Sérgio Laviann

Imbóglio 1

2025-06-09T11:49:00.000-07:00

Serggio Laviann - Desenho abstrato feito com base em grtafite e risco com a borracha. Série Imagens Encontradas. - 2006.

A pedido dos alunos de todos os tempos resolvi postar um desenho dessa série que eu ensinava em sala de aula.

Atenção alunos e Pais de Alunos

2017-08-27T15:54:00.004-07:00

Atenção, alunos e pais de alunos!

Este Blog é de responsabilidade de seu idealizador, que se reserva a utilizá-lo também para expor suas opiniões sobre vários assuntos. É responsabilidade dos pais e dos alunos tanto o acesso quanto os comentários. Aproveito para esclarecer que se trata de uma ajuda que ultrapassa minhas funções como professor postar esse conteúdo, portanto não se trata de uma obrigação e sim de um favor aos alunos e pais a publicação dos materiais. Farei o meu máximo para deixar atualizadas as informações. Não obstante, faço isso em minhas poucas horas de folga e não sou remunerado para esse fim.

Certo de sua compreensão,

Prof. Dr. Sérgio Bretas Lage Viana

Questões sobre Arte Românica e Arte Gótica

2016-10-25T08:17:00.000-07:00

Exercicios

Questão 01 – Sabemos que a Arte Românica cresceu devido a fé cristã e que, portanto, tinha um caráter religioso. Em relação às semelhanças e diferenças da Arte Gótica com a Arte Românica, analise e julgue os itens abaixo com (C) CERTOS ou (E) ERRADOS:
1. ( ) A Arte Gótica também surge da espiritualidade cristã.
2. ( ) A arquitetura é o elemento mais importante do estilo Gótico.
3. ( ) Sua escultura esta associada diretamente à arquitetura.
4. ( ) O vitral é outro elemento pictórico da arte Gótica.

Questão 02 - Quanto às características da escultura gótica analise e julgue os itens abaixo como (C) CERTOS ou (E) ERRADOS:
1. ( ) A escultura esta intimamente ligada à arquitetura.
2. ( ) Sua função é ocupar espaço dentro das construções.
3. ( ) As imagens nuas são marco, pois destoam das demais criações deste período, entretanto, são freqüentemente encontradas.
4. ( ) Sua função era única e meramente decorativa.

Questão 03 - Ainda sobre a Escultura gótica analise e julgue os itens abaixo como (C) CERTOS ou (E) ERRADOS:
1. ( ) As figuras humanas são alongadas.
2. ( ) A rigidez do período românico é abandonada.
3. ( ) As representações mais freqüentes são as de reis, rainhas, nobres de alta linhagem e santos.
4. ( ) Um dos locais reservados às estatuas dentro das igrejas denominava-se Tímpanos.

Questão 04 – Quanto às Iluminuras julgue os itens abaixo em (C) CERTOS ou (E) ERRADOS:
1. ( ) Eram copiadas à mão.
2. ( ) Assim como os Afrescos eram feitas pelos monges.
3. ( ) A Iluminura é uma intervenção artística feita no inicio de cada capitulo da bíblia.
4. ( ) Os temas usados nas iluminuras eram de personagens bíblicos

Questão 05 – Como todo movimento o período Gótico tem na arquitetura um de seus
grandes representantes. Analise e julgue os itens a baixo marcando a ÚNICA alternativa
CORRETA sobre a arquitetura gótica.
a) ( ) Bem diferente dos edifícios baixos e pesados, a arquitetura gótica é esbelta e
muito alta.
b) ( ) Os prédios passam a ser decorados com inspiração na Antiguidade Clássica.
c) ( ) Os capitéis e colunas marcam este período.
d) ( ) Pela altura suas paredes eram de enorme espessura.

QUESTÃO 06 – Sobre os vitrais marque a alternativa correta:
a. ( ) Vitrais são os vidros utilizados para construir janelas.
b. ( ) Nos vitrais não ocorria geralmente variação de cor.
c. ( ) Os vitrais continham figuras bíblicas.
d. ( ) Da Vinci foi um grande produtor de vitrais.

QUESTÃO 07 – Sobre a escultura gótica marque a alternativa correta:
a. ( ) Existiam esculturas dedicadas ao nobres nas igrejas góticas.
b. ( ) Não existiam imagens dedicadas aos santos.
c. ( ) Os góticos gostavam de produzir em madeira.
d. ( ) Na arte gótica quase não surgiram esculturas

QUESTÃO 08 – Sobre a pintura gótica marque a alternativa correta:
a. ( ) A pintura é o elemento mais característico da arte gótica.
b. ( ) Temas cristãos eram trabalhados na pintura gótica.
c. ( ) A pintura gótica não tinha nenhuma noção de perspectiva.
d. ( ) Os góticos não produziram pinturas murais

QUESTÃO 09 – Sobre a arquitetura gótica assinale a alternativa correta:
a. ( ) É uma arquitetura que não tem preocupação com a proporção.
b. ( ) Tem prédios dedicados aos deuses gregos.
c. ( ) Costumas ser altas e largas as colunas.
d. ( ) As colunas parecem querer chegar ao céu.

Questão 10 - Analise a que períodos da idade média correspondem a arte românica e gótica.

gabarito
1- c,c,c,c
2- c,c,e,e
3- c,e,c.e
4-c,c,c,e
5- a
6- c
7-a
8-b
9-d
10 - A arte românica à alta idade média e a arte gótica à baixa idade média

Arte Gótica

2016-10-24T18:49:00.003-07:00

Arte gótica

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Nota: Se procura o estilo de moda, ver moda gótica.

Fachada da Catedral de Tours, grande representante da arquitetura gótica.

A arte gótica designa uma fase da história da arte ocidental, identificável por características muito próprias de contexto social, político e religioso em conjugação com valores estéticos e filosóficos e que surge como resposta à austeridade do estilo românico.

Este movimento cultural e artístico desenvolve-se durante a Idade Média, no contexto do Renascimento do Século XII e prolonga-se até ao advento do Renascimento italiano, quando a inspiração clássica quebra a linguagem artística até então difundida. Os primeiros passos são dados a meados do século XII em França no campo da arquitetura (mais especificamente na construção de catedrais) e, acabando por abranger outras disciplinas estéticas, estende-se pela Europa até ao início do século XVI, já não apresentando então uma uniformidade. A arquitetura, em comunhão com a religião, vai formar o eixo de maior relevo deste movimento e vai influenciar profundamente todo o desenvolvimento estético do período.

Na arquitetura o Gótico vai possibilitar uma ampliação na altura das construções através de uma série de inovações técnicas, em particular o uso sistemático do arco quebrado (ogival), do contraforte e do arcobotante, que aliviaram o peso das paredes e coberturas e permitiram ao mesmo tempo ampliar as aberturas e dar maior leveza visual aos interiores. Nas artes visuais, por influência clássica, a maior conquista se dá no progressivo abrandamento do rigor geometrizante e da estilização da representação do corpo típicos do estilo românico, buscando-se sempre um maior naturalismo, graça e elegância, e aprimorando-se a representação do espaço para criar uma ilusão de tridimensionalidade. É o período em que se popularizam a pintura a óleo e a técnica do vitral, e se retoma a tradição da pintura de paisagem, praticamente abandonada desde a Antiguidade Clássica.

Índice

[esconder]

O termo[editar | editar código-fonte]

História da arte

Por período
Pré-história [Expandir]
Antiguidade [Expandir]
Idade Média [Expandir]
Idade Moderna [Expandir]
Arte moderna [Expandir]
Arte contemporânea [Expandir]
Por expressão artística. Arquitetura Pintura Escultura - Design Literatura - Música Teatro Cinema
v • e

A expressão "estilo gótico" não existia em seu tempo. Quando a nova estética se expande além das fronteiras francesas, a sua origem vai ser a base para a sua designação, art français (arte francesa), francigenum opus (trabalho francês) ou opus modernum (trabalho moderno). Mas vai ser só quando o Renascimento toma o lugar da linguagem anterior que os novos valores vão entrar em conflito com os ideais góticos e o termo actual nasce. Na Itália do século XVI, e sob a fascinação pela glória e cânones da antiguidade clássica, o termo gótico vai ser referido pela primeira vez por Giorgio Vasari, considerado o fundador da história da arte. Aos olhos deste autor e dos seus contemporâneos, a arte da Idade Média, especialmente no campo da arquitectura, é o oposto da perfeição, é o obscuro e o negativo, relacionando-a neste ponto com os godos, povo germânico que semeou a destruição na Roma Antiga em 410. Vasari cria assim o termo gótico com fortes conotações pejorativas, designando um estilo somente digno de bárbaros e vândalos, mas que nada tem a ver com os antigos povos germânicos.^[1]^[2]

Contexto e as origens arquitetônicas do estilo[editar | editar código-fonte]

