59:00.000-08:00

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1
Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 1
EUA / Inglaterra, 2010 - 146 min.
Drama / Fantasia / Suspense

Direção:
David Yates

Roteiro:
Steve Kloves

Por Derek Klein

Após quase 10 anos esperando por este momento, não havia como desenvolver mais expectativas para Harry Potter e as Relíquias da Morte (Parte1). Era o momento que todos os fãs da franquia estavam esperando, era o momento em que toda uma geração estaria sendo marcada, era o momento em que todos esperavam que David Yates nos entregasse o melhor filme da franquia. Yates não entregou o melhor filme da franquia, ele entregou o que havia de melhor em Harry Potter.

Não houve decisão mais sábia que a divisão da última adaptação. Li de alguns críticos que afirmaram incessantemente que a decisão foi feita exclusivamente por dinheiro. Acho que não é surpresa para ninguém que nenhum filme, por mais belo que ele seja, é financiado sem o pensamento do retorno deste dinheiro que é investido, obvio. Uma das maiores críticas dos mesmos que afirmaram que a divisão foi feita exclusivamente por dinheiro, apontaram que o filme é, utilizando a mesma fala deles, “uma enchessão de lingüiça”. No mínimo, eles desconhecem o fantástico livro de J.K Rowling.

Na trama, Harry, Rony e Hermione ingressam em uma jornada atrás das horcruxes, partes da alma de Voldemort colocadas em objetos para não ser morto. Conforme Voldemort começa sua guerra contra os trouxas (aqueles que não são bruxos) e bruxos mestiços, o mundo trouxa e o mundo mágico não é mais seguro e o trio é obrigado a se esconder. Semanas de solidão nos esconderijos vão se arrastando intensamente, onde a amizade começa a ser testada e a convívio começa a ser tornar insuportável.

A divisão do filme foi escolhida exatamente onde o livro muda completamente, então a primeira parte de As Reliquias da Morte é construída de forma certeira e o clima necessário consegue ser atingido de forma surpreendente. Esqueçam qualquer atuação que tenham visto de Daniel Radcliffe, Rupert Grint e em especial, Emma Watson. Aqui, David Yates conseguiu tirar tudo e mais um pouco dos três atores e construiu um filme de fantasia repleto de drama verdadeiro. Drama, alias, é a verdadeira surpresa de As Relíquias da Morte: pesado, impactante, realista e trágico eram características um pouco distantes da franquia, pouco pelo conteúdo dos livros anteriores, pouco a limitação dos atores, mas aqui tudo simplesmente vêm e cai como uma luva.

Aliás, não há nada em Harry Potter e as Relíquias da Morte parte 1 que não esteja encaixado de forma sublime, é a maravilhosa fotografia, é a fantástica trilha sonora de Alexandre Desplat, é a edição que evita cortes (algo incrivelmente comum nos blockbusters do gênero) e se estende minuciosamente conforme a cena, é impressionante. O elenco secundário continua fantástico, as poucas cenas da Alan Rickman nos mostram o quão perfeito ele é para o papel de Severo Snape, Ralph Fiennes, Helena Boham Carter entre outros estão incríveis como sempre, a surpresa desta vez fica mesmo com o trio protagonista, em especial, Emma Watson que simplesmente surpreendeu a todos e algumas vezes, parece carregar o fardo dos problemas centrais a trama sozinha, já Rupert Grint deixou o Rony bobinho de lado e trouxe um Rony engraçado na medida, de maior presença de cena e ainda mais carismático e Daniel Radcliffe simplesmente está no seu melhor momento e nos entrega tudo o que se esperava do personagem.

Também como fã da franquia, devo ressaltar o quão fiel Harry Potter e as Relíquias da Morte se mostrou em relação ao material original, é praticamente igual o que Zack Snyder fez com Watchmen, pareciam que as páginas dos livros literalmente estavam se transformando em cenas e isso de uma maneira que também não agredisse o longa como um filme por si só e não apenas uma transposição de uma obra em outra mídia. O que as pessoas não conseguiram entender nos dois primeiros longas de David Yates em relação ao material original, era que ele simplesmente não poderia seguir apenas o livro e dar continuidade à franquia como qualquer outro diretor, ele precisava estabelecer uma forte ligação entre o trio e uma ligação maior entre os personagens e o público, por que é notável que Yates pensou em As Relíquias da Morte antes de qualquer outro, é relativamente perceptível que ele saberia que quando chegasse a hora de finalizar a franquia, dar todo este tom sombrio, dramático e depressivo ao fim da franquia, ele precisaria de um conteúdo que fosse além do que outros estabeleceram a franquia e se não fizesse nada, possivelmente o desfecho de toda uma série não teria o mesmo efeito do qual vemos hoje. O mais curioso de tudo é que ele parece ter pensado no melhor desfecho dramático possível à franquia mesmo sem saber se ele seria mesmo o diretor que finalizaria a série nos cinemas. Grande diretor David Yates.

Mesmo sendo fã da franquia, dos livros e tudo mais, o maior sentimento que Harry Potter e as Relíquias da Morte deixa ao fim do projeto é surpresa. Surpresa por fidelidade, por qualidade, comprometimento e ver que esta série que estamos acompanhando a mais de 10 anos está chegando ao fim. Felizmente da melhor maneira possível.

Nota: 10

Crítica: Tron - O Legado

2010-12-19T17:04:00.000-08:00

Tron Legacy
EUA , 2010 - 125 min.
Ficção científica

Direção:
Joseph Kosinski

Roteiro:
Edward Kitsis, Adam Horowitz

Por Derek Klein

Chega este fim de semana nos cinemas, o tão aguardado Tron: O Legado, uma espécie de continuação do filme cult de 1982, Tron: Uma Odisséia Eletrônica. Detonado pela crítica, o filme do estreante Joseph Kosinski está longe de ser uma obra de arte, ou uma reinteração dentro do gênero, mas também está longe de ser a catástrofe criada sobre ele. E acho que sei o porque...

Na trama, Kevin Flynn (Jeff Bridges) desaparece certa noite, deixando órfãos seu filho Sam e a empresa, que, 21 anos depois, está prestes a trair todos os princípios do sujeito ao lançar um produto defeituoso criado por Edward Dillinger, herdeiro do vilão do primeiro filme. É então que Sam descobre o paradeiro do pai, que se encontra preso na Grade – o mundo virtual que vinha criando e que agora é dominado por CLU (também Bridges), o programa desenvolvido por Flynn para cuidar daquele universo.

Visualmente dizendo, Tron: O Legado é simplesmente perfeito: fotografia fantástica, efeitos especiais fascinantes, uma criação de design raramente vista com tanta perfeição nos cinemas. A trilha igualmente sensacional de Daft Punk acompanha o filme de maneira adequada sem perder em nenhum momento a linha, parte desta perfeição é devido aos músicos estarem presentes as filmagens para compor a trilhar de maneira mais cabível possível. O 3-D foi utilizado de maneira correta e sutil ao longa: ele funciona apenas no mundo virtual criado por Flynn e quando estamos no mundo real o longa segue em 2-D, uma escolha realmente interessante.

O problema da continuação de Tron é ter um roteiro raso que poderia ser mais aprofundado e o motivo da decepção de muitos que viram as prévias eram que visualmente dizendo Tron: O Legado estava maravilhoso e suas prévias deixavam um tom de mistério, até complexidade sobre aquele mundo totalmente original e empolgante. Digamos que a decepção de muitos foi devido Tron ter um visual tão fascinante, que deveria ter um roteiro à altura para torná-lo memorável no cinema e não foi o que aconteceu.

O motivo desta falha de roteiro não se sabe ao certo de quem veio, se do diretor estreante Joseph Kosinski que se dedicou exclusivamente no visual, dos roteiristas de Lost ou da própria Disney que pode ter bloqueado um roteiro mais complexo para o filme, pois durante a finalização do longa e uma apresentação aos produtores executivos da Pixar, o filme passou por refilmagens sem contar que 2010 simplesmente não foi o ano da Disney com excessão claro, dos fenômenos Toy Story 3 e Alíce no País das Maravilhas. O produtor Jerry Bruckheimer simplesmente errou a mão em todos os projetos do estúdio e talvez o medo da Disney de lançar algo tão complexo que fosse rejeitado pelo seu público alvo, acabou apostando em um longa mais de entretenimento, empolgante e divertido para o grande público, por que apesar de Tron: O legado não ser o que poderia ter sido, não podemos negar suas qualidades e muitas se devem à Jeff Bridges.

