Adventure Graphics

Cómo dar nueva vida creativa a sus diseños con el diseño retro

2021-07-15T12:57:00.001-07:00

El diseño gráfico contemporáneo a menudo hace referencia a épocas pasadas y estilos históricos del diseño gráfico. De hecho, la inspiración se puede encontrar tanto en la estética como en las referencias culturales del diseño pasado, pero se utiliza mejor cuando se reinterpreta y actualiza, en lugar de copiar e imitar. Es decir, mire al pasado, pero hágalo relevante para el presente.

Tome su lápiz y papel y retrocedamos en el tiempo. Echemos un vistazo a 150 años de diseño gráfico, desde 1850 hasta 2000, y cómo puede darle nueva vida a su trabajo creativo volviéndose retro.

01. Era Victoriana (1850-1900)
El diseño gráfico de la era victoriana es fuerte en su tipografía y el "más es más" estaba sin duda a la orden del día. Llamada así por el reinado de la reina Victoria, la era victoriana (y la Revolución Industrial que la precedió) vio cambios radicales en la manufactura y la producción, así como cambios sociales y económicos.

Las nuevas tecnologías hicieron que la impresión y el papel fueran más asequibles y las empresas emplearon el diseño gráfico para obtener beneficios comerciales. Los tipógrafos desarrollaron tipografías y letras nuevas y ornamentales, y las esparcieron por carteles, anuncios, revistas y cualquier otro material impreso con una estética elaborada, simétrica y muy estampada.
Para inspirarse con el diseño de la época victoriana:

Llene la página, toda ella, pero mantenga el diseño simétrico
Experimente con letras a mano y tipos de letra elaborados
Agregue sombras, contornos y adornos a las letras
Integre texto e imagen como una obra de arte

El diseño gráfico de la era victoriana es una opción adecuada para una cafetería de Buenos Aires que tiene 'Victoria' en su nombre y muchos detalles únicos e inventivos en su diseño de interiores. El logo de Victoria Brown desarrollado por The Brand Bean tiene un diseño simétrico, tipografía distintiva y formas florales; y está apropiadamente rematado con una corona.

Este calendario tipográfico de Mr. Cup es una interpretación moderna del diseño gráfico de la época victoriana con líneas angulares y geométricas que irradian simétricamente desde el sello central. Un patrón grabado llena la página y es más claro, visualmente, que si estuviera completamente negro.

02. Artes y oficios (décadas de 1870 a 1910)
Si pensaba que el diseño gráfico de la era victoriana tenía muchos patrones, entonces aún no ha visto nada. El movimiento Arts and Crafts fue una reacción contra la fabricación en masa y los productos de mala calidad de la Revolución Industrial.

Dirigidos por William Morris, los defensores propusieron un regreso al diseño artesanal, la verdad en los materiales y la alegría en el trabajo. Utilizaron procesos de producción tradicionales y buscaron patrones e inspiración en la naturaleza y el pasado.

Para inspirarse con el diseño de Arts and Crafts:

Use una paleta de colores inspirada en el mundo natural.
Cree patrones densos de formas entrelazadas, florecidas y curvas.
Represente formas florales y vegetales como las ve en el mundo real.
Utilice tipos de letra atrevidos y de inspiración medieval

Dana Tanamachi es una artista del lettering y diseñadora que desarrolla sus habilidades en bares, cafés y restaurantes de Nueva York. Esta pared de tiza con patrones pesados tiene formas florales y vegetales entrelazadas que no solo llenan los espacios entre las letras, sino que las transforman en sí mismas.

La identidad visual de Studio Ahamed para el huerto medicinal orgánico Puree no tiene el mismo patrón denso, pero representa la naturaleza como es en la vida real y utiliza una paleta de colores expresiva del mundo natural. El resultado es una estética que se ve lo suficientemente bien como para comer.

03. Art Nouveau (década de 1880-1910)
El Art Nouveau se percibe a menudo como una representación de la naturaleza en forma de remolinos y rizados. De hecho, el Art Nouveau es una expresión del cambio psicológico - y la ansiedad - que tuvo lugar a principios del siglo XX y gran parte del diseño fluido y sinuoso refleja un estado de flujo y cambio.

Hubo nuevos descubrimientos y tecnologías y una mayor conciencia del mundo. Además, los hombres se sentían amenazados por la mujer moderna cada vez más liberada que estudiaba, trabajaba y montaba en bicicleta (si puede creerlo), y representaban a las mujeres en un estado de aprisionamiento.

Para inspirarse por el diseño Art Nouveau:

Enfatice las líneas y las formas abstractas y cree diseños planos, influenciados por la tradición japonesa.
Utilice líneas y formas sinuosas y fluidas que se transforman, se mueven y se funden.
El diseño debe ser expresivo del tema.
Presentan rostros de mujeres

La portada del libro de Juan Hernaz para Ancient Tales of Japan está apropiadamente inspirada en la influencia del diseño japonés popular durante la era Art Nouveau. La 'C' y la 'J' del título se transforman en formas naturales; las flores casi crecen desde el fondo de la cubierta; y una libélula (un símbolo popular del Art Nouveau) vuela desde la esquina superior derecha.

Esta identidad visual para Violette Chocolatier presenta un fuerte énfasis en líneas, formas que transmutan y un rostro de mujer atrapado en el logo . El diseñador Martin Sitta dice que está inspirado en el trabajo de Alphonse Mucha, un artista Art Nouveau cuyos carteles y anuncios distintivos presentaban hermosos rostros femeninos y líneas arremolinadas.

04. Dadá (1910-1920)
El Dadá o Dadaísmo fue un movimiento anti-arte que se concentró en la política anti-guerra.
Para los artistas dadaístas, la guerra no tenía sentido; puso en tela de juicio a la sociedad que participaba y, por tanto, puso en tela de juicio su arte. Los artistas dadaístas buscaron destruir los valores tradicionales en el arte y reemplazar lo antiguo por lo nuevo.

Subversiva y experimentalmente dirigieron una revolución tipográfica contra la "concepción idiota y nauseabunda de los libros pasados de moda", y como resultado, las páginas explotaron con letras e imágenes espontáneas destinadas a "redoblar la fuerza expresiva de las palabras".

Para inspirarse con el diseño dadaísta:

Experimente con la tipografía, el diseño y los espacios en blanco
Rompa las reglas y no siga ningún orden
Clip de imágenes, boletos, periódicos y otro material impreso para fotomontaje
Cuestionar y subvertir significados combinando una variedad de imágenes y texto.

La pregunta es qué hicieron los artistas Dada y el diseño de empaque de Lauren Golembiewski lo dice allí mismo en la caja: ¡Cuestionar el gusto! El diseño explora el espacio en blanco, las letras experimentales y el fotomontaje, y cada botella está condimentada con un nombre sin sentido.

El concepto de este cartel cuestiona qué significa para la gente el barrio de Vila Madalena en Sao Paulo. El resultado final está destinado a transmitir la variedad de eventos culturales y artísticos en el barrio y, por lo tanto, está adecuadamente influenciado por el trabajo experimental de los artistas dadaístas.

05. Avant Garde (1920-1930)
El período de entreguerras fue una época inventiva e innovadora, y el término Avant Garde se usa a menudo para referirse a las personas y obras que provienen de esta época. De hecho, los artistas experimentales e innovadores traspasaron los límites del diseño.

En los Países Bajos, los artistas de De Stijl abstrajeron y redujeron formas y colores para expresar un nuevo ideal utópico de armonía y orden espiritual.

En Rusia, los diseñadores constructivistas fusionaron el arte con las nuevas tecnologías y la ideología política para ayudar a construir el nuevo estado revolucionario.

En Alemania, los defensores de la Bauhaus fusionaron el arte, la artesanía y la industria para diseñar mejores productos para las masas.

Para Inspirarse por el diseño Avant Garde:

Adopte fuertes líneas y formas geométricas
Use una paleta de colores básica y saturada
Incorpore fotomontaje
Haga que la tipografía sea grande y audaz para transmitir el mensaje

Rocket y Wink tienen la paleta de colores fuerte y mínima adecuada para el diseño corporativo de German Haus. Además, inspirado en la Bauhaus, el diseño se compone únicamente de formas geométricas (cuadrados, rectángulos, triángulos y círculos) y se utiliza para afectar a todos los elementos de la identidad visual.

El diseño de la portada del CD (no oficial) de Yannuck Buchs hace referencia claramente al trabajo de los constructivistas rusos con una paleta de colores rojo, negro y blanco; fuertes líneas geométricas que cortan el formato cuadrado; y elementos de fotomontaje en blanco y negro.

Krzysztof Iwanski tiene una fantástica carpeta de trabajos ( compruébalo aquí ) con una gran selección de carteles audaces y abstractos, muchos de los cuales hacen referencia a las ideas de la vanguardia. Este póster es un collage de fotos en blanco y negro, color saturado y bloques de hormigón, respetando el espacio en blanco de la página.

06. Art Deco (1920-1930)
Desde los rugientes años 20 hasta la Gran Depresión, el Art Deco tenía la intención de impulsar tanto la producción como el consumo. Art Deco se originó en Francia, donde los artículos de lujo se consideraban fundamentales para la reactivación económica a corto plazo.

El artesano francés utilizó materiales exóticos, revivió las técnicas tradicionales e incorporó referencias al mundo clásico y colonial para crear artículos exclusivos y únicos.

A medida que el Art Deco se extendió a Estados Unidos, los diseñadores adoptaron las formas de la máquina, la ciudad y el comercio para crear una nueva estética adecuada para una forma moderna de vivir y consumir.

Para inspirarse por el diseño Art Deco:

Incorpore líneas geométricas fuertes y radiantes.
Estilice y abstraiga formas para crear formas planas y bidimensionales, como si estuvieran congeladas en su lugar
Inspírese en los rascacielos, las máquinas, el transporte y la era del jazz.
Cree superficies brillantes, relucientes y brillantes

El Art Deco se extendió por todo el mundo en las décadas de 1920 y 1930, incluida Shanghai, y específicamente Donghu Road. Thread Design creó este diseño de estilo Art Deco para Shanghai Brewery ubicada en Donghu Road. Cuenta con contornos dorados de famosos edificios Art Deco sobre fondos de colores vivos.

