La Noche De Los Wasabis Verdes Fritos

Life's too Short

noreply@blogger.com (Sidhe) — Sat, 28 Jan 2012 06:14:00 PST

Que durante los primeros dos minutos de presentación, el protagonista se autodenomine el Martin Luther King de los enanos solo lleva una conclusión: Esto promete.

Ricky Gervais, el provocador actor y guionista británico por excelencia, ha vuelto a la carga junto con Stephen Merchant, el guionista gamberro más famoso en el país de las pastitas de té, y para meter el dedo en la llaga, ha fichado a Warwick Davis y han filmado un ficticio documental por capítulos sobre la vida de este diminuto actor. Como ya sabréis, la serie se llama Life's Too Short.

Durante el primer capítulo, Davis narra su espléndido día a día (está casado, tiene una bonita casa con perro XL, un enorme coche y además gestiona una agencia contratación de enanos), pero a medida que avanza el tiempo, vamos descubriendo que a la bola de pelo de El Potaje de las Estrellas le faltan un par de tornillos.

En Life's too Short Warwick Davis (Willow, Leprechaun o Ewok, lo que ustedes prefieran) es un diminuto actor que vive en su mundo de egolatría y supuesta fama y no es consciente de que la realidad y su visión de las cosas distan mucho de parecerse entre sí.
Su mujer quiere el divorcio, su carrera ha ido a menos, su negocio no funciona, su nueva secretaria roza la oligofrenia, su contable es un miserable, y aunque alardea de tener amigos en el british star system, está más solo que la una y como se suele decir popularmente, no le conoce ni el Tato (atención a cuando en el segundo capítulo tiene un stand de firmas en la London Comic Con), a lo que se le podría añadir también: Está más acabado que las pesetas.

La serie va mostrando su decadencia con humor grueso y corrosivo, y entre los gags se van sucediendo apariciones estelares (nunca mejor dicho).
Entre esos cameos encontramos a Liam Neeson haciendo de sí mismo y mostrando su faceta más neurótica, obsesionado con la elaboración de listas (y con el firme convencimiento de ser gracioso y de que debido a ello Spielberg le escogió para el papel de Oskar Schindler) o a Johnny Deep preparando su papel de enano para la supuesta nueva película de Tim Burton, pidiendo (entre otras de bizarradas) que Warwick baile como Michael Flatley o cómo para saber cómo salir de una alcantarilla lo mete en la taza del water mientras documenta todo con una grabadora. Como colofón, tiene un surrealista intercambio de florecillas con Gervais (alguien tiene que reconocer que algunas de sus pelis son una mierda; bravo por Depp). Pero por encima de todo, Warwick (hola, fui Willow) Davis, con una capacidad detestable para meter la pata y cagarla de manera consecutiva.

No nos vamos ni a extender demasiado ni a destripar más sorpresas que iréis encontrando a lo largo de los siete capítulos que forman la miniserie (¿lo pilláis?) Life's Too Short.

Reíros, pasadlo bien (es cierto que algún capítulo tiene momentos flojos), pero, sobre todo, disfrutad de este humor tan peculiar (que puede llegar a herir según qué sensibilidades: se mete con personas de color, homosexuales, discapacitados en silla de ruedas y, por supuesto, con enanos de toda índole) que nos brinda este un gran mockmentary de la BBC.

Sidhe, en diferido, se despide por hoy.

Y como ya sabéis, con las series no puntúo y os dejo el trailer.

El Colegial

noreply@blogger.com (Sidhe) — Thu, 26 Jan 2012 10:10:00 PST

Esta reseña es de una obra muda. Eso significa que durante la película (si la véis o la recodáis) suenan piezas interpretadas en un órgano (en este caso la música fue compuesta por John Muri) y los diálogos, cuando fueron necesarios, se pusieron mediante intertítulos .

Buster Keaton, afianzado en una carrera imparable en la comedia, para hacer El Colegial (College en USA) se inspiró en El Estudiante (1925), taquillazo del enorme Harold Lloyd, cinta en la que un joven de familia humilde que vende electrodomésticos quiere ser popular en la Universidad, y no duda en hacer todo lo posible para lograrlo. Keaton, con su productora (la Comique) contrata como director a James W. Horne (el cual tendría una carrera reducida a dirigir exclusivamente películas de Laurel y Hardy), y se lanzan a rodar la historieta de un jovenzuelo patoso de tiernas aspiraciones románticas.

En El Colegial (1927, justo en el inicio del declive del cine mudo) el inexpresivo Keaton es Ronald, un estudiante brillante que tiene unas nulas aptitudes para el deporte. Al ingresar en la universidad y estar enamorado de una compañera, hará todo lo posible para que ella se fije en él.
Slapstick en estado puro, cara de palo demuestra una vez más sus habilidades gestuales y mímicas para la comicidad y la sucesión de gags, que combinados ingeniosamente con el argumento, provocan que durante los sesenta y cinco minutos de película no pares de reír.

*Primer intertítulo con telón incluido de fondo.

* Para los no inglishparlantes: Unas cuantas gotas de lluvia no pueden acabar con el

entusiamo de una madre el día de la graduación de su hijo.

Ronald, viendo el snobismo imperante en la Universidad (verle con su ropa enorme o encogida es un poema) intenta conseguir algo de dinero, por lo que decide trabajar de camarero en una heladería (imaginaos qué sucede entre bolas de helado y batidos...) y en un restaurante, haciéndose pasar por un trabajador de color (con su correspondiente enredo)... Por no hablar de su torpeza en las pruebas de atletismo, saltando vallas, usando la pértiga o todo lo que le va ocurriendo en sus intentos por encontrar en un deporte que encaje con él.

Tras sus nefastas incursiones en el campo laboral y en el terreno deportivo, Ronald obtiene la ayuda del decano, que le consigue el puesto de timonel (con las reticencias por parte de todo el equipo y el propio entrenador), y junto sus compañeros debe participar en regata de remo que organiza su Universidad.
Tras su periplo vital, su amada, que interpretaba la graciosa Anne Cornwall (otra que prometía mucho pero se quedó a medio gas... llegando incluso a trabajo con W.S. Van Dyke en dos producciones en 1927, pero como le dejaron escoger féminas, este se aferró a Myrna Loy -como tonto- para tener una filmografía común bastante amplia) no puede hacer otra cosa que dejarse querer por este bondadoso, torpón y dulce muchacho.

Infinitas dosis de humor, grandes instantes de parodia a la sociedad de finales de los años 20 (frivolidad y racismo incluído) y un Buster Keaton que sentó cátedra (guste o no, Peter Sellers bebió mucho de su inexpresividad y de su curiosa forma de actuar) en El Colegial le vemos en una de sus mejores propuestas; elástico y serio como sólo él sabía ponerse ,y en este caso luchando por conseguir el corazón de una joven.

Si nos ponemos quisquillosos, el final resulta demasiado fulminante (pero se puede perdonar, ya que una hora tampoco da para mucho más).
Como dato curioso, el pulverizado Michael Jackson se inspiró en varios movimientos que protagoniza Keaton al principio de la película -junto con las fantásticas coreografías de Melodías de Broadway- para el baile de su célebre Smooth Criminal.

Como no hay trailer, os ponemos una divertidíssima escena...

...Y con siete acrobáticos wasabis nos despedimos por hoy, queridos wasabitas.

Mónica del Raval

noreply@blogger.com (Roswell) — Tue, 24 Jan 2012 03:12:00 PST

Lo primero que te viene a la cabeza al ver a Mónica es que es un esperpento.

Esta mujer, que parece sacada de una película de John Waters o de Almodóvar (o de alguna canción de Sabina), lleva ejerciendo la prostitución más de 30 años, y al llegar hace 20 a la Ciudad Condal ha hecho historia en el entrañable barrio del Raval.

El documental Mónica del Raval, dirigido por Francesc Betriu en 2009 nos ofrece un pormenorizado repaso a sus andanzas personales, y, cómo no, a una trayectoria profesional trufada de anécdotas a cuál más bizarra, todo ello narrado de primera mano por esta simpática artista de las bajas pasiones.

De un pequeño pueblo manchego al barrio chino de Barcelona. Mónica es su nombre y esta es su historia.

Mónica es extravagante, pero al poco de conocerla descubres a una afable y carismática luchadora, una superviviente nata curtida en las calles que vive la vida a su manera y bajo sus propias reglas.

Está en tí... está en Maybelline

Mónica del Raval. Bajo este nombre de guerra, con denominación de origen como los santos o los pintores renacentistas, se parapeta Ramona Coronado, nacida en el manchego pueblo de Villamanrique. Nada hacía sospechar a sus paisanos que, tras marchar con su familia a Valencia, acabaría cogiéndole el gustillo a aquello de alegrarle los bajos al personal.

Años más tarde, su periplo le llevaría a recalar en Barcelona, donde ejercería la profesión más antigua del mundo en las proximidades del Teatro del Liceo, en lo más céntrico de Las Ramblas.

Hey, babe... take a walk on the wild side

Clientes que no pueden ser nombrados marcan esta etapa, como aquel caso de un conocido galán de nuestras pantallas quien, en medio de un trío con Mónica y su amiga el travesti Amparito, prefirió dedicarse a la sabrosa salchicha de este último.

Amparito, la rompecorazones

Más adelante nuestra protagonista se instaló en el multicultural barrio del Raval.

Pasaba sus días entre clientes asiduos, que, seducidos por su incomparable físico, no tardaban en encariñarse con ella, quien por su parte se prendó de la libreta de ahorros de uno de ellos. Entre achuchón y achuchón, Mónica no dudaba en magrear la cuenta corriente de un solitario que acudía a ella regularmente.

Antonio, una buena muestra de los clientes de Mónica

Mónica, nuestra Mónica del Raval (también conocida en BCN como La Chicholina) nunca ha ocultado su gusto por la calle. Prostituta vocacional, sus aventuras no hicieron sino aumentar desde que conoció a Jose, con quien se fue a vivir a casa de de Justino, un curioso mecenas que les daba techo y les hacía los recados con la condición indispensable de echar un polvo diario con Mónica.

Somos dos hombres con un mismo destino

Entres copas y cafés, Mónica y un puñado de invitados a cual más grotesco (no se salva ni el cura) nos hacen partícipes de sus mil y una peripecias, imposibles de enumerar aquí. Creedme si os digo que nada de los que os cuente podrá hacer justicia a su estrambótica trayectoria.

