CADERNO TEATRAL

O mito em nova sonoridade

2010-03-10T02:26:00.005-03:00

O clássico grego Antígona, de Sófocles, montado e reinventado há seculos em inúmeros países, ganha, agora, mais uma interessante leitura, com “RockAntygona”. O texto original conta a mítica história da personagem título, que regressa à cidade de Tebas, após a morte do pai, Édipo - o que cegou-se ao descobrir que sua mulher, e genitora de seus filhos, Jocasta, era na verdade sua mãe -, que fora Rei e destronado por seus dois filhos homens, Etéocles e Polinices. Numa luta pelo reino os dois se matam, e é Creonte, irmão de Jocasta, que, como sucessor legal, recebe a coroa, e ordena que Etéocles seja enterrado com todas as honrarias, enquanto Polinices é deixado em terra nua, sem direito, sequer, a um sepultamento. A brava Antígona, então noiva de Hémon (filho do atual rei), se rebela às custas da própria vida para defender um enterro digno para seu irmão. A atual versão rock desta saga, é, na verdade, mais techno e atual do que o nome pode sugerir, e executada com precisão e ousadia. A dramaturgia, assinada por Caio de Andrade, suprime alguns elementos da história (como a irmã da protagonista, Ismênia, e Eurídice, mulher de Creonte), mas que não atrapalham sobremaneira a compreensão do enredo. Interessante perceber que Guilherme Leme, como diretor, consegue trazer concepções extremamente audaciosas e assertivas para o palco, de forma seca e direta. Os elementos contemporâneos, que compõe a narrativa, poderiam parecer inapropriados, se pensados isoladamente, porém, há uma subjetividade em cada tela que se forma à frente do espectador, que faz parecer o texto completamente moderno e apropriado. Marcello H., responsável pela chamada mídia eletrônica (produzindo os efeitos de som e passagem de tempo), faz o papel de Corifeu - o líder do tradicional coro das peças gregas. Creonte (Luís Melo), Antígona (Larissa Bracher), e Hémon (Armando Babaioff), parecem participantes de um reality show arcaico, criaturas que colocam as emoções em evidência, para fazer valer seu jogo de crenças morais. Abolindo um fazer teatral preocupado com a tradição grega, os personagens são colocados à mostra, sob lentes de aumento, com suas intenções, vivas, e seus defeitos e virtudes, expostos, como carne em açougue. Eles se dispõem, nessa encenação narrada, como peças fundamentais de um dinâmico quebra-cabeça, que fica suspenso no ar, mesmo para aqueles que já conhecem a trama. Extremamente bem sintonizado, o elenco de “RockAntygona” consegue levantar aplausos do público, e fazer valer o maravilhoso trabalho de cenografia e iluminação.

Serviço: Espaço SESC (RJ) | Quinta 20h, sexta e sábado 21h30 e domingo 20h

Sedução de uma boa história

2010-03-08T10:07:00.004-03:00

Muitas vezes, quando um artista se lança em outra função, ainda que domine a sua de origem, é encarado com preconceito por alguns. O novo assusta e, realmente, muitas vezes, soa como apenas uma aventura. Não é este o caso da atriz Lúcia Veríssimo, que faz sua estreia na seara da dramaturgia com “Usufruto”. Escrevendo uma personagem sob medida para si, ela criou a história de uma mulher de cinquenta anos, e um homem, de trinta, que se encontram na disputa de um apartamento, com vista para o mar, o qual ambos querem comprar. Ela, muito mais independente, livre, e entregue a seus anseios, do que ele, um correto rapaz, fiel a sua noiva e convicções. A partir de um jogo proposto pela libertária, o conservador percebe que não é tão fácil manter-se centrado em seus conceitos, e sucumbe a provocação daquela que parece disposta a tudo para levar o pedaço de mar enquadrado pela janela. É um confronto, uma disputa, como um leilão por um valioso quadro, onde os personagens, compradores ousados, lançam mão de ideias e ações que ganhem o outro concorrente. Uma das qualidades da atraente situação proposta, é mostrar o choque moral entre uma geração que descende da libertação sexual e outra, mais nova, e, inversamente, retrógrada. Isto, somado a qualidade do desenvolvimento, com diálogos precisos, fazem do texto uma interessante dissecação do desejo humano, remetendo, de fato, a alguns aspectos da filosofia de Roland Barthes (“Fragmentos de Um Discurso Amoroso”), homenageado pela autora. Ainda sobre a dramaturgia, apenas a sequencia final parece um pouco mais rápida do que o ideal, com uma virada abrupta do personagem masculino, talvez esta mudança tente representar a impulsividade da atitude dele, mas acaba soando como um corte do texto que, no entanto, em nada perde seu poder. A ótima direção é de José Possi Neto, que aqui aparece mais enxuto que de costume, e centra seu trabalho nas sutilezas do texto, na entrega do elenco e em sua (essa sim habitual) elegância de marcas e tempos, que não comprometem a fluidez do naturalismo da cena. O total êxito da montagem não seria possível sem o bom entrosamento e força dos dois atores que, como seus personagens, jogam juntos muito bem. Raphael Viana tem desempenho muito bom, extraindo vida e apelo de seu personagem, o qual vai desconstruindo ao longo da apresentação. Já a atriz, também autora da obra, domina totalmente a figura experiente que representa, sabe o que e como dizer, estabelecendo, sem exageros desnecessários, suas palavras, suas ideias, e suas ações, numa bela atuação sóbria, e não menos apaixonada. “Usufruto” é um espetáculo inteligente e sedutor, que merece ser degustado com um bom vinho.

Serviço: Teatro Faap | Quarta e quinta 21h

Pulsante montagem de um clássico

2010-03-03T02:10:00.012-03:00

Por Luciana Garcia

Talvez “Macbeth” seja, das peças de William Shakespeare, se não a mais popular, a que mais toca o imaginário do público – que permanece parado, de olhos acesos, e vidrados na trama (esquecendo-se completamente das mais de duas horas de duração do espetáculo). Isto ocorre devido ao tema da obra, escrita há mais de 400 anos, ser tão nobre, quanto plebeu: assassinatos movidos pela ganância são temas frequentes nos noticiários em todo o mundo ainda hoje. Obcecados pela ideia do poder a qualquer preço, Lady Macbeth instiga o marido, general do exército escocês, a aniquilar quem quer que seja, a começar pelo rei, para desfrutarem do poder e seus benefícios. Porém, crimes perfeitos não deixam suspeitos, e as coisas não ocorrem da maneira como eles planejavam. A tradução de João Dantas não se preocupa com a métrica shakespeariana e, provavelmente por isso, faz do texto uma versão mais próxima e compreensível, até para o espectador menos erudito. A novidade trazida pela brilhante direção de Aderbal Freire-Filho é uma deliciosa fusão de contemporaneidade que, no entanto, não desrespeita o caráter clássico do texto em momento algum. A montagem soube utilizar-se do bom gosto, não tendo a pretensão de arrancar o riso do público. É a tragédia da própria realidade – inevitável e cruel – que fica em primeiro plano, e tem seus momentos de sarcástico humor. O componente sobrenatural, presente na peça, é um destes momentos, onde as bruxas trocam seus macabros caldeirões por um, não muito mais elegante, chá das cinco. Todos os atores se revezam também na contraregragem, realizando uma coreografia com simplicidade e sincronismo, tornando ágil as passagens de tempo e espaço. Com quatro grandes tablados, dispostos em palco de semi-arena, controem-se mesas de jantar, cavalarias, salas e aposentos reais, entre outros ambientes, onde Daniel Dantas e Renata Sorrah vivem o casal protagonista com perfeita sintonia. Vale destacar que as participações de Felipe Martins, Erom Cordeiro, Charles Fricks, Andréia Dantas, Camilo Bevilaqua, Thelmo Fernandes, Guilherme Siman, Marcelo Flores, Ricardo Conti, e Edgard Amorim, são tão precisas e preciosas quanto as da dupla principal. Eles ousam em suas quase performáticas movimentações pelos diferentes ambientes, e não temem a overacting ao criar tipos que divertem e suavizam o clima de tensão que percorre a Escócia e Inglaterra. O dinamismo dos atores, e a versatilidade operada pela luz e som, agregados aos pouquíssimos objetos de cena, faz com que a narrativa ganhe uma fluidez muito interessante. Esta montagem de “Macbeth” é moderna, viva e pulsante, e leva ao público a já conhecida universalidade do bardo inglês ao seu ápice.