Ver artigo principal: Arquitectura gótica

Os séculos XI e XII são séculos de mudanças sociais, políticas e econômicas que em muito vão fazer despoletar as necessidades de uma expressão artística mais adequada às novas premissas sociais. O comércio está em expansão e Flandres, como centro das grandes transações comerciais, leva ao desenvolvimento das comunicações e rotas entre os diversos povos e reduz as distâncias entre si, facilitando não só o comércio de bens físicos, como também a troca de ideais estéticos entre os países. A economia prospera e nasce um novo mundo cosmopolita que se alimenta do turbilhão das cidades em crescimento e participa de um movimento intelectual em ascensão. Paralelamente assiste-se ao crescimento do poder político representado pelo monarca e à solidificação do Estado unificado, poderosa entidade que vai aspirar a algo que lhe devolva a dignidade e a glória de outros tempos e que ajude a nação a apoiar a imagem do soberano. A Igreja Católica, por seu lado, vai compreender que os fiéis se concentram nas cidades e vai deixar de estar tão ligada às comunidades monásticas, virando-se agora para o projeto do que será o local por excelência do culto religioso, a catedral, que se tornaria também o primeiro campo de ensaios do novo estilo. O período de surgimento do Gótico coincide com a extinção final do paganismo na Europa e o domínio do cristianismo como o único poder espiritual, supremo e inquestionável. Tem sido dito que enquanto o estilo Românico, com suas catedrais semelhantes a castelos e fortificações, representa a Igreja Militante, o Gótico vai representar a Igreja Triunfante.^[3]^[4]^[5] Nas palavras de Hugo Lopes,

"A ordem divina é assim transportada, através das catedrais, para as cidades em expansão, coroando-as com o poder unitário de Deus que determinou a aventura civilizacional da Idade Média; conferindo orientação à expansão das cidades pela exportação dos eixos que informam a implantação do edifício sagrado; ou seja, as catedrais contribuem para definir a estrutura das emergentes cidades, implicando o universo de saber submetido à ordem divina que determina a sua concepção no desenho do território urbano; revelando nas cidades as relações cósmicas divinas que construíram os edifícios medievais de Deus.

"A reconstrução das cidades dos últimos séculos da Idade Média evidencia todo o percurso que o homem medieval soube encetar; uma 'aventura' total, nos mais diferenciados âmbitos, que assegurou a constituição de uma civilização e o retomar dessas formas paradigmáticas da civilização humana — as cidades. A necessidade de superar as tão imensas carências dos territórios da Europa Ocidental desde a queda do Império Romano do Ocidente até aos alvores do ano 1000, implicou a recuperação e adaptação das heranças do conhecimento humano para construir um edifício de saber organizador da sua unidade enquanto civilização; uma estrutura de conhecimento que pudesse informar todas as ações humanas e estabelecer um caminho, uma orientação, para o difícil percurso destes homens para superar o caos que os rodeava e conquistarem a ordem que souberam definir como fundamento teórico inscrito na sua cultura como objectivo prático da sua ação. Foi na estrutura deste contexto que o homem medieval desenhou a sua evolução, definiu os seus pensares, induziu as suas práticas, induziu a sua prosperidade; foi com Deus e por Deus que a Idade Média informou todo o seu percurso de evolução continuada, foi com Ele e por Ele que construiu um saber e com esse saber os edifícios com que conquistaram o território e estabeleceram as regras da sua apropriação; foi este desenvolvimento do saber e do pensar que permitiu o desenvolvimento técnico, a prática que definiu o âmbito do atuar e possibilitou a recuperação das cidades como lugares de estabelecimento e de encontro do cada vez maior número de pessoas que habitavam a Europa Ocidental naqueles tempos".^[3]

O colorido e a exaltação da luz nos vitrais da Basílica de Saint-Denis, Paris.

Vista externa da abside da Catedral de Notre-Dame de Paris, onde são visíveis os arcos quebrados, os contrafortes e arcobotantes típicos da arquitetura gótica.

Outro aspecto a destacar é que o florescimento do Gótico deve-se também a um longo período de relativa prosperidade no norte da Europa, iniciando em torno de 1050, sustentado pelo incremento da agricultura, das manufaturas (principalmente têxteis) e do comércio. As classes superiores puderam gastar mais em mecenato, financiando obras da envergadura das catedrais, cujo custo era imenso, e que muitas vezes levaram séculos para serem concluídas e decoradas, quando puderam chegar ao término — muitas só encerraram seus trabalhos na Idade Moderna ou Contemporânea, como foi o caso das celebradas catedrais de Colônia e de Florença, finalizadas somente no século XIX.^[6]

O estilo Gótico é afirmação de uma nova filosofia. A estrutura apresenta algo novo, uma harmonia e proporção inovadoras resultado de relações matemáticas, de ordens claras impregnadas de simbolismo. O abade Suger, em Paris, fortemente influenciado pela teologia de Pseudo-Dionísio, o Areopagita, aspira uma representação material da Jerusalém Celeste. Para ele, a luz é a comunicação do divino, do sobrenatural, é o veículo para a comunhão com o sagrado, através dela o homem comum pode admirar a glória de Deus e melhor aperceber-se da sua mortalidade e inferioridade. Fisicamente a luz vai ter um papel de importância crucial no interior da catedral gótica, vai-se difundir através dos grandes vitrais numa aura de misticismo, e a sua carga simbólica de busca pelas alturas espirituais vai ser reforçada pela acentuação do verticalismo dos edifícios.^[7]^[8]

No entanto, muitos ensaios anteriores vinham sendo feitos para possibilitar a maior verticalização das estruturas. A catedral do período Românico, que precedeu o Gótico, era maciça, pesada, muitas vezes semelhante a uma fortaleza. Os românicos solucionavam o problema da altura e da cobertura das naves construindo pilares e paredes cuja estabilidade era produzida pela sua grande espessura, mas isso se fazia em detrimento das aberturas, que eram pequenas e permitiam apenas uma fraca iluminação interna.^[1]^[8]

A arquitetura gótica não é um momento de ruptura drástica com os ideais anteriores, mas antes uma assimilação de alguns elementos independentes de diferentes fontes, metamorfoseada com o novo conceito de interpretação da arte religiosa. Os primeiros indícios surgem na Normandia do século XI com a era de construção monástica incentivada pela Ordem de Cluny. Mas já neste momento se aglomeram diversas influências que vão ser cruciais à tipologia da catedral gótica: o arco quebrado de influência normanda, que suportava pesos maiores do que os arcos redondos românicos; a planta basilical modificada, composta por três naves, transepto e três ábsides de influência carolíngia, juntamente com o deambulatório e as capelas radiantes já existentes em igrejas de peregrinação, e a abóbada de arestas de origem lombarda e franca, que se desenvolveria como a abóbada em cruzaria tipicamente gótica. O impulso destas abóbadas vai ser recebido por um cinturão de colunas internas, mas sobretudo por uma série de arcobotantes e contrafortes no exterior do edifício. Este sistema foi tão eficaz que permitiu uma notável a redução na espessura das paredes e colunas, uma grande ampliação das janelas e um aumento na altura, dotando o espaço interior de grande leveza visual.^[4]^[1]^[5]

O interior do coro da Catedral de Beauvais. Note-se a característica verticalidade da construção gótica.

Vários componentes adicionais, como as duas torres ocidentais, o sistema interior de divisão vertical em três áreas (arcada, trifório e clerestório — zona dos grandes vitrais) —, a profusão de pináculos e diversos elementos decorativos, vão formar uma tipologia maleável de grandes dimensões, que não obedece a um padrão pré-definido de número de partes e que varia de caso a caso.^[4]

A primeira formulação reconhecível do estilo está presente na reconstrução da Basílica de Saint-Denis, sob orientação do abade Suger, que ocorreu entre 1137 e 1144.^[1] Sua fachada ainda trai a herança românica, mas sua abside e coro, as partes mais progressistas, já mostram o Gótico nitidamente estabelecido.^[8] Esta abadia beneditina, situada nas proximidades de Paris, vai ser o veículo utilizado para a comunicação dos novos valores simbólicos: por um lado a dignificação da monarquia, por outro a glorificação da religião. Este empreendimento teve por objetivo apresentar o maior centro patriótico e espiritual de toda a França, ofuscando todas as outras igrejas de peregrinação, trazendo para si mais crentes e restabelecendo a confiança entre a igreja e o seu rebanho.^[9]^[8]

Comprovada a viabilidade das inovações estruturais, a partir de então os arquitetos franceses competiriam para criar edifícios cada vez mais altos, cada qual tentando superar a conquista anterior. O limite foi estabelecido pelo colapso do transepto e do coro da Catedral de Beauvais em 1248, que foi reconstruído mais tarde com uma altura de 48 metros.^[1]

Expansão[editar | editar código-fonte]

O núcleo central do estilo resume-se inicialmente à zona da Île-de-France, que abarca a zona de Paris e arredores, mas estende-se eventualmente a todo o território francês e transborda mesmo para lá das fronteiras ramificando-se pela Europa Ocidental, principalmente a norte dos Alpes. A expansão do movimento alastra com o tempo para Inglaterra, Alemanha, Itália, Polónia e até à península Ibérica, embora aqui com menos impacto.^[4]

Seguindo as rotas comerciais o estilo é exportado e vai permanecer por algum tempo como uma estética de carácter estrangeiro e adaptado. Já no decorrer do século XIII impõem-se as influências regionais e o estilo assume, dentro de um mesmo eixo condutor, diversas facetas demarcadas pelas diferentes culturas e tradições europeias. Mas a corrente artística não vai permanecer imutável e, do mesmo modo que se ramificam, as diferentes vertentes vão acabar por se influenciar mutuamente e formar um conjunto bastante uniforme e homogéneo por volta de 1350.^[4]

Catedral de Colónia, Alemanha.

