Sentido y sensibilidad de Georgia Oakley demuestran algo que cualquier fanático del cine de época ya sabe. Jane Austen nunca pasa de moda. De hecho, la nueva adaptación de una de las novelas más conocidas de la autora es una combinación brillante, interesante y divertida de varias cosas. Por un lado, una historia de amor atemporal que hará suspirar a los románticos. Al otro extremo, una exploración del duro comentario social que la autora siempre incluyó en sus novelas.

El resultado es una película romántica interesante, brillante y sensible que conmueve por explorar el tema del romance de manera elegante y sofisticada. Pero a la vez, celebrar la importancia actual de los dramas de época. En especial, gracias a un elenco que renueva el clásico para una nueva generación. Protagonizada por Daisy Edgar-Jones en el papel de la sensata Elinor Dashwood y Esmé Creed-Miles como la apasionada Marianne Dashwood, la cinta conmueve. Pero a la vez, toma la conocida historia para hacerse preguntas sobre la identidad femenina, el transcurrir del tiempo y la familia. Todos los temas que forman parte esencial de la obra de Jane Austen. 

Pero obviamente, no es la primera vez que Jane Austen deslumbra en la pantalla grande. Y si Sentido y sentimiento te abrió el apetito por obras de la autora, esta lista es para ti. Te dejamos cinco adaptaciones maravillosas de la escritora que puedes ver ahora mismo. Desde un clásico con una estética que enamoró a los quisquillosos de los dramas de época, a una reinvención irónica. Todo para los amantes de hueso rojo de una de las grandes de la literatura británica de todos los tiempos. 

Emma (Netflix)

Dirigida por la fotógrafa Autumn de Wilde, es una reinterpretación del clásico de Jane Austen publicado en 1815. Protagonizada por Anya Taylor-Joy en el papel de la vanidosa y astuta Emma Woodhouse, la película sorprendió en su estreno. En especial, por su deslumbrante propuesta estética, caracterizada por una paleta de colores pastel, una simetría visual impecable y un diseño de vestuario sumamente meticuloso. 

A diferencia de otras adaptaciones de época tradicionales, esta versión infunde una energía moderna y satírica a la alta sociedad de Highbury. Por lo que la trama sigue a Emma, una joven rica, hermosa y soltera que juega a ser casamentera en su círculo social. Lo que desata enredos amorosos debido a su exceso de confianza. 

Emma logra equilibrar el fino humor británico con momentos de profunda vulnerabilidad. Por lo que muestra el viaje de autodescubrimiento y madurez de la protagonista a medida que aprende de sus propios errores. También reconoce sus verdaderos sentimientos hacia Knightley (Johnny Flynn). Una delicia visual y narrativa para amantes de Jane Austen que puedes ver si amaste Sentido y sensibilidad. 

Sentido y sensibilidad (Netflix)

La reina de todas las adaptaciones de Jane Austen es la película que debes ver si te gustó la nueva versión de Sentido y sensibilidad. Dirigida por Ang Lee, es un prodigio de buen gusto y emoción. El guion, brillantemente adaptado por la actriz Emma Thompson, sorprende por su habilidad para ser divertido y conmovedor a la vez. Por lo que equilibra con maestría el rigor histórico con una profunda sensibilidad dramática. 

La historia narra las vicisitudes financieras y sentimentales de las hermanas Dashwood tras quedar desamparadas a la muerte de su padre. Kate Winslet brilla con luz propia como la apasionada e impulsiva Marianne, encarnando el ideal del romanticismo. Mientras que la Elinor de Emma Thompson representa la razón y la contención emocional. 

Esta dualidad se explora a través de sus respectivos y tormentosos romances con Edward Ferrars (Hugh Grant) y el noble coronel Brandon (Alan Rickman). La cinta captura con una agudeza visual conmovedora las rígidas restricciones de la sociedad georgiana británica. Por lo que transforma las sutiles dinámicas familiares y las estrictas convenciones socioeconómicas de la época en un relato universal. Uno, además, que pone de relieve la resiliencia femenina y la madurez emocional.

Orgullo y prejuicio (Prime Video)

La cinta que marcó el brillante debut como director de Joe Wright es una de las adaptaciones cinematográficas más icónicas de Jane Austen. Protagonizada por Keira Knightley en el papel de la ingeniosa Elizabeth Bennet y Matthew Macfadyen como el reservado Sr. Darcy, la cinta es un fenómeno generacional. También revitalizó el clásico de 1813 al introducir un enfoque estético conocido como el realismo del dobladillo embarrado.

