Autobús Mágico

The Limiñanas

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 24 Jan 2012 10:19:35 PST

The Limiñanas vienen de Perpignan (Francia), son Lionel y Marie, una entrañable pareja aficionada a las viejas películas "Noir", la estética Mod, el Pop francés de Serge Gainsbourg o Françoise Hardy, la Velvet Underground, los Kinks, y en general casi todo lo que huela a los años 60, la época suprema de la música Pop por excelencia. Si a esta mezcla le añadimos algunos ingredientes de Garage-Punk de grupos como los Seeds y guitarras Fuzz, además de referencias más modernas como Stereolab o los recordados Lolitas, uno se puede hacer una idea a que suenan The Limiñanas, pero siempre con la bendición del gurú Billy Childish y su filosofía del "hazlo tú mismo", apuntando a lo más alto desde la diana de lo inmediato.

The Limiñanas tienen hasta la fecha un LP de título homónimo, publicado en el estupendo sello de Chicago Trouble in Mind records. Alternan canciones en francés con alguna en inglés. Definitivamente el francés tiene una sonoridad sexy y cautivadora. Su sonido es sólido y atrevido. Saben crear texturas y ambientes que te trasladan a los 60 como si de una maravillosa máquina del tiempo se tratara, y podían ser la banda sonora ideal para alguna avanzada película de Truffaut o Godard. Cierto que no disimulan su fascinación por el pasado, pero lo hacen sin complejos y con guiños al presente, sonando deliciosamente "retros" y modernos al mismo tiempo.

En su debut, The Limiñanas despliegan una colección de canciones artesanales ricas en arreglos, donde experimentan con múltiples y exóticos instrumentos; en su colorida escala cromática cabe mandolina, teclados, armónica, sitar, e incluso Theremín. Cada canción la miman como a la niña de sus ojos, unas veces suenan como una infecciosa banda de "garage", otras se adentran en la Psicodelia con un marcado acento Pop, e incluso interpretan algún precioso tema al más puro estilo de la Velvet, pero siempre con la melodía por delante. The Limiñanas no esconden ningún secreto, nos enseñan las cartas de su época musical favorita, los 60, pero lo hacen a su estilo, de forma concisa, directa, y sobre todo muy fresca y divertida, que es de lo que se trata. Es una gozada dejarse seducir por un disco tan cuidadoso con los detalles y evocador de un época, hecho con mimo y cariño, que bien merece el desembolso de lo que vale el plástico, en una época difícil para el negocio discográfico.

The Limiñanas aparte de excelentes artesanos de canciones, son una alucinante banda de directo. En verano del 2011 ofrecieron una gira por USA, y para dejar constancia de su solvencia en los escenarios, grabaron un mini-concierto de media hora para una emisora de New Jersey llamada FMA, donde suenan realmente bien. Aquí dejo el enlace para quién le interese. Además os podéis bajar el concierto totalmente gratis. Buen provecho.

Pincha aquí y disfruta

Don Covay, "See-saw"

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 17 Jan 2012 02:19:24 PST

Hay gente destinada a la gloria de la fama y del reconocimiento, en cambio otros pasan desapercibidos y son transparentes para público y crítica. Don Covay es de estos últimos. A pesar de tener un glorioso pasado desde los 50, colaborando con Little Richard o Jimi Hendrix, o componer alucinantes temas para Otis Redding, Etta James, Wilson Pickett, Solomon Burke y un larguísimo etcétera; e incluso ser reverenciado por la ola británica del Rhythm and Blues de los 60, como Rolling Stones o Small Faces, nunca ha obtenido el reconocimiento que se merece.

Pero por encima de todo están sus discos donde Covay demuestra, aparte de sobresaliente compositor, ser un intérprete de lo más solvente, gracias a una cálida voz y a una inmediatez que hace de sus LP's toda una experiencia auditiva llena de optimismo y paisajes de memorable Soul y jugoso Rhythm and Blues.

Como uno se considera un incurable enfermo de los discos y del Rock and Roll, descubrir "See-Saw" demuestra que todavía se pueden escuchar trabajos del pasado capaces de sorprender, y es que más allá del espacio y tiempo, es una gozada encontrarse con discos tan buenos y bien equilibrados, entre temas bailables y conmovedoras baladas Soul. "See-Saw" fue editado originalmente en 1966 por Atlantic records, y constituye una intachable colección de singles de la época, todas composiciones propias de Covay grabadas la mayoría en los estudios de la Stax en Memphis. Sencillamente una joya que no admite imitación.

"See-Saw" se ventila en media hora doce temas que no dan opción al aburrimiento. Qué gozada estos discos que no duran más que un suspiro, pero son capaces de expresar toneladas de alegrías y emociones. Es la magia de la música que rinde tributo al mejor Gospel pagano, Soul y Rhythm and Blues de garito. "See-Saw" es una colección de canciones al servicio del placer, diversión y la felicidad, todas ellas tan fáciles de digerir como bien ejecutadas, dejándose ver en cada surco las trazas de la Stax, bien por la guitarra de Steve Cropper, los vientos de los Memphis Horns o la irrepetible batería de Al Jackson. Es imposible que cuando suenan preciosidades como "Everything gonna be everything", "Please do something" o "I never get enough of your love", no toquen la fibra sensible; mientras que los surcos de "Fat man" o "The boomerang" llevan irremediablemente a la pista de baile; y como no hay pastel sin guinda, aquí tampoco faltan memorables éxitos como "See-saw", "Sookie, sookie" o "Mercy, mercy", esta última inmortalizada por autores de diverso pelaje.

Don Covay sigue vivo y bien, y desde luego merecería ser recuperado a la palestra musical con bríos renovados, como ya se hizo con Johnny Cash, Solomon Burke, o más recientemente con Wanda Jackson o Mavis Staples, que en la actualidad disfrutan de una merecida segunda juventud. El bueno de Covay no publica disco desde el 2000, y todavía estamos a tiempo de situar a este hombre en el lugar que merece.

"Mercy, mercy"

Etta James, segunda parte: "Who's blue"

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 17 Jan 2012 02:19:35 PST

Haciendo alusión al título de la biografía de Etta James, "Rage to survive", su vida ha sido una carrera hacia la supervivencia, unas veces caminando por la cuerda floja de sus adicciones, y otras al límite del colapso emocional, pero por suerte su música siempre estuvo ahí, como una fiel compañera y fuerza renovadora que salva vidas. Ya desde el principio su vida no fue fácil; fue abandonada por su padre al nacer, el jugador de billar profesional Minessota Fats (que inspiró la película "El Buscavidas"), y su madre Dorothy Hawkins aparecía y desaparecía a su antojo, aumentando la rabia y el dolor de una niña que buscaba y no encontraba respuestas. Etta James suplió la carencia afectiva en las duras calles de Los Angeles, formando parte de pandillas juveniles e iniciándose, por una parte en la pequeña delincuencia, pero por otra en la música Doo Wop y Rhythm and Blues con colegas del oficio como Miss Sugar Pie, Johnny Guitar Watson o Richard Berry.

A mediados de los 50 Etta consiguió su oportunidad como cantante de la mano de Johnny Otis, empresario y percusionista de Blues, de color blanco pero con alma negra, que fascinado por su voz, hizo que el grupo de Etta de entonces (The Peaches) grabara una ristra de crujientes sencillos para Modern records con algún éxito discreto ("The Wallflower") (... chequea la primera parte...). En 1959 ocurre un giro decisivo en su carrera. Harvey Fuqua, líder de The Moonglows (por aquél entonces en Chess), pone a Etta James en contacto con Leonard Chess y la contrata sin pensarlo dos veces. Comienza como corista de Chuck Berry en temas decisivos como "Almost grown", pero Leonard tenía otros planes para ella, y por exigencias de mercado la sitúa en el mapa de la balada Jazz y los sofisticados arreglos de cuerda, y en 1961 graba el LP "At last", todo un triunfo artístico y comercial, que procura a los hermanos Chess jugosos dividendos, aparte de abrir nuevas posibilidades en la expansión del sello, y más importante aún, supone el inicio de una fructífera colaboración entre Chess y Etta James, que se extenderá hasta mediados de los 70.

En el 2011 el sello KENT (subdivisión Soul de ACE records) publicó "Who's blue?", una compilación que recoge la andadura de Etta James por la Chess, desde 1961 hasta 1976. No es una recopilación al uso con todos los típicos "grandes éxitos", "Who's blue?" desentierra gemas ocultas de su repertorio de una calidad abrumadora, y constituye un auténtico paseo por la música de raíces americana. Jazz, Pop, Rhythm and Blues, Country, Funk o Soul, son estilos que se pasean por esta colección de canciones con total naturalidad, y están comunicadas entre sí por la emocionante voz de Etta, trazando gloriosas carreteras secundarias de su alma, que son un pequeño mapa para descifrar el enigma de los sentimientos de una mujer que siente y respira su música.

Etta James posee una versatilidad única. Es capaz de interpretar cualquier estilo de música popular americana y llevarlo a su terreno con éxito, como bien demuestra el presente disco "Who's blue?". Aquí se puede encontrar Rhythm and Blues como la sensacional "Nobody but you", que cabalga sobre los Blues de Jimmy Reed, o la interesante "Seven day fool" con coquetos arreglos de cuerdas. Su madre desde joven la inculcó un profundo amor por el Jazz vocal de Billy Holliday o Dinah Washington, y Etta supo desenvolverse en ese terreno como pez en el agua ("It could happend to you"). También se empapa del exitoso sonido Motown sin sonar a copia ("Street of tears"), y ejecuta el doble salto mortal interpretando magistralmente un clásico Country de Don Gibson ("Look who's blue"). Incluso a mediados de los 60, época en que Etta apunto estuvo de morir por una infección de tétanos, no se la notaba desgaste alguno, y como una fuerza sobrenatural era capaz de grabar trallazos como "Do right". Pero a partir del 67 su vida da un buen e importante giro, nace su primer hijo Donto, recupera el pulso comercial, y se convierte en la reina del Soul gracias a las irrepetibles sesiones de los FAME studios en Muscle Shoals (Alabama), con incendiarios temas como una feroz versión de "Fire" del maestro Willie Dixon. A principios de los 70 Etta continuó explotando su lado más Soul con material de primera, y baladas para caer de rodillas ("My man is together"). Y ya en su última época con Chess, a mitad de los 70, influida por el Funk de la última etapa de Ike and Tina o Sly and the Family Stone, graba furiosos artefactos con incandescentes metales y poderío vocal absoluto ("I've been a fool").

Tras su irrepetible etapa con Chess, Etta James luchó contra adicciones de todo tipo, saldó su cuenta con la justicia por un feo asunto de falsificación de cheques, grabó discos con productores imprescindibles como Jerry Wexler o Allen Toussaint, pero también los 80 fueron duros para Etta. Luchó contra el olvido donde público y negocio parecían darle la espalda, pero nunca se plegó ante las modas; impermeable al sonido de la música disco, siempre fue fiel a sus raíces musicales de Blues, Jazz o Soul. Por fortuna los noventa fueron mejores, recibió unos cuantos Grammys y premios, y entró en esa farsa llamada "Rock and Roll Hall of Fame" que le permitió llevar una vida más acomodada y con algo más de reconocimiento público... Y así llegamos hasta el momento actual. Etta James con leucemia y demencia senil está al final del camino. Hace unos pocos meses la prensa dio la noticia de su muerte, pero resultó ser un falso rumor. Este dramático hecho, en cierto modo no deja de tener su gracia por qué su vida siempre estuvo en el límite, y en varias ocasiones ha visto la fea cara de la muerte muy de cerca, y uno en esta ocasión se imagina a Etta diciendo: "No me enterréis todavía que aún tengo que dar el último concierto para vosotros".

"My man is together"

VVAA, "Do the Pop: Australian Garage-Rock sound 1976-87"

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 03 Jan 2012 15:53:00 PST

El sonido hecho en Australia significa mucho más que típicos grupos como Bee Gees, The Easybeats, o los siempre necesarios AC/DC, todos ellos excelentes y profetas en su tierra, pero si buceamos un poco más, también tuvo lugar otra escena alternativa cuyos grupos protagonistas fueron artífices de los cimientos de un sonido único y sin domesticar, que desde mediados de los setenta hasta finales de los ochenta tomaron la tierra de los canguros a ritmo de aplastantes riffs y nítidas melodías por igual, y asombraron a una legión de fieles fans de todo el mundo.

La base de estas bandas australianas se asentaba en una insana obsesión por el impactante sonido de Detroit de finales de los 60, mirándose en el espejo de Iggy and the Stooges por un lado, pero por otro prestando atención a las tintineantes melodías Pop de The Byrds, el Garage-Punk de los 60, el Rock and Roll clásico de Creedence Clearwater Revival, y los Flamin' Groovies como nexo de unión entre el Rock de alto voltaje y la perfecta canción Pop. Tampoco se olvidaron de lo que estaba sucediendo en el Nueva York de los 70, aquella explosión que iniciaron the New York Dolls, y continuaron Ramones, Johnny Thunders and The Heartbreakers, Richard Hell o Television.

Casi ninguno de estos anómalos grupos llegaron a despuntar comercialmente, y tampoco fueron muy comprendidos en su época. Por ejemplo The Saints, que se desenvolvieron en la escena Punk de los 70, a partir de su segundo disco, sus arreglos de Soul desconcertaron a los hijos del imperdible, y rápido les dieron la espalda. Posteriormente, con el advenimiento del "Grunge" en los 90 y la "invasión" escandinava de principios de los 2000, la escena "Aussie" de los 70's y 80's obtuvo algo más de reconocimiento, no así en la época actual, donde las efímeras modas dictan tendencias bastante alejadas de la intensidad de los australianos, quedando relegados a simple anécdota de su tiempo; craso error.

El caso es que en el 2002, salía un doble CD que recopilaba casi lo más grande que circuló en Australia durante el período 1976-1987, y supone un documento histórico que resume un trozo fundamental de flamígero Rock and Roll hecho en un continente aislado del resto del mundo, pero con unos grupos que fueron capaces de asimilar sus influencias musicales de forma única, que forjaron su propia personalidad con una columna vertebral repleta de grandes canciones. "Do the Pop" (así se llama el CD) recoge 50 temas hechos por distintos grupos, muchos inclasificables, pero todos ellos unidos bajo el denominador común de un sonido "garage" muy personal y lejos de tópicas tendencias revivalistas. El disco en su conjunto constituye una unidad que capta el espíritu y sonido de una época irrepetible, cuyas bandas estaban más por la música que por la pasta, y se las podía encontrar tocando en cualquier garito de ciudades como Sydney, Perth, Brisbane o Melbourne, creando su personal escena "Pub-Rock", pero mucho más anfetamínica.

En "Do the Pop" se puede encontrar clásicos conocidos como The Saints, donde no puede faltar la cortante "I'm stranded", himno PUNK con mayúsculas; o los necesarios Radio Birdman, enérgicos, elegantes y siempre únicos, gracias a temas como "Crying sun", favorito personal, melódico y rítmico. Los incombustibles Hoodoo Gurus atacan con "Be my guru" repleta de distorsión pasada por fuzz. Y como no, tampoco podían faltar The Scientists como representantes del sonido "aussie", ya sea en sus orígenes más Power-Pop ("Last night"), o su evolución posterior a un sonido más pantanoso y denso, como es el caso de "Swampland" con sus riffs y duelos de guitarras asesinas. Lime Spiders desfilan con su garage clásico deudor de Sonics y Alice Cooper, y con "Slave girl" alcanzan cotas record de bestialidad. The Fun Things asoman la cabeza con "Savage", una auténtica declaración de principios rockeros del vive deprisa sin importar las consecuencias. The Sunnyboys sacan el lado más folk-rock, pero sin perder de vista las enérgicas guitarras, al igual que la maravillosa saga formada por Stems o Someloves, unida por Dom Mariani, artesano de canciones no valorado lo suficiente. Pero jamás se completaría el rompecabezas del Rock and Roll australiano sin Rob Younger, para mí el auténtico catalizador del sonido, ya sea como productor o integrante de un puñado de grandes bandas como los imprescindibles The New Christs, que su obra constituye un auténtico libro abierto de Garage y Punk de autor, como bien prueba "Like a curse", desde mi punto de vista uno de los mejores temas australianos de todos los tiempos.

