El 27 de marzo de 2012 nació una nueva coleccionista de arte, ella todavía no lo sabe, pero yo, su abuelo, ya lo sé.

Le será muy difícil no contagiarse de la pasión con la que sus abuelos crearon la Colección Valzuela, de la que verá en su padre y en su madre, de la que intentará transmitirle su abuelo con amor y complicidad, de la que algún día le contarán que tenía su bisabuelo, cuando explicaba a sus nietos como hablaba cada cuadro, cada escultura, cada dibujo…

No sé si podrá hacer una colección grande o pequeña, muy valiosa o modesta, eso no importa, pero de  lo que estoy seguro es que, sea cual sea, esa pasión será una ilusión en su vida y disfrutará enormemente en su búsqueda y de su compañía.

Ojalá hubiese muchas más que, como ella, puedan hacer del arte una pasión y del coleccionismo una ilusión.

Obra procedente de la Colección Valzuela 

 

El retrato en el Renacimiento, de Donatello a Bellini. Metropolitan Museum, New York, hasta el 18 de marzo.

Esta magnífica exposición se inicia con el retrato femenino en Florencia en el siglo XV, ciudad y momento en el que el retrato  comienza a conquistar  el gusto y el espacio en las casas y palacios de  familias nobles y de la alta burguesía, siendo calificado como un tributo a la belleza (Virtutem Forma Decorat o la belleza adorna la virtud) .

De ahí el título de este post, que me lleva a hablar de lo que en mi opinión es más relevante de la exposición, pero, sobre todo, de la belleza en el arte.

Toda la exposición es belleza con mayúsculas; obras de Masaccio, Paolo Ucello, Fra Angelico ( dibujo de la colección de Elisabeth II), Fra Filippo Lippi, Sandro Boticcelli, Andrea del Verrochio (escultura), Davide Ghirlandaio, Pisanello (dibujos), Andrea Mantegna, Gentile Bellini (dibujo), Jacopo Bellini, etc.

Siempre he sido un convencido de que la belleza (en su sentido más amplio) es un acompañante  básico y natural del arte de todos los tiempos. Virtutem Forma Decorat, o  la belleza adorna la virtud (es decir la maestría).

Qué magníficos ejemplos de belleza en esta exposición:

Belleza serena, romántica, frágil, casi táctil (pelo y brocado del vestido) en la obra de Antonio de Pollaiuolo (1).

Belleza  tierna, en la expresión del nieto preferido hacia el abuelo, que parecería enfrentada al reflejo de la enfermedad de este último y que sin embargo se hermana con ella, gracias a la belleza de la expresión del amor  que Domenico Ghilandaio consigue imprimir a la cara del abuelo. (2)

Belleza de la muerte presentida, en la gran obra de Jacopo Bellini que representa a San Bernardino de Siena. (3)

Belleza en el diálogo sin palabras que inmediatamente se establece con los bustos femeninos de Desiderio Settignano (4) y Andrea del Verrochio (5).

Soy consciente de que mi tesis sobre la  belleza (incluso en su sentido más amplio ) en el arte, y más todavía en el Arte Moderno y Contemporáneo, es controvertida, pero ¡qué gran argumento a mi favor constituye esta exposición!

Imágenes:  www.metmuseum.org

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Personalmente pienso que ARCO 2012 ha ganado en calidad y sigue trabajando   por su internacionalización.

Conseguir un buen nivel en ambos aspectos es fundamental si se quiere tener una feria de arte contemporáneo que pueda codearse con las que verdaderamente cuentan en el mercado global del arte.

Es evidente que la dirección de ARCO ha apostado por trabajar en esa dirección: a través de la selección de las galerías admitidas, convenciendo a galerías internacionales de calidad para que vengan, repitan o vuelvan y haciendo una buena selección del país invitado y de su representación.

Pero conseguir resultados no es fácil.

