Autobus mágico

NRBQ, "Ridin' in my car"

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 22 Oct 2009 06:59:24 PDT

NRBQ es uno de esos grupos al que tengo un cariño especial. Detrás de un grupo de culto seudo minoritario se esconden unos gigantes admirados por gente como Dylan, Paul McCartney o Keith Richards. Pero eso es lo de menos, lo importante son sus discos, cada uno de ellos una pequeña obra maestra del gran libro del Rock and Roll. Son discos que ganan enteros con el tiempo, con esa excepcional heterogeneidad y mestizaje característico. En sus discos cabe de todo: Country, Blues, Rock and Roll, Beatles, Sun Ra y cualquier estilo que se te pueda ocurrir, simplemente lo absorben todo para construir algo propio y original

Dice la leyenda que en los conciertos son capaces de tocar cualquier canción que se les pida y salir siempre bien del paso, nunca tienen una lista de canciones fija, es más, ni siquiera tienen lista, lo suyo simplemente es tocar y tocar. Los NRBQ son geniales, desde 1967, aunque sea en la sombra, llevan extendiendo su genialidad por el mundo en forma de pequeñas grandes canciones y discos maravillosos.

Discos como Scraps, Workshop, All Hopped Up o At Yankee Stadium los llevo en el corazón, pero si tuviera que elegir una canción suya me quedaría con “Ridin’ in my car”. Es “la canción”, simplemente perfecta, todos los detalles son una delicia: percusión, arpegios y el magistral solo de guitarra, la voz solista y los preciosos coros, y ese tímido teclado que llena de belleza hasta el rincón más oculto de la canción, y todo sin sonar ampulosos, no hay secretos, simplemente pura maestría y esa capacidad imnata, al alcance de muy pocos, de dar con la canción perfecta.

Gracias a Terry Adams y sus muchachos por los excelentes momentos que nos hacen pasar con sus discos, y recuerdos especiales a Steve Ferguson, tremendo guitarrista original de la banda que por desgracia ya no está entre nosotros.

Chuck Berry, "After School Session"

noreply@blogger.com (Pepo) — Mon, 31 Aug 2009 15:50:10 PDT

Chuck Berry es de los pocos mitos vivientes del Rock and Roll, y sin miedo a pillarse los dedos, se puede afirmar que ha sido de los intérpretes y guitarristas más influyentes de todos los tiempos. Que más da que algunos digan que siempre escribe la misma canción, o reproduzca el mismo solo de guitarra una y otra vez. Chuck Berry es un pionero, creador único y un gran compositor de canciones, quizás de los mejores. Prácticamente cualquiera que haya estado en una banda de Rock and Roll ha tocado sus canciones, la lista es enorme: Stones, Beatles, Hendrix, Dave Edmunds, Flamin' Groovies, Elvis, Buddy Holly y cientos más.

A pesar de la enorme influencia, y la exitosa carrera de Berry (en los años 50 y 60 basicamente), sus discos no son fáciles de encontrar (especialmente en formato LP), y no será porque sean malos, todo lo contrario, los trabajos de Chuck Berry, por lo general, son auténticas obras maestras que no se reducen a sus canciones más conocidas de siempre, son discos excitantes, divertidos, nacidos para disfrutar y muy variados estilísticamente, pero siempre con esa impronta personal tan característica.

Por fortuna, recientemente ha surgido un sello discográfico llamado Doxy Records, centrado en reediciones de clásicos de Jazz, pero también de Rock and Roll. Hasta el momento han publicado referencias de Buddy Holly, Bill Haley, Little Richard, Eddie Cochran, Everly Brothers y por supuesto Chuck Berry. El sonido de los discos es espectacular, además se respeta el diseño de portada original, y lo más importante, están editados en glorioso vinilo con un prensaje como es debido. El disco de Berry en cuestión es “After School Session”, ni más ni menos que su primer LP publicado en Chess records en 1957. En realidad es un disco recopilatorio de temas grabados entre 1955 y 1957 con la crema y nata de músicos de Blues de Chicago: Willie Dixon, Otis Spann, Jimmy Rodgers o Johnny Johnson son algunos de los protagonistas.

La reedición no contiene extras ni añadidos, ni falta que hace, los doce temas originales son suficientes para hacerte vibrar durante poco más de media hora. La ecuación del talento de Chuck Berry se resuelve por si sola gracias a definitivas canciones de Rock and Roll clásico (“Schoolday”, “Too much monkey business” o “Brown eyed handsome man”), poderosos instrumentales de Rhythm and Blues (demoledor “Roly Poly”, escalofriante “Deep feeling” y elegante “Berry pickin'”); y el Blues, como no, el Blues siempre está presente, unas veces de manera más ortodoxa, como en “Wee wee hours” con el majestuoso piano de Johnny Johnson de acompañamiento, o en “No money down” con el clásico riff prestado de “Hoochie coochie man”. También hay afortunadas baladas Pop (“Together we will always be” y “Drifting heart”), e incluso el bueno de Chuck se lo pasa en grande jugueteando con el Calypso latino de “Havana moon”, por no hablar de “Down bound train”, con esa tensión contenida que atraviesa la columna vertebral como una descarga eléctrica del alto voltaje. Simplemente la reedición del año.

"Down bound train", una joya oculta recuperada por los Nomads a mediados de los 80.

Big Bill Broonzy, "The Blues"

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 23 Aug 2009 14:41:41 PDT

Big Bill Broonzy fue un cantante, compositor, intérprete y guitarrista de Blues Rural nacido en Mississippi, y aunque quizás no sea tan conocido como otros contemporáneos suyos, sin duda es uno de los grandes, a la altura de Robert Johnson, Charlie Patton, Son House o Blind Lemmon Jefferson. Influyó decisivamente en el Blues de Chicago, donde se trasladó en los años 20, e incluso alguien tan representativo como Muddy Waters le dedicó un disco en 1960. Desde los años 20 hasta su muerte (en 1958) grabó centenares de canciones de diversos estilos: Blues, Espirituales, Jazz, canciones de trabajo, Ragtime... Su faceta de músico la compaginó con trabajos de lo más variado: minero, temporero en los diques del Mississippi, en las vías del tren o en los campos de trabajo del Sur de USA... En los años 50, con el "boom" de la música Folk, las nuevas generaciones de músicos le reivindicaron, e incluso fuera de USA, en Europa, le rindieron gran admiración en aquella época, lo que le llevó a grabar en París, entre 1951 y 1952, las canciones que formarían parte de “The Blues”, aparecido originalmente en 1965 en el sello de Nueva York, Scepter Records.

“The Blues” es una colección de canciones estremecedoras, cada una es un tesoro cargado de sentimiento. Hablan de amor, desamparo, soledad, trabajo duro, y reflejan a la perfección el día a día de una persona de color, un ser humano maltratado por una sociedad segregada, cuyo mayor delito es el color de su piel y su única arma una guitarra que no entiende de colores ni de clases sociales, y es capaz de emocionar arrojando sinceros acordes con sabor a carretera y libertad. “The Blues” es todo un regalo para los oídos; íntimo, triste y divertido, dependiendo del tono de la canción que suene. Con “Louise”, “Kind hearted blues”, “Baby please don't go” (versioneada hasta la saciedad) y “Letter to my baby” Big Bill canta al amor. En “Do right blues” se pregunta como alguien puede ser maltratado. También hay hueco para los espirituales en las tradicionales “Down by the Riverside” o la preciosa “When did you leave heaven”. “John Henry” es otro conocido tema tradicional de trabajo dedicado a los negros del siglo XIX, más conocidos por trabajar más rápido y mejor que cualquier máquina. “The Moppin' blues” es otra canción de trabajo que con su incisivo “riff” se anticipa sin miramientos al Rock and Roll que entonces estaba aún por llegar.

Big Bill Broonzy trabajó y tocó hasta el final de sus días, cuando en 1958 un cáncer de garganta se lo llevó directo a la tumba. Su trabajo no fue en balde, no obstante, aunque no ha sido tan valorado como otros de sus compañeros, para clásicos como Pete Seeger, Muddy Waters, Memphis Slim, Ronnie Wood o Ray Davies ha sido una inspiración decisiva en sus inicios.

"Baby please don't go", la grandeza hecha canción

The Blow Pops

noreply@blogger.com (Pepo) — Sat, 08 Aug 2009 13:11:02 PDT

Después de un tiempecito parados, vamos a hacer un ejercicio de nostalgia, para variar. Retrocedamos hasta finales de los 80, principios de los 90, hasta Milwaukee, Wisconsin, ciudad que aparte de ser conocida por las motocicletas Harley Davidson, también vio nacer a The Blow Pops, hoy unos perfectos desconocidos, pero en su día facturaron excelente música Pop deudora del mejor y más sentido Beat británico de los 60, pero también de las grandes bandas de Power-Pop de los 70. Si grupos como Who, Hollies, Bealtes o Raspberries te dicen algo, alucinarás con The Blow Pops.

En su día únicamente publicaron dos discos, ¡pero menudos discos!, auténticas joyas repletas de melodías arrebatadoras, guitarras de 12 cuerdas, asombrosos juegos de voces, y en definitiva, aludiendo al título de una de sus canciones, discos inundados de canciones nacidas para girar a 45 revoluciones por minuto, singles perfectos que van más allá del mero ejercicio de estilo, canciones que no queman ni el tiempo, ni las reiteradas escuchas, ni tan siquiera las cambiantes modas.

Ambos discos se publicaron en su día en la discográfica independiente de Pittsburg Get Hip records. Primero fue “Charmed i'm sure” de 1992 y luego “American beauties” de 1994, y por último llegó la nada, la oscuridad, y de buenas a primeras la banda se deshizo, sus discos quedaron descatalogados y olvidados, y el mundo de la música siguió girando en su propia mediocridad, sin unos Blow Pops a los que se les debe un mínimo de reconocimiento y respeto, o por lo menos una digna reedición de sus dos únicos álbumes.

Si alguien me preguntara que disco de los dos prefiero, le respondería que ni idea, sería una respuesta harto complicada, ¿A quién quieres más, a mamá o a papá?, difícil elección, no? “Charmed i'm sure” bucea un poco más en la sicodelia, y contiene maravillas como “Wake up Mary”, “Stiff Prisilla”, “Tuesday morning” o ese tema de 10 minutos que lanza 4 canciones a bocajarro al estilo de esa inolvidable ópera rock de The Who llamada “A quick one”.
Su segundo disco, “American Beauties” tampoco es ninguna broma, quizás sea mejor que “Charmed”; difícil elección cuando es tan sencillo emocionarse con obras maestras como “Cleveland”, la maravillosa “Storybook”, y absolutamente todo el contenido del disco, que oscila continuamente entre la maestría vocal de Beach Boys y el pop más enérgico que funciona tan bien como un generador de buenas vibraciones que te abre en canal de pies a cabeza.

En el excelente blog “Power pop criminals” también se acordaron de Blow Pops, y les dedicaron unas entradas. En esta podéis descargar unas actuaciones radiofónicas y rarezas de la banda. Desde mi punto de vista el volumen 1 de dicha recopilación es memorable; contiene canciones de los dos LP's más alguna versión que otra. De verdad que merece la pena.

Pat Todd

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 24 May 2009 03:12:55 PDT

En el Rock and Roll, como en cualquier otro arte, siempre existirán personajes anónimos y casi desconocidos que a pesar de ser transparentes al público, continúan con su trabajo contra viento y marea con un aplomo y credibilidad escalofriantes. Este es el caso de Pat Todd, ex cantante del grupo punk californiano Lazy Cowgirls, y antítesis de estrella de Rock. El bueno de Pat puede que no sea guapo, ni joven ni enrollado, pero su visión de la música emociona; una estrofa en su voz o un simple acorde de su guitarra te hace seguir creyendo en el viejo Rock and Roll. Mientras exista gente como Pat Todd, esta música se mantendrá eternamente joven, con su sonrisa exterminadora, sus ojos vidriosos repletos de fuerza, su sensibilidad a flor de piel y su virtud para huir de la mediocre realidad.

Hace unas semanas Pat Todd y su grupo The Rankoutsiders, estuvieron de gira por España, y por lo menos en Madrid las escasas cincuenta almas que ocupábamos la sala fuimos testigos de su enorme discurso musical. Tan solo 20 segundos bastaron para convencernos del potencial del grupo, y a pesar de los estragos del “jet lag”, Pat y los suyos ofrecieron un concierto tremebundo con unos temas que se nutrían de las mejores raíces rockeras aderezadas de influencias Punk con la banda sonando como un cañón. Algunos dicen que el sonido no fue demasiado brillante, da igual, ese ruido alimentado de saturadas guitarras eléctricas emocionó y llegó al alma.

En esta reciente gira Pat Todd & the Rankoutsiders venían presentando su reciente trabajo, “Holdin' onto trouble's hand” (2008), un disco mayúsculo en todos los sentidos: emocionante, enérgico, fresco y sobre todo generoso. Pat Todd nos regala 20 canciones sin altibajo alguno, con un sentido de unidad similar a trabajos como “Exile on main street” de los Rolling Stones. Su generoso minutaje deja rastros de talento a lo largo de los 75 minutos que dura el compacto sin altibajo ni relleno alguno. Este trabajo no es otro más, es un viaje hacia la esencia misma del Rock and Roll, con unas canciones que no dejan indiferente y trazan una pequeña carretera secundaria hacia tierras de libertad, donde los bares nunca cierran, “ganar” o “perder” son conceptos relativos, y cada instante es tan valioso como si fuera el último segundo de la existencia.

“Holdin' onto trouble's hand” comienza a todo gas con “Where the sidewalk ends”, un pepinazo con recuerdos a MC5 del “Back in the USA” y Led Zeppelin, y todo un canto a la diversión. “Holdin' onto trouble's hand” es Rock americano de categoría, gran melodía, potentes guitarras, intachables coros y en definitiva, un número uno en potencia.

Con “Wrong turn” y “When the world and you Collide” Pat Todd pone sobre el tapete su baza más íntima y acústica, preciosas canciones donde armónicas, guitarras acústicas y “slide” lanzan un fluído diálogo.

“Billion Dollars Cash” es Rock de raíces envenenado de Punk, compuesta bajo la influencia del Gran Gatsby y Elvis Presley, con sus sueños de libertad, sexo, dinero y poder.

“King of drugs” es un desnudo tema de Blue Grass solo con banjo, que encaja perfectamente en el contexto global del disco y seguro que el mismísimo Steve Earle alucinaría.

“Dangerous times – dead ahead” es tremenda, su explosivo comienzo hace que te subas por las paredes, la encendida voz de Pat es pura dinamita, y el solo de guitarra de Nick Alexander invoca a todos esos traviesos demonios que llevamos dentro.

De elegir una favorita esta sería “Theda”. Todo en ella es estremecedor: la guitarra acústica inicial (recuerdos a Eddie Cochran), los coros, los arreglos de guitarra solista, los dos solos, la cálida voz de Pat... Todo funciona perfectamente.

“The December 12^th Blues” es una canción de cumpleaños, de amistad y de buenos deseos; 8 “stonianos” minutos de Boogie Boogie que pasan en un suspiro.

“Tonight i said your name” es otra maravillosa canción con guitarras de 12 cuerdas, mandolina, y pedal steel, que transpira emoción en cada milisegundo.

“Theda” en directo, unos encendidos Pat Todd and the Rankoutsiders en estado de gracia resucitando el espíritu de Gene Vincent and the Blue Caps y los Heartbreakers de Johnny Thunders.

Greg Sage y The Wipers, primera parte

noreply@blogger.com (Pepo) — Mon, 30 Mar 2009 11:54:13 PDT

The Wipers nacieron como un grupo supuestamente Punk en 1977 en Portland, Oregon. El creador y líder de la “criatura” fue Greg Sage. Siempre nadaron a contracorriente; desde el principio rechazaron las reglas del negocio (promoción, giras, entrevistas...), en favor de una utópica autogestión artística y económica con el fin de controlar cada uno de sus movimientos, sin presiones ni imposiciones de terceras personas, intentando preservar, en la medida de lo posible, la pureza de su incendiario discurso musical. Como veremos Greg Sage no es ningún recién llegado, y antes de los Wipers tuvo sus propias experiencias musicales.

Desde mediados de los 60 un jovencísimo Greg Sage siente una precoz fascinación por la música y las distintas técnicas de grabación, no obstante, su padre trabajaba en el mundo de la radio, y Greg tiene la suerte de poseer un equipo de grabación e investiga durante mucho tiempo, incluso antes de aprender a tocar la guitarra, la forma de conseguir un sonido óptimo e intenso. Esta obsesión le conduce a grabar a muchos grupos de instituto de la zona.

La primera experiencia profesional “seria” de Greg Sage en el mundo de la música se produce cuando conoce a Beauregarde hacia 1969. Beauregarde es un popular luchador de “Wrestling”, que aparte de combatir tiene su propio espectáculo: el mastodóntico luchador entra al ring con una imponente chopper de tres ruedas, y antes de combatir se pone a cantar algunos temas para asombro del público. Beauregarde tiene la intención de grabar su propio disco, y rápidamente le recomiendan a Greg Sage, del que dicen que toca la guitarra como Hendrix. En 1971 se publica “Beauregarde” y el resultado no puede ser mejor, el disco es toda una obra maestra de Soul y Rhythm and Blues mezclado con sicodelia. El álbum está producido, compuesto e interpretado por el propio luchador, con la ayuda de un jovencísimo Greg Sage de 17 años. La guitarra de Sage arroja latigazos de Soul y Blues , pero siempre con un regustillo “ácido” lleno de electricidad.

Como se ha dicho al principio, en 1977 Greg Sage crea los Wipers junto con Dave Koupal (bajo) y Sam Henry (batería), en principio solo como un proyecto de estudio con idea de grabar 15 discos en 10 años. Al final no se daría ni una cosa ni otra, hicieron sus giras y los discos no llegaron a ese número, pero sus álbumes (sobre todo los primeros) son todo un ejemplo de integridad artística, evolución continua y honestidad. Aunque la actitud del “hazlo tú mismo” de los Wipers encaja perfectamente con la filosofía punk, su música va más allá de etiquetas, quizás sea esta la causa de su escasa aceptación mediática. Cuando empezaron a finales de los setenta no encajaron en la escena Punk, los años 80 fueron duros para el Rock and Roll, y en ese pequeño reducto de Garage revival o nuevo Rock americano tampoco encajaron, y en los 90 a pesar de que grupos como Nirvana, Mudhoney o Dinosaur Jr declararon abiertamente su admiración por la música de Greg Sage y the Wipers, tampoco lograron ir más allá de las fronteras de grupo de culto.

