Amanda Seyfried

A Portland (Oregon), sur la côte Est des Etats-Unis, Jill (Amanda Seyfried) vit avec sa sœur Molly dans la peur que son kidnappeur ne revienne. Un an plus tôt, elle a en effet été enlevée par un tueur en série puis séquestrée dans un trou, au milieu d’une forêt jouxtant la ville, avant de réussir à s’échapper. Mais la police n’a jamais cru à son histoire. Lorsqu’un matin, en revenant de son travail de nuit dans un fast-food, Jill découvre que sa sœur a disparu, elle appelle en panique la police qui la prend de nouveau pour une « folle » et une affabulatrice. Révoltée, livrée à elle-même, Jill décide de partir à la recherche de sa sœur et de traquer seule le tueur.

Quatrième long-métrage du réalisateur brésilien Heitor Dhalia, Disparue partait plutôt bien. Rythmé, peuplé de personnages jeunes aux psychologies sommaires et aux caractères tous plus ambigus les uns que les autres – du policier inquiétant qui est le seul à croire Jill et veut l’aider au petit copain équivoque de Molly – Disparue se laissait agréablement suivre, bon petit polar de série B faisant penser à Taken ou Scream (l’hémoglobine en moins).

La suite dément ces propos. Au charme un tantinet désuet de la réalisation de Dhalia (on pourrait dire « à l’ancienne ») succèdent rapidement les tics d’une série télévisée type Criminal Minds (Pardon, Esprits criminels) avec ses courses-poursuites attendues et son meurtrier qui tombe aussi vite que sa chute.

Amanda Seyfried a beau se débattre (et elle s’en sort plutôt bien), elle ne peut sauver le scénario de la noyade et d’un suspense qui s’évente assez vite. La chute est maladroitement amenée et ratée. Elle tombe abruptement et manque de crédibilité comme le rebondissement en forme de coup de théâtre bâclé qui l’accompagne.

Disparue repose en fait entièrement sur les épaules d’Amanda Seyfried, qui porte le film de bout en bout. Elle incarne un personnage à la fois fragile et courageux, traumatisé et fort, déterminé surtout à en découdre avec cet homme qui la poursuit depuis un an et qui s’en est pris lâchement à sa sœur parce qu’il n’a pas réussi à l’avoir elle.

Ce qui aurait été intéressant – mais qu’on ne voit pas – avec une mise en scène et un scénario à la hauteur, c’est de jouer davantage sur l’ambivalence du personnage de Jill, sur son ambigüité, le fait qu’on ne sait pas si toute cette histoire est une projection mentale, un phantasme, une hallucination ou bien la réalité.

C’est ce que la mise en scène et le scénario essayent vaguement de faire, en nous interrogeant sur la santé mentale et l’équilibre psychologique précaires de Jill, qui pourrait bien avoir tout inventé. Le seul problème, c’est qu’on devine très vite que Jill n’est pas folle. C’est un danger mortel pour un scénariste que le pouvoir anticipation du spectateur. Encore plus dans un thriller.

Or, dans Disparue, on nage en plein dans ce travers, et le spectateur devine constamment ce qui va se passer. Au moins, la chute aurait-elle pu sauver ce qui avait tué tout suspense et que l’on considère comme un poison pour un réalisateur (déjà moyen en l’occurrence) : un mauvais scénario.

http://www.youtube.com/watch?v=BJ_ffM_h5Jc

Scénario d’Allison Burnett :

Mise en scène : 

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions de David Buckley :

Robert Pattinson

An 2000. Alors que New-York est en ébullition pour l’arrivée du Président des Etats-Unis, Eric Packer (Robert Pattinson), un jeune trader milliardaire, décide de traverser la ville en limousine pour se rendre… chez son coiffeur ! Sur la route, il rencontre sa maîtresse (Juliette Binoche), s’entretient avec son médecin personnel qui l’ausculte dans sa voiture, croise plusieurs fois sa femme, etc… Mais alors que la foule gronde et que des manifestants furieux s’en prennent à sa limousine, Packer s’entête à vouloir se faire couper les cheveux. Son garde du corps a beau le prévenir qu’un « entarteur » (Mathieu Amalric) rôde et qu’un autre homme veut l’assassiner (« credible threat »), Packer n’en démord pas. Il doit aller chez le coiffeur…

Décidément, le crash boursier et la crise financière mondiale de 2008 n’en finissent pas d’inspirer les réalisateurs. Après Margin Call de J.C. Chandor, c’est au tour de Cronenberg de s’y coller avec cette adaptation du roman éponyme de l’Américain Don DeLillo (né en 1936). Publié en 2003, Cosmopolis a été très contesté avant d’être reconnu comme un roman prophétique.