Em geral verifica-se que, em termos de permanência temporal, o movimento artístico difere profundamente de local para local, podendo-se, no entanto, definir aproximadamente as diferentes fases que o compõem.^[4]

Gótico primitivo ou Proto-Gótico: a partir de c. 1130. Assumem-se as ideias base e dão-se os primeiros passos com a reconstrução da Abadia de Saint-Denis. Aperfeiçoam-se as inovadoras técnicas de construção e entra-se na época das grandes catedrais, que perdurará até a fase seguinte. A expressão nas artes visuais ainda é austera, rígida e estilizada e muito dependente da herança românica.
Alto Gótico: a partir de c. 1200. Liberta-se da influência anterior e adquire uma identidade própria. Iniciam-se as pesquisas do naturalismo nas artes visuais.
Gótico Pleno ou Gótico Internacional: a partir de c. 1350. O estilo se espalha por quase toda a Europa com uma estética muito homogênea. O naturalismo na representação do corpo e da natureza está avançado e emerge um senso de decorativismo e elegância.
Gótico Tardio ou Baixo Gótico: a partir de c. 1450 até c. 1550. A influência da religião começa a declinar, expressão artística torna-se mais mundana e mais complexa, com acentuado gosto pelo decorativo e pelo detalhe preciosista. Surgem diversas escolas regionais diferenciadas que são influenciadas pelo Renascimento italiano, fazendo parte da corrente maneirista.

Variantes decorativas:

Gótico lanceolado, de 1200 a 1300.
Gótico radiante, irradiante ou rayonnant (século XIV de 1300 a 1400, uso de linhas radiais na traceria).
Gótico perpendicular (Inglaterra, século XIV, uso de linhas perpendiculares).
Gótico flamejante ou flamboyant (França, de 1400 a 1500). Momento definido pela exuberância da decoração escultórica nos edifícios arquitectónicos. A própria designação do momento (flamejante, por suas decorações se assemelharam às labaredas de fogo) traduz a essência do novo gosto por uma ornamentação fluída e ondulante que cobre toda a superfície arquitectónica como uma teia. Neste momento não existem, no entanto, evoluções estruturais.
Gótico manuelino, variante cultivada em Portugal no período do Gótico Tardio, com influências mouriscas e renascentistas e elementos decorativos alusivos às navegações e ao mar, como cordas, redes, conchas e correntes, bem como a tradições locais

A decoração interna e externa dos edifícios é bastante complexa e também um dos factores mais importantes. A geometrização vai dominar e consequentemente encontra-se uma multiplicidade de elementos compostos por círculos e arcos nos lavores de pedra (traceria) em remates de vitrais, arcos e gabletes. Estes ornamentos estão principalmente ligados à estilização da flora, identificando-se também referências ao universo humano e animal.^[4]

O estilo Gótico é, para a sociedade da época, extremamente contagiante e persuasivo, ultrapassando por isso as barreiras da arquitectura religiosa e transpondo-se para outras tipologias, como os palácios, moradias da burguesia, câmaras municipais, hospitais e outras construções citadinas.^[10] Ao mesmo tempo, elementos característicos do estilo vão impregnar todas as artes visuais da época, incluindo o trabalho em metal, a pintura, a escultura, o vestuário, a mobília e objetos utilitários decorados.^[1]

A meados do século XV, quando o Renascimento italiano, de inspiração clássica, se difunde pela Europa, a área de domínio gótica começa a reduzir, e está praticamente extinta um século depois. Em contato com tradições góticas mais arraigadas em certas regiões, o classicismo em expansão criaria uma série de variantes regionais híbridas, que tipificam o Maneirismo internacional.

Palácio dos Papas de Avinhão, França.
Ca' d'Oro, Veneza, Itália
Palazzo dei Priori, Perúgia, Itália.
Casa de Perkūnas, Kaunas, Lituânia.

Outras expressões[editar | editar código-fonte]

Escultura[editar | editar código-fonte]

Ver artigo principal: Escultura gótica

Estátuas colunares do portal oeste da Catedral de Chartres, c. 1145-1155, Alto Gótico.

Já na Abadia de Saint-Denis se observa uma maior importância dada à escultura que no românico, afirmando-se pela primeira vez como elemento independente da arquitetura e com objetivos próprios na Catedral de Chartres. De qualquer modo a escultura estará ainda intimamente ligada à catedral, favorecida pela criação de grandes portais, fachadas e altares decorados, mas, em oposição ao aspecto austero e dependente da arquitetura do românico, desenvolve-se com maior riqueza, demonstra agora consciência do seu próprio espaço e ocupa-o de modo mais ordenado e claro.^[6]

Essas novidades se deviam a uma busca por uma representação artística mais naturalista, influenciada pelo crescente interesse pelo legado da Antiguidade Clássica. A catedral românica, especialmente no final do período, já havia desenvolvido uma tradição de decoração expressiva, reunindo os elementos essenciais de um programa didático para os analfabetos, tornando o templo a "Bíblia dos pobres", povoando sua estrutura de imagens simbólicas ou narrativas que transmitiam os elementos da fé e doutrinavam o devoto. Os principais grupos temáticos apareciam nos portais românicos, consistindo em geral de cenas sobre o Juízo Final, o Cristo em Majestade ou a Crucificação, rodeadas de figuras acessórias como profetas, anjos e santos.^[11]^[1]^[12]

Anônimo: Madonna de Krużlowej, Cracóvia, Polônia. Exemplo da Madonna Graciosa, típica do Gótico Internacional. Madeira policroma, c. 1400.

Gil de Siloé: retábulo da Cartuxa de Miraflores, Burgos. Madeira policroma, 1496-1499, Gótico Tardio.

O Gótico virá a expandir este repertório e multiplicar os locais de instalação de esculturas, que povoam as ombreiras (jambas), arquivoltas, tímpanos, nichos, pináculos, capitéis e colunas. As estátuas nas ombreiras libertam-se progressivamente das colunas e da sua forma irreal e alongada ganhando volume e vida. Partindo do estático e estilizado modelo românico da representação do corpo, a humanização e naturalização das posturas e gestos vai ser reforçada pela utilização de um eixo próprio para a figura, eixo que com o tempo vai se flexibilizando e emprestando à figura uma forma de acentuada sinuosidade. Toda uma nova naturalidade vai determinar a composição e envolvência física: os pés passam a estar numa plataforma horizontal e não mais num plano inclinado; as roupagens e todo o volume corporal cedem à gravidade; aumenta a atenção ao pormenor transportado do quotidiano, e acima de tudo domina uma atitude elegante e uma expressão realista, que estabelece comunicação pelo olhar, pelo sorriso e pelo gesto, com alguns momentos de grande serenidade e ternura.^[9]^[13]

Com o passar do tempo, a temática intimidante dos portais românicos, destinada a inspirar o temor da condenação eterna e fazer o pecador fugir de um mundo vil, passam a dar lugar a visões mais positivas, ilustrando a transformação do dogma: Deus se aproxima da humanidade e mostra mais compaixão por suas falhas, o homem passa a ser mais dignificado como uma imagem da divindade, e o mundo é novamente encarado como a "obra perfeita" de Deus, um lugar onde a alegria de viver se tornava outra vez permissível e desejável.^[14]^[15]^[16] Surgem então muitas cenas da Virgem Maria, a advogada por excelência da humanidade junto à Justiça Divina, acompanhando a explosão do culto mariano que ocorre no período Gótico. Cenas do Juízo ainda são comuns, mas são concebidas de modo a enfatizar a ordem, a esperança e a justiça, mostrando os caminhos da salvação através do arrependimento e da ajuda compassiva dos santos.^[17]^[18]

Enquanto a imaginária se torna abundante no templo, ela se populariza também no âmbito privado, sendo um período de grande proliferação de estatuária devocional de pequenas dimensões e caráter portátil. A evolução da temática é similar à da escultura arquitetural, mas diferindo desta, que tem seu auge até cerca de 1250, entrando depois em relativo declínio, a estatuária portátil continua em ascensão até o fim do Gótico. Tornam-se especialmente apreciadas as tipologias da Pietà e da Madonna Graciosa, a primeira por influência de correntes de revivescência mística e penitencial, e a segunda por um cultivo dos aspectos jubilosos da fé, onde a doce maternidade de Maria se tornava um tema predileto, e também pela influência da cultura cortesã de elegância, sofisticação e moderação na expressão emocional, uma interpretação da temática do amor cortês transportada para o universo religioso. A exploração de aspectos psicológicos sutis dos personagens é favorecida pelo maior naturalismo.^[19]^[20]

No final do período, o chamado Gótico Tardio, o naturalismo da representação está bastante avançado, prenunciando o Renascimento, e incorpora-se uma multiplicidade de influências de tradições regionais, formando-se sínteses ecléticas. Nesta fase também se tornam populares os grandes retábulos narrativos, compostos de várias cenas didáticas emoldurados por intrincado trabalho de talha, que adquirem um refinamento técnico e uma riqueza decorativa inéditos.^[21]

Nas não somente à representação do ser humano dedicou-se a escultura. Nas igrejas e outros edifícios a decoração podia incluir uma série de elementos da natureza, com motivos vegetais e animais, incluindo animais fantásticos como os grifos, basiliscos e gárgulas, além de padrões geométricos abstratos.^[22]^[23]

A Árvore de Jessé na Catedral de Beauvais
Portal do Juízo Final na Catedral de Notre-Dame de Paris
Detalhe dos retratos de Ekkehard II e Uta von Meissen na Catedral de Naumburg, c. 1240-1260
Gárgulas na Catedral de Colônia

Adão, atribuído a Pierre de Montreuil, originalmente na fachada da Catedral de Notre-Dame de Paris. Mármore, c. 1260
Tumba de Inês de Castro, Portugal. Mármore, c. 1358-1367
Oratório portátil, França. Marfim, fim do século XIV
Detalhe do portal esculpido do Mosteiro dos Jerónimos, século XV, Portugal

Pintura[editar | editar código-fonte]

Ver artigo principal: Pintura gótica

A Madonna Ruccelai, 1285, de Duccio, Itália. É clara a influência bizantina.