Serviço: Espaço Tom Jobim (RJ) | Sexta e sábado 20h30 e domingo 20h

Fantástico mundo no circo

2010-03-01T12:33:00.002-03:00

O Cirque du Soleil, fundado nos anos 1980 por Guy Laliberté, é hoje uma das maiores instituições privadas de entretenimento do mundo, arrastando verdadeiras multidões para seus espetáculos ao redor do globo, tendo grande sucesso de vendas dos cds e dvds de suas produções, e influenciando as artes performáticas. Originário do Canadá, país sem grande tradição circense, o grupo revolucionou a linguagem do circo ao dispensar animais e o picadeiro tradicional, e trazer elementos do teatro, da música, da dança e dos esportes, em espetáculos temáticos, cujo enredo e criação estética são exclusivos a cada trabalho. A partir dos anos 1990 o grupo se consolidou e teve grande expansão, passando a ocupar de forma fixa não apenas sua sede em Montreal, mas também teatros em Las Vegas e outras cidades americanas, além das orientais Tóquio e Macau. Já a turnê com seu repertório, ultrapassou fronteiras cada vez mais distantes, chegando inclusive ao Brasil, onde nos últimos anos a companhia já aportou com três produções. O atual cartaz no país é “Quidam”, de 1996, realizado por um dos diretores artísticos mais recorrentes na História do grupo: Franco Dragone. O espetáculo parte da imaginação de uma menina triste e solitária, cansada de sua vida, que anseia por emoção e diversão, mas é ignorada por seus pais alienados. Num dia, ela recebe a visita de um misterioso transeunte anônimo, um homem sem cabeça, mas que carrega um chapéu, é Quidam, o personagem do título. Ao colocar o chapéu dele a jovem é transportada para um universo fantástico: fascinante e assustador ao mesmo tempo; onde irá cruzar com figuras encantadas que parecem saídas de um sonho ou pesadêlo. Com um tom melancólico e onírico, a história, de certa forma, remete às jornadas das personagens Alice e Dorothy dos clássicos infantis “Alice no País das Maravilhas” e “O Mágico de Oz”. Esta linha dramatúrgica é sutil, mas estabelece bem o ambiente necessário para o show, e tem como principal qualidade criar uma trama surrealista com personagens humanos, ou próximo disso, dispensando as figuras animalescas, muito utilizadas pelo grupo. Já a interessante música de Benoît Jutrás tem um forte caráter espetacular e é essencial para consolidar o clima mágico e sensorial. Com uma estética mais dark e um pouco menos de exuberância que outros trabalhos, o espetáculo causa certa estranheza à expectativa inicial que se tem da companhia, mas é realmente encantador. É claro que não podemos nos esquecer que, apesar de todas as inovações, estamos num circo, e o foco principal são os números, dominados por acrobatas, equilibristas e malabaristas, sem deixar de lado os palhaços. E é neste ponto que reside a excelência absoluta da instituição, são profissionais de técnica impressionante, num alto nível de perfeccionismo. O conjunto é precioso, mas cabe destacar os números da roda alemã, com sua força e precisão, e o chamado Statue – Vis Versa, onde um casal, sem perder o contato com o corpo do outro, cria imagens impressionantes, num grande exercício de flexibilidade e concentração. Outro número de grande empatia com o público é o dos iôiôs chineses feito por quatro garotas. Ótimos, os famosos palhaços do grupo surgem aqui em duas versões: primeiro no simpático mestre de cerimônias, que permeia a presentação, e depois no palhaço principal que faz com desenvoltura seus números tradicionais com a participação de pessoas da plateia. Ao fim deste imperdível “Quidam” a sensação que se tem é que o sonho vale o ingresso.

Serviço: Parque Villa-Lobos | Quinta e sexta 21h, sábado 17h e 21h e domingo 16h e 20h

O trono é o palco

2010-02-26T10:23:00.006-03:00

Ao encarar a empreitada de encenar um clássico os artistas têm basicamente duas opções: a primeira é a reprodução do texto original, se esmerando na contextualização da época onde se passa a história e na fidelidade à ela, o que torna esse trabalho uma espécie de reconstrução da primeira montagem, e funciona principalmente como canal de contato do público com a obra na íntegra. No entanto, muitas vezes o resultado em nada acrescenta ao que já conhecemos e compreendemos do clássico tão fundamentado ao longo dos anos. Outro caminho é a busca por iluminar novos horizontes dentro da dramaturgia através de sua desconstrução, rendendo adaptações espaço-temporais na ação da peça. Obviamente o risco ao escolher esta opção é muito maior já que o produto desta experiência, ao desesquematizar um texto de sucesso, tem grandes chances de maculá-lo, fazendo revolver os mais puristas. Algumas vezes, porém, o lançamento em tal direção amplifica questões contidas na obra de forma revigorante e traz elementos muito interessantes. É este o caso de “Rainha [(s)]”, espetáculo que parte de “Mary Stuart”, texto de 1800 escrito por Friedrich Schiller, um dos grandes nomes da literatura alemã que, ao lado de escritores como Goethe, revolucionou a literatura de seu país no século XVIII, com o movimento Sturm und Drang. Na peça original, um drama histórico, é contada a história real de Mary Stuart, rainha católica da Escócia, que é aprisionada e sentenciada à decapitação por sua prima Elizabeth I, rainha protestante da Inglaterra, que lhe condena por conspiração. A melhor passagem do texto e centro da trama é o fictício encontro das duas rainhas - que nunca aconteceu na realidade -, rendendo uma cena antológica onde sentimentos como clemência, humilhação e orgulho se desenham de forma magistral no embate entre essas duas mulheres extremamente fortes e poderosas num tempo de homens. Na versão em cartaz esta cena-duelo entre as protagonistas é redimensionada dando origem à um confronto entre duas atrizes envolvidas num processo de montagem da obra, mostrando como a rivalidade das personagens se transfere para suas intérpretes em diferentes níveis como a mesquinharia cotidiana dos camarins, os ataques egoicos e as diferenças artísticas que definem os rumos. O resultado é um primoroso exemplo de apropriação e meta-teatro. A direção, de grande personalidade, é de Cibele Forjaz que, mais uma vez, trabalha com alguns dos pontos-chave de seu teatro: a metalinguagem e jogo entre atores, a apuração estética, e a relação com o público de forma decisiva. O centro de onde emana a encenação é o elenco, responsável pela adaptação com a diretora. Não é a toa que o subtítulo do projeto seja “Duas Atrizes Em Busca de Um Coração”: na arena labiríntica estão duas intérpretes apaixonadas travando-se uma com a outra e ambas com suas personagens. Em comum, as duas são arrebatadoras senhoras da cena, dominam o tempo e a linguagem, e demonstram um trabalho vocal acurado tanto na fala como no canto. Em particular, Georgette Fadel conquista a empatia do público ao se expor com graça autoirônica, e apresenta uma forte composição ao personificar Elizabeth I, transitando confortavelmente entre as duas personalidades distintas. Já Isabel Teixeira exibe admirável densidade, construindo pra si um estado que se funde ao de sua Mary Stuart de alta carga dramática. Cabe destacar ainda as presenças do pianista Manuel Pessoa, que executa a fundamental trilha, e de Elisete Jeremias, diretora de cena “em cena”. Em “Rainha[(s)]” o palco se transforma em trono onde duas grandes atrizes são coroadas, numa cerimônia inesquecível para o público.

Serviço: Tucarena | Sexta e sábado 21h e domingo 19h30

Foto: Bob Sousa/Caderno Teatral

Um encantador casal de atores

2010-02-24T18:32:00.005-03:00

No Brasil a História do teatro muitas vezes está ligada à História da teledramaturgia, em especial no que diz respeito aos nossos grandes atores, quase sempre com passagens por novelas e outros programas que os consagram popularmente. Um bom exemplo disso é a trajetória de Nicette Bruno e Paulo Goulart que formam há mais de cinquenta anos um dos casais mais famosos e queridos da televisão brasileira e que, sem nunca abandonar suas origens cênicas, sempre estiveram envolvidos com o teatro, seja como atores em importantes montagens, muitas vanguardistas, empresários da área (são produtores de diversos projetos e já chegaram a administrar teatros) ou mesmo como genitores de uma grande e profícua família de artistas, com filhos e netos exercendo o mesmo ofício. Há quatro anos a dupla está nos palcos com o sucesso “O Homem Inesperado” da dramaturga Yasmina Reza, uma das autoras francesas mais encenadas e premiadas no mundo, laureada pelo Les Molières e o Tony Awards, respectivamente os mais importantes prêmios teatrais da França e dos Estados Unidos. A peça se passa num vagão de trem onde um famoso escritor viaja de frente para uma ardorosa fã de seus romances. Sem se falarem (embora ela gostaria muito), eles se olham e imaginam sobre a vida do outro, tentam adivinhar seus pensamentos e fantasiam sobre as possibilidades de contato durante esta reveladora viagem. O texto, que recebeu boa tradução de Flávio Marinho, apresenta uma construção cuidadosa que torna rica e interessante uma situação que poderia ser enfadonha, já que praticamente não há ação ou diálogo direto. O mais interessante no trabalho da autora é a forma como ela cria as visões, um tanto burguesas, de seus personagens: ele como a figura pública idealizada por ela, ela como uma anônima descreditada por ele. A contida direção é de Emílio de Mello que tem como principal mérito estabeler os difíceis tempos de pensamento e seus ritmos, numa condução segura do elenco, equilibrando graça e emoção, dispensando arrombos e concentrando-se em contar da melhor forma a história. Ambos os atores exibem excelente rendimento: ela brinca por diversos tons e estados com uma fluição irrepreensível que instaura maior energia e cumplicidade com a plateia, já ele equaliza o andamento da cena com sua forte e pontuada presença, dosando a arrogância e charme de seu personagem. O espetáculo é, em última instância, um veículo para que a dupla divida com o público uma relação cênica de enorme intimidade, encantando e comovendo aqueles que prestigiam esse espetáculo não apenas pelas qualidades artísticas já citadas, mas também pelo carinho que têm com esses atores que há tantos anos recebem em suas casas por meio da televisão. Terminada a peça o casal fascina ainda mais seus espectadores com uma pequena dança e um beijo cinematográfico, como o esperado e ausente em “O Homem Inesperado”.

Serviço: Teatro Fashion Mall (RJ) | Sexta e sábado 21h30 e domingo 18h e 20h

Bom gosto em nova versão

2010-02-22T06:05:00.005-03:00

“O Lobo de Ray-Ban”, famoso espetáculo de 1987 estrelado por Raul Cortez, foi marcante na História do teatro brasileiro pela forma sensível como abordou o tema da bissexualidade, tabu ainda nos dias de hoje, e pela interpretação premiada do ator no polêmico papel do dono de uma companhia teatral, que lidava com os problemas e sentimentos envolvendo seu jovem amante, ator como ele, e sua ex-mulher, também atriz, os três envolvidos na representação de uma peça. Na mesma época o autor do texto, o ator e dramaturgo Renato Borghi, escreveu uma versão feminina da história, que ficou guardada por mais de vinte anos e finalmente está em cartaz: “A Loba de Ray-Ban”. Agora temos no centro da trama uma prestigiada atriz e empresária teatral que interrompe a apresentação do clássico grego “Medéia” surpreendendo os companheiros de cena: sua jovem amante, e o marido de quem se separou recentemente e que vai abandonar o projeto para se dedicar a uma telenovela. Em crise existencial e com algumas idas e vindas no tempo, a protagonista divide com o público-confidente suas angústias sobre os amores que sente, e também os encontros com seus pares, carregados ora de paixão e ora de ressentimentos, desembocando no confronto fatal, não por acaso a cena mais empolgante de todas. O pano de fundo do triângulo amoroso é o teatro onde eles representam as tragédias de seus personagens, e também seus dramas pessoais. Além de Eurípedes, passagens de outros nomes importantes da dramaturgia mundial surgem em cenas e citações, como Peter Weiss, Samuel Beckett, Jean Genet e Calderón de la Barca. As várias referências enriquecem e localizam o texto que, salvo quando recorre à altivez exagerada, tem a delicadeza e sofisticação como principais marcas, sendo uma afirmação do amor: ao teatro e ao que brota em volta dele. Conduzindo a encenação está mais uma vez José Possi Neto, responsável também pela primeira versão, que opta pelo caminho da austeridade e valoriza o caráter operístico da história, criando imagens de enorme beleza plástica aproveitando muito bem o deslumbrante espaço cênico, e extraindo de seu elenco grande força dramática. Christiane Torloni, que fez a ex-mulher anteriormente, é agora a protagonista absoluta, e interpreta sua grande atriz de forma intensa, com domínio de palco e uma entrega física admirável, divertindo e emocionando a plateia, da qual tem toda empatia. Outro remanescente da versão masculina (em sua passagem pelo Rio de Janeiro) é Leonardo Franco, que de amante passou à ex-marido, e apresenta um trabalho vigoroso, em especial na sua primeira aparição e na última cena. Maria Maya consegue extrapolar o tamanho de sua personagem e dá amplidão aos questionamentos da jovem atriz. Completando o elenco estão Renato Dobal e Ana Lopes Dias, respondendo bem por suas pequenas participações, tendo o primeiro um destaque maior. O bom gosto da montagem e a possibilidade de conhecer, pelo olhar feminino, um texto marcante do nosso teatro, merecem apreciação em “A Loba de Ray-Ban”.

