Gennaio dura 91 giorni ma non per questo sono riuscito a vedere tutti i film che volevo. Vivo in affanno, sempre in arretrato, ma almeno un capolavoro anche questo mese ce l’ho. Lo trovi qui sotto, poi tutti gli altri film li puoi vedere per esteso se vai sul mio Letterboxd. Cioè non è che vedi i film. Vedi le mie #recensioniflash, che ti dovrebbero far venire voglia di vedere il film. O anche no, vedi tu. Partiamo!

Sentimental Value

★★★★½

Sentimental Value conferma quanto Joachim Trier ed Eskil Vogt siano diventati maestri nel maneggiare il melodramma senza mai farlo collassare nel ricatto emotivo. Il film parte come un dramma familiare rigorosamente bergmaniano, tutto fatto di silenzi, rancori sedimentati e parole mancate, per poi sorprendere nel finale, quando sposta l’asse e ti sfila il tappeto da sotto i piedi: si piange, sì, ma c’è anche una forma di catarsi inattesa, quasi liberatoria.

Al centro c’è il rapporto irrisolto tra Nora Borg (Renate Reinsve) e il padre Gustav Borg (Stellan Skarsgård), regista anziano, carismatico e profondamente ambiguo: distante, egoista a tratti, ma capace di un amore laterale, imperfetto, che arriva sempre di traverso. Questo rapporto è il vero campo di battaglia del film: un legame familiare aggrovigliato che Trier osserva senza giudicare, lasciando che siano i gesti minimi e le omissioni a parlare.

Fondamentale è anche la casa, che diventa a tutti gli effetti un personaggio. Non solo spazio della memoria e dei traumi, ma archivio emotivo, luogo che conserva e restituisce il passato. È lì che si sedimentano le assenze, i silenzi e il passato condiviso con Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), la sorella di Nora, più conciliante ma non meno segnata. 

La scelta di darle persino una voce fuori campo è rischiosa, ma coerente: quella casa è il vero “sentimental value” del titolo, ciò che resta quando le persone si allontanano o muoiono. In questo senso, l’insistenza sull’abitazione richiama certi esperimenti recenti sullo spazio come testimone del tempo (tipo Here di Zemeckis o A Ghost Story di David Lowery), anche se qui il risultato è più intimo che concettuale.

La parte più spiazzante arriva quando Gustav tenta di rimettere mano alla propria vita artistica coinvolgendo Rachel Kemp (Elle Fanning), giovane attrice americana che diventa catalizzatrice di desideri, rimpianti e vanità mai risolte: meno incisiva sul piano emotivo, ma utile per chiarire il groviglio di desideri, rimpianti e vanità che attraversano l’uomo. 

Nel complesso, Sentimental Value è un film che sembra chiedere pazienza, per poi ripagarti con un finale che, senza entrare in territorio spoiler, è uno di quelli che ti tolgono l’aria e ricompone — senza semplificare — il dolore. Un altro colpo a segno per Trier, che continua a raccontare i legami familiari come luoghi di perdita, ma anche di possibile riconciliazione.

Left-Handed Girl
★★★★½

Left-Handed Girl di Shih-Ching Tsou è uno di quei film che ti restano dentro: un dramedy familiare che mescola humor lieve e tensioni reali, ambientato tra i mercati notturni di Taipei. La storia segue Shu-Fen (Janel Tsai), madre single che torna in città con le sue due figlie — la ribelle I-Ann (Shih-Yuan Ma) e la piccola I-Jing (Nina Ye) — per aprire uno stand di noodle e affrontare aspettative sociali e familiari mai del tutto sopite.

No Other Choice
★★★★

Con No Other Choice, Park Chan-wook firma un remake dichiarato e dedicato a un classico di Costa-Gavras, trasformandolo in qualcosa di profondamente suo. La trama è semplice e crudele: Yoo Man-Su (Lee Byung-Hun) perde il lavoro e, insieme allo status, perde progressivamente identità, dignità e coordinate morali. Da lì in poi, ogni scelta è una discesa controllata. Il film è uno studio spietato sul vuoto lasciato dal ruolo sociale, raccontato attraverso una commistione di generi sorprendentemente fluida: commedia nera, farsa grottesca (con pop coreano sparato a volume indecente), noir e crime convivono senza annullarsi.

Love Hurts
★★

Love Hurts di Jonathan Eusebio prova a giocare su un ibrido non semplice, mescolando commedia romantica e action a base di arti marziali, ma fatica a trovare un equilibrio stabile tra i due registri. Il film procede a strappi, accumula sottotrame e personaggi senza davvero armonizzarli, e finisce per accelerare in modo brusco verso un finale affrettato, quasi come se avesse paura di prendersi il tempo necessario per chiudere il discorso.

The SpongeBob Movie: Search for SquarePants
★★★

The SpongeBob Movie: Search for SquarePants conferma la solidità del personaggio anche fuori dalla serialità televisiva, pur senza particolari guizzi. È un film gradevole, pensato chiaramente per un pubblico ampio e familiare, che preferisce la tenerezza e il messaggio rassicurante al nonsense più radicale delle origini.

28 Years Later
★★★★

Con 28 anni dopo (ora su Prime Video) Danny Boyle torna nell’universo degli infetti spostando però il baricentro: meno horror di pura sopravvivenza, più racconto di formazione immerso in un mondo ormai definitivamente marcio. È un film che usa l’apocalisse come sfondo per parlare di crescita, di paternità fallita e di un’idea di mascolinità che sopravvive solo attraverso violenza, controllo e sacrificio.

Sirāt
★★★★

Sirat di Oliver Laxe è uno di quei film che arrivano addosso senza preavviso e lasciano storditi. Un viaggio fisico e spirituale nel deserto marocchino che parte come un racconto quasi minimale e si trasforma progressivamente in qualcosa di più estremo, disturbante, a tratti persino scioccante. Non è un film accomodante, e lo dichiara fin da subito.

Song Sung Blue
★★★½

Song Sung Blue di Craig Brewer è uno di quei film che si reggono quasi interamente sui suoi interpreti e su una storia che, pur senza grandi ambizioni formali, funziona come un vero rollercoaster emotivo. Hugh Jackman e Kate Hudson tengono insieme il racconto con mestiere e presenza scenica: il film vive dei loro sguardi, delle esitazioni, dei piccoli slanci melodrammatici che non cercano mai davvero di nascondersi. È tutto piuttosto prevedibile, ma raramente svogliato.

Little Amélie or the Character of Rain
★★★★

La piccola Amélie è un piccolo oggetto prezioso, un film d’animazione che parla agli adulti pur scegliendo come punto di vista quello di una bambina di due anni e mezzo. L’adattamento del romanzo autobiografico di Amélie Nothomb lavora per sottrazione e per suggestioni, trasformando la voce interiore della scrittrice in uno sguardo infantile lucidissimo, capace di osservare il mondo con stupore ma anche con una consapevolezza quasi crudele. Non a caso, nei primi minuti del film Amélie si presenta allo spettatore come “dio”: uno sguardo assoluto e infantile insieme, con cui osserva e reinventa il mondo.