El concepto del diseño de Murmure para el festival de música electrónica Nördik Impakt consiste en crear una ruptura visual con la estética anterior, al igual que el concepto Art Deco. La identidad gráfica moderna y elegante brilla en oro y presenta rascacielos modernos representados con patrones geométricos que se disipan en la página.

07. Estilo internacional (1950-1960)
¿Alguna vez se preguntó dónde y cuándo se originó ese célebre tipo de letra Helvetica? Bueno, esto es todo. El estilo internacional (también conocido como estilo suizo) fue la búsqueda de la simplicidad, el minimalismo y la precisión después de la agitación de la Segunda Guerra Mundial.

En las décadas de 1950 y 1960, los diseñadores suizos avanzaron en los ideales modernistas de la vanguardia y experimentaron con la tipografía y el fotomontaje. Consideraban a los diseñadores como comunicadores y, como tales, no veían la necesidad de expresarse personalmente.

De hecho, el estilo encarnaba el mantra "la forma sigue a la función", ya que los diseñadores crearon un lenguaje gráfico universal, anónimo y objetivo.

Para inspirarse por el diseño de estilo internacional:

Utilice tipografías sans-serif, como Helvetica
Incorpore fotografías en lugar de ilustraciones o dibujos.
Dele a su diseño un respiro con mucho espacio en blanco
Utilice una cuadrícula para diseños estructurados y asimétricos.

La simplicidad y la claridad son claves aquí. Tomando el concepto de 'menos es más', The Negra diseñó una identidad visual minimalista y moderna para reflejar los ambientes minimalistas y modernos del estudio de arquitectura Cm2. El diseño tiene énfasis en la tipografía y el diseño estructurado con una paleta de colores en blanco y negro.

Abbas Mushtaq creó un proyecto de diseño conceptual para el Campeonato de Tenis de Wimbledon con letras llamativas y fáciles de leer, mucho espacio en blanco, imágenes fotográficas y una paleta de colores muy simple.

08. Mediados de siglo (1950-1960)
Mientras tanto, en la América de mediados de siglo, estaban celebrando la buena vida con mucho optimismo y prosperidad después de la Segunda Guerra Mundial.

Los diseñadores se basaron en los ideales de los modernistas europeos y los fusionaron con ese sentimiento de optimismo y prosperidad para crear un trabajo brillante, colorido y vibrante destinado a atraer a los consumidores y alentarlos a gastar, gastar y gastar.

Para inspirarse el diseño de mediados de siglo:

Utilice una paleta de colores vivos y brillantes
Aproveche al máximo el espacio en blanco y dé a su diseño mucho espacio para respirar
Incorpore ilustraciones divertidas y expresivas.
Cree composiciones vibrantes y caprichosas

Estos carros de juguete de madera recuerdan una era antes de los juguetes de plástico, por lo que Ivan Aguair creó un diseño de empaque que también evoca esta era. Su diseño de estilo de mediados de siglo presenta ilustraciones coloridas y abstractas de automóviles estadounidenses que se dibujan para representar la velocidad y el movimiento.

Vicki Turner tiene un estilo de ilustración que recuerda el diseño de mediados de siglo, particularmente el trabajo del gran Alexander Girard . Su estilo es detallado y compacto con un fuerte sentido de la geometría, atractivas combinaciones de colores y referencias al arte popular.

09. Psicodélico (1960-1970)
El movimiento psicodélico estuvo influenciado por la prevalencia de las drogas alucinatorias en las décadas de 1960 y 1970. De hecho, cuando todos esos bebés de la posguerra alcanzaron la mayoría de edad en las décadas de 1960 y 1970, cuestionaron los valores materialistas y conservadores de Estados Unidos, lo que resultó en un movimiento juvenil revolucionario que presagiaba rebelión y experimentación.

Con festivales de música y conciertos, y en consecuencia las drogas, siendo una característica destacada del panorama social, el diseño gráfico expresó visualmente la sensación de 'disparar' con colores intensos, líneas y formas arremolinadas (similares a las que se ven en Art Nouveau), y apenas -tipo legible.

Para inspirarse con el diseño psicodélico:

Use una paleta de colores brillantes y contrastantes
No deje ningún espacio sin tocar
Incorpore caras
Cree formas a partir de fuertes líneas arremolinadas que parecen moverse y transformarse

Un diseño alucinante el que tiene este menú de Trippy Taco. Tiene colores neón brillantes y muchas líneas radiantes para cuestionar la integridad de su vista.

Este póster de One Horse Town es una obra de arte fantástica que hace referencia al diseño psicodélico y, dado que es apropiado, anuncia una serie de conciertos para The Black Keys. No se ha dejado ningún espacio sin tocar mientras las líneas y las formas parecen moverse y transformarse.

10. Posmodernismo (1970-1980)
Diseño posmoderno, ¿qué es realmente? Bueno, después del orden y la racionalidad que gobernaron el diseño modernista, los diseñadores posmodernos buscaron arrojar la formalidad y la seriedad por la ventana y en su lugar trabajaron con un diseño atrevido, llamativo y caprichoso.

Después de todo, era la década de 1980. Ignoraron las convenciones tradicionales y crearon un diseño gráfico expresivo y divertido que combinaba referencias de la alta cultura y la cultura pop.

Para inspirarse por el diseño posmodernista:

Combine tantos colores brillantes como puedas
Sea juguetón, pierda toda seriedad y piense en la forma, no en la función
Utilice el fotomontaje por diversión y estética, no por significado.
Apunte el diseño a una audiencia popular

Eric Yankher ha ilustrado a Kanye West para la revista Printed Pages con un retrato apilado que hace referencia tanto al diseño Dada como al Avant Garde y ciertamente elimina las convenciones.

Como dice Yankher , "la capacidad de reconocer a una celebridad a partir de partes apiladas es quizás una de las únicas cosas que realmente separa a los humanos de los piojos púbicos".

Write Sketch & (WS &) , la marca de papelería de Office Milano, rinde homenaje a Memphis , el grupo de diseño posmoderno de Italia. Los colores pastel brillantes son perfectos, al igual que las líneas y formas que son para puro deleite estético, y nada más.

11. Grunge (década de 1990)
Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots: mucha música excelente surgió de la era del grunge de los noventa; al igual que algunos ejemplos sucios de gran diseño. Como el postmodernismo loco fue una reacción al modernismo funcional, el grunge silenciado fue una reacción al posmodernismo colorido.

Se pretendía que fuera una representación más precisa y realista de la vida real con manchas sucias, imágenes borrosas, iconos rotos y texturas sucias. David Carson es el gran maestro del diseño grunge y experimentó con tipografía expresiva, imágenes de fondo y texturas.

Para inspirarse con el diseño grunge:

Utilice una paleta de colores tenue, apagada y opaca
Experimente con imágenes borrosas y distorsionadas
Aplique texturas y elementos sucios, como manchas y lágrimas.
Incorpore elementos escritos a mano y tipografía irregular

La banda alternativa estadounidense Mudhoney es oriunda de Seattle, la capital del grunge, y su música muy distorsionada fue influyente en la escena musical de Seattle. Apropiadamente, este póster está muy distorsionado mezclando colores apagados, tipografía irregular e imágenes grotescas.

El diseño de Marissa Passos para una publicación sobre Thomas Edison experimenta con tipografía garabateada y dibujada a mano y texturas e imágenes en capas para obtener un resultado que, dice , "no sigue las reglas habituales y adopta un enfoque rebelde".

Conclusion
Las tendencias y modas en el diseño gráfico son cíclicas. Mire al pasado en busca de inspiración significativa (no solo estética) y sea un innovador, no un imitador. Y recuerde, las tendencias históricas en el diseño gráfico se reinterpretan mejor cuando hay relevancia en su contexto y significado.

Articulo traducido de su original publicado por Rebecca Gross para Canva:

Going retro: How to bring new creative life to your designs with retro design

El nuevo proyecto artístico de Natasha Pilipo y Chamaleon Amour

2021-06-16T10:26:00.008-07:00

La comunidad artística mexicana contemporánea tiene un nuevo escaparate donde exponer su trabajo. Natasha Pilipo y Chamaleon Amour, artistas plásticos contemporáneos, viajeros y ciudadanos del mundo, radicados actualmente en España, están por desarrollar una galería de arte contemporáneo online, un canal de YouTube y una página web, donde los artistas mexicanos y del mundo tendrán la oportunidad de mostrar su trabajo.

Artistas en búsqueda constante de nuevas fuentes de inspiración, así como medios por los cuales dar a conocer su arte, ahora esa búsqueda los lleva a incursionar en el mundo de las galerías online donde es posible exponer virtualmente la obra de artistas de todo el mundo y así llegar a todo aquel que esté interesado en el arte como forma de expresión artística y emocional.

Es por eso que por este medio se convoca a todos los artistas plásticos contemporáneos mexicanos o comunidades artísticas que deseen formar parte de este nuevo proyecto, a colaborar en conjunto con Natasha y Chamaleon a formar parte de una nueva comunidad artística y propuesta que seguramente será de gran éxito.

Para todos aquellos interesados en información de contacto y/o enviar su currículo se pueden visitar los espacios en internet que Natasha Pilipo y Chamaleon Amour tienen, o en sus redes sociales.

El arte de Artur Bordalo, de la basura a las galerías de arte.

2021-03-24T13:17:00.002-07:00

Artur Bordalo utiliza el nombre de artista Bordalo II, como homenaje a su abuelo, el pintor Real Bordalo, con el fin de promover una continuidad y reinvención de su legado artístico.

