I followed you to the sun

La galería Lehmann Maupin de N.Y., presenta, en sus dos salas de 540 west 26th street y 201 Chrystie street, la obra reciente de Tracey Emin “I Followed you to The Sun”.

Emin, nacida en Londres, formada en el Royal College of Arts, finalista del premio Turner, 2ª mujer  en la historia (la 1ª Bridget Riley en 1968) que ha representado a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 2007 y nombrada por la reina de Inglaterra “Commander of the Most Excellent Order of the British Empire” por su contribución a las artes visuales, es una de las más significativas artistas contemporáneas a nivel mundial.

Es internacionalmente reconocida por la forma directa y contundente con la que sus obras, muchas veces casi una traducción de sus experiencias personales íntimas, contagian o provocan en el espectador una amplia gama de emociones: shock, empatía, nostalgia, tristeza, autoreflexión…. Como artista utiliza la pintura, el dibujo, el neón, el bordado, la escultura, la instalación, la fotografía y el vídeo.

You have no idea how safe you make me feel

I whisper to my past do I have another choice

Quizás lo más interesante de esta exposición está en la sala de la calle 26th, una serie de 7 esculturas de  bronce que realizó en 2012 en la fundición de Long Island, que utilizaba Louise Bourgeois, con la que Emin había colaborado. En cada bronce patinado en blanco (edición de 5 copias y 2 AP), está grabada una de las confesiones íntimas de la artista, y sobre el pedestal, como en los antiguos sarcófagos, hay una pequeña escultura de animales y figuras humanas. También se puede ver un vídeo titulado “Love never wanted me”, en el que se ve a un zorro en el campo, Emin nos hace partícipes del dolor asociado al amor fugaz y acaba declarando: “The broken heart is a lonely world and this is the love I know” (El corazón roto es un mundo solitario y ese es el amor que yo conozco).

En la sala de Chrystie street la obra se centra en una serie muy personal de  autorretratos en gouaches sobre papel, titulada “Lonely Chair Drawings”. En esta serie, Emin representa una mujer solitaria en posiciones acordes con su propio estilo gestual. Las imágenes provienen de fotografías que ella tomó de sí misma en Francia y que provocan intensas emociones de añoranza y tristeza.

A feeling of past

That is how you make me feel

Unos breves trazos, una sencilla frase y las emociones aparecen, así es Tracey Emin.

Obra de Julie Mehretu de la exposición Liminal Squared

Liminal Squared se titula la extraordinaria exposición individual que Julie Mehretu presenta en la galería Marian Goodman de Nueva York (24 west 57th street N.Y.)

Aunque nacida en Etiopía (1970), ha crecido y estudiado en Michigan (USA) y en la actualidad vive y trabaja en Nueva York. Su pintura, con gran carga social y autobiográfica, logra un lenguaje visual, estético  y técnico, nuevo y enormemente atractivo.

Sus obras significativas, por no decir las “completas”, son las obras grandes y se estructuran en capas: fondo de lienzo blanco, trazos arquitectónicos de edificios, palacios, diseños urbanos junto con antiguos planos y mapas de ciudades que parecen sustentar, actuando de soporte, a nuevas capas de  líneas, de trazos gestuales y abstractos de grafito, tinta… que se asemejan a paisajes orientales, caligrafías… algunas borrosas, otras marcadas o borradas. Mehretu parte de la premisa de de que la arquitectura es una representación de la historia social y del poder y continúa imaginando un presente nuevo, una topografía ficticia realizada, sobre la anterior, con su característico vocabulario formal.

Obra de Julie Mehretu de la exposición Liminal Squared

Mehretu declara: “Estoy interesada en el potencial de las “psycogeografías” que sugieren que dentro de un espacio invisible y creado, la persona  puede utilizar un recurso de autodeterminación y resistencia. Este impulso es una gran fuerza generadora en mi dibujo y mi principal proyecto conceptual como pintora”.

Extraordinaria artista y extraordinaria exposición que aquellos a quienes les guste el Arte Contemporáneo y estén en N.Y. en mayo y junio deberían ver.

