La foto es del gran Gervasio Sánchez. Tal y como cuenta, fue aquí, en su visita a Kuito, en Angola, cuando comenzó su proyecto fotográfico Vidas Minadas, un homenaje en dos libros fotográficos a las víctimas de las minas terrestres. Compré los libros en un rastrillo solidario de Oxfam en Granada, hace ya un par de años, sin dudar. Y es que, aunque puedo afirmar ser un novato en esto de la fotografía, ya conocía el trabajo de Gervasio desde un tiempo atrás, cuando aún escribía en Xataka Foto, y comenté el discurso que dio tras ganar el Premio Ortega y Gasset de Fotografía 2008.

Todo se transforma. Hoy vivo aquí, en Kuito, y me acuerdo de la foto de Gervasio a diario, al ver el edificio. Situado en pleno centro, es el edificio más alto de la ciudad. Queda enfrente de la iglesia, aún en reconstrucción, a un lado, y enfrente del polideportivo, al otro lado. En los bajos está ubicada una pastelería y varias tiendas más. El exterior, de colores chillones, reconocible en el fondo de muchas fotos, no permite averiguar su pasado, pero el interior sí, y es que apenas la fachada exterior y algunas viviendas han sido reformadas.

Pasar al interior del edificio, a las escaleras, es cambiar de mundo. El ascensor no funciona, las marcas de la artillería y los disparos están por todas partes, no tiene iluminación, y como no hay sistema de agua corriente, es común ver a las mujeres cargar enormes baldes de agua en las cabezas, piso arriba y piso abajo. Pero es precisamente esa rutina, esa vida constante, la de un patio de vecinos cualquiera, la que devuelve a todo a su sitio.

Mirando de nuevo la foto del principio, cuesta imaginar que subí a la azotea uno de los primeros días para ver Kuito desde arriba; que pasé un rato en uno de los balcones del cuarto piso, para hacer fotos del desfile de carnaval; que de vez en cuando me tomo un café y un pastelillo en los bajos, mientras me relajo y leo un rato; que de aquí a un rato pasaré por la puerta mientras me acerco a cenar a casa de unos amigos.

La guerra pasa, quedan las personas y su vida. Las cosas, y la visión que tenemos de ellas, se transforman.

Un saludo, Gervasio.

… dispararía el doble de fotos en mis primeros viajes, y la mitad de las que hago ahora.
… las editaría con más tranquilidad y menos exageraciones.
… dejaría en color mucho de lo que pasé a blanco y negro.
… dedicaría una décima de segundo más a reencuadrar la escena, o al menos a nivelar el horizonte.
… esperaría aún otra media décima de segundo a ver si ocurría algo más en la escena.
… cacharrearía menos y tomaría más cafés gafapastosos en Buena compañía.
… callejearía más, en solitario.
… esquivaría flickr a partir del primer “explore” o el primer “awesome”.
… repasaría, de vez en cuando, lo que llevo hecho, para ver por donde voy y como he ido cambiando.
… dejaría los efectismos baratos para las fotos tontas.
… haría más fotos entre los 28-50mm, y menos entre los 150-300mm o entre los 8-10mm. Me ahorraría el flash y el tele.
… me detendría en más cada toma, para dejarle al azar lo justo y necesario, pero no más.
… no llamaría “momento decisivo” a lo “absolutamente indecisivo”, por respeto a los grandes.
… vería más exposiciones y monográficos, y menos recopilaciones en blogs.

Por suerte, no puedo. Equivocarse y descubrirlo es grandísimo. En ello estoy, y me queda. Vaya que si me queda.

P.d.: Con algo de suerte el Bruno del futuro dirá “…escribiría menos artículos pseudo/intelectualoides/trascendentales en el blog”.

¿El Al Andaluz Photofestival de este fin de semana? Genial. ¿La gente? Genial. ¿Los ponentes y las presentaciones? Geniales. ¿Una reflexión o sensación? Que montones de fotógrafos tienen un profundo miedo a lo digital, y a mostrar sus fotos en internet. Sinceramente, es lo que percibo, de fondo, en argumentos como “con lo digital ahora se hacen muchas más fotos, pero son mediocres”, “las fotos que otros suben suponen una competencia”, “como suba mis fotos a internet me las van a robar”, “como lo analógico no hay nada”. Habrá más cosas, incluyendo experiencia y grandes argumentos perfectamente válidos, sí, pero también veo miedo, con una sensación de inseguridad que ni comprendo ni comparto.

Que no es que sea tonto. No dudo que exponer tus fotos en metacrilato a 2 metros de ancho en una galería de renombre tiene que molar un montón, tanto como disparar con una Leica y un 35mm, o vender cada una de tus fotos en copias numeradas a un puñado de euros. Pero es que ni lo analógico te garantiza eso (¡ja!), ni lo digital e internetero está exento de gustirrinín, oiga. Créeme. Mi fotoblog, mi digital (y las facilidades que ofrece para la edición), el puñado de visitas que recibo a diario, y la gente que conozco a través de ello me hacen disfrutar, y a lo grande, de la fotografía, y me permite compartirlo, foto a foto, en un pequeño rincón en medio de la avenida por la que, quieras o no, casi todo el mundo pasa y va a pasar: internet.

Temer que por poner tus fotos en internet te las van a robar tiene varias implicaciones: 1) Creer, de antemano, que tus fotos son tan buenas que merecen más la pena que el resto de lo que hay ahí afuera; 2) Creer que los demás internautas son más malos que tú; 3) Creer que en internet no puedes tener control de lo que se hace con tu trabajo. Las dos primeras, aunque lógicas y normales (todos tenemos nuestro amor propio, y nuestro pequeño ego a satisfacer), son más bien estereotipos preconcebidos a superar, poco a poco. Cuantas más fotos veas, y a más fotógrafos y fotógrafas conozcas, más te cuestionarás la calidad de tu trabajo. La tercera es más por desconocimiento, y pasa por la cabeza de más gente de la que piensas. Te resumo: por defecto, cualquier foto que publiques en cualquier sitio de internet es tuya, y tiene copyright. Si alguien la usa, de forma inadecuada, la ley te respalda. Punto. Si deseas ser más permisivo con el uso que otros puedan hacer de tus fotos (permitir, por ejemplo, que otros usen tus fotos citándote como autor, y sin ánimo de lucro), puedes hacerlo, y tener una difusión adicional de ellas.

Si te atreves a dar el paso, descubrirás que en lo fotográfico, internet es más una comunidad que una competición. No se trata de que tus fotos sean más o menos que las de otro. Se trata de que son las tuyas y que entre tanta gente, habrá a quien le gusten. La variedad no sólo es buena, sino necesaria, y en cuanto descubras que no tienes por qué sumarte a las tendencias, ni por qué gustarle a todo el mundo, empezarás a construir tu identidad en todo esto. Por decirlo de algún modo, tú no eres la página donde subes tus fotos, ni tu cuenta en una u otra red social. Tú eres tú, en un sitio o en otro, y esas son tus fotos. Quien quiera, que pase y las vea, que tú se lo has puesto fácil.

Tus hábitos, y tu estilo al hacer click o al revelar una imagen no los cambia una cámara, ni un tipo de tecnología. Esto no son más que herramientas que, si quieres, puedes poner al servicio de lo que haces. Tener una cámara digital no te obliga a disparar ráfagas ni hacer fotos sin sentido a todo lo que se mueva, y disponer de buenos programas de revelado digital no te obliga (¡ni siquiera te debe incitar!) a sobrepasar las fronteras que tú mismo te impongas en el realismo de tus fotos. Es más, elige las herramientas que te apetezca cuando te apetezca, si te lo puedes permitir. Si te sientes cómodo editando en cuarto oscuro, y te gusta el feeling del Tri-X, punto y pelota. Si te apetece probar otra cosa, a ver qué tal, las opciones las tienes bien cerca, sin compromiso de permanencia.

