Autobús Mágico

the Giant Robots, "Too young to know better, too hard to care!"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Fri, 16 Nov 2012 13:12:19 PST

Lausanne es una ciudad suiza de habla francesa conocida, entre otras cosas, por haber acogido a Charles Chaplin desde principios de los 50 debido a su exilio forzado por el nefasto comité de actividades anti-americanas y su "caza de brujas". También es conocida su visión "idílica" de la economía a través de sus paraísos fiscales, que guarda con diligencia los millones de algunos "pájaros" de mal agüero, auténticos delincuentes vestidos de seda que probablemente jamás visitarán una cárcel. Pero Lausanne también es el hogar de The Giant Robots, nuestros siguientes protagonistas, un desconocido pero pasmoso grupo de garage actual, que fondean entre los sonidos Ye-ye's y las bandas más oscuras de los 60.

Llevan en activo desde 1996, pero según ellos mismos, reconocen que musicalmente podrían pertenecer a 1966. No reniegan de su condición de banda retro o vintage (como se dice ahora), tampoco sienten la necesidad de innovar o caminar al ritmo de las modas, lo suyo es tocar excitante Rock and Roll a la manera que se hacía en los "garages" americanos en los 60, pero no siempre del modo cafre que por otra parte, tanto nos gusta por aquí. The Giant Robots también suenan elegantes, muy influidos por los grupos Ye-ye's franceses e italianos, e incluso se aprecian marcas de música Easy Listening en sus genes, dotando al grupo de una personalidad especial, pero sin salir del gran círculo del Rock and Roll y Pop de los años 60.

The Giant Robots son un grupo mixto, dos chicas y dos chicos que dicen estar obsesionados por los Sonics, Standells, Nino Ferrer, Jacques Dutronc, las películas de Hitchcock, el Vodka con coca-cola, los coches de época y sobre todo el buen Rock and Roll, con toda su carga de ritmo, agitación y excitación que se le supone. Así a bote pronto, The Giant Robots pueden parecer un anacronismo con un montón de óxido con sabor a años 60, pero cuando suenan sus discos las dudas desaparecen, y son dueños de la llave que abre la puerta donde habita una música estimulante, propia de otra época, pero que insufla aire fresco a un presente musical muchas veces industrial y aburrido.

The Giant Robots tienen en su haber un par de singles y dos LP's. Por desgracia solo he podido acceder a su último LP "Too young to know better, too hard to care" publicado en el 2005. Personalmente creo que es fácil dejarse seducir por estos artefactos de géneros añejos, que reproducen muy bien un estilo, pero al cabo de unas escuchas, muchos de estos discos sufren de agotamiento y van directos a un retiro forzoso al rincón más escondido de la estantería. Tras 7 años de antigüedad, he de decir que "Too young..." sigue sonando en mi tocadiscos bastante a menudo, me sigue divirtiendo, me sigue gustando, y más importante aún, entre toda la pila de recientes discos acumulados, sigue despertando mi apetito ocupando un lugar preferente. En resumen, todavía tengo ganas de "Too young...", y muchas.

"Too young to know better, too hard to care" está editado por el incombustible sello también suizo, Voodoo Rhythm Records del ilustre Reverendo Beat-Man, y brilla por diferentes razones. No faltan los clásicos ingredientes garageros de órgano farfisa, guitarras y amplis Voxx, o pedales de Fuzz. Hasta ahí todo normal, aparentemente es un disco de garage al uso, pero la diferencia la marcan las tremendas canciones, que no bajan el nivel de calidad y excitación en ningún momento, y realzan su contorno y atractivo con un sonido, como dirían ahora, orgánico. Que demonios, este disco suena como un martillazo de vitalidad que pulveriza el aburrimiento, y es el mejor envoltorio que arropa unas canciones de excepción, aunque no haya nada nuevo bajo el sol.

El disco es dinámico, divertido, natural... Comienza con un certero diálogo entre farfisa y guitarra pasada de trémolo, es "Come on back", todo un clásico del garage 60's trasladado al presente. El francés es su lengua natural, y se nota, no hay más que escuchar temazos como "Mauvaises nouvelles" y "Elle est partie", directos, simples, dinámicos y sensuales. En ocasiones se convierten en una solvente banda de Surf y Hot-Rod, pero a su modo; cómo en Suiza no hay playas, cambian surf por esquí, y la brisa del mar por el eco de las montañas, que lo bordan en la fastuosa "Echoes from canyon" original de Giuliano Sorgini. Como mandan los cánones, le dan al British Rhythm and Blues como nadie sacando afilados riffs a la guitarra ("Get away"). Con el 60's punk tampoco se quedan cortos, y escupen salvajes pasajes de violencia sónica materializada en demoníacos efectos de Fuzz ("Bye bye baby"), y así hasta completar todas las canciones del disco, que suben el nivel por las nubes.

Que yo sepa no se ha vuelto a saber nada de estos chicos, no han vuelto a publicar ningún disco nuevo, pero al parecer siguen en activo ya que en su web han anunciado algún concierto en septiembre de este año. Esperemos tener noticias de ellos pronto. Por aquí ya estamos ansiosos.

www.thegiantrobots.com/

Sex Pistols

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Fri, 09 Nov 2012 03:55:35 PST

Han pasado 35 años desde la publicación de "Never mind the bollocks" de los Sex Pistols, y nada ha cambiado, al contrario, estamos peor que antes. Pertenezco a una de esas generaciones a las que nunca le ha faltado de nada, sin valorar cosas tan importantes como la sanidad, educación y el bienestar públicos. Simplemente muchos nacimos con "ello", como lo más natural del mundo, y como se suele decir, las cosas no se valoran lo suficiente hasta que se pierden, y desde luego estamos perdiendo nuestros derechos a pasos agigantados, como en un gran casino donde la banca siempre gana, con la diferencia que no somos jugadores, más bien víctimas de un despiadado sistema. Situados en este contexto de despropósito social, los Sex Pistols fueron héroes en su tierra (Inglaterra) durante los 70; no escondieron la cabeza, y utilizaron su propio discurso de Rock and Roll para expresar sus provocativas y certeras ideas con los amplificadores al máximo volumen, y ese discurso, ahora más que nunca, sigue estando presente.

La historia de los Sex Pistols es de sobra conocida, sin ir más lejos en la wikipedia la cuentan con pelos y señales de manera magistral. En dicha historia hay un montón de claro-oscuros, para unos fueron héroes, para otros bufones, y para muchos impostores. Situándonos en el medio, tuvieron sus aciertos y sus errores, pero básicamente los Pistols por méritos propios fueron un revulsivo que conmocionó al mundo en la segunda mitad de los 70. Imaginemos esos años una ciudad como Londres deprimida por el paro y el rancio abolengo, que para colmo grupos como los Yes o Pink Floyd ponían banda sonora con su música soporífera. Ante esta situación un grupo de Rock and Roll de origen trabajador poco puede hacer, excepto revelarse y afilar sus guitarras sacando cortantes acordes de los Who, Eddie Cochran, Iggy Pop o Johnny Thunders, y es así como nace el germen de Sex Pistols.

Desde el primer momento fueron gestionados por Malcolm McLaren y Vivienne Westwood, de pasado situacionista y propietarios de una tienda de moda en Kings Road. El núcleo del grupo estaba formado por Steve Jones (cantante), Paul Cook (batería) y Glen Matlock (bajo). Al poco tiempo Steve Jones se pasa a la guitarra quedando vacante el puesto de cantante. Prueban a muchos, y un día se presenta un tipo bajito, feo y de dientes pochos, con el pelo verde y una camiseta que dice: "Odio a Pink Floyd". Le hacen una prueba, y lo único que provoca en el grupo son unas risas, pero afortunadamente McLaren convence al grupo para aceptarlo. Su nombre es John Lydon alias Johnny Rotten. Nace la formación clásica de los Sex Pistols.

Corre más o menos el año 76, y los Sex Pistols en poco tiempo mejoran como músicos engrasándose en el circuito de Pubs de la ciudad. Poco a poco se hacen con una reputación de grupo en directo gracias al carismático y provocativo Johnny Rotten y a Steve Jones, con sus poses y estilo a lo Johnny Thunders, pero sobre todo les define el sonido que consiguen, doloroso, incisivo y directo a los tímpanos y entrepierna. Un siempre avispado Malcolm McLaren les arregla una audición con la discográfica E.M.I. y graban su primer single "Anarchy in the U.K.". El resultado es una fantástica cacofonía de guitarras asesinas con un cantante totalmente furioso escupiendo podridos improperios a la sociedad conservadora ("Soy un anticristo / Soy un anarquista / No se lo que quiero / Pero se cómo conseguirlo / Quiero destruir al transeúnte"). Como es de esperar, el disco es un escándalo, del mismo modo que alcanza las listas de éxitos. Los Pistols ganan un punto en su revuelta personal contra el sistema.

Pero realmente el escándalo salta cuando el grupo acude a un programa de la tele Británica presentado por Bill Grundy. Al parecer Grundy está un poco beodo y le tira los tejos a una de las acompañantes del grupo (ni más ni menos que Siouxsie), lo que provoca que un Steve Jones crecido arremeta contra Grundy llamándole de todo menos guapo (bastardo, hijo de puta, viejo verde, canalla...). El hecho transciende en toda Inglaterra, y lo primero que hace E.M.I. es echarles a la puñetera calle. Pero lo peor de todo, es que la gira que tenían preparada por el país ("Anarchy in the U.K. Tour") junto con los Clash, Damned o los Heartbreakers de Johnny Thunders se ve mermada a unas escasas fechas debido a la magnitud del escándalo, hecho que hace mella en la moral del grupo. Por si fuera poco, el bajista Glen Matlock, pieza importante en la composición de los temas, abandona el grupo; al parecer el resto de los Pistols no acepta que le gusten los Beatles (!!!!), y le sustituye Sid Vicious más por imagen que por capacidad técnica. El grupo inicia su proceso de auto-inmolación a pasos agigantados.

En 1977 los Pistols firman con A&M, pero fieles a su creencia de que la principal utilidad de la corbata es una bonita soga de patíbulo, entran en las oficinas rompiendo el mobiliario y amenazando de muerte a los ejecutivos. El resultado, como es de prever, la puñetera calle. Pero no pasa nada, paradójicamente las discográficas conscientes del potencial comercial de los Pistols están alerta, y es la todo-poderosa Virgin quién les ofrece un contrato con muchos ceros, comprando la energía del grupo o utilizando un altavoz más potente para extender su mensaje por todo el mundo, según se mire. Publican su siguiente single, "God save de Queen", dedicada a la reina de Inglaterra, y no precisamente en un tono afectivo ("Dios salve a la reina / No es un ser humano / No hay futuro / En el sueño de Inglaterra"), otro maravilloso exabrupto cortante y valiente, que sube al puesto número 2 de las listas de éxitos.

"God save the Queen" se presenta el día del 25 aniversario de la ascensión de Isabel II al trono, y McLaren tiene la brillante idea de fletar un barco por el Támesis con los Pistols tocando el tema atronador frente al muelle de Westminster. La "travesura" provoca el consiguiente despliegue policial y un escándalo nacional de dimensiones mayúsculas. Otro punto más a su favor en su peculiar revolución, pero también se ganan el rechazo y la censura de los medios de comunicación y una parte de la sociedad, que en alguna ocasión arremeten violentamente contra algún miembro del grupo, caso del enclenque Johnny Rotten. Los Sex Pistols van directos a la combustión espontánea al mismo ritmo que se quema la gasolina, pero antes grabarían su primer y único LP en solitario: "Never mind the bollocks", "me importa un huevo", uno de los mejores títulos de la historia del Rock and Roll, y no solo eso, de los discos más impactantes y influyentes de los años 70.

"Never mind the bollocks" desde luego que no constituye el "año cero" de la música Punk, pero sí cambió muchas cosas. Musicalmente el grupo tomaba de aquí y de allá, pero tenían su propia idiosincrasia, un sonido violento, directo, clásico, con unos riffs que te guiaban por el Rock and Roll más visceral. Pero si algo distinguía a los Pistols era un cantante único que fue tomando un rol cada vez más importante en el grupo. Rotten estaba a años luz de los cantantes guaperas, y representaba lo molesto, desagradable, y en definitiva el anti-arte. Su merito consistió en elevar la fealdad a la categoría de obra maestra, utilizando unos limitados recursos técnicos y culturales de forma aguda y brillante, pero sobre todo, Rotten y compañía, durante unos pocos años consiguieron incomodar a una sociedad hipócrita y conservadora por una parte, pero por otra parte, y lo más importante, también lograron espabilar las conciencias de muchos jóvenes (y no tan jóvenes), que estaban aletargadas por sedantes como la televisión y las mentiras de los políticos, y despertar los sueños de libertad y de ser uno mismo, que es de lo que se trata y va mucho más allá del dinero y de la posición social.

Los Sex Pistols tras una desastrosa gira americana, que como no podía ser de otra forma, se les veta en la mayoría de las ciudades, se separan en 1978. El resto es sabido: la trágica muerte de Sid Vicious, los proyectos del resto de los Pistols (P.I.L., The Proffesionals, como banda de Johnny Thunders...), sus reuniones periódicas desde 1996 (mal), y su declinación del premio otorgado por el Rock and Roll Hall of Fame (bien). Visto desde la perspectiva del tiempo, puede que la revuelta del Punk fracasara y fuera fagocitada por la industria, pero la revolución de los Sex Pistols en cierto modo ha triunfado dando una lección de como ser uno mismo sobre todas las cosas, sin importar las consecuencias.

Q65

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Wed, 31 Oct 2012 05:48:22 PDT

Durante los 40 y 50 el Rhythm and Blues y Country estaban bien asentados en la conciencia de los americanos, pero a nivel masivo la música popular estaba copada por cantantes ligeros del estilo de Frank Sinatra o Bing Crosby. En 1954 llegó el "Rock around the clock" de Bill Halley, y sobre todo Elvis, terror de una sociedad americana mojigata, tradicional y temerosa de Dios, que rápidamente se les encendieron las señales de alarma y vieron el Rock and Roll como un peligroso ataque a los convencionalismos sociales y como una preocupante revuelta juvenil sin causa aparente. Por primera vez la juventud americana tenía voz y voto, y el transmisor fue la música. Había nacido la primera oleada del Rock and Roll como un auténtico Tsunami que arrasó con el aburrimiento.

Más o menos en 1959, año de la muerte de Buddy Holly, se precipitó el declive del Rock and Roll, que mutó de una música vigorosa, a un estilo mucho más aseado, vacío y políticamente correcto. Pronto se extendieron los inocuos ídolos juveniles con sus bonitas caras e insípidas melodías. La revuelta del Rock and Roll había fracasado, pero por poco tiempo. Los jóvenes no eran estúpidos, y no se conformaron con los soporíferos sonidos impuestos, querían adrenalina y la encontraron en los Beatles y los sonidos que venían del otro lado del Atlántico, más excitantes, directos, y sobre todo conectaban plenamente con la juventud americana. En 1964 la segunda ola del Rock and Roll entró como un maremoto sin pedir permiso.

Inglaterra en los años 50 se estaba recuperando de los devastadores efectos de la Segunda Guerra Mundial y poco a poco se fue consolidando el "Estado de Bienestar". La sociedad fue ganando más confianza que se tradujo en el alza de la cultura del ocio, y más en concreto de la música. Muchos jóvenes británicos escuchaban los discos de Jazz y Blues que llegaban de los USA a través de las bases militares y las emisoras piratas. Primero fue el Skiffle (un género acústico basado en el Blues) y luego los grupos fuertemente influidos por el Rhythm and Blues y Rock and Roll americano más electrificante. ¿Los más conocidos? Los que casi todos sabemos: Beatles, Who, Stones, Kinks, Small Faces, Yardbirds... o su cara más arisca reflejada en Pretty Things o Downliners Sect.