Nuestra diosa, posando para el retrato que sería la portada

Gracias a este documental seremos testigos de excepción de su particular día a día, e incluso nuestra querida prostituta nos abrirá las puertas de su casa, donde suele recibir a sus clientes más devotos.

La Parejita, S.A.

Siempre a la caza del braguetazo definitivo, Mónica es una superviviente nata. Un animal de la calle que, mientras espera el momento, disfruta de la vida y sus placeres mientras puede.

Mónica del Raval es un documental imprescindible para conocer la cara más frikizarra de la capital del Mediterráneo, que os abrirá las puertas a un mundo ignoto y os descubrirá una nueva forma de percibir el mundo, la vida y el Universo, en in crescendo de plasco de imposible descripción.

Es por ello que servidor le otorga a Mónica 10 wasabis de vida alegre.

Aquí os dejo con el trailer:

Y aquí os pongo el documental íntegro. No os lo podéis perder:

View this movie at cultureunplugged.com

Esta entrada está dedicada a nuestro blogger amigo Cigarro Puro.

Hairspray

noreply@blogger.com (Sidhe) — Sun, 22 Jan 2012 11:43:00 PST

Ayer los gamberros de The Rocky Horror Picture Show Spain no nos dieron cuartel y obligaron a desplazarse a los Wasabitas and Friends para disfrutar y gritar con el Sing-Along de Hairspray que organizaron en el Music Hall de Barcelona. Todo fueron carcajadas, comentarios divertidos y mucho... ¡mucho baile!

¿John Travolta haciendo de madre? ¿Su marido es Christopher Walken? Saca tu bote de laca y crépate el pelo.

Corrían finales de los ochenta. John Waters se saca de la chistera una vez más una mordaz crítica, concretamente a la sociedad conservadora a la que tanto ama/detesta y que se centra en la discriminación racial y en la física, por todas esas mujeres que no tienen cuerpos de infarto o sufren sobrepeso. Como madre de la redondita protagonista, la siempre graciosa Divine. Y lo más importe: A ritmo de baile.

Su nombre: Hairspray.

Saltemos en el tiempo: 2007. Dado el arrollador éxito de Hairspray en Broadway, se decide hacer una adaptación al cine (que ya sabemos que originariamente era la película de Waters, así que también es remake). Como capitán del barco, Adam Shankman (el director de la pendiente de estrenar, también musical Rock of Ages).
A estas alturas estaréis pensando: Muy bien, bonita, pero ¿de qué va la dichosa película? (O no y, resulta que ya la habéis visto. Para unos y para otros, allá va).

Baltimore, 1962. La joven y soñadora Tracy es una fan del Show de Corny Collins (aquí también lo somos), un espacio musical de una televisión local que tiene a toda la ciudad moviendo las caderas.
Al quedarse embarazada una de las coristas del show, Tracy se presenta, logrando un puesto a la par que empieza a tener una guerra abierta con Amber Von Tussle, compañera del show (y de clase) que no dudará en ponerle todo tipo de zancadillas para desaparezca del programa con la ayuda de su retrógrada (y rubíssima) madre (Michelle Pfeiffer).

A esto hay que sumarle que Tracy está enamorada de Link (en algún momento de vuestras vidas os teníais que cruzar con Zac Efron, que empieza a parecer el hermano pequeño de Jared Leto), el bailarín del programa (y noviete de la insulsa Amber).
Por otro lado, han retirado un programa musical de la disc-jockey afroamericana Motormouth Maybelle (una Queen Latifah rubia, aquí todo es posible, amigos wasabitas), que con el apoyo de la joven y de los suyos logrará que se empiece a tener en cuenta a la gente de color en el panorama musical televisivo sesentero.

¿Qué nos ofrece Hairspray? Números musicales sorprendentes (adorable Edna, la amorosa y rellenita madre interpretada por John Travolta y su marido... Curioso que Christopher Walken sea lo más normal de toda la peli), canciones desenfadadas y una obligación: ¡¡¡Bailar!!! ¡¡Nadie se puede resistir a mover el esqueleto a ritmo de twist!!

No os voy a dar más la lata... Os dejo el trailer.
Por lo bien que nos lo hemos pasando revisitando este musical y por las altas dosis de laca en nuestras melenas, le damos por nota diez wasabis ultrarrepeinados.

Episodes

noreply@blogger.com (Sidhe) — Thu, 19 Jan 2012 09:14:00 PST

No os vamos hablar de lo guapérrimos que iban según qué actorcetes y lo divinas o embutidas que iban algunas damiselas en su búsqueda fructífera (o no) del ansiado globito de oro. Eso sí, nos provoca cierta gracia que Uggie haya sido capaz de hacer sombra hasta al más plantado y se haya hecho el amo y señor de la alfombra roja.

Al margen de lo bien que le haya ido a The Artist o a nuestra iluminada favorita, hace un tiempecito que teníamos en el tintero una serie que comentaros, y aprovechando que Matt Leblanc se ha llevado el gato al agua como mejor actor de serie cómica, os queremos recomendar Episodes.

¿Qué o quién os viene a la cabeza cuando os dicen las palabras chiflados y gente desquiciada? Vamos a ello.

Sean y Beverly Lincoln son una pareja de multipremiados guionistas británicos que aceptan llevar a cabo la adaptación de su serie estrella (típica historieta de director de internado que infunde valores a sus alumnos...) en el otro lado del charco.

Cuando llegan a su nuevo hogar, quedan eclipsados por el lujo de Beverly Hills, pero pronto se encuentran de frente con la más terrible realidad para sus carreras (y para su propia vida personal), y lo que se suponía una fiel traslación de su serie acaba convirtiéndose en una comedieta yankie de esas que pueblan la mayoría de cadenas y que acaba siendo pasto de cancelación a media temporada.

Por si la cosa no tuviese suficiente guasa, para el papel principal descartan al protagonista de la versión británica (interpretado por Richard Griffiths, el tio mongolo del cansino de Harry Potter y el profe plumífero de The History Boys) y aparece en escena Matt LeBlanc (as himself), mostrando su lado más excéntrico y ególatra (se puede reír de sus propias e idiotas gracietas, lo suyo es humor y lo demás son tonterías).... por no mencionar al misógino del productor, un tapón caprichoso y mujeriego que tiene a su alrededor un fiel equipo de anémonas que besan el suelo ~~(y otras cosas)~~ por donde pisa.

En un tono estudiadamente exagerado, Episodes pretende destripar la frivolidad, la crueldad y el chapucerismo del universo televisivo americano, pero su mejor baza son los chistes sobre las diferencias culturales de los americanos con la facción inglesa, y a medida que avanzan los episodios poco importa cómo vaya la adaptación (que va de pena): lo que más te va interesando es la interacción entre los personajes.

Miento. Queremos saber qué ha sido de Joey Tribbiani (algunas mentes pensantes de Friends están metidas en el ajo, un elemento que juega a favor). Como no podía ser de otra manera, es él quien nos produce todas las preguntas: ¿Infeliz?¿Tontaco?¿Imbécil?
Sea un hijo de su santa madre o alguien que no da para más, el personaje (es decir, esa gran autoparodia de Matt LeBlanc) es un vendedor de humo que sólo se mueve por dinero (o senos... sean de la naturaleza que sean) y como decía en un capítulo: Si no hubiese sido actor, habría sido piloto de carreras o actor porno (Y tan tranquilo, oiga). Con sus frases, su aguda inmadurez y su facilidad para manipular a todo el que se le acerca, su personaje te parece un cerdo encantador (venga, él no fue el único que se rió viendo el documental de los niños con Síndrome de Tourette) y lo mejor de Episodes.

Me encanta este Matt LeBlanc (el de ficción...), que mezcla bastantes detalles autobiográficos reales acentuando todo aquello que da juego. No debe ser fácil prestarse a parodiar tu imagen y el concepto que tienen de tio hasta el límite y ser consciente que tu carrera (por más infinidad de anuncios o películas que hayas hecho) se reduce -al menos para el gran público- a tu papel de idiota/gracioso de una de las sitcoms americanas más famosas.

El resultado es un producto sin grandes pretensiones y con más calidad de la que aparenta.
No me gusta puntuar series, debido a que de una temporada a otra suele cambiar su calidad (y ni qué hablar de un capítulo a otro...), pero os la recomiendo si queréis pasar un rato divertido (y de paso rememorar un poquito a nuestros chicos del Central Perk).

Cuando el Viento Sopla

noreply@blogger.com (Sidhe) — Mon, 16 Jan 2012 10:00:00 PST

Obra del animador Jimmy Murakami, Cuando el Viento Sopla es una preciosa historia que adaptó de su propia novela Raymond Briggs (un ilustrador y escritor de cuentos británico), creada en stop motion y animación de estilo clásico, que intercala imagen real e imagen de archivo correspondientes a la Segunda Guerra Mundial.
Como eje vertebral y únicos protagonistas, una pareja de ancianos, de los que veremos un dramático pasaje de sus vidas.

Previendo un inminente ataque nuclear por parte de los rusos, Jim sigue los consejos y recomendaciones de los folletines que facilita el gobierno inglés a los ciudadanos, hace acopio de provisiones, y junto con Hilda, su agradable esposa, construye un pequeño refugio en su casa, ubicada en un pueblo alejado de urbes y sin apenas habitantes.

La pareja sigue el protocolo recomendado según el gobierno (o eso creen ellos), pero viendo las terribles consecuencias y el previsible desenlace, Jim decide aferrarse a la rutina y proseguir con el día a día con la única intención de que su bondadosa e inocente esposa no sea consciente de la gravedad de los hechos y restarle, en la medida de lo posible, toda la importancia que pueda. Ambos comparten una mentalidad infantil (producto tanto de la vejez como de la ignorancia), que será la que determine y sentencie sus vidas (eso y un patriotismo exacerbado que no les conducirá a ninguna parte).

En Cuando el Viento Sopla, como si de una obra de teatro se tratase, vemos cómo se degradan, cómo enferman y cómo se van apagando las vidas de este adorable matrimonio mientras esperan que su Gobierno tome cartas en el asunto y les preste ayuda. Cada día se convierte en un pulso contra la escasez de recursos.

Como ya comentaba al principio, la animación y de trazo de los personajes tan naïf recuerda a aquellos dibujos clásicos, que bajo la firma de Violeta Denou acabaron siendo el célebre Teo (de hecho, la obra de Raymond Briggs y de las ilustradoras que dibujaban bajo el nombre de Violeta Denou son de períodos similares).