Fable amère sur le pouvoir et l’argent, conte cruel et moral teinté de science-fiction (pistolets à reconnaissance vocale et intérieur high-tech de la voiture rappellent à la fois Men in Black et Existenz) sur la vanité humaine, Cosmopolis se déroule sur 24 heures et raconte la descente aux Enfers d’un trader sans pitié à qui tout réussissait jusque-là. Dans une limousine aux allures de bunker, métaphore du cerveau de Packer, un golden boy arrogant et fier médite tout haut sur le cours du Yuan et sa propre et fulgurante ascension. Différents interlocuteurs se succèdent dans sa limousine transformée en huis-clos. Au cours de ses discussions avec eux, Packer défend coûte que coûte l’idée que le Yuan va s’écrouler, mais la devise nationale de la Chine ne cesse de remonter, provoquant sa chute inexorable.

Juliette Binoche

Suicide conscient ou pêché d’orgueil et de jeunesse du trader milliardaire ? C’est une des questions du film (et du livre), mais pas la plus importante. Car Cosmopolis est une réflexion plus générale sur l’effondrement d’un système bancaire, capitaliste et financier qui, n’ayant pas su imposer de limite à la spéculation (n’était-ce pas au contraire le credo des banques ?), a causé grosso modo sa propre perte.

Mais revenons au film de Cronenberg. Cosmopolis se passe presque exclusivement dans une limousine. Face à la difficulté et aux contraintes d’adapter le livre de DeLillo à l’écran, Cronenberg opte souvent pour des gros plans fixes et frontaux sur le visage de son héros. S’il faut reconnaitre au cinéaste canadien l’audace formelle de sa tentative, le culot de sa mise en scène et de son dispositif visuel, il faut aussi avouer que Cosmopolis est un film raté. Raté parce qu’un brin pontifiant voire prétentieux. Un peu comme Crash, malgré ses louables intentions, était un film raté. Bien sûr, cela n’enlève rien aux qualités de A dangerous Method ni à la réussite de History of Violence.

Mais Cronenberg force souvent le trait des dialogues de Cosmopolis, qu’il a lui-même adaptés du roman de Delillo (tout comme il a écrit le scénario), ce qui finit par rendre le discours de Packer lénifiant, pompeux comme ses considérations sur le monde. Ces gros plans incessants sur le visage de Pattinson, comme le jeu de ce dernier, ne manquent-ils pas de nuances ?

Paul Giamatti

Pattinson campe un trader au départ vaniteux mais qui va de plus en plus douter – à travers ce que sa femme lui balance au visage et dans un final à la fois épique et misérable – mais on ne sent pas assez ce doute l’envahir, le contaminer progressivement. C’est pourtant bien ce qui se produit.

En fait, on se demande constamment pourquoi Cronenberg a tellement tenu à adapter Cosmopolis au cinéma, tant le projet paraissait compliqué voire irréalisable.

On a souvent l’impression que le film en fait trop dans le pathos, dans le côté misérabiliste des situations et de ses personnages. C’est le cas dans cette scène pathétique (et un peu ridicule honnêtement) où Packer pleure dans sa voiture en compagnie d’un énorme Noir sur la mort d’un rappeur soufi que tous deux adoraient et dont la procession funéraire dans New-York attire autant les foules que le défilé du Président des Etats-Unis. « Il habitait dans un minaret », précise un des dialogues comme pour appuyer de manière absurde le côté extraordinaire de l’enfance et de la vie du rappeur, mort d’une stupide attaque cardiaque (et non « shooté » comme il se doit par un « gangsta »). Moralité (simpliste) : la vie ne tient à rien et nous ne sommes pas grand-chose. Certes mais bon…

A force d’être sur-écrits, les dialogues finissent par sonner creux. Les acteurs se sentent obligés de surjouer, et les situations sonnent souvent faux. C’est le cas dans la longue scène finale où apparait Giamatti, sorte de rebut, de rejeté aigri du système, qui dit qu’on écrit « des livres sur les trous » comme on écrit « des livres sur la merde ». Et Pattinson, lessivé, à bout de nerfs, d’acquiescer d’une moue désabusée. Ok, mais c’est un peu court, jeune homme, non ?…

http://www.youtube.com/watch?v=uO9MXU-Y8lg

Film franco-canadien de David Cronenberg avec Robert Pattinson, Paul Giamatti, Sarah Gadon, Juliette Binoche, Mathieu Amalric… (01 h 48).