Recientemente una  de sus  obras significativas, se ha vendido en Sothebys por 3.077.000 USD.

Paul McCarthy, Balloon Dog (2013), Hauser & With Gallery

En su segunda edición, la feria de Arte Contemporáneo Frieze New York (10-13 mayo) se consolida y parece ganar terreno, en el arte más actual, a la tradicional Armory Show.

Más pequeña que su rival y solo centrada en Arte Contemporáneo, Frieze tiene indudable potencial de mejora y personalmente me parece ya más actual y más internacional que su rival Armory Show. Es siempre curioso ver cómo una feria de arte británica (y revista en el origen) rivaliza con fuerza, en el corazón del mercado del Arte Contemporáneo por excelencia: el de EEUU.

Su emplazamiento en la isla Randall Park (magnífico su  servicio de ferry y de autobuses) y sus esculturas en el parque durante la feria hacen todavía mas agradable su visita, claro, estamos ya en mayo…

Muy buenas galerías, tanto en el programa general como en Frame (un solo artista) y Focus (galerías emergentes).

A los que nos gusta el Arte Moderno, lo echamos en falta. La extraordinaria iniciativa, de rotundo éxito, del año pasado en Londres de Master Frieze (arte antiguo y arte anterior al siglo XXI) ya se pide en Nueva York, sería un complemento de enorme interés y seguro que una estupenda oportunidad de mercado.

Muy buenas obras, a continuación podéis ver algunas que me gustaron, los precios tremendos: cada vez son menos razonables los precios relativos del arte más actual, pero está claro que el mercado los soporta y los hace crecer, incluso en estos difíciles momentos.

Nueva York en mayo es una delicia y si podéis coincidir con Frieze 2014, será un magnífico plan.

Cindy Sherman, Untitled Film Still, 32 (1979)

Conrad Shawcross, Icosahedron Yellow Glass (2013), Victoria Miro Gallery

Thomas Demand, Hole (2013), Esther Schipper Gallery

Gary Hume, Cherry Blossom (2012), White Cube Gallery

Matthew Day Jackson, Domestic Space (2013), Hauser & Wirth Gallery

Jack Pierson, Drug Dealers And Movie Stars (2012), Regen Projects

Tsuruko Yamazaki (founding member of Gutai Art), Take Ninagawa Gallery

Francis Alys, Re-enactments Mexico (2000), Peter Kilchmant Gallery

Roe Ethridge

Doug Aitken, Art (2012), 303 Gallery N.Y.

Barbara Kruger, Stay/Go (2008), Sprüth Magers Gallery

Tenía mucho interés en ver esta exposición; por una parte, para contemplar un conjunto muy completo de sus obras de diferentes épocas, y por otra, para obligarme en cierto modo a clarificar -y expresar- mi propio punto de vista sobre el artista.

Que Hirst es un artista polémico y provocador no lo duda nadie; sus obras, su repercusión mediática, sus entusiastas defensores, sus intransigentes detractores, los imposibles precios que alcanzan sus obras, la forma en que, contra viento y marea, ha roto las reglas de mercado, estableciendo las suyas…, todo apunta en la dirección de la polémica. El mismo Hirst declara: “La vida y la muerte son las mayores contradicciones que existen, me gusta el amor y me gusta el odio, me gustan las contradicciones; dentro y fuera, feliz y triste… en mis obras siempre intento decir algo y negarlo al mismo tiempo”. No cabe duda, si Hirst se encuentra como pez en el agua creando y alimentando esa dualidad, ¡cómo no van a ser polemicos él y su obra!