Me ha parecido que varias conversaciones estaban fuera de tono, intentando exagerar demasiado las posturas de los personajes y llegando a cierta demagogia. Otro punto que no me ha gustado es el final, que resulta muy forzado y con demasiadas ínfulas dramáticas que hacen perder atmósfera.

Al margen de estos detallitos, Cuando el Viento Sopla es toda una obra de artesanía y una gran declaración antibelicísta muy recomendable, pero es justo reconocer que su discurso ha quedado algo anticuado, como testimonio de los temores de los primeros años de la década de los ochenta, que es donde reside su valor.

Antes de despedirme, quisiera destacar la banda sonora que elaboró para la película Roger Waters, que tuvo como intérprete del tema principal al Duque Blanco y de la que os ponemos la promo:

Mi nota, sopesando sus puntos a favor y todo aquello que no me convence, es de seis esperanzados wasabis.

Esperemos que después de todo lo que ha ido sucediendo a lo largo de la Historia, seamos capaces de evitar repetir los mismos errores.

Vértigo (De entre los Muertos)

noreply@blogger.com (Sidhe) — Thu, 12 Jan 2012 11:16:00 PST

Revalorizada con el tiempo, De entre los Muertos (Vertigo, 1958) fue el último trabajo conjunto del tándem Hitchcock-Stewart (quien no consiguió el papel protagonista de Con la Muerte en los Talones), poniendo fin a una colaboración que dejaba a sus espaldas cuatro espléndidas obras (El Hombre que Sabía Demasiado, La Soga, La Ventana Indiscreta) y esta última, Vertigo.

Amante declarado de las obsesiones románticas, Hitch se propuso adaptar la novela D'entre les Morts de Pierre Boileau y Thomas Narceraj (artífices también del libro en que se basó Las Diabólicas, una de sus películas favoritas), y como siempre que afloraba su lado oscuro y lleno de frustraciones, llamó a la puerta de Jimmy Stewart. Este se puso en la piel de Scottie, con el que compartía formación académica y al que supo dar esos aires de enfermiza obsesión de quien es atormentado por una pérdida insustituible.

¿Y cual es el detonante de ese estado tan pésimo de la psique de Scottie Ferguson?.

Me arremango, que vienen spoilers:

Todo empieza cuando en una persecución por unos tejados, ve cómo un compañero de la policía cae al vacío, y lo único que puede hacer es agarrarse para evitar ser pasajero de la barca de Caronte. Este hecho (con su correspondiente trauma) detona en él una acusada acrofobia, es decir, lo que cualquiera de nosotros llamamos Vertigo, que le lleva convertirse en detective y alejarse del cuerpo de polícia de forma definitiva.

♪♫ Te voy a escribir la canción más bonita del mundo... ♫♪

Atesorando tanta culpabilidad como tristeza, su único contacto más o menos regular con el mundo es a través de Midge, una amiga (con delirios sentimentales) que intenta por todos los medios retenerle (sin éxito alguno, todo sea dicho) y a la que suele visitar con cierta regularidad, pero con quien la relación no puede trascender a nada más (Y mira que la muchacha pintaba y diseñaba lencería... En futuro lejano, cual Sarah Connor, sería la madre de JR).

Todo cambia cuando un antiguo compañero universitario, Elster, le pide como favor personal que cuide y vigile a su elegante y atormentada esposa, Madeleine (el pote no hizo nada de justicia a una lozana Kim Novak ~~que guarda un razonable parecido con Amaia Montero~~, ahora es el botox quien le ha puesto expresión de payaso circense... una pena), una potencial suicida que lleva una buena temporada con una profunda depresión motivada por un oscuro pasado familiar.

Mientras Scottie la vigila y la observa se va enamorando ella, hasta que logran tener contacto, pero, para su desgracia, su dama tiene un accidente en el que acaba perdiendo la vida.

Ingresado en un centro psiquiátrico tras perder a ~~Amaia~~ Madeleine, Scottie logra recuperarse hasta que, un día paseando, choca de bruces con la morena y desgarbada July, una joven que le recuerda mucho a la que fue el fugaz amor de su vida...

Pueden seguir leyendo sin miedo, territorio 100% libre de spoilers:

Plagada de guiños y referencias sobre las frustraciones sexuales de los personajes (nada que no podáis saber ya o que vuestro amigo Google no solucione) y rodada en un espléndido Technicolor (la reseña es en blanco y negro no sólo por mi capricho personal... descubrid, o redescubrid la maravillosa y simbólica paleta cromática de esta película), De entre los Muertos tiene entre sus mejores bazas los dobles sentidos y las dualidades de todos sus personajes.

Audrey Hepburn declaró en su momento que hubiese querido meterse en el pellejo de Madeleine/Judy, aduciendo que la historia era como un moderno Pigmalión, como Liza Doolittle en My Fair Lady, una golfilla cockney adiestrada para comportarse como una dama.

En Vertigo nos encontramos con la personal huella de el director de la silueta: cuidados encuadres, Hitchcock supervisando hasta el más nimio detalle (desde las vajillas al diseño de vestuario), y escenas que ya forman parte del imaginario colectivo, como las infinitas espirales que componen las escaleras del tétrico y desparecido Campanario de San Juan Bautista (un personaje más), los peinados, los cuadros o la fabulosa escena en la que Ferguson enloquece, en la cual hasta se incluyen momentos de animación experimental.

Como escenario y telón de fondo, un aprovechadísimo y laberíntico San Fracisco (quién no hubiese querido pisar el desaparecido y lujoso Ernie's, del que se hizo una réplica para poder rodar mejor ciertos planos), que será testigo de los temores y del drama que esconden absolutamente todos los personajes.

No me olvido de Bernard Herrmann y su excelente banda sonora (sí, con un tema usado en The Artist como homenaje a la película y al Cine en general):

Como habréis deducido, De entre los Muertos es de aquellas películas que de vez en cuando me gusta rescatar. No considero un acierto el final (el error habitual en Hitchcock: demasiado precipitado), pero es una cruenta historia de amor que refleja muchos de los grandes dilemas y conflictos existenciales sin tomarse demasiado en serio.

Eso si, es estremecedor hasta qué límites llega Scottie para lograr estar con su Madeleine.

Le doy un siete al Vertigo de Hithcock y les dejo el trailer (esta vez a todo color), damas y caballeros:

El Demonio (Oni)

noreply@blogger.com (Roswell) — Tue, 10 Jan 2012 05:50:00 PST

No me canso de admirar la obra de Kihachiro Kawamoto.
Este director japonés, nacido en 1925 y fallecido a la edad de 85 años en 2010 (curiosamente el día anterior a que nos dejase el no menos genial Satoshi Kon) dedicó toda su carrera a la técnica del stop - motion, trabajando con un mimo y un nivel de preciosismo que asusta.

En las creaciones de Kawamoto se puede apreciar la más que notable influencia del Kabuki, el Noh, y especialmente del Bunraku, el teatro de marionetas tradiconal japonés. Y es que es verdaderamente sorprendente cómo este maestro de la animación es capaz de conseguir que sus personajes transmitan tanto, habida cuenta de que se trata de figuras de rostro inmutable (los movimientos de las cabezas y la luz son fundamentales en este vetusto arte).

Tomáos unos pocos minutos para apreciar Oni (El Demonio), esta joya rodada en 1972.
Pura poesía que hará las delicias de los amantes de la animación, y en especial de los aficionados a la cultura tradicional japonesa.

El Demonio de Kihachiro Kawamoto no merece menos de 10 legendarios wasabis.

Drive

noreply@blogger.com (Roswell) — Sun, 08 Jan 2012 07:25:00 PST

Corazones rotos, almas solitarias y espíritus atormentados, bienvenidos otra noche más a vuestro programa favorito. Como de costumbre, estáis escuchando la LNDLWVF, la emisora que os acompaña en vuestro deambular noctámbulo a través del sucio asfalto salpicado por la luz de los neones.

Es Roswell quien os acompaña.

Esta noche vamos a hablar de El Conductor, un solitario jinete que al volante de su Chevrolet Malibu del 73 se adentrará en un tétrico cuento de redención, violencia y sueños truncados.

Nicolas Winding Refn recogió en 2011 su historia en Drive, la sorprendente película protagonizada por Ryan Gosling.

Acompañemos a este taciturno conductor en sus arriesgados periplos nocturnos...

¿Te gusta conducir?

Es meticuloso y callado, y no parece tener nombre. Le apasiona el motor, por lo que trabaja como mecánico y stuntman ocasional por el día... por la noche surge la bestia y ofrece sus habilidades al volante como chófer en peligrosos atracos.

No tiene nada que perder: es solitario como los héroes del cine que le (nos) criaron. Pero en seguida conocerá alguien por quien matar... o morir.

Esta es su historia, una historia que huele a sudor, asfalto quemado e iluminada por las mortecinas luces de la ciudad de Los Angeles. Su historia es Drive.

Drive es la novena película dirigida por Nicolas Winding Refn, director danés que cuenta en su haber con obras interesantes como la trilogía Pusher, Bronson o Valhalla Rising, films en las que prima la forma sobre el fondo, con un aspecto técnico mimado y una poesía visual sin parangón, aunque algo frías y estáticas para mi gusto.

Esta Drive no resulta ser tan contemplativa como me temía, pero que nadie se llame a engaño: no estamos ante una frenética peli de persecuciones al estilo Fast & Furious. Hay persecuciones y hay violencia, pero en este viaje el acelerador se pisa con mesura, la película se embala solo cuando debe, y el resultado es crudo y refinado a partes iguales.

Ryan Gosling, actor ya conocido por películas como El Diario de Noa, El Creyente o Lars y una Chica de Verdad nos ofrece un personaje frío y torturado por sus demonios interiores, que intenta escapar a su trágico destino conduciendo a ninguna parte. Le acompaña un plantel de auténtico lujo, encabezado por Carey Mulligan, Bryan Cranston y Ron Perlman. Juntos entretejen una historia de sueños rotos, almas a la deriva y luchas contra la fatalidad.

En el apartado técnico, Drive es una auténtica pasada.

Visualmente impecable, cada uno de sus fotogramas podría ser la carátula de la peli. La imagen está mimada con delicadeza, ofreciendo una apariencia cercana a las películas carpeteras de los 80, aquellas con las que Tom Cruise y Michael J. Fox reventaban las taquillas.