Internet, lo digital, y algunas nuevas tecnologías han permitido que nuevos aficionados y profesionales se metan de lleno en lo que muchos (aficionados y profesionales) ya eran maestros hace tiempo. Aprenden (/emos) rápido, a veces bien y a veces mal, pero no lo hacemos por fastidiarte. Lo hacemos porque nos hemos dado cuenta ahora (cuando nos ha llegado el turno) de algo que tú ya descubriste hace tiempo: que la fotografía es algo grande, muy grande. Si quieres sumarte a través de internet eres bienvenido. Es más, vas a encontrar más ayuda de la que esperas, para empezar a usar todo esto. Si tú, además, quieres ayudar y contarnos eso que sabes, mejor aún. Si no, tampoco pasa nada.

¿Quién dijo miedo?

Hubo un tiempo en el que no todo estaba fotografiado hasta la saciedad. En que uno no vivía bombardeado por montones de titulares sensacionalistas sobre cada cosa que ocurría. Un tiempo en el que, aunque se hacía lo posible por informar, los medios actuales estaban en pañales. El fotoperiodismo daba sus primeros pasos (a pesar de la ausencia de megapíxeles, enfoques ultrasónicos y detectores de sonrisas) y las buenas fotos aún dibujaban oes de admiración en la boca de los que, por primera vez, eran invitados a ver más allá de sus narices.

Y si hablamos de narices, en esa época, nos toca hablar de las de Jacob Riis, un emigrante danés que desembarcó en Nueva York en 1870. Terminada la Guerra Civil de Estados Unidos, millones de personas migraban a las grandes ciudades y miles se hacinaban en los barrios de lo que hoy es el sur de la Gran Manzana. En pocos años, comenzó a trabajar como reportero para varios periódicos de la ciudad, cubriendo noticias y sucesos en los bajos fondos.

Los ricos conocían la realidad de los ricos, y los pobres, la realidad de los pobres. Pocos de los primeros, que eran precisamente los que mandaban, se aventuraban a dejarse caer entre los segundos. La pobreza se veía y se olía, pero de lejos, sin que se supiera gran cosa de las condiciones de vida en los barrios más deprimidos.

A pesar de las muchas dificultades, Jacob Riis se propuso entrar de lleno en el meollo y retratarlo, con una vetusta cámara de placas de vidrio. La bombilla aún estaba por comercializarse, y hacer una foto en el interior de una vivienda con una cámara como ésta era poco menos que imposible. Sin embargo, por aquella época, unos alemanes andaban innovando con una peligrosa mezcla de magnesio con clorato potásico, disparada con una pistola de cartuchos, capaz de producir pequeñas explosiones que emitían gran cantidad de luz. El flash daba sus primeros pasos y Jacob Riis sería, posiblemente, el primero en usarlo en fotoperiodismo. Se introdujo con algunos ayudantes en las viviendas hacinadas de los barrios de inmigrantes, y tomó montones de fotos. Así fue como el flash, una manipulación artificial de la luz, permitió mostrar lo que allí había, invisible a los ojos.

La publicación de estas fotos en 1889 junto al famoso ensayo “How the other half lives” (Cómo vive la otra mitad) no dejó indiferente a la clase social media y alta de la ciudad. A pesar de mostrar a algunos pobres como buenos (y víctimas) y a otros como malos (y culpables, por vagos y maleantes), lo que sí hizo Riis fue reclamar mejores condiciones de vida para todos, medidas de higiene y saneamiento, y servicios sociales adecuados. Los problemas que denunció y las reformas que propuso llegaron a influir la agenda política de la ciudad, y a figuras como Theodore Roosevelt, que una década más tarde sería Presidente de los Estados Unidos.

Todo esto ocurrió hace 120 años pero, aunque la globalización nos ha permitido asomarnos a la otra parte del mundo, no hemos reducido tanto las distancias, ni cambiar tanto las cosas, ni la salud en las ciudades. La otra mitad sigue siendo la otra mitad. Entonces eran los suburbios de Nueva York, y hoy son los barrios de chabolas de medio mundo.

Jonas Bendiksen publicó “The places we live” (Los lugares donde vivimos) en 2008, mostrando la realidad de las viviendas de millones de personas, en Venezuela, Indonesia, Kenya o La India. Su trabajo, presentado en un libro imprescindible, nos debe seguir dejando con la boca abierta, y recordarnos que no se puede hablar de Salud Pública sin mirar a la realidad directamente, desde bien cerca, y sin edulcorantes.

Me gusta pensar que no hago clicks por hacer, que todos los disparos que hice con mi cámara a lo largo de un paseo por cualquier sitio los hice por una razón concreta en un momento dado, y que entre todos ellos, la suerte querrá regalarme, de vez en cuando, un momento especial bien capturado, si me lo curré lo suficiente.

Progresar, voy progresando, o al menos así lo siento. Vengo de pasar una semana en Nueva York y, aunque no sé aún si tendré fotos interesantes, o al menos decentes, en el disco duro, sí me he notado diferente al mirar mi entorno, al moverme, y al tomar cada foto. En poco tiempo (¿dos años?) he pasado de disparar con cierto miedo, a confiar en lo que hago y cómo lo hago. Además, cada vez pierdo menos fotos por un mal enfoque, por una mala exposición (lo de subexponer por defecto en -2/3 si fotografío algo a pleno sol me va de escándalo) y, en menor medida, por mi movimiento y el de la cámara al presionar el disparador. Aunque sigue siendo una asignatura pendiente, en cierto modo, cada vez hago menos fotos en movimiento. Si la fotografía requiere que me detenga en seco, trato de hacerlo.

Sin embargo, lo que realmente ha cambiado, creo, ha sido mi forma de mirar. No puedo dejar de analizar las expresiones, gestos y detalles de la gente con la que me voy a cruzar en segundos. Además, cada vez le doy más importancia a la luz. No basta con el momento, ni con la composición (tarea difícil, en foto callejera), sino que si la luz no acompaña, todo se puede venir abajo. No. No da igual ir por una acera que por otra, ni avanzar en un mismo sentido por la tarde o por la mañana. Y mucho menos disparar en un día nublado que a pleno sol. También intento ganar en paciencia, aunque me cuesta. Un momento especial vale mucho, pero en ocasiones puede merecer la pena abrir los ojos un poco más en esas décimas de segundo, por si hay algo más ocurriendo allí mismo. Podemos decir que intento ir aprendiendo de los errores, que no son pocos, y plantearme pequeños desafíos, que aún así me quedan grandes.

Nueva York, para la fotografía callejera, es una ciudad asombrosa. Es pura estadística: más gente, y más distinta, siempre, y por todos lados, haciendo más cosas. Aunque no te la conozcas, aunque no tengas flexibilidad de movimientos por unas u otras zonas, al estar viajando con más gente, aunque juegues fuera de casa, hay oportunidades. Pero contiene una trampa. Es fácil, muy fácil, saturarse, y terminar concediéndole la misma importancia a todo lo que se mueve en tu entorno y a toda persona con la que te cruzas. De buscar momentos a terminar haciendo retratos que no dicen gran cosa por el simple hecho de que es fácil hacerlo, hay una línea demasiado fina. Y lo malo es que para cuando te das cuenta de esto, ya casi te toca volver a casa.

Habrá que volver, digo yo. Y mientras tanto, seguir jugando en casa, entrenando, cogiendo fondo. Click, click, y más click. Y es que salir a la calle se ha vuelto adictivo…

“Recuerdo el primer día que te vi, te fotografié y hablamos. Eras tan joven, una nueva madre, a la que quería conocer, y documentar. Dieciocho años después, te veo dejar este mundo… sufriendo, temblando, asustada. Quiero darte gracias por tu historia, por tu amistad, y por dejarme entrar en tu vida. En absoluto lo que imaginé hace 18 años”. Darcy Padilla.