Springsteen: Deliver Me from Nowhere
★★½

Springsteen: Deliver Me from Nowhere di Scott Cooper è il classico biopic musicale concentrato su un momento di crisi più che sull’intera parabola di un’icona, e non fa nulla per nasconderlo. Siamo nei primi anni ’80: Bruce Springsteen ha poco più di trent’anni, è sull’orlo della fama planetaria dopo The River, ma è artisticamente e umanamente in stallo. Il film sceglie di fermarsi lì, in quell’interregno fragile che porterà alla nascita di Nebraska, invece di inseguire la mitologia del Boss.

Die My Love
★★★½

Die My Love di Lynn Ramsay è uno studio feroce e sfiancante di un personaggio femminile in frantumi, immerso in un film che rifiuta qualunque appiglio rassicurante. Girato in un claustrofobico 4:3, il film segue Grace (Jennifer Lawrence), giovane donna trasferitasi in una casa isolata di campagna con il compagno Jackson (Robert Pattinson), dove maternità, desiderio e violenza interiore iniziano a confondersi fino a diventare indistinguibili.

Sorry, Baby
★★★½

Sorry, Baby è un debutto sorprendente e piuttosto disarmante. Eva Victor scrive, dirige e interpreta Agnes Ward, giovane professoressa che vive isolata in una casa di campagna dopo un evento traumatico mai mostrato apertamente. Il film sceglie una struttura frammentata, fatta di salti temporali continui, che tiene insieme il presente sospeso di Agnes e i momenti chiave del suo passato recente, rendendo la visione più stimolante di quanto la premessa potrebbe far pensare.

Dicembre con le vacanze di mezzo è un mese in cui riesco a vedere più film. Il più rilevante di questa fine anno, per me, è Bugonia di Yorgos Lanthimos: di questo c’è tutta la recensione qui, gli altri li trovate per esteso su Letterboxd.

Bugonia
★★★★

Bugonia parte da un’idea apparentemente assurda — due complottisti, Teddy (Jesse Plemons) e suo cugino Don (Aidan Delbis), convinti che una potente CEO sia un’aliena intenzionata a distruggere l’umanità, la rapiscono e la tengono prigioniera nel loro seminterrato — e la trasforma in una commedia nera feroce, grottesca e insieme inquietante. La protagonista è Michelle Fuller (Emma Stone), una donna di potere glaciale che viene costretta a confrontarsi con la paranoia della cultura contemporanea e con la propria stessa immagine.

Quello che colpisce subito è il tono: Lanthimos non abbandona il suo sguardo critico, ma lo snellisce rispetto ai barocchismi di The Lobster o The Killing of a Sacred Deer per puntare su una satira più diretta e corrosiva della società moderna. Bugonia gioca con la paranoia digitale, con l’ossessione per i complotti e con la sfiducia nelle istituzioni — ma lo fa in modo talvolta così spietato che il film può sembrare più una farsa nera che una satira sociale. 

Emma Stone è sorprendente: la sua Michelle è un enigma di ghiaccio e pragmatismo, una figura che sembra umana e aliena nello stesso tempo, incarnando l’idea di potere corporativo senza empatia. Plemons è altrettanto memorabile, dando vita a Teddy con una combinazione di credibilità e follia dolorosa, tanto che la relazione tra i due non è semplicemente rapitore-vittima, ma un continuo scambio di ruoli emotivi e morali. 

La sceneggiatura di Will Tracy (già dietro a Succession e The Menu) infiltra dialoghi secchi e tensione claustrofobica, mentre la regia tiene insieme risate amare e momenti di inquietudine pura. C’è da dire che l’accumulazione di gag e slapstick grottesco rende forse meno naturale la svolta — potente e quasi tragica — dell’ultima parte, c’è un po’ un rischio discontinuità (di cui penso Lanthimos se ne freghi altamente). 

In sintesi, Bugonia non è solo un film “strano”: è uno specchio deformato della nostra epoca, dove credere a una teoria assurda diventa quasi comprensibile, e dove il cinismo verso il potere e la tecnologia si trasforma in caos narrativo e visivo. Con un finale agghiacciante, anche se un po’ “appiccicato”.

In Your Dreams
★★★

In Your Dreams, nuovo film animato Netflix, è uno di quei titoli che sembrano “piccoli”, ma che provano a parlare ai bambini con un’onestà sorprendente. Stevie (Jolie Hoang-Rappaport) ed Elliot (Elias Janssen) scoprono un libro magico che permette di entrare nel mondo dei sogni, sperando di risolvere il problema che li tormenta nella vita reale: i genitori (Cristin Milioti e Simu Liu) stanno per separarsi. Il viaggio onirico diventa così un tentativo infantile — e toccante — di aggiustare una famiglia che forse non può più essere rimessa insieme.

Wicked: For Good
★★★½

Premessa: sono un freak dei musical, quindi sono un po’ di parte… Wicked: For Good è quel tipo di sequel che prova a dare una forma più ampia e completa alla storia cominciata nel primo film tratto dal musical di Broadway. Se Wicked (2024) aveva condensato l’atto I con fedeltà praticamente scenica, qui For Good prende la seconda metà e la espande in modo più cinematografico trasformando ciò che era un atto teatrale in un film vero e proprio, con inizio, svolgimento ed epilogo ben delineati. 

Diary of a Wimpy Kid: The Last Straw
★★

Diary of a Wimpy Kid: The Last Straw è il quarto capitolo della saga animata tratta dai libri di Jeff Kinney e, come sempre, è un mix di caos, risate slapstick e qualche lezione familiare. Greg Heffley (voce di Aaron Harris) si ritrova di nuovo in conflitto con suo padre Frank (Chris Diamantopoulos) quando una serie di disastri e imbarazzi convince il genitore che il figlio abbia bisogno di disciplina. Invece di finire in una scuola militare, Greg prova a guadagnarsi distintivi in un gruppo di scout, finendo invischiato in un weekend nella natura selvaggia.

Black Phone 2
★★★

Sono partito un po’ scettico: il primo The Black Phone era un horror teso, claustrofobico, con una formula quasi “rituale” e un villain mascherato memorabile. Il sequel invece prende quelle premesse e… le ribalta in qualcosa di decisamente diverso.  In questo secondo capitolo, ambientato nel 1982, Finney Blake (Mason Thames) è cresciuto ma non ha affatto lasciato alle spalle le cicatrici del passato; è tormentato, imbrigliato in sensazioni sotterranee e in una relazione conflittuale con il proprio trauma. Sua sorella Gwen (Madeleine McGraw), invece, diventa la protagonista “attiva”: è lei a ricevere chiamate inquietanti dal telefono nero nei sogni, a vedere visioni di omicidi e a spingere Finney a seguire il filo che la riporta all’Alpine Lake Camp, luogo di antichi misteri e leggende oscure. 

