camilayelarte

4 modos de representar la maternidad

2022-05-06T17:28:00.000+02:00

El inicio de mi embarazo coincidió con una necesidad imperiosa de alejarme del blog y de las redes sociales. No tengo muy claro el porqué pero lo único que realmente me apetecía era concentrarme en la experiencia de lo concreto, dejar el arte y el blog para otro momento.
Desde entonces abandoné Artforum en favor de blogs de super madres que aparentemente habían encontrado el chollo de compaginar maternidad y blogging, por ello no dejó de sorprenderme que pocas semanas antes de parir me pusiera a buscar información sobre arte contemporáneo y maternidad. Tal vez como resultado de tantos meses mirando vídeos sobre el parto natural me asaltó la curiosidad de saber cómo enfocaban las artistas contemporáneas el tema de ser madre. ¿Qué imágenes crea el arte contemporáneo en torno a un tema que la historia del arte occidental ha representado habitualmente desde la óptica religiosa? ¿cómo se aborda el tema desde el feminismo?
Me propuse escribir este post a las pocas semanas de dar a luz, pues bien, tras tres meses y 90 noches en vela desde el deseado y feliz acontecimiento finalmente me siento ante el ordenador para compartir con vosotros cuatro modos de hablar sobre la maternidad desde el arte contemporáneo.

Mary Kelly, Post-Partum Document, 1973-79. Foto via Mary Kelly

Mary Kelly. Ser madre y artista conceptual y no morir en el intento.
Post-partum Document, 1973-79

Años setenta, mujer artista implicada en las causas sociales de la época se convierte en madre y transforma la experiencia de los primeros cinco años de la vida de su hijo en una magna obra del arte conceptual. Post-partum Document es una obra concebida según una metodología muy propia de los años setenta: documentación, lenguaje y restos de la vida material son las herramientas que dan forma a una obra que trata de transcribir la vida cotidiana de una madre con su hijo. Pongamos por ejemplo la introducción de las papillas en la alimentación del niño, una madre conceptual anotará con máquina de escribir todos los ingredientes que ingiere el niño a lo largo de un día, a continuación recogerá los restos de la caca del pañal y los enmarcará junto con el elenco de alimentos ingeridos.
Si miramos más allá de lo conceptual interesa en la obra de Kelly la reflexión sobre el parón profesional que comporta la maternidad y la invisibilidad del trabajo que toda mujer desarrolla en el ámbito doméstico y familiar.

Judy Chicago, The Dinner Party, 1979. Photo via Brooklyn Museum

Judy Chicago, The Dinner Party. Mary Wollstonecraft setting,1979. Photo via Brooklyn Museum

Judy Chicago, The Dinner Party. Mary Wollstonecraft setting, 1979. Photo via Kenney Mencher

Judy Chicago. La maternidad, una experiencia omitida.
The Dinner Party, 1979

De nuevo años setenta, obra plenamente inscrita en el arte feminista y reivindicativo de la época. The Dinner party es una obra singular que se aleja del lenguaje conceptual de los setenta utilizando elementos propios de la artesanía para dar forma a una instalación que rinde homenaje a mujeres fundamentales de la historia occidental. 39 comensales han sido invitadas a una mesa en forma de triángulo en la que absolutamente todos los objetos, vajilla, mantelería y cristalería están ricamente elaborados con motivos que simbolizan la vida de 39 mujeres a las que la historia (escrita por hombres) no ha dado su merecido lugar.
Desde Hipatia pasando por Artemisa Gentileschi o Virginia Woolf la obra es rica en simbolismo, a pesar de ello la maternidad queda relegada por no decir omitida pues no es aquí el lugar para hablar de un tema al que la mujer ha estado históricamente vinculada de forma exclusiva, tan sólo en el espacio dedicado a Mary Wollstonecraft autora de la Vindicación de los derechos de la mujer encontramos mención a la maternidad, la maternidad como experiencia vinculada a la muerte pues Wollstonecraft murió de parto al dar a luz a su hija, la futura Mary Shelley.

Marlene Dumas, The First People I-IV, 1990. Photo via De Pont Museum

Marlene Dumas, The First People, 1990. Photo via De Pont Museum

Marlene Dumas. La maternidad es un shock.
The first People, 1990

Tan hermosa y excitante como angustiante y desestabilizadora. Para Marlene Dumas y sospecho no solo para ella, la maternidad fue vivida como un shock. La emoción de tener a tu bebé en brazos va acompañada por el miedo a la responsabilidad de una vida que depende de ti. La maternidad tiene una doble cara, la ternura y el amor junto al miedo y la angustia. Esta dicotomía queda perfectamente representada por las imágenes engrandecidas de cuatro bebés, frágiles y monstruosos a partes iguales, bebés que difícilmente despiertan ternura y inquietan al espectador tanto como a la mujer, en este caso la artista que acaba de convertirse en madre.

Joanna Rajkowska, Born in Berlin. A letter to Rosa, 2012. Foto: Camilayelarte

Joanna Rajkowska, Born in Berlin. A letter to Rosa, 2019. Galería Zak-Branicka. Foto: Camilayelarte

Joanna Rajkowska. Cuando la vida, el arte y la historia se funden en una sola cosa.
Born in Berlin. A letter to Rosa, 2019

A diferencia de las anteriores artistas la de Rajkowska es una maternidad que empieza a ser vivida como materia artística desde la misma gestación de su hija Rosa. Vida intima, carrera artística y contexto histórico van de la mano en una obra en la que la artista a lo largo del embarazo y primeros meses de vida trata de explicarle a su hija porqué ha decidido que naciera en Berlín, ciudad de profundas heridas históricas.
El nacimiento de la pequeña se entiende como un regalo a la ciudad, una ocasión para acabar simbólicamente con los espacios malditos de una metrópoli que trata de ocultar los episodios traumáticos de su paisaje urbano. El vientre abultado de la artista se pasea por el skyline de Berlín, por sus edificios y espacios heridos. La vida como promesa pero también como oportunidad para hacer las paces con el pasado al que necesariamente hay que enfrentarse. Una obra que a pesar de la autoexposición de su protagonista consigue momentos poéticos y un final particularmente tocante.

Material para ampliar información sobre las artistas y sus obras:

Mary Kelly - Vídeo de la exposición en el Moderna Museet de Estocolmo

Judy Chicago - Vídeo Tour de la obra The Dinner Party,
Brooklyn Museum, sede permanente de la obra The Dinner Party

Marlene Dumas - Vídeo de la retrospectiva de la artista en el Stedelijk Museum

Joanna Rajkowska - Vídeo Born in Berlin, Collage completo de A letter to Rosa

Grandes momentos eróticos del arte: Hannah Wilke

2022-03-21T21:41:00.000+01:00

Hannah Wilke, Sweet Sixteen, 1978. Foto: Camilayelarte

Allá por los años sesenta la artista norte-americana Hannah Wilke (1940-1993) creaba sus denomindas Cunt sculptures o lo que es lo mismo, esculturas coño. Lo crudo del título no se corresponde con la frágil y sensual belleza de los pliegues que dan forma a sus esculturas, un perfecto equilibrio entre la claridad formal y la abstracción. Son vaginas sí, no hay duda, pero tan delicadas que podrían ser resultado del azar o de la propia naturaleza, piedras esculpidas por efecto del agua y el aire que acaban tomando forma involuntariamente antropomorfa. Sin embargo las esculturas-coño de Wilke son la respuesta al largo número de penes con los que se ha nutrido la falocéntrica historia del arte.

Pocas son las ocasiones en las que el sexo femenino se ha representado tal y como es, ni siquiera una obra tan literal como L'origine du monde de Courbet deja entrever la verdadera forma o textura de una vagina. Aun en su abstracción, reconocemos en los pliegues, huecos y vacíos de las cerámicas de Wilke la verdadera forma de los genitales femeninos, y no sólo, sino también y de forma fundamental su riqueza y multiplicidad formal. Su sensualidad y erotismo se manifiestan no sólo a través de la forma sino del material utilizado, terracota o cerámica vidriada la mayoría de las veces, materia viva que nos recuerda al kitsch Lucio Fontana, cuyos tajos sobre la tela en busca del espacio pictórico más allá de ésta no se hallan tan lejos de la metáfora del sexo femenino, o bien un material sintético como el látex, cercano al trabajo de Eva Hesse por esos mismos años y cuya textura ofrece nuevas posibilidades expresivas.

La fragilidad y poética de estas esculturas, producidas en los primeros años de la carrera de Hannah Wilke, contrasta con la obra de buena parte de las artistas que a lo largo de los sesenta y setenta reivindicaron un arte feminista a través de la acción y la exposición del cuerpo, quedando pues como manifiesto formal y objetual de la presencia de la mujer en la historia del arte de finales del siglo XX.

La mercantilización de los parques infantiles

2022-02-18T19:04:00.000+01:00

La semana pasada el Ajuntament de Barcelona hizo público un nuevo Plan de remodelación de los parques infantiles de la ciudad. Actualmente Barcelona dispone de 794 áreas destinadas al juego infantil, según lo dicho por el Tinent alcalde de Hábitat Urbano Antoni Vives, junto con la creación de diez nuevos espacios infantiles, de aquí al 2019 se prevé remodelar 264 parques ya existentes. El coste total de la inversión es de 20,2 millones de euros. Las principales novedades que aportan los nuevos parques infantiles se centran en dos aspectos: la imagen y la tecnología. Así, algunos de los nuevos parques infantiles tendrán un diseño iconográfico y temático propio que irá a cargo de las ilustradoras Roser Capdevila, la madre de Les Tres Bessones, y Pilarín Bayés, icono de la ilustración infantil catalana. De la primera se prevé que sea la Jirafa Ona la que de forma al nuevo diseño de los parques. La segunda novedad, la tecnológica comporta la incorporación de códigos QR que dinamicen el entorno del niño y del adulto que acudan allí para jugar, esa dinamización pasa por poner a disponibilidad del usuario información relativa al entorno del parque, historia de la vegetación, de la arquitectura, de los museos, en palabras de Antoni Vives la estrategia va dirigida a que “los niños tengan una experiencia de plenitud". El modelo de parque infantil responde al nuevo concepto de Smart Playground que algunas empresas como por ejemplo la Kompan están introduciendo en el mercado del espacio de juego infantil.

Palle Nielsen, The Model, 1968. Moderna Museet. Foto via Lalahiprism

Niño y abuela interactuando con plenitud en el smartplayground. Foto: via Kompan

Ante la imposición de este nuevo modelo es interesante echar la vista atrás y reflexionar sobre el desarrollo del concepto del espacio público destinado a un uso infantil. El modelo del Smart Playground parece estar muy lejos del Junk Playground que el arquitecto danés Carl Theodor Sørensen empezó a poner en práctica a finales de los años cuarenta tras darse cuenta de que los niños preferían jugar en los lugares donde había material de desecho, tan abundante en la Europa de la posguerra y no en los parques diseñados por él mismo. La capacidad de autoconstrucción, posible gracias a la autonomía y la creatividad de los niños fue la respuesta de Sørensen para el diseño de los parques infantiles de una Europa sin recursos económicos tras la Segunda Guerra Mundial.
Lady Marjorie Allen, inglesa y arquitecta de paisajes vio la experiencia de los parques infantiles de Sørensen en Dinamarca y se dispuso a implantar el modelo en Londres, dando lugar a los Adventure Playgrounds, nuevos lugares destinados a que los niños pudieran desarrollar la propia imaginación y medirse con la vida y sus riesgos. El gran éxito de la labor de Allen está en haber comprendido que esta necesidad de autonomía, de superación y puesta a prueba de las propias capacidades se da también en los niños con algún tipo de minusvalía. Os recomiendo que miréis el vídeo de uno de los parques impulsados por Lady Marjorie Allen donde aparecen niños con serios problemas físicos en plena libertad de experimentación y superación de las propias facultades, una verdadera lección para la sobreprotegida y mediatizada sociedad en la que vivimos.

Emdrup Playground, obra del arquitecto paisajista Carl Theodor Sørensen, Dinamarca, 1943. Foto: via Architektur für Kinder

St. John's Wood Adventure Playground, Londres. Foto: via Architektur für Kinder

El uso que se le da al espacio público es un reflejo de la sociedad que lo hace posible. Constant Nieuwenhuys, ideador de la New Babylon en los sesenta, la ciudad utópica destinada al homo ludens, trabajó estrechamente en los cincuenta bajo el grupo CoBrA con Aldo Van Eyck, otra de las figuras fundamentales del diseño de parques infantiles. Sin saberlo, casi todos nostros hemos jugado en parques que responde a su diseño, algo así como la aplicación de los principios geométricos de De Stijl a la estructura y diseño del espacio público. El trabajo de Aldo Van Eyck es uno de los resultados más felices de la vinculación entre arquitectura y arte y su aplicación a los intereses de la comunidad. Un arte que pueda transformar a la sociedad, un nuevo modelo, como el de Palle Nielsen en el Moderna Museet de Estocolmo, que hizo posible que un museo de arte contemporáneo se ofreciera al libre albedrío de los niños, un espacio democrático y de libertad creativa, destinado verdaderamente al homo ludens.

Zeedijk Playground, 1956. Arquitectura Aldo Van Eyck y Pintura mural de Joost Van Rooje. Foto via Visual Art Research

Parque infantil diseñado por Aldo Van Eyck. Foto: via Architektur für Kinder

Me pregunto dónde quedan los conceptos de democracia, libertad, imaginación, creación y autonomía en el nuevo modelo de parques infantiles por el que apuesta el Ayuntamiento de Barcelona. Si un niño necesita una tablet para jugar en el parque ya se está marcando una diferencia entre el que la tiene y el que no. Imagino que los beneficios mercantiles entre un Smart Playground y un Adventure playground no son equiparables. La nueva remodelación de los parques infantiles es un reflejo del modelo Barcelona aplicado al espacio público. Los 40.000€ de inversión por cada parque remodelado podrían invertirse en proyectos que fomentaran conceptos como la sostenibilidad, la autosuficiencia y una plena independencia, verdaderos retos a los que se enfrenta la sociedad del siglo XXI.

Para ampliar sobre el tema del espacio público destinado a los niños os recomendamos:

Playgrounds. Reiventar la Plaza
Exposición en muestra en el MNCARS
Del 30 de abril al 22 de septiembre de 2014

Architektur für Kinder Es un archivo online sobre el diseño y desarrollo de los parques infantiles, como parte de la exposición celebrada en 2013 en el Carnegie Museum of Art de Pittsburgh, "The Playground Project".