Las masas necesitan identificarse con algo, un estilo concreto, una tendencia, una marca, y en general cualquier cosa que vendan los medios de comunicación. En este contexto, la música de los Wipers, con su distorsión extrema, sus agitadas melodías, y sus desoladores paisajes de aislamiento, confusión y frustración, no encaja en los patrones de las mayorías, The Wipers no es un grupo amable ni cómodo, sus discos no son de fácil digestión, son intensos, enérgicos, eléctricos y apabullantes. Los Wipers tienen personalidad, son el grupo independiente por excelencia, y no lo que nos quiere vender la industria, como cualquiera de esos pseudo grupillos con su imagen perfectamente estudiada que son manejados como títeres.

En 1979 The Wipers publicaron “Is this real?”, un clásico instantáneo repleto de canciones breves, riffs aplastantes y directos al grano. En la sencillez está su grandeza, la banda suena sólida como el granito, son doce tremendos temas difícilmente etiquetables, cuyo nexo de unión es el estilo único de Greg Sage a la guitarra, su peculiar forma de cantar, y su característico sentido de la melodía. “Dimension 7” es una fascinante experiencia musical, es como acercarse a un precipicio y caer irremisiblemente al vacío. “Return of the rat” es pura fuerza bruta musical. En “Potencial Suicide” la tensión se puede cortar a base de retroalimentación sónica. “Don't know what i am” alcanza la categoría de himno como quién no quiere la cosa. “Let's go let's go away” trae a la mente a los mismísimos Heartbreakers de Johnny Thunders. “Alien boy” es un violento guiño a las películas de ciencia ficción. El lado más Pop, siempre presente, es más obvio en “Mystery”, “Wait a minute” o “Is this real?”.

En 1981 el grupo edita “Youth of America”, un disco completamente diferente al anterior. Mientras que “Is this Real?” está formado por breves canciones más próximas al Punk, “Youth of America” es más denso y sicodélico, con un sonido menos rabioso pero más rico en matices. El grupo sigue con el formato de clásico power trío a base de guitarra, bajo y batería, pero está vez hay ocasionales arreglos de piano. En “Youth of America” las canciones son mucho más extensas, llegando hasta los diez minutos del brutal tema que da título al LP, sin duda de lo mejor del álbum con esos inolvidables abrasadores ataques de Feedback. Con el tiempo “Youth of America” se ha convertido en el trabajo más celebrado de los Wipers, y supone una ruptura de planteamientos respecto a su primer LP, pero en el fondo las pistas son las mismas: buenísimas canciones repletas de adictivas melodías, pero en esta ocasión la salvaje distorsión pasa a un segundo plano para dar mayor énfasis a las texturas y sensaciones musicales. Una obra maestra absoluta, extrema y llena de matices que se descubren con el tiempo, y cada escucha supone una experiencia nueva.

Los dos primeros LP's del grupo en su momento fueron editados por “Park Avenue records”, pero el grupo no percibió ni un céntimo en concepto de royalties. En el 2005 Greg Sage, tras años de pleitos, recuperó los derechos de estos discos y actualmente están editados en su propio sello discográfico (“Zeno Records”), en formato LP con un buen prensaje y presentación de lujo. Junto a los discos de los Wipers también está disponible en “Zeno records” el excelente LP de Beauregarde.

"Return of the rat" de su primer álbum, canción excepcional y vídeo divertidísimo

Graham Parker "Squeezing out sparks"

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 19 Mar 2009 12:26:26 PDT

Estamos en Inglaterra a mediados de los 70, la escena musical es aburridísima, el Rock sinfónico está en pleno auge, el Rock and Roll es una reliquia del pasado y nadie parece recordar los viejos buenos tiempos. En los Pubs la situación es muy distinta, muchas bandas recuperan la antigua rabia y nervio de antaño, y poco a poco se forma un circuito de pequeños Bares, donde además de beber cerveza, se puede disfrutar de música en directo que revive los clásicos del Rhythm and Blues y Rock and Roll primigenio, que al poco tiempo desemboca en la explosión de la música Punk. Dr. Feelgood, Count Bishops, Ducks DeLuxe o Brinsley Swartz fueron algunas de las bandas más emblemáticas del movimiento “Pub Rock”.

Es en esta época, mitad de los 70, cuando surge una nueva generación de cantantes y compositores, que incluyen a Elvis Costello, Graham Parker y un poco más adelante a Joe Jackson. Al contrario que los Punks, que crean su propia “revuelta juvenil” a base de inconformismo y ataque frontal al sistema, Graham Parker y compañía acentúan más su lado emotivo con unas letras cargadas de ingenuidad e ironía, y una música rica en originales melodías.

Graham Parker desde 1976 viene acompañado por una “super banda” llamada The Rumour, formada por miembros de Ducks Deluxe y Brisnley Swartz. El sonido es enérgico y hacen incapié en la fuerza de las guitarras, combinado con un teclado que añade profundidad a las canciones sobre una contundente sección rítmica. Editaron algunos soberbios albumes como “Howlin Wind” o “Heat Treatment”, y aunque “Stick to me” era un poco más flojo, facilitó la salida del grupo de Mercury Records para entrar a formar parte de Arista. Graham Parker en relación con su ruptura con Mercury grabó la fantástica “Mercury poisoning” no aparecida en ningún LP.

En 1979 el grupo se dispone a grabar un nuevo álbum, pero cada miembro va a lo suyo, hay demasiados “egos” y el potencial de las nuevas canciones no se aprovecha como es debido. Se dice que en ocasiones la función de un productor discográfico es actuar como mediador del grupo, y hacer que la grabación fluya con naturalidad. Sin duda esta labor la ejerció a la perfección Jack Nitzche, productor de “Squeezing out sparks”, título del siguiente trabajo de Graham Parker and The Rumour. Nitzche tenía un glorioso currículum en el mundillo del Pop, entre muchas cosas fue el “arquitecto” del muro de sonido de Phil Spector, participó en algunas de las canciones más legendarias de los Rolling Stones en los 60, y también produjo y “arregló” algunos de los álbumes más importantes de Neil Young. Jack Nitzche consiguió que el grupo sonara tremendamente sólido, emotivo y conjuntado, dotando al material del disco de un brillo especial, que treinta años después no ha perdido un ápice de intensidad y constituye toda una obra maestra de la “Nueva Ola”.

“Squeezing out sparks” es un disco de muy fácil escucha, atrapa a la primera gracias a sus pegadizos estribillos, guitarras vibrantes y un sonido más cercano al directo, como si el grupo tocara en uno de esos pequeños Pubs mientras el público bebe y se divierte. Diez canciones perfectas, sin relleno alguno, que fluyen con naturalidad y lo único que exigen del oyente es ganas de diversión, un objetivo tan básico como trascendente en el fondo. Pero “Squeezing out sparks” no se queda en la superficie, para todo aquél que esté dispuesto a bucear en dichas canciones, hay un mundo cargado de ironía donde el autor nos abre su corazón, y aunque no siempre promete un final feliz, Graham Parker es capaz de emocionar con sus certeras frases a bocajarro.

“Squeezing out sparks” abre con “Discovery Japan”, un potente tema donde las guitarras suenan como es debido, y un original y emocionante estribillo atrapa a la primera mientras Parker escupe sus emocionantes estrofas (“.. no hay nada a lo que agarrarse cuando la gravedad te traiciona y todos los besos te esclavizan”).

“Local girls” es otro clásico inmediato, arropado por un teclado saltarín, con guitarras que recuerdan a un Chuck Berry puesto al día con ritmos de música disco. De nuevo el irónico estribillo es demoledor (“No molestar a las chicas locales”).

“Nobody hurts you” no baja la intensidad del disco, toda una fiesta de guitarras rítmicas, solistas y la voz de Graham Parker de nuevo toca la fibra sensible (“Nadie te hiere tanto como tú mismo”).

“You can't be too strong” es uno de los momentos más emocionantes del disco, elaborada solo con guitarras acústicas, el teclado de fondo, y por encima la afectada voz de Graham Parker, tan íntima y melancólica, que nos muestra a alguien deshecho por dentro aunque por fuera aparenta que todo está bien.

Con “Passion is no ordinary word” llega el punto álgido del disco, todo un festival de guitarras eléctricas y acústicas, para uno de los títulos más bellos de una canción, "Pasión no es una palabra ordinaria", cada estrofa de Parker es un doloroso dardo a los corazones heridos:

"Funciona mucho mejor en la fantasía
La Imaginación es algo que me viene fácil
porque esto no es nada si no es irreal
cuando finjo tocarte, tú finges sentir"

Después de semejante derroche de emoción, nada mejor que un Rock and Roll directo y desenfadado. “Saturday night is dead” habla de usar algún día el pensamiento propio, de la gente que no encaja en los cánones de las mayorías, y del aburrimiento que supone un sábado por la noche que te conduce al funeral de los domingos. Será que me hago mayor que esta canción me llega al alma.

“Love gets you twisted” es otra preciosa canción, donde se nota la mano de Nitzche en esos arreglos orquestales simulados con un simple pero efectivísimo teclado. La banda camina con convicción y seguridad en una interpretación llena de sentimiento hasta el último segundo:

"El amor te retuerce todo el tiempo
los corazones están en fila, para romperse cada día
...
Cuando ella está en mis brazos
no puedo ver el otro punto de vista"

“Protection” es todo un “rompe pistas”, auténtica música de baile con toques de Rocksteady e incluso Reggae, con las omnipresentes y orgullosas guitarras dialogando, el teclado inquieto, un estribillo en carne viva aplicado como alcohol a una herida infectada:

"No puedo conseguir protección
Todas las bombas están detonando
y todos me dicen que no me asuste y actúe como si no me importase
por eso llevo una expresión en blanco para ocultar mi auténtica impresión
apaga las noticias de la radio, solamente enciende esta emisora"

“Squeezing out sparks” cierra con “Waiting for the UFO's” y “Don't get excited”, otras dos joyas que completan las 10 canciones del disco, que en mi opinión Graham Parker no ha vuelto a superar, y eso que hasta el día de hoy ha editado muchísimos discos, algunos de ellos maravillosos, como son sus últimas obras: “Songs of no consequence” (2005) con una aproximación al sonido añejo de The Rumour, o “Your country” (2004), que conduce hacia terrenos más country pero sin perder la elegancia Pop de este hombre. Sin lugar a dudas Graham Parker es uno de los grandes. Todo un genio a la sombra que aún no se ha valorado bastante.

En 1979 cuando se editó "Squeezing out sparks" también se publicó "Live sparks", pero no en el circuito comercial sino para la radio y otros medios. En la siguiente dirección lo podéis descargar. El disco incluye las diez canciones en el mismo orden que el disco oficial, más una maravillosa versión de los Jackson Five y la "inédita" "Mercury poisoning".

http://rapidshare.com/files/211162078/graham_parker_and_the_rumour_live_sparks.rar

People who died

noreply@blogger.com (Pepo) — Fri, 27 Feb 2009 00:53:12 PST

“People who died” es un frenético Rock and Roll que trata sobre la vida y la gente que vive al límite. Es un homenaje a todas esas personas que viven deprisa sin saber lo que ocurrirá mañana, situados permanentemente en la fina línea que divide vida y muerte. “People who died” trata sobre la cultura de las drogas, pero también es Rock and Roll clásico, directo, honesto, vibrante, emotivo y salido de las tripas. Su autor es Jim Carroll, un personaje fascinante, nacido en 1950, jugador de baloncesto profesional en el instituto, Yonkie precoz, escritor y poeta desde los 17, colaborador de Andy Warhol, superviviente en las duras calles de Nueva York, ferviente admirador de la generación Beat encarnada en Kerouac o Burroughs, estrella del Rock and Roll y amigo íntimo de Patti Smith y Lou Reed. Si queréis conocer más sobre Jim Carroll no os perdáis su autobiografía titulada “Bascketball diaries” (Aquí titulado “Diario de un rebelde”), que fue editada en 1978, pero disponible con relativa facilidad en edición barata.

Jim Carroll antes de ganarse la vida con el “Spoken word” publicó varios discos, pero sin duda el mejor es el primero, “Catholic Boy”, donde está incluida la anfetamínica “People who died”. Publicado en 1980, es uno de esos increíbles álbumes que ya no se hacen, con robusto sonido, contundentes guitarras y unas composiciones de Jim Carroll que se abren camino entre la poesía y el mejor Rock and Roll.

“People who died” es el mejor y más emotivo tributo que Carroll podía rendir a sus amigos fallecidos, todos ellos desaparecidos a muy temprana edad. En “People who died” caminan los fantasmas de Teddy, caído desde un tejado a los 12 mientras esnifaba pegamento, Cathy electrocutada, Bobby muerto de leucemia a los 14, a Georgie se lo llevó la hepatitis, Bobby se ahorcó y Judy se tiró al metro. Todos ellos caminaron por el lado más salvaje e indomable de la vida. Aquí tenéis el texto íntegro original:

Teddy sniffing glue, he was 12 years old
Fell from the roof on East Two-nine
Cathy was 11 when she pulled the plug
On 26 reds and a bottle of wine
Bobby got leukemia, 14 years old
He looked like 65 when he died
He was a friend of mine

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

G-berg and Georgie let their gimmicks go rotten
So they died of hepatitis in upper Manhattan
Sly in Vietnam took a bullet in the head
Bobby OD'd on Drano on the night that he was wed
They were two more friends of mine
Two more friends that died

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

Mary took a dry dive from a hotel room
Bobby hung himself from a cell in the tombs
Judy jumped in front of a subway train
Eddie got slit in the jugular vein
And Eddie, I miss you more than all the others
And I salute you brother

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

Herbie pushed Tony from the Boys' Club roof
Tony thought that his rage was just some goof
But Herbie sure gave Tony some bitchen proof
"Hey," Herbie said, "Tony, can you fly?"
But Tony couldn't fly, Tony died

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

Brian got busted on a narco rap
He beat the rap by rattin' on some bikers
He said, "Hey, I know it's dangerous, but it sure beats Riker's"
But the next day he got offed by the very same bikers

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

Teddy sniffing glue, he was 12 years old
Fell from the roof on East Two-nine
Cathy was 11 when she pulled the plug
On 26 reds and a bottle of wine
Bobby got leukemia, 14 years old
He looked like 65 when he died
He was a friend of mine

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

G-berg and Georgie let their gimmicks go rotten
So they died of hepatitis in upper Manhattan
Sly in Vietnam took a bullet in the head
Bobby OD'd on Drano on the night that he was wed
They were two more friends of mine
Two more friends that died

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

Mary took a dry dive from a hotel room
Bobby hung himself from a cell in the tombs
Judy jumped in front of a subway train
Eddie got slit in the jugular vein
And Eddie, I miss you more than all the others
And I salute you brother

Those are people who died, died
They were all my friends, and they died

Esta entrada está dedicada a una persona que nos dejó hace algunos años. Siempre rondaba por el centro de mi ciudad, y nos quería mucho a mí y a mí familia. Era un gran bebedor, pero siempre se buscaba muy bien la vida a base de “chapucillas” para otros. Jamás nos hizo desplante ni “feo” alguno, siempre amable, divertido, y lo poco que tenía lo compartía. Todavía recuerdo ese vino barato que compartíamos en algún bar de la zona, con su humanidad y fascinante conversación. Todo el mundo en el barrio le quería, no podía ser de otro modo, solo era malo para él. Kike tenía un corazón de oro, y le recuerdo muy a menudo con su eterna simpatía y su sonrisa de adolescente.

"People who died" en todo su esplendor

Beau Brummels

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 17 Feb 2009 04:30:56 PST

Retrocedemos a 1964, los Beatles están en su momento más dulce, triunfan en todo el mundo e invaden las listas de éxitos americanas, y en poco tiempo la “Beatlemanía” se extiende como una contagiosa enfermedad. Consecuencia: surgen en el país un montón de bandas influidas por los Beatles como Byrds, Turtles, Monkees y muchas más.

Los Beau Brummels fueron otra de estas bandas que crecieron bajo la alargada sombra de los Beatles en la zona de San Francisco, algún año antes de que la población se rindiera ante el "poder de las flores", y el movimiento Hippie surgiera con vocación para cambiar el mundo. Pero los Brummels no fueron otra banda más, eran especiales, y sobre todo fueron de los primeros en recoger el testigo del Pop anglófilo en Estados Unidos, y también fueron precursores del sonido de la Costa Oeste influyendo en muchos otros grupos que surgirían a los pocos años.

Los primeros singles de los Brummels como “Laugh, laugh” o “Just a little” estaban muy influidos por el Merseybeat importado de Inglaterra, y aunque en 1965 esas canciones coparon las listas de éxitos americanas, algunos críticos les calalogaron injustamente de mera copia de los Beatles. Los Beau Brummels del 65 eran una banda de cinco dotados músicos que combinaban el Pop británico de la época, con sus raíces americanas canalizadas a través de estilos como Rhythm and Blues, Country o Folk. Sal Valentino poseía una voz llena de sensibilidad, a la altura de los más grandes cantantes, que se acoplaba perfectamente a los preciosos juegos de voces del resto de los componentes.

Pero sobre todo, lo que permanece son las composiciones propias del grupo, en su mayoría del guitarrista Ron Elliott. Fantásticas canciones de menos de tres minutos que el tiempo ha tratado con mimo gracias a su espontaneidad, optimismo y esa fuerza que produce un extraño cosquilleo de bienestar para los sentidos. Auténtica “música para los buenos momentos” nacida para ser disfrutada, y basada en los básicos acordes del Rock and Roll con unas melodías que cortan la respiración.

Los Beau Brummels son responsables de una discografía admirable. Salvo algún desliz, todo lo que grabaron, entre 1964 y 1968, es de una calidad abrumadora, y muestra a un grupo en permanente movimiento y evolución, pero sin perder nunca su estilo particular, ni tampoco ese don para elaborar maravillosas canciones artesanales que rozan la perfección.