Su juventud transcurrió entre el estudio de su abuelo Real Bordalo, quien tenía una pasión incesante por las acuarelas y óleos y retrataba paisajes y escenas típicas de la ciudad, y las aventuras en torno al graffiti ilegal en el inframundo de la ciudad de Lisboa. .

Asistió al curso de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa durante ocho años, sin haberlo completado nunca, sin embargo, estos años le permitieron descubrir la escultura, la cerámica y experimentar con una variedad de materiales que lo han alejado de la pintura.

El espacio urbano se convertiría en el escenario elegido para sus exploraciones de color y escala y la plataforma donde poco a poco transformó sus hábitos y canalizó sus experiencias en la construcción y desarrollo de su obra artística, que actualmente se centra en cuestionar a la sociedad materialista y codiciosa de del cual es (también) parte.

La producción y el consumo excesivo de cosas, que se traduce en la producción continua de “basura” y, en consecuencia, en la destrucción del Planeta, son los temas centrales de sus obras. Esta “basura” se asume como la insólita y única materia prima que Bordalo utiliza en la construcción de piezas de pequeña y gran escala que ha esparcido por el mundo y que, sobre todo, pretende ser el vehículo de un manifiesto universal.

https://www.bordaloii.com/
Fuente: Roc21

Freshwich, la simplicidad hecha un empaque para sandwich

2021-03-18T12:30:00.000-07:00

El empaque de FRESWICH puede ser simple, pero está lejos de ser aburrido. Cada diseño de caja significa el sándwich que contiene. Por ejemplo, la caja blanca es para la gama básica, la caja beige es para veganos y la caja negra para sándwiches de gama "chef". La simplicidad resuelta detrás de una comida tan clásica.

¿Cómo nombrar una marca de bocadillos que destaque por la frescura de sus ingredientes? “FRESWICH”. Es bastante obvio, pero no debemos olvidar que a menudo son las cosas más obvias las que funcionan mejor, y cuando se trata del difícil arte de nombrar productos, esta es una regla de oro.

Este mismo deseo de ser directo y sencillo nos llevó a crear un logo en el que la palabra “freswich” (escrita en minúsculas, fiel a la humilde sencillez de un mero sándwich) aparece entre paréntesis como una obvia representación del paréntesis formado por el rebanadas de pan que hacen un bocadillo, y también el paréntesis en el tiempo que implica detener lo que estás haciendo para disfrutar de un bocado. La imagen simbólica del ingrediente principal se realiza en un solo color en el fondo (blanco para la gama básica, beige para la gama vegana y negro para la gama “chef”) de una manera que ayuda a identificar cada variedad y, además, hojas. El frente del paquete se despejó, enfatizando la ventana transparente a través de la cual el sándwich revela su contenido. Explica Lavernia y Cienfuegos, agencia creadora del concepto y campaña para la marca Freshwich.

Lavernia y Cienfuegos es un estudio de diseño multidisciplinar y agencia global especializada en diseño gráfico, diseño industrial y packaging.con sede en Valencia, España.

Fuente: The Dieline

Delicadas esculturas en papel por Calvin Nichols

2021-03-08T17:02:00.000-08:00

En las obras de arte de Calvin Nichols, las plumas y pelo de sus creaciones están meticulosamente elaboradas a partir de pequeños trozos de papel. Así su textura, si se ve cerca, se asemeja a un paisaje nevado, pero cuando se ve en su forma completa, la obra de este artista canadiense cobra vida y los animales perece pudieran salir, volar y saltar del lienzo. Nichols esculpe meticulosamente cada detalle del cuerpo de un animal dando volumen solo con tiras de papel a las plumas de un ave y los músculos tensos de una jirafa o un tigre a punto de saltar sobre su presa.

Cada trabajo está elaborado con papel de algodón tratado para evitar el amarillamiento de mismo, utilizando cantidades minúsculas de pegamento para asegurar las piezas individuales, empleando cuchillos y herramientas de texturizado para esculpir con precisión cada parte delicada. Para el artista, la elaboración de pieles y plumas es igualmente desafiante, y es difícil predecir cuánto tiempo tomará terminar una pieza.

La fascinación del artista por el papel como medio proviene de las clases de diseño gráfico en la universidad, además de colaboraciones posteriores con un colega. Estas experiencias forjaron aún más su interés en experimentar con diversos materiales y papeles con los que se había familiarizado a través del comercio de gráficos.

Para ver la colección de animales monocromáticos de Nicholls sígalo en Behance e Instagram , y vea parte del proceso de creación de sus obras en su página web y más aún, si desea alguno de los originales o impresiones que tiene disponibles visite su tienda .

https://calvinnicholls.com/

Fuente: Colossal

El arte de Deniz Sağdıç o de como convertir harapos en obras de arte.

2021-01-25T16:07:00.005-08:00

Nacida en Mersin, Turquía, Deniz Sağdıç comenzó su educación artística en la Facultad de Bellas Artes de la universidad de su ciudad natal, graduándose como la mejor de su clase en el 2003. Su aspiración a triunfar como artista la llevo a mudarse a Estambul, la capital del arte de Turquía, donde estableció su propio estudio años después. Su estilo plástico característico que involucró formas líquidas y retratos que desarrolló en sus primeros años como artista se convirtió rápidamente en su firma característica. Su trabajo fue celebrado por críticos, coleccionistas, arquitectos e interioristas y se instaló en diversos espacios arquitectónicos y productos de diseño.

Su proyecto llamado Ready Remade que realizo en el 2016, donde convierte objetos nostálgicos irrelevantes, en obras de arte que la gente puede relacionar, fue muy aclamado por la crítica por su profundidad conceptual y fuertes vínculos con el upcycling. Su más reciente proyecto, Denim Skin, convierte la mezclilla usada en piezas para contar historias sobre diversos temas como la igualdad y la democracia.

El proceso de Deniz es sencillo y gran parte de este consiste en recolectar mezclilla de ropa desechada. Posteriormente cada prenda la corta en trozos cuadrados, rectangulares o tiras para no desperdiciar ni los botones.

Finalmente, el empleo de la imaginación se ve en un gran lienzo donde une cada una de los cortes iguales. En el cual da forma a los retratos, usando la mezclilla clara y deslavada para luces y la más oscura para sombras.

El resultado final deja ver una obra realista que destaca la creatividad y el detalle de Deniz. Así como la diversidad de posibilidades que existe en cualquier material para crear arte.

Además de su proyecto en curso donde recicla mezclilla usada para convertirla en arte, actualmente viaja a diferentes ciudades y crea piezas de arte en mezclilla hechas a medida para cada ciudad con la contribución de las personas que viven en cada ciudad.

http://www.denizsagdic.com/

Fuente: Allcitycanvas

Un samurái creado por Juho Könkkölä con solo una hoja de papel.

2021-01-25T09:37:00.003-08:00

Juho Könkkölä pasó más de 50 horas marcando y doblando solo una hoja de papel de arroz Wenzhou para crear este samurái minuciosamente detallado con armadura plateada, casco tradicional y espada. Comenzando con una página de 95 x 95 centímetros, el artista finlandés de 23 años utilizó una combinación de técnicas de origami húmedo y seco para dar forma al guerrero de 28 centímetros de altura de su propio diseño. "Hay varios cientos de pasos para doblarlo desde el cuadrado y probablemente hay miles de pliegues individuales", dijo, señalando que la elaboración de los patrones geométricos para la armadura fue lo más difícil. "La asimetría en el diseño me permitió incluir (una) espada en un solo brazo mientras podía hacer que el personaje pareciera simétrico".

Könkkölä documentó su proceso de plegado en un video donde se puede apreciar el proceso de creación de la escultura.

Juho Könkkölä es un artista de origami finlandés de 23 años que hace realidad sus ideas doblando papel. Con más de 15 años de experiencia en el plegado de modelos de origami, su objetivo es crear personajes humanos expresivos. Los personajes se inspiran en la historia, los cuentos populares, las mitologías, los libros, las películas, los videojuegos y las observaciones de la vida real. Cada obra de arte se pliega a partir de una sola hoja de papel cuadrada, sin ningún corte. El proceso de creación de un personaje puede llevar varios meses de trabajo.

Podemos apreciar el esplendor de su trabajo en su cuenta de Instagram o en su sitio de internet.

Fuente: Colossal

La Biblioteca del Patrimonio de la Biodiversidad, ofrece para descarga toda su colección de ilustraciones.

2021-01-08T11:57:00.001-08:00

Anunciada como el archivo digital de acceso abierto más grande del mundo dedicado a la vida en la Tierra, la Biblioteca del Patrimonio de la Biodiversidad se compone de bocetos de animales, diagramas históricos, estudios botánicos y diversas investigaciones científicas recopiladas de cientos de miles de revistas y bibliotecas de todo el mundo. En un esfuerzo por compartir información y promover la colaboración para combatir la actual crisis climática, el sitio cuenta con una colección de más de 55 millones de páginas de literatura, algunas de las cuales datan del siglo XV. Hay al menos 150.000 ilustraciones disponibles para descarga gratuita en archivos de alta resolución.

Entre las colecciones se encuentra una copia digital de The Zoological Sketches de Joseph Wolf , dos volúmenes que contienen alrededor de 100 litografías que representan animales salvajes alojados en Regent's Park de Londres. Wolf originalmente dibujó y pintó las viñetas a mediados del siglo XIX. Otras obras diversas van desde un proyecto de acuarela que detalla flores autóctonas de las islas hawaianas, hasta una guía de taxidermia de bricolaje repleta de instrucciones ilustradas publicada en 1833.

La biblioteca también ofrece una variedad de herramientas, que incluyen funciones de búsqueda para encontrar especies por taxonomía y otra opción para monitorear conversaciones en línea relacionadas con libros y artículos en el archivo. Añadiendo constantemente colecciones al dominio público, la organización está trabajando actualmente en un proyecto para promover el conocimiento de las notas de campo disponibles en los Archivos de la Institución Smithsonian, las Bibliotecas Smithsonian y el Museo Nacional de Historia Natural.