Serviço: Teatro Shopping Frei Caneca | Quinta e sábado 21h30, sexta 21h30 e domingo 19h

As qualidades de uma comédia

2010-02-10T10:39:00.010-02:00

Neil Simon é seguramente um dos maiores autores de comédia da dramaturgia norte-americana, criador de grandes sucessos da Broadway é também próspero roteirista de cinema, ganhador de um Globo de Ouro pelo filme “The Goodbay Girl”. No teatro recebeu os mais importantes prêmios do Estados Unidos como o Pulitizer, Mark Twin, e três vezes o Tony de melhor texto, sendo o primeiro por “Estranho Casal”, de 1965, que foi encenado em todo o mundo rendendo quase dez milhões de espectadores. A peça ganhou diversas adaptações como seriado de televisão, série animada, uma versão teatral feminina e o famoso filme dirigido por Gene Saks e estrelado por Jack Lemmon, pelo qual foi indicado ao Oscar de melhor roteiro. A história traz dois amigos divorciados morando juntos após o metódico Félix ter sido expulso de casa e mudar-se para o apartamento do bagunceiro Oscar, e mostra como eles terão as mesmas dificuldades e desgastes de um casamento como os que perderam, uma situação que fala de forma bem humorada a todas as pessoas que têm ou tiveram problemas de relacionamento. A escrita é ágil e bem feita, com personagens ricos, uma construção primorosa e total domínio da técnica de comédia em ações e diálogos deliciosos. A montagem brasileira traz o famoso teledramaturgo Gilberto Braga como responsável pela irrepreensível tradução e adaptação que consegue manter a mesma graça do original e se comunicar totalmente com o público local. O diretor Celso Nunes realiza uma encenação eficiente e realista em perfeita sintonia com o texto, mantendo por todo tempo o ritmo. Os atores têm excelentes preparos físico e vocal, e estão afiadíssimo com seus personagens, a começar pelos protagonistas: Carmo Dalla Vecchia exibe grande energia em sua interpretação que domina a cena como o amigo desleixado, enquanto Edson Fieschi apresenta com sensibilidade sua interessante composição do neurótico. Em hilariantes papéis secundários, Bel Garcia e Suzana Ribeiro (duas das melhores atrizes de sua geração no Rio de Janeiro) conseguem alcançar excelente tom, sem medo de flertar de forma desenvolta com o caricatural o que lhes garante arrancar ao lado da dupla principal as maiores gargalhadas da platéia. Como coadjuvantes masculinos cabe destacar os trabalhos impagáveis de Marcelo Varzea e Rogério Freitas, que completam o elenco ao lado de Marcos Acher e Renato Wiemer, ambos também se saem muito bem em seus personagens. “Estranho Casal” é um programa prazeroso pela forma envolvente como o texto e seus atores entretêm e divertem.

Serviço: Teatro Folha | sextas 21h30, sábado 20h e 22h e domingo 20h

Precisão em trabalho admirável

2010-02-08T08:50:00.002-02:00

A cena contemporânea carioca tem entre seus principais expoentes a premiada Cia. dos Atores, formada por artistas de uma espécie de círculo privilegiado que se relaciona extremamente bem com a força de seu teatro experimental e a capitalização do mesmo. Os integrantes do grupo, com características bastante claras como o uso da metalinguagem e a busca por uma sofisticação cênica e dramatúrgica, construíram parceria que se estende em outros projetos oficialmente fora da companhia, mas que mantêm as mesmas linguagens e inquietações. Este é o caso de “In On It”, texto do dramaturgo canadense Daniel MacIvor, inédito em nosso país, que recebeu encenação do diretor da companhia: Enrique Diaz, uma referência brasileira na estética e conceito teatral que se convencionou chamar contemporâneo, que aqui trabalha com dois atores também colaboradores do grupo. O texto possui uma estrutura complexa de formato para comunicar, em seu conteúdo, uma história bastante simples, mas não menos comovente sobre um casal de atores (ou um ator e um dramaturgo) e como sua história - real ou ficção - atravessa o fazer teatral e vice-versa, em três níveis que passam pela criação narrativa da peça dentro da peça, o diálogo na relação entre os dois personagens-atores e estendendo a metalinguagem aos próprios intérpretes da montagem. Apesar de em alguns momentos o autor se estender um pouco (como no final onde a duração da sequencia compromete o ritmo), ele cria passagens admiráveis brincando com as claves da dramaturgia e transitando com auto-ironia do humor ao drama, do fácil ao erudito, da cena formatada ao despojamento. Vale ressaltar o trabalho da tradutora Daniele Ávila que conseguiu transpor muito bem os jogos linguísticos, a lógica e o vocabulário específico. O diretor responde bem às expectativas sobre seu trabalho e surpreende em apresentar uma de suas montagens mais elegantes, e o faz com grande economia de recursos. Sem grande interferência ou desconstrução do texto, vemos o rico trabalho da direção no que diz respeito a condução do elenco, na materialização precisa de tempos, tônus, percursos e confrontos, e também na interessante liberdade premeditada de marcas ora mais austeras e ora mais naturais. Não bastasse o que já foi dito, o espetáculo possui como maior trunfo seus atores de enorme qualidade, Emílio de Mello e Fernando Eiras, que se lançam com total entrega e domínio na linguagem adotada neste trabalho. Ambos apresentam uma técnica exuberante que nos impressiona e emociona, tendo o primeiro uma interpretação cheia de charme e o segundo uma dramaticidade acurada. “In On It” é um trabalho precisamente construído e merece ser apreciado por apaixonados pelo teatro e seus criadores.

Serviço: Teatro Faap | Sexta 21h30, sábado 21h e domingo 18h

Teatro e cinema dialogam em cena

2009-12-16T08:59:00.004-02:00

Uma das características que podemos notar no teatro contemporâneo é o diálogo com outros suportes artísticos como o vídeo, presente já há algumas décadas fora do Brasil e mais fortemente há pelo menos quinze anos em nosso país. Ao mesmo tempo em que a utilização da projeção surgiu como algo inovador que expandia o teatro em novas possibilidades, seu uso tornou-se recurso imagético saturado, muito pelo fato dele pouco ou nada se relacionar com o conteúdo do espetáculo no qual é apenas um adereço cenográfico. Em alguns casos, no entanto, somos surpreendidos pelo bom uso do vídeo e do poder que ele tem dentro da encenação, como no espetáculo “Strindbergman”, obra que em sua gênese já traz esta relação entre o teatro e seu descendente visual: o cinema. O trabalho reúne obras de dois grandes autores suecos obcecados por questões humanas e que trabalharam cada qual em seu suporte artístico a questão da incomunicabilidade e da relação entre a palavra e o silêncio. August Strindberg foi um dos maiores dramaturgos do final do século XIX que transitou entre o naturalismo influenciado por Henrik Ibsen e o expressionismo no teatro moderno europeu do qual foi precursor, criou em 1888 um de seus mais famosos textos: “A Mais Forte”, na história duas atrizes se encontram, ligadas pelo mesmo homem, uma não fala absolutamente nada enquanto a outra que fala incessantemente percebe o poder da rival silenciosa. Ingmar Bergman, cineasta dono de uma das filmografias mais brilhantes do século XX (faleceu em 2007), que estabeleceu uma valiosa formação estilística tanto em roteiro quanto em direção, filmou em 1966 “Persona”, um de seus filmes mais experimentais, onde uma atriz em crise de identidade decide calar-se totalmente e é acompanhada por uma enfermeira que se fascina por seu silêncio. Não é difícil acreditar que o filme de um recebeu a influência da peça de outro, e o espetáculo atualmente em cartaz é criado a partir do diálogo entre estas duas obras invertendo seus percursos: enquanto o roteiro cinematográfico é representado em cena, o texto teatral surge em vídeo, resultando na relação não só entre o conteúdo das mesmas, mas também entre seus formatos. A fluente tradução do texto para o português é de Diego Viana. Impossível não imaginar o ótimo trabalho da diretora teatral francesa Marie Dupleix (que assumiu o projeto após a morte de Didier Moine) sem a importante colaboração de Nicolas Simonin, responsável pelas imagens determinantes para o resultado da cena, tanto no que diz respeito à linda estética, como no interessante diálogo entre a cena ao vivo e a projetada, tornando o recurso do vídeo como algo intrínseco à encenação – inclusive pela forma como ele realmente se relaciona com a cenografia, não por acaso de autoria do videomaker. Estreado este ano em Paris o espetáculo, realizado pela Compagnie Les Mistons, traz as jovens atrizes brasileiras Janaína Suaudeau e Nicole Cordery (idealizadora do projeto), ambas residentes da capital francesa, em total sintonia. A primeira responde bem pelas personagens falantes, tanto em cena quanto em vídeo, enquanto a segunda, com suas personagens silenciosas, apresenta um trabalho ainda mais interessante concentrando a força de sua interpretação no forte olhar e gestual, valorizado principalmente no segmento gravado. Temos ainda a participação especial de Clara Carvalho que introduz e encerra a cena como uma espécie de narradora dentro da história, apresentando um trabalho irrepreensível. “Strindbergman” é um real diálogo entre teatro e cinema que resulta num inquietante espetáculo como as obras que o originaram.