 A diferencia de las tradicionales e impolutas producciones de época, Wright optó por reflejar una Inglaterra rural de finales del siglo XVIII. Eso, al retratarla de manera mucho más orgánica, rústica y viva, donde los cabellos sueltos, las ropas desgastadas por las caminatas en el bosque y la luz natural cobran protagonismo. La trama sigue las complejas dinámicas de la familia Bennet, donde la matriarca busca desesperadamente casar a sus cinco hijas para asegurar su futuro económico. El eje central se enfoca en el tempestuoso cortejo entre Elizabeth y Darcy, quienes deben confrontar y superar sus propias barreras emocionales para reconocer el profundo amor que los une. 

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La película sobresale por su potencia expresiva y una dirección de fotografía magistral a cargo de Roman Osin. El artista recurre a planos secuencia coreografiados de manera fluida y secuencias visualmente poéticas. Todo para capturar la intensa tensión romántica entre los protagonistas. Escenas memorables, como el sutil pero electrizante roce de manos tras subir al carruaje o la apasionada declaración bajo la lluvia, se consolidaron rápidamente como referentes del cine romántico moderno. Una pieza de arte que es obligatoria si te gustó Sentido y sentimiento. 

Persuasión (Netflix)

Esta cinta de Carrie Cracknell provocó un escándalo entre los puristas de la obra de Jane Austen. ¿El motivo? Modernizar la obra hasta casi hacerla irreconocible. Protagonizada por Dakota Johnson como Anne Elliot y Cosmo Jarvis como el capitán Frederick Wentworth, además es desordenada y un tanto caótica. Pero tiene su propio encanto, al menos el de explorar su historia. 

Que es claro el doloroso reencuentro de dos antiguos amantes ocho años después de que Anne fuera persuadida de romper su compromiso. Todo debido a la modesta posición social de él. El largometraje se desvía drásticamente del tono melancólico, reflexivo y sutil del texto original de 1817 para transformarse en una comedia romántica de corte pop. Inspirada visiblemente por éxitos modernos como Fleabag, la producción utiliza el recurso de romper la cuarta pared. 

De modo que permite que una Anne inusualmente sarcástica y expresiva hable directamente a la cámara para compartir sus frustraciones. Asimismo, la cinta incorpora anacronismos lingüísticos actuales y apuesta por un elenco culturalmente inclusivo. Una combinación de elementos que provocó la ira de fanáticos y amantes del libro original. Todo lo contrario a sentido y sentimiento. 

Clueless (Fuera de onda) (Prime Video)

Y un clásico pop para cerrar la lista. Escrita y dirigida por Amy Heckerling, es una de las adaptaciones cinematográficas más brillantes, ingeniosas y revolucionarias de Jane Austen. Eso debido a que traslada la trama de la novela Emma al superficial y colorido Beverly Hills de los años noventa. Protagonizada por Alicia Silverstone como Cher Horowitz (el equivalente moderno de Emma Woodhouse), la cinta reinventa a la heroína decimonónica. Todo al reimaginándola como una joven rica, popular y obsesionada con la moda, pero con un corazón genuinamente bondadoso.

 Manteniendo intacta la estructura del libro, Cher se dedica a jugar a las casamenteras. También, a efectuar cambios de imagen a sus compañeras, como la nueva estudiante Tai (Brittany Murphy). Lo que desata una serie de divertidos enredos académicos y sentimentales. 

A través de este ingenioso cambio de escenario, Heckerling transformó la sátira de Austen sobre la aristocracia de la Regencia británica en algo más. En específico, en una mordaz y divertida crítica social hacia la cultura adolescente y el materialismo de la alta sociedad californiana de finales del siglo XX. Una opción poco convencional y divertida si amaste Sentido y sensibilidad. 

Seguir leyendo: Las mejores adaptaciones de Jane Austen para ver si te gustó ‘Sentido y sensibilidad’

Activar y desactivar manualmente el HDR es una de las tareas más tediosas para quienes usan Windows con un monitor compatible, sobre todo si es OLED. Si juegas o ves vídeos en YouTube y luego vuelves al escritorio, es probable que tengas que usar el atajo de teclado Win + Alt + B varias veces al día para cambiar entre HDR y SDR, lo que ayuda a prevenir el burn-in. La buena noticia es que alguien desarrolló una aplicación llamada Smart HDR Manager, que automatiza todo el proceso.

De acuerdo con la descripción en el repositorio de GitHub, Smart HDR Manager es una aplicación para Windows 11 y Windows 10 diseñada para gestionar de forma inteligente el modo HDR. La herramienta se ejecuta en segundo plano desde la bandeja del sistema y activa el HDR únicamente cuando es necesario. Una vez que termina el vídeo, película o juegos compatibles, Windows vuelve automáticamente a SDR.