Dracula
★★

Il Dracula di Luc Besson prova a rileggere il mito di Stoker puntando tutto sul melodramma romantico, ma il risultato è un film che sembra vivere costantemente all’ombra del Dracula di Coppola. La storia di Vlad (Caleb Landry Jones), condannato all’eternità dopo la perdita dell’amata Elisabeta/Mina (Zoë Bleu), riprende senza troppi filtri l’idea dell’amore reincarnato e del vampiro tragico, con pochissime deviazioni realmente personali.

Wake Up Dead Man
★★★

Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery segna un deciso passo avanti rispetto a Glass Onion e riporta Benoit Blanc (Daniel Craig) in un territorio più vicino al giallo classico, anche se filtrato da un contesto decisamente insolito. Qui l’indagine ruota attorno alla morte di un monsignore durante una predica di Venerdì Santo, e il whodunit si tinge fin da subito di atmosfere ecclesiastiche, colpa, fede e redenzione.

Five Nights at Freddy’s 2
★½

Ci sono andato spinto dall’entusiasmo di mio figlio, ma Five Nights at Freddy’s 2 mi ha lasciato piuttosto freddo. Il film riprende gli eventi del primo capitolo con Mike (Josh Hutcherson), Abby (Piper Rubio) e Vanessa (Elizabeth Lail) di nuovo invischiati nei misteri della pizzeria di Freddy Fazbear, ma lo fa accumulando sottotrame, flashback e spiegazioni che appesantiscono subito la visione.

The Mastermind
★★★½

The Mastermind di Kelly Reichardt conferma uno sguardo coerente con First Cow, ma applicato a un territorio più spigoloso. Qui il genere heist è quasi un pretesto: J.B. Mooney (Josh O’Connor), padre di famiglia senza grandi prospettive, organizza il furto di alcuni quadri in un museo del Massachusetts anni ’70, dando il via a una deriva più esistenziale che criminale.

The Running Man
★★★

The Running Man di Edgar Wright è uno di quei film da cui non mi aspettavo granché e che invece si lascia guardare con piacere. L’idea di tornare al romanzo distopico di Stephen King (dopo il film anni ’80 con Schwarzenegger) funziona: Ben Richards (Glen Powell) è un uomo qualunque costretto a partecipare a un gioco televisivo mortale per sopravvivere, in un futuro dominato da media cinici e spettacolarizzazione della violenza.

The Carpenter’s Son
★★½

The Carpenter’s Son è uno di quei film che colpiscono già dall’idea: un horror “cristiano” che rilegge l’infanzia di Gesù in chiave soprannaturale, pescando dagli apocrifi e infilando il tutto in un immaginario da film di esorcismi. Joseph (Nicolas Cage) è un padre inquieto e ossessivo, Mary (FKA Twigs) una figura silenziosa e distante, mentre il figlio (Noah Jupe) è un adolescente consapevole di essere diverso, osservato e tentato da una presenza ambigua che prende le sembianze di una ragazzina.

Zootopia 2
★★★½

Zootropolis 2 è una rara conferma di originalità nel catalogo Disney recente: un sequel che non si limita a ripetere formule, ma costruisce una narrazione più scorrevole e coerente rispetto al primo film, dove il world building era così denso da rallentare il ritmo. Qui l’equilibrio tra azione, umorismo e riflessione sociale è calibrato con maggiore misura, rendendo il film maggiormente godibile anche a occhi da adulto.

Eddington
★★★

Eddington di Ari Aster è un film che punta in alto: un affresco gigante dell’America contemporanea, un mosaico di Covid, mascherine, proteste BLM, ANTIFA, polarizzazioni social, media onnipresenti e paranoia collettiva. L’idea di mettere tutto questo dentro un thriller politico-psicologico è ambiziosa, e sulla carta avrebbe dovuto dare vita a qualcosa di affilato e inquietante.

Giustappunto. Qua prima di Natale tutti fanno le liste e allora anche io faccio le liste. Principalmente perché è bello rivederle dopo qualche anno e pensare ma dai, questo film/disco/libro non me lo ricordo per niente. Poi perché comunque come ci sono quelli come me che hanno l’ossessione della lista ci sono anche quelli che le liste le vanno a cercare perché gli piace leggerle. Infine perché gli introversi come me che non amano tantissimo parlare della propria vita interiore usano gli ascolti, le letture e le visioni per “presentarsi al mondo”, un po’ come un biglietto da visita, io sono così, mi piacciono queste cose, se piacciono anche a te c’è una certa affinity. E allora, se vogliamo essere affiny, partiamo con gli elenchi senza indugio!

GLI ALBUM DEL 2025

Io ci provo a metterli in una sorta di classifica, poi sbraco e li elenco un po’ a cazzo, perché non saprei veramente metterli in un ordine preciso. Diciamo che i primi cinque della lista sono da 9 o 10, quelli in fondo alla lista al massimo sono da 7. Ma sono gli album che ho ascoltato di più (non do retta a Spotify Wrapped perché il mio Spotify lo usa solo mio figlio che sente a ripetizione solo tre canzoni: Espresso Macchiato di Tommy Cash, Jodellavitanonhocapitouncazzo di Caparezza e Mundian to bach ke di Punjabi MC).

Geese – “Getting Killed“
Rosalía – “LUX“
Bad Bunny – “DeBÍ TiRAR MáS FOToS“
Pulp – “More“
Taylor Swift – “The life of a showgirl“
Stereolab – “Instant Holograms On Metal Film“
billy woods – “GOLLIWOG“
Lorde – “Virgin“
David Byrne & Ghost Train Orchestra – “Who Is The Sky?“
Blood Orange – “Essex Honey“
FKA twigs – “EUSEXUA“
Little Simz – “Lotus“
Model/Actriz – “Pirouette“
Jenny Hval – “Iris Silver Mist“
Bon Iver – “Sable, fable“

Andiamo a segnalare anche i miei album italiani prefe dell’anno: ho preferito evitare i vari Fibra, Salmo, Capa perché hanno fatto dei signori dischi, ma chi ha sparigliato nel campo dell’hip hop per me quest’anno è stato il venerabile maestro…

Andrea Laszlo De Simone – “Una lunghissima ombra“
I Cani – “Post Mortem“
Neffa – “Canerandagio“
Giorgio Poi – “Schegge“
Franco126 – “Futuri possibili“

Much anticipated (la fotta degli album che devono uscire nel 2026): Robyn, Gorillaz, Tori Amos, Lana del Rey.

I FILM DEL 2025

Qui come sempre c’è una nutrita rappresentanza di horror, che è il mio genere preferito, ma siamo un po’ scarsi sull’animazione, che è il mio altro genere preferito (il terzo è il musical, ma Wicked a parte quest’anno non è che sia uscito molto… se non contiamo WE’RE GOING UP UP UP IT’S OUR MOM- vabbè scusa). Anche qui i film sono messi un po’ alla rinfusa, ma i primi cinque sono sicuramente la bomba dell’anno per me, poi comunque gli altri 15 sono da vedere. Mi fai il favore di cercarteli su Justwatch perché non ho tutta questa voglia di linkarli uno ad uno, c’ho un’età.