Julie Baird y Darcy Padilla se conocieron en 1993. Julie era entonces una chica de 18 años, con SIDA, un niño recién nacido en brazos, y un novio llamado Jack. Darcy, una fotógrafa de 26 años con ganas de contar una historia. Desde aquel momento, y hasta la muerte de Julie en septiembre de 2010, Darcy documentó su vida en fotografías: sus momentos buenos y malos, sus cinco hijos, sus otras dos parejas, su entrada en prisión, su traslado a Alaska, su muerte.

Trabajos como éste me dejan sin habla. Tienes que verlo entero.

Vía | Fiona Rogers, en twitter.
Más información | The Huffington Post, New York Times.

Lo vi en Frontera D. Y por si quieres saber más de Sergio Caro: su web y un gran artículo.

Este artículo, una vez más, tiene mucho de crítico y de autocrítico. Si tiro primeras piedras es porque sé de lo que hablo. Hablo de técnicas (o trucos baratos) para conseguir hacer con facilidad en la calle fotos que rara vez merecen la pena.

1. El teleobjetivo.

Que no, que desde lejos no vale. Se ha dicho una y otra vez, y es una de esas prácticas que más cuesta dejar de lado. ¿Que una escena te gusta y te pilla lejos con un teleobjetivo puesto en la cámara? Pues bueno, pero no esperes que tenga el mismo feeling que una capturada desde cerca. La perspectiva, en la primera, te hará sentir como un espectador fisgón, mientras que la segunda te mete dentro de la acción, con total honestidad.

Hacer fotos desde cerca implica arriesgar más, claro. Es más difícil pasar desapercibido, y a muchos les da miedo la posible reacción de los fotografiados, si se lo toman a mal. Pero es lo que hay. Toca echarle cara, sonreír, ser amable, y saber comportarte con sinceridad y humildad si toca.

Que conste que me gusta. Pero actualmente, me da una sensación rara, como muy lejana. Tomada a 120mm con una 30D. ¿Cómo habría sido a 35mm?

2. El angular enorme.

Menuda tentación es la de usar un angular exagerado, ¿eh?. Esta lente capta prácticamente todo al disparar desde la cadera sin que te preocupes por el encuadre y, cuando estás muy cerca, te permite hacer como que fotografías otra cosa cercana. Para colmo, la foto tendrá esa perspectiva artefactuosa que tanto nos fascina. Y para colmo de los colmos, ya nadie te puede decir que disparas desde lejos. ¡La panacea!

Pues no. Una perspectiva tan exagerada también te aleja de la acción. Da dinamismo, pero roba personalidad y sinceridad. A la larga el truco se nota y pierde efecto. O la sabes manejar muy bien, o esta herramienta terminará haciéndose contigo, hasta el punto que, si no llevas puesto un 10mm o un 12mm, nada de lo que veas a través del visor te resultará interesante.

Una de las cosas que he encontrado más difícil a la hora de salir a hacer fotos a la calle ha sido usar una óptica normal. Al principio todo lo hacía con el teleobjetivo. Luego, todo con el angular. Que el 17-55mm f2.8 (en APS-C) pase a ser la óptica que use el 80% del tiempo me ha costado lo mío. Y la verdad, me enorgullezco de ello. Poder “ver fotos” en 35mm o 50mm es un lujo maravilloso.

3. El póster grande.

Una foto en la que el 80% de lo fotografiado es una foto magnífica que otro ha tomado, y que han plantado en la calle, para un anuncio, por ejemplo, ¿qué gracia tiene?. ¿Qué sentido tiene que la fotografíes tú ahora y la vuelvas a mostrar?

O ese 20% que ahora añades es realmente valioso (y con eso quiero decir que sirva para enfatizar el sentido del póster, y que el póster enfatice el sentido de lo que tú has aportado a la escena), o realmente es replicar algo sin más. Goloso y vistoso, pero poco más, la verdad.

4. Gente caminando.

Un clásico. Creo que el clásico más clásico de todos. Es lo primero que todos aprendemos a fotografiar cuando salimos a la calle: gente andando, sin más. No hacen nada especial, ni sucede nada que capte tu atención especialmente, pero es tan absurdamente fácil de fotografiar, que te hinchas a hacerlo. Además, como la foto la hagas desde cerca o los pilles de perfil y con las piernas bien extendidas, te crees la reencarnación de Cartier-Bresson, como poco. Cuando luego la pasas a blanco y negro en el ordenador, te alejas del monitor, la contemplas y te admiras a ti mismo. Si además la has hecho con una Leica, y consigues sobrevivir a semejante explosión de ego, tus fotos dejarán de ser tus fotos para ser tu obra.

La gente camina constantemente. En todas partes hay gente que camina. ¿De qué forma es eso un instante decisivo?. Algo más tiene que ocurrir, o algo más tienen que tener esos caminantes o el entorno para que el click merezca la pena. Capturarla sólo por estar en la calle y tener una composición equilibrada, pfff. Si no te ha aburrido ya, terminará haciéndolo. O eso esperamos todos.

Abuelilla, a 300mm, y en una escena en la que no ocurre absolutamente nada. ¡Creo que he batido un récord!

5. El indigente, o el artista callejero.

El primero está ahí completamente vulnerable porque no le queda más remedio, ni tiene mayor privacidad que la que tú decidas darle. No se puede quedar en casa el día que no esté para nadie, ni puede esconder de miradas ajenas ciertos momentos. El segundo no está ahí por casualidad, ni lo has descubierto gracias a tu magnífico ojo fotográfico. Está ahí haciendo todo lo posible para que le mires y, si lo haces, es mérito suyo, no tuyo.

Creo que mantener una ética en este tema es fundamental. Más allá de la poca gracia que tenga hacer una foto de algo tan fácil de fotografiar, y tan fotografiado, creo que es imprescindible evitar reflejar aquellos momentos en los que una persona no querría ser vista. Lo de “es que con esta foto pretendo hacer crítica social y reflejar injusticias” es una excusa barata que no me vale. O la foto cuenta algo imprescindible (y tienes la ética y capacidad técnica suficiente para contar algo valioso con eso, respetando su dignidad) o es una noticia importantísima, o no lo hagas. En el caso del artista callejero, la ética es más simple, pero también importante: o le pagas (está ejerciendo su trabajo para ti), o no la hagas.

6. La figurita chiquitaja en el enorme escenario.

Esto es como lo de la gente andando. Te pones al fondo de una calle desierta, encuadras, y esperas a que pase alguien a lo lejos justo por el punto que buscas. Si lo cazas caminando con las piernas juntas lo vuelves a intentar. Si lo cazas con las piernas separadas, la miras y dices “menuda fotaza”. ¡Qué composición!.

De nuevo, fotos como esta hay mil millones. O tu foto destaca por algo, o aburre y se olvida en 3, 2, 1…

7. La falsa escena callejera.

Esa en la que conoces al fotografiado que, o bien está posando para ti, o bien tienes la suficiente confianza con él/ella como para acercarte sin más y hacerle una foto que no harías a otra persona. Puede tener su gracia, e incluso puede ser un fotón. Pero procura no venderla como lo que no es.

Yo debo tener, medio recientes, un par de estas. Una que es un posado evidente (tras una gesta heroica para capturar un globo), y otra en la que, aunque los 7 protas fuesen amigos míos, no me prestaban ninguna atención en ese momento…

8. La foto que te ha salido inclinada o desenfocada o movida o sobreexpuesta porque disparaste al tuntún, y que como luego te gusta, te autoconvences de que querías que fuese así.

Luego la subes a flickr poniéndole debajo “las reglas están para saltárselas” y creas escuela.

Yo la quería así, torcida… ¡Anda ya!