La música está a la altura de la ambientación pseudo - ochentera: con un sabor retro a la par que moderno, la banda sonora está compuesta de canciones electrónicas en la mejor tradición de los veteranos Kraftwerk o los actuales M83.

En definitiva, esta peli hará que tanto por lo visual como por lo musical nos derritamos en nuestras butacas... y en especial los nostálgicos de la década de la laca y las hombreras.

Y si de 80's hablábamos, es de justicia destacar el tono de la cinta, con vocación de moderno clásico (ya advertido desde los títulos de crédito), muy cercano al ambiente neo noir de películas como Scarface (El Precio del Poder), Taxi Driver, Cowboy de Medianoche o del videojuego Grand Theft Auto: Vice City. El propio protagonista carece de nombre, heredero del personaje interpretado por Clint Eastwood en la Trilogía del Dolar.

Las referencias son innumerables, pero asimiladas con naturalidad y carácter para crear una obra con personalidad propia.

No exagero si sitúo a Drive entre las mejores películas de 2011. Toda una sorpresa para los amantes de la violencia hecha poesía (y de los personajes vapuleados en la línea de El Luchador); una obra estética, dura (cuidado con esas explosiones de gore) pero elegante en su patetismo (e intencionadamente hortera en ocasiones), que podría haber resultado mucho mejor si no fuera por su excesiva artificialidad y frialdad. Otra de las pegas es el haber sido rodada en digital.

Ya os he advertido de que El Conductor no transita por los derroteros de otras pelis automovilísticas como la saga Fast & Furious o 60 Segundos. Aun así, el acelerador se pisa cuando uno menos lo espera, y la película nos golpea en la cara con la misma crudeza con que la vida golpea a cada uno de los protagonistas.

Muy recomendable para quienes estamos hartos del declive actual de Hollywood, Drive es una película que combina acertadamente su ansia comercial con su alma artie/indie y que nos ha proporcionado un viaje decadente, pero emocionante y conmovedor.

Le otorgo al conductor sin nombre ocho rugientes wasabis.

Os dejo con el trailer...

...Y con un curioso video tributo para quienes ya la hayan visto (QUE CONTIENE SPOILERS):

Hasta el próximo viaje, amigos. No dejéis de sintonizar la LNDLWVF en vuestros solitarios trayectos nocturnos.

$#*! My Dad Says

noreply@blogger.com (Sidhe) — Thu, 05 Jan 2012 11:27:00 PST

De implacable e incesante verborrea, el padre de Justin Halpern parece haberse quedado en el Pleistoceno.

Para colmo de males, Justin se ha quedado sin trabajo y sin pareja, y pocas palabras de ánimo salen de ese elemento que tiene por progenitor. Harto y como forma de evasión, este guionista en paro abrió el twitter @shitmydadsays (Las Chorradas de mi Padre) en el que iba poniendo frases de este calibre:

-¿La gente de tu edad sabe peinarse? Parece que se les hubieran subido dos ardillas a la cabeza y se hubieran puesto a follar como locas.
- Si no es bourbon o unos pantalones de chándal, va directo a la basura. […] No, no quiero regalos creativos.

Pronto se lanzó el libro, y hace un año la CBS hizo la serie (aunque duró una temporada, creo que es suficiente para hacer algo con calidad sin quemarlo).

No necesita más tarjeta de presentación. Shit! My Dad Says es la serie que adapta las peripecias de esta extraña pareja.
Amena, ágil y divertida, el huraño padre es interpretado por el siempre adorable William Shatner, que en alguno de sus viajes espaciales debió descubrir el morcón ibérico.

No hay wasabipuntos, pero si muchas risas (por la parte que nos toca, mañana nos espera una Sorpresa, ya os contaremos qué tal la sesión doble a la vuelta)

En breve, volvemos al ritmo habitual, disfrutad de estos días... ¡¡Que no os toque el haba!!

PD: La serie la podéis encontrar en... los medios habituales, jeje.

Caballero sin Espada

noreply@blogger.com (Sidhe) — Sat, 31 Dec 2011 06:55:00 PST

En 1939, Jimbo (como le llamaba su padre) llevaba un ritmo frenético por aquel entonces: entre películas, intentonas por Broadway y clases interpretativas, parecía que tenía la capacidad de multiplicarse y su nombre comenzaba a figurar entre las grandes estrellas de Hollywood.

Su porte varonil pero vulnerable, la suavidad con la que hablaba, la aparente fragilidad y ternura que emanaba... gustaba tanto a público como directores, y dió en el blanco cuando aceptó ponerse en la piel del acérrimo defensor de la democracia Jefferson Smith, uno de los personajes más involuntariamente carismáticos que ha logrado el séptimo arte.

Para trasmitir convicción, James Stewart (que fue la segunda opción, por detrás de Gary Cooper) no dudó en aclarar su garganta con bicloruro de mercurio (y hacer todo lo posible para aprenderse los diálogos, ya que siempre fue muy poco hábil memorizando).

Frank Capra, entusiasmado con su decisión, grabó durante tres semanas con seis cámaras y logró que su película fuese la última proyectada en la Francia invadida por los nazis, convirtiéndola en todo un símbolo.

Estandarte de valores y de patriotismo americano, Mr. Smith Goes to Washington (Llamada aquí Caballero sin Espada) es una oda a la libertad y a la justicia y una feroz crítica a la corrupción que frecuentemente acarrea el poder.

En ella, el protagonista absoluto es Jefferson Smith, un bondadoso joven con escasos conocimientos políticos que acaba teniendo un propio asiento en el Senado, aunque, para su desdicha, entre sus compañeros hay varios miembros corruptos que tienen como único próposito lograr su voto para poder aprobar un proyecto astronómico en una presa y llenarse los bolsillos.

Jefferson, aleccionado por su leal secretaria, arrojará luz sobre las oscuras maniobras de sus compañeros, aunque en su lucha se le ponga en tela de juicio y se falséen pruebas con el único fin de arruinar su meteórica carrera profesional.

Qué decir de este clásico que no sepáis... mi única queja sería por su final tan precipitado.
Por lo demás, Caballero sin Espada es una película aún vigente, atemporal y de visionado obligado y por ello se merece ocho justos wasabis.

Espero seguir conservando la estupefacción que me produce la escena final en el Senado (y si no la habéis visto, estos días ya tenéis sugerencia).

Feliz 2012, estimados wasabitas. Nos vemos a la vuelta.

Matrimonio Original

noreply@blogger.com (Sidhe) — Wed, 28 Dec 2011 06:56:00 PST

Llamada originalmente Mr. & Mrs. Smith y dirigida en 1941 por Alfred Hitchcock (se dice que el maestro del suspense subió al carro por la amistad que le unía con la Lombard y no por la calidad del argumento... puede que se tomara un descanso entre Rebeca y Sospecha) esta ligera comedia narra el conflicto que se genera cuando Ann (la siempre simpática Carole Lombard) y David Smith (Robert Montgomery, del él hablaremos largo y tendido el 2012), una acomodada pareja neoyorkina, descubren que por un error administrativo no constan en ningún registro, lo que significa que no están legalmente casados.

Ello provoca su ruptura, así como la sucesión de situaciones de aires cómicos al más puro estilo Screwball Comedy, con perspicaces diálogos sobre los tópicos de la guerra de sexos o sobre las diferencias entre hombres y mujeres, que, como muestreo de lo que se cocía (y puede que aún siga imperante) en según qué casas, son dignas de ver.

Los protagonistas de Matrimonio Original son personajes desmesurados, excéntricos e imprevisibles. Igual se enfadan como no pueden vivir el uno sin el otro, y por mucho que intenten romper vínculos, se supone (a ojos de su círculo de amigos) que son la pareja perfecta.
Al caos que producen en sus vidas hay que sumar las reticencias de la madre de Ann, que nunca ha visto con buenos ojos la peculiar relación de ambos, y tiene la certeza de que él ansía su libertad de juventud y lo ve como un patán egolátra.

Cuando estalla la crisis, aparece en escena Jeff (Gene Raymond), con su simplona idea de cortejar a la mujer (un personaje que destila resignación y olor a tapadera de la epóca), amigo y compañero de trabajo en el buffet de abogados de David (que parece esconder detrás de una capa de correción pueril algún tipo de estima a su colega muy en la tónica de la relación de los protagonistas de La Soga).

Por mucho que Mr. & Mrs. Smith sea una obra menor de Hitch, hay que reconocer que Carole Lombard con su verborrea y sus afiladas miradas de despecho y Robert Montgomery, con graciosa expresividad, logran, además de tener bastante química crear escenas más divertidas de lo que pueda parecer a juzgar por la simpleza de la premisa de la que parte el argumento (spoilerazo: ella decide volver al mundo laboral y es despedida, puesto que en las medidas contra la crisis de unos grandes almacenes está el contratar de forma preferencial a mujeres solteras y sin ingresos, ahí es nada).

Es cierto que hay varios gags que no terminan de arrancar (la tensión con la madre y con según qué personajes por parte de David queda muy confusa), y que el final acaba siendo muy precipitado y algo irregular, pero vale la pena echarle un vistazo a este Matrimonio Original y conocer de primera mano a esta encantadora y disparatada pareja.

Me quedo con la insistencia de David, sus maquiavélicos planes para volver junto a Ann (que pasan desde intentar darle celos con otra a chafar sus planes de vacaciones), y cómo ella aprovecha cualquier oportunidad para que él pierda los papeles.

La que os escribe no puede hacer otra cosa que recomendárosla (sé que los fans del orondo director la odian), y por lo bien que me lo han hecho pasar (spoilerazo: que después de tres años de matrimonio vuelvas al restaurante donde tu marido te pidió la mano y sea un antro mugriento en el que no puedas ni sentarte... yo todavía estaría rodando en el suelo de la risa) le doy a Matrimonio Original seis enamorados wasabis.

Pepe & RUBIANES

noreply@blogger.com (Sidhe) — Mon, 26 Dec 2011 04:51:00 PST

Por norma en la Wasabi Manor somos nosotros los que elaboramos la presentación del tema que vamos a tratar, pero, haciendo una excepción, os ponemos el vídeo que veréis a continuación:

Pepe & RUBIANES es un emotivo documental dirigido por Manuel Huerga en el que durante el transcurso de una cena de Las viudas de Rubianes se rememorará su vida y los aspectos más destacados de su carrera profesional.