Los "nuevos" sonidos llegaron a USA, pero también al resto del mundo. Más en concreto, Holanda los recibió con los oídos bien alerta dejando una cicatriz abierta que todavía sigue supurando energía cristalizada en infeccioso Garage y Punk a través de sus bandas. Q65 fueron uno de estos grupos holandeses. Por sus venas corrían los sonidos negros americanos chutados por la vía del Rhythm and Blues y el Soul más descarnado, pero interpretados con una intensidad poco común. El cantante Willem Bieler sentía los Blues con la suficiente libertad como para poseer un estilo propio. Las guitarras de Frank Nuyens y Joop Roelofs se ajustaban a la perfección, unas veces provocaban turbulencias eléctricas y otras tejían bellos pasajes acústicos, y el "todo" dio con un sonido distinto y original.

Q65 publicaron su primer LP en 1966. "Revolution" es un implacable disco de Garage-Rhythm and Blues que rinde tributo a la Chess a base de inflamables versiones (antológico "Spoonful" ). Vampirizan a Bo Diddley con un psicótico "I got nighmares". Bajan el diapasón del Blues para tocar la fibra sensible del oyente ("Sour wine"), y regresan de nuevo al punto de partida del Blues rural en estado puro ("Middle-age talk"). En definitiva, "Revolution" es un acelerado latido de Blues eléctrico colocado en las mismas coordenadas de los Rolling Stones, pero con un discurso más extremo que espontáneamente se adelantaría a la música Punk de los 70.

"Revolution" es un trabajo sólido, revelador de una época, pero al mismo tiempo con un sonido más radical y violento. A pesar de todo, el auténtico potencial de Q65 estaba en los singles que publicaron entre 1966 y 1967 para el sello Decca, también "hogar" de los Rolling Stones. Afortunadamente este mismo año se ha publicado un LP que recopila todas las canciones de los singles de esta etapa. Se llama "The life I live : The Decca 45s", y es simplemente antológico. Un total de 16 temas recogidos de los "masters" originales en sonido mono que hacen hervir la sangre. Sigue un orden cronológico para poder apreciar la evolución de grupo, en cuanto a estilo y sonido. Comienzan con genuino Rhythm and Blues de vocación Punk en los primeros temas, luego se adentran de lleno en sonidos más agresivos repletos de Fuzz. Entre medias se cuela algún emocionante medio tiempo, y a continuación vuelven al punto de partida, que no es otro que el Blues, pero interpretado como ellos solo sabían. Finalmente dan un giro hacia una psicodelia más oscura sin perder ni una pizca de mala uva ni de claridad.

Tras su estancia en Decca, los Q65 originales se deshacen, pero la nueva formación continuó facturando excelente música, explorando nuevos territorios y evolucionando de lleno hacia la Psicodelia y el Hard-Rock tan en boga a finales de los 60 y principios de los 70. Como fan del grupo creo que todo lo que grabaron es interesante, pero la magia de los singles y de "Revolution" no volvería. "Afghanistan" de 1970 está muy bien, mantiene el pulso con excelentes temas entre el Hard-Rock, la Psicodelia e incluso el Soul, pero un "medley" de "oldies" de Rock and Roll que ocupa toda la segunda cara, a pesar de la intensidad, oscurece algo el resultado final. Finalmente el grupo se separó en 1972, para luego volver a reunirse periódicamente en los 80 y 90 hasta la muerte de algunos de sus componentes (Willem Bieler). La influencia de Q65 ha sido importante en el Garage-revival de los 80, pero en mi opinión, a nivel de canciones, sonido y actitud deberían figurar como un referente básico del Rock and Roll más corrosivo de los años 60.

The Shirelles

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Wed, 24 Oct 2012 02:05:36 PDT

Se ha hablado y escrito mucho de los llamados "grupos de chicas" de los 60, y su enorme aportación en el universo de la música Pop. Inspirados en las melodías vocales de los grupos de Doo-Wop de los 50 cantadas a "capella", eran grupos salidos de las calles, que es de donde debe salir la auténtica música popular. Reflejaban sus sueños y sentires en breves viñetas de amor adolescente, tan elocuentes como directas. Tuvieron su época dorada desde inicios de los 50 hasta el eclipse total de los Beatles en el 64. The Drifters, The Platters, The Flamingos, The Orioles, The Moonglows, y por supuesto The "5" Royales, fueron los más conocidos, pero también hubo muchos otros que sacaron brillo a un single de éxito para luego morir en el olvido. Era la época de las pequeñas discográficas independientes, que al contrario que las multinacionales, conocían los gustos del público adolescente, y aunque coparon buena parte del mercado, muchas desaparecían con la misma rapidez que colocaban una canción en las listas de éxito.


The "5" Royales

Volviendo a los numerosos grupos de chicas de los 60, en su mayoría estuvieron respaldados por productores y compositores de muchos quilates que les hacían las canciones a medida, como los sastres fabrican trajes artesanales con los materiales más finos, los patrones más exquisitos o el corte más cuidado. Un auténtico taller del espectáculo, donde cada pieza era fundamental, y el resultado final se materializaba en auténticas obras maestras de esencia Doo-Wop, aspirantes a pequeñas sinfonías que iban más allá del consumo inmediato, que a la larga dejarían huella indeleble en la naturaleza de la música Pop. The Ronettes, The Crystals, The Shangri-las o The Supremes fueron las más exitosas, pero no las únicas, The Shirelles además, estuvieron antes y facilitaron el camino al resto.

The Shirelles se formaron en Nueva Jersey en 1957, eran cuatro adolescentes que crecieron bajo la tutela musical de géneros como el Gospel, Doo-Wop o Jump Blues. Primero se llamaron The Poquellos y al poco tiempo se cambiaron el nombre a The Shirelles, una especie de combinación de palabras entre su líder Shirley Owens y el grupo The Chantels (otras contemporáneas suyas). En esta época, a través de una compañera del colegio, entran en contacto con Florence Greenberg, propietaria de una pequeña discográfica llamada Tiara records, y les publica "I met him on sunday", una pequeña delicia de Doo-Wop al uso, y ejemplo de su prematuro talento que les abriría las puertas hacia la gloria en tan solo unos pocos meses.

Luther Dixon

Tiara era una más de las efímeras compañías independientes de la época que cierra sus puertas, pero en 1959 Florence Greenberg crea Scepter records que operó desde Nueva York, y rápidamente cuenta con la colaboración de las Shirelles ofreciéndoles un contrato discográfico. Debutan con una fabulosa versión de "Dedicated to the one i love" de los "5" Royales y un no menos excelente (y bailable) tema propio ("Look a here baby"). Pero lo mejor estaba por llegar, y a partir de 1960 entra Luther Dixon en sus vidas, no es ni el hijo de Willie Dixon ni el hermano de Martin Luther King, pero es algo casi tan grande. Puso rúbrica a algunas de las canciones más imborrables de la música Pop, y definió el sonido que las Shirelles tendrían desde entonces, basado en unos arreglos de cuerdas que encajaban a la perfección con la frescura del grupo, sin restar empuje ni espontaneidad a las voces de Shirley Owens y el resto de las chicas; pero sobre todo, esos arreglos no sobre-maquillaban las canciones, más todo lo contrario, acentuaban la belleza como si fueran en cierto modo continuadoras de la labor que dejó Buddy Holly con "It doesn't matter anymore" poco antes de morir.

Desde mi punto de vista se puede considerar a Luther Dixon como el quinto miembro del grupo, el genio en la sombra que les confeccionaba preciosos "vestidos a medida" hechos de bonitas canciones y arreglos. No solo eso, The Shirelles también se rodearon de la crema y nata de los compositores más destacados de la época; ni más ni menos que la plana mayor del edificio Brill Building situado Manhattan. Burt Bacharach, Hal David, Gerry Goffin o Carole King son algunos fenómenos que trabajaron para las chicas. En concreto, Goffin-King compusieron la inolvidable "Will you love me tomorrow", un standard de la música Pop universal por derecho propio, que ni el cansino bombardeo cinematográfico y publicitario ha conseguido socavar. Pero hay muchas, temas como "Tonight's the night", "Thank you baby", "Soldier boy", "Baby it's you", "Maybe tonight" o "Doomsday" (más próxima al Soul aterciopelado) son una auténtica gozada. Además no solo se alimentaban de medios tiempos y tiernas baladas, cuando "rockeaban" lo hacían como nadie, y eran capaces de sacar el nervio y calentar la sangre con cosas tan irresistibles como "Boys", "Big John", "Putty" o "Sha la la". Para hacerse una idea general de la dimensión artística de las Shirelles, el sello Ace Records atesora en su catálogo un CD de 32 canciones de adquisición obligada para el que le guste este tipo de sonidos, y para los amantes del Pop en general.

En 1965 Luther Dixon abandona el barco y deja de trabajar con las Shirelles. Un año después, debido a litigios económicos con Scepter y Florence Greenberg, las chicas intentan abandonar el sello, pero las típicas obligaciones contractuales se lo impiden. De nuevo, un ejemplo más del poder corrosivo del dinero que todo lo arrasa. Para colmo, la llegada de los Beatles y los "nuevos" sonidos procedentes del otro lado del Atlántico, arrinconan injustamente a las chicas a un segundo plano, desplazándolas al circuito "revivalista" con un público nostálgico que ya no es tan joven. Poco a poco la formación original se va deshaciendo, y The Shirelles siguen tirando hasta los 80 con más pena que gloria. Un final un poco triste, pero curiosamente los grupos británicos que les hicieron declinar, estuvieron fuertemente influidos por ellas, y bandas como los mismos Beatles, Yardbirds o Manfred Mann, incluyeron temas de las chicas en sus discos. De todos modos, influyentes o no, The Shirelles siempre sonarán jóvenes aunque nosotros ya no lo seamos tanto.

Elliott Murphy, "Night lights"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Wed, 17 Oct 2012 01:19:20 PDT

Elliott Murphy y Bruce Springsteen

En los 70 las discográficas en USA estaban empeñadas en vender a los talentos emergentes de raíces americanas como los "nuevos Dylan". La losa cayó por ejemplo sobre Bruce Springsteen, Steve Forbert, John Prine o Elliott Murphy, carnaza para los tiburones de la industria discográfica siempre a la búsqueda de la última sensación que coparan las listas de éxitos y les hicieran más ricos. Para los ejecutivos discográficos todos eran los "nuevos Dylan", una clara muestra de falta de sensibilidad que no tenía en cuenta la personalidad de cada uno de ellos, más allá de una imagen vendible. Cierto es que como buenos compositores de canciones, todos admiraban a Dylan, pero basta escucharlos en detalle para darse cuenta que cada uno tenía su universo particular, y Dylan era una influencia más.

Elliott Murphy comenzó su camino discográfico en el Nueva York de 1973. Publicó discos tremendos como "Aquashow" (1973) y "Lost Generation" (1975), de una sensibilidad y riqueza literaria exquisitos, llenos de imágenes cinematográficas en blanco y negro, tomadas desde la cámara fotográfica del Rock and Roll, que inmortaliza un diálogo de guitarras y acordes con los vivos recuerdos de The Rolling Stones, Bob Dylan, Lou Reed o Jim Morrison. 1976 es el año de "Night Lights", inspirada obra que sigue respirando por sus canciones y pone banda sonora con música y palabras a la vida en la ciudad, un Nueva York decadente y romántico, donde el héroe encuentra su lugar en la urgencia de la noche para luego volver a su auto exilio.Una ciudad de contrastes donde nada es lo que parece, el pobre es el rey y los tesoros más valiosos se encuentran en la basura envueltos en terciopelo.

"Night lights" fluye por los bajos fondos de la ciudad, un submundo habitado por seres marginales y aspirantes a príncipes que Elliott inmortaliza con romántica mirada, como si de un moderno Fitgerald o Hemingway con guitarra se tratara. "Diamonds by the yard" es un escalofrío que traspasa la médula espinal con un abrumador "crescendo" que llega hasta el final sin vuelta atrás. "Deco dance" traslada la cálida Nueva Orleans a Nueva York con sabores Dixieland, cocinados a base de piano y vientos. En "Isadora's dancers" Murphy transforma con absoluta sensibilidad a la clásica coreógrafa en una bailarina de Peep Show vista desde la mirada del solitario. "Lady Stiletto" se la dedica a Patti Smith, contemporánea de Murphy, tan neoyorquina de corazón y fascinada por Brian James, Lou Reed o Rimbaud como él. "Lookin' for a hero" y "Abraham Lincolm Continental" no ocultan la admiración de Murphy hacia la Velvet de la etapa de "Loaded", e incluso colabora Doug Yule a la guitarra y coros. "You never know what you're in for" es una de esas canciones donde todo adquiere sentido: voz, guitarra, armónica, teclados... Y la combinación global provoca emociones renovadoras, que por unos instantes limpia de las miserias del mundo y te llena de pureza, elevando la canción a la categoría de manual de supervivencia del alma.

Tras "Night lights" Elliott Murphy continuó grabando discos esplendorosos, algunos con claras posibilidades de triunfo comercial como "Just a story from America" (1977), pero al final las cosas no llegaron más a allá de consolidar un público fiel, especialmente en Europa. En los 80 se instaló definitivamente en París donde vive desde entonces. En la actualidad Elliott sigue en buena forma, graba discos con regularidad y gira prácticamente durante todo el año. Es raro que no nos visite por lo menos 2 o 3 veces al año, unas veces solo, otras con el inseparable Olivier Durand o con una banda completa. En cualquier caso, siempre es un lujo ver a este príncipe sin trono regalarnos su talento en locales de pequeño y mediano aforo, alternando su clásico e infalible cancionero con nuevo repertorio y un buen puñado de conocidas versiones, que son garantía de diversión y emoción, y nunca defrauda.

Alex Chilton, "Free again"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Wed, 10 Oct 2012 02:49:51 PDT

Continuando con Terry Manning, en el post anterior le recordábamos como un músico todo-terreno de la escena de Memphis desde los 60. A su enorme lista de colaboraciones hay que añadir a Alex Chilton, autor imprescindible, con una trayectoria tan turbulenta como magistral. Pasó de estrella del Pop en los 60 a músico maldito en los 70 y 80. Se enfrentó a sus demonios personales y a otras adicciones, y finalmente en los 90 se le reconoció como una influyente figura de culto que traspasó las barreras de la música Pop gracias a su particular mirada. Paralelamente, produjo a diversos grupos (The Cramps, Tav Falco e incluso los madrileños Vancouvers), y por desgracia, tan solo hace un par de años falleció sin ser reconocido como es debido.

The Box Tops (primer grupo de Chilton) oscilaron entre el Soul y el Pop luminoso, fueron "tele-dirigidos" por talentos ajenos a la banda (Wayne Carson Thompson, Dan Penn o incluso Bobby Womack), y entre el 67 y 69 publicaron cuatro LP's que alcanzaron bastante notoriedad en la época. Alex Chilton probó las mieles del éxito a una temprana edad, pero la falta de libertad y control artístico no le satisfacía, y finalmente en 1969 un Chilton inconformista abandonó el barco en busca de esa ansiada libertad creativa que le fue negada con los Box Tops. En los 70 Chilton formó los seminales Big Star, creadores de una forma única de hacer Pop, artesana, algo anárquica y muy conmovedora. Grabaron tres LP's imprescindibles que en su día pasaron desapercibidos, pero con el tiempo han calado hondo en la conciencia musical de muchos.

En el tiempo que pasó tras separarse los Box Tops y formar Big Star, Alex Chilton grabó una serie de canciones en los estudios Ardent de Memphis, producidas por Terry Manning y destinadas a formar parte de un hipotético primer LP en solitario. Además Manning participó activamente como músico de sesión tocando la guitarra, el bajo o los teclados. Dichas canciones fueron registradas en 1969, pero por problemas contractuales con su antigua discográfica, no vieron la luz hasta 1996, en un baile de fechas que parecía más una broma pesada del destino, y se recopilaron en un disco de nombre "1970".