Scénario de David Cronenberg d’après le roman de Don DeLillo  :

Mise en scène :

Acteurs :

Dialogues :

Compositions de :

Michael Shannon

Titre original : Take Shelter (Etats-Unis, 2012)

Durée : 01 h 56 min

Sorti à la vente en DVD et Blu-Ray le 15 mai 2012

Sorti en salles le 04 janvier 2012

Distributeur : Ad Vitam Editeur DVD : Ad Vitam

Edition : Keep Case, PAL, Tous publics.

Région : 2

Prix public conseillé : 19,99 euros

Langues : Anglais, Français.

Sous-titres : Français

Format son : Anglais Dolby Digital 2.0, Anglais Dolby Digital 5.1, Français Dolby Digital 2.0.

Format image : Format 16/9 compatible 4/3, Format cinéma respecté 2.35, Format DVD-9, Film en Couleurs

Bonus DVD :

Commentaire Audio de Jeff Nichols et Michael Shannon, Take Shelter vu par Michel Ciment, Making of, Deux entretiens avec Jeff Nichols et Michael Shannon, Scènes coupées, Bande-annonce.

Marion Cotillard

Dans le Nord de la France, Ali (Matthias Schoenaerts, vu dans Bullhead) galère et décide subitement de tout quitter pour aller habiter avec son fils chez sa sœur à Antibes. A Cannes, où il a trouvé un boulot de videur dans une boite de nuit, il rencontre Stéphanie (Marion Cotillard), belle, insolente, et dresseuse d’orques au Marineland. Après un grave accident de travail au cours duquel elle perd ses deux jambes, Stéphanie rappelle Ali. La relation physique intense qu’ils entament lui redonne peu à peu vie et confiance en elle, d’autant qu’Ali ne fait part d’aucune pitié comme d’aucune compassion. Mais alors que la jeune femme commence à avoir des sentiments pour Ali, celui-ci multiplie les conquêtes et continue de mener une existence butée, sans remise en question. Jusqu’au jour où se produit un nouveau drame…

De rouille et d’os est librement inspiré d’un recueil de nouvelles de l’écrivain canadien Craig Davidson, Rust and Bone (rouille et os), publié en 2005.

Sixième long-métrage de Jacques Audiard, il consiste en un double portrait d’êtres en apparence aux antipodes mais dont la rencontre fortuite va déboucher sur une relation passionnelle, à la fois fusionnelle et amicale.

Matthias Schoenaerts

La manière avec laquelle Audiard parvient à décrire en parallèle l’évolution de Stéphanie et d’Ali (Marion Cotillard et Matthias Schoenaerts sont parfaits) est ce qu’il y a de plus remarquable dans le film. Les destins d’Ali et de Stéphanie vont connaitre des trajectoires croisées.

Stéphanie, la trentaine, est resplendissante, sûre d’elle au début du film. Elle a les hommes à ses pieds. Elle aime être séduite, au centre des regards, des attentions. Elle s’ennuie lorsqu’on tombe amoureux d’elle. Ali est un monstre physique. Brut(e), au sens propre comme au sens figuré, il participe à des combats à mains nues, interdits par la loi, pour se faire de l’argent de poche.

Sa rencontre avec Stéphanie ne semble rien changer à son quotidien. Il lui fait l’amour, comme à d’autres, travaille comme gardien de nuit, l’emmène se baigner à la mer.

A son contact, la jeune femme revit, elle dont la peine et le désespoir semblaient sans fond. Mais Ali ne semble pas y prendre attention. D’ailleurs, à quoi fait-il attention, si ce n’est à lui-même et à ses problèmes matériels ?

Miné par l’existence précaire qu’il mène chez sa sœur avec un fils dont il ne sait que faire, Ali refuse de voir la réalité en face et fuit.

Violent, mais gentil dans le fond, il va peu à peu se renfermer sur lui-même. Il rejettera Stéphanie quand elle voudra le mettre face à ses contradictions, mais sa carapace s’effrite et craquelle de plus en plus, Ali explosant même dans un final poignant, une confession à vif dont Audiard a le secret et l’acteur belge le talent pour l’interpréter.