Para aquellos que no quieran buscar en páginas de archivos, diríjase a Flickr e Instagram para una experiencia visual más optimizada.
Fuente: This Is Colossal

11 Tendencias del diseño grafico para este 2021

2021-01-04T17:37:00.003-08:00

Lo bueno de las tendencias del diseño gráfico es que cada año tienen oportunidad de reiniciarse. Y dado que este pasado 2020 fue desafiante, las tendencias del diseño para este 2021 pueden ser un soplo de aire fresco.

Si bien las tendencias pasadas fueron impulsadas por la promesa de una nueva década, tomando prestado de la ciencia ficción y la tecnología futurista, las tendencias de diseño gráfico de 2021 están poniendo a las personas primero. Tomamos muestras de opiniones de nuestra comunidad global de diseñadores gráficos, y sus predicciones, que van desde el simbolismo clásico hasta los elementos de la naturaleza y la pintura analógica, señalan tendencias que se basan en el aquí y ahora.

El diseño gráfico se trata de transformar lo plano en algo especial. Entonces, echemos un vistazo a las tendencias que los diseñadores gráficos tienen para este 2021 por medio de 11 tendencias que estarán en auge en este año que comienza.

1. Psicodelia abstracta.
La psicodelia tiene sus raíces en la música y arte de los 60´s. Se asocia a los alucinógenos y la experimentación creativa en el contexto de la agitación social, en resumen, a la apertura de la mente. En contraste desde entonces hasta ahora, parece encajar con los tiempos: las imágenes caóticas de la psicodelia que fomentan la libertad, la sensación de que los diseñadores ya no están sujetos a las limitaciones tradicionales.

En el 2021, los diseñadores gráficos revivirán la psicodelia a través del color excesivo y abstracciones intensamente intrincadas que marearían al propio MC Escher. Estos son diseños que cobran vida propia, tanto en sus explosivos arreglos como en su complejidad, en la medida que no hay dos visiones iguales.

Si bien las formas distorsionadas y las imágenes confusas pueden ser el punto, la simetría puede hacer que incluso las composiciones más complicadas se sientan estables. Es como si esta nueva psicodelia sugiriera que hay formas de mantenerse enraizado incluso en las circunstancias más absurdas.

2. Renacimiento del símbolo
En el diseño, las pequeñas cosas importan. Las barras de colores en una pancarta ondulante pueden unificar una nación, y una forma tan simple como un octágono rojo puede salvar vidas en una intersección concurrida.

Históricamente, símbolos como estos se han referido a la universalidad. Ya sea que esto se presente en forma de transmitir advertencias o identificar una causa bajo una iconografía compartida, el poder de los símbolos clásicos radica en su capacidad para trascender el lenguaje. Los diseñadores estarán aprovechando este poder en el 2021 para crear íconos aspiracionales de resiliencia, crecimiento y empoderamiento.

Lo harán incorporando de manera creativa símbolos de poder reconocibles, como diosas, estrellas y leones estoicos. También estaremos viendo a los diseñadores modernizar motivos visuales clásicos, como el escudo medieval de Eliza Osmo o el marco de vidrieras de tinta svart. A través de símbolos clásicos, los diseñadores estarán dando forma a los talismanes que necesitaremos para alejar la desesperación el próximo año.

3. Retro futurismo
El retro futurismo, los sueños de ciencia ficción de una época pasada, es atractivo por las formas espectaculares en las que el pasado se equivocó. A estas alturas, se esperaba que tuviéramos autos voladores, pistolas de rayos y criadas robot. En cambio, tenemos Roombas.

Pero a través de los tiempos, el retro futurismo como estilo visual ha prevalecido debido a su imaginación audaz con una perspectiva sorprendentemente optimista, al menos más que nuestras visiones actuales de fatalidad de programas como Black Mirror. Los retro futuristas creían en el progreso humano, hasta el punto de que ni siquiera los temibles marcianos verdes en platillos voladores serían rivales para nuestro ingenio científico.

Estilísticamente, este optimismo encuentra su expresión a través del énfasis en los colores brillantes, la tipografía inspirada en la computadora y las curvas, desde cascos espaciales tipo pecera hasta arcos y cúpulas. En lugar de devolvernos a un pasado idealizado, el retro futurismo de 2021 promete transportarnos a los buenos viejos tiempos de los días por venir.

4. Surrealismo impecable
El "surrealismo" es uno de esos términos artísticos que la gente tiende a asociar con lo inescrutable: imágenes sin sentido por diseño. Pero lo que la gente suele olvidar es que contiene la palabra "realismo". Lo real se entrelaza con lo surrealista, y en ningún año se sintió más profundamente que en 2020, cuando las pandemias de la mala ficción se convirtieron en nuestra forma de vida.

Los diseñadores gráficos están expresando esta ansiedad a través de collages surrealistas, donde imágenes que serían normales por separado se vuelven extrañas cuando se combinan. Un hombre con cabeza de manzana puede ser normal del cuello para abajo y una piscina en el patio trasero puede contener una cadena montañosa completa.

La ilusión es perfecta, lo que dificulta separar una imagen de otra. El efecto es saludar a los extraños con indiferencia, aceptar combinaciones imposibles como una. Como enfoque de alto concepto, esperamos ver esta tendencia con más frecuencia en medios centrados en imágenes, como carteles, carátulas de álbumes y portadas de libros.

5. Representación auténtica
El movimiento Black Lives Matter representa un momento decisivo de protesta mundial sin precedentes. Tenemos la esperanza de que sea solo el comienzo de un nuevo examen del prejuicio sistémico y de que su impacto continúe extendiéndose por todas las industrias en 2021, incluido el diseño gráfico.

Ya hemos visto a los diseñadores esforzarse por deshacerse de los modelos en favor de personas auténticas y diversas en la ilustración y la fotografía de archivo. Imaginamos que esto irá aún más lejos en 2021, más allá de la mera inclusión para la celebración. Vimos diseñadores de color animados en la inmediatez de las protestas de BLM, y el resultado fue un retrato de hombres y mujeres negros en escenarios y poses poderosos e inspiradores.

Si hay algo que el diseño debe evitar es la uniformidad. Destacar varias culturas, tonos de piel, edades e identidades representa una oportunidad emocionante para hacer diseños que, como personas auténticas, son verdaderamente únicos.

6. Personajes irreverentes
El buen diseño puede contar una historia. El gran diseño hace que esa historia sea inolvidable. Para 2021, muchos diseñadores gráficos buscaran deshacerse de las imágenes abstractas en favor de personajes extravagantes. Y cuanta más personalidad encarnan estos personajes, más memorables se vuelven.

La ilustración conceptual se encuentra en el corazón de esta tendencia, proporcionando no solo poses de personajes sino personalidad en forma de un enfoque dibujado a mano. Es por eso que estos estilos pueden variar desde el rayado cruzado detallado hasta las formas, líneas y colores simplificados de los dibujos animados modernos. Los conceptos mismos —animales con traje y sushi antropomórfico— señalan el tan esperado regreso del humor y la rareza en los próximos meses.

7. Cómics y arte pop
Como un archienemigo, los estilos de diseño del pasado nunca mueren realmente. Y este año, los diseñadores gráficos estarán resucitando los colores granulados, el entintado pesado y las líneas de acción de los cómics antiguos.

Nacidos de una era de tecnología de impresión primitiva, los cómics a menudo usaban medios tonos o sombreado de puntos simplificado para representar el color. Hoy en día, este enfoque puede dar nueva vida a las tendencias minimalistas modernas, como el diseño plano a través de la textura granulada y la profundidad. Del mismo modo, los diseñadores web pueden romper la cuadrícula con paneles inclinados y formas sesgadas para crear una sensación de drama y movimiento.

Aunque los superhéroes vestidos con spandex no son esenciales para esta tendencia, los diseñadores de 2021 estarán recurriendo a la textura y las técnicas ilustrativas de sus novelas gráficas para rescatar el diseño moderno. Excepto por cómics sans. Nada rescatará eso.

8. Infusión de bellas artes
Siempre ha habido una separación entre las bellas artes y el diseño, pero 2021 se preocupa menos por las fronteras tradicionales. Como resultado, estamos prediciendo que las técnicas pictóricas como las pinceladas acrílicas y el expresionismo abstracto llegarán a los estantes y pantallas de todo el mundo.

La pintura infunde diseños con variación de superficie y profundidad, lo que los hace parecer lo suficientemente reales como para tocarlos. Por esa razón, esta tendencia se combina bien con los productos físicos. Específicamente, dado que las bellas artes están asociadas con la cultura y la clase, es útil para productos que desean transmitir una elegancia del viejo mundo, como etiquetas de vino y envases de cosméticos.

La pintura también da como resultado tonos más oscuros que los creados en computadoras , y esto le da a los diseños un aire de solemnidad. Aunque esto puede no parecer alegre, diseños como estos invitan naturalmente al espectador a tomarse un momento y reflexionar.

9. Elementos de la naturaleza
No hay forma de evitarlo: muchas personas pasaron gran parte de este año encerradas. Eso sería el doble para los diseñadores que podrían haber experimentado que su estilo de vida autónomo de trabajo desde casa comienza a parecerse al confinamiento solitario. Puede que no sea una sorpresa entonces que el mundo exterior se esté abriendo camino dentro de los diseños gráficos de 2021.

Ya sea que esta tendencia se manifieste en forma de patrones frondosos, esquemas de colores en tonos tierra o ilustraciones de vistas impresionantes, el diseño gráfico se está volviendo verde. La mejor parte de esta tendencia es que vemos que va más allá de los productos orientados al medio ambiente.

El efecto de las imágenes de la naturaleza es impartir serenidad, renovación y crecimiento, todo lo cual anticiparemos sin aliento en 2021.