Al ser un trabajo póstumo se puede presuponer que "1970" es una colección de demos "menores" de dudoso sonido a medio terminar. Nada más lejos de la realidad, "1970" es un disco exquisito, a la altura de los mejores momentos de Chilton, con un sonido cálido y repleto de buenos momentos de viejo Rock and Roll, donde las guitarras suenan firmes y la batería atruena seca. Son temas de una cohesión sorprendente, ningún tema está de más, y de haber salido en su día probablemente hubiera alcanzado más notoriedad, o quizás no, nunca se sabe por donde va a salir el caprichoso e injusto destino. Ya poco importa, la realidad es que "1970" es un disco sobresaliente.

Edición de 1996

"1970" nos presenta a un Chilton asequible (nunca facilón), amable y con ganas de dar lo mejor de si mismo para disfrute de su público. Ofrece una colección de canciones hermosas, con un toque de nostalgia pero sin abandonar el nervio del enérgico Rhythm and Blues, en parte gracias a la buena compañía de Terry Manning y su reconocida signatura. A la vista de los resultados se puede intuir que la sintonía entre Manning y Chilton es total; ambos comparten la fascinación por los sonidos negros y la British Invasion, y la trasladan al estudio de grabación con sencillez y desbordante personalidad , sin maquillar ni exponer las canciones a una sobre-producción.

"Free again" es un maravilloso dulce de vitalista música Pop, con sustancia, adornada con guitarra Steel que le da aires Country, y un precioso estribillo que celebra un estado de libertad agridulce, ya sea soltándose del lastre de los Box Tops o de una relación sentimental rota. Chilton no desconecta totalmente del pasado reciente de los Box Tops, y recupera para la ocasión "I can dig it" y "The happy song", ambas composiciones propias; mientras que la primera es pura energía de Rock y Soul guitarrero, la segunda tiene sabor Country, con banjo incluido, con un tratamiento más próximo a los Beatles que a los pilares del género. "Something deep inside" es otra preciosidad Pop, sencilla y conmovedora, mezcla Soul con un Beat irresistible acompañado por una dinámica sección rítmica, y el discreto pero siempre efectivo teclado de Terry Manning.


La última y preciosa nueva edición

La delicadeza también tiene cabida en esta fiesta. "The EMI song (Smile for me)" pone los pelos de punta con ese cruce a medio tiempo entre el piano eléctrico y la guitarra steel, que confluye en la conmovedora voz de Chilton, que en cierto modo se adelantaría a Big Star. Más efluvios Country en la más ortodoxa "I wish I could meet Elvis", delicioso homenaje al Rey con guitarras acústicas y más Steel. Y siguiendo con los homenajes, Chilton rinde tributo a los Rolling Stones, y lo hace de una forma absolutamente libre, llevando a su terreno un "Jumpin' Jack Flash" reconocible pero transformado bajo su mirada. "Every day as we grow closer" quizás sea la clave más clara que definirá la música de Big Star: melodías perfectas, voces muy cuidadas, y un sentimiento nostálgico que aporta pureza a la canción. Sin embargo, el sentido del humor no se pierde, y la canción se funde con "Funky national", como su nombre indica, un torbellino de urgente música Funk.

En resumen, "1970" es un disco imprescindible, que tiene las claves para satisfacer al buen aficionado: emotividad, mucho Rock and Roll con nervio que te mete el ritmo en el cuerpo, y ante todo canciones de Pop magistral llenas de melodías con esa brisa fresca que airea el secreto mejor guardado de los Beatles. Afortunadamente, a principios de este año se ha reeditado el disco bajo el título "Free again: The 1970 sessions" en varias ediciones: CD con temas extra, un precioso LP en vinilo transparente, y para los más pudientes, una lujosa caja con varias golosinas, como un single inédito o una edición especial del tercer y último disco de Big Star ("Sister lovers"). Hazte un favor e invierte en felicidad.

Terry Manning

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Wed, 03 Oct 2012 09:34:54 PDT

Terry Manning es uno de esos personajes aparentemente secundarios situado lejos de los focos del estrellato, casi siempre en un discreto segundo plano, ejerciendo labores de producción, ingeniería de sonido, composición o acompañando a la estrella de turno como solvente músico de sesión. Detrás de esa discreción se esconde una figura de enorme importancia para el acabado de un disco, que puede marcar la diferencia entre lo correcto o lo genial, y Manning con su talento consiguió muchas veces esa selecta genialidad.

Terry Manning se crió en El Paso, Texas, donde dio sus primeros pasos musicales junto a su amigo Bobby "I fought the law" Fuller, quizás el heredero más digno del legado de otro tejano de excepción: Buddy Holly. Terry y Bobby tiraron por caminos distintos, Bobby viaja a Los Angeles y tras una intachable pero breve discografía muere en 1966 en oscuras circunstancias. Terry Manning se instala en Memphis y pronto es contratado por Steve Cropper, mano derecha de Estelle Axton y Jim Stewart, dos hermanos propietarios de un pequeño estudio de grabación y sello discográfico que hará historia: Stax records.

Estudios Ardent

Terry trabaja en Stax como ayudante de ingeniero de sonido y músico de sesión. Al poco tiempo es contratado para trabajar en los estudios Ardent (también en Memphis) donde tiene el privilegio de aprender el oficio de ingeniero de sonido al lado de maestros como Dan Penn, Willie Mitchell, Jim Dickinson o el ya citado Steve Cropper, que ya le había dado su primera oportunidad en Stax. En aquella época (mediados de los 60) la moderna tecnología de los Studios Ardent atrae a las figuras más relevantes de la música Soul y Rhythm and Blues del momento, incluida casi toda la plantilla Stax, desde Otis Redding hasta Booker T. and the MG's, los numerosos artistas que graban en los estudios FAME de Alabama, o grupos de Soul-Pop blanco como los Boxtops de Alex Chilton, colega de Terry.

Otro personaje imprescindible en esta historia es Al Bell, productor y compositor para Stax, pero conocido sobre todo por que a partir del final de los 60 se convirtió en co-propietario de Stax junto a Jim Stewart, iniciando un período de gran expansión del sello que desembocaría en una anunciada banca rota a mediados de los 70. Al Bell consciente del talento de Terry Manning le contrata para producir y mezclar algunos discos de los Staple Singers, que marcarían hitos artísticos, comerciales y sociales dentro del Soul y Rhythm and Blues americano de los 70. Además le convence para grabar un disco en solitario, y así es como nace "Home sweet home", primer y único trabajo de Terry.

"Home sweet home" fue editado en 1970 en el sello Enterprise records, una filial de la entonces ya macro compañía Stax, también "hogar" de Isaac Hayes. El disco pasó completamente desapercibido, pero afortunadamente el alucinante sello 4 Men With Beards lo ha vuelto a reeditar hace muy poco. "Home sweet home" es un disco altamente rockero, que se alimenta de las raíces Soul y Rhythm and Blues que rodean a Terry por todas partes, pero al mismo tiempo es un disco de su tiempo, finales de los 60, colocado en una foto de familia junto a los Beatles, la Psicodelia y el Blues-Rock, pero de una forma más festiva, desenfadada y natural, buscando que el oyente disfrute sobre todas las cosas.

"Home sweet home" está lleno de múltiples paisajes sonoros, y es un cuadro que pinta el mismo Terry Manning, tan solo con la ayuda de un batería y la ocasional colaboración de Chris Bell a la guitarra solista, el resto Terry se lo guisa el solo. Y es que detrás de un ingeniero de sonido se esconde un musicazo que domina múltiples instrumentos, posee una voz descomunal aprendida de gigantes como Otis o Mavis Staples, y lo más importante, mete las manos en el barro. No se limita a fabricar un pulcro disco en un frío estudio de grabación, no que va, aquí priman infecciosos pildorazos de Rock and Soul más mortíferos que todas nuestras fuerzas de seguridad del estado juntas.

"Home sweet home" abre con "Savoy Truffle" del "blanco" de los Beatles. 11 apabullantes minutos que empiezan con una introducción de sintetizadores "Moog", para ceder el paso a una fornida sección rítmica avivada por una calentorra armónica y capas de guitarras que rejuvenecen a la psicodelia, dándole más inmediatez. "Guess things happen that way" es un tema de Country tocado, entre muchos, por Johnny Cash. Terry hace una auténtica deconstrucción del tema añadiendo dinamismo, más psicodelia y un estupendo piano eléctrico de fondo. "Trashy dog" anima a bailar al ritmo del Memphis sound en un cruce de caminos con la Motown, tras emprender un viaje de 3 minutos para abandonar las penas. "Wild wild rocker" encaja a la perfección cuando sustituimos al clásico Rocker por un tipo de Louisiana que se vuelve loco y quema pianos en escena. Efectivamente, un homenaje en toda regla al ínclito Jerry Lee Lewis, donde el dichoso piano gana el protagonismo, aunque la guitarra de Chris Bell no está nada mal.

Pasamos página hacia la cara B y nos damos de narices con "Choo choo train" de los Boxtops, aquí mucho más rockera y lasciva que la original, donde los elegantes vientos son sustituidos por un sólido muro de ritmo que se une con "I ain't got you", piedra angular del Blues eléctrico que Terry ralentiza, y es capaz de mantener una tensión construida sobre efectos Fuzz y guitarra slide, para morir en un psicótico final. "Sour mash" es un guiño evidente pero delicioso a Booker T. and The MG's, con espejismos del órgano Hammond de Booker T. Jones o la elegante Telecaster de Steve Crooper. Para redondear la jugada, Terry ataca "I wanna be your man", el maravilloso tema que los Beatles cedieron a los Stones. Una gozada infectada de energía Fuzz, punteos estratosféricos y una voz completamente poseída por sus hermanos negros.

Terry en el tajo

"Home sweet home" quizás fue un entretenimiento, un complemento a la trayectoria como productor e ingeniero de sonido de Terry, pero a la vista de los resultados, su talento es algo muy serio, y es una lástima que no publicara más discos, pero como las cosas son como son, nos conformaremos con disfrutar de este discazo una y otra vez, y también, como no, desempolvar discografías de autores en las que Manning estuvo involucrado directamente. La lista es enorme: ZZ Top, George Thorogood, Jason and the Scorchers, algo de Led Zeppelin, por no hablar de su gloriosa época de los 60 y 70, con la Stax, HI, FAME y un montón de inolvidables sellos más.

Gracias a Radiocity Discos por recomendarme este "Home sweet home" sin pestañear.

www.radiocitydiscos.com/

J. J. Jackson

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Mon, 17 Sep 2012 01:59:18 PDT

A pesar de la tecnología, la abrumadora cantidad de información que circula por internet, los mp3's, youtube y todo lo demás... hay autores ocultos tras un velo de desconocimiento y desinformación, que deberían estar en primera línea de fuego, en las tierras donde se sitúan los más grandes. Teniendo esto en cuenta, trataremos de rendir tributo, en la medida de lo posible, al único e inimitable J.J. Jackson.

J.J. Jackson nació en Nueva York en 1941. Fue un compositor y arreglista todoterreno que trabajó para Jimmy Whiterspoon (soberbio y versátil cantante de Blues), Jack McDuff (reconocido organista de Jazz), el popular grupo Pop de los 60 The Shangri-las, e incluso cedió un tema suyo a The Pretty Things ("Come see me"), morrocotudo combo de Rhythm and Blues británico de los 60, y favorito personal.

J. J. Jackson era (y es), un dotado intérprete, formado en la iglesia baptista, con referencias en coordenadas semejantes a las de Otis Redding y otros cantantes Soul del sur de USA. A pesar de su bagaje musical, Jackson no debuta hasta 1966, y alentado por su manager se desplaza a Inglaterra. En esta época se crea la etiqueta del Northern Soul, que más que un estilo, es un nombre utilizado para agrupar una serie de singles "raros" de música Soul que se pinchan en los clubs de Inglaterra, destinados a las pistas de baile.

En referencia al "Northern Soul", en el imprescindible libro "Sweet Soul Music", su autor Peter Guralnick sostiene con contundencia, que no hay un Soul nacido en el norte, el auténtico Soul es aquél enraizado en la música Gospel de los estados del Sur (Tennessee, Alabama, Georgia, Mississippi, Carolina...), salido del alma y "contaminado" por el pagano Rhythm and Blues. Es de este Soul del que bebía J.J. Jackson, que independientemente del origen y geografía era uno más, continuador de la tradición, capaz de transmitir un torrente de emociones en sus temas, tan grandes como sus 150 kilos de humanidad.

La discografía de J.J. Jackson es corta y desconocida por igual. Desde Inglaterra, rodeado de los mejores músicos de Blues y Jazz, facturó incandescentes proyectiles de Rock'n'Soul que deberían de figurar entre lo mejor de su época. En 1966 arrancó con "It's alright", un inicio imparable directo a las listas de éxitos, con una contagiosa guitarra que aporta el condimento ideal a la voz hiper-calórica de Jackson. Sería su primer y único "hit" que le arrastraría al panteón sagrado de los "one hit wonders" (artistas de un único éxito); craso error, en esta época cada tema que grababa era como un diamante en bruto, que brillaba como el tesoro más preciado de la música Soul.

Aunque su repertorio era carnal y bailongo, Jackson fue capaz de componer baladas para hincar las rodillas en el suelo de la emoción. "It seem like i've been here before" o "A change is gonna come" son pruebas audibles, esta última un sensible tributo al eterno Sam Cooke, que es a la música Soul lo que Jesucristo a la religión católica. Compuso desenfadados temas para olvidarse de los problemas y bailotear hasta el amanecer ("Courage ain't strength" o "Sho nuff", "That ain't right"), con una sección rítmica y de vientos que no tenían nada que envidiar a la mismísima Stax.

Continuando con el monstruoso repertorio de Jackson, "Four walls" es un medio tiempo que posee un groove lleno de optimismo, donde la telecaster y el órgano campan a sus anchas, mientras los vientos rompen y los coros sacan brillo a la canción. "I don't want to live my life alone", es una celebración, auténtica declaración de principios de ternura y humanidad, que anima a compartir la vida con alguien a quién quieres. "Try me", es mi favorita, un medio tiempo que lo tiene todo, interpretación de Soul pluscuamperfecto con una voz desgarrada y tierna al tiempo, con un Jackson que se vacía en un ejercicio de compartir las emociones más íntimas.

En definitiva, J.J. Jackson es un talento tan sobresaliente como desconocido, no se sabe si por voluntad propia o por los avatares de la vida, pero lo cierto es que escuchando su tremendo repertorio uno tienen cierto sabor agridulce. Por un lado, a la vista de los resultados, siempre acertó en la diana de la canción Soul perfecta y accesible al mismo tiempo, pero por otro, la sombra de oscuridad que le ocultó desde hace tiempo, le privó de un mayor reconocimiento, y lo peor, de un pleno desarrollo artístico digno de compartir. Investigando por ahí, a finales de los 60, principios de los 70, Jackson publicó algún disco más, que con toda probabilidad seguro que no tienen desperdicio, y en estos momentos daría lo que fuera por escucharlos. Si alguien los tiene que silbe.

"It's alright"

Muddy Waters, "Folk singer"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Tue, 11 Sep 2012 23:45:29 PDT

Afirmaciones como "el fuego quema", "el agua apaga la sed" o "el miedo es libre" son tan ciertas como que "El Blues tuvo un hijo y se llamó Rock and Roll", una verdad universal que adelantaba Muddy Waters en un tema de su tremendo cancionero, tan exacta como que Muddy fue uno de los pilares de la música popular "moderna" y sin él, casi con toda probabilidad, esto no hubiera sido lo mismo.