Bridges se sente muito confortável com a posição de mentor zen e seu carisma é inegável, faz com que as fases de seu personagem pareçam realmente verdadeiras e sua versão mais jovem, acompanhada da mesma tecnologia utilizada em O Curioso Caso de Benjamin Button, é uma experiência interessante. Já Garrett Hedlund, ator pouco conhecido vindo de pontas de blockbusters como Tróia e Eragon, o garoto parece ser o que mais se diverte com toda a experiência do longa e suas expressões caricatas são pouco expressivas, já Olivia Wilde marca presença apesar de ter um papel contido, dramaticamente dizendo e Michael Sheen diverte-se à sua maneira como Zuse, pula, dança, faz caretas bizarras que lembram uma mistura divertida dos personagens de Johnny Deep em A Fantástica Fábrica de Chocolate e Alíce no País das Maravilhas. E a pequena ponta de Cilliam Murphy como Edward Dilleger simplesmente o tornou irreconhecível.

Como resultado final, Tron: O Legado é uma experiência interessante que pode simplesmente ser divertida e facilmente esquecida ou muito melhor aproveitada em uma possível sequência, que seria muito bem vinda por sinal.

Nota: 7,5

Crítica: Resident Evil: Recomeço (3-D)

2010-09-18T20:22:00.001-07:00

Resident Evil 4: Recomeço

Resident Evil: Afterlife

EUA, 2010

Ação / Suspense

Direção:

Paul W.S. Anderson

Roteiro:

Paul W.S. Anderson

Por Derek Klein

De que Resident Evil não é sinônimo de qualidade, nem fidelidade e que o 3-D agora é o hype do momento todos já sabem e é exatamente aí que Resident Evil: Recomeço faz a diferença. Sendo o primeiro filme a utilizar as câmeras Fusion System criadas por James Cameron para Avatar, o filme utiliza a tecnologia de forma tão maravilhosa que simplesmente consegue prender a atenção dos telespectadores de forma tão surpreendente e fazer-los esquecer do desastre que é o filme em termos de roteiro e coerência.

A superficial trama traz Alice (Milla Jovovich) tentando destruir a corporação Umbrella junto de seus clones. Quando um rápido acidente acontece tudo vem há passar seis meses depois e a personagem acha que está sozinha no mundo. Não demora muito e a personagem descobre haver um grupo de resistentes que conseguiram se isolar do vírus e dos zumbis numa ilha e é a procura destes resistentes que Alice descobre um grupo de sobreviventes que viram a lutar juntos pela sobrevivência e reorganização do mundo.

O roteiro é horrível, os diálogos são fracos e os atores realmente não convencem, Paul W.S Anderson é um péssimo diretor de atores, conseguiu deixar Milla Jovovich passar em branco no seu melhor estilo de atuação, o mesmo pode se dizer de Wentworth Miller e Ali Carter. Novamente os personagens não têm profundidade, não tem desenvolvimento em tela e o telespectador realmente não consegue se identificar de maneira alguma com nenhum dos sentimentos emotivos da protagonista, nem mesmo compreender algumas passagens e personagens que vem a encher as telas repentinamente. Até aqui nada demais, outro típico filme de Paul W.S Anderson e o típico caça-níquel desenvolvido para retirar todo o dinheiro possível do público fã dos games e que realmente não tem o que fazer no fim de semana. É daí que veio a brilhante idéia de usar o 3-D para a construção do filme e o resultado é simples: Não é que o 3-D traz vida ao filme, ele segura todos os inúmeros clichês em tela e desenvolve uma construção gráfica digna de palmas e consegue tirar Resident Evil: Recomeço da catástrofe.

Com uma fotografia sensacional e absurdamente muito bem desenvolvida cai como luvas para as câmeras de James Cameron. Tão bem desenvolvida que me recuso a acreditar que Anderson não recebeu ajuda de James Cameron para trazer o 3-D de forma tão magnífica como o resultado final mostra. Desenvolvendo ambientes de maneiras mais tridimensionais e utilizando de artifícios cristalinos como água, estilhaços de balas e paredes, o desenvolvimento de tridimensionalidade em cenas paradas são incríveis trazendo objetivos de cenários comuns de maneira interativa, além de todo o espetáculo dos objetos voarem magnificamente em direção do telespectador fugindo completamente dos desastres das conversões, em exemplo o recente Premonição 4 e Fúria de Titãs que foram convertidos após serem filmados com câmeras comuns. E diante do resultado, Anderson fez tudo o que podia para fazer jus as câmeras que utilizava, seu único defeito foi a falta de originalidade da identificação visual do filme.

Apesar de muito bem desenvolvido, o visual do filme faz referências gritantes ao longo da película como Matrix, Watchmen e 300, o que apesar de sensacional acaba trazendo uma sensação de "Eu acho que já vi isso antes...", mas o telespectador que não tem costume de reparar ou mesmo que nunca tenha assistido nada em 3-D não terá problemas com isso, o desenvolvimento gráfico de Resident Evil: Recomeço é tão impactante que chama até a atenção de quem não gosta da franquia ou gênero. Mas alerta: se sua cidade não estiver exibindo o 3-D não perca seu tempo, o filme não se garante sozinho já que o longa foi criado e filmado exclusivamente para ser exibido assim. Sortes deles que terão o retorno financeiro e nosso por não sairmos frustrados de outro blockbuster deste ano, não completamente pelo menos.

Nota: 6,0

Crítica: Os Mercenários

2010-08-20T04:28:00.000-07:00

Os Mercenários

The Expendables

EUA , 2010 - 103 min.

Ação

Direção:

Sylvester Stallone

Roteiro:

Dave Callaham, Sylvester Stallone

Por Derek Klein

Quando foi anunciado o elenco de Os Mercenários automaticamente o filme se transformou em um dos mais aguardados pelos fãs do gênero de ação já que a escala do elenco incluía uma dezena de atores que marcaram épocas, o resultado final não era bem o que se esperava, mas com certeza, deverá agradar aos fãs.

Na trama, Sylvester Stallone lidera um grupo de mercenários que terão que executar um trabalho na Ilha de Vilhena onde um ditador torna a pequena ilha em uma verdadeira prisão para seus moradores. Quando Stallone enxerga o tamanho da situação que tem em mãos decide recuar e desistir, mas a jovem Sandra (Gisele Itié) acaba mexendo com os conceitos morais do grandalhão que decide ajudar a moça.

A descrição da trama acima resume nitidamente o roteiro de Os Mercenários. Despretensioso e longe de ser original, já que só pela leitura da sinopse podemos comparar o filme com qualquer um dos filmes da franquia Rambo, alias, seria mais honesto se Os Mercenários fosse intitulado como Rambo V. Não que Stallone seja um Hitchcock, mas esperava-se que a interação dos grandes atores fossem a maior sacada do filme, mas ao contrário do que poderia ter sido, o longa se resume tiroteios de longas e gigantescas escalas.

Em uma das pequenas cenas de interação realmente interessante dos personagens, como por exemplo, uma cena onde Stallone, Bruce Willis e Arnold Schwarzenegger se encontram e começam a satirizar uns aos outros, onde no final Schwarzenegger da às costas aos outros e

Willis pergunta "Por que ele está indo embora?", Stallone rebate: "Ele está indo embora por que

quer ser presidente", a jogada de humor sádico sobre a vida pessoal e as tomadas diferentes nas carreiras profissionais que distanciaram estes atores durante duas décadas parecia ser o motivo ideal para construir Os Mercenários e tira-lo da mesmice, porém, Stallone recua e nos entrega "mais do mesmo".

Longe de saber administrar um bom desenvolvimento de personagens, Stallone tenta de todas as formas se mostrar insubstituível diante do grandioso elenco. No longa, ele é roteirista, diretor e ainda estrela o filme, o que poderia ser a explicação da limitação de toda a película. Parece ser exigência demais para um longa com atores que passaram metade de suas vidas atirando para todos os lados e marcando aos grandiosos filmes dos anos 80, mas apesar de construir ou tentar construir uma análise apenas sob este consentimento o filme ainda sim fica abaixo do esperado. Transpassar um filme, ou neste caso, vários considerando todos os atores que marcaram uma época que faziam os homens liberam a testosterona pela ação desenfreada e machista literalmente à risca, considerando a época e as diferenças atuais, é no mínimo limitado

sem contar é claro, que já havíamos visto tudo isso milhar de vezes acaba transformando o filme em algo totalmente previsível e monótono, e este é o caso de Os Mercenários.

Mas apesar dos inúmeros defeitos, o longa tem lá seus méritos, o carisma dos atores e o conforto que alguns sentem nos papéis amenizam, em partes, as imperfeições de Os Mercenários. A cara de canastrão de Stallone está de volta, Jason Staham traz todo o seu carisma, Mickey Rourke também colabora e traz o seu melhor, junto de Terry Crews e todo o bom elenco secundário, apenas Jet Li mostra-se perdido no meio de todo o tiroteio, já que este subgênero de ação não é a especialidade do ator, mas seu carisma tenta abater isso.

Os fãs do gênero e dos atores provavelmente nem perceberão todos os defeitos de Os Mercenários transpõe, a excitação de ver todos os atores mais poderosos de ação dentro do mesmo filme vai ver do filme uma relembrança mais do que satisfatória, pena que na realidade não é assim.