Antes de comentar la exposición, me parece interesante opinar sobre algunas cuestiones tan polémicas como la propia obra de Hirst y que están en los comentarios y opiniones de mucha gente: ¿Es Hirst un artista o un farsante y embaucador?, ¿formarán sus obras parte de la historia del arte del siglo XX/XXI , o serán totalmente olvidadas?, ¿Podrán mantener su enorme valor? Contestar a estas preguntas significa comprometerse, mucha gente ya lo ha hecho y un gran número de personas, alguna de enorme relevancia en el mundo de las artes literarias (Vargas Llosa, El honesto embaucador), consideran que Hirst no es un artista y que sus obras rondan la tomadura de pelo, algunos, Vargas Llosa entre ellos, lo expresan con tanta acritud y pasión descalificadora como provocadoras son las obras de Hirst; casi parece una estricta aplicación de la ley del Talión “ojo por ojo y diente por diente”.

Cuando pensé en un título para la sección de Arte Moderno y Contemporáneo de la Web de la Colección Valzuela, opté por la expresión “La aventura de la libertad“, intentaba decir que la expresión artística debía ser totalmente libre, carente de corsés, de ideas preconcebidas, de dogmatismos…, quería expresar que la creación plástica era una verdadera aventura, donde la ruptura podía y debía estar presente, donde el lenguaje empleado podría avanzar tanto que nos sorprendiese y que inicialmente lo rechazásemos, me parecía que muchas veces la realidad de la obra artística iría claramente por delante de nosotros.

En realidad no estaba diciendo nada nuevo, era repetir la constatación de la realidad de la evolución de la historia de las artes plásticas, ¿o es que ya hemos olvidado que a los impresionistas se les insultó en su época?, ¿que tuvo que pasar mucho tiempo para que artistas como Van Gogh, Modiglani y un largo etcétera, en el que incluso podríamos incluir a Picasso, fuesen reconocidos y apreciados fuera de los círculos artísticos? ¿Y no nos acordamos de las obras de aquellos artistas que nosotros mismos rechazábamos tajantemente hace unos cuantos años y ahora nos parecen fantásticos? ¿Qué ha pasado? Pues a mi juicio ha pasado lo mismo que ha pasado desde el principio de los tiempos y lo mismo que, con toda probabilidad, seguirá pasando: que la creación plástica, afortunadamente, va por delante de nosotros y que el tiempo es posiblemente el único juez imparcial que acostumbra a dejar clara, y también a revisar, su opinión.

Pues sí, personalmente creo que Hirst es un verdadero artista, absolutamente provocador pero artista, que partiendo de reflexiones nada novedosas (la muerte, el ciclo de la vida, la fragilidad, el cuerpo humano…) las expresa a veces con un lenguaje tradicional pero casi siempre con uno diferente, nuevo y provocador. Algunas de sus obras forman ya parte de la historia del arte contemporáneo y mi personal, y por supuesto discutible, opinión es que creo que el tiempo las ratificará, a pesar de lo efímero de algunas de ellas. En cuanto al valor de sus obras, la sociedad contemporánea nos tiene acostumbrada a valorar brutalmente, lo único, lo sorprendente, lo notorio, lo exclusivo, lo popular… y me parece que así seguirá pasando, básicamente, con las principales obras de Hirst.

Al entrar en la exposición, veíamos los primeros, y para mí atractivos, trabajos, nada provocativos por cierto, que incluyen las reconocibles pinturas de puntos de colores (Spot Paintings) que tienen su origen en el intento de encontrar una estructura en la que Hirst pudiese controlar el color sin que el color controlase su obra, y que se han convertido casi en la marca Hirst, y la serie Boxes con evidente influencia de los minimalistas americanos.

En las siguientes salas se exponían los primeros armarios de medicinas (Medicine Cabinets), realizados a finales de los 80 y en los que se ven, perfectamente organizados, remedios para diversas dolencias y partes del cuerpo humano, en lo que parece ser una forma de representar la fe de muchas personas en la medicina moderna y también una forma de visualizar el cuerpo humano y sus diversas partes y órganos. Algunos de ellos están titulados con las canciones del álbum “Never Mind the Bollocks” de los Sex Pistols.