Nikki Sudden, "Teenage christmas"

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 29 Dec 2011 10:23:22 PST

Este año el mensaje navideño lo canta un auténtico Rey, ni más ni menos que Nikki Sudden, mártir "maldito" del Rock and Roll, poeta eléctrico, sensible trovador; un pura sangre cruzado con el romanticismo callejero de Johnny Thunders, la conmovedora sensibilidad de Ronnie Lane, el descaro canalla de Keith Richards o la sarcástica ironía de Lou Reed. Ya sea como Swell Maps, Jacobites o en solitario, Nikki Sudden supo crear su universo particular repleto de pasionales canciones y emocionantes medios tiempos donde cada acorde tiene un significado que arropa a esa voz tan sentida.

"Teenage christmas" es un maravilloso villancico de 1986 que grabaron The Jacobites, grupo que Sudden formó con Dave Kusworth y su hermano Epic Soundtracks. La versión oficial del tema está alimentada de vitaminas Pop sintetizadas por contundentes guitarras eléctricas; pero no hace mucho, se coló otra mucho más sosegada y acústica como tema extra de un disco recopilatorio del grupo ("The Ragged school"). Una delicia gobernada por guitarras acústicas, con Nikki Sudden en su papel de "Dandy" de los bajos fondos, pero sobrado de elegancia y categoría, tan cerca de los románticos "perdedores" como lejano de lo convencional, y todo sin necesidad de echar mano de artificiales golpes de efecto e innecesarias acrobacias técnicas. Con tan solo un par de guitarras acústicas, The Jacobites fueron capaces de escribir un perfecto manual de como fabricar "magia" durante los tres minutos que dura la canción.

... Y de nuevo se nos va otro año. Para el que escribe ha sido un buen año, no hay razón para quejarse, uno se siente querido, disfruta de salud, y mantiene intacta esa fascinación por la música, las películas y los libros, tres pequeños manuales de supervivencia para alimentar el espíritu. Una paz que a veces se ve quebrantada por esas interferencias externas que se empeñan en amargarnos la vida, y que intentan inyectarnos el miedo en vena con palabras como "crisis" y "recesión"... Y aunque una canción, un libro o una caricia no puedan arreglar el mundo si pueden salvar vidas. Suerte a todos con el próximo 2012, que esto no ha hecho más que empezar...

"Teenage Christmas"

Night Beats

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 20 Dec 2011 16:36:36 PST

Una de las sorpresas de este 2011 ha sido el debut de Night Beats para Trouble in Mind Records, y es que cuando se trata de alguna recomendación de Oscar nada puede fallar. Night Beats son un "power-trío" procedente de Seattle, y recogen el testigo de grupos de los 60 como la Magic Band del Capitán Beefheart, la Experience de Jimi Hendrix, los Pink Floyd de Syd Barrett, y sobre todo los 13th Floor Elevators con Roky Erickson, con un gran parecido en la voz. Lo que presentan Night Beats es música arriesgada e inflamable, oscura y experimental, pero sin olvidarse de las raíces primarias de los viejos Bluesmen, con una vuelta más de tuerca en el uso de la electricidad, creando un sonido más incisivo e hiriente. Night Beats caminan por un espinoso camino repleto de música psicodélica, y dibujan un fresco retrato de "Garage" nutrido de malas vibraciones sonoras, pero con una energía fuera de lo común, como si se tratara de los hermanos pequeños de Dead Moon.

Como decía Oscar en su blog, estos chicos no se andan por las ramas, su concepto de psicodelia está firmemente asentado en la inmediatez del "Garage-Punk", y no en somnolientos desarrollos instrumentales, crean unos ambientes y texturas tan fulminantes como una intensa descarga de electricidad que penetra en el sistema nervioso desde las primeras escuchas. Night Beats presentan en su alucinado LP homónimo una colección de canciones alimentadas de los ingredientes más ariscos de la música Pop. Sobre una base rítmica sólidamente asentada, su guitarrista teje una compleja tela de araña llena de correosos acordes y desquiciados acoples que dejan huella.

Por si la duda asoma, "Puppet on a string" lo deja claro, es un bestial comienzo digno del grupo más oscuro salido de las catacumbas de los 60, "Ain't Dumbo" fabrica un desquiciado misil de "Garage" teledirigido contra las convencionales formas musicales. "Dial 666" es un trallazo de directo Rock and Roll clásico, que nos prepara para "The Other side", tema marcado por un repetitivo "Riff", escusa perfecta para dar rienda suelta a las locuras del guitarrista en forma de acoples y distorsión. "Useless game" recuerda a la inolvidable Velvet Underground combinada con la más actual Miss Alex White, y el resultado es fantástico. La ultra-ácida "Dewayne's drone" posee la llave que abre la puerta de la música psicodélica más radical y brutal a riesgo de no regresar jamás de un mal viaje.

"Hallucinojenny" (¡que gran título!) transforma a Night Beats en unos dementes T. Rex pasados de vueltas. "Ain't a ghost" no baja el pistón, y poco a poco se desboca hasta desembocar en un delirio de electricidad, y entonces surge la excusa perfecta para coger aire con algo más tranquilo, un gran tema llamado "Meet Mr. Fork", más cercana al Folk-Rock psicodélico según las maneras de, por ejemplo, los Cynics del "Twelve flights up". La inquietante melodía del bombazo "War Games", conduce hasta "High noon blues", un ortodoxo blues seco y arrastrado, que repta con "slide" y experimenta con ráfagas de distorsión. "Little War in the Midwest" cierra el disco como un incendio provocado a lo largo de cinco minutos, y pone como colofón que estos Night Beats son una cosa muy seria. Sencillamente impactantes.

Nick Lowe

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 14 Dec 2011 16:07:47 PST

El próximo viernes 16 actúa Nick Lowe en Madrid, y seguro que será un gran día. Desde hace tiempo por aquí a este hombre se le aprecia, y mucho, y muchos son los discos, grupos propios y ajenos (en calidad de productor) con los que se ha involucrado a lo largo del los años. Desde finales de los 60 Lowe ha ido escalando las más altas cimas de la música Pop. Brinsley Schwarz definió a principios de los 70 el Pub Rock a golpe de cerveza y fabulosas canciones, y seguro que el viernes cae algún clásico como "Peace, love and understanding", y nos emocionaremos. Tras pasar página a los Brinsleys en 1975, Nick Lowe se lanza a su carrera en solitario con discos tan fundamentales como "Jesus of cool", "Pure Pop for now people" o "Labour of lust", y quizás el viernes suene la escalofriante "Marie Provost", o "So it goes" que fue la primera canción que escuché suya (gracias a un tío grande como Tomi), que aún sigue bombeando emoción; o también puede que asome en el repertorio "Little Hitler" o "Without love", y fijo que cae su gran éxito "Cruel to be kind" tan delicioso como si sonara en el tocadiscos de casa por primera vez. Son tantos temas maravillosos que uno cuenta los minutos para la cita del viernes con impaciencia.

Paralelamente a su trayectoria en solitario, y aprovechando su banda de acompañamiento de los 70, el super grupo formado por el también fenomenal Dave Edmunds, Nick Lowe protagoniza con Rockpile, desde mi punto de vista, uno de los momentos definitivos del Rock and Roll de vieja escuela, combinado las sensibles melodías heredadas de sus "hermanos mayores" de los años 60, con un desbordante Rock de sabor clásico que surca a su libre albedrío músicas llenas de vitalidad, con una crisol de sonidos que recupera los buenos momentos y aleja las penas. Solo editaron un disco ("Seconds of pleasure"), pero suficiente para convertirse en un favorito personal, del que quizás Nick Lowe toque el viernes "Heart" o "When i write a book".

En cuanto a su situación actual, se puede decir que Nick Lowe a sus sesenta y pico goza de una situación artística envidiable, quizás no tan vibrante como en los viejos tiempos de los 70, pero sí en cambio más madura y relajada, pero nunca acomodada. Cada nuevo disco es como una ráfaga de frescura capaz de emocionar, un viaje de placer seguro hacia la música Pop en todas sus acepciones, ya sea ejerciendo de Crooner, o probándose ese inmaculado traje de música Soul que le queda tan bien, sin renunciar al preciosismo de la canción Country, y siempre con esa voz cálida capaz de emocionar a todo aquél que esté dispuesto a escuchar su música con el corazón, y no como simple sonido de fondo. Sea como fuere, el viernes 16 va a ser un día especial en el calendario del casi agotado 2011, y es que con toda probabilidad será el concierto del año.

John Paul Keith, "The man that time forgot"

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 01 Sep 2011 14:37:44 PDT

John Paul Keith no es nuevo en este blog. Hace un par de años pasó por aquí su majestuoso y pletórico debut, "Spills and Thrills", y a día de hoy, por lo menos en mi caso, es un disco que aún no se ha "quemado" y suena tan refrescante y disfrutable como el primer día. Dos años después el bueno de John Paul vuelve a la carga con otra colección de canciones directas, sencillas, pero hechas con gran amor. Un amor por el Rock and Roll que se mantiene insobornable y enciende la mecha de una tradición que une Rhythm and Blues, Swing, Garage, Country, Soul o Pop. Su nuevo trabajo se llama "The man that time forgot", y en poco más de treinta minutos John Paul Keith se merienda un gran pedazo de pastel de música americana con una colección de canciones propias, tan jugosas como la tradición musical que revive.

John Paul Keith tras una amplia experiencia musical a mediados de los 90 en su Knoxville natal, posteriormente cambia su residencia a Memphis, Tennesse, donde por lo visto está a punto de abandonar la música, pero afortunadamente, la efervescencia musical local favorece la empatía con gente como Jack Oblivian o Harlan T Bobo, y es cuestión de poco tiempo que nuestro protagonista coja la guitarra de nuevo y forme su propia banda. Afortunados nuestros oídos por tan acertada decisión.

"The man that time forgot" nos trae al tiempo presente gloriosas épocas pasadas de Rock and Roll, cuando realmente era una música popular, abierta, extravertida, un gran rito de diálogo natural con el público, mediante solicitud-respuesta, mucho antes de que el artista se ahogara en su propio endiosamiento. Pero sobre todo "The man that time forgot" crea un hilo de conexión basado en el ritmo, como antes lo hizo Fats Domino, Bo Diddley o Hank Williams, pero tampoco se limita a copiar los patrones originales de manera idéntica. John Paul Keith tiene su cancionero propio, y os aseguro que es una fuente inagotable de bienestar, son temazos como la copa de un pino que no están al alcance de muchos.

Si me preguntaran que disco es mejor, si "Spills and Thrills" o este último, no me mojaría, ambos son impresionantes, y como en su día hice polvo mi copia de "Spills and Thrills" ahora le toca sufrir lo suyo a "The man that time forgot", y de momento me resulta imposible librarme de esas canciones. Adoro el tema que da título al álbum por su sencillez y ternura, "Never could say no" te espabila con unas palmas de lo más festivas, "Anyone can do it" es puro Bobby Fuller, el puente perfecto entre Buddy Holly y la British Invasion en los 60. "Afraid to look" engrasa el corazón con el nervio de la música de Garage. "Somebody ought to write a song about you" es una delicatessen Soul que te lleva de la mano por los estudios Ardent en Memphis en los 60 y 70, "Dry county" es un Rockabilly que seguro hace las delicias de los fans de Hi-Risers. "Bad luck baby" apunta al inmortal Buddy Holly pero con la perspectiva de la New Wave de un elegante Elvis Costello, y para coger carrerilla "I work at night" flirtea con el Swing más dinámico donde el órgano juguetón sustituye a la sección de metales. Pero que mejor que cerrar el disco con un sentido y melancólico Country como es "The last last call", en fin, que cada uno de los temas por una u otra razón es recibido con una enorme sonrisa, y este disco debería ser de obligada escucha para las gentes de bien y de mal vivir.

The Mirrors, "She smile wild"

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 24 Aug 2011 00:38:45 PDT

El ideólogo de los MC5, John Sinclair, conductor de la contracultura underground en los 60, poeta maldito, y freak del free Jazz, decía que la música tenía que contener un mensaje revolucionario. En el caso de MC5 y Stooges, a finales de los 60 dinamitaron el sistema musical, pero las promesas de Elektra records de convertirles en estrellas del Rock lo estropearon todo. Más adelante en la segunda mitad de los 70, los Sex Pistols escupían en la cara de la sociedad burguesa, haciéndose pasar por deshechos sociales en comunión con el mismísimo anticristo, y pronto se convirtieron en una pesadilla para padres y gentes de bien; pero por detrás eran Malcom McLaren y Vivienne Westwood los que movían los hilos del "monstruo", dos simpatizantes del movimiento situacionista que finalmente convirtieron a Sex Pistols en una marca perfectamente acoplada a la demanda del mercado, que sucumbió al poder del dinero y del mercado.

Paralelamente The Mirrors, en algún lugar perdido de América (Cleveland, Ohio), tocaban Rock and Roll inflamable sin ningún tipo de mensaje explícito, el mensaje eran ellos mismos, tan solo unos pocos acordes y una enorme pasión por la Velvet Underground, especialmente de atentados sonoros como "White light/white heat", pero con una actitud demoledora, entendiendo esta como un grito desgarrador hacia la recesión económica y el desempleo que vivía la ciudad de Cleveland desde finales de los 60, pero al mismo tiempo alimentaba una enorme creatividad llena de desesperanza y malas vibraciones, que dio lugar a una escena única y a un importante eslabón en la cadena evolutiva del Punk rock, antes de que este movimiento se catalogara como tal.

The Mirrors existieron desde 1972, y únicamente editaron un single grabado en 1975, pero no se editó hasta 1977, año en que el Punk pasaba por sus mejores momentos de popularidad. El single contenía "Shirley" como cara principal, pero es su cara B, "She smile wild", la que deja huella: las guitarras suenan absolutamente saturadas, y la voz es como el último estertor de alguien al que rajan la garganta, apasionada como el último instante de vida, en una radical invocación a "Sister Ray" de la Velvet, hipnótica en su sencillez, y mortífera en su insano sentimiento, perfecto ejemplo del poder expresivo del Rock and Roll y claro mensaje de sintonía con los esquemas ruidistas más radicales.

The Mirrors fueron un grupo vinculado a otras formaciones de Cleveland más conocidas como Pagans, los fantásticos Electric Eels, y sobre todo Pere Ubu, donde su cantante David Thomas, les publicó el single en su sello discográfico. Más adelante el batería de The Mirrors, Michael Weldon, estuvo muy vinculado a la publicación de revistas y libros sobre películas de serie Z a través de los títulos de "Psychotronic".

Escuchando a grupos como The Mirrors, Rocket from the Tombs o Electric Eels, todos ellos hermanos pobres de otras formaciones de culto más conocidas, uno relativiza lo escrito y quizás el premio de precursores del Rock and Roll más primitivo podría haber recaído sobre ellos. ¿Por qué no ha sido así? Imagino que demasiada dosis de realidad y ruido en estado puro les hace incómodos para salir en la foto, pero canciones como "She smile wild" valen más que mil palabras.

Howlin' Wolf, segunda parte

noreply@blogger.com (Pepo) — Mon, 15 Aug 2011 05:26:49 PDT

Continuando con la entrada anterior, nuestro protagonista Howlin' Wolf, tras grabar un puñado de influyentes temas en Memphis con Sam Philips, finalmente Chess Records gana la partida a RMP, y nuestro hombre se muda definitivamente a Chicago en 1953, para iniciar su fructífera carrera discográfica con Chess que durará hasta su muerte. Wolf cuenta ya con 44 años, y posee una extensa experiencia como músico, pero sobre todo sabe lo que es la vida y su dureza, que la dibuja con acordes de blues y su portentosa y áspera voz.