9. Los abuelillos.

Si haces la foto porque ocurre algo especial, por un gesto, o por algún aspecto interesante, pues vale. Pero si la haces porque se mueven lento, son draganizables, apenas prestan atención a lo que les rodea, y no se van a enterar de que les estás haciendo la foto, está feo. Que nos conocemos…

10. La gente de espaldas.

Hay excepciones, sí, claro. Pero en el resto de los casos, que son la mayoría, el interés de una fotografía en la que los protagonistas salen de espaldas suele ser directamente proporcional a lo poco que te lo curraste al hacerla. Si es por algo, pues vale, pero quedarse en lo fácil y justificarse después con alguna excusa (ver punto 8), pues no lleva a ningún sitio.

En resumen. Capturar algo porque es fácil capturarlo, generalmente no lleva a nada, si no sigues avanzando y te esfuerzas en ver que, o das un paso más, o te quedas estancado en lo mediocre. La cosa es que una vez que lo descubras, procures ponerle remedio.

Yo he conseguido desterrar por completo de mi forma de hacer fotos algunos de estos recursos facilones, y con otros aún estoy peleándome, pero pienso ganar. ¡Ahí queda!

P.d.: Por mucho que refunfuñe, me lo paso pipa escribiendo estas cosas. Y encima me sirve de catarsis fotográfica, ea.

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

La buena noticia es que abrir el diafragma y usar cámaras de sensor grande no es la única manera de separar primer plano y fondo. ¿Y si haces un panning? Con esto me refiero a seguir con los brazos y la cámara el movimiento de lo que estés fotografiando, a una velocidad adecuada (a la velocidad de lo que fotografíes, y a la distancia a la que te encuentres), intentando congelar el movimiento del primer plano y dejar movido el resto. Esto, que se hace un montón en foto deportiva y de motor, también puede funcionar, ¿por qué no? en foto callejera.

En mi opinión, el resultado no tiene que ser siempre exagerado. A veces, con destacar un pelín el movimiento, basta. En fotos como la primera o, sobre todo, la última, es realmente sutil, y sin embargo, en mi opinión (claro), funciona. Aunque para esto suelen usarse velocidades de obturación bajas, lo cierto es que disparando desde muy cerca, con una focal angular, velocidades medianamente rápidas dan buenos resultados. La 1ª, 3ª y 4ª foto están realizadas a 1/160, 1/125 y 1/200, respectivamente, por poner un ejemplo.

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

Por intentarlo, que no quede.

Todo comienza en 2007 cuando John adquiere, en una casa de subastas de Chicago, y en medio de unos muebles, una enorme cantidad de negativos, de fotografías tomadas en los años 50 y 60 por una tal Vivian Maier. En total, unos 100.000 negativos, de los cuales aún había unos 40.000 en rollos sin revelar. Sería al ir echando un vistazo a esas fotografías, un tiempo más tarde, cuando a él mismo le empezaría a picar el gusanillo de la fotografía callejera.

“Poco a poco, conforme progresaba como fotógrafo, revisitaba los negativos de Vivian para ver más de su trabajo. Compré la misma cámara que ella usaba y fui a las mismas calles, para darme cuenta de inmediato de lo difícil que era hacer fotografías de ese calibre. Descubrí el ojo que ella tenía para la fotografía a través de mi propia práctica. Sobra decir que estoy enganchado a su trabajo.”

A través de la anotación de uno de los sobres que contenía negativos, y de una antigua tienda de fotografía de Chicago, John descubrió quién era Vivian Maier. Nacida en Francia, llegó a los Estados Unidos en los años 30, donde trabajaría en una fábrica siendo niña y como niñera, en los años siguientes. Aunque la práctica totalidad de las fotos son de Chicago, John también ha encontrado fotografías tomadas en Egipto, Tailandia, Taiwan, Vietnam, Indonesia, Francia o Italia. Cuando obtuvo los negativos en la subasta, ella tenía más de 80 años y estaba enferma. Falleció el 21 de abril de 2009, dejando montones de interrogantes en el aire.

Meses más tarde, en octubre de 2009, John entraría a “Hardcore Street Photography”, en Flickr, para pedir ayuda -“¿Qué hago yo con todo esto?”- dejando boquiabiertos a todos los miembros, que le ayudarían a sacar a la luz la obra de esta fotógrafa. También anunció que había puesto en marcha un blog donde iría subiendo algunas de las fotografías que fuese revelando y escaneando.

El pasado jueves, 11 de noviembre de 2010, John volvió a dar noticias sobre el tema. Ya ha escaneado unas 10.000 fotos, y aún le quedan otras 90.000, espera publicar un libro con el trabajo de Vivian Maier para el otoño de 2011, ha comenzado a producir un documental, y pronto se podrán ver algunas de las fotos en una exposición en Chicago, el próximo mes de enero.

¿Qué más puedo decir? Simplemente, que yo estoy ahora escribiendo emocionado perdido, con una enorme sonrisa de idiota, deseando salir a fotografiarlo todo. Porque sí.

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

Entre mil cosas corrientes encuentras una que te dice algo más. Te revela algo de cómo somos, algo de nuestra espontaneidad cuando nadie mira, nuestra forma de comunicarnos con los otros, de ser o fingir, o las curiosidades que te pueden elevar las cejas de pura sorpresa y provocarte una sonrisa tonta en medio de la calle, de la rutina.

Porque no dejo de admirarme de todo, me divierte hacerlo y creo que es bueno. Por eso.

Hasta que me dé por cambiar y apuntar mis clicks hacia otro lado, claro.

P.d.: Hacerlo mejor o peor es otra historia, que deberá ser contada en otra ocasión.

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

1. Dale de comer varias veces a la semana

Que el primer consejo que doy sea un completo plagio de un fragmento de la entrevista que le hice a Carlos Cazurro hace dos años tiene todo el sentido del mundo. No en vano, fue al hacerle esa entrevista cuando me dio por abrir mi fotoblog, y ésta fue la primera sugerencia que decidí seguir a rajatabla. Es más, cuando puedo, intento subir una foto diaria.

Aunque llevar dos o tres años haciendo fotos antes de comenzar con el fotoblog ayuda a que siempre tenga algo de reserva en el archivo para los tiempos de sequía, en realidad me he sorprendido subiendo, casi siempre, fotografías recién tomadas. Es más, a veces me he autoimpuesto la obligación de subir, de vez en cuando, fotos de años anteriores, para que no caigan en el olvido.

Cuantas más fotos subes, más visitas recibes, más gente interactúa con las fotos, y menos te preocupa subir una foto regulera, porque antes va a ser sustituida por una buena. ¿Y si quieres que algunas fotos destaquen más? Bueno, siempre puedes tener un portfolio independiente con tus mejores trabajos, ¿por qué no?. Yo hasta ahora no he sentido la necesidad de ello.

2. Si mantienes un cierto ritmo temático, mejor

Aunque a veces me cuesta, si tengo un buen repertorio de fotos de un mismo tema, creo que es bueno mantenerlo, al menos un tiempo. Debo decir que cuando, por ejemplo, Carlos Cazurro o Marcelo Aurelio han estado subiendo fotos seguidas, de temática similar, me han tenido enganchado, a ver qué seguían publicando.

Yo creo que si cada foto que subes es totalmente independiente de la anterior, tu galería termina enganchando menos con el espectador. Si le consigues dar un cierto orden, mejor. Esto no quita, obviamente, que cuando tengas fotos sueltas, de aquí o de allá, las vayas subiendo. Es lo que hay, oiga.

3. El diseño del fotoblog importa

Una cosa es que lo importante de tu fotoblog sean las fotos. Claro. Pero resulta que un 10-20% de lo que se ve alrededor de la foto es constante, pongas la foto que pongas. Y si ese 10-20% es idéntico al de otros fotoblogs, pues pierde carácter, y gana en impersonalidad. Si eres un virtuoso del diseño y el HTML, hazte tu propia plantilla. Si te manejas a medias, trata de modificar una plantilla para darle tu toque personal. Ese toque puede estar en la cabecera, en el fondo, en un logotipo en la parte superior, en incluir miniaturas o no incluirlas, etc. No se trata de recargar la página innecesariamente, sino de diferenciarla minimamente, al margen de las fotos.

