elioarte

il mio libro : Pittori dell'800

2022-06-02T00:51:00.000-07:00

è appena uscito il mio libro pittori dell'80 Ho il piacere di informare gli amici tutti che ho terminato il mio lavoro sul libro i pittori dell'800 edito dalla casa editrice Blurb. Coloro che volessero ricevere una copia di questa pubblicazione possono onoltrare richiesta sulla mia e mail. il costo per volume è di € 45,00 inviatemi con l'ordine l'indirizzo postale dove volete che la presente pubblicazione venga spedita.

carlo carrà

2021-12-04T19:57:00.000-08:00

Torcia Francesco Saverio

2021-11-22T10:53:00.005-08:00

Torcia Francesco Saverio * olio su tavoletta cm 20 x 15 asta 190 lotto 42 casa d'aste Sant'Agostino Torino aggiudicato a Galleria Elioarte in data23 /11/2021 TORCIA FRANCESCO SAVERIO Napoli 1840 - dopo il 1891 Allievo dell’Accademia napoletana, presentò alla Mostra Borbonica del 1859 due saggi scolastici. Si specializzò poi nei paesaggi e nelle marine, ma trattò anche quadri di genere che espose alle promotrici napoletane dal 1867 al 1891 (1867, Amor di patria; 1870, Prima delle nozze; 1871, L'ammalata del popolo; 1880, Paese in primavera, Cattivo tempo; 1888, La cappella dell'Immacolata ai Gerolimini). Suoi dipinti figurarono nelle esposizioni di Torino (1878), Milano (1880, 1883, 1884) e Genova (1881, 1889). SEI QUI: HOME DIZIONARIO DEGLI ARTISTI TORCIA FRAN

Dal settecento all'800 nella pittura .:lo sturm und Drang e il Romanticismo

2021-09-19T01:30:00.002-07:00

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TRA IL SETTECENTO E L'OTTOCENTO

Le testimonianze della pittura piemontese del regno di Vittorio Amedeo III risalgono alle raccolte del Museo Civico di Palazzo Madama e del Museo numismatico. Ci sono pittori legati all'ambiente accademico torinese come Lorenzo Pécheux, Carlo Antonio Porporati, Amedeo Lavy,ma all'inizio dell'Ottocento si fanno anche sentire le influenze lombarde di Appiani e di Hayez e soprattutto del valsesiano Giuseppe Mazzola che si stabilirà poi a Milano. Altri, come Luigi Baldassarre Reviglio e Giuseppe Pietro Bagetti, autori di acquarelli e di tempere di particolare pregio, non svolgono la loro principale attività come pittori, ma ottengono risultati di altissimo livello anche nell'ambito europeo. Bagetti per esempio, che si era formato alla scuola acquarellistica di Pietro Giacomo Palmieri, professionalmente è ingegnere topografo, architetto civile e militare dell'Università di Torino, insegnante di disegno topografico presso l'Accademia e solo in seguito sarà nominato pittore di paesaggi da Vittorio Amedeo III.

Piero Bagetti, Paesaggio con cascata

Anche Giovanni Battista De Gubernatis è un acquarellista dilettante formatosi alla scuola del Palmieri e del Bagetti perché, laureato in giurisprudenza, esercita la professione nel suo ruolo diplomatico e amministrativo di funzionario sabaudo a Parigi, ad Orange e a Parma. La sua bravura è tale che non solo lo porta all'altezza dei più valenti maestri europei, ma gli permette di conseguire la medaglia d'oro al Salon parigino nel 1812.

Tutti questi artisti che vivono a cavallo tra il Settecento e l'Ottocento da una parte conservano lo spirito illuministico della chiarezza formale e della razionalità dell'impostazione iconografica, ma dall'altra sentono e subiscono il fascino delle nuove forze spirituali che si affacciano come lo Sturm und Drang e il Romanticismo. In Piemonte nel corso degli anni, per tutto il secolo, si assiste al continuo mutare di gusti e al nascere di numerose correnti artistiche, a volte dichiaratamente opposte, che rispecchiano il travagliato divenire del sentire europeo. La pittura piemontese dell'Ottocento quindi risente di tutti gli sconvolgimenti politici e artistici che attraversano tutta l'Europa, ma sa mantenere delle caratteristiche sue che la contraddistinguono.

L'EUROPA DEL NUOVO SECOLO

Si può affermare che dopo la Rivoluzione francese l'Europa non ha più trovato pace perché essa è l'espressione del più profondo sconvolgimento e rivolgimento storico che si fa sentire non solo per tutto l'Ottocento ma addirittura nel Novecento. Dopo questo evento gli uomini sono cambiati in modo profondo e irreversibile rispetto a quelli delle epoche precedenti. Questo periodo viene di volta in volta chiamato secolo "senza fede", "distruttore dei miti", "della borghesia", "del soggettivismo", "dell'individualismo".

Rispetto alle precedenti epoche di cultura cambia di conseguenza il concetto stesso dell'arte e della sua funzione, perché non può più soddisfare i bisogni spirituali che le epoche precedenti hanno in essa cercato e trovato. Il mutamento radicale può essere visto in modo bipolare, positivo o negativo, come segno di dissoluzione o di costruzione di un nuovo mondo, di un sentire sfrenato addirittura patologico o del superamento di ogni ipocrisia, del crollo dell'ancien régime e del declino dei valori o la creazione di nuovi. Anche la posizione sociale dell'artista muta: da artigiano e servitore del clero o della nobiltà assume a poco a poco il nuovo ruolo di spirito creatore, e da abitatore delle Corti per salvaguardare la sua libertà e indipendenza è costretto ad isolarsi e rinchiudersi in una triste bohème. Di conseguenza il linguaggio artistico diventa sempre più esoterico, rivolto a pochi che lo capiscono e lo sentono, perché esprime l'inquietudine esistenziale che in pittura diventa incertezza nella scelta delle tematiche e nello stile: si assiste al crollo dell'ordine barocco, dell'immagine consolatrice del mondo e alla perdita del centro. All'artista, che deve cercare e trovare se stesso, è data la libertà totale che non ha mai avuto nelle epoche precedenti. La coscienza umana si apre verso ambiti preclusi, vede le cose con occhi nuovi e gode della libertà totale nella scelta dei nuovi e mai visti mezzi formali. Il vecchio e il nuovo secolo si contrappongono e gli artisti vengono di fatto proiettati nella nuova situazione confusa e magmatica. Non per niente nell'Ottocento, cosa mai prima vista, si assiste a tutta una serie di scandali pubblici connessi alla nuova produzione pittorica che appare sovversiva, incomprensibile e inaccettabile dai benpensanti.

IL PIEMONTE

Nel giro di pochi anni con alterne vicende in seguito alla prima e alla seconda campagna napoleonica il Regno di Sardegna si trasforma in un'appendice francese (abdicazione di Carlo Emanuele IV, Governo provvisorio, 27^ Divisione militare). La prestigiosa Accademia è mutata in Facoltà universitaria con programmi e finalità nate dalle esigenze espansionistiche francesi, si forma una scuola municipale di disegno che prima non esisteva, la committenza religiosa viene a mancare, i gusti della Corte sono banditi per lasciare il posto alle esigenze celebrative della personalità napoleonica.
Con la Restaurazione le cose di colpo si capovolgono, le pitture che esaltano la gloria e le imprese napoleoniche sono letteralmente distrutte, e così di tante opere pittoriche non resta che una vaga testimonianza storica.

In Piemonte grossomodo si può fare una distinzione tra la pittura del primo e del secondo Ottocento, distinzione dai margini alquanto sfumati, perché certe espressioni estetiche a volte sono anticipatrici di correnti che solo più tardi si svilupperanno nel resto dell'Europa e dell'Italia.
Nel corso di tutto il secolo in Piemonte si possono via via evidenziare, secondo uno schematismo puramente accademico il filone protoromantico, il romanticismo classicheggiante e il classicismo dichiarato, il gusto per un Medio Evo del tutto inventato (stile troubadur), il paesaggismo romantico, il genere storico celebrativo, il Verismo ante litteram e il Realismo, la nascita del Divisionismo e della pittura con intenti sociali, e alla fine dell'Ottocento, la comparsa del Simbolismo che sta alla pari con quello ben più famoso del resto del continente. Non va dimenticato, anche se espresso in forma più sommessa, il filone religioso, la ritrattistica e il genere storico che esalta le imprese guerresche dei Savoia e di tutto il Risorgimento, dalle guerre d'indipendenza fino alla guerra di Crimea.

Non bisogna dimenticare il ruolo che hanno nella storia della pittura piemontese e in generale della cultura, due istituzioni, una fondata nel Settecento, l'altra nella seconda metà dell'Ottocento: vale a dire l'Accademia delle Belle Arti e la Promotrice; l'Accademia per il suo rigoroso metodo d'insegnamento e la serietà delle discipline coltivate è un riferimento per l'Italia intera, mentre la Promotrice è il primo esempio italiano della volontà di diffondere la pittura tra il popolo, perché, non si dimentichi, nel periodo risorgimentale la pittura è ritenuta uno strumento assai efficace per l'educazione patriottica e il mezzo più adatto per elevare la cultura storica degli Italiani. Molti pittori, infatti, sono o volontari o soldati in carriera che si distinguono per il loro ardore nelle battaglie per la conquista dell'indipendenza. Il soldato e l'artista sono fermamente convinti della importanza della loro missione, in quanto per loro vale l'equazione: il pittore militante è uguale al combattente; il pennello e il fucile sono entrambi armi che devono essere usate da chi sente il vivo richiamo dell'impegno civile. Con la fondazione del primo Museo Civico Italiano grazie alla attività illuminata di Roberto d'Azeglio, la pittura non è più solamente destinata alla nobiltà o al clero ma a tutti i cittadini.

IL ROMANTICISMO

Il Romanticismo è un movimento europeo che nasce in Germania (ufficialmente nel 1798 con la rivista Atheneum) e si diffonde nelle varie nazioni occidentali fin dopo la seconda metà dell'Ottocento come una "epidemia", con sintomi diversi, che assume spesso forme e modalità differenti secondo il substrato su cui si sviluppa. Il nome, d'origine inglese, viene a significare la nuova sensibilità per tutto ciò che è irrazionale, mistico, fantastico, misterioso, terrificante e malinconico; l'architettura classica non è più apprezzata, mentre è esaltata l'architettura gotica del tutto inventata immersa in lande selvagge. Il paesaggio d'elezione è pittoresco o impressionante o, addirittura, orrido e impervio. (Vedi le opere di Palmieri, Bagetti, De Gubernatis, D'Azeglio, Camino, Gamba, ecc.).

Giovanni Battista De Gubernatis, Paesaggio nella bufera, 1803

Il concetto di "romantico" è forse ancora più difficile da definire d'altri movimenti spirituali, perché si presenta in una quantità estrema di forme ed espressioni. Per esempio, da un lato si ha un titanismo compulsivo, dall'altra si cade in un intimismo esagerato e a volte per noi patologico. Alcuni critici ritengono che il termine "romantico" si possa adattare ad una categoria innata dell'uomo, valida in ogni epoca e luogo, e che, quindi, il Romanticismo sia un modo d'essere. Ora per Romanticismo si intende una ben definito movimento storico che si manifesta nell'Ottocento.

In Italia il Romanticismo si afferma nel 1816 con il saggio della Staël e gli scritti del Berchet: gli Italiani sono invitati a farsi paladini della nuova arte, espressione dei nuovi tempi; gli artisti non si devono più ispirare all'arte greco-romana, alla mitologia classica e agli antichi episodi storici; tutta l'estetica classica deve essere rigettata se è espressione di un vuoto accademismo; l'artista deve essere impegnato moralmente e socialmente e, per rappresentare l'uomo nella sua globalità, rifarsi ad un Medio Evo, sognato più che criticamente vissuto, sentito come il vero generatore dello spirito moderno. Il Medio Evo diventa così un mondo incantato e l'epica cristiana è contrapposta a quella classica.
È una violenta reazione all'Umanesimo, al Rinascimento, all'Illuminismo: alla ragione si antepone il sentimento, alla fredda verità scientifica l'intuizione empatica della verità che sta in tutto l'universo e può essere colta solo con religiosa contemplazione. L'artista non deve imitare la Natura, ma cogliere l'effusione del suo cuore che la canta nelle sue incessanti metamorfosi. Il cuore sa cogliere la poesia che nasce dal popolo e dagli uomini così detti "primitivi" che vivono non contaminati dalla civiltà e che ancora sono gli unici portatori della vera spiritualità.

IL PAESAGGIO ROMANTICO IN PIEMONTE

I numerosi quadri del Rococò e dell'Arcadia pervenutici dimostrano che la pittura di paesaggio è sempre stata molto apprezzata dalla Corte e dalla committenza nobile piemontese fin dal Settecento.
Alla fine del Settecento e per tutto il primo Ottocento in Piemonte si manifestano i fremiti europei dello Sturm und Drang e il sentire travagliato del Romanticismo come si può rilevare, ad esempio, dagli acquarelli di Baldassare Reviglio, (Paesaggio invernale, Paesaggio con villa e pescatori, Paesaggio con bagnanti), di Bagetti (Paesaggio montano, Valico alpino sotto la neve, Paesaggio all'aurora, Paesaggio roccioso con alberi divelti, Sottobosco con monaco), del Palmieri (Contadino presso una cascata montana, Armento presso un lago, Lavandaie presso un lago, Pastore fra i dirupi, Vecchio ponte diroccato), del De Gubernatis(Chiesa sotto cielo temporalesco, Paesaggio nella bufera con castello a quattro torri, Casa diroccata in stile gotico presso Avigliana), e dalle tele ad olio di Giuseppe Camino, dedicatosi alla pittura di ampi panorami d'invenzione chiaramente romantica (Il diradarsi di un temporale), di Carlo Piacenza (Paesaggio con cielo tempestoso), di Edoardo Perotti che già dimostra una spiccata tendenza alla raffigurazione del vero naturale (Un mattino), Francesco Gamba specializzato in marine di stile nordico dovute alla sua formazione presso scuole del Nord Europa, di Francesco Gonin (La Rocca di Sapay), di Angelo Beccaria di formazione accademica, prima pittore di figura, poi convertitosi al paesaggio (La raccolta del fieno), ed infine di Massimo d'Azeglio (Paesaggi romani, Paesaggio con monte e lago, Paesaggio con monti e mare, Paesaggio con bufali, Villaggio dei Colli Albani, Sosta di cavalieri, La Sacra di San Michele). Opere di questi autori sono conservate alla Galleria d'Arte Moderna di Torino.

Massimo d'Azeglio, La Sacra di San Michele

IL RITRATTO NEL PRIMO OTTOCENTO

I pittori romantici si abbandonano all'immaginazione con sentire esaltato per cogliere l'infinito e l'indefinito, rifiutano il presente per abbandonarsi al sentimento che trasfigura il passato e lo evoca in modo epico. Il ritratto diventa la proiezione di un io esagitato, che non è mai una precisa individuazione di un carattere ma l'espressione di un sentimento: i ritratti sono dunque dipinti di stati d'animo.

Per i pittori neoclassici dello stesso periodo qualunque realtà, perciò anche il ritratto, ha valore solo se viene stilizzata in una forma ideale di perfezione e di bellezza. Essi rinunciano all'immaginazione che è esaltata dai romantici e invece ricorrono all'eleganza della definizione lineare, allacciandosi alla tradizione umanistica e neoplatonica per raffigurare la borghesia nascente e trasfigurando la realtà contemporanea con uno stile che vuole esprimere una forma ideale. Dal punto di vista tecnico i pittori neoclassici e quelli romantici non si distinguono in modo particolare, perchè provengono alla fin fine dallo stesso ambiente accademico: la pittura è sempre ben rifinita, liscia, non si devono scorgere le pennellatee e la materia pittorica è stesa come un velo secondo la tradizione scolastica. Rispetto al Barocco e al Rococò gli stili e il linguaggio cambiano ma non muta sostanzialmente la tecnica.

Fra i ritrattisti più significativi della prima metà Ottocento piemontese (tutti i pittori che vogliono essere ritenuti tali sono in grado di eseguire un ritratto) si possono ricordare perché si sono distinti non solo nell'ambito piemontese, ma anche nelle altre regioni italiani ed europee: Lorenzo Pecheux, Giuseppe Mazzola, Carlo Antonio Porporati, Pelagio Pelagi, Giovanni Battista Biscarra, Felice Cerruti Beauduc, Andrea Gastaldi, Angelo Beccaria, Francesco Gonin, Eleuterio Pagliano, Pietro Ayres, Ferdinando Cavalleri, Luigi Vacca, Carlo Arienti, Carlo Bellosio, Enrico Gamba.