En 1954 Wolf comienza a grabar en los estudios Chess, pero ya no lo hace con su banda anterior. Willie Johnson, su tremebundo guitarrista desde hace años, entra y sale de forma intermitente, y el resto de músicos son reemplazados por los de Chess, pero no hay problema cuando se trata de gigantes de la talla de Otis Spann, Willie Dixon o Earl Philips. Durante ese 1954, ocurre un hecho decisivo en la carrera de Wolf, y no es otra cosa que la entrada del guitarrista Hubert Sumlin como miembro fijo, que con el tiempo se convertirá en una de las asociaciones más productivas del Blues eléctrico, y desde mi punto de vista, de la música popular en general.

Howlin' Wolf y Hubert Sumlin, ya se conocían desde hacía años, cuando un adolescente Sumlin presencia uno de sus explosivos conciertos en Memphis de manera clandestina y queda profundamente impresionado. A pesar de la timidez de Sumlin, a Wolf le cae bien el muchacho, y además se entera de que toca la guitarra, hecho que años después, cuando queda un puesto libre, no duda en llamar para ofrecerle el trabajo. La relación entre Wolf y Sumlin no siempre fue fácil, ya que estuvo marcada por frecuentes broncas y encontronazos, pero hay gran cariño en el fondo, y sobre todo entendimiento y compenetración artística, que se fortalecería con el paso del tiempo.

El bautizo de Hubert Sumlin se produce con el single "Baby how long" y "Evil", y el resultado es excelente, la primera posee un ritmo rápido-medio, mientras que "Evil" es más hipnótica y oscura, con Otis Spann dejándose los dedos al piano mientras Wolf acompaña con la armónica y canta con total poderío y firmeza. En estas primeras grabaciones el estilo de Sumlin aún no está perfilado, y se limita a una labor rítmica, dejando el peso solista para otro fenómeno de la talla de Jody Williams. Como se verá, Wolf siempre se rodeará de los mejores músicos debido a su extremo nivel de auto exigencia que le lleva siempre a dar lo mejor de si mismo, pero también a exigir la misma entrega por parte de sus músicos, lo cual le provocará no pocos quebraderos de cabeza ya que Wolf tendrá que luchar con los baches propios de la carretera (no exentos de alcohol, drogas y juego), fuente de problemas, conflictos e incluso peleas que le hacen ganarse fama de huraño y autoritario en nombre de la profesionalidad y el trabajo bien hecho, traducido en cada una de sus intensas actuaciones.

Volviendo a "Evil", está canción es de gran importancia por qué marcará el inicio de la colaboración entre Wolf, Sumlin y sobre todo Willie Dixon. Willie Dixon fue un ex-boxeador de cierto renombre, que después trabajó para Chess records, al principio como músico de estudio, tocando el contrabajo para los distintos solistas que graban para el sello, y posteriormente ejerció de productor y caza talentos para la compañía, pero lo más importante, escribió un montón de temas que grabarían diversos autores alcanzando con el tiempo la denominación de estándares de la música popular. Quizás los temas más memorables que compuso Dixon fueron para Muddy Waters, y por supuesto nuestro hombre, sin olvidarse de Sonny Boy Williamson, Koko Taylor, Little Walter, Bo Diddley, y un montón de ellos más. Se puede decir que Willie Dixon es al blues de Chicago lo que Smokey Robinson es a Detroit, Steve Cropper a Memphis, o Dave Bartholomew y Allen Toussaint a Nueva Orleans. Es decir, gigantes entre los grandes, y de vital importancia en el desarrollo y evolución de la música.

En 1956 Wolf edita "Smokestack lightin'", ya con Sumlin metido de lleno en la banda y la participación ocasional de Willie Johnson tan importante en los primeros años de Wolf. "Smokestack lightin'" posee un único e hipnótico acorde que se repite hasta el final, y evoca la vida en las áridas tierras de Mississippi, cuando lo único que se podía hacer era sentarse en el campo y ver pasar los trenes de noche. El tema está acreditado al propio Wolf, pero está inspirado en una vieja canción de Charley Patton que ambos tocaban en 1930 ("Moon going down"). Sea como fuere, "Smokestack lightin'" se ha convertido en uno de los pilares del Blues eléctrico que ha sido tocado y vampirizado hasta la saciedad, en especial por los grupos de Rhythm and Blues británicos que irrumpieron con gran éxito a mediados de los 60, pero sin alcanzar jamás la cota de intensidad y misterio del original. "Smokestack lighting'" fue un gran éxito en el mercado de la "race music", y con el tiempo Wolf repitió la formula en otros temas de similar estructura como "Mr. Airplane man" (1959), "I asked for water" (1956) más ralentizada e hipnótica si cabe, o la pre-secuela "Moanin' at midnight" de 1951.

En esta época se editarían otros clásicos fulminantes como "Natchez Burnin'", "Sittin' on the top of the world", "Moaning for my baby" con Hubert Sumlin creciéndose cada vez más con la guitarra, o una tremenda "Howlin' for my darling" que canaliza los aullidos de animal en celo de Wolf, sumándose un saxo tenor de lo más tórrido. Todas son composiciones de Wolf, que aunque sin saber leer ni escribir, plasma sus vivencias y sentimientos en temas propios. En cuanto al analfabetismo de Wolf, hay que decir que siempre estuvo en continuo movimiento, abierto a aprender continuamente, acudiendo a la escuela con 50 años, perfeccionando su estilo de guitarra tomando clases de otra gente, e incluso más adelante, empezó estudios relacionados con economía. Wolf en sus inicios quizás fuera una persona iletrada, pero más importante aún, sabia de que iba la vida, siempre con los pies en la tierra y dispuesto a evolucionar y aprender.

Como se ha dicho antes, "Evil" marca el inicio de una ristra de memorables temas compuestos por Willie Dixon, que a partir de 1960 hasta 1963 van a formar prácticamente la totalidad de las grabaciones de Wolf. Escuchar hoy día estas canciones hacen que el corazón se acelere, las pupilas se dilaten, y tú cabeza explote. El estilo de Hubert Sumlin a estas alturas está perfectamente consolidado, su guitarra suena afilada como un cuchillo cortante, y escuece como un látigo golpeando tus sagradas partes. En definitiva Wolf sabe como piensa Sumlin, y viceversa, hay compenetración absoluta, y esto se traduce en una forma de tocar el Blues de una manera totalmente única e innovadora, y sin tan siquiera saberlo cambiarían la forma de entender el Blues, y de la música popular en general. Con estas grabaciones ya nada sería lo mismo.

Lo mejor de todo, es que el repertorio de este período clásico se puede localizar en cualquier parte. Incluso en una gasolinera de mala muerte te puedes encontrar una selección con lo mejor de este período a precio de saldo donde no pueden faltar "Wang Dang Doodle", "Spoonful" y "Back door man", todas de inusitada fuerza. Es imposible no rendirse a la electrizante fuerza de "Wang Dang Doodle", un zumbido con Wolf en trance y la banda despidiéndose del mundo como si fuera lo último por hacer. "Spoonful" realmente es la adaptación totalmente renovada de otro viejo tema de Charley Patton ("A spoonful blues"), donde pone sobre el tapete la temática de las drogas duras, y por cierto, la apabullante guitarra solista se dice que está doblada por el increíble Freddy King. "Back door man", es la pata del taburete que falta, de nuevo tremenbunda, con ese irresistible intercambio de notas de piano y acordes de guitarra que harían ruborizarse a cualquier musicólogo, y una letra totalmente genial sobre infidelidades, polis y asesinatos en primer grado.

A este período pertenecen también "Down in the botton" y "The red rooster", esta última de nuevo otra puesta al día de otro tema de Patton. "Down in the Bottom" posee un riff de guitarra supremo que te lanza directo a la juerga de la barra de algún bar, "The red rooster" es más pausada e hipnótica, pero también más incisiva y sexual, una joya sin adulterar que constituye una de las mejores interpretaciones de Wolf. Por cierto en estos dos temas el propio Wolf toca la guitarra Slide con aplomo y sabiduría. En cuanto a la faceta de guitarrista de Wolf, siempre ha estado ausente o en un discreto segundo plano, siendo conocida más la de armonicista, pero según decía el propio Willie Johnson, era un magnífico guitarrista que no necesitaba a nadie. Otras joyas del período Dixon son "Shake for me", "You'll be mine", "I ain't supertitious", "Tail dragger", "Three hundred pounds of joy", o las no menos incendiarias "Built for comfort" o "Do the do", está ultima menos conocida pero un favorito personal, por su título capicúa, por su indecente saxo, y por la personalidad que imprime Wolf en el tema.

A pesar de los sensacionales temas que Willie Dixon le proporciona a Wolf, este no está contento con la situación, y quiere volver a grabar sus propias composiciones. Por otro lado, la relación entre Dixon y Wolf queda lejos de la cordialidad, y a partir de 1964 Wolf desgraciadamente deja de grabar los temas de Willie Dixon. Otro hecho significativo en este 1964 es el de su boda con la que sería su segunda mujer, Lilly, que acompañará a Wolf hasta su muerte. Por si fuera poco, añadido a la estabilidad sentimental y a su mejor momento artístico, en 1964 Wolf viaja por primera vez a Inglaterra donde es recibido como un Dios. Son muchos los grupos y solistas que le rinden sus respetos (y han tocado sus canciones) : Rolling Stones, Eric Clapton, Beatles, Animals, Spencer Davis Group, y muchísimos más. Todos los halagos están muy bien, pero mientras que sus colegas del otro lado del Atlántico viven una acomodada vida de estrellas, Wolf tiene que dejarse la piel en cada concierto para ganarse la vida.

Como se dijo más arriba, la asociación entre Dixon y Wolf llega a su fin en favor de tocar sus propios temas. Si bien no son tan explosivos como los de Dixon, sigue manteniendo el nervio y la tensión. Además, como soporte a la labor única de Sumlin como guitarrista, en esta época aparece la figura de otro guitarrista clásico del Blues de Chicago, ni más ni menos que Buddy Guy. Juntos graban otro de los puntos álgidos en la carrera de Wolf, "Killing floor", otra joya al que el calificativo de obra maestra se le queda corto, la voz suena más segura que nunca, y el muro de guitarras golpea sin piedad con ese sonido nítido y cortante, y de fondo se acoplan unos saxos que añade consistencia a semejante barbaridad.

A mediados de los 60 Wolf anda ya por los 55 años, y como es ley de vida su salud se empieza a resentir, pero nada de esto afecta a su carrera profesional, y muy pocas veces tropieza con la mediocridad, siempre da el cien por cien, incluso cuando al final de sus días, con tres ataques al corazón a cuestas, y sus riñones dañados que hacen que tenga que recibir diálisis un día sí y otro no, y saltándose las órdenes de médicos sigue actuando y grabando hasta casi el día de su muerte. En 1966 por ejemplo, graba "Commit a crime", de nuevo absolutamente fantástica, otra vez los chispazos eléctricos de Sumlin saltan en la oscuridad, la voz de Wolf como siempre pletórica, sección de ritmo apabullante, un único acorde pero infinito universo de posibilidades. Más adelante en 1968, por una maniobra de los hermanos Chess de modernizar el sonido de Wolf, graba un álbum con pinceladas psicodélicas adaptado a la época hippie del momento. En su mayor parte son re interpretaciones de sus temas clásicos con efectos de distorsión del tipo Fuzztone o Wah-Wah's. Como resultado el propio Wolf reniega del disco desde el primer instante, literalmente se refiere al disco como "mierda de perro". La verdad que escuchándolo no es mal disco, pero es cierto que tanto efecto suena sobre cargado para las maneras sobrias de Wolf.

LLegamos a 1970 y en ese año Wolf sufre un accidente de automóvil que provoca que sus riñones se dañen todavía más, aún así ese mismo año vuela a Inglaterra para grabar las "London Sessions" con músicos de Rhythm and Blues británicos. Con la ayuda de Steve Winwood, Eric Clapton y algunos de los Rolling Stones, re graban algunos de sus temas clásicos, pero sin alcanzar el incendio que provocan los originales, de todos modos sigue siendo un disco de Howlin' Wolf con la garantía de calidad y diversión que supone.

Transcurren los años y a pesar de la precaria salud de Wolf, este sigue grabando y actuando como si nada, pero en 1976 tras complicaciones renales finalmente fallece. Tan solo un mes antes había ofrecido uno de sus memorables conciertos, como si tal cosa, pero incluso los más grandes tampoco salen vivos de este agujero. Ley de vida.

Algunas interpretaciones memorables del cancionero de Wolf:

Link Wray, "Hidden charms", el auténtico psicópata de la distorsión, pisándole los talones a Hubert Sumlin.
Q65, "Down in the bottom", versión acelerada que acerca el Rhythm and Blues al concepto Punk de los 70.
Dion, "Spoonful", el dios del Doo Wop neoyorkino lo estaba pasando mal con sus problemas con la heroína, y está versión habla por si sola. Larga vida a Dion DiMucci.
The Rolling Stones, "Little Red Rooster", como siempre geniales (bueno, casi siempre), y la slide de Brian Jones echa chispas.
Little Feat, "Forty Four Blues/How many more years", increíble homenaje de una de las bandas sureñas más conmovedoras de los 70.
The Rationals, "Smokestack lightin'", para muchos una banda menor, para mi increíbles. Larga vida a Scott Morgan.
The Gun Club, "Cool drink of water", está basada en "I asked for water", y forma parte de "Fire of love", todo un tratado sobre Blues rural, Punk, magia negra, muerte y pecado.
Eilen Jewell, "How Long", vale no es de Wolf y la dulce voz de esta chica se aleja totalmente del estilo, pero aquí hay más groove y Howlin' Wolf que en toda la discografía de Tom Waits.

De regalo un vídeo con Wolf actuando ante unos emocionados Rolling Stones allá por 1965 cuando eran unos jóvenes fanáticos del Blues.

Howlin' Wolf, primera parte

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 02 Aug 2011 15:05:51 PDT

Howlin' Wolf y Muddy Waters tienen en común varios puntos: ambos nacieron en Mississippi, tocaban, sentían y respiraban música Blues, y por supuesto fueron decisivos en el tránsito del Blues rural al urbano (con un acento más eléctrico) a finales de los años 40; pero sobre todo poseían una gran dignidad en una época difícil para los negros, que por motivos raciales casi todo lo tenían en su contra, pero no se plegaron ante nada ni nadie, fueron afortunados por hacer de la música su profesión, y aunque más adelante (hacia los 60) muchos grupos blancos se hicieron millonarios a su costa, Muddy, Wolf y tantos otros siguieron tocando hasta el final de sus días, en clubes y garitos, lejos de conseguir la acomodada posición de sus discípulos. Lástima que se les haya reconocido cómo es debido después de fallecer y no mucho antes.

En cuanto a su música, Muddy Waters sonaba elegante, desprendía clase en cada nota y estrofa que cantaba, y era, por así decirlo, más comedido y moderado en sus formas. En cambio Howlin' Wolf era como una olla a presión a punto de explotar, su estilo era sudoroso, sexual y violento, tan imponente como sus casi dos metros de estatura y 130 kilos de peso, pero por encima destacaba su aplastante voz gutural, áspera como una lija, llena de misterio y emoción al mismo tiempo. Pero empecemos desde el principio, Howlin' Wolf nació como Chester Arthur Burnette en 1910 en West Point, Mississippi. Desde muy joven le llaman Howlin' Wolf por el viejo cuento de Caperucita Roja y el lobo que le contaba su abuelo. Sin tiempo para ir a la escuela, el joven Wolf trabaja las áridas plantaciones a muy temprana edad, pero al poco tiempo se niega a hacerlo y provoca las iras de su madre, de estricta moral religiosa, y le echa de casa. Sin un lugar a donde ir, Wolf se traslada a casa de su tío, pero la cosa no mejora, es maltratado continuamente hasta que un día abandona el nuevo hogar; camina más de 70 millas hasta llegar a casa de su padre donde al fin encuentra cierta tranquilidad. La figura paterna tendrá gran importancia en el joven Wolf, entre otras cosas, cuando cumple 18 años le regala su primera guitarra.