One battle after another (P. T. Anderson)
Weapons (Z. Cregger)
Bugonia (Y. Lanthimos)
The Ugly Stepsister (E. Blichfeldt)
The Long Walk (F. Lawrence)
Honey Don’t (E. Coen)
Caught Stealing (D. Aronofsky)
The Smashing Machine (B. Safdie)
Eddington (A. Aster)
K-Pop Demon Hunters (M. Kang & C. Appelhans)
Sinners (R. Coogler)
Together (M. Shanks)
Bring Her Back (D. Philippou & M. Philippou)
Wicked for Good (J. M. Chu)
A House of Dynamite (K. Bigelow)
Warfare (A. Garland)
Mickey 17 (Bong Joon Ho)
The Monkey (O. Perkins)
Ne Zha (Jiao Zi)
DEVO (C. Smith)

Film italiani più belli del 2025 – oddio, ne vedo pochi, quindi praticamente tutti quelli che ho visto…

Le città di pianura (F. Sossai)
La città proibita (G. Mainetti)
Come ti muovi, sbagli (G. Di Gregorio)
Unicorni (M. Andreozzi)
Fuori (M. Martone)

Film BELLISSIMI del 2024 che però ho visto nel 2025: Young Hearts di T. Schatteman, No Other Land di B. Adra e Y. Abraham, A Real Pain di J. Eisenberg, Slocum et moi di J.F. Laguionie, Conclave di E. Berger, The Room Next Door di Almodòvar.
Film del 2025 che invece non ho visto e che avrei molto voluto: The Voice of Hind Rajab, Alpha, The Magnificent Life of Marcel Pagnol, Arco, Deliver Me from Nowhere.
Much anticipated (la fotta dei film che devono uscire nel 2026): Wuthering Heights di Emerald Fennell, Nouvelle Vague di Linklater, Marty Supreme dell’altro Safdie,Evil Dead Burn di Sebàstian Vanichek, Werwulf di Eggers, The Odyssey di Nolan, Dune Messiah di Villeneuve, The Bride di Maggie Gyllenhaal, I Love Boosters di Boots Riley, The Social Reckoning di Fincher, Hopper della Pixar.

LE SERIE TV DEL 2025

Ah, se penso a 20 anni fa, quando“la” serie TV per eccellenza era Lost, e tutti quanti ci riempivamo i blogroll solo di teorie su Lost. Oggi c’è un’offerta devastante di contenuti seriali, ma pochi hanno quella qualità che ti fa stare così sotto. Beh, qui di seguito le bombe dell’anno per me, tenendo conto che ho inserito solo miniserie o serie esordienti alla prima stagione. Poi è ovvio che se parliamo di Stranger Things 5, di Only Murders in the Building 4 o di Severance 2 siamo comunque su un altro pianeta (produttivamente parlando e anche per hype).

Long Story Short (Netflix)
Adolescence (Netflix)
The Studio (Apple TV)
Boots (Netflix)
Wayward (Netflix)
DanDaDan (Netflix/Crunchyroll)
L’arte della gioia (Sky)
Il mostro (Netflix)
Death by Lightning (Netflix)
Dying for Sex (Disney+)
M il figlio del secolo (Sky)
Too Much (Netflix)
Ranma ½ (Netflix/Crunchyroll)

Occasioni mancate: IT Welcome to Derry (HBO) che mannaggiallamorte mi annacqua tutta la lore di Pennywise. Ancora da vedere: Pluribus (Apple TV) e Alien Earth (Disney+).
Much anticipated (la fotta per le serie nuove o le stagioni nuove che devono uscire): How to Get to Heaven from Belfast, Euphoria 3, Blade Runner 2099, Scarpetta, Fallout 2, Shrinking 3, Strip Law, Scrubs Reboot.

I LIBRI E GRAPHIC NOVEL DEL 2025

Sui libri è sempre un po’ un problema perché tendo molto a (ri)leggere classici e ad accorgermi dell’hype solo dopo un paio d’anni, ma stavolta ce la faccio: questa è una lista di libri che ho letto (o almeno ho iniziato) nel 2025 che effettivamente… sono usciti nel 2025 o al massimo nell’ultimo trimestre 2024. C’è un giusto equilibrio tra romanzi, saggi e graphic novel. I primi cinque sono i “colpi di fulmine”, come dicono i librai, ma comunque ti consiglio di leggere tutta la lista. Io, ovviamente, li ho cominciati tutti ma ne ho finiti la metà.

Giancarlo Pastore – Prima dell’alba
Sally Rooney – Intermezzo
Victoire Tuaillon – Il cuore scoperto
Woody Allen – Che succede a Baum
Emanuele Macaluso – Tutte le volte che sono diventato grande
Alessandro Giammei – Parlare tra maschi
Samantha Harvey – Orbital
Vera Gheno – Nessunə è normale
Dan Santat – La prima volta di ogni cosa
Donata Columbro – Perché contare i femminicidi è un atto politico
De Jong / Golding – Il signore delle mosche
Teresa Ciabatti – Donnaregina
Manolo Farci – Quel che resta degli uomini
David Szalay – Nella carne
Cecilia Sala – I figli dell’odio
Weinersmith / Boulet – Bea Wolf
Fabio De Luca – Oh, oh, oh, oh, oh
Domenico Starnone – Destinazione errata
Jen Wang – Il capanno di Ash
Lorenzo Gasparrini – Genitori si cresce

Sei ancora qua? La lista è finita, puoi andare in pace.
Fammi sapere nei commenti se hai qualche libro, disco, film o serie TV da consigliarmi perché ritieni che avrebbe proprio dovuto essere nella lista. O anche no, vedi tu.
Buone feste!

Eccomi con i film che ho visto a novembre. Il più rilevante (The Smashing Machine di Benny Safdie) ha tutta la recensione qui, gli altri li trovate per esteso su Letterboxd.

The Smashing Machine
★★★★

Non mi aspettavo certo un biopic sportivo come tanti, ma in ogni caso The Smashing Machine mi ha sorpreso molto. È un film che si sdoppia: metà docu-drama, metà discesa nella psiche di un wrestler che tenta di sopravvivere. Safdie non racconta un eroe da palestra, ma un uomo spezzato: il protagonista è l’ex wrestler e pugile di MMA Mark Kerr, interpretato da Dwayne Johnson, e il film procede per accumulo di match, spogliatoi, hotel squallidi, giornate colme di farmaci e ricordi in frantumi.

Johnson è la sorpresa più grossa del film: via la muscolatura scolpita da blockbuster, via la sua aura da star invincibile. Qui lo vediamo trasformato: protesi, trucco, postura spenta, occhiaie profonde — non “The Rock”, ma un uomo fragile che cammina sul filo della distruzione. È una recitazione mimetica che sorprende, una performance in sottrazione. 