La selección, fundamental para conseguir la necesaria calidad, es ingrata  sobre todo cuando no hay más remedio que descartar algunas galería españolas.

La internacionalización es enormemente difícil en el entorno actual,  en el que la disminución o ausencia de presupuestos en museos e instituciones son la norma, en el  que el coleccionismo privado, aunque muy activo, es todavía pequeño y en el que el pesimismo de la sociedad española parece haberse instalado. Por otra parte el desplazamiento del mercado del arte contemporáneo hacia China, Rusia…. y la cada vez mayor primacía de EEUU y su casi monopolización del interés y el comercio del arte contemporáneo latinoamericano, no ayudan en nada.

Por eso me parece muy meritoria  la edición de ARCO 2012, aunque ni el país invitado, Países Bajos, ni su representación hayan ayudado nada.

Es evidente que ARCO, como feria comercial, necesita que los participantes vendan, es la única forma de  que la las buenas galería asistan y la propia feria pueda competir con sus homólogas internacionales.

A quien le ha ido bien en ARCO?, pues como siempre a las galería que han presentado un buen binomio de artistas interesantes y obras representativas y de calidad. No es una cuestión de suerte, al final es calidad y acertada gestión.

Que satisfactorio es comprobar como hay algunas galerías españolas fantásticas,  que contribuyen siempre de forma importante al éxito de ARCO y que son capaces de desenvolverse extraordinariamente bien en las principales ferias internacionales.

Se está haciendo camino…. y aunque no consigamos estar en  primera división (Basel, Frieze, Miami Art Basel, The Armory Show, FIAC…) merece la pena apoyar ARCO, al final la sociedad española y el coleccionismo privado y público lo necesitan.

Máximo exponente de la vanguardia española, maestro de la abstracción, representante del informalismo, gran creador de la pintura matérica, coincidente con los postulados del arte povera… Así se le ha calificado en muchas ocasiones, pero qué más da, lo indiscutible es que Tàpies es uno de los grandes maestros de la pintura internacional de la segunda mitad del siglo XX.

Poco clasificable,  artista profundo, espiritual, humilde, filosofo y poeta de la pintura con su particular utilización de las palabras y los signos. Como los grandes, creó un lenguaje propio – sensible y fuerte, místico y a veces trágico – que ya ha ocupado su lugar en el escenario del arte internacional.

Recuerdo, haber visto, muy al principio de los años 60, mi primera exposición de Tàpies y haber deseado comprar una obra suya que me cautivó y cuyo precio era entonces irrisorio aunque demasiado alto para mi economía de aspirante universitario. Muchos años más tarde pude comprar una obra suya y conocerle personalmente, hoy disfruto con la obra y el recuerdo.

La Colección Valzuela  se enorgullece en tener una representación de su legado,  y hoy, junto a la tristeza por su muerte, quiere rendirle su particular homenaje al mostrar una de nuestras obras más queridas.

El riesgo de que las expectativas superen a la realidad…

(Cuando una exposición involucra a dos de los mejores museos del mundo, las expectativas son inevitablemente muy altas).

El museo de El Hermitage, en San Petersburgo, está formado por diferentes palacios a orillas del Rio Neva. Fué comenzado por Pedro I el Grande, el zar que fundó la ciudad en 1703, y fueron especialmente importantes en su desarrollo posterior  Catalina II la Grande y su nieto Nicolás I. Sus enormes y extraordinarios fondos, que hacen del Hermitage un museo único, provienen básicamente de las colecciones  de los zares que fueron nacionalizadas tras la revolución de 1917.

La exposición está organizada en IX secciones, se inicia por “Los Zares fundadores del Hermitage”, con retratos de  Pedro I, Catalina II, Nicolás I  etc. y “San Petersburgo y el Hermitage”, con oleos de vistas del Palacio de invierno y dependencias del Museo por Benjamín Patersson, nombrado pintor oficial de la Corte Imperial en 1800.