Felice Cerruti Beauduc, Ritratto di ignoto

IL RITRATTO REALISTICO

Verso la seconda metà dell'Ottocento il sentire dell'uomo cambia profondamente e le disquisizioni tra i Romantici e i Classicisti appaiono sempre più esercitazioni accademiche, retoriche e vuote di significato. Nell'Europa nasce il Positivismo che rapidamente si diffonde anche in Piemonte e Torino diviene il centro più importante d'Italia, non solo della speculazione filosofica teorica ma anche della ricerca scientifica che direttamente ne deriva.
Nell'arte si fa sempre più strada il Realismo. I pittori rinunciano all'immaginazione romantica, alla ricerca neoclassica di moduli antichi, ma guardano l'individuo concreto, reale, perché la realtà è degna di essere amata e dipinta per quel che è, a scapito della tradizione e del vuoto idealismo. Il modello da ritrarre ha una sua dignità e non deve essere inventato, modificato e rappresentato in modo tale da offrire soltanto un aspetto verosimile. Il pittore deve essere assolutamente fedele al modello e tutto deve concorrere all'espressione del carattere dell'individuo, del dramma naturale d'ogni singolo uomo.
Il Neoclassicismo, invece, secondo il parere della nuova generazione di pittori, opera sempre una deformazione preconcetta tolta dal passato che ormai è ritenuta falsa e priva di significato.
Così anche la furia romantica a poco a poco si placa nel Realismo che altro non esprime che la coscienza laica moderna. Allora ecco che si dipingono gli umili, poiché tutti gli uomini sono degni di essere ritratti e non solo più gli esponenti di una classe sociale privilegiata; la cronaca di tutti i giorni assurge al rango di storia. Il bello s'identifica con il vero, e il ritratto non deve essere più espressione dell'alterigia di chi sta al potere, di chi assume la posa esemplare, memorabile e che vuole sempre esprimere un rapporto di distanza.Il ritratto diventa un'immagine quasi confidenziale del quotidiano. Si rinnovano così le forme espressive e le tecniche pittoriche che ora tengono conto della materia, la stesura diventa densa, le pennellate s'intessono fra loro creando una pittura personale già di per sé valida: in sostanza si rinnova tutto il linguaggio iconografico.
Il Piemonte anche in questo momento storico non è isolato dal resto dell'Europa, rimane aperto alle nuove istanze culturali, espressione della rivincita borghese sulla nobiltà e del sentire laico contro il committente ecclesiastico che di gran lunga prevale nel passato. Infatti, molto difficilmente i pittori dell'Ottocento si mettono a raffigurare angeli o soggetti religiosi, poiché tutto il reale è di per sé divino: nell'Ottocento non si sente più il bisogno della ricerca impegnativa di un'immagine di Dio o del Cristo da offrire ai credenti - Un raro esempio di pittore che si è dedicato esclusivamente all'arte religiosa è Enrico Reffo, che grazie alla sua perizia tecnica ha raggiunto alti livelli estetici -. Il ritratto realistico si libera così dalla retorica internazionale del neoclassicismo, e si rifà sempre più alle tradizioni locali, che sono sentite come le vere espressioni della storia vissuta. La timidezza e l'innata modestia del pittore piemontese spesso, però lo ancorano troppo alle sue origini, e il suo impegno lo porta a una troppo evidente aneddotica, a un troppo marcato intimismo, e diventa così il nostalgico poeta della vita rustica. "Prima il vero, poi il nobile". Nella seconda metà dell'Ottocento la disciplina neoclassica si esaurisce con la consorella romantica, e allora diventano esempi da seguire gli antichi Maestri realistici spagnoli e olandesi. Il Realismo diventa l'adeguamento alla dura esistenza di tutti i giorni che si esprime con il semplice linguaggio comprensibile da tutti.
Tra i numerosi pittori di questo periodo che si sono cimentati con il ritratto, si possono ricordare: Rodolfo Morgari, Paolo Gaidano, Gaetano Ferri, Carlo Pollonera, Demetrio Cosola, Pier Celestino Gilardi, Giacomo Grosso, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Alberto Maso Gilli, Guido Gonin. In certi casi l'abilità pittorica arriva a livelli di alta poesia che ci portano ad opere di statura europea, e trascende ogni scolastica esercitazione e ogni decorativismo epidermico, compiaciuto e fine a se stesso del Liberty del fine secolo. Il ritratto della Pensierosa, (alla GAM) di Carlo Bonatto Minella tutta giocata sui colori smorzati e armonizzati in modo raffinatissimo al di fuori di ogni accademia ci guarda triste e ci parla di un sentimento dolce e melanconico, di un amore che non si potrà mai realizzare, perché la morte si avvicina e porterà via l'amato. Oppure si osservi Il ritratto di Palmina di Pellizza da Volpedo conservato alla GAM, e gli altri suoi ritratti (Un triste ricordo, Autoritratto, ecc.) per rendersi conto dell'altissimo livello artistico che hanno raggiunto certi pittori piemontesi, al di sopra di ogni riduttivo giudizio di provincialismo.

Giuseppe Pellizza da Volpedo, Autoritratto, 1898

LA PITTURA DI STORIA

Il genere storico è stato particolarmente coltivato nel Piemonte ottocentesco, anche se non ha raggiunto altissimi livelli artistici - tranne che in pochi casi. La sua diffusione si deve attribuire innanzi tutto al messaggio civile che questo genere comporta, soprattutto se si tiene conto di tutta l'attività politica e militare del Piemonte che si attua nelle guerre del Risorgimento. Le premesse teoriche del genere storico si trovano nell'Illuminismo (in Italia spicca l'intuizione della storia e della missione dell'uomo del Vico) e nel Romanticismo con la presa di coscienza della libertà dei popoli e con la rivalutazione della storia vista come creazione umana, e non più come un insieme di allegorie superficiali dell'Arcadia e del Rococò.
Il Romanticismo e il Neoclassicismo sono i due volti della nuova coscienza storica e del nuovo impegno laico e civico dell'uomo ottocentesco: l'anelito per un Medio Evo sognato e un'Antichità classica immaginata nascono contemporaneamente e le pitture che ci sono pervenute lo dimostrano chiaramente.
In Piemonte si assiste ad un duplice movimento artistico: uno cerca di glorificare la dinastia dei Savoia e le loro imprese, l'altro cerca nella storia la vivente verità della tradizione piemontese. Si vuole cantare la storia patria e la sua origine barbarica che va ricordata con tutta la poesia della sua civiltà. La storia è magistra vitae, perché proprio dallo studio della storia nascono le forze che ci permettono di combattere la tirannide, le superstizioni, il feudalesimo, lo strapotere della Chiesa, il dominio straniero, l'assolutismo. Pietro Giannone a Torino insegna che bisogna studiare gli antichi romani e i loro costumi per combattere le ingiustizie, le mollezze, i privilegi di una civiltà che è destinata a scomparire grazie alla possente rivendicazione di uno stato laico. Anche l'Alfieri dà il suo contributo teorico ed artistico, che sarà frutto d'ispirazione per le nuove generazioni. I pittori che si rifanno ai criteri estetici neoclassici, vale a dire l'impegno di imitare il rigore della statuaria greca e romana, esprimono un possente desiderio di una perfezione formale sempre più alta, ma in realtà non seguono alla lettera i precetti della loro poetica e si rifanno soprattutto ai maestri del Cinquecento (Raffaello, Pietro da Cortona, Leonardo per il suo sfumato che dà unità atmosferica alla scena). Le numerosissime pitture di genere storico si possono trovare in tutte le Dimore sabaude, nel Palazzo Reale, nel Museo del Risorgimento, nelle Chiese neoclassiche (San Massimo) e alla GAM. I pittori provengono tutti dall'ambiente accademico o sono stati chiamati direttamente dai Savoia e non solo dipingono soggetti direttamente legati alla Casa regnante ma anche episodi o personaggi o fatti d'arme piemontesi o le battaglie del Risorgimento che danno lustro alla storia italica e sono un continuo ammonimento per il messaggio morale che trasmettono. A titolo d'esempio si possono ricordare Biscarra, Bollasio, Ayres, Gamba (I funerali di Tiziano), Andrea Gastaldi (Pietro Micca), Gaetano Ferri (Lutto in Piemonte), Alberto Maso Gilli, Carlo Bossoli, Stanislao Grimaldi del Progetto, Giuseppe Ponticelli, Ludovico Raymond.

Andrea Gastaldi, Pietro Micca, 1858

La ricostruzione romantica del Medio Evo sognato si esplica in modo particolare in un genere che è molto apprezzato nella prima metà del secolo, cioè lo stile troubadour, portato in auge particolarmente da Giovanni Migliara e da Massimo Taparelli d'Azeglio. In una natura romanticamente dipinta con grandiosi e inverosimili alberi, cascate in luoghi inventati, boschi sospesi su monti del tutto improbabili, valichi insormontabili si svolgono battaglie storiche (Il passo delle Termopili, Il Carroccioe la battaglia di Legnano), o episodi edificanti (La morte del conte Josselin di Montmorency): gli uomini sono piccolissimi (in fondo sono poca cosa nel cosmo in continuo divenire), immersi in una natura lussureggiante e maestosa che non rispecchia per nulla la realtà che proprio non interessa (nella foresta s'incontrano le ninfe, non i sudati boscaioli!).

Massimo d'Azeglio, Il Carroccio e la battaglia di Legnano, 1830

Verso la seconda metà dell'Ottocento, la committenza di dipinti con soggetto storico si fa sempre meno sentire, anche perché l'impeto romantico e rivoluzionario si va smorzando: ormai l'unità d'Italia è stata effettuata e ora bisogna lavorare con moltissimo impegno per rimarginare i disastri compiuti dalle guerre. Non c'è più spazio per le esaltazioni patriottiche. Gli ultimi dipinti del genere storico rivelano solo il mestiere del pittore, privo di uno slancio emotivo profondamente vissuto e si risolvono in documenti di vuota retorica.
Verso la fine del secolo si fanno valere in modo sempre più pressante le rivendicazioni sociali con tutte le problematiche connesse e forse l'ultimo esempio in Piemonte di quadro storico di gran valore estetico è Il Quarto stato di Pellizza da Volpedo: gli eserciti che si scontrano sono sostituiti dagli umili che si raccolgono come le acque di un fiume in piena per rivendicare la loro dignità di uomini che lavorano e faticano.

REALISMO

Anche il Realismo è un concetto difficile da definire. Si tratta di un atteggiamento mentale, che vuole cogliere in pittura la "realtà". Il pittore realista vuole conoscere la realtà, mentre l'idealista non ha come fine primario la conoscenza della realtà, ma quello di elevarla ad un ordine superiore. Spesso si parla anche di Naturalismo, ma in genere il Naturalismo viene inteso come sforzo per arrivare ad una oggettività del tutto esterna delle forme, mentre il Realismo vuole coglierne la giustezza interiore.
Verso la seconda metà dell'Ottocento in tutta l'Europa e di riflesso nel Piemonte, compaiono nuove esigenze spirituali che, ormai stanche dei boschi incantati, delle rovine, dei luoghi selvaggi, delle montagne inaccessibili, dei dirupi, delle tempeste e delle battaglie di eroi del tutto inverosimili, posano lo sguardo sulle cose semplici, sui paesaggi reali, sulla brutalità del vero, sugli uomini che più non combattono per la gloria dei Savoia o della Patria ma per migliorarela loro affaticata esistenza.
Si fa sentire l'influenza della Francia, di Courbet, e soprattutto della Scuola di Barbizon (ThéodoreRouseau, J.F. Millet, J. Duprè, C. Troyon, C.F. Daubigny), che senza presentare una poetica comune, porta un imponente cambio di gusto e di cultura, contribuendo alla rivalutazione del paesaggio secondo i canoni olandesi dei secoli passati e la recente tradizione paesaggistica inglese: si riscopre una visione sincera e scrupolosa della Natura, non più di maniera. Ormai si vuole dipingere la Natura con campi, cascine, boschi, animali dipinti dal vero. Il passaggio dalla vecchia sensibilità alla nuova non è un evento improvviso, ma un lento lavoro interno che a poco a poco si fa strada nelle coscienze degli uomini e, in particolare, dei pittori piemontesi: basti, infatti, come significativo esempio, osservare con viva attenzione l'evoluzione degli acquarelli del De Gubernatis presenti alla GAM. I primi, che sono datati alla fine del Settecento, rispecchiano le tematiche internazionali dello Sturm und Drang (tempeste, luoghi selvaggi, violenti contrasti di luce, stati d'animo inquieti, fremiti incontrollati), poi compare il gusto romantico (ricerca delle rovine medioevali, conventi, chiese dell'antico Piemonte.Ecco nascere quella ricerca della tradizione che si attuerà compiutamente alla fine dell'Ottocento nelle pitture e nelle architetture (Borgo medioevale del Valentino, il neogotico di tante chiese torinesi, ecc.), per poi sfociare nella calma osservazione e descrizione della natura (Studio di tronco di pioppo, 1821, Case rustiche allo stagno del Mulinello, 1832). La ricerca pittorica del De Gubernatis è sempre accompagnata da un attento studio teorico, consapevole dei dibattiti internazionali come lo testimonia il suo scritto sul Bello e il Sublime, argomento intensamente discusso negli ambienti colti di tutta Europa.
Anche la Raccolta del fieno in Piemonte, 1864 (alla GAM) del Beccaria testimonia il mutare degli interessi e come il romanticismo impetuoso finisca per sfociare in un romanticismo pacato, con le piccole figure di genere immerse in un ambiente idilliaco, con i campi e prati ben curati. Il grande apprezzamento che ha avuto questa tela esposta alla Promotrice di Torino nel 1864, sta anche ad indicare che i Piemontesi non amano i bruschi cambiamenti, ma i lenti trapassi.

Angelo Beccaria, Raccolta del fieno in Piemonte, 1864

Infatti, all'apparire delle prime opere della scuola di Rivara, le reazione dei Piemontesi benpensanti, abituati alla natura trasfigurata e falsa di un D'Azeglio o di un Camino, sono piuttosto violente: si grida allo scandalo, alla sovversione assurda dei tradizionali canoni estetici per loro così rassicuranti (lo stesso Courbet è rifiutato in Francia perché la sua pittura è ritenuta incomprensibile). Tuttavia il nuovo genere si fa strada nella sua incessante lotta contro la "pigra abitudine accademica".

LA SCUOLA DI RIVARA

Una schiera di pittori si mette a studiare con amore i campi, prende appunti dal vero, termina le proprie opere anche dal vero, si raduna a Rivara e forma un vero e proprio cenacolo. Si parla di cenacolo più che di scuola perché i fondatori (capostipite è considerato Carlo Pittara) non hanno mai elaborato una vera e propria poetica comune a tutto il gruppo. Li accomuna l'amore per la pittura dal "vero", vale a dire usano le montagne, i ruscelli, i pascoli, i boschi, gli scorci rustici ameni e pittoreschi come soggetti da raffigurare e non prendono più in considerazione le tematiche religiose o le gloriose imprese dei nobili casati. Questo atteggiamento è in sintonia con il nascente Positivismo che, importato dalla Francia, si sviluppa in particolare a Torino e costituisce un composito indirizzo filosofico che ricerca la verità nel concreto, nel fatto indagato con rigore delle scienze fisiche, chimiche, biologiche e non più in metafisiche intuizioni astratte.

Anche la storia e la società sono studiate in modo positivo dalla nascente sociologia e pittoricamente raffigurate. Correttamente si può affermare che con la Fiera di Saluzzo (alla GAM) del Pittara, enorme tela di circa 8 metri per 4, finisca il quadro storico di genere perché, anche se è evocata la Saluzzo del Seicento con il suo sfarzo di costumi (si vedono ancora impiccati sulle torri come antico ammonimento) e tutti i cavalieri, i contadini, i mercanti e i garzoni, in realtà i veri protagonisti della scena sono gli animali, dipinti con rara e commossa maestria (Pittara si è perfezionato con l'animalista Humbert, e i suoi animali sono i più belli, i più sentiti di tutto l'Ottocento - solo i cani di Pietro Morgari e di Giovanni Battista Quadrone nonché i cavalli del Grimaldi possono reggere al confronto -); si possono ammirare cavalli, svariate razze di cani, bestie da cortile, pecore, capre e perfino un'esotica scimmietta. Nella nuova poetica realista trionfano gli animali e gli umili. La realtà di tutti i giorni, la vita dei contadini e dei pastori, assai dura ma ben viva e conosciuta da tutti, è contrapposta ai motivi sognanti e idilliaci del filone arcadico-romantico. Dopo le guerre del Risorgimento le terre piemontesi si sono talmente impoverite che diventano quasi del tutto improduttive, la fame regna sovrana e i contadini dopo una giornata di fatica si sfamano con una fetta di polenta; la tubercolosi decima uomini e animali, e non per nulla viene istituito il Regio Istituto per la Nutrizione.

Anche il modo di dipingere si differenzia dalla maniera accademica neoclassica e romantica: le pennellate non si fondono in una trama sottile e sfumata come era allora prescritto ma si fanno spesse e materiche, si incrociano, modellano volumi, plasmano i corpi; si usa la spatola assai ricca di colore. Al quadro storico si sostituisce il vero, come si vede e si comprende e, a poco a poco, si fa strada la tematica sociale che avrà così grande importanza per tutto l'avvenire. Due opere esposte alla GAM, Il ritorno alla stalla e soprattutto Imposte anticipate del Pittara (il titolo originale dell'opera esposta a Parma nel 1870 è Sistema infallibile per ristorare le finanze italiane) denunciano chiaramente la questione sociale. Il paesaggio raffigurato con il contadino sul carro e gli alberi abbattuti per pagare le imposte non ha nulla a che vedere con i bucolici campi romantici e l'idillica scena pastorale dove pastori e contadinelle non lavorano ma giocano. Anche il Seminatore, che si trova alla GAM, di Carlo Pollonera, sensibile pittore di paesaggi piemontesi, si può ascrivere alla tematica dell'impegno sociale di fine Ottocento.

Carlo Pittara, Ritorno alla stalla, 1866

Il cenacolo è in stretto contatto con i fratelli Palizzi, napoletani, che portano le novità dalla Francia (Corot, Pissarro e i loro seguaci) e con i Macchiaioli, particolarmente apprezzati e divulgati nei circoli culturali più aperti. Si ritrovano tra gli altri, oltre al Pittara, il portoghese d'Andrade, il ligure Ernesto Rayper, il toscano Antenore Soldi, il colto e raffinatissimo Vittorio Avondo, Ernesto Bertea trascrittore plastico e luminoso della verità ritratta, Celestino Turletti, Federico Pastoris di Casalrosso, pittore precisissimo di monumenti medioevali per un sentito interesse storiografico atto rivalutare il passato piemontese, e di scene di genere provinciale o ambientate in siti medioevali. Biscarra, Pastoris e Bertea si adoperano per tutelare il patrimonio artistico piemontese e la formazione tecnica e teorica dei nuovi pittori con la fondazione di scuole e musei e numerose pubblicazioni.
All'inizio la critica accoglie in modo tiepido o addirittura ostile questi pittori. Solo alla IV Esposizione Nazionale delle Belle Arti le loro opere, allestite in un padiglione apposito (che diventerà poi la Galleria Civica d'Arte Moderna), ottengono non solo l'approvazione del pubblico ma anche il favore della critica ormai disposta ad accettare la nuova pittura. Tuttavia a questo punto il movimento ha esaurito la sua energia iniziale e a poco a poco si frantuma in una vasta molteplicità di artisti.