Una gran vitrina de cristal contenía  una de las obras más brutales de la exposición (A Thousand Years 1990): una cabeza de vaca putrefacta rodeada de miles de moscas vivas, que continúan el ciclo de la vida depositando sus huevos, y otras tantas muertas, electrocutadas por un sistema anti-insectos, que finalizan su ciclo vital. Hirst aplica su principio de incorporar objetos reales llenando una limpia y minimalista vitrina con la suciedad de la materia orgánica asociada a la vida y a la muerte, y reproduciendo, sin control humano, el nacimiento, el desarrollo y la muerte.

Hay una buena representación de obras de la serie de Historia Natural, basada en animales conservados en líquidos. Comienza con las primeras obras de diferentes peces “Isolated Elements Swimming in the Same Direction for the purpose of Understanding (Left) and ( Right), 1991″, de corderos, “Away from the Flock, 1994″, “Black Sheep, 2007″, de terneros ” Mother and Child Divided, 1993″ y de tiburones “The Phisical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991″. En estas series, Hirst recuerda sus años en Leeds, donde asistía en el mismo edificio del museo de su ciudad a exposiciones de historia natural y de arte. En la serie de tiburones, Hirst materializa una idea que escribió siendo estudiante y que consistía en provocar miedo en el espectador al pensar que está en el mismo espacio que un tiburón.

Además de los armarios de medicamentos, Hirst realizó vitrinas conteniendo objetos presentados como muestras de museo, con Cigarrillos “Dead Ends Died Out, Examined 1993″, Conchas, Instrumentos quirúrgicos, pildoras “Lullaby the seasons, 2002″, Diamantes, etc. que pueden verse en la exposición. Personalmente, las de píldoras y diamantes me resultaron atractivas y especialmente plásticas.

La serie de pinturas circulares, “Spin Paintings”, realizadas mecánicamente con esmalte y con las que el artista pretende materializar una especie de celebración, al azar, del color, me parecen menos interesantes.
Dos salas también polémicas, las que contienen lienzos blancos donde algunas mariposas, que nacen y viven en las salas, revolotean entre los asistentes, y otras han quedado pegadas a ellos. Nuevamente la dualidad, de la vida, la muerte, la belleza, el horror…

Sin dejar las mariposas, esta vez como símbolo de belleza y de fragilidad de la vida, Hirst realiza minuciosas y delicadas obras con sus alas y cuerpos, recordando vidrieras medievales “Doorway to the Kingdom of Heaven, 2007″ y “Sympathy in White Major- Absolution II, 2006″. Casi parece mentira que estas almibaradas obras las haya hecho el mismo autor de otras tan brutales y provocadoras.

No quiero acabar sin citar dos obras sorprendentes e interesantes; “The incomplete Truth, 2006″, una paloma suspendida en formaldehído que parece volar y se asemeja a la iconografía cristiana del Espíritu Santo, del Mensajero de la Paz… y “For the Love of God, 2007″, una calavera humana revestida de 8.601 diamantes, con uno de tamaño excepcional en la frente y que fue vendida por 74 millones €, aunque luego se supo que el propio Hirst participó en el consorcio que compró la obra.

Estoy seguro que se seguirá hablando mucho de Hirst, a algunos les parecerá interesante, les gustará y defenderán su obra, a otros- quizás en mayor número- les disgustará, no lo valorarán e incluso pensarán que eso no arte, y por último habrá también quienes -espero que los menos- se enrocarán en su arrogancia para descalificarle e intentar, a toda costa, que todo el mundo tenga su misma opinión. Pienso que en el mundo del arte, es siempre el tiempo y el mercado los que acaban decidiendo… y hoy por hoy, gana Hirst.

(La exposición ha terminado, pero tendrás más oportunidades de ver la obra del polémico Damien Hirst. Aunque seas crítico con su obra, si puedes, debes verla. Confirmarás o cambiarás tu propio punto de vista, que es lo importante).