Repasando muy brevemente sus orígenes, Muddy Waters nació en el estado de Mississippi en 1915 bajo la mala estrella de la pobreza, la segregación y el trabajo duro. En los años 40 fue descubierto por Alan Lomax, que trabajaba para la Biblioteca de Congresos, y al poco emigra a la ciudad de Chicago, cuna del Blues eléctrico. Big Bill Broonzy, bluesman muy popular en la época, pone a Muddy en el mapa musical de Chicago, y al poco tiempo entra en contacto con Aristocrat records, convertida después en la seminal Chess records, y el resto es historia.

Desde finales de los 40 hasta mediados de los 50, Muddy Waters tuvo un gran éxito en el mercado del Rhythm and Blues gracias a una banda a la que nadie se atrevía toser: Jimmy Rogers, Little Walter o Otis Spann eran parte de la plantilla.Tenían la suficiente entidad como para brillar por si solos, y Muddy no tuvo problema que cada uno lo hiciera con plenitud. Juntos grabaron (¡agarrénse los empastes!) maravillas como "Rolling Stone", "She moves me", "I'm your Hoochie Coochie man", "I just wanna make love to you", "I'm ready" o "Mannish boy", todos ellos clásicos del Blues eléctrico, así como himnos de los más calentorros instintos de la entrepierna que han sido interpretados por otros músicos hasta la saciedad.

Muddy tenía la máquina perfecta de hacer blues, engrasada y precisa. Él ponía el alma, ellos el corazón. La magia duró unos años, el nucleo se deshizo y cada miembro se centró en sus carreras solistas. Desde entonces, Waters tocó con mucha gente, músicos legendarios, pero nunca como Ellos, fueron irrepetibles e irremplazables. Quizás por este motivo, en 1963 cuando su estrella ya estaba consolidada, volvió a sus raíces rurales y grabó un disco desnudo y enigmático, con instrumentos acústicos, que supuso una vuelta al hogar de su Rolling Fork natal, un recuerdo de juventud encapotada por una vida de perros, sin más opciones que los destartalados Juke Joints donde los Bluesman tocaban, mientras el público bebía alcohol destilado ilegalmente.

El resultado es "Folk Singer", un disco que rebosa austeridad en cada surco, donde cada nota es una apabullante señal de cruda realidad, sin aditivos ni adornos, dibujando un paisaje árido de tierras yermas y bellas al mismo tiempo. De la misma forma que la quietud de la inmensidad del desierto solo es interrumpida por el silbido de la serpiente, la guitarra slide de Muddy se desliza en cada canción. Los silencios están a años luz de las palabras y tienen un significado esencial, dotando al disco de una atmósfera sobrecogedora e inquietante al mismo tiempo. En este ritual de magia negra de Country-Blues, Muddy no estaba solo, le acompañaban Willie Dixon, Buddy Guy y Clifton James, eternos compañeros de viaje, que al igual que Muddy, echan la vista atrás hacia su duro pasado, representado en cada fraseo, como una aparición que intenta decirnos que es bueno saber cuales son nuestras raíces sin perder la perspectiva de la realidad.

Tras "Folk Singer", Muddy Waters siguió creciendo artísticamente a base de trabajo duro y una intachable trayectoria materializada en cada disco, en ocasiones adaptados a las tendencias del momento. Publicó discos con movimientos hacia el Soul, Funk o la Psicodelia, estilos más alejados del Blues ortodoxo, pero que en sus manos parecían creados por y para él, interpretados con firmeza y autoridad, a su manera, pero sin renunciar a sus raíces y con los pies bien asentados en la tierra, sin desviarse un ápice de su camino, como el que sabe quién es y de donde viene.

"My home is in the Delta"

The Nomads

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Tue, 04 Sep 2012 15:08:13 PDT

Hace pocos meses que The Nomads han salido de su letargo discográfico, y lo han vuelto a lograr. Han publicado un notable trabajo, a la altura de cualquiera de sus discos, y es que esta gente, con más o menos fortuna, siempre dan en la diana. No hay más que echar una escucha a su arisca discografía. Estos suecos no esconden la mano, llevan arrojando pedruscos de aplastante Garage y Punk durante más de 30 años, y aunque actualmente publican sus discos a cuentagotas, temo que ya es demasiado tarde para pararles, y que sea así por muchos años.

Los Nomads proceden de Solna, Suecia, y se formaron en los primerísimos 80 bajo el parapeto del Garage revival de la época. El núcleo central estaba formado por Nick Vahlberg, Ed Johnson y Hans Östlund, este último, burrísimo guitarrista de dedos sangrantes despellejados por las cuerdas de su mortífera guitarra. A lo largo de los años han cambiado de formación (no mucho), y en la actualidad junto con Nick y Hans, se mantienen los mismos miembros desde mediados de los 90.

En el interior del planeta Nomads, árido y termonuclear a la vez, hay más sustancia de lo que parece. Han ido absorbiendo un montón de referencias del lado más tóxico del Rock and Roll, siempre con imponente personalidad sónica, a su bola y sin importar las tendencias del momento. Han pasado sobre el cadáver del Garage de los 80, el Grunge de los 90 y la invasión escandinava de los 2000 (de la que fueron padrinos), impertérritos y sin pestañear. Su organismo está invadido por los tumores malignos del Rock and Roll: de Sonics a Wipers, de Johnny Thunders a Cramps, pasando por Roky Erickson, pero combinado con la radioterapia melódica heredada de divinidades como Kinks, Dylan o Alex Chilton.

Los Nomads son dueños de una sólida discografía libre de altibajos, que hace que el que escribe sea incapaz de inclinarse por un disco en particular. Sólidos por las fabulosas canciones, sólidos por su trayectoria, que lleva acumulando décadas. Sólidos por su evolución en cada disco, sin necesidad de desviarse de su camino ni de sus preceptos rockeros. "Outburst" (84) define una visión peculiar del Garage revival, más cruda y arisca que la de sus congéneres. "Hardware" (87) y "All Wrecked up" (89) van en la misma dirección, pero poco a poco se quitan el "san benito" de Garage 80's avanzando de forma natural hacia el Punk. "Sonically speaking" (91) les aleja de un estilo concreto, a menos que hablemos del Rock and Roll en toda su amplitud, cocinando unos temazos de escándalo. "Powerstrip" (94) es más duro y oscuro (se nota la huella de Seattle), pero no pierde fuelle. Siempre adelante, infatigables, avanzan con paso firme hasta llegar a "Solna", su último trabajo: maduro, enérgico, melódico y modélico, que lo guía y calibra 4-Eyed Thomas (productor de casi todos sus discos) con maestría.

¿Y que decir de los conciertos? Los Nomads son una auténtica apisonadora sobre las tablas. Una bofetada sónica que no deja indiferente; por la energía que desprenden, el repertorio que defienden, por el excelente sonido que consiguen, aunque con un volumen que haría sangrar los oídos del más aguerrido otorrino. Para demostrarlo, afortunadamente les tendremos de gira por España en pocos días. Sólo hacen dos fechas, pero son suficientes para verlos en acción, y una excusa perfecta para volver al norte y disfrutar del poderío de los Nomads en todo su esplendor, con la actitud de siempre y la sabiduría que otorga el paso del tiempo.

Se puede encontrar más información en la web de "I Wanna Management":

http://www.iwanna.org/web/conciertos

The Blasters, "Hard Line"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:41:34 PDT

Al igual que en el último post, permanecemos en la misma época y lugar: finales de los 70, principios 80 en Los Angeles, California. Además de los punks tratados anteriormente (con mención de honor a Angry Samoans), había otras corrientes rockeras en California, como el Pasley Underground o el emergente Nuevo Rock Americano, más centrado en las melodías y Garage de los 60 (la primera) y en el Rock de raíces adaptado a los tiempos (la segunda).
A uno que tiene una imagen romántica (e ingenua) del asunto, le gusta pensar que esas tendencias no estaban enfrentadas, sino que se complementaban y convivían sin problema. En el núcleo de la "bomba de neutrones" quizás se pudiera vislumbrar un hipotético bar donde alternaran un desfile de grupos variado: Black Flag, Dream Syndicate, Los Lobos, Rain Parade o Nervers, tan alejados en las formas como próximos en las inquietudes de recuperar el rock más puro, cada uno a su manera.

Imaginemos que en nuestro bar tocara algún grupo en directo, eso no podía faltar. Un buen grupo de Rock and Roll que animara la velada y también al personal a empinar el codo hasta el amanecer. No se me ocurre mejor opción que los Blasters, otros californianos de excepción, más próximos al espíritu de banda de Bar, y también más fieles al Rock and Roll clásico. Ellos mismos se auto-definían en su tema "American music":

"We got the Louisiana boogie and the delta blues / We got country, swing and rockabilly, too / We got jazz, country-western and Chicago blues"

Los Blasters a pesar de su estilo añejo propio de épocas pasadas, no eran un anacronismo de la escena californiana. Eran un grupo del momento que no miraba hacia atrás con nostalgia, más bien tomaron nota de la energía Punk del momento, que se reflejaba no tanto en el volumen de los amplis, como en sus canciones directas y sudorosos conciertos, pero siempre con un absoluto respeto hacia sus raíces de la música americana tradicional. No obstante, los hermanos Alvin y el resto de los Blasters, tenían más lazos en común con colegas de generación como X o Gun Club que, por ejemplo, con los tristones cantautores.
La discografía de los Blasters es breve pero sustanciosa. Editaron cuatro discos con la formación original, se disolvieron a mediados de los 80, y en los 2000 volvieron, primero con la formación clásica y luego sin Dave Alvin, alma del grupo. Pero puestos a elegir, de entre todas sus referencias destacaría el último disco "Hard line" del 85. Quizás no tenga la espontaneidad de sus primeras obras, y la producción sea demasiado nítida a la búsqueda de algún bombazo directo a las listas de éxitos, pero las canciones funcionan de maravilla. Desde mi punto de vista, Dave despacha las mejores composiciones (aunque sin llegar a la cima de "American music"), y su hermano mayor Phil canta mejor que nunca. La verdad que "Hard line" lo tenía todo para arrasar: una producción comercial cuidada del prestigioso Jeff Eyrich, canciones pegadizas pero de gran calidad, e incluso colaboraciones de lujo como The Jordanaires (grupo vocal de Elvis), Stan Lynch (batería de los Heartbreakers de Tom Petty) o John Cougar (que les cede un maravilloso tema). Al final las expectativas se difuminaron, y "Hard line" se convirtió en carne de cañón de cubetas de discos de a 1 dólar. Quizás el problema fue que los Blasters no empeñaron su alma de Rock and Roll a los siniestros mercaderes del espectáculo, en favor de defender su integridad artística con uñas y dientes, que les llevó a una prematura separación. Pero al final el tiempo, siempre sabio, les ha dado la razón, y actualmente los Blasters están en el corazón de muchos.

A pesar de todo, vale más la dignidad que toda la pasta del mundo, y los Blasters lo saben bien. Por eso sus discos siguen sonando tan bien, y "Hard line" en concreto, es un modelo de integridad y orgullo, que no renuncia a llegar a un público más amplio (o al menos intentarlo). "Hard line" es un respetuoso tratado de música americana donde hay lugar para el Rhythm and Blues vocal ("Trouble bound"), animado Cajun de Lousiana ("Hey, girl"), Gospel desnudo y musculoso ("Samson and Delilah"), Rock pantanoso de lo más enrollado ("Dark night"), desmadrado y sencillo Rock and Roll ("Rock and Roll will stand"), e incluso Rock de FM ("Colored lights") que en un mundo justo sería número uno en todas las emisoras de los 40 principales del mundo... Y así hasta llegar a las 10 canciones, cifra que pone nota a un disco de los que ya no se hacen.

Esta entrada, como no podía ser de otra forma, va dedicada a Phil Alvin que esperemos se recupere pronto de su enfermedad.

Angry Samoans

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:42:30 PDT

El Rock tiene distintas expresiones: íntima, expansiva, alegre, oscura, luminosa, inocente, salvaje... Múltiples caras de una misma moneda que dan personalidad a esta música. Entre todas estos caracteres no podía faltar la "estupidez", característica unida íntimamente al género humano, ahora más que nunca, inseparable compañero de nuestros políticos, también presente en el Rock and Roll, en mayor o menor medida, como una fuerza necesaria para activar la diversión en su forma más gamberra y quitar un poco de hierro al asunto, en cuanto a trascendencia y gravedad. Desde aquí reivindicamos la estupidez en su estado puro, y a ser posible con un regusto bizarro.

Si la estupidez se mezcla con humor, puede que surja el idilio perfecto, y entonces es aquí donde entran en juego los Angry Samoans, testigos y protagonistas de excepción de la ola Punk californiana de finales de los 70, principios 80. Realmente el origen de Angry Samoans tuvo lugar en Little Rock, Arkansas, cuando Metal Mike y Gregg Turner, dos críticos de Rock en ciernes, unen fuerzas para dar rienda suelta a sus pasiones musicales por los grupos de Garage de los 60, The Velvet Underground o Dictators, de los que montan una banda de versiones.

En 1978 se trasladan a California y forman los Angry Samoans. No están solos, hay muchos más con sus mismas inquietudes y aspiraciones, que no son otras que tocar sus instrumentos lo más fuerte posible, divertirse, e igualmente, tocar las partes íntimas de una sociedad apática y aburrida con generosas dosis de provocación, mala leche y un oscuro sentido del humor. Avengers, Dickies, Weirdos, Adolescents, Dead Kennedys o Germs, formarían parte del espectro de grupos "underground" que aportarían frescura al asunto, y resucitarían el espíritu desinhibido y políticamente incorrecto del Punk Neoyorquino. Grupos que con el tiempo evolucionarían (algunos) hacia el Hardcore, estilo mucho más duro y crispado, y otros simplemente desaparecerían dejando como herencia algunos singles maravillosos.

El primer bolo de los Samoans lo ofrecen en 1978 junto a The Aliens, pero sin Roky Erickson (se encontraba indispuesto), uno de los grandes gurús de la banda. Otro concierto lo dan en un sanatorio mental donde preguntan si hay adictos a la heroína entre el público, en un claro ejemplo de estreñimiento mental, pero que en el fondo no deja de tener su gracia. En 1980 publican un primer LP, "Inside my brain", que recoge su primer EP ampliado con más canciones. Es un fulminante disco de Punk-Rock enraizado directamente con el Rock de vieja escuela, lleno de canciones inmediatas y estribillos con gancho, que el grupo ejecuta como si tuviera prisa por librarse de una silla eléctrica que se retro-alimenta con los amplificadores a máximo volumen.

En "Inside my brain" los Angry Samoans organizan su revolución personal con incandescentes pildorazos con sabor a azufre. "Right side of my mind", un apasionado himno de auto-afirmación basura hecho del material de las buenas canciones: urgencia, sencillez, riff que taladra el cerebro y letras directas (El lado izquierdo de mi mente / es electrocución / no mires lo que encontrarás / es tu ejecución). "Gimme sopor" saca su lado más anfetamínico con deliciosos textos llenos de sarcasmo (Tengo un coche / voy rápido en mi coche / tengo un perro / soy un cerdo y tú una rana / toma una píldora). "Get off the air" arremete sin piedad contra un popular disk jockey de Los Angeles (Es el DJ favorito del Punk / Las bandas de Glam y la polla de David Bowie / son sus ideas de la New Wave / Rodney eres un maldito pedazo de mierda), provocando el veto automático de la banda en la mitad de los clubes de LA. "You stupid asshole" es su particular venganza de abandono sentimental, cocinado a base de bilis y mala uva (Te quitas la ropa / y me haces reír / Estúpida gilipollas / me pones enfermo). No todo son improperios en el universo de los "Samoanos Cabreados", la bonita "Carson girls" rebaja la dosis de veneno con retazos que toman prestados de los Beach Boys más surferos; al fin y al cabo, sus raíces están asentadas en el Rock y Pop clásico.