Hacia 1930 ocurriría un hecho decisivo en la vida de Wolf, un día escucha el sonido seco de una guitarra, le gusta como suena y pregunta a su autor si le puede enseñar algunos trucos. El hombre en cuestión es Charley Patton, ni más ni menos que uno de los grandes nombres del Blues del período de entre-guerras. Patton, criado en la plantación de Dockery, con sangre Cherokee en sus venas, fue uno de los Bluesman más prolíficos y decisivos de la época. Entre 1929 y 1934 grabó gran variedad de temas, que han ido marcando a una generación tras otra, incluido Howlin' Wolf, del que siempre ha dicho ser su autor predilecto, del que hereda, o mejor dicho, aprende, su forma de cantar, así como el sentido del espectáculo, basado en un dinamismo poco frecuente en el Blues. Patton muere en 1934 a los 42 de un ataque al corazón, dejando únicamente una única y enigmática fotografía, pero sobre todo una impresionante ristra de temas, tan crudos como intensos, que a pesar de su desnudez no disminuye el impacto.

Wolf practica con la guitarra día y noche a la vez que se recorre con su maestro Charley Patton los Juke Joints de estados como Mississippi, Arkansas o Tennessee. Los Juke Joints eran antros de dudosa reputación donde los negros se reunían para jugar y divertirse, y el alcohol destilado ilegalmente corría a litros con todos los problemas que conlleva: peleas, navajas, pistolas y en ocasiones homicidios. En este ambiente Wolf dio sus primeros pasos en el mundo del Blues a la vez que alternaba el trabajo de campo. Otro encuentro decisivo fue con su cuñado Rice Miller, más conocido como Sonny Boy Williamson II, casado con su hermanastra. Sonny Boy fue un consumado e influyente armonicista, que enseñó a Wolf algunos trucos que le valieron para modelar su estilo a la armónica, y años después serían compañeros de sello en Chess records. También le influyeron mucho otros autores como Tommy Johnson, Blind Lemmon Jefferson, Lonnie Johnson, Son House, e incluso Jimmie Rodgers en su forma de cantar los "Yodels", que constituyen una modulación de la voz típica en la música Country y Bluegrass.

Hacia 1941 Wolf es enviado a Seattle para cumplir con sus obligaciones militares, pero finalmente en 1943, por suerte, le dan la carta de libertad a causa de su incapacidad para adaptarse a la vida castrense, aunque sus frecuentes crisis nerviosas también ayudan en su prematura licenciatura. Vuelve a casa y sigue alternando el trabajo en el campo con la música, actuando en los Juke Joints y Fish Fries. En 1948 forma su propia banda, y juntos se trasladan a West Memphis, Arkansas. El grupo poco a poco se gana una reputación en la ciudad por la pirotecnia y electricidad que lanzan en sus actuaciones; no obstante Howlin' Wolf se ha graduado en la escuela de Charley Patton y ha cogido tablas suficientes para impresionar a cualquiera que presencie sus actuaciones, y por si fuera poco, tiene un asombroso guitarrista que consigue sacar chispas de su guitarra, es ni más ni menos que Willie Johnson, pilar fundamental en la trayectoria de Wolf durante muchos años.

La fama de Wolf crece como la espuma, y es contratado en un programa de radio (KWEM) para interpretar sus temas, donde también coincide con su amigo BB King. Por otra parte, Ike Turner (establecido en St. Louis con su banda The Kings of Rhythm), que trabaja como cazatalentos para el sello de Los Angeles, RPM (propiedad de los hermanos Bihari), llega a West Memphis y presencia una actuación de Howlin' Wolf y su banda. Automáticamente son fichados por RPM para grabar un single, y lo hacen ni más ni menos que con Sam Philips, futuro propietario de la Sun Records, que definió el sonido de Rock and Roll clásico de los 50 gracias a sus seminales grabaciones con Elvis, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins y muchos otros. Wolf y compañía viajan a Memphis donde Sam Philips tiene su modesto estudio de grabación, el Memphis Recording Service. Como resultado, entre 1951 y 1953, Wolf y su banda graban un puñado de temas que a la larga es de lo más incendiario que ha publicado Wolf en su amplia carrera, en parte gracias a la intensidad de Willie Johnson, que sin imaginárselo, aunque de forma muy indirecta, con su sonido de guitarra distorsionado y sus acordes sacados del Swing, ya estaba adelantando los cimientos de la música Garage y Punk que vendría muchos años después.

Paralelamente, Sam Philips en esta época, antes de fundar su propio sello Sun Records, además de trabajar con los hermanos Bihari, también lo hace con los hermanos Chess de Chicago, que tenían un sello discográfico llamado Aristocrat, al que rebautizan Chess Records. Esto hace que Sam Philips ofrezca las grabaciones de Wolf a las dos discográficas, tanto a RPM como a Chess, esto desemboca en litigios judiciales entre los dos sellos por los derechos de autor de Wolf. Finalmente, tras duras negociaciones, Wolf es cedido a la Chess en 1953, hecho que pone fin a la primera etapa de nuestro hombre, que es la desarrollada en Memphis junto a Sam Philips y Ike Turner, y según el propio Philips hablando de Wolf, es el autor más excitante con el que trabajaría, y para su desgracia ve como abandona Memphis para trasladarse al Down South de Chicago, donde los hermanos Chess tienen su propio estudio de grabación en el legendario número 2020 de la Avenida South Michigan. Algunos temas de este periodo son: "Ridin' in the moonlight", "How many more years", "Crying at the daybreak", "Howlin' Wolf Boogie" o "Mr. Highway man" por poner unos ejemplos. Todos ellos son escalofriantes ejercicios de Blues minimalista, algunos con apenas un par de notas que se repiten como un extraño mantra que libera el espíritu a base de electricidad, con una banda difícil de superar; se dice que en esa época, únicamente la banda de Muddy Waters (la clásica formación con Little Walter, Jimmy Rogers y Otis Spann) era la única que podía hacerle frente. Sea como fuere destaca por encima de todo la gutural y ronca voz de Howlin' Wolf, que hace de cada interpretación, una pieza única, directa e inflamable, como un pequeño incendio, siempre con la tensión de una cuerda apunto de romperse, o la vena del cuello apunto de reventar. Aún así, como se verá en la siguiente parte, lo mejor estaría aún por llegar.

"Howlin' Wolf Boogie" de 1951, siempre adelantado a su tiempo

Rockpile & Billy Bremner

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 20 Jul 2011 16:42:13 PDT

Antes de presentar al bueno de Billy Bremner y Rockpile, conviene echar un vistazo al siguiente vídeo puesto a máximo volumen. Cuerpo y espíritu lo agradecerán.

Si no has sentido un estremecimiento, un retortijón de Rock and Roll en las tripas o un vuelco al corazón, quizás deberías hacértelo mirar, nada mejor para arreglarlo que una buena dosis de discos de Chuck Berry, Everly Brothers o Buddy Holly, pero empujados por la energía del mejor Pub-Rock, y a ser posible con una buena compañía y cerveza en abundancia.

A todo esto, el grupo del vídeo es Rockpile, grupo inglés al que todos los superlativos se quedan cortos, lo tenían todo: energía, actitud rockera, grandes canciones y tocaban como nadie sus instrumentos. Grabaron un único LP (sin contar los discos de Dave Edmunds y Nick Lowe donde colaboraron), ¡pero vaya LP!, todo un desinhibido tratado de como sentir y tocar Rock and Roll, pero con la sensibilidad Pop de los mejores maestros de los años 50 y el Mersey Beat de los 60. "Seconds of Pleasure" (así se llama su único trabajo) lo puedes regalar en bodas, bautizos y funerales, que siempre triunfarás. ¿Quién se puede resistir a temazos como "Heart", "A knife and fork" o "When i write a book"? Descubrir este disco, sencillamente, es como volver a nacer.

Rockpile hicieron feliz a su público entre 1976 y 1981, hasta que determinados factores pusieron punto final a su memorable existencia. Se dice que cuando el grupo actuaba o grababa como banda de acompañamiento para otros, todo iba como la seda, en cambio, cuando grabaron sus canciones, empezaron a salir a la superficie tensiones y rencillas que desembocaron en la posterior separación del grupo.

Rockpile lo formaron Dave Edmunds, tremendo guitarrista, excelente cantante y autor de algunos discos imborrables. Nick Lowe, bajista y mejor cantante, dueño de una discografía intachable, empezando por Brinsley Schwarz hasta llegar a la exquisita madurez actual, con discos incluso mejores que sus clásicos de los 70. Terry Williams, siempre en el segundo plano de la batería, fue el encargado de inyectar todo el nervio que el grupo necesitaba. Tiempo después los Dire Straits le secuestraron. Por último, aunque no menos importante, está Billy Bremner, guitarrista, cantante y versátil músico que ha trabajado para un montón de gente: Pretenders, Carlene Carter, Phil Everly, y muchos más. Cuando su ocupada agenda se lo permite, graba algunos discos a su nombre. El último hasta la fecha es "No ifs, buts, maybes" del 2007. Aunque no es un disco perfecto, posee por lo menos media docena de temas ampliamente disfrutables, entre los cuales, a mi parecer, hay dos que son auténticas maravillas: "Where we still call home" y sobre todo "I can't name them all".

La citada "I can't name them all" conecta inmediatamente con los irresistibles Rockpile, una canción que te atrapa gracias a su bonito riff inicial, posee un dinámico ritmo que te rodea sin escapatoria, para luego abrazarte y convencerte con ese demoledor estribillo y coros inolvidables, economizando los solos de la guitarra en favor del desarrollo completo de la canción. Casi cuatro minutos de pop clásico cortado por el patrón de delicioso Rock and Roll, que recupera como nadie el espíritu de Rockpile en su mejor época, aún sabiendo que todas sus épocas fueron buenas.

"You're like a good book you can't put down
you're like a five star movie in quadraphonic sound
like a classic car or a Harley D, like a number one record or a symphony
you're like a bouquet of roses smellin' so fine
you're like a young princess lookin' so devine
image Cinderella, the belle of the ball
you're like so many good things - I can't name them all"

Mavis Staples

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 13 Jul 2011 11:45:48 PDT

Mavis Staples para mí es de las pocas leyendas que quedan en pie. Inició su carrera a principios de los 50 con Staple Singers, grupo familiar de padre y hermanas, con Mavis como voz solista. Inicialmente se limitaron a la música Gospel, pero desde principios de los 60 su encuentro con Martin Luther King fue decisivo, no solo en lo musical, los Staple Singers estuvieron comprometidos totalmente con el Movimiento por los Derechos Civiles, que trató de derribar las barreras segregacionistas empezando por las infames leyes de "Jim Crow", objetivo que consiguieron pero a un precio demasiado alto. "Represión" y "estupidez humana" destrozaron la vida de muchos hermanos y hermanas cuyo único delito fue haber nacido con otro color de piel. Por desgracia parece que aún no hemos aprendido la lección.

En la segunda mitad de los 60 dicho Movimiento por los Derechos Civiles estaba en pleno auge, y propicia que la estancia de los Staples Singers en Stax records esté plagada de grandes discos que les catapulta directamente al estrellato y éxito masivo. Posteriormente, tras la banca rota de la Stax a mediados de los 70, debido a la megalomanía de un ambicioso Al Bell, los Staples van de discográfica en discográfica, pero ya no es lo mismo. Atrás quedan los días de gloria del pasado y el grupo se separa finalmente a mediados de los 80.

Mavis, la pequeña de los Staples, continúa publicando discos en solitario, pero los años ochenta no son la mejor época para estilos como Soul, Blues o Gospel. A pesar de todo, Prince, por entonces una gran estrella, echa una mano a Mavis produciendo y editando en su discográfica un par de discos que pasan con más pena que gloria. En 1996 Mavis publica un disco de gospel y espirituales tributo a Mahalia Jackson, pero no es hasta el 2004 cuando comienza el resurgir de la artista, primero con "Have a little faith" (Alligator records), pero sobre todo "We'll never turn back" del 2007 la trae de nuevo a la actualidad musical. Es un soberbio disco conceptual sobre los Derechos Civiles, en una época convulsa donde se pisotean los derechos de un país entero como Irak, en una guerra ilegal contra el terrorismo. "We'll never turn back" lo produce Ry Cooder, y es una deliciosa colección de temas tradicionales en su mayoría, donde la voz de Mavis desprende emoción en cada instante, y no es que Mavis Staples reproduzca un estilo concreto de música de raíces, sencillamente habla a la perfección el lenguaje del Blues, Soul y Gospel con desbordante credibilidad.

En el 2008, aprovechando el tirón de gracia de Mavis, traducido en premios, reconocimientos, buenas críticas y un montón de actuaciones, sale a la luz un disco en directo de título "Live: hope at the Hideout". Lo que aquí se cuece nada tiene que ver con medianías ni con versiones descafeinadas de su cancionero, como muchas veces sucede en este tipo de discos. En "Hope at the Hideout" Mavis Staples juega en casa, en su Chicago natal, y triunfa por todo lo alto. Se nota que el público la quiere y la respeta, y eso hace que la cosa funcione desde el primer minuto, como un acto litúrgico lleno de alegría y belleza tocado con el dinamismo del mejor Rhythm and Blues, y propulsado por una banda en estado puro que comprende su música de manera excepcional. Tan solo un bajo, guitarra, batería, y coros ocasionales; una banda impresionante que respeta los silencios en los momentos más emocionales, y pisa fuerte cuando hay que rockear más duro, convirtiéndose en una infalible máquina de primitivo Rock and Roll. Mavis Staples disfruta cantando, y es capaz de transmitir esa sensación al oyente, parece no ser consciente de estar grabando un disco en directo, cuenta historias en un ambiente íntimo y relajado, se olvida de micrófonos para cantar a pelo, bromea, y en definitiva es capaz de crear una atmósfera llena de magia. Tal es así, que cuando termina el disco uno afirma aquello de "ojalá hubiera estado allí".

Afortunadamente dentro de muy poco la tendremos por España, y para mí es uno de los conciertos más esperados. No siempre se tiene la suerte de ver a una leyenda viva de la música popular, y encima si el recinto es de mediano aforo, lejos de la frialdad de pabellones, la cosa promete mucho más, y más cuando esta mujer de 72 años está en uno de sus mejores momentos artísticos.

El calendario de las fechas españolas lo podéis encontrar Aquí

Hoodoo Gurus

noreply@blogger.com (Pepo) — Tue, 05 Jul 2011 10:25:49 PDT

Continuando donde lo dejamos en la anterior entrada, Hoodoo Gurus son la evolución lógica de The Victims, aunque estos tiraban más hacia el Punk americano, cierto es que en sus temas ya se podía apreciar una fuerte carga melódica, corregida y aumentada en el siguiente proyecto de Dave Faulkner y compañía, Le Hoodoo Gurus, o simplemente Hoodoo Gurus a partir de 1981, fecha de publicación de su primer single.

Hoodoo Gurus son una banda a la que siempre he tenido gran respeto; hace muchos años un gran amigo me descubrió al grupo gracias a una canción incluida en una vieja cinta recopilatoria (que aún conservo con gran cariño). Desde la pletina sonaba un ritmo saltarín que recordaba el dulce balanceo de la Motown, e instantes después explotaba en un insistente estribillo que gritaba "I want you back", toda una declaración de principios Pop, mezclada con contundentes zarpazos de Garage Psicodélico y Hard Rock, que te recordaban que estabas vivo.

Desde entonces los discos de Hoodoo Gurus han formado una especie de referente en mi universo musical, y acudo a ellos de forma periódica, y aunque quizás no se puedan comparar a clásicos rompedores tipo "Pet Sounds", "Blonde on Blonde" o "Forever Changes", los discos de los Gurus, con sus aciertos y errores, son una auténtica delicia que inevitablemente atrapan tus sentidos a base de buenas canciones, y disco a disco han conseguido reafirmarse y hacerse con una voz propia, un memorable corta y pega de Cramps, Beatles, Flamin Groovies, Pretty Things, Bo Diddley, sus compatriotas Scientists, Big Star, y un sin fin de gigantes que gracias a ellos hacen este mundo más divertido.