10. Desenfoque y granulado
Los degradados y las transiciones de color han sido una tendencia popular desde hace algunos años. En 2021, muchos diseñadores buscarán desviarse por una nueva tangente: hacia fondos aún más borrosos y mezclados. Agregue un filtro de grano, y estos diseños logran caminar en la línea entre sentirse transitorio y real al tacto

El beneficio de esta tendencia es que permite que los elementos en primer plano, como la tipografía en negrita o las imágenes evocadoras, resalten sobre un fondo casi imperceptible. También prospera en contextos más sombríos en comparación con los alegres gradientes de antaño. Hay un grunge y una suciedad inherentes a las texturas granulosas, y una imagen borrosa puede evocar sombras y lo invisible. Esta tendencia es un estado de ánimo, y esperamos verla cada vez más como la herramienta de elección para diseños con un lado oscuro.

11. Diseño con conciencia social
Como el comienzo de una nueva década, parece apropiado que 2020 sea el año en que el mundo comprendió cuánto necesitaba cambiar. Desde la atención médica hasta el ambientalismo, pasando por Black Lives Matter y la preparación para una pandemia, 2020 puso al descubierto los muchos desafíos que vendrán. La buena noticia es que este conflicto podría ser un punto de inflexión, siempre que todos hagan su parte.

Con esto en mente, los diseñadores de todo el mundo estarán dando un paso al frente para contribuir con su talento para el mejoramiento de su comunidad. Hemos visto esto en el aumento de las letras creativas a mano que transmiten mensajes de unidad, responsabilidad y consejos. Viene en forma de arte de protesta. Viene en ilustraciones que personalizan el uso de máscaras. Ya sea a través de obras de caridad o proyectos de diseño personal, 2021 se perfila como un año fundamental en el que el diseño se involucra.

¿Listo para las mayores tendencias de diseño gráfico de 2021?
Como comienzo de una década, el año pasado pudo haber resultado ser una decepción. Pero los diseñadores gráficos de 2021 están decididos a darle la vuelta a su manera. Fuera de la tragedia, nos están dando personajes irreverentes. Por autoaislamiento, nos están dando naturaleza. Y fuera de la confusión, nos están dando nuestros símbolos de habla. Cada año de tendencias de diseño gráfico siempre traerá cambios, y son los diseñadores quienes determinarán si eso es para bien o para mal.

Este articulo esta brillantemente resumido en una magnifica infografía que puede ser descargada desde el siguiente enlace:

https://cdn.mos.cms.futurecdn.net/U4am3owidz6ks2vHUASswm-970-80.jpg

Traducido de su original publicado por 99designs: 11 inspiring graphic design trends for 2021
Fuente: Creative Bloq

Comprendiendo las formas en el diseño de logotipos.

2021-01-04T11:03:00.004-08:00

El reconocimiento de una marca se ve favorecido principalmente por su logotipo, aunque a menudo la audiencia no se dé cuenta. Siempre que hay una conversación sobre marcas, además del nombre de la marca, es el logo lo que viene primero a la mente. Las imágenes dejan un fuerte impacto y, además, basándose en los principios de la psicología, influyen en cómo se percibe la marca.

Un logotipo eficaz es la combinación perfecta de elementos que incluyen colores, formas, tipo de fuente, tamaño de fuente, texto y gráficos y, de todos los elementos de un diseño de logotipo, el elemento de forma es el más fuerte, ya que es un determinante importante de todo el diseño.

Es a través del logo y, a su vez, de la forma, que una marca puede retratar los valores, productos y servicios que ofrece. Es un concepto popular que diseñar un logotipo puede ser un asunto muy artístico. Sin embargo, es importante tener en cuenta que requiere una comprensión profunda del diseño del logotipo y el producto para facilitar el reconocimiento de la marca y el valor de recuperación

Existen principalmente tres categorías en las que se pueden clasificar las formas del logotipo: geométricas, abstractas y orgánicas.

Las formas geométricas resuenan fuertemente en las personas cada vez que se encuentran con el término "formas". Las formas como cuadrados, rectángulos, círculos, triángulos, etc. representan el sentimiento de similitud y simetría. Los logotipos basados en estas formas tienden a ser visualmente satisfactorios.

Diseñar logotipos basados en Formas Abstractas puede resultar complicado, especialmente a la hora de estructurar. Algunas de estas formas se pueden reconocer fácilmente, pero algunas de ellas necesitan ser descifradas. Las formas orgánicas o naturales generalmente pueden tener un formato irregular. Sin embargo, uno puede descifrar y reconocer fácilmente estas formas. Es por eso que pueden ser "calmantes" y visualmente atractivos por naturaleza. La importancia de las diversas formas en el diseño de logotipos es la siguiente:

1. Círculos:

Los círculos son la forma más común que se encuentra en el diseño de logotipos. Se utilizan ampliamente en todo el mundo, de hecho; esta forma se utiliza en el 20% de las marcas populares del mundo. Los círculos, óvalos, elipsis y esferas representan principalmente un proceso cíclico. También invocan una sensación de "integridad". La forma es bastante elegante y, a menudo, se considera que es de naturaleza femenina, ya que tienen una curvatura suave. Los logotipos que involucran el uso de círculos generan una sensación de calidez, energía, poder y armonía. Dado que no hay bordes afilados ni roturas en la forma, los logotipos basados en la forma circular tienden a hacer que su negocio parezca mucho más confiable. Aparte de esto, dado que los círculos son más suaves que los triángulos y cuadrados de bordes afilados, son mucho más acogedores a la vista. También hay un sentido de optimismo conectado, relacionado con la comunidad, la amistad, y unidad. Los anillos concéntricos se asocian a menudo con el concepto de matrimonio; por lo tanto, tienden a comunicar un sentido significativo de unión cuando se utilizan en el diseño de logotipos.

2. Cuadrados y rectángulos:

Debido a los bordes, se prefieren las formas como cuadrados y rectángulos si el propósito es invocar un factor de confianza, especialmente cuando el sector está relacionado con la seguridad y la resistencia. Esta forma también es popular y ampliamente utilizada en el diseño de logotipos. Estas formas se utilizan principalmente para transmitir las ideas de equilibrio, proporción e incluso profesionalismo. Es una buena forma de crear la historia de la marca de una manera más segura. Como estas formas están ampliamente asociadas con la asignatura, las matemáticas, utilizar cuadrados y rectángulos, suele conectarse con los sentimientos de orden y racionalidad. Sin embargo, la naturaleza de estos logotipos tiende a ser un poco básica, por lo que siempre existe un riesgo asociado con el uso de estas formas. Pueden volverse obsoletos, aburridos, a pesar de ser fuertes y sólidos. Al usar estas formas, es muy esencial combinar las ideologías, la psicología del color y la psicología de la forma, para comunicar la diversidad de la marca y los PSU, así como atraer la atención de la audiencia.

3. Triángulos:

El triángulo es una forma menos popular. Sin embargo, si se presenta correctamente, puede ser muy atractivo y también puede crear el efecto deseado. Es de naturaleza masculina y tiene fuertes aristas. Cuando se utilizan de manera óptima, los triángulos pueden ser muy dinámicos y poderosos. Debido a la estructura, la forma también inspira el sentido de jerarquía, así como un movimiento continuo. El mayor inconveniente de utilizar esta forma para el diseño de logotipos es que puede parecer estable e inestable, considerando el hecho de que se apoya en una base o no. Si se los presenta como estables, tienen mucha energía y poder, pero si no se apoyan adecuadamente en una base, también pueden representar la emoción del conflicto. Aparte de esto, los triángulos también exudan una cierta cantidad de energía, debido a que los bordes se alejan en las tres esquinas diferentes. En comparación con los cuadrados y rectángulos, son muy diferentes para el diseño de logotipos; sin embargo, los triángulos son muy importantes para representar la innovación de la marca. Esta forma también se relaciona a menudo con el concepto de espiritualidad. Por lo tanto, es aconsejable tener en cuenta que los triángulos que apuntan hacia abajo o hacia la izquierda se perciben negativamente.

4. Formas orgánicas / espirales:

Las formas orgánicas son más suaves y, por lo tanto, tienden a ser menos intimidantes y más duras que las formas con bordes más afilados. Los diseños de logotipos creados con estas formas son mucho más atractivos y también provocan una mejor respuesta de la audiencia. Las formas orgánicas y espirales son únicas por naturaleza, ya que son muy diferentes de los marcos básicos y habituales, como círculos, triángulos, cuadrados y rectángulos. El argumento y la concepción populares afirman que las espirales pueden incluirse como un tipo de círculo; sin embargo, el efecto es diferente. Son menos que lo ordinario, pero tienen un efecto hipnótico y centralizador cuando se retratan adecuadamente. Esto es muy esencial para atraer a su audiencia para un mejor reconocimiento de marca y valor de recuerdo. Las espirales son de naturaleza muy natural; generalmente se observan en el patrón de crecimiento y, por lo tanto, generan las ideas de expansión, crecimiento, transformación, fertilidad, etc. Las espirales se utilizan ampliamente en la industria médica por estas razones, así como por el hecho de que la forma es sinónimo de la estructura del ADN. Las formas orgánicas se perciben ampliamente e incluso se utilizan como formas naturales de la naturaleza. En este contexto, las espirales ciertamente pueden considerarse como una forma orgánica. Estas formas, cuando se usan como elementos en el logotipo, son de naturaleza cálida y reconfortante, que no se puede replicar con las formas geométricas de bordes afilados. Las espirales ciertamente pueden considerarse como una forma orgánica. Estas formas, cuando se usan como elementos en el logotipo, son de naturaleza cálida y reconfortante, que no se puede replicar con las formas geométricas de bordes afilados.