Mais il y a des éléments nouveaux dans son cinéma, des effets de style, des formes que l’on n’avait pas vus avant ou auxquels on faisait moins attention. C’est le mouvement au ralenti de deux orques plongeant  de manière synchronisée dans l’eau, c’est l’attention portée aux rayons du soleil qui filtre à travers un grillage ou les poutres d’un toit dans une cour et viennent baigner le visage en larmes d’une Stéphanie qui cherche justement désespérément la lumière.

Stéphanie et Ali se battent d’abord pour s’en sortir. Leur courage et leur énergie sont sans limites et Audiard semble une nouvelle fois dire en creux que c’est toujours la vie qui l’emporte malgré le poids des drames et des tragédies.

Mais au côté très organique de ses films, à la tension extrême de ses personnages et de de sa mise en scène vient s’ajouter une dimension plus solaire cette fois, plus mystique presque. Comme si Audiard cherchait constamment un équilibre parfait, la maitrise absolue de son sujet. Et pour son objet, un écrin étincelant…

http://www.youtube.com/watch?v=xWbeNcscfsI

Film français de Jacques Audiard avec Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts,  Céline Sallette, Bouli Lanners (01 h 55).

Scénario de Jacques Audiard et Thomas Bidegain d’après l’œuvre de Craig Davidson :

Mise en scène :

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions d’Alexandre Desplat :

Pendant l’été 1965, sur une île au large de la Nouvelle-Angleterre, Sam, un orphelin de 12 ans, s’échappe de son camp de scouts pour rejoindre Suzy (même âge que lui) qui a quant à elle fugué le foyer des Bishop, ses parents tous deux avocats. Les deux adolescents, rencontrés lors d’une fête scolaire, ont promis de se retrouver après un échange épistolaire et secret. Mais alors que toute la communauté de l’île s’affaire à chercher les deux amoureux, du chef scout Ward (Edward Norton) au capitaine Sharp (Bruce Willis) en passant par les parents de Suzy (Bill Murray et Frances McDormand) ou l’inspectrice des Services Sociaux (Tilda Swinton), une puissante tornade menace l’île…

Fuite en avant de deux adolescents mal dans leur peau et frondeurs, Moonrise Kingdom a été co-écrit par Wes Anderson et Roman Coppola, mais il semble tout droit sorti d’E=Mc² mon amour de Patrick Cauvin, dont il pourrait constituer l’adaptation ou le pendant sur une île.

Pochade rétro enfantine et colorée, Moonrise Kingdom n’a peut-être pas la même puissance évocatrice, ni le même pouvoir d’enchantement ni l’humour tonitruant de Fantastic Mr Fox ou de La vie aquatique, mais il mérite à coup sûr le détour. Succession de saynètes pittoresques et déjantées, burlesques et bucoliques, où les acteurs vont jusqu’à poser parfois comme dans un tableau, Moonrise Kingdom confirme en tout cas l’imagination sans limites de Wes Anderson.

Si l’on retrouve l’humour à la fois décalé et plein d’ironie du réalisateur américain, son univers à la fois poétique, loufoque et absurde, Moonrise Kingdom n’a pourtant pas la même force comique ni la même énergie que ses précédents films.

L’attrait qu’il suscite vient plutôt du personnage central de Sharp (Bruce Willis, parfaitement à contre-emploi), policier solitaire et triste dont la maîtresse n’est autre que Madame Bishop. Suzy, qui a tout compris des agissements de sa mère, la déteste bien évidemment…

Sharp est le personnage le plus étoffé du récit, celui sur lequel on se focalise davantage que les deux adolescents, excellemment interprétés et dirigés, mais dont la relation a un goût de déjà vu.

Père de substitution par excellence, Sharp n’a jamais réussi à fonder de famille, ce qu’il regrette sans doute, comme de devoir vivre seul dans une caravane. Les liens qu’il noue naturellement avec Sam, dont les parents sont morts accidentellement, sont ce qu’il y a de plus touchant dans le film, davantage encore que  l’idylle entre Sam et Suzy, finalement assez attendue.

Si l’on ajoute la reconstitution précise et rigoureuse des années 1960, l’interprétation sans faille de Bill Murray (le roi des blasés) et consorts, on est là face à une comédie qui s’adresse parfois à des enfants mais tient bien la route, aidée par les compositions de Benjamin Britten (1913-1976), de Mark Mothersbaugh ou encore de Françoise Hardy !

Reste une question en suspens et un mystère : quelle part des souvenirs personnels et d’enfance Anderson il y a t-il dans ce Moonrise Kingdom ?…

http://www.youtube.com/watch?v=1F8znta9iAM

Film américain de Wes Anderson avec Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Jared Gilman, Kara Hayward (1 h 34).