Parra & Romero apuesta por Ibiza

2021-04-19T22:22:00.000+02:00

Adam Pendleton, Whole Fragments. Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Artistas: Adam Pendleton; Robert Barry; Luis Camnitzer, Philippe Decrauzat, Stefan Brüggemann

Lugar: Galería Parra & Romero, Ibiza. Carretera de Sant Miquel a Santa Gertrudis, Km 2,3

Título de la exposición: Whole Fragments. Adam Pendleton; Reflections. Robert Barry.

Fechas: del 3 de marzo al 8 de junio de 2019

Una nave industrial situada en la carretera de Santa Gertrudis es el espacio que la galería madrileña Parra & Romero convierte en centro artístico y cultural de la isla durante los meses de verano. El aura que desprendía hace tres años la desvencijada nave industrial ha sido substituida por una estética white cube al orden. Tal vez la remodelación venga motivada por la firme voluntad del galerista, Guillermo Parra, de celebrar un seminario con la flor y nata del arte contemporáneo para el verano de 2017. Ibiza caput mundi.

El espacio alberga dos exposiciones de dos artistas conceptuales de distinta generación: Adam Pendleton (1984) y Robert Barry (1936), así como una exposición de escultura al aire libre con obras de Luis Camnitzer, Philippe Decrauzat y Stefan Brüggermann.

Destacamos particularmente la exposición Whole Fragment dedicada al artista norteamericano Adam Pendleton, cuya implica una investigación del lenguaje y una recontextualización de la historia a través de imágenes de las que se apropia. En cierto modo su práctica remite al détournement situacionista puesto que a menudo toma objetos y conceptos del sistema político, distorsionando su sentido original para finalmemte dar lugar a nuevos significados y narrativas históricas de alto contenido social.

Honestamente reconoceremos que es difícil llegar a una lectura e interpretación de su obra sin mediadores de por medio. Un buen ejemplo para entender su práctica es la obra Notes on Black Dada Nihilismus, donde el artista se apropia del poema de Amiri Baraka, Black Dada Nihilismus (1969) utilizando quince nombres propios del texto original que el artista asocia con su propio bagaje lingüístico y conceptual, dando como resultado a una lista cómica e ilógica que conecta nombres y por lo tanto conceptos tan dispares como Mondrian, Hermès y Sartre.

Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Adam Pendleton, Whole Fragments. Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Robert Barry, Reflections. Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Luis Camnitzer. Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Stefan Brüggemann. Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Phillipe Decrauzat. Galería Parra & Romero, Ibiza, 2019. Foto: camilayelarte

Raymond Pettibon y Marcel Dzama. Let us entertain you

2016-10-22T07:59:00.000+02:00

Mucho antes de conocer el arte contemporáneo, el joven freaky e inadaptado Marcel Dzama flipaba con la portada de su disco de Sonic Youth. Por aquel entonces Raymond Pettibon ilustraba las portadas de los discos del sello independiente SST Records y poco hacía pensar que acabaría convirtiéndose en uno de los artistas contemporáneos americanos más genuinos de su generación. Gracias a Pettibon el dibujo y la ilustración entraron por la puerta oficial del arte, abriendo camino a artistas como Marcel Dzama o Francesc Ruiz.

Marcel Dzama y Raymond Pettibon, Let us compare Mythologies, David Zwirner, Londres, 2016

Lo que empezó como un juego en la inauguración de la sede londinense de la galería David Zwirner, con Pettibon y Dzama dibujando en las servilletas, ha acabado convirtiéndose en una colaboración de lo más fructífera. En verano de 2015 y bajo encargo de su galerista, Dzama y Pettibon comenzaron a crear dibujos a través de la técnica surrealista “Corpse exquisite”, consistente en que uno de los artistas comienze la obra y ésta sea finalizada por el otro. El resultado fue una publicación de la galería David Zwirner con motivo de la Printed Matter’s New York Art Book Fair celebrada en el MoMA PS1. Desde entonces Dzama y Pettibon no han parado de jugar, en febrero de 2016 presentaban su primera exposición en la sede neoyorquina de Zwirner, Forgetting the Hand y en octubre de 2016, la sede de Londres presenta Let us compare mythologies.

Marcel Dzama y Raymond Pettibon, Let us compare Mythologies, David Zwirner, Londres, 2016

Que ambos artistas se lo pasan en grande es más que evidente, el resultado de este ejercicio de cocreación a ciegas es una explosión de la imaginería de Pettibon y Dzama, quienes consiguen una simbiosis total que hace difícil diferenciar quién ha hecho qué. La instalación está formada por ilustraciones sobre papel, collage y pintura mural. Domina el espacio el dibujo sobre papel It is big big business (or We s’port…and necessitate one another, thought to brush, word to image hand in hand…for the greatest interest…of writing thou art), donde las clásicas olas de Pettibon, aquí metamorfoseada en un gato de Alicia en el país de las maravillas, es surfeada por los personajes estrambóticos de Dzama, cuya distintiva paleta de colores, los carmines y oliva quedan absorbidos por la apocalípsis cromática de la instalación. Ojalá no paren de jugar.

Artistas: Marcel Dzama y Reymond Pettibon

Dónde: David Zwirner, Londres

Fechas: 5 de octubre - 12 de noviembre de 2016

TIERRA DE SUEÑOS. Cristina Garcia Rodero

2016-09-20T22:18:00.002+02:00

Artista: Cristina García Rodero. Fotógrafa.

Lugar: CaixaForum Barcelona

Título de la exposición: Tierra de sueños

Organiza: Obra social "La Caixa" y Fundación Vicente Ferrer

Fechas: del 21 de septiembre de 2016 al 8 de enero de 2017

Descripción: Cristina García Rodero retrata bajo encargo de la Fundación Vicente Ferrer y Obra social "La Caixa", la vida cotidiana de las mujeres de Anantapur, zona rural de la India donde viven las comunidades más marginales y vulnerables del país. Se exhiben 80 fotografías de gran formato seleccionadas de entre las 60.000 tomadas por la artista durante su visita de mes y medio por el territorio en el que trabaja la Fundación Vicente Ferrer.
La fotógrafa logra mostrar, sin herir la dignidad de las personas fotografiadas, el dolor y el sufrimiento pero también la esperanza de niños y niñas, personas con discapacidades, madres, campesinas, costureras, novias de distintas confesiones, enfermeras y estudiantes que a través del activismo y la organización asamblearía luchan por una alternativa posible. Imprescindible adquirir el catálogo para comprender la dimensión del proyecto.

"La pobreza no está para se entendida sino para ser resuelta". Vicente Ferrer

Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016


Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Nagasutochama, una niña de 16 años con parálisis cerebral junto a su madre, Gandavevi de 39 años. Ambas forman parte del Vikalángula Sangham (asociación de personas con discapacidad). Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Reunión de mujeres. Los colores de los saris corresponden a distintos sanghams (grupos de autoayuda) del pueblo. Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Ramalaksmi, viuda de 23 años, y sus dos hijos Jayashima y Sowma, de 6 y 4 años, son beneficiarios del programa de nutrición FVF. Viven en Peravali (área de Patikonda). Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

La madre, agotada, descansa junto a su hijo en la Unidad de Pediatría del Hospital de Bathalapalli, el mayor centro sanitario de la FVF. Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Una mujer de Kothacheruvu (área de Bathalapalli) luce una insignia con motivo del Día internacional de la Mujer, tras la manifestación. Es organizadora de la comunidad, un cargo que ostenta tras haber sido elegida entre sus vecinos. Su misión es trasladar las necesidades de su comunidad al personal de la FVF responsable de su zona. Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Una mujer que ha dado a luz recientemente descansa junto a su marido en el Hospital de Kalyandrutg, el primero que puso en marcha la FVF. Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Sagamma, enferma de sida y víctima de una depresión desde que la abondanara su marido - fue quien la contagió-, recibe la visita de su hija Antihamma, de 5 años, en el Hospital de Kanekal. La niña también es portadora del VIH, vive con su abuelo, un campesino de 71 años. Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Shirvani en el día de su boda. Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016


Manifestación del Día de la Mujer en Kothacheruvu (área de Bathalapali). Mujeres de los más de 100.000 sanghams (grupos de autoayuda) promovidos por la FVF organizan actos reivindicativos por la igualdad cada 8 de marzo y 25 de noviembre (Día para la Erradicación de la Violencia contra las Mujeres). Tierra de sueños. Cristina García Rodero. Foto: camilayelarte. 2016

Más fotos de la exposición en nuestra página de Facebook.
@camilayelarte

Barcelona Gallery Weekend, anno zero

2015-10-06T20:44:00.000+02:00

Barcelona, año cero. Tras la aplicación de la ley de arrendamientos urbanos y la consecuente pérdida del paisaje comercial de la ciudad, incluido en él las galerías de arte del centro de Barcelona, un sector que hace apenas unos meses parecía no tener hálito reaparece fortalecido y rejuvenecido y nos descubre a los que habíamos perdido la esperanza, que Barcelona tiene algo que decir en cuanto a arte contemporáneo se refiere. A quienes han organizado el Barcelona Gallery Weekend les damos las gracias, finalmente nos lo hemos pasado en grande.

Galería Ana Mas Projectes, L'Hospitalet, 2015. foto: Camilayelarte

Calle Cultura. L'Hospitalet de Llobregat, 2015. Foto: Camilayelarte

Vista des de L'Hospitalet, 2015. Foto: Camilayelarte

Nueva sede de las galerías Nogueras Blanchard y Ana Mas Projectes en L'Hospitalet, 2015. Foto: Camilayelarte

Mirándolo bien, la necesidad de buscar nuevos alquileres a la que se han visto abocadas muchas galerías ha dado como resultado el descubrimiento de espacios expositivos más amplios y con más posibilidades. En lo que podría ser una hermosa metáfora política, Barcelona ha reestructurado su oferta cultural descentralizando el poder, dando espacio a la periferia y generando un equilibrio de fuerzas. Rambla Cataluña es una vértebra más de las múltiples vértebras que dan forma al territorio cultural de la ciudad, ¿ciudad? perdón ciudades, el plural se hace necesario al entrar en juego un nuevo distrito cultural, L’Hospitalet de Llobregat. Se acabó el centro, empieza la era de la periferia.

Los niños del barrio en la galería Nogueras Blanchard asistiendo a una visita guiada espontánea. L'Hospitalet, 2015. Foto: Camilayelarte

Mladen Stilinovic, White-Skin, Galería Nogueras Blanchard. L'Hospitalet, 2015. Foto: Camilayelarte

Oficinas de la galería Nogueras Blanchard con mesas de Micahel Lin. Foto: Camilayelarte

NoguerasBlanchard y Ana Mas Projects han entendido que Barcelona también puede parecer Berlín. Sus nuevos espacios expositivos se encuentran en la calle Isaac Peral, en el Hospitalet, un edificio de origen industrial que sus nuevos inquilinos convierten en casa de todo aquél que sienta curiosidad por el arte. Mledan Stilinovic, artista conceptual croata cuya obra descubrimos en la memorable exposición Ways of working: the incidental object de la Fondazione Merz, nos recibe en NoguerasBlanchard con White-skin, muestra que recorre la producción del artista durante la guerra de la antigua Yugoslavia. Ausencia, silencio, pobreza y absurdo transmiten los objetos cotidianos teñidos de blanco, perdidos en medio del mar de las paredes de la galería. En algunos aspectos Stilinovic parece hacer referencia al lenguaje del Suprematismo en clave DIY, la pureza formal se abandona en favor del objeto ordinario: papeles, terrones de azúcar o platos ocupan el lugar del formalismo geométrico, mientras la ironía usurpa el papel a la trascendencia.

David Bestué, Composiciones, 2015. Foto: Camilayelarte

Estudios Salamina, L'Hospitalet, 2015. Foto: Camilayelarte

El éxito de esta primera edición del Barcelona Gallery Weekend se la debemos en parte al notable proyecto comisariado por Latitudes, Composiciones, en el que cinco intervenciones artísticas en cinco espacios singulares de la ciudad han permitido al público entrar en juego con situaciones artísticas inesperadas. De los cinco proyectos, destacamos particularmente la intervención de David Bestué en la antigua casa del propietario de la fábrica Cosme Toda, de nuevo en el Hospitalet, donde una historia de la evolución del uso doméstico de la luz se desarrolla en las habitaciones del edificio abandonado, desde la luz de la vela hasta el led, pasando por reflexiones sobre la escultura y la arquitectura.
Sin salir de L’Hospitalet, destacable también la oportunidad de visitar los estudios de artista en la Calle Salamina. Rasmus Nilausen, Pere Llobera, Martin Vitaliti entre otros, han abierto las puertas de sus estudios en un fin de semana en el que Madrid ha celebrado la tercera edición de Open Studio.

Pabellón Mies Van der Rohe, Barcelona, 2015. Foto: Camilayelarte

Ignacio Uriarte, Tres, Pabellón Mies Van der Rohe. Barcelona, 2015. Foto: Camilayelarte

La singularidad arquitectónica de Barcelona ha sido también protagonista de la cita, espacios industriales, lugares abandonados que pronto dejarán de existir, museos poco frecuentados pero también símbolos de la arquitectura moderna del siglo XX, como el pabellón Mies Van der Rohe, en el que Ignacio Uriarte ha intervenido con una instalación minimalista al estilo Carl Andre, donde la din A4 ocupa el lugar del acero y la serie númerica de 3 hace referencia a los tres tipos de mármol utilizados en el famoso edificio.

Si bien queda lejos que Barcelona aparezca en el calendario internacional de las citas con el arte contemporáneo, sí podemos afirmar que el Barcelona Gallery Weekend ha supuesto un subidón de ánimos para el público no sólo local, sino también parta todos los agentes culturales del estado español que felices se han paseado estos días por la reforzada, rejuvenecida y potente periferia.

Álbum completo de fotos del Barcelona Gallery Weekend en Facebook

Mapa de localizaciones

La realitat invocable en muestra en el MACBA

2015-04-15T21:26:00.000+02:00

El arte no es la realidad, el arte no es la vida sino un producto mediatizado. Una exposición es una narración de algo, a veces una teatralización, sus elementos esenciales son el espacio, las obras y el público, una buena exposición es la que genera un equilibrio entre las tres partes.