Nota: 5,0

Crítica: A Origem

2010-08-08T10:11:00.001-07:00

A Origem

Inception

EUA / Reino Unido, 2010 - 148 minutos

Ficção científica / Suspense

Direção:

Christopher Nolan

Roteiro:

Christopher Nolan

Por Derek Klein

Sabe quando você entra no cinema com uma expectativa enorme do filme? Foi assim que eu estava quando entrei na sala de cinema para assistir A Origem, o novo filme de Christopher Nolan. Saí de lá com uma consciência: vi o melhor filme do ano. Dos últimos anos...

Christopher Nolan começou a pouco mais de 10 anos na indústria cinematográfica e com menos de 10 filmes no currículo, tornou-se um dos maiores diretores do cinema. Se sua genialidade foi comprovada em Amnésia, foi confirmada em O Grande Truque e se tornou incontestável em Batman - O Cavaleiro das Trevas com A Origem, Christopher Nolan não se mostra apenas genial, mas que a partir de agora seu nome entrará eternamente para a indústria cinematográfica. Tão genial, tão inteligente, tão complexo, tão impactante, as qualidades de A Origem são tão grandiosas que ultrapassam as telas e implantam uma idéia na nossa mente.

Sua Mente é a cena de um crime é o slogan das propagandas do filme, deveria ser alteradas para ''Sua mente viciará em um crime''. Se a frase não soasse tão negativa aos puritanos, posso dizer que ao final do filme você vai querer explorar mais, mais e mais algo que você podia até conhecer, mas a partir de agora, muito do que verá talvez insinue uma pessoalidade enorme com seu interior. Cuidado. É a genialidade de Nolan tomando conta.

Na trama, um grupo liderado por Leonardo DiCaprio utiliza uma máquina para entrar nos sonhos das pessoas e roubar-lhe seus maiores segredos. Depois de uma missão mal sucedida, o grupo recebe uma proposta que poderá mudar a negativa situação e ser apenas a única opção de Dom Cobb (DiCaprio). Mas ao invés de roubarem terão que implantar uma idéia que é um processo muito mais complicado, ameaçando suas próprias vidas.

A sinopse acima foi à maneira mais superficial que encontrei para descrever A Origem sem comprometer nenhum detalhe, apesar da rasa sinopse o filme, o longa toma um caminho extremamente longe da superficialidade, é tão ao contrário que qualquer dispersão do filme vai te custar a compreensão do todo, então já vá ciente ao cinema que você não vai esvaziar a cabeça assistindo outro blockbuster, pelo contrário, você provavelmente sairá explodindo de idéias, mas lhe garanto que gostará de todas elas.

A complexidade que Christopher Nolan constrói em A Origem, se divide em tantas subtramas entre as subconsciências, um sonho dentro de outro sonho, de outro sonho que é admirável sua capacidade de amarrar uma trama que abre inúmeras portas e sabe utilizá-las de maneiras surpreendentes, tanto na construção do roteiro genial, tanto na construção visual dos sonhos que são grandiosos e deslumbrantes.

A idéia ilimitada de uma construção infinita no mundo dos sonhos foi algo que Nolan soube dominar dentro da construção do contexto e núcleo central da trama, novamente o diretor inglês mostrou seu brilhantismo e domínio tão ressaltantes em seus filmes e utilizou certa barreira para administrar os sonhos de um jeito que justificasse o mundo utilizado pelo grupo dos extratores de idéias e o mundo imaginário que uma pessoa constrói enquanto dorme naturalmente e esta é a chave da racionalidade, onde vai determinar tudo o que entra a favor do filme e tudo o que pode ficar fora. Quando o grupo força o sono eles já têm toda uma arquitetura bolada exclusivamente para o trabalho que eles precisam fazer ao contrário de uma pessoa que apenas dorme e não há barreiras para um sonho, por que ele não foi planejado ou forçado, e por incrível que pareça, alguns críticos criticaram o filme por que não entenderam este desenvolvimento e erradamente não admitiram o erro e criticaram o filme. Mas a racionalidade e todo o conceito de Nolan viriam abaixo se ele não soubesse mesmo dentro de um sonho ilimitado as artimanhas que ele poderia utilizar, felizmente ele soube e fez um golpe certeiro.

Dentro do seu mundo arquitetônico não há limites e barreiras para as diversas idéias maravilhosas saídas da mente deste fantástico diretor, muitas das cenas são memoráveis e devem facilmente penetrar na mente do telespectador. Uma vez sabendo onde está mexendo, todo o modo calculista de Nolan desenvolve o máximo de realismo ao filme, sem contar que o diretor não gosta de utilizar efeitos especiais, algo raro hoje em dia em Hollywood e logo nos créditos do filme você provavelmente se perguntará se está no mundo real ou em um sonho, mas um ponto fantástico para Nolan. E apesar de toda a complexidade da trama, ainda há espaço para um ótimo desenvolvimento dramático e uma intrigante e provocativa subconsciência que explora o ponto fraco da teoria do caos, algo que certamente causará fascínio aos que conhecem sobre.

Como se não bastasse tamanha grandiosidade, é quase inacreditável que Christopher Nolan pudesse desenvolver habilidades técnicas mais poderosas que as de O Cavaleiro das Trevas, aqui a fotográfica é inigualável, Hans Zimmer novamente constrói uma trilha fantástica e pesadíssima que caem como uma luva dentro de uma mão, simplesmente maravilhoso, além da escolha rica do elenco. 2010 realmente é o ano de Leonardo DiCaprio, após o excelente desempenho em Ilha do Medo, DiCaprio vai além e dosa perfeitamente seu personagem demonstrando problemas que ele não pode controlar de forma admirável. Em A Origem o desenvolvimento dos personagens e o envolvimento dos atores aconteceram de forma rara no cinema de hoje, quando todos os atores dão o seu melhor para que tudo saia perfeitamente, a última vez que isso aconteceu foi em Bastardos Inglórios, mas aqui temos o sensacional Joseph Gordon Levitt, se 500 Dias com Ela trouxe o melhor do ator, não deixe de assistir este filme. Já a Ellen Page traz todo seu ilimitado carisma e ultrapassa o papel da intermediaria que explicará de certa forma o filme, seu papel é ótimo, o mesmo pode se dizer de Ken Watanabe, Cilliam Murphy, Marion Catilard, Tom Berenger e uma nota especial para Tom Hardy, o ator simplesmente é fantástico no papel de Eames, um transformador egocêntrico de saídas humorísticas perfeitas.

Com extrema carga de conteúdo, sugiro que não desgrude da tela do cinema por nenhum minuto, desta vez esqueça pipoca, refrigerante, desligue o celular e esqueça-se do mundo ao seu redor, deixe se influenciar por tudo o que verá nas telas, depois que o filme terminar, sua mente estará viciada neste crime. Definitivamente Christopher Nolan não nos trouxe apenas o filme do ano, mas a ficção científica, os sonhos não serão mais vistos da mesma forma.

Nota: 10

Crítica: Salt

2010-07-31T18:44:00.000-07:00

Salt

Salt
EUA, 2010 - 100 minutos
Ação / Suspense

Direção:
Phillip Noyce

Roteiro:
Kurt Wimmer

Por Derek Klein

Angelina Jolie e Milla Jovovich são duas das atrizes (talvez únicas) que conseguem construir uma espécie de máscara no rosto que conseguem convencer o telespectador que elas sozinhas conseguem passar por absurdos (muito divertidos por sinal) que poucas pessoas na Terra poderiam fazer, se é que poderiam. É com esta premissa que Salt chega aos cinemas e sim, do absurdo vem o nosso divertimento, e até agora, é o blockbuster que mais funcionou.

Na trama, Angelina Jolie vive Evelyn Salt uma agente da CIA que deixou seu trabalho de campo para a jornada administrativa e ter uma vida à dois. No dia do seu aniversário de casamento Salt vai interrogar um homem russo que diz ser um desertor de uma organização secreta russa que fará com que os EUA venham abaixo, com vários espiões pelo país, ele acusa Salt de ser uma. Antes que ela possa se defender, o F.B.I decide prende-la até descobrir o que realmente se passa, mas com medo de que o marido corra perigo Salt se vê obrigada a fugir para tentar evitar o pior e onde tudo é mal interpretado. Onde a própria Salt tomará algumas atitudes que o próprio telespectador vai duvidar da sua inocência.

Salt. Quem é Salt? Essa premissa fica até o terceiro ato do filme. Confundir e provocar o telespectador são as coisas que Phillip Noyce mais faz ou tenta fazer, por que talvez os que estiverem prestando mais atenção ou tiverem uma mania árdua querer ir desvendando tudo quando vai assistindo vai pegar toda a premissa de Salt logo no segundo ato, mas isso não trará a falta de interesse pelo longa, mesmo por que Angelina Jolie carrega todo o filme debaixo dos braços, como dito anteriormente, ela nasceu para este tipo de filme e ninguém faz isso melhor que ela, vide seu personagem adorável e ao mesmo tempo cruel de Sr. e Sra. Smith.