Scénario de Wes Anderson et Roman Coppola :

Mise en scène :

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions de Mark Mothersbaugh :

A Séoul, Seungjun, un réalisateur exilé en province et devenu professeur à la faculté depuis qu’il a arrêté de tourner, revient passer quelques jours sur Séoul. Il y retrouve son ami Yungho et une ancienne maîtresse. Mais son passage dans la capitale coréenne est prétexte à des rencontres, des discussions avec des femmes ou des gens du cinéma qui le font beaucoup réfléchir sur lui-même. Des élucubrations qui font que bientôt, la flânerie de Seungjun se transforme en profonde remise en question sur fond de vague à l’âme…

Du très prolifique Hong Sang-Soo – cinq longs-métrages en quatre ans sans compter le prochain In another country présenté au festival de Cannes 2012 et avec Isabelle Huppert en tête d’affiche – on dit à tort qu’il est redondant.

C’est à coup sûr vouloir limiter son talent. Car l’élégance de la mise en scène, la finesse des dialogues de The Day he arrives (matins calmes à Séoul) valent à elles seules le détour.

Portrait de groupe, d’une génération de trentenaires bien sonnés dont un cinéaste en pleine crise, The Day he arrives (matins calmes à Séoul) consiste davantage en des variations sur l’amour qu’en un exercice purement formel ou répétitif de mise en scène comme on l’a lu ici ou là.

The Day he arrives (matins calmes à Séoul) est pourtant construit sur un canevas et un trio amoureux qui rappellent ceux de Woman on the beach (2008).

Mais en apparence. Car le héros de The Day he arrives (matins calmes à Séoul) n’est pas cette fois pas attiré par l’amie de son ami, en l’occurrence Yungho. Il ne cherche d’ailleurs à aucun moment à la séduire.

C’est au contraire un cinéaste déprimé. Lors de sa première soirée dans la capitale de Corée du Sud, il se soûle avec des étudiants en cinéma qu’il quitte brusquement après leur avoir hurlé dessus sans raison. Plus tard dans la soirée, il rejoint le domicile d’une ancienne maîtresse dans les bras de laquelle il tombe en larmes… Drôle d’entrée en matière.

De ce beau film en noir et blanc, on retiendra sa mise en scène très épurée, avec très peu de mouvement de caméras. Tout en jeu de focales, The Day he arrives (matins calmes à Séoul) privilégie les débats autour d’une table dans un café, les zooms et les dézooms sur les visages, technique héritée de la photographie et mise à l’honneur par Kubrick, dans Bary Lindon (1975) notamment.

Mais ce n’est pas là le seul attrait de The Day he arrives (matins calmes à Séoul) qui évoque par endroits Woody Allen et sa théorie du hasard de l’existence et des rencontres amoureuses. La force du film est aussi de maintenir le spectateur dans l’ambiguïté de son héros, dont l’attitude vis-à-vis des femmes laisse dubitatif. Héros ou salaud ? Romantique ou cynique ? Victime ou bourreau des cœurs ?

Le scénario léger de The Day he arrives (matins calmes à Séoul) consiste en une trame légère. Comme Woody Allen, Hong Sang-Soo semble avoir pris à son compte le credo de La Nouvelle Vague de vouloir faire un film par an.

L’humour des dialogues exquis de The Day he arrives (matins calmes à Séoul) donne lieu à une scène inénarrable dans laquelle un ancien acteur de Seugnjun qu’il a retrouvé, formule devant l’amie de Yungho sa technique infaillible pour séduire une femme qui consiste à lui dire qu’elle possède en son for intérieur des traits de caractère opposés à ceux qu’elle pense laisser paraitre !

Si ce quasi sketch est un des sommets du film, il n’en fait pas moins oublier que The Day he arrives (mati)ns calmes à Séoul) est avant tout un (auto?)portrait de cinéaste en plein doute sur son talent et son inspiration, sa capacité à retrouver de l’énergie pour faire un film. Teinté de nostalgie, The Day he arrives (matins calmes à Séoul) prend une tournure pour le moins étonnante à la fin du film, où en même temps qu’il fait son auto-critique et reçoit en pleine face les critiques de son ancien acteur qui lui reproche son égoïsme voire son égocentrisme, Seungjun devient soudain étrangement absent devant l’objectif d’une groupie. Comme submergé par la mélancolie…

http://www.youtube.com/watch?v=9b-U1ufKBAc

Film coréen (du Sud) de Hong Sang-soo avec Yu Junsang, Kim Sangsoo, Song Sunmi, Kim Bokyung (01 h 19).