Fresco de Giotto, A Lamentação, c. 1305, Cappella degli Scrovegni, Pádua.

A pintura acompanhou em linhas gerais o desenvolvimento estético da escultura. No final do Românico já estavam lançados alguns dos principais núcleos temáticos que a nova escola transformaria e ampliaria. A tendência de buscar uma naturalização das formas também se verifica neste campo, com uma contribuição principal dos mestres italianos, cuja tradição preservara muitos princípios da pintura bizantina, a qual por sua vez era uma herdeira direta da pintura da Antiguidade Clássica.^[24]^[25]

A temática mariana também foi favorecida, influenciada pela tradição das Madonnas ítalo-bizantinas, com predomínio das tipologias da Pietà, da Madonna Graciosa e da Madonna em Majestade. Berlinghiero Berlinghieri, Duccio e Simone Martini foram grandes referências no Gótico Internacional, e Giotto introduziu um novo senso de naturalismo e dramatismo na figura humana e no movimento dos grupos, colocados em cenários simples e eficientes, gerando grande escola. Muitos pintores importantes seriam ativos neste período, como Stefan Lochner, Nicolas Froment, Nuno Gonçalves e uma legião de outros.^[24]^[25]

Outra tradição ítalo-bizantina que se irradiou pelo norte da Europa no Gótico foi a do ícone, popular por ser portátil e por desenvolver um estilo narrativo facilmente compreensível à população inculta. Sua temática era variada, incluindo imagens de santos, mártires, anjos e personagens bíblicos. Era muito apreciado o tipo chamado vita, um ícone em que um personagem central destacado é rodeado por várias pequenas cenas de sua vida. A popularização dos ícones exerceria grande impacto sobre a produção gótica de retábulos, iluminuras e murais.^[26]^[27]

A pintura no Gótico continua amplamente voltada para a religião, e variados ciclos narrativos sobre a vida de Jesus, Maria e dos santos, com cenas simples de cotidiano e momentos grandiosos e transcendentes, permitem a exploração de uma grande gama de situações e emoções, de elementos da natureza, de maneiras de representar o corpo, mas o mundo profano ganha mais espaço, diversificando bastante o repertório. Temas populares eram a representação de eventos históricos, civis e militares, cenas inspiradas na poesia trovadoresca, nos romances de cavalaria, na tradição do amor cortês. Também se encontram imagens simbólicas do "jardim interior", do labirinto, da Dança da Morte, alegorias das Virtudes e das Artes Liberais.^[24]^[28]^[25]

A grande novidade introduzida pelo Gótico foi a pintura a óleo, conhecida desde a Antiguidade mas popularizada somente neste período, quando sua técnica se refina imensamente, permitindo a representação da natureza, do corpo e do espaço com elevado grau de detalhamento e verossimilhança, além de possibilitar sutis gradações de tonalidades. A retratística foi muito favorecida por esta evolução técnica. A escola flamenga, com representantes da qualidade de Jan van Eyck, Petrus Christus, Robert Campin e Rogier van der Weyden, entre outros, foi o principal foco de irradiação da pintura a óleo, que teve rápida e ampla aceitação internacional.^[29]^[30]

Pietro Cavallini: Detalhe do Juízo Final, afresco, c. 1290
Mestre de São Francisco: Crucifixo pintado, têmpera, c. 1262-1270
Simone Martini: Anunciação, têmpera, c. 1333
Giovanni del Biondo: Vida de São João, ícone no estilo vita, têmpera, c. 1360

Fra Angélico: Anunciação, afresco, 1442-1443
Jan van Eyck: Homem de turbante vermelho, óleo, 1433
Rogier van der Weyden: Descida da cruz, óleo, c. 1435
Petrus Christus: Natividade, óleo, c. 1445-1450

Iluminura[editar | editar código-fonte]

Iluminura da Bíblia Morgan, c. 1240, Expulsão dos Israelitas de Ai.

Páginas das Horas de Jeanne d'Evreux, iluminadas por Jean Pucelle, 1325-1328. A página esquerda está na técnica de grisaille.

A iluminura de manuscritos continua a assumir um papel destacado na representação pictórica que vinha já desde o românico. O florescimento se deve a uma classe burguesa enriquecida e ao patronato de nobres poderosos, para quem a posse de livros iluminados, artigos sempre caríssimos, eram um luxo e um sinal de distinção. Muitas vezes eram oferecidos como presentes diplomáticos ou dotes de casamentos dinásticos. O ensino nas primeiras universidades também criou uma nova demanda por manuscritos de qualidade.^[31]^[32]

No seu repertório formal passam-se a encontrar referências à arquitectura que até aqui eram muito limitadas. Por um lado as figuras estão integradas num ambiente arquitectónico de fundo onde são evidentes os traços do gótico, por outro lado as figuras exibem um tratamento volumétrico com as mesmas expressões graciosas e posições sinuosas da decoração escultórica da catedral. Mas mesmo neste enquadramento arquitectónico a profundidade e a perspectiva são ainda muito básicos, em grande parte pela contribuição dos contornos a negro das figuras que fazem lembrar as uniões num vitral e que as remetem para um plano bidimensional.^[33]

Esta adopção dos elementos do Gótico dever-se-á em grande parte à transposição da produção da iluminura dos mosteiros para as oficinas dos centros urbanos onde o Gótico habita. Na última metade do século XIV a influência dos mestres italianos no norte europeu é forte e a iluminura ganha um tratamento mais pronunciado dos volumes, aumentando a ilusão de profundidade do espaço. Ao mesmo tempo, a iluminura foi o campo onde primeiro se desenvolveu a pintura de paisagem.^[33]

As drôleries designam um tipo próprio de manuscrito ilustrado típico do Gótico setentrional e que acaba por se alastrar a outras regiões. Nesta tipologia as composições adquirem uma liberdade quase ilimitada reunindo o humor grotesco com o fantástico e cenas do quotidiano descritas ao mais ínfimo detalhe, sendo um campo preferencial para o exercício da fantasia gótica. Outro tipo comum é o grisaille, onde a cor está ausente. Livros de horas, saltérios, bíblias, missais, antifonários e breviários são os veículos mais comuns das iluminuras, mas também aparecem em tratados de história, música, direito e ciências, nas biografias, bestiários e crônicas. Exemplares luxuosos para as grandes cortes e igrejas importantes podiam conter iluminuras de página inteira com fundos e detalhes dourados e ser encadernados com capas cravejadas placas de metais preciosos ou marfim e joias. Os principais centros de produção foram Paris, a corte da Borgonha, Inglaterra e Itália. Entre os mestres iluminadores mais famosos pode-se destacar Jacquemart de Hesdin, os irmãos Limbourg, Jean Pucelle, Jean Tavernier, Jean Fouquet, John Sifer, Herman Scherre, Giovannino dei Grassi e Lorenzo Monaco, mas a maior parte da produção se deve a autores anônimos.^[33]^[31]^[32]^[34]

Página das Cantigas de Alfonso el Sabio, c. 1250-1300
Inicial C decorada no Antifonário Cod. Cor. 7, iluminado por Lorenzo Monaco, 1406
Página de La Fleur des Histoires, de Jean Mansel, iluminada por Philippe le Bon, c. 1450-1458
Fevereiro, página de Les Très Riches Heures du duc de Berry, ciclo dos Trabalhos e dos Dias, iluminadas pelos irmãos Limbourg, 1412-1416

Vitral[editar | editar código-fonte]

Conhecido deste a Antiguidade, o vitral chegou ao seu apogeu durante o Gótico.^[35] Este método, de unir pedaços de vidro colorido através de chumbo, foi o que melhor se adaptou à necessidade narrativa do interior da catedral gótica, alinhando-se também perfeitamente à "teologia da luz" proposta pelo abade Suger. Desenvolvendo-se com as inovações técnicas de distribuição de peso das abóbadas, que permitiam a criação de grandes janelas para entrada de luz, esta evolução desafia os mestres-vidreiros obrigando-os a um projecto metodicamente planeado, distanciando-se progressivamente da influência românica e assumindo um estilo pictórico próprio a partir de 1150 e com apogeu até 1500. Tornou-se nesta época uma das formas mais disseminadas de pintura.^[36]^[37]^[38]

Vitrais da Sainte-Chapelle de Paris.