Aunque es clara la necesidad de poner en contexto la exposición, este inicio es pobre y poco atractivo, desde el punto de vista artístico, y más todavía si tenemos en cuenta que estamos hablando de la puesta en escena de uno de los mejores museos del mundo.

Continuamos con “El oro de los nómadas de Eurasia” con maravillas como Peine con escena de batalla (siglo V/IV a.C.) y con “El oro de los Griegos” que sigue mostrándonos excepcionales piezas como: Torque con jinetes escitas (siglo IV a. C.), Diadema con nudo Hércules (siglo II a.C.), etc. Aquí sí se muestra el Hermitage en todo su esplendor.

Seguimos con las salas dedicadas a” Pintura, Escultura y Dibujos de los siglos XVI-XVII.”, con muy buenas obras de Lotto, Ribera, Caravaggio y con otras de grandes artistas que difícilmente pueden competir con las que alberga el museo anfitrión. Que pena que el Hermitage no haya sido más ambicioso en la selección de las obras de la muestra.

Pasamos por “El Hermitage escenario de la Corte” con vestidos y uniformes de gran riqueza y entramos en “Pintura, Escultura y dibujos del siglo XVIII”, donde estan muy bien representados, entre otros, artistas como Antón Ráphael Mengs, Antonio Canova, Jean-Antoine Houdon… pero donde también echamos de menos la riqueza de los fondos del Hermitage.

La penúltima sala es la dedicada a las “Artes Decorativas de Oriente y Occidente”, donde veremos piezas de una riqueza y belleza sorprendentes como las Horquillas de la Dinastía Ming (siglos XVI-XVII), Sable con vaina en oro, plata, esmaltes y piedras preciosas (Irán, siglo XIX), Cinturón de terciopelo, piedras preciosas, hilo de oro y plata (Uzbekistan, siglo XIX), Ramo de acianos y espigas de avena de Fabergé (c. 1900).

La exposición finaliza con “Arte de los siglos XIX Y XX”, y no es ésta época, sobre todo el siglo XX, por la que el Hermitage  ha ganado su mítica imagen como museo. En cualquier caso hay obras que no debemos dejar de ver, personalmente nos han gustado, entre otras, Kees van Dongen (mujer con sombrero negro), Kazimir Malevich (cuadrado negro) y  Wasily Kandinsky (Composición VI).

Como resumen, una exposición con”Sombras” y “Luces”.

“ Luces” en las extraordinarias secciones de “El oro de los nómadas de Eurasia”, “El oro de los Griegos” y “Artes decorativas de Oriente y Occidente” y” Sombras”, tanto en su inicio, como en la “Pintura, Escultura y Dibujo de los siglos XVI-XVII, XVII Y XIX-XX”, en las que, sin duda, hay algunas muy buenas obras pero parece como si los comisarios de la muestra no hubiesen tenido en cuenta que el museo anfitrión era nada mas y nada menos que El Prado y que debían mostrar lo mejor del Hermitage para poder cumplir las altas expectativas generadas.

(Resultado de las subastas de Christie`s y  Sotheby`s en Nueva York, 8, 9 y 10  de noviembre de 2011).

Excelentes resultados a pesar de la difícil situación…  ¿Son los coleccionistas americanos y europeos  o los nuevos compradores chinos, rusos etc.  o  ambos,  los responsables de estos increíbles resultados?

¿Se están convirtiendo las grandes obras en un nuevo producto de inversión?

Las recientes subastas de Christie’s y Sotheby’s  en Nueva York han demostrado que el arte de Post-guerra y Contemporáneo tiene un excelente comportamiento en el actual momento de crisis:

• Christie’s ofreció 506 lotes y vendió el 79,25%  por un valor total (incluido buyer´s Premium) de 280,6 millones de US$ (699.768 US $ de valor medio).

• Sotheby’s puso a la venta 582 lotes y vendió el 82,7% por un valor total de 370,1 millones de US$ (822.497 US$ de valor medio).