Cargado de frases lapidarias y de más de un anécdota, este documental elabora un retrato desde la perspectiva de su círculo más íntimo, pasando por sus amigos (entre los que encontramos a Serrat, a Joan Gràcia de El Tricicle o al incombustible Carles Flavià), su manager, el Pare Manel, con el que colaboraba cada año y dos de sus antiguas parejas, con las que mantuvo siempre una gran amistad.

Durante hora y media, veremos los inicios interpretativos de Pepe Rubianes, ese espíritu inconformista y soñador que tenía la habilidad de transformar lo cotidiano en carcajadas y que tenía un poder de convocatoria que nadie ha podido igualar.
Como no podía ser de otra manera, los amigos de Pepe hablan de su enorme vínculo con África, su devoción por Lorca, su amor a la libertad, y de cómo su carácter e ideales le jugaron alguna mala pasada, siendo atacado por la parte más retrógrada y conservadora de esta eternamente dividida piel de toro.

Para trazar este retrato, Pepe & RUBIANES también se nutre de material inédito, de grabaciones personales, de momentos clásicos de sus espectáculos y de material televisivo (TV3 y todos los programas que hacía Buenafuente eran como su segundo hogar).

Agradecemos que este Pepe & RUBIANES no haya pecado de lacrimógeno y sea un gran homenaje a uno de los humoristas más irreverentes que ha tenido este país (interpretad la extensión territorial a vuestro antojo).
Además, tiene un montaje acertado y ameno, que tanto a seguidores como a profanos les hará comprender (o conocer) mejor a este irrepetible monologuista.

Nos despedimos por hoy.

Os deseamos un Feliç Sant Esteve y os dejamos con el trailer:

Por lo que nos reímos contigo y por lo que te recordaremos, damos a Pepe &RUBIANES ocho wasabis galaico-catalans.

...Y un bonus track:

Mad Dogs

noreply@blogger.com (Sidhe) — Fri, 23 Dec 2011 08:21:00 PST

Hay muchas Mallorcas escondidas en esa isla bañada por el Mediterráneo. La Mallorca de los que cuando pueden, se escapan en idílicas y recónditas calas, la casposa de los Reyes y los famosos de tercera, la masificada por turistas alemanes y demás elementos que, jarra en mano, pueblan el lugar... Y en esta última nos detenemos, puesto que cinco ingleses con ansias vacacionales serán los protagonistas de esta miniserie británica de cuatro capítulos.

¿Que nos ofrece Mad Dogs? Alvo, un nuevo y petulante rico ( que vive en una casa que ya quisieras tener tú aunque fuese un par de semanas al año) invita a sus amigos de siempre a pasar unos días en Mallorca, y lo que parecen ser unas relajadas vacaciones se tornan en unos demoledores días de extraños sucesos.

En su inicio, vemos el reencuentro de cinco hombres que charlan relajadamente (y beben cervecitas y vinitos de aquí, como debe ser ) cuando un detallito aparece en la piscina.
Poco a poco los iremos conociendo: son Rick, un consultor de finanzas que mantiene una relación con Nina, una mujer que había estado con Quinn. Este es conferenciante (profe), que, cámara en mano, irá dejando testimonio visual de todo aquello que va aconteciendo. También está Woody el más frío y distante. Y, por último, Baxter, un abogado retirado y divorciado que se dedica a vender tecnología asiática, y que por su cáracter afable, suele ser el blanco de todos los comentarios ácidos.

Todo va siendo grabado a modo de recuerdo por ellos: sus cenas, sus salidas, sus bromas... y mientras se divierten y comenten excesos, se dicen lo que piensan deteriorando a la velocidad del la luz las relaciones entre sí.

Hasta que (no quiero spoilear, damas y caballeros) se dejan llevar por una descabellada idea de Alvo y cometen u pequeño delito que será el detonante de una serie de desgracias en cadena.

Tensiones, dilemas y el tiempo corriendo en su contra... Esta miniserie es dinamita en estado puro. Son cuatro capítulos muy recomendables para los amantes de los thrillers de calidad, que mantiene un ritmo vertiginoso desde el minuto cero.

Si tenéis hueco en la agenda (y siempre que la resaca lo permita), para evadiros un rato durante estos días, os recomiendo esta serie.

Por nota, siete festivos wasabis.

Os dejamos con el trailer.

Movida en el Roxbury

noreply@blogger.com (Roswell) — Thu, 22 Dec 2011 00:00:00 PST

What is Love? Bastan estas tres palabras para que una de las canciones estrella del eurodisco noventero resuene en la cabeza, que comienza a moverse rítmicamente mientras el resto del cuerpo también pide marcha.

E inspirada por este inolvidable hitazo nació una de las comedias más absurdas y descerebradas de finales de los 90's: A Night at the Roxbury, conocida aquí como Movida en el Roxbury. Una película con una de las bandas sonoras más alucinantes que se hayan escuchado en una sala de cine, capaz de convertir el salón de tu casa en una auténtica pista de baile.

Súbete al coche de los hermanos Butabi, nos espera un recorrido por los clubs más marchosos.

¡Y ponte traje!

Pero antes de empezar la juerga, escucha esto:

Ahora estás preparado para conocer a los hermanos Butabi, Doug y Steve, que cuando no trabajan en la tienda de flores artificiales de su padre se dedican a ir de club en club, aunque su catedral de la fiesta soñada se les resiste: ni más ni menos que el célebre Roxbury, la discoteca más exclusiva y cool de la ciudad.
Todo parece ir en contra de ellos, hasta que una noche su suerte cambia, pero... cuidado con lo que deseas...

Esta Movida en el Roxbury de 1998 no es otra cosa que una de las muchas adaptaciones de sketches extraídos del exitoso Saturday Night Live, cuyos ejemplos más notorios serían Los Caraconos, El Mundo de Wayne o los inefables Blues Brothers (y secuelas).

El sketch en cuestión giraba en torno a los Roxbury Guys, dos hermanos fiesteros (interpretados por Will Ferrel y Chris Kattan) anclados en lo más cutre y hortera de la cultura discotequera de los 90's, a los que se unían invitados de la talla de Tom Hanks, Jack Nicholson, Alec Baldwin o Sylvester Stallone, siempre a ritmo de la pegadiza canción de Haddaway.

Repasemos uno de sus momentos más recordados, con la participación de Jim Carrey:

Así pues, Movida en el Roxbury es una sucesión de gags hilvanados por un argumento muy liviano, pero no creáis que en esta película solo suena What Is Love de fondo... ahora tenemos todo un compendio de himnos del eurodisco noventero, entre los que se encuentran temazos de (pincha para escucharlos) Ace of Base, La Bouche, Faithless, Bamboo, No Mercy o Amber entre otros, que a más de uno retrotraerán a su época adolescente. Sólo por esto ya merece la pena echarle un vistazo.

Otro aspecto notable de la peli es el elenco de secundarios y cameos, con nombres como Molly Shannon, Dan Hedaya, Michael Clarke Duncan, Eva Mendes, o el mismísimo Richard Grieco haciendo de sí mismo en plena decadencia.

Y bien... poco más que contar, pues Movida en el Roxbury es básicamente un sketch alargado, aunque sus 80 minutos de duración la hacen muy ligerita de ver.

Es una peliculita sin mayores pretensiones que arrancarte alguna que otra carcajada en un día tonto sin pensar demasiado. Ideal para esas tardes de resaca que se avecinan.

Por el buen rato que ha proporcionado a vuestros anfitriones, esta peli no merece menos de 5 bailongos wasabis.

Como curiosidad, no me marcho sin antes citar el Fenómeno What is Love, que consiste en crear gifs animados basándose en el momento en que los protagonistas del sketch van en coche. La cosa ha derivado en propuestas a cuál más surrealista, como podéis apreciar visitando este enlace.

Navidad 2011

noreply@blogger.com (Roswell) — Wed, 21 Dec 2011 03:49:00 PST

En estas fechas tan entgañablez, la reina Sidhe y yo queremos mandar un mensaje de paz y wasabi a todos nuestros lectores.

Durante estos días seguiremos con nuestro mismo espíritu, pero los polvorones y villancicos pueden robarnos algo de tiempo, así que no podemos prometer un ritmo de publicación demasiado intenso que digamos.

Esperemos poder sobrevivir a este cataclísmico 2012 que se nos avecina.

Vean mucho cine, lean libros y comics, escuchen música, pinten, viajen, disfruten de estos días con sus seres queridos... y, en definitiva: sean felices.

¡Feliz Navidad y Próspero Año Nuevo!

Bon Nadal i Feliç Any nou!

Zorionak eta Urte Berri On!

¡Bo Nadal e Feliz Aninovo!

¡Felices Navidaes y Prósperu Añu Nuevu!

(From the bottom of our hearts)

Phenomena Experience: Tiburón + Alien

noreply@blogger.com (Roswell) — Sun, 18 Dec 2011 14:26:00 PST

Phenomena Experience acaba de cumplir un añito, y nada mejor para celebrarlo que con un programa doble con dos clasicazos del cine de terror como Tiburón y Alien.

No podíamos faltar a la cita.

Phenomena Experience es una iniciativa capitaneada por Nacho Cerdà, quien con tanto esfuerzo como mimo se ha propuesto que las películas de nuestra infancia y juventud vuelvan a verse en pantalla grande. Y nos las pone en sesión doble en el Cine Urgel de Barcelona, que se conserva tal cual desde los 70's.

Si estás harto de los maltratos a que como espectadores nos está sometiendo últimamente Hollywood, necesitas ir. Si quieres revivir la magia que sentiste al presenciar el estreno de tus películas favoritas, necesitas ir. Y si crees que no hace falta reestrenar estas películas de los 70's, 80's y 90's que marcaron toda una forma de entender el cine de entretenimiento, más que nadie, necesitas ir.

Phenomena Spot Temporada 2 Cine Urgel from Phenomena Experience on Vimeo.

En esta ocasión, las películas elegidas apenas necesitan presentaciones. Se trata, ni más ni menos, que de la sangrienta película playera con la que Steven Spielberg aterrorizó a medio mundo en 1975, y del clautrofóbico film espacial con el que Ridley Scott aterrorizó al otro medio en 1979.

Pero antes de nada... Bienvenidos al cine.

Tiburón fue la primera película en exhibirse, precedida por un par de trailers... y por un puñado de anuncios a cual más extravagante. Creí morir al ver aquel con ni más ni menos que Eugenio anunciando los pastelitos Bony.