Detalhe de uma cena da vida de São Tiago Maior na Catedral de Chartres.

A técnica empregada para sua confecção é, no entanto, muito diferente de outras formas de pintura. Os próprios pigmentos são produzidos com vidro colorido com óxidos e finamente moído, misturado a um meio líquido. Com esta "tinta" os artífices pintavam suas cenas e imagens na face do vidro que deveria permanecer voltada para o interior do edifício. Detalhes sutis eram obtidos com a abrasão de certas áreas com escovas ou com ponteadores, que permitiam criar áreas mais ou menos claras e efeitos de linha. Então a placa vítrea era submetida a calor intenso, que fundia o pigmento com a superfície de suporte. Muitas vezes no outro lado da placa de vidro era aplicada uma camada de emulsão de prata para criar cores de fundo. Também podiam ser aplicados detalhes em tintas convencionais depois da queima da placa, e não eram raros vitrais na técnica do grisaille, com poucas ou nenhuma cor, preferida pela Ordem de Cister e também popular na Inglaterra.^[36] Podiam ser ainda criados vitrais inteiramente com placas de cor uniforme, mais usadas para decorações não-figurativas.^[38]

Naquela época não era possível produzir placas de vidro muito grandes, de maneira que os vitrais são elaborados a partir de uma série de pequenas placas unidas entre si por uma grade de metal apoiada na moldura de pedra das aberturas. Procurava-se que as linhas da grade evitassem cruzar áreas especialmente importantes da pintura, como as faces e mãos, a fim de não prejudicar sua inteligibilidade e melhorar o efeito estético, de modo que o desenho da grade acompanhava o perfil exterior das figuras.^[36]^[35]^[38]

Uma vez que o vitral conheceu seu apogeu nas igrejas, a temática mais comum é naturalmente sacra. São populares as cenas da vida de Jesus, Maria e dos santos e passagens da Bíblia, mas também podiam aparecer brasões, símbolos, alegorias, representações do Zodíaco e decorações com motivos vegetais e animais. Entre os conjuntos de vitrais góticos mais importantes está o da Catedral de Chartres, frequentemente considerada a obra-prima do período, mas se destacam também, por exemplo, os das catedrais de Bourges, Auxerre, Sens, Soissons, Laon, Troyes, Reims, Notre-Dame de Paris, Lincoln e Salisbury, e o da Sainte-Chapelle. Castelos e mansões da burguesia rica também podiam contar com algumas aberturas decoradas com vitrais.^[39]^[40]^[38] No que diz respeito ao estilo da representação, a evolução da estilização para o naturalismo verificou-se também neste campo.^[38]

A técnica tradicional de uso de pequenas placas de vidro começou a declinar no século XV com os avanços na produção do vidro, permitindo a elaboração de grandes placas pintadas com uma variação da técnica do esmalte. No século XVI, após a Reforma, a representação dos santos foi praticamente abolida nas igrejas protestantes, e com a preferência da pintura do vidro em imitação da técnica do afresco entre os católicos, a tradição gótica do vitral encerrou-se, revivendo, contudo, com o Neogótico.^[39]^[40]

Madonna e o Menino, Catedral de Troyes.
Rosácea da Catedral de Notre-Dame de Paris.
Janela leste da Catedral de Lincoln.
A ressurreição dos mortos, Sainte-Chapelle.

Artes aplicadas[editar | editar código-fonte]

A intensa religiosidade do período refletiu-se também na ornamentação dos objetos utilitários relacionados ao culto: cálices de consagração, relicários, tocheiros, ostensórios, cruzes, tabernáculos, capas de missais e outros objetos, especialmente os pertencentes a igrejas ricas, eram confeccionados em metais preciosos e cravejados de joias, com uma elevadíssima qualidade artesanal e grande finura de detalhes, mas para determinados objetos materiais como o marfim e a madeira também eram muito usados. Combinavam-se nesses objetos características de vários domínios artísticos, como a ourivesaria, a pintura, a escultura e mesmo a arquitetura. Sobrevivem numerosos exemplares de relicários e tabernáculos com o formato de pequenas igrejas, com pináculos, arcos, estatuetas e outros elementos típicos das catedrais. Às vezes os relicários eram elaborados na forma de partes do corpo do santo de onde a relíquia era retirada, como mãos, braços, bustos etc. Paralelamente, é comparável a qualidade e riqueza de objetos dos grandes nobres, incluindo coroas e joias. Já a mobília tendia a ser mais austera, mas em alguns casos podia ser ornamentada com ricos entalhes, como nos cadeirais da grandes catedrais, tronos e grandes armários, mas é bastante escassa a mobília gótica que chegou aos dias de hoje.^[41]

Cálice da Coroação da Catedral de Reims, ouro, esmalte, pérolas e joias, fim do século XII, França.
Relicário em cobre esmaltado sobre núcleo de madeira, c. 1200–1220, França.
Arca de Saint Taurin, relicário arquitetural, ouro, esmalte e joias, século XIII, França.
Busto-relicário de Carlos Magno, prata dourada e joias, c. 1350, França.

Pia batismal da Igreja de Santa Maria em Lübeck, bronze, século XIV, Alemanha.
Coroa da princesa Blanche, ouro, pérolas e joias, c. 1370, Inglaterra.
Cadeiral do coro da Igreja da Assunção de Maria em Torun, século XV, Polônia.
Capa dos Evangelhos da Coroação, parte do tesouro do Sacro Império, prata dourada e joias, c. 1500, Alemanha

Neogótico[editar | editar código-fonte]

Ver artigo principal: Neogótico

Fachada da Abadia de Westminster, em Inglaterra, com as torres neogóticas do século XVIII.

Em alguns pontos da Europa, como por exemplo na Inglaterra, o estilo nunca caiu em um esquecimento total.^[1] Entre o século XVII e o século XVIII Sir Christopher Wren ergueu uma torre gótica no Christ Church College da Universidade de Oxford, e Nicholas Hawksmoor levantou no mesmo estilo as torres ocidentais da Abadia de Westminster, mas somente a partir de meados do século XVIII, quando se desenvolve o Romantismo, vai ser revalorizada em larga escala a filosofia estética do Gótico. A arte volta-se novamente para o passado, interessada pelo que imaginava haver de misterioso e desconhecido da Idade Média, mas também pela valorização de antigas tradições e folclores regionais, e por uma nova atitude em relação à decoração sacra, entendendo-se que o Gótico era um estilo espiritual por excelência, condenando a opulência do Barroco e Rococó — correntes que estiveram em vigor entre os séculos XVII e XVIII —, entendida como um sinal de excessivo materialismo e sensualidade, uma condenação que também seria expressa pelo surgimento concomitante do Neoclassicismo, que, porém, materializaria suas proposições de maneiras diferentes, recorrendo à austeridade e economia formal classicistas. Goethe, também fascinado pela imponência das grandes catedrais góticas na Alemanha, vai acabar por ajudar ao impulso desta redescoberta da originalidade do período Gótico, exprimindo as emoções que lhe são despertas ao admirar os gigantes edifícios de pedra. Neste momento nasce o Neogótico que define e expande o gosto pela utilização de elementos decorativos góticos e que reconhece pela primeira vez as diferenças artísticas que separam o estilo Românico do Gótico.^[42]

Também a França assume uma posição representativa no Neogótico, liderada pela figura de Viollet-le-Duc e pelo seu trabalho na área do restauro em diversas catedrais francesas góticas. Não só assumiu um papel pedagógico no ensinamento das técnicas de aplicação deste gosto em construções modernas, como também compilou na Encyclopédie médiévale as diversas variantes formais do estilo, desde a arquitectura à indumentária da época.^[42] Com mais ou menos intensidade o fascínio por esta época passada manteve-se até aos nossos dias um pouco por todo o mundo ocidental, penetrando pelo século XX adentro nas diversas vertentes artísticas ecléticas.

Arte Românica

2016-10-24T18:49:00.002-07:00

O românico[editar | editar código-fonte]

A arte em si é mais antiga que o termo românico, empregado a partir da década de 1820 por Charles de Gerville e Le Prevost, e usado sistematicamente pelo arqueólogo Arcisse de Caumont, que conseguiu batizar com esse termos as construções hoje conhecidas como tais (embora ele tenha incluído também exemplares de períodos anteriores).^[1] A arte hoje dita românica foi redescoberta, visto que por um longo tempo foi desprezada, escondida debaixo de reformas e outros estilos, ou mesmo ignorada e destruída.

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História[editar | editar código-fonte]

Depois de passar por muitas turbulências, desde o fim do Império Romano até o século XI, aproximadamente, a Europa medievalvive um momento de estabilidade e crescimento. O comércio volta a florescer e as cidades começam a prosperar, mesmo que timidamente.

Até então a arte era difusa e diferente entre os variados povos europeus. Isso mudaria com o "crescente entusiasmo religioso",^[2]cujas causas são, entre outros fatores, as peregrinações que cresceram e as Cruzadas para libertar a Terra Santa. Com todas essas mudanças é plausível o nome românico, visto que a Europa se romanizou como nunca desde o início da Idade Média. A única coisa que faltava, a autoridade política central, foi, até certo ponto, ocupada pelo Papa. Sem um poder nas mãos de um único rei, foi a Igreja que centralizou o controle sobre o pensamento e a vida da época e foi a primeira responsável pela unificação da Europa desde a queda do Império Romano.