En cuanto al formato en sí, yo tengo una manía, y es que no me gustan los fotoblogs que son simples blogs con imágenes, una detrás de otra. Me gusta llegar a un fotoblog que concede toda la atención a su última foto, y que sólo muestra una foto por página.

4. Trata de facilitar el acceso a las fotos antiguas

Esto no tiene que ir reñido con lo anterior. Me refiero más bien a tres cosas:

Si incluir miniaturas de algunas de las últimas fotos en la portada no te horroriza, yo lo encuentro buena idea. Creo que evita clicks innecesarios al que acaba de llegar de nuevas a tu fotoblog, aunque distraiga un poco de la foto principal.
Tener un archivo bien ordenado, en categorías o fechas. Yo opté por catalogarlas sólo por fecha (año) y temática (arquitectura, social, retrato, paisaje y otros), y creo que sólo echo en falta la localización, que a estas alturas ya no sé si la terminaré incluyendo o no.
Facilitar, con un click, el acceso a una foto antigua, o al azar, desde la portada. A mi me gustó la segunda opción, que incorporé con un plugin de Pixelpost. La he quitado recientemente, porque me falta espacio en el encabezado pero, si puedo, volveré a incluirla. La fórmula de “hace un año”, tampoco es mala idea, creo.

5. A estas alturas, usa WordPress, sí o sí

Y mira que yo lo tengo en Pixelpost. Pero es que, desde hace cosa de un año, el creador de Pixelpost dejó de ofrecer soporte a la plataforma. Aunque actualmente hay un grupo de usuarios tratando de resucitarlo, yo creo que, para comenzar hoy un fotoblog, lo más seguro y estable sería usar WordPress. Además, este CMS dispone de bastantes plantillas para fotoblog, algunas gratis, y otras de pago, lo que puede permitir, sin demasiado coste, tener ya un diseño “distinto”.

Migrar de Pixelpost a WordPress es posible pero, o bien tienes conocimientos avanzados sobre el tema, o bien te toca pagar, aunque sean 15 dólares (creo que es su precio) por un script que lo hace con facilidad.

Hay otras opciones, que además ya comenté en su momento, pero no sé por donde irán a estas alturas…

6. Pon las imágenes en el RSS a tamaño completo

Aunque sé bien que con esto hay discrepancias, yo creo que lo suyo es ofrecer un RSS completo, tal y como nos gusta leerlos y verlos en nuestro lector favorito. Nos ahorra clicks, y facilita que se comparta en otras redes sociales. ¿Que nos hace perder comentarios? No sé… yo tampoco he tenido nunca demasiados comentarios en el fotoblog, así que no sabría qué decir. Sí sé que yo, cuando veo algo que me gusta en Google Reader, lo “comparto”. De ahí, automáticamente va a twitter, y de ahí a facebook. Y rara vez comparto un feed incompleto, o una foto que, en lugar de mostrar su versión completa, es una miniatura. Es más, creo que tengo mayor tendencia a comentar una foto en un fotoblog cuando la veo en mi lector de feeds y desde ahí ya sé que me gusta.

7. Interactúa

A estas alturas resulta obvio, pero para quien no lo sea… aprovecha las redes sociales para dar a conocer tu fotoblog, conocer gente, y conversar con ella. Te sorprendería ver la enorme comunidad de fotoblogueros que hay por ahí, aunque las distintas páginas web estén dispersas. A través de las mismas redes sociales puedes ir encontrando gente, pero también te pueden servir páginas como Cool Photoblogs, donde está prácticamente todo el mundo que tiene un fotoblog, para todos los gustos y colores.

Además de hacerlo online, aprovecha para trasladarlo al mundo analógico, donde todo mola mucho más. En algunos sitios tienen el lujo de contar con un grupo más o menos definido de “Nosedonde photobloggers” pero en cualquier sitio se puede formar un grupo apañado. ¡Hasta en Granada!

8. Acuérdate de los que no hablan castellano

Cuando entres en Cool Photoblogs verás que los de habla castellana somos una gota de agua en medio del océano (aunque se nos ve, que conste). Si empiezas a hacer contactos por ahí verás que de vez en cuando te encuentras con un fotoblog en lenguaje extraño donde ni siquiera sabes cómo dejar un comentario, o no sabes si su autor lo comprenderá si lo dejas en inglés. Pues no les hagas lo mismo.

Yo creo que hay una comunidad bastante grande de fotoblogueros de habla hispana como para que el lenguaje principal de tu fotoblog sea ese. Al menos para mi, resulta mucho más acogedor. Pero trata de indicar las cosas más importantes al menos también en inglés. Yo aún no he encontrado la manera idónea de hacerlo, porque lo gordo (títulos y descripciones y de cada foto) no siempre es fácil de traducir al inglés, pero al menos sí ofrezco el índice de la página, y el formulario de comentarios, en español e inglés.

9. No te lo tomes muy en serio

Yo creo que le he pillado el gusto a esto del fotoblog porque no me lo tomo como un portfolio, sino como un hobby. No se trata de mostrar una selección de fotos para seducir a posibles clientes, ni una galería temática, ni un lugar para la crítica fotográfica (aunque cuando rara vez viene es bienvenida), ni una obligación. Es una muestra personal de las fotos que hago, día a día, que muestro a mi aire y según mi estado de ánimo o evolución como fotógrafo aficionado. Y creo que, con esa espontaneidad y naturalidad, el fotoblog gana muchísimo.

Como suelo decir, si esto le viene bien a alguien, pues genial. Y si alguien quiere aportar su punto de vista, pues mejor aún. Yo sólo he cumplido dos añitos. Hay quien lleva por ahí 3, 4 o más, viejos lobos de mar.

[Nota: Originalmente, publiqué este artículo en Facebook]

Sacerdote: Sin retoque concebida.

B: Padre, venía a confesarme.

S: Ya supongo.

B: Pues nada, que aunque en ocasiones he querido negar lo evidente, o mirar para otro lado, tengo que reconocer que soy un completo desastre para eso de organizar las fotografías en el ordenador.

S: Pero eso es una enorme pamplina, hijo mío.

B: Pero me tiene de lo más atribulado.

S: Cuéntame mejor el problema, hijo. ¿Dónde está el pecado? ¿Cómo clasificas tus fotos?

B: He ahí la cuestión. Que de clasificarlas, nada… Voy metiendo todos los JPGs editados en una carpeta, y sanseacabó.

S: ¡¡¡Penitenciágite, penitenciágite!! Pero las tendrás ordenadas en subcarpetas, o por temática, o por fecha…

B: Va a ser que no. A lo bruto.

S: O usarás algún software para clasificarlas con él, como Adobe Lightroom.

B: No, si el Lightroom lo uso, pero para editar las fotos. A ver deje que le explique. Con los RAWs originales sí que guardo cierto orden. Tengo una carpeta por año, y luego dentro de ella una subcarpeta para cada sesión, reportaje, o salida fotográfica. Pero cada vez tengo menos espacio en el disco duro, y ya no sé muy bien qué hacer.

S: Pero tendrás copias de seguridad, ¿no?.

B: De los años anteriores, sí, en un disco duro externo. Pero de 2010 aún no, porque ya no tengo espacio en ningún lado.

S: Eso es que haces un mogollón de fotos, digo yo…

B: No crea. Tampoco es que salga muy a menudo a hacer fotos. Lo que pasa es que nunca borro ningún original.

S: Hombre, sí que quitarás las fotos borrosas, desenfocadas, mal expuestas, duplicadas…

B: Pues no.

S: ¡Penitenciágite, penitenciágite!