Serviço: Viga Espaço Cênico | Sexta 21h30, sábado 21h e domingo 19h

Reunião de mulheres talentosas

2009-12-11T04:29:00.007-02:00

Lygia Fagundes Telles é reconhecidamente uma das maiores escritoras de nosso país, membro da Academia Brasileira de Letras e agraciada com o Prêmio Camões, a mais importante láurea da literatura em língua portuguesa. Sua obra pós-modernista, ao mesmo tempo em que é existencialista e focada nos dramas humanos, também retrata de forma pungente seu tempo, como podemos observar em “As Meninas”, um de seus romances mais famosos que agora chega ao teatro. Nesta história, publicada em 1973 e ganhadora do Prêmio Jabuti (também filmada por Emiliano Ribeiro nos anos 90) , a autora nos apresenta as vidas, desejos e angústias de três universitárias – meninas virando mulheres – que se conhecem num pensionato de freiras em São Paulo. Tendo a ditadura como pano de fundo conhecemos Lorena: a filha de uma típica família quatrocentona, apaixonada por um homem mais velho e pai de família; Lia: uma jovem politizada atrás de um país melhor e de seu amor, um militante de esquerda; e Ana Clara: uma bela modelo que abusa do álcool e das drogas enquanto está entre o amor de um junkie e a segurança do casamento com um homem rico (que de certa forma retrata simbolicamente o esvaziamento da ideologia dos anos 60 e o enfrentamento com a dura realidade da ditadura). A delicada adaptação teatral coube a Maria Adelaide Amaral que desenvolveu um precioso trabalho no que se refere à construção das ações dramáticas, a síntese e cruzamento das tramas e na materialização cênica dos monólogos interiores das personagens presentes na obra original. O texto teatral é dinâmico e, mantendo o teor histórico, não soa datado, risco que poderia correr. O êxito desta transposição deve-se também ao trabalho da talentosa diretora Yara de Novaes que, com simplicidade e bom gosto, cria um ambiente de interação entre as diferentes histórias, apostando muitas vezes numa permanência e fluidez das personagens e seus atores pelo espaço quando foco da cena ou não, o que resulta num jogo interessante que se estende para a direção dos atores. Clarissa Rockenbach lidera o elenco como a menina rica e tem bom desempenho e empatia com sua personagem; Silvia Lourenço injeta grande ritmo à cena como a menina militante com uma interpretação forte e assertiva, decisiva para o desenvolvimento da ação; e é Luciana Brites que se destaca como a menina problemática provocando encantamento e comoção com sua atuação emocionada. Julio Machado, o único homem do elenco, responde pelas três figuras masculinas que surgem na peça, as construindo bem e em tons diferentes. Completando o elenco em papéis menores e não menos importantes temos duas grandes atrizes: Clarisse Abujamra como a mãe rica em processo de decadência pessoal tem desempenho delicioso de assistir, e Tuna Dwek, como uma das freiras do pensionato, constrói sua personagem com total humanidade sem errar o difícil tom e é graças ao ótimo trabalho da intérprete que sua cena é a mais bem feita do espetáculo. Assistir “As Meninas” é presenciar a reunião de uma equipe majoritariamente feminina e de enorme talento, com uma autora importante e marcante na nossa História.

Serviço: Teatro Eva Herz | Sábado 18h e 21h, domingo 18h

Dissecando o drama

2009-12-09T08:07:00.005-02:00

“Frozen” da autora inglesa Bryony Lavery é um típico exemplar da dramaturgia contemporânea britânica: um texto realista que evoca questões polêmicas sob o viés do indivíduo lidando com um drama perturbador. Tal estilo foi sedimentado pelo chamado teatro in-yer-face (na sua cara) dos anos 90 que visava chocar o público com sua violência e assim provocar uma reflexão sobre sua condição, este desejo está presente no texto em questão estreado em 2004 em Londres e em seguida em Nova York, tendo sido indicado ao Prêmio Tony de melhor peça. Aqui a história nos apresenta três personagens: um serial killer que matava pequenas meninas até ser preso, uma psiquiatra que estuda o assassino, e a mãe de uma de suas vítimas. Estruturado basicamente em monólogos que vão se cruzando, o poderoso texto dimensiona com profundidade seus personagens e o enfrentamento deles em relação ao crime: uma ação necessária e natural para o matador, um estudo distante para a pesquisadora e uma dor intensa para a mãe, focando na trajetória de tomada de consciência do primeiro. A fluida tradução é de Rachel Ripani que optou por rebatizar o texto para a montagem brasileira como “Anatomia Frozen”, o novo título centraliza o caráter de dissecação que a peça faz sobre o comportamento humano e o sentimento de remorso. A escolha deste nome para o espetáculo também representa a opção cênica de Márcio Aurélio que reafirma aqui seu lugar destacado na cena atual, tomando o texto ele concebe uma encenação não-realista, explodindo a peça em uma direção simbolista que transcende o drama à ser contado. Com a elegância de costume a cena do diretor é vazia: apenas três bancos impessoais e uma luz quase chapada (interessantemente expandida para a platéia) que leva à um clima hospitalar e frio, também presente nos figurinos e na maquiagem de inspiração oriental e cadavérica. Porém, é na divisão do texto entre apenas os dois atores da Cia. Razões Inversas (repetindo o trio do sucesso “Agreste”) que a encenação mostra sua força e poder potencializador: conduzindo o elenco com firmeza, precisão e algum distanciamento, o diretor trabalha a anatomia da cena e expõe as partes do corpo teatral (dramaturgia, encenação e interpretação) de forma que o público usando-se delas reconstitua a história. Os dois atores equilibram com sucesso técnica e emoção. Joca Andreazza dá vida ao assassino em série e apresenta de forma inquietante a gradativa complexidade de seu personagem, exibindo forte tônus físico e vocal, pulsando no ritmo das cenas. Com uma interpretação memorável Paulo Marcello lida com as duas figuras femininas e concebe com delicadeza e economia de recursos duas personalidades completamente diferentes e interessantes, vivenciando mulheres com (fortes) cargas dramáticas opostas, passa da frieza curiosa da psiquiatra à dor enlutada da mãe e é como a segunda que, sem cair no drama fácil, apreende totalmente a atenção e sentimento do público na melhor cena do espetáculo. “Anatomia Frozen” cruza linguagens distintas e complementares em seu texto e direção e reúne dois atores em grandes performances: um espetáculo imperdível.

Serviço: Espaço dos Parlapatões | Quarta e quinta 21h

O show de uma atriz

2009-12-04T16:51:00.007-02:00

Cláudia Raia é uma das atrizes mais populares do Brasil, conhecida principalmente por suas participações em telenovelas de sucesso e programas de comédia, também é bailarina e faz parte do imaginário do público graças à uma preciosa parte de seu corpo: as pernas, postas em seguro no início dos anos 90 (na verdade uma ação de marketing da seguradora que a patrocinava na época). São estas famosas pernas o epicentro da trama de um novo musical em cartaz na cidade: “Pernas Pro Ar”. Na história a atriz, que estreou há mais de vinte anos na antológica montagem de “A Chorus Line” dirigida por Walter Clark, é uma dona de casa em uma vida tediosa com o marido sempre ausente até que é provocada pelo diabo à seguir o que suas pernas cheias de vontade própria querem e deixa-se levar numa jornada de descobertas, prazeres e auto-conhecimento. O argumento da história de Luis Fernando Veríssimo é interessante e cai como uma luva, ou um par de meias, à estrela do musical, já a dramaturgia foi desenvolvida por Marcelo Saback e embora demore um pouco a se tornar ágil, reserva cenas divertidíssimas como a seqüência no consultório médico onde a protagonista vai buscar ajuda, e as duas seqüências religiosas: uma no terreiro de um pai de santo e outra numa igreja com três versões de Nossa Senhora (possivelmente a cena mais engraçada do espetáculo). A direção é de Cacá Carvalho com co-direção e coreografia de Alsonso Barros e faz bom uso dos recursos tradicionais consagrados na Broadway, como muita coreografia que bebe com êxito em Bob Fosse, em especial no excelente número dentro do ônibus. O todo é criativo, alegre e transita entre as linguagens da dramaturgia e dos números musicais e coreográficos, contando com o apoio de inúmeras projeções em uma técnica diferenciada que mostra seu potencial na cena do vestido projetado sobre o corpo da atriz. O espetáculo é um jukebox musical, termo que se refere às montagens que utilizam canções populares pré-existentes, em geral de outros musicais de sucesso, aqui o setlist começa com Cole Porter (Too Darn Hot de “Kiss Me, Kate”) em versão de Zé Rodrix (falecido este ano) que segue no comando na versão seguinte de Fever, standard composto por Otis Blackwell e há também uma versão de Bibi Ferreira e Marconni Araújo para Mr. Monotony (de Irving Berlin), mas é Sylvia Massari a responsável pela maior parte das versões e também as melhores letras do espetáculo passando por Joe Tex, várias da dupla Richard Adler e Jerry Ross, Randy Newman, Stephen Sondheim (em deliciosa versão para You Could Drive a Person Crazy de “Company”) e até uma música do desenho animado “Hercules” da Disney criada por Alan Menkel e David Zippel. A eficiente direção musical é de Paulo Nogueira. O elenco dá ótimo suporte para sua protagonista, com destaque para Marcos Tumura e Ruben Ganbira na divertidíssima cena do pai de santo, e na cena do consultório médico: Jarbas Homem de Mello e Luciana Bollina que compõe de forma deliciosa a sua secretária e retorna ótima como Nossa Senhora de Fátima na cena da igreja na qual também está muito bem Renata Vilela; completam o elenco Cléo Caetano, Daniel Nunes, Janaína Amorim, Luana Zenun, Pedro Cassiano e Renata Vilela. A atriz principal e mentora do projeto exibe um preparo excepcional dançando em todos os números e empresta seu inegável carisma para sua personagem, a atriz mostra que também se sai muito bem com a voz quando canta a capella a belíssima “Speak Low” de Kurt Weill no original. Bom entretenimento, “Pernas Pro Ar” é em primazia um show para uma estrela brilhar: e ela brilha.