La struttura del film alterna diversi punti di vista — Mark nel ring, Mark fuori dal ring, la moglie (Emily Blunt) che cerca di salvare quel che resta, gli amici, i demoni dell’oppio e della fame di gloria. Questa molteplicità di sguardi contribuisce a fare di The Smashing Machine più un “quasi documentario” che un biopic romanzato — e questa scelta lo rende autentico e duro. 

I punti di forza stanno nella brutalità visiva che non è spettacolo ma realismo sporco, nella regia nervosa di Safdie che evita ogni forma di glorificazione del dolore, e nell’onestà narrativa: la vittoria non sembra un trionfo alla Rocky, ma un contratto firmato col dolore. Il grande limite è che questa fedeltà al reale — e a volte alla frustrazione — lascia spazio a momenti di vuoto: la narrazione talvolta si sfilaccia, la catarsi non arriva, e chi cerca riscatto facile potrebbe sentirsi tradito.

In sintesi: The Smashing Machine non è un film comodo, né un omaggio patinato alla pelle e al sudore. È un pugno nello stomaco. Se siete stanchi delle storie di successo facili e cercate qualcosa che racconti il prezzo della fama e dell’autodistruzione con la sincerità di una cinepresa che non fa sconti, questo – con Dwayne Johnson così — è un film da vedere.

The Roses
★★★

Che Jay Roach e Tony McNamara (lo sceneggiatore di La favorita e Poor Things) affrontassero un reboot de La guerra dei Roses sembrava una follia. E invece I Roses funziona: è un gioco al massacro elegante, più velenoso che fisico, con Olivia Colman e Benedict Cumberbatch perfettamente sintonizzati su un registro di crudeltà domestica sottile e spietata.

A House of Dynamite
★★★★

Mi sono affrettato a vedere A House of Dynamite su Netflix avendo una enorme stima di Kathryn Bigelow (peraltro regista di The Hurt Locker e Zero Dark Thirty, cioè i pesi massimi del thriller politico-militare) e mi aspettavo il solito crescendo di tensione ed esplosioni. Invece ho trovato un gioco diverso: sì, la minaccia nucleare è al centro, ma la struttura moltiplicata dei punti di vista la rende più un thriller “come quelli di una volta” che un semplice action. 

Frankenstein
★★★

Non è quello che ti aspetti da un film “sul mostro di Frankenstein” — e forse è proprio questo che lo rende interessante. Il Frankenstein del 2025 (su Netflix) è un adattamento gotico e ambizioso, scritto e diretto da Guillermo del Toro, che affronta il mito classico con la lente della tragedia familiare e della creazione fuori controllo. 

The Ugly Stepsister
★★★★

The Ugly Stepsister è un body horror che prende la fiaba di Cenerentola e la rovescia: qui non è Cenerentola l’underdog che alla fine vince, ma la sorellastra “brutta” che combatte per essere vista. La protagonista è Elvira (Lea Myren), che vive all’ombra della bellissima (e sprezzante) Agnes/Cinderella (Thea Sofie Loch Næss, ma che cognome fighissimo). Per avanzare socialmente, l’unica scelta valida è quella “reale” — sposare il principe Julian (Isac Calmroth) — perciò la matrigna (Ane Dahl Torp) usa mezzi brutali e chirurgici per rendere Elvira “accettabile”. 

The Long Walk
★★★★½

Partendo dal romanzo culto di Stephen King (firmato sotto lo pseudonimo Richard Bachman), The Long Walk di Francis Lawrence trasforma la sua folle marcia della morte in un film distopico, brutale e ipnotico. Cinquanta ragazzi, uno per ogni stato, sono costretti ogni anno a camminare senza pause a una velocità minima: chi rallenta troppo, o si ferma, viene fucilato sul posto e l’ultimo che resta in vita vince una cospicua somma di denaro e un “desiderio”. 

After the Hunt
★★★½

After the Hunt, per me, è uno dei film più ambigui di Guadagnino: un thriller psicologico ambientato nel mondo accademico dove ogni personaggio sembra muoversi in una zona grigia. Alma Imhoff (Julia Roberts), docente stimata ma fragile, si ritrova coinvolta nel caso di presunte molestie che vede implicati il collega Hank (Andrew Garfield) e la studentessa Maggie (Ayo Edebiri). Guadagnino non cerca un colpevole né una verità: preferisce mostrare un sistema emotivo e morale incrinato, in cui nessuno è davvero affidabile.

Come per il mese scorso, metto qui le recensioni dei film di ottobre: per intero quella del migliore, Una battaglia dopo l’altra di P. T. Anderson. Le altre compaiono con le prime righe, ma se clicchi le leggi su Letterboxd. Andiamo.

One Battle After Another
★★★★★

Che botta, cazzo. Se c’è una parola che odio è “ficcante”, però mio malgrado devo dire che si applica perfettamente a questo film, che sa di Tarantino anche se poi è profondamente e riconoscibilmente “andersoniano”, che parte col botto (letteralmente) e non ti molla più per quasi tre ore, dove non c’è un’inquadratura in cui non stia succedendo qualcosa, dove l’assalto sonoro (di Johnny Greenwood) si mescola all’assalto visivo di un montaggio frammentato, adrenalinico, che richiede tutta l’attenzione possibile – e infatti non è un film da vedere in condizioni di fusione mentale pregressa.

Fusione che è la caratteristica di Pat/Bob (Leonardo DiCaprio), un protagonista “fuori dal mondo del film” che si muove come un novello Lebowski in una rete di gruppi terroristi, parole d’ordine, luoghi sicuri che un tempo erano il suo pane quotidiano e oggi… molto meno, a causa della sua esagerata passione per alcool ed erba.

Comunque, il film presenta le azioni del gruppo terroristico French 75 di cui fanno parte Pat (poi Bob) e Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor), una forza della natura nata per la rivoluzione che tiene in scacco anche un legnoso colonnello interpretato da Sean Penn (la camminata più assurda mai vista in un film) che diventerà la sua nemesi.

Bob e Perfidia hanno una figlia, Charlene. Flash forward a 16 anni dopo, e ci dovremmo trovare negli odierni USA trumpiani, anche se il modo di narrare le cose sovrappone un filtro “anni ’70” a tutta la questione che lascia vagamente confusi (cosa probabilmente voluta). Charlene è una ragazza che fa karate con il sensei Benicio del Toro e ha un papà (Bob, precedentemente noto come Pat) fumato, alticcio e un po’ paranoico che la lascia andare malvolentieri al ballo della scuola.

Seguono molti, molti casini, molte esplosioni, molti inseguimenti, fino all’inseguimento finale in auto che – non sto scherzando – supera i migliori inseguimenti di auto della storia del cinema (parlo di Bullitt o di French Connection, non pizza e fichi) e che dura un’ora percepita di culo chiuso sul bordo della poltroncina del cinema.

One Battle After Another è puro cinema, pura America, e per me è un capolavoro (non lo dico mai, stavolta lo dico).