Esse crescimento religioso se refletiu na construção de muitas igrejas. Nas palavras do monge Raoul Glaber, citado por Ramalho,^[3] "à medida que se aproximava o terceiro ano após o ano 1000, via-se em quase todo o universo, em particular na Itália e nas Gálias, a reconstrução das basílicas religiosas… Era como se o mundo sacudisse de si o pó do tempo, para despojar-se de sua vetustez, e quisesse se revestir, por toda a parte, de um manto branco de igrejas". Essas igrejas foram mais numerosas e maiores que todas as outras precedentes, o que explica em parte o entusiasmo de Glaber.

Características[editar | editar código-fonte]

Saint-Sernin de Toulouse, uma igreja de peregrinação.

Há diferenças entre a arte executada nas diversas regiões europeias, de acordo com as influências regionais recebidas, mas há também uma série de características comuns, que definem o estilo românico.

As igrejas são as maiores até então, e para que isso seja possível houve uma evolução dos métodos construtivos e dos materiais. A pedra foi empregada na construção e o telhado de madeira foi trocado por abóbadas de berço e de aresta, mais condizentes com uma igreja que representa a fortaleza de Deus.

Ao contrário da arte paleocristã, as igrejas são ricamente decoradas externamente. A escultura em pedra em grande escala renasce pela primeira vez desde os romanos, atrelada à arquitetura, assim como a pintura. A escultura e a pintura são carregadas de esquematização e simbolismo, típico de um período em que o artista aprende a representar o que sente, e não somente o que vê.

Pedra-construções sólidas, paredes grossas, com contrafortes ao estilo de fortificações com recurso a ameias; Fachadas lisas e simples, poucas janelas; Interiores escuros, sombrios e simples; Uso de arcos redondos ou abóbadas perfeitas (também designadas abóbadas de berço) Uso da cruz latina como planta, geralmente com três naves (central e duas laterais mais escritas).

Igreja de peregrinação[editar | editar código-fonte]

As igrejas de peregrinação foram muito características desse período. Elas ficavam no caminho para os locais sagrados, como Santiago de Compostela, Roma e Jerusalém, e serviam de apoio e pouso para os peregrinos, além de oferecer como atrativo as relíquias, objetos supostamente pertencentes a Jesus Cristo, a Maria e aos santos, como os cravos que pregaram as mãos e pés de Jesus, ou os espinhos da coroa, ou ainda fios de cabelo da Virgem.

Essas igrejas seguiam a planta em forma de cruz latina, com várias nave , geralmente 3 ou 5, em que as naves laterais se prolongavam e passavam por detrás da ábside, formando o deambulatório. Do deambulatório saiam as capelas radiantes, ou absidíolas. Esse conjunto era característico das igrejas de peregrinação e ficou conhecido como cabeceira de peregrinação. Entre as igrejas desse tipo estão as de Saint-Sernin de Toulouse, Santiago de Compostela, Santa Madalena de Vézelay e Igreja de Saint-Martin de Tours.

Os mosteiros[editar | editar código-fonte]

Os mosteiros foram importantes para o estabelecimento da arquitetura românica, principalmente os das ordens de Cluny e Cister. Desse conjunto característico, a dependência a se destacar é o claustro, por vincular o mosteiro ao templo e por ser a dependência mais bem cuidada do ponto de vista artístico. Geralmente possuem quatro lados, com tendência a formar quadrados perfeitos e quatro corredores resultantes em pórticos abertos com arcadas sustentadas por colunas.

Expressões[editar | editar código-fonte]

Arquitetura[editar | editar código-fonte]

Capitel românico, na abadia de Saint-Martin-de-Boscherville, Seine-Maritime

Ver artigo principal: Arquitectura românica

A arquitetura em pedra vem reforçar a característica de monumentalidade e fortaleza, possível depois de toda a evolução dos meios construtivos. Os conjuntos arquitectónicos seguem, geralmente, a planta basilical, uma, três ou cinco naves (geralmente três), colunas que sustentavam as abóbadas e um aspecto maciço e horizontal (mesmo que muitas das igrejas sejam bem altas). As paredes são cegas, pois não é possível, ou é muito difícil, abrir grandes janelas nas paredes, já que elas servem como estrutura e suportam todo o teto. Haverá grande decoração, externa e internamente, através de esculturas nos tímpanos nas portas de entrada e nos capitéis e colunas, e pintura parietal nas ábsides e abóbadas das naves.

Escultura[editar | editar código-fonte]

Ver artigo principal: Escultura românica

A escultura renasceu no românico, depois de muitos anos esquecida. Seu apogeu se dá no século XV, quando inicia um estilo realista, mas simbólico, que antecipa o estilo gótico. A escultura é sempre condicionada à arquitetura e todo trabalho é executado sem deixar espaços sem uso. As figuras entalhadas têm o tamanho do elemento onde foram esculpidas, e os trabalhos de superfície acomodam-se no lugar em que ocupam. Dessa característica parte também a ideia de esquematização.

Outra importante característica é seu caráter simbólico e antinaturalista. Não havia a preocupação com a representação fiel dos seres e objetos. Volume, cor, efeito de luz e sombra, tudo era confuso e simbólico, representando muitas vezes coisas não terrenas, mas sim provenientes da imaginação. Mas não que isso seja uma constante em todo o período. Em algumas esculturas, nota-se a aparência clássica, influência da Antiguidade, como no Apóstolo, de Saint-Sernin de Toulouse. A principal característica da escultura românica eram as cores fortes e vivas.

Pintura[editar | editar código-fonte]

Iluminura de Paulo

Ver artigo principal: Pintura românica

A pintura não se destacou tanto quanto a arquitetura nesse período. Os principais trabalhos são a pintura mural, as iluminuras e as tapeçarias. A pintura parietal, ou seja, executada nas paredes, era dependente da arquitetura, como pode-se deduzir, tendo aquela somente função didática. Em um período em que a grande maioria da população era analfabeta, a pintura era uma forma de transmitir os ensinamentos do cristianismo.^[4]

Dadaísmo

2016-10-24T17:55:00.004-07:00

História do Dadaísmo

O dadaísmo surgiu no ano de 1916 em Zurique, no chamado Cabaret Voltaire, por iniciativa de um grupo de artistas e escritores, que decidiram romper com todos os valores e princípios estabelecidos anteriormente à Primeira Guerra Mundial, inclusive os artísticos.

A própria palavra dadá não tem outro significado senão a própria falta de significado, sendo um exemplo da essência deste movimento.
O movimento dadaísta foi fundado pelo poeta Hugo Ball (ver figura), ao qual se uniram os artistas Hans Arp e Marcel Janco e o poeta romeno Tristan Tzara. As suas inúmeras publicações de manifestos tornaram rápida a difusão do dadaísmo na Europa, obtendo a adesão de artistas como Marcel Duchamp, ou Francis Picabia.
A pintura dadaísta foi um dos grandes mistérios da história da arte do século XX. Os pintores deste movimento, não hesitaram em anular as formas, técnicas e temas da pintura, tal como tinham sido entendidos até aquele momento. Para dificultar ainda mais sua análise, os títulos escolhidos não tinham qualquer relação com o quadro.
A escultura dadaísta dedicava-se à improvisação e desordem. As esculturas de Marcel Duchamp, por exemplo, baseavam-se muitas vezes em objectos do dia-a-dia. Um dos mais escandalosos foi, sem dúvida, o urinol que este artista francês se atreveu a apresentar no Salão dos Independentes, competindo com as obras de outros escultores. Com exemplos desse tipo e outros, pode-se afirmar que Marcel Duchamp foi o “pai” da arte conceptual. Os críticos não foram muito condescendentes com essas obras, que não conseguiam compreender nem classificar.
Em poucos anos, o movimento alcançou, além de Zurique, as cidades de Barcelona, Berlim, Colónia, Hanover, Nova Iorque e Paris.
Os dadaístas não romperam somente com as formas da arte, mas também com o conceito da própria arte.
Efémera, mas eficaz, a arte dadaísta preparou o terreno para movimentos vanguardistas tão importantes como o surrealismo e a arte pop, entre outros.

Características do Dadaísmo

O dadaísmo provém do surrealismo, e como tal ambos os tipos de arte têm várias características em comum. No entanto, são também diferentes em muitos aspectos…
- Os objetos do quotidiano são apresentados em novos e diferentes contextos que por vezes não aparentam ter qualquer sentido.
- As obras de arte contêm por vezes itens que criticam a guerra, o consumismo, o capitalismo e a sociedade em geral.
- O dadaísmo opõe-se ao equilíbrio, utilizando a ironia e o pessimismo. Para criar maior sarcasmo os artistas utilizavam por vezes a fotomontagem.

- O dadaísmo é experimentalista, escandaloso, espontâneo e cepticista, e invocava até a antiarte ou a destruição da arte.
- Utilizam-se montagens e experiências de imagens com objetos e sons do quotidiano
- Engloba as artes plásticas, a fotografia, a música, o teatro,

Man Ray - O Violão, 1924

Marcel Duchamp - Fountain

Max Ernst

Questão 1) O Dadaísmo foi o movimento de vanguarda mais radical do início do século, isso pelo seu caráter de negação. Tristan Tzara foi o líder dos dadaístas. Ele dizia: “Dada não significa nada”, e este nada é sua palavra fundamental. Já para André Gide, “Dada é o dilúvio após o qual tudo recomeça”, isso reforça a idéia de que o dadaísmo queria tudo novo e destruir tudo que o precedia. Os dadaístas também querem repudiar o bom senso e a serenidade. Depois do futurismo, é o movimento de vanguarda que apresentou maior número de manifestos. Julgue os itens seguintes acerca do movimento dadaísta.