ALTRI PITTORI PIEMONTESI DI PAESAGGIO

La pittura di paesaggio viene ulteriormente sviluppata da Lorenzo Delleani. Il suo modo di dipingere, tutto forti impasti, pennellate intrecciate su sfondi appena mesticati, violente spatolate di bianco-grigi per evocare le nubi o la luce del sole che abbaglia attraverso le foglie degli alberi, sono in realtà dei bellissimi bozzetti eseguiti di norma su tavolette di ciliegio, così apprezzate dai pittori per il loro caldo colore rosato che serve anche per intonare tutti gli altri colori. I quadretti del Delleani trovano immediato riscontro nel mercato non solo nazionale per il loro carattere "moderno"; essi preannunciano il disfacimento delle forme, anticipano la pittura "materica" e, se visti in alcuni particolari, quasi fanno presagire il genere "astratto".

Lorenzo Delleani, Il lago di Mucrone, 1887

Non bisogna dimenticare i paesaggi di Francesco Mosso (noto soprattutto per La femme de Claude alla GAM), di Vittorio Cavalleri, di Giovanni Giani, di Carlo Follini, di Marco Calderini (Estate nelle Prealpi, e le Rive del Po a Torino, alla GAM), Andrea Tavernier. Particolare attenzione merita Enrico Reycend (numerosi sono le sue tele lasciate alla GAM) che, dapprima seguace della scuola di Rivara, a poco a poco muta il suo stile verso valori luministici dei paesaggi dipinti con tocchi vibrati e perfettamente intonati, tanto che la sua pittura è ritenuta vicina a quello degli Impressionisti francesi, anche se a ben vedere la sua tecnica non ha nulla che possa fare pensare all'Impressionismo. Va notato che l'Impressionismo di norma non era accettato in Italia, in particolare dai Piemontesi che non lo ritenevano consono alla loro sensibilità e tradizione.

Enrico Reycend, Veduta di giardini e di paese

Particolare attenzione va data al paesaggio esotico. Verso la fine dell'Ottocento in tutta Europa si ha la passione per l'incantato Oriente con i suoi paesaggi di colori smaglianti. In Piemonte questo desiderio di evasione si esprime attraverso le meticolosissime opere - si veda l'insegnamento di Jean-Louis Meissonier - di Alberto Pasini (ad esempio Il minareto, Alambra a Granata, Il Nilo), e di Giovanni Battista Quadrone che, unico esempio in Europa, sceglie come paese esotico la Sardegna (Ronzino sardo, Alt in Sardegna, Una vecchia berlina, tutti conservati alla GAM).

IL PAESAGGIO DI FONTANESI

Un discorso a parte va fatto per il paesaggismo di Antonio Fontanesi. La preparazione pittorica del Fontanesi è particolarmente ricca: in Svizzera segue il Calame, a Parigi conosce seguaci della scuola di Barbizon, a Londra scopre il linguaggio di Turner, a Firenze incontra i Macchiaioli, senza però mai aderire alla loro poetica, a Tokio, dove è chiamato ad insegnare, viene in contatto con la raffinata pittura giapponese, a Torino, infine, riesce ad ultimare il suo percorso artistico che lo inserisce tra i più grandi pittori dell'Ottocento europeo. Fontanesi parte da una pittura di paesaggio non certo innovatrice, anche se tecnicamente estremamente precisa, (vedi le litografie eseguite in Svizzera), che però preannuncia la sua personale ed alta evoluzione stilistica, come si intuisce da Il mulino (1858), il cui estremo rigore formale non dà spazio a nessun compiacimento narrativo o descrittivo ma, attraverso uno studiatissimo vibrare di luce fa intuire quello che sarà il suo "paesaggio dell'anima", il suo voler rendere "visibile l'invisibile". Poco dopo compare La Quiete, opera assai studiata derivata da bozzetti elaborati dal vero, la cui resa cromatica e luministica è ottenuta con pennellate variate, minuziose e dense di colore che formano una vibrante tessitura.

Antonio Fontanesi, La Quiete, 1860

A queste opere segue una ricchissima produzione di studi, abbozzi, quadri compiuti, fino ad arrivare a dei capolavori universalmente riconosciuti come Aprile (1872) e Le nubi (1880), dove la resa dello spazio infinito è data da impalpabili variazioni luminose che stemperano il motivo ricavato dal vero e superano l'accademico concetto di "bello". Pochi, e sempre ripresi, sono gli elementi che costruiscono il quadro: una pastorella solitaria al pascolo vista di schiena, un albero, un ruscello o uno stagno, nubi lontane in un cielo troppo vasto. È la nostalgia romantica che vuole cogliere l'infinito spaziale e temporale anche se sa che è una impresa disperata. Ci avviciniamo al Simbolismo. Lo stato d'animo che provoca la pittura di Fontanesi è quello di una sofferta malinconia, un lirismo struggente che lo pone - l'unico fra gli Italiani - tra i più sensibili poeti del tardo romanticismo europeo. (Tutte le opere citate sono conservate alla GAM).

La tecnica pittorica di Fontanesi - nata da tormentate esigenze emotive ed espressive - si differenzia notevolmente da quella dei suoi coevi pittori, perché è basata su sottili impasti cromatici variamente intrecciati e sovrapposti, su raschiature subito ricoperte da sottili strati pittorici che permettono evanescenti trasparenze, ombre velate per suggerire vibranti e misteriose profondità, sull'impiego di colori puri sovrapposti. Questo modo di dipingere testimonia che verso la fine del secolo decimonono c'è un nuovo mutamento della sensibilità degli artisti che è foriera della drammatica rivoluzione spirituale che si abbatterà su tutta l'Europa.

IL DIVISIONISMO

Alla fine dell'Ottocento i pittori si rendono conto che è impossibile con la sola tavolozza rendere il "vero": i colori e le sfumature sono infinite e la così detta resa della realtà "oggettiva" risulta un miraggio e pura utopia. All'artista non resta che il sapiente uso dei colori, che non appartengono agli oggetti ma alla luce -come già ha intuito molti anni prima Leopardi -, e cercare di evocare con essi la Natura. L'ottimismo naturalistico borghese svanisce, e non rimane che una ricerca intimistica avversa al materialismo della società industriale, ricerca che si apre al sogno e - il passo è breve - al Simbolismo. I colori luce sono gli unici mezzi che il pittore ha a disposizione per oltrepassare la realtà naturale fenomenica e innalzarsi alla più alta verità ideale. I presupposti della crisi che pervade l'Europa alla fine del secolo decimonono si possono riscontrare, oltre che nei vari movimenti francesi, nella sfumata ed evanescente tecnica degli Scapigliati lombardi e nel sofferto cromatismo di Fontanesi. Vittore Grubicy, Gaetano Previati e Giovanni Segantini sono i primi pittori divisionistici italiani. In Piemonte si segnalano Giuseppe Pellizza da Volpedo e Angelo Morbelli che però svolge la sua attività artistica soprattutto a Milano.

Angelo Morbelli, Il telegramma, s.d.

Alla GAM sono conservati alcuni lavori divisionisti di Pellizza. Lo specchio della vita "E ciò che una fa, le altre fanno" (1895-98), è un commento divisionista di un verso di Dante. Il soggetto - una lunga fila di pecore che avanza lungo il Curone- è tratto dal vero, accuratamente studiato prima di essere riprodotto ad olio, è ricco di riferimenti simbolistici e richiami a certe istanze preraffaellitiche. La tecnica rigorosa e scientifica, l'uso di colori puri sapientemente accostati, gli permettono di raggiungere slanci emotivi e rendere parimente l'impressione dal "vero" d'intensa luminosità, irraggiungibile con altri mezzi.

Giuseppe Pellizza da Volpedo, Lo specchio della vita, 1895

Ci sono due pannelli, dipinti intorno al 1901-1904, del pentittico L'amore nella vita di chiara impostazione simbolista: l'uno vuole rappresentare l'amore carnale, l'altro un vecchio che si scalda a un fuoco presso una chiusa di un ruscello. Il primo è dipinto con una vibrante tessitura cromatica che si allontana dalla realtà - i due amanti sono deformati come visti attraverso una lente - e ci fa entrare in un mondo di sogno, l'altro si regge su un prevalente dominante rosso scuro, inquietante e sentimentale che forse fa intravedere la scomparsa prematura dell'artista. Lo studio per Il ponte ha un impegno sociale di denuncia del faticoso lavoro dei contadini e si colloca accanto alla tematica della Fiumana e del Quarto stato. La tecnica del divisionismo è recepita dai pittori come la tecnica rivoluzionaria che deve essere uno strumento di lotta dell'artista impegnato a cambiare la società. (Non per nulla tutti i pittori divisionisti sono visti come rivoluzionari e schedati dalla polizia).

Il divisionismo non ha vita lunga e presto si risolve nella vena crepuscolare, o in una forma d'espressionismo deformante o nella tecnica prevalentemente usata dai Futuristi del Novecento.

Roda Roda Leonardo

2021-09-17T03:44:00.003-07:00

Leonardo Roda (Racconigi, 1868 – Torino, 1933

Racconigi (Cuneo) 1868 - Torino 1933
Studiò da autodidatta per dedicarsi alla pittura di paesaggio, inizialmente con marine (Riviera di Levante, esposto a Torino nel 1889) e poi con vedute alpestri. Amante della montagna, alpinista e botanico, dipinse la Valtournenche e il monte Cervino, in numerose versioni, legate ai mutamenti stagionali e atmosferici. Fu presente alle mostre di Torino (1896, Sponde della Stura; 1898, Il Cervino), di Firenze (1896-1897, Nebbie in montagna e Dopo la pioggia) e di Milano (1900, 1906).

L'aratura Olio su Tela cm. 101x145 - Opera firmata in basso a destra - Base d'asta Euro 3.000.

arturo Ferrari Nascita: 26 gennaio 1861, Milano Morte: 31 ottobre 1932, Milano

2021-08-16T02:46:00.017-07:00

"MILANO, IL NAVIGLIO DI VIARENNA" 1894 olio su tela

Milano Via San Bernardino

Il dipinto fu presentato all'Esposizione Nazionale di Brera del 1912 ... La veduta ritrae puntualmente il vicolo di San Bernardino

È avviato agli studi artistici dal padre, Cesare Ferrari, collaboratore di Luigi Scrosati, e dal pittore Mosè Bianchi da Lodi. Compie la propria formazione presso l'Accademia di Brera sotto la guida di Giuseppe Bertini dal 1877 al 1884, frequentando contemporaneamente lo studio di Gerolamo Induno. Nel 1879 esordisce all'Esposizione di Belle Arti di Brera con una veduta dell'interno del Duomo di Milano, inaugurando il repertorio di vedute prospettiche milanesi che costituiranno il soggetto ricorrente all'interno della sua vasta produzione di oli e acquerelli. In breve tempo diviene l'artefice di una rievocazione poetica e sentimentale della vecchia Milano che nel passaggio verso il Novecento, complice una radicale ristrutturazione edilizia, andava assumendo un nuovo volto. Costantemente presente alle principali rassegne espositive fino al 1932, anno della sua scomparsa, consegue numerosi riconoscimenti ufficiali insieme con un notevole successo di pubblico e l'apprezzamento della critica conservatrice.

Sottili enrico

2021-08-08T08:20:00.010-07:00

Autore: Sottili Enrico (1890/ 1977)

Cronologia: post 1900 - ante 1977

Tipologia: pittura Como (CO), Musei Civici di Como. Palazzo Volpi

Sottili Enrico fu un pittore del XX secolo . Nacque a Reggio Emilia nel 1890, morì a Sala Comacina nel 1977 all'età di 87 anni.

Armonie Intelvesi Mattino a Laino 1927 Olio su Tavoletta cm25x 36 Opera firmata e datata in basso a sinistra al retro con titolo

Asta 159 / Lotto 171

ENRICO SOTTILI
Reggio Emilia 1890 Sala Comacina 1977

aggiudicata a Galleria Elioarte asta 159 lotto 171 Sant'Agostino case d'Aste TORINO

dono al dott.Buggè Ing. Giuseppe a merito delle sue virtù artistiche iin data 10 agosto 2021

Notizie storico-critiche: Come ha osservato l'estensore della scheda cartacea: "E. Sottili insegnò per qualche tempo alla scuola d'arte di Cantù; fu poi a Milano e frequentò la scuola di Ottavio Grolla. in un primo tempo pittore di figura e natura morta, si diede poi a riprodurre paesaggi lombardi, soprattutto della Val d'Intelvi (frequenti mostre a Lanzo) e della regione dello Spluga, scegliendo condizioni di luce particolari che permettessero effetti pittorici sensibili. Una sua opera venne acquistata dalla Galleria d'arte moderna di Milano nel 1931, alla mostra del Dopolavoro dei dipendenti comunali. Sue opere sono state esposte alla mostra Pittori e scultori

Bergamini Francesco

2021-06-20T06:31:00.014-07:00

Inserito in ARTISTI, LE FIRME DEI PITTORI ITALIANI DELL'OTTOCENTO

ergamini Francesco Attivo nella seconds mrtà del XIX decolo

Francesco Bergamini (Roma 1851 – Roma 1900) è stato un pittore italiano.

si specializzò in dipinti di genere, eseguiti con uno stile vigorosamente realista memore della scuola napoletana.

Partecipò a Roma nel 1891 all’Esposizione della Società Amatori e Cultori delle Belle Arti (di cui fu nominato membro nel 1900) e ancora nel 1893 all’Esposizione Nazionale (Gli ultimi).morì a Roma nel 1900.

"Coro"
50x62,5 olio su tela

indice dei pittori presenti nel blog elioarte

2021-06-18T07:43:00.020-07:00

Vincenzo Migliaro *

Michele Cascella

Francesco Coleman

Vittorio Cavalleri *

Mario Gachet*

giovanni colmo *

Vittorio Bussolino

Mario Cheduzzi *

Andrea Marchisio *

Leonardo Bazzaro

Francesco Loiacono

Angelo Beccaria*

Firtz Vogler*

Vincenzo Cabianca

Vincenzo Caprile*

Filippo Palizzi*

Alberto Rossi

Emma Ciardi*

Francesco Coleman

Massimo D'azeglio

Enrico Gamba *

Cesare Nonti

Telemaco Signorin

Sottili Enrico

Colmo Giovanni*

Torcia Francesco Saverio

Coleman Francesco

2021-06-18T03:04:00.002-07:00

Coleman Francesco 1851 – 1918 Inserito in ARTISTI, LE FIRME DEI PITTORI ITALIANI DELL'OTTOCENTO Coleman Francesco Francesco Coleman (Roma, 1851 – Roma, 9 gennaio 1918) è stato un pittore italiano. Biografia Francesco Coleman nacque a Roma il 23 luglio 1851. Era il sesto di otto figli del pittore inglese Charles Coleman, che era venuto a Roma nel 1831 e vi si stabilì definitivamente nel 1835, e sua moglie Fortunata Segadori, una famosa modella di Subiaco, che aveva sposato nel 1836. Studiò pittura nello studio di suo padre e mostrò una particolare attitudine per i colori ad acqua. Era conosciuto come un pittore di dipinti, ad olio e acquarelli, delle persone e dei paesaggi della Campagna Romana e dell’Agro Pontino, e di soggetti orientali. Ha condiviso lo studio in via Margutta 33 con suo padre e suo fratello Enrico per tutta la vita. Nel 1887 ottenne un diploma d’onore all’Esposizione internazionale di Dresda. Ha cessato ogni attività artistica dopo la morte di Enrico nel 1911. Morì il 9 gennaio 1918 nella sua casa di via Valenziani, vicino a Porta Salaria. Fu sepolto nel Cimitero del Verano.