La realitat invocable, vista general de la exposición. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Lutz Mommartz y John Smith, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Rafael G. Bianchi, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

La realitat invocable, actualmente en muestra en el MACBA presenta una serie de artistas de distintas generaciones y contextos que utilizan la realidad como material de trabajo, algunos de ellos lo hacen denunciando sus abusos, otros reflexionando sobre su función mediática, y entre unos y otros pretenden cuestionar qué es la realidad y qué relación o incidencia tiene el arte en todo ello. El arte no es la realidad, no es la vida, lo vemos en la primera obra que nos recibe en las salas del MACBA, un vídeo de Lutz Mommartz, una ficción con voluntad de representar la realidad, un antecedente culto de Gran Hermano que nos permite asistir a los reproches más íntimos de una pareja. Parece real pero no lo es. Sin embargo lo que sí es real en una exposición es el público que acude al museo, paga la entrada e invierte una parte de su tiempo en conocer de qué va el arte contemporáneo y de qué hablan los artistas. Tras salir de la última sala de la exposición, La realitat invocable cierra el discurso con un diagrama en forma de epílogo donde se mencionan las principales ideas que dan forma al discurso expositivo y a las obras en muestra. Francamente creo que el epílogo debería funcionar como prólogo pues sin comunicado de prensa en mano o visita guiada con la comisaria, ni las obras ni el espacio consiguen el equilibrio con el público debido en parte a la falta de información disponible en la propia sala (no es así con el material disponible en la web).

Enric Farrés-Duran, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Phil Collins y la transcripción del guion, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Jeremy Deller, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Ante algunos de los proyectos en muestra no puedo evitar preguntarme si una exposición en el sentido clásico es el medio más indicado para mostrar la obra de los artistas. Si hay un arte que trabaja con la realidad tal vez su espacio para explicarse no sean las salas de un museo, no es necesario teatralizar una acción llevada a cabo en la realidad como es el caso de la obra de Mireia Sallarès que cierra la exposición. La puesta en escena de unas cajas de botellas ante la pantalla de vídeo con las vivencias de la caravana de la inmigrante Zahïa, junto con el proyecto incómodamente explicado a través de un proyector y las fotos de la recontextualización del cartel de la caravana acaban ficcionalizando la obra, es más ¿la realidad es la excusa para la puesta en escena formal de la obra o la puesta en escena es un mal necesario para que la realidad entre en la sala expositiva? Algo parecido le sucede al trabajo de Núria Güell, del que tanto eco se ha hecho los medios de comunicación. La creación de la cooperativa Ca l’Àfrica destinada a legalizar inmigrantes se explica en las salas del MACBA con un texto enmarcado en blanco sobre negro en referencia al propio título de la obra, formalmente cumple la función de una especie de pintura, la acompaña un tríptico en papel publicitario. El blanco sobre negro en la historia del arte tiene un largo andar y aunque me gusta la ironía tal vez hubiese sido más radical prescindir definitivamente de lo formal.

Núria Güell, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Mireia Sallarès, La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

Epílogo que debiera servir de prólogo. La realitat invocable. MACBA, 2014. Foto: Camilayelarte

No estaría mal que los museos empezaran a experimentar con proyectos expositivos más sostenibles donde el archivo online ocupe el lugar que ahora tiene la sala de exposiciones, desarrollando un formato en el que el acceso a las obras y a su contenido sea más cómodo y factible por parte del público. Pongo por ejemplo una de las obas en muestra, un video de Phil Collins que dura una barbaridad de tiempo, los organizadores de la muestra sabiendo que es poco probable que el público le dedique el tiempo requerido apuesta por dejar a mano la transcripción del guión del vídeo que en teoría se puede hojear en la sala oscura donde se proyecta, ahora bien, muy buena tiene que ser una obra para que valga la pena perder la vista con ella, y la de Collins no es el caso.
Así pues, si una exposición no tiene la capacidad de explicarse mínimamente por sí misma sin mediadores, sencillamente porque la naturaleza de las obras que pone en muestra no lo buscan ni lo pretenden, si tampoco es necesaria la experiencia sensorial, si no es un placer para la vista ni para las piernas, si no necesitamos vivirla físicamente, entonces tal vez sea más conveniente inventar otros medios con los que analizar y divulgar su trabajo. La exposición que se ha podido ver esta primavera en la Fundació Tàpies, Allan Kaprow. Altres maneres, aborda la dificultad de poner en muestra la obra de un artista que quiso eliminar las fronteras entre el arte y la vida con un resultado más que acertado. Creo sinceramente que con un archivo on-line y un buen canal de YouTube, la realidad hubiese quedado mejor invocada que en las oscuras y desangeladas salas del MACBA.

La Realitat Invocable
9 de abril - 31 agosto 2014
MACBA
Plaça del Àngels, Barcelona
Precio: 10€

Colecciones privadas en Bruselas: la Maison Particulière

2014-05-05T10:22:00.000+02:00

La ostentación no forma parte de la esencia del carácter belga o neerlandés. Traducido en términos de coleccionismo artístico podríamos decir que ni la Colección Saatchi ni la Fundación Cartier encajarían en el paisaje cultural de Amsterdam o Bruselas, al fin y al cabo ambos países cuentan con una prolífica tradición de arte burgués en el sentido flandesiano del término, pintura doméstica a ser expuesta de puertas hacia dentro sin la función representativa y alegórica del poder eclesiástico o monárquico de nuestras latitudes. Esta misma tradición hace que el cambio hacia un sistema artístico basado en la economía capitalista no haya dado lugar a ostentaciones de poderío económico y cultural como sucede en otros países. En Bélgica se colecciona bien y en voz baja.

Vista general de la exposición Resonance(s) en la Maison Particulière, 2014. Bruselas. Foto: Camilayelarte

Vista exterior de la Maison Particulière, 2014. Bruselas. Foto: Camilayelarte

El Hôtel Solvay del arquitecto Victor Horta, 1900. Bruselas. Foto: Camilayelarte

Jardin privado de la Maison Particulière, 2014. Bruselas. Foto: Camilayelarte

Con motivo de la última edición de Art Brussels, celebrada la semana pasada, hemos podido visitar durante estos días tres colecciones privadas, o mejor dicho tres modos de poner en muestra una colección privada más allá de la habitual cesión de obra para una exposición. Una fábrica reconvertida en residencia privada y abierta al público bajo previa reserva como The Loft del coleccionista Alain Servais, un espacio expositivo que funciona cual museo como la VanhaerentsCollection o una casa privada habitable pero sin inquilinos convertida en una especie de museo. Este último es el caso de la Maison Particulière, una iniciativa de la pareja de coleccionistas franceses Amaury y Myriam de Solages quienes hartos de ver las obras colgadas en espacios asépticos abrieron en 2010 un lugar donde mostrar al público de qué modo las obras de arte contemporáneo se adaptan al espacio privado de sus coleccionistas.
La Maison particulière es pues lo que su nombre indica, una casa privada situada en un barrio elegante de Bruselas, muy cerca del magnífico Hôtel Solvay de Victor Horta. Los Solages no viven en ella sino que la han decorado según un estilo clásico, cálido y acogedor, repoduciendo lo que para ellos es una casa particular, en ella celebran exposiciones en las que se invita a coleccionistas europeos a hacer dialogar sus obras sin mediadores, es decir, comisarios, ¿el resultado? un DIY de altos vuelos.

Vista general de la exposición Resonance(s) en la Maison Particulière, 2014. Bruselas. Foto: Camilayelarte

Resonance(s) es el nombre de la actual exposición en muestra en la que cuatro colecciones europeas nos proponen un viaje (muy) abierto en torno a la idea de resonancia, utilizando como contrapunto la obra del artista belga Gauthier Hubert. Henk y Victoria de Heus-Zomer (Holanda), la colección Maramotti (Italia), Josep Maria Civit (España) y la colección de Solages (Francia) son las encargadas de darle forma. No hay cartelas, por lo tanto no hay nombres, ni títulos ni fechas que acompañen a las obras en muestra, pero en absoluto se desatiende al público pues en cada espacio, salón y biblioteca de la casa están dispuestos unos cómodos sillones, sofás y mesas que ofrecen un generoso surtido documental para el que quiera profundizar en las obras, los artistas o los coleccionistas. Inevitablemente uno se siente como en casa, aquí no hay dolor de pies, de espalda ni agotamiento que valga, tanto da que las obras no sean nada del otro mundo o que haya un exceso de obra por sala, la comodidad puede con ello y acaba convenciendo de que los oscuros cuentan en el arte contemporáneo tanto como los claros.

Vista general de la exposición Resonance(s) en la Maison Particulière, 2014. Bruselas. Foto: Camilayelarte

De las cuatro colecciones en muestra las mejores son la de Josep Maria Civit y la Maramotti. La primera es la de uno de los mayores coleccionistas de arte contemporáneo de Barcelona, la segunda es la creada por Achille Maramotti fundador de la empresa textil Max Mara, con sede en Italia (Reggio Emilia). El discurso de la resonancia no nos atrapa particularmente por lo que nos dedicamos a reconocer las obras y las galerías proveedoras, tratando de trazar nuestro propio recorrido por las compras de Civit. Aleksandra Mir en el hábitat bibliotecario que le es propio, Joan Brossa, Ángela de la Cruz, Antoni Llena literario y ligero con su carta a Milena, un primer Jaume Plensa o David Bestué en su etapa formalista son las mejores intervenciones de la colección. Maramotti en cambio destaca con Emilio Isgrò, Gianni Caravaggio y Laure Prevost, esta última presente gracias al premio que la colección Maramotti convoca cada dos años en colaboración con la Whitechapel de Londres el Max Mara Art Prize for Women.

Maison Particulière
Resonance(s)
del 24 de abril al 29 de junio
Precio: 10€
Rue de Châtelain, 49
Bruselas, Bélgica

Más fotos de la Maison Particulière en nuestra página de Facebook.

Open Studio en la Accademia di Belle Arti de Brera

2014-04-22T10:34:00.000+02:00

Existe una famosa foto de Lucio Fontana en la que el artista se alza en medio de las ruinas de un edificio bombardeado en el Milán de la posguerra. Finales de los cuarenta y principios de los cincuenta son unos años duros y fascinantes para la historia de la cultura y del arte de esta ciudad. Es precisamente la década de los cincuenta la que servirá de caldo de cultivo para la enorme experimentación que vivirá el arte italiano a partir de los sesenta. Lucio Fontana y Fausto Melotti acuden a las clases de escultura de la Accademia di Brera, la escuela de bellas artes nacida bajo los principios de la ilustración que se encuentra en el barrio del mismo nombre, Brera. Un barrio formado por pequeñas callejuelas habitadas por artesanos y obreros, plagado de viejas trattorias y bares que sirven de refugio a los múltiples inmigrantes que acuden a la ciudad en busca de mejor suerte. Pero la verdadera universidad en estos años de posguerra y posterior milagro económico no se encuentra en las aulas del edificio del siglo XVII sino unos metros más arriba, en el Bar Jamaica, auténtico punto de encuentro entre personajes de todas las disciplinas, un espacio transversal donde artistas, periodistas, escritores, músicos y gente del barrio se dan cita para ponerse al día de todo lo nuevo que acontece en Europa. Es aquí donde se encuentran Enrico Castellani y Piero Manzoni -quien tiene su estudio a pocos metros- junto con Fontana y demás artistas de la época, es aquí donde entre humo, alcohol y conversación se gesta la futura historia del arte italiano del siglo XX.

Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Bar Jamaica. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

El Bar Jamaica todavía existe, como también lo hace la Accademia di Brera, mientras una placa conmemorativa indica el que una vez fue estudio de Piero Manzoni, pero no hay artesanos, ni obreros ni viejas trattorias, Brera es un barrio de pijos que hacen brunch los domingos y muy pocos artistas emergentes pueden costear el precio de la vivienda. De todos los espacios que hicieron del barrio uno de los lugares más fascinantes de la ciudad de Milán, tal vez sea la Accademia di Brera la que mejor conserva su esencia. Este palacio del siglo XVII alberga en su interior una Pinacoteca extraordinaria, una biblioteca y la escuela de bellas artes, un espacio vivo como ya no lo es el pobre Jamaica. Las aulas se encuentran en el piso inferior del edificio, alrededor de un cortile presidido por una escultura de Napoleón trasvestido a la manera de Júpiter. Las universidades públicas italianas tienen un punto de abandono que les da una poética única, sólo apreciable si no se tiene que lidiar con ella como estudiante. En los pasillos de Brera, especialmente húmedos y oscuros en invierno, conviven los yesos decimonónicos del pasado escultórico italiano más glorioso, Hércules Farnese, el Fauno Barberini o los relieves de algún que otro Arco de triunfo romano conviven con las cacas de paloma y los tablones de anuncios de ofertas de alquiler de pisos para estudiantes.

Barrio de Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Estudio de Piero Manzoni en el barrio de Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Con motivo de la última edición de MiArt, la feria de arte contemporáneo de la ciudad que se celebra cada año a finales de marzo, los estudiantes de la Accademia organizaron unas jornadas de aulas abiertas, una ocasión para mostrar los trabajos desarrollados durante el curso. Brera no es la Rijksakademie pero lo que hemos visto en ella rezuma una frescura y una espontaneidad que se echa de menos en los circuitos de exhibición al uso del endogámico mundo del arte. La frescura empieza por una organización no demasiado rígida, tampoco improvisada pero sí carente de un formato con vistas a resultados inmediatos, no se esperan galeristas ni curators de primera línea por lo tanto todo discurre en un ambiente DIY bastante acogedor. La capacidad de autoventa depende de cada alumno y de cada disciplina, no todas las salas tiene cartelas, algunas se ven más preparadas que otras pero el alumno está disponible a hablar no sólo de su obra sino también de la de su compañero.

Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Luca Petti. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Pintura y escultura son las dos disciplinas que dividen la exposición. La primera ofrece trabajos menos interesantes, sólo llama la atención el aula en el que los artistas están manos a la obra trabajando cada uno a su rollo, no tanto por el trabajo que están realizando sino por el encanto que tiene ver el desparrame de pintura y pinceles. La sección de escultura eleva notablemente el nivel, no sé si es acertado hablar de escultura o bien de instalaciones, la división disciplinar ha quedado obsoleta. A falta de conocer más concretamente el trabajo de los artistas nos entretenemos buscando referencias, qué y a quienes miran los artistas que están buscando su propio lenguaje, es lo que ocurre frente a la escultura en madera y metal de Lorenzo Zuccato, mínima y frágil que nos recuerda a ciertos trabajos de Giuseppe Penone o bien el cemento destruido con restos de pigmento rojo de Riccardo d’Avola que nos trae a la memoria algunos trabajos de Lara Favaretto vistos en Frieze el año pasado.