Su segundo disco llega en 1982, y es para muchos el mejor trabajo del grupo, especialmente para la parroquia más inclinada al Hardcore. El disco se llama "Back from Samoa", e independientemente de giros estilísticos, es un sólido trabajo que define muy bien el sonido de esa época en California. Tiene en común con el anterior disco, mucha mala baba, contundencia, histrionismo y grandísimas canciones. Pero esta vez llevan el discurso mucho más lejos. Aquí las canciones las reducen a polvo, haciéndolas más breves y directas, amplificando su negro sentido del humor, hasta sobrepasar el límite del buen gusto y la provocación. Despachan 14 canciones en 17 minutos, dejándote exhausto pero con ganas de repetir una y otra vez. "Gas chamber" es una válvula de escape de aislamiento interno a punto de estallar (Estoy atrapado dentro de esta jodida mente). "Lights out", menos de un minuto es suficiente para descoyuntar todos tus miembros ( no te preocupes, solo déjales morir / y donar sus globos oculares hace que las luces se apaguen ). "They saved Hitler's cock" combina Garage y bizarros guiones de serie B, macabros y deliciosos por igual (Si la polla de Hitler comenzara a hablar, diría: a matar hoy / Si la polla de Hitler pudiera elegir compañera, preguntaría por Sharon Tate ). "Homosexual", es un certero proyectil cargado de ironía que apunta directo a Dan White (asesino de Harvey Milk, político y activista Gay) y Darvy Crash (cantante de los Germs, que se inyectó una sobredosis de heroína para morir en escena, pero fracasó y falleció terminado el concierto). Como anécdota, en "Back from Samoa" toca el bajo en algún tema el grandísimo Jeff Dahl, eterno Punk-Rocker, inmerso en mil proyectos y autor de una prolífica discografía.

A partir de mediados de los ochenta la escena Punk de Los Angeles (y alrededores) se empieza a difuminar, dando paso al "Sleaze Rock" con grupos como Guns'N'Roses, que deben más al Hard-Rock y al Glam que a sus hermanos Punks mayores. El gran éxito comercial de los grupos de Sleaze hace que el relevo generacional sea aún más traumático, y pronto los grupos Punk son condenados al olvido y obligados a reciclarse y evolucionar hacia otros estilos si quieren sobrevivir (caso de Redd Kross). Centrándonos en los Angry Samoans, siguen dando signos de vida, y evolucionan del Hardcore-Punk de "Back from Samoa" al Garage psicodélico clásico que tanto les influyó desde los inicios. Esta etapa por lo general no es muy valorada por los fans del grupo, pero merece mucho la pena, quizás no sea tan rompedora como los viejos tiempos, pero está repleta de suficientes buenos momentos como para situar a la banda en la buena dirección. El EP de seis temas "Yesterday started tomorrow" no tiene desperdicio, y es curioso que aunque en algunos temas se acerquen al Garage-Folk (alucinantes "It's raining today" o "Electrocution") no pierden ni un ápice de su personalidad. "STP not LSD" de 1988, está más cerca a un conjunto de maquetas sin terminar que a un LP en condiciones. Aún así está hecho del material intangible de las buenas canciones, que no es otro que la capacidad de crear cierta tensión emocional, y esto no solo se consigue con una producción cuidada, principalmente va en el carácter del grupo y su forma de interpretar, y los Angry Samoans tenían suficiente personalidad como para desmarcarse de la mayoría.

En la época de "Back from Samoa" revisando a los Chambers Brothers

Un grandísimo tema de "STP not LSD"

Sex Museum

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:42:45 PDT

Si el anterior post trataba de unos cuantos grupos favoritos, los Sex Museum en el universo personal se acoplan perfectamente en esta categoría. Madrileños de nacimiento, les recuerdo perfectamente desde temprana edad. Corría 1986 o así, y una calle de mi ciudad estaba empapelada de carteles que anunciaban su primer LP. No les conocía, pero su imagen se me quedó grabada desde entonces. Lucían serios, mal encarados y distintos a los grupos de entonces... Y luego estaba su rompedor nombre, "El Museo del Sexo", sin duda no se andaban con medias tintas, y supe desde el primer momento que ahí había acción.

Han pasado 25 años y todo sigue igual (o mejor). Sex Museum conservan la misma garra, honestidad y carácter, pero sobre todo una insobornable y modélica independencia propia del que cree en lo que hace. Siempre ellos mismos, ajenos a contaminantes externos como moda, fama o dinero. Han sembrado una sólida discografía, experimentando con distintos sonidos y texturas. Han currado mucho, y cuando se han sentido cansados han parado con dignidad, para volver después con más fuerza. Actualmente conservan una formación estable desde hace años (quizás la mejor), y todavía son capaces de sorprender, pero sobre todo de achicharrar las pestañas de cualquiera con sus amplis puestos al 10.

Nacieron bajo la rigurosa estrella del Garage y Rhythm and Blues más salvaje, poniendo los puntos sobre las "ies" con "Fuzz Face", hoy carne de cañón en el mundillo del coleccionismo discográfico. Pero ya se veía que eran distintos, y temas como "You" o "Drugged personality" se lanzaban hacia abismos más duros, algo más lejanos del Garage revival. Su siguiente aventura la comparten con los Macana, otra banda madrileña de Garage, que resuelven con un flamígero LP conjunto donde introducen elementos de Psicodelia de finales de los 60, que les aleja aún más del Garage al uso. En 1989 llega "Independence", y supone un salto cualitativo (con temazos de gran nivel), pero también cuantitativo en cuanto a público. Estéticamente cambian su peinado Mod por largas melenas, las canciones mutan hacia el Rock duro de los 70, y definitivamente se alejan de sus primeros tiempos, pero siguiendo una evolución natural que una parte de su público más conservador no les perdona.

Sex Museum reciben los 90 con "Nature's way", lleno de metralla Hard-Rockera que no habla de amor, sino de debilidad humana. Los Museum se auto afirman como una potente banda de Rock and Roll, pero también desarrollan su vena más Psicodélica, e invocan a Hendrix o Spirit mezclando narcóticas texturas de órgano Hammond. Le sigue "Fabulous & Furry", doble LP grabado en directo. Un disco lo graban sin público, y lo forma nuevas y desbordantes canciones llenos de alucinógenos intercambios de riffs de órgano-guitarra . El otro consta de viejos temas que tocan ante un público entregado, que consolida a los Museum como una precisa y contundente apisonadora de directo. A mediados de los 90 publican "Sparks" y "Sum". Ambos desprenden elaboradas volutas de Rock cada vez más personal, con sus señas de identidad características de candente Hard-Rock y Psicodelia, pero también desarrollan bonitos medios tiempos. Además en "Sparks" rinden tributo a una de sus máximas influencias: The Who.

En este punto, Sex Museum aunque estaban en su mejor momento de popularidad, se toman un merecido descanso debido a la factura que pasa el desgaste de las agotadoras giras. Por suerte no es un adiós definitivo, y vuelven en el 2000. Desde entonces, aunque han tenido que compaginar los múltiples proyectos paralelos de sus miembros, algunos tan exitosos como Coronas y Corizonas, han continuado grabando y girando con regularidad. Su último disco del 2011 se llama "Again & Again", y se puede apreciar los múltiples registros de la banda, además de resumir perfectamente como han ido creciendo y evolucionado a lo largo de todos estos años. Un tiempo que se traduce en experiencia y sabiduría, pero que no implica acomodarse en la poltrona de la veteranía ni nada parecido. Esta gente todavía tiene muy mala leche y mucho que ofrecer, ya sean discos y conciertos.

www.sexmuseumrock.com

Bandas de Rock and Roll

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:43:02 PDT

Leyendo sobre la vida de Chuck Berry, sin ninguna duda fue uno de los personajes que mejor propagó el Rock and Roll a la música popular, sus canciones (antes, ahora y siempre) son directas, poseen sentido del humor, y sus letras contienen una aguda crítica social. Durante su extensa trayectoria se metió en un montón de jaleos, unas veces injustamente y otras no. Ser negro, además de rico y famoso, no estaba bien visto en los USA hasta hace poco, y menos en los estados del sur. Todos estos encontronazos llevarían a Chuck Berry a colocarse una máscara permanente de privacidad y desconfianza ante el público.

Chuck Berry en sus giras, desde finales de los 50, solamente iba acompañado de su inseparable guitarra Gibson, y el éxito le permitió establecer las reglas del juego. Exigir un modelo concreto de amplificador, que se le pagara al contado y en dólares americanos, y sobre todo no llevar una banda fija. Allí donde actuaba, tocaba con un grupo nuevo, que muchas veces conocía 10 minutos antes del concierto, sin ensayo alguno. La historia ya está escrita y es como es, pero... ¿Como hubiera sido la carrera del viejo Chuck de contar con una banda estable? Probablemente junto a sus logros artísticos, sus directos ganarían en cohesión y riqueza de matices, pero también en preocupaciones, y es que mantener un grupo es como cuidar una relación humana, con sus tiras y aflojas, pero que una vez superados se hace más fuerte.

El Rock and Roll en su historia ha generado un montón de bandas más o menos influyentes. Nombres que cada uno tenemos en mente, y varían en el enorme océano de la subjetividad. Pero en la retaguardia existen otros grupos, en su mayoría actores secundarios de esta historia, invisibles para muchos, pero versátiles como pocos, que son capaces de tocar cualquier estilo, cuyo error ha sido su falta de pretensiones. Pero para algunos, servidor incluido, es en este "defecto" donde está su virtud. Grupos que no pretenden inventar nada nuevo, tan solo pasar un buen rato y tocar temas redondos en nombre del amor al Rock and Roll. Como diría Springsteen en un tema cedido a Dave Edmunds, "de las cosas pequeñas, salen las grandes cosas", y valga este post para reivindicar (de nuevo) a unos cuantos "pequeños" grupos sin los cuales este Autobús no sería el mismo.

The Lovin' Spoonful : Mal empezamos porque de "pequeños" nada. Estos gigantes tuvieron un éxito tremendo durante los 60. Empezaron tocando en los bares de la escena Folk de Nueva York, y pronto se establecieron en la soleada California, donde contagiaron a toda una generación con hermosísimas melodías llenas de optimismo, tan lejanas de la cultura del ácido del momento, como cercanas a la música tradicional americana por la vía de desenfadado Blues, Rock and Roll, Country y la inevitable llegada de los Beatles. Sus tres primeros LP's son manjares repletos de exquisitas canciones, que influyeron a fenómenos como Jonathan Richman o los Flamin' Groovies en sus inicios. Suena "Do you believe in magic".

NRBQ: Grupo tan querido por algunos como incomprendido por muchos. Sus LP's son una inagotable fuente de alegrías, y es que es poner casi cualquier LP suyo, y las penas desaparecen. Proceden de Miami y comenzaron su carrera en 1967. Desde entonces han sacado un montón de discos maravillosos donde mezclan los más diversos estilos. Tan pronto te tocan una tierna balada de minuto y medio, como te saltan con una exquisita bizarrada Jazz, o pulsan el interruptor de nutritivo Rock and Roll. Pero siempre son ellos mismos, reconocibles, únicos e imprescindibles. Lástima que sus conciertos se reduzcan solo a USA, y lo peor de todo, que haya cada vez más bajas en sus filas. Suena "You can't hide".

Rockpile: Los ingleses de las canciones de oro. Publicaron solo un disco en 1980, pero cambió muchas cosas. Lo más importante, nos enseñó a mirar la música Pop como una extensión natural del Rock and Roll clásico, sin prejuicios, donde no cabe división alguna entre los dos. Crearon su propio cajón de sastre lleno vitaminadas guitarras y preciosas melodías vocales. Fueron el sol que iluminó la New-Wave en su vertiente más dicharachera y eterna al mismo tiempo, cuyo legado ha conseguido brillar casi tanto como el fabuloso "background" de sus miembros en solitario. En este contexto cabe destacar a una estupenda banda madrileña llamada The Down Down Downs, que aunque de carácter más Pub-Rocker, encaja como un guante en el espíritu Rockpile. Suena "Teacher, teacher".

The Skeletons y The Morells: ¿Que sucede cuando un grupo de músicos profesionales de estudio forman una banda por pura diversión? Sencillo. Surgen maravillosos grupos como The Skeletons y The Morells, ambos con miembros comunes, procedentes de Springfield, Missouri (nada que ver con la ciudad ficticia de los Simpson). Llevan funcionando desde finales de los 70, y aunque sus ocupadas agendas no les deja mucho tiempo, de vez en cuando nos regalan alguna deliciosa rodaja discográfica. The Morells tienen un estilo con sabor más a Rock and Roll clásico, y poseen una discografía muy recomendable, pero su primer LP del 82 "Shake and Push" es todo un clásico. Optimismo, sentido del humor y desenfado son sus señas de identidad. The Skeletons van en la misma dirección (dos de sus componentes están en los Morells). En sus discos puedes encontrar de todo: Country, un Rock clásico, Garage, Surf, Pop de toda la vida, e incluso homenajes a los grupos de chicas de los 60 con estilizados arreglos de vientos. Ojalá pronto unos u otros nos alegren con un nuevo disco. Suena "Trans am" de los Skeletons.

Young Fresh Fellows: La banda más divertida del noroeste del Pacífico, son el complemento perfecto al veneno de los Sonics, a los caretos serios de los grupos Grunge, o al clima lluvioso de Seattle. Desde inicios de los 80 llevan repartiendo alegría a diestro y siniestro, y aunque muy queridos en España, los Fellows deberían ser mucho más grandes a nivel público. Tiene el común denominador del eclecticismo de los grupos aquí tratados, pero los Fellows poseen una deliciosa vuelta de tuerca más hacia el Garage-Punk que les hace más enérgicos, especialmente en sus espectaculares conciertos, donde es evidente que disfrutan como enanos. Afortunadamente la llama no se extingue, y en breve tienen preparado un nuevo disco. Suena "Rock'n'Roll pest control".

Ben Vaughn: Vale es un solista, pero a mi entender encaja en la filosofía de la "Banda de Rock and Roll", en cuanto a espíritu de diversión y camaradería, y sobre todo a la facilidad de crear soberbias canciones. Por tanto nos lleva la conclusión que el bueno de Ben es el hombre-banda, él se lo guisa y él se lo come. Tiene la habilidad suficiente para tocar el solo todos los instrumentos, y ya sea solo o acompañado por The Ben Vaughn Combo, es dueño de una difuminada e implacable discografía. Procede de New Jersey, pero los compromisos laborales con la industria del espectáculo le obligó hace unos años a mudarse a Los Angeles, donde se gana muy bien la vida componiendo bandas sonoras para cine y televisión. El bueno de Ben asegura que le encanta tocar en directo, y con frecuencia se recorre el circuito de bares de la ciudad, e incluso de vez en cuando se viene a España con el fin de pasar un buen rato y propagar las excelencias de sus canciones. Suena "Dressed in black".

The Hi-Risers: Vienen de Rochester, Nueva York, llevan en activo desde finales de los 90, y son dueños de una discografía que echa chispas. Demuestran que las posibilidades de unos pocos acordes son ilimitadas, al igual que su inagotable talento, que lo trasladan de forma precisa tanto en sus discos como en sus directos. Sus influencias están asentadas sobre raíces clásicas, pero también aprendieron muy bien la lección de las canciones de los grupos de la New-Wave británica, y sus predecesores de la British Invasion en los 60. Los Hi-Risers adoran tocar en España, y afortunadamente antes de fin de año les tendremos por aquí presentando un nuevo disco, que apuesto mi brazo derecho, seguro no defraudará. Suena "One note Joe".