"Famiglia con asinello" Roma 1881 40x49 acquerello su carta Opera firmata, datata e localizzata in basso a destra

Michele Cascella

2021-06-02T01:23:00.001-07:00

Michele Cascella (Ortona, 7 settembre 1892 – Milano, 31 agosto 1989) è stato un pittore e paesaggista crepuscolare italiano. Nel corso della sua lunga vita artistica articolatasi in quasi otto decenni di intensa attività, Cascella ha saputo mantenere uno stile unico, inconfondibile e pressoché immune dalle contaminazioni delle correnti ed avanguardie pittoriche del Novecento. Le sue opere, comprendenti tele, tavole, pastelli e disegni, sono esposte nei più importanti musei italiani e internazionali, tra i quali il Victoria and Albert Museum[1] di Londra, la Galerie nationale du Jeu de Paume di Parigi, il National Museum of History and Art in Lussemburgo, il Musée d'Art Moderne a Bruxelles e la De Saisset Art Gallery dell'Università di Santa Clara in California, dove è esposta una vasta collezione permanente di opere. Copiosa risulta pure l'opera grafica, comprendente litografie, cromolitografie, serigrafie e acqueforti, tecniche che utilizzò sin da ragazzo e grazie alle quali conobbe - soprattutto sul finire del XX secolo - e mantiene tuttora una notevole notorietà presso il grande pubblico. I tratti distintivi del pittore contemperano la superba capacità compositiva, cui si aggiungono la grande padronanza del disegno e le vibranti cromìe, di cui sono esemplari fattispecie le composizioni floreali, nelle quali Cascella tocca vette espressive elevatissime, così come lo sono le vedute, ove raggiunge esiti di impareggiabile freschezza, luminosità e atmosfera. Michele Cascella: paesaggista crepuscolare? Posted on 31 luglio, 2009 by fatateam Michele Cascella nacque in una famiglia numerosa, comprendente, oltre a fratelli e sorelle (erano in 6), il padre e la madre, il nonno e due sorelle del padre, a Ortona a Mare, in provincia di Chieti, il 7 settembre 1892. E’ stato un artista abbastanza discusso in quanto esaltato da una certa critica, accusato di essere “commerciale” da altra. Da ragazzo non aveva molta propensione allo studio; figlio di un bravo pittore, ceramista e litografo, oltre che sarto del paese, Michele si rivela infatti un pessimo studente con scadenti risultati, non solo nelle materie scolastiche di concetto, ma persino in disegno. Dopo l’ennesima bocciatura, il padre Basilio lo portò ad imparare un mestiere nel suo laboratorio cromolitografico dove insieme a suo fratello Tommaso acquisirà dimestichezza con gli arnesi professionali. Michele si ambientò nel laboratorio, portando a termine gli esercizi che suo padre gli fece eseguire: copiare i disegni di Botticelli e di Leonardo, copiare anche grandi bocche e grandi nasi che suo padre disegnava apposta per lui. zinie zinie Acquisite le basi artistiche come abbiamo visto grazie all’amore ed alla passione del padre Basilio, nel 1907, tenne assieme al fratello Tommaso la sua prima mostra personale nelle sale della Famiglia Artistica di Milano, dimostrando subito uno spiccato talento di colorista. Buon sangue non mente: la famiglia Cascella conterà, nel corso del Novecento, numerosi esponenti artistici. Milano lo tenne a battesimo artistico, dunque, nel 1907 quando lo stile Liberty, dopo aver toccato il suo apice l’anno prima con la grande Esposizione del Sempione, era in decadenza per cedere il passo a nuove tendenze. Don Achille Ratti divenne Prefetto della Biblioteca Ambrosiana di Milano nel medesimo anno, per poi salire al soglio pontificio nel 1922. Sempre nel 1907 Rodolfo Mondolfo – storico della filosofia – spaziava, con i suoi scritti, dal “problema della laicità nella scuola media”, a “il contratto sociale e la tendenza comunista in J.J. Rousseau”, in Rivista di Filosofia. Intanto sempre nel 1907, nel suo studio, Picasso andava a comporre la prima opera cubista “Les demoiselles d’Avignon” dando vita ad un nuovo movimento artistico, il cubismo appunto, che si differenzierà dall’antica pittura in quanto non più arte di imitazione, ma di pensiero, che tende ad elevarsi fino alla creazione. Nel 1909, ancora in coppia con Tommaso, Michele espose per la prima volta a Parigi, aggiornandosi agli sviluppi del Post-Impressionismo. Nel 1910 tornò a Milano, frequentando i Futuristi Marinetti, Boccioni e Margherita Sarfatti e seguendo con interesse gli sviluppi del Divisionismo. Cascella paesaggista crepuscolare è stato il nostro incipit a queste brevi note. Crepuscolari furono definiti dal critico Giuseppe Antonio Borgese quei poeti che avvertirono la crisi spirituale del tempo come un crepuscolo nell’imminenza del tramonto, che non vollero e non seppero allacciare alcun rapporto concreto e costruttivo con la realtà sociale, che rifiutarono ogni aggancio con la tradizione culturale. Questi artisti, in particolare i poeti, si ripiegarono su se stessi a compiangersi d’esser nati e, in attesa della morte, cantarono gli aspetti più banali e insignificanti del quotidiano, avvolgendo uomini e cose in una nuvola di malinconia. Privi di fede e di speranza, i crepuscolari si rifugiarono nel grigiore delle cose comuni, quasi col pudore di chi vuol nascondersi agli occhi degli altri per non farsi veder piangere. Il paesaggio crepuscolare si smorza nei toni, nei colori, soffoca la luce, si restringe all’interno di perimetri ben delimitati, recintati, che solo apparentemente chiudono l’orizzonte all’uomo e al poeta; gli orti delle case, dei conventi, i giardini, i parchi delle ville, i solai, i salotti sono il nuovo spazio entro cui il poeta si muove e nei quali scopre e ricorda l’universo intorno. Per meglio delineare i profili ricordiamo che la corrente Crepuscolare era in contraddizione con il movimento Futurista. Infatti, il crepuscolarismo, nonostante condivida con il Futurismo l’idea di interartisticità, ha però una concezione della vita completamente diversa: * i futuristi inneggiano alle innovazioni, i crepuscolari sono avversi a una modernità che aliena l’individuo; * i futuristi sono prepotenti, dinamici, chiassosi, i crepuscolari assumono toni dimessi, pacifici e malinconici; * i futuristi esaltano il caos e le attività delle grandi città, i crepuscolari amano l’intimità, le “piccole cose di pessimo gusto”, gli affetti familiari e una vita tranquilla; * i futuristi sono sempre protesi verso un “domani” esaltante, i crepuscolari guardano al passato e alle piccole cose quotidiane. La specializzazione nel paesaggio e nella veduta, in un momento di crisi dei generi quale quello in cui visse, assicurò e continuò ad assicurare a Cascella un successo di portata internazionale, con i consueti soggetti abruzzesi che vengono alternati a quelli di Portofino e delle maggiori metropoli, come un carnet di viaggio, e il ventaglio di opzioni espressive che varia di volta in volta, dal sentimentalismo tardo-simbolista, improntato su tonalità fredde, al bozzettismo da Ecole de Paris, pittoricistico, che lo faceva definire l’“Utrillo italiano”, con incursioni in terreni comuni che gli fanno sfiorare ora Strapaese, ora il Chiarismo, ora l’Espressionismo di Sassu (Solennità in San Pietro, 1939) o dei Sei di Torino (Rachele, 1943). Vittorio Sgarbi nel luglio 2008 curò, al Museo Michetti di Francavilla Al Mare, la mostra “Michele Cascella: La Gioia di vivere”. La mostra, si compose di oltre ottanta opere rappresentanti tutte le principali fasi espressive dell’artista. Sgarbi affermò: “Vituperato in vita perché troppo indulgente nei confronti della popolarità, perché troppo “commerciale”, come si diceva allora, Cascella si prende ora le sue rivincite. Diciannove anni dalla morte sarebbero bastati a spazzarlo via non solo dalla memoria dei critici, ma anche del grande pubblico. E invece, eccolo ancora fra noi, eccoci ancora ad occuparci di lui. Della sua arte intenzionalmente semplice, votata a individuare un’idea istintiva del bello, di quanto più larga condivisione possibile, quasi francescana nel concepire il senso della natura, un sermo communis per il quale una marina è sempre una marina e un fiore un fiore.” Condividi - Share this:

elioarte blog di elio buggè

2021-04-22T04:49:00.002-07:00

a famiglia Bugge e le sue origini

Araldica norvegese

Famiglia BUGGE
Araldica italiana.

Le informazioni in questo documento sono raccolte da:
Nordlandsslekten Hveding, da Johan Hveding (Oslo 1944), Familien Kjerschow, Elisa Tandberg (Oslo 1940), Slægten Bugge, PWB. Bondesen (Nyborg, Danimarca 1910), Valdresslekten Bugge, legatura XXX S. 59f di G.A.K. Bjørkset (Fagernes 1961), di NST e le informazioni da Stein Rune Jakobsen, basato sul libro Slekten Bugge i YtreSogn, da Inger Kelmer e sul bakgrunn del danske di Brønnøy-slekten Bugges del libro, da Magnus Mardal.
Tutte le fonti sono in norvegese o in danese.
Ciò che segue proviene dal libro del Bondesen, pagine 39-40 e 121-123, con l'eccezione di alcune correzioni dal libro del Bjørkset.
- “Nelle battaglie per libertà, contro la violenza e la difficoltà le spade e gli scudi dei Bugge furono utilizzati Ma gli scudi e le armi sono stati sepolti,ed il nome è sparito con il castello e l'oro.Tuttavia, dalla muffa sono rinate ancora le piante.Le rose dei Bugge non sono mai morte.Sulle montagne hanno continuato a fiorire E ci hanno dato i molti uomini nobili.Con la spada dello spirito e lo scudo della fede .Per libertà del cuore, contro la violenza nemica hanno continuato la lotta e successivamente più volte hanno vinto castelli e tesori, e non sono mai spariti .Dio vuole, che i Bugge, generazione dopo generazione,camminino sempre nel nome di Cristo in modo che essi mai spariscono né brucino,ma fioriscono qui per sempre nel nome dl Dio.-“
Il nome Bugge (pronunciato “boo-gee„) ha una storia molto antica nella regione nordica.
Già ai tempi del den Raske (Fridlev il rapido) e Frode Fredegode (Frode di Fridlev il pacifico (?)) veniamo a contatto dei Bugge in Skåne e in Halland, che facevano parte allora della Danimarca ma ora fanno parte della Svezia.
Colloqui di Saxo Grammaticus così di un capo locale che era uno del Halland Bugges e che è caduto a Hvirvelshavn a Sjælland in un duello con il re Fridlev il rapido.
Hvirvelshavn è il Bisserup attuale nella baia di Vordinborg in Danimarca.Inoltre, in Jylland il nome Bugge ha una storia lunga.A Højene vicino a Glenstrup, non lontano da Hobro, c’ era un sig. Turild Bugge, “il Tassa-Re,„ con la sua famiglia. “Da lui che il nome Bugge cristiano ha iniziato,„ esso è dichiarato da Klevenfeldt. https://www.heraldrysinstitute.com/lang/it/cognomi/Bugge/idc/760132/

vittorio cavalleri

2021-04-22T03:02:00.010-07:00

Vittorio Cavalleri è stato un pittore italiano.

Nato a Torino il 16 febbraio 1860, Torino

Morte: 22 maggio 1938, Gerbido

Figlio di un commerciante di stoffe, fu avviato dal padre all'attività commerciale di famiglia. A diciotto anni Vittorio Cavalleri si iscrisse ai corsi dell'Accademia Albertina ed ebbe come maestro Andrea Gastaldi. Frequentò l'Albertina insieme ai pittori Andrea Tavernier e Lorenzo Delleani. Nello stesso anno del diploma, 1883, espose al Circolo degli Artisti e nel 1884 partecipò alla Promotrice di Belle Arti di Torino, con i dipinti Zappe abbandonate e Fiori di cimitero, che in seguito fu distrutto dallo stesso Autore. Ne rimane traccia in un'acquaforte di C. Turchetti. Vittorio Cavalleri insegnò a Torino, ai corsi serali dell'Accademia Albertina.

Vita in campagna[modifica | modifica wikitesto]

Nel 1885 si trasferì a Gerbido, alla periferia di Torino, ambito da alcuni artisti dell'epoca per la sua pace e tranquillità ed il rigenerante silenzio, un luogo che gli consentiva di vivere in campagna e in solitudine. Abitava in casa del pittore Mario Gachet, suo allievo.

Tra i nomi dei suoi allievi, emerge quello di Ivo Gemelli (1897 - 1964), che divenne l'allievo prediletto per la sua capacità di ereditare dal maestro la sodezza fastosa e festosa dei colori, la compatezza dell'immagine e la trasfigurazione della realtà.

A Gerbido il Cavalleri dipinse paesaggi rurali, pastori, contadini, ma anche episodi di vita in ambienti borghesi. Opere pittoriche di questo periodo, come In primavera, La nonna (1887), Flora alpina (1901) e Triste inverno (1889) sono oggi alla

href="https://it.wikipedia.org/wiki/Galleria_civica_d%27arte_moderna_e_contemporanea" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-image: none; background-origin: initial; background-position: initial; background-repeat: initial; background-size: initial; text-decoration-line: none;" title="Galleria civica d'arte moderna e contemporanea">Galleria civica d'arte moderna e contemporanea di Torino.

Gerbido, Cascine Palazzo

In Triste inverno il pittore rappresenta un ambiente mesto nudo e scuro, tra abitazione e stalla, che una famiglia contadina divide con un gregge di pecore. Il bambino gioca in terra, la madre fila la lana, l'uomo lavora intorno ad un recipiente di rame. Questo dipinto è stato esposto in Vaticano, Braccio di Carlo Magno, nella esposizione Il lavoro dell'uomo da Goya a Kandinskij (dicembre 1991-marzo 1992).

Mantenne sempre stretti rapporti con la città: al Circolo degli Artisti torinesi espose dal 1883 al 1917 e alla Promotrice espose dal 1884 fino al 1938.

Vittorio Cavalleri visitò Parigi nel 1889, ma senza subire l'influenza della pittura francese. Dai fabbricanti di colori Lefranc acquistò pastelli conici, più duri di quelli che il mercato offriva in Italia. Con questi pastelli egli realizzò il ritratto la Madre. Nei dipinti ad olio la sua arte evolveva, da un impianto di tipo tradizionale e dall'uso del chiaroscuro, verso forme più libere - ottenute con pennellate veloci e anche con l'uso della spatola - che gli consentivano effetti di maggiore luminosità e freschezza.

Vittorio Cavalleri, Figure in un parco

Un dipinto, in particolare: Siam bimbi - volanti - dai nimbi - nei santi - splendori - vaganti (1903), ispirato a versi di Arrigo Boito, raffigura un gruppo di bambini che giocano festosi, tra mazzi di cipolle rosate, all'interno di una cascina. Il roteare delle cipolle produce un effetto di movimento cinetico che anticipa alcuni esperimenti del Futurismo.

A Livorno, a Villa Trossi Uberti, si conservano i ritratti di Corinna Trossi, di Dino Uberti e di sua madre, realizzati da Vittorio Cavalleri. Il Circolo degli Artisti di Torino organizzò nel 1963 una mostra dal titolo: "Vittorio Cavalleri nelle collezioni torinesi".

Stile e documentazione critica[modifica | modifica wikitesto]

Nella sua pittura si denota un'influenza ed un'impronta di stampo naturalista; la natura rimane sempre la guida sicura,con le sue forze e i suoi fenomeni, i suoi molteplici elementi animati tutti da un unico, possente impulso vitale.

Frammenti di quell'unica realtà che Cavalleri cercò di cogliere nelle sue tele con le sapienti pennellate, le esperte spatolate che orchestrano e costruiscono l'immagine con tocchi delicati, mai impulsivi né violenti.

In queste opere non c'è una lettura ma solo la commozione che lo spettacolo della natura suscita nell'animo dell'artista, con le sue infinite gradazioni e definizioni cromatiche, anche nei semlici fenomeni come luci che filtrano dalle foglie, le ombre del greve terreno piemontese, descritte con pennellate luminose.

Una trasposizione umile e spontanea al vero, non più gravata da simboli e allusioni ma esaltata nella sua limpida e solenne bellezza, raffigurato con l'espressività del linguaggio mai provvisorio, ma approfondito come mestiere e sensibilità sull'onda dell'emozione.Istruzione: Pinacoteca dell’Accademia Albertina

Colmo Giovanni

2021-03-22T07:23:00.015-07:00

lago Maggiore l'isola dei pescatori

'Dopo il temporale' 1911 - 37x25 olio su cartoncino casa d'asta Sant'Agostino Asta n.167 / Lotto n.74

aggiudicato in asta alla Galleria Elioarte

GIOVANNI COLMO

Torino 1867 - 1947

"Dopo il temporale" 1911.

Maggiore di cinque, due sorelle e tre fratelli, la “nidiata” era così composta: Giovanni detto Jonin, Rosina, Luigi (che si cimentò in pittura ma con scarsi risultati), Nina e l’ultimo Eugenio detto Golia poiché era alto di statura “…a sfiorar le stelle” come ebbe a scrivere di lui, l’amico e compagno di studi Guido Gozzano. Eugenio fu: pittore, disegnatore di moda e caricaturista. Giovanni Colmo, nacque a Torino. Il padre Francesco (notaio) era un funzionario delle Ferrovie dello Stato mentre la madre, Teresa Randone, originaria di Garessio: donna colta e comprensiva, era dedita alla famiglia. Dopo aver frequentato il Liceo Classico, Giovanni s’iscrisse alla “Scuola di Applicazione per Ingegneri”, laureandosi in Ingegneria Civile nel 1891. Ciò gli consentì di essere assunto dal comune di Torino e di entrare a far parte degli uffici tecnici, dove svolse poi il suo lavoro per trentadue anni, congedandosi nel 1923 con il grado di Capo Divisione. Il giovane Colmo, dotato di talento artistico, sviluppò sin da quegli anni le sue amicizie nell’ambiente omonimo e nel tempo libero, si aggregò dapprima timidamente e poi sempre più affrancato a gruppi che facevano capo a Delleani, Tavernier, Follini, Avondo, Cavalleri e Giani, scrutandone ed assimilandone i segreti e riuscendo negli anni successivi a fonderne gli stili e gli ideali. L’inizio della sua attività pittorica si fa risalire al 1890 ma fu nel 1896 che espose al pubblico la sua prima opera: “Mattino d’Autunno” e questo avvenne alla Società Promotrice delle Belle Arti di Torino dove si era iscritto proprio quell’anno in contemporanea con il Circolo degli Artisti e dove fu assiduo espositore per trentacinque anni. Nel 1902 fu presente alla Quadriennale di Torino con l’opera: “Novembre nei boschi presso la Stura”. Nel 1923, all’età di cinquantasette anni, il suo rapporto lavorativo con il Comune di Torino cessò e fu così che Giovanni poté dedicarsi totalmente alla pittura.

Giovanni Colmo (1867 – 1947) è stato un pittore italiano, attivo principalmente come paesaggista. Giovanni è nato a Torino; prima ha studiato ingegneria ma gravitato alla pittura senza un’educazione formale. Era un fratello maggiore di Eugenio Colmo, noto come Golia, noto fumettista, caricaturista e acquerellista. Giovanni visse per molti anni in Garessio. Faceva parte della scuola all’aperto di pittori paesaggisti chiamata Scuola di Rivara. Quest’ultimo gruppo dipinse all’aperto sulla scena, ed erano interessati a catturare stagioni, tempi e tempo. Tra i suoi colleghi che dipingevano principalmente le valli alpine piemontesi, c’erano Anselmo Sacerdote, Vittorio Cavalleri e Carlo Pollonera.