Según explica su desarrollador, Smart HDR Manager puede detectar juegos, vídeos HDR de YouTube y contenido HDR reproducido desde tu ordenador en programas como VLC, MPC-HC, mpv, MPC-BE o PotPlayer. La aplicación también es compatible con RTX Video HDR, la función de NVIDIA que convierte vídeos SDR a HDR en tiempo real si tienes una GPU del fabricante.

Si bien el objetivo de la app es automatizar el modo de pantalla para que no pierdas tiempo en la configuración de Windows, Smart HDR Manager tiene otro beneficio. Los dueños de una pantalla OLED podrían prevenir el desgaste innecesario que conduce al burn-in, uno de los peores miedos de sus propietarios. Eso sí, el desarrollador deja claro que la app no previene este fenómeno, ya que existen otros factores como el brillo, tiempo de exposición y elementos estáticos que contribuyen a que se "queme" la pantalla.

Así funciona el cambio automático entre HDR y SDR

Smart HDR Manager opera en segundo plano para detectar automáticamente diferentes tipos de contenido. Cuando identifica un juego compatible o vídeo HDR, enviará la instrucción para activar el HDR en Windows. Esto es parecido a lo que hace tu televisor OLED cuando juegas en la PS5 o Xbox Series X, donde el modo de pantalla cambia una vez que inicias la partida.

En el caso de los juegos, Smart HDR Manager es compatible con plataformas como Steam, Epic Games Store, GOG, Ubisoft Connect, EA, Rockstar Games Launcher y la app de Xbox. Para YouTube es necesario un script de Tampermonkey que añade marcadores al título de la pestaña del navegador para indicar cuándo se está reproduciendo un video HDR real o un video SDR. Esto permitirá que la app tome la decisión correcta y ejecute el cambio al vuelo.

Por último, si tienes una GPU de NVIDIA que admite RTX Video HDR, Smart HDR Manager puede encender el HDR antes de iniciar ciertos reproductores multimedia. Esto garantiza que la conversión de SDR a HDR que hace la tecnología de NVIDIA esté disponible desde el comienzo de la reproducción.

Aunque la app automatiza el proceso, el usuario tiene el control y puede activar el HDR manualmente. Cuando esto ocurre, Smart HDR no lo desactivará, ya que solo es capaz de revertir los cambios que la misma app realiza.

Cómo instalar Smart HDR Manager en Windows

A diferencia de otras aplicaciones, Smart HDR Manager no requiere que la compiles o que sigas pasos complicados. Los usuarios solo tienen que descargar la versión compatible con su ordenador (x64 o ARM 64) desde el repositorio oficial de GitHub. Una vez que lo haces, solo sigue estos pasos:

1. Extrae el contenido del ZIP en una carpeta permanente, por ejemplo, C:\Smart HDR Manager.
2. Ejecuta SmartHdrManager.exe. Si Windows muestra una advertencia de seguridad, selecciona "Más información" y después "Ejecutar de todos modos", ya que la app no cuenta con firma digital.
3. Activa la opción "Iniciar con Windows" si quieres que se inicie cuando enciendes el ordenador. De este modo no tendrás que preocuparte de activarla todo el tiempo.
4. Para el soporte de YouTube HDR, es necesario instalar primero Tampermonkey y luego cargar el script SmartHdrManager_YouTube.user.js. que se incluye en la carpeta de instalación

Seguir leyendo: Si tienes una pantalla OLED, esta app gratuita corrige uno de los peores problemas de Windows

Sentido y sensibilidad de Georgia Oakley se enfrenta a varios problemas de entrada. En primer lugar, la importancia de la espléndida adaptación de 1995 de Ang Lee del mismo libro de Jane Austen. Una obra ganadora del Óscar y que todavía se considera una joya en el amplio universo dedicado a las historias de la escritora. Al otro extremo, el mismo peso de llevar un clásico de semejante categoría a un público más joven y cínico. Por lo que la cinta tenía la doble presión de resultar no solo fiel al original, sino atractiva para un público más amplio que solo lectores fieles. 

La producción lo logra con una adaptación elegante, emocional y mordaz, que, aunque se toma evidentes libertades, cumple con lo esencial. Celebrar un relato en que el amor, las apariencias y la independencia femenina libran su propia batalla. Pero además, el guion de Sentido y sensibilidad, a cargo de Diana Reid, es brillante al momento de unir las piezas de una historia complicada. Por lo que el camino hacia el romance de las hermanas Dashwood es también una reflexión acerca de la identidad, el crecimiento y la madurez. Todo salpicado con el burlón sentido del humor de la escritora. Lo que incluye varios de los diálogos más impertinentes (también divertidos) añadidos a una obra de Austen en el cine. 