1 O caráter de negação ao qual o texto se refere só encontra verdadeira ressonância nos manifestos, mas não nas obras visuais produzidas.

2 Dilúvio e recomeço, atribuídos ao movimento por André Gide, podem ser entendidas como metáforas para a desconstrução e a retomada dos procedimentos acadêmicos exercidos pelos dadaístas.

3 Embora repudiem o bom senso, os dadaístas não abandonam a lógica na elaboração de suas composições e sua consequente assimilação por parte do público.

4 Os artistas dadaístas produziram uma antiarte cuja influência política revela-se no posicionamento de tais artistas em favor da guerra.

5 O mictório transformado em “A Fonte” por Marcel Duchamp é um bom exemplo de como a arte dadaísta descontextualizava os objetos afim de lhes garantir objetividade e entendimento imediato.

Questão 2) O Dadaísmo foi o mais radical de todos os movimentos de vanguarda surgidos no começo do século XX. Outros movimentos como o Cubismo, o Futurismo e o Expressionismo e até mesmoo Surrealismo se negaram à estética ou aos estilos anteriores a eles, propuseram uma nova estética ou um novo estilo. O Dadaísmo não: ele nega toda a arte do passado – inclusive a moderna – e nada propõe. Ou, melhor, propõe a morte da arte. Nega não apenas a arte, mas também a moral, a política e a religião. Nega até a si mesmo "Ser dadá é ser antidadá", afirma em um de seus manifestos. Com base no texto e nos conhecimentos sobre o Dadaísmo, julgue os itens a seguir.

1 Os artistas desse movimento apoiavam a sociedade capitalista e sua moral burguesa, e não as responsabilizavam pelos horrores da guerra.

2 Os dadaístas voltavam-se para a produção de uma arte absurda, pois, na forma de provocações, manifestavam seu apoio e contentamento com a guerra.

3 O objetivo principal do movimento era construir uma arte educativa e espiritualista como forma de se contrapor ao materialismo e ao cientificismo do mundo moderno.

4 Marcel Duchamp e seus companheiros criticavam a arte ilógica, absurda, valorizando a racionalidade na criação artística.

5 Os artistas do dadaísmo pregavam o fim da arte tradicional, pois entendiam que esta expressava os valores estéticos e ideológicos de quem detinha o poder.

Surrealismo: a arte dos sonhos.

2016-10-24T17:55:00.002-07:00

História do Surrealismo

O Surrealismo foi um movimento artístico francês (que mais tarde se expandiu para outros países) formado por André Breton (ver figura à cima), em 1920. Surgiu a partir do Dadaísmo.
Este movimento surrealista foi em grande parte influenciado pelas teorias de Sigmund Freud (importante neurologista) referentes à psicanálise. Segundo Freud, o homem deve libertar a mente das regras e dos padrões impostos pela sociedade, dando assim maior importância aos sonhos e à sua própria inconsciência. A psicanálise foi portanto uma das bases do Surrealismo.
O que deu a conhecer ao mundo o Surrealismo foi o Manifesto Surrealista, em 1924. Neste manifesto, declararam-se os princípios surrealistas, que falavam da isenção da lógica, e da adopção de uma realidade superior, chamada "maravilhosa". Os surrealistas mostraram-se também adversos a determinados valores, como a pátria, a família, a religião, o trabalho e a honra.
Nos anos 30 foram principalmente Salvador Dali (que se iniciou no movimento em 1929) e Magritte que mais se destacaram no surrealismo.
Em 1931 vários pintores Surrealistas produziram obras que se tornaram em marcos da evolução da estética do movimento: La Voix des Airs de Magritte (ver figura à direita) é um exemplo desta evolução.

No entanto, várias tensões a nível pessoal, político e profissional deram início à separação do grupo de pintura Surrealista. Nesse grupo incluía-se também a fotografia, na qual Man Ray teve um papel muito importante.

Nos anos 30 surgiram outros pintores surrealistas, como Yves Tanguy e o britânico John Tunnard. Porém, com o rompimento da segunda guerra mundial, o Expressionismo Abstracto ganhou uma maior importância. Porém o próprio Expressionismo Abstracto foi fruto do encontro de artistas americanos com Surrealistas europeus refugiados da Guerra.
Durante a Segunda Guerra os artistas Surrealistas continuaram as suas obras, embora de um modo mais disperso.
Nos 40 o Surrealismo também chegou à Inglaterra e aos EUA.
No entanto várias personalidades foram expulsas do movimento Surrealista. Porém vários destes artistas, como Roberto Mattam continuaram próximos ao movimento.
O pintor e escultor francês, Duchamp, continuou a produzir esculturas até falecer.
Em 2001 a Tate Modern (museu britânico de arte moderna) apresentou uma exibição de arte Surrealista que atraiu mais de 170,000 visitantes. Presentemente o Surrealismo continua a ser uma fonte de inspiração para a criação de arte.

Características do Surrealismo

As obras surrealistas têm características muito particulares e únicas. A arte surrealista possui sempre elementos irreais que a tornam, por vezes, bizarra. Esses elementos podem ser fruto dos sonhos ou do inconsciente do autor. No entanto a arte surrealista procura sempre imitar a perfeição nas suas cores e desenhos (dentro da dimensão do imaginário). Por vezes contém ilusões de óptica que evocam o sonho ou até a ironia.

"Automatismo psíquico pelo qual alguém se propõe a exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento". André Breton (francês que lançou o movimento) sobre a essência do surrealismo.

QUESTÕES DISCURSIVAS – 1ª À 7ª

1ª). O que o movimento artístico Surrealismo representava?
RESPOSTA: O Surrealismo, movimento artístico que teve origem no ano de 1924, representava o imaginário e os impulsos ocultos da mente.

2ª). O que o Surrealismo possibilitava aos artistas?
RESPOSTA: Possibilitava que os artistas se expressassem deforma livre, fugindo da racionalidade e dos valores ditados pela sociedade da época.

3ª). Além das artes plásticas, quais foram as outras linguagens artísticas abrangidas pelo Surrealismo?
RESPOSTA: O cinema, o teatro e as artes plásticas.

4ª). Quais as técnicas usadas pelos artistas surrealistas em suas obras?
RESPOSTA: Os artistas usavam técnicas acadêmicas na maneira de pintar, mas inovavam nostemas e nas imagens criadas.

5ª). O que era associado às pinturas surrealistas?
RESPOSTA: Elementos inexistentes nas naturezas.

6ª). Quais as duas tendências do Surrealismo?
RESPOSTA: A tendência Figurativa e a Abstrata.

7ª). Durante qual movimento artístico o Surrealismo chegou ao Brasil?
RESPOSTA: No Brasil, as ideias surrealistas foram absorvidas durante o Modernismo.

QUESTÕES DE MÚLTIPLAESCOLHA – 8ª À 16ª

8ª). A característica do Surrealismo é:
(a) Representação do irracional e do subconsciente.
(b) Representação do racional e do subconsciente.
(c) Representação do racional e do consciente.
(d) Representação do irracional e do consciente.

9ª). Sobre o Surrealismo marque a alternativa correta:
(a) Surreal é o mesmo que irreal.
(b) No Surrealismo não existem elementos darealidade.
(c) Os sonhos são explorados no Surrealismo.
(d) Surrealismo não tem nenhuma ligação com a psicologia.

10ª). O Surrealismo é também chamado de uma arte:
(a) Sacra.
(b) Profana.
(c) Realista.
(d) Inútil.

11ª). No Surrealismo não existem:
(a) Cores puras.
(b) Cores misturadas.
(c) Temas realistas.
(d) Figuras realistas.

12ª). Os pintores surrealistas representaram seu mundo interno:
(a) Sendoobjetivo.
(b) Sendo subjetivo.
(c) Sendo objetivo e subjetivo.
(d) Não representaram seu mundo.

13ª). Quantos períodos podem ser destacados no surrealismo:
(a) Um período.
(b) Dois períodos.
(c) Três períodos.
(d) Quatro Períodos
Resposta: Dentro do surrealismo devem-se destacar três períodos importantes e bem diferenciados entre si: o período dos sonhos (1924), representado pelas obras denatureza simbólica, obtidas através de diferentes procedimentos de automatismo, de um certo figurativismo; o período do compromisso político (1928), expresso na filiação de seus líderes ao comunismo; e uma terceira fase (1930), de difusão, que se empenhou na formação de grupos surrealistas em toda a Europa, tendo conseguido a adesão de grupos americanos.