Serviço: Teatro Bradesco | Quinta a sábado 21h, domingo 20h | Até 12 de Dezembro

Universo masculino em cena

2009-10-21T12:03:00.005-02:00

Na tradição literária, incluindo aí a dramaturgia, não é raro termos ótimos autores homens versando sobre o universo das mulheres, adjetivando suas escritas como femininas muitas vezes. O contrário, no entanto, é bastante incomum, poucas escritoras se atreveram a falar do universo masculino, muito menos exposto e verbal do que o delas. “Cloaca” da holandesa Maria Goos é um perfeito exemplar deste raro olhar da escrita feminina para o homem, construído com sensibilidade e grande força dramática, o texto conta a história de um quarteto de velhos amigos que estão naquela idade em que se faz necessário um balanço de suas vidas, escolhas e desejos. Um político em ascensão e em crise no casamento, um advogando com problemas com drogas e um diretor de teatro se encontram no apartamento do ex-funcionário público e único homossexual do grupo, que está sendo acusado de se apropriar indevidamente de obras de arte que pertencem ao Estado. Se no passado formaram um conjunto de dança nos tempos da universidade, atualmente os personagens enfrentam problemas cotidianos e tentam se ajudar, até perceberem amargamente que os interesses pessoais de agora podem ser maiores que a amizade de uma vida. A dramaturga aposta no humor ácido em diálogos irresistíveis e cria personagens interessantes que em geral fogem dos clichês tendenciosos sobre os homens, é curioso, por exemplo, que o personagem do diretor teatral, do qual se espera uma sensibilidade por conta de sua profissão artística, surja em cena como o mais insensível daqueles homens, já no único personagem gay, a partir de determinado momento, os clichês da sexualidade por vezes parecem querer aparecer e sobrepor seu drama. A única personagem feminina aparece quando a trama já está bastante avançada: uma prostituta russa contratada pelos amigos como presente de aniversário para um deles, a presença em cena é curta, mas decisiva, através de um discurso dramático sobre sua condição, ela materializa ao mesmo tempo o olhar feminino da autora e a crítica machista de seus personagens, sem cair no maniqueísmo do julgamento de valores. O diretor Eduardo Tolentino de Araújo trabalha com segurança o realismo das interpretações e concebe uma encenação sofisticada em total sintonia com as necessidades do texto, aqui a direção funciona para materializar esta obra de estrutura bastante tradicional, e é na ótima transposição da tradução de Fernando Paz para o palco que está sua maior qualidade. O elenco formado pelo tradicional Grupo Tapa tem domínio de suas atuações e forma um ótimo conjunto, com destaque para André Garolli que aproveita totalmente o humor de seu futuro ministro, explorando com grande energia suas falas e ações. Tony Giusti, como o epicentro da história, tem bom desempenho, em especial quando seu personagem não cai na estereotipação do homossexual, Dalton Vigh tem simpatia e transita bem com seu dependente químico, já Fernão Lacerda (stand-in de Brian Penido Ross) lida com um personagem menos interessante na trajetória da história, mas cria seu diretor de teatro com bastante verossimilhança. Vanessa Dockk (que reveza o papel feminino com Camila Czerkes) empresta beleza e graça à sua interpretação. “Cloaca” é um grande texto, e não bastasse isso, a montagem merece ser apreciada pelo alto nível do trabalho dos artistas brasileiros envolvidos.

Serviço: Teatro Nair Bello | Quinta e sábado 21h, sexta 21h30 e domingo 19h

Declaração de amor ao teatro

2009-09-25T02:51:00.003-03:00

Atualmente temos visto no teatro brasileiro um avançado processo de setorização do fazer teatral, com novas funções surgindo como desdobramento daquelas que no passado foram exercidas por um mesmo profissional, tal realidade ajuda, de certa forma, a profissionalizar o mercado, mas não é garantia de um bom resultado de espetáculo. A outra ponta dessa situação está no acúmulo de cargos criativos, o que exige muita atenção e autocrítica do artista para que o resultado interesse ao público tanto quanto à seu criador. Um exemplo bem sucedido desta segunda configuração é o espetáculo "Doido" concebido por Elias Andreato, uma das figuras mais conhecidas do teatro paulistano. Comemorando seus trinta anos de carreira, o artista reúne neste solo seus talentos como ator, diretor e ator, funções onde acumulou grande experiência em mais de cinquenta espetáculos. O texto é composto por idéias e fragmentos a partir da obra de clássicos pensadores e autores da dramaturgia, poesia e filosofia como Antonin Artaud, Vicent Van Gogh, Arthur Rimbaud, Miguel de Cervantes, William Shakespeare, Friedrich Nietzsche, Vaslav Nijinsky, Anton Tchékhov, Dante Alighieri, Oscar Wilde, J.W. Goethe e Fernando Pessoa, muito deles com os quais o artista já havia trabalhado em outros espetáculos ao longo de sua vida, o resultado do roteiro é uma emotiva colcha de retalhos sobre o teatro, a vida, e o cruzamento deles na história de uma pessoa/personagem que é o próprio criador do espetáculo, narrador desta paixão arrebatadora pela arte, comum à ele e todos os autores que utilizou. A direção localiza o espetáculo num escritório de criação do artista, concebendo momentos de beleza delicada e poética, cabendo destacar o uso dos elementos cotidianos do ateliê com os quais são construídas imagens de beleza delicada de forma simples e fluída ao longo da apresentação. É como ator, no entanto, que o criador deste monólogo nos conquista, primeiro pela emoção à qual se entrega e nos acomete com bastante pessoalidade, depois pelo incrível desempenho técnico que apresenta, mostrando de forma quase meta-teatral todos os seus recursos de construção de personagens, passeando com desenvoltura e bom humor por diferentes estados com rapidez e domínio, rendendo assim deleite à platéia. Sem reinventar a linguagem do monólogo teatral, o artista o torna interessante e comovente, principalmente pelo caráter pessoal contido na obra. É gratificante assistir um espetáculo sensível e criado de forma realmente artesanal como é "Doido", esse trabalho que festeja a bela carreira de um grande homem do palco e é, em suma, sua sincera declaração de amor ao teatro, onde um é uma multidão.

Serviço: Teatro Eva Herz | Quinta e sexta 21h30

OBS: Os moradores de outras cidades, ou quem ainda não viu ou quer rever ao espetáculo, têm a oportunidade de conferir uma versão para linguagem audiovisual produzida com alta qualidade pelo interessante site Teatro Para Alguém, uma idéia inovadora que leva o teatro para a sua casa através da internet, clique aqui e assista.

Encontro de grandes artistas

2009-09-18T07:22:00.003-03:00

Heiner Müller, nascido na Alemanha Oriental, é considerado um dos principais dramaturgos pós-modernos, em referência à categorização da vanguarda dos anos 70 em diante. Falecido em 1995, o autor possui em sua dramaturgia um potente radicalismo formal e, utilizando-se muitas vezes de textos pré-existentes, transgride suas narrativas em reflexões sobre a essência humana do indivíduo com o sentido político muito presente. Ao lado de “Hamletmachine”, “Quartett” é um de seus textos mais montados em todo o mundo e que rendeu algumas recentes encenações no Brasil. O texto parte da idéia contida no romance epistolar do século XVIII “Ligações Perigosas” de Choderlos de Laclos, onde um casal de amantes da aristocracia francesa pré-Revolução se envolvem numa trama de manipulação de outros personagens em detrimento aos seus desejos mais obscuros. Mais do que reverenciar esta história, o dramaturgo, que assumiu não ter sequer terminado de ler o romance, toma emprestado estes dois personagens para tecer seu jogo dramático sobre, principalmente, o poder, em sua estrutura espaço-temporal então inovadora. O americano Robert Wilson é um dos mais instigantes diretores contemporâneos do mundo, famoso por suas experimentações de grande impacto nos anos 80, foi responsável por importantes montagens não só em seu país como em diversos países da Europa, como a França, de onde vem a montagem em questão. Com uma plasticidade que evoca as artes visuais, com as quais o artista tem cada vez mais se aproximado, a encenação é extremamente bela, operística e moderna, apostando na geometria do campo de ação e na colorimetria de seus tons de luz, figurino e mesmo de sentidos, com as cores como símbolos de estados da cena. Trabalhando seu timing teatral onde as pausas têm importância decisiva, o diretor parte do princípio que o texto que tem em mãos possui grande comicidade, como uma sátira à sociedade aristocrata francesa e não deve ser encarado como o drama caustico de montagens anteriores. Tal opção se evidencia no clima onírico que temos sobre o palco, onde a violência das falas e ações ganha uma camada de humor que respira o texto, abrangendo poeticamente todo o delírio provocado pela sordidez dos personagens. Isabelle Huppert, a atriz francesa mais festejada do cinema atual, protagoniza a peça com essencial maestria ao lado de Ariel Garcia Valdés. Ela surge em cena em comedida energia, construindo sua personagem por meio de uma apatia muito próxima da frieza, e tem total consciência rítmica e nenhum tipo de exagero dispensável, sendo seu trabalho bastante impressionante. Ele, em possível contraponto, surge menos blasé, e mais intenso vocal e fisicamente, chocando-se com a parceira e produzindo assim um interessante duelo. Benoit Marechal, Michel Beaujard e Rachel Eberhart respondem coreograficamente por interferências em diversos planos sobrepostos à história principal e apresentam belas presenças, sedimentando o sonho visual dos protagonistas que a montagem apresenta. “Quartett” é um bem humorado jogo cênico que reúne diversos talentos preciosos e uma plástica teatral elegantíssima e funcional.