Todo sin perder los elementos que identifican a los libros de la escritora y que le han valido millones de lectores a lo largo de los siglos. Sentido y sensibilidad logra equilibrar cargas al convertir a la ya conocida historia en una ingeniosa versión sobre la bondad y la esperanza. Pero a la vez, presentar a Jane Austen a un nuevo público. Una generación, además, que ya conoce al dedillo la historia y exige fidelidad. Y aunque la película no es una copia escena por escena de su original literario, sí logra ser emocionante y conmovedora a su manera. Lo que añade una capa de interés a esta historia clásica que ya no guarda ningún secreto para el público. 

El matrimonio como salvavidas y condena

Jane Austen lleva más de dos siglos recordándonos que los asuntos del corazón rara vez funcionan de manera independiente del dinero. En Sentido y sensibilidad, esa contradicción adquiere una dimensión especialmente dolorosa. Para las mujeres de la familia Dashwood, encontrar pareja implica mucho más que satisfacer sus fantasías románticas. También significa proteger su futuro. Georgia Oakley toma la historia original (que contiene una dura crítica sobre las condiciones femeninas de la época) y le da tintes de tragedia. 

Por lo que, a pesar de que sin duda es una historia de amor (y lo deja claro pronto), también es una mirada al dolor. Por lo que el resultado es una película que encuentra espacio para la ironía, el sufrimiento y la redención. Todo a la vez en una combinación que la trama logra equilibrar sin parecer confusa o desordenada. No obstante, al contrario de la versión de Ang Lee (burbujeante y simpática), la de Oakley es mucho más cercana al drama. Tanto como para que la primera mitad de la película sea una cuidadosa disección de cómo las mujeres malvivían en la Regencia. 

En especial, cuando las hermanas Dashwood deben abandonar Norland Park, la mansión familiar, en una serie de situaciones complicadas. El patriarca muere y deja a su esposa y tres hijas sin la posibilidad de heredar. De modo que la señora Dashwood (Caitríona Balfe), Elinor (Daisy Edgar-Jones), Marianne (Esmé Creed-Miles) y Margareth (Bodhi Rae Breathnach) quedan a merced de la bondad ajena. Peor aún, en una situación súbita en que todo lo que daban por sentado desaparece en un giro imprevisible. 

Llanto al estilo Jane Austen en ‘Sentido y sensibilidad’ 

Sentido y sentimiento, al igual que el libro, explica todo lo que hay que saber sobre la tragedia. Pero deteniéndose en dejar claro que la vida para las mujeres inglesas del siglo XVII era un precario equilibrio entre la suerte y un golpe de desgracia repentino. Sentido y sentimiento relata esta especie de giro complicado (y con su necesario comentario social) con más detalle que otras adaptaciones. También, intentando no detenerse demasiado en una lección de historia. Por lo que la directora toma la decisión de dejar bien claro que las Dashwood son víctimas del destino cruel. Y que, por supuesto, solo el amor las salvará. 

Por cursi que suene (y lo es en ciertos puntos), Georgia Oakley tiene la habilidad suficiente para evitar la sensiblería. Por lo que la primera hora de la película no es un prólogo lloroso, sino una correcta interpretación de Jane Austen. Más que otras adaptaciones, la cinta explora el hecho de que los personajes son víctimas de una situación cruel que los sobrepasa. Y que sobrevivir a ella implica adaptarse lo mejor que pueden no solo a la mudanza al campo. También, asumir el riesgo social de que, siendo mujeres súbitamente pobres, deben encontrar al hombre que pueda sostenerlas en semejante situación. 

Un giro que hace más interesante la historia y, en especial, permite alejarse de la académica versión de Emma Thompson, para lograr su propia personalidad. Sentido y sentimiento de 2026: sabe que sus personajes no pueden luchar contra la corriente. Por lo que convierte al guion en una emotiva travesía a través de la infelicidad, hacia el amor correspondido y el matrimonio. Todo sin aburrir, sin parecer edulcorado (no de todo) y sin abusar de los clichés de los dramas de época. Atemporal, brillante y dinámica, es quizás la versión de Austen más moderna estrenada en la década. Eso, sin recurrir a trucos de baratillo o contemporizar a la fuerza el lenguaje o sus tramas principales. 

Dos hermanas, dos maneras de sobrevivir al deseo

Pero, por supuesto, Sentido y sentimiento es una historia de amor y Georgia Oakley no deja que el público lo olvide. Con una puesta en escena que rinde homenaje a Orgullo y prejuicio de Joe Wright en 2005, la cinta avanza hacia un punto interesante. Establecer una relación entre la personalidad de las hermanas y la manera en que habitan el mundo. Elinor es reservada y madura, por lo que Edgar-Jones la interpreta con cierto aire de timidez. Algo que permite que su encuentro con Edward Ferrars (George MacKay) sea sensible, amable y discreto. 