Bussolino Vittorio

2021-03-21T10:10:00.007-07:00

USSOLINO VITTORIO

Torino 1853 - 1922
Impiegato presso il comune di Torino, Bussolino esercitò da dilettante la pittura di paesaggio. Amico e collezionista di A. Fontanesi, di cui era stato allievo all'Accademia Albertina, ne riprese in modo fedele e talvolta poco originale i soggetti e le soluzioni stilistiche, riconoscibili anche nelle opere più tarde (Presso Mirafiori, 1895, Torino, Galleria Civica d’Arte Moderna). Coerentemente alla linea fontanesiana guardò con attenzione, a fine secolo, ai paesaggisti francesi della Scuola di Barbizon. Dal 1872 al 1896 prese parte alle esposizioni della Promotrice torinese con dipinti a olio (Ottobre, 1878; Presso Rivalta, 1881), acquerelli (Boscaglia, 1872) e disegni a carboncino (Foresta, 1876). Espose anche alla Promotrice di Genova nel 1876, a Milano tra il 1879 e il 1882, a Venezia nel 1887 e a Roma nel 1883

olio su tela Cm 61x70 dal titolo "Lungo il Fiume di Vittorio Bussolino

acquerello dal titolo "ritorno dal Pascolo

Biografia di un pittore dell'800

2021-03-12T09:18:00.046-08:00

Giulio Cesare Prati – Biografia

PiTTORE OTTOCENTISTA

Cantanti al Verde dipinto di G.C.Prati

Giulio Cesare Prati, valente pittore di genere e di paesaggio, penultimo di quattordici figli, nasce a Caldonazzo in Via Case Nuove il 19 dicembre 1860 da Domenico Prati (1808-1867) geometra e amico del barone Giulio a Prato e da Lucia Garbari di nobili discendenze.

La madre era figlia di Giuseppe Garbari e di Lucia de Negri di Calavino, sorella di Gioacchino Garbari, noto per il suo patriottismo irredentista e per essere stato sindaco di Caldonazzo per molti anni, obbligato all’esilio per evitare l’arresto dopo la ritirata del gen. Giacomo Medici e delle sue truppe nell’agosto del 1866 durante la terza guerra d’indipendenza. In tenera età l’11 novembre 1867 rimane ben presto orfano di padre e il 10 aprile 1869 anche della madre.

E’ allevato nella casa-molino dalle sorelle Luigia, Isabella ed Anna come testimonia un disegno del pittore veneziano Antonio Ermolao Paoletti (1834-1912)

elioarte: Risultati di ricerca per Paoletti

, amico di Eugenio, in cui si nota la sorella Luigia che imbocca Giulio seduto su uno sgabello. All’età di 15 anni si trasferisce a Borgo Valsugana presso gli zii Francesca Prati e Pietro Zanette, dove lavora come apprendista fino al 1880 presso un’officina artigianale, dove impara la tecnica di lavorazione del ferro battuto.

Presta servizio militare per quattro anni dal 1880 al 1884 come Landschützen (Tiratori scelti provinciali) nell’esercito austro-ungarico. Nel 1882, anno della grande alluvione che affligge il Trentino, è assegnato alle operazioni di salvataggio ed essendo in pieno inverno si ammala di una grave affezione polmonare, perciò è congedato provvisoriamente. Si reca a trascorrere la convalescenza a Villa Agnedo a casa del fratello maggiore Eugenio, artista affermato e appena sposato da tre anni con Ersilia Vasellai, e lì nasce la sua vocazione artistica.

Comincia a dipingere e preferisce il paesaggio agli interni come dimostra la cronologia approssimativa dei suoi dipinti intorno al 1882 (“Tramonto sul lago”, “Alba sul lago di Caldonazzo”, “Riflessi sul lago” e “Lavandaia”).

Da queste vedute delicate e sfumate del lago di Caldonazzo dipinte dal vero “en plein air” nelle diverse ore del giorno, dedicate al luogo che lo videro nascere e trascorrere la propria gioventù, dove lo studio della luce prelude già ad un ricerca tonale risolta in macchia, traspaiono silenzi e pace che ci trasmettono profonde emozioni di serenità e di tranquillità d’animo.

Il paesaggio è vissuto come espressione del sentimento, è la natura degli stati d’animo, quella che si coglie nella rugiada del mattino, nello scolorare della sera, è qualche cosa da guardare intensamente per catturarne l’attimo di una sensazione. E’ in queste fasi della giornata in cui la luce del giorno non è nitida, ma è più delicata e tenue, che i contorni si fanno meno marcati e la fusione figura-paesaggio è ancora più intensa. Infatti, la barca con il pescatore che si nota in mezzo al lago nei due dipinti “Alba” e “Tramonto” è completamente parte integrante del paesaggio e dell’acqua. L’acqua del lago non è una piatta rappresentazione, ma viene raffigurata in un continuo e lento fluire in una miriade sinfonica di colori diffusi e di luci riflesse.

Preferisce capire e penetrare il carattere di un paesaggio, mettere in luce le delicate sfumature cromatiche con teneri colori, far scaturire dalla natura il canto della passione e dell’amore per l’immediatezza e la semplicità.

Nel piccolo dipinto ad olio su tela “Lavandaia”, intenta a lavare i panni in riva al lago dove il torrente Mandola sfocia, Gabriella Belli nel 1983 nel “catalogo della mostra dall’Impressionismo allo Jugenstil” intravede una forma di pittura impressionista “in questo quadro, in particolare, si ritrovano, infatti, dentro il canto della migliore pittura di macchia, risolta nella equilibrata contrapposizione dei registri cromatici, intesi nel loro valore di luce e di ombra, una felice fusione tra il motivo ispiratore e gli strumenti tecnici messi in atto per la sua raffigurazione, strumenti che non scadono in mero descrittivismo ma che, anzi, sostengono pienamente l’impressione di questo angolo di lago, ritagliato nella sensazione data da un ricordo quasi incorporeo, più che supinamente riprodotto in una visione realista”.

La pittura impressionista cerca di imprimere sulla tela, intuitivamente, ciò che l’occhio effettivamente coglie: solo delle macchie luminose dai colori diversi, a seconda della lunghezza d’onda che colpisce il nervo ottico.

Le tele degli impressionisti non imitano la natura, ma sono composte di vibrazioni luminose: l’obiettivo che interessa è quanto avviene nella retina, la cosa importante è il processo percettivo, i quadri sono espressione di atmosfera, il soggetto perde ogni valore intrinseco e le sfaccettature della luce e del colore sono catturate da piccole pennellate rapide e vibranti. Giulio Prati nella sua pittura giovanile prima dell’accademia è indubbiamente un impressionista e questa produzione pittorica è senz’altro secondo noi la migliore di tutta la sua carriera artistica.

A 24 anni nel 1885, su sollecitazione del fratello, s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano e segue i vari corsi annuali: suoi insegnanti sono Raffaele Casnedi, coadiuvato da Agostino Caironi e Ferdinando Brambilla per la scuola di disegno e figura, Luigi Bisi per la scuola di prospettiva, Gaetano Strambo per la scuola di anatomia, Claudio Bernacchi per quella di ornato, Giuseppe Mongeri per storia dell’arte, Giuseppe Mentessi per la scuola di geometria elementare, Giuseppe Bertini e Ambrogio Borghi con Francesco Barzaghi per la scuola del nudo.

Nel frattempo segue i corsi di Giuseppe Bertini (1825-1898), subentrato ben presto alla guida della scuola di pittura all’Accademia. Bertini introduce un metodo di lavoro più moderno, incoraggiando gli allievi a misurarsi anche con le poetiche del vero, metodo che rinnovò specialmente il genere del ritratto, sollecitò gli allievi a confrontarsi con altri ambiti tematici, per esempio la pittura di genere o con il paesaggio, oppure con il filone degli interni prospettici.

Di questo periodo è conservata in famiglia una fotografia che raffigura Giulio al centro assieme a sei compagni di corso dell’Accademia di Brera con i maestri Giuseppe Bertini e Giuseppe Mentessi con sullo sfondo alcuni suoi dipinti come “il vangatore”, “il tamburino”, molti ritratti e nudi.

Stringe rapporti con gli artisti legati alla Scapigliatura tra cui spicca per intelligenza e fantasia creativa Filippo Carcano (Milano, 1840-1914)

https://elioarte.blogspot.com/search?q=filippo+carcano

, pure lui allievo di Hayez ma con tutt’altro spirito, fondatore del verismo lombardo dallo spirito innovatore ed antiaccademico, Tranquillo Cremona, Daniele Ranzoni, Eugenio Gignous, Gaetano Previati, Leonardo Bazzaro

ttps://elioarte.blogspot.com/2021/03/leonardo-bazzaro.htm

e Giuseppe Mentessi, scapigliati lombardi di riconosciuta fama e frequenta i pittori Giuseppe Pellizza da Volpedo (1868-1907)

e il trentino Alcide Davide Campestrini (1863-1940), suoi compagni di studio.

lioarte: Risultati di ricerca per campestrini

Al terzo anno dell’Accademia nel corso di prospettiva vince nel 1887 un premio con medaglia d’argento per l’opera “La chiesa di S. Antonio di Milano” e grazie a questo premio riceve una borsa artistica di studio di 500 fiorini per tre anni dalla Giunta Provinciale Tirolese di Innsbruck per continuare gli studi a Milano.

Nel 1885 partecipa all’esposizione della Promotrice di Belle Arti di Firenze con due sue opere che sono premiate: “Il fuoco si spegne” del 1883, ora di proprietà del Comune di Trento in deposito al Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto e “Non so la lezione” di un collezionista privato.

Nel 1885 durante un suo soggiorno dal fratello Eugenio dipinge a Strigno in Valsugana la tela “Cresimanda” di proprietà del Comune di Caldonazzo e collocata nella locale Biblioteca, in cui si nota il campanile di Strigno sullo sfondo e la ragazza con la madre in costume tradizionale del Tesino che ascoltano i consigli del curato prima della cerimonia. La tela rappresenta una bella pagina della vita di paese della Valsugana e Giulio con semplicità riesce a trasmettere la profonda emozione della ragazza per l’avvenimento.

Durante il periodo accademico esegue alcuni dipinti come “Giuseppe venduto dai fratelli”, “Il vangatore”, purtroppo andato disperso, che mostra una chiara adesione di Prati a quella particolare forma di verismo sociale che in Italia aveva visto la sua nascita verso il 1880 con opere come “l’erede” di Teofilo Patini, “Il tamburino” e molti altri dipinti minori di nudi maschili e femminili in cui si intravede la scuola del tardo romanticismo letterario di Francesco Hayez e di Giuseppe Bertini.

Nel volume della Cà Granda di Milano è pubblicato un dipinto di Giulio Prati, “Ritratto di Antonio Vassalli”, olio su tela, 202 x 122 cm firmato G. Prati con iscrizione in basso Vassalli Antonio morto il 25 settembre 1870. Il ritratto copia di un originale del maestro Giuseppe Bertini, andato perduto, fu commissionato al Prati nel maggio del 1890 dal direttivo dell’Ospedale Maggiore di Milano. Il 15 luglio 1890 a conclusione dell’Accademia è premiato con la medaglia di bronzo e gli viene rilasciato un altro attestato di merito.

Tra i due fratelli pittori Eugenio e Giulio nasce un legame affettivo molto intenso e pur essendo distanti sono spesso in contatto epistolare tra di loro e ci sembra significativa riportare una lettera del 15 giugno 1889 di Eugenio Prati al fratello Giulio a Milano spedita da Venezia dove Prati sta lavorando allo sfondo per il dipinto “I primi fiori a Venezia” (medaglia d’oro all’Esposizione Mondiale di Chicago del 1893). Nella lettera sono citati il pittore e mercante d’arte Vittore Grubicy, il direttore de “L’Alto Adige” Emanuele Longo, il critico d’arte e pittore veneziano Silvio Domenico Paoletti con il padre, pure lui pittore, Antonio Paoletti e il pittore trentino Bartolomeo Bezzi.

“Ho sentito con sommo piacere dalla lettera che hai scritto al caro Dante che vieni a trovarci qui a Venezia. Certo ti farà grande impressione questa splendida città. Io continuo con lena a lavorare dietro al mio quadro. Dimani, Domenica, vado col Dante sulla riva degli Schiavoni ad ultimare lo studio pel fondo del sudetto dipinto. Ti raccomando, come ripeto, di andare qualche giorno avanti la tua partenza dal Signor Grubicy, e sollecitalo a darti l’importo che mi preme. Intanto a rivederci a Venezia. Salutami caramente l’amico Emanuele e ricevi in uno coi miei i saluti dei Signori Paoletti e dall’amico Bezzi. Stringendoti aff.te la mano ho il piacere di segnarmi tuo aff.mo fratello Eugenio Prati”.

Terminati gli studi a Brera, dal 90 al 95 il nostro pittore ebbe lo studio a Caldonazzo, nell’allora Via Nuova, nella seconda delle case Marchi a sinistra al piano terra: ancora oggi esiste l’ampia finestra della stanza aperta verso il lago.

Nell’estate del 1890, appena rientrato da Milano, esegue “Cantanti al verde” in due bozzetti su tavola e in due tele originali, di cui uno di proprietà del Comune di Trento, conservato in deposito al Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto e l’altro di proprietà di un collezionista privato.

L’opera è dipinta al maso “Giamai” di Caldonazzo e rappresenta un idillio campestre con cinque pastorelli scalzi, alcuni in piedi ed altri sdraiati sopra un verde prato che cantano in allegria mentre custodiscono il proprio bestiame; sullo sfondo il lago sinuoso, il paese di Caldonazzo con il campanile, e la cerchia dei monti circostanti il lago.

Gabriella Belli, direttrice del Mart, scrive nel 1991 sul retro della tavola dedicata all’opera Cantanti al verde nella collana “Capolavori d’arte del Trentino” pubblicata dall’Alto Adige”: “l’opera ci rivela un Prati fine colorista e ottimo pittore di paesaggio. Il quadro che ricorda nell’atmosfera tersa dell’alta quota l’opera del massimo pittore trentino del XIX, Giulio Segantini, risulta di grande efficacia per la sapiente distribuzione dei volumi nell’ampio anfiteatro della verde vallata, curiosamente degradanti lungo un’ardita prospettiva diagonale. Il tema, che pure si poteva prestare ad essere interpretato secondo schemi simbolico-letterari in voga in quegli anni, è qui invece sostenuto da una vena di sincero realismo”.

Partecipa nel 1891 alla prima Esposizione Triennale di Brera, insieme al fratello Eugenio, con la tela “Tralcio d’uva”, che ebbe encomi speciali. Luigi Chirtani in “L’Illustrazione Italiana” così descrive il dipinto “L’uva di Giulio Prati, col tordo morto sotto un grappolo nero, par fatta da un olandese, e non è meno disinvolta di quella che ha più indietro il Sottocornola”.

Nel 1893 espone a maggio all’Esposizione tirolese di Innsbruck con l’opera “La vendemmiatrice – Autunno” del 1893, acquistata dal Museum Ferdinandeum di Innsbruck. Vi soggiorna anche alcuni mesi godendo di una certa notorietà e dipinge numerosi ritratti su commissione. Sempre in quell’anno dipinge su commissione del proprietario dell’Hotel Trento di Trento un quadro di grandi proporzioni (200 x 170 cm.) rappresentante “Tiziano che insegna colore a Irene di Spilimbergo” venduto successivamente ai fratelli Gontrand di Parigi. Nel 1894 dipinge “Bambino ferito”, che raffigura Edmondo Prati all’età di cinque anni, seduto su una sedia con la testa e un braccio fasciati. “Il modello sono stato io, cosa che ricordo molto bene, perché ero caduto da un albero” scrive Edmondo il 6 marzo 1969 in una lettera inviata al cugino Carlo.

Nel 1895 partecipa all’Esposizione Promotrice di Firenze e alla prima Esposizione Biennale Internazionale d’Arte di Venezia insieme al fratello Eugenio, inaugurata il 22 aprile alla presenza dei regnanti Umberto I e Margherita di Savoia, con la tela “Uva e il nido” del 1895. L’esposizione ha un notevole successo con circa 224.000 visitatori e l’opera di Giulio è acquistata da un collezionista austriaco. Ora si trova a Trento presso un collezionista privato.

I quadri di grappoli d’uva, molto apprezzati commercialmente in quel periodo storico dagli amanti dell’arte, sono dipinti con grande maestria e naturalezza da Giulio Prati e possono essere considerati una sua autentica specialità: in particolare l’uva esposta a Venezia è di una semplicità unica in cui traspare un’approfondita delicatezza nella rappresentazione del multicolore aspetto dell’uva che emerge dal contrasto con la qualità della materia dello sfondo suggestivo e sfumato.

Sempre di questo periodo sono altre tele come “Il giorno dei premi”, “Alla cerca” e ritratti dei quali citiamo “Il bambino” che allora fu acquistato dal Commissario distrettuale Postinger come descrive Francesco Ambrosi nel 1894 nel libro “Scrittori e artisti del Trentino”.

Negli anni tra il 1894 e il 1896 si costruisce la ferrovia della Valsugana e nel 1895 Giulio a trentacinque anni conosce a Caldonazzo Maria Conci, sua futura moglie, figlia dell’ing. Egidio Conci che trasferitosi con la famiglia a Caldonazzo sta dirigendo i lavori del settimo lotto della ferrovia della Valsugana.

Alla fine del 1895 emigra in Brasile insieme con il nipote Romualdo, a raggiungere i fratelli emigrati Leone, Probo Stefano, Anacleto e Michelangelo, anche perché in Sud America c’erano molte possibilità lavorative per gli artisti, trascorrendo tre mesi nella città di Uruguaiana presso il fratello Michelangelo dove dipinge numerosi ritratti tra cui, su commissione del teatro di questa città, il “Ritratto del gran musicista brasiliano Carlos Gomez”.

Poco dopo si trasferisce in Argentina a Buenos Aires aprendo uno studio a Calle Florida dove da lezioni di pittura e di composizione.

Durante la sua permanenza in Argentina partecipa all’Esposizione Internazionale della Colmena Artistica a Buenos Aires nel 1897, conseguendo un premio al merito e nel 1898 vincendo il primo premio con “Dittico d’uva”. Lo stesso anno manda un’altra tela “Dittico d’uva” all’Esposizione di Torino (sezione italiani all’estero).