Baban Baban Ban Vampire
★★½

Un film giapponese assurdo su Prime Video che essenzialmente è la trasposizione di un anime che sta su Netflix che a sua volta è la versione animata di un manga BL (= Boy’s Love) di Hiromasa Okujima. Già sta roba fa un po’ girare la testa, se poi ci mettiamo che il film live action è girato esattamente con gli stessi manierismi e le stesse assurdità visive che è possibile trovare in un manga o in un anime, è chiaro che BBBV (non ho voglia di scriverlo per esteso) è una roba per pochi eletti, nel senso che è un po’ difficile da digerire.

I Know What You Did Last Summer
½

Posso solo dire che mi sono addormentato almeno 5 volte durante la visione di questo remake/reboot. Anzi, scusate, legacy sequel, dato che ci sono di mezzo anche Jennifer Love Hewitt e Freddie Prinze Jr. . Era proprio necessario? Già l’originale non era un film di molte idee. Qui siamo arrivati proprio a raschiare il fondo del barile.

The Toxic Avenger
★★★

Il nuovo Toxic Avenger (un caposaldo del trash targato Troma) per me è godibilissimo. Intendiamoci: non fa paura e non ti ammazzi dalle risate, un po’ come anche nell’originale anni ’80. E tutto sommato ha una confezione leggermente più elegante (il che da un lato non guasta ma dall’altro rovina un po’ l’effetto trash). Però ha un suo fascino cringe che me lo ha fatto apprezzare.

Le città di pianura
★★★★½

Ho visto Le città di pianura e, pur non essendo io il tipico spettatore da film italiano, qui ho trovato veramente qualcosa che mi ha rapito (e capisco il passaparola che gli sta garantendo un discreto e inatteso successo).

Caught Stealing
★★★½

Ero pronto a sbadigliare: Aronofsky che gira una crime-comedy? E invece no — Caught Stealing mi ha sorpreso. Hank Thompson (Austin Butler) è un ex fenomeno del baseball ridotto a fare il barista a New York nel ’98: la vita gli ha tolto lo swing, gli ha dato un appartamento scassato e la fidanzata Yvonne (Zoë Kravitz) che prova a tenerlo a galla. Il giorno in cui accetta di badare al gatto di un vicino punk in trasferta (Matt Smith, incredibile) è l’inizio di una spirale di violenza: Hank finisce invischiato in una trama di gangster russi, killer ebrei ortodossi, poliziotti corrotti, tutti alla ricerca di una misteriosa “chiave”.

Whoa! Sono quasi quattro mesi pieni che non scrivo qui sopra. A volte mi domando se ha senso avere ancora un hosting, poi mi dico che è un vezzo che vorrei mantenere. Il ritmo con cui guardo film (e poi magari me li dimentico pure) è abbastanza sostenuto, e non ci sto dentro a continuare a scrivere un post per ogni visione. Credo quindi che tornerò alla formula di un post riassuntivo al mese magari con i link a Letterboxd, che è un profilo carino che sto cercando di far crescere. Facciamo così, scelgo il film migliore che ho visto nel mese e lo vediamo per esteso, gli altri li metto in coda solo con qualche riga poi voi cliccate sul titolo e leggete tutto su Letterboxd. Partiamo con Weapons! (Ah, ci sono anche film che ho visto ad agosto, in ordine sparso).

Weapons
★★★★½

Weapons di Zach Cregger è uno di quei film che restano addosso anche dopo i titoli di coda. Tutto parte da un evento inspiegabile: diciassette bambini di una stessa classe scompaiono nel cuore della notte, lasciando un unico superstite, Alex Lilly (Cary Christopher), e un’intera comunità che inizia a cedere sotto il peso del sospetto.

La struttura è la sua trovata più riuscita: la storia è divisa in capitoli che si riavvolgono e ripartono ogni volta dal punto di vista di un personaggio diverso, mostrando gli stessi eventi sotto nuove, inquietanti angolazioni. Ne nasce un racconto frammentato ma ipnotico, dove la verità sembra sempre a un passo — e poi sfugge di nuovo.

Cregger gioca con l’horror psicologico fino a farlo virare nel pieno territorio del soprannaturale. L’ultima parte, raccontata attraverso gli occhi del piccolo Alex, è un cambio di tono potente: improvvisamente il mistero assume contorni stregoneschi e il film si apre a una dimensione più cupa, quasi mitologica. E non dico altro, altrimenti entriamo in territorio spoiler.

Tra le interpretazioni spicca quella di Amy Madigan, perfetta nei panni della zia Gladys: una presenza quieta e perturbante, di quelle che ti restano in mente anche quando non è più in scena. Julia Garner e Josh Brolin tengono alta la tensione, ma è Madigan a dare al film la sua sfumatura più sinistra.

Weapons non è un horror per chi cerca risposte facili, ma uno di quei racconti che lasciano un’eco, un disagio sottile. Forse non chiarisce tutto, ma nel farlo diventa molto più interessante di molti film che ci provano.

Ballerina
★★½

Non serve essere fan sfegatati di John Wick per divertirsi con Ballerina. Il film di Len Wiseman fa esattamente quello che promette: due ore di violenza coreografata, luci al neon e gente che cade dai balconi come se non ci fosse un domani. E per una sera va bene così.

Bring Her Back
★★★★

Dopo Talk to Me, i fratelli Philippou hanno deciso di non replicarsi: con Bring Her Back restano nell’horror ma cambiano registro. Meno jump scare, più disagio puro. Un film che ti scava addosso invece di farti sobbalzare — e che conferma come i due registi amino spingere lo spettatore in un territorio emotivo instabile, dove non sai mai se provare pietà o terrore.

Dangerous Animals
★★½

Dangerous Animals non cambierà la storia del cinema, ma per un’ora e mezza di puro intrattenimento estivo funziona eccome. È un thriller marino sanguinoso e onesto, che mescola lo slasher più classico al “film di squali” con un gusto un po’ anni Novanta, tutto sudore, carne e morsi improvvisi.

Thunderbolts*
★★½

Lo ammetto: sono stanco dei film di supereroi – troppi scontri stravisti, troppa CGI, troppe saghe che sembrano girare su se stesse. Ecco perché Thunderbolts* mi ha colpito — non è perfetto, ma tenta qualcosa di diverso.

DEVO
★★★

Da fan che è cresciuto con i DEVO (e con la primissima era di MTV), posso dire che questo documentario funziona perché finalmente riporta al centro quello che per troppo tempo è stato frainteso: non erano solo i ragazzi delle tute da lavoro e dei caschetti rossi a torretta, ma un progetto radicale, estetico e politico.

The Phoenician Scheme
★★★

The Phoenician Scheme è quel tipo di film di Wes Anderson che ti martella di “wesandersonismi” già prima dei titoli di testa: simmetrie perfette, tavolozze pastello che diventano marroni eleganti, e oggetti che paiono reliquie (gli immancabili shoebox, il rosario riccamente cesellato).

Honey Don’t!
★★★★

Honey Don’t! di Ethan Coen è uno di quei film che non si fanno dimenticare facilmente. La detective privata Honey O’Donahue (Margaret Qualley) viene chiamata su un incidente stradale che sembra ordinario, ma che si rivela l’inizio di una catena di morti sospette legate alla chiesa del reverendo Drew Devlin (Chris Evans) e al suo carismatico culto.