Poco tengo que añadir a todo lo que ya se ha dicho sobre el segundo largometraje del tito Spielberg (tercero si tenemos en cuenta mi admirado telefilme El Diablo Sobre Ruedas). Esta película es responsable del temor que a los tiburones hoy por hoy tiene la mayoría de seres humanos, y dio comienzo a la era de los blockbusters veraniegos tal y como hoy los conocemos, al ser estrenada simultáneamente en todos los cines de USA.

Narrada con un pulso magistral, Tiburón nos hace partícipes de la odisea de Martin Brody, el comisario de policía del pueblo turístico de Amity Island, al luchar no solo contra un escualo con especial gusto por la carne humana, sino además con unas autoridades locales con la habitual gula hacia los dólares manchados de crema bronceadora. Que las playas se manchen de sangre es lo de menos.

Geniales las interpretaciones del inolvidable Roy Scheider, del carismático Richard Dreyfuss y del gran Robert Shaw.

Un ritmo envidiable y la habilidad para poner la cámara que haría famoso a Spielberg, en una obra ganadora de tres Oscars por la que no han pasado los años y que sigue poniéndote los pelos de punta por más veces que la hayas disfrutado... o sufrido. Maravillosa la BSO del incomparable John Williams, con un tema principal que todo el mundo asocia ya a los escualos.

Tiburón es la peli que me hizo aborrecer la playa y me convirtió el el pésimo nadador que ahora soy.

Alien llegó tras la pausa de rigor y precedida también por los trailers de películas y anuncios de la época.

Segundo de los largometrajes dirigidos por el controvertido Ridley Scott, Alien nos lleva hasta las entrañas de la nave de carga Nostromo, que interrumpe la suspensión letárgica de su tripulación al captar una extraña señal proveniente de un inhóspito planetoide. Al ir a explorar el origen de tan insólita llamada, la tripulación se encontrará con un mortífero octavo pasajero.

Mil veces imitada pero nunca igualada, Alien puede presumir de una gran tensión, que hace que su primera parte, aunque lenta, se devore con avidez.

Desgraciadamente, el tiempo la ha tratado mal, sobre todo en lo referente a FX's.

Pero si por algo destaca Alien es por su atmósfera sucia, opresiva y enrarecida, demostrándonos que el terror más absoluto puede llegar hasta los más recónditos rincones del espacio, allí donde nadie puede oír tus gritos. Solo falta añadir los tenebrosos diseños del aclamado artista suizo H.R. Giger, responsable del aspecto de uno de los bichos más famosos del cine, cuyo trabajo le valió a la película un Oscar.
También es notable la partitura de James Horner, dotada de un tenebroso lirismo.

Increíble el elenco de actores, entre los que cabe destacar a John Hurt, Ian Holm, una por entonces desconocida Sigourney Weaver... y al entrañable gato Jonsey.

Inicialmente una película modesta, Alien consiguió salir adelante en la forma en que la conocemos gracias al tesón de Ridley Scott y su magnífico equipo colaborador, que consiguieron con mucha imaginación suplir las carencias de presupuesto, creando la obra fundadora que es, uno de los estandartes del subgénero Body Horror, y dando origen a multitud de sucedáneos y a una longeva saga.

El evento se completó con la entrega a todos los asistentes de un interesante regalo, que mantendremos en secreto, y que a los habitantes de la Wasabi Manor les será muy útil en sus periplos por el espacio profundo. Todo un detallazo por parte de la organización.

Toda una experiencia el ver estos dos peliculones de género que llevaban largos años sin proyectarse en pantalla grande. Se me ponen los pelos de punta con esas pequeñas caídas de audio, esas motitas en el celuloide... es pura magia.

Absolutamente encomiable la labor del inefable Nacho Cerdà. Nuestra enhorabuena por este gran proyecto y nuestras felicitaciones por este primer año de Phenomena. Desde aquí le mandamos un caluroso tirón de orejas, en espera de que este homenaje al cine que con el que crecimos cumpla muchos más.

Imitación de la Vida (John M. Stahl)

noreply@blogger.com (Sidhe) — Fri, 16 Dec 2011 07:59:00 PST

Después del Crack del 29 al que no se las ingeniaba le esperaba un largo y crudo período de penurias. Si a eso le sumamos ser mujer y quedarse viuda con una pequeña a cargo, el futuro no pinta mucho mejor.

Así empieza este clásico melodrama sobre una joven que junto a su sirvienta logra crear un imperio con una deliciosa receta de tortitas. Estamos ante Imitación de la Vida (Imitation of life, 1934)

Hasta llegar a la cima, vemos como evolucionan sus vidas. Mientras Beatrice (Claudette Colbert) cría a su hija en los mejores colegios, su sirvienta, la adorable Delilah (Louise Beavers, que debería ser más recordada...) con su mentalidad y su temor por la moral racial decide educar a su hija (mulata más bien blanquecina) en escuelas de niños de color, lo que hace que la pequeña nunca se adapte y tenga constantes problemas.

En esta Imitación de la Vida (No confundir con su remake de 1959) veremos las diferencias y los abismos que hay entre ellas, como por ejemplo que Delilah siempre será la eterna sirvienta abnegada, y cómo Beatrice se convierte en una atractiva emprendedora, a quien no faltan retos tanto en lo profesional como en lo personal.

Testimonio de la mentalidad de la época y de la incipiente tensión racial en USA y tuvo el mérito de intentar (sin lograrlo) animar a una generación que atravesaba una situación delicada que en ese momento tenían los ánimos por los suelos. Sin destripar la película, hay que reconocer que es de visita obligada para los amantes del cine clásico.

Con la actual Crisis encima, resulta francamente curioso comprobar las similitudes entre estos tiempos y los también críticos años 30, e Imitación de la Vida es una de esas pequeñas obras que nos aproximan a esa visión, desde un inolvidable prisma femenino.

En fin, damas y caballeros, le ponemos por puntuación seis agridulces wasabis (y nos vamos corriendo, que nos espera ni más ni menos que una inolvidable sesión doble en el Phenomena Experiencie )

PD: Si tenéis la oportunidad: The Artist

Gymkata

noreply@blogger.com (Roswell) — Wed, 14 Dec 2011 03:37:00 PST

Llegó el momento.

Por fin tengo el inmenso honor de hablaros de Gymkata, una de las películas más descacharrantemente cutres de los 80, una de esas obras maestras de la chunguez que hacen que te enamores de ellas desde el primer hasta el último fotograma.

No cabe duda de que la combinación del patrioterismo Reaganiano con el cine de acción nos regaló en los ochenta un buen montón de películas a cual más irrisoria, pero el colmo de la ridiculez se lo lleva esta pequeña joyita mediante la que alguien intentó convertir a Kurt Thomas, un gran gimnasta olímpicio americano, en la nueva sensación del cine de explosiones y hostias.

La habilidad de la gimnasia. La destrucción del karate. Todo eso y mucho más es Gymkata.

John Cabot, un brillante gimnasta, es reclutado por la Agencia Especial de Inteligencia (SIA) para entrar en el peligroso (e imaginario) país de Parmistán, un estratégico y peligroso enclave situado en la órbita de la no menos mortífera Unión Soviética.

Allí se somete a todos los extranjeros a participar en una dura prueba conocida como El Juego (que no es más que una especie de gymkana con muchas cuerdas). Los perdedores mueren, y al ganador se le perdona la vida y concede un deseo. El objetivo de la SIA es utilizar a John para ganar la mortal competición y así poder instalar una estación de control de satélites en tan vital y misterioso lugar para evitar que los rusos se les adelanten.

El terrible Juego

Esta es la premisa de que parte Gymkata, y no creáis que estamos ante la enésima peli de acción ochentera pro - USA. No exagero si digo, si afirmo... ¡si sentencio! que es la película que ningún auténtico amante del Séptimo Arte debería perderse.

En la Wasabi Manor hemos podido paladearla en dos ocasiones... y su seguro servidor (que estrecha su mano) no podía dejar pasar la ocasión de darla a conocer al mundo entero.

El terrible protagonista

Nuestro héroe es Kurt Thomas, meteórico medallista olímpico de gimnasia masculina y creador de los movimientos Thomas Flair y Thomas Salto. El error fue ponerle a protagonizar un film de acción, ya que por muy gran gimnasta que fuese, su carita aniñada y su escasa estatura no incitan a ver en él a un duro luchador de las barras y estrellas (dejemos aparte su registro dramático).

De su duro entrenamiento, gracias al que John aprenderá a fusionar la gimnasia con el karate, (y montado a ritmo de AOR americano, como mandan los cánones), destaca la prueba en la que ha de subir una escalera haciendo el pino, y que nos regalará planazos como este:

El terrible entrenamiento

Y si el prota es cutre, no lo iba a ser menos el malo de la función, un musculado y barbudo remedo de Chuck Norris interpretado por el stuntman Richard Norton que ejerce de líder de los ejércitos parmistaníes y, a la postre, de árbitro de El Juego, labor para la que no duda en utilizar las más pérfidas artimañas.

El malvado

El papel de la buena fue a parar a Tetchie Agbayani, actriz y modelo filipina de la que había que aprovechar sus (escasas) habilidades en las artes marciales: ni más ni menos que la princesa Rubali de Parmistán, hija del monarca más hilarante que veréis en una pantalla.

Animando a nuestro héroe

El resto de contrincantes de El Juego también está a la altura de las circunstancias, como podéis ver:

Encomiable estilismo

Llegados a este punto, os preguntaréis: ¿y la acción? Y a eso vamos, amigos, ya que en Gymkata hallaremos algunas de las peores escenas de lucha jamás coreografiadas, incluyendo contrincantes que aprovechan su chalecho antiflechas para darse calorcito (mirad la imagen de arriba), tiroteos de genial puntería mala (menuda escena en la que los esbirros del malo, no es que no hagan blanco en los buenos, sino que se cargan todas y cada una de las botellas que hay encima de un barril... El perrito piloto es tuyo, chaval), y, cómo no, muñecos... muchos muñecos despeñándose por los precipicios por los que atraviesa el recorrido de El Juego.

También nos encontraremos con un vergonzoso aprovechamiento de decorados (nuestro protagonista no duda en pasar dos o tres veces por la misma callejuela en la misma persecución), extras extraídos del cottolengo local (de belleza acorde con la magnitud de la obra) y, como ya he dicho, escenas de acción pensadas para el lucimiento gimnástico de nuestro querido Kurt, con gloriosos momentos que van desde el casual hallazgo de una barra en un callejón...