Los Hoodoo Gurus con sus canciones nos dejan claro que se puede conciliar música para todos los públicos, de esa que gusta a casi todos y además vende, con una calidad incuestionable, pero sin perder la identidad artística. En el pasado ya lo consiguieron los Beatles o Fats Domino, por poner dos ejemplos de incalculable valor musical y social, y en la actualidad pienso en la deliciosa última película de Woody Allen, que podría estar en coordenadas similares pero trasladadas al cine.

Con el paso del tiempo a los Hoodoo Gurus nos les ha ido nada mal. Aunque creo que merecen mucho más éxito, han sido reconocidos en su país de origen (Australia) con premios, éxitos moderados, actuaciones multitudinarias, e incluso han arrimado el hocico de la fama a Estados Unidos, Inglaterra o Brasil. De todas formas gracias a ese discreto éxito aún se les puede ver por aquí en salas de mediano aforo, como por ejemplo el año pasado en el escenario de un pueblecito de Cantabria donde ofrecieron un concierto inolvidable, con un Brad Shepherd pletórico y recién recuperado de un cáncer.

Los Gurus a lo largo de 30 años han ido creciendo y haciéndose con una discografía intachable. Si bien unas veces han estado más atinados que otras, recapitulando algunos de sus trabajos, no tienen disco malo, y en cada uno asoman perlas de Pop de toda la vida, unas veces más suaves, otras más rockeras; prueban distintos estilos y géneros, da igual Psicodelia, Garage, Punk, Rhythm and Blues, Country o una de esas canciones Pop que hacen escapar lagrimones, siempre llevan la canción a su terreno con incuestionable solvencia, y lo mejor de todo es que aún siguen en activo sin bajar la guardia y son capaces de ofrecernos sus brillantes canciones, esperemos que por mucho tiempo.

Espero que disfrutéis "Waking up tired", además siempre me ha hecho mucha gracia este vídeo

The Victims, "Television Addict"

noreply@blogger.com (Pepo) — Sat, 26 Mar 2011 02:48:50 PDT

The Victims fueron una efímera banda de Perth, Australia, que operaron entre 1977 y 1979, en pleno huracán del movimiento Punk y por extensión del Rock and Roll australiano, formado por numerosas bandas con una forma de entender la música tan peculiar como acertada, siempre con ese lenguaje sónico que les sitúa en la frontera del Detroit Rock y el Punk de Nueva York, sin olvidarse de las melodías de los añorados 60 en su vertiente más cruda y garajera.

The Victims nacieron de las cenizas de un grupo llamado The Geeks, donde tocaban James Baker y Rudof V. Mención aparte merece James Baker, batería poseído por los demonios del Punk y Garage, que formó parte en la génesis de grupos como The Scientists, The Hoodoo Gurus o The Beasts of Bourbon, todos de gran calado en este blog. El tercer miembro en discordia es Dave Faulkner, quizás no muy conocido por el nombre, pero si hablamos de los antes citados Hoodoo Gurus quizás suene algo más. Por cierto, da gusto ver que los Gurus gozan de buena salud, aún capaces de publicar excelentes discos y ofrecer intensos conciertos.

En su momento The Victims grabaron unicamente tres singles hijos de su tiempo, con sabor a Sex Pistols, Modern Lovers, Ramones o Heartbreakers. Con apenas 20 años, sus limitaciones técnicas las suplían con entusiasmo, agallas y energía, pero sobre todo con excelentes temas que aún siguen sonando en las catacumbas del Underground australiano. "Television Addict" es su tema más conocido gracias a versiones que han hecho grupos como Hellacopters o los japoneses Teengenerate, pero sobre todo en el año 2002 fue incluido en el recopilatorio "Do the Pop!", mayúsculo doble CD que recoge lo mejor del período australiano 76 - 87.

"Television Addict" no se anda con florituras, va directo al grano, desde el primer segundo suenan las guitarras fuertes, insistentes y cercanas, como una potente descarga que penetra en el organismo pero te hace sentir bien, con esa voz descarada y expresiva, vocalizando cada frase sin pelos en la lengua, como si mañana se acabase el mundo.

"Leí las noticia el otro día
Sobre un niño que tiró
Salió y disparó a alguien
Al igual que en la serie Kojak"

El sonido es perfecto, amateur, como una herida en carne viva, de intensa y adictiva fuerza bruta, que esta vez no habla de amor, ni de cambiar el mundo, habla del día a día, con toda esa violencia que se cuela en los hogares a través de los rayos catódicos de la televisión, que nos promete evasión y diversión a raudales, pero lo único que ofrece son estúpidos debates y "talk shows" con vocación para sacar las entrañas de todo el que se ponga a tiro y generar agresividad.

"Los abogados dijeron que el chico estaba enfermo
Culparon a la calificación de su delito
Dijeron que mucho sexo y demasiada violencia
La caja tonta echó a perder su mente tonta"

Suenan los insistentes coros: "Adicto a la televisión, adicto a la televisión, adicto a la televisión ...", la canción transcurre inmutable, nerviosa y cortante como una cuchilla; forjada del mejor material del que está hecho el auténtico Rock and Roll: palpitante batería, urgente y venenoso "riff" de guitarra y una excelente letra tan vigente en 1978 (fecha de edición del tema) como en el presente 2011.

"Tú y yo pasamos nuestro tiempo
En frente de esta ventana al mundo
El hecho de estar viendo a Dinah Shore
No significa que necesite una operación de cirugía
No significa que mi mente se haya invertido
No significa nada"

Aunque en el fondo la culpa de nuestras miserias no es de la tele, ni de los bancos, ni de los gobiernos, sino de nosotros mismos, habitantes de un mundo cada vez más enfermo que va demasiado deprisa, en una carrera humana donde todo vale, cada uno quiere llegar el primero para conseguir éxito, dinero y posición, sin importar pisar al débil, y en el medio la televisión, sedante de manipulación colectiva para calmar el vacío interior.

The Victims se separaron en 1979 para abrir la puerta a proyectos más importantes por parte de sus integrantes, pero este "Television Addict" quedará para la posteridad.

Poptopia

noreply@blogger.com (Pepo) — Fri, 18 Mar 2011 12:59:17 PDT

Desde que The Who a mediados de los 60 acuñaran el término "Power-Pop" de forma inocente para describir su manera de entender la música, hasta llegar a la actualidad, el género ha evolucionado hasta ser asimilado como un estilo con carácter propio, un arma de doble filo que corre el riesgo de quedar atrapado en una rígido corsé anodino y estéril. Nos encanta poner etiquetas a todo, embotellar la música en su recipiente correcto, clasificar cada disco en el apartado adecuado. Estilos y subestilos son solo palabras que se lleva el viento, el incombustible Rock and Roll va mucho más allá, vuela libre y cada uno de sus eslabones encadena su propia historia de melodía, y arroja chispazos incandescentes llenos de urgencia juvenil que moldean la canción.

Los Beatles cuando empezaron fueron continuadores de la tradición iniciada por Buddy Holly, irrepetible chico bueno del Rock and Roll, algún año después surgirían los Who, mucho más agresivos y "negroides", pero también con un instinto innato para dar con emocionantes melodías. Pronto la lista de memorables grupos en los 60 sería inabarcable: Byrds, Easybeats, Hollies, Zombies, y por qué no, también nuestros maravillosos Brincos, son una pequeña muestra. La magia se acabaría pronto. A finales de los 60, los singles de tres minutos pasarían a quedar como nostálgicos objetos de colección, y ocuparían su lugar los LPs de grupos que tocaban con gran pericia sus canciones de 10 minutos, y se hacían llamar sinfónicos, mucho más serios, inaccesibles y distantes que sus mayores.

El incipiente Power-Pop de principios de los 70, al igual que el Glam y el Proto-Punk, surgió como una alternativa al Rock sinfónico de Yes, Genesis o King Crimson, pero a diferencia de las hordas Glam, los nuevos grupos de Pop no lucían tan emperifollados ni provocadoramente suburbiales, su estética era elegante y sobre todo reivindicaban a los grandes grupos de Pop de los 60 antes citados, pero no de un modo revisionista, el influjo de grupos como los Who claramente estaba presente, pero sus canciones tenían personalidad propia, como un hermoso monstruo de Frankestein hecho de las ricas piezas de la música popular: Country, Folk, Blues, Soul o Rock and Roll.

En 1997 Rhino Records editó un CD que recopilaba lo más notable de la escena Power-Pop desde 1972 a 1979, es decir el periodo glorioso del género, y una excusa para dignificar los excesivos años 70 gracias a las presentes canciones inmunes al paso del tiempo. Como diría Bob Dylan "jóvenes para siempre". El CD citado se llama "Poptopia! (Power Pop classics of the '70s)", y con el tiempo sacarían otros dos volúmenes (de los 80 y 90 respectivamente), pero sin duda este primero es la madre del cordero, prácticamente de adquisición obligatoria si quieres disfrutar de enérgicas melodías pluscuamperfectas. Aquí se puede decir eso de "son todos los que están" aunque no "estén todos los que son", lógicamente una hora da para poco y tiene sus limitaciones.

The Raspberries fueron de los precursores del género con Eric Carmen a la cabeza, procedían de la rasposa Cleveland y entre 1972 y 1974 sacaron cuatro seminales LPs. "Go all the way" es uno de sus grandes temas, enérgica, sensible, inocente y directa. Todd Rundgren es el genio en la sombra, ideólogo y gurú de la canción Pop, mago del estudio de grabación, sus LPs desde los tiempos de The Nazz siguen siendo tesoros a descubrir (suena "Couldn't I just tell you"). La trayectoria del recientemente fallecido Alex Chilton es extraña como pocas, en los 60 con los Box Tops empezó haciendo Pop-Soul, su enorme chorro de voz se lo podía permitir, y más adelante a principios de los 70 forma Big Star, "ABC" de la música Pop, en su día incomprendidos, pero hoy justamente reconocidos. "September gurls" es tan bella como nostálgica, y grupos actuales como los grandísimos Teenage Fanclub les deben mucho.

Badfinger fue un grupo británico apadrinado por el mismísimo Beatle Paul McCartney, su historia fue muy complicada. Tenían todo el talento, grandes discos, pero problemas personales y managers sin escrúpulos les condujeron a un callejón sin salida. De mis favoritos, les conocí gracias a un grupo madrileño llamado Vancouvers que hacían versiones de sus temas, e incluso el mejor disco de Young Fresh Fellows ("Electric Bird Diggest") se lo dedicaban a ellos. El grupo maldito más bello (suena "Just a chance"). Pese a todo, en la vida hay grandes placeres, y uno de ellos se llama Flamin' Groovies, auténtica pasión para el que escribe, prototipo de banda ideal. Sus dos periodos clásicos son maravillosos, hasta 1972 con Roy Loney son una debilidad personal, pero su siguiente etapa Pop es toda una delicia, lástima que la admiración a sus iconos (Beatles, Byrds, Chuck Berry...) redundara en demasiadas versiones y menos originales, cuando muchas veces los temas propios superaban a los ajenos. Suena "Shake some action", y cuando muera quiero que suene en mi funeral o donde sea.

Pezband se movieron por Chicago hacia 1977, en la época dorada del imperdible, publicaron "Baby it's cold outside", auténtica maravilla que no debería faltar en cualquier cassette de "Rock and Roll romántico" que se precie, aquél que grabas a un amigo o a una chica para decirle lo que no puedes con palabras. Escuchando esta canción de nuevo sigo sin comprender por qué la música comercial no va en esa dirección. The Rubinoos en 1978 crearon un hit en potencia, de esos para bailar hasta el amanecer con las cervezas en alto al ritmo de "I wanna be your boyfriend", un magistral guiño a los Ramones y al "Get off my cloud" de los Rolling.

Desde mi punto de vista, sin Nick Lowe la música Pop quedaría huérfana, y no incluir un tema suyo sería punto menos que delito. "Cruel to be kind" por mucho que suene uno nunca se cansa. Una maravilla grabada junto a los imprescindibles Rockpile (otros favoritos) que llegaron a grabar un LP tan bonito como imprescindible ("Seconds of Pleasure"), pero por lo visto cuando no trabajaban en proyectos de sus miembros en solitario (Dave Edmunds y el propio Nick Lowe) las fricciones salían a relucir y la cosa no terminó del todo bien. Nick Lowe en la actualidad sigue tocando y publicando discos maravillosos, igual o mejores que los clásicos de los 70. Sencillamente el más grande.

Paul Collins puede estar orgulloso, en 1979 junto con su banda The Beat, publicó uno de los discos más excitantes de la época, canciones que llevaban marcada la melodía a fuego en sus surcos, sin una sola mala y todas claras candidatas a singles. "Rock and Roll girl" fue la más popular, pero se podría elegir cualquiera al azar y dar en la diana. En un mundo justo Paul estaría viviendo en el acomodado olimpo del Rock and Roll, pero en su lugar sigue grabando y ofreciendo sudorosos conciertos como solo él sabe hacerlo.

Por último, me gustaría recordar a los The Crépitos, un grupo de León que durante los 90 predicó en el desierto. Entre tanta música indie-pop eran prácticamente los únicos, un auténtico soplo de aire fresco, que tan pronto tocaban temas de Flamin' Groovies o Tom Pety, como reivindicaban a los Sex Pistols o Deep Purple, pero sobre todo componían canciones tan bonitas como "3 o'clock".

Guadalupe Plata

noreply@blogger.com (Pepo) — Sat, 26 Feb 2011 03:17:34 PST

Echando la vista atrás en este blog, casi todos los ilustres protagonistas, o bien están muertos o son viejas glorias a punto de cumplir su "último telediario". He de decir en su defensa, que ni el tiempo ni los cambios erosionarán su esencia, una milagrosa razón para creer en una música inmortal gracias a su grandioso legado pasado, pero también a un presente preservado por un número de buenas bandas que aportan su pequeño grano de arena en la escala evolutiva de esta música.

Gudalupe Plata son un claro ejemplo de clasicismo bien entendido. Tocan primigenio Blues rural, aquel que tocaban Charlie Patton y Skip James en los lejanos años 20, o más adelante Elmore James y Hound Dog Taylor deslizando psicóticos acordes por su guitarra Slide, sin olvidarse de los demoniacos exorcismos del más insano Garage-Blues de los Gories y Billy Childish, en un Boogie eterno que escupe esputos de John Lee Hooker, sin olvidarse de la invasión británica de grupos como Yardbirds.

Esto no es el sur profundo de USA, ni estamos en el Delta del Mississippi. Guadalupe Plata vienen de Andalucía, más concretamente de Úbeda, Jaén, tierra de olivos orientada hacia el valle del Guadalquivir, y adoptan el Blues como su lenguaje de expresión natural. No hay nada forzado en ello, el Blues fluye por su sangre con la misma naturalidad con que tocan sus instrumentos. La cosa es simple, tan solo una batería, una guitarra de semicaja, y un palo clavado a un barreño que hace las funciones de bajo. Parece simple pero no lo es, detrás de esa aparente sencillez hay muchos ensayos y sobre todo amor hacia una música que mucha gente creía muerta. Nada más lejos de la realidad, Guadalupe Plata llenan las salas de conciertos allá donde van, y gustan a un grupo de gente cada vez más amplio. Algo está cambiando y eso está bien.

Guadalupe Plata tienen un par de discos: un mini LP de 10 pulgadas, y un reciente LP que todavía no ha sido materializado en soporte físico, aunque se puede descargar en su web (al igual que el 10''). Las canciones siguen la iconografía de lo absurdo, grotesco e incluso apocalíptico, como tomarte la última copa en un tanatorio, buscar refugio en un prostíbulo de mala muerte, o convivir con la comunidad "Freak" de un bar de estación, todo inundado por un oscuro y malsano sentido del humor, en la más pura tradición de la Catrina, símbolo mexicano que representa la muerte de manera satírica con sus dosis de superstición y misticismo. Casualmente el inventor de la Catrina fue José Guadalupe Posada.