En 1965 publicaron “Introducing the Beau Brummels” y “Volumen. 2” en la independiente Autum Records, dos discos sobresalientes de sabor británico. Hay ecos de Beatles, Searchers y Hollies, pero también las ricas raíces de la música popular americana están presentes. Casi todos los temas son composiciones propias y la producción corre a cargo de Sly Stewart, músico de sesión y líder de los increíbles Sly and the Family Stone, cuya labor es ni más ni menos que enaltecer tan tremendo material sacando afuera lo mejor que lleva el grupo: sonido directo, simple y al mismo tiempo elaborados, y nada sobrecargados arreglos. Estos dos LP’s son mis preferidos, y si os gusta el sonido de los 60 y las buenas melodías no los deberíais dejar pasar.

En 1966 Autum Records es absorbida por la Warner Bros. y su primer trabajo para la gran compañía es “Beau Brummels 66”. Se trata de un disco de correctas versiones de la época, que no va más allá de lo anecdótico. Se nota que se ha grabado con prisas entre los escasos huecos libres que tiene el grupo en sus extenuantes giras. Sin duda estos chicos lo podían hacer mucho mejor, y desde luego que así fue. En 1967 y 1968 grabaron “Triangle” y “Bradley’s Barn” respectivamente, dos trabajos con mayúsculas, inundados de sus habituales melodías y preciosos juegos de voces, con elementos de Folk, una pizca de Sicodelia y bastante Country, sobre todo presente en “Bradeley’s Barn”. En definitiva, dos discos que con el tiempo se han convertido en piezas claves del sonido “Costa Oeste” y constituyen un crisol de músicas con todos sus matices, colores y sensaciones. Simplemente la magia hecha música.

"Gentley wandering ways", precursores del Country-Rock

"Fine with me" y sus deliciosos juegos de voces

"In good time", con un sonido más cercano al Garage

Lux Interior

noreply@blogger.com (Pepo) — Mon, 09 Feb 2009 02:56:21 PST

Hace un mes escaso nos llegó la noticia de la muerte de Ron Asheton, toda una fuente de inspiración del lado más peligroso de la música, y ahora, hace escasos días, nos dicen que es Lux Interior el fallecido. Lux Interior fue fundador de los Cramps, junto con su mujer, la bella Poison Ivy, en los lejanos tiempos de 1972 en Sacramento, California. Su música bebía de los clásicos sonidos del Rockabilly de los años 50, Country añejo, de los Bluesmen más primitivos, pero también su música contenía muchísimos elementos del Garage-Punk sicodélico de los años 60, y en general eran unos chiflados de toda esa maravillosa contracultura de pelis de serie Z, comics, zombies, calaveras, esqueletos y sexo desinhibido, todo ello mezclado con toneladas de diversión, energía y electricidad.

The Cramps desde que empezaron hasta la muerte del bueno de Interior han seguido en activo, ofreciendo asombrosas actuaciones siempre al límite de la integridad física del propio Lux, y sobre todo, grabando discos maravillosos, unos mejores que otros, pero siempre divertidísimos y con un nivel de calidad incuestionable.

The Cramps aunque estaban inspirados por los sonidos de Rock and Roll más clásico y tenebroso, a mediados de los 70 fueron muy bien recibidos por el movimiento Punk neoyorquino, e incluso inspiraron a un montón de esas bandas. Su sonido en sus inicios era de lo más descarnado y descarado. No había bajo, tan solo dos chirriantes guitarras en invocación permanente al espíritu de Link Wray, batería, y por encima la ultra-cool (odio esta palabra, pero encaja perfectamente) voz de Lux Interior y esa fascinante actitud y puesta en escena.

Discos como “Off the bone”, “Songs the Lord Taught us”, “Psychedelic Jungle”, “Smell of female”, “A date with Elvis” o “Stay sick” siempre quedarán en mi corazón como una influencia básica y una manera fascinante de entender el Rock and Roll. Aunque Lux Interior ha muerto con 62 años, siempre será el eterno adolescente de ultratumba con sus gafas de sol en la oscuridad. Descansa en Paz.

"Hanky, Panky", una rareza de 1982

Ron Asheton, Réquiem por un Stooge

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 29 Jan 2009 04:22:20 PST

No fun to hang around
Feeling that same old way
No fun to hang around
Freaked out for another day

Este párrafo es un extracto de la letra de “No Fun” grabada por The Stooges de Detroit en 1969. Esta canción, precursora del Punk, es un rabioso canto al aburrimiento que a muchos nos activó un mecanismo en el cerebro, y para bien o para mal no volvimos a ser los mismos. Desgraciadamente el pasado 6 de enero nos llegó la triste noticia del fallecimiento de Ron Asheton a los 60 años, miembro fundador de los Stooges junto con su hermano Scott, Dave Alexander e Iggy Pop. Ron fue el guitarrista de los dos primeros LP's del grupo, “The Stooges” (1969) y “Funhouse” (1970), y más adelante se pasó al bajo en el imprescindible “Raw Power” (1973), último disco relevante del grupo.

The Stooges, partiendo del Rock and Roll clásico, fueron creadores. No eran unos virtuosos pero si tremendamente sólidos e imaginativos, tocaban al máximo volumen y no se andaban con rodeos, iban directos al grano y su música reflejaba lo que eran: peligrosos, pendencieros e inconformistas.

El estilo de Ron Ashenton como guitarrista ha trascendido al tiempo, espacio y a la propia muerte, y por derecho propio se ha convertido en un punto de referencia fundamental de la música Punk, y un elemento básico para comprender la evolución del Rock and Roll desde finales del los 60.

Como muchos jóvenes americanos de mediados de los 60, a Ron Asheton le influyeron decisivamente todos esos grupos clásicos de la llamada “Invasión Británica”. Él mismo nos lo cuenta: (...) Dave (Alexander) me propuso que fuéramos a Inglaterra. Vendí la moto, una Honda 305, y nos fuimos. Vimos a los Who en el Cavern. Townshend empezó a destrozar la Rickenbacker de doce cuerdas. El caos era total. Los gritos del público no eran de felicidad, eran aullidos animales. Yo tenía miedo. No era divertido, pero estaba hipnotizado. Aquella música conducía a la gente a extremos peligrosos. Entonces me di cuenta de que aquello era lo que yo quería hacer.

En 1968 se forman los Stooges y al año siguiente fichan por “Elektra Records” y graban “The Stooges”, que contiene clásicos absolutos como “1969”, “I wanna be your dog”, “No Fun” o “Real cool time”, algunos de ellos compuestos sobre la marcha ya que apenas tenían repertorio. El productor John Cale les repetía continuamente que los amplis tan altos no sonaban bien. En palabras de Ron: (...) no sabíamos tocar si no era a ese volumen (...) Al final, llegamos a un acuerdo. Bajamos los amplis al nueve.

En 1970 los Stooges grabaron “Funhouse”, para muchos su mejor disco, completamente diferente al anterior, más improvisado y con una evolución hacia formas de Jazz libre gracias al Saxo del quinto Stooge, Steve Mackay. Las guitarras de Ron Ashenton, al igual que los colores de la portada de la carpeta, parecen sacadas del mismo infierno, son un exorcismo de distorsión pasadas por “Wah-Wah” generadoras de una música tan radical como primaria. Así lo describe Asheton: La paz y el amor tenían poco que ver con aquellas canciones. Nos daba igual que la gente se sintiera bien. Nos interesaba más lo que estaba pasando en realidad, lo aburrido que era todo, cómo te tratan en realidad. La palabra perfecta para describir nuestra actitud era “Basura”. Que les den por saco, somos basura, nos da igual.

A pesar de publicar grandes discos y de ofrecer conciertos que a nadie dejaban indiferentes, la convivencia en el grupo era cada vez más difícil, y la entrada de las drogas duras no ayudaron a mejorar la situación. A pesar de todo hay anécdotas divertidas que el mismo Asheton relata:

Cada vez que tocábamos en Nueva York, venía un tipo y nos daba un frasquito lleno de cocaína. Una noche estábamos sentados en el camerino con Miles Davis, y al final llega el tío y tira un buen montoncito sobre la mesa. Imaginad la escena; la cabeza de Miles Davis junto a la de los Stooges, todos esnifando. Allí no quedó nada. Más tarde Miles Davis diría de nosotros: “Los Stooges son originales, tienen alma”.

Al poco tiempo expulsan del grupo al bajista Dave Alexander y entra en su lugar James Williamson. Ron Asheton lo describe así: (...) Empezamos a probar a gente, y James Williamson se presentó a la prueba. Yo tocaba todo acordes potentes, mientras que él utilizaba acordes más melódicos, iba un poco más allá de mi estilo Stooge. Nos pareció bien, era un tipo que ya conocíamos, y era buen guitarrista.

Los problemas de adicción a la heroína entre algunos miembros del grupo se acrecentan, los Stooges son una máquina de quemar dinero y la discográfica pronto se cansa y les echa a la calle. Iggy Pop viaja a Nueva York y coincide con David Bowie y su manager Tony DeFries, resultado: al día siguiente Iggy firma un contrato con la CBS y viaja a Londres con James Williamson para grabar un nuevo disco. Ron Asheton nos cuenta la incorporación de su hermano y él al resto del grupo: Iggy y James se fueron a Inglaterra, y al cabo de tres meses, típico de Iggy, me llama y me dice, “Hemos probado cien baterías y cien bajistas, y no encontramos a nadie suficientemente bueno. ¿Por qué no venís tú y tu hermano a tocar la batería y el bajo?”.

Efectivamente los hermanos Asheton viajan a Londres y en 1972 graban “Raw Power”, último disco del grupo y para mi el mejor. Ron Asheton ejerce de bajista y se ocupa de las guitarras un inspiradísimo James Williamson. Aunque las mezclas finales de “Raw Power” son un desastre, sin apenas oírse el bajo y la batería, las ocho canciones que lo contienen son a cada cual mejor. Como nunca es tarde, este problema técnico lo solventó Iggy Pop en 1996, y remasterizó el disco con un corte mucho más violento que el original, donde pueden apreciarse todos los temas en su máximo esplendor gracias a ese muro de sonido con vocación para reventar tímpanos.

Después de “Raw Power” los Stooges se separaron definitivamente. Ron Asheton colaboró con cierta frecuencia con Iggy Pop, a mediados de los 70 formó The New Order con otros ilustres nombres de la escena de Detroit, también tocó con Destroy All Monsters a finales de los 70, o con New Race a principios de los 80, este último grupo formado por miembros de los australianos Radio Birdman enormemente influidos por el sonido de los Stooges.

Desde la separación de los Stooges en 1974 se fue generando una gran expectación hacia el grupo y el mito fue en ascenso. Después de todo el vendaval del Punk del 77 y del Grunge de principios de los 90, que tomaban a los Stooges como uno de sus máximos referentes, el mito creció cada vez más. Ante la demanda, en 2002 el sueño se hizo realidad y se juntó la formación original de los Stooges, con Mike Watt sustituyendo al fallecido Dave Alexander. Desde entonces han tocado en un montón de conciertos, sobre todo festivales, pero ya no es lo mismo, ya no son esos jóvenes inconformistas que no encajaban en el orden social. Los Stooges del nuevo milenio, desde mi punto de vista, son un grupo de Rock inofensivo y muy profesional que explota su glorioso pasado sin apenas factor sorpresa, excepto cuando tocan alguna de sus nuevas canciones, que palidecen al lado de las clásicas. Después de la muerte de Ron Asheton no se sabe bien cual será el futuro de los renovados Stooges, pero por suerte quedan los discos del pasado que siempre nos permitirán viajar a la esencia misma del Rock and Roll.

Los extractos de las declaraciones de Ron Asheton los he copiado del imprescindible libro "Por favor mátame: la historia oral del Punk"

Scott McCaughey

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 18 Jan 2009 11:01:20 PST

Desde este espacio hacía tiempo que quería rendir pequeño tributo a alguien en activo, con sus mil y un proyectos, vivito, coleando y bien. Scott McCaughey es el nombre del personaje, y para el que escribe un auténtico genio y orfebre de la canción con su fascinante y abrumador abanico de influencias, texturas y sensaciones musicales.

Scott procede de Seattle, Washington, y su primera banda conocida fue Dynette Set, con los que tocó hacia finales de los años setenta junto a Christy McWilson (hoy su actual mujer). En 1982 McCaughey deja Dynette Set y funda con su amigo Chuck Carrol los Young Fresh Fellows.

Young Fresh Fellows estaban formados por cuatro maravillosos músicos (Scott, Chuck, Tad, Jim y posteriormente Kurt), y su música no conocía límites estilísticos, abarcaron absolutamente todos los estilos: Country, Rockabilly, Garage, Folk, Sicodelia, Power-Pop, Punk, Rhythm and Blues... y siempre ejecutada con un sentido de la diversión y una inmediatez que jamás debería perder el Rock and Roll; pero sobre todo está presente la sensibilidad Pop de Scott McCaughey, compositor de casi todos los temas, capaz de emocionar con su universo particular y plasmar esa magia en canciones de tres minutos.

La discografía de Young Fresh Fellows es bastante extensa, y jamás han dado un paso en falso, todos los discos son increíblemente buenos y suponen una inyección de optimista vitalidad. Amasan un montón de influencias, pero no copian, suenan a ellos mismos pero con un profundo respeto a la tradición del Rock and Roll y sin tomarse nada en serio, ni si quiera a ellos mismos, simplemente, aludiendo al título de uno de sus discos, son "los hombres que aman la música". A lo largo de los surcos de sus discos hay recuerdos a los Kinks y Neil Young, NRBQ y Billy Childish, Badfinger y Replacements, Beatles y Elvis, Hank Williams y Sonics, Velvet y Rufus Thomas, “nuestros” Vancouvers y Brian Wilson, y cientos de influencias más. Muchos de sus discos los grabaron en los Egg Studios de Seattle con el genial productor Conrad Uno, y aunque todos son estupendos, mis favoritos son “The Men Who Loved Music” y “Electric Bird Diggest”.

En la primera mitad de los 90 Young Fresh Fellows disfrutaron de cierto éxito en España, gracias a publicaciones musicales como Ruta 66 y sellos discográficos (Munster Records) que editaron abundante material del grupo. Young Fresh Fellows incluso salieron de gira por España ofreciendo inflamables conciertos todavía presentes en la memoria de muchos de nosotros.

En 1993 Peter Buck de REM, llega a la ciudad de Seattle desde Athens, y rápidamente conecta con Scott. Ambos sienten admiración mutua y comparten gustos musicales. Como resultado forman The Minus 5, un proyecto común sin ninguna pretensión, tan solo existe para dar rienda suelta a sus pasiones musicales, que en ocasiones dejan en segundo plano para atender sus obligaciones principales. El núcleo básico de Minus 5 lo compone Scott McCaughey y Peter Buck, el resto son reputados músicos más o menos estables que van y vienen (gente de NRBQ, Poises, Wilco, Smithereens...). Desde 1995 el grupo ha publicado un buen puñado de discos de estudio (el último del 2006) repletos de canciones firmadas por Scott con todo lo bueno que ello conlleva, quizás con una vena más Pop y abierta a la experimentación, pero con la pasión y sensibilidad intactos, y lo más importante, con la misma espontaneidad de siempre. Como en Young Fresh Fellows, todos los discos son excelentes, quizás el primero (“Old liquidator”) sea más extraño y fragmentario, pero siempre son una garantía, y en esta época de medianías, sus discos son recibidos como una fuente inagotable en medio del árido panorama musical actual.

En 1995 Peter Buck pide a Scott que se una a los REM como segundo guitarrista para la gira de “Monster”. Un entusiasmado Scott vuela a Los Angeles donde hace una prueba con las mega estrellas, y rápidamente se convierte en el quinto miembro de REM como soporte estable para las giras, no solamente de “Monster” sino hasta el día de hoy.

Aparte de todos estos proyectos, Scott McCaughey ha producido muchísimos discos para otros grupos, en 1986 formó Ernest Anyway & the Mighty Squirrels, que no son otros que Young Fresh Fellows rindiendo homenaje a Johnny Kidd and the Pirates (el mejor grupo de Rock and Roll inglés de los 50 y 60!!!). En 1989 publicó un disco en solitario (“My Chartreuse opinion”), en el 2002 formó The New Strychnines con tres cuartas partes del grupo Mudhoney, ejerciendo de teclista para rendir tributo a los Sonics (el mejor grupo de Garage y Rock and Roll amerciano de los 60!!!). Scott toca con frecuencia en la escena local de Seattle como miembro de grupos como Tautara, Magnificant Seven y su grupo de versiones de Nick Lowe (de los mejores compositores de canciones Pop!!!), The Lowbeats. Sin duda un personaje fascinante que aún no ha sido suficientemente valorado.

Young Fresh Fellows, "Your truth, our lies": una buena muestra de su poderío en directo

The Minus 5, "Cementery Row W 14": una de las canciones más bellas del 2006 en perfecta sintonía con John Lennon con un "Lap steel" que corta la respiración

The New Strychnines, "Louie, Louie": Incendiario homenaje a los Sonics y una de las mejores versiones del tema. Scott toca el órgano.

Love Is Strange

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 07 Jan 2009 07:22:34 PST

Finiquitado el 2008 continuamos nuestro particular periplo hacia la música de Rock and Roll que más nos gusta, pero antes, como deberían mandar los cánones habría que hacer balance musical del fallecido 2008. Como todos años, ha habido de todo, discos excelentes y otros más flojos, pero sobre todo cantidad de LP’s apilados en las estanterías de casa esperando a ser escuchados en profundidad, con lo cual uno se ve incapacitado para elegir un disco favorito del 2008. Quizás dentro de 10 años, si el cuerpo aguanta, por fin me decida.

Aunque no se hará lista de "lo mejor del año", si voy a elegir mi canción favorita del 2008: la archiconocida “Love is Strange” original de Mickey & Sylvia, publicada hace la friolera de 52 años, allá por 1957 en la época dorada del Rock and Roll americano, cuando las listas de éxitos estaban inundadas por grandes canciones Pop y Rock and Roll publicadas por pequeñas compañías discográficas independientes a nombre de grupos y solistas de un único éxito, como es el caso de la pareja Mickey & Sylvia.

“Love is strage” me encanta por su irresistible ritmo latino tan suave como el terciopelo; adoro esa guitarra solista que inunda toda la canción que con el tiempo ha creado escuela, pero sobre todo la frase “How do you call your loverboy?” recitada por Mickey, para el que escribe es uno de los momentos más emocionantes de la historia del Rock and Roll. Si a esto añadimos que uno de los coautores de la canción es Bo Diddley, uno de los inspiradores de este blog, y que además ha sido interpretada, entre otros muchos, por favoritos particulares de la talla de Johnny Thunders o Buddy Holly, “Love is Strange” es la canción perfecta y definitiva.