Serviço: Teatro do Sesi (Porto Alegre Em Cena) | 23, 24 e 25 de Setembro 21h

O palco quando provocador

2009-09-04T06:06:00.005-03:00

Muito se fala do abandono da platéia, o público brasileiro tem se distanciado do teatro cada vez mais nas últimas duas décadas em conseqüência de diferentes razões, algumas concretas (como o surgimento e sedimentação de outras opções de entretenimento e o alto custo dos ingressos) e outras abstratas como o desinteresse no teatro, talvez a questão mais séria e sobre a qual ainda não nos debruçamos com a devida atenção. A classe média, de onde sempre proveio a maior fatia do público de teatro, deixou de ir às salas de espetáculo como hábito natural e passou a encará-lo como um passeio, ou um “programa especial”, no pior sentido que este termo possa representar, como algo distante, que acontece pontualmente e tem pouca influência em suas vidas. Em geral os espetáculos escolhidos para se tornarem o tal programa teatral da semana (na melhor hipótese) ou do ano (na mais pessimista) são produções comerciais encabeçadas por grandes nomes da nossa televisão, como Antônio Fagundes, um dos atores mais famosos de nosso país. A expectativa de grande parte do público que lota seu espetáculo é por ver ao vivo o galã e, de forma parcial, se entreter por uma hora e vinte minutos antes do jantar. O ator, também produtor da montagem, tem consciência de seu alcance e do fascínio que exerce, e aproveita-se de sua condição privilegiada para surpreender o público apresentando não um entretenimento fácil, mas uma obra artística de altíssimo nível e grande teor provocativo. O artista cumpre a função de lançar uma reflexão diferente ao público, e não se limita às convenções esperadas. O texto escolhido foi “Wrecks” de Neil LaBute, aqui livremente traduzido como “Restos”. O autor, também cineasta (“Na Companhia de Homens” é seu primeiro e mais representativo filme), é um dos principais nomes da dramaturgia contemporânea americana, anglófilo, sua obra remete ao movimento In-Yer-Face do teatro britânico dos anos 90, com histórias bastante perturbadoras e diálogos afiados que despem o lado mais sombrio da natureza humana. O texto em questão, um monólogo, mostra um inconformado viúvo de meia idade que no velório de sua companheira desvela a história de seu amor. Delicadamente subversivo e instigante, o autor acerta ao se estender mais na narrativa poética do sentimento do personagem e localizar a inesperada revelação no fim da trajetória, o que muda o sentido trágico, mas assegura a empatia do público pela controversa figura central, eliminando o maniqueísmo que poderia atrapalhar a reflexão que ele nos provoca acerca das rupturas dos limites do amor e do desejo. Traduzido com fluência por Clarisse Abujamra o texto recebeu direção de Márcio Aurélio que concebeu uma encenação extremamente limpa e elegante, que ao mesmo tempo em que mantém total sintonia com o texto o transgride em imagens de impacto e beleza com o auxílio de uma cenografia moderna que se revela ao longo da peça. O ator apresenta um ótimo trabalho com emocionante entrega ao texto e total domínio técnico de voz e movimento, preenchendo o palco com sua forte presença. Se ele entra em cena já com o público ganho, poderia facilmente perdê-lo pelo choque que sua escolha em encenar este texto causaria na classe média pagante, isso não ocorre enfim, menos pela parcialidade do público e mais pelo real envolvimento que o ator, com seu cuidadoso desempenho, atinge. “Restos” é um belo texto exemplarmente estrelado por um profissional que não renega seu lugar de destaque na sociedade mas, utilizando-se dele, leva ao público médio um teatro realmente provocador.

Serviço: Teatro FAAP | Quinta e sexta 21h, sábado 20h e domingo 18h

Festa do teatro

2009-09-02T03:45:00.010-03:00

São Paulo é considerada por muitos a capital brasileira do teatro, e podemos comprovar isso sem dificuldade pelo enorme número de peças em cartaz, pelos novos espaços teatrais que surgem pela cidade e no trabalho de alta qualidade de grupos jovens e a continuidade daqueles já consagrados. Nada mais justo que festejar o teatro que se produz nesta metrópole até então desprovida de uma mostra competitiva regional voltada, em primazia, para companhias do estado de São Paulo. Foi neste intuito que o produtor cultural e curador Eduardo Marins lançou em Agosto deste ano o Festival Teatro Cidade de São Paulo, a edição paulista de um festival produzido por ele há sete anos no Rio de Janeiro. Durante todo o mês dezoito grupos entre aqueles voltados para o público infantil e aqueles voltados ao público adulto apresentaram seus espetáculos no palco do festival, demonstrando a enorme diversidade teatral cada um trabalhando uma linguagem própria desde o melodrama ao teatro físico, passando pelo circo-teatro, o teatro juvenil e a commedia dell’arte. É essencial dar espaço à estes grupos, muitos oriundos de importantes faculdades teatrais ou de cidades fora do centro urbano, e todos merecedores de aplausos pelo esforço profissional com que conduziram suas participações. O Caderno Teatral teve o prazer de estar presente durante toda a programação através da minha participação, Lucianno Maza, na comissão julgadora, formada ainda pelos colegas Maria Dudah Senne, Sérgio Miguel Braga e Ruy Jobim Neto. Não foi uma tarefa fácil escolher entre tantos profissionais os indicados em cada categoria e os vencedores que levaram o troféu Arlequim. Os espetáculos selecionados como melhor montagem ganham ainda uma temporada no Teatro Bibi Ferreira com todas as despesas pagas. Segue abaixo a lista de indicados e premiados:

Prêmio Especial do Júri:

Pesquisa de Linguagem
Indicados:
Cia. Retalhos de Teatro - A Verdadeira História... Não Contada
Quase9 Teatro - Lilá Ou O Jogo de Deus
Vencedor:
Cia. Retalhos de Teatro - A Verdadeira História... Não Contada

Infantil:

Texto
Indicado e vencedor:
Julieno Vasconcellos - A Verdadeira História... Não Contada

Iluminação
Indicados:
Douglas Silva - O Menino Maluquinho... Mais Um
Luis Felipe Petuxo - A Bruxinha Que Era Boa
Paulo Oseas - O Cavalinho Azul
Vencedor:
Paulo Oseas - O Cavalinho Azul

Figurino
Indicados:
? Cia de Teatro - O Menino Maluquinho... Mais Um
Nathalia Neme e Thelma Luz – O Cavalinho Azul
Vinicius Almeps e Luis Felipe Petuxo – A Bruxinha Que Era Boa
Vencedor:
Vinicius Almeps e Luis Felipe Petuxo – A Bruxinha Que Era Boa

Cenografia
Indicados:
Carolina Guimarães - O Menino Maluquinho... Mais Um
Lu Grecco - A Bruxinha Que Era Boa
Zé Valdir Albuquerque – O Cavalinho Azul
Vencedor:
Zé Valdir Albuquerque – O Cavalinho Azul

Ator coadjuvante
Indicados:
Daniel San Martin - A Bruxinha Que Era Boa
Marcelo Molina - Pinóquio, Um Menino de Verdade
Rodrigo Bianchini - O Cavalinho Azul
Vencedor:
Daniel San Martin - A Bruxinha Que Era Boa

Atriz coadjuvante
Indicadas:
Adriana Yoshicawa - A Bruxinha Que Era Boa
Nathalia Neme - O Cavalinho Azul
Thelma Luz - O Cavalinho Azul
Vencedor:
Nathalia Neme - O Cavalinho Azul

Ator
Indicados:
Daniel Lucas - A Verdadeira História... Não Contada
Jeferson Ilha - A Verdadeira História... Não Contada
Nelsinho Guimarães - A Bruxinha Que Era Boa
Vencedor:
Daniel Lucas - A Verdadeira História... Não Contada

Atriz
Indicadas:
Ângela Rechia - A Verdadeira História... Não Contada
Lorena Rocha - O Menino Maluquinho... Mais Um
Silvana Lins - O Cavalinho Azul
Vencedor:
Ângela Rechia - A Verdadeira História... Não Contada

Direção
Indicados:
Helquer Paez - A Verdadeira História... Não Contada
Luis Felipe Petuxo - A Bruxinha Que Era Boa
Rodrigo Palmieri - O Cavalinho Azul
Vencedor:
Rodrigo Palmieri – O Cavalinho Azul

Montagem
Indicados:
A Bruxinha Que Era Boa
A Verdadeira História... Não Contada
O Cavalinho Azul
Vencedor:
A Bruxinha Que Era Boa

Adulto:

Texto
Indicados:
Quase9 Teatro - Lilá Ou O Jogo de Deus
Roberto Vignati - João Pacífico, O Poeta do Sertão
Zé Alberto Martins - Saída de Emergência
Vencedor:
Quase9 Teatro - Lilá Ou O Jogo de Deus

Iluminação
Indicados:
Luci Lima - A Maldição do Vale Negro
Marcus Alem – Travessia
Rogério Cândido - João Pacífico, O Poeta do Sertão
Vencedor:
Marcus Alem - Travessia

Figurino
Indicados:
Adriana Quagliato e Márcio Tadeu – Mirandolina
Iara Carvalho - A Maldição do Vale Negro
Iolanda Lourenço – Travessia
Vencedor:
Adriana Quagliato e Márcio Tadeu – Mirandolina

Cenografia
Indicados:
Adriana Quagliato e Márcio Tadeu – Mirandolina
Luci Lima – A Maldição do Vale Negro
Vladimir Corrêa - João Pacífico, O Poeta do Sertão
Vencedor:
Adriana Quagliato e Márcio Tadeu – Mirandolina

Ator coadjuvante
Indicados:
Ataliba Chateaubriand - Ah Se O Anacleto Soubesse
João Ramos - A Maldição do Vale Negro
Leonardo Costa - Mirandolina
Vencedor:
Leonardo Costa - Mirandolina

Atriz coadjuvante
Indicadas:
Ana Claudia Prates – Mirandolina
Natália Kwast – Mirandolina
Suelen Miranda – A Maldição do Vale Negro
Vencedora:
Natália Kwast – Mirandolina

Ator
Indicados:
Célio Nascimento - João Pacífico, O Poeta do Sertão
Leandro Ivo – Mirandolina
Paulo Williams - Travessia
Vencedor:
Paulo Williams - Travessia

Atriz
Indicadas:
Alinne Bello - De: Quatro Para: Você
Natasha Goulart - Mirandolina
Regina Schirmer - A Maldição do Vale Negro
Vencedora:
Regina Schirmer - A Maldição do Vale Negro

Direção
Indicados:
Elias Cohen - Lilá Ou O Jogo de Deus
Jamil Dias - A Maldição do Vale Negro
Márcio Tadeu - Mirandolina
Paulo Williams - Travessia
Vencedor:
Elias Cohen - Lilá Ou O Jogo de Deus

Montagem
Indicados:
A Maldição do Vale Negro
Lilá Ou O Jogo de Deus
Mirandolina
Travessia
Vencedor:
Mirandolina

Serviço adulto: Mirandolina (foto) - Teatro Bibi Ferreira | Terças e quartas 21h
Serviço infantil: A Bruxinha Que Era Boa - idem | Sábados e domingos 15h30