O que Salt propõe em suas cenas de ação poderia ter virado uma catástrofe em mãos de outro protagonista, apesar de Tom Cruise fazer bem o gênero, tanto que seria o ator que protagonizaria o filme se não tivesse largado para fazer Encontro Explosivo. Felizmente isso aconteceu, Cruise não seguraria o que Jolie fez e muito bem. Com cenas de ação absurdas mais super divertidas, Salt acaba virando uma caixinha de surpresas não apenas pelo roteiro, mas o telespectador espera para ver a próxima bizarrice que Jolie se safará. Com um ritmo ininterrupto, Salt é um blockbuster exemplar, divertindo sem destruir o cérebro do telespectador mais exigente e não perdendo a graça para o público que vai apenas pela ação do filme, não é perfeito, mas é um ótimo entretenimento.

Já a escala de atores se mantém em um nível exemplar, Liev Schreiber nunca desaponta, mesmo se quisesse e Chiwetel Ejiofor cumpre bem seu papel, e sem comentários sobre Angelina Jolie, acho que já falei o suficiente dela.

Como entretenimento, Salt é uma pedida e tanto para os adoradores de filmes de ação. E se você ouvir comentários que Salt segue a linha da trilogia Bourne... O filme segue por outros caminhos, mas Salt é Bourne de saias e salto alto.

Nota: 8,3

Crítica: Predadores

2010-07-28T17:30:00.000-07:00

Predadores

Predators

EUA, 2010 - 107 minutos

Ação

Direção:

Nimród Antal

Roteiro:

Alex Litvak, Michael Finch, Jim Thomas, John Thomas

Por Derek Klein

Depois do bem mediano Alien VS Predador e do não só horrendo, mas catastrófico Alien VS Predador 2, já era hora de alguém perceber que as duas franquias precisavam de uma recauchutada, a primeiro a receber esta remodelagem é Predadores, projeto que Robert Rodriguez decidiu encarar como produtor e passar a direção para Nimród Antal. O resultado é super agradável e felizmente traz toda a asquerosidade e repugnância de voltas as criaturas mais horrendas que o cinema já criou.

A trama é simples, um bando de mercenários caem numa terra desconhecida e tentando descobrir o porquê de estarem ali acabam descobrindo que estão sendo caçados por criaturas alienígenas.

Parece falta de vontade de minha parte não querer detalhar a trama do filme, mas se contar mais do que mencionei acabarei contando as poucas surpresas da história.

Mas olhando atentamente para Predadores você percebe logo de cara que Rodriguez se contenta com a produção não apenas pelo gênero não ser seu estilo, mas sim por que a idéia do filme é mesmo tentar resgatar toda a fama monstruosa e tradicional que as criaturas denominadas "Predadores" representam, e é claro, fazer com que o telespectador esqueça totalmente do desastre que Alien VS predador 2 foi e tentar estabelecer uma nova conexão com o público atual e os fãs da franquia.

De roteiro simples e diálogos nem sempre tão bem sucedidos, Predadores delonga certo tempo do filme ao abordar um clima de tensão por algo que não se sabe o que é e tudo indica não haver muita escapatória. O único problema desta abordagem é que esta visão que eu descrevi fica mesmo por conta dos personagens do filme e não para os telespectadores que conhecem a criatura há várias décadas, resta esperar então para que os tais Predadores apareçam em tela e voltem a causar a velha repugnância no público e nisto o filme se sai muito bem. Com o visual pouco modificado as câmeras de Antal voltam a explorar as criaturas milimetricamente e os rastros de Rodriguez pelo filme trazem de volta um respeito à própria criatura.

A única inovação de Predadores fica por conta dos guarda-caças das criaturas que não trazem muita relevância a trama, mas são de agrado para o filme. A modéstia de Rodriguez em relação a orçamentos trouxe outro ponto positivo ao longa, sem muitos efeitos especiais e ''enfeites visuais'' o longa mantém o realismo e não pula para a mania de computadorização gráfica de Hollywood.

Já o elenco se mantém dentro do estimado e não vai além, Adrien Brody se mostra um pouco desengonçado como o herói "Schwarzenegger" da vez, talvez devido à falta de prática mesmo, já que não é o estilo de filme que o ator costuma aparecer. A única que desbanca algo a mais é a brasileira Alice Braga que se mostra cada vez mais adapta dentro de Hollywood e mantém um inglês excepcional. A aparição de Laurence Fishburne é rápida e pouco interfere dentro da escala do elenco.

Mesmo sem grandes sobre saltos, a franquia dos monstrengos mais assustadores do cinema volta aos eixos e mostram que voltam para ficar. Como o próprio Rodriguez disse na Comic Con deste ano: ‘‘Predadores foi para restabelecer a franquia dentro do cinema e ver se funcionava, agora vamos começar nosso trabalho”. Não duvido, seu talento é inegável.

Nota: 7,5

Crítica: Os homens que não amavam as mulheres

2010-07-16T13:24:00.000-07:00

Os homens que não amavam as mulheres

Män Som Hatar Kvinnor

Suécia/Dinamarca/Alemanha, 2009 - 152 minutos - Suspense

Direção:

Niels Arden Oplev

Roteiro:

Rasmus Heisterberg, Nikolaj Arcel

Por Derek Klein

Não há satisfação maior para um cinéfilo descobrir ao acaso uma trilogia conceituadíssima na literatura da qual nunca havia ouvido falar e descobrir o quanto ela parece ser excelente. Admito a ignorância pela minha parte, confesso que (ainda) não consegui ler ao livro, mas ao mesmo tempo sinto-me redimido e feliz por descobrir as obras de Stieg Larsson, escritor sueco que faleceu antes mesmo de suas obras ficarem famosas. E mesmo desconhecendo profundamente as obras, acho que posso dizer que Os Homens que não amavam as mulheres é com certeza uma abertura digna para a trilogia e deve agradar aos fãs.

Na trama, um jornalista famoso de uma revista fictícia conceituada na Suécia é preso por difamação a um milionário magnata dono de uma rede de empresas. Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) tem certeza de que seu julgamento foi armado. Com o direito de recorrer a uma apelação, o jornalista terá seis meses para tentar achar provas que impeça sua prisão. Neste meio tempo, ele recebe um convite misterioso de Henrik Vanger (Sven-Bertil Taube) ex-comandante de uma empresa que leva seu sobrenome, Mikael então viaja até o norte da Suécia para receber uma proposta: tentar desvendar o desaparecimento da sobrinha de Vanger que está desaparecida há mais de 40 anos. O problema é que no dia do desaparecimento da garota, o vilarejo onde Henrik mora é fechado como uma ilha, onde divide o lugar com toda a família Vanger. No dia do desaparecimento houve um acidente que bloqueou a única estrada que possibilitava a saída do vilarejo, indicando que o suposto assassino da garota seja um membro da família, pessoas rudes e gananciosas, pois, a garota herdava a maior parte das ações da empresa. Antes do desaparecimento, a sobrinha preferida de Vanger presenteava o avô em todos os seus aniversários com quadro com uma flor seca prensada e o curioso é que Henrik recebe estes quadros de todos os lugares do mundo até hoje. O que faz Vanger a crer que o assassino ainda está vivo e a solta. Enquanto isso, a hacker Lisbeth (Noomi Rapace) é contratada para investigar Mikael, aonde acaba descobrindo a inocência do jornalista.

A trama é extensa, para quem está acostumado apenas a assistir aos filmes americanos de linguagens fáceis pode ter alguns problemas com a linguagem arrastada sueca, não apenas pelo que dos atores, mas o andamento da película se desenvolve diferente do padrão americano. Nada é corrido demais e geralmente vem de diálogos rápidos e extensos, um pouco estranho para quem não tem o costume, mas garanto nada que prejudique o filme, pelo contrário, a direção de Arden Oplev desenvolve a obra de Stieg Larsson de maneira mais sutil e menos barulhenta que os suspenses americanos. A envolvência do telespectador aqui vai além da trilha sonora pesada e dos sustos fáceis, não que "Os homens que não amavam as mulheres" fuja totalmente deste padrão, até porque se não deixaria de ser um suspense, mas a trama e os personagens são apresentados de formas mais pessoais, mas às vezes constrói situações brutais que fazem automaticamente o telespectador de apegar de alguma forma ao personagem e este é o caso de Lisbeth.