The Hitmen, "Aim for the feet"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:43:16 PDT

No hay nada mejor que reencontrarse con viejos discos olvidados, que llevan acumulando polvo en la estantería durante años, y que un día recuperas sin ninguna razón y de repente pasan a absorber toda la atención. Es el caso de "Aim for the feet" de The Hitmen, un disco que en su día confundí con algún otro de la banda homónima australiana, mucho más contundentes, en la línea de grupos como Radio Birdman o New Christs, que hacían un Rock and Roll de Garage con esencias High Energy.

En la confusión, de los "otros" Hitmen procedentes de Inglaterra, esperaba energía, volumen y grasienta contundencia, y en su lugar encontré Pop bajo en calorías, con una producción demasiado pulida, y para colmo de males, poseía algunos irritantes teclados y sintetizadores tan típicos de los 80. Tal fue la decepción, que después de la segunda escucha, el disco quedó condenado al rincón más oscuro de la estantería, a la espera de encontrar un enemigo a quién regalárselo, o un destino peor: la basura.

Pasaron los años, hasta que recientemente he recuperado "Aim for the feet", y tras una primera re-escucha el problema se resuelve de forma sencilla, tan fácil como un disco lleno de buenos momentos, sin ninguna consecuencia, y repleto de canciones de estribillo fácil; para qué más, y más cuando se trata de temas endemoniadamente buenos que alimentan el alma. The Hitmen fueron un grupo más de la New Wave surgido en los 80, que tuvieron que luchar contra producciones planas, peinados imposibles y las promesas de convertirse en estrellas. Tuvieron una vida corta, e investigando por ahí, la sabiduría popular habla mejor de un segundo LP que de este.

Aún así, visto desde hoy, "Aim for the feet" quizás adolezca de las tendencias de la época en cuanto a ejecución y sonido. Pero una vez que te quitas los prejuicios de encima (¡Que bien te sientes!), y aceptas el disco tal como es, sale a flote un sólido trabajo de música Pop que golpea en las narices de los que alguna vez insinuamos que los 80 fueron nefastos para la música, y buscamos la vía fácil de la descalificación. Como rectificar es de sabios, nunca es tarde para reivindicar esta bendita colección de deliciosas canciones.

KOTJ Records, The Smoggers

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:43:34 PDT

Actualmente vivimos tiempos convulsos en nuestro país, unos pocos se lo han llevado crudo, la vaca del ladrillo ha agotado todo su cemento, y el filón turístico tienen un límite ¿Es quizás la investigación científica una posible salida?, ¿Es el arte en todas sus vertientes la respuesta a todos los problemas? Probablemente no, pero el arte, incluida la música, es una fuente de generación de riqueza y talento, y sobre todo ayuda a definir la identidad de los países, y eso más allá de réditos y beneficios siempre es positivo.

Enfocando la música, Rock and Roll en particular, éste se ha convertido en algo minoritario, que desde la independencia se mantiene con vida gracias a promotores y algunos bares que siguen programando conciertos, tiendas de discos que calman nuestra sed, y sobre todo a bandas y fanzines (hoy convertidos en webzines y blogs) que mantienen viva la esencia, sin olvidar lo fundamental: el público que compra discos y va a los conciertos. En este panorama nace KOTJ Records, un nuevo sello vallisoletano que lleva en su carácter los rasgos del Garage, y le avala la garantía de calidad de Kick out the Jams, acojonante blog, coherente donde los haya, que analiza oscuras bandas y discos sin desperdicio, de manera honesta y entusiasta.

Oscar García, artífice de KOTJ Records, es ante todo fan de la música y lleva involucrado activamente en el Rock and Roll desde finales de los 80 con la edición en papel de Kick out the Jams, un maravilloso fanzine que fue una inagotable mina de oro de las bandas underground más oscuras de Garage, Power-Pop o Punk-Rock. Con el tiempo, Kick out the Jams se lanzó al ciberespacio en su edición digital, sin perder una pizca de entusiasmo y descubriéndonos en cada entrada periódica fabulosos nuevos discos.

Con estas credenciales, no es de extrañar que el siguiente paso natural a seguir por Oscar sea la creación de su sello discográfico, eso si, desde la auto-gestión, y manteniendo el nivel de calidad que le exige su blog/fanzine. La primera referencia de KOTJ Records es un E.P. a 45 rpm de tres temas de The Smoggers, una banda sevillana de Garage-Punk conducida por un abrasador sonido Fuzz, ritmo monolítico y esencias salvajes que retrotraen a la edad de piedra del 60's Punk de la época de los grupos de "Back from the Grave" que tanto gustan por aquí, y otros insanos sonidos que cumplen con todos los tópicos musicales y extra musicales del género: Fuzz, órgano farfisa, alaridos de ultra tumba, energía, inmediatez y diversión a raudales. El resultado es sorprendente, y al igual que su debut "Chinese food", supera las expectativas del género, reproduciéndolo fielmente en sonido y espíritu. Óscar solo pone una condición a los grupos, y es que graben una versión de un tema elegido por él. En esta ocasión a The Smoggers les ha tocado hacer "It's just not the same" de Delinquents, un grupo de Punk y New-Wave americano de los 80 alejado de su estilo, y aunque desconcertados al principio, al final The Smoggers consiguen llevarlo a su terreno y logran disparar un pelotazo de Garage-Punk que quema las entrañas.

Para el comprador de discos, como fetichista empedernido, tan importante es la presentación como la música que contiene, y más cuando se trata de un single, un formato mucho más mimado. Así lo ha entendido Oscar en su primera referencia, con una alucinante portada y contraportada dibujada en exclusiva para la ocasión. Hasta el diseño de la "galleta" interior con el logo del sello está cuidado, redondeando así una inmejorable presentación a la altura del contenido. La tirada es muy limitada, tan solo 300 copias, y al parecer quedan muy pocas. Si estáis interesados podéis comprar el disco a través de la web de Kick out the Jams.

http://oscarkotj.blogspot.com.es/

http://oscarkotj.blogspot.com.es/p/kotj-records.html

SHAME ON YOU by THE SMOGGERS

Paul Revere and The Raiders, primera parte

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:44:11 PDT

La historia de Paul Revere es la historia de un sueño americano, el de un joven que en los años 50 hizo fortuna, y con solo 21 años ya era propietario de dos peluquerías y un restaurante. Pero el círculo aún no estaba cerrado, su auténtica pasión era la música y Paul Revere era ambicioso y apuntaba alto: soñaba con ser tan grande como su ídolo Jerry Lee Lewis. Tocaba el piano noche y día, montó su propia banda, y pronto llamó la atención de Mark Lindsay y Smitty, dos carismáticos adolescentes nacidos para ser estrellas, con más actitud que aptitudes, pero que irían brillando con personalidad y forjando la leyenda de Paul Revere and The Raiders.

Para comprender los orígenes de Paul Revere and The Raiders es necesario hablar de The Wailers (nada que ver con Bob Marley), grupo instrumental de finales de los 50 muy popular en estados como Washington y Oregón, con un estilo muy centrado en el Rhythm and Blues más primitivo y genuinamente negro, cuyas "contaminadas" canciones dejarían mancha imborrable en estilos como el Garage o Punk, y serían inspiración fundamental de grupos como The Sonics, y por supuesto Paul Revere and The Raiders.

A principios de los 60 nuestros protagonistas ruedan por los garitos de Portland, se hacen con cierta reputación, y pronto les surge una oportunidad de grabar. El primer disco de Paul Revere and The Raiders es una colección de instrumentales pasados por la filtro de The Wailers, aunque sin llegar a su nivel de intensidad, pero con estimables temas como "Like long hair" o "Like charleston", muy orientados al baile y a la diversión, con unos vibrantes diálogos entre piano y saxo, pero un disco poco relevante en comparación con lo que vendría después.

Aprovechando el talento vocal de Mark Lindsay, el grupo da un giro de estilo en favor de unos temas cantados de Frat-Rock, destinados a animar bailes de escuelas y universidades a base de sencillas y festivas canciones de Rock and Roll. Durante principios y mediados de los 60 surgieron montones de estos grupos, pero Paul Revere and The Raiders tenían algo especial que les diferenciaba. Incluso las versiones de las típicas canciones de éxito las interpretaban de manera muy personal, como se puede apreciar en "Here they come!" del 64, con una desmadrada cara en directo, y otra de conmovedores medios tiempos. Además se encuentra una de las mejores interpretaciones de "Louie, louie", anterior a la de The Kingsmen, y en la línea de sus queridos The Wailers.

"Here they come!" es el primer disco que Paul Revere and the Raiders graban para Columbia y marcará el inicio de su etapa con Terry Melcher. Éste, aparte de ser hijo de la actriz Doris Day y una influyente figura dentro de la escena musical californiana, es un reputado productor que domina las técnicas de grabación, y además colaborará activamente en el desarrollo estilístico del grupo, así como en la composición de algunas de sus mejores canciones. En 1965 graban "Just like us", esta vez muy influido por los grupos británicos de Rhythm and Blues, que a su vez abrirían la puerta a los miles de maravillosos grupos del Garage americano, armados de pedales Fuzz e instrumentos Vox. Entre un montón de (excelentes) versiones ajenas, en "Just like us" destaca la canción que da título al álbum y "Steppin' out", ambas piedras preciosas de Garage clásico que no han perdido vigencia.

Es a mediados de los 60 cuando Paul Revere and the Raiders alcanzan gran popularidad nacional gracias a su aparición en el programa de televisión "Where the action is". El grupo gana en fama y dinero, pero a largo plazo, ni los ridículos trajes coloniales, ni los playbacks, ni las histriónicas actuaciones les harían ningún bien, y desde mi punto de vista han restado importancia a la grandeza del grupo. Aún así la música no engaña y es fiel testimonio.

1966 es el año de Bob Dylan, Beach Boys o The Byrds, pero también el de "Midnight ride", para mi uno de los grandes discos de los 60. En menos de media hora se ventilan una colección de canciones insuperables, pasadas por las poluciones nocturnas del Garage, con leves motas de Psicodelia políticamente correcta, y en consonancia con la enorme influencia de los Beatles que ponen en el mapa de todo el mundo la melodía perfecta. "Midnight ride" al contrario que sus trabajos anteriores, está compuesto en su mayoría por originales (excepto su tremenda versión de "I'm not your stepping stone"). Resumiendo, si no conoces "Kicks", "Get it on" o "Ballad of a useless man", y tienes un mínimo de sensibilidad Rockera, ¿A que esperas para conseguir esta maravilla?.

No menos maravilloso es "The Spirit of '67" también de 1966, y la máquina no parece detenerse. Si "Midnight ride" es su "Rubber Soul" particular, este "Spirit of '67" es una especie de "Revolver", con algo más de Psicodelia, e incluso brochazos de música árabe, pero con sus proyectiles de Garage característicos, y la voz solista de Mark Lindsay que convierte un tema Pop en una explosión de música Soul. "Spirit of '67" es más atrevido, e incluso experimental, y quizás carezca de la solidez de "Midnight ride", pero en sus surcos hay grandes momentos de Pop atemporal.

"Revolution!" de 1967, para no perder las buenas costumbres, es otro cenit creativo, y pone de manifiesto más que ningún otro disco de Paul Revere and the Raiders el genio de Terry Melcher, consiguiendo un sonido elaborado y fresco a la vez, y demuestra que grabar un buen disco no es tarea fácil, ni está al alcance de cualquiera, y que reivindicar al productor como uno más del grupo no es descabellado, y más cuando es co-autor de joyas como "Him or me", "Mo'reen" o "Tighter"... Y es que cuando suena el inicio de "Him or me" a todo trapo, si no sientes un vuelco al corazón es que algo va mal. Pocas veces se ha trasladado tan bien a la industria del espectáculo la música Pop, con canciones tan enérgicas, bonitas y al mismo tiempo aptas para todos lo púbicos.

Hasta aquí llega la colaboración entre Terry Melcher y Paul Revere and the Raiders, cerrando una etapa gloriosa e iniciando otra quizás no tan brillante, pero igualmente llena de grandes momentos en ocasiones infravalorada, pero digna de reivindicación que dejamos abierta para otra próxima entrada.

"Him or me"

Smokey Robinson and The Miracles

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Thu, 06 Sep 2012 09:16:24 PDT

Al igual que Mandela afirmaba que hay una única raza, la humana, la música de William "Smokey" Robinson contiene un sentido de universalidad similar que trasciende; y no es que sus discos lleven mensajes indescifrables, ni sus canciones guarden pistas ocultas, todo lo contrario, Smokey Robinson & The Miracles poseían la lúdica virtud de llegar a un público amplio, independientemente de colores y generaciones, y con un sentido del negocio repleto de dignidad que fue proyectado desde una coqueta casita en el corazón de Detroit desde finales de los 50: ni más ni menos que el hogar de la Tamla-Motown.

El modelo de negocio familiar de la Tamla produjo una ristra de clásicos incuestionables dentro de la música popular: The Temptations, Stevie Wonder, Marvin Gaye o The Supremes, todos ellos desde sus inicios debieron mucho a Smokey Robinson, ya sea a nivel de composiciones, estilo o inspiración artística. En algunos discos de esos autores citados, se encuentran alojadas apabullantes joyas de nuestro héroe, unas éxitos absolutos y otras más ocultas, pero manteniendo casi siempre el nivel de calidad, que llevó a Smokey a convertirse junto con el trío de ases Holland-Dozier-Holland en una auténtica máquina de crear éxitos y clásicos.

Paralelamente a sus trabajos de composición, Smokey con su grupo The Miracles, desde el principio ascendieron a lo más alto del firmamento Pop con éxitos que se situaban entre el Doo Wop, Soul y Rhythm and Blues, pero aderezados con sofisticados arreglos de cuerdas y vientos que convertían unas cancioncillas de sueños de amor adolescente en memorables sinfonías de música Pop, frescas y directas, arropadas por el grupo de la casa (The Funk Brothers), que encajaron como un guante con su época (los 60), y atraían por igual a público blanco y negro, independientemente de la división de listas de éxitos y razas que sufrían los USA.

Bucear en la discografía de Smokey Robinson and The Miracles es una auténtica gozada que se reproduce una y otra vez cuando suena alguno de sus discos, y con el tiempo se aprende a valorar más esas canciones al descubrir nuevos matices que tocan terminaciones nerviosas que creías inexistentes, pero que al igual que la música de los Miracles están ahí para demostrarte que estás vivo, animarte en los momentos flojos, o impulsarte a compartir las alegrías en un arranque de euforia colectiva que nace de la propia magia de la música. Unas veces más bailables, otras más tiernas o sofisticadas, el cancionero de Smokey Robinson, si nos limitamos a The Miracles, es grandioso: "Shop around", "You've got really got a hold on me", "The tracks of my tears" o "The tears of a clown" son ejemplos conocidísimos, pero su "cara B", es decir la menos conocida, sigue siendo excepcional, y en cada canción es una placer dejarse arrastrar por esos deliciosos juegos de voces, y la sensible y sentida voz principal del propio Smokey.

En definitiva, no añado nada nuevo cuando digo que a lo largo de los años Smokey & The Miracles han sido una inagotable fuente de inspiración. Sin ir más lejos, en Inglaterra influyeron decisivamente a una legión de grupos de los 60 que cambiarían el curso de la música Pop y Rock and Roll: The Zombies, The Spencer Davis Group, Johnny Kidd y sus Pirates, e incluso The Beatles hicieron grandes versiones en sus discos. También dejaron huella en la música Soul del sur de USA, como en sus compañeros de la Stax en Memphis o Aretha Franklin, sin olvidar a algunos autores de New Wave o Punk, más ajenos estilísticamente pero cubiertos bajo el paraguas de la mejor música Pop con raíces Rhythm and Blues.