Lorenzo Zuccato. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Tommaso Gatti. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Riccardo d'Avola. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Sophie Bourkab. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Sara Marioli. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

La mayoría de los esculturas insisten en la pobreza de los materiales no en el sentido del arte povera, es decir con elementos provenientes de la naturaleza, sino más bien con materiales que podríamos encontrar en Leroy Merlin, este es el caso de la obra de Tommaso Gatti que utiliza pluribol y piezas de plástico o mallas de metal y carbón para crear imágenes antitéticas. Casi todas las obras tienen como punto en común que se desarrollan a ras de suelo como la de Sara Marioli con una instalación a base de piezas de mármol, cera, piedra y yeso grabadas con letras árabes que dejan un mensaje fragmentado al rodar sobre la tierra, también destaca Sara Somaini que presenta una curiosa instalación con cerveza y fragmentos de mármol desenvueltos de su papel, nos olvidamos de la cerveza porque no entendemos su función y nos quedamos con la delicadeza que transmite el papel vegetal y el mármol. Y de vuelta al juego de las referencias encontramos un microcosmos a base de hormigas de la artista Andrea Forenza que inevitablemente nos recuerda a los ecosistemas de Pierre Huyghe mientras las baldosas de Sophie Bourkab podrían ser un feliz híbrido entre Carl André y Luciano Fabro.

Sara Somaini. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Andrea Forenza. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Erica Kimberly Lizzori. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Giovanna Caliari y Bros (Daniele Nicolosi). Erica Kimberly Lizzori. Accademia di Belle Arti di Brera. Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Más allá de la escultura en base al uso de los materiales hemos encontrado instalaciones donde el objeto y la palabra daban forma a la obra. Muy brossiana tanto por la forma como por el sentido del humor nos ha parecido la obra de Erica Kimberly Lizzori, lo suyo son los poemas visuales como el formado por el elefante atalante o el Picasso, sasso, materasso, por otro lado la artista también utiliza el collage y la apropiación de imágenes de las revistas o los cómics para construir diálogos e historias surrealistas e inverosímiles. Menos humorística y más conceptual es en cambio la obra de Giovanna Caliari que trabaja la fotografía desde elementos cotidianos para crear un equívoco y evocar lo extraordinario, por ejemplo los restos de té de una taza pueden parecer Marte mientras una escultura en forma de calavera no es otra cosa que un rollo de papel higiénico desdoblado.

Accademia di Belle Arti di Brera
Via Brera, 28
Milán, Italia

Más fotos de Open studio Brera en nuestra página de Facebook.

Piero Manzoni embalsamado en el Palazzo Reale de Milano

2014-04-06T16:52:00.000+02:00

No hay cola en la taquilla para entrar a visitar la exposición monográfica de Piero Manzoni en el Palazzo Reale de Milano, pero sí poco personal para atender al visitante. La chica que vende las entradas no aparece, las vigilantes de sala se excusan ante las personas que estamos a la espera de comprar la entrada, y acto seguido siguen discutiendo entre ellas con cierto aire de indignación -insomma propio questa!- exclaman señalando el cartel que anuncia la exposición de Manzoni. La imagen no es otra que la famosa lata con la merda d’artista ampliada, el señor que está tras de mí, vestido con gabardina, zapatos de piel y gafas de diseño italiano, se interesa por el comentario de la vigilante y le pregunta si no le aparece apropiada la imagen seleccionada –beh no!- le responde la vigilante, -qué ganas de elegir la obra más fea de la exposición- el hombre asiente y le da la razón, hay obras de Piero Manzoni mil veces más bellas y poéticas, la sentencia suena a pertenencia, la obra de Manzoni como una aportación valuosísima a la historia del arte, italiano por supuesto.

Piero Manzoni 1933-1963, Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Palazzo Reale, Milán, marzo 2014. Foto: Camilayelarte

Piazza Duomo frente al Palazzo Reale. Milán, marzo 2014. Foto: Camilayelarte

Poesía y belleza no son dos de los adjetivos que me vienen a la cabeza cuando pienso en Piero Manzoni sino más bien otros como humor, ironía y ligereza, entendida ésta a la manera de Italo Calvino, pues una de las mayores aportaciones de Manzoni al arte de los años sesenta fue precisamente la de sacarle peso al arte, del mismo modo que Calvino hizo con las figuras humanas, los cuerpos celestes y las ciudades.

Uno no se despega de la tierra corriendo o saltando, hacen falta alas, sostenía Piero Manzoni, cuya actitud sintetiza el clima artístico y de experimentación que la ciudad de Milán vivió entre 1958 y 1968, una década que el artista abandonó abruptamente a medio hacer, en 1963, al morir con tan sólo 30 años. Hablo de actitud y no de obra porque creo que el trabajo que llevó a cabo Piero Manzoni es junto con el de Yves Klein y Marcel Duchamp el más logrado en relación a la desmaterialización del objeto artístico, no porque ellos no crearan objetos, lo hicieron a diferencia de los artistas conceptuales que llegaría tras las década de los sesenta, sino porque su aportación fundamental para la historia del arte se haya en la actitud que tomaron en relación a la naturaleza del arte, a pesar de que dicha actitud dejara restos materiales. La actitud de los tres es lo más cercano que el arte ha estado jamás de la vida.

Piero Manzoni 1933-1963, vista parcial de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Marcel Duchamp sostenía que las obras de arte viven y mueren como los seres humanos, que hay un momento, unos cincuenta años tras su creación en la que la obra de arte pierde la vida y pasa a ser historia del arte. Piero Manzoni murió hace cincuenta años y a pesar de que no me atrevo a decir que sus obras estén muertas, si por obra entendemos la actitud, sí tengo mis dudas con respecto a que una exposición museográfica pueda mantener o transmitir el mensaje de sus obras. La exposición en Palazzo Reale es un ejercicio de fetichismo no causado por los organizadores de la muestra sino por el propio sistema del arte.

Piero Manzoni 1933-1963, vista parcial de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Piero Manzoni 1933-1963, detalle de un Achrome en muestra. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Piero Manzoni 1933-1963, vista parcial de la exposición, en primer término el Socle du monde (1961). Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

La exposición è bella, una retrospectiva en toda regla donde podemos ver claramente las aportaciones de Piero Manzoni a la evolución del arte: la superación de la pintura como espacio de representación, el arte como concepto, el arte relacional y la crítica al sistema del arte. Estos temas no aparecen articulados en el discurso expositivo pero se deducen al ver las obras en muestra. Los grandes protagonistas de la exposición son los Achromes, probablemente la producción más numerosa del artista, el manifiesto pictórico cero, la tabula rasa que rompe con el subjetivismo del expresionismo abstracto, una pintura blanca en yeso y caolino, una superficie liberada, vacía, un espacio total de significado ilimitado que no representa, simplemente es y que irá evolucionando desde las telas arrugadas, al algodón, la fibra en forma de pelo o los panes, los Achromes abren y cierran la exposición. Superada la problemática pictórica, Manzoni da un paso más hacia el arte conceptual con las Linee, simples líneas trazadas sobre papel encerradas en estuches que no deben ser abiertos (aunque la historia lo haya hecho) una obra imaginada por el espectador, mental, anti-retinal, un pacto tácito entre el artista y el público. Sin éste último el arte no tiene sentido, el público es parte fundamental para la creación de la obra, así lo demuestra el pedestal sobre el que subir para convertirse en obra de arte o la invitación a ingerir los huevos duros con la huella dactilar del artista, consumir la obra de arte, digerirla para no dejar rastro, o sí, en el caso de la mierda de artista enlatada y sellada para su distribución mercantil, cuyo valor es el equivalente a su peso en oro.

Merchandising relacionado con la exposición en venta a la salida de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Reproducción de la Merda d'artista empaquetada y sellada con la huella dactilar de Piero Manzoni en venta por 30€, la reproducción incluye el peso de la mierda. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

Souvenirs varios de la exposición. Palazzo Reale, Milán, 2014. Foto: Camilayelarte

No puedo evitar sentir cierto desconcierto ante la suerte de la obra de Manzoni, su burla al mercado del arte junto con los restos de los huevos duros me provocan cierta tristeza, cualquier actitud crítica para con el sistema acaba siendo absorbida por el propio sistema, algo parecido a lo que pasa con las réplicas del urinario de Duchamp.
El mercado del arte no acepta burlas, la mierda de artista vale más que su peso en oro, sé que el valor no está en el objeto, es decir en la lata o su contenido sino en la significación que la actitud artística de Piero Manzoni ha tenido en la evolución de la historia del arte, de ahí su valor dentro del mercado, pero aun así no puedo evitar sentir cierto desencanto ante el resto del huevo duro conservado en una vitrina. A lo largo de la historia ha habido arte efímero, muchas de las prácticas conceptuales han propuesto arte efímero pero la necesidad de un registro objetual se impone no sólo por la voluntad de hacer historia sino porque el mercado del arte así lo requiere. ¿Sin mercado del arte hay historia del arte? personalmente creo que no.
Hay una obra de Piero Manzoni que me parece de las más poéticas y conseguidas de su trabajo, se trata del Socle du monde, un pedestal con la inscripción girada al revés, un zócalo que sostiene el mundo, el mundo y la vida como obra de arte. Esta obra está presente en la exposición y me ayuda a leer la muestra no como una monografía de la trayectoria de Manzoni, encerrada en una cronología concreta, sino como una invitación a entender el arte y su sistema como espectáculo sin que la actitud de Piero Manzoni pierda un ápice de actualidad, alertando claramente que hacia dónde debemos dirigir la mirada no es hacia la lata o el huevo duro sino hacia lo que el sistema ha hecho con ellos.

Piero Manzoni 1933-1963
Palazzo Reale
Milano, Italia
del 26 de marzo al 02 de junio de 2014
Precio: 11€

¿Por qué no sonríen?

2014-03-11T09:46:00.000+01:00

En su último libro, Kassel no invita a la lógica, Enrique Vila-Matas hace mención a un detalle aparentemente irrelevante, al buscar información sobre Chus Martínez, agente curatorial de Documenta 13 que apenas lo ha invitado a participar en la muestra, Vila-Matas destaca que todas las imágenes encontradas de la comisaria tienen un denominador común, en ellas Chus Martínez nunca sonríe. ¿Pero acaso es sólo ella? ¿Es que Chus no tiene sentido del humor? Seguramente en su vida privada y hasta en su trabajo Chus se ríe mucho, muchísimo, pero en las imágenes que oficialmente circulan sobre ella no se nos permite intuir que el sentido del humor forme parte de su personalidad y mucho menos que este sentido pueda ser utilizado como arma de trabajo. El 90% de imágenes que circulan en internet sobre comisarios de arte contemporáneo responden a un canon, el de persona concentrada, seria, sin debilidades ni fisuras, tal vez ni queriendo podrían mostrarlas, ellos son la teoría, el marco institucional por el que el arte queda validado como tal.

Chus Martínez (Directora del Instituto del Arte de Basilea), Klaus Biesenbach (Director del MoMA PS1), Bartomeu Marí (Director del MACBA), Adam Szymczyk (Comisario de dOCUMENTA 14), Nancy Spector (Comisaria del Guggenheim de NY) y Hans Ulrich Obrist (Comisario)

Todos los oficios tienen imágenes estereotipadas y por lo tanto sus códigos de presentación. Pongamos por ejemplo el oficio de escritor, una fotografía nos lo mostrará en una biblioteca, la suya, la de su casa, preferentemente poco ordenada, el autor con mirada algo miope si es que no lleva gafas sostendrá un cigarrillo en la mano, si hay una mesa frente a él seguro no falta un vaso en el que podamos prefigurarnos el whisky que a menudo acompaña su solitario trabajo, la vestimenta estará estudiadamente descuidada, si es hombre su cuerpo no delatará horas de gimnasio, a partir de cierta edad algo de barriga es bienvenida, la mujer como siempre está algo más condicionada pero tampoco puede alardear de horas ante el espejo, eso sería percibido como un signo de frivolidad y a la larga iría en detrimento a la valoración de su escritura. Todo ello responde a una escenificación, ya no sabemos si más o menos involuntaria del oficio de escritor. Así como cuando un actor recorre la alfombra roja de los Oscar está representando un status, el de estrella de Hollywood, del mismo modo el comisario de arte contemporáneo representa el suyo, no puede sonreír, no debe sonreír porque el arte contemporáneo no hace reír, al menos eso parece decirnos el rictus de su rostro. No hay margen para el humor.

Massimiliano Gioni se salta el canon junto a Paolo Baratta en la presentación de la Biennale di Venezia . Foto: vía Artribune

Carolyn Christov-Bakargiev recibe al público de documenta 13 con los brazos abiertos. Foto: vía Exibart

Sin embargo, si le echamos un ojo a Artforum veremos que en su edición digital siempre hay un artículo más parecido a una sección del ¡Hola! que de otra cosa, en el que tras un evento como una feria, bienal, super inauguración o cualquier celebración artística por el estilo, se reseña el dónde ha estado quién y con quién, se fotografían las fiestas y los eventos sociales a menudo más fundamentales para el arte (y temo para cualquier ámbito de trabajo) de lo que nos gustaría reconocer. En estos artículos no se aprende nada a nivel de arte pero sí a nivel sociológico y antropológico, aquí los comisarios aparecen más relajados, sí, humanos, con la copa en la mano, también algo frívolos para que negarlo. Me pregunto qué pasaría si los comisarios, críticos y directores de museo relajasen por un momento la expresión de sus caras en sus presentaciones ante el público a nivel institucional, si en lugar de parecer que nos reciben para ir al patíbulo, sus caras buscasen la empatía de los que nada sabemos sobre arte y sin embargo nos llama la curiosidad. Si el arte es la expresión máxima de la libertad de pensamiento, de acción y de emoción, por qué quienes trabajan con él, quienes nos lo explican insisten en mostrar una imagen tan rígida cuando lo representan ¿y si el acortar distancias entre el arte y el público empezara por un cambio de actitud en sus mediadores? Documenta 13 fue una exposición fantástica, en caso de no haberlo sido la actitud y la expresión de su comisaria, Carolyn Christov-Bakargiev, el día de su presentación hubiese dejado entrever al menos una cosa, que se lo había pasado en grande organizando la muestra.