Marianne, por su parte, parece vivir en una película distinta, aunque comparta escenario con su hermana. Cuando se cruza con el coronel Brandon (Herbert Nordrum), corre por el bosque y termina encontrándose con él mientras cabalga. La situación podría favorecer una presentación convencional, pero Marianne decide escapar, con el cabello suelto y el vestido agitado por el movimiento. La escena define su relación con el mundo: primero siente, después interpreta y, cuando queda tiempo, considera las consecuencias. Por lo que mucho de la cinta será el contraste entre Elinor (abrumada de pesar) y Marianne (de pasión y de deseo). 

Mucho del éxito de Sentido y sentimiento radica justamente en analizar a sus protagonistas como aspectos de la pasión. En especial cuando John Willoughby (Frank Dillane) hace su aparición y todo se complica más. Paso a paso, la película logra enlazar la tradicional historia literaria con algunos cambios que hacen más fluido el argumento. Por lo que la cinta, aunque no es tan precisa en adaptar como otras versiones, es mucho más dinámica y accesible que otras.

También cuenta con un brillante elenco que hace que toda la enrevesada trama de equívocos, malentendidos y amor se vuelva más cercana. Quizás, Sentido y sentimiento no tenga la profundidad lírica de la recordada adaptación de Ang Lee. Pero al contrario, desborda emotividad, ternura y capas sutiles acerca de la aceptación, la ternura y el amor en todas sus facetas. Por lo que la cinta mezcla el drama romántico, retrato social y estudio de una relación entre hermanas con habilidad. A la vez, rinde un cariñoso homenaje a una obra clásica capaz de siempre resultar cautivadora. El punto más alto de esta sobria, inteligente y emotiva mirada al mundo de Jane Austen. 

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Clayface es una sorprendente combinación entre un body horror impactante y la historia de un villano de DC que se hace cada vez más trágica. Entre ambas cosas, la nueva película del Universo DC de James Gunn tiene varias de las escenas más impactantes de la franquicia. Como también una personalidad definida, que si bien la aparta por completo de la saga comiquera, la hace más que una simple película de superhéroes. El resultado es una premisa que se hace más turbia a medida que avanza la trama. Todo, hasta llegar a un final espectacular, inquietante y siniestro, más oscuro de lo que cualquiera podría suponer. 

En especial, porque la producción comienza como otras tantas historias de origen. Matt Hagen (Tom Rhys Harries), un prometedor actor nominado al Óscar, parece tener un futuro brillante. Pero tras pasar la noche con Mia Torres (Joana Ribeiro), es atacado brutalmente por el prometido de esta. Nada más y nada menos que el mafioso Marcos Zabbo (David Dencik). Los hombres de Marcos le desfiguran el rostro con cuchillas, mientras Mia lo acusa falsamente en televisión para encubrir al criminal. 

A partir de ahí, todo empeora trágicamente para Matt. Luego de perder el juicio contra Marcos, quedarse sin ahorros y ver su carrera arruinada, el personaje termina en medio de la desesperación. Por lo que busca la ayuda de la doctora Caitlyn Core (Naomi Ackie). La científica desarrolló una tecnología experimental que parece la solución a su desgracia. Una además, basada en nanotecnología capaz de regenerar tejidos humanos. Por lo que Matt, sin más opciones y en el momento más crítico de su vida, decide correr el riesgo de un tratamiento sin garantías para lograr recuperar lo perdido.

Un villano que se transforma en un monstruo en 'Clayface'

Matt se somete al tratamiento y logra recuperar su rostro. Pero pronto comienza a sufrir deformaciones severas y repugnantes causadas por el estrés emocional. Paso a paso, comprueba que su cara no solo no se recuperó. Además, ahora pierde su forma humana de forma imprevisible y grotesca. Por lo que, en un intento impulsivo por estabilizar su condición, se inyecta una sobredosis de la sustancia creada por Caitlyn. 

Un giro de los acontecimientos de Clayface que otorga a su villano la capacidad sobrehumana de regenerarse y cambiar de apariencia. Eso, moldeando su propia masa muscular como si fuera barro. Al descubrir que su contador y su mejor amigo lo traicionaron en el juicio, Matt los asesina a sangre fría. Y además, utiliza sus rostros para infiltrarse en los círculos de Marcos.

Guiado por la venganza y usando sus habilidades de cambio de forma, Matt irrumpe en una fiesta organizada por Marcos. Ocasión en que desata el caos como una criatura de arcilla viviente a la que ni las balas pueden detener. Allí asesina brutalmente tanto a Mia como a Marcos. Posteriormente, tras matar también al detective que investigaba los crímenes (además, era el prometido de Caitlyn), Matt intenta convencer a la científica de estar juntos. Sin embargo, Caitlyn comprende que ya no es posible razonar con él cuando este se transforma en el gigantesco y monstruoso villano Clayface.