Pama Records

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Thu, 06 Sep 2012 09:18:01 PDT

Retomando el post anterior de Kool & the Gang, el citado disco "Spirit of the Boogie" cerraba con "Caribbean festival", que como su título indica es una fiesta de música jamaicana llena de percusiones y ritmos calentitos. Como es sabido, de Jamaica procede el Ska, el Rocksteady y el Reggae, estilos bastante ajenos a este blog, pero que se alimentan de las raíces que más gustan por aquí. Se puede afirmar que la explosión de la música jamaicana, tal como la conocemos, se inició gracias al tremendo impacto que tuvo Fats Domino en Jamaica con temas como "The Fat man" y sobre todo "I'm gonna be a wheel", que en muchos aspectos anticipaba la música Reggae. Tampoco es de extrañar, dada la influencia de la cultura caribeña en la rica Nueva Orleans, y en la forma de asimilar un montón de multiculturales aspectos; no obstante Fats Domino sigue siendo más grande que la vida, y ahora más que nunca.

Paralelamente a mediados de los 60, tras un largo letargo, se despertó en Inglaterra una fiebre por el Rhythm and Blues y el Rock and Roll de profunda ascendencia negra, y pronto un grupo de chicos, en su mayoría de origen obrero, tomaron el Rhythm and Blues y Soul como banda sonora de sus vidas, aderezado con un variado surtido de coloridas anfetaminas y elegantes trajes hechos a medida. Nace el movimiento Mod como una explosión de arte Pop, pero salpimentado con la enérgica musical de los Who, Small Faces o Creation en su fase inicial, con el tiempo auténticos representantes del género.

Pasan los años, y a finales de los 60 la magia parece difuminarse, y la energía Mod da paso a la Psicodelia, y en cierto modo, a la pérdida del nervio inicial. Entonces es cuando los Mods se fijan en la música jamaicana de ritmos Ska y Rocksteady, que se incrementa por la creciente inmigración caribeña en Inglaterra. Por así decirlo, el movimiento Mod se refleja en los Rude Boys, importados desde Jamaica, que evolucionan hacia los Skinheads, con su estética a la contra Hippie, y nada que ver con la xenofobia ultraderechista con la que a veces se les relaciona. En los 70 el testigo lo recoge el movimiento Oi!, más acorde con los tiempos del Punk que reivindicaban su orgullo obrero; y por fin los 80 son años de excisión y decadencia, con el resurgir de grupos neonazis de estética muy parecida a la Skin, pero nada que ver en lo ideológico.

Volviendo a 1967, ante la creciente demanda de Rocksteady y música jamaicana en Inglaterra, unos despiertos hermanos Palmer fundan Pama records. Al principio publican singles de música Soul licenciada directamente por sellos de USA, y poco después se meten de lleno en los sonidos de Rocksteady y Bluebeat con la creación de otros sellos satélites. El catálogo de Pama se extiende hasta bien entrados los 70, y en sus referencias se aprecia la evolución que sigue la música Soul y Rhythm and Blues hasta llegar al Reggae, pero de una forma tan natural que en ocasiones cuesta diferenciar donde está el límite entre Soul, Rocksteady o Ska, demostrando que los distintos cajones de sastre de la música popular no difieren tanto entre sí.

En el año 2000 el excelente sello de Barcelona, Wah-Wah records, publicó dos LP's que recopilaban algunos de los singles más reseñables de Pama durante el período 67-68. Una sobresaliente colección de canciones conducidas por la música negra salida del alma, con una fuerte vocación para el baile y la diversión. En sus surcos hay brochazos del mejor Soul parido en USA, desfilando ilustres olvidados como Bobby Petterson, Bettye LaVette (muy activa actualmente). No faltan bailongos instrumentales de órgano Hammond a cargo de The Mohawks, populares en Inglaterra por sus cuñas publicitarias, pero también capaces de producir un temazo tras otro. Pero lo que abundan en estos dos discos es el Rocksteady de origen jamaicano, con brillantes números que caldean el cuerpo, como es el caso de The Crown y su tremendo "Jerking the dog", o clásicos sin discusión como la bonita "Wet dream" de Max Romeo, o "Skinhead train" del padre del Ska Laurel Aitken, por no hablar de un favorito personal como la inmensa "I'm an outcast" de Roy Docker.

En definitiva, sin miedo a pillarme los dedos, las dos partes de "Black is Soul" (así se llaman los discos) son una garantía para cualquiera que disfrute del mejor Soul, en su acento menos melancólico y más bailable, y una inmejorable introducción en los sonidos jamaicanos, que francamente están más cerca de, por poner un ejemplo, Otis Redding o los Impressions que de Bob Marley.

"Jerking the dog"

Kool & the Gang, "Spirit of the Boogie"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:46:56 PDT

Corren malos tiempos para nosotros, pobres ciudadanos de a pie. Todo parece pudrirse por momentos, las noticias son un erial de necrológicas de los derechos sociales, y los derechos humanos parecen ser una vulgar alucinación que se ven pisoteados por una obstinada sed de poder y ambición de unos pocos que alimenta nuestro desengaño, miedo y desconfianza, y nos presenta un no-futuro desolador e incierto, donde el rico lo será aún más, y al resto no nos dejarán ni las migajas.

Entre las nauseas y escalofríos que vivimos, es cuando más sentido tienen los discos que gritan y las canciones que muerden, pero esto no quita para concedernos una pequeña tregua, en esta ocasión un armisticio de música Funk alumbrado desde la costa este de New Jersey por Kool & the Gang. Surgidos a finales de los 60, Kool & the Gang, partiendo de sus orígenes en el Jazz, supieron ensamblar su música con desbordantes metales, sincopados ritmos funkies, e incluso el coqueteo de sus fantasías de música disco, arma de doble filo, les llevó a dar lo mejor de si mismos, pero con el tiempo enterró a la banda en un anodino ataúd de música sintética asimilada por la industria, cuyo discurso, por desgracia, han mantenido hasta ahora.

En 1975 ve la luz "Spirit of the Boogie", un rompedor disco, para el que escribe a la altura de los mejores disfraces funkies de James Brown, The Meters, Funkadelic o Sly & the Family Stone, todos ellos visionarios de la música de los 70, que para bien o para mal cambiaron su curso, re-inventando sus raíces de Soul, Gospel, Rhythm and Blues, o como el caso de Kool & the Gang, Jazz; pero al mismo tiempo, su hedonismo y megalomanía les llevó a un histriónico callejón sin salida habitado por sintetizadores y "loops" de música disco, deglutidos por la fauna que poblaba las discotecas, y que a medio plazo hirió de muerte al Rock and Roll durante la década de los 80.

"Spirit of the Boogie" forma un crisol multicolor de música negra con ese brillo propio de los discos que vibran en cada latido y ensanchan sus matices a cada escucha. Empieza imparable con el trío de ases que forman "Spirit of the boogie", "Ride the rhythm" y "Jungle jazz", golpeando duro como una apisonadora que conduce una potente sección de vientos con saxos, trompetas o trombones; incluso la flauta que suena en "Jungle jazz" (reivindicado por Tarantino) provoca un incendio en el cuerpo, reviviendo las raíces de lejanos ancestros, revisadas en el presente e impulsadas hacia el futuro. "Spirit of the Boogie" a pesar de ser de 1975, suena extraordinariamente moderno, y como los buenos discos, es un trabajo del momento en que se escucha. La criatura continúa con "Cosmic energy", un sensual medio tiempo arropado por bonitos coros, de nuevo los vientos presentes, pero más fieles al Jazz de terciopelo y en unas coordenadas similares al Marvin Gaye de "Let's get it on". El resto de los temas son intachables, incluso el casi irritante virtuosismo de "Winter sadness" sale victorioso. Pero aquí el triunfo se basa en el ritmo; como ellos mismos se definen, son "científicos del sonido" que hacen una música alocada para unir a las personas, deslizándose por el tobogán de la diversión que aleja las penas y ayuda a aliviar los dolores del día a día. "Spirit of the Boogie" es tan solo un disco y no hace milagros, pero está muy cerca.

"Spirit of the Boogie"

José Ignacio Lapido, "En otro tiempo, en otro lugar"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Mon, 17 Sep 2012 14:51:55 PDT

Los granadinos 091 fueron uno de los grupos más importantes de la hornada de los 80 en el Rock español, pero también de los más incomprendidos. Alejados de las modas de la época, parecían no encontrar su lugar en la industria a pesar de sacar completos discos que se superaban a cada entrega. Finalmente la erosión del cansancio les llevó a un callejón sin salida, y en 1995 se disuelven dejando para la posteridad una sólida discografía y un montón de imborrables canciones.

José Ignacio Lapido, guitarrista y compositor principal, ya brillaba con luz propia en 091, gracias a unos temas con sustancia, alejados de la frivolidad de los años ochenta, y alimentados de un pesimismo latente en sus textos, manifestado a través de la electricidad de un sólido Rock clásico en deuda con el sonido de los añejos vinilos de los 70, que combinaban a la perfección con la cortante energía Punk de su generación. No obstante, como es sabido, Joe Strummer de los Clash, que vivió en Granada durante un tiempo, fue colega de 091 y participó en la producción de alguno de sus discos.

Lapido, tras la amistosa ruptura de 091, finiquitada con un demoledor doble disco en directo con "lo mejor" de su trayectoria, inició su carrera en solitario, y desde 1999 hasta el presente ha publicado un puñado de discos exquisitos, de fuerte personalidad rockera, con una esencia que se disfruta con el tiempo, y que piden un esfuerzo por parte del oyente para extraer todos los jugos con sabor a derrota y confusión de unas canciones que no son trago fácil, dolorosas y dulces al mismo tiempo. Son trabajos alejados del rápido consumo de la descarga digital y la escucha sesgada actual, su discografía exige atención exclusiva de los sentidos, y como antaño, implica sentarse tranquilamente a escuchar con el libreto de las letras en ristre.

"En otro tiempo, en otro lugar" del 2005 es un trabajo más de su discografía, igual de bueno que los demás, aunque en esta ocasión quizás las canciones sean más redondas, o quizás no... Como sus otros discos, tiene carácter, está hecho del material intangible con el que se fabrican los clásicos: eterno y mágico, pero impulsado por guitarras eléctricas verdaderas, encendidas, rasgadas con los amplificadores a tope, y que trazan mapas al oyente hacia tesoros de cuatro minutos que dan forma a la canción.

"En otro tiempo, en otro lugar" es una secuencia de doce temas donde no sobra absolutamente nada, y como los buenos discos, hay que escuchar en el orden de las canciones y de un tirón. Una secuencia tan desoladora como llena de belleza, donde el protagonista es el vencido ("Cumple condena a la pena más larga / y no tiene a nadie a quién amar"), con Lapido lanzando un aviso del desastre actual que padecemos ("Querrán venderte unos zapatos con los que no puedas correr / que firmes de por vida un contrato que te obligue a obedecer"), y sus consecuencias materializadas en anhelos de cambiar el mundo a golpe de revolución ("Vamos a intentar el más difícil todavía / vamos a cambiar las reglas de la realidad / vamos a apagar un fuego con gasolina"). Lapido está del lado del que sufre, ya sea por amor ("Vivo exiliado en un bar / donde el amor respira por sus heridas"), o por las secretas circunstancias de la vida y los demonios personales ("Nada bueno ronda en su cabeza desde que alguien le contó / a que sabe la ginebra en la antesala del dolor"). A pesar de la tristeza y la desesperanza que desprende el disco, "En otro tiempo, en otro lugar" tiene un poso renovador que anuncia que no está todo perdido ("El rayo aprende a convertirse en trueno / yo aprenderé a renacer / me cambiaré el collar, seré el mismo perro / no pararé hasta encontrarte"), y un homenaje a los que nadan a contracorriente en el inmenso océano de la vida ("Somos piezas de engranajes sin atornillar / Extraños que se encuentran en el mismo sueño / ajenos por completo al sistema decimal").

En definitiva, "En otro tiempo, en otro lugar" sangra en cada canción, explora los recovecos más dolorosos del alma, y es un fiel reflejo de la sombra de la duda que se cierne sobre nuestras cabezas, pero al mismo tiempo alberga un tímido rayo de luz que ilumina una débil esperanza a la que agarrarse. Pocas veces en este país se han dicho tantas cosas de gran calado a ritmo de Rock and Roll.

http://www.joseignaciolapido.com/

Eddie and the Hot Rods

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:47:41 PDT

Eddie and the Hot Rods supieron como pocos prender la mecha del Rock and Roll más certero, sin concesiones a complejas circunvoluciones sinfónicas, y azuzando el discurso del Soul y Rhythm and Blues norteamericano, mezclado con la energía Mod de padres adoptivos como The Who o Small Faces. Desde principios de los 70 en Inglaterra se coció a fuego lento una incorruptible escena iniciada por Brinsley Schwarz, que reivindicaba el Rock de raíces, con un espíritu comunal semejante a The Band, siempre a su aire y dando la espalda al presente musical de la época. Tan solo unos años más tarde los Dr. Feelgood ensancharon el surco, inyectando a la escena un eléctrico y sudoroso Rhythm and Blues que copó las listas de éxitos del país. Este hecho animó a un montón de chavales de todo el país a formar su propia banda, y pronto se creó en Inglaterra un circuito de Pubs que acogió a todos estos grupos de diverso pelaje, dando lugar a lo que se bautizó como Pub Rock, quizás uno de los movimientos musicales más honestos que hallan existido.

Una de las más notables bandas que surgieron estimulados por la movida iniciada por Brinsley Schwarz y Dr. Feelgood, fueron Eddie and The Hot Rods allá por 1975. Simplificando un poco el asunto, si los Brinsley sonaban más Country o Folk, o los Feelgood eran más del Rhythm and Blues, Eddie and The Hot Rods, sin obviar la influencia de sus padrinos, abrían una vía mucho más Punk que transitaba por el "garage" sixties y un musculoso Proto-Punk deudor de las hordas del "Detroit sound". Los Hot Rods procedían de Southend, Essex (Inglaterra), y estaban formados en sus inicios por Barrie Masters (cantante), Dave Higgs (guitarrista y compositor de la mayoría de los temas), Paul Grey y Steve Nicol (bajista y batería respectivamente). Su ascenso fue rápido, y durante la primera época el grupo alcanzaron cierta notoriedad. En 1976 lanzaron un EP de cuatro canciones con versiones de ? and the Mysterians, Them, Stones y Bob Seger, grabado en directo en el mítico Marquee londinense, que incluso logró ascender a las listas de éxito, pero lo mejor estaba por llegar.

Ese mismo año de 1976, Eddie and the Hot Rods publican un fulminante primer LP, "Teenage depression", que sintetiza a la perfección el arte escapista del Rock and Roll que implica energía, inconformismo, juventud, diversión, descontrol y volumen. Una auténtica patada en el culo al aburrimiento y a la desfachatez de un mundo adulto y cínico, bienpensante e hipócrita. "Teenage depression" es una fiesta continua regada por borrachuzos proyectiles que se alojan en la cabeza y provocan una agradable resaca de Rhythm and Blues; Suena su rendición del "Show me" de Joe Tex y uno se da cuenta de donde vienen los primeros Enemigos; casi tan buena es una ultra acelerada versión del "Shake" de Sam Cooke, a su bola pero respetuosa. "All i need is money" es un Rockabilly cazurro y cabezón, descarado y directo al hígado. "Get across to you" comienza feroz, con una entrada de batería que corta la respiración. "Horseplay" acelera el pulso con castigadores riffs a lo Bo Diddley, e incluso sus incursiones más Pop funcionan de maravilla: "Been so long" o "Why can't it be?" son perfectas, el gancho de su estribillo logra extraer jugos con sabor a contagioso Pop clásico. El disco cierra con la extensa "On the run", reminiscente de los MC5, llena de furiosos riffs de rabia adolescente. Pero si algún tema merece el calificativo de himno, es "Teenage depression", pegadizo pelotazo de confusión adolescente alimentado de la energía del Rock and Roll más básico, con los amplificadores achicharrando neuronas, y el tocadiscos sudando electricidad. Mención aparte merece la impactante portada del disco, una foto real de un adolescente que sujeta una pistola apuntando directamente a su cabeza antes de apretar el gatillo.