ARCO 2014: Entrevista a Monika Branicka y Asia Zak -Zak Branicka-

2014-02-23T10:15:00.000+01:00

Monika Branicka y Asia Zak. Foto: via artnet

En la historia del arte más reciente destacan dos deudas fundamentales, por un lado insertar en los discursos históricos el arte producido en los países externos al eje Europa/EEUU y por el otro revalorizar la obra de artistas que en su momento quedaron fuera del mercado del arte y cuya obra es fundamental para entender las prácticas artísticas del presente. La galería Zak Branicka cumple con ambas funciones, trabaja con el arte de la Europa del Este, desconocido a gran parte del público y omitido hasta hace poco por los historiadores, a través de un diálogo intergeneracional entre artistas de los años sesenta y setenta y artistas contemporáneos, mostrando la continuidad entre el trabajo de uno y otros. Esta metodología que no cierra la práctica del arte en fronteras cronológicas y que lo entiende como forma fluida y dialógica es esencial para comprender y analizar críticamente el arte del presente.

El arte contemporáneo todavía se explica desde una narrativa centralista que deja al margen experiencias como las de la Europa del Este o Latinoamerica ¿Qué papel juega vuestra galería en el desarrollo de lecturas alternativas en relación a la historia del arte en Europa?

Zak Branicka se especializa en arte de la Europa del este, principalmente de Polonia, pero también representa artistas de Croacia, Macedonia y Austria. Pretendemos compartir y focalizar la atención sobre la obra de estos artistas que hasta hace poco no habían recibido el reconocimiento que merecían. La Europa del Este siempre ha sido parte de Europa pero la gran mayoría de instituciones han elegido ignorar estos artistas y centrarse en artistas de la Europa occidental. Nuestra finalidad es la de enfatizar que la historia del arte no sólo pertenece a Occidente sino también a Oriente y re-direccionar esta falta de apreciación del arte de la Europa del Este. Nos alegra ver que instituciones como la Tate o el Pompidou han mostrado a través de recientes exposiciones su interés y que el foco se está moviendo hacia allí. Parece que las instituciones de Occidente están intentando recuperar el tiempo perdido.

Vista de la exposición de VALIE EXPORT en Zak Branicka, Berlin, 2013. Foto: Camilayelarte

A pesar de su origen polaco, la galería está localizada en Berlín, ¿todavía debemos considerar Berlín como una ciudad que conecta la Europa Oriental con la Occidental?

Berlín supone una base ideal para llevar a cabo nuestro objetivo. La ciudad ha funcionado y todavía funciona como axis entre el Este y el Oeste. Por otro lado su vibrante escena artística internacional proporciona una plataforma perfecta para poner en muestra la obra de nuestros artistas y aumentar la visibilidad de la Europa del Este.

Vuestro programa expositivo es bastante intergeneracional aunque focalizado en arte conceptual del Este. Cómo elegís a los artistas con los que trabajáis?

En nuestra galería exponemos artistas de tres generaciones distintas. La primera está representada por artistas de los años setenta, pertenecientes a la segundas vanguardias; entre ellos se incluyen Zofia Kulik, Ryszard Wasko, un artista austríaco, VALIE EXPORT, y Roman Opalka, recientemente fallecido. La segunda generación comprende artistas de los noventa cuyo trabajo es muy crítico e incluye a figuras como Joanna Rajkowska y Katarzyna Kozyra. Finalmente los trabajos de la generación más joven, entre ellos Agnieszka Polska están conectados con la vanguardia de los setenta, su lenguaje e iconografía se desarrolla desde ésta. Estas tres generaciones a menudo utilizan el lenguaje de la performance, el cual nos interesa especialmente.

Vista de la exposición de Joanna Rajkowska en Zak Branicka, Berlin, 2012. Foto: Camilayelarte

En 2011, el MACBA en colaboración con la Galeria Ljubljana entre otras, organizó la exposición El museu de las narratives paral·leles, como un intento de construir una historia paralela del arte europeo. La ZAK-Branicka Foundation desarrolla alguna actividad conjuntamente con museos o programas públicos?

La ZAK Branicka Foundation, con sede en Cracovia, tiene como finalidad el desarrollo de actividades que sirvan de apoyo a la galería en la construcción de un network entre artistas de la Europa del Este junto con Instituciones culturales internacionales. En paralelo a la colaboración con museos, galerías y ferias de arte, la fundación también edita libros como POLISH! publicado con Hatje Cantz y escrito por comisarios internacionales con la finalidad de aportar una lectura occidental sobre artistas del Este. El diálogo de la Fundación con las instituciones, comisarios e historiadores del arte ayuda al desarrollo de nuestra investigación y estimula el intercambio cultural. Por otro lado también editamos cuatro números anuales del diario Zak Branicka. Recientemente hemos colaborado con Zero Books en la publicación del libro de Joanna Rajkowska Where the beast is burie,mientras trabajamos con Hatje Cantz para la publicación de un libro sobre Dominik Lejman.

El año pasado la galería organizó una exposición del Grupo Gorgona de especial importancia puesto que dio a conocer las ideas innovativas de Gorgona entre los principales museos y figuras del mundo del arte. Por el momento estamos trabajando en un programa para coleccionistas jóvenes de la Europa del Este.

Stand de Zak Branicka en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

Stand de Zak Branicka en ARCO 2014. Foto: Camilayelarte

ARCO es una feria del sur de Europa particularmente conectada con Latinoamérica, como valoráis participar en ella?

Esta conexión es importante puesto que el arte de Latinoamérica tiene muchos puntos en común con el arte polaco. La herencia de ambos se halla en la abstracción-geométrica de las primeras vanguardias y el arte conceptual; se podría decir que Lygia Clark es al arte Latinoamericano lo que Katarzyna Kobro al arte de Polonia. Esta conexíón es fundamental puesto que no existe en ningún otro lugar de Europa. Nuestra historia del arte es muy similar, ya sea por sus raíces y por el hecho de que quedó relegada a un margen en el pasado.

ARCO 2014 es una fantástica oportunidad para mostrar el talento de nuestros artistas, estamos contentos de participar en ella. ARCO proporciona a galerías de muy diversa procedencia la ocasión de poner en muestra sus obras, así que es una ocasión estupenda para descubrir talentos artísticos de todas partes del mundo. En ARCO esperamos que nuestros artistas, al entrar en muestra con artistas de distintas partes del mundo, puedan integrarse en el contexto internacional del arte.

Zak Branicka
Pabellón 9 - Stand 9C10
Programa General - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

ARCO 2014: Entrevista a Francisco Salas -Galería PM8-

2014-02-22T10:16:00.000+01:00

J. Pedraza, F.Salas y L. Martínez Troncoso. Foto: Adán Vallecillo

Las ferias se aproximan cada vez más al modelo de las bienales, las galerías por su parte se acercan al modelo de los centros de arte. Partir de la investigación como forma de trabajo supone entender el espacio de la galería mucho más allá de su función comercial, apostando por un modelo que no puede estar desligado del trabajo de críticos y comisarios. Parece que nos acercamos a una etapa en la que se desintegran los límites de las funciones de todos aquellos agentes que intervienen en el sistema del arte. La galería PM8, dirigida por Francisco Salas, es ejemplo con tan sólo tres años de vida del cambio de paradigma que está por llegar.

PM8 es una galería muy joven, cuéntanos cómo nace el proyecto.

PM8 es un proyecto que nace con el propósito de trabajar desde una premisa curatorial y con la intención de re-pensar la galería. Plantear el trabajo desde la investigación y el rigor. Crear proyectos en los que construir con los artistas a través del diálogo y el intercambio, propuestas específicas que permitan el mejor entendimiento y la más cuidada percepción y presentación de su obra. Generar un pensamiento crítico a través del arte y convertir a la galería en esa plataforma compleja, rica y más humana en la que tengan cabida diversas dinámicas de trabajo más allá de la comercial. Trabajar en, por y desde el contexto del arte.

En vuestro programa expositivo predominan artistas emergentes per también figuras como Fina Miralles, ¿qué papel juega este diálogo intergeneracional?
Es necesario e enriquecedor, los intereses de los artistas van más allá de lo puramente generacional, es interesante encontrarse en los mismos lugares que personas que por generación están lejos, pero que sin embargo comparten una misma línea de pensamiento, de vida y por supuesto de trabajo. Quizás la forma, el modo de llegar a ello, y también como se expresa sea distinta, pero las preocupaciones son siempre las mismas. Dialogar desde la distancia temporal para encontrarse en la cercanía del pensamiento es fantástico.

Adán Vallecillo, Pintura Política, 2013. Vista de la instalación en PM8. Foto: PM8

Loreto Martínez Troncoso, La llamada (Contigo y sin ti), 2013. PM8. Foto: PM8

¿De qué modo apostar por artistas jóvenes condiciona el modo de trabajo de una galería?, ¿qué diferencia se puede percibir en relación al planteamiento de una galería más tradicional?
Trabajar con artistas que comienzan es lógico por que esta es una galería joven, además una de las ideas detrás de este proyecto es precisamente la de crecer, evolucionar y avanzar juntos. La labor de promoción que recae en nuestras manos es fundamental para posicionar el trabajo en los mejores contextos internacionales, no solo a través de ferias, también convirtiéndonos en los mejores interlocutores entre sus propuestas y otros agentes clave como comisarios, instituciones, críticos o coleccionistas. Y esa parte de nuestro trabajo es muy importante, por que en nuestras manos está el cómo llega y cómo es percibida la obra, por eso es crucial trabajar desde la máxima exigencia y desde la excelencia.

Stand de PM8 en ARCO 2014. Foto: Camilayelarte

Stand de PM8 en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

PM8 se encuentra en Vigo, Bacelos, una de las galerías de referencia en Galicia ha abierto sede en Madrid, también lo ha hecho NoguerasBlanchard de Barcelona, ¿la escena artística española tiende inevitablemente al centralismo?
La localización no determinan la vigencia, relevancia o el interés de un proyecto. Lo importante es construir desde unas premisas de rigor y calidad, trabajar desde y por la excelencia, factores todos ellos independientes o ajenos a la situación geográfica. Además tanto los artistas como los galeristas tenemos movilidad; el acceso a las ferias internacionales y los viajes de investigación y trabajo (fundamentales para la expansión del proyecto) proporcionan esa visibilidad real y despiertan el interés si realmente tenemos algo que decir. La internacionalización de un proyecto es un trabajo arduo que se puede lograr desde cualquier lugar, siempre que haya o se cumplan esas premisas de excelencia.

Estamos en un contexto nacional que determina ciertas dinámicas, pero los proyectos que tienen una vigencia mas allá de nuestras fronteras saben que hoy solo la creación de una red de trabajo global y de intercambio entre países, es lo que generará que un proyecto pueda seguir avanzando, y esto está más allá de estar en una ciudad u otra. Si el trabajo realizado tiene interés y es riguroso se verá, no hay más límites que los que cada uno se quiera poner a sí mismo. Quizás se tarde más tiempo en llegar, ya que ese tipo de proyectos requieren mucho esfuerzo y dedicación, pero el camino que se construye es más sólido.

PM8
Pabellón 9 - Stand 9G05
Programa General - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

ARCO 2014: Entrevista a Antoine Levi -Galería Antoine Levi-

2014-02-21T15:32:00.000+01:00

Antoine Levi (de espaldas) con el artista Olve Sande.
Foto: via Antoine Levi

La de Antoine Levi es el ejemplo de una trayectoria de naturaleza radicante, se mueve por distintos territorios y arraiga sin que ello suponga un límite que lo mantenga ligado. De origen francés con experiencia profesional en España e Italia, su galería cuenta con apenas un año de vida, el lugar elegido para desarrollar su proyecto es París, en concreto el barrio de Belleville, centro de la escena emergente parisina y de visita ineludible para todos los que quieran estar al tanto del futuro (artístico) por venir. ¿Se acerca un cambio de paradigma en el mundo del galerismo? ¿Cambia la esencia o sólo las formas? Antoine Levi nos da algunas pistas sobre ello.

La galeria abrió hace un año, podrías hablarnos sobre el proyecto, cual es la filosofia que la anima?
En realidad no hay una filosofía, hay una visión, una familia, un deseo de crecer con los artistas, un constante diálogo, cada dirección se toma a través de una sincera y convincente decisión entre la galería y los artistas, incluso cuando estoy interesado en un nuevo artista, envío el material a los demás y espero sus comentarios, dudas, entusiasmo etc. El termino filosofía suena extraño para mi. De hecho, hace un año decía que quería limitar la galeria a artistas muy jóvenes, ahora también representamos a Francesco Gennari, un artista italiano con una carrera fuerte y consolidada. Para mi era obvio que Francesco encajaba perfectamente dentro del límite de la galería, y que su presencia, como la del resto de artistas, crearía una fantástica osmósis.

La Galerie Antoine Levi en el barrio de Belleville de París, 2013. Foto: Camilayelarte

¿Cómo describirías vuestro programa expositivo?
Tratamos de trabajar cuanto nos es posible en el mismo espacio de la galeria, 10-7 días antes de la exposición, para hacer que el diálogo sea concreto. En algunas ocasiones siento que nuestra profesión ha cambiado mucho en los últimos años y que una ola de sobreproducción ha cancelado las necesidades básicas. Me gusta hacer exposiciones por muchos motivos, uno de ellos es que me siento privilegiado de hablar con poetas visuales e intentar entenderlos, guiarlos para que me sorprendan cada vez.

Vista de la exposición de Sean Townley en Galerie Antoine Levi, 2013. Foto: Camilayelarte

Has trabajado con importantes galeristas como Juana de Aizpuru y Franco Noero, cuál dirías que son las principales diferencias entre el modelo de galería tradicional y el nuevo modelo que están desarrollando galerías jóvenes como la vuestra?

En realidad, Juana y Franco no son personas que yo describiría como tradicionales, más bien lo contrario! También trabajé durante pocos meses en el IVAM en Valencia y un poco en la galería Roger Pailhas en Marsella. No creo que haya mucha diferencia entre nuestra visión y modo de trabajo. Si tuviera que mencionar una diferencia, sería que existen muchas galerías hoy en día y que todo se está acelerando. Todavía recuerdo enviar la solicitud de participación en una feria via Fax o por correo postal, hoy en día tenemos herramientas digitales que aceleran la paz del trabajo, aunque por supuesto fueron muy útiles para abrir la galería y buscar a los artistas con los que queríamos trabajar. De hecho nunca hago visitas de artistas, creo que es algo muy extraño e invasivo, lo que veo online o a través de conversaciones via Skype o por e-mail me parece suficiente para hacerme una idea.