El citado primer 10'' pulgadas se compone de seis tremendas canciones, toda una declaración de principios demoniacos, "seis" según la biblia es el número más imperfecto, el número del Diablo. Por eso, no podía ser de otra forma que el disco empiece por "I'd Rather be a Devil", retorcida elegía inundada por un eco sobrenatural, primigenio y arcaico, pero también insano y eléctrico. "Satan la tenía guardada y la fundió en plata", reza la estupenda contraportada del disco, mientras una mujer nos muestra las seis canciones escritas en lápida. Unos cantos tribales introducen el siguiente tema, "En este cementerio", sólido latigazo que no oculta el peso de Elmore James, con frases cargadas de directo doble significado ("Nena nena nena nena sácame a bailar, que tengo los huesos tiesos, ya no lo puedo aguantar"). "Baby me vuelves loco" arranca con un grito desesperado, es un lascivo Boogie conducido por un mugriento Saxo en choque frontal con la distorsionada guitarra de Perico. "500 mujeres encima de un coco, 500 perros, 500 monos" así abre la hipnótica "500 Mujeres", una barbaridad llena de surrealistas referencias, poderosa y pantanosa, saturada con desfiguradas y precisas muecas de guitarra Slide. "Jesus está llorando" regurgita toda la fuerza de los Yardbirds, con el ideólogo de la guitarra eléctrica Jeff Beck al frente, en un acerado lamento cargado de bilis. El disco termina con la alucinada "Oh my wai", chatarrero invocación a un Billy Childish trasladado al pasado entre cantos Espirituales y campos de algodón.

"Tú familia no te olvida", así dice el texto de la portada, críptico epitafio para un grupo que crece en cada concierto y en cada escucha, que esperemos nos sigan proporcionando buenos momentos por muchos años. De momento si aún no los habéis escuchado, aquí en su web, podéis descargaros gratis sus fascinantes canciones. Buen provecho.

Grandioso video

The Dream Syndicate, "The Days of Wine and Roses"

noreply@blogger.com (Pepo) — Fri, 18 Feb 2011 14:31:19 PST

De acuerdo con la perspectiva del tiempo, los años 80 no fueron tan malos, ni tampoco los 90, incluso el nuevo milenio nos sigue trayendo grandes grupos, nuevos talentos que alimentan esta música con buenas canciones, ajenos a una industria cada vez más globalizada y pre-fabricada. En este contexto, parte de la escena musical de los años 80 estaba dominada por asépticos sintetizadores, y canciones huecas de usar y tirar destinadas a un público masivo. Paralelamente en Los Angeles, California, varios grupos independientes crearon el "Paisley Underground", etiqueta que englobaba a un montón de bandas que reivindicaban los años 60 como eje central, con sus diversos estilos, desde Country y Garage, hasta Pop y Psicodelia, en respuesta al atronador ruido que montaban las bandas de Punk y Hardcore de la zona de Los Angeles.

The Dream Syndicate estuvieron en el núcleo del meollo de ese "Paisley Underground", pero etiquetas aparte, desde el principio siguieron su camino, desmarcándose de la senda del resto para elaborar un sonido único que el tiempo ha mantenido fresco. Su trayectoria fue excelente, incluso al final de su carrera en 1989, publicaron un directo esencial ("Live at Raji's"), apabullante legado que cierra el círculo del mejor Rock and Roll de los 80. No obstante, desde mi punto de vista es su primer LP el que conserva toda relevancia y magia de los días pasados. "Los Días de Vino y Rosas" están aquí para quedarse.

Los inicios de Dream Syndicate son intensos y rápidos como pocos. Nacen en 1981 y toman su nombre de un viejo disco de Tony Conrad, influyente figura de estilo Avant Garde, algo así como un movimiento de vanguardia, y tras solo un mes graban su primer EP con cuatro desbocadas canciones. Las claves de su música están claras, Lou Reed y The Velvet Underground caminan a su libre albedrío. Portentosas referencias para una de las mejores conjunciones astrales materializada en banda de Rock and Roll. Steve Wynn, Karl Precoda, Kendra Smith y Dennis Duck, son unidad, son empatía, pero ante todo son pasión a mil años luz de casi todo lo que se cocía en la época.

Aparte de la evidente influencia de la Velvet Underground, las relaciones con esta banda no terminan ahí; al igual que Lou Reed y los suyos, son grandes admiradores del Dylan más eléctrico, pero también conectan con contemporáneos suyos como Television, Pere Ubu o The Fall, todos ellos también con vanguardistas lazos "velvetianos". Pero Dream Syndicate eran mucho más grandes que unos meros imitadores de la Velvet, en su primera época eran impredecibles, tan pronto tocaban de manera vanguardista e improvisada, como se transfiguraban en una sólida banda de Rock and Roll con las mejores maneras de Creedence Clearwater Revival.

En 1982 graban su primer LP, "The Days of Wine and Roses", un disco de inagotables matices que te atrapa y roba los sentidos, una experiencia sónica áspera como la lija, pero también con pasajes llenos de belleza, como si de una dualidad cielo-infierno se tratara, en el fondo no tan alejados entre sí. Toda una lección de lo que pueden hacer cuatro músicos con tan solo dos guitarras, bajo y batería. Guitarras que alargan el minutaje de la canción, pero no para dar salida a un virtuosismo (que no lo hay), sino para crear una atmósfera que empieza y acaba en la propia canción, unas guitarras que se entrelazan con maestría, secuencias de ritmos e inquietante Feedback a cargo de un Karl Precoda sensacional, y todo, claro está, con una actitud muy Punk repleta de frescura y espontaneidad, causa de la buena salud atemporal de este trabajo.

¿Y que hay de las canciones? No hay una sola mediocre, no hay momento malo, ni sobra ni falta nada. "Tell me when it's over" es una gran canción Pop con potente estribillo, poderosos juegos de guitarras y una cáustica letra. "Definitely clean" es un Rockabilly asesino, frenética, brillante, no exenta de melodía, y una guitarra acústica propia de un Hank Williams en anfetamina. "That's what you always say" comienza con el bajo poniendo orden, hasta que el muro de guitarras pasado por Fuzz rompe la tranquilidad, en llamamiento a la tierra de los sucios garajes. "Then she remembers" suena frenética, rítmica, salvaje, con un Steve Wynn fuera de si, mientras Precoda prende fuego con su notas disonantes. "Halloween" suaviza los ánimos, pero sin dejar de aplicar las hirientes guitarras en el sufrido oyente, una de sus mejores canciones que a buen seguro ha creado escuela en muchas bandas "Indies" de los 90, y como no, los solos de Precoda un homenaje continuo a la Velvet.

La otra cara del disco comienza con "When you smile", dolorosa perla, pausada, que repta hacia las entrañas, con chirriantes malabares de acoples y distorsión, e imponente riff que electrifica hasta el último pelo de la piel. "Until lately" pone sobre el tapete las influencias Blues de la banda, empieza pausada, pero paulatinamente el ritmo crece hasta desembocar en los desquiciados gritos de Steve Wynn. "Too little, too late" es el único remanso de paz; Kendra Smith se transforma en Nico por unos minutos, llevándonos de la mano por la Factory de Warhol, mientras suena una hermosa guitarra "Slide". El cataclismo final llega con "The days of wine and roses", un grito desesperado y temerario, conducida por monolítica batería, un "Freak Out" improvisado en clave de salvaje Psychobilly, con una inquietante distorsión que pone a Dream Syndicate en la liga de Gun Club (por algo les produce el disco Chris D).

Tras grabar "The Days of Wine and Roses", Dream Syndicate se embarcaron en una dura gira de invierno. Varios meses conviviendo en una furgoneta en circunstancias adversas, con bajísimas temperaturas, no contribuyeron a una armonía de convivencia entre los miembros del grupo. Primero abandona Kendra Smith y tiempo después Karl Precoda salta del barco, con lo que la indisoluble unidad se ve quebrantada y nada vuelve a ser los mismo. Continúan sacando buenos discos, pero en mi opinión, ni de lejos tan buenos como este "The Days of Wine and Roses".

La bella "Halloween" y su frase inmortal: "no creas las cosas que ves en la TV"

Dave Bartholomew

noreply@blogger.com (Pepo) — Sat, 12 Feb 2011 00:58:58 PST

Dave Bartholomew, nacido en la noche buena de 1920, no solo es un músico, arreglista y compositor de Rhythm and Blues, también representa parte importante de la cultura de una ciudad, Nueva Orleans, abierta y cosmopolita donde la música nunca para de sonar durante toda la noche, alzándose sobre el huracán y la pobreza los viejos sonidos de Blues, Jazz, Zydeco, y como no, las Brass Bands desfilando por la ciudad al ritmo de los vientos y tambores, que tan pronto guían una juerga continua como acompañan a una marcha fúnebre. John Kennedy Toole retrató magistralmente la ciudad en su desternillante novela "La Conjura de los Necios", y más recientemente la estupenda serie de TV "Treme" hizo un buen trabajo con su particular reconstrucción de la Nueva Oreleans post-Katrina, donde todo sea dicho de paso, nos muestra a nuestro protagonista Dave Bartholomew a la altura de los dioses, respetado e intocable como merece.

Con Dave Bartholomew se puede aplicar ese refrán, "de casta le viene al galgo", ya que procede de familia de músicos. Su padre tocaba la tuba en bandas locales de Swing y se lo lleva a los conciertos a muy temprana edad. En los años 30 una tal Peter Davis le enseña a tocar la trompeta, puede que este nombre resulte desconocido, pero si añadimos que fue el tutor del legendario Louis Armstrong, la cosa empieza a perfilarse como prometedora. Con solo 18 años Bartholomew se gana el respeto de la escena local, es contratado por la prestigiosa banda de Fats Pinchon con la que viaja por el río Mississippi, e incluso lidera su propia banda. Esto sucede entre los años 1938-41. Más adelante, con motivo de la Segunda Gran Guerra es llamado a filas, pero siguiendo su inteligencia y talento natural aprovecha la estancia en el ejército para aprender a escribir y arreglar música formalmente.

De vuelta a Nueva Orleans forma su propia banda, su prestigio local sigue en aumento, y es capaz de reunir a los mejores músicos de la ciudad, dando lugar a su legendario apodo "The Pit Man", una auténtica mina de ora capaz de tocar cualquier cosa que se le pida, gracias de nuevo a su talento y a su eterno trabajo en equipo con sus excepcionales músicos. Earl Palmer, Frank Fields, Alvin "Red" Tyler, Lee Allen, Ernest Mc Lean, y un jovenzuelo Fats Domino, eran algunos de sus socios, versátiles como pocos, con el "culo pelado" de tocar en toda clase de garitos, constituían una sólida e irrepetible unidad, tal es así que sin ellos probablemente Bartholomew no lo hubiera conseguido.

En 1949 nuestro protagonista ficha para una pequeña discográfica ("De Luxe") y graba como solista "Country Boy", poniendo sobre la mesa sus influencias de gente como Louis Jordan, auténtico padre del Rhythm and Blues. Pero el momento decisivo en la carrera de Barholomew fue su encuentro con Lew Chudd, capo de Imperial Records, en un concierto en Houston. Tras el encuentro, Chudd no se lo piensa y contrata a Bartholomew al instante en calidad de A&R (cazatalentos) y productor del sello. El resto es historia, desde 1950 a 1963 fructifica una de las asociaciones más memorables de la música popular, grabando a algunos de los músicos más legendarios de la zona en los no menos legendarios estudios de grabación J&M de Cosimo Matassa, cuatro reducidas paredes por donde han pasado desde Ray Charles hasta Little Richard, pasando por Dr. John, Allen Toussaint o Etta James.

Las primeras sesiones de Dave Bartholomew para Imperial, en calidad de productor, músico y compositor, comienzan en 1950 con "3x7=21" interpretada por Jewel King, ascendiendo a un digno puesto 4 en las listas de Rhythm and Blues. Ese mismo año Fats Domino, que ya había tocado el piano en la banda de Bartholomew anteriormente, comienza su inspirada carrera en solitario, plagada de éxitos; en total más de 100 grabaciones juntos que comienzan por un fulminante "The Fat Man", irresistible tiempo rápido listo para el baile, y de paso abre el camino para el revolucionario Rock and Roll hecho por blanquitos a mediados de los 50. También en ese 1950, Archival, mítico pianista de Nueva Orleans de gran influencia, grabó el clásico "Stack-A-Lee" convertida en standard con el tiempo, versionada hasta la saciedad (hasta los Clash hacían una entrañable referencia en "Wrong 'Em Boyo" de su aclamado "London Calling"), y mutando en "Stagger Lee" de Lloyd Price, masivo número 1 en 1958.

En 1952 surgen las primeras desavenencias entre el capo de Imperial (Lew Chudd) y Bartholomew, y este último abandona Imperial para trabajar con otros sellos como Specialty (hogar de Little Richard y Sam Cooke en sus inicios) o Aladdin. Resultado: la mina de oro es imparable y Bartholomew sigue cosechando grandes éxitos, especialmente "Lawdy Miss Clawdy" de Lloyd Price, un bonito y relajado Blues más adelante re-interpretado por el mismo Elvis. Ante esta situación, Chudd le pide que vuelva, pero esta vez Bartholomew pone sus condiciones, alternando su trabajo en Imperial con otros sellos, proporcionándole libertad, independencia y nuevas ristras de éxitos ("I'm gone" de Shirley & Lee en 1953).

Dave Bartholomew es un avispado hombre de negocios, sustentados estos en su talento, honestidad e incuestionable sello de calidad, pero no duda en dar oportunidades a músicos de ortodoxo Blues, género que lleva en sus raíces y genes. "Big Joe" Turner, T-Bone Walker o Pee Wee Crayton son algunos de los más importantes, de nuevo de gran influencia en las caras pálidas del Rock and Roll.

Muchos sitúan el año "cero" del Rock and Roll en 1955, y Chuck Berry, Elvis, Bill Haley o Little Richard fueron algunos de sus ilustres protagonistas, y como no podía ser de otra forma, el bueno de Bartholomew formó parte del poderoso huracán musical que se llevaría por delante a la bien pensante mentalidad norte americana. "Ain't it a shame" de Fats Domino consigue adentrarse en el mercado Pop más allá de las segregaciones raciales y prejuicios de la época, y los adolescentes de todo el país bautizan el sonido de Bartholomew y compañía como "The Big Beat", pero el bueno de Dave no hace caso de etiquetas y él solo cree en el "Sonido Universal".

Los años transcurren, el trabajo continua y los éxitos perduran. La lista de músicos y solistas sigue siendo espectacular, por las manos de Dave Bartholomew, en su etapa Imperial, pasan The Spiders, Roy Brown, Earl King o Chris Kenner, orgullo de Nueva Orleans gracias a incombustibles temas como "Land of 1000 dances" o "I like it like that". Mención aparte merece el grandísimo Smiley Lewis, respetado músico de Rhythm and Blues no reconocido los suficiente, que grabó gemas como "I hear you knocking" o "One night", está última sobre una orgía que Elvis consiguió suavizarla hasta llevarla a lo más alto de las listas de éxitos.

En 1963 termina la alianza entre Dave Bartholomew y Lew Chudd. Hay demasiados cambios: Bartholomew cesa su carrera de productor, Fats Domino ficha para ABC-Paramount y Chudd vende Imperial a Liberty records. Actualmente nuestro héroe con sus 91 años de edad goza de un merecido retiro, y aunque en 1990 entró en esa mentira llamada "Rock and Roll Hall of Fame", me da la impresión que la labor de este hombre no ha sido suficientemente reconocida, aunque poco importa, antes que Stax o Motown uniera blancos y negros al ritmo de la música, Fats Domino y los demás contribuyeron a que el Rhythm and Blues lo bailaran todos los colores, y claro, Dave Bartholomew siempre estuvo ahí.

Morrocotudo talento de Rhythm and Blues!