“Love is Strange” también se ha trasladado a la gran pantalla casi siempre para dar un mayor énfasis a explosivas aventuras sentimentales abocadas al fracaso, pero con una intensidad equivalente a muchas vidas. Mis pelis favoritas donde aparece la canción son “Casino” de Scorsese (1995), en concreto cuando Sam (Robert de Niro) se encuentra por primera vez con Ginger (Sharon Stone); pero es en “Badlands” de Malick (1973) cuando “Love is Strange” cobra pleno sentido. "Badlands" cuenta el suceso real de la huída de Kit (Martin Sheen) y Holly (Sissy Spacek) por las “Malas Tierras” de Dakota del Sur, en una desgarradora historia real de violencia, tierras yermas y asesinatos en serie, pero por encima de todo se trata de una emocionante, breve pero intensísima historia de amor donde solo existe el presente, y que ha inspirado al mejor y más oscuro Bruce Springsteen (el de “Darkness on the Edge of Town”).

Disfrutad “Love is Strange” en este año 2009 tan difícil como esperanzador

Love, love is strange
Lot of people take it for a game
Once you get it
You'll never wanna quit (no, no)
After you've had it (yeah, yeah)
You're in an awful fix
Many people
Don't understand (no, no)
They think loving (yeah, yeah)
Is money in the hand
Your sweet loving
Is better than a kiss
When you leave me
Sweet kisses I miss

[MICKEY:]
Silvia...

[SILVIA:]
Yes Mickey?

[MICKEY:]
How do you call your loverboy?

[SILVIA:]
Come 'ere loverboy!!

[MICKEY:]
And if he doesnt answer?

[SILVIA:]
Ohh loverboy!

[MICKEY:]
And if he STILL doesnt answer?

[SILVIA:]
I simply say
Baby,
Oohh baby
My sweet baby
You're the one

[TOGETHER:]
Baby,
Oohh baby
My sweet baby
You're the one

La versión original de Mickey & Sylvia, y de regalo la cara B del single, "I'm Going Home"

La maravillosa versión que hizo Buddy Holly del tema

Wild Soul Music

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 17 Dec 2008 23:59:25 PST

"Si supiera que el mundo se acaba mañana, yo, hoy todavía, plantaría un árbol"
(Martin Luther King)

En muchas ocasiones los insustanciales álbumes en directo son un mero trámite para cumplir con las obligaciones contractuales de la discográfica, para hacer caja o simplemente para cerrar una etapa a base de tocar los “grandes éxitos” sin aportar relevancia al producto. Claro que siempre hay excepciones: el incendiario primer LP de MC5, “It's alive” de Ramones, “Get Yer Ya-Ya's Out!” de los Rolling Stones... Por el contrario, con el Soul la situación es distinta, es un música salida de las entrañas, con sus canciones para llorar y reír, amar y gozar, pero sobre todo es un género capaz de todo, incluso de eliminar barreras en las peores épocas de segregación racial. El Soul es una música capaz de hacer vibrar a todo el mundo independientemente de sexo, raza, religión o posición social. Cuando hablamos de música Soul no hay que pensar, solo dejarse llevar y sentir el ritmo de una música más viva que cualquier otra.

Volviendo a los discos en directo, el Soul desde sus inicios ha generado excelentes muestras de sentimiento, pasión e intensidad en cada uno de los surcos de los vinilos, e incluso algunos de ellos forman parte de lo mejor que grabaron algunos de los autores clásicos del género. He aquí algunos de los discos en directo más recordados a lo largo de los años:

Sam Cooke quizás sea el cantante de Soul más influyente en la historia de este género. Desde que a principios de los 50 comenzó su andadura gospel en The Soul Stirrers, pasando por su etapa en Keen y su enorme éxito comercial en RCA, hasta su muerte en 1964, todo lo que grabó Cooke fue intachable. Preciosas canciones arregladas con suntuosas secciones de cuerda y vientos, con esa portentosa y versátil voz capaz de convertir temas propios de Gospel y Rhythm and Blues en memorables piezas de POP clásico inundadas de un fuerte romanticismo, y siempre aptas para el baile. En directo Sam Cooke era bien distinto, los deliciosos arreglos se suprimían en favor de un sonido más primitivo e intenso, como muy bien reproduce el espectacular “Live at the Harlem Square Club, 1963” publicado en 1985. Aquí no hay fisuras, no hay altibajos, la suave caricia de Sam Cooke se convierte en una bofetada de sudor frío lleno de vida, público y artista conectan a la perfección, la música es una celebración de júbilo y alegría de vivir, algo así como un acto pagano de música gospel lleno de electricidad.

James Brown, llamado también “Mr. Dynamite”, fue tan influyente como Sam Cooke, y desde el principio destacó por ser el mayor currante del show-business gracias a sus inflamables conciertos. “Live at the Apollo” (1963) junto con sus Famous Flames es una buena muestra, que por cierto, muchos hablan de este trabajo como el mejor disco en directo jamás publicado. El álbum alcanza cotas de una intensidad sobrecogedora con la banda de 13 músicos en permanente estado de gracia, y James Brown interpretando sus mayores éxitos de la época, pero sobre todo unas baladas de Gospel-Blues que las alarga hasta el paroxismo. Entre “I'll go crazy” y “Night train”, que marcan el inicio y final respectivamente, la intensidad no decae ni un solo segundo, pero el momento en que une “Lost someone” y “Please, please, please” es simplemente apoteósico.

Otis Redding, orgullo de Macon y alma de la Stax, empezó siendo un simple imitador de Little Richard, pero al poco tiempo, partiendo del norte trazado por los antes citados Sam Cooke y James Brown, supo construir su propio estilo a base de memorables canciones y discos que marcaron una época. En 1968, al año siguiente de su muerte, se publicó a título póstumo “In person at the Whisky a go-go”, directo grabado durante 1966, en su época de mayor esplendor. Otis tiene alma de carbón que arde a base de sudorosa pasión, y su banda es la chispa que lo provoca con una base rítmica y sección de vientos apabullantes. En esta ocasión Otis no contó con los habituales Booker T and the MG's y los Memphis Horns, pero vistos los engrasados resultados tampoco se les echa en falta. Otis se comunica a la perfección con su banda y público gracias al lenguaje del alma, y emotivas piezas como “These arms of mine” o “Any ole way” son como una caricia para los sentidos.

Enlazando con Otis Redding, en 1967 Aretha Franklin consiguió un éxito enorme con “Respect”, original de Otis, pero más allá de “Respect”, Aretha es autora de algunos de los momentos más inspirados de la música Soul también recogidos en un álbum en directo. En 1971 Aretha Franklin actúo durante tres días consecutivos en el Fillmore de San Francisco, y poco después estas actuaciones fueron recopiladas en el disco “Live at the Fillmore West”. Según cuenta la propia Aretha, antes de estos conciertos sentía cierto recelo de si su música conectaría con la generación Hippie de San Francisco, pero finalmente las tres noches fueron un rotundo éxito. Con gente en la banda como King Curtis, los Memphis Horns, Billy Preston e incluso el mismísimo Ray Charles como invitado especial, está claro que Aretha solo podía ganar. Pero por encima está la voz de la diva que brilla y se eleva en cada canción, ya sea con sus exquisitos temas propios (“Don't play than song”) o fantásticas versiones de Beatles o Stephen Stills que las transforma haciéndolas suyas.

Por último, aunque no en importancia, Etta James editó en 1963 un disco en directo llamado “Rocks the house”, y aunque puede que no sea tan relevante como los anteriores a nivel mediático, para mí es una debilidad personal. En los años 50 Etta comenzó su carrera con una combinación volcánica de Gospel, Rhythm and Blues y Rock and Roll, para posteriormente, a principios de los 60, dar un giro estilístico con baladas orquestadas con un fuerte componente Pop, pero en 1962 Etta retornó a sus raíces gospel, en su faceta más bailable, con temas como “Something's got a hold on me”, que es un claro antecedente de la música Soul. “Rocks the house” presenta una banda de bar de 5 componentes tan modesta como efectiva, pero que rueda de maravilla, y sobre todo es el vehículo perfecto para llevar a buen fin el rotundo show de Etta James. El repertorio lo componen algunas de sus canciones más conocidas (memorable “Seven days fool”) , pero sobre todo versiones de Ray Charles, Jimmy Reed, BB King o Willie Dixon que Etta James lleva a su terreno. Improvisa con sus gruñidos e inflexiones en la voz, hace partícipe al público llevándole por donde quiere sin artificio alguno, y cada vibrante minuto del disco es una auténtica fiesta, haciendo de este trabajo uno de los más divertidos y enérgicos del Soul y del Rhythm and Blues.

The Zeros

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 11 Dec 2008 23:41:50 PST

“El Punk no está muerto, simplemente ha cambiado. El Punk es más que música, es una actitud que trasciende el tiempo y el espacio.” (Alice Bag)

Retrocedamos a 1976 en el tiempo. Estamos en una pequeña localidad californiana entre San Diego y México. Chula Vista no es exactamente el lugar más excitante, y menos aún si te gusta el Rock and Roll clásico de New York Dolls, Stooges, Velvet Underground, T-Rex o el sixties punk de Standells o Seeds. Este es precisamente el nexo que une a Javier Escobedo, Robert López, Hector Peñalosa y Baba Chenelle, o lo que es igual The Zeros, un grupo de adolescentes que los profesores dejan por imposible, considerándoles un “Cero” a la izquierda.

“Esos chavales mejicanos con botas puntiagudas”, como les nombraba el mismísimo Tom Waits, que sienten auténtica devoción por el clásico de Standells “Sometimes good guys don't wear white”, dan sus primeros conciertos en zonas fronterizas próximas a Tijuana, pero más adelante gracias al hermano de Javier, Alejandro Escobedo (¡enhorabuena por superar tú grave enfermedad!), en aquella época guitarrista de grupo punk The Nuns afincados en San Francisco, les pone en contacto con los hoy legendarios The Nervers, y estos consiguen a The Zeros múltiples “bolos” por los clubs de Los Angeles. En 1977 comparten escenario con los propios Nervers, X, The Germs, The Weirdos y todos esos maravillosos grupos de la primera escena punk de L.A.
También tocaron bastante por la bahía de San Francisco, e incluso en una ocasión la mismísima Patti Smith tocó con ellos “Waiting for the Man” de la Velvet, no está nada mal para unos chavales que tenían que volver cada noche a Chula Vista para atender sus obligaciones escolares.

En esa misma época Greg Shaw de Bomp! Records ve actuar al grupo en un club de L.A., y rápidamente les ofrece la oportunidad de grabar. Por desgracia en sus tres años de existencia, The Zeros grabaron solo 3 singles, ¡pero que singles!. Buenísimas canciones tocadas de maravilla, con entusiasmo y urgencia, pero sobre todo consiguiendo un sonido con un poso de frescura acorde a los 16 añitos que tenían por entonces. Temas como “Don't push me around”, “Wimp” (con ese riff que te rebana los sesos), “Wild Weekend” o “Beat your Heart out” son himnos que siguen conservándose frescos cual lechuga recién arrancada del huerto.
The Zeros nunca grabaron un LP completo, pero en 1991 Bomp! editó “Don't push me around” que contiene los tres singles al completo, más canciones inéditas sin tacha alguna (incluso “Cosmetic Couple” pese a las deficiencias técnicas es maravillosa). En definitiva, un disco que no debería faltar en la discografía de ningún “gamberro como nosotros”, y si no lo tienes, ¿A que esperas?

Tras la separación de The Zeros cada componente inició su carrera en solitario: True Believers, El Vez (The Mexican Elvis) o Flying Color son solo algunas bandas de esta maravillosa saga, y todas ellas de una calidad incuestionable. En los noventa la formación original de The Zeros se reunió de nuevo, tocaron por España e incluso grabaron un nuevo disco que no está nada mal (“Knocking me dead”). Ya sabéis como son las cosas, “quién tuvo retuvo”.

Lou Reed

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 25 Oct 2009 15:10:12 PDT

Siempre he sentido una profunda admiración y respeto por Lou Reed y las múltiples máscaras que han disfrazado su música y su personaje a lo largo de su extensa trayectoria. Con tan solo 16 años Lou Reed comenzó a grabar con su grupo The Jades, pero su voz nasal era diferente, quizás no alcanzara la belleza de todos aquellos grupos de Doo Wop que tanto admiraba, pero ya por entonces brillaba como un prolífico compositor de canciones Pop, y entre 1958 y 1965 trabajó a destajo como compositor de la casa para el sello Pickwick.

Hasta aquí nada fuera de lo común, pero en 1964 Lou forma junto a John Cale, Sterling Morrison y Angus Maclise una banda de nombre The Primitives, que fue la antesala de la mítica Velvet Underground. En 1965 Moe Tucker sustituye a Maclise y la formación clásica de los Velvet se consolida.

En 1965 las temáticas sobre el uso y abuso de drogas duras, decadencia, sadomasoquismo y sexo salvaje eran prácticamente inéditas en el ámbito de la música Pop. Lou Reed fue el primero en introducir tales temas de forma explícita a través de sus canciones. Mientras unos escandalizados medios de comunicación de la época se llevaban las manos a la cabeza, el visto bueno de los círculos más “Arty” de Nueva York no se dejó esperar, y pronto la Velvet se convirtió en el grupo mimado del rey del “corta y pega” Andy Warhol: primero participaron en el EPI, una especie de espectáculo donde se combinaba la música de la Velvet con luces estroboscópicas. Posteriormente Warhol les financió su primer LP, el famoso “disco del plátano”, grabado junto a la modelo, actriz y musa de origen alemán Nico.

La Velvet entre 1966 y 1970 grabó cuatro discos oficiales imprescindibles, tan bellos como decadentes, tan admirados como controvertidos, plagados de música pasional y directa a las entrañas, tan vigente hoy como hace cuarenta años; y aunque hoy esos discos figuran en las listas de “lo mejor” de publicaciones políticamente correctas, y hace tiempo han sido asimilados por el gran público, lo cierto es que temas como “Waiting for the man”, “Heroin”, “Sister Ray”, “The Gift”, “What goes on”, “Some kinda love”, “Sweet Jane”, “Rock and Roll” y tantos otros, siempre formarán parte del universo del Rock and Roll más intenso, visceral y lleno de asombrosos contrastes.

Una vez disuelta la Velvet Underground, Lou Reed inicia una extensa carrera en solitario, que en mi caso es difícil valorar con objetividad, ya que incluso sus momentos más bajos me gustan. A lo largo de su extensa trayectoria Lou Reed ha sabido reinventarse a sí mismo en cada disco: En “Transformer” (1972) sin pretenderlo encabezó, junto con Bowie, el ambiguo movimiento Glam y pasó a la historia con su parada de los monstruos particular en la inmortal “Walk on the wild side”; el impactante “Berlin” (1973) cortó de un plumazo el éxito comercial de “Transformer”, en un depresivo disco que contaba la terrible historia de Jim y Caroline con imágenes de dolor, muerte y toxicomanías varias. “Sally Can’t Dance” (1974) presentaba a Lou como un irascible “Speed freak” que vivía excelentes momentos de popularidad, siempre al borde del abismo, pero aún capaz de grabar conmovedoras canciones como “Billy”. En 1975, cuando estaba en pleno auge comercial, publicó “Metal Machine Music”, un absurdo doble LP lleno de acoples, “feedback” y distorsión donde Reed se mofó de la industria discográfica en pleno (“¿No queríais un disco de guitarras?”), y el emergente movimiento Punk neoyorquino le aupó como su padrino.

En 1976 publicó “Coney Island Baby”, uno de sus discos más maduros y repleto de memorables canciones de amor, pero también las drogas y violencia tienen su hueco (“Kicks”). Tampoco le importó sacar a relucir su profundo amor por los sonidos “negros”, ya sea con la orientación Soul de su doble LP en directo “Take no prisioners” (1978), o los sonidos más Free Jazz de “The Bells”, todo un canto a la “tierra de los Valientes” que hartos de esta vida deciden salir por la puerta de atrás.

Los años 80 comienzan bien para un maduro Lou Reed: abandona los malos hábitos adquiridos por cortesía del alcohol y la meta anfetamina, y sobre todo encuentra el verdadero amor. Estos buenos acontecimientos se reflejan en sus siguientes discos, con un Lou Reed que se presenta como un tipo normal y corriente. Especialmente recomendable es "The Blue Mask" (1981), sólido trabajo donde vuelve a sus raíces clásicas de Rock and Roll gracias a la colaboración del fantástico Robert Quine como segundo guitarra, con canciones que versan sobre amor, pero también dolor y miedo actúan como contrapunto. Aunque todos los discos de este hombre tienen su miga, hay que reconocer que trabajos como “Legendary hearts”, “New Sensations” o “Mistral” no están a la altura de su gran talento, y no es hasta 1989 cuando Lou Reed resucita creativamente con “New York”. Todo un canto de cisne a su amada ciudad a ritmo de Rock and Roll (al igual que “The Blue Mask” posee la clásica estructura de dos guitarras, bajo y batería), plagado de asombrosas viñetas callejeras. “Songs for Drella” (1990) continúa la racha, esta vez rinde homenaje a Andy Warhol junto con su antiguo compañero John Cale de los tiempos de la Velvet Underground. El filón Reed no se agota, y en 1992 publica el desgarrador “Magic and Loss”, una demoledora obra conceptual que versa sobre la muerte pero no exenta de esperanza, pero sobre todo es el mejor homenaje que Reed podía hacer a dos buenos amigos fallecidos en un breve intervalo de tiempo: el mítico compositor Doc Pomus y Rotten Rita que Lou conocía desde los tiempos de la Factory de Warhol allá en los años 60.

En los ultimos tiempos Lou Reed ha seguido publicando discos llenos de buenos momentos: “Set the Twilight Reeling” (1996), “Ectasy” (2000) y sobre todo un bonito tributo a su ídolo Edgar Alan Poe, “The Raven” (2003), donde pone música a cuentos y poemas del atormentado escritor. En el 2008 Lou Reed está por encima del bien y del mal, y dado su estatus, trayectoria y toda una vida consagrada a la música, puede permitirse hacer lo que le venga en gana, y el año pasado editó un disco de relajación (¡¡¡!!!), “Hudson River Wind Meditations”, que da auténtico pavor, y personalmente me veo incapaz de hincarle el diente. Este año ha editado un directo interpretando “Berlin” al completo más alguna sorpresa, pero está claro que actualmente la principal prioridad de Mr. Lou Reed no es la música, pero no dudo que tarde o temprano mueva ficha y nos vuelva a sorprender a todos.