Nerina Ciaccia, co.directora de la galería junto al artista Piotr Makowski, parte de la família de la galería Antoine Levi. Foto: via Antoine Levi

Las ferias se han transformado en piezas clave dentro del sistema del arte, la localización parece que ya no es importante, aun así Antoine Levi se encuentra en el corazón del barrio de Belleville, y París se está convirtiendo en capital europea del arte contemporáneo emergente, ¿cómo lo valoras?

París siempre ha sido una capital para el arte y su actividad ha sido constante. Volver a París después de tantos años ha sido un reto personal. Elegí Belleville por su frescura y porque muchas galerías que me interesan se encuentran allí. Como circuito galerístico tal vez sea menos obvio para quienes vienen a París a ver las galería, por este motivo quienes vienen lo hacen con un propósito, o quieren descubrir la galería.
Las ferias son sin duda importantes porque amplían la visibilidad de la galería internacionalmente y por lo tanto contribuyen a que la difusión del trabajo de los artistas sea más sencilla.

¿Cuáles consideras que son las características principales de ARCO y cómo se percibe a nivel internacional?

ARCO supone un paso importante para la galería ya que se trata de una de las ferias más importantes de Europa. Para mí supone lo ocasión de generar más contactos en España y Latinoamérica. La densidad de los encuentros comporta la llegada de críticos y comisarios de todo el mundo. Scandinavia tiene este año una buena presencia con el Focus Finlandia, nosotros presentamos un artsita noruego, Olve Sande.La ayuda y el consejo de Manuel Segade, co-comisario de la sección opening, ha sido claveen mi decisión de participar en la feria, él vive en París y tiene una visión de la actualidad, además conoce muy bien ambos territorios. ¿Cómo se percibe ARCO? La próxima edición nos dirá más sobre ello. Soy muy parcial porque para mi supone una bonita ocasión de volver a España tras tantos años, para Nerina, my novia y directora de la galería, y para mi ARCO supone un buen termómetro del mercado del arte internacional al inicio del año.

Galerie Antoine Levi
Pabellón 9 - Stand 9OP03
Sección Opening - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

ARCO 2014: Entrevista a F. Padovani & A. Pasotti -Galería P420-

2014-02-20T22:08:00.000+01:00

Alessandro Pasotti & Fabrizio Padovani. Foto: via P420

P420, el número de pantone del color gris claro, es el nombre de la galería abierta en 2010 por Alessandro Pasotti y Fabrizio Padovani con sede en Boloña. El inicio del interés por el arte de estos jóvenes galeristas no nace a partir de las obras sino de los catálogos de artistas y los documentos gráficos relacionados con el arte de los 60 y 70. En una época en la que la obra de arte inició su andadura hacia la desmaterialización, su recuperación histórica comporta más trabajo de archivo que de otra cosa, y precisamente esto es lo que se han propuesto Pasotti y Padovani, revalorizar de forma crítica artistas relacionados con el arte minimal y conceptual desde la lectura que Italia hizo de estos lenguajes y en confrontación con otros artistas internacionales. Sus exposiciones sorprenden en un ámbito como el italiano, en el que predomina la visión estética del arte y donde exponer material gráfico o documental es más propio del sector de los museos, no acaso el MAMbo se encuentra a pocos metros de su galería.

Vuestro programa expositivo recupera artistas de la década de los 60 y 70, fundamentales aunque poco conocidos por el gran público. ¿Por qué este período en concreto?

A menudo la calidad de un artista no sigue la misma velocidad que su suerte en el mercado del arte. Ciertos artistas no consiguen proponerse, ponerse en muestra y encontrar fortuna crítica, prefieren llevar a cabo su investigación, precisa, constante y auténtica lejos de los reflectores. Parece que ha llegado el momento de realizar ciertos re-descubrimientos, consideramos que es un deber hacerlo.

P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

Vista de la exposición de Goran Trbuljak en P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

El material gráfico está muy presente en vuestras exposiciones. ¿Qué rol desempeña el catálogo impreso como herramienta promocional?

Re-descubrir es en ciertos aspectos más difícil que descubrir. Algo que estaba allí ante los ojos de todos, durante años y nadie lo había considerado, o lo habían considerado pero no bajo su justa importancia, una importancia que en este momento deber ser demostrada. El catálogo cumple este rol, nos gustaría que nuestros catálogos ayudasen a situar a un artista en su justa dimensión.

Stand de P420 Arte Contemporanea en ArteFiera Bologna 2014. Foto: Camilayelarte

Stand de P420 Arte Contemporanea en Artissima 2013. Foto: Camilayelarte

En un sistema tan globalizado como el del arte, en el que las ferias son fundamentales, ¿qué relación mantiene todavía la galería con el contexto cultural de la ciudad en la que se encuentra, en vuestro caso Boloña?

Nosotros trabajamos con diversos artistas italianos pero no nos gusta perdernos en localismos. Elegimos a los artistas con los que trabajamos según las vibraciones que nos provoca su obra, nunca según el territorio del que proviene. Boloña cuenta con artistas muy buenos pero por el momento no trabajamos con ninguno de ellos.

Cómo creéis que se percibe ARCO a nivel internacional, ¿cuáles son sus características?

Las ferias son grandes lugares de encuentro donde la importancia de asistencia no se puede valorar únicamente a través del número de ventas. Estar aquí, tocar con la mano es muy importante. No escondemos el hecho de que en Madrid esperamos poder profundizar las relaciones con el mundo latino-americano.

P420 Arte Contemporanea
Pabellón 9 - Stand 9OP01
Sección Opening - ARCOmadrid 2014
19-23 de febrero 2014

ARCO 2014: Entrevista a Silvia Dauder -Galería ProjecteSD-

2014-02-20T09:09:00.000+01:00

Silvia Dauder. Foto: via ProjecteSD

Para un sistema del arte como el de España, en el que hay muy poca tradición en torno al arte contemporáneo y en el que todo se ha construido un poco con las prisas propias de un país que quiere recuperar el tiempo perdido, la galería ProjecteSD de Barcelona simboliza el alcance de una madurez profesional y crítica dentro del sector galerístico español. La de Silvia Dauder, directora de la galería, es una mirada sorprendentemente independiente, autónoma de cualquier condicionamiento impuesto por el contexto o la tradición, no se parece a nadie y nadie se parece a ella aunque muchas galerías jóvenes que empiezan la tomen como referencia. Matt Mullican, Iñaki Bonillas, Dora García o Peter Vermeersch son algunos de los artistas que dan forma a un programa expositivo que destaca por su rigor y coherencia.

ProjecteSD se caracteriza por un programa expositivo singular en relación al resto de galerías de Barcelona, ¿de qué modo se ha gestado su línea expositiva y de entre ellos cuáles han sido los proyectos más enriquecedores?
Todo ha sido un proceso que ha ido evolucionando. Poco a poco he ido incorporando aquellos artistas que yo creía tenían trabajo de calidad, de distintas generaciones y cuya presencia aportaba algo nuevo al panorama galerístico español. Me caracterizo por una línea poco estridente, de más reflexión, poco explícita, en algunos casos. Muchos han bautizado la línea de la galería como conceptual. No sé si es exactamente correcto. No todos los artistas con quien trabajo son artistas conceptuales. Pero quizá sí se puede considerar que la aproximación de la galería tiene algo que ver con algún modelo de galería europea de los años del conceptualismo, salvando por supuesto distancias. No me interesan las tendencias “per se”, intento aportar algo nuevo con mi trabajo y tengo una buena capacidad de riesgo. Esta es mi ambición, mi reto, buscar aquello que no necesariamente es fácil. Todos los proyectos son enriquecedores de una u otra forma. Es muy interesante tratar con artistas de los 70 (que ahora superan los 60 años) y con los jóvenes, dos maneras bien distintas de aproximarse al trabajo y a esta profesión, la de artista.

Vista de la exposicón de Allen Ruppersberg en ProjecteSD. 2013. Foto: Camilayelarte

¿Qué galeristas consideras que son un ejemplo de profesionalidad y de algún modo han sido o son un referente?
Hay muchos afortunadamente. De ahora y de antes y espero que vengan muchos más. Es difícil mencionar a nombres porque siempre te dejas a alguien. Konrad Fischer en sus orígenes, un referente irremplazable, Art & Concept, por supuesto también. Micheline Swajzcer siempre tiene unas exposiciones de envidiar, impecables y muy buenas. Mis buenos y admirados colegas Jocelyn Wolff y Miguel Abreu. La joven mexicana Labor por dinamismo. Parra y Romero en su nueva línea, los jóvenes MaisterraBalbuena y mis colegas catalanes NoguerasBlanchard, son galerías a seguir de cerca. Dels Àngels está tejiendo un buen programa gracias a Pep Agut.

En un sistema del arte altamente globalizado donde la participación en ferias internacionales es fundamental, ¿qué rol crees que todavía desempeña la galería en relación al contexto de la ciudad en la que se encuentra?
Sin galerías no hay ferias, con lo cual el rol de la galería sigue siendo fundamental. Mucho sucede en las ferias, pero no todo, ni todo lo mejor. Las mejores conversaciones, los mejores encuentros y los mejores contactos los he hecho gracias al día a día de la galería, al trabajo de fondo. Y algo que es fundamental, las mejores exposiciones. El mejor sitio para conocer el trabajo del artista es la galería, sin duda, nunca la feria. Y esto no debería olvidarse. El arte es importante, y la galería es el espacio donde el artista tiene que experimentar y arriesgar con el apoyo de su galerista. Las ferias no suelen servir para hacer experimentos. No hay tiempo para entenderlos. Nadie debería olvidarlo. Pero sin duda las ferias juegan hoy en día un papel ineludible.

Stand de ProjecteSD en FIAC 2013. Foto: Camilayelarte

¿Qué le falta y qué le sobra a la escena artística de Barcelona?
Le falta mucho, sobre todo contenido, riesgo y valentía, e intentar por una vez que las cosas se planteen con visión de futuro, para que duren, crezcan y maduren con calidad y solidez. Sin actos grandilocuentes y tocando con los pies al suelo. Soy crítica con mi país, que no significa querer ser negativa, y no sólo con Barcelona. Creo que es la obligación de todos serlo, es la única manera de crecer. Si un museo español o catalán pierde calidad y prestigio, a mi me duele y afecta a mi profesión y negocio muchísimo. Si esto sucede en Austria, no me importa tanto, a pesar de la globalización. Lo que sobra es todo aquello que no aporta nada y que a veces nos ocupa demasiado tiempo.

¿Cómo crees que se percibe ARCO a nivel internacional?
Con gran tristeza lo digo, actualmente con no mucho interés. Ojalá en un futuro próximo ya no sea así. Esto es trabajo de todos, pero en primer lugar de los gestores de la feria. Y espero y deseo vayamos por buen camino. No nos queda más remedio que seguir trabajando mucho.

ProjecteSD
Pabellón 9 - Stand 9D11
Programa General - ARCOmadrid 2013
19-23 de febrero 2014

Res no s'atura. La Fundació Suñol y La Panera en diálogo

2014-02-13T09:41:00.000+01:00

Res no s’atura es el título con el que el Centre d’Art La Panera y la Fundació Suñol invitan a una lectura de ambas colecciones planteando una idea de continuidad en la práctica artística de finales del siglo XX y principios del XXI. El cambio de milenio no supone una frontera para que una colección que finaliza en la década de los noventa como es la de Josep Suñol y otra que empieza en el 2003 como la de La Panera, no puedan ofrecer una visión articulada de ciertas constantes temáticas que lejos de desapecer de una generación a otra, conviven y persisten a lo largo del tiempo. Esta permeabilidad es significativa si tenemos en cuenta que en el caso concreto de la colección de La Panera, ésta se construye desde una visión de futuro y no bajo estrategias revisionistas, una visión de futuro que no parte de aquello que ya está consolidado por el sistema sino que busca preveer qué que es lo que en unos años tendrá algo que decir en la historia del arte.

Francesc Abad y Lara Almarcegui. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Juan López, Joan Hernández Pijoan y Marina Núñez. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Juan Luis Moraza y Ana Laura Aláez. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Si dejamos de lado la función pública y la función privada de una y otra colección, veremos que el riesgo que corre la comisaria de La Panera, Glòria Picazo, al seleccionar y apostar por los artistas que conforman la colección no es muy distinto del que corre un coleccionista de arte, como el caso de Josep Suñol, cuando apuesta por uno u otro artista. Lo más interesante de Res no s’atura no es poder ver la obra de los nombres que ahora tanto nos suenan, como por ejemplo el de Lara Almárcegui, presente con Demoliciones, descampados y huertas urbanas, una obra ahora clásica de su trabajo artístico, sino percibir el tiempo como elemento que narra la fortuna de cada obra, de cada carrera artística. Una colección se valora por sus altos, jamás por sus bajos, pero no deberíamos olvidar que los bajos nos hablan de coyunturas que en su momento fueron significativas. El tiempo no s’atura, no se para, como reza el título, pero una obra de arte, un objeto artístico tiene la capacidad de registrar un momento de ese tiempo histórico que nos es difícil de percibir mientras lo estamos viviendo, aunque ese momento finalmente no acabe formando parte esencial del espíritu de su tiempo.

Vista general de la exposición. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

MP & MP Rosado. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

Rosa Amorós y Patricia Dauder. Res no s'atura, 2014. Fundació Suñol. Foto: Camilayelarte

A lo largo de las salas en las que se despliegan las 35 obras en muestra, se perciben dos tiempos, por un lado el de la propia época que vio nacer la obra, un tiempo que se manifiesta especialmente a través del material o soporte con el que está hecha, en definitiva del lenguaje que utiliza para hablar de algo en concreto; mientras el otro tiempo, al que podríamos denominar continuo y universal, se da en este algo concreto, en lo que dice y lo que cuenta la obra de arte por encima del cómo lo cuenta. Temas como el yo, el otro, la muerte o la naturelaza son universales y atraviesan el arte siglo tras siglo. Lo vemos en la pintura de raíz expresionista de Frederic Amat o en la fotografía digital de Eulàlia Valldosera, o confrontando unos distantes Hernandez Pijoan y Juan López. Mientras las prácticas conceptuales de Francesc Abad y Lara Almarcegui son próximas en cuanto a una forma de trabajo basada en el análisis y crítica del entorno y el paisaje urbano, no lo es tanto una escultura como la de Sergi Aguilar, Tronc, espai, terra, eina (1975) que sin embargo conforma junto a la obra de los dos anteriores artistas el diálogo más formidable de toda la exposición.

Lo mejor: La ocasión de poder ver parte de la Colección de La Panera de Lleida en Barcelona.

Lo peor: La debilidad de algunos diálogos planteados en las salas pequeñas, con obras de Gordillo o Zush entre otras.