B: Anda, deje de decir eso, que me da grimilla. Es por pereza absoluta. Yo simplemente descargo la carpeta entera y luego, de ahí, las que creo que están bien, pues las edito y exporto en JPG a esa macro-carpeta-popurrí.

S: Bueno, pero la ventaja de usar Lightroom es que, como tendrás marcadas las fotos con etiquetas, o con colores, o con estrellitas, o banderitas, o cualquiera de las opciones que ofrece, no te resultará complicado hacer una buena limpieza en un momento.

B: Ehem… es que casi nunca uso nada de eso, me da una pereza espantosa.

S: ¡Penitenciágite!

B: Lo de que me da grima es en serio…

S: Y entonces, ¿cómo alguien como tú se atreve a tener una página en Facebook del tipo “Fulanito Fotografía”? ¡Insensato! ¡Ególatra!

B: No, si esas cosas sé usarlas, le repito que es por pereza…

S: ¡Intrusista!, ¡Fanfarrón!

B: Es que va sobre fotografía… ¿yo qué le hago? Si le pongo “Embutidos | Bruno Abarca” o “Churrería Loli” puedo confundir al personal.

S: ¡Penitenciágite!

B: Y dale. Bueno, pero tengo propósito de enmienda. ¿Eso no cuenta?

S: Cuéntame otra vez, por el amor hermoso, qué haces entonces con las fotos que seleccionas.

B: Como le digo, cuando una foto me gusta, pues la edito en Lightroom, y la exporto en JPG a mi carpeta “Editadas”, donde tengo absolutamente todo, aunque a final de año la descargo a otra carpeta idéntica en un disco duro externo.

S: ¿Y si tienes que hacerle más retoques? ¿No guardas en TIFF?

B: Pues no. Que los discos duros no los regalan, Alteza. Digo, Eminencia.

S: ¿Y qué nombre le pones a cada archivo? ¿No te sirven para identificarlos?

B: Qué va. Le pongo lo que me viene a la cabeza, aunque manteniendo el número de la fotografía que sale de la cámara. Para que se haga usted una idea, a la primera foto que edité del reportaje del Cristo del Paño de Moclín la titulé “Turrones”, porque salían unos tipos vendiendo turrones, y ya seguí titulando igual el resto del reportaje: “turrones-1639.jpg, turrones-2180.jpg” y así.

S: ¡Válgame!

B: Casi como el malo de los pitufos. (-envozbaja- disculpe, no he podido evitar el chiste fácil).

S: Y si luego quieres buscar alguna foto que hiciste, ¿cómo te las apañas para encontrarla?. ¿Cómo sabes qué fotos has subido ya al fotoblog, o a flickr?.

B: Pues a ojo, la verdad. A veces me rindo y sigo buscando otro día, o me vuelto a Lightroom, busco el raw, y la vuelvo a exportar. Para el fotoblog sí tengo una carpetilla, con las fotos a baja resolución. Algo es algo.

S: Y con tantos años leyendo blogs de fotografía, ¿es que no has aprendido nada? Así nunca vas a ser ni tan rico, ni tan famoso como cualquiera de nuestros fotoblogueros o fotógrafos dospuntocero. ¿Tú es que crees que los premios bitácoras los gana cualquiera?

B: No, si a mi los que me molan son los Photoblog Awards. Puede votarme, si quiere.

S: ¡Esto es spam! ¡Lo último que me faltaba por escuchar! ¡Penitenciágite!

B: Lo siento, es que se me escapa…

S: Anda y lárgate de mi vista. Léete dos libros de Mellado, suscríbete a 4 blogs más de fotografía, y edítame 27 fotos con draganizados en sepia.

B: Lo que usted diga. Prometo enmendarme, lo prometo.

S: Que te vayas.

[Nota: Originalmente, puse este artículo en Facebook]

Dejando al margen lo obvio, que es que hacer fotografía callejera es mucho más que utilizar un modo de exposición, o un par de truquitos, yo sí encuentro que, con la configuración adecuada, te puedes olvidar de cosas poco importantes, para centrarte en lo importante, lo que pasa a tu alrededor, para cazarlo a base de clicks.

Conviene también especificar que suelo usar una compacta digital, Canon S90 (con ciertas características que posiblemente difieran con otros modelos), y que entiendo eso de la fotografía callejera como escenas peculiares, o momentos especiales, que uno capta en medio de un lugar público, desde bien cerca, sin trampa ni cartón. Dicho esto, al lío:

• La cámara permite guardar una configuración personalizada, en el modo “C”. Ahí tengo guardados todos los ajustes que explico a continuación.
• Siempre en formato RAW. Ya habrá tiempo de editar la foto en Adobe Lightroom. Partir del JPG sería perder posibilidades.
• En modo de prioridad a la velocidad. No suelo entretenerme lo más mínimo a la hora de disparar, de modo que a velocidades relativamente bajas sería fácil tener la foto, no sólo trepidada, sino incluso completamente movida. Depende de la luz disponible, claro, pero suelo usar velocidades entre 1/200 y 1/500, que voy ajustando según la luz que haya, antes de ponerme a hacer la foto. La velocidad la controlo con el anillo posterior.
• El segundo aspecto que controlo con el anillo posterior (que permite, con un click, cambiar de parámetro) es la compensación de la exposición. Por simplificar mucho, si estoy haciendo fotos con luz medianamente homogénea, lo dejo tal cual. Si estoy disparando algo a pleno sol, y más si el fondo está a la sombra, suelo subexponer -2/3, para evitar zonas quemadas.
• Para no complicarme mucho la vida, suelo dejar la ISO en automático. Al menos en esta cámara, la sensibilidad ISO en automático oscila entre 80 y 800, y suele ajustarse bastante bien, sin abusar demasiado de las ISOs intermedias, como hacen otras cámaras.
• Siempre en modo de enfoque manual. Aunque la cámara no es lenta enfocando, a mi me gusta que cuando veo algo, pueda hacer la foto de manera inmediata, sin ningún tipo de retardo, y eso sólo se consigue si evitas que la cámara se entretenga en intentar enfocar. Con el anillo frontal (una de las maravillas de estas cámaras), el que rodea al objetivo, controlo la distancia de enfoque, que suelo tener entre medio metro y dos metros. Esa distancia suele coincidir con la hiperfocal y, por tener la cámara un sensor pequeño (1/1,7″), a poco que haya buena luz y el diafragma se cierre un poco, es raro que lo que busco destacar quede fuera de foco.
• Llevo el objetivo en posición angular (entre 24mm y 35mm, equivalentes), y apenas lo cambio. Prácticamente hago fotos como si la cámara tuviera una focal fija.
• Obviamente, todo esto viene dando más o menos igual cuando hay luz de sobra (el diafragma se cierra, enfocando prácticamente todo, y la ISO, aunque sea baja, permite usar velocidades altas), pero se complica cuando escasea la luz. En estas circunstancias suelo bajar la velocidad de obturación en torno a 1/50, o menos, y trato de disparar de forma más relajada y pausada.

Lo mismo son todo obviedades y las cuento para nada, pero creo que algunas particularidades son lo bastante específicas como para que a alguien que no lo hubiera pensado hasta ahora le sirva. ¿Alguna sugerencia? ¿Tú como lo haces?

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

Pensando en esto, he pensado en citar algunos de esos modelos que, según mi criterio, siguen siendo interesantes y se pueden encontrar a buen precio de segunda mano.