Aprovechando el tirón de Lou Reed, en 1974 ya disuelta The Velvet Underground, se editó un doble LP en directo ("1969 The Velvet Underground live with Lou Reed") que recopilaba grabaciones en directo de la Velvet durante 1969, que a pesar de no gozar de un sonido perfecto, para mi constituye uno de los mejores documentos en directo que se han publicado. Las emocionantes notas interiores del disco corrían a cargo del imprescindible Elliott Murphy, o lo que es igual "La última de las estrellas de Rock and Roll". Paso a reproducirlas, espero que os guste:

Han pasado 100 años desde hoy, y todo el mundo que está leyendo esto está muerto. Algún chaval está impartiendo clases de música en el instituto, y quizás esté escuchando a la Velvet Underground porque tiene que escribir un trabajo sobre Rock and Roll clásico, y me pregunto que pensará ese chaval.

Me gustaría que inventaran una máquina que pudiera descifrar los grandes secretos de cada uno, los tuyos, los míos y los de Lou Reed. La diferencia entre las películas y el Rock and Roll es que el Rock and Roll no miente. Nunca promete un final feliz. Tengo que decir que la Velvet Underground compuso y tocó música triste. Cuando los escucho, pienso en la gente que no volveré a ver de nuevo. Esa es la historia del mundo del arte. Van Gogh se cortó una oreja, y sus padres firmaron permisos para visitar los museos.

La Velvet Underground han debido asustar a mucha gente. Que pasa por la cabeza de una madre cuando pregunta a su hija de 15 años, “¿Cómo se llama la canción que estás escuchando?”, y su hija contesta “Heroin”.

Desearía haber escrito esto hace 100 años. Entonces, escribiría acerca de música hecha por gente muerta. Habría un principio y un final. Tal y como estamos ahora, no se donde encaja este disco. Creo que toda la gente de este disco hoy están vivos. Se que al menos uno de ellos continúa en activo. No se si este disco se considerará una de las mayores o menores contribuciones de Lou Reed. ¿Qué será obligatorio escuchar en esa clase de Rock and Roll clásico?

Pienso que este disco es gran Rock and Roll, Creo que Alexander the Great, Lord Byron, Jack the Ripper, F. Scott Fitzgerald, Albert Einstein, James Dean, y otras estrellas del Rock and Roll estarían de acuerdo conmigo.

Quizás es 1969, y algún chaval pide el coche prestado a sus padres y conduce hacia la ciudad y hace cosas que nunca había hecho antes y llega tarde a casa y se mete en líos, pero no importa porque sabe que nunca volverá a ser el mismo. (Eso es de lo que trata este disco).

En el Rock and Roll la gente tiende a vivir al límite (Eso es de lo que trata este disco).

El Rock and Roll siempre ha sido y todavía es una de las pocas cosas honestas de este mundo (Eso es de lo que trata este disco).

Podría analizar cada canción una por una, pero se echaría a perder toda la diversión y la química. Espero que algún día se enseñe historia del Rock and Roll. Espero que la música de este disco esté entre los elementos más importantes de esa clase. Espero que los padres sigan asustándose cuando encuentren a sus hijos escuchando esta música.

Desearía estar a 100 años de hoy. (No puedo soportar el suspense).

The Scientists, "Swampland"

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 16 Nov 2008 23:34:05 PST

Por aquí ya es conocida la fijación por los sonidos procedentes de las antípodas. Dicen que el mejor Rock and Roll procede de USA e Inglaterra, esta afirmación queda en entredicho al escuchar la buena música que se ha generado (y aún se hace) en el continente australiano. La causa de este curioso hecho daría para un extenso estudio, pero dejando al lado hipótesis y pensamientos, Australia es una mina de oro de excelentes bandas dignas de explorar y reivindicar.

Hace escasos meses, el sello Bang! Records, especializado sobre todo en Rock and Roll australiano de alto voltaje, sacó al mercado un doble LP de The Scientists que recopila grabaciones de su mejor etapa, que va del 82 al 83, caracterizadas por una intensidad fuera de lo común, caminando siempre por el alambre de la música más corrosiva y nihilista, pero siempre partiendo de la tradición del Rock and Roll clásico hasta convertirse en una personalísima e influyente fuente de inspiración.

El germen de The Scientists comienza en Perth en 1976 con una banda de Protopunk de nombre The Cheap Nasties liderada por un joven Kim Salmon. Poco se sabe de esta banda, aparte de ser el primer grupo de Punk que surgió en Perth, y que sus influencias musicales se inclinaban por grupos americanos como Modern Lovers, Ramones, y espcialmente Stooges y New York Dolls.

En 1978 nace la primera encarnación de los Scientists con Kim Salmon y James Baker. A pesar de mantener sus influencias Punk intactas, también hay elementos del Pop más clásico de los 60. Esta combinación estilística da lugar a un giro más Power-Pop en su sonido, y como resultado, entre 1979 y 1980 el grupo edita una serie de singles de altísima calidad. Temas como “Frantic Romantic” o “Last Night” lo demuestran. En 1981 se publica el primer LP del grupo, pero por desgracia, aunque el contenido es excelente, el disco suena vacío y se echa a perder el sonido enérgico de la banda. Esto propicia la disolución del grupo, James Baker se marcha a Hoodoo Gurus y Kim Salmon, como veremos más adelante, volverá con más fuerza.

Paralelamente a la disolución de los primeros Scientists, Kim Salmon descubre a los Cramps y quiere orientar su nuevo sonido en esa dirección, pero no en el sentido del Rockabilly que practican, lo que fascina a Kim Salmon de los primeros Cramps, es su visión salvaje y primitiva de la música, la misma que tienen los grandes Bluesmen del Delta o el Punk electrónico de Suicide. Es como si Salmon se preparara para un viaje de regresión a la Edad de Piedra del Rock and Roll en busca de una primigenia intensidad teñida de un malsano nihilismo y salpicada de las peores vibraciones.

Pero este viaje hacia las rutas salvajes de la música no hubiera sido lo mismo sin sus protagonistas directos. En esta ocasión a Kim Salmon (guitarra y voz) le acompañan Brett Rixon (batería), Boris Sujdovic (bajo) y Tony Thewlis (guitarra). Cuatro personalidades musicales únicas donde cada miembro tiene su papel fundamental en el grupo. Las guitarras de Salmon y Thewlis se acoplan a la perfección tejiendo una compleja tela de araña repleta de acoples y distorsión, pero no exenta de melodía, quizás no en el sentido del Pop más ortodoxo, pero la melodía siempre está ahí (el grupo americano Television fue otra gran influencia). Por otra parte, la batería de Rixon y las dos maravillosas notas de Sujdovic al bajo, son el medio perfecto para llevar a cabo todas las ideas de la alterada mente de Salmon.

El disco que nos ocupa (de título “Swampland”) se centra en esta segunda formación de los Scientists. Un doble LP de tirada limitada a 1000 copias con 21 temas que nos conducen por los pantanos del infierno, extensos ríos de sangre y alucinados mundos donde los sicotrópicos son alimento vital, y la única salida posible es el fuego abrasador. Adentrarse en incandescentes piezas como “Set it on fire”, “Burnout”, “Solid gold hell”, “Nitro” o “Fire Escape” no es plato fácil, y menos aún dejarse llevar por hipnóticos Blues pantanosos como “Swampland” o “Blood Red River” con esa maldad insana en perfecta sintonía con los tiempos que corren. En “The Spin” Kim Salmon y compañía no disimulan su devoción por los Stooges de “Funhouse” con esos alaridos infernales, también presentes en “Revhead”, un viaje al mismísimo núcleo de la locura en deuda con Suicide.

Para el que conozca la obra de Scientists, este doble LP tiene el aliciente de contener 8 temas en directo nunca publicados anteriormente, y al igual que el resto de su obra no tienen desperdicio.

Continuando con la historia del grupo, en 1984 cambian su lugar de residencia a Londres y siguen publicando grandes singles, pero debido a problemas de visado, algunos miembros del grupo se ven obligados a volver a Australia, y finalmente solo quedan Salmon y Thewlis al frente. De nuevo The Scientists dan un giro radical a su música siguiendo unos esquemas más “ruidistas” y experimentales, plasmados en “Human Jukebox” de 1987 (según Salmon su mejor trabajo), pero al poco tiempo el grupo se separa definitivamente. Thewlis forma The Interstellar Villains, y Salmon The Surrealistics (con Brian Hooper y Tony Pola de The Beasts of Bourbon). En 1993 Brett Rixon fallece de sobredosis, una lástima teniendo en cuenta que grupos tan en boga en aquella época como Mudhoney o Jon Spencer Blues Explosion se les llena la boca cantando las “bondades” de Scientists, lo cual propicia una reunión de la formación clásica de los Scientists (evidentemente sin Rixon) en el nuevo milenio, pero me temo que poco queda de la combustión espontánea de principios de los 80.

The Ramones, "End of the Century"

noreply@blogger.com (Pepo) — Mon, 03 Nov 2008 07:49:55 PST

Los Ramones siempre han ocupado un lugar importante en mi corazón, e imagino que en el de cualquiera que le guste minimamente el Rock and Roll. Los Ramones me traen a la cabeza muy buenos recuerdos, desde que en tiempos del instituto un amigo me prestó su copia de “too tough to die” que escuchaba de continuo, han pasado muchos años. Después llegaron los gloriosos primeros discos del grupo: “Ramones”, “Leave Home”, “Rocket to Russia”... y en definitiva, mientras iba escuchando nuevas bandas, siempre quedaba un hueco para Ramones y su atemporal visión de la música; y después de tanto tiempo me sigo aplicando una buena dosis de Ramones cada poco tiempo. No podía ser de otra manera porque Ramones, bajo la coraza de acelerado grupo de Punk-Rock se esconde una banda de Pop Clásico, para mí a la altura de los nombres más grandes, desde Stooges hasta Seeds, desde los Stones a los Beach Boys, pasando por los grupos de chicas de la factoría Spector. Sin lugar a dudas para mí los Ramones representan la quintaesencia, de la música Punk y del Rock and Roll más inocente, una música más pasional que técnica, pero sobre todo centrada en la canción. Después de tanto tiempo temas como “Swallow my pride”, “Sheena is a punk rocker”, “I wanna be your boyfriend”, “Happy family” y decenas de golosinas más, siguen rebotando en mi cabeza.

Bien es sabido que el nuevo milenio fue nefasto para los Ramones: Joey nos dejó para siempre en el 2001, Dee Dee en el 2002 y por último Johnny en el 2004. Pero entre medias, en el 2003 se editó una película titulada “End of the century” que trata con extraordinaria lucidez y profundidad la vida y trayectoria de los Ramones. Simplemente para mí uno de los mejores documentales que se ha hecho sobre un grupo de Rock and Roll.

“End of the Century” trata desde los inicios la historia de la banda, un grupo de “outsiders” que de no haber sido por el Rock and Roll, en poco tiempo hubieran sido carne de cañón de psiquiátrico, cárcel e incluso de cementerio. A pesar de que Joey padecía un trastorno obsesivo-compulsivo, Johnny era punto menos que un delincuente juvenil, y Dee Dee sufría un trastorno bipolar y una temprana adicción a la heroína, estas conflictivas personalidades confluyeron gracias a la música: New York Dolls, Stooges, MC5, la música “Garage” y el Pop clásico de los 60 eran sus preferidos.

En el documental se puede ver los primeros tiempos de los Ramones, cuando tocaban para cuatro gatos en el ahora mítico CBGB, y pronto captaron la atención de los círculos más “in”, que los consideraban como una muestra de arte minimalista y “naif”, e incluso muchos no se podían creer que lo que veían fuera de verdad, por la imagen del grupo, su actitud, y sobre todo por ese sonido sencillo y rompedor.

“End of the century” es un retrato agridulce de una de las bandas más influyentes de la música popular desde los años 70. Por un lado, con el advenimiento del punk en Reino Unido, los Ramones, en parte, fueron la mecha que prendieron el movimiento y para muchos grupos la motivación para montar una banda. Su llegada a Inglaterra en 1977 fue espectacular: venta de todas las entradas durante varias noches seguidas, fueron tratados como estrellas, y en definitiva, el futuro para Los Ramones se veía de lo más prometedor. Este hecho contrastaba con la vuelta a América donde estaban abocados a tocar en locales de mediano aforo ante un público mucho más reducido.

Intentaron el éxito con insistencia. A parte de ser unos currantes natos del Rock and Roll a base de continuas giras, los discos que publicaron en los 70 son auténticas obras maestras de urgencia POP. Incluso Seymour Stein (presidente de Sire records) apostó muy fuerte por ellos promocionando “éxitos seguros” como “Sheena is a punk rocker”, pero desgraciadamente en 1978 el movimiento punk estaba en estado terminal y muy mal visto por las radio fórmulas y los medios de comunicación en general, hecho que afectó también a los Ramones y a su desarrollo comercial.

A partir de aquí, desde el 79, una vez conscientes de que jamás lograrían el merecido éxito y reconocimiento, los Ramones lo único que podían pretender es seguir haciéndolo lo mejor posible a base de estupendos discos y anfetamínicos conciertos. Los años 80, según cuentan en “End of the century” fueron duros. A pesar de su enorme influencia, su Punk-Pop pegadizo no estaba en sintonía con los sintetizadores y los pelos cardados en boga en aquella época, y a partir de “too tough to die” endurecieron considerablemente su sonido. Aún así, aunque unos discos son mejores que otros, para mí todos son trabajos que mantienen un gran nivel de calidad.

Como se suele decir, después de la tempestad viene la calma, y los año 90 fueron mejores. Toda esa nueva generación de grupos de estilo “Grunge” y “Punk” tomaban a Ramones como su base y punto de partida musical, y en países como Brasil (y también España) eran considerados auténticos ídolos de masas juveniles, por unos chavales que vivían en las calles sin expectativas de futuro, que no sabían si vivirían o no para contarlo al día siguiente. En ese contexto las canciones de los Ramones ejercían como válvula de escape para salir de la cruda realidad, y un espejo donde mirarse.

A pesar de generarse un nuevo interés por los Ramones, ya eran demasiados años de convivencia y fricciones, y más teniendo en cuenta que entre ellos casi ni se hablan. El primero en desertar en 1989 fue el entrañable Dee Dee, bajista y autor junto con Joey de buena parte de los himnos del grupo. Finalmente en 1995, tras la publicación del último disco “¡Adios Amigos!” los Ramones ponen fin a una gloriosa carrera plagada de momentos inolvidables, convirtiéndose en un grupo que para cualquiera que ame el Rock and Roll se antoja imprescindible, porque los Ramones como pioneros fueron la auténtica esencia de esta música.

Back from the grave

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 10 Sep 2008 00:28:21 PDT

No cabe duda que los años 60 fueron una de las grandes épocas en la historia del Rock and Roll, pero vayamos un poco más atrás. En USA una vez que amainó la tormenta provocada por la llegada del primer Rock and Roll en los 50, con Elvis, Buddy Holly o Gene Vincent como algunos de los abanderados, desde principios de los 60 la furia de bandas y solistas también fue a la baja. Los jóvenes ídolos y edulcorados grupos tan de moda por entonces, estaban demasiado lejos de alcanzar el nivel de intensidad de los primeros rockers, y menos aún de los clásicos del Blues más primitivo, pero en 1963 los grupos de Rock and Roll instrumental recuperaban la rabia y urgencia de los viejos tiempos a base de guitarras llenas de eco y distorsión. La música Surf se extendió rápidamente por el país.

Paralelamente, en el Reino Unido en la primera mitad de los 60, un grupo de jóvenes locos por los sonidos del primer Cliff Richard, Johnny Kidd and the Pirates, el Skiffle (estilo acústico basado en el Blues y Folk), también descubrieron los increíbles sonidos negros procedentes de USA: Blues de Chicago, Rock and Roll de Nueva Orleans, Soul de Memphis y de Detroit, etc. Pero estos rostros pálidos no eran una mera calcomanía de sus modelos afro americanos, a partir de sus divinas enseñanzas desarrollaron su propio estilo con un sonido dinámico y accesible, igualmente deudor del enorme instinto Pop de Buddy Holly o Everly Brothers.

En 1964 The Beatles publicaron “A hard days night” consiguiendo escalar no solamente los primeros puestos de las listas británicas, también triunfaron a lo largo y ancho de los USA, cosa que desde la fiebre Elvis no se había visto. La juventud americana se vuelve loca y puso todos sus sentidos en los sonidos procedentes del Reino Unido: Rolling Stones, Yardbirds, Small Faces, Who, Kinks, Pretty Things, Them, Troggs, etc. El resultado fue la aparición de miles de bandas influidas por el boom británico, algunas muy conocidas, otras moderadamente conocidas que hoy han logrado el status de “grupo de culto”, y otras absolutamente anónimas que en su momento grabaron uno o dos singles con un reducidísimo número de copias para familiares y amigos.

Entre 1965 y 1968 en USA se extendió el Rock de Garage como una maravillosa enfermedad venérea, miles de grupos deudores de los sonidos del otro lado del pacífico, pero también de la música Surf de principios de los 60, y de clásicos ancestros musicales como Chuck Berry, incluso Bob Dylan y sobre todo Bo Diddley. Se dice que en esta época el 65% de la juventud norteamericana estaba en una de esas bandas de Garage, género caracterizado por la escasez de medios económicos y técnicos, pero con toneladas de entusiasmo y actitud. Canciones sencillas tocadas con rabia, furia y un sonido atronador con la mirada puesta en distorsionadas guitarras, baterías propulsadas por un sencillo ritmo 4x4, órganos Farfisa y cantantes poseídos por el mismo demonio. Los componentes de estos conjuntos eran exageradamente jóvenes, la edad media estaba comprendida entre 12 y 18 años, y en raras ocasiones superaban la mayoría de edad. Casi todos estos efímeros grupos pasaron sin pena ni gloria, pero muchas de las grabaciones que han perdurado han quedado como parte importantísima de la historia del Rock and Roll. Algunos hablan de música de serie Z de escasa calidad, otros pensamos en el auténtico espíritu y esencia del Rock and Roll tan difícil de expresar con palabras. Simplemente escucha.