Superman
★★★

In parole povere: ho smesso di esaltarmi per i film Marvel e DC 6 o 7 anni fa. Superman di James Gunn ho voluto vederlo solo perché mi piace la sua visione e in tempi non sospetti avevo apprezzato sia Guardians of the Galaxy che Suicide Squad.

Karate Kid: Legends
★★★

Definizione di guilty pleasure: qualcosa che non vorresti che qualcuno ti beccasse a fare, ma che ti fa godere molto. Come vedere l’ennesimo Karate Kid che sfrutta ogni possibile briciola di successo pregresso del francherà, Cobra Kai compreso e che tenta (peraltro con discreto successo) di cucire insieme daga originale e Cobra Kai con lo spin-off/remake con Jackie Chan (a proposito, che fine ha fatto Jaden Smith)?

The Life of Chuck
★★★

Mike Flanagan, esperto “traduttore” di Stephen King sul grande e piccolo schermo, si prende questo intrigante racconto contenuto nella raccolta If it bleeds e ne ricava un film sulla carta assurdo, alla prova del Toronto Film Festival del 2024 un successo strepitoso.

The Naked Gun
★★

Su questo remake di La pallottola spuntata (uno dei classici Zucker-Abrahams-Zucker) bisognerebbe spendere 4 parole: ce ne era bisogno? A quanto pare sì, dato che comunque Liam Neeson sembra nato per interpretare Frank Drebin Jr. (il figlio del detective Drebin di Leslie Nielsen). Sguardo vacuo, mani che gli porgono la proverbiale cup of coffee da ogni parte dello schermo, impermeabilità assoluta (e molto divertente) a tutte le gag fisiche e verbali di cui il film è ovviamente disseminato.

The Fantastic 4: First Steps
★★★

Che gli vuoi dire a un film del Fantastici 4 che si svolge in un universo parallelo dove sono effettivamente gli anni ’60 (ma quegli anni ’60 un po’ futuribili alla Jack Kirby e soprattutto un po’ Jetsons), in cui i 4 sono più una famiglia borbottona che non un supergruppo di supereroi e in cui arriva Galactus e ha la faccia da Galactus?

Buon ultimo, arrivo anche io a vedere il fenomeno dell’animazione 2025, K-Pop Demon Hunters, un film Sony Pictures Animation distribuito a livello mondiale da Netflix che al momento in cui è uscito (20 giugno) nessuno se lo sarebbe mai inculato, per usare un francesismo, e invece a partire dai primi di luglio è stato (e credo continui ad essere) uno dei film più visti dell’anno in assoluto sulla piattaforma.

Il motivo è molto semplice: Kpop Demon Hunters unisce tre cose che garantiscono un successo assicurato. Punto primo, un’animazione allo stato dell’arte, magari non a livello di Spider-Man o dei Mitchell (due altri successi Sony), ma creativa abbastanza per elevarsi sopra una produzione “media”, soprattutto nelle (molte) sequenze d’azione. Punto secondo, una storia semplice, universale, accessibile a tutti che però non è un sequel un prequel un midquel un legacy sequel un remake o simili. Punto terzo, le canzoni. Che sono in classifica in tutto il mondo e hanno soppiantato con le Huntr/x e i Saja Boys persino i BTS e le BlackPink (veri gruppi KPop).

La trama è presto detta, trio di cantanti/maghelle/guerriere (le Huntr/x) deve proteggere il mondo dai demoni che spingono per succhiare le anime degli umani creando uno scudo protettivo mentre sono in tour. Demone affascinante crea una boy band demoniaca (i Saja Boys) che ruba i fan alle Huntr/x. Rumi, la più problematica delle Huntr/x che nasconde un segreto, si innamora di Jinu, il ragazzo demone a capo dei Saja Boys.

Cosa potrà mai andare storto? Completano il quadro una coppia di animali demoniaci a coprire la quota “spalle comiche”, un manager che oscilla tra i due gruppi musicali, un medico ciarlatano doppiato da Ken Jeong.

Io l’ho visto due volte in italiano per cause di forza maggiore, ma in originale, come al solito, è meglio. In entrambi i casi, alla fine della visione, per settimane intere ti ritrovi a canticchiare i singoli di successo estratti dal film, come Golden, Takedown, SodaPop o How It’s Done. Impossibile resistergli.

Unicorni di Michela Andreozzi sta in pochissime sale ma vale la pena cercarlo. È una commedia dolce, equilibrata, ottimamente interpretata, talvolta un po’ didascalica ma ci sta, perché il pubblico italiano su questi temi – che i battibecchi ideologizzati tendono ad inquinare tantissimo – ha anche bisogno di essere “educato” (mi riferisco alle scene/spiegone ambientate nel cerchio di terapia per “genitori unicorni”). 

La storia è quella di una famiglia allargata e progressista che viene messa in crisi da un bambino di 9 anni e mezzo, Blu (Daniele Scardini, bravissimo nel suo ruolo) che presenta una evidente varianza di genere: vuole vestirsi sempre “da femmina” e alla recita scolastica vuole fare la Sirenetta. 

Mi ha toccato profondamente, come è inevitabile, la figura di Lucio (Edoardo Pesce): papà progressista e femminista, odia il calcio, pratica yoga, definito woke dal collega, in una parola il mio ritratto (non fosse che lui abita in un appartamento meraviglioso a Roma e io no). Lucio fa il conduttore radiofonico e riesce a smontare ai microfoni del suo programma soggetti agghiaccianti come artisti del rimorchio e fanatici pro vita e famiglia. Quando però capisce che il figlio Blu non ama solo vestirsi da femmina “ogni tanto” ma ha una sua identità di genere non conforme alle aspettative sociali, va in crisi. 

Nell’ansia di proteggere, tenta di forzare un cambiamento nel bambino che riesce solo a far stare male tutta la famiglia. Il conflitto interiore di Lucio è molto ben rappresentato, così come la divergenza di idee con la moglie Elena (Valentina Lodovini) che non solo ha capito il figlio ma lo ha accettato. In questo senso Unicorni è anche un ottimo studio sul maschile contemporaneo e sui problemi della genitorialità. 

Quando Lucio ed Elena iniziano a frequentare il gruppo “Genitori Unicorni” – un cerchio di confronto guidato da una psicologa specializzata in varianza di genere interpretata dalla stessa regista – il respiro si allarga e la storia da familiare diventa collettiva, grazie anche a ragazzi e genitori membri attivi dell’associazione Genderlens, che ha partecipato alla produzione del film.

Inutile dire che ho pianto tantissimo. Ma Unicorni è anche un film molto divertente, fidati. Ed è abbastanza sorprendente nel panorama italiano veder trattato questo tema in modo così equilibrato.