Scénario de Hong Sang-Soo :

Mise en scène :

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions de Jeong Yon-jin :

Takaaki Nomi

Dans le Japon féodal, Kanjuro Nomi est un samouraï sans sabre et qui erre avec sa fille. Poursuivi par des chasseurs de prime farfelus (un pistolero efféminé, un étrangleur qui ne « comprend jamais rien » et une joueuse de shamisen qui a « maquillé » son sabre en instrument), il est finalement capturé par les hommes de main d’un seigneur aux désirs excentriques et qui donne à Kanjuro trente jours pour redonner le sourire à son fils, malheureux comme les pierres depuis la mort de sa mère, emportée par une épidémie. Si le fils du seigneur n’a pas souri au 30^ème jour, Kanjuro devra se suicider par « seppuku », c’est-à-dire en s’éventrant publiquement avec un sabre selon la tradition des samouraïs. Kanjuro invente alors chaque jour des pitreries de plus en plus énormes pour faire rire le prince. Mais sans succès…

Saya Zamuraï est le troisième long métrage d’Hitoshi Matsumoto. Si dans ses deux premiers films, il tenait le rôle principal, il est cette fois absent des débats, « remplacé » par un acteur qui était aussi le candidat marquant d’une émission télévisée que Matsumoto avait animée il y a dix ans. Ce nom ne vous dit d’ailleurs rien sans doute. Peu voire pas connu en France, Matsumoto est pourtant une star de la télévision au Japon, où il a présenté pendant des années des émissions à l’humour décalé, à la fois régressif et loufoque.

A plusieurs titres, Matsumoto pourrait être comparé à Takeshi Kitano. Si tous deux ont été présentateurs télé, il y a chez eux des affinités et un penchant incontestables pour la même forme d’humour et de burlesque « idiots », du nom du mouvement d’art contemporain conceptualisé par Jouannais.

La performance, discipline inhérente aux arts plastiques, est d’ailleurs au cœur de Saya Zamuraï, comme elle l’était dans le délirant Achille et la tortue de Kitano dans lequel, on s’en souvient, un peintre médiocre accomplissait toutes sortes de performances artistiques « idiotes » pour atteindre le geste génial, l’acte artistique parfait en quelques sorte.

C’est un peu la même chose que l’on retrouve chez le héros azimuté de Matsumoto, qui se jette par exemple couvert de peinture noire sur une toile blanche géante tendue devant lui, en se prenant pour un « pinceau géant ». Hommage à Yves Klein ? Pas sûr.

Toujours est-il que c’est à travers un rituel quotidien que Kanjuro, soucieux de sauver sa peau, invente des sketches de plus en plus idiots et dangereux pour faire rire le prince. Ce rituel, de plus en plus lourd d’un point de vue logistique, l’oblige à se surpasser mais l’épuise de jour en jour. D’autant que le prince n’esquisse pas l’ombre d’un sourire.

Ce pourrait être une comédie légère, une farce sans conséquences si Saya Zamuraï ne cachait pas en son sein d’autres dimensions, d’autres niveaux d’interprétations et une complexité qui le fait passer de ce que l’on croyait être de la dérision totale à une tonalité soudain beaucoup plus grave à la fin. Un drame intime teinté de poésie.

La liste des performances et autres actions héroïques de Kanjuro, transformé notamment en boulet de canon et en feu d’artifice humains serait un peu fastidieuse si le film ne s’accompagnait pas par exemple d’un détournement joyeux des codes de la société japonaise,sur lesquels Matsumoto ironise sans être moqueur. Plutôt espiègle.

Vers la fin du film, Saya Zamuraï devient de manière assez inattendue moral, à travers le comportement soudain très digne voire solennel de Kanjuro, qui se redresse de manière spectaculaire. Lui qui semblait jusque là s’être laissé aller, rongé par la mort de sa femme, lui qui ne se battait que par instinct de survie et pour faire plaisir à sa fille, redevient un guerrier pétri d’orgueil et de fierté, un samouraï régi par un code d’honneur et qui ne pense qu’à laver la honte que sa fille a dû ressentir pour lui.

La fin funèbre et chantée du film traine un peu en longueur et tranche avec le reste du film dans son côté larmoyant. Mais elle est tout aussi surprenante voir troublante que la chute, dont on se demande si elle n’est pas en partie autobiographique…

http://www.youtube.com/watch?v=nlrksZC2aek

Film japonais d’Hitoshi Matsumoto avec Takaaki Nomi, Sea Kumada, Itsuji Itao (1 h 43).