A metáfora libertária dos artistas

2009-07-29T04:42:00.010-03:00

Muitas vezes nos perguntamos o quanto a realidade em que o artista está inserido interfere em sua criação. Por mais que sobrepuje seu contexto social em obras que não relatem seu tempo-espaço, o artista criador é ele próprio fruto dos mesmos, e portanto indissociável de sua História. Podemos notar isso claramente no espetáculo mais recente do grupo teatral Os Satyros. O texto de “Liz” retrata em primeiro plano a rainha Elizabeth I, uma das maiores soberanas da História que governou a Inglaterra durante meio século, expondo a figura mítica que instaurava seus interesses políticos, e ao mesmo tempo a humanizando como a mulher solitária com desejos e temores. O período elisabetano teve forte movimentação nos campos da arte, em especial o teatro, e o texto nos apresenta isso em paralelo através da figura de Christopher Marlowe, autor revolucionário da época, contemporâneo de William Shakespeare, mais experiente e prestigiado até então, e morto prematuramente em um assassinato não esclarecido, na peça mostrado como uma conspiração política movida a interesses pessoais da rainha. Mas o reinado da última descendente dos Tudors é marcado especialmente pelo autoritarismo comum aos ditadores monarcas, e é na nacionalidade cubana de Reinaldo Montero que reside grande parte do poder de seu texto. É impossível não refletir em como o autor usa o que se passava na ilha inglesa no século XVI para refletir sobre sua ilha cubana do século XX (e início do XXI) e a figura do ditador que por mais de quarenta anos esteve à frente de sua nação. Essa sobreposição das duas ilhas é enriquecida ainda mais se pensarmos no grupo brasileiro que a representa, afinal a trupe sediada em São Paulo é responsável ela própria pela existência de uma ilha, diferente das porções de terra citadas anteriormente, neste caso sai a ditadura do governo e vem a força dos artistas que fizeram uma ilha criativa emergir em meio ao abandono de uma região marginalizada no início desta década, agora convertida em pólo cultural. É muito interessante como temos assim a ilha da Praça Roosevelt apresentando a peça proveniente da ilha de Cuba que conta a História da ilha da Inglaterra. Cabe destacar que, assim como o autor, a companhia também está intrinsecamente ligada socialmente e esteticamente à sua História. A contribuição brasileira começa pela belíssima encenação de Rodolfo García Vásquez que explode em cores fortes e certo caos, marca do diretor, e na inventividade do mesmo em equilíbrio com o texto, complementando-o sem sufocá-lo, com boas marcações e recursos cênicos (como o capuz de tule que representa a morte que encobre os personagens ou o microfone que aqui funciona menos como amplificador de discurso e mais como confessionário de idéias e sentimentos dos personagens), além da bela plasticidade a montagem conta com uma despojada e curiosa trilha sonora que vai de Roberto Carlos à Velvet Underground. Cléo de Páris como a rainha protagonista apresenta o melhor trabalho dos que pude acompanhar em sua carreira, a atriz encontra força e altivez em sua interpretação, assim como empresta beleza e humanidade, liderando com êxito o elenco. Ivam Cabral se aproxima com grande sensibilidade do dramaturgo co-protagonista, aproveitando de forma perfeita seu personagem desde a primeira entrada até nos arrebatar em suas cenas finais, em especial num discurso onde nos instiga e emociona. Fábio Penna e Germano Pereira estão muito bem, carregando de vivacidade seus sirs. Silvanah Santos e Phedra D. Córdoba dão humor como as comentadoras da história, e é interessante o fato da segunda ser cubana e com seu sotaque remeter-nos ao olhar do autor co-patriota. Alberto Guzik, Brígida Menegatti, Chico Ribas, Julia Bobrow e Tiago Leal complementam o elenco com sucesso. “Liz” é um belo espetáculo, importante historicamente por seu conteúdo e por celebrar os 20 anos desta companhia que vem fazendo História no teatro contemporâneo brasileiro.

Serviço: Espaço dos Satyros I | Sexta e sábado 21h

Quando o romance está no teatro

2009-07-27T03:02:00.003-03:00

A transposição de uma obra de sucesso criada em um suporte artístico (literário, cinematográfico ou teatral) para outro nem sempre obtém o mesmo êxito, ao contrário, muitas vezes algo essencial se perde neste trânsito. “As Pontes de Madison” é exemplo de uma das ótimas adaptações que o cinema norte-americano já fez, dirigido por Clint Eastwood e estrelado por ele e Meryl Streep o filme de 1995 é talvez um dos mais representativos do gênero romântico em todos os tempos, derivado de um best-seller americano, superou e potencializou o sucesso do livro. O romance de Robert James Waller, matéria-prima do roteiro é também a base para uma nova adaptação, desta vez para o teatro, muito bem feita por Alexandre Tenório que consegue condensar e apresentar com sensibilidade a história da dona de casa de origem italiana, casada com um fazendeiro e mãe de dois filhos, que tem sua vida sacudida com a chegada de um fotógrafo viajante que vai à sua cidade para fotografar as antigas pontes da região, e termina por arrebatá-la de amor, devolvendo-lhe a vida que ela tinha deixado adormecida ao parar de lecionar Literatura e se dedicar exclusivamente à sua família. O caso de amor nos é contado pelos dois filhos da protagonista, e assim ao mesmo tempo em que temos a amoral história de afeto dos dois apaixonados, o autor a confronta com o olhar dos filhos do infeliz casamento, em especial do filho que se sente traído ao saber da história de sua mãe com outro homem. Jussara Freire ganha o público ao representar a mulher que redescobre a paixão no meio da vida, a atriz emociona e diverte com sua humanidade, criando empatia e cumplicidade com quem assiste essa história, na qual ela é bem acompanhada por Marcos Caruso que demonstra paixão em sua interpretação e constrói o charme necessário para que seu personagem seja apaixonante também para o público. Luciene Adami e Paulo Coronato vivem os filhos da personagem principal e estão bem, em especial o segundo que sabe aproveitar o bom papel que tem em mãos. A encenação é corretamente dirigida por Regina Galdino que aposta no realismo e na beleza que é possível extrair dele, em geral tudo é de muito bom gosto (com um pouco de excesso de romantismo na trilha sonora) e a diretora cria belos momentos, ao mesmo tempo em que parece evocar o filme, em especial na condução das interpretações de seus atores, ainda neste sentido a antológica cena cinematográfica do reencontro dos dois protagonistas embaixo de chuva, no palco surge sem o encanto, mas é muito bem defendido pela atriz principal que nos emociona em seu texto. Este é um comovente espetáculo sobre amor que merece ser visto pelo grande público.

Serviço: Teatro Renaissance | Sexta 21h30, sábado 21h e domingo 19h

Uma autora vivenciada por uma atriz apaixonada

2009-07-08T01:13:00.009-03:00

Hilda Hilst foi uma das mais prolíferas escritoras da literatura brasileira, autora de uma valiosa obra em poesia, prosa, crônica e teatro, a paulista de Jaú viveu intensamente os anos 50 e 60 entre amores, viagens e experiências, até se refugiar em 1966 na Casa do Sol, chácara nos arredores de Campinas onde viveu até sua morte em 2004 e onde produziu a maior parte de seus escritos. Transgressora, a autora revolucionou a literatura feminina no Brasil ao lado de escritoras como Clarice Lispector, Lygia Fagundes Telles e Nélida Piñon. Reconhecida pela crítica especializada e por prêmios de importantes instituições, foi colocada de lado pela mídia cultural e as grandes editoras por muito tempo. A marginalização da literatura é tema recorrente em sua obra, assim como a relação paternal, Deus e a loucura, interesses despertados muito cedo através de seu pai que a inspirou no ofício da escrita e que enlouqueceu quando a escritora ainda era muito jovem. Rosaly Papadopol, nutrindo grande paixão pela literatura da escritora, leva à cena sua vida e obra, que se confunde como é comum nas melhores obras literárias. Criadora do projeto do espetáculo “Hilda Hilst – O Espírito da Coisa”, acalentado por muito tempo, a atriz enveredou numa pesquisa sincera e de altíssima qualidade com a consultoria literária do maior amigo e profundo conhecedor da escritora, o também autor José Luis Mora Fuentes (falecido recentemente). É o apaixonado e apaixonante trabalho da atriz que torna deste monólogo um dos grandes espetáculos em cartaz na cidade, com rara consciência e entrega a intérprete não se preocupa na mera representação de sua biografada (cujas semelhanças físicas já se encarregam de ilustrar) para transcendê-la e construir uma figura mítica que remete a algumas das mais fortes personagens da obra da escritora. Antonio Abujamra, em participação em off, faz a voz do pai da autora, tão presente em sua história literária. A boa dramaturgia de Gaspar Guimarães (sob coordenação de José Antônio de Souza) faz uma costura interessante de diferentes poesias, fragmentos de prosa e crônicas da autora, além de algumas cartas e entrevistas, e encontra reverberação na forte encenação de Ruy Cortez que ousa em múltiplas direções como a própria literatura apresentada que aponta para “cores” muito fortes e diferentes entre si. “Hilda Hilst – O Espírito da Coisa” é um espetáculo inesquecível que contagia o público com a força e paixão de uma grande atriz.