Spot Painting, 1991

Boxes, 1988

Medicine Cabinet, 1989

A Thousand Years, 1990

Isolated Elements Swimming in the Same Direction for the Purpose of Understanding, (right), 1991

Away from the Flock, 1994

Black Sheep, 2007

Mother and Child Divided original, 1993

The Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991

Deads Ends Died Out, Examined, 1993

Lullaby, the Seasons, 2002

Spin Painting

Doorway to the Kingdom of Heaven, 2007

Simpathy in White Major-Absolution II, 2006

The Incomplete Truth, 2006

For the love of God, 2007

La exposición de Edward Hopper, en el museo Thyssen-Bornemisza, merece verse, y lo merece casi exclusivamente por 14 ó 15 obras magníficas, el resto de la exposición nos describe una vida poco apasionante y nos muestra unas obras que – por ellas mismas – probablemente no hubieran llevado a Hopper muy lejos.

Eso es lo primero que llama la atención, la enorme diferencia entre el atractivo de unas obras magníficas y lo anodino y casi vulgar de otras. Y desde luego no es un problema de fechas, algunas de las primeras están hechas entre 1925 y 1962, y lo mismo las segundas.

El realismo no académico, la utilización simple y rotunda del color y sobre todo la enorme capacidad de descripción de su pintura (sentimientos, sensaciones, impresiones, premoniciones…) consiguen materializar obras capaces de contarnos o hacernos construir, a cada uno de nosotros, una historia que acaba de suceder, que se plasma en un fotograma (el cuadro) y que volverá a tomar vida para hacernos sentir lo que va a pasar.

Las obras que no hay que perderse:

Casa junto a la vía del tren, 1925

¿Quién no querría tener esta obra, incluso olvidando la película “Psicosis” de Alfred Hitchcock? (filmada 35 años después, en 1960)?

Habitación de hotel, 1931

Mañana en una ciudad, 1944

Reunión nocturna, 1949

Oficina de noche, 1940

Habitación en Nueva York, 1932

Gasolinera, 1940

Gente al sol, 1960

Sol de Mañana, 1952

Primera fila, 1951

Dos cómicos, 1966

¡Míralas de nuevo!, ¿no crees que simplemente por ellas Hopper está donde debe estar en el mundo del arte?

Si te gusta Edward Hopper, no dejes de ver la obra del fotógrafo americano Gregory Crewdson (1962). Posiblemente mediatizado por un padre psicoanalista,  con una producción artística construida con técnicas cinematográficas, una influencia reconocida de Hopper y una extraordinaria calidad en su obra, su cercanía al pintor americano, 80 años después, es sorprendente.

Untitled (Beneath the Roses), 2004

Summer Rain

Untitled

Untitled (Beneath the Roses), 2005

Desde el 12 hasta el 17 de junio de 2012, se celebra Art Basel, la mejor feria de Arte Moderno y Contemporáneo del mundo.

Muy buenas obras, aunque menos arriesgadas, las mejores galerías, ventas estupendas… aparte del Rothko vendido por 78 millones de $.

En resumen, el centro mundial, sin discusión, del Arte Contemporáneo durante casi una semana.

A lo largo de casi tres días de ver, ver y ver….y  hablar con galeristas y coleccionistas, te surgen ideas, comentarios, reflexiones, casi-conclusiones que quiero compartir con vosotros:

* Si teneis interés por el Arte Moderno y Contemporáneo, deberíais intentar venir a Basilea, en ningún otro sitio veréis más y mejor en menos tiempo.

* A pesar de la importancia de los artistas y mercados locales, parece claro que el mercado del arte avanza, a pasos agigantados, hacia la internacionalización. Creo que todo el mundo es consciente, pero además me parece que artistas y galeristas deberían moverse necesariamente en esa dirección.

* Casi como una conclusión de lo anterior, de las 300 galerías, solo 6 españolas. ¿Obras de artistas españoles exhibidas?, muy pocas, exceptuando Picasso, Miró, Dalí, Chillida, Tàpies. Y nadie duda que el nivel del Arte Contemporáneo español es muy alto!!! ¿Qué pasa entonces?