Podéis ver el álbum completo de la exposición en nuestra página de Facebook.

Res no s'atura
Hasta el 03/05/2014
Fundació Suñol
Passeig de Gràcia, 98 - Barcelona
Horario: De lunes a viernes de 11h a 14h y de 16h a 20h. Sábados de 16h a 20h.
Precio: 4€

Parecidos razonables (y razonados): Hermann Nitsch & Jordi Benito

2014-02-11T22:44:00.000+01:00

Hermann Nitsch, 130. Aktion, 2010, Nápoles. Foto: Global Art Affairs Foundation. Cortesía: Museo Hermann Nitsch; Jordi Benito, B.B.P. Romanic, 1980.

Según Günter Brus, la Austria de los sesenta no sólo estaba abandonada de Dios sino del mundo, y en ningún otro país de Europa, a excepción de la España de Franco, se podía encontrar un nivel de represión social tan fuerte. Hermann Nitsch (1938) y Jordi Benito (1951-2008), austríaco uno, catalán el otro, liberaron con su arte la crueldad y la violencia de una sociedad que necesitaba de la destrucción para poder reconstruir sus valores sociales, políticos y estéticos.

En el Orgien Mysterien Theater de Hermann Nitsch y en las acciones de Jordi Benito encontramos un retorno al arte entendido como rito, donde se explora su capacidad para comunicar más allá de la palabra y del texto, únicamente a través de la intensidad de las imágenes plásticas que provoca la puesta en acción del material visual, táctil y auditivo. La sangre, el fuego, los alimentos, el sacrificio de animales, la cruz, son elementos que encontramos en las ceremonias escenificadas y participativas de Hermann Nitsch y en las acciones individuales de Jordi Benito. Simbologías de contenido mítico que conectan con el subconsciente humano, imágenes con una fuerte potencia estética que recuperan la intensidad de la experiencia sensorial como toma de consciencia del hombre. Belleza/crueldad, creación/destrucción, vida/muerte. El arte como energía universal, canal del eterno retorno.

Cada idea es una yuxtaposición, ya está. Una yuxtaposición de conceptos existentes

Steven Grant

El modelo Barcelona

2014-02-03T09:04:00.000+01:00

En 1974 el libro publicado por Eduard Moreno y Manuel Vázquez Montalbán, Barcelona ¿a dónde vas? recogía en su epílogo el siguiente fragmento de la Hoja Informativa de la Asociación de Vecinos de 9 Barris:

A los que sueñan sólo con la “Gran Barcelona” les decimos que así no la queremos ya que para nosotros representa únicamente expropiaciones, aislamiento y especulación del suelo, falta de los servicios más básicos como escuelas, jardines, hospitales, centros culturales, sociales, etc.

Aspecto actual de la Llibreria Canuda, cerrada en noviembre de 2013. En su lugar se abrirá una tienda MANGO. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Pastisseria La Colmena. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

El Indio, a pocos días de su cierre. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Cuarenta años más tarde este texto tiene más vigencia que nunca, faltan eso sí, voces críticas como las de Manuel Vázquez Montalbán o José María Huertas Clavería, figuras que amaban Barcelona, la conocían y entendían como no la aman ni la entienden los responsables políticos que están haciendo de Barcelona un producto en venta al mayor postor.

El anuncio del posible cierre del Colmado Quilez, seguido al día siguiente por el de la pastelería Fargas, no es sólo el efecto inevitable de la aplicación de la ley de arrendamientos urbanos sino la consecuencia directa de un modo de hacer política basada en los principios del neoliberalismo salvaje, así como de la ignorancia absoluta del significado de la palabra patrimonio y de la extensión del concepto cultura.


Cereria Subirà, la tienda más antigua de Barcelona, salvada por el momento por el Ajuntament. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Nueva tienda Geox en el espacio que antes ocupaba El Palacio del juguete. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

La xurreria y la Llibreria Rodés en Banys Nous. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

A pesar de que nos adoctrinen para pensar en modo contrario no todo se puede valorar desde el punto de vista de la rentabilidad económica, existe un patrimonio que es intangible y no por ello menos valioso. Un Ayuntamiento que decide registrar el nombre de su ciudad como marca demuestra que entiende la vida que se desarrolla en sus calles cual director de marketing, a quien poco le interesa la vida de las personas que la habitan y mucho la imagen que ésta ofrece al posible capital inversor extranjero.

Stand de souvenirs en La Rambla. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Publicidad del nuevo producto turístico a base de jamón. Carrer Ferran. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Muñecos diabólicos travestidos del Barça en venta como souvenir en La Rambla. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Si Barcelona es un producto y ya no una ciudad, deberían sus políticos saber que las ventas de la Llibreria Canuda enriquecían Barcelona infinitamente más que las insultantes paradas de souvenirs de La Rambla. La Colmena, El Palacio del Juguete, La Cerería Subirà, El Indio y todos los comercios históricos de la ciudad es lo que hacen (o hacían) que Barcelona sea singular, son su identidad. Escudarse en la crisis y en los resultados económicos del turismo salvaje que está destrozando el paisaje urbano de Barcelona, es una falta de responsabilidad por parte de los políticos, quienes deberían estudiar formas sostenibles de turismo partiendo de la convicción de que una ciudad la hacen sus ciudadanos y no los rusos o los qataríes.

La antigua charcutería Guinart de la Boquería transformada en un bar More than Tapas. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Publicidad ambulante de tapas en el Carrer Princesa. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

La antigua Llibreria Catalònia, convertida en un McDonalds que "homenajea" a Gaudí y Tàpies en su tremebundo diseño interior. Barcelona, 2014. Foto: Camilayelarte

Quien tenga un mínimo de sensibilidad estética se verá atacado por un violento espíritu destructor cada vez que pasea por Barcelona y se topa con los carteles que anuncian “chuches de bellota”, o vea el despliegue de color del dragón de Gaudí, la camiseta del Barça y los turrones Vicenç en venta en La Rambla. Del Barcelona posa’t guapa hemos pasado al Barcelona ven-te l’ànima. Que un mercado como el de La Boquería pierda su identidad es un síntoma de que su razón de existir ya no es el de abastecer a las gentes de su barrio, y perder un barrio es perder una parte del patrimonio de una ciudad, su tejido social y cultural.

Más fotos de comercios históricos de Barcelona en nuestra página de Facebook.

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Arte Fiera Bologna 2014. Top & Flop

2014-01-30T00:16:00.000+01:00

Si no fuera por los manjares culinarios que brinda, probablemente no acudiríamos a la cita que cada año nos lleva a ganar unos kilos en Boloña “la grassa”. Lo hemos dicho otras veces, Arte Fiera Bologna es el ejemplo del campanilismo italiano (la defensa del pueblo y del origen) llevado al terreno de las ferias de arte contemporáneo. Y aun así, en otras épocas en las que la globalización no determinaba el mercado, Arte Fiera era la cita ineludible para todo amante-comprador del arte italiano que se preciara. Porque esta feria trata de Italia y de sus galerías, muchas de aquellas (no todas) que por programa expositivo no encajan en las principales ferias internacionales europeas.

Charcutería Simoni. Boloña, 2014. Foto: Camilayelarte

Piazza Maggiore, Boloña, 2014. Foto: Camilayelarte

A diferencia de Artissima, Arte Fiera adolece de un provincialismo acusado que en los últimos años ha ido en aumento, provocando que las galerías italianas de mayor perfil internacional, particularmente las de Milán, le hayan dado la espalda. Por otro lado y a diferencia de Turín, la red de museos y espacios expositivos de la ciudad no ofrece un contexto lo suficientemente sólido como para crear una diálogo de continuidad y crecimiento en torno al mercado y la práctica del arte contemporáneo. En cuanto a ventas se refiere, los galeristas participantes las han definido como reflexivas teniendo en cuenta el contexto económico italiano, mientras la afluencia de público, como viene siendo habitual en Boloña, ha sido extraordinaria.

Ahora bien, no todo son espinas y las rosas también florecen, así que echando mano de nuestro sentido crítico y siempre subjetivo, vamos a seleccionar lo mejor y también lo peor que ha ofrecido Arte Fiera Bologna 2014.

LO MEJOR DE ARTE FIERA

Carlo Ciussi, A arte Invernizzi. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

A arte Invernizzi. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

1-Carlo Ciusssi. La mejor obertura

Las seis columnas del artista Carlo Ciussi han recibido al público en Arte Fiera gracias a la instalación proyectada por la galería A arte Invernizzi, creando un espacio separado del resto del stand, integrado en la zona de tránsito del público. La pintura, autónoma de la pared, ofrece una doble lectura del lenguaje geométrico en pintura: desde el signo fragmentado contenido en la tela, a la estructura en forma de columna que lo contiene y que a su vez entra en relación geométrica y estructural, creando un espacio pictórico y dinámico poco habitual en el stand de una feria.

Maria Lai. Nuova Galleria Morone. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

2-Maria Lai. El mejor descubrimiento

De nuevo entre los Solo Show, probablemente la mejor sección de la feria, destaca el stand dedicado a Maria Lai, artista sarda recientemente fallecida a los 93 años, cuyos mapas y libros tejidos nos ha recordado a las labores de Louise Bourgeois. Su lenguaje artístico es femenino y primitivo, ligado al simbolismo de la cultura rural de Cerdeña, en particular de su pueblo de origen Ulassai. Dicha simbología apunta a lo universal, a la relación del hombre con la naturaleza, la suya es una poesía a la vez concreta y visionaria. Más allá del trabajo que desarrolló con las telas y los libros tejidos de imágenes sin palabras, Lai es famosa por la intervención Legarsi alla montagna celebrada en Ulassai en 1981, cuando al encargarle un monumento conmemorativo contra la guerra, la artista rechazó la oferta en favor de una acción en la que participó todo el pueblo, uniendo con un hilo azul las casas de Ulassai con la cima de la montaña. Sin duda una artista por descubrir.

Flavio Favelli. Dispari&Dispari Project. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

3-Flavio Favelli. El mejor solo show

Flavio Favelli aprovecha la feria cual Proust con la madalena y transforma el stand de Dispari&Dispari Project en una escenificación de sus tiernas memorias de infancia. El tiempo perdido se reencuentra en el cálido resplandor de la luz de los neones de los cines porno de los setenta, cuando Linda Lovelace triunfaba en las pantallas de los cines clandestinos. Favelli esquiva lo sórdido del tema y recrea un espacio onírico sin renunciar al humor.

Osart Gallery. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

Gianni Colombo, Tela Pulsante (1959). Osart Gallery. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

Grazia Varisco, Extrapagina (1975-76), Osart Gallery. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

4-Arte programmata. El mejor revival

El arte cinético está siendo objeto de estudio y de recuperación a través de numerosas muestras, el problema es que por la naturaleza de su material es difícil que las piezas sean las originales y no simples reproducciones. Aun a riesgo de equivocarnos, las obras de artistas como Gianni Colombo y Grazia Varisco puestas en muestra por Osart Gallery son un excelente ejemplo de arte programmata.

Giulia Manfredi, Orizzonte d'abbandono. Galleria Bianconi - Spazio9, 2014. Foto: Camilayelarte

Goran Trbuljak, GT: monogram, monograph, monochrome. P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

P420 Arte Contemporanea, 2014. Foto: Camilayelarte

5-Art City White Night. Galerías abiertas

Fiesta hasta medianoche en las galerías y museos de Boloña. Una línea de autobús denominada Art ha conectado los principales museos, galerías y recinto ferial para que el público pudiera moverse fácilmente por la ciudad. A pesar de que la oferta expositiva no ha sido extraordinaria, el público de se ha volcado en la celebración del evento. A destacar la galería P420 con una muestra del artista Goran Trbuljak, así como la colaboración entre la Galleria Bianconi de Milán y Spazio9 de Boloña para poner en muestra el proyecto de la joven artista Giulia Manfredi.

LO PEOR DE ARTE FIERA

La sección dedicada a la pintura del Ottocento. Arte Fiera 2014. Foto: Camilayelarte

1-La sección dedicada al arte del Ottocento
La novedad de la edición de este año es un reflejo de la poca visión contemporánea de los organizadores de la feria. Muchas ferias de arte contemporáneo apuestan por revisar la historia del arte para comprender la creación más actual. Lo hemos visto en Back to the future en Artissima, en los Solo Show de Frieze Masters o la planta baja de Art Basel, pero echar la cabeza más atrás de 1900 es caer en estrategias mercantilistas que no le hacen mucho bien a la coherencia de la feria.

Vista general de Arte Fiera Bologna 2014. Foto: Camilayelarte

2-País invitado
Tal y como hace ARCO, Arte Fiera también dedica una sección a un país o en este caso una zona, la Europa del este. La aportación de estas galerías ha pasado sin pena ni gloria, una ocasión pérdida para conocer galerías con programas expositivos interesantes.

Sede del MAMbo, Museo de Arte Moderno de Boloña. Foto: via Urban Center

3-La oferta expositiva del MAMbo
Si bien el gallery night ha estado muy bien organizado la oferta de exposiciones del Museo de Arte Contemporáneo ha dejado mucho que desear. Una sola obra de Tacita Dean sobre el estudio de Morandi no es motivo suficiente para anunciarla como exposición destacable, mientras la ordenación de la colección sigue igual que el año pasado. Una decepción.

4-Sin Aerobus
La crisis ha afectado también a la oferta de servicios públicos provocando la supresión del autobús público que conecta la feria con el aeropuerto.

5-Incoherencia en los días de duración de la feria
Aunque parezca mentida en lugar de finalizar el domingo como cualquier feria que se precie, Arte Fiera Bologna finaliza el lunes.

Más fotos de Arte Fiera Bologna 2014 en nuestra página de Facebook.

Arte Fiera Bologna
Boloña, Italia
del 24 al 27 de enero de 2014
Precio público general: 20€

Ayer, Hoy y Tomorrow: Elmgreen&Dragset en el V&A

2014-01-19T20:28:00.001+01:00

El eclecticismo decadente del Victoria & Albert Museum es una buena localización para una película de suspense y terror. Sin ser Hitchcock, el dúo escandinavo Elmgreen&Dragset ha construido una ficción aprovechando todos los elementos que el museo ofrece por sí mismo, transformando el concepto instalación por el de una especie de ongoing show. Tomorrow, título de la muestra, es una exposición que se da en distintos espacios y tiempos, en mi caso concreto, empecé a verla en octubre de 2013 pero la acabé ayer en el sofá de mi casa en el 2014.