Nel 1898 ritorna a Caldonazzo per sposarsi il 23 aprile con Maria Antonietta Conci di Trento, studentessa di medicina che lascia gli studi per seguire il marito. Dal 24 giugno al 4 luglio del 1898 durante le feste vigiliane espone a Trento alla mostra d’Arte Antica e Moderna, organizzata presso la palestra dell’Unione ginnastica, le seguenti opere “Tiziano che insegna colore a Irene di Spilimbergo”, “Il vangatore”, “Il giorno dei premi”, “Due dipinti di uva” pregevoli per la bontà del colore come scrive il prof. Vittorio Zippel nella sua recensione della mostra pubblicata in “Tridentum”. Alla mostra furono esposte anche opere di Giulio Segantini, Bartolomeo Bezzi, Eugenio Prati, Alcide Campestrini,863-1940

Basilio Armani e la baronessa Maria Pia Buffa e il musicista Raffaello Lazzari allievi di Eugenio Prati.

Ritorna nel 1899 con la moglie in Argentina a Belgrano (dal 1909 si chiama Gody Cruz), città distante dieci chilometri da Mendoza e mille da Buones Aires, come professore particolare di pittura di don Domingo Tomba (1861-1943), fratello di Antonio, re del vino e possidente di una grande azienda vitivinicola di Godoy Cruz ora di proprietà di Luis Colombo.

Mendoza e Belgrano si trovano ai piedi dell’Aconcagua (6959 m.), la montagna più alta delle Ande e d’America, ed è famosa per i suoi vigneti, per i suoi vini e per le sue cantine “bodegas”. Antonio Tomba, nato nel 1849 in Italia a Recoaro-Valdagno in provincia di Vicenza, combatte nel 1866 con Giuseppe Garibaldi nella campagna per la liberazione del Trentino, partecipando alla battaglia di Bezzecca del 21 luglio 1866 e il 25 ottobre 1867 partecipa alla battaglia di Monterotondo per la liberazione di Roma. Nel 1879 arriva in Argentina senza soldi e dopo aver fatto il panettiere, il pizzicagnolo, il fabbricante di mattonelle, l’operaio ferroviere e il vivandiere comincia ad acquisire terreni a basso costo ed apre a Belgrano nel 1884 uno stabilimento vitivinicolo contando sull’aiuto dei fratelli venuti successivamente dall’Italia e in particolare con Domingo costituisce una società che diede lavoro a centinaia di immigranti italiani.

I vigneti si moltiplicano e l’azienda si estende per chilometri nella zona d’intersezione tra i paesi di San Martin e Rivadaia fino a Belgrano (Godoy Cruz).

Antonio Tomba muore nel 1899 a cinquant’anni durante un viaggio in Italia e Domingo continua nell’opera del fratello aumentando le capacità dell’azienda acquisendo altri terreni in località El Sauce. L’attuale squadra di calcio della città che gioca nella massima divisione porta ancora il nome di Antonio Tomba.

Giulio Prati e la moglie alloggiano in una fattoria all’interno della tenuta dei Tomba e in questo periodo dipinge numerosi ritratti su commissione “Due ritratti di Antonio Tomba” del 1899, nature morte, “Uve”, “Lepre argentina”, vari paesaggi della pianura di Mendoza con la catena delle Ande come le tre “Estansie” conservate presso la famiglia e un dipinto dal titolo “Addolorata” per la tomba di Antonio Tomba, esposto inizialmente nella chiesa di Belgrano.

La tela è così descritta dal giornale “Gioconda” di Bueonos Aires del 1900 “un mare cinereo di nubi ondeggia in basso con attorcigliamenti spasmodici e a significare il dolore; e naufrago, perduto quasi nel mezzo si delinea il piccolo globo della terra; che rannicchiato sotto i piedi della Vergine, innalza lei al cielo, giglio di propiziatoria rassegnazione”.

Nel 1903 a 43 anni ritorna in Trentino a Caldonazzo con la moglie ed i tre figli nati in Argentina Giulia, Mario e Jolanda.

Giulio Prati è un pittore classico dell’uva, della frutta e in genere di tutte le nature morte, “ma nella natura morta non è facile uguagliarlo, difficile vincerlo; la fama è assodata tra componenti, le famose Uve di Zeusi che ingannarono gli uccelli la cedono a quelle del Prati, che ingannarono anche gli uomini, posto che gli uomini siano più accorti degli uccelli” come descrive l’Alto Adige del 1900.

Nel 1903 all’Hotel di Caldonazzo è organizzata una mostra degli artisti Prati: Eugenio, Giulio, Romualdo e dei giovinetti Edmondo ed Eriberto. Giulio espone “Rose”, “Mattino” e “Tramonto”, mentre i lavori esposti sono dovuti in gran parte ad Eugenio Prati “Bacio fatale”, “Dolce peso”, “In su la sera”, “Rosa dell’amore”, “Amor mio”, “Primi fiori a Venezia”, “Piccola vivandiera”, “Uva”, “Ritratti” e “Divino amore”. Romualdo, pur non essendo presente, espone due opere “Rose” e “Ritratto a carbone” e i quattordicenni Edmondo e Eriberto alcuni squisiti bozzetti di creta.

Stretto dalle condizioni economiche della famiglia e su pressione delle sorelle Luigia e Isabella, s’impegna nella conduzione economica del molino di famiglia che trasforma da artigianale ad industriale, finanziandolo personalmente con il denaro guadagnato in Sud America e con la quota dell’amico e mecenate argentino Domingo Tomba. Decidono che la proprietà venga intestata a Domingo Tomba, solo per ottenere le agevolazioni fiscali previste per chi fosse straniero e solo verso gli anni trenta il figlio Mario riacquista la quota del Tomba.

Edmondo Prati descrive il molino in una lettera inviata da Montevideo al cugino Carlo nel 1969, anno precedente la sua morte: “Il nonno Meneghin (Domenico Prati) lo aveva costruito con criterio moderno di quel tempo; aveva al piano terreno il mulino completo con tutti i suoi accessori, ed al primo piano, tre grandi stanze, con finestre alte e larghe, con i loro scuretti, un tinello ampio, una piccola sala di entrata e una vasta cucina con fornasella a legna, grande e comoda, con forno grande e buono, e un complemento di mattoni per mettere sotto la legna, un secchiaio e due grandi crassidei di rame stagnati ecc. ecc.”.

Ai primi di marzo del 1907, vede morire, il caro fratello Eugenio che, incurante del freddo, all’età di sessantacinque anni passa ancora le sue giornate a dipingere all’aperto per cogliere le sfumature cromatiche dei paesaggi trentini, si ammala gravemente di polmonite e l’8 marzo si spegne al molino lasciando incompiuta l’opera intitolata “La seconda madre” che avrebbe dovuto esporre alla mostra internazionale di Monaco di Baviera.

Giulio sporadicamente dipinge e torna ad esporre solamente nel 1910 al Salon degli artisti di Parigi con l’opera “Dittico d’uva” su sollecitazione del nipote Romualdo che viveva in quella città e che espone “Dolce far niente”.

Il 10 febbraio 1912 all’Hotel di Caldonazzo viene organizzato un gran ballo riservato solo ai soci e ai famigliari aderenti alla Lega Nazionale di Caldonazzo con lo scopo di raccogliere denaro per i soldati italiani combattenti per la conquista della Libia.

Nel gran salone viene esposto un dipinto di Giulio Prati, donato dall’artista alla Lega nazionale di Trento, che illustra l’eroismo dei soldati italiani in Libia.

La sezione della Lega di Caldonazzo viene fondata nel 1903 e rimane attiva fino al luglio 1914, anno della sua soppressione in cui contava 130 sostenitori, e vide tra i suoi iscritti oltre a Giulio molti componenti della famiglia Prati: i fratelli Eugenio, Anacleto, Benedetto e Michelangelo, il violinista e medico dott. Vittorio Prati, il cugino presidente della Lega di Caldonazzo ed ex sindaco Giuseppe Prati, classe 1851, con la moglie Angela Perini e le due figlie Pia (segretaria della lega e ritratta in un dipinto ad olio nel 1906 da Eugenio Prati) e Bianca, internate poi con il padre e la madre a Katzenau, il cugino ex sindaco Gustavo Prati che inaugura la stazione della ferrovia di Caldonazzo nell’aprile del 1896, Elia Prati, classe 1828, ex garibaldino con le due figlie Cesira ed Adina anch’esse internate a Katzenau, Clementino, Camillo, Giulio, Angelina e Annita.

Benedetto Prati, fratello di Giulio, dirige l’orchestrina della Lega che molto spesso partecipa alle serate organizzate per beneficenza come quella del 1908 all’Hotel di Caldonazzo a beneficio delle vittime del terremoto di Messina, dove si tiene anche un applaudito concerto del violinista Vittorio Prati.

Di Elia Prati detto “Stefenòl”, di cui si conserva un disegno a matita del 1862 disegnato da Eugenio Prati durante il banchetto di nozze dello zio Gioacchino Garbari con Placida Gasperi, si racconta che non uscisse mai di casa senza il suo cappello da garibaldino, il che era motivo di scandalo tra gli asburgici del paese. Si narra inoltre che assieme al cugino ex sindaco per molti anni di Caldonazzo Gioacchino Garbari, classe 1828, fratello della madre di Giulio, si fosse fatto crescere la barba alla Vittorio Emanuele II e nonostante fosse stato obbligato dagli austoungarici a tagliarla, noncurante del divieto ricevuto ben presto se la fosse fatta ricrescere.

Con lo scoppio della guerra con l’Italia Giulio deve essere rinchiuso nel campo di concentramento di Katzenau come internato politico assieme ai cugini Giuseppe e Angelina, alle nipoti Pia e Bianca, alle pronipoti Cesira ed Adina e alla cugina Maria Floriani Prati di Borgo con la figlia Ida perché irredentisti e politicamente pericolosi. Gli viene risparmiato come riconoscimento per il fatto che nell’inverno del 1914 durante un’abbondante nevicata al tramonto salva per solidarietà umana la vita di un finanziere austriaco che sta morendo per assideramento sul lato sud dei Ronchi, sopra il molino a Caldonazzo mentre stava scendendo dai Campregheri lungo una mulattiera. E’ costretto comunque al controllo della polizia che avviene ogni giorno da parte della gendarmeria austriaca dal 1914 fino alla fine della guerra.

Il 2 giugno 1915 Giulio riceve l’ordine perentorio di abbandonare entro tre giorni la casa-molino e di trasferirsi con tutta la famiglia compreso le sorelle Luigia e Isabella in Moravia a Slusovice, seguendo le sorti di molti abitanti della Valsugana. Dopo aver portato via tutto dal molino e sistemato in casa della parente Lucia Prati Agostini, lo vede distruggere dagli austro-ungarici con una carica di esplosivo, in quanto nelle immediate vicinanze passava la seconda linea di difesa.

Viene fatta saltare in aria sul monte Rive anche la “Torre di Sicconi” dei signori di Caldonazzo e di Telvana di Borgo, fatta costruire nel 1201 dai fratelli Alberto e Geremia di Castelnuovo, di cui Eugenio Prati ci ha lasciato un disegno del 1905 e la Villa Stella del pittore Oddone Tomasi.

Partono tutti il 5 giugno alle sei di mattina su un treno per il bestiame, con poche cose, per un viaggio della disperazione di quasi mille chilometri, durato tre giorni.

Nello stesso anno a gennaio, il nipote e pittore Romualdo Prati (1874-1930) figlio del fratello Probo, per non essere arruolato fugge in Italia a Venezia e a Firenze e viene considerato disertore; il fratello Benedetto raggiunge la cugina Raffaella a Villa Agnedo e poi Milano per non essere internato a Katzenau; il nipote Guido figlio di Eugenio si arruola volontario come tenente nell’esercito italiano e il fratello Michelangelo (1865-1913), padre dello scultore Edmondo e del pittore Eriberto, datosi alla macchia nel giugno del 1915 come partigiano filo italiano insieme ad Emanuele Curzel per non essere internato a Katzenau, è ucciso il 13 dicembre, dopo sette mesi di latitanza. Durante lo scontro a fuoco con una compagnia di Landschützen al maso Brocher di Marter in località “Brustoladi” in cui perde la vita Michelangelo, il Curzel riesce invece a salvarsi.

La loro azione di guerriglia e di sabotaggio è abilmente descritta da Mario Garavelli nel giornale “Il Brennero” del 18 luglio 1934: “ha inizio una loro spietata guerriglia condotta con accanimento contro le opere militari austriache, guerriglia sorda ed ostinata, forse l’unica nel suo genere, sul fronte trentino.

Cavi telefonici e telegrafici tagliati, centraline di accumulatori distrutte, segnavia sviati, segnali capovolti, opere di rinforzo stradali crollate. Una volta spintisi fino alla fucine di Val Grande si munirono di seghe del ferro e poco dopo iniziarono il taglio dei cavi della teleferica di Monte Rovere, importante organismo per i servizi logistici dell’Altopiano.

Un infernale frastuono rimbombante nella vallata scosse gli abitanti di Caldonazzo e trovò spiegazione nel fatto che i vagoncini non più trattenuti dal cavo aereo, erano piombati nel fondovalle immobilizzando la teleferica per due giorni. La lotta senza quartiere fu condotta per mesi e mesi senza che gli standschützen riuscissero a por mano sugli audaci che imperterriti continuavano le loro gesta”.

Dopo innumerevoli ricerche del figlio Edmondo la salma di Michelangelo è ritrovata ventuno anni dopo, solo nel febbraio del 1936, sotto le chiome di un gelso presso una casa di un contadino di Barco, usata durante la guerra come comando militare. Nell’aprile del 1936 viene organizzata una cerimonia di suffragio a Barco, nel luogo di ritrovamento della salma, con la presenza del figlio Edmondo e dei fratelli Isabella e Giulio e viene posto un cippo sul luogo del sacrificio come anche nel “Crozzo dell’Agola” sul monte Cimone.

La figlia di Giulio Jolanda Prati (1902-1997), raffigurata in un dipinto del cugino Romualdo Prati, ci ha lasciato un diario che racconta le tristi vicende e le disavventure della famiglia dall’esodo al ritorno in patria e cioè dal maggio 1915 al gennaio 1919, pubblicato nel 2003 nel libro “Profughi for per le Austrie ed in Italia”.

La pro nipote Bianca Prati (1892-1918), immortalata in un dipinto di Romualdo Prati nel 1913, rea di patriottiche attività, ci ha trasmesso un diario che ricorda i dolorosi e travagliati anni della sua segregazione assieme alla famiglia nel Lager di Katzenau dal 1916 al 1917, dove muore la madre Angela Perini il 24 settembre 1916. Bianca all’età di ventisei anni muore per l’influenza “spagnola” a Kematen in Austria il primo novembre 1918, proprio tre giorni prima della fine della guerra quando già vede avvicinarsi il sospirato giorno del ritorno a Caldonazzo.

Ci sembra significativo riportare una frase del suo diario che evidenzia quanta fame abbiano patito i 1734 internati politici trentini rinchiusi a Katzenau “Se tu avessi visto quanti poveri chiedevano da mangiare, facevapietà ildover vedere il più delle volte ricevere un rifiuto, più volte ho veduto levare la pelle delle patate dalle cassette delle immondizie oppure rosicchiare delle ossa”.

Nonostante le condizioni di profugo Giulio continua a dipingere. Ritrae nature morte, paesaggi e ritratti che gli permettono di alleviare gli stenti della famiglia vendendoli a gente del luogo. Sono di questo periodo alcune opere come “Lepre morava” (1917), “Ritratto della signora Dupralova”, “Scorcio della casa di profugo a Slusovice”, “Paesaggio moravo sul fiume”. In Moravia, in una casa presa in affitto nasce il 9 settembre 1917 Carlo, l’ultimo dei suoi sette figli.

Conclusa la guerra, nel gennaio del 1919 nel freddo di un gelido inverno a quasi sessant’anni ritorna a Caldonazzo viaggiando su una tradotta di carri merci e portando a casa tutta la famiglia disgraziatamente colpita dalla tremenda influenza detta “spagnola” che tante vittime ha mietuto.

E’ ancora oggi gelosamente conservata dal figlio Carlo la stufetta a legna che è servita a scaldare la famiglia durante il viaggio in treno. Arrivati a Trento la moglie e l’ultimo figlio Carlo vengono ricoverati in ospedale perché gravi. Giunto a Caldonazzo con grande difficoltà e con l’aiuto del cognato ing. Umberto Conci inizia la ricostruzione della casa-molino che però non viene completata dai macchinari.

La casa è inaugurata il 23 aprile 1923, anniversario delle nozze d’argento di Giulio e di Maria. Si dedica principalmente all’agricoltura pur non tralasciando di dedicarsi all’attività artistica, che lo vede impegnato soprattutto nella pittura di nature morte e di paesaggi.

Nel maggio del 1920 muore la figlia di dodici anni Aurora (1908-1920) che lascia un profondo dolore in famiglia. Nel 1924 dipinge “Paesaggio invernale a Caldonazzo”, splendido quadro raffigurante la piana di Caldonazzo, imbiancata di neve con le rosee montagne del Pizzo e di Cima dodici al tramonto. Sono di questo periodo opere come: “Bosco di betulle, “Nevicata”, “Fiori di pesco”.

Il nipote e scultore Edmondo Prati (1889-1970) lo descrive “di fisico imponente, intelligente, dotato di fantasia e di eloquenza si accattivava rapidamente la simpatia delle persone; talvolta nel dibattere una questione, sosteneva con impeto la propria tesi. Nato e cresciuto sotto l’impero austriaco, pur essendo da questo favorito con una borsa di studio, fu sempre di sentimenti italiani, come lo fu per tradizione tutta la famiglia”.

Nel 1926 muore la moglie Maria Antonietta Conci, causando un grande sconforto e un vuoto incolmabile. Da allora vive solo al molino nella sua grande casa, aiutato nelle faccende domestiche da una donna di servizio, si dedica all’allevamento di uno stuolo di animali da cortile come oche, tacchini, anitre, galline e le api, passione di famiglia, tanto che il fratello Eugenio Prati nel 1903 vince una medaglia di bronzo all’Esposizione del settore di Vienna con un’arnia innovativa.