A garota hacker é amedrontadora, cheia de piercings e tatuagens, de personalidade extremamente forte e incomum seria um prato cheio para a incompatibilidade do público, mas após uma cena terrível de estupro, se igualando talvez as cenas de estupro de A Laranja Mecânica, do brilhante Stanley Kubrick, é quase impossível depois daquela cena não criar um vinculo com a personagem e a atuação de Noomi Rapace convence e muito. Sua postura de inicio rebelde nos convence do contrário e mostra seu passado perturbador e o quanto atormentada Lisbeth é, brutal e fria, seu lado feminino desaparece totalmente. O interessante é ver como esta ''placa de gelo'' vai quebrando ao longo das duas horas e meia do filme, de uma maneira natural imposta na trama, que não transforma o personagem em algo falso e de dupla personalidade que poderia perder toda a graça desta ligação entre personagem e público. Com certeza o personagem mais marcante do filme e de como tudo indica de toda a trilogia.

O titulo brasileiro "Os Homens que não amavam as mulheres" foi escolhido de forma enganosa pelo marketing da distribuidora. No titulo original "Os homens que odeiam as mulheres" com certeza pode dizer desde início o que o filme vai desenvolver durante toda sua projeção, desconheço da cultura sueca, mas há boatos que Larsson, escritor dos livros, fora assassinado e não morto vítima de um infarto como descreve muitos lugares. Há jornais que dizem que o escritor tinha problemas com o governo sueco pela exposição que seus livros tinham da cultura do país. Nada que indique nada, claro, mas o que não seria uma grande surpresa, não quero expor o que de fato o filme sugere, mas não é nada muito a favor dos homens suecos não.

Longe de ser uma boa atração apenas pelos boatos que circulam em volta de suas origens, "Os homens que não amavam as mulheres" desenvolve um tom investigativo ótimo que me fez lembrar-se da essência de clássicos como Sherlock Holmes. Se Guy Hitchie tivesse criado uma investigação como esta a Robert Downey Jr. algo realmente interessante, envolvente e sério, como as verdadeiras origens do personagem, com certeza tiraríamos mais proveitos do que vimos sem dúvidas. Mas o que Guy Hitchie não fez, Niels Arden Oplev traz a nós de forma muito mais ousada e interessante.

Soube que a maldição de remakes caiu também em cima de ''Os homens que não amavam as mulheres'', até diria que seria algo que não valeria a pena ser visto, que seria algo desnecessário, mas como soube que David Fincher (do maravilhoso O Curioso Caso de Benjamin Button e do futuro A Rede Social) foi quem decidiu fazer o remake, é a primeira vez que podemos dizer que poderá ser algo excelente disso tudo.

Mesmo atrasado em um ano, "Os Homens que não amavam as mulheres" tornou-se uma grande surpresa (e boa) neste ano cheio de catástrofes como "Fúria de Titãs" e se ''A menina que brincava com fogo'', segundo livro da trilogia do escritor sueco for adaptado de forma tão comprometida como este se mostra, teremos uma trilogia, enfim, muito boa para acompanhar nos cinemas.

Nota: 8,7

Crítica: A Saga Crepúsculo: Eclipse

2010-07-04T19:12:00.000-07:00

A Saga Crepúsculo: Eclipse

The Twilight Saga: Eclipse

EUA , 2010 - 124 min.

Aventura / Fantasia / Romance

Direção:

David Slade

Roteiro:

Melissa Rosenberg

Por Derek Klein

Em menos de 1 ano mais um filme da "Saga Crepúsculo" chega aos cinemas. E com David Slade na direção a franquia resolveu alguns de seus problemas, mas alguns permanecem intactos, contudo, melhor filme da saga até aqui.

Na continuação Edward se convence que seu lugar é ao lado de Bella e propõe casamento à garota e também transformar - lá em vampira. Mas acontecimentos estranhos pela redondeza começam a trilhar um mistério de que algo ruim está para acontecer. Com tantas decisões a serem tomadas Bella continua indecisa sobre seus sentimentos em relação a Jacob e de nada ajuda seu pai incentivar sua amizade com ele. Quando descobre a chegada de um novo clã de vampiros recém formados, os Cullen precisarão conter os estragos do novo grupo para impedir a chegada dos Volturi, o clã de mestres vampiros.

Percebe-se a diferença entre Eclipse e os outros longas da franquia desde seu início tenso, desde a reformulação da fotografia até os efeitos especiais o longa de David Slade é superior, chega daquele pó de arroz horripilante e artificial no rosto de Edward que está sendo trocado por uma maquiagem mais natural e sutil, o mesmo pode se dizer das lentes de contatos vermelhas dos Volturi, os efeitos especiais dos lobos, as corridas dos vampiros... Os diálogos fluem melhores.

Percebemos aqui que David Slade fez tudo o que pode para mudar muito dos pontos técnicos negativos da franquia, mas nota-se que algo não mudou em nada: o roteiro fraco. O roteiro de Melissa Rosenberg definitivamente não passa de uma pretensão de criar-se "mais um". Aqui se sente o dedo dos produtores executivos sendo mexidos, "O filme não pode ter uma história boa, tem que fluir apenas para situações em que as adolescentes esperam ver ao assistir o filme, dois homens bonitos brigando por uma garota comum''. E acredite algumas situações constrangedoras, que fazem os personagens viverem aquilo apenas para saciar esta ininterrupta e progressiva compulsão das adolescentes (e novamente funcionou, pela inquietante reação das garotas dentro da sala de projeção).

Infelizmente o problema desta vez não é a direção, pelo contrário, Slade tentou de tudo para mudar o que pode para aprimorar a franquia, mas não obteve tanto sucesso, soube que David chegou a gravar 120 vezes o mesmo "take" de uma cena para tentar obter atuações melhores do limitado trio, claro que considerando que a explosão de dinheiro que a franquia faz em conseqüência apenas dos rostos e corpos deles pouca coisa foi alterada, os diálogos fluem melhores, Robert Pattison está começando a diminuir o rosto sofrido e o mesmo pode se dizer de Kristen Stewart que conteve a expressão de ''inalterável'', mas nada tão positivo, ele continua dizendo frases que nenhum homem no planeta Terra falaria e ela continua parecendo uma boneca de pano sem expressão. Já Taylor Lautner continua sem camisa até mesmo na neve. E aqui mais um dedo dos produtores executivos.

Mas no que David Slade pode mudar melhorou e muito, a ação finalmente está convincente, não apenas pelo melhor aperfeiçoamento dos efeitos especiais, mas sim as formas de como as coisas foram feitas e executadas, com mais ferocidade e "takes" mais violentos deixaram os lobos e os vampiros realmente ameaçadores, algo fatal nos filmes anteriores.

O que de resumo podemos obter é saber que mesmo que a frânquia receba um ótimo diretor, o gosto das garotas estará sempre falando mais alto para os produtores executivos. O que resta saber é: você acha que o material apresentado é digno para assistir a continuação ou pára por aqui?

Nota: 7,5

Crítica: Kick-Ass: Quebrando Tudo

2010-06-26T08:21:00.000-07:00

Kick-Ass - Quebrando Tudo

Kick-Ass

EUA / Reino Unido ,

2010 - 117 minutos - Ação

Direção:

Matthew Vaughn

Roteiro:

Matthew Vaughn, Jane Goldman, Mark Millar

Por Derek Klein

Depois de uma agradável recepção na Comic Con ano passado Kick-Ass: Quebrando Tudo chega aos cinemas. Tudo o prometido por Matthew Vaughn é cumprido e o longa é um dos mais audaciosos dos últimos anos, o único problema do longa é ter divulgado a maioria das cenas nos trailers, quebrando o "algo além" na expectativa.

Como na HQ, o filme conta a história de Dave Lizewski (Aaron Johnson) um garoto nerd viciado por quadrinhos questionando o motivo de por que ninguém nunca ter tentando ser um super-herói. Após notar e ser vitima da violência de sua cidade, Dave decide se transformar em um herói combatente ao crime. Só que ele não esperava achar outras pessoas no ramo e vilões de verdade.

A brutalidade e a inocência são retratadas de forma tão comum no filme que causa espanto no telespectador e ao mesmo tempo empolgação. Junto da ferocidade e humor negro de ver uma garota de 11 anos fazer e falar coisas inacreditáveis já é prova de que Matthew Vaughn não conseguiria ter o filme exatamente como ele chegou aos cinemas se realmente não o tivesse próprio financiado e dado ao projeto toda a densidade necessária para que a película não tivesse se tornado mais um "Dragonball: Evolution" da vida. E mesmo com o risco de valir, ele negou a todos os estúdios que quiseram comprar o filme com a condição de alterações. Isto que é paixão à arte e Kick-Ass esbanja esta vontade que Matthew Vaughn teve todo o tempo para que este projeto ganhasse vida.

Os personagens estão ótimos, Aaron Johnson como Kick-Ass não poderia estar melhor, toda a inocência e vontade que constrói o personagem desde o primeiro ato vão se transformando conforme o tempo e ele vai tendo consciência do que criou e das conseqüências de seus atos, já Chloe Moretz se mostra uma atriz fantástica, é quase inacreditável como a garota conseguiu chegar a um nível extremo para dar feracidade e brilhantismo na personagem Hit-Girl e Nicholas Cage finalmente saiu do automático e voltou a ser ator, está ótimo como Big-Daddy junto de todo o elenco secundário.