Canon EOS 5D

La primera que me viene a la cabeza es la famosa 5D. No me refiero a la Mark II, sino al modelo anterior, lanzado en 2005. Este modelo es, a día de hoy, la forma más económica de poder tener un sensor Full Frame, en un cuerpo de calidad. Vale que la pantalla trasera sea de tan sólo 2,5 pulgadas, que su ráfaga de 3 disparos por segundo sea peor que las de cámaras actuales, que no grabe vídeo, o que no tenga previsualización en pantalla. Pero es que esta cámara, a pesar de sus 5 años de edad, tiene un sensor que sigue siendo superior al de cualquier cámara APS-C, por mucho que cueste el doble. ¡Y de sensor completo, con todo lo que significa en cuanto a profundidad de campo!. Se puede encontrar de segunda mano por unos 800€ o así (creo), algunas unidades no tienen más de un par de años, y la mayoría vienen de aficionados, que no le han dado tanta guerra como un profesional. Si sólo quieres hacer fotos, y no quieres grabar vídeo, o hacer fotografía deportiva, puede ser una magnífica opción a considerar.

Nikon D90

Lo mismo me equivoco, pero recuerdo que el salto cualitativo de Nikon en el manejo del ruido a ISOs altas vino con la Nikon D90, una réflex digital de sensor APS-C, muy buena calidad de construcción y gama media, que hizo babear a más de un canonista. Para colmo, ¡grababa vídeo!. En realidad no hace tanto del lanzamiento de esta cámara, a finales de 2008, que comenzó costando 1100€-1200€ (si la memoria no me falla), y ahora se encuentra de segunda mano por 550€, con un margen que depende de su garantía, estado de conservación, etc. ¿Apostamos algo a que de aquí a un año ya se encuentra por 100€ o 150€ menos?

Canon EOS 350D

La primera cámara réflex de muchos de nosotros fue todo un éxito de ventas. Tras la llegada de esta cámara el mercado se estabilizó bastante en torno a las réflex asequibles (relativamente, claro), de 8 megapíxeles (una tendencia que se mantendría unos añitos más), de encendido instantáneo (cosa que ahora damos por garantizada en cualquier modelo) y sensores de buenísimo rendimiento.Te sorprendería ver como no hay tantas diferencias en la calidad del sensor de esta cámara de 2005, y los nuevos modelos APS-C, de más de 1000€. Tenía una pantalla pequeña, de menos de 2 pulgadas, eso sí, pero una ISO de 100 a 1600, un intuitivo manejo manual, y una respuesta a prueba de fallos. ¿Su precio, a día de hoy? No tendrías problema para negociar su compra a menos de 200€, de una unidad bien cuidada. Ponle un 18-55 IS, y ya tienes, por menos de 300€, un equipo réflex más que suficiente para iniciarse, aprender, y obtener resultados de gran calidad. ¿Y si buscas algo de más calidad? Pues te sorprendería saber que puedes encontrar ejemplares de la Canon EOS 30D, un modelo con mejor pantalla, una pantalla adicional superior, dos ruedas de control, y mejor visor, obturador, velocidad de enfoque y calidad de construcción por, ¿no sé?, ¿300€?

En fin. Como veis, lo que más conozco es Canon, pero seguro que vosotros conocéis también modelos magníficos, de hace 3 o 4 años, de otras marcas, que recomendaríais sin dudar a alguien que quiera comenzar en esto de la fotografía, por la puerta grande, y sin gastar demasiado dinero. ¿Cuáles serían? ¿Y qué piensas de los modelos que yo he nombrado?

[Nota: Originalmente, puse este artículo en Facebook]

Artefacto, según la RAE:

5. m. En los experimentos biológicos, formación producida exclusivamente por los reactivos empleados y perturbadora de la recta interpretación de los resultados obtenidos.

Los tiempos han cambiado, y los criterios para considerar una foto como “buena” han perdido todo su significado. Hay montones de fotos ahí afuera y, si no quieres ser un perdedor, uno más del montón, más te vale que bases tu fotografías en artefactos. Es el futuro y, bueno, el presente.

¿Ves todas esas fotos de la gente que empieza a aficionarse a la fotografía? ¿Ves lo mucho que se parecen a las fotos normaluchas de toda la vida? Lamentable. Esa gente no sabe lo que hace. Hoy en día, si lo que quieres es sobresalir, sólo tienes que pensar en uno, o varios artefactos (cuantos más, mejor) e incorporarlos a tu imagen. Cuando hablo de artefactos me refiero a cualquier aspecto que distorsione una fotografía sosa y normalucha, para que ahora parezca una genial obra de un artista con talento. Como diría el gran Robert Capa una vez, “si tu fotografía no es suficientemente buena, es porque no estás usando suficientes artefactos”. Lo entenderás mejor conforme vayas leyendo los siguientes principios:

1. No hay fotografía sosa, sino fotografía a la que aún no le has hecho algo extraño.

El sujeto fotografiado es lo de menos. Un burro volando o un beso furtivo entre George Bush y Fidel Castro pueden tener el mismo interés que una maceta o un trozo de iglesia, siempre que la foto del trozo de iglesia tenga algo que un novato no sepa cómo se ha conseguido.

Aunque parezca mentira, hay gente que aún no sabe pasar sus fotos a a blanco y negro con un filtro de color, aumentar su contraste exageradamente, o hacerle un HDR. En cualquier caso, es una circunstancia a aprovechar. Cuanta menos gente sepa hacer uno de esos trucos, más impacto lograrás en tu círculo de admiradores.

2. Las focales normales son de pobres.

Es imposible sacar una imagen interesante con el objetivo del kit. No por nada, sino porque todo el mundo tiene un objetivo similar y están hartos de ver la misma perspectiva. Un auténtico fotógrafo basado en los artefactos sólo usa 4 tipos de objetivos:

• El teleobjetivo brutal. De 300mm para arriba.
• El angular brutal. De 10mm para abajo.
• El ojo de pez. Distorsión pura.
• El objetivo (de la focal que sea) ultraluminoso. De f1.4 para abajo.

Cualquier foto que saques con cualquiera de estos objetivos merecerá la pena, simplemente por ser distinta. Los trozos de iglesia parecen cobrar vida.

3. La calidad de los retratos se mide por su bokeh.

Fíjate en los comentarios de Flickr. A nadie le importa un pimiento el retratado (si no tiene tetas, claro). Visto un retrato vistos todos. Lo que marca una diferencia abismal es lo que rodea al retratado, ese fondo desenfocado sedoso tan bonito. El entorno sólo sirve para despistar, y para que tu foto parezca una más del montón. Si tu retrato está hecho con una focal de 50mm o mayor, y un diafragma de 1.4 o más abierto, el éxito está asegurado. La diferencia con un objetivo zoom estándar, o con una compacta, son tan grandes, que incluso justificarían comprar una cámara de sensor completo y un objetivo f1.2. Cada euro invertido puede transformarse en una foto en el Explore. Si tu cámara además graba vídeo, lo vas a flipar. ¿Qué necesidad hay de cerrar e diafragma si el bokeh es un artefacto maravilloso?.

4. Los efectos de Photoshop son importantísimos.

Si no, fíjate en que la mayoría de fotógrafos importantes del mundo se ponen nombres como los de sus efectos de Photoshop: Orton, Dragan, etc. Es más, cualquier foto interesante que veas por ahí puede imitarse, a la perfección, con la acción de photoshop adecuada. Y con el tilt-shift (lo de las miniaturas), lo mismo. En ocasiones te preguntarás si tal efecto le queda bien o no a tu obra fotográfica. La respuesta es clara: “sí, si la distorsiona lo suficiente”. Si tras aplicar el efecto que sea, tu foto se parece bien poco a la original, has triunfado. Apláudete o pide que otros te aplaudan.

5. Los elementos no-fotográficos también son vitales.

Programas como Photoshop te permiten agregar viñeteo (oscurecimiento por las esquinas) a tus fotos, pero no sólo eso. También te permiten aplicar texturas grunge, o filtros de color retro de lo más curiosos. ¡Hasta puedes añadirles destellos de luz! Y lo mejor es que sirven, siempre, para cualquier foto. Le aportan dramatismo, y todos queremos dramatismo para nuestras fotos. Si además le añades a tu foto un marco con ribetes, ese trozo de iglesia adquirirá un porte majestuoso.