Mi fa molto piacere vedere che La città proibita di Gabriele Mainetti sia “primo in classifica” su Netflix tra i film più visti in Italia perché se lo merita. Lo sapevo anche prima di vederlo, che se lo meritava, ma ne ho avuto la conferma (dopo essermi un po’ mangiato le mani per non averlo visto in sala, vabbè).

Meno fulminante di Lo chiamavano Jeeg Robot e meno caleidoscopico e debordante di Freaks Out, La città proibita – pur con il suo essere praticamente due film compressi in uno, pur mantenendo la consueta professionalità nel prendere un genere e farlo bene, adattato alla realtà romana – è un film che definirei “classico”.

Le due sorelle cinesi che si allenano col kung fu negli anni ’90 finiscono ben presto in un delirio di mafia cinese, prostituzione, traffico di esseri umani. Mei (Yaxi Liu) è la più brava nel kung fu e sbaraglia gli avversari alla ricerca della sorella scomparsa proprio a Roma (bellissima, dopo una ventina di minuti, la transizione improvvisa e inaspettata in una via dell’Esquilino con il tizio che dice “ma li mortacci”).

E da lì si sviluppano due film paralleli, intrecciati, con la paura sempre che i due film non c’entrino una mazza l’uno con l’altro e invece niente, anche stavolta Mainetti ce l’ha fatta sotto il naso, le mazzate filologiche alla Bruce Lee e il dramma de noartri con la Ferilli, Giallini, Zingaretti e il bravo Enrico Borello nel ruolo di Marcello si sposano perfettamente, anche perché i misteri si infittiscono quando si scopre che il padre di Marcello e la sorella di Mei erano innamorati…

Il tema della vendetta tipico del cinema orientale e il dramma criminale in una città mai rappresentata prima in modo così multietnico vanno a braccetto con pochissime deviazioni (ho trovato un po’ inutile la sottotrama del figlio rapper del boss cinese, utile solo a rimarcare la maggiore integrazione degli immigrati di seconda generazione).

Insomma, lo sapevo che mi sarebbe piaciuto e in effetti mi è piaciuto, anche con il suo finale un po’ Kung Fu Panda che però è adorabile nella sua semplicità disarmante. Se come me non l’avevi visto, vedilo ora.

Mi tolgo subito il sassolino dalla scarpa: aspettavo Elio dal 2022 con ansia, e non mi ha (quasi) per niente deluso. Eppure, secondo la misurazione impietosa del box office, Elio è il film Pixar che ha incassato di meno in assoluto. Questo per me è la dimostrazione che quando ci lamentiamo che gli studios non sanno fare altro che sequel o prequel e rimasticare sempre le stesse storie e gli stessi personaggi, non dobbiamo fare altro che dare la colpa a noi stessi. Gli spettatori vogliono prequel e sequel. Semplicemente, non si fidano delle cose nuove. O forse Elio non è stato sufficientemente “spinto”, va’ a sapere.

Comunque, al netto del fatto che ci sono diverse soluzioni poco originali e snodi un po’ tirati via alla cazzo di cane, Elio per me sta nel novero dei Pixar strani, quelli che preferisco, come Il viaggio di Arlo, che non se lo caga mai nessuno e invece per me è bellissimo. Questione di gusti? Probabilmente. Ma come fai a non amare un film che solo nei primi dieci minuti ti mette: il disco d’oro della sonda Voyager lanciata nel 1977 (che immediatamente ti riporta al primo film di Star Trek); la voce di Carl Sagan che parla della possibilità di forme di vita intelligenti nello spazio; Once in a Lifetime dei Talking Heads in una magistrale sequenza a montaggio che presenta il personaggio principale e le sue ossessioni? Non puoi.

Elio è un ragazzino di 11 anni che ha perso i genitori e vive in una base militare con la zia. Il loro rapporto è conflittuale perché Elio percepisce chiaramente che la zia avrebbe fatto una vita completamente diversa se lui non fosse piombato nella sua quotidianità. In più Elio non ha amici, ha un taglio di capelli improbabile, è socialmente inetto. Tutto quello che vuole è essere rapito dagli alieni. La zia invece lo manda in un campo estivo dove Elio viene ulteriormente bullizzato, senonché a quel punto gli alieni arrivano veramente.

La parte terrestre è una delle cose migliori del film, perché quando si va nello spazio, anche Elio, come tutti gli ultimi Pixar e forse ancora di più, cede a quell’estetica tra lo psichedelico e il caramelloso che fa sembrare tutto una fiera anni ’90 di tye&dye e lava lamp. Il Communiverse, questa specie di Nazioni Unite intergalattiche con i suoi ambasciatori da tutti i pianeti, sembra molto la Federazione Galattica di Lilo e Stitch, ma con meno organicità. Gli ambasciatori sono simpatici ma non lasciano il segno (uno è pure doppiato da Lucio Corsi, vabbè).

Si innesca qui la parte di conflitto con Grigon, il guerrafondaio leader degli Hylurghiani, che Elio dovrebbe mediare diplomaticamente grazie ad una non meglio definita “Art of the Deal” (LOL). Elio finisce per diventare amico di Glordon, il figlio di Grigon, una specie di goffo tardigrado spaziale che non vuole diventare un signore della guerra come il padre. Degna di nota, peraltro, l’idea dell’esoscheletro guerresco degli Hylurghiani che rappresenta magistralmente la “gabbia patriarcale” in versione intergalattica in cui i giovani maschi riottosi devono per forza entrare. Segue un po’ di intrigo, qualche casino e un finale dolceamaro che mette d’accordo un po’ tutti.

In molte delle sue tematiche, Elio è un film profondamente spielberghiano, che rientra in quel filone di “ragazzini disadattati che però spaccano” e di “contatto con il diverso”, mantenendo però anche saldamente il punto sul rapporto tra padre e figlio e sul più generale senso di appartenenza alla famiglia – in questo Elio non è banale e fa scendere qualche lacrima agli adulti in sala.

Parlando di un preadolescente alle prese con guerre e diplomazie aliene, Elio non può non ricordare anche Steven Universe, soprattutto nella questione dei cloni, che è una delle idee più intriganti del film e che consente a Elio di toccare con mano quello che potrebbe significare vivere una vita normale sulla terra, lui che vorrebbe solo vivere nello spazio con gli alieni come lui.

Purtroppo il fatto che la lavorazione di questo film sia stata così lunga ha visto il regista originario (Adrian Molina, quello di Coco) abbandonare la sua creatura “personale” – Elio rappresenta lui stesso e la sua infanzia solitaria in un campo militare – e lasciarla in mano a Domee Shi (regista di Turning Red) e all’esordiente Madeline Sharafian. Questo ha voluto dire anche riscritture, semplificazioni e rappezzamenti che in alcune parti del film (specie nel finale un po’ tirato via) si notano.

C’è anche una scena dopo i titoli di coda, ma non è niente di che. Tutto sommato però il film l’ho trovato incantevole il giusto. Se poi hai come me un figlio come Glordon il tardigrado spaziale, il film tocca corde molto personali e non ti pentirai di averlo visto. Ovviamente attenderò il passaggio su Disney+ per rivederlo in originale.