Serviço: Espaço dos Satyros II | Terça e quarta 21h

O encontro com uma grande atriz

2009-06-03T12:15:00.005-03:00

O fazer teatral, principalmente em um país como o Brasil, exige além de talento e vocação, muita persistência. Só com uma persistência aguerrida alguns poucos artistas resistem durante suas vidas às tempestades comuns na profissão e permanecem atuantes, enquanto muitos de seus contemporâneos sucumbem às grandes dificuldades. Estes resistentes merecem todo nosso respeito e admiração, é o caso de Fernanda Montenegro, que ao longo do tempo recebeu pela mídia vários títulos como o de “primeira dama do teatro brasileiro”. O fato é que esta grande atriz prestes a completar oitenta anos de vida, quase sessenta de carreira, acima de qualquer coisa provoca em seu público uma legítima admiração, que transcende suas personagens e a instaura como figura pública, o que por um lado é ótimo, afinal dá voz a uma artista num país onde isso pouco acontece, mas por outro pode ser infeliz pois a tira de seu lugar de direito: o palco, e a coloca numa tribuna política onde despertará não só pensamentos compatíveis, como críticas que podem abafar seu trabalho. Após oito anos de ausência a atriz escolheu as palavras da escritora francesa Simone de Beuvoir para seu retorno ao teatro com o monólogo “Viver Sem Tempos Mortos”. O texto é formado principalmente por correspondências que a autora trocou com seu amado: o escritor e filósofo Jean-Paul Sartre, pai do existencialismo. Ao optar por concentrar-se na biografia, e não na obra, a peça apresenta o lado mais humano da feminista, autora de “O Segundo Sexo”, sua paradoxal postura quase machista perante o relacionamento, a devoção e concessões em nome do amor, revelando assim características inerentes ao feminino. Dirigido com elegância por Felipe Hirsch o espetáculo minimalista não utiliza recursos conhecidos do encenador, além de uma bonita luz e cenografia, ambas muito simples, concentra-se na razão-de-ser da montagem que é a própria atriz, delicadamente regida em seus gestos contidos e fala musicalmente cadenciada, que parece evocar o trabalho do diretor francês Claude Régy. A atriz vem à cena como ela própria, não busca a representação de sua personagem, mas contá-la, utiliza sua própria postura sóbria e concentrada para compor com cuidado uma presença limítrofe à escritora. É admirável sua consciência e constância em cena, mantendo força em um tom baixo e de linearidade. Ao final do espetáculo o público aplaude mais do que a performance em cena que acabara de assistir, ovaciona a atriz, ela própria parte da História do teatro brasileiro, e mesmo com a proposta cênica de quase frieza da peça, ao final o que temos é a emoção deste encontro do público com a atriz, aproximando e humanizando a figura pública, tal qual o olhar pessoal lançado sobre a escritora francesa a humaniza. Na noite em que assisti ao espetáculo, outro grande ator estava presente na platéia, Sérgio Britto, um comovente encontro que ao final rendeu dez ou quinze minutos de conversa despojada entre os amigos e compartilhada com os presentes. Neste momento confirmei que “Viver Sem Tempos Mortos” é sim um bom espetáculo onde uma atriz renomada ousa o minimalismo com maestria e, mais que isso, é uma oportunidade imperdível de ver e aplaudir o talento desta profissional que aos oitenta anos é símbolo de resistência e uma inspiração de continuidade para qualquer artista.

Serviço: SESC Consolação | Quinta e sexta 21h, sábado 20h e domingo 18h

Encenação de encanto imperdível

2009-05-29T13:24:00.004-03:00

Um bom espetáculo pode surgir através de muitos possíveis caminhos, às vezes é o ótimo texto, outras uma bela direção, ou ainda um excelente elenco. Em alguns casos temos todas essas qualidades reunidas o que gera um grande espetáculo, onde o conjunto formado sobre o palco é de uma preciosidade enorme. “Agreste” é um destes grandes espetáculos que são simplesmente imperdíveis para todos (seja o público pagante ou a classe artística). Já havia assistido à peça no Rio de Janeiro há três ou quatro anos e em minha memória ficou preservado o encantamento que se reafirmaria ao assisti-la na nova temporada paulistana. O excepcional texto, que alçou ao sucesso de crítica o dramaturgo Newton Moreno, é de uma construção esmerada e artesanal da palavra, todo em formato narrativo, aposta numa linguagem muito próxima da melhor literatura e cria imagens e sensações emocionantes. A história de um casal apaixonado no pobre nordeste brasileiro e uma revelação perturbadora que vem com a morte do marido, é o mote que o autor usa para falar de preconceito, ignorância, intolerância, perda e amor. Na direção de Márcio Aurélio o texto se revela sobre o palco, sendo deflorado com delicadeza por uma encenação extremamente poética, que já impressiona pelo seu início considerado difícil nas regras tradicionais de mise-em-scène e se revela um ótimo recurso em total sintonia com o texto, transportado-nos para o imaginário onde emergirá o nosso agreste, e ao partir para a segunda parte de sua encenação o diretor cria partituras corporais de rara beleza, mantendo o tom sóbrio. A idéia de colocar em cena dois homens para contar esta história se revelará mais tarde genial, num jogo de sobreposição e distanciamento. O diretor acerta também na condução precisa dos atores, Paulo Marcello e Joca Andreazza dão vida ao belo texto através de dois recursos paralelos: a força na oralidade da narrativa como moderna contação de história e a interpretação não-naturalizada de personagens que aparecem e se esvaem. Com forte masculinidade em seu preparo corporal e vozes num intenso tom de gravidade, eles injetam peso dramático e suspense na cena. Em um trabalho irretocável de ambos, vale destacar o momento em que o primeiro cria uma comovente delicadeza, sobretudo no olhar, ao viver a recente viúva, enquanto o segundo se desdobra com desenvoltura em outras figuras. Fruto da Cia. Razões Inversas esta é uma interessantíssima montagem, delicada e ao mesmo tempo pungente, sobre um lugar não muito longe daqui onde uma história inquietante surge, e é preciso vê-la. “Agreste” é sem dúvidas um dos melhores espetáculos da década.

Serviço: Espaço dos Parlapatões | Sábado 21h e domingo 20h

Frescor em divertido espetáculo

2009-05-25T12:01:00.004-03:00

Muito se fala dos problemas do teatro comercial, muitos deles realmente crassos, mas algumas vezes este modelo de produção nos surpreende revelando espetáculos tão interessantes como aqueles que assumidamente têm um viés voltado à pesquisa, ainda que o foco seja o entretenimento. É este o caso de “Dona Flor e Seus Dois Maridos” comédia teatral adaptada de um dos romances mais conhecidos de Jorge Amado. O autor, imortalizado pela Academia Brasileira de Letras, um dos mais famosos escritores brasileiros de todos os tempos, foi responsável pela criação (ou recriação) da Bahia no imaginário popular, sempre banhando sua literatura nos mares de sua terra natal. Aqui ele nos conta a história de uma jovem de família recatada que cai de amores por um cafajeste que logo a deixaria viúva e saudosa de sua energia sexual, até que o espírito do falecido reaparece para saciar o desejo da moça, a esta altura já casada com outro, um polido farmacêutico. Pedro Vasconcelos, diretor bastante familiarizado com o universo do escritor, concebe uma encenação bonita e cheia de vida, sem cair na armadilha do naïf, ele leva pro palco o clima da cidade de Salvador (ainda que na idealização), e têm especial êxito quando expande a cena para além do palco italiano, utilizando corredores e escadas do teatro, e ainda no início do espetáculo ao envolver o público no bloco carnavalesco onde se desvelará a trama. O elenco tem um trabalho muito gostoso de assistir, a começar por Marcelo Farias (também adaptador do texto ao lado do diretor), que com seu Vadinho é a alma do espetáculo, a transição do jeito carioca do ator para a malandragem baiana está perfeita, com humor delicioso. Carol Castro, mais contida, dá conta do recado de ser a dona Flor com muita graciosidade, achando sua própria composição da protagonista, interpretada com maestria por Giulia Gam na minissérie televisiva e Sônia Braga no cinema. Duda Ribeiro completa bem o trio principal como doutor Teodoro, valorizando o texto. O grande destaque do elenco secundário é Ana Paula Bouzas, atriz que rouba a cena com humor legítimo e arranca grandes risadas do público em falas inspiradas. Com grande alegria completam o elenco Marcello Gonçalves, Elvira Helena, Carlos André Faria, Carolina Freitas, Nelito Reis, Daniely Stenzel, Lisieux Maia, Luana Xavier, Marco Bravo, Ewe Pamplona, Michelle Martins e Fabio Nascimento, que interpretam diversos personagens da comunidade baiana representada na história. Um espetáculo cheio de frescor que, com sua produção comercial e bons atores, se torna um divertido programa no teatro, assim é “Dona Flor e Seus Dois Maridos”.

Serviço: Teatro FAAP | Sexta e sábado 21h e domingo 18h

Uma linda história contada por belos atores

2009-05-15T09:24:00.001-03:00

O teatro tem como princípio desde o sempre contar uma história. As histórias têm como princípio encantar quem as escuta. A diferença entre uma boa história e uma má, reside muitas vezes no olhar e na boca de quem as conta. É preciso que seus contadores sejam eles também seres encantados, que transformem em palavra aquilo que existe dentro do silêncio. Encantador. Assim é o texto de “Aldeotas” escrito por Gero Camilo, com uma beleza que trabalha artesanalmente a palavra, num andamento lento e precioso, o autor apresenta a história de dois amigos, duas crianças, dois homens, cujas lembranças de uma profunda amizade emergem do tempo, em episódios marcantes que transitam da graça e leveza das descobertas aos momentos tristes ou críticos na vida dos personagens, sem nunca perder seu tom onírico. Tratando de um dos mais instigantes temas que uma obra de arte pode ter, a memória, o autor cria uma dramaturgia elíptica, com simplicidade e profundidade nas mesmas medidas, puxando os fios das memórias pessoais de cada espectador. O belíssimo texto é presenteado pela direção delicada de Cristiane Paoli Quito que ao descartar tudo aquilo que é dispensável, se centra no processo de interpretação narrativa de seus atores, e numa encenação limpa e profundamente tocante, seja pelo uso do recurso cenográfico do tapete e tela suspensa que alcançam com poesia todos os ambientes propostos, seja pela beleza de suas marcações essenciais, eliminando qualquer resquício de realismo, e valorizando o caráter imagético do texto. A montagem tem o privilégio de ter seu autor em cena, contando com paixão sua história, representando aquele que é o eixo de sua narrativa. Sua interpretação é arrebatadora, seja pela técnica física e vocal que exibe em diferentes modulações, seja pelo nível de delicadeza que atinge, contagiando e comovendo o público à sua volta. Na outra figura da história está Caco Ciocler generoso e contribuinte em cena, sua interpretação cria grande empatia com a construção de seu personagem complementar ao que o autor defende, sua interpretação é também um contra-ponto mais másculo e seco, mas não menos delicado e tocante. O poder transformador do teatro, pode vir pela reflexão do futuro, ou pelo confronto com o passado, e “Aldeotas” traz uma série de emocionantes memórias contadas com fascinante cuidado por dois atores encantadores. Uma peça-lembrança para ficar sempre na memória de quem vê.

Serviço: Tucarena | Sábado 21h e domingo 19h30