6. Si te preguntan algo sobre cómo realizar algún artefacto, responde que estás pensando hacer un tutorial.

Así, matarás varios pájaros de un tiro: a) Quedarás bien, porque no todo el mundo sabe hacer tutoriales. b) Se correrá la voz de que dominas la técnica, y algunos te llamarán Maestro. c) Podrás dar largas con lo del tutorial hasta que te canses de ese efecto y ya no te importe que otros lo usen. Cuando entonces lo escribas, te adorarán.

7. Di que admiras a Henri Cartier-Bresson

Ése es un nombre interesante para dejar caer en cualquier conversación fotográfica. Hacía fotos por las calles de París, hace un montón de años, en blanco y negro, y decía que buscaba siempre “el instante decisivo”, el momento especial para hacer la fotografía. Aunque sólo hagas fotografías de flores y atardeceres, o aunque tu foto callejera más intrépida sea la de un abuelillo en una plaza, y con teleobjetivo, siempre queda bien admirar a Cartier-Bresson. Además, es un nombre lo suficientemente conocido como para que otros te secunden.

Sinceramente, me cuesta creer que aún hay quien sigue haciendo aburridas fotos sin artefactos, en la era digital. No seas de esos…

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

No es fácil ajustar el contraste y la luminosidad de una fotografía. Aunque mirando el histograma, uno puede ir comprobando, más o menos, si en la foto hay zonas demasiado oscuras, o demasiado luminosas, en ocasiones esto es poco intuitivo y terminamos guiándonos “a ojo”. Cuando hacemos esto, tenemos que ser conscientes de que lo que nuestro ojo ve puede estar condicionado por la luz ambiente y, también de forma muy importante, por el color y luminosidad del fondo del programa con que trabajamos. Y es que no es lo mismo ver la misma foto en un fodo blanco, negro, o gris.

Se suele decir que la luminosidad de una foto es correcta si el histograma va desde el blanco puro (o casi), hasta el negro puro (o casi). Cada foto es un mundo, y no siempre queremos un contraste que vaya del negro al blanco, pero para cuando sí lo busquemos, puede ser buena idea ajustar la curva o los niveles modificando el fondo de Lightroom, Photoshop, o lo que usemos, haciendo click sobre él con el botón derecho del ratón:

• Pon el fondo negro para asegurarte de que las zonas negras de tu foto son realmente negras, y no grises.
• Pon el fondo blanco para asegurarte que las zonas más brillantes llegan hasta el blanco puro, o casi, y para comprobar que la luminosidad general de la foto no está más oscura de lo que deseas.
• Por último, termina haciendo los últimos ajustes en un fondo gris, con el que tendrás una percepción más realista del resultado final en tu fotografía.

Lo dicho. Es una tontería. Pero yo lo pongo en práctica y creo que, gracias a eso, consigo el contraste que realmente busco.

Sobra decir que, si no tienes el monitor calibrado, todo esto no dejará de ser una inútil chapucilla.

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en Facebook]

Por aquí un par de recomendaciones…

• Lo primero, procesa la foto a tu gusto, a tamaño completo, con todos sus píxeles.
• Reduce el tamaño de la foto en Photoshop (o GIMP), con el ancho y el alto justo con el que la quieras subir. En bicúbica va bien.
• Tras esto, pásale a la foto una máscara de enfoque. Yo recomiendo hacerlo en una capa nueva, para que luego puedas añadirle una máscara de capa. Pintando en esa máscara de capa, podrás quitarle exceso de enfoque a las zonas que no lo necesiten.
  ¿Con qué parámetros? Algo como Cantidad 75%, Radio 0,5 píxeles y Umbral 1 nivel va bien.
• Guarda la foto a la mayor calidad posible.
• Para reducir el peso de la imagen, me gusta usar VSO Image Resizer. Con este programa, y fijando la calidad al 90%, sin que apenas se note el cambio, puedes conseguir fácilmente reducciones del 60-70% en el peso de la imagen.

¿Alguna duda? ¿Tú lo hacías de otra manera?.

[Nota: Originalmente publiqué este artículo en facebook]

Nada, que hace ya mucho tiempo que no escribo de cosas de fotografía, y me ha dado por ahí. Y exactamente me ha dado por comentar consejos técnicos en la edición digital de fotografías, desde la perspectiva contraria a la habitual: lo que no se debe hacer. Para evitar las suspicacias de los enfadicas, diré que ni soy un gurú ni pretendo jugar a serlo. Lo que yo comente aquí es una opinión, meramente subjetiva, de errores que yo mismo creo (creo, insisto) haber dejado de cometer. Si hablar de ello le sirve a alguien, maravilloso. Si no, pues menuda catástrofe, ¿no?. Pretendo hablar de muchas cosas (exceso de enfoque, desenfoques con photoshop, achedeerres, desaturaciones sosonas, etc.), pero nunca se sabe. Hoy, de cualquier manera, le toca al viñeteo.

El viñeteo consiste en oscurecer los bordes de una fotografía, y lo has debido ver millones de veces. Es muy retro, muy vintage, le da un nosequé a una foto sosilla en un pispás, y te dirige la mirada al centro de la imagen. Sin embargo, esta panacea del píxel resulta ya de lo más cansino, y más aún cuando se hace mal…

El viñeteo puede tener su aquel, pero usado con moderación, y con sentido estético. Te sugiero lo siguiente:

• Si utilizas el viñeteo porque algunas zonas de la foto (por ejemplo, el cielo en un paisaje) te quedaron sobreexpuestas, deja de hacerlo. En lugar de eso, corrige la luminosidad por zonas, de forma más selectiva. Con los pinceles del Lightroom 2 tienes de sobra.
• Se acabó esa horterada de utilizar el viñeteo como marco para las fotos, venga, hombre, ya.
• Si estás muy acostumbrado a ponerle viñeteo a tus fotos y ya eres incapaz de mirar una de tus fotos sin viñeteo con ojos normales, haz un ejercicio: Procesa la fotografía como te venga en gana, dejando siempre la foto original sin tocar en una capa aparte en photoshop. Cuando hayas terminado, pon la foto original encima del todo con una transparencia del 50%.
• Si el viñeteo es tu vida y tu pasión, y no concibes la fotografía sin ello, al menos hazlo con un sentido estético. Si añades viñeteo como “Post-crop” (en Lightroom o Camera Raw) o como una capa semitransparente normal (en Photoshop), deja de hacerlo. Esta forma de añadir viñeteo te oscurece todo por igual, destrozando el contraste y dejando grises las zonas blancas. Si vas a añadir viñeteo en photoshop (pintando en negro sobre una capa transparente), pon esa capa en modo de “luz suave”, y si lo haces en Lightroom o Camera Raw, con la herramienta de “Lens Correction”. Esta segunda forma de añadir viñeteo re oscurecerá sobre todo lo que ya era algo oscuro, dando un efecto menos artificial.
• Se suele decir que el viñeteo sirve para dar “dramatismo”. Plantéate si de verdad quieres expresar dramatismo con esa foto. En la mayoría de las veces verás que no.
• Si añades viñeteo para guiar la mirada hacia el centro de la imagen, o para arreglar una luz fea, intenta aprender a manejar la luz, o a componer mejor, para no necesitar artificios como éste, del que te terminarás cansando (tú, y los que vean tus fotos).

Talibanismos ninguno. Quien nunca haya viñeteado de más, que tire la primera piedra. Pero eso sí, si te reconoces a ti mismo/a en una época de qué-chulas-quedan-todas-mis-fotos-cuando-oscurezco-sus-bordes, piénsatelo. Hay quien se queda estancado ahí…

Un poco de autobombo al año no hace daño, o eso dicen. Aquí os dejo un enlace a la entrevista que me ha hecho Manolo Toledo para Xataka Foto.