5. Líneas:

A menudo pasadas por alto por las marcas, las líneas o el diseño lineal, definitivamente vale la pena ser considerarlo al diseñar un logotipo. La inclusión de una forma creada con líneas es una buena forma de tener un efecto profundo en la percepción de la audiencia. Las líneas verticales tienen una asociación subconsciente con la virtud de la sofisticación y la fuerza, y también hacen que los logotipos se vean un poco más delgados. También son poderosos y cautivadores, lo que funciona mejor para un reconocimiento y recuperación de marca más rápidos. Hacen que la audiencia se enfoque hacia abajo, hacia la marca. Al igual que los cuadrados y los rectángulos, también transmiten un agudo sentido de profesionalismo, además de expresar la idea de movimiento. Las líneas horizontales tienen el efecto contrario, ya que tienden a aportar calma y tranquilidad. Estas líneas tienen un efecto drásticamente diferente en comparación con las líneas verticales. El uso de líneas horizontales en el diseño de logotipos seguramente puede hacer que la audiencia se sienta tranquila y protegida. Sin embargo, es importante conocer la marca a fondo antes de elegir entre los tipos de líneas del logotipo.

Si bien la comprensión de las formas del logotipo puede ser clara, siempre es esencial tener en cuenta la psicología del color y varios otros factores antes de concentrarse en el diseño del logotipo. Es importante que el diseño final transmita el mensaje, los valores y los atributos exactos que desea la marca. La comprensión profunda de la personalidad de la audiencia y la marca es una parte muy integral del proceso de diseño del logotipo. A continuación, se ofrecen algunos consejos que le ayudarán con el proceso utilizando la psicología.

1. Elegir la forma sabiamente:
Como se entiende con gran detalle, la forma que elija para el diseño del logotipo finalmente decidirá su curso posterior. Todas y cada una de las formas están asociadas con las emociones, e invocan un cierto conjunto de emociones entre la audiencia cuando se ven. Para transmitir el mensaje y sensación correctos, elija la forma adecuada para su diseño.

2. Combinación de forma y color:

Las formas transmiten emociones y sentimientos, pero cuando se combinan con el conjunto correcto de colores, actúan como soporte adicional para la imagen que desea retratar. Los colores también provocan una respuesta específica y generan una serie de emociones. Es mejor aprovechar esto y crear un diseño que deje una impresión duradera. Por ejemplo, combinar el rojo con cuadrados y el azul con círculos es una gran idea, ya que van juntos.

3. Identificación y elección de formas relevantes para la industria:

La elección de las formas del logotipo de acuerdo con la industria es muy beneficiosa. Los círculos son indicativos de calidez e inclusión; por lo tanto, son ampliamente utilizados y preferidos para las industrias del sector de servicios, como organizaciones benéficas, cuidado infantil, educación, etc. En comparación con esto, los cuadrados y rectángulos indican un factor de confianza, que es muy esencial para industrias que son más conservadoras, como seguros, banca, finanzas, etc. Por tanto, se prefiere el uso de estas dos formas para estas industrias.

4. Espacios negativos:

Al diseñar el mejor logo para la marca, también es necesario revisar los espacios negativos restantes y la forma que forma. Puede ser una buena oportunidad para que la marca utilice el espacio negativo para agregar peso al logotipo. Caso en cuestión: FedEx. Este ejemplo se cita a menudo para describir cómo el espaciado negativo se puede utilizar de la mejor manera posible, lo que complementaría el diseño del logotipo en sí mismo.

5. Tipografía:

Elegir el tipo de letra perfecto puede ser toda una tarea. Es importante recordar que los elementos que crean un logotipo deben estar en perfecta sincronización, y esto definitivamente incluye el tipo de letra y la fuente. Ellos también tienen sus propias formas, y esto debe complementar la forma principal del logo. Los tipos de letra diagonales y angulares a veces pueden ser ruidosos, pero son de naturaleza dinámica. Del mismo modo, las empresas que optan por dar un aspecto fresco y agregar un elemento divertido a su negocio prefieren las letras suaves.

6. Combinación de formas:

Las marcas están en la lucha constante por diferenciarse de la multitud, especialmente por medio de sus logotipos. Como resultado, la tentación de utilizar varias formas y hacer que el diseño sea único es mucho mayor. Es significativo que el producto terminado no esté desordenado y que se reflejen los valores e ideales centrales de la marca, lo que ayudará a la marca a lograr lo que aspira. Siempre es más prudente ser simple; sí, comparar e incluso crear varias combinaciones de tipografía, formas y colores está bien, pero la ejecución no debe exagerarse. Si desea probar la simplicidad del diseño, puede probar este método. Sigue restando los elementos hasta llegar al punto en el que sientas que el diseño transmite el mismo mensaje utilizando la imagen básica. Esto te ayudará a lograr un diseño de logo mínimo y efectivo.

Las formas que incorpore en el diseño de su logotipo formarán una parte intrínseca e inseparable del diseño del logotipo. Una vez que haya desarrollado una mejor y más profunda comprensión de cómo funcionan las formas y toda la psicología detrás de ellas, podrá utilizar este conocimiento del conductismo del consumidor y crear una marca impactante. Con un logotipo poderoso, puede captar la atención, la lealtad y el reconocimiento de la audiencia, ya que resonarían y se identificarían con él.

Los logotipos son el rostro de la marca y de la empresa. Crear el logo perfecto nunca es un trabajo fácil. Requiere mucha lluvia de ideas, múltiples reelaboraciones y revisiones, y a veces es posible que incluso necesite volver a la mesa de dibujo nuevamente y comenzar de nuevo. Sin embargo, los esfuerzos que realice finalmente conducirán a una mejor comprensión de la marca para la audiencia.

Traducido de su original escrito por Harsh Raval para el sitio Line25.com Harsh Raval es un experto diseñador gráfico, consultor de marketing digital, desarrollador web y creador de contenido. Con más de 10 años de experiencia en la creación de contenido, Harsh se dedica a contribuir con artículos de diseño gráfico y web atractivos y completos a Line25.

Eric Henn pintar a 100 metros de altura

2020-10-23T11:08:00.001-07:00

Imagínese estar parado frente a un lienzo en blanco pensando que pensar. Cualquier artista puede explicar lo intimidante que puede resultar ese rectángulo blanco y vacío. Ahora imagine que ese lienzo en blanco mide más de 8000 metros cuadrados y está a casi 100 metros de altura. Si puede hacerlo tendrá una idea de la presión que el muralista Eric Henn enfrenta cuando pinta.

Con más de 30 años de experiencia, Eric Henn es un autodidacta sin ninguna educación formal, trabaja solo y compite contra empresas muralistas que cuentan con equipos completos de artistas. La carrera artística de Eric comenzó pintando tablas de surf y motocicletas en Virginia Beach. Desde entonces, la escala de su trabajo ha ido creciendo hasta llegar a pintar murales realistas a gran escala por todo el mundo. Henn ha escalado grandes alturas que detendrían a cualquier acrofobico, se ha colgado sobre piscinas de acuarios con tiburones abajo. Sus obras pueden ser vistas por millones, la mayoría de las veces por personas que van conduciendo detrás del volante, en tanques de agua a las orillas de las carreteras. Se ha convertido en un maestro en transformar estructuras monstruosas en realistas obras de arte.

El lienzo de Eric costa de edificios, torres de agua, parques temáticos, tanques industriales y muchos otros puntos de referencia. Sus realistas murales a gran escala lo han llevado a ganar los premios de “Artista de Año”, “Muralista de Año” y “Tanque del Año” entre muchos más premios. Sus súper murales pueden ser vistos por todo el mundo desde Los Ángeles hasta Australia.

http://www.erichennmurals.com/

Fuente: Signs of the Times

Mono Giraud, fotografía etérea, orgánica y saludable

2020-10-12T10:26:00.006-07:00

Inspirándose en la necesidad y lo innecesario, Alejandra Giraud, mejor conocida como Mono, diseñadora y artista con sede en Buenos Aires, Argentina, se apropia del espíritu de materiales nobles, crudos y orgánicos y los transforma en piezas que fusionan el arte y la naturaleza en un concepto estéticamente sustentable con una esencia simple, atemporal y onírica.

Sus obras abarcan desde mesas de madera orgánica, canastos rústicos, velas aromáticas, kimonos de lino, sillones y un sinfín de objetos. Sin embargo, es en su trabajo fotográfico donde captura todo ese espíritu de simplicidad y ensueño utilizando materiales que para la mayoría de nosotros no tienen valor artístico, pero que a través de su lente se transforman en imágenes llenas de tranquilidad y ensueño.

Giraud gestiona un taller y una tienda en la capital argentina, donde vende muchos de los productos utilizados en sus fotografías. A pesar de trabajar con diferentes medios, describe su práctica como cohesiva y como una búsqueda "para expresar mis puntos de vista personales y las emociones del alma".

https://monogiraud.com/, instagram
Fuente: Colossal

Intrigantes ilustraciones generadas por inteligencia artificial creadas por Sofia Crespo

2020-10-02T10:39:00.004-07:00

Sofía Crespo es una artista que trabaja con un gran interés en las tecnologías inspiradas en la biología y la vida artificial. Uno de sus principales enfoques es la forma en que la vida orgánica utiliza mecanismos artificiales para simularse y evolucionar, lo que implica la idea de que las tecnologías son un producto sesgado de la vida orgánica que las creó y no un objeto completamente separado. Por otro lado, también está muy preocupada por el cambio dinámico en el papel de los artistas que trabajan con técnicas de aprendizaje automático.

En su más reciente proyecto que ella misma describe como “el libro de historia natural que nunca existió", la artista radicada en Berlín utiliza redes neuronales artificiales para generar ilustraciones que, a primera vista, se asemejan a las representaciones del siglo XVIII de Louis Renard o los especímenes exóticos del compendio de Albertus Seba . Sin embargo, tras una inspección más cercana, las coloridas representaciones revelan combinaciones inquietantes: dos peces se unen con una aleta compartida, los pétalos de flores parecen plumas y un estudio de mariposas presenta insectos a los que les faltan alas y cuerpos de formas extrañas.