Si avanzamos en el tiempo, en los primeros años 80 un individuo de nombre Tim Warren, un chiflado de los crudos sonidos de Garage y posterior fundador del imprescindible sello Crypt records, se decide a viajar por todos los Estado Unidos con el objetivo de elaborar una serie de discos recopilatorios que reúnan algunas de estas desconocidas bandas. Hoy con internet las cosas serían mucho más sencillas, pero hace 25 años Tim Warren únicamente disponía de un destartalado coche y toneladas de ilusión por desenterrar algunas de las mayores joyas de los años 60. ¿Música de raíces? Sin ninguna duda.

“Back from the Grave”, así es como se llama esta serie de discos recopilatorios, que entre 1983 y 1994 exhumó un numeroso grupo de bandas adolescentes procedentes de todos los rincones de USA. Sorprendentemente estos grupos en permanente estado de descomposición no suenan caducos ni desfasados, por el contrario, hoy día su música está llena de energía y urgencia juvenil, y es todo un bálsamo para hacer frente al anodino panorama musical actual, y conviene administrarse una buena dosis por vía auditiva de manera regular para renovar la fe en el auténtico poder del Rock and Roll sin adulterar, y de paso destaponar los oídos. Recopilaciones de este tipo ya se hicieron anteriormente, pero mientras que series como “Nuggets” y “Pebbles” reunían un abanico más amplio de grupos y estilos (Sicodelia, Sunshine Pop, Garage-Fol.k, Mersey Beat, Sixties Punk...), los “Back from the Grave” inciden en el aspecto más ruidoso y Punk de la música de Garage, con sus grupos deudores del Rhythm and Blues británico, pero al mismo tiempo con un sonido único propulsado por guitarras fuzz y los amplis a punto de reventar, dotando a esta colección de discos de una sólida cohesión.

Los 8 volúmenes de “Back from the Grave”, en mi opinión, hay que considerarlos como un “todo”. Vale que individualmente los grupos incluidos no se pueden comparar con los grandes de los 60 que todos conocemos, pero el resultado de las pequeñas partes suman una trascendente obra maestra a la altura de los mejores. Quizás los discos de “Back from the Grave” no aparezcan en enciclopedias ni en ninguna lista de “lo mejor”, pero en el corazón de Rock and Roll de muchos de nosotros siempre ocuparán un lugar importante. Son canciones compuestas de ese extraño ingrediente que provocan en el oyente inquietantes sensaciones, canciones que poseen una contagiosa energía que no actúa como mera música de fondo, irremediablemente esas canciones acaparan toda la atención y sin darse cuenta, uno se siente impulsado a subir más y más el volumen del stereo, hasta que un molesto y sufrido vecino con cara de pocos amigos se presenta en tú casa para decirte que bajes la música.

En cuanto al contenido de estos discos es material de primera, mierda pura de la mejor. Olvídate de un sonido perfecto, de tediosos desarrollos instrumentales, de amor, paz y buenas vibraciones. Aquí lo que prima es rabia, inconformismo adolescente y agresividad, pero también estas bandas expresan sus frustraciones y confusiones en canciones de 2 minutos, grabadas con paupérrimos medios técnicos y económicos, pero con un grado de expresividad único, fiel reflejo de lo que piensan y sienten estos chavales, pero siempre bajo la premisa de la diversión como válvula de escape.

Los 8 volúmenes de “Back from the grave” son excelentes, para mí no existe un disco mejor que otro, todos están repletos de pequeños clásicos, algunos más conocidos por versiones de grupos más actuales (Cynics, Fuzztones, Lyres, Chesterfield Kings, Tell Tale Hearts...), y otros no tanto pero igual de buenos o más. Personalmente quizás tenga más cariño al volumen 7 (al igual que el 8 es doble LP) porque fue el primero que adquirí, pero muchas veces que quiero escuchar uno, cojo el primero al azar.

Aunque lo más importante de esta serie de discos sea la música y sus grupos de curiosos nombres (Tamrons, Wyld, Rats, Children of Darkness, Royal Flairs, Bryds, The Painted Ships, Bugs...), también destacan las portadas de cada uno de los 8 volúmenes. Toda una obra maestra en el arte de las portadas discográficas, como siempre apreciable en toda su extensión en formato LP. Se trata de hilarantes dibujos llenos de humor macabro, con zombies y esqueletos como protagonistas, unos tocando en grupos mientras otros aplican todo tipo de torturas, vejaciones y ejecuciones a gente tan estimable como Hippies, cachas de gimnasio, traficantes de drogas o fans de Red Hot Chilly Peppers. También destacan la quema y enterramiento de todo aquello que odian nuestros radiantes zombies (MTV, Elton John, Art rock, Woodstock...), por no hablar de frases demoledoras como la que aparece en una esquina del primer volumen (“Jimi & Janis glad ya died”). En definitiva unas portadas deliciosas que uno no se cansa de observar

Aparte de los excelentes dibujos, cada “Back from the grave” contiene fotos de algunos de los grupos, e información de cada tema del disco. Son textos informativos y a la vez escritos con gran sentido del humor, plagados de erratas y faltas de ortografía, a veces ininteligibles. En ocasiones cuentan anécdotas delirantes sobre las bandas, no se sabe si ciertas o falsas, pero siempre divertidísimas. Mi favorita es acerca de un grupo llamado Royal Flairs y su increíble tema “Suicide” (la canción trata de una chica que se suicida a causa de los engaños de su novio, y al final el propio novio decide seguirla y también se suicida). La historia es la siguiente: los Royal Flairs tocaban con frecuencia en un club de Chicago acompañados de go-gos, pero entre el público había una especie de sicópata obsesionado por una de las chicas, y en una ocasión, cuando la chica está en los camerinos, el loco intenta violarla, la chica pide ayuda y acude el cantante de Royal Flairs en su rescate, pero el chiflado tiene una pistola y sin pensarlo dos veces le pega un tiro en la cabeza al cantante de los Royal Flairs. Al final sobrevive, pero el grupo se disuelve a raíz del incidente. Divertido, ¿No?

Para terminar este pequeño artículo, aparte de recomendar encarecidamente los discos de “Back from the grave” de Crypt records, dejo una lista de algunas de mis canciones favoritas de la serie, aunque dicha lista varía continuamente.

Chentelles, “be my queen”

Murphy and the Mob, “Born loser”

Sonics, “Santa Claus”

Unrelated Segments, “Cry, cry, cry”

Rats, “Rats revenge”

Shames, “My world is upside down”

Vestells, “Won't you tell me”

TY Wagner, “Slander”

The Painted Ship, “And she said yes...”

Trojans of Evol, “Through the night”

Dennis Wilson, "Pacific Ocean Blue"

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 28 Aug 2008 11:04:08 PDT

Dennis Wilson fue el hermano mediano de los Wilson y batería de los Beach Boys, uno de los grupos más influyentes de la música popular de todos los tiempos, en una época dorada, los 60, en que Rock and Roll y Pop eran uña y carne, pero posteriormente, a partir de los 70, ambos estilos se distancian, y salvo honrosas excepciones, los grupos o hacían POP o hacían ROCK, y la magia poco a poco se desvaneció, con la consiguiente pérdida de la inocencia de una música que en su día puso el mundo patas arriba a base de enérgicas canciones con la mirada puesta en el estribillo y la melodía perfecta.

The Beach Boys, como es bien sabido, en 1961 fueron de los máximos exponentes de la música Surf, con sus temas que hablaban de soleadas playas californianas, coches y chicas. Pero más allá de “Surfin'”, “Surfin USA” o “Surfin safari”, los Beach Boys fueron auténticos creadores de canciones que alcanzaron el Crepúsculo de los Dioses del Rock and Roll con su clásico “Pet Sounds” de 1966.

Diez años después de la obra magna de Beach Boys, en 1976 su carrera estaba en un punto muerto, seguían vendiendo cientos de miles de discos gracias a recopilatorios de “oldies” (“Endless summer”), pero creativamente sufrían un letargo artístico con mediocres trabajos como “15 big ones” (a pesar de contener algunas estimables canciones). Con este panorama, un Dennis Wilson que siempre había pasado desapercibido parapetado tras la batería, sentía la necesidad de escribir sus propias canciones y volar en solitario, y de la noche a la mañana el espíritu libre de los Beach Boys, el más salvaje, el indolente “punk” que jugueteó con la familia Manson siempre a la búsqueda de la fiesta sin final, pasó de estar eclipsado por el enorme talento de su hermano mayor (Brian), a elevarse como un músico, cantante e interprete único, capaz de emocionar con su ronca voz y sus asombrosas canciones repletas de alegría, tristeza, amor, desamor y en definitiva, canciones repletas de vida.

En 1977 sale a la luz “Pacific Ocean Blue”, no solo el primer LP de Dennis Wilson, también es el primer disco de un Beach Boy en solitario, y el resultado impresiona a la primera escucha. Es un trabajo elaborado, con ricos arreglos, pero al mismo tiempo suena tan fresco y accesible como el disco de Rock and Roll más directo. “Pacific Ocean Blue” se grabó en los estudios del sello Brother (propiedad de los hermanos Wilson) en California, colaboraron viejos amigos y compañeros (su hermano menor Carl Wilson, Greg Jakobson, Bruce Johnston...), Dennis escoge a los mejores músicos de sesión (Hal Blaine de la Wrecking Crew de Phil Spector, Ed Carter, Jamie Jamerson...). Las canciones están llenas de suntuosos arreglos de vientos, percusiones, delicados teclados, e incluso hay un coro gospel que ensalza las canciones. A pesar de todo, los arreglos no abruman, no hay “lifting” musical alguno, y todo suena con una naturalidad apabullante. Son 12 temas que tocan la fibra sensible, desde la inicial “River song” con esas sensibles notas iniciales de piano, la entrada del coro al completo, y la voz de un Dennis Wilson que es un torrente de emoción pura. Más festiva resulta “What's wrong”, sobre una portentosa sección de vientos Dennis, en sus propias palabras, nos hace creer en el Rock and Roll. Con canciones como “Thoughts of you”, una de las mejores bandas actuales como Wilco, venderían su alma al diablo. Aunque Dennis tiene su propio estilo único y verdadero, ha tomado buena nota de su genial hermano mayor Brian Wilson, y “Time” es una buena prueba de ello, de una desnudez y belleza poco frecuentes. En definitiva, todas las canciones tienen su universo propio, crean adicción y muestran nuevos matices en cada nueva escucha, que varían según el cambiante estado de ánimo.

La reedición de “Pacific Ocean Blue”, publicada por Sony Legacy, viene enriquecida con jugosos cortes nunca antes publicados, y un disco extra con el nombre de “Bambu (the Caribou Sessions)”, que incluye las sesiones de lo que se supone iba a ser el segundo disco en solitario de Dennis Wilson, pero por alguna extraña razón nunca vio la luz. Son canciones tan buenas o mejores que “Pacific Ocean Blue”, sin relleno alguno, que muestran a un Dennis Wilson con un profundo amor por la música; en sus propias palabras: “Todo lo que soy o seré está en la música, si quieres conocerme solamente escucha”.

Con trabajos como este da gusto comprar discos. No es una reedición cualquiera, aporta muchísimo valor añadido gracias a la desbordante cantidad y calidad de material inédito incluido, tiene una presentación de lujo con un fascinante libreto sobre la vida de Dennis Wilson y la gestación de “Pacific Ocean Blue”, pero lo más importante es el contenido, emocionantes canciones con un grado de pureza extrema, solo música salida de las tripas y del corazón con un grado de sensibilidad demasiado grande para este mundo.

Volviendo a Dennis Wilson, en 1977 salió a la venta “Pacific Ocean Blue”, y unánimemente fue aclamado por lo crítica especializada. Por este motivo Dennis iba a hacer una gira de presentación del disco, pero finalmente se canceló, exactamente igual que la edición de su segundo disco “Bambu” que nunca vio la luz hasta esta excelente reedición del 2008, que por otro lado, nos muestra un simple boceto de lo que hubiera sido el resultado final del disco de no haber abandonado el proyecto en su día.

En diciembre de 1983, un Dennis Wilson fuera de control y deteriorado físicamente por el abuso alcohólico, al poco de cumplir 39 años murió ahogado accidentalmente en las costas de Los Angeles, a pesar de ser el único miembro de los Beach Boys que había practicado Surf. Es una pena que no se descubriera antes el genial talento de Dennis Wilson, y más aún, que no viviera para contarlo a las nuevas generaciones, pero vivió rápido, murió moderadamente joven y aludiendo a una de sus mejores canciones (“He's a bum”), desgraciadamente al final explotó.

Etta James, primera parte: 1954-1959

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 25 Oct 2009 15:11:36 PDT

Jamesetta Hawkins, alias Etta James, nuestra heroína en esta ocasión, nació en Los Angeles en 1938 , en una época de duros conflictos bélicos (primero fue la Segunda Guerra Mundial y al poco la guerra de Corea). Una vez superadas las guerras y los costosos desembolsos militares, desde mediados y finales de los 40 la economía norteamericana empezó a florecer. Se generan nuevos puestos de trabajo, aumenta la calidad de vida y el poder adquisitivo, y la cultura del ocio toma más relevancia. Más en concreto, en la costa oeste se abren cantidad de clubs de música en directo, y surgen un montón de bandas de Rhythm and Blues. La escena musical de Los Angeles a mediados y finales de los 40 estaba representada fundamentalmente por Louis Jordan, uno de los máximos exponentes de música “Jive”, que no es otra cosa que una forma de Rhythm and Blues mucho más bailable y animado, acompañado por una tórrida sección de vientos deudora de la música Swing de los años 30, con un sonido que es fiel reflejo del optimismo y bonanza que vive la sociedad norte americana en esa época. Aunque Jordan es el artista más popular hay muchos otros: líderes de bandas como Johnny Otis, Roy Milton o Joe Liggins se recorren el país de costa a costa para tocar en multitud de locales. En esta época surgen continuamente nuevas estrellas: Wynonie Harris, Fats Domino, Roy Brown... y por supuesto aparecen los primeros grupos vocales fuertemente influidos por la música Gospel: Clovers, Orioles, 5 Royales...

Con este panorama no es de extrañar que la joven Etta James se sintiera fuertemente atraída por el Rhythm and Blues, pero no es ninguna novata, con tan solo 5 años entra a formar parte del coro de una iglesia baptista de Los Angeles, y tiene como mentor y maestro al profesor James Earle Hines, cantante gospel de posguerra que graba para la discográfica independiente Modern Records. En 1950 desgraciadamente muere la madre adoptiva de Etta, y se traslada a vivir a San Francisco donde reside su madre natural, Dorothy Hawkins, de origen afro americano que tuvo a Etta James con tan solo 14 años.

Etta lo tenía claro, desde la primera vez que escuchó los discos de su adorada Billy Holiday quería ser cantante profesional. También se sentía inclinada hacia el estilo gospel de Sister Rosetta Tharpe, y sus característicos gritos acompañados por su primitiva guitarra; pero el gran éxito que Dinah Washington estaba consiguiendo en esa época, convenció a la joven Etta de que ella también podía hacerlo. Establecida en San Francisco, con tan solo 14 años forma su primer grupo vocal con dos compañeras del colegio, las hermanas Abbye y Jean Mitchell, y Etta como voz principal. El grupo se hace llamar The Peaches, que es también el apodo de Etta James. Poco a poco incorporan algunas canciones propias a su repertorio, e inmediatamente el joven conjunto se recorre el circuito de clubs de la ciudad, dentro de las limitaciones de unas adolescentes menores de edad.

En 1954 Johnny Otis llega a la ciudad de San Francisco para actuar un par de noches en el mítico Fillmore Ballroom. Aparte de músico, Otis es un cazatalentos e intuitivo hombre de negocios siempre a la búsqueda de la nueva sensación que pueda hacerle rico. Casualmente Otis consigue presenciar una actuación de las chicas en un pequeño club de la ciudad, y cae rendido ante el talento y poderío de Etta, tal es así que Otis arregla a las chicas una sesión de grabación en Los Angeles.

En contra de los deseos de la madre de Etta, The Peaches viajan a Los Angeles y en 1954 realizan la sesión de grabación para Modern records. El resultado es el single “Roll with me Henry” con “Hold me, squeeze me” como cara B. En estas sesiones participa la banda de Johnny Otis al completo, pero también Richard Berry (más conocido por ser el autor de “Louie, Louie”) acompañando a Etta como voz solista. “Roll with me Henry” es una respuesta al reciente éxito de Hank Ballard and the Midnighters, “Work with me Annie”, y rápidamente consigue escalar los primeros puestos en las listas de Rhythm and Blues, no es de extrañar, la grabación es un número bailable muy pegadizo que se acopla a la perfección a los gustos de la época. Suena increíblemente fresca, pero sobre todo destaca la profunda voz de una Etta de 17 añitos que canta como si le fuera la vida en ello, una voz repleta de fuerza y vitalidad, elegante y sexy al mismo tiempo. Como anécdota, las calenturientas mentes censoras cambiaron el nombre de la canción por “The Wallflower” a pesar de tener una letra de lo más inocente.

Al poco tiempo (1955) The Peaches se separan, pero Etta James continúa en solitario, y gracias al éxito de “The wallflower” sale de gira con grandes nombres como Little Richard o Billy Doggett, y graba fabulosos nuevos temas como “Hey Henry”, tan bueno o mejor que “The Wallflower”, con ese duelo cruzado entre saxofones y piano, de nuevo con Etta dando lo mejor de si misma, con su forma de cantar sucia y salvaje, pero también inocente y espontánea. “Good rockin' daddy” consigue de nuevo ascender a las listas de éxitos a base de bailable Rhythm and Blues, género que por entonces estaba mutando en los nuevos sonidos de Rock and Roll popularizados por un jovencísimo Elvis Presley. Otros temas de este período son “Crazy feeling”, “W.O.M.A.N” de los tiempos de The Peaches (compuesta como respuesta a “I'm a man” de Bo Diddley), o “That's all” de su admirada Rosetta Tharpe, pero en clave de Rock and Roll. Son canciones de ortodoxo Rhythm and Blues, pero interpretadas por Etta James (y la banda de Maxwell Davis) se transforman en piezas maravillosas con la misma vigencia ayer, hoy y siempre.