Scénario d’Itsuji Itao, Mitsuyoshi Takasu et Hitoshi Matsumoto :

Mise en scène :

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions de Yasuaki Shimizu :

Lucas Pittaway, Daniel Henshall

Titre original : Snowtown (Australie, 2011)

Durée : 02 h 00 min

Sorti à la vente en DVD et Blu-Ray le 03 mai 2012

Sorti en salles le 28 décembre 2011

Distributeur : ARP Sélection Editeur DVD : ARP Sélection

Edition : Keep Case, PAL, interdit aux moins de 16 ans.

Région : 2

Prix public conseillé : 19,99 euros

Langues : Anglais, Français.

Sous-titres : Français

Format son : Anglais Dolby Digital 5.1

Format image : Format 16/9 compatible 4/3, Format cinéma respecté 1.85, Format DVD-9, Film en Couleurs

Bonus DVD :

Interviews de Danuiel Henshall, Louise Harris, Justin Kurzel.

Nina Hoss

Eté 1980. Alors qu’elle habite à Berlin-Est et que la Stasi la soupçonne de vouloir passer à l’Ouest, Barbara, une chirurgienne-pédiatre, est mutée dans une ville paumée de la province allemande située en bord de mer. Introvertie voire renfermée, Barbara rencontre André, le médecin-chef de l’hôpital qui très vite tente de la séduire. Mais Barbara cherche à tout prix à s’isoler. Méfiante, elle se demande si André est chargé par les autorités allemandes de la surveiller ou si il est réellement attiré par elle. De toute façon, n’est-elle pas déjà amoureuse de Jörg, qui doit l’aider à passer à l’Ouest ?…

Décidément, les monstruosités perpétrées par la Stasi (police politique, d’espionnage, de contre-espionnage et de renseignements créée sur le modèle du MGB – Ministère à la sécurité gouvernementale – soviétique en RDA en 1950 et dissoute en 1990) n’en finissent pas de hanter les mémoires allemandes.

Après La vie des Autres (2007) et de manière plus lointaine Good Bye Lenin ! (2003), les ravages causés dans la vie des Allemands de l’Est par la Stasi ressurgissent des eaux comme un spectre qui n’a pas dit son dernier mot.

Ronald Zehrfeld

C’est dans le contexte de cette époque aux nombreuses zones d’ombre encore que Christian Petzold a imaginé une histoire d’amour à double titre impossible.

D’abord, parce que la silencieuse et secrète Barbara est déjà engagée avec un homme qui vit à l’Ouest mais occupe un poste haut-placé qui lui permet de lui rendre discrètement visite tout en lui promettant qu’il va bientôt la faire échapper.

Ensuite, parce que l’enfer que lui fait subir la Stasi (fouilles corporelles répétées, intrusions brutales dans son appartement) depuis son départ de Berlin ont rendu Barbara extrêmement tendue et suspicieuse et sa vie insupportable, presque inutile.

Qui est cet André qui lui fait du gringue ? Comment se fait-il que le médecin connaisse par cœur, sans même lui avoir posé de question, l’adresse de son domicile lorsqu’il la ramène un jour en voiture ? Comment pourrait-elle faire confiance à cet homme qui la couve pourtant si tendrement des yeux ? C’est que le regard de velours d’André (très bon Ronald Zehrfeld) cache lui aussi des secrets que le médecin-chef ne peut pas dévoiler.

Comme Barbara, André est lui aussi pris au piège, découvre-ton plus tard, d’une machine à contrôler les hommes et les consciences. Une machine qui l’a autorisé à continuer à exercer en échange de « menus services » de renseignements. Odieux chantage…

Comment s’aimer dans un contexte aussi trouble de surveillance, de méfiance, de dénonciations quotidiennes ? Comment s’aimer dans cette prison de l’esprit, de l’âme et du cœur qu’est la RDA des années 1980 ?

Barbara est jouée par une actrice exceptionnelle : Nina Hoss. Par l’anxiété et la mélancolie qu’elle imprime à son personnage, Hoss parviendrait presque à elle seule à refléter la tension et le climat d’angoisse permanente qui caractérisent Barbara.