Titulado Historia Natural Artificial, el proyecto en curso fusiona el deseo de categorizar organismos con “el proyecto del humanismo renacentista”, dice Crespo, formando una serie distorsionada de criaturas con características imaginarias que requieren un nuevo conjunto de clasificaciones biológicas. “Los especímenes de la historia natural artificial celebran y juegan con la aparentemente interminable diversidad del mundo natural, uno del que todavía tenemos una comprensión y un conocimiento muy limitados”, escribe.

Para ver más del intrigante trabajo de Sofía y de sus estudios producidos por IA, dirígete al sitio de Crespo para o sigue sus últimas piezas en Instagram .

https://sofiacrespo.com/

Fuente: Colossal

Un diario ilustrado del bosque de Devon por Jo Brown

2020-09-30T10:43:00.000-07:00

Detrás de la casa de Jo Brown en Devon, Reino Unido, hay una rica campiña con una zona boscosa y una espesa vegetación. Durante años, la ilustradora ha documentado e ilustrado a las especies de vida silvestre y plantas que ha encontrado en esa zona y las ha recopilado en su Nature Journal , una libreta Moleskine negra que ahora será exactamente reproducida en un libro de próxima publicación, que llevará por título Secrets of a Devon Wood .

Cada página del cuaderno de Brown contiene un dibujo a lápiz de color y bolígrafos de punta fina, que comienza desde los bordes de las páginas abarcando todo el espacio disponible del papel, con detalles encantadores y minuciosos, a veces capturados a través de primeros planos que imitan ilustraciones científicas, las delicadas representaciones representan el detalle del torso difuso de un abejorro de cola de ante o los zarcillos rojos de una rocío de sol de hojas redondas. Brown anota los nombres comunes y latinos de cada especie y sus características comunes, además de dónde y cuándo lo vio.

Jo Brown es una ilustradora profesional y bloguera. Se graduó de Falmouth College of Arts en 2000 con una licenciatura en Ilustración. Trabaja desde el estudio de su casa en Teignmouth, South Davon. Puede comprar impresiones y otras interpretaciones creativas del arte de Brown a través de Society6 , y mantenerse al día con su última obra de arte siguiéndola en Instagram y Twitter o en su sitio web.

My #naturejournal so far pic.twitter.com/GY0PTrmw1b
— Bernoid (@bernoid) April 26, 2019

Fuente: Colossal

7 Tendencias del diseño gráfico para este 2021

2020-09-29T17:13:00.001-07:00

Después de experimentar todo lo que este año que nos ha arrojado hasta ahora, no podemos esperar a ver lo que el 2021 traerá para nosotros. Perfecta para los creativos que quieren dar un impulso a la vida más allá de la Navidad, esta infografía establece siete tendencias clave de diseño gráfico que se espera que exploten el próximo año.

Llena de información útil, esta infografía de Ryan McCready podría ser una de las mejores que se han publicado este año. Explica inteligentemente por qué ciertas tendencias están abriéndose paso, relacionándolas con las necesidades actuales del consumidor en relación con la montaña rusa que ha sido 2020 (paletas de colores apagados en lugar de colores brillantes y atrevidos, por ejemplo).

Según el gráfico, la tendencia del diseño en general será favorecer la sencillez y practicidad. Esto significa que los iconos planos y las ilustraciones estarán regresando, las fuentes con serif clásicas ocuparán un lugar central y los videos con mucho texto están aquí para quedarse como una necesidad (debido a las limitaciones que la pandemia ha puesto en la filmación de material de alta producción).

También puede esperar ver (y crear) visualizaciones de datos simples, una gran cantidad de formas geométricas y diapositivas de redes sociales para comunicar mensajes más largos (las cosas probablemente seguirán siendo bastante complicadas, después de todo).

La infografía explica las razones detrás de esta selección de tendencias de una manera sucinta y atractiva, además, en la página original donde se publica la infografía se hace una amplia explicación del porqué de estas conclusiones. Así que, si quiere estar a la vanguardia en el diseño gráfico, guarde esta infografía y tómela de referencia para sus próximos proyectos de diseño.

7 Graphic Design Trends That Will Dominate 2021 [Infographic]

Fuente: Creative Bloq

50 Carteles en defensa de los animales

2020-09-25T09:59:00.004-07:00

La naturaleza en su infinita sabiduría compone y recompone lo que el hombre destruye a través del desarrollo, sin embargo, no puede reponer ni defender a las especies animales que en ella habitan y que van extinguiéndose poco a poco a causa del hombre y su incansable manía de transformar su entorno.

Toca entonces al mismo ser humano recapacitar y detener la extinción de las especies animales con las cuales comparte este mundo. Aquí es donde asociaciones civiles, ONGs e incluso algunos gobiernos se dan a la tarea de crear conciencia o cuando menos tratar de hacerlo por medio de campañas publicitarias, en su mayoría agresivas en su contenido, y defender y dar voz a las especies animales que, a final de cuentas, también son dueños de este planeta.

A continuación 50 carteles publicitarios con contenido social enfocado a defender a los animales, tanto salvajes como domésticos con los cuales compartimos nuestro mundo.

Fuente: Ads of the World

Rebekah Jenkins, arte en tiras de papel

2020-09-22T10:47:00.006-07:00

Con cientos y cientos de tiras de papel de colores y mucha paciencia, Rebekah Jenkins da vida a sus coloridas obras de arte tridimensionales mediante la técnica del quilling o filigrana, una técnica que consiste en enrollar tiras de papel para crear diseños decorativos. La artista presenta retratos de gatos, perros, murciélagos y otros animales, además de retratos de personas, realizados mediante tiras de papel enrolladas, moldeadas y dispuestas meticulosamente para dar la sensación de estar realizadas en 3D.

Lo peculiar de este arte, lo crea o no, es que el sombreado de color proviene solo de las sombras creadas a través de tiras de papel estrechas que se han pegado en el borde y que va cambiando a medida que cambia la luz a lo largo del día. No se aplica pintura al fondo, ni se esbozan las pautas en su lugar, pero Rebekah logra transmitir expresiones notables.

Rebekah Jenkins está en Instagram (@rebekahjenkinspaperartist) y Facebook , y puede ser contactada por correo electrónico a rebekahjjenkins@hotmail.co.uk si desea encargar un retrato.

Fuente: All things paper

Arte antiguo y arte moderno fusionados en una nueva propuesta por Sipho Mabona

2020-09-21T10:12:00.005-07:00

Sipho Mabona es un artista suizo maestro del origami. Comenzó como muchos de nosotros a hacer aviones de papel cuando solo tenía cinco años, sin embargo, al quedarse sin diseños de aviones cuando tenía 15 años, recurrió a otras inspiraciones, descubriendo el arte del origami cuando tenía veinte años. Fascinado por esta artesanía tradicional, que se basa en procedimientos meticulosos y teorías y filosofías del Lejano Oriente, el artista comenzó a crear un impresionante mundo de formas figurativas.

Mabona fue el primer extranjero en tener su trabajo en la portada de la revista oficial de la Convención de la Sociedad Académica de Origami de Japón (JOAS) en 2008. Una agencia de publicidad le encargó a Mabona la creación de un video de stop motion de origami para la marca deportiva japonesa ASICS . El video ganó un Gran Premio en el Eurobest, oro en el festival de Nueva York, oro en los London International Awards, plata en el Clio de Miami y dos veces bronce en ADC Alemania.

Origami In the Pursuit of Perfection from MABONA ORIGAMI on Vimeo.

A través del acto de plegado preciso, Sipho Mabona explora los temas de transformación, transición y fugacidad. En su más reciente propuesta de trabajo, Mabona cuestiona los límites de la pintura y la escultura. En una versión decididamente contemporánea de una forma de arte antigua, explora nuevas posibilidades en la técnica, uniendo el origami y el arte abstracto al representar patrones y sombras entrelazados simplemente a través de lienzos no doblados. El artista tiñe el material poroso con sustancias naturales como el índigo y Maclura tinctoria (morera), creando degradados orgánicos y alterando su textura. Luego utiliza los pliegues de Origami para transformar la estructura y la forma del algodón. Los relieves resultantes representan partes de una mujer, una libélula y una cigarra, y sirven como metáfora de la agilidad, la elegancia y el movimiento más allá de las limitaciones.

https://www.instagram.com/siphomabona/

Fuente: Colossal

Natasha Pilipo y Chamaleon Amour, artistas errantes

2020-09-11T16:29:00.000-07:00

Natasha Pilipo y Chamaleon Amour son una pareja de talentosos artistas plásticos, ella eslovena y el alemán, que recorren el mundo en busca de la inspiración que de vida a sus obras de arte. En su paso por nuestro país, tuve la enorme fortuna de hacer amistad con ellos, particularmente en su estancia en Mazatlán, Sinaloa, donde se integraron rápida y exitosamente al círculo artístico cultural de esta ciudad.

Natasha Pilipo estudió Filosofía en la Universidad de Ljubljana, Eslovenia. Su historia de amor con las imágenes fijas y en movimiento comenzó hace 30 años cuando adquirió su primera cámara y nunca ha parado desde entonces. Natasha ha participado en una gran variedad de actividades detrás de cámara como artista independiente, fotógrafa y productora. Pero son sus obras de arte, creadas bajo un concepto de técnica mixta que ella llama Cubos 3D la que la están dando a conocer internacionalmente.

Esta técnica mixta creada por Natasha, toma elementos de escultura, fotografía, pintura, collage y mosaico y se unen en una forma de arte completamente innovadora. Todos estos elementos individuales dejan de ser lo que eran antes y empiezan a trabajar juntos como un concepto nuevo y unificado. De alguna manera, es un reflejo de nuestro tiempo y lugar donde vivimos, un mundo de alta tecnología en rápido movimiento donde muchas fronteras se desvanecen y nosotros y nuestro entorno seguimos cambiando.