...A la escena cumbre de la película, en que, perseguido por una enfurecida turba, Kurt Thomas, ese gimnasta, aprovecha un potro (tristemente camuflado como una especie de fuente o algo así) que casualmente se encuentra en la plaza del pueblo por donde le lleva el temible Juego para dejarnos boquiabiertos con sus habilidades deportivas.

En fin, amigos wasabitas... no quisiera privaros del placer de descubrir Gymkata por vosotros mismos.

Todavía os queda mucho por ver, como las "emocionantes" pruebas de El Juego, los descarados cambios de paisaje en una misma escena al aire libre, esas increíbles oscilaciones noche/día... mucho y muy bueno.

Solo quisiera añadir que el bueno de Kurt Thomas fue nominado a un premio Razzie como peor estrella revelación, lo que debería ser suficiente garantía de infracalidad.

A continuación os dejo con el trailer:

Hay mucho que disfrutar en esta película, que haría que los hermanos Lumière se sintieran realmente orgullosos de su invento.

Por ello, y pese a ser una nefasta producción de serie z, Gymkata merece tanto 0 wasabis desde el punto de vista cinematográfico...

...Como 10 wasabazos por la inenarrable (y culpable) diversión que nos puede proporcionar.

Así pues, justa y salomónicamente le otorgo los 5 saltarines wasabis del aprobado.

Porque estamos ante una de esas entrañables pelis malas - buenas que tanto gustan en la Wasabi Manor.

Recomiendo (aparte de esta película, claro) darse una vuelta por la página web oficial de Kurt Thomas, actualmente al mando de un prestigioso gimnasio, el Kurt Thomas Gymnastics Training Center en Frisco, Texas.

Quedaréis anonadados al ver la cantidad de anuncios que ha rodado, descubriréis que ha escrito un libro, que se siente orgulloso de Gymkata (yo también lo estaría), y, si lo deseáis, podéis entrenaros (por unos precios bastante ajustados) por él y su equipo de profesionales.

Hasta la próxima, amigos.

Hasta entoces... haced mucho ejercicio.

Black Mirror: The National Anthem

noreply@blogger.com (Sidhe) — Mon, 12 Dec 2011 12:04:00 PST

Está corriendo como la pólvora, y desde hace unos días Black Mirror está en boca de los seriéfilos de pro.

Como no podía ser de otra manera, desde la Wasabi Manor os comentamos lo que nos ha parecido por el momento esta original y extraña serie que seguro que va a traer cola.

Con un rompedor e hilarante punto de partida, la nueva animalada del actual Rey Midas british Charlie Brooker (lo podéis conocer por la sobrevalorada Deat Set o la recomendable Spoons), Black Mirror es una miniserie de tres capítulos en los cuales se palpa la crítica a las redes sociales, la tecnología y la sociedad 2.0 actual.

Por el momento os hablamos del polémico The National Anthem, primer capítulo que a los amantes de terror psicológico no defraudará.

Secuestrada por un grupo de terroristas, la popular Princesa Susana (apodada Princesa de Facebook y de tropecientas causas sociales muy al estilo de Lady Di) sólo será liberada si el primer ministro británico accede a cumplir un requisito (que tiene bastante miga, todo sea dicho).
El vídeo con la petición y la amenaza de asesinar a la muchacha corre como la pólvora por las redes y todos los medios se lanzan a la yugular para lograr la exclusiva datos o información.

Las redes se mofan, la gente se pega al televisor y el flujo informativo, aun siendo escaso, no deja de llenar las parrillas de la caja tonta con debates y encuestas absurdas.
Pero la cuenta atrás ha empezado y el secuestrador no se andará con tonterías. Con su peculiar savoir faire logrará girar las tornas de la forma más impensable que hay. Además, sobre el primer ministro caerá toda la presión: será obligado por su partido y por todas las instituciones a tomar una determinación.

Los últimos minutos son brutales, humillantes y aberrantes.

Creo que no hay palabras para definir el circo que se orquesta para salvar a la princesa. El morbo de los medios, la bajeza de la sociedad, el mal uso de la información y de las nuevas tecnologías... Más crítica que retrato, pero muy logrado.

Menudo desenlace, damas y caballeros... Si os gustan las emociones fuertes, echad un vistazo a la serie; os dejo con el trailer.

Llámame Peter

noreply@blogger.com (Sidhe) — Fri, 09 Dec 2011 04:54:00 PST

Producción para televisión de la HBO, The Life and Death of Peter Sellers (AKA Llámame Peter) retrata al prolífico humorista como un hombre inseguro de su físico (aunque ególatra empedernido), de personalidad voluble e inestable y con una dependencia enfermiza por su madre.

Repasaremos su peculiar vida y su fulgurante ascenso, partiendo de ser un versátil locutor de radioseriales al conocido actor poliédrico encasillado en el humor. En su plano más íntimo, se destrozaba con ansiolíticos, coca y popper.

Era enamoradizo, infiel (uno de sus mayores pasatiempos), maltrataba a sus mujeres y las relaciones con sus hijos fueron más bien frías. Así fue (según este de biopic) Peter Sellers.

No penséis que todo el metraje es carnaza de prensa amarillista. En la película, Peter (interpretado muy correctamente por Geoffrey Rush) se desdobla en las personas que le rodean (desde su manipuladora madre a Kubrick) y en esos momentos de metacinematografía, todos reflexionan sobre su particular cáracter, que era un compendio de todos los personajes que interpretaba y no el de una persona que viviese en el mundo real.

El tira y afloja con Blake Edwards (John Lithgow sí que lo parte), su búsqueda de perfección interpretativa y su declive, algunas de sus manías más destacadas (como grabar a todo lo que se movía, sus regulares visitas a un vidente de pacotilla o sus polémicos sistemas de interpretación) son plasmadas con gran originilidad.

Llámame Peter contiene más de una escena a tener en consideración (spoilerazo: en su primer infarto, se reune en una especie de cielo con todos sus yo, que son todos sus personajes destacados; en otra divertida escena se muestra su "habilidad" para desquiciar a Kubrick durante las grabaciones).

A destacar el desarrollo de la película (vemos grandes instantes de los rodajes de varias de sus mejores películas) y para colofón, Bienvenido Mr. Chance (mi favorita y creo que la de muchos petersellersianos) que se funde con el final de su carrera y de su vida de forma magistral.

Con gran cantidad de detalles (la fotografía colorista de la época, unos cuidados créditos iniciales...) debo mencionar la banda sonora (llena de sesenteces que siempre están presentes), y añadir que la historia está muy bien llevada, con un tono agridulce que no cae ni en la absoluta tragedia ni la comedia más estrambótica.

El único defectillo es la caracterización: en algunas escenas el látex se percibe demasiado (menudas sesiones maratonianas se calzó el bueno de Rush) pero por lo demás, el resultado es más que aceptable (a excepción de la horrenda actriz que hace de Sofia Loren, puaghhh) y sólo se echan en falta algunas de sus frases lapidarias... pero no es fácil resumir la vida del Inspector Closeau.

Mi nota es de seis misteriosos wasabis.
Eso sí, Llámame Peter sólo puede ser apreciada por fieles seguidores de Sellers.

El Origen del Planeta de los Simios

noreply@blogger.com (Sidhe) — Tue, 06 Dec 2011 05:29:00 PST

Tras nuestro paréntesis andorrano, volvemos a la carga con la recomendable The Rise of the Planet of the Apes.

Neurociencia(de baratillo). Un chorrito deacción. El ingualable y expresivoAndy Serkis.Agitar generosamente y servir cuando el respetable lo permita (tal y como ha ido la cartelera este año, la arrinconaron hasta Agosto, ni más ni menos)... y ya tenemos el reboot (o digna precuela) de la gran El Planeta de los Simios.

César es un chimpancé salvado de una muerte segura por Will Rodman, un científico (James Franco, AKA El Chaval que no Movía ni Músculo Facial) que había probado en su madre un fármaco que lograba unir y regenerar sus neuronas, lo que la convirtió en una primate con capacidades intelectuales muy por encima de la media.

Como el proyecto fracasa, aniquilan a todos los chimpancés y Will se lo lleva a su casa comprobando las increíbles capacidades del monito en su día a día y será, junto a su senil padre, un miembro más del hogar.

Vemos su desarrollo cognitivo, psicomotriz y como acaba siendo una muestra de ontogenia, concretamente de la refutada (y ahora descabellada) Teoría de la Recapitulación, en la cual a grandes rasgos, se habla sobre la supuesta capacidad de que algún mamífero, de manera independiente, sea capaz de evolucionar por sí mismo a lo largo de su existencia lo que otras especies han necesitado hacer durante siglos y con incontables miembros.

Somos testigos de la (r)evolución de César y como cualquier animal que tenga cierto nivel de inteligencia, pasa por varias fases: sufre, ama y reflexiona sobre cuál es su sitio hasta determinar cómo lograr su libertad y la de los suyos con un liderazgo incuestionable para, finalmente, poner en jaque a la sociedad tal y como la conocemos.

¿Qué ofrece esta El Origen del Planeta de los Simios, que a simple vista podría parecer un revoltijo remakero y no lo es?

Pues espectaculares escenas de acción, un buen guión y una trama ágil que tiene un ritmo narrativo que encaja muy bien en la ciencia ficción.

Además, el papel de padre de Franco (menudo apellido) es interpretado por el siempre espléndido John Lithgow y el monísimo protagonista, por muy MadeinPC que sea, tiene mucha más credibilidad y solvencia que un gran nombre de actores de carne y hueso.

Curioso el sentido de la honorabilidad y lealtad de los primates, podrían dar una lección de ética a más de un primate evolucionado que puebla nuestro universo.

Para los amantes de El Planeta de los Simios hay infinidad de guiños que son fáciles de apreciar a lo largo de película, que entronca con la original de Franklin J. Schaffner (no rememoréis el pufo de Burton, gracias...) y sobre alusiones a 2001: Odisea en el Espacio se puede decir exactamente lo mismo. Si quieres ver acción y entretenimiento con cierta calidad, esta es la recomendación de hoy.
Atención también a esos efectos especiales (obra de los chicos de Weta).

Y como perla, un detallito después de los créditos finales.

Esperemos que llegue a buen puerto su (en ciernes) segunda parte.