O resultado da audácia do filme é super positiva, Kick-Ass é superior aos longas do gênero e uma das boas surpresas neste ano que definitivamente decepcionou demais com vários projetos (esperamos que isso mude com Inception de Christopher Nolan, Harry Potter e Tron Legacy). O único problema do longa é não ultrapassar as expectativas de quem já havia visto o material do longa nos trailers, mas se você não os viu, desconsidere e divirta-se! Hit-Girl destrói!

Nota: 8,5

Crítica: Toy Story 3

2010-06-19T16:07:00.000-07:00

Toy Story 3

EUA , 2010 - 103 min.

Animação / Aventura / Comédia

Direção:

Lee Unkrich

Roteiro:

Michael Arndt, John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich

Por Derek Klein

Já faz anos que a Pixar Animation Studios é sinônimo de excelência e qualidade. A questão que sempre passou na cabeça de todos era saber quando eles errariam, a resposta é provavelmente nunca. Toy Story 3, a primeira trilogia do estúdio não apenas fecha o ciclo dos brinquedos mais conhecidos do mundo como também, arrisco dizer, a melhor animação de todos os tempos.

Na trama o tempo passou e Andy (Dublado por John Morris ) já está com 17 anos e na hora de entrar para a faculdade, o que deixa Woody (Dublado por Tom Hanks) e seus companheiros desesperados com medo de acabar indo para o lixo e sendo esquecidos. Depois de uma pequena confusão os bonecos vão parar na creche do bairro onde são usufruídos por crianças sem nenhuma "delicadeza". Para ajudar, são recebidos por Lotso (Dublado por Ned Beatty), um ursinho de pelúcia que domina todos os brinquedos do local e ainda obriga os novatos a serem as "presas" das crianças impedindo a fuga dos brinquedos de Andy.

O que a Pixar sempre nos proporciou com seus filmes anteriores vide “Wall-E” e “Up-Altas Aventuras” contando-os com uma história simples de maneira formidável, consegue aqui inacreditavelmente ser aperfeiçoados de maneira incrível o que já parecia ser inalterável. Toy Story 3 é simplesmente irretocável.

A maneira de brilhante de construir uma animação infantil sem nunca subestimar a inteligência das crianças e ainda ressalta de forma simples e magnífica o politicamente correto, algo que será notado aos mais atentos, como por exemplo, uma cena onde Woody escala uma prateleira da creche cheia de material escolar nota-se as tesouras devidamente penduras no local mais alto e de difícil acesso ou como a subida de Buzz Lightyear na privada onde o personagem coloca papel higiênico da borda para subir e não se sujar.

O que torna Toy Story 3 a um patamar acima das outras animações do estúdio como Wall-E (O melhor filme do estúdio até então) e Up-Altas Aventuras (2º melhor) é conseguir estabelecer uma comunicação com todos os públicos sem afetar nenhum deles negativamente, não que isso fosse um defeito dos dois citados, mas será visivelmente compreensível a quem assistiu os últimos dois e assistir à Toy Story 3 verá que tanto Wall-E quando Up-Altas Aventuras estabelecia uma animação infantil com um conteúdo mais adulto o que fugia um pouquinho (mas nada que mudasse o brilhantismo dos filmes) dos conceitos dos estúdios e Toy Story consegui unir os conceitos do estúdio que são filmes de aventura para toda a família com um conteúdo nada fútil como a dor da separação, a amizade e o recomeçar de novo de uma forma que agrade literalmente todos os públicos, sem apelar demais no drama ou construindo um filme de piadas fúteis, realmente é algo único.

É realmente sensacional e incrível ver a dedicação e a vontade de um estúdio como a Pixar que constrói e estabelece laços com o público de uma maneira jamais vista e sim, se você chorou assistindo Wall-E ou Up-Altas Aventuras, provavelmente se emocionará com Toy Story 3, confesso que foi difícil conter as lágrimas, mas pode ficar tranqüilo que de drama o longa está longe, mas seus momentos "pessoais" são indiscutíveis.

Construído de forma única, o fim da primeira trilogia da Pixar saber dosar todas as químicas emocionais que possam construir o caráter e o senso de um ser humano (Sim! Com a aventura de bonecos) de forma que talvez jamais você note visualmente tudo o que eu disse, mas com certeza sentirá, isso é o essencial.

A melhor animação de todos os tempos.

Nota: 10,0

[P.S: O Curta que inicia o espetáculo da Pixar é igualmente brilhante ao filme]

Crítica: Príncipe da Pérsia: As Areias do Tempo

2010-06-03T19:55:00.000-07:00

Príncipe da Pérsia: As Areias do Tempo
Prince of Persia: The Sands of Time

EUA , 2010 - 116 min

Aventura

Direção:

Mike Newell

Roteiro:

Boaz Yakin, Doug Miro, Carlo Bernard

Por Derek Klein

Em mais uma semana de blockbusters, chega aos cinemas "Príncipe da Pérsia: As Areias do Tempo. Vindo de adaptações de uma franquia dos consoles intitulada "Prince of Pérsia". O novo filme de Mike Newell traz outro épico aos cinemas. É superior ao longa de Louis Leterrier (Fúria de Titãs) mas os problemas de um, são iguais o do outro.

Na trama, um pobre garoto é visto com bons olhos ao rei da Pérsia e lhe é concedido lugar dentro dos nobres e Dastan (Jake Gyllenhaal) torna-se um nobre príncipe. Após a vitória de batalha, Nizam (Ben Kingsley) arma uma armadilha para o rei, seu irmão e culpa Dastan que se vê obrigado a fugir com a ajuda da princesa Tamina (Gemma Arterton), com ela o príncipe descobre que seu tio quer uma adaga cuja sua areia é capaz de voltar no tempo para mudar seu passado e se tornar rei.

De uma fotografia esplêndida, Príncipe da Pérsia é tecnicamente quase irretocável, uma construção gráfica grandiosa junto de técnicas de filmagens capazes de conseguir tudo o que se precisa para aperfeiçoar tecnicamente cenas grandiosas e épicas. As referencias ao jogo são muitas e deve deixar os fãs contentes, porém sua história segue um caminho distinto do jogo. Uma produção de Jerry Bruckheimer feita pela Disney era e é compreensível que se deixe toda a sanguinolência do jogo e deixe o filme "mais acessível" ao público. Até aqui tudo bem. Mas por que, POR QUE O FILME TINHA QUE VIR REPLETO DE PIADINHAS INSUPORTÁVEIS?

Como "Transformers 2" e o recente "Fúria de Titãs", Príncipe da Pérsia perde e deixa de ser tudo o que se esperava. Os produtores executivos dos estúdios hollywoodianos devem estar achando que somente crianças até 10 anos de idade frequentam o cinema e mais ninguém. Mas devo dizer que tudo isso é contraditório já que nenhum dos filmes citados é para menores de 12 anos. Pura ironia ou a massa que freqüenta o cinema está cada vez mais fútil e ignorante ao ponto destes produtores executivos colocarem QUALQUER material em exibição e as pessoas tratarem aquilo como algo que realmente seja sensacional. Ser um filme rotulado como "Blockbuster" tudo bem, mas descomprometimento tem limites que deveriam ser impostos em todas as pessoas que cada vez mais lotam as salas de filmes do gênero. Infelizmente. Não que Príncipe da Pérsia seja tão ruim ao ponto de merecer tamanho desabafo, mas para quem frequenta os cinemas para uma análise e não somente por diversão a cada ano que se passa as temporadas de blockbusters estão cada vez mais fúteis do que divertidas o que não era para acontecer, esperamos que os próximos filmes melhorem tudo o que já veio, de longe uma das piores temporadas dos últimos 6 anos.

Voltando ao longa, Príncipe da Pérsia: As Areias do Tempo também cai no clichê hollywoodiano de achar tudo o que é dark pode ser transformar em algo engraçado e não me refiro a adaptação que foi feita do jogo ao longa mais sim de tudo o que foi incluído no filme, além de cenas que são absurdamente desnecessárias como a dos avestruz e passagens que são construídas apenas para dar continuidade a ação desenfreada que levará ao desfecho.

Jake Gyllenhaal é um bom ator, fez um ótimo trabalho em "O Segredo de Brokeback Mountain", mas como Sam Worthingtion, Gyllenhaal não convence como um príncipe, suas expressões são incapazes de criar um personagem de presença, mas ao contrário de Worthington suas expressões tentam e algumas vezes são carismáticas e suas cenas de lutas ao menos são convincentes, só não são ótimas porque seu rosto americanizado corta o efeito do que seu corpo faz em muitas cenas de ação. Gemma Arterton cria uma boa química com Gyllenhaal, mas os mesmos problemas americanizados do ator atingem a moça, já Ben Kingsley se esforça junto com a ajuda de suas expressões que o tornam automaticamente um tanto quanto do maléfico, mas não vai além. O resto do elenco mantém um resultado mediano.