Entre 1956 y 1957 Modern records graba las siguientes sesiones para Etta, ni más ni menos que en el legendario estudio J&M de Cosimo Matassa en Nueva Orleans, de nuevo bajo la supervisión de Maxwell Davis. Los músicos de Etta en esta ocasión son nombres míticos como Lee Allen, Dave Bartholomew, Earl Palmer, Justin Adams y Harold Battiste, todos ellos veteranos que han grabado las canciones más populares de Little Richard o Fats Domino. “Rough lover” compuesta por la propia Etta, es un frenético Rock and Roll lleno de sensuales gruñidos, palmas y un solo de saxo tenor de la casa, como solamente Lee Allen sabe hacerlo, en la misma línea de temas como “Long tall Sally” de Little Richard; a estas mismas sesiones pertenecen maravillas como “Baby baby everynight” con unos inolvidables coros a modo de respuesta, “How big a fool” es una emocionante balada que Etta canta con total entrega y convicción. “Market place” comienza sosegado, pero rápidamente suenan los saxos que acompañan a un impresionante solo de guitarra, mientras, de nuevo, la sugerente voz de Etta James cautiva de inmediato. Nuestra dama es una virtuosa cantante con una calidad incuestionable, pero sobre todo es una intérprete única, canta con el alma y con el corazón, y es capaz de transformar canciones mediocres en auténticos pelotazos de Rhythm and Blues con una primitiva intensidad, pero siempre con una clase y distinción sobrenatural.

En 1958 y 1959 Etta graba más material para Kent records (al igual que Modern, propiedad de los hermanos Bihari). No baja el listón lo más mínimo, el material sigue siendo excelente y Etta siempre está a la altura de las expectativas. De este período destacan algunos duetos de Etta con su compañero sentimental en aquellos días, Harvey Fuqua (cantante principal del legendario grupo vocal The Moonglows), son temas que se mueven hacia terrenos más estilo Doo Wop e incluso comerciales, y muestran a una versátil Etta James capaz de cantar el estilo que quiera y siempre bien. A estos años pertenecen cosas como: “If it ain't one thing”, un saltarín tema de Doo Wop con un alucinante solo de guitarra incluido; “I hope you're satisfied” es una bonita balada que muestra a la acaramelada pareja en acción; “We're in love” se trata de un pegadizo Rock and Roll con fuerte potencial comercial, pero inexplicablemente pasa desapercibido por el público.

Los hermanos Bihari tenían muchas esperanzas puestas en Etta James pensando que iba a conseguir múltiples éxitos, pero lo cierto es que a pesar de su grandísima calidad como cantante (y compositora), Etta solo logra un par de ellos en 4 años, y Kent records decide no renovarle su contrato discográfico, así de cruel e inhumano es el negocio discográfico. A pesar de todo, quedándonos con la parte positiva, Etta James dejó un impresionante legado discográfico para Modern y Kent, compuesto por varios singles y un LP (editado años más tarde, en 1961). En lo negativo, en 1959 una joven Etta James con tan solo 21 años, se ve en la calle, sin contrato discográfico y con el corazón roto en pedazos, y para colmo adquiere un creciente hábito al consumo de heroína que la llevará por el camino de la amargura durante muchos años.

La desilusión de Etta no duraría mucho; gracias a su talento innato, en 1960 unos avispados hermanos Chess (de Chess records) ponen sus ojos en ella y le ofrecen un nuevo contrato discográfico, y esta vez sí, se convierte en una cantante de gran éxito con cambios sustanciales estilísticos. Esta vez se mueve hacia terrenos más melódicos y orquestados, abundan las aterciopeladas baladas, pero los resultados siguen siendo deslumbrantes, todo lo que toca Etta James lo convierte en oro. En la segunda parte del artículo trataremos, en la medida de lo posible, el período Chess de una de las cantantes de Rhythm and Blues, Soul y Rock and Roll más grandes de todos los tiempos, que por cierto, a sus 70 años, todavía sigue en activo ofreciéndonos excelentes discos.

Manfred Mann

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 19 Aug 2008 03:23:15 PDT

Otro verano más atrapado en la gran ciudad, con esos insoportables calores que le hacen a uno sentirse más muerto que vivo. Para colmo parece que el mundo se desmorona: esa alarmante crisis energética, alimenticia y económica parece no tener fin, el duro conflicto territorial entre Rusia y Georgia provoca miles de muertes inocentes, y para colmo, mientras se celebran los lúdicos juegos olímpicos de Pekín, los Derechos Humanos se ven más pisoteados que nunca.

No todo es malo en estos días extraños, en este año 2008 por suerte, el bien más preciado de la humanidad, que es el Agua, no es tan escaso como otras veces. Aunque en la gran ciudad no hay costa uno puede “surfear” por todos los bares de la zona a base de refrescante cerveza helada; pero sobre todo, haga calor o frío, nuestra querida música siempre está ahí, con su mágico y seductor poder para alejar momentáneamente los problemas del día a día. Esa música de Rock and Roll que en el cálido verano fluye como una refrescante e inagotable fuente, y en los gélidos fríos del invierno se muestra como un acogedor refugio de vuelta a casa.

Esta vez nuestros protagonistas son los únicos e irrepetibles Manfred Mann, o lo que es igual, otro de los grandes grupos británicos de Rhythm and Blues de los años 60, que junto con Rolling Stones, Animals, Yardbirds, Pretty Things, Zoot Money o Graham Bond Organization configuraron un excitante sonido que partía de las fuentes del Blues norteamericano de Muddy Waters, Howling Wolf, Bo Diddley o T-Bone Walter, para adentrarse de lleno en los caleidoscópicos e ilimitados horizontes de música Pop, Sicodelia e incluso Hard Rock.

Manfred Mann, siempre fueron distintos del resto, fueron auténticos músicos académicos, y su música estaba influida por igual, tanto por el Rhythm and Blues como por el Jazz. Se formaron en el Londres de 1962 bajo el nombre de Mann-Hugg Blues Brothers. El núcleo estaba compuesto por el teclista de origen Sur Africano Manfred Mann y el batería Mike Hugg, que también tocaba el vibráfono. El resto de la banda la completaban Mike Vickers a la guitarra, Dave Richmond al bajo (sustituido al poco por Tom McGuinness), y el estupendo cantante y armonicista Paul Jones, más el ocasional añadido de una sección de metales.

Al contrario que la mayoría de sus grupos colegas contemporáneos, el sonido de Manfred Mann no estaba basado en las guitarras. Aunque el órgano y piano eran los auténticos protagonistas de su sonido, incorporaron otros instrumentos como flauta, vibráfono, saxofones, y por supuesto mucha armónica. Estaban tremendamente influidos por el Blues, pero su música también hablaba el jazzistico idioma de John Coltrane, Miles Davies, Bill Evans y Ornette Coleman. Por decirlo así, eran unos músicos cultos, pero también “rock and rolleaban” como auténticos posesos dotando su música de un gran sentido del Groove, es decir, música llena de toneladas de diversión, tremendamente bailable y repleta de “Swing”.

Manfred Mann tenían grandes composiciones propias, pero también eran excelentes intérpretes de temas ajenos. Entre algunas de sus mejores versiones de su primera época, entre 1963 y 1965, están la frenética “Groovin’” grabada originalmente por Ben E King, el clásico “Watermelon man” del jazzman Herbie Hancock con ese estupendo riff de órgano que se entrelaza con un sugerente saxofón, mientras Paul Jones canta y toca la armónica de manera magistral. “Watch your step” es una excelente recreación del clásico de Bobby Parker, con percusión de estilo caribeño, urgente riff de bajo, saxo, órgano... todo funciona de maravilla. No faltan homenajes a los grandes de la Chess records: Bo Diddley (“Bring it to Jerome”), Muddy Waters (“I’ve got my mojo working”, “Hoochie coochie man”) o Howling Wolf (“Somkestack lighting”). Fascinante resulta “I put spell on you” del gran Screaming Jay Hawkins, donde la rabia original es sustituida por una personalísima versión llena Swing y “balanceo”. Tampoco podía faltar el tributo al gran Ray Charles, y su “Sticks and Stones” que los Manfreds la convierten en toda una explosión de ritmo.

En cuanto a temas originales propios, Manfred Mann dijeron muchas cosas y muy buenas. “5, 4, 3, 2, 1” les catapultó hacia el éxito internacional a ritmo de Rock and Roll, y se convirtió en sintonía del programa musical “Ready, steady, go!”. Se trata de un acelerado tema que bebía de las aguas de Bo Diddley, tanto como “Cock a hoop”, otro evidente tributo a nuestro gafotas favorito de la guitarra Gretch de forma cuadrada. La banda al completo se presentaba en sociedad con la fantástica “One in the middle”, con el consiguiente lucimiento de cada miembro del grupo. Mención aparte merece esa asombrosa habilidad de los Manfreds para componer hipnóticos y penetrantes Blues arrastrados, es el caso de “Did you have to do that”, “Without you” o la alucinante “What did i do wrong”.

A partir de 1966 las cosas empiezan a torcerse, hay cambios constantes de formación, entre otros Jack Bruce entra a formar parte de los Manfred durante un período breve de tiempo, hasta que abandona para formar parte de unos tales Cream. El cantante Paul Jones es reemplazado por Mike D’abo, pero ya no es lo mismo, a partir de 1969 Manfred Mann se vuelven más experimentales, y la banda toma un rumbo más Jazz-Rock e incluso sinfónico. A partir de 1971 Manfred Mann son historia y pasan a llamarse Manfred Mann’s Earth Band con un errático camino que oscila entre el Rock progresivo, Mainstream y AOR, cuya trayectoria continúa a día de hoy, pero sin duda poco tiene que ver con sus primeros tiempos, cuando eran una entusiasta banda de genuino Rhythm and Blues y Jazz que hicieron vibrar a toda una generación.

The Easybeats

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 23 Jul 2008 01:00:48 PDT

De nuevo volvemos a Australia, y ya van unas cuantas veces que este destartalado Autobús Mágico se pasea por las antípodas, tierras generadoras de excitantes y vibrantes sonidos de Rock and Roll. Esta ocasión los protagonistas son The Easybeats, y en su momento, entre 1964 y 1969, facturaron una serie de canciones y discos de una calidad abrumadora. Fueron profetas en su tierra alcanzando el éxito masivo. Con “Friday on my mind”, su mayor éxito, tocaron el cielo, pero finalmente factores como la incomprensión del público hacia unas canciones cada vez más elaboradas, problemas financieros, el desgaste de las continuas giras y el abuso de estupefacientes, hicieron mella en el grupo y en 1969 se despidieron.

Los Easybeats a pesar de criarse y comenzar su andadura musical en Australia, ninguno de sus miembros es australiano, todos proceden de familias europeas emigradas por el efecto devastador de la Segunda Guerra Mundial: el cantante Stevie Wright y el batería Snowy Fleet procedían de Inglaterra, el guitarrista rítmico George Young de Escocia, Harry Vanda y Dick Diamonde, guitarra solista y bajo respectivamente, de Holanda.

Los miembros del grupo no eran ningunos novatos, en el pasado tocaron en otras bandas, siendo la más reseñable The Mojos, uno de los grupos más importantes de Liverpool donde Snowy tocó la batería. Los Easybeats en su primera etapa a pesar de estar bastante influidos por los Beatles, brillaron por su extraordinaria capacidad para dar con la melodía perfecta, pero también por sus dosis de energía y urgencia juvenil alojadas en cada una de sus canciones, sonaban limpios pero también muy compactos. Sobre la dinámica sección rítmica, se puede escuchar la estupenda voz de Stevie, mientras las tintineantes guitarras trazan su camino a base de increíbles melodías y sentido del ritmo, algo así como un encuentro imposible entre Beatles y Shadows propulsado por la energía rock and rollera de Little Richard. Para más inri sonaban originales, no caían en la copia descarada y prácticamente todo el material que grabaron fueron composiciones propias de una calidad incuestionable.

Los Easybeats comienzan su carrera musical en Sydney hacia 1964 bajo el auspicio de Ted Albert, propietario de Albert Productions (una de las productoras discográficas independientes más legendarias de Australia) y dueño de un instinto musical único que se reflejaría en sus producciones para el grupo. En 1965 los Easybeats publican su primer single, “For my woman”, un tema orientado al garage-punk fuertemente influido por The Kinks, después llegaría “She's so fine”, con la que ascienden al número uno de las listas de éxitos australianas, y al poco sacan su primer LP de nombre “Easy”. Sencillamente se trata de una obra maestra del sonido Liverpool influido por grupos como Hollies, Searchers o Beatles, y un clásico absoluto para todos los que creemos en la canción como fuerza liberadora, dos minutos y medio que te aíslan de los problemas y te transportan a mundos llenos de vibrantes melodías, ricos juegos de voces y excitantes guitarras. “Easy” está producido por Ted Albert y contiene 14 temas, compuestos por George Young y el cantante Stevie Wright, unas veces más pausados (“I wonder”, “Girl on my mind”), otras inciden en el Rock and Roll más directo (“Ya can't do that”, “I'm a madman”), pero siempre convencen y emocionan con canciones perfectas en estructura y ejecución (“It's so easy”).

En 1965 la “Easymanía” en Australia es un hecho, al grupo le sobra carisma, y conecta a la perfección con la juventud de la época gracias a su brillante repertorio, pero también a los tremendos conciertos que ofrecen a lo largo y ancho del país. Los esquemas del primer LP se repiten con el segundo, de nuevo produce Ted Albert y lleva por título “It's 2 easy”. Sale al mercado a principios de 1966, y es otra impepinable lección de talento magistral basado en la canción. El eje compositivo Wright-Young se consolida, y el productor Ted Albert saca lo mejor de la banda con 14 fascinantes nuevos temas. De nuevo los Easybeats en ocasiones se muestran más fieros (“Women”, “Come and see her”, “Wedding ring”), sacan brillo a su lado más sensible (“in my book”), coquetean con emocionante folk-rock (“you are the light”), llegan a alcanzar el climax gracias a los juegos de voces marca de la casa (“easy as can be”), e incluso Snowy (el batería) nos transporta al Liverpool de principios de los 60 (“what about our love”). Pero ojo, la soberbia “then i'll tell you goodbye” la firman los dos guitarristas, Harry Vanda y George Young, y es un pequeño anticipo de las grandes cosas que están por llegar.

El nivel de popularidad de los Easybeats crece, cual gigante comiéndose el mundo, y en Australia son tratados como dioses, con todas esas escenas de fans que dan auténtico pavor: histerias colectivas, desmayos, colapsos nervioso... En 1966 el ritmo de actuaciones del grupo es agotador, giran continuamente, pero a pesar de todo, entre concierto y concierto, les da tiempo a grabar su tercer disco, con el original título de “Volume 3”. Otra vez produce el “mago” Ted Albert, y de nuevo consiguen otro soberbio disco plagado de supremas canciones. Siguen componiendo Wright-Young, ¡y de que manera!, el disco lo abre “Sorry”, uno de los temas más importantes del grupo, pero también más duro: posee un incendiario riff, sonido más sucio y próximo al proto-punk, juegan con el “feedback”, pero siempre con ese sentido único de la melodía, y esas fantásticas voces tan peculiares. La evolución de los Easybeats hacia sonidos más ásperos se aprecia en otros temas como “you said that” o “not in love with you” donde utilizan efectos de distorsión como el “fuzz”, pero siempre al servicio de la canción y la melodía. El resto del material es de lo más brillante, y para variar oscila entre preciosos temas de puro Pop marca de la casa (“say you want me”, “dance of the lovers”), festivo Rock and Roll (“funny feelin'”, “my my my”), o emocionante folk-rock (“can't you leave her”, “the last day of may”).

Llegados a este punto, mediados de ese gran año tan importante para la historia del rock and roll que es 1966, los Easybeats tocan techo en Australia. Entre 1965 y 1966 consiguieron múltiples éxitos: “For my woman”, “She's so fine”, “wedding ring”, “I'll make yo happy” o “Sorry” entre otros. Ante esta situación es lógico que el grupo se planteé conseguir el mismo éxito en Inglaterra y USA, y a finales de 1966 los Easybeats trasladan su residencia a Londres, en una época de plena efervescencia cultural y artística, que configuró el “Swinging London”.

El traslado de país no es el único cambio importante que sufre el grupo, hasta el momento el peso compositivo de los temas de Easybeats lo lleva George Young y Stephen Wright, pero Wright realmente es más showman y frontman que músico, y Young necesita un auténtico músico para llevar a cabo las ideas que fluyen por su cabeza. Este soporte lo consigue del guitarra solista del grupo Harry Vanda, y con el tiempo, el equipo Vanda/Young se convertirán en uno de los tandems de compositores más dotados y prolíficos de la música Pop hasta bien entrados los 80.

Una vez establecida la banda en Londres, graban unas sesiones con su productor de siempre (Ted Albert) en los míticos estudios de Abbey Road, pero la discográfica UA las rechaza y despiden a Ted Albert. Su lugar lo ocupa Shel Talmy, que en el pasado había trabajado para Who o Kinks entre otros, y juntos graban “Friday on my mind”, escrita por Vanda-Young, y uno de los mejores y más originales temas de los Easybeats. La canción es maravillosa de principio a fin, sobre un extraño riff de guitarra seudo oriental, se desarrolla un cuento de trabajo y escapismo juvenil, con la mente puesta en el fin de semana para salir de la rutina, en la mejor tradición de clásicos del Rock and Roll como “Rock around the clock” o “Summertime blues”, pero adaptada a los tiempos presentes de 1967. La interpretación de Stevie Wright y el resto de Easybeats es perfecta, mantienen la tensión y transmiten pura convicción. La respuesta del entusiasta público no se hace esperar: en 1967 triunfan en todo el mundo (número 1 en Australia, 6 en Inglaterra, 16 en USA...).

En esta época (1967) Vanda/Young componen nuevos temas más ambiciosos y elaborados, mientras giran por distintos países para captar nuevas audiencias, destacando la entusiasta respuesta de Alemania, y por supuesto, sus fieles fans australianos. Este es el período más dulce para los Easybeats, consiguen el preciado éxito mundial, y en lo creativo la pareja Vanda/Young componen mejores temas que nunca, explorando nuevas y arriesgadas fórmulas de hacer música. Algunos maravillas de esta época, aparte de la apoteósica “Friday on my mind”: “Made my bed (gonna lie in it)”, cara B de “Friday on my mind”, donde recuperan el Rock and Roll más directo con toques de Garage de los primeros tiempos. El siguiente single “Who'll be the one” y “Saturday night” es otra joya, “who'll be the the one” es una sabrosa pieza donde en poco más de dos minutos mezclan sicodelia, Pop en estado puro y el Rock and Roll más clásico. Pero “Saturday night” la iguala o supera, de nuevo el mejor Pop lleno de bonitas voces se equilibra con el Rock and Roll clásico y sus rítmicas guitarras, y todo esto sin sonar pretenciosos ni sobrecargados.