¿En qué termina ‘Clayface’?

Para detener la amenaza, Caitlyn activa un dispositivo de emergencia que desactiva las nanocélulas que hacen funcionar su tratamiento. Algo que provoca que la criatura que antes era Matt, se desintegre por las alcantarillas de la ciudad. Sin embargo, en las escenas finales se confirma que Matt sobrevivió y ahora vive oculto en los subterráneos de Gotham. Consumido por la obsesión, moldea una réplica de arcilla con la figura de Caitlyn para fusionarla con su propio cuerpo. Por lo que completa así su transformación definitiva en el emblemático villano de DC.

Si te lo estás preguntando, hay una razón por la que Matt sobrevive a los intentos de Caitlyn por inutilizar las nanocélulas. Según explica la propia científica, las células evolucionan en cualquier entorno. Por lo que la tecnología de su autoría termina tarde o temprano, por combinarse con el ADN de su huésped. A lo que habría que añadir, que Matt usó una cantidad desproporcionada de la fórmula, por lo que simplemente, las nanocélulas se fusionaron con su organismo.

¿’Clayface’ tiene escenas post créditos?

No, Clayface no tiene escenas postcréditos. Pero sin duda, su final deja abierta la posibilidad de expandir la historia de Matt Hagen. En especial, porque el personaje es un viejo adversario de Batman y podría integrarse al universo DC como uno de sus contrincantes. 

¿Con qué películas de DC se conecta ‘Clayface’?

Clayface no se conecta con ninguna de las películas de DC, a pesar de que el villano pertenece al mundo de Batman. No obstante, guarda paralelismos estéticos con la saga de Matt Reeves. Por lo que no es descartable que el personaje aparezca pronto en algunas de las venideras películas del Cruzado de Gotham. 

Seguir leyendo: ¿Cómo termina ‘Clayface’ y qué le pasó realmente al villano?

¿Qué hace el final de una película ser memorable en el cine contemporáneo? Las razones son variadas y casi nunca coinciden entre sí. Desde un giro absolutamente impactante como en El sexto sentido, a uno doloroso y conmovedor como en La bola negra. O si vamos al cine más palomitero, la desgarradora escena final de Infinity War, con la desaparición de todos los grandes héroes de Marvel. Lo cierto es que no hay una fórmula específica para hacer de la conclusión de una historia un cierre memorable. Pero cuando ocurre, es por completo inolvidable. 

Por supuesto, el cine contemporáneo ha regalado cierres memorables que redefinen por completo la experiencia del espectador. Además, transformando películas notables en obras maestras imperecederas. Un gran desenlace no se limita a resolver el conflicto de la trama. En realidad, puede ser una catarsis emocional o un giro conceptual que altera de forma retroactiva todo lo visto en pantalla. En las últimas décadas, cineastas como Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Damien Chazelle y Bong Joon-ho han perfeccionado el arte de la última escena. Mucho más, han creado su propia forma de analizar el final de una historia, siendo por completo impredecibles. 

Por lo que varias de sus tramas dejan preguntas abiertas, finales desgarradores o revelaciones que se quedan grabadas en la mente del público durante años. Si el tema te interesa, esta lista te permitirá analizar los cinco mejores finales del cine contemporáneo. Lo que implica adentrarse en la tensión psicológica de un trompo que gira perpetuamente, el horror revelador de un sótano oculto. También, la amargura de un reencuentro que solo existe en la imaginación y el trauma de descubrir una verdad enterrada en la memoria. Hasta incluso el sacrificio desesperado de un padre atrapado por la inmensidad del tiempo y el espacio. Un recorrido por lo mejor del cine en las últimas décadas. 

El origen (2010)

El final de esta cinta de Christopher Nolan se ha consolidado como uno de los debates más icónicos de la cultura pop moderna. Eso, gracias a un solo objeto en movimiento: el tótem de Cobb (Leonardo DiCaprio). Para refrescarte la memoria por si no recuerdas la premisa de la producción. Tras una odisea de espionaje mental y traumas personales, el protagonista finalmente regresa a su hogar en Estados Unidos y se reúne con sus hijos. 

Sin embargo, antes de abrazarlos, hace girar su peonza sobre la mesa para verificar si sigue atrapado en un sueño. O, por el contrario, si realmente ha vuelto a la realidad tangible. La cámara se acerca al objeto de metal mientras este gira de manera aparentemente interminable. Pero al final, muestra una levísima e imperceptible vibración justo antes de que la pantalla se corte abruptamente a negro. 

El genial truco de Christopher Nolan no consiste en dejar un acertijo sin resolver, sino en cambiar el foco emocional de la escena. A Cobb ya no le importa si está soñando o no. Solo le interesa estar con su familia, dejando al espectador con la eterna y maravillosa duda. Lo que hace de esta conclusión uno de los mejores finales del cine contemporáneo. 