Un pasillo vacío del V&A Museum en un viernes por la noche. Foto: Camilayelarte

Vidriera gótica en muestra en el V&A Museum. Foto: Camilayelarte

Los espacios que ocupa Tomorrow son varios, por un lado está la instalación propiamente dicha, el apartamento de un arquitecto de nombre Norman Swann, una puesta en escena en las salas del V&A que recrean un casa muy british venida a menos.
Si el V&A Museum fuera un whitecube entonces la exposición empezaría en la puerta de entrada en la exposición, pero tras analizar lo que nos quieren contar Elmgreen&Dragset, Tomorrow empieza desde el momento en el que se cruza el umbral del edificio eduardiano que sirve de sede a este museo-símbolo del Imperio Británico. La colección del V&A es el resultado de un mundo que creía poder contener todas las artes y todo el saber en las paredes de un museo, paredes que simbolizaban en cierto sentido las fronteras de su propio imperio. De ahí que en el V&A se pueda encontrar de todo: porcelanas, vidrios, marfiles, tejidos, escultura, pintura, arte chino, arte indio… todo ello en un display que lo convierte en un museo del concepto museo.

Elmgreen&Dragset, Tomorrow, 2013. V&A Museum. Foto: Camilayelarte

Las salas del V&A Museum en un viernes por la noche. Foto: Camilayelarte

Los imperios pasan pero los objetos quedan, y para sacarle el polvo a la ideología que dio forma al V&A, los nuevos tiempos marcados por la cultura del entretenimiento requieren de estrategias para llamar la atención del público, de ahí que los viernes por la tarde el V&A Museum se convierta en un espacio polivalente donde el arte, los cocktails y los DJ’s se dan de la mano, tan ricamente.
La extrañeza que Elmgreen&Dragset saben crear en sus instalaciones se multiplica cuando es un museo de estas características el que acoge la exposición. Lo uncanny de Tomorrow tiene su preludio en el eco de la música que sonaba ese viernes de octubre en el Hall de la entrada, un eco perdiéndose en las salas de marfiles, en el cementerio de reproducciones escultóricas, en la oscuridad de los pasillos con paredes forradas por telas, en el susto al oír las ramas de los árboles golpeando los cristales de las ventanas victorianas, en ese buscar el inicio de la exposición de Elmgreen&Dragset recorriendo salas cubiertas por vidrieras góticas y relicarios de plata.

Elmgreen&Dragset, Tomorrow, 2013. Victoria & Albert Museum. Foto: Camilayelarte

Ante semejante preliminar, la casa de Norman Swann tampoco parece extraña, el mayordomo que nos recibe en la entrada ficcionaliza la experiencia y nos hace conscientes de nuestra condición de público, ahora estamos dentro de la exposición y aunque nos dejen movernos y hasta sentarnos en el sofá de la casa, sabemos que estamos fingiendo la experiencia. El rumor del agua tras una puerta nos hace pensar que la casa está habitada, algún que otro susto nos llevamos al ver un niño vestido con un uniforme que nos recuerda lo clasista del sistema educativo inglés. Parece que se esté a punto de servir una cena, tampoco importa, una cocina de estilo minimalista a medio instalar desentona en medio del resto de la decoración, un despacho con planos de arquitectura nos hace entender que estamos en la casa de un arquitecto (aunque lo sabemos de entrada gracias a la hoja de sala). La habitación privada presidida por una cama de roble con un buitre dorado al acecho y un piano de cola dan la clave para entender el nivel de decadencia del personaje, nos viene a la mente Stourley Kracklite, el protagonista del film de Peter Greenaway, El vientre del arquitecto, estamos ante el fin de la vida de alguien, en la puesta en escena de un fracaso.

Elmgreen&Dragset, Tomorrow, 2013. V&A Museum. Foto: Camilayelarte

El guión de Tomorrow, leído en el sofá de casa. 2014. Foto: Camilayelarte

La instalación, de no encontrarse en tal marco incomparable, no da mucho de sí. Pero Tomorrow se acompaña de un guion cinematográfico que el público se lleva a casa y que horas, días o meses después dan la clave para entender hacia dónde quiere llevarnos la exposición. El fracaso y el sentimiento de pérdida que percibimos en la puesta en escena de la casa de Swann, adquiere significado cuando conocemos el segundo personaje que da sentido a la historia, Daniel Wilder, un antiguo alumno suyo que a diferencia de él, sí ha conseguido saborear las mieles del éxito. Swann es arquitecto, Wilder diseñador de interiores, el idealismo de uno choca con el pragmatismo capitalista del otro, el apartamento de Swann es el símbolo de una clase atrapada en la idea de herencia, de elitismo social pero ante todo de elitismo cultural, leer a Proust o ver películas de Bergman no han hecho que Swann llegará muy lejos, mientras Wilder se las ha apañado de maravilla teniendo como punto de referencia a E.T. La contraposición entre alta y baja cultura o la falta de sentido crítico en una sociedad que valora sólo el éxito individual, independientemente de la calidad de lo producido, son ideas que planean a lo largo del diálogo sin que los autores tomen partido por uno u otro personaje, en ambos modelos existen miserias, el que está por morir y el que triunfa sin escrúpulos, el que se perdería como erudito enumerando las bellezas de los objetos del V&A y el que contaría la caja de los ingresos de la Cocktail Party.

Victoria and Albert Museum
Cromwell Road - Londres
Metro: Knightsbridge y South Kensington
Horario: Cada día de las 10:00-17:45. Viernes de 10:00-22:00
Precio: Gratuito

Marcel Dzama: Une Danse des Bouffons en Helga de Alvear

2014-01-12T22:12:00.000+01:00

¿Primero el huevo o la gallina? ¿Primero el vídeo o los dibujos? La segunda exposición de Marcel Dzama en Helga de Alvear, finalizada hace apenas una semana, permite adentrarse en la transversalidad creativa de este fantástico artista. Primero conocido por sus dibujos de gama cromática contenida, afín a los fríos paisajes en los que el artista creció de niño (Winnipeg, Canadá), Marcel Dzama tuvo claro que el dibujo se le quedaba corto como medio para dar salida a esos sueños de la razón que su mente y mano gestaban durante el fecundo estado entre la vigilia y el sueño.

Marcel Dzama, fotograma de Une Danse des Bouffons, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

Vista general de la exposición, A Trickmaster Made this World, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

Desde hace años Dzama no sólo se limita a dar rienda suelta a sus narraciones fragmentadas a través de acuarelas y dibujos, sino que también echa mano de la cámara para dar vida a un mundo iconográficamente cercano a las vanguardias. Porque el mundo onírico de Marcel Dzama está hecho de constantes referencias culturales que el público reconoce según el bagaje que lleve a cuestas. A saber, si yo fuera de Canadá tal vez reconocería ciertas referencias iconográficas provenientes del arte tradicional Inuit, (el de los esquimales) a menudo utilizadas por Dzama, o no se me escaparía que el color carmín tan extraño y sugerente de sus acuarelas no es otra cosa que el resultado del accidental derrame de una famosa bebida norteamericana edulcorada. Pero como mis referencias no vienen de esos lugares, y Marcel Dzama lo sabe, me alegro de que en la exposición de Helga de Alvear abunden los guiños a los Caprichos de Goya o que los versos de Lorca sirvan de didascalia a alguno de sus delirios iconográficos.

Marcel Dzama, A Trickmaster Made this World, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

La pieza fundamental de A Trickmaster Made this World, título de la exposición que llamará la atención a quienes estén enterados de la obra de Lewis Hyde, es el vídeo Une Danse Des Bouffons. Los dibujos, las marionetas, las cabezas de toro que vemos en muestra en la sala principal sirven de preludio y postre a la película, porque volveremos a ellos tras su visionado en busca de rastros para reordenar la explosión de secuencias y referencias que se suceden a ritmo trepidante. Como ya hizo en A Game of Chess, el universo fílmico de Marcel Dzama bebe del mundo de las vanguardias, del cine expresionista alemán, de los planos de Ingmar Bergman en El séptimo sello o de los ballets de Oskar Schlemmer.

Marcel Dzama, fotograma de Une Danse des Bouffons, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

Marcel Dzama, A Trickmaster Made this World, 2013. Galería Helga de Alvear. Foto: Camilayelarte

En Une Danse Des Bouffons, Dzama amplía el arco cronológico de su estilo multireferencial, la ya de por sí críptica Étant Donnés de Marcel Duchamp, siempre llamado en causa en los vídeos del artista, cobra vida y sirve de detonante para una historia de amor que se vuelve pesadilla, donde seres híbridos provenientes del imaginario de Francis Picabia, Goya, así como el propio Joseph Beuys cubierto por la manta de fieltro y acompañado por el coyote de I like America and America likes me, se la juegan con Kim Gordon en un absurdo y angustioso concurso televisivo. Muerte y resurrección parecen ser los temas que hilvanan la historia, buscadamente ininteligible y estéticamente rica, abierta a múltiples interpretaciones, tantas como referencias sepa uno hallar en tal muestra de virtuosismo iconográfico, virtuosismo que temo divierta a quienes puedan identificarlo pero excluya a aquellos que desconozcan la historia del arte.

A Trickmaster Made this World, Marcel Dzama
Del 07/11/2013 al 04/01/2014
Galería Helga de Alvear
Doctor Fourquet, 20 - Madrid (mapa)

Alexander Rodchenko. Cartas de París

2014-01-09T21:47:00.001+01:00

Alexander Rodchenko. Cartas de París

Para qué vi Occidente, me gustaba más cuando no lo había visto. Así de claro le escribía Alexander Rodchenko (1891-1956) a Varvara Stepanova durante los meses, los únicos en su vida, en los que dejó la URSS para instalarse en el decadente París, con motivo de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas celebrada en 1925.

El diseño del Pabellón y del Club Obrero soviético lo llevaron hasta allí y durante los meses que duró su estancia dejó constancia escrita, a través de las cartas dirigidas a su mujer, del impacto que Occidente podía provocar en la mirada de Oriente. Una mirada que Rodchenko definía como pura, simple y verdadera, totalmente alejada del provincialismo de la capital del arte europeo. Después de Picasso, Braque y Léger hay un vacío se lamentaba Rodchenko, que veía la abstracción como un elemento traído de Moscú y no bien interpretado por la vanguardia europea.

Diseño para las mesas de ajedrez del Club Obrero. Alexander Rodchenko, 1925. Foto: vía http://rosswolfe.wordpress.com

La URSS en los años veinte era la promesa de un nuevo mundo y un nuevo arte que Rodchenko entendía como una nueva actitud hacia el individuo, la mujer y las cosas. Únicamente la superioridad tecnológica europea era digna de admiración, máquinas, ascensores y coches al servicio de una sociedad que parecía no entender bien cuáles son las cosas verdaderas y cuáles sucedáneos. Deseaba Rodchenko volver a la URSS para poder crear una sociedad donde los objetos cobraran un sentido y se convirtieran en los amigos y camaradas del hombre. No es necesario imitar nada, sino coger las cosas y transformarlas a nuestra manera, le aseguraba Rodchenko a Stepanova tras visitar a Léger y mostrarse de modo presuntuoso como verdadero artista de vanguardia, lo que hace él dejé de hacerlo yo hace mucho tiempo.

A pesar de la nostalgia por la patria y el convencimiento de que el comunismo es la única vía posible ante el capitalismo, las cartas de Rodchenko dejan traslucir también cierto síndrome Ninotchka, y es que cual Greta Garbo sucumbiendo ante el coqueto sombrero del film de Lubitsch, Rodchenko también se deja llevar por el frenesí consumista que tanto critica: trajes, zapatos, sombreros, y sobretodo cámaras fotográficas, entre ellas la Leica con la que nos enseñaría a mirar el mundo en contrapicado, son los objetos que el artista se lleva de vuelta a Moscú, un Moscú que desearía ver tan altamente productivo como el corrompido París. Mantener el espíritu de Oriente con la capacidad tecnológica de Occidente. El encuentro con Léger y la confrontación con la vida de un artista altamente reconocido y con una carrera consolidada lo lleva a reflexionar sobre las concesiones que esto conlleva: ya ves trabaja, trabaja y no vive mejor que yo, y a mí me gusta no solamente que escriban sobre mí, también me gusta estar tumbado al sol, o dedicarme al cine-foto o Dios sabe qué… y ser un niño y olvidarlo todo.

Alexander Rodchenko, Cartas de París.
La Fábrica Editorial
Madrid, 2009
Precio: 3€ en La Fábrica

Lo mejor y lo peor del 2013

2013-12-31T21:45:00.000+01:00

Seleccionar la exposición o el evento artístico celebrado en España que más nos ha gustado en el 2013 es tarea fácil, seleccionar lo que menos, peliagudo. Hace unos días el cultural del diario ABC nos invitó a participar en la selección. Para despedirnos de este año compartimos con vosotros lo mejor y lo peor que ha dado de sí este 2013.

LO MEJOR DEL 2013

Open Studio Madrid
Del 22 al 26 de mayo de 2013

Voluntad de dar visibilidad al tejido artístico de una ciudad. Sin grandes presupuestos ni nombres estelares que den peso al evento, Open Studio Madrid es la mejor iniciativa artística del último año en España. En un gesto cercano y democrático muy lejos de la abstracción que supone ver arte en un museo, abrir los estudios de los artistas de la ciudad para dar a conocer su obra, invitar a todo aquel que esté interesado en el arte, profesionales y amantes, a entrar en un tête a tête directo con ellos, es el mejor modo de situar una ciudad con carácter artístico en el mapa cultural europeo.

Estudio participante en Open Studio Madrid. Foto: Camilayelarte

LO PEOR DEL 2013

La subversión íntima, Ángel Marcos
Evento colateral 55a Bienal de Venecia
Del 01 de junio al 30 de septiembre de 2013

Pecunian non olet, el dinero no huele, es la cita de la que parte el fotógrafo Ángel Marcos para reflexionar en torno al capitalismo desodorizado. Medina del Campo es el lugar en el que Marcos encuentra la esencia de una vida arraigada a otro modelo, que sí huele, y nos invita a recorrer las casas y los espacios íntimos de una gente humilde que lejos de la crudeza de Las Hurdes de Buñuel, muestra la sencillez pintoresca de la España profunda. Mala exposición que refleja el amiguismo bajo el que la Fundación Siglo gestiona el MUSAC. La España de charanga y pandereta en Venecia.

Ángel Marcos, La subversión íntima, Evento colateral 55a Bienal de Venecia, 2013. Foto: Camilayelarte