"Teenage depression" tuvo buena acogida de público; además en 1977 el Punk estaba firmemente asentado en Inglaterra, y Eddie and the Hot Rods en cierta manera fueron profetas gracias a su energía y desenfadada actitud; Pero al mismo tiempo estaban en tierra de nadie, eran demasiado punkies para los pub-rockers, demasiado rockeros para los punkies, y tampoco se ajustaban al corsé de la emergente New Wave de Graham Parker o Elvis Costello, con un sonido más refinado. A pesar de todo los Hot Rods continúan su imparable camino.

Con la ayuda de Graeme Douglas, guitarrista de los Kursaal Flyers (otros ilustres pub-rockers), graban un segundo LP, "Life on the line", para muchos su mejor disco. En general "Life on the line" pierde un poco de la inmediatez de "Teenage depression", pero gana en madurez con unos temas más pulidos. En esta ocasión explotan su lado más pop, pero sin abandonar la energía del primer disco, incluso superándola gracias al aporte de las guitarras de Graeme Douglas. "Do anything you wanna do" y "Quit this town" abren el disco como un torbellino, dos perlas incuestionables de explosivo Power-Pop con categoría de himno que escalan las listas de éxito. Tampoco faltan el Rock and Roll marca de la casa ("Telephone girl", "Ignore them"), ni profecías del negro futuro de la banda, como una tremenda "Beginning of the end", cortante y definitiva como la soga al cuello de la portada. En definitiva, Eddie and the Hot Rods logran un disco sobresaliente, digno hijo de su época, y de nuevo con buena acogida de público y crítica.

El tiempo se escapa, y en 1979 el Punk ya es un movimiento inofensivo y perfectamente masticado por la industria, y lo peor de todo, vive en un estado terminal y cada vez más desfasado. De nuevo el sistema ha ganado, y la subversión inicial del Punk se evapora, formando parte de la historia como algo anecdótico. Este hecho afecta a los Hot Rods, a pesar de no ser estrictamente Punks, y su contrato con Island records lo finiquitan con "Thriller", otro estimable trabajo en la línea de su anterior ("Life on the line"), pero que pasa completamente desapercibido a pesar de contener himnos de vibrante Power-Pop ("The power & glory"), estribillos con gancho ("Echoes"), y canciones simplemente maravillosas ("Circles") a la altura de sus mejores momentos; y por supuesto tampoco faltan sus pistonudos guitarrazos de Rock and Roll clásico ("Out to lunch", "Living dangerously"), ni toques de festivo Soul ("Breathless"). Al final las escasas ventas de "Thriller" dejaron a los Hot Rods en la puñetera calle a pesar de no bajar su nivel de calidad.

En 1980 Eddie and the Hot Rods están tocados por la mala suerte, su destino está escrito, y parecen ser transparentes para el público (cuanto daño hacen las modas). A pesar de todo les ficha EMI y graban un último disco antes de su separación definitiva. "Fish & Chips" comparado con sus trabajos anteriores es una anécdota, principalmente por un raquítico sonido sin alma, que no hace justicia al grupo. Lo más gracioso es que el disco lo produjo Al Kooper, que entre otras cosas grabó con Dylan, Hendrix, Rolling en el pasado, y produjo los memorables tres primeros LP's de Lynyrd Skynyrd, pero en el caso de "Fish & Chips" destroza las canciones, a pesar de tener cosas tan estimables como "Wide eyed kids" o "Farther on down the road" de Taj Mahal.

A partir de aquí el resto es historia. Algunos miembros de los Hot Rods se fueron con los fantásticos The Imnates, otros con The Damned, y el resto como todo el mundo, a sobrevivir toca. Durante los 90 el grupo se juntó y separó, y en la actualidad siguen tocando con su cantante Barrie Masters como único miembro original, pero eso ya es otra historia muy alejada de sus comienzos, cuando su música era enérgica y transmitía diversión e inconformismo, y sobre todo grabaron unos cuantos LPs que gozan de una digna madurez en la actualidad.

"Horseplay", con el pendenciero Lew Lewis a la armónica

The Limiñanas

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 03:49:58 PDT

The Limiñanas vienen de Perpignan (Francia), son Lionel y Marie, una entrañable pareja aficionada a las viejas películas "Noir", la estética Mod, el Pop francés de Serge Gainsbourg o Françoise Hardy, la Velvet Underground, los Kinks, y en general casi todo lo que huela a los años 60, la época suprema de la música Pop por excelencia. Si a esta mezcla le añadimos algunos ingredientes de Garage-Punk de grupos como los Seeds y guitarras Fuzz, además de referencias más modernas como Stereolab o los recordados Lolitas, uno se puede hacer una idea a que suenan The Limiñanas, pero siempre con la bendición del gurú Billy Childish y su filosofía del "hazlo tú mismo", apuntando a lo más alto desde la diana de lo inmediato.

The Limiñanas tienen hasta la fecha un LP de título homónimo, publicado en el estupendo sello de Chicago Trouble in Mind records. Alternan canciones en francés con alguna en inglés. Definitivamente el francés tiene una sonoridad sexy y cautivadora. Su sonido es sólido y atrevido. Saben crear texturas y ambientes que te trasladan a los 60 como si de una maravillosa máquina del tiempo se tratara, y podían ser la banda sonora ideal para alguna avanzada película de Truffaut o Godard. Cierto que no disimulan su fascinación por el pasado, pero lo hacen sin complejos y con guiños al presente, sonando deliciosamente "retros" y modernos al mismo tiempo.
En su debut, The Limiñanas despliegan una colección de canciones artesanales ricas en arreglos, donde experimentan con múltiples y exóticos instrumentos; en su colorida escala cromática cabe mandolina, teclados, armónica, sitar, e incluso Theremín. Cada canción la miman como a la niña de sus ojos, unas veces suenan como una infecciosa banda de "garage", otras se adentran en la Psicodelia con un marcado acento Pop, e incluso interpretan algún precioso tema al más puro estilo de la Velvet, pero siempre con la melodía por delante. The Limiñanas no esconden ningún secreto, nos enseñan las cartas de su época musical favorita, los 60, pero lo hacen a su estilo, de forma concisa, directa, y sobre todo muy fresca y divertida, que es de lo que se trata. Es una gozada dejarse seducir por un disco tan cuidadoso con los detalles y evocador de un época, hecho con mimo y cariño, que bien merece el desembolso de lo que vale el plástico, en una época difícil para el negocio discográfico.

The Limiñanas aparte de excelentes artesanos de canciones, son una alucinante banda de directo. En verano del 2011 ofrecieron una gira por USA, y para dejar constancia de su solvencia en los escenarios, grabaron un mini-concierto de media hora para una emisora de New Jersey llamada FMA, donde suenan realmente bien. Aquí dejo el enlace para quién le interese. Además os podéis bajar el concierto totalmente gratis. Buen provecho.

Pincha aquí y disfruta

Don Covay, "See-saw"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 04:04:17 PDT

Hay gente destinada a la gloria de la fama y del reconocimiento, en cambio otros pasan desapercibidos y son transparentes para público y crítica. Don Covay es de estos últimos. A pesar de tener un glorioso pasado desde los 50, colaborando con Little Richard o Jimi Hendrix, o componer alucinantes temas para Otis Redding, Etta James, Wilson Pickett, Solomon Burke y un larguísimo etcétera; e incluso ser reverenciado por la ola británica del Rhythm and Blues de los 60, como Rolling Stones o Small Faces, nunca ha obtenido el reconocimiento que se merece.

Pero por encima de todo están sus discos donde Covay demuestra, aparte de sobresaliente compositor, ser un intérprete de lo más solvente, gracias a una cálida voz y a una inmediatez que hace de sus LP's toda una experiencia auditiva llena de optimismo y paisajes de memorable Soul y jugoso Rhythm and Blues.

Como uno se considera un incurable enfermo de los discos y del Rock and Roll, descubrir "See-Saw" demuestra que todavía se pueden escuchar trabajos del pasado capaces de sorprender, y es que más allá del espacio y tiempo, es una gozada encontrarse con discos tan buenos y bien equilibrados, entre temas bailables y conmovedoras baladas Soul. "See-Saw" fue editado originalmente en 1966 por Atlantic records, y constituye una intachable colección de singles de la época, todas composiciones propias de Covay grabadas la mayoría en los estudios de la Stax en Memphis. Sencillamente una joya que no admite imitación.

"See-Saw" se ventila en media hora doce temas que no dan opción al aburrimiento. Qué gozada estos discos que no duran más que un suspiro, pero son capaces de expresar toneladas de alegrías y emociones. Es la magia de la música que rinde tributo al mejor Gospel pagano, Soul y Rhythm and Blues de garito. "See-Saw" es una colección de canciones al servicio del placer, diversión y la felicidad, todas ellas tan fáciles de digerir como bien ejecutadas, dejándose ver en cada surco las trazas de la Stax, bien por la guitarra de Steve Cropper, los vientos de los Memphis Horns o la irrepetible batería de Al Jackson. Es imposible que cuando suenan preciosidades como "Everything gonna be everything", "Please do something" o "I never get enough of your love", no toquen la fibra sensible; mientras que los surcos de "Fat man" o "The boomerang" llevan irremediablemente a la pista de baile; y como no hay pastel sin guinda, aquí tampoco faltan memorables éxitos como "See-saw", "Sookie, sookie" o "Mercy, mercy", esta última inmortalizada por autores de diverso pelaje.

Don Covay sigue vivo y bien, y desde luego merecería ser recuperado a la palestra musical con bríos renovados, como ya se hizo con Johnny Cash, Solomon Burke, o más recientemente con Wanda Jackson o Mavis Staples, que en la actualidad disfrutan de una merecida segunda juventud. El bueno de Covay no publica disco desde el 2000, y todavía estamos a tiempo de situar a este hombre en el lugar que merece.

"Mercy, mercy"

Etta James, segunda parte: "Who's blue"

noreply@blogger.com (Jose Maria Martinez) — Sun, 02 Sep 2012 04:07:48 PDT

Haciendo alusión al título de la biografía de Etta James, "Rage to survive", su vida ha sido una carrera hacia la supervivencia, unas veces caminando por la cuerda floja de sus adicciones, y otras al límite del colapso emocional, pero por suerte su música siempre estuvo ahí, como una fiel compañera y fuerza renovadora que salva vidas. Ya desde el principio su vida no fue fácil; fue abandonada por su padre al nacer, el jugador de billar profesional Minessota Fats (que inspiró la película "El Buscavidas"), y su madre Dorothy Hawkins aparecía y desaparecía a su antojo, aumentando la rabia y el dolor de una niña que buscaba y no encontraba respuestas. Etta James suplió la carencia afectiva en las duras calles de Los Angeles, formando parte de pandillas juveniles e iniciándose, por una parte en la pequeña delincuencia, pero por otra en la música Doo Wop y Rhythm and Blues con colegas del oficio como Miss Sugar Pie, Johnny Guitar Watson o Richard Berry.

A mediados de los 50 Etta consiguió su oportunidad como cantante de la mano de Johnny Otis, empresario y percusionista de Blues, de color blanco pero con alma negra, que fascinado por su voz, hizo que el grupo de Etta de entonces (The Peaches) grabara una ristra de crujientes sencillos para Modern records con algún éxito discreto ("The Wallflower") (... chequea la primera parte...). En 1959 ocurre un giro decisivo en su carrera. Harvey Fuqua, líder de The Moonglows (por aquél entonces en Chess), pone a Etta James en contacto con Leonard Chess y la contrata sin pensarlo dos veces. Comienza como corista de Chuck Berry en temas decisivos como "Almost grown", pero Leonard tenía otros planes para ella, y por exigencias de mercado la sitúa en el mapa de la balada Jazz y los sofisticados arreglos de cuerda, y en 1961 graba el LP "At last", todo un triunfo artístico y comercial, que procura a los hermanos Chess jugosos dividendos, aparte de abrir nuevas posibilidades en la expansión del sello, y más importante aún, supone el inicio de una fructífera colaboración entre Chess y Etta James, que se extenderá hasta mediados de los 70.

En el 2011 el sello KENT (subdivisión Soul de ACE records) publicó "Who's blue?", una compilación que recoge la andadura de Etta James por la Chess, desde 1961 hasta 1976. No es una recopilación al uso con todos los típicos "grandes éxitos", "Who's blue?" desentierra gemas ocultas de su repertorio de una calidad abrumadora, y constituye un auténtico paseo por la música de raíces americana. Jazz, Pop, Rhythm and Blues, Country, Funk o Soul, son estilos que se pasean por esta colección de canciones con total naturalidad, y están comunicadas entre sí por la emocionante voz de Etta, trazando gloriosas carreteras secundarias de su alma, que son un pequeño mapa para descifrar el enigma de los sentimientos de una mujer que siente y respira su música.

Etta James posee una versatilidad única. Es capaz de interpretar cualquier estilo de música popular americana y llevarlo a su terreno con éxito, como bien demuestra el presente disco "Who's blue?". Aquí se puede encontrar Rhythm and Blues como la sensacional "Nobody but you", que cabalga sobre los Blues de Jimmy Reed, o la interesante "Seven day fool" con coquetos arreglos de cuerdas. Su madre desde joven la inculcó un profundo amor por el Jazz vocal de Billy Holliday o Dinah Washington, y Etta supo desenvolverse en ese terreno como pez en el agua ("It could happend to you"). También se empapa del exitoso sonido Motown sin sonar a copia ("Street of tears"), y ejecuta el doble salto mortal interpretando magistralmente un clásico Country de Don Gibson ("Look who's blue"). Incluso a mediados de los 60, época en que Etta apunto estuvo de morir por una infección de tétanos, no se la notaba desgaste alguno, y como una fuerza sobrenatural era capaz de grabar trallazos como "Do right". Pero a partir del 67 su vida da un buen e importante giro, nace su primer hijo Donto, recupera el pulso comercial, y se convierte en la reina del Soul gracias a las irrepetibles sesiones de los FAME studios en Muscle Shoals (Alabama), con incendiarios temas como una feroz versión de "Fire" del maestro Willie Dixon. A principios de los 70 Etta continuó explotando su lado más Soul con material de primera, y baladas para caer de rodillas ("My man is together"). Y ya en su última época con Chess, a mitad de los 70, influida por el Funk de la última etapa de Ike and Tina o Sly and the Family Stone, graba furiosos artefactos con incandescentes metales y poderío vocal absoluto ("I've been a fool").

Tras su irrepetible etapa con Chess, Etta James luchó contra adicciones de todo tipo, saldó su cuenta con la justicia por un feo asunto de falsificación de cheques, grabó discos con productores imprescindibles como Jerry Wexler o Allen Toussaint, pero también los 80 fueron duros para Etta. Luchó contra el olvido donde público y negocio parecían darle la espalda, pero nunca se plegó ante las modas; impermeable al sonido de la música disco, siempre fue fiel a sus raíces musicales de Blues, Jazz o Soul. Por fortuna los noventa fueron mejores, recibió unos cuantos Grammys y premios, y entró en esa farsa llamada "Rock and Roll Hall of Fame" que le permitió llevar una vida más acomodada y con algo más de reconocimiento público... Y así llegamos hasta el momento actual. Etta James con leucemia y demencia senil está al final del camino. Hace unos pocos meses la prensa dio la noticia de su muerte, pero resultó ser un falso rumor. Este dramático hecho, en cierto modo no deja de tener su gracia por qué su vida siempre estuvo en el límite, y en varias ocasiones ha visto la fea cara de la muerte muy de cerca, y uno en esta ocasión se imagina a Etta diciendo: "No me enterréis todavía que aún tengo que dar el último concierto para vosotros".

"My man is together"