Parásitos (2019)

Bong Joon-ho convirtió su obra más conocida en clásico de cine contemporáneo, que reflexiona acerca de la desigualdad social, la pobreza y la violencia social. También construyó un preciso mecanismo de relojería narrativo que culminó en uno de los finales más impactantes del cine contemporáneo. En especial, por lograr llevar el agrio comentario social que sostiene la película al escenario terrorífico de una tragedia retorcida. 

Todo, después de la sangrienta catástrofe que destruye a la familia adinerada. Por lo que el hijo menor, Ki-woo (Choi Woo-shik), descubre mediante señales en código morse que su padre sigue vivo. Este refugiado en el búnker subterráneo de la misma mansión, convertido ahora en el nuevo fantasma de la casa. 

Por lo que la cinta da un giro inquietante en dos direcciones distintas. Por un lado, detalla la hermosa y optimista secuencia donde Ki-woo escribe una carta prometiendo ganar el dinero suficiente para comprar la propiedad. Además, salir de la pobreza y liberar a su padre en un emotivo abrazo bajo la luz del sol. Sin embargo, la fantasía se desvanece de golpe cuando la dirección de Bong Joon-ho nos devuelve a la cruda y gélida realidad. El joven sigue atrapado en su miserable y húmedo semisótano. Por lo que revela que su plan de superación es solo un sueño inalcanzable que perpetúa la inamovible brecha de clases.

La La Land (2016)

Damien Chazelle logró un hito de la melancolía moderna con los minutos finales de este aclamado musical dramático. Un cierre que rompe los corazones de la audiencia con una brillantez estética inigualable. Cinco años después de su dolorosa separación, Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling) se reencuentran por pura casualidad en el club de jazz de él. Lo que provoca un viaje nostálgico cuando Sebastián comienza a tocar su tema de amor en el piano. 

En ese instante, la película se sumerge en un deslumbrante epílogo de ballet clásico y colores vibrantes que reimagina una realidad alternativa. Una vida donde ambos sacrificaron sus ambiciones profesionales para permanecer juntos, casarse y formar una familia. Al terminar la melodía, la cruda realidad regresa; ambos han cumplido sus metas individuales, pero separados. 

De modo que, antes de que ella se marche del lugar con su actual esposo, Mia y Sebastian se miran a la distancia. Y finalmente, intercambian una sutil y cómplice sonrisa de agradecimiento, aceptando con madurez el precio de sus sueños. Un giro angustioso, doloroso y abrumador que ha convertido a este musical en una metáfora del amor trágico. 

Incendios (2010)

Aunque no es tan conocido como su trilogía Dune, este drama de Denis Villeneuve posee uno de los giros finales más devastadores del cine contemporáneo. Uno que incluso se ha equiparado a las grandes tragedias griegas. La película sigue a los gemelos Jeanne (Mélissa Désormeaux-Poulin) y Simon (Maxim Gaudette) en su viaje a Oriente Medio. Todo para cumplir la última voluntad de su madre fallecida, Nawal (Lubna Azabal). A saber, entregar dos cartas misteriosas a un padre que creían muerto y a un hermano que no sabían que existía. 

La desgarradora resolución entrelaza el horror de la guerra civil con los secretos familiares. Por lo que se revela que el brutal torturador que violó a Nawal en la prisión de Kfar Ryat es más que un criminal. Además, es el primer hijo que le fue arrebatado al nacer. Pero más retorcido todavía: el padre de los gemelos, engendrados debido a una violación. Por lo que el padre y el hermano perdido son exactamente el mismo monstruo. Lo que deja un cierre donde el perdón absoluto se alza como el único bálsamo posible ante una violencia destructiva.

Interestelar (2014)

Y otro final para llorar y sorprenderse de la mano de Christopher Nolan. Tras sacrificarse y entrar al horizonte de un agujero negro, Cooper (Matthew McConaughey) despierta en una estación espacial y logra reencontrarse con su hija, Murph. Como se recordará, el personaje abandonó la Tierra cuando esta era una niña pequeña. Debido a la implacable dilatación del tiempo provocada por la gravedad, Murph es ahora una anciana centenaria en su lecho de muerte. Incluso rodeada de sus propios descendientes, mientras que su padre se mantiene biológicamente joven. 

En lugar de forzar un reencuentro prolongado, la anciana le pide dulcemente a Cooper que se marche. Además, recordándole con sabiduría que ningún padre debería ver morir a sus hijos. La cinta culmina con Cooper robando una nave para viajar al rincón más remoto del cosmos en busca de Amelia Brand (Anne Hathaway). Lo que termina por demostrar que el amor es la única fuerza capaz de trascender las dimensiones del espacio y el tiempo.