Lo scrittore e poeta Raffaello Prati (1896-1980) così descrive i rapporti di Giulio con il pronipote pittore Tullio Garbari (1892-1931) intorno agli anni venti: “In omaggio al rispetto per i non più giovani, il Garbari amava recarsi in mezzo ai suoi meli, alle viti e alle sue api dal cugino pittore Giulio Prati. Per il suo aspetto amava chiamarlo lo zio Prete. In quegli anni Giulio non era più attivo e raramente dipingeva. Però il discorso con Tullio in tema d’arte riusciva sempre spontaneo e interessante”.

Ogni tanto al molino riceve la visita dell’altro pittore caldonazzese Angelico Dallabrida (1874-1959) che è stato sin da piccolo incoraggiato a dedicarsi alla pittura, soprattutto da Eugenio Prati che lo segue in modo particolare. Molto spesso si auto invita a pranzo e in un’occasione Giulio dice ai figli “Questo è un vero pittore!”.

A Caldonazzo alle Rive Giulio durante l’estate dal 1922 fino al 1928 frequenta la Villa Stella del pittore Oddone Tomasi, progettata proprio dall’amico architetto Wenter Marini, la casa tanto amata per la quale Tomasi aveva disegnato gli splendidi graffiti. In questa villa molto spesso si tengono le riunioni del Circolo artisti Trentini ed è qui che incontra Giorgio Wenter Marini, Oddone Tomasi, Luigi Bonazza, Luigi Ratini, Stefano Zuech e Arthur Fasal.

A settembre del 1928 in compagnia del nipote Romualdo, espone a Trento alla prima Mostra d’Arte Trentina con “Uva”. Nel 1930, assieme al nipote scultore Edmondo, partecipa sempre a Trento alla seconda Mostra d’Arte trentina organizzata dal Sindacato Regionale di Belle Arti con quattro opere: “Studio di testa”, “Controluce nel Bosco” del 1929, “Tralcio d’uva” del 1930 e “Cotorno”.

“Giulio Prati espone uno studio di testa così luminoso e vivo e d’un colore così vibrante, da ricordare un poco l’espressività, se non le stravaganze cromatiche di certi ritratti giovanili del Mancini” riporta il critico d’arte Manlio Belzoni nella sua recensione alla mostra nel “Trentino” di quell’anno.

Nel 1933 prende parte alla terza Mostra d’Arte Trentina del Sindacato regionale Belle Arti del Trentino con “Uva”, nel 1936 alla sesta Esposizione sindacale di Bolzano con “Ritratto del musicista Carlo Gomez”, mentre nel 1938 a Bolzano alla settima Esposizione regionale di Belle Arti con “Uva” e “Cascatella”.

Muore nel paese natale all’età di 80 anni, assistito dai figli il 25 novembre 1940.

ugenio Prati (1842-1907) fra Scapigliatura e Simbolismo” propone un profilo completo di questo pittore, nato nel 1842 a Caldonazzo in Trentino, e morto nel 1907 dopo un’intensa carriera artistica che lo aveva portato ad esporre nelle più importanti rassegne artistiche europee, da Parigi, a Berlino, a Monaco di Baviera, a Venezia.
La mostra ruota attorno al rapporto fra la produzione pittorica di Eugenio Prati e l’arte verista di fine Ottocento, proprio in quella fase di transizione verso il simbolismo, che l’artista avvicinò grazie ad una serie di relazioni internazionali.

Si parte quindi dai dipinti veristi di Prati, sia quelli del suo periodo veneziano come quelli più legati ai temi della quotidianità contadina della terra trentina, per arrivare alla sua stagione simbolista influenzata dalla cultura letteraria e musicale di fine secolo. Prati ha inseguito un‘idea di pittura molto vicina alla lezione di Giovanni Segantini, privilegiando soggetti legati alla semplicità del quotidiano e della vita rurale, interpretati in chiave lirica e spirituale.

Trento, 28 dicembre 2003

Leonardo Bazzaro

2021-03-09T03:01:00.015-08:00

Leonardo Bazzaro (Milano, 13 dicembre 1853 – Milano, 2 novembre 1937) è stato un pittore italiano.

Nato a Milano da due commercianti di stoffe in Varese^[1]^[2], Ambrogio Bazzaro e Anna Boschetti, sin da piccolo dimostra una spiccata passione e propensione per il disegno e le arti figurative^[3]. I suoi genitori, anch'essi appassionati d'arte, assecondano questa sua naturale inclinazione e decidono di affidarlo agli insegnamenti privati di pittura di un loro cliente: il pittore Gaetano Fasanotti, titolare della prestigiosa cattedra di paesaggio all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano^[1]^[2]^[3]^[4].

In seguito, i genitori si dimostrano ancora comprensivi quando - nonostante la loro volontà di avviare loro figlio nel ramo del commercio - permettono al Bazzaro di entrare all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano^[1]^[3]. Diventato allievo di Giuseppe Bertini, prende come modelli di riferimento Giuseppe Bisi e Giovanni Migliara e si specializza nella pittura di interni e palazzi del '700^[4]^[5], mostrando originalità nella ricerca di luce, di colore e nelle vedute prospettiche^[1]^[3]. "Il piccolo Velazquez", così verrà soprannominato dai colleghi, aveva una pennellata veloce, irrequieta ma, allo stesso tempo, dotata di particolare perizia^[1]^[4].

Nel 1873 avviene il debutto in pubblico partecipando alla mostra annuale di belle arti dell'Accademia di Brera. L'anno successivo, presso la Promotrice di Genova il suo quadro "Interno della chiesa di San Vittore di Varese" viene acquistato dalla civica Galleria d'Arte di Modena^[3].

Con il dipinto "Dopo il duello", nel 1875 ottiene il "Premio Fumagalli" e l'interesse del mercante d'arte francese Goupil & Cie che gli commissiona parecchie opere^[1].

Di lì a poco, però, la passione per le montagne e la riviera di Chioggia,

cm 30x40

olio su tavola Ghioggia

lo porta a rompere il legame con Goupil & Cie^[1]. Nel 1878 la svolta che gli permetterà di entrare a pieno titolo nel novero dei più importanti rappresentanti della "scuola naturalistica" lombarda^[4]^[5]: in un viaggio nella laguna veneziana inizia a dipingere all'aria aperta, abbandonando le riproduzioni di interni^[2]^[5]. Ben presto il successo di pubblico e critica, ottenuto nelle principali manifestazioni nazionali e internazionali, porterà il suo nome a fianco a quello di Filippo Carcano, Uberto Dell'Orto ed Eugenio Gignous^[3]^[4].

Nella produzione degli anni Ottanta e Novanta non mancano i paesaggi della Valsassina, della Valle d’Aosta e, soprattutto, del Verbano, di cui raffigura, in toni sempre più intimisti, la vita popolare^[2]^[5]. Proprio in quegli anni, infatti, Bazzaro fa costruire nel 1894 una villa presso la località Alpino, nel Verbano, sulle pendici del Mottarone; dove vi soggiornerà per oltre quarant'anni insieme a sua moglie Corona Douglas Scotti^[3].

Nel corso degli anni, Bazzaro continua a partecipare a numerose rassegne lombarde, alle Biennali veneziane e alle Quadriennali romane riscuotendo sempre molto successo presso i collezionisti che gli richiedono repliche dei soggetti più fortunati^[2].

Nel 1899 partecipò alla III Esposizione internazionale d'arte di Venezia.

Il dolore per la perdita di sua moglie Corona Douglas Scotti e del suo fratello sculture Ernesto Bazzaro, scomparsi entrambi agli inizi del 1937, porterà il Bazzaro ad abbandonare la pittura e la sua villa presso la località Alpino^[3]. La struggente nostalgia per l'amata consorte lo portò a morire nello stesso anno il 2 novembre 1937, all'età di 84 anni, nella casa del nipote situata in piazza Virgilio 3 a Milano^[1]^[3].

Per suo volere, viene sepolto accanto alla tomba di sua moglie presso il cimitero di Gignese, ornata dalla scultura "Esaurimento" del fratello Ernesto Bazzaro

Leonardo Bazzaro nacque il 13 dicembre 1853 a Milano, da Ambrogio, commesso in un negozio di stoffe, che poi rilevò e gestì in proprio, consentendo in tal modo ai figli Leonardo ed Ernesto di dedicarsi all'arte.

Il Bazzaro ebbe i primi rudimenti d'arte dal pittore G. Fasanotti; poi all'Accademia seguì un regolare corso di studi alla scuola di G. Bertini, che i giovani preferivano a quella dello Hayez; e come gran parte dei suoi condiscepoli, iniziò la sua attività con una serie di quadri di interni, lodati dal maestro e apprezzati sul mercato artistico. Qualche suo studio di figura potentemente colorito e chiaroscurato, e particolarmente l'Autoritratto giovanile esistente nella raccolta Gussoni (Milano), sta a palesare le sue attitudini singolari in un campo da lui meno coltivato.

Di quel periodo si ricordano gli interni milanesi: Coro della chiesa di S. Vittore (1871); Il duello (1878, premio Fumagalli, già racc. Mascioni); il Salone di palazzo Verri; La vestizione della monaca (1888, Milano, Galleria d'Arte Moderna); la Cappella della chiesa del Carmine (ibid.); Interno della cappella di S. Maria delle Grazie (ibid.); Il pulpito di S. Ambrogio; Il saccheggio (Milano, Museo Poldi Pezzoli). Con la Sala del Consiglio nel castello d'Issogne vinse nel 1887 il premio "Principe Umberto".

Presto fu attirato dalla pittura all'aria aperta, e in particolare dal colore della laguna veneta: soggiornò quindi a Chioggia e finì per stabilirsi a Gignese (Novara) per la maggior parte dell'anno. Si spense a Milano il 2 novembre 1937.

È considerato un vivace esponente dell'impressionismo lombardo, dedito a ricerche cromatiche e luministiche, ma sfuggito alle lusinghe del divisionismo; i volumi, nella prima maniera del Bazzaro solidamente costruiti, si scompongono poi in uno sfarfallare di rapide pennellate improntate di vivace coloritura.

Operoso fino ad età avanzata, il Bazzaro fu fecondissimo di opere: talvolta parve che il loro numero non fosse a vantaggio della qualità; in realtà egli conservò non solo negli originali, ma anche nelle numerose repliche delle sue tele più fortunate, le sue qualità di colorista, sicché meritò di essere degnamente rappresentato nelle maggiori gallerie italiane e internazionali.

Della sua miglior maniera si ricordano: Ponte di Chioggia, premiato a Parigi nel 1889; Pace di naufraghi, medaglia d'oro alla Triennale di Milano del 1897 e poi acquistato dal re; Dopo il naufragio, premio "Principe Umberto" nel 1906, acquistato poi a Monaco di Baviera dal ministro Andrassy.

Espose tra l'altro dal 1897 in poi alla Biennale di Venezia, e nel 1923 a Milano alla Gall. Pesaro; ricordiamo tra le opere degli ultimi anni: nel 1930 Alba del venerdì Santo e Piazzetta del Melezet a Bardonecchia; nel 1932 Rattoppi alle reti e Ultima neve sul Mottarone.

Nel 1939, in una mostra individuale postuma, si raccoglieva a Milano nelle sale della Permanente la parte più significativa della sua produzione.

EONARDO BAZZARO (1853/1937) “Figlia dell’Alpe” Dipinto ad olio su tela in cornice in legno dorato. Sul retro reca il timbro della Galleria San Giorgio di Genova. Cm 60x90.

Jacob de Heusch

2021-03-08T06:05:00.017-08:00

Jacob de Heusch

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Veduta del Foro Romano (1694)

Jacob de Heusch (Utrecht, 1657 – Amsterdam, 1701) è stato un pittore e incisore olandese, del secolo d'oro olandese.

Veduta di Roma e il Ponte Rotto (1696)

Nipote di Willem de Heusch, fu da questi istruito nell'arte della pittura paesaggistica^[1]^[2]. Nel gennaio 1675 è citato per la prima volta come affiliato alla Schildersbent^[2] con lo pseudonimo di Affdruck (copista) per il suo stile così simile a quello dello zio Willem^[3]. Non è noto quanto tempo fosse rimasto a Roma, ma sicuramente non poco, dato che nel 1696 lavorava a Venezia per il segretario Lucatelli e nelle sue opere compaiono motivi paesaggistici presi da Roma e dai suoi dintorni^[2].

Nel 1699, l'artista ritornò ad Utrecht dove morì due anni più tardi^[2].

Jacob de Heusch appartiene alla generazione di olandesi che visitarono Roma, per periodi di tempo variabili, nell'ultimo quarto del secolo XVII. Diversamente dai Bamboccianti della precedente generazione, come Johannes Lingelbach, che erano interessati alla vita del popolo nella vecchia città, questi artisti invece erano attratti dal paesaggio romano e della sua campagna, come immortalati da Claude Lorrain e Gaspard Dughet^[2]. Eseguivano schizzi delle vedute e degli edifici più interessanti visti durante le loro passeggiate. La maggior parte di questi artisti, come pure Jacob de Heusch, utilizzavano poi questi schizzi per realizzare dipinti di paesaggi ideali, sullo stile dei maestri sopra citati^[2].

La maggior parte delle opere di de Heusch sono paesaggi concepiti liberamente, contenenti motivi topografici in uno stile che ricorda Gaspard Dughet e i paesaggi barocchi di Salvator Rosa^[1]^[2], con gruppi di figure in primo piano ed efficaci effetti architettonici che probabilmente influenzarono le opere del giovane Luca Carlevarijs^[2].

Ci sono giunte alcune sue incisioni di paesaggi di sua composizione^[1].

Scuola di Rivara

2021-03-04T05:46:00.005-08:00

La cosiddetta scuola di Rivara fu un gruppo di pittori paesaggistici di varia formazione che dal 1860, per circa venti anni, si ritrovarono a soggiornare e dipingere nella cittadina piemontese di Rivara, nel cuore del Canavese.

La scuola, o meglio il cenacolo, visto l'assenza di intenti programmatici e risultati omogenei, si proponeva di ispirarsi al vero naturale, in un atteggiamento anti-accademico di rottura con il paesismo di matrice romantica.

I pittori, raccolti intorno a Carlo Pittara, fondatore e animatore del gruppo, si trovavano ogni estate, nella località del Canavese, a dipingere insieme en plein air.

Vi convennero i piemontesi Ernesto Bertea, Vittorio Avondo, Federico Pastoris di Casalrosso e i rappresentanti della cosiddetta Scuola grigia ligure: cioè Ernesto Rayper, Alberto Issel, lo spagnolo Serafino De Avendaño e il portoghese Alfredo d'Andrade.

I ribelli di Ca' Pesaro

2021-03-04T02:36:00.007-08:00

Ribelli di Ca' Pesaro

Nei primi due decenni del 1900 in Italia fiorirono numerose esperienze rivoluzionarie e antiaccademiche. In polemica contro i maestri della Biennale, Ca' Pesaro tra il 1908 e il 1920 rappresentò una "palestra intellettuale", un trampolino di lancio per giovani artisti italiani: qui artisti diversi gli uni dagli altri per stile e poetica ebbero la possibilità di esporre le proprie opere. Uniti solo dall'impegno di rinnovare il linguaggio artistico italiano, guidati dal critico Nino Barbanti

i protagonisti di Ca' Pesaro proposero linguaggi assai differenti: Arturo Martini si ispirava a modelli arcaici, Felice Casorati era influenzato dallo Jugendstil, Guido Marussig dal simbolismo, Gino Rossi da Paul Gauguin, Tullio Garbari dipingeva una mitica primitiva Valsugana, Pio Semeghini dipingeva una poetica Burano memore dell'esperienza post-impressionista fatta a Parigi, Umberto Moggioli che ospitava nella sua casa di Burano il gruppo dei "ribelli". Espongono a Ca' Pesaro anche Umberto Moggioli,allievo di Guglielmo Ciardi, e Ugo Valeri, noto grafico, illustratore delle riviste più in voga dell'epoca, oltre che raffinato pittore, interprete della società italiana del tempo e ancora Adolfo Callegari, Felice Castegnaro, Mario Disertori, Enrico Fonda, Ercole Sibellato, Guido Trentini, Oscar Sogaro, Antonio Nardi (pittore), Pieretto Bianco, Lulo de Blaas, Gabriella Oreffice, Oreste Licudis, Napoleone Martinuzzi, Eugenio Bonivento, Luigi De Giudici ed Emilio Notte.

Accanto a questi nomi vanno ricordati una serie di artisti che si mossero nell'éntourage di Ca' Pesaro, pur non riuscendo ad esporre insieme agli altri per ragioni diverse: la giovanissima età, la guerra, i trasferimenti da Venezia. Tra questi va citato il giovanissimo Bruno Sacchiero, allievo prediletto di Guglielmo Ciardi, morto a soli 24 anni, e alcuni grafici secessionisti quali, Fabio Mauroner, Guido Maria Balsamo Stella e Benvenuto Disertori.

Il gruppo rimase sempre eterogeneo: non vi fu mai un manifesto, né il tentativo di mettere a punto un programma. Furono spesso in mostra opere di Boccioni e, allo stesso tempo, oggettistica di qualità (vetri soffiati di Murano, piastrelle in maiolica, ceramiche in stile liberty, poltrone, mobili), importata o eseguita da alcuni dei più proficui membri del gruppo capesariano, come Vittorio Zecchin e Teodoro Wolf Ferrari, secondo un gusto per il decorativo caro nelle arti applicate e caratteristico dell'epoca.

Naturalismo Toscano

2021-03-04T02:03:00.001-08:00

Dopo la Macchia”: il trionfo del naturalismo in Toscana

Una mostra a Montecatini segue l’evoluzione della pittura nella regione dopo la lezione dei macchiaioli evidenziando la ripresa dei temi naturalistici

Cento opere per testimoniare una rivoluzione creativa che segnò, alla fine dell’Ottocento, l’ affermarsi del Naturalismo toscano. Dipinti di artisti noti, tra i quali Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Cristiano Banti, sono ospitati a Montecatini (provincia di Pistoia) nelle sale del Polo Espositivo ex Terme Tamerici, all’interno della mostra “Il nuovo dopo la Macchia. Origini e affermazione del Naturalismo toscano”.