Le minimalisme avec lequel sont reconstituées les années 1980 en RDA fait écho à une mise en scène qui, tout en étant extrêmement rigoureuse, prend le parti d’une certaine sobriété voire d’une épure qui siéent au jeu de son actrice principale qui campe là une médecin généreuse et dans la tempête, aussi effrayée que courageuse…

http://www.youtube.com/watch?v=wd8BmlFzN5U

Film allemand de Christian Petzold avec Nina Hoss, Ronald Zehrfeld, Rainer Bock (01 h 45).

Scénario de Christian Petzold :

Mise en scène :

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions de Stefan Will :

Kevin Spacey

New-York, 2008. A Wall Street, au siège d’une grande banque d’investissement, Eric Dale (inénarrable Stanley Tucci), un analyste financier en poste depuis 22 ans, est brusquement débarqué comme les trois quarts de son étage par une DRH aussi expéditive que zélée. Mais avant de partir, Dale a tout juste le temps de confier à Peter Sullivan, un jeune trader, une clé USB dans laquelle il a calculé que le crash de la banque était imminent. Après vérification, Sullivan s’aperçoit que les calculs de Dale sont exacts. Tous les grands patrons de la Banque sont alors convoqués d’urgence en pleine nuit. Mais Dale reste introuvable, lui à qui on a coupé la ligne de son téléphone professionnel et que personne ne voulait écouter…

Premier long métrage de J.C. Chandor, qui signe également le scénario, Margin Call est, si l’on peut dire, un coup de maître.

S’inspirant du crash de la banque Lehman Brothers en 2008, auquel il fait plusieurs fois allusion (le PDG joué par Jeremy Irons s’appelle par exemple Tuld alors que celui de Lehman s’appelait Fuld) mais aussi des récits de son propre père, qui a travaillé 40 ans à la Merril Lynch, Chandor construit Margin Call comme un film à suspense, une tragédie pleine de nuances, loin de l’arrogance et des clichés du monde des traders, qu’on supposerait incultes et requins à l’image du capitalisme qu’ils incarnent.

Jeremy Irons

Ce Wall Street plongé en pleine crise financière, a au contraire a un visage aussi humain dans les hésitations et les doutes de ses traders que monstrueux dans le cynisme et la froide résolution avec lesquels Tuld va décider en une nuit de tout vendre pour mieux reconstruire sur les cendres d’un marché qu’il a fait sciemment exploser…

Pas besoin de connaitre quoi que ce soit à la Bourse pour suivre Margin Call. Loin de tout manichéisme, de toute caricature, cet univers de la banque ressemble parfois dans sa description, ses temps de pose, ses silences et le jeu de ses acteurs, à une pièce de théâtre au visage versatile, changeant comme un marché. Les gros bonnets de la banque y paraissent tantôt perdus tantôt impitoyables.

L’étage du building de la banque, métaphore de la vanité et de la Tour de Babel, ressemble lui-même à la scène d’un théâtre où l’on assisterait à des causeries interminables, des élucubrations dans lesquelles chacun des protagonistes confierait ses peurs, ses angoisses face à des décisions cruciales à prendre.

La conscience d’un risque démesuré de tout vendre et du désastre humain que cela causerait est incarnée par Sam Rogers (impeccable Kevin Spacey, mais c’est un pléonasme), capable de pleurer sur la mort de son chien comme d’adhérer à contre cœur à des décisions graves jamais prises par une banque auaparavant.

Rogers est pourtant le seul qui refuse de tout vendre pour cacher la faillite de sa banque. Parce qu’il pèse le pour et le contre, parce qu’il sait que cette décision sans précédent entrainera non seulement l’implosion du marché mais aussi une vague de désastres humains et de suicides comme seule la crise de 1929 en a peut-être causés. A-t-il le choix ou renoncé à toute morale, à toute responsabilité ? Ce sont toutes ces questions qui sont adroitement posées.

Les bras droits de Tuld, alias Jared Cohen (Simon Baker, de la série Mentalist) et Sarah Robertson (la revenante Demi Moore) réagissent quant à eux sans états d’âmes et beaucoup plus cyniquement.

Et si ce portrait de Wall Street est aussi édifiant que glaçant, c’est parce qu’il montre avec finesse toutes les contradictions de la condition humaine, ce dont il est capable. Car après tergiversation, et des tractations sans fin, les décisions les plus violentes et les plus radicales seront prises comme par fatalité. Et comme si de rien n’était…

http://www.youtube.com/watch?v=WdlVP0dUQ14

Film américain de J. C. Chandor avec Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore (01 h 49).

Scénario de J.C. Chandor :

Mise en scène :

Acteurs : 

Dialogues :

Compositions de Nathan Larson :