Por su parte, después de graduarse, Chameleon Amour buscó un cambio de entorno en el cual continuar su educación artística y inscribiéndose en la Academia de Artes y Diseños en Offenbach am Main, Alemania. Influenciado por la cultura de Europa occidental, el arte de Chameleon evolucionó desde formas altamente representativas hacia formas segmentadas, pero aún figurativas. En su búsqueda constante, también ha explorado diversos materiales naturales, así como resinas de poliéster y epoxi creando en objetos escultóricos. Un aumento dramático en exposiciones en galerías y exposiciones públicas, y la demanda de pinturas de mayor escala, comprometieron al artista con una ética de trabajo rigurosa.

Su búsqueda constante de nuevas fuentes de inspiración lo ha llevado a viajar por varios países incluyendo Australia los estados Unidos, varios países de Asia, incluido Tailandia donde vivió algún tiempo. Este fue un tiempo de transición para el artista y desarrolló varias colecciones de trabajo temáticamente diferentes en un estilo distinto y establecido. Los viajes de Chameleon le han permitido observar y absorber una profunda variedad de pueblos, culturas, experiencias y geografías. El viaje de Chameleon continuó hasta Eslovenia, donde vivió dos años mientras producía trabajos para varias exposiciones en Europa del Este. Allí, intercambió experiencias e ideas con una serie de talentosos artistas regionales y continuó dando forma a sus proyectos futuros.

La sed de Chameleon Amour por una cultura nueva y desconocida lo llevo entonces, ya junto con su pareja Natasha Pilipo, a una tierra y una cultura de colores vibrantes: México. En este patio de recreo de alegría y colores vivos, el artista encuentra un entorno que estimula su obra de arte con una riqueza satisfactoria. Actualmente, Chameleon y sus compañeros artistas han comenzado a trabajar juntos en proyectos para la ciudad de Málaga, España, donde reside actualmente.

Podemos disfrutar de la obra artística de esta talentosa pareja o incluso adquirir una de sus obras en sus sitios de internet o seguirlos en sus redes sociales, así como en diversas galerías de arte que tienen sus obras en consignación.
https://www.chameleonamour.com/
https://www.natashapilipo.com/

Debbie Lawson, estereogramas de la vida real

2020-08-28T09:36:00.000-07:00

En una poco común mezcla de alfombras persas, taxidermia y arte tridimensional cual, si fueran estereogramas traídos a la vida real, las esculturas de Debbie Lawson, artista visual con sede en Londres, son una fusión de arte en dos y tres dimensiones.

Usando alambre de gallinero y cinta adhesiva, Debbie construye sus animales desde cero y luego los cubre con alfombras persas idénticas a las que coloca como fondo de su obra, creando así la ilusión de una criatura que se fusiona con su entorno, cual estereogramas de la vida real.

El patrón intrincado de las alfombras parece transformarse en forma física, creando una interacción de camuflaje y exhibición intensa, dependiendo del ángulo desde el que se ve el trabajo. Sus figuras animales incluyen un oso amenazador de 2,5 m de altura, una cabeza de alce y un cocodrilo. Otras obras incluyen macetas, trozos de fruta y bandadas de gaviotas.

El trabajo de Lawson se expone en la Saatchi Gallery, la House of Lords, el Nottingham Castle Museum, la University of the Arts London, la University of Dundee y colecciones privadas en el Reino Unido y en todo el mundo.

https://debbielawson.com/
Fuente: Colossal

Los mundos botánicos de Catherine Nelson

2020-08-27T11:28:00.002-07:00

Catherine Nelson es una fotógrafa y artista australiana que utiliza la tecnología digital como pincel para crear "pinturas" y animaciones de paisajes.

Después de completar su educación artística en pintura en la Facultad de Bellas Artes de Sídney, Catherine se integró rápidamente al mundo del cine y la televisión, creando efectos visuales para películas como Moulin Rouge, Harry Potter, 300 y Australia. Su trabajo como artista de efectos visuales la ha llevado por todo el mundo habiendo vivido en Milán, Londres, Roma, Reykjavik, Bratislava, Bruselas y Australia. En 2008 comenzó su propio estudio de arte y desde entonces ha dedicado su tiempo por completo a crear su arte.

Su más reciente trabajo artístico está compuesto por fotografías capturadas durante los últimos tres años, en su mayoría de bosques y selvas tropicales que van desde la exuberante flora tropical de Costa Rica, Queensland en Australia o las montañas volcánicas de las islas Azores hasta las onduladas colinas de la tundra de Groenlandia y que ha nombrado Future Memories 2020 es una serie de manipulaciones digitales que transforman este mundo botánico en planetas y esferas orgánicas llenas de ricos colores e increíble diversidad que flotan etéreos sobre fondos nublados que dan cuenta de la increíble diversidad del mundo vegetal, cada vez más amenazado por el desarrollo y la polución urbana.

El trabajo de Catherine Nelson es una verdadera delicia visual para aquellos que pueden disfrutarlo en persona, para quienes no tenemos esa fortuna, su sitio web es una relajante alternativa que no hay que dejar pasar.

http://www.catherinenelson.com/

Fuente: Colossal

MonkeyBird Crew, murales llenos de alquimia y mitología

2020-08-21T10:48:00.003-07:00

Monkey Bird es un dúo de artistas franceses contemporáneos nacidos en Burdeos donde también tienen su base. Son conocidos por utilizar el antropomorfismo simbólico en sus obras de arte. Eso significa que están representando animales salvajes en áreas urbanas.

Poco se sabe acerca del dúo que está detrás de sus fabulosas obras, pero sus magistrales piezas lo dicen todo. El dúo está activo desde 2010. Trabajan en estarcido, collages, pintura en aerosol, dibujo, tallado, serigrafía y grabado.

Comenzaron con el street art creando sus obras principalmente por medio de intrincados esténciles lo cual los hizo subir como la espuma, hasta ser uno de los mejores equipos de creativos, a quienes se les solicita su intervención en distintos edificios y museos.

Los Monkey Bird Crew no sólo son un dúo con un estilo innovador, se trata de un team de artistas que crearon todo un concepto en el street art. Esto en gran medida se debe a que sus piezas están inspiradas en el misticismo que encierran ciertos animales.
El antropomorfismo es el sello del dueto. Su nombre se refiere al balance que debe coexistir en la humanidad, el mono-realista y el pájaro-soñador.

https://www.instagram.com/monkeybirdcrew/

Fuente: This is Colossal

Saludos desde el Confinamiento, un proyecto de Victoria Rosselli y Robyn Frost

2020-08-18T12:54:00.000-07:00

Durante el confinamiento por el Covid-19, la visión del mundo de la mayoría de las personas se redujo a lo que pudieran vislumbrar a través de sus propias ventanas. Sin embargo, a pesar de todo el sufrimiento que esto causó, al menos podríamos consolarnos sabiendo que la cuarentena era un predicamento compartido, con personas en todos los rincones del mundo enfrentando el mismo destino claustrofóbico.

En abril, dos creativas de la agencia FCB Chicago, Victoria Rosselli y Robyn Frost , convirtieron esta difícil situación en arte con un maravilloso proyecto llamado Greetings From Lockdown.

El proyecto consiste en una serie de postales de viaje simuladas con vistas desde los hogares de personas de todo el mundo. La pareja pidió a sus amigos de todo el mundo que compartieran fotos de sus puntos de vista. Rosselli y Frost luego convirtieron las imágenes compartidas en postales de viaje, con juegos tipográficos basados en la personalidad y el ritmo de cada ciudad, dándoles un estilo de diseño clásico de postal.

Las postales están bellamente realizadas y encarnan un sentido de esperanza en tiempos de melancolía, lo que sugiere sutilmente que incluso la propia visión limitada de las personas en el encierro tal vez valga la pena escribir sobre ella. Además, si desea compartir su propia visión desde su ventana, las creativas regresaran su fotografía convertida en una bella postal a través de sus cuentas de Twitter.
Eche un vistazo a algunos de los diseños aquí:

El proyecto tuvo tanta aceptación que se amplió recientemente, cuando la empresa de publicidad exterior Outfront Media acordó instalar las imágenes en sus espacios publicitarios digitales OOH en todo el sistema de tránsito de la ciudad de Nueva York.

Aquí hay una galería de fotos, tomadas por Dannah Gottlieb, que muestran las postales en exhibición a través de la red digital OOH de Outfront Media en el sistema MTA de Nueva York:

Fuente: Muse by Clio

Las mejores tipografías gratuitas para diseñadores

2020-08-18T09:57:00.001-07:00

¿Quieres renovar tu parque de tipografías o ver cuáles son las recientes tendencias tipográficas dentro del diseño gráfico? Creative Bloq ha reunido 81 de las mejores fuentes gratuitas disponibles hoy en día reunidas por estilos y listas para su descarga.

81 best free fonts for designers

Portafolio: Jyotirmayee Patra, una diseñadora que vive y respira tipografía.

2020-08-14T11:47:00.001-07:00

Jyotirmayee Patra, también conocida como JP es una diseñadora gráfica independiente de la India. Graduada de la prestigiosa escuela de diseño, National Institute of Design (Ahmedabad, India), Jyotirmayee vive y respira la tipografía. Con pasión por varios estilos de letras, le gusta trabajar en una amplia gama de proyectos creativos.

Su trabajo se caracteriza por formas de letras atrevidas y extravagantes fusionadas con elementos botánicos hermosos e intrincadamente ilustrados. También tiene experiencia profesional en caligrafía tradicional con bolígrafo puntiagudo tanto en estilo Copperplate como en Spencerian.

Representada por varias agencias de arte de la India como KultureshopIndia, Art&Found y FloatingCanvasCompany y mundialmente por el portal Illustrationx, JP tiene entre sus clientes a grandes firmas como Snapchat, DesignUp, AsianPaints, Makemytrip, Landor US, John Lewis Partnership, Snap-on Incorporated, Bakheda Pvt. Ltd. Levi's y Hornet Inc.

Para disfrutar de su colorido y fresco trabajo sígala en sus sitios de Instagram o Dribbble

https://www.artofjp.in/