* La situación actual favorece a los artistas más consolidados, lógico: los compradores tienen ya suficiente riesgo…

* Este año la Fundación Beyeler exponía a Jeff Koons; han sido curiosas y variadas las opiniones de galeristas, coleccionistas, art consultants, etc., sobre su obra y su capacidad para mantener su valor en el futuro. Yo tengo la mía, pero aquí sólo quiero recordar que el arte siempre ha avanzado provocando…

Muchas son la obras que me han gustado, os digo algunas de ellas, sus autores y sus galerías: Barbara Hepworth en Hazlitt Holland-Hibbert, London; Joan Mitchell en Acquavella Galleries, New York; Anselm Kiefer en Barbara Mathes Gallery, New York; Doug Aitken en Galerie Eva Presenhuber, Zurich; Martin Creed en Hauser & Wirth; Joan Miró, Henry Moore y Robert Mangold en Leonard Hutton Galleries, New York; Julie Mehretu en Carlier- Gebauer, Berlín; Robin Rhode en Lehmann Maupin Gallery, New York; Iñigo Manglano-Ovalle en Galerie Thomas Shulte, Berlín.

Y no quiero olvidar las conmovedoras fotografías de Francesca Woodman, ahora exponiendo en el Guggenheim Museum de Nueva  York, en la Galerie Hubert Winter, Viena y las siempre emocionantes obras de Joseph Albers en Galerie Berinson de Berlín.

La 43 edición de Art Basel confirma, sin ninguna duda, que el arte Moderno y Contemporáneo de calidad  avanza  sin mostrar  síntomas de la crisis que nos invade.

El 27 de marzo de 2012 nació una nueva coleccionista de arte, ella todavía no lo sabe, pero yo, su abuelo, ya lo sé.

Le será muy difícil no contagiarse de la pasión con la que sus abuelos crearon la Colección Valzuela, de la que verá en su padre y en su madre, de la que intentará transmitirle su abuelo con amor y complicidad, de la que algún día le contarán que tenía su bisabuelo, cuando explicaba a sus nietos como hablaba cada cuadro, cada escultura, cada dibujo…

No sé si podrá hacer una colección grande o pequeña, muy valiosa o modesta, eso no importa, pero de  lo que estoy seguro es que, sea cual sea, esa pasión será una ilusión en su vida y disfrutará enormemente en su búsqueda y de su compañía.

Ojalá hubiese muchas más que, como ella, puedan hacer del arte una pasión y del coleccionismo una ilusión.

Obra procedente de la Colección Valzuela 

 

El retrato en el Renacimiento, de Donatello a Bellini. Metropolitan Museum, New York, hasta el 18 de marzo.

Esta magnífica exposición se inicia con el retrato femenino en Florencia en el siglo XV, ciudad y momento en el que el retrato  comienza a conquistar  el gusto y el espacio en las casas y palacios de  familias nobles y de la alta burguesía, siendo calificado como un tributo a la belleza (Virtutem Forma Decorat o la belleza adorna la virtud) .

De ahí el título de este post, que me lleva a hablar de lo que en mi opinión es más relevante de la exposición, pero, sobre todo, de la belleza en el arte.

Toda la exposición es belleza con mayúsculas; obras de Masaccio, Paolo Ucello, Fra Angelico ( dibujo de la colección de Elisabeth II), Fra Filippo Lippi, Sandro Boticcelli, Andrea del Verrochio (escultura), Davide Ghirlandaio, Pisanello (dibujos), Andrea Mantegna, Gentile Bellini (dibujo), Jacopo Bellini, etc.

Siempre he sido un convencido de que la belleza (en su sentido más amplio) es un acompañante  básico y natural del arte de todos los tiempos. Virtutem Forma Decorat, o  la belleza adorna la virtud (es decir la maestría).

Qué magníficos ejemplos de belleza en esta exposición:

Belleza serena, romántica, frágil, casi táctil (pelo y brocado del vestido) en la obra de Antonio de Pollaiuolo (1).

Belleza  tierna, en la expresión del nieto preferido hacia el abuelo, que parecería enfrentada al reflejo de la enfermedad de este último y que sin embargo se hermana con ella, gracias a la belleza de la expresión del amor  que Domenico Ghilandaio consigue imprimir a la cara del abuelo. (2)

Belleza de la muerte presentida, en la gran obra de Jacopo Bellini que representa a San Bernardino de Siena. (3)

Belleza en el diálogo sin palabras que inmediatamente se establece con los bustos femeninos de Desiderio Settignano (4) y Andrea del Verrochio (5).