14ª). Em 1924, os surrealistas lançaramum manifesto no qual anunciaram a força do inconsciente na criação de novas percepções. Valorizavam a ausência de lógica das experiências psíquicas e oníricas, propondo novas experiências estéticas.
Sobre o Surrealismo, é correto afirmar:
(a) Acredita que a liberação do psiquismo humano se dá por meio da sacralização da natureza.
(b) Baseia-se na razão, negando as oscilações do temperamentohumano.
(c) Destaca que o fundamental, na arte, é o objeto visível em detrimento do emocionalismo subjetivo do artista.
(d) Concede mais valor ao livre jogo da imaginação individual do que à codificação dos ideais da sociedade ou da história.

15ª). “As obras criadas nada devem à razão, a moral ou a própria estética. A obra não é resultado de manifestações lógicas e racionais”. A definição é referente àquele estilo pós-moderno:
a) Abstracionismo
b) Expressionismo
c) Futurismo
d) Surrealismo

Luz e Sombra

2016-09-28T14:07:00.001-07:00

Arte Bizantina/ Mosaico

2016-09-28T14:06:00.000-07:00

Introdução à Teoria Musical

2016-09-28T13:56:00.000-07:00

COMUNICADO

2016-04-26T18:42:00.000-07:00

ATENÇÃO ALUNOS E PAIS.

Há mais ou menos dois meses o Professor Sérgio Bretas Lage Viana, PEB II Artes, tem se ausentado, vez por outra, de suas atividades por causa de fortes dores na coluna. O problema foi diagnosticado conforme o laudo de ressonância magnética datado do dia 28-03-2016 abaixo.

O fato é que o professor que por muitas vezes dá aulas medicado com fortes doses de analgésicos (Cloridrato de Tramadol 100mg e Pregabalina 75mg)e uso de bengala, só se ausenta quando precisa de medicação intravenosa (Tramol e Dextra) na FOB Lafaiete. Nessas ausências apresenta atestados médicos aos setores de RH ou Departamentos Pessoais das Prefeituras de Congonhas e Lafaiete.

Estamos certos de que todo e qualquer profissional pode passar por problemas de saúde. Por por esse motivo existem os estatutos e leis balizados nos princípios constitucionais constantes do direito à vida digna e à saúde do cidadão que protegem e conferem direitos aos trabalhadores, estes são aplicados também aos professores.

Digno de nota é que a indicação médica é para uma rizotomia, procedimento cirúrgico, na coluna vertebral, que será realizado nesta sexta-feira, dia 29 de abril de 2016 às 12h, no Hospital SOCOR em BH, pela equipe do DR. Sérgio Gonçalves de Oliveira Diretor Clínico do Hospital ( Neurocirurgião - CRM/MG 29127).

Contamos com vossa compreensão e vossas orações!

Atenciosamente,

Família do Professor Sérgio.

Funções da Máscara

2016-04-10T21:29:00.002-07:00

Como fazer a sua Máscara?

Olá Alunos(as),

Assistam ao vídeo e façam as máscaras de acordo com a técnica que vcs escolherem .

Os vídeos mostram como começar a fazer as máscaras, mas vcs tem total autonomia para decidir qual personagem ou figura irão homenagear com suas máscaras, vale personagem bíblico, de filmes, da história, da mitologia, das revistas em quadrinhos, literatura; vcs decidem. O material necessário está nos vídeos.

Quero ver bastante capricho nesse trabalho heim?!

No acaba mento podem usar qualquer material que vcs quiserem. O importante é saber lidar com o material.

No You tube tem mais exemplos de como fazer máscaras. Aproveitem a oportunidade e Deem uma navegada por lá também.

Não se esqueçam de limpar a bagunça depois de fazer o trabalho!

O trabalho é individual.

Bom Trabalho!

Abstrassionismo

2016-04-10T20:51:00.000-07:00

Batalha - Kandinsky (1910)

O Jardim das Borboletas - Kandinsky (1910)

Árvore Vermelha - Mondrian (1909 - 1910)

Árvore Cinza - Mondrian (1911)

Ávore em Flor - Mondrian (1912)

Composição - Mondrian (1921)

Passo a passo do Trabalho Prático

Arte Rupestre

2016-04-10T20:37:00.000-07:00

Exemplos de pinturas Rupestres dos Períodos

Paleolítico e Neolítico.

Como fazer tinta para a arte rupestre?

Agora que vcs já sabem como fazer a tinta vamos pintar como os "artistas das cavernas"?

Material:

1 folha de papel panamá (cor creme) esse material pode ser comprado por quatro alunos e dividido na papelaria pra reduzir o custo, o Trabalho é individual.
Carvão (preto)
Colorau vermelho (urucum)
Colorau amarelo (açafrão)
Café (marrom)
Claras de ovos ou Óleo de cozinha
Cola branca liquida.

Para fazer o trabalho é só se inspirar em qualquer pintura rupestre que vcs acharem na internet

Não se esqueçam de limpar a bagunça depois de fazer o trabalho!

Impressionismo

2016-04-10T20:34:00.001-07:00

Baile do Moulin de lá Galette - Renoir (1876)

Mulher com amigos - Renoir (1880)

La Grencullière - Renoir (1869)

La Grencullière - Monet (1869)

Catedral de Rouen em pleno Sol - Monet (1892-93)

Outros momentos em que Monet pintou a Catedral

Aula da Quarta Semana

2016-02-28T16:02:00.001-08:00

A Arte na sua vida.

Aulas da semana de 22 a 29 de fevereiro de 2016.

Olá Alunos (as) de Congonhas e Lafaiete,

Esta foi a teoria passada no quadro nas aulas dessa semana.
Segue o texto completo para aprofundamento dos estudos.

As imagens foram retiradas do livro "Explicando a Arte." de Jô Oliveira e Lucília Garcez.

Aula da Primeira Semana

2016-02-05T11:37:00.001-08:00

Primeira aula para 8°s e 9°s anos.

Olá queridos alunos! Esta foi nossa primeira aula, se achou que a imagem está pequena é só clicar nela que abre em outra tela, ok?! Quaisquer dúvidas podem mandar como comentários neste post.

Aula do Prof. Sérgio Viana no Município de Congonhas semana de 01 a 05 de Fevereiro de 2015

Olá Pessoal o "conteúdo é para os anos 6° e 7° das Escolas de Lafaiete e 8° e 9° das Escolas de Congonhas.

Explicando os Trabalhos:
Bom, no trabalho "a" é para procurar em dicionários ou na internet o significado da palava Arte e copiar. Quem quiser um visto extra é só escrever o que pensa sobre a Arte em geral.

No trabalho "b" é para escolher uma máscara na internet ou em livros da biblioteca e buscar informações sobre ela. sugiro que quem for buscar na internet procure uma imagem que tenha informações a seu respeito.

O trabalho deve ter a imagem (Desenhada ou impressa da máscara em questão.
As Perguntas devem ser respondidas à mão pelos alunos.

O que? (responder o que é o objeto pesquisado)
Pra quê? (qual a função do objeto na cultura em que surgiu)
Por quê? (qual a razão deste objeto existir em sua cultura mãe)
Como? (com que material e processos foi feito o objeto)
Onde? (Local) e Quando (época)

Bom trabalho pessoal!

Prática de desenho de Observação de Franz Marc 2: Torre de Cavalos Azuis.

2015-05-14T19:28:00.001-07:00

1°e 2° passos do desenho:

3° e 4° passos do desenho:

Prática de Desenho de Observação Franz Marc 1: Cavalo na Paisagem

2015-05-14T19:25:00.000-07:00

Passo a passo do desenho:

Obras Primas de Franz Marc: Prática 1 e 2.

2015-05-04T19:15:00.001-07:00

Torre de Cavalos Azuis (1913)

Cavalo na Paisagem (1910)

Franz Marc (1880 - 1916)

2015-05-04T19:10:00.000-07:00

Retirado do livro "501 Grandes Artistas" de Stephen Farthing, 2009.

Desenho de Observação e Etapas do Esboço.

2015-04-15T20:26:00.000-07:00

A Primeira Fase de execução dos trabalhos artísticos é o esboço:

Essa se subdivide em Etapas:

1ª Etapa: Estudo de Proporção:

2ª Etapa: Esqueleto (estrutura) do desenho:

3ª Etapa: Lapidação

4ª Etapa: Acabamento

É claro que vcs devem adicionar cores ao desenho.

Textura - Aula de 13 a 17 de Abril

2015-04-15T20:09:00.001-07:00

Caros alunos e alunas, seguem as teorias que prometi sobre Textura.

Estudem bem para as avaliações.

As imagens foram retiradas do livro "Explicando a Arte." de Jô Oliveira e Lucília Garcez, 1999.

Atenção!

Pegar uma folha branca e repetir desenhando essas 6 (seis) texturas acima.

Proporção - Aula da Semana 06 a 10 de Abril

2015-04-15T20:04:00.002-07:00

Caros alunos e alunas, seguem as teorias que prometi sobre Proporção.

Estudem bem para as avaliações.

As imagens foram retiradas do livro "Explicando a Arte." de Jô Oliveira e Lucília Garcez, 1999.

Aula da Semana 06 a 10 de Abril:

Paul Cezanne: Aula Prática 1

2015-03-31T19:54:00.001-07:00

Este é Paul Cezanne:

Auto Retrato

E essas são suas obras demonstradas na sala de aula essa semana:

Vista Panorâmica em Auvers - (1874)

Madame Cezanne na cadeira amarela - (1888)

Natureza Morta (1890 - 1894)

Amanhã eu posto a aula do primeiro esboço!