Su siguiente single contiene “Heaven and Hell” y “Pretty girl”, otra vez dos exquisitas y originales creaciones Pop, pero con el inconveniente de que “Heaven and Hell” sería censurada por las hipócritas autoridades británicas; según ellos contenía claras alusiones sexuales, pero la doble lectura es que las autoridades querían cortar cualquier señal de exceso y promiscuidad en el Londres de mediados de los 60, y para ello tenían que buscar cabezas de turco como en su día fueron los Rolling Stones, o hundir a las bandas mediante la acción de la implacable censura, como fue el caso de los Easybeats entre otros muchos. La censura hace mella en el grupo, y se pasan 6 meses sin publicar ningún tema, pero no significa que estén parados, todo lo contrario, echan muchas horas en el estudio de grabación experimentando con nuevos instrumentos, secuencias de acordes, arreglos, y en general todas las geniales ideas que se les vienen a la cabeza.

Parte de estas composiciones ven la luz de manera oficial en el año 1968, eso sí, sin la colaboración del imprescindible Snowy Fleet (batería) que abandonaría el grupo por cuestiones familiares, y sería sustituido por Tony Cahill (anteriormente en los australianos Purple Hearts). El nuevo LP se llama “Vigil”, y de nuevo consiguen publicar otra obra maestra, 14 nuevas canciones producto de la experimentación y evolución de los últimos meses, llenas de pianos, secciones de cuerdas y vientos, preciosos juegos de voces, guitarras, y en definitiva toda una orgía de música donde cabe de todo: Sicodelia, Soul, Rock and Roll, Pop de cámara, y en definitiva preciosas canciones que van más allá de un estilo en concreto. Es imposible resistirse a temas como “Good times” salpicado por el piano de Nicky Hopkins (el “hombre de sesión” por excelencia), con un brutal riff de guitarra, y de fondo la estelar colaboración de Steve Marriott haciendo coros con ese característico chorro de voz. “Falling off the edge of the world” en palabras del mismo Lou Reed, “es de las canciones más bellas que he escuchado nunca”. Con “Hello how are you” es imposible no caer rendido a su empalagoso magnetismo. En esta ocasión el grupo tira de alguna versión, y se marcan un “Hit the road Jack” de Percy Mayfield que ni pintado, ¡cielos que bien canta Stevie!, y el piano de Nicky Hopkins suena a gloria pura; incluso canciones más tontorronas e intrascendentes como “we all live happily together” convencen de manera sobrenatural. “I can't stand it” es otra muestra de poderío vocal, únicamente arropada con rítmicas guitarras, piano y una fabulosa armónica. En definitiva, todas las canciones son excelentes y contribuyen a hacer de “Vigil” una gran obra de Pop de su tiempo.

Desgraciadamente el público no estaba preparado para recibir estas enormes canciones, y en su día pasaron bastante desapercibidas. Muchos acusan a la banda de dispersión estilística y no seguir en una dirección, pero visto con la perspectiva del tiempo ahí es donde reside su grandeza, los Easybeats eran unos músicos inquietos e inconformistas, incapaces de tomar un único rumbo musical, su talento les pedía de manera espontánea explorar nuevos horizontes, y consiguieron adentrarse en los recovecos más profundos de la música Pop, pero siempre con un delicioso sentido de la diversión, porque sobre todas las cosas los Easybeats fueron una “good time band” con el único propósito de llenar de felicidad a todo aquél dispuesto a escuchar sus tremendas canciones.

Finalmente el grupo se separa en 1969, más que por falta de éxito, por problemas de management, desavenencias entre los componentes y abuso de ciertas sustancias. Después de la separación del grupo, algunos de los miembros de Easybeats siguieron su camino musical en solitario, destacando la asociación de Harry Vanda y George Young como un equipo de compositores y productores de éxito, pero esa es otra historia.

Actualmente hacerse con discografía de los Easybeats es relativamente sencillo, el sello Repertoire con los años ha reeditado todos sus discos en CD con abundante material extra. Para los amantes del vinilo, en 1999 Retroactive records sacó un glorioso doble LP con todos los singles de los Easybeats editados en el Reino Unido y USA, se llama “gonna have a good time” y es una auténtica gozada. Este año, para regocijo de los fans y ruina de nuestros bolsillos, el sello Downunder ha reeditado los cuatro LP's oficiales del grupo con un sonido sobresaliente donde se puede apreciar hasta el más mínimo detalle de esta increíble banda.

Este artículo está dedicado a Bon Scott y al resto de los muchachos de AC/DC, tan directamente ligados a los Easybeats.

Mudhoney, "The lucky ones"

noreply@blogger.com (Pepo) — Sat, 12 Jul 2008 12:46:52 PDT

Mudhoney fueron conocidos por ser unos de los máximos representantes del movimiento Grunge allá por finales de los 80 y principios de los 90. Dicho movimiento se inició en el noroeste del pacífico, y más concretamente en Seattle, pero no fue hasta 1990, con Nirvana y su éxito mundial “Smells like teen spirit”, cuando el “Grunge” se presentó a la juventud de todo el mundo de manera masiva, y surgieron un montón de bandas similares que bebían de las fuentes del Punk y Hard Rock. Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains, Screaming Trees, y por supuesto, Green River y Mudhoney fueron algunos de sus protagonistas. Bajo la premisa “Basura pura, ruido puro, mierda pura” definían su sonido y actitud, pero al final, como suele suceder en estos casos, esa “pureza” se convirtió en una mera transacción comercial.

Personalmente la mayoría de grupos de la época del “Grunge” siempre me han parecido aburridísimos, pero Mudhoney molaban, eran distintos al resto, divertidos, tenían un irónico sentido del humor, su sonido era más “garagero”, pero sobre todo los discos eran muy sólidos y estaban llenos de grandes canciones. Recuerdo la primera vez que escuché “Every good boy deserves fudge”, literamente me voló la cabeza, esas canciones estaban más en sintonía con la música de garage y high-energy con la que me nutría entonces. Más de 17 años después, el movimiento Grunge se ha convertido en humo y la mayoría de sus grupos representantes han desaparecido. En el caso de Mudhoney, en 1999 anunciaron su retirada con un flamante e imprescindible triple recopilatorio de toda su trayectoria (“March to fuzz”), pero sorprendentemente en el 2002 volvieron con “Since we've become translucent”, uno de sus mejores trabajos, con sus guitarras distorsionadas de siempre, pero pasadas por el “Space rock” de Hawkwind y enloquecidos saxos free jazz de fuerte ascendencia Stooge por la vía del "Funhouse".

En el 2006 editaron “under a billion suns”, en la misma línea que “Since we've become translucent” consiguiendo de nuevo otro soberbio disco. Con motivo de la presentación de “under a billion suns”, el año pasado Mudhoney giraron por España, y tuve la suerte de verlos en Madrid en una sala de pequeño aforo como El Sol. Ese concierto lo colocaría entre mis 10 favoritos de siempre. Unos Mudhoney pletóricos descargaron parte de su repertorio; por un lado temas extraídos de sus recientes discos, mezclados con sus incandescentes clásicas tajadas, con un sonido demoledor, mejor si cabe que en los discos, pero sin necesidad de reventar los tímpanos del respetable. Lo más sorprendente del show fue cuando el cantante Mark Arm aparcó su guitarra para centrarse únicamente en su papel de cantante y frontman, dejando a Steve Turner solo a las 6 cuerdas. A partir de ese momento el grupo empezó a escupir nuevos temas dejando al público totalmente estupefacto: canciones breves que sabían ir directamente al grano, con una banda en estado de gracia y funcionando de maravilla. Pues bien, más o menos un año después del concierto ofrecido en el Sol, el último trabajo de Mudhoney aún está calentito y recién sacado del horno. Se llama “The lucky ones” y contiene ni más ni menos que esas tremendas canciones que tocaron en el tramo final de aquél concierto.

Todas las reseñas que he leído de “The lucky ones” están cortadas por el mismo patrón: “Disco correcto pero con el discurso de siempre”. Quizás desde mi posición de “fan” no sea objetivo, pero este nuevo trabajo me parece otro triunfo: honesto, sin pretensiones, directo, divertido y sencillo. No hay arreglos de vientos, solo voz, guitarra, bajo y batería, pero sobre todo 11 temas sobresalientes donde no miran ni adelante ni atrás, sino al “ahora”. Como dicen en “I'm now”: “The past made no sense, the future looks tense, I'm now”. Mudhoney no engañan a nadie, sus influencias se distinguen claramente en sus canciones: Stooges, Blue Cheer, Rock Sicodélico, Garage, Punk, Rhythm and Blues o Hardcore son sus señas de identidad. A estas alturas está claro que no van a sacar un trabajo vanguardista ni marcarán la última tendencia, ni falta que hace, lo más importante es que aún son capaces de hacer vibrar con excelentes temas, unas veces más rabiosos, otras más densos, pero siempre marcados por esos riffs distorsionados marca de la casa y una apabullante sección rítmica.

La primera cara de “The lucky ones”, para mi es prácticamente perfecta: “Next time” tiene un evidente parecido con “1969” de los Stooges con ese “beat” a lo Bo Diddley, la antes citada “I'm now” es de lo mejor de lote; con la estupenda “and the shimmering light” depuran algo su sonido y se mueven a terrenos de preciosista pop sicodélico. “Inside over you” es tan directa como su clásica “Touch me i'm sick” pero con texturas más pantanosas y sicodélicas, y un adictivo riff que te voltea las tripas. “The lucky ones” es otro tema de furia Stooge que supura inconformismo por vía auditiva, con distorsionadas guitarras tan dañinas como las mentiras de esos bultos sospechosos llamados “políticos”.

La cara B del disco se abre con la apocalíptica “The open mind” y sus desalentadoras reflexiones (“la mente abierta es una mente vacía, por eso mantengo la mía cerrada”). “What's this thing?” es un sabroso blues deudor de la British Invasion de los años 60, “Running out” posee otro incisivo riff marca de la casa. “Tales of terror” es el tema más estilo “hardcore” del lote y el particular homenaje que hacen Mudhoney a la banda de punk del mismo nombre procedente de Sacramento. “We are rising” es un medio tiempo que no me acaba de llenar a pesar de tener estimables pasajes de ácidas guitarras, pero este pequeño traspiés se soluciona con “New meaning”, otro encendido tema que deja al oyente con ganas de otra nueva escucha de “The lucky ones”.

La edición en vinilo de “The lucky ones”, viene acompañada de un single de regalo con excelentes versiones de The Troggs y Pere Ubu, además de una clave para descargar el disco entero en formato digital a través de la web de Sub Pop. No hay excusa para conseguir este gran disco, ¿Quién da tanto por tan poco? ¡Larga vida a Mudhoney!.

Swamp Dogg

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 25 Oct 2009 15:12:45 PDT

Por increíble que parezca, Jerry Williams Jr., alias Swamp Dogg, es un perfecto desconocido para el gran público dentro de la música Soul. A pesar de haber trabajado con los mejores, ser un compositor, productor, intérprete y músico único, y en definitiva, un hombre nacido para la música, por alguna extraña razón no está en el lugar que le corresponde.

La primera vez que oí hablar de Swamp Dogg fue a través de Doris Duke y su increíble “I'm a looser” de 1969, para mi uno de los discos de Soul más emotivos de todos los tiempos. Doris Duke se vacía, y alcanza cotas de sentimiento que no dejan indiferente a nadie con un mínimo gusto por la música Soul y Rhythm and Blues. “I'm a looser” no hubiera sido lo mismo sin el toque mágico de Swamp Dogg, quién produce y aporta la mayoría de las composiciones del disco, con un sonido conducido por una sólida sección rítmica formada por los mejores músicos de Muscle Shoals, mezclado con unos delicados arreglos de cuerdas y emocionantes orquestaciones a cargo de su inseparable colega Richard Rome desde los días de Calla records, pero siempre manteniendo el carácter directo y sincero del mejor Soul del sur profundo de los Estados Unidos.

Los inicios de la carrera de Mr. Swamp Dogg, se remontan a finales de los 50 como fiel imitador de Little Richard, bajo el nombre de Little Jerry, y en los 60 obtuvo algún éxito moderado, como la brillante “Baby you're my everything” de 1966. Poco a poco se fue haciendo con una reputación gracias a su incuestionable talento como cantante y compositor. Tras estar en múltiples independientes como Loma, Calla, es en esta época, mediados de los 60, cuando Swamp compagina su carrera en solitario con labores de producción y composición para otra gente. El ritmo de producciones ajenas es impresionante, tanto por la variedad de discográficas para las que trabaja como por su calidad. Entre 1967 y finales de los 70 todo lo que toca este hombre lo convierte en oro, ya no en el aspecto comercial y empresarial, hablamos de auténticas gemas. Swamp Dogg es capaz de crear un clásico tras otro.

Durante 1967 y 1968 trabaja para Musicor (y su subsidiaria Rhythm and Blues Dynamo). Destacan tremendos pelotazos para los hermanos Inez & Charlie Foxx, con el clásico “(1,2,3,4,5,6,7) Count the Days” que sube a las listas de éxitos, el ex Flamingos Tommy Hunt, Gene Pitney desquitándose de su papel de baladista habitual para interpretar un explosivo “She’s a heartbreaker” lleno de vientos que haría palidecer a los mismísimos Mitch Ryder and the Detroit Wheels, que también consigue escalar las listas de éxitos. La calidad de Swamp Dogg como solista queda demostrada con “Run run roadrunner”, un clásico inmediato que por alguna oscura razón pasa totalmente desapercibida para el público.

Fuera de Dynamo, en 1968 tiene un breve encuentro con una pequeña independiente de Nueva York de nombre Botanic records. Únicamente graba 3 resplandecientes singles con temas de Little Charles and the Sidewinders, o el mismo Jerry Williams (Swamp Dogg) aporta una estupenda “Ship wrecked” que suena a clásico inmortal. En este período comienzan las fructíferas colaboraciones, pero sin apenas repercusión mediática, con el grandísimo Gary US Bonds. Juntos componen “I’m glad you’re back” que muestra a Bonds como lo que es, un tremendo vocalista lleno de emotividad.

En 1969 Swamp Dogg firma como A&R de Cotillion (subsidiaria rhythm and blues de la poderosa Atlantic) durante un corto período de tiempo. La figura de A&R (Artists and Repertoire) es una figura clave en la maquinaria de una discográfica, ejerce de cazatalentos, localiza productores, compositores, músicos, etc... está claro que Dogg es la persona adecuada para este cargo, conoce perfectamente el negocio musical, pero en esta época Jerry Wexler (socio de Atlantic) y compañía se vuelcan más en el mercado Pop rock blanco (Eric Clapton, Led Zeppelín, Yes, Stephen Stills...) y dejan el Rhythm and Blues más de lado, a pesar que gente como Wilson Picket o Aretha Franklin tienen gran éxito comercial. Pero no importa, el paso de Dogg por Cotillion no tiene tacha, trabaja con nombres legendarios como Drifters, Patti La Belle & the Blue Belles, C & the Shells, con resultados monstruosamente buenos, pero de nuevo sin ningún tipo de repercusión.

Swamp Dogg, insensible al desánimo, continúa su andadura hacia las alturas de la mejor música Soul, y en 1969, tras la salida de Cotillion inicia su periplo musical sureño trabajando para sellos como Canyon records y Mankind, dicho período va del 69 al 72, y básicamente el centro de grabación son los estudios de Muscle Shoals, en Alabama, no es la primera ni la última vez que hablaré de estos estudios de grabación que huelen historia de la música, tan legendarios como todos los huéspedes que los han habitado en uno o en otro momento, o como los músicos de la casa que formaron la Muscle Shoals Rhythm Section. En este período Swamp Dogg colabora con Kenny Carter, el super grupo Slick ‘n’ the Family Brick compuesto por el propio Dogg, Kenny Carter y Gary US Bonds, otros intérpretes son ZZ Hill y Obe Jessie, pero sobre todo destaca las colaboraciones con la inconmensurable Doris Duke. Esta dama del Soul es una consumada cantante que en el pasado colaboró en grabaciones de “grandes” como James Brown o Aretha Franklin, también fue una habitual del teatro Apollo de Harlem haciendo coros para todo el mundo que actuara en el mítico teatro neoyorkino. Sus colaboraciones con Swamp Dogg son imprescindibles, juntos grabaron un par de discos y algún single, y para expertos musicales como Dave Godin, su disco de 1969 “I’m a loser” es su favorito de todos los tiempos, y no es de extrañar.

Una vez finalizada su aventura sureña, en 1973 Swamp Dogg se mueve a discográficas independientes como Fungus o President, entre otras. Compone y produce a enormes vocalistas como Arthur Conley, con un increíble “Complication #4” que demuestra que este hombre va mucho más allá de “Sweet Soul Music”, también recupera a Ruth Brown, reina del Soul y rhythm and blues allá por los años 40 y 50 cuando grabó para Atlantic, e incluso con Eleanor Grant hace alguna incursión en la música disco con resultados, como no podía ser de otra forma, de lo más brillantes.

... y hasta aquí llega este artículo, pero la trayectoria artística y musical de Swamp Dogg llega hasta el siglo XXI, a día de hoy este hombre sigue grabando estupendos discos y girando por USA y Europa. Con cerca de 70 tacos una persona está en disposición de sentarse y disfrutar de un buen vino o una buena lectura, pero nuestro protagonista no, Swamp Dogg siempre ha sido un culo inquieto y temo que a estas alturas del partido siga así hasta que el cuerpo aguante. Por lo visto, su último proyecto es la publicación un nuevo álbum de los Manhattans, un grupo de Rhythm and Blues vocal en activo desde los 60.

Actualmente el imprescindible sello ACE records, está reeditando parte del fondo de catálogo y las producciones de Swamp Dogg de los dispersos sellos para los que trabajó, destacando el recopilatorio CD “Blame it on the Dogg” de cuyo libreto interior me he basado para hacer este artículo.

La maravillosa "What's so wrong with you loving me" por Kenny Carter inédita hasta el 2008

Doris Duke interpretando "Bad water" original de la única e irrepetible Jackie DeShannon

"Redneck" del propio Swamp Dogg incluída en su excelente disco de 1970 "Total destruction to your mind"