Com uma história simples e um roteiro fraco, o longa decepcionou nas bilheterias norte-americanas de uma maneira que sua continuação está indefinida e incerta. Mas realmente não sei se acho tudo isso bom ou ruim. Bom se conseguirem acertar toda a palhaçada que colocaram ao longo deste filme ou ruim se tornarem tudo isso ainda pior.

Nota: 6,0

Crítica: Fúria de Titãs

2010-05-23T11:51:00.000-07:00

Fúria de Titãs

Clash of the Titans

EUA / Inglaterra, 2010

Ação / Aventura / Épico / Fantasia

Direção:

Louis Leterrier

Roteiro:

Travis Beacham, Phil Hay, Matt Manfredi

Por Derek Klein

Depois de um atraso de mais de dois meses para chegar ao Brasil, finalmente Fúria de Titãs chega aos cinemas. O novo filme de Louis Leterrier, uma produção de 200 milhões de dólares transforma os efeitos especiais em protagonistas e os protagonistas em objetos de cenários.

Na simples trama (até demais) os Deuses do Olímpio começam a ficar nervosos porque os mortais não se importam mais com eles e eles mesmos começam a formar seus lideres. Num ataque de raiva, Hades (Ralph Fiennes) convence seu irmão Zeus (Liam Neeson) a exigir com que as pessoas paguem pela falta de fé divina e propõem aos moradores da maior cidade habitada por humanos Argos a ficar diante de um tributo: sacrifiquem a bela princesa Andrômeda (Alexa Davalos) ou a cidade será devastada pelo Kraken, a maior criatura já criada pelos Deuses. O único que poderá fazer impedir isso será o filho semideus de Zeus, Perseu (Sam Worthington), cuja família foi destruída por Hades e junto dos soldados da cidade, decide através da vingança por um fim nisso tudo.

Novamente o que se tem aqui é uma história mal aproveitada. Muito mal aproveitada por sinal. Apesar de ser uma refilmagem do clássico de 1981, o problema do aproveitamento não vêm da reconstituição das cenas e roteiro, já que muitas vezes em um remake, algumas coisas são mudadas, o que era previsto, já que a história do original não era nada excelente. O problema de Fúria de Titãs é que Louis Leterrier construiu um filme, visualmente dizendo, sensacional e literalmente esqueceu de todo o resto.

Não há espaço para mais nada no filme que não seja efeitos especiais. O roteiro altamente superficial limita-se junto aos personagens aprofundar-se apenas no que seria preciso para dar continuação ao longa e abrir espaço a mais correria e efeitos sensacionais. Não há reconhecimento nenhum entre público e protagonista, Sam Worthington literalmente é uma marionete durante toda a projeção sem ao menos criar ou improvisar nada que pudesse criar outro efeito ao personagem e um ponto a menos à Leterrier que se mostra um péssimo diretor de atores quando tem nas mãos Liam Neeson e Ralph Fiennes dois atores sensacionais que também se limitam aos papéis se uma forma quase que inacreditável diante do histórico de seus outros filmes, chega a ser assustador.

Já com os elementos gráficos, cenografia e figurino Leterrier é impecável, neste ponto Fúria de Titãs é sensacional. Mas a vontade de incluir tanta correria e várias criaturas ao mesmo tempo torna-se uma arma contra as criações, são muitas ao mesmo tempo, mas nenhuma é desenvolvida da forma que deveria ser e para pegar uma censura leve as criaturas assustadoras são vitimas dos clichês hollywoodianos, onde os personagens que são assustadores e misteriosos tornam-se aliados dos mocinhos e alvos de piadas dignas de “Transformers 2: A Vingança dos Derrotados”.

E infelizmente muita criação fica à deriva de cópias de elementos que deram certo em outros filmes, como o ataque do escorpião, é quase impossível não lembrar de que Michael Bay fez em “Transformers” com seu escorpião de ferro no deserto de Qatar ou as bruxas com os olhos nas mãos como em “O Labirinto do Fauno”, uma criatura que simboliza um dos pecados capitais feita por Guilhermo Del Toro. Resumindo tudo é muito lindo e grandioso feito de forma espetacular, mas tudo é mal aproveitado.

O material que Louis Leterrier tinha em mãos era o suficiente para tornar Fúria de Titãs inesquecível, mas preferiu caracterizá-lo como mais um blockbuster onde com certeza a massa adorará o filme e nem perceberá os erros dentro dele. Diante das expectativas formada em cima do longa,

Fúria de Titãs foi à decepção do ano até agora. Visualmente lindo e só.

Nota: 5,0

Crítica: Alice no País das Maravilhas

2010-05-23T11:18:00.000-07:00

Alice no País das Maravilhas
Alice in Wonderland

EUA , 2010 - 108 min.

Aventura / Fantasia

Direção:

Tim Burton

Roteiro:

Linda Wolverton

Por Derek Klein

Vindo de uma espécie de continuação de um dos maiores clássicos da literatura infantil, Alice no País das Maravilhas chega aos cinemas por Tim Burton. Louco, magnífico, brilhante, quase irretocável. Quase.

Na trama Alice (Mia Wasikowska) está com 19 anos e prestes a se casar com um lorde inglês chato e sem graça, sem reação ao pedido do casamento, a garota corre atrás de um coelho que a persegue em seus sonhos há um bom tempo e acaba caindo dentro do mundo subterrâneo que já tinha visitado quando era uma criança, mas sempre achou que era um sonho. Mas tudo agora está diferente, a rainha vermelha domina o País das Maravilhas e cria uma ditadura a todos que ousem não atender seus pedidos. Quando Alice descobre que não havia caído lá à toa, a garota descobre que está no meio de uma profecia em que ela terá que livrar aquele mundo surreal do mal em que se encontra. Mas a garota não tem certeza se realmente é a Alice que todos estão esperando, já que não se lembra de ter visitado aquele lugar.

Tim Burton sempre foi um diretor diferente de qualquer outro. Seus projetos são únicos, malucos, divertidos e surreais. Alice no País das Maravilhas não poderia ter caído em mãos melhores. Burton reconstrói todo o universo do clássico de forma maravilhosa, tudo muito detalhado e minucioso e nunca esquecendo, claro, do brilhante tom surreal (doentio até) e um tanto sombrio com qual o filme tem como seu melhor.

Os personagens são muito bem colocados e o elenco formidável cria o tom perfeito que os personagens precisavam: Johnny Depp voltou a se maquiar e novamente cria sua incomparável simpatia, doçura e expecionalidade que faltava desde que tentou protagonizar um personagem "comum", literalmente o mundo real não é seu forte e exemplo disto é “Inimigos Públicos”, mas aqui o ator volta com seu melhor e transpassa o Chapeleiro Maluco de forma sublime. Anne Hathaway dá a pureza necessária à Rainha Branca e sua leveza com a personagem é algo que apenas ela poderia ter feito, já que seus traços pessoais refletem toda a idéia. Helena Boham Carter novamente está impecável, é incrível como ela nunca perde sua essência e como todos os citados, a Rainha Vermelha está na dose exata, louca, obsessiva, insegura e divertida, com certeza suas cenas durante o longa são o alto do filme. Do elenco principal a única que fica devendo mesmo é Mia Wasikowska, a atriz é muito repetitiva nas expressões o que deixa Alice um tanto quanto desinteressante, mas nada que estrague a viagem que o filme te proporciona.

O "Quase" citado no começo do texto vem mesmo de um problema de roteiro, Tim Burton sempre criou coisas maravilhosas, mas seus roteiros não são o forte de seus filmes. Em Alice no País das Maravilhas também não é diferente. Pecando na simplicidade, Burton confia mais no que os personagens e o mundo subterrâneo possa passar ao telespectador e se esquece às vezes que é a história do filme que tem que conduzi-los. Sua confiança deixa em certos momentos o público deslumbrado por sua perfeita criação, mas em outros à mercê de uma história um tanto quanto vaga, erro que poderia ter sido concertado com a inclusão de pequenas subtramas, que não fugissem do foco principal, mas que dessem mais objetividade no roteiro, que por isso se torna previsível.

Mas podem ficar tranquilos, o mundo construído por Tim Burton é sensacionalmente único e te proporciona uma viagem fantástica e como um bom conto de fantasia infantil, te faz querer voltar a ser criança. Uma obra delicadamente mágica.