Larry & The Movers, "Summer Holiday Time"

noreply@blogger.com (Pepo) — Sat, 01 Jan 2011 10:41:00 PST

En este recién estrenado 2011 aquí estamos de nuevo rindiendo honores a la escueta canción de tres minutos, aquella que se alza por encima del LP completo y sobresale del resto, como una joya entre algodones camuflada entre material fácilmente olvidable, que sin embargo sobrevive a los envistes del tiempo y del olvido. Larry & the Movers publicaron en los años 80 un LP titulado "Best intentions" con clara inclinación hacia el revival sixties, pero trasladado a los sonidos de la nueva ola imperantes en aquella época, que no va más allá de ser un trabajo anecdótico que se quema por completo tras unas cuantas escuchas.

Está claro que Larry & The Movers no fueron la octava maravilla, tan solo unos músicos rindiendo homenaje a los añorados Beatles, Beach Boys o Kinks, a base de versiones y temas originales que quedan lejos de alcanzar lo sublime. Pero como pasa en ocasiones, ¿Quién no ha encontrado un objeto preciado entre la basura, un destartalado Bar lleno de encanto, o quizás alguna joya en el rastro de los domingos? De forma parecida es cuando un tema como "Summer Holiday Time" se desmarca de lo mediocre. Un irresistible puzzle hecho de piezas de Pop pluscuamperfecto: armonías vocales esplendorosas, ritmo dinámico y unas maravillosas guitarras que nos llevan de la mano con los primeros Beatles. Un regalo intemporal cuya tópica letra remite al disfrute, la pasión, a enamorarse, a encender el fuego de la vida, y en definitiva, intentar disfrutar de cada nuevo día; aunque es en la música y en el ritmo donde la canción cobra todo su sentido, y es entonces cuando de nuevo vuelve a suceder, la magia del Rock and Roll se activa pletórica en toda su pureza, y durante tres minutos un dulce optimismo inunda los sentidos, y te sientes bien, y por unos instantes alcanzas lo inalcanzable logrando apartar esos problemas cotidianos mientras suenan sencillos acordes de eternidad.

Os deseo a todos un próspero año 2011, que se cumplan todos vuestros deseos, y que la música siga sonando alta y clara mientras la banda toca canciones tan preciosas como "Summer Holiday Time".

Sonic's Rendezvous Band

noreply@blogger.com (Pepo) — Wed, 22 Dec 2010 06:19:53 PST

La Sonic's Rendezvous Band nació en Ann Arbor, Michigan, a mediados de los 70 como si de las cenizas del Ave Fénix se tratara. Retrocediendo unos años, a finales de los 60 y principios de los 70, ahí estaban los Stooges escupiendo veneno como nunca antes se había oído, los MC5 arrojando certeros proyectiles sónicos, y The Rationals mostrando su interesante fusión de música "garage" y Soul.

En 1975 se desintegra la irrepetible unidad de Stooges en favor de un Iggy Pop con clara vocación de estrella. Los MC5 se convierten en una parodia de si mismos, y el cansancio sustituye a la excitante energía y revolución sónica del pasado. En cuanto a los Rationals, su vibrante garage-soul poco a poco se difumina ante el escaso interés, a pesar de una solvencia más que probada.

Corrían malos tiempos para el Rock and Roll de Detroit, pero Fred Smith (ex MC5), Scott Morgan (ex Rationals), Scott Asheton (ex Stooges), junto con Gary Ramussen (ex Up's), no arrojan la toalla y forman la Sonic's Rendezvous Band, banda definitiva de Rock americano, que no estuvieron en el momento ni lugar correcto, en una época de escaso interés hacia el Rock and Roll de espíritu flamígero, en un Detroit cada vez más deprimido por el desempleo y las drogas.

El legado de la Sonic's Rendezvous Band fue escaso, tan solo un single auto financiado con una sola canción en sus versiones mono y stereo. No había dinero para más, y tampoco reciben el mínimo apoyo de una industria cada vez más caduca y focalizada en el dólar. Dicho artefacto contiene "City Slang", cinco explosivos minutos que reflejan a la perfección la vida en Detroit por aquella época; violencia y miseria activados por poderosos riffs de guitarras kamikaces, como solo Fred "Sonic" Smith sabe tocarlas, con Scott Morgan escupiendo exabruptos Soul, mientras Scott Asheton y Gary Ramussen conducen el ritmo en misión suicida. No hay adornos, tan solo un sufrido piano que es aporreado sin piedad, y los increíbles solos de la guitarra de Fred Smith repletos de rabia y dolor.

Con el paso de los años se les ha reivindicado, y es probable que de surgir en otro momento, hubieran corrido mejor suerte, o quizás no, quién sabe. En un mundo perfecto serían estrellas, pero eran demasiado ariscos y taciturnos, y además carecían del carisma de sus bandas predecesoras. En los últimos tiempos se ha publicado abundante material inédito (alguno de pobre sonido), y uno se pregunta hacia donde hubieran conducido su música de no haberse separado en 1980; pero es demasiado tarde, con Fred Smith muerto desde 1994 nunca lo sabremos. Solo nos queda su escaso legado y lo que poco a poco va apareciendo de sus archivos inéditos.

La majestuosa "City Slang" en su versión monofónica

The Everly Brothers

noreply@blogger.com (Pepo) — Sun, 12 Dec 2010 05:10:55 PST

Los Everly Brothers quizás no hayan trascendido tanto como otros de sus contemporáneos de los 50, al fin y al cabo Don y Phil han sido unos corredores de fondo, siguen vivos y han tenido que sortear los baches de la vida y de la fama (drogas, crisis nerviosas, etc), defender trabajos irregulares que no siempre estaban a su altura, superar largos años sin hablarse, o afrontar el rechazo de la industria discográfica, la misma que les encumbró en sus días de gloria.

Como se ha dicho arriba, afortunadamente Phil y Don siguen vivos, con más de 70 años por fin pueden echar la vista atrás y ver lo que han construido. Probablemente sin los Everly Brothers el Rock and Roll no sería lo mismo. Sin ellos Beatles, Beach Boys, Nick Lowe, Dion and the Belmonts, Simon y Garfunkel e incluso nuestro Duo Dinámico, quizás no hubieran existido, o al menos serían diferentes. Sin ellos en Inglaterra el Skiffle no hubiera evolucionado hacia el Rhythm and Blues y el Pop, y sin ellos al complejo puzzle de la música Popular le faltaría una pieza importante.

Don y Phil, hermanos reales, se criaron en Kentucky, procedentes de una familia de amplia tradición musical, su estilo se fue forjando poco a poco a base de escuchar a los grupos vocales de los años 30 y 40 (de The Delmore Brothers a Blue Sky Boys), pero también el entonces emergente Rhythm and Blues y la música Country, tan importante desde el principio. Tal es así, que el mítico guitarrista Chet Atkins, que ya había trabajado con prodigios de la talla de Hank Williams, como buen amigo de la familia Everly que era, con sus contactos proporciona a los Everly Brothers una oportunidad discográfica con Columbia primero (donde son rechazados), y luego con Cadence, que no solo les sitúa en el mapa del Rock and Roll de los 50, también les catapulta directos a las mieles del éxito, tan dulces como engañosas.

En 1957 el estilo de los Everly Brothers está firmemente asentado, y se caracteriza por un sonido simple con preciosas armonías vocales que se acoplan a la perfección, con Don encargándose normalmente de las partes más agudas y Phil las graves. Además ambos portan guitarras acústicas, no solo como elemento decorativo, al igual que Elvis en su primera etapa con Sun Records, su rítmico estilo añade dinamismo al sonido del grupo, estilo que ha sido admirado por Keith Richard públicamente.

Entre 1957 y 1965 los Everly Brothers fueron una insuperable máquina de producir éxitos, cambiaron el modo de entender la música Country y Blues, tiñéndola de una exquisita fuerza melódica, pero sin sonar empalagosos ni perder el norte de sus raíces. Incluso se dice que entre 1957-58 cuando salieron en una extensa gira con Buddy Holly, este absorbió su estilo y dio un cambio de orientación a su música.

Los Everly Brothers además se supieron rodear de la gente adecuada. Su benefactor Chet Atkins aparte de tocar en sus grabaciones, les puso en contacto con los mejores músicos del momento, con los editores musicales Acuff-Rose, imprescindibles magnates de la música Country de glorioso pasado, y lo más importante, con unos compositores de excepción. El matrimonio Bryant (Felice y Boundleaux) proporcionaron a los Everlys el mejor material del momento que encajaba en su estilo como una precisa (y preciosa) pieza de ingeniería.

Debutaron en 1957 con "Bye bye love", conocidísima pieza que rechazaron entre otros Elvis Presley, que combina a la perfección el poderoso ritmo de Bo Diddley con sus imperecederos juegos de voces. En la otra cara del single, "I wonder if i care as much", compuesta por Don Everly, empieza con un efectivo chasquido de dedos, continúa más pausada y compleja, pero las voces siguen sonando a gloria. "Wake up little Susie" es otro conocido tema, oído en anuncios publicitarios y películas hasta la saciedad, pero no por ello deja de ser irresistible. Se lanza a las listas de éxito con un dinámico ritmo impulsado por las saltarinas guitarras acústicas de la casa, y con una "inocente" letra llena de bilis y mala leche. "Maybe tomorrow", en la cara B, es otra composición propia, cargada de nostalgia e intachable belleza.

En 1958 debutan con "Should we tell him" firmada por los propios Everlys, un tema de Rockabilly tiznado de música Pop donde la guitarra de Chet Atkins dibuja artísticos garabatos sobre un lienzo lleno de ritmo. "This little girl of mine", en la otra cara, es un viejo tema de su admirado Ray Charles que lo dulcifican con total respeto hacia el maestro y lo llevan a su terreno. Suena "All i have to do is dream" y hay poco que decir: películas, campañas publicitarias, mercadotecnia... y aún así sigue conservando toda la belleza. En este 1958 el mismísimo Roy Orbison les cede "Claudette" que la hacen suya con sus ricas melodías y dinámicas guitarras acústicas características, al igual que "Bird dog", otra terapéutica píldora de Rock and Roll que calma las penas y ensancha el espíritu. "Devoted to you" es una desnuda y sencilla pieza que pone los sentimientos a flor de piel con esas voces cobrando total protagonismo. Mucho más enérgica es "Problems", todo un adelanto al sonido de "garage" que vendría después, pero más depurada y con clara vocación de himno Pop.

Pasamos a 1959 y los Everly Brothers no bajan el listón lo más mínimo. Debutan con el single "Poor Jenny" y "Take a message to Mary", toda una pareja de ases que llega a lo más alto. Ambas composiciones son de los Bryant, la primera ("Poor Jenny") arranca veloz y rítmica con Phil y Don fundiéndose en uno solo. "Take a message to Mary" cuenta una desgarradora historia llena de delicadeza, que pulveriza todos los sonidos del Mersey Beat juntos, convirtiendo esta pieza en favorito personal. "('Til) I kissed you", escrita por Don Everly, es una de esas golosinas que entra directa al "club de la inmortalidad" gracias a unos efectivos y sencillos arreglos de guitarra y batería, con un estribillo que actúa como un gancho irresistible. "Oh, what a feeling" de Phil Everly alcanza cotas de emoción insuperables, y aunque muchas veces se han escrito canciones de amor, los Everlys son de los pocos en condensar de forma certera el sentimiento en tan solo dos minutos.

1960 supone estreno de década, pero también el último año de estancia de los Everlys en el sello Cadence. Imagino que el cambio se vería motivado por cuestiones económicas, y no por un bache creativo. "Since you broke my heart" muestra otra vez las excelencias del grupo, mucho más eléctricos con las guitarras, y muestra su cada vez más creciente talento compositivo, talento que se desborda con "When will i be loved" de Phil Everly, ¿Su mejor canción?, difícil elección ante tanto oasis de grandeza, ¿El mejor riff de la historia del Rock and Roll? No lo dudes.

Los Everly Brothers continúan su reinado por Warner Brothers, su nueva discográfica, hasta la eclosión de los Beatles a mediados de los 60, que paradójicamente, aunque los nuevos sonidos beben de las ricas aguas del cancionero de los Everlys, suponen una herida mortal para ellos y otros grupos y solistas de caras bonitas, donde habitualmente son encasillados. Nada más lejos de la realidad, eran mucho más que eso. Los Everly Brothers eran el Pop en su faceta más vibrante, emocional, brillante y generosa. Hay pruebas concluyentes en cualquier disco de su etapa con Cadence Records.

"When will i be loved", o lo que es igual, la belleza de la música.

Chargers Street Gang

noreply@blogger.com (Pepo) — Fri, 03 Dec 2010 16:45:51 PST

La primera vez que oí hablar, o mejor dicho, leí sobre The Chargers Street Gang fue gracias a una revista, un "Ruta 66" del año 2003, donde venía una apasionada reseña de "Through the Windshield" (segundo trabajo de la banda) a cargo de Jaime Gonzalo. En ese disco los Chargers descubrían sus cartas de Punk huracanado y perturbadora distorsión, con una convicción que transmitía honestidad por los cuatro costados, sin disimular la enorme influencia de su productor e ideólogo Tim Kerr.

Tim Kerr se puede decir que fue un visionario de la música Punk. Activo desde la eclosión del Hardcore a finales de los 70, siempre se adelantó a su tiempo, pero la combinación de Blues, Funk y Jazz, con el Punk más bestial, no fue bien recibida, e hizo que fuera defenestrado por algunos de sus compañeros de viaje por su supuesta falta de "autenticidad" hacia el movimiento Hardcore. Pero al final el tiempo le dio la razón, pruebas concluyentes lo confirman: The Big Boys, Poison 13, The Monkeywrench (con la artillería pesada de mis queridos Mudhoney) o Lord High Fixers son solamente algunos ejemplos. Kerr, enciclopedia viviente, músico, escritor, pintor y productor discográfico, del que se han hecho varias tesis doctorales, no ha parado de hacer cosas, y en cada uno de sus proyectos, por "pequeño" que sea, se vacía, simplemente se involucra al 100%.

La lista de producciones de Tim Kerr da vértigo, se cuentan por decenas. Desde sus estudios Sweatbox en Austin, Texas, ha parido obras maestras de Fireballs of Freedom, Insomniacs, Makers, Money Suzuki, Cynics, Riverboat Gamblers, y por supuesto, nuestros protagonistas Chargers Street Gang; todos ellos bajo el común denominador de la música de alta energía, el refugio de los grasientos garajes, la apasionada y sudorosa música negra con la "Young Lions Conspirancy" sobrevolando sus cabezas, donde no hay etiquetas, solo cuenta la música pasional, directa al alma, sin aditivos ni conservantes. No hay límites ni fronteras, solo tienes que sentir la música para pertenecer a tan distinguida sociedad.

Volviendo a los Chargers Street Gang, la banda nació en el año 2000 en Cleveland, Ohio. Un grupo de chavales de apenas 20 años deciden unir fuerzas para tocar música visceral y sincera, siempre al límite, con la tensa cuerda apunto de romperse, una bofetada a las maneras asépticas de lo convencional, les amas o les odias, no hay más vuelta de hoja. El enérgico Rock de Detroit es su tarjeta de presentación como bien lo prueba su primer single ("Fun housing"), pero también cogen elementos de diversas fuentes (Television, Sonic Youth, la generación Beat o John Coltrane), sin olvidarse de su Cleveland natal y su excelente cosecha (Rocket from the Tombs, Pere Ubu, Pagans, Dead Boys...).