Soy consciente de que mi tesis sobre la  belleza (incluso en su sentido más amplio ) en el arte, y más todavía en el Arte Moderno y Contemporáneo, es controvertida, pero ¡qué gran argumento a mi favor constituye esta exposición!

Imágenes:  www.metmuseum.org

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Personalmente pienso que ARCO 2012 ha ganado en calidad y sigue trabajando   por su internacionalización.

Conseguir un buen nivel en ambos aspectos es fundamental si se quiere tener una feria de arte contemporáneo que pueda codearse con las que verdaderamente cuentan en el mercado global del arte.

Es evidente que la dirección de ARCO ha apostado por trabajar en esa dirección: a través de la selección de las galerías admitidas, convenciendo a galerías internacionales de calidad para que vengan, repitan o vuelvan y haciendo una buena selección del país invitado y de su representación.

Pero conseguir resultados no es fácil.

La selección, fundamental para conseguir la necesaria calidad, es ingrata  sobre todo cuando no hay más remedio que descartar algunas galería españolas.

La internacionalización es enormemente difícil en el entorno actual,  en el que la disminución o ausencia de presupuestos en museos e instituciones son la norma, en el  que el coleccionismo privado, aunque muy activo, es todavía pequeño y en el que el pesimismo de la sociedad española parece haberse instalado. Por otra parte el desplazamiento del mercado del arte contemporáneo hacia China, Rusia…. y la cada vez mayor primacía de EEUU y su casi monopolización del interés y el comercio del arte contemporáneo latinoamericano, no ayudan en nada.

Por eso me parece muy meritoria  la edición de ARCO 2012, aunque ni el país invitado, Países Bajos, ni su representación hayan ayudado nada.

Es evidente que ARCO, como feria comercial, necesita que los participantes vendan, es la única forma de  que la las buenas galería asistan y la propia feria pueda competir con sus homólogas internacionales.

A quien le ha ido bien en ARCO?, pues como siempre a las galería que han presentado un buen binomio de artistas interesantes y obras representativas y de calidad. No es una cuestión de suerte, al final es calidad y acertada gestión.

Que satisfactorio es comprobar como hay algunas galerías españolas fantásticas,  que contribuyen siempre de forma importante al éxito de ARCO y que son capaces de desenvolverse extraordinariamente bien en las principales ferias internacionales.

Se está haciendo camino…. y aunque no consigamos estar en  primera división (Basel, Frieze, Miami Art Basel, The Armory Show, FIAC…) merece la pena apoyar ARCO, al final la sociedad española y el coleccionismo privado y público lo necesitan.

Máximo exponente de la vanguardia española, maestro de la abstracción, representante del informalismo, gran creador de la pintura matérica, coincidente con los postulados del arte povera… Así se le ha calificado en muchas ocasiones, pero qué más da, lo indiscutible es que Tàpies es uno de los grandes maestros de la pintura internacional de la segunda mitad del siglo XX.

Poco clasificable,  artista profundo, espiritual, humilde, filosofo y poeta de la pintura con su particular utilización de las palabras y los signos. Como los grandes, creó un lenguaje propio – sensible y fuerte, místico y a veces trágico – que ya ha ocupado su lugar en el escenario del arte internacional.

Recuerdo, haber visto, muy al principio de los años 60, mi primera exposición de Tàpies y haber deseado comprar una obra suya que me cautivó y cuyo precio era entonces irrisorio aunque demasiado alto para mi economía de aspirante universitario. Muchos años más tarde pude comprar una obra suya y conocerle personalmente, hoy disfruto con la obra y el recuerdo.

La Colección Valzuela  se enorgullece en tener una representación de su legado,  y hoy, junto a la tristeza por su muerte, quiere rendirle su particular homenaje al mostrar una de nuestras obras más queridas.