En la subasta de la tarde consagrada a los mejores lotes:

• Christie’s puso a la venta 90 lotes y vendió el 88,9% por un valor total 220,8 millones de US$ ( 3.507.549 US$ de valor medio). El lote de mayor precio fue un Roy Lichtenstein de 1961, óleo y grafito sobre lienzo, 122 x 122 cm. por 43,2 millones de US$, y el de menor una instalación de video, 20/40, de Bruce Nauman por 386.500 US$

• Sotheby´s ofreció 75 lotes, vendió el 82,7% por un valor total de 315,8 millones de US$ ( 5.094.145 US$ de valor medio). La obra vendida de mayor precio fue un Clifford Still de 1949, óleo sobre lienzo, 236 x 201 cm, por 61,7 millones de US$ y la de menor precio una instalación de Cady Noland por 422.500 US$.

Moderados precios de salida y muy buenas obras han sido la tónica y sin duda una de las razones del muy buen comportamiento de las subastas de la tarde.

Christie’s ha tenido buenos resultados con obras de Roy Lichtenstein, Louise Bourgeois, Ed Ruscha, Andy Warhol, Andreas Gursky, Robert Ryman…

Sotheby’s con Clyfford Still, Gerhard Richter, Francis Bacon, Joan Mitchel…

En las subastas durante el día, que son donde se ofrecen la mayoría de los lotes y no los más exclusivos:

Christie’s adjudicó, con importantes incrementos sobre los precios de salida, obras de Takashi Murakami, Yositomo Nora, Shirin Neshat, Agnes Martin, Jean-Michel Basquiat, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, George Condo, William Kentridge, Vik Muniz…

Sotheby’s obtuvo buenos resultados con obras de Andy Warhol, Frank Stella, Jean- Michel Basquiat, Franz Kline, Alexander Calder, Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Vik Muniz, Helen Frankenthaler…

Los buenos resultados se han polarizado hacia los artistas internacionales más conocidos y hacia las obras mejores y más atractivas, se busca lo mejor  y se esperan condiciones razonables…

La oferta está concentrada, no son más de 350/400 artistas (Marcas realmente…) los que juegan un papel importante y recurrente en el mercado internacional.

Algunos comentarios y reflexiones que nos han suscitado varias visitas a Feriarte.

* La feria da cabida a Anticuarios y Galerías de Arte que presentan buenas y muy buenas piezas y otros que ofrecen una calidad mediocre y a veces mala.

• ¿Para cuándo una feria más homogénea y de mayor calidad?

• En tiempos difíciles la gente sí apuesta, lo hace por piezas de calidad que preserven y/o aumenten su valor con el  paso del tiempo.

• Calidad a su precio es siempre una buena opción, lo malo o mediocre nunca da satisfacciones.

*  Las Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo (pintura, escultura…) ocupan un espacio cada vez mayor.

• ¿Y por qué no ?, el arte es cada vez más integral, un buen objeto o un buen mueble del XVIII o XIX, conviven extraordinariamente bien con una buena pintura, escultura o mueble de diseño del XX o XXI.

• Los grandes artístas no siempre hacen grandes obras, es importante la autoría, pero nunca debemos olvidar la calidad intrínseca de la propia obra, a veces que pena da la firma de ciertos cuadros.

• Todos los grandes artistas han sido emergentes alguna vez, otra razón más para pensar en la calidad de la obra y, para en caso necesario, dejarse asesorar por un buen profesional.

5 de noviembre 2011 – 20 de febrero 2012

Francesca Woodman (1958-1981) fue una artista decisiva en su tiempo.

Treinta años después de su muerte, su obra llama la atención poderosamente por sus brillantes ambigüedades y por la extraordinaria riqueza de sus exploraciones del autorretrato y del cuerpo en los espacios arquitectónicos.