Su primer atentado sónico lo perpetran en el 2001. Se llama "Holy the Bop Apocalypse" y entran en contacto directo con Tim Kerr, que además de producir el LP, se crea un vínculo de empatía entre productor y grupo que se refleja en el resultado final. Existe una retroalimentación mutua donde los Chargers se empapan de la sabiduría y experiencia del maestro, y Kerr de la juventud y espontaneidad de la banda. De principio a fin es un pelotazo de adrenalina, un grito desesperado a Gerry Roslie de los Sonics, una invocación a todos los "asesinos" en masa del Rhythm and Blues, una inyección letal a la ingravidez y al aburrimiento. El Rock and Roll en su forma más revolucionaria y vital, con los amplis al rojo vivo, y esos saxos empapados de sabiduría "Hard Bop" que te retuercen las entrañas. "Raised on Richards" escupe metralla en liturgia hacia la música Soul, "Tom Waits for no-one" homenajea al genio Californiano sin bajar la cabeza, "Source awards" regurgita furia Stooge. "Shitty song" es la banda sonora del momento, "Canción de mierda" para un mundo de mierda donde siempre pagan los mismos. "Amazing disgrace" es el único medio tiempo, que apunta hacia Dylan, pero no queda exento del veneno suficiente para convertir esta obra en algo casi conceptual. Personalmente creo que con sus virtudes y defectos es un trabajo insuperable.

En el 2003 los Chargers lanzan su segundo (y último hasta la fecha) asalto discográfico. "Through the Windshield" es el título de la criatura. Si con "Holy the Bop Apocalypse", su anterior disco, pusieron el listón muy alto, este segundo no desmerece. Quizás no sea tan inmediato como el anterior, ni tenga los puñetazos de éste directos al estómago, pero la rabia la mantienen intacta, al igual que el espíritu de unión y pasión por la música sin retocar y en estado puro. Las primeras escuchas se hacen ásperas y difíciles, pero si se le da varias oportunidades con los oídos bien abiertos, "Through the Windshield" se abre como un fascinante universo repleto de encabritadas melodías, lejos de los clasicismos Pop, pero melodías al fin y al cabo. Al igual que el anterior trabajo, repite en la producción el genial Tim Kerr, con todo lo que supone, en cuanto a sonido y fuente de inspiración. Es en definitiva, un trabajo demasiado honesto, crudo y real que va más allá de la simple proyección comercial. Poco importa este aspecto cuando se está ante semejante material. "Green room", "(not talkin' 'bout) freedom", "2 east", "so i left", "trying hard to be heavy" o "Kruezberg" (donde se aproximan a los primeros Cure), por citar solo unos ejemplos, son deliciosos sarpullidos que mantienen su vigencia 7 años después.

Llegamos a la actualidad, y poco se sabe de los Chargers. Como se suele decir, "lo intenso debe sobrevivir", y esperemos que algún día nos entreguen otra ración de música certera e impepinable, pero sobre todo sincera hasta la médula, cosa muy poco frecuente en estos tiempos que corren.

Johnny Thunders

noreply@blogger.com (Pepo) — Fri, 12 Nov 2010 18:09:37 PST

Johnny Genzale nació en 1952 en Florida, aunque se crió en Queens, Nueva York. De niño se pasaba el día jugando al baseball, al mismo tiempo que desde la habitación de su hermana mayor se filtraban viejas canciones de Dion, Shangri-Las, Crystals o Angels. En el colegio le dicen que si quería seguir en el equipo debía cortarse el pelo, y así fue como el joven Johnny cambió el bate de baseball por su primera guitarra.

Johnny Genzale era un auténtico entusiasta del Rock and Roll, acudía a cuantos conciertos podía, y una vez finalizados, se aposentaba en la puerta para conocer a sus admiradas estrellas: Rod Stewart, Janis Joplin, MC5 o Keith Richards fueron algunos de sus objetivos. Pero quizás uno de sus momentos clave fue en 1969, cuando viajó a Inglaterra por primera vez, y presenció un concierto de T. Rex con un electrizante Marc Bolan al frente, cuyo estilo a la guitarra, directo y expresivo, marcaría al joven Johnny.

De regreso a Nueva York, Johnny Genzale tiene claro su deseo de montar una banda, y rápido llama la atención de Syl Silvain y Billy Murcia gracias a su peculiar imagen, una mezcla entre Keith Richard y Ronnie Spector. Poco después se unen al proyecto Arthur Kane y David Johansen y en 1971 se consolida el núcleo de los New York Dolls. Todo un ataque frontal a las buenas maneras a ritmo de atronador Rock and Roll, donde dejan muy claro que también los novatos tienen su lugar, una enseñanza que aprendería muy bien la futura generación Punk.

Rápidamente los New York Dolls se extienden como una enfermedad venérea, ofreciendo caóticos conciertos, tan memorables como desastrosos, dependiendo del grado de ebriedad de la banda. Salvo excepciones (Nick Kent) son defenestrados por la prensa musical, pero a pesar de todo tienen una aceptable acogida popular. En una época de pérdida de lo inmediato, los Dolls añadieron la magia que faltaba a la escena musical del momento.

En 1972 los Dolls viajan a Inglaterra para dar unos conciertos junto a los Faces, pero ocurre la tragedia, el fatal binomio alcohol-pastillas acaba con la vida del batería Billy Murcia, y a partir de ese momento empieza el holocausto emocional de Johnny Genzale (desde ahora Johnny Thunders), el año cero en su calendario de sufrimiento particular, y el inicio de una carrera hacia la autodestrucción. A pesar de todo, los Dolls se recuperan y encuentran en Jerry Nolan el perfecto sustituto de Murcia. Nolan era mayor que el resto y tenía más bagaje musical. Batería definitivo de Rock and Roll, Jerry Nolan se convertiría a la larga en uno de los mejores amigos de Johnny Thunders.

Entre 1972 y 1975 los New York Dolls aparte de ofrecer un montón de actuaciones, grabaron un par de discos tan rompedores como lo era el propio grupo, aunque ellos mismos renegaron del sonido. En los últimos años del grupo, Malcolm McLaren (futuro manager de Sex Pistols) tomó las riendas del grupo, y trata de convertirles en marionetas tele-dirigidas hacia la mercadotecnia. Ante esto Johnny Thunders y Jerry Nolan, ya por entonces junkies irredentos e inseparables, se quitan la caspa de encima y continúan su errático camino musical.

En 1975 Richard Hell, Thunders y Nolan forman The Heartbreakers, pero al poco tiempo Hell abandona para crear The Voidoids, otro pilar fundamental del punk neoyorkino. Con la entrada de Billy Rath y Walter Lure, los Heartbreakers se consolidan como un proyecto más democrático donde todos componen. Musicalmente son una sólida máquina de intenso Rock and Roll, que prenden fuego a Gene Vincent, Eddie Cochran, Chuck Berry o Bo Diddley con las chispas que desprenden sus imponentes amplificadores. Escoria para muchos, héroes para otros, la fama de junkies que les precede (que la prensa no duda en propagar) les cierra las puertas a posibles oportunidades discográficas, pero les importa muy poco, son jóvenes y viven el Rock and Roll con total convicción.

The Heartbreakers viajan a Inglaterra donde son recibidos con veneración, aunque su estancia está plagada de despropósitos. Participan en el "Anarchy in the UK tour" con Sex Pistols, pero la mitad de conciertos son cancelados por el escándalo de "God save the Queen", que arroja improperios contra la reina de Inglaterra. Son fichados por Track Records, el mismo sello de los Who, pero intentan estafarles. Mientras tanto los roces internos y la heroína mina la estabilidad del grupo, y para colmo son expulsados del país por problemas de visado. A pesar de los inconvenientes graban un impresionante LP, de esos que uno se llevaría bajo el brazo a cualquier lugar. "L.A.M.F" es un poderoso tratado de los tres acordes, donde la guitarra de Thunders quema y escuece, y sobre todo acompaña a unas canciones de impecable factura que recuperaban la inocencia del Rock and Roll. La versión original de "L.A.M.F" adolece de un raquítico sonido, pero en 1984 el propio Thunders lo remezclaría haciendo justicia a este imprescindible trabajo.

Los Heartbreakers tuvieron una vida breve, pero los lazos de unión no se cortarían prácticamente hasta la muerte de Thunders. Se juntaron en numerosas ocasiones para dar conciertos, e incluso cada uno de sus miembros por separado participarían ocasionalmente en los proyectos en solitario de Johnny, a excepción del guitarrista Walter Lure, que tenía que atender sus obligaciones en Wall Street como "broker" en bolsa. Genio y figura.

En 1978 Johnny Thunders vuelve a Inglaterra y forma un grupo con el premonitorio nombre de The Living Dead, una super banda con miembros de Sex Pistols, Only Ones y Hot Rods en sus filas. Después de engrasar a base de conciertos, Thunders y compañía se juntan en el estudio y graban su primer trabajo en solitario: el impecable "So alone", mucho más personal que lo anteriormente grabado, con exquisitos medios tiempos, pero sin olvidarse del Surf, Rhythm and Blues y las Girls Group's. A pesar de las caóticas sesiones, el resultado es uno de sus trabajos más sólidos de su carrera, claro que rodeado de talentos como Steve Marriott, Peter Perrett o Phyl Lynott, la cosa no podía fallar.

"So Alone" es editado por las poderosas Warner y Sire records y tiene una buena acogida entre el público, pero el fantasma de la adicción de Johnny le hace incumplir contratos y fechas, y ya se sabe que unos cuantos desplantes significan una cruz en la casilla de la desconfianza de promotores y discográficas, y eso significa sobrevivir a base de tocar en cualquier antro de mala muerte. En esta misma época, concretamente 1979, Johnny forma un nuevo grupo con su admirado Wayne Kramer (ex guitarrista de MC5), teóricamente una alianza perfecta, pero finalmente el proyecto acaba en alguna grabación pirata y poco más. Otra vez la heroína sobrevolando por sus cabezas.

Los 80 fueron años duros para Johnny Thunders, ofrece cientos de conciertos por todo el mundo, aunque muchas veces salga enfermo a tocar. Países como Francia, Suecia, Inglaterra e incluso España, le reciben con los brazos abiertos, pero especialmente en Japón es donde mejor público tiene, toca ante audiencias de miles de personas, e incluso la prensa aparca su leyenda de junkie para fijarse más en su faceta artística.

En 1983 graba "Hurt me", una pequeña maravilla acústica, compuesto por viejos temas propios y ajenos, donde Thunders armado solo con una guitarra se desnuda ante su público, dotando a las canciones de una desgarradora belleza sin necesidad de subir el volumen del amplificador. Una obra que sigue conservando una espectral cohesión de tristeza donde el animal se lame sus heridas.

Dos años después, en el 85, Thunders tiene nuevos temas preparados, y graba en los estudios Olympic de Londres lo que será su siguiente disco, "Que Sera, Sera". Quizás su trabajo más accesible, pero no por ello de menor calidad. Johnny siempre se consideró un "entertainer", cuyo objetivo principal era divertir a su audiencia, y "Que Sera, Sera" es un fiel reflejo, que no duda en abrirse a otros estilos musicales como el Reggae. La lista de invitados como siempre es impresionante: gente de Hanoi Rocks y Damned, John Perry, Stiv Bators, Wiko Johnson o su amigo Jerry Nolan.

En 1987 Thunders graba su siguiente trabajo, pero esta vez no lo hace solo, le acompaña su vieja amiga Patty Palladin que conoce desde los tiempos de los Dolls. No es un disco corriente, está formado íntegramente por versiones de temas ajenos, algo que Johnny siempre quiso hacer y se nota. La interpretaciones son muy buenas, y las voces de Thunders y Palladin se acoplan de una forma absolutamente deliciosa. Una pequeña golosina que acaricia los oídos. La selección de temas es de lo más variada, pero coherente con los gustos de los dos protagonistas. Seeds, Chambers Brothers, Elvis, Natalie Wood, y por supuesto, Shirelles, Shangri-las y Dion, son algunos de los autores versionados.

En los últimos años de vida, Johnny parece ser consciente de su situación. Padre de 3 hijos, junkie perpetuo y una salud que se va apagando poco a poco. ¿Nacido para perder? En mi opinión de fan, y sin ánimo de juzgar a nadie, Johnny fue un dotado compositor, cantante y guitarrista, que convertía una convencional canción de Rock and Roll en algo único, también tenía excelentes dotes interpretativas ("Mona et moi"), y gracias a esos dones, la vida le ofrecía nuevas oportunidades, pero caía para luego levantarse de nuevo, hasta que al final no pudo más. En su último año de vida se le detectó leucemia, pero no quiso ingresar en el hospital y en su lugar se fue a Japón de gira, y con el dinero recaudado quiso cumplir su sueño: viajar a Nueva Orleans y grabar el disco de blues que tanto quería. Efectivamente llegó a Nueva Orleans, pero una noche apareció muerto en su hotel en circunstancias extrañas. Hay varias hipótesis, que si asesinato, que si un camello le cambió ácido por heroína, que si sufrió una sobredosis de metadona... En fin, todo bastante turbio. A pesar de todo, en las últimas demos que grabó mantiene un gran nivel de calidad, temas tan clásicos como sus mejores canciones, con letras llenas de conciencia social, quizás consciente también del negro futuro que le esperaba.

Johnny Genzale murió en 1991, y pocos meses después a su amigo Jerry Nolan, recién rehabilitado de la mala vida, y lleno de ilusiones y nuevos proyectos, se lo llevó una neumonía. Puede que la muerte no sea algo tan malo y en la otra vida Johnny le diga a Nolan antes de un concierto: "como siempre, vamos al 50%".

10 canciones inolvidables de Johnny Thunders:

1) New York Dolls, "Personality Crisis"
2) New York Dolls, "Chatterbox"
3) The Heartbreakers, "Can't keep my eyes on you" (cantada por Jerry Nolan)
4) The Heartbreakers, "Born to lose"
5) Johnny Thunders, "Ask me no questions"
6) Johnny Thunders, "Great big kiss" (Shangri-las)
7) Johnny Thunders, "Sad Vacation" (acústica)
8) Johnny Thunders, "In cold blood"
9) Johnny Thunders, "M.I.A"
10) Johnny Thunders, "Disappointed in you"

Barrence Whitfield & The Savages, "Dig yourself"

noreply@blogger.com (Pepo) — Thu, 04 Nov 2010 12:19:01 PDT

No es cuestión de indagar sobre las virtudes curativas del Rock and Roll, ni de su significado o actitud. Realmente no hay palabras que lo defina. Solo sentimiento. Unas veces estremece, otras te conmueve, o simplemente saca tu lado más animal. "Dig Yourself" del morrocotudo Barrence Whitfield y sus Savages es un intenso tratado de salvaje Rhythm and Blues, donde en apenas 25 minutos se ventilan 11 clásicos que van directos a la entrepierna en su vertiente más festiva.

El disco data del año 1986, época en que la añeja música negra sin condimentar no era muy popular. Adiós Blues y Soul, bienvenidos al mundo real del Rap y del Hip-Hop. No pasa nada, ahí estaba el bueno de Barrence Whitfield, con sus pulmones de acero, resucitando a los grandes gritadores de los años 50 y 60, siempre con Little Richard por delante, con frenéticas baterías, crujientes saxofones, y una convicción a raudales, que tan pronto tocaban en un bar de mala muerte, como en tú propia boda, todo con tal de hacer pasar un buen rato al personal.

Barrence Whitfield and the Savages no se limitaban a reproducir fielmente un estilo, algunos de sus componentes venían de la escena garagera de Boston (DMZ y Lyres), hecho que añadía contundencia al asunto, pero sin perder la perspectiva del mejor Rhythm and Blues o la profana música Soul. Nada de tristeza, solo juerga y ganas de pasarlo bien, donde los aburridos solos de guitarra son sustituidos por tórridos saxofones; y con una ración de temas como "Hug me squeeze me", "Juicy fruit" o "Frieda Frieda", para empezar una gris jornada, ni el tipo más cenizo sobre la tierra te podrá arrebatar la diversión.

Barrence Whitfield quizás tenga discos con más sustancia, como pueda serlo el colosal "Let's lose it", pero este "Dig yourself" hace saltar los plomos del corazón en un cortocircuito lleno de apasionado y directo Rock and Roll. Mientras sigan existiendo tipos como Barrence Whitfield esta música gozará de buena salud. Créetelo.

Así se las gastaban Barrence Whitfield en 1985, navegando entre las aguas de Don Covay, Little Richard y Smiley Lewis