En la Wasabi Manor nos ha encantado, y por lo bien que se mueve entre la acción y la ciencia ficción le ponemos siete rebeldes wasabis.

¡Me despistaba! Os pongo el trailer, y en breve, más y mejor, damas y caballeros.

Dedicado a Nino, el monito con delirios de humano más increíble que he conocido nunca.

Pan Am

noreply@blogger.com (Sidhe) — Sat, 03 Dec 2011 07:25:00 PST

De aquella clásica y lujosa aerolínea americana, la reconocida Pan American y sus hermosas azafatas parte esta nueva serie capitaneada por Christina Ricci (venga bonita, que vamos por buen camino) y un grupo de moninas que enfudadas en su trajecito azul, nos irán mostrando los entresijos de sus vuelos (personales y profesionales).

La denslenguada Maggie Ryan (Christina Ricci), las hermanas Laura y Katie Cameron que han tomado rumbos distintos pero que trabajan en la misma compañía y Colette Valois que acaba de descubrir que se ha enamorado de un hombre casado que está viajando en su vuelo con su familia, componen el grupo de azafatas y protagonistas principales.

Con flashbacks iremos viendo su pasado, sus decisiones, sus errores... Todo ello con ese aire sesentero y retro que vuelve a pegar tan fuerte y una banda sonora que no tiene desperdicio.
Por otro lado, una de ellas, la carismática Bridget, ha renunciado a su puesto y ha desaparecido, lo que durante estos primeros capítulos le da a la serie un halo de glamouroso misterio.

Por el momento, la serie pinta bastante bien y las tramas son amenas, divertidas y con un toque de intriga.

Cuando acabemos la primera temporada ya os daremos una opinión más extensa.

Disculpad que nuestro ritmo de posteo sea menos regular que siempre, pero entre el día a día y un par de viajes vamos de bólido, para la semana que viene volveremos a la normalidad... ¡Saludos wasabitas!

Un Genio en Apuros

noreply@blogger.com (Roswell) — Wed, 30 Nov 2011 02:48:00 PST

Este año 2011 se cumplían diez del fallecimiento de Eugeni Jofra, conocido por todos como Eugenio. Y yo sin enterarme.

Eugenio era un enorme humorista que apenas necesita presentación. El hombre de negro, que contaba chistes impasiblemente entre tragos de cubata y caladas de cigarrillo... No exagero si lo sitúo entre los máximos exponentes del humor español.

Y fue en aquellos singulares años 80, en que el cine español empezaba a ensanchar sus horizontes, que grandes cómicos dieron el salto al cine, como ya sucediera con Los Hermanos Calatrava o Martes y Trece... y Eugenio no iba a ser una excepción, así que en 1983 se preparó una película a su medida, esta Un Genio En Apuros.

Aunque comenzara a dar sus primeros pasos artísticos como cantautor, Eugenio fue progresivamente introduciendo chistes en su repertorio hasta que finalmente decidiera dedicarse a lo que mejor se le daba: arrancar carcajadas al público mientras permanecía impávido en el escenario.

Y fue esa presencia pétrea, casi melancólica, la que le dio la fama y le valió la simpatía y el cariño del público.

Sus apariciones en televisión fueron las que le hicieron subir al estrellato. Contaba sus chistes sin apoyarse en pantomimas ni imitaciones, con su característico acento catalán, su semblante serio y su fina ironía.
Marcaba hábilmente los tiempos dando tragos a su bebida y caladas a su sempiterno cigarrillo, pero su principal seña de identidad sería la frase con que comenzaba todos sus chistes, entonando con su voz grave y nasal su ya famoso ¿Saben aquel que diu...?

Durante los 80 y 90 la presencia de Eugenio era habitual en los entonces numerosos programas humorísticos españoles. Grababa una cassete detrás otra y gozaba del cariño incondicional del público.

Diversos problemas de salud le obligaron a apartarse de los escenarios a mediados de los años 90, hasta que, desgraciadamente, su vida se truncase de forma prematura cuando falleciera el año 2001 a causa de un fatal ataque al corazón. Contaba con 59 años de edad.

Aun hoy, Eugenio es recordado y admirado por varias generaciones como uno de los grandes mitos del humor.

Y tras esta breve semblanza del simpar Eugenio vamos a la película que nos ocupa.

Para Un Genio en Apuros (titulada en catalán como Un Geni am l'Aigua al Coll), se preparó un guión a la medida de este genio del humor: sarcástico, desenfadado, con un sentido del surrealismo ligeramente absurdo y un ritmo desenfrenado. La película huye de la habitual sucesión de gags a mayor lucimiento de su protagonista para centrarse en hilar una estrambótica trama en la que cabe casi de todo, regada, eso sí, con un sentido del humor blanco y apto para toda la familia... pero capaz de dar de vez en cuando alguna puyita en forma de irónicos comentarios muy críticos con diversos aspectos de la sociedad adulta.

Un Genio en Apuros nos sitúa en la novelesca vida de Eugenio, un peculiar y exuperyano personaje. Artista, inventor, soñador... y padre de una hermosa niña, a la que educa a su peculiar manera, de espaldas al mundo de los mayores.

El resto de su familia no comprende su romántico modo de vida y le obliga constantemente a llevar una vida seria.

Cuando, por enésima vez, nuestro amigo ofrece un guión a un productor cinematográfico, este le promete aceptar uno con tal de que se ciña a los acontecimientos de la vida real, con lo que ese día Eugenio deberá tener en cuenta el ritmo normal de la vida. Y será ese mismo día cuando Eugenio se convierta en improvisado héroe, inmerso en las más rocambolescas peripecias, a las que se enfrentará con su particular estilo.

Para la puesta de largo de Eugenio se contó con un elenco de actores de la mejor comedia española del momento, como José Luis López Vázquez, Agustín González, Antonio Ozores o Juanjo Puigcorbé. Se encargó la dirección a Josep Lluis Comerón (quien realizase Larga Noche de Julio y La Rebelión de los Pájaros con el grupo infantil Regaliz), y, cómo no, la presencia de Eugenio se pasea con pachorra portoda la película, y nunca sabremos si es un pésimo actor o se está interpretando a sí mismo.

Como curiosidad cómplice, hay que destacar el hecho de que Eugenio se afana durante todo el metraje por contar algún chiste, aunque nunca le dejan.

El guión en esta comedia es, como cabría imaginar, una mera excusa para el lucimiento de nuestro querido Eugenio, y las aventuras alocadas e inverosímiles se suceden de principio a fin.

Rodada en 1983, Un Genio en Apuros es una buena muestra del cutrerío ochentero español, tiene un gran valor nostálgico, y ese punto de peli mala-buena que la hace muy disfrutable y altamente recomendable para los fans de Eugenio, o simplemente para curiosos del séptimo arte.

A continuación os dejo con una de las últimas apariciones de este humorista único:

A día de hoy el recuerdo de Eugenio sigue muy vivo en la memoria de la gente, y su legado ha sido recientemente retomado por el cómico conocido como Reugenio, que a modo de tributo se dedica a reproducir sus peculiares actuaciones a lo largo y ancho de la geografía española.

Sirva esta humilde reseña como homenaje a este gran humorista.

Allá va una de las escenas de la película:

Puntuación: 6 desternillantes wasabis.

El Gato con Botas

noreply@blogger.com (Roswell) — Tue, 29 Nov 2011 05:27:00 PST

Si hay una palabra que defina a El Gato con Botas esa es sin duda carisma. Y fantasía, y aventura, y diversión... son algunas de las cosas que encontrarán quienes se animen a seguir las peripecias de este lindo gatito, que en ya en Shrek 2 nos robó el corazón con su miradita felina y su espada salerosa.

Para la puesta de largo de Gato se nos ha preparado una película a su medida: alocada, ligeramente surrealista, aventurera y jovial, ideal para pasar un buen rato con toda la familia sin mayores complicaciones.

No está al nivel técnico ni artístico de las producciones de otros gigantes como Pixar, pero las correrías de nuestro peludo amigo mexicano son un muy meritorio espectáculo, que los amantes de la animación sabrán apreciar.

El Gato con Botas parte de la misma premisa que su saga de origen, Shrek, es decir, un divertido mashup de cuentos populares adaptados a estos tiempos modernos, con el toque gamberro marca de la casa, mucha acción y, cómo no, toneladas de humor, con gags que oscilan entre el slapstick para los más pequeños a bromas algo más elaboradas para regocijo de los más talluditos.

En esta ocasión se nos presenta a Gato antes de tener su encontronazo con el célebre ogro verde (vamos, que estamos hablando de una precuela), y narra la temeraria aventura que nuestro minino favorito tendrá que acometer para robar el legendario tesoro que llevaba toda su vida buscando: ni más ni menos que las judías mágicas, que una vez plantadas permiten acceder a un maravilloso castillo en los cielos cuyo propietario, el gigante, es poseedor de la oca de los huevos de oro. Para ello deberá unir sus fuerzas con un viejo compañero de tropelías, el huevo Humpty Dumpty y, muy a su pesar, aliarse con la gatita Kitty Zarpassuaves. La combinación será explosiva y sus aventuras, tan trepidantes como hilarantes.

El Gato con Botas es quizá la mejor película animada de este 2011 que ya toca a su fin, una aventura vibrante y muy entretenida que hará las delicias de los más pequeños estas Navidades... y que arrancará más de una carcajada a los más mayores, que bien pueden disfrutar de la peli sin la excusa de acompañar a los nanos. Como digo, el entretenimiento está asegurado.

A nivel técnico el estudio Dreamworks nos ofrece un apartado gráfico que, sin ser una obra maestra, da la talla holgadamente para los tiempos que corren.

Hay que destacar la gran expresividad de unos personajes vivos y con alma y los cuidados efectos de luces y sombras, además de las fabulosas texturas de todo lo que vemos en pantalla. A esto hay que añadir el doblaje, que en castellano también cuenta con las voces de Antonio Banderas y Salma Hayek en los papeles principales.

Toda una delicia.

En este Gato con Botas hay multitud de guiños y parodias que los más cinéfilos agradecerán.

Además, los amantes de los mininos no podrán evitar esbozar una sonrisa con las innumerables referencias al universo felino, ya que nuestro héroe, además de un bravo aventurero y un tierno amante es, por encima de todo, un gato muy gato.

Por los divertidos 90 minutos que nos ha hecho pasar, le doy 6 ronroneantes wasabis.