A partire dalla metà degli anni Cinquanta fino all’ultimo decennio del secolo XIX, un gruppo di artisti toscani prese parte al processo di riforma intellettuale e artistica dell’epoca, dando luogo a una vera rivoluzione estetica. La mostra intende rappresentare quanto avvenne in ambito artistico in Toscana, dopo la “Macchia”, il movimento dei macchiaioli che ruppe gli schemi compositivi su cui si fondava l’Accademia, procedendo a una sistematica rigenerazione nel modo di fare e di intendere l’arte, portando un contributo stilistico e filosofico attraverso il quale l’artista assumeva coscienza del suo ruolo nella società. Si intende in questo modo far luce sulla pittura toscana della fine dell’Ottocento, ancora non del tutto conosciuta.

La fase del “naturalismo” è caratterizzata da una maggiore attenzione alle opere del passato e al progressivo degradare dell’espressività e, soprattutto, sulla scorta dello studio dei maestri, da un ritorno alla rappresentazione del paesaggio con un procedimento didattico assolutamente innovativo. I giovani artisti si dedicavano, infatti, all’analisi del repertorio naturalistico, della luce solare e dell’ambiente circostante.

«Sviluppando una ricerca estetico-artistica – si legge nelle note di presentazione alla mostra – che, sorta nel solco delle prime sperimentazioni macchiaiole, fu destinata a acquisire una propria peculiare autonomia, sul finire degli anni Sessanta del XIX secolo, questi stessi artisti intrapresero strade diverse ma fra loro consapevolmente unite da un comune denominatore: la ripresa diretta dei temi naturalistici».

Una nuova stagione creativa viene così inaugurata e i maestri che avevano iniziato a dipingere facendo tesoro dei principi della “Macchia”, si resero conto ben presto che avevano essi stessi modificato i principi e i riferimenti culturali che erano alla base della riforma dei macchiaioli. Non più violenti contrasti luminosi e ricerca della macchia tonale: ora i pittori toscani sono sensibili alle influenze del Realismo europeo e del contemporaneo Impressionismo. Ben presto formeranno una vera e propria scuola di pensiero improntata sulla tenuta dell’impianto disegnativo e sulla puntuale ripresa dal vero dell’impaginato luministico del soggetto, solitamente a sfondo sociale, attinente alla contemporaneità e alla vita in campagna.

Salvator Rosa

2021-02-28T02:16:00.009-08:00

Ròsa ‹-ʃa›, Salvatore. - Pittore e poeta (Napoli 1615 - Roma 1673). La sua fama è legata soprattutto alla rappresentazione di paesaggi, caratterizzati da una natura aspra e selvaggia, alle scene di battaglia, contraddistinte da una cruda espressività, e alla predilezione per le tonalità scure e i contrasti luministici. Dipinse inoltre ritratti allegorici, soggetti mitici e biblici, dove l'intento moralizzante e filosofico è accentuato dalle atmosfere cupe e misteriose, e anche quadri legati a temi magici. Fu molto attivo a Firenze e a Roma, dove fu apprezzato anche come incisore. Poeta, compose sette Satire (pubbl. postume, 1695), in cui espose i suoi orientamenti in campo artistico e filosofico.

VITA E OPERE.Studiò a Napoli con F. Fracanzano, J. de Ribera e A. Falcone, dipingendo soprattutto battaglie, paesaggi e scene di genere (Battaglia, 1637, Londra, coll. Mostyn-Owen). Nel 1635 si trasferì a Roma, protetto dal card. F. Brancacci. Qui conobbe i bamboccianti e, in partic., l'opera di P. van Laer e M. Cerquozzi, come dimostrano alcuni dipinti (Paesaggio con banditi, Knole, coll. Sackville); tuttavia si allontanò presto dal genere, che condannò poi in una delle sue satire. Agli anni 1639-40 risale un mutamento in senso classicista del suo stile, per influsso di C. Lorrain, N. Poussin e P. Testa, evidente nella concezione del paesaggio, che si concilia comunque con la sensibilità propria dell'artista per la resa degli aspetti pittoreschi della natura (Erminia e Tancredi e Marina, 1639-40, Modena, Galleria Estense). Nei quadri di figura di questo periodo la cruda espressività e la predilezione per tonalità scure e contrasti luministici rivelano la componente riberesca di R. (Incredulità di s. Tommaso, Viterbo, Museo Civico). Dal 1640 al 1649 fu a Firenze, su invito del card. Giovan Carlo de' Medici, dove fu in contatto con l'ambiente intellettuale della città; in questi anni iniziò a scrivere le Satire, in cui espose tra l'altro i suoi orientamenti, in favore di una pittura di ispirazione letteraria e filosofica. A questi anni risalgono ritratti allegorici (Lucrezia come Sibilla, Hartford, Wadsworth Atheneum), paesaggi caratterizzati da una natura aspra e selvaggia, che risentono dell'influsso di J. Callot e Filippo Napoletano (Il ponte, Marina, Paesaggio con filosofi, tutti a Firenze, Galleria Palatina), battaglie (1645, Vienna, Kunsthistorisches Museum). Di questo periodo sono inoltre i soggetti legati alla magia, caratterizzati da un colore cupo e da un'ambientazione spoglia e inquietante (Streghe e incantesimi, 1646, Londra, National Gallery). Dal 1649 tornò a Roma; si dedicò all'incisione, ed espose nelle mostre annuali al Pantheon e in S. Giovanni Decollato. Continuò a dipingere paesaggi, richiestissimi, e opere di contenuto morale e filosofico (Paesaggio con s. Giovanni Battista e Battesimo al Giordano, Glasgow, Art Gallery; Humana fragilitas, Cambridge, Fitzwilliam Museum; Pitagora e i pescatori, 1662, Berlino, Gemäldegalerie), accentuando, anche nei dipinti di destinazione chiesastica, la sua visione di una natura incombente e fantastica (S. Paolo eremita, Brera). Come poeta, la sua opera principale restano le Satire in terzine, che, pubblicate postume (le prime sei nel 1695, l'ultima nel 1876), ebbero tuttavia una certa circolazione durante la vita di R., tanto da suscitare polemiche e maldicenze. Le prime tre costituiscono una riflessione sulle arti: La musica, in cui è condannato il fasto eccessivo di cui vengono circondati cantanti e musici; La poesia, contro gli eccessi del secentismo; La pittura, in cui R. ripudiava la pittura di genere. Ad esse seguirono La guerra, in cui prendendo spunto dalla rivolta di Masaniello si criticavano il malgoverno dei principi italiani e l'ingerenza francese e spagnola, e L'invidia, nella quale R. polemizzava con i suoi detrattori. D'intonazione più pensosa sono le ultime due satire: Babilonia, sui costumi corrotti della Roma dell'epoca, e Tirreno, triste soliloquio del poeta sulla vanità della sua opera.

Paesaggio Boschivo

Proprietà Galleria elioarte

dipinto di proprietà galleria elio arte

Salvatore Rosa è stato un pittore, incisore e poeta italiano di epoca Barocca. Negli anni ’30 il pittore si trovava a Roma, dove si avvicinò alla Scuola dei Bamboccianti, formata da pittori seguaci di Pieter van Laer detto il Bamboccio, i quali concepivano il paesaggio in maniera innovativa rispetto all’accademico Barocco romano. In seguito l’artista entrò nella bottega del pittore Jusepe de Ribera, detto lo Spagnoletto, vicino al luminismo caravaggesco e creatore di una pittura drammatica e tenebrosa. L’artista prediligeva la rappresentazione del brutto, ovvero di paesaggi sconvolti con rocce informi, dirupi, rami secchi. Una volta tornato a Napoli si dedicò alla rappresentazione di avvenimenti turbolenti, anticipando lo stile romantico. Alcune sue opere sono conservate in importanti musei, come il Louvre di Parigi o Il Getty Museum di Los Angeles

Francesco Vinea

2021-02-26T08:11:00.017-08:00

le fumatrici

casa d'saste Sarno Palermo Asta Marzo 1 tornata 24 marzo lotto 55.

Dipinto ad olio su tela in cornice in legno scolpito e dorato. Datato 1893. Cm 86x65.
Oil painting on canvas in a carved and gilded wooden frame. Dated 1893. Cm 86x65.

VINEA FRANCESCO
Forlì 1845 - Firenze 1902
Trasferitosi a Firenze con la famiglia fin da bambino, frequentò dal 1859 i corsi di E. Pollastrini all'Accademia di Belle Arti di quella città, ma presto dovette lasciare la scuola per problemi economici. Si impiegò in uno studio fotografico, dedicandosi nel frattempo al lavoro di illustratore per il quale si esercitò nella copia di opere d’arte del passato. In quegli anni dipinse soggetti di ricostruzione storica, nei quali è riconoscibile il modello di P. Delaroche, ma fu anche vicino ai fermenti innovativi degli artisti del Caffè Michelangiolo. Nel 1861 esordì alla prima Esposizione Nazionale di Firenze con un Ritratto muliebre e nel 1863 ebbe l’incarico di dipingere Michelangelo che recita i suoi versi a Vittoria Colonna, da collocarsi negli appartamenti reali di Palazzo Pitti. Dal 1870 iniziò a inviare alle esposizioni quadri di genere, alla J. L. Meissonier, che gli aprirono le porte del mercato d’arte internazionale (Una Venere giapponese, I medici all'Antignano, La fioraia, esposti ad Anversa nel 1885). In una parallela applicazione ai temi di paesaggio e agresti, seguì, con modi personali, gli indirizzi delle contemporanee esperienze del Naturalismo toscano (Donna al torrente, 1889, coll. privata). Fu uno degli artisti legati alla galleria fiorentina di L. Pisani.

Francesco Loiacono

2021-02-26T07:43:00.007-08:00

Francesco Lojacono nato a (PalermoPalermo, 16 maggio 1838 – Palermo, 26 febbraio 1915) è stato un pittore italiano, considerato il più importante paesaggista dell'Ottocento siciliano. Fu tra i primi pittori ad utilizzare la fotografia come riferimento per realizzare le sue opere.

Le paludi, 1895-1900 (Fondazione Cariplo)

Francesco Lojacono: Veduta di Palermo (1875)

Biografia[modifica | modifica wikitesto]

Lojacono^[1] fu iniziato alla pittura dal padre Luigi, pittore a sua volta.^[2] Fu poi allievo di Salvatore Lo Forte.^[3]

Nel 1856, a 18 anni, si trasferì a Napoli, dove affinò le sue doti frequentando diversi pittori viaggiatori e soprattutto entrando nella scuola dei fratelli Giuseppe e Filippo Palizzi. Dalla città partenopea si spostò spesso: prima verso Firenze, dove entrò in contatto con la scuola dei Macchiaioli.

Nel 1860, a 22 anni, dopo lo sbarco dei Mille a Marsala, prese parte con il padre Luigi e il fratello Salvatore, alla Spedizione dei Mille.^[3] A luglio fu ferito nella Battaglia di Milazzo ma continuò a combattere. Il 1º ottobre, agli ordini di Nino Bixio e insieme ad altri artisti, tra cui vi era Vincenzo Ragusa, partecipò alla Battaglia del Volturno.^[4] Il 29 agosto 1862, insieme a Giuseppe e Menotti Garibaldi, fu fatto prigioniero in Aspromonte.

Nel 1862 tornò in Sicilia, durante i sei movimentati anni precedenti aveva frequentato diverse personalità note, ottenendo una discreta fama. Nel 1864 espose a Firenze Mare all'Acquasanta, acquistato da Luigi Federico Menabrea, futuro Presidente del Consiglio del Regno d'Italia.

Nel 1870 espose il dipinto La valle dell'Oreto a Vienna e a Parigi, due anni dopo fu nominato Professore di Paesaggio all'Accademia di Belle Arti di Napoli^[3] e nel 1874 le sue opere furono esposte a Bordeaux.

Negli anni ottanta del secolo conosce a Palermo il giovane pittore Gennaro Pardo, di cui diventa amico e mentore, e che diventerà un suo erede artistico.

Guadagnatosi il soprannome di Ladro del sole, o Pittore del sole per la sua capacità di infondere luminosità alle proprie tele, nel 1878 espose le sue opere all'Esposizione internazionale di Parigi, consolidando la sua fama internazionale.

Nel 1891-1892 presentò L'estate all'Esposizione Nazionale di Palermo, e nel 1895 partecipò alla prima Biennale di Venezia a cui sarà invitato anche successivamente. Dal 1896 fu professore di "pittura di paesaggio e di marine" all'Accademia di belle arti di Palermo. Fu suo allievo il paesaggista palermitano Ettore De Maria Bergler.

Tra i suoi committenti vi furono diversi aristocratici: nel 1883 L'arrivo inatteso fu acquistato a Roma dalla regina Margherita di Savoia per il Palazzo del Quirinale, Dopo la pioggia fu realizzato nel 1886 per la principessa Giulia Lanza di Trabìa, e L'estate fu acquistato dal re Umberto I nel 1891.^[3] Tra i tanti commenti della critica, nel 1883 Gabriele D'Annunzio pubblicò i commenti più entusiasti.^[5]

Uno dei suoi allievo era Michele Catti, che forma con Lojacono e Leto la triade canonica
del paesaggio siciliano dell'Ottocento.^[6]^[7]^[8]

Morì a Palermo nel 1915, all'età di 76 anni, dopo avere stretto una sincera amicizia con Gabriele d'Annunzio, che lasciò traccia di questo rapporto nelle proprie pagine^{[senza fonte]}. La sua sepoltura si trova nel cimitero di S. Spirito di Palermo.

Mostre[modifica | modifica wikitesto]

Esposizione internazionale di Parigi, 1879.
Espone alla Biennale di Venezia. Venezia, 1895.
Nel 2005 gli è stata dedicata una mostra retrospettiva alla Galleria d'Arte Moderna di Palermo.^[5]^[9]^[10]

Opere[modifica | modifica wikitesto]

Alla ricerca di una resa pittorica più aderente della realtà, fu tra i primi a interessarsi alla fotografia.

Pescatori davanti a Monte Pellegrino.

Gran parte dei suoi quadri sono custoditi a Villa Malfitano e nella Galleria d'Arte Moderna di Palermo^[11] e nel Museo Civico di Agrigento come parte della collezione Sinatra. Alcune sue opere sono esposte alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, alle Gallerie d'Italia di Milano, al museo nazionale di Capodimonte e al museo di Villa Zito di Palermo della Fondazione Sicilia

Francesco Lo Iacono

La Famiglia Gheduzzi

2021-02-17T06:59:00.018-08:00

La famiglia Gheduzzi

Ugo Gheduzzi nasce nel 1853 a Crespellano.
Di estrazione borghese, si dedica giovanissimo a studi artistici e a dodici anni entra come aiuto nel laboratorio di scenografia annesso al teatro Comunale di Bologna. Particolarmente attratto dalla pittura, frequenta l'Accademia di Belle Arti di Bologna. Molto giovane, inizia la collaborazione con Augusto Ferri alle scene del Teatro Regio di Torino, dove si trasferisce definitivamente nel 1900; a Torino svolgono la loro attività di pittori anche i figli Cesare, Giuseppe, Augusto e

Mario.quest'ultimo nato a crespellaro Bo il1891 e morto a Torino il 1944 dopo due anni dalla sua morte nel 1946 si tiene una esposione postuma di quadri ispirati sopratutto a Venezia,alla Galleria Balzani di Milano e nel 49 un'altra postuma alla Galleria Fogliato di Torino

Gheduzzi descrive scene d'interni con finezza, sensibilità e senso acuto del dettaglio, ma si dedica anche alla raffigurazione di paesaggio. La sua delicata e ricca tavolozza è intrisa della luce vivida e chiara o teneramente velate dagli scorci di pianura, d'acqua e dei boschi che ama. Famoso è il quadro "La Fiera di Pragatto" del 1893, che segue l'affresco identico dell'anno precedente, realizzato presso Villa Stagni a Crespellano. L'adesione entusiasta alla scuola piemontese detta "di Rivara" gli permette di compiere un salto qualitativo importante. Dipingendo "en plein air" giunge a un'essenzialità di tratto particolare, che si può apprezzare pienamente nella seconda fase della sua produzione pittorica. Espone in Italia e all'estero, ottenendo premi in varie occasioni. Alcune sue opere sono acquistate dalla Real Casa per il palazzo Reale di Torino e per le residenze di Racconigi e di Agliè.

Cesare Gheduzzi nacque nel 1894; dopo aver trascorso i primi anni della sua vita a Crespellano, anch'egli si trasferisce nel 1900 a Torino, dove il padre Ugo si dedica all'allestimento delle scenografie del Teatro Regio. Cesare si accosta alla pittura da autodidatta, stimolato dal confronto con il padre e il fratello Giuseppe. L'incontro con Carlo Follini, del quale è allievo e che accompagna nei suoi viaggi per due anni, è decisivo per la sua maturazione di artista. Cesare si dedica al paesaggio, che riproduce con fedeltà ed eleganza. Nel 1917 espone "Studio nei pressi di Plava" all'esposizione della Società Promotrice alle Belle Arti e al Circolo degli Artisti di Torino. Nel 1942 espone alla mostra Arti Figurative della Promotrice delle Belle Arti, Galleria Civica d’Arte Moderna di Torino, con l’opera Gressoney La Trinité. Dopo la sua morte nel 1944, nel '46 si tiene una esposizione postuma, di quadri ispirati soprattutto a Venezia, alla Galleria Balzani di Milano e nel '49 un'altra mostra postuma alla Galleria Fogliato di Torino.

Augusto Gheduzzi - Nato nel 1883, trascorse infanzia e gioventù a Crespellano dove iniziò l'attività di pittore e dove si legò di profonda amicizia con il poeta e letterato crespellanese Adelmo Berozzi. A Torino continuò l'attività insieme al padre Ugo. Morì a Piossasco, vicino a Torino, nel 1969. Vaso con Fiori di Gheduzzi Mario

Gheduzzi Mario nato a Crespellaro (Bo) il 1891 morto a Torino il 1970

olio su tavoletta- asta del 11.maggio 2221184 lotto 69 Case d'Aste SantAgostino Torino aggiudicata galleria elioarte

opera olio su tavoletta cm 30 x 39 firmata in basso a sinistra e al retro con titolo Venezia