Nota: 8,3

Crítica: Homem de Ferro 2

2010-05-02T16:35:00.000-07:00

Homem de Ferro 2
Iron Man 2
EUA , 2010 - 124 min. Ação
Direção:
Jon Favreau
Roteiro:
Justin Theroux

Por Derek Klein
Depois de exatos dois anos de bastantes expectativas, Jon Favreau traz de novo seu Homem de Ferro aos cinemas. Diferente do que costuma acontecer com os filmes hollywoodianos, Homem de Ferro 2 supera seu original explorando mais os personagens e com uma ação mais controlada. O que talvez possa decepcionar os fãs.

Passado seis meses após ter assumido a posição de super-herói, Tony Stark (Robert Downey Jr.) precisa encarar as conseqüências de suas decisões ao tornar pública sua identidade secreta, seja ela com o governo, com seus inimigos e concorrentes e consigo mesmo.

Consigo Mesmo? Sim. Tony Stark é extremamente egocêntrico e totalmente tomado por sua excentricidade, vangloriando a si próprio por ser a pessoa mais poderosa do mundo e poder com isso trazer a paz mundial. Pelo menos é o que ele acha. Quando se depara com Ivan Vanko (Mickey Rourke), um inimigo antigo da família, que literalmente o humilha na frente de milhares de pessoas, acabando com seu ego. Percebendo que "um Deus pode sangrar", Stark percebe que apesar de poderoso, ainda é um ser humano e como qualquer um, ele pode falhar. Isso o deixa mal. Muito Mal. A ponto de suas atitudes serem anti-heróis e auto-destrutivas. Quando as vulnerabilidades começam aparecer, seus inimigos começam se unir para destruí-lo e os amigos tomarem as atitudes que acham certo prevendo a destruição de todo o nome da família Stark, acabando com o ego de Tony.

O que torna este filme superior ao original são as paralelas entre ficção e realismo. O roteiro é escrito de uma forma que nem sempre te conduz apenas a uma linha e sim entre paralelas, e logicamente, elas são refletidas em Tony Stark. Suas atitudes além de narcisistas e egoístas tornam-se autodestrutivas, que dividem o personagem em uma posição dificilmente exploradas em filmes de super herói e muito menos se saem bem nestas investidas, ou melhor, muito bem.

Como sempre Robert Downey Jr. não poderia estar melhor, o personagem parece ter sido escrito exclusivamente para ele, que em vários momentos, reflete o próprio ator. Além de Downey, todo o elenco secundário está muito bom. Mickey Rourke exibe mais uma vez um pouco de sua loucura, apesar do personagem estar muito bem interpretado, sente-se um pouco do contentamento que o ator teve que ter para não passar ou se igualar a Robert Downey Jr. o ego do ator não poderia deixar que acontecesse com ele o mesmo que aconteceu em "Batman - O Cavaleiro das Trevas", onde o vilão tomou e correu com todo o filme debaixo dos braços. Gwyneth Paltrow continua graciosa e visivelmente intimidada pela nova colega de trabalho Scarlett Johansson que excedeu as expectativas na sua atuação, normalmente, bem limitada.Don Cheadle entra no lugar de Terrence Howard, onde substitui o colega bem a vontade no personagem.

Com um roteiro bem desenvolvido, dando ênfases entre paralelos entre ficção e realismo e o tom mais sombrio com humor generosamente bem-vindo, a única coisa que pode ser alvo dos fãs é a falta e ação no filme. Por ser um blockbuster o filme contém-se na ação e visa um desenvolvimento maior (felizmente), mas nas poucas cenas de ação, o longa faz bonito com tomadas visualmente muito bem construídas e muito bem filmadas, mérito ao diretor de fotografia.

Desenvolvido pela Marvel, de junto de outros super-heróis, para também ser um convite ao seu projeto que traz vários super-heróis em uma formação chamada S.H.I.L.D, que virá aparecer por completo em "Vingadores". Então esperem os créditos que a ponta do projeto está mais uma vez jogada no fim da projeção.

O começo da temporada de blockbusters não poderia ter começado melhor.

Nota: 9,3

Crítica: O Livro de Eli

2010-03-28T18:51:00.000-07:00

O Livro de Eli
The Book of Eli
EUA , 2010 - 118
Ação / Aventura / Ficção científica
Direção: Allen Hughes e Albert Hughes
Roteiro: Gary Whitta

Por Derek Klein

Já faz tempo desde o último filme dos irmãos Hughes e também faz um certo tempo desde o último filme descente de Denzel Washington. A únião foi bem positiva, porém não teve seu devido retorno.

Em um ambiente pós-apocalitíco, Eli (Denzel Washington) caminha sozinho pelas extensas estradas rumo ao oeste, desde a guerra que houve há muito tempo, que aniquilou a maior parte do planeta, a sociedade tornou-se extinta civilizadamente, transformando o convívio humano um tremendo caos. Quando Eli chega a uma cidadela, depara-se com Carnegie (Gary Oldman), um homem obssecado por livros. Quando descobre que Eli tem uma cópia de um livro que procura há anos e que Eli não dará à ele, Carnegie trava uma batalha para obter o livro, que contém uma poderosa arma.

O que realmente prova a competência do longa é a combinação desta briga entre ''gato e rato'' e o que se vai perdendo junto dela. Uma química cria-se em volta de Denzel Washington e Gary Oldman, além da competência de ambos, a dignidade de um e a falta do outro, faz de O Livro de Eli uma experiência interessante além de efeitos especiais. Mas é claro que o resto também é satisfatório, de uma ambientação meio faroeste e uma fotográfia beirando o sépia acrescenta pontos a película e as lutas muito bem coreográfadas dão uma empolgação extra ao novo filme dos irmãos Hughes.

Apesar de pequenos escorregões, não há nada que comprometa O Livro de Eli, realmente não deu para entender o resultado nos cinemas, mas alguns pontos do filme o tornará cultuado daqui algum tempo, quem assistir notará rapidamente do que falo.

Nota: 8,5

Crítica: Ilha do Medo

2010-03-28T18:44:00.000-07:00

Ilha do Medo
Shutther Island
148 min. - EUA
Drama/Thriller/Suspense
Direção: Martin Scorsese
Roteiro: Laeta Lehane

Por Derek Klein

Desde ''Amnésia'' de Christopher Nolan, nenhum filme investigativo havia chegou perto de uma genialidade incrível que prendesse o telespectador ao ponto de, voluntariamente, ele dedicar-se a desenvolver os enígmas perante a tela. Engenhoso, audacioso, criativo e surreal são fortes marcas do novo filme de Martin Scorsese. O filme começa a desenrolar de uma premissa simples, conhecemos Teddy Daniels (Leonardo Di Caprio), um detetive perturbado com a morte da esposa e com as coisas terríveis que foi obrigado a fazer durante a Segunda Guerra Mundial. Quando é chamado para fazer investigações em um sanatório construído sobre uma ilha onde, misteriosamente, uma paciente desapareceu e cabe à ele desvendar o que aconteceu, já que é impossível sair do local sozinho. Lá também teráque encarar o passado.

A película já começa sensacionalmente bem com uma trilha sonora horripílante e dono de uma fotográfica exemplar, construíndo personagens interessantes. Com Leonardo Di Caprio se olhando no espelho dizendo ''Controle-se'' e a trilha sonora inquietante, o longa já entrega que sua ambição não vai parar por ali.

Martin Scorsese cria um contexto desconfortável durante todo o longa, além do próprio hospital psiquiátrico, todos dentro da ilha parecem suspeitos e em nenhum momento do filme o diretor dá descanso a quem está assistindo e gloriosamente, o telespectador pode agradecer e muito por isso, já que os 148 minutos do filme passam desapercebidos. Cria-se um ambiente onde tudo tem que ser observado e como se não bastasse os sonhos surreais de Teddy, bizarros mais estéticamente maravilhosos junto de um ambiente paranóico, é dificil não lembrar de ''O Iluminado'', onde tinhamos que percorrer pelos corredores do prédio não sabendo de onde viria a próxima surpresa, temos aqui uma homenagem da bela estética de um dos maiores filmes de terror da história do cinema.

Mas tudo ficaria vago se não houvesse um roteiro que colocasse jús a tudo aqui criado e novamente Scorsese não erra a mão e faz uma combinação audaciosa, já transformando Ilha do Medo em um dos melhores filmes do ano, tendo sua história comparada de certa forma ao brilhante ''Amnésia'', onde tudo o que se vê é deformado pela mentira e a integridade do personagem principal. É difícil de acreditar no que tudo de uma hora para outra se transforma e engenhosamente, o telespectador logo fica sem base para se sustentar. Formidável.

O elenco também não desaponta, Di Caprio se esforça muito para se adequar ao personagem conforme suas mudanças, Ben Kingsley definitivamente sabe amendrontar, mostra-se um ótimo ator no gênero, Mark Ruffalo segura muito bem seu papel e o elenco secundário é muito competente.

O conjunto que se forma ao redor de Ilha do Medo o torna imperdível, ao menos que não goste do gênero e um pouco de gore. Mas definitivamente abra uma exceção.

Nota: 9,5