Esta retrospectiva, la primera en EEUU en más de dos décadas, presenta el complejo trabajo de la artista hasta su suicidio a la edad de 22 años.

Junto con videos y libros de la artista, las fotografías que se exponen, algunas de ellas nunca mostradas anteriormente, conforman el retrato de una artista comprometida con las principales preocupaciones de la época, feminidad y subjetividad femenina, la naturaleza de la fotografía, pero con una diferente y profunda visión personal.

Esta exposición, organizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco, ha contado con el apoyo de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales y por la Fundación Robert Mapplethorpe.

Francesca Woodman está representada en la Colección Valzuela con las siguientes obras:

Durante casi semana y media, entre los días 19 y 27 de noviembre, Madrid albergará Feriarte, la feria de Arte y Antiguedades más interesante que se celebra anualmente en nuestro país.

Este año, en su 35 edición, serán 128  expositores, frente a los 140 del año 2010, los que mostrarán para su venta directa, arte antiguo, artes decorativas y pintura-escultura moderna y contemporánea.

En los últimos años la presencia de galerías de pintura del siglo XIX, moderna y contemporánea no ha dejado de crecer y de hecho la edición de 2010 superó ya el 20% de los profesionales participantes.

Feriarte, se celebra en el pabellón 4 de la Feria de Madrid (entrada sur en el recinto del Campo de las Naciones) en horario de 12 a 21 horas. El precio de la entrada es de 10€; y del catálogo, 15€.

Esperamos y deseamos un mayor nivel de calidad que en ediciones pasadas, pues  en la difícil situación económica  que estamos viviendo, las piezas más atractivas y de mayor calidad son las que  verdaderamente pueden  convencer a los amantes del arte, impulsar el mercado y lograr que Feriarte sea un éxito.

Para los coleccionistas y amantes del arte, estas dos semanas de noviembre, son también un magnífico momento para acercarse a visitar otros Anticuarios y Galerías de Arte de calidad de Madrid  y disfrutar de  sus “tesoros”.

Sigue manteniendo un muy buen nivel con un innegable toque francés, desigual calidad entre las galerías  y gran éxito comercial.

Este año, debido a las obras que se llevan a cabo en el Carré del Louvre, han sido 168 galerías (198 en 2010) las que han  participado en Fiac.

Situadas las principales en la planta baja y las más emergentes en el primer piso, la diferencia en interés era realmente importante.

Personalmente, me pareció de mayor calidad la feria el año pasado. Como es habitual, Fiac sigue manteniendo un toque francés, superior a otras ferias  y ello a pesar de que eran 21 los países representados.

Los comentarios sobre el resultado comercial (70.000 visitantes) han sido especialmente favorables y ya se le adjudica la etiqueta de tremendo éxito y se induce que el mercado del arte resiste especialmente bien a la situación.

Nos ha gustado la Galería Emmanuel Perrotin, con obras de Takashi Murakami,  Wim  Delvoye,  Sophie Calle, Xavier Veilhan.

Pace Gallery, con una parte de su stand dedicado a Loris Greaud (también en Yvon Lambert) que próximamente expondrá en el Centre Pompidou.

Elvira González, con un stand dedicado a Robert Mangold (obras de 1966 a 2005) y un estupendo y habitual nivel de calidad.

Interesante y llamativa obra  de la artísta española Pilar Albarracín en la galería Georges-Phillipe & Nathalie Vallois.

Buena obra sobre papel de Le Corbusier,  Leger etc. en Galerie Zlotowski

Importante representación, en la feria, de obra de François Morellet,  Anthony Gormley , Cindy Sherman, Bill Viola, Stephan Balkenhol, Louise Bourgeois, Tony Cragg, George Condo…

Se pueden ver algunas obras de los 2861 artistas representados en el siguiente enlace obras Fiac

Merece la pena una visita, la única duda: ¿Es la  segunda o la tercera feria de Arte Contemporáneo más importante de Europa?