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Clayface es un experimento arriesgado y uno que demuestra que el Universo de DC está intentando encontrar identidad propia. Por un lado, alejándose de la premisa más colorida y humorística del Universo Cinematográfico de Marvel. Al otro extremo, también de toda la estética, temas y planteamientos del cancelado DCU. Por lo que James Gunn y Peter Safran intentan no solo encontrar una forma madura, original y complicada de contar las historias de la editorial. También, una que rinda tributo a sus largos años de historia y su importancia en la cultura popular y el mundo del cine. 

Por ese motivo, la cinta de James Watkins parece continuar lo que Linternas comenzó con buen pie. Un tipo de premisa adulta, compleja y en este caso tenebrosa, que explore en el mítico universo de la editorial de una manera nueva. Una decisión que, además, trae al live-action a una figura lóbrega que ya es icónica en el mundo del cómic. Y la razón es obvia. Clayface es uno de los villanos más complejos de DC, caracterizado por su trágica transformación en un monstruo de barro maleable.

Aunque originalmente debutó en los cómics en 1940 como un asesino sin poderes sobrenaturales, el personaje evolucionó rápidamente. Todo, hasta convertirse en una masa cambiaformas capaz de imitar la apariencia, la voz y el ADN de cualquier persona. Un giro terrorífico que lo hace el candidato perfecto para la primera gran película de terror del estudio DC. 

Un personaje complicado llega al live-action

Pero además, se trata de una exploración en el universo que tiene enormes posibilidades. Después de todo, su naturaleza física lo convierte en un enemigo formidable para Batman. Eso debido a que no solo posee una fuerza física colosal, sino que también puede infiltrarse en cualquier lugar sin dejar rastro. Por ese motivo, entender su impacto antes de Clayface es fundamental; explorar varios elementos intrigantes que le rodean.

De su origen teatral, la variedad de identidades que han portado el nombre hasta el drama psicológico que define su existencia. Todo pasando por sus habilidades únicas de combate y su rol dual entre el heroísmo y la villanía en el universo de Gotham. Te dejamos cinco cosas esenciales que saber del personaje para disfrutar mejor la cinta. 

Una tortuosa historia de origen para ‘Clayface’

Si es la primera vez que escuchas sobre Clayface (además de sus variadas apariciones en el mundo animado de DC), te gustará saber esto. El Clayface original, Basil Karlo, era un actor de cine clásico. Uno además, que enloqueció al enterarse de que harían una nueva versión de su mayor película de terror sin él. Consumido por los celos y la desesperación, Karlo adoptó la identidad del asesino de la película, Clayface, para asesinar al elenco original. 

Por lo que, aunque al principio no tenía superpoderes, esta conexión con el mundo de la actuación y el teatro definió la esencia del personaje. Algo que Clayface refleja en mayor o menor medida. Más interesante todavía. La tragedia de Karlo radica en su obsesión con la identidad y el aplauso. Por lo que convierte su posterior transformación física en una extensión metafórica de su incapacidad para aceptar la realidad y su pérdida de relevancia. 

Aunque no es la misma historia, Clayface utiliza este trasfondo para explorar la locura de un artista dispuesto a destruir todo por recuperar su gloria. Que es, de hecho, el centro motor de la premisa de la cinta. Matt Hagen (Tom Rhys Harries), la nueva versión del personaje, deberá luchar para recuperar su rostro y su celebridad. Y lo hará a un altísimo precio que destruirá su vida, su cuerpo y su salud mental. 

¿Y quién es realmente ‘Clayface’?

A lo largo de la historia de DC, múltiples personajes han asumido el manto de Clayface. Lo que aporta diferentes matices al mito del villano y a su profundidad psicológica. Después de Basil Karlo, llegó Matt Hagen, quien obtuvo poderes moldeables al interactuar con un estanque de protoplasma radiactivo. Este, siendo la versión más popular y que forma parte de la serie animada de los 90. 

Más tarde aparecieron Preston Payne, cuyo toque derretía la carne ajena, y Lady Clay (Sondra Fuller). Esta última, poseedora de habilidades de imitación perfectas. Eventualmente, estos personajes unieron fuerzas en el cómic formando el Sindicato de Barro. Un retorcido equipo en que el propio Basil Karlo los manipuló para absorber sus muestras de sangre. Por lo que terminó mutando finalmente en la gigantesca y monstruosa criatura de lodo viviente que el público general reconoce hoy en día. 

De modo que, para crear una única historia de un personaje tan complejo, el guionista Mike Flanagan tomó una dirección interesante. La película toma como inspiración principal el aclamado episodio doble "Feat of Clay" de Batman: La serie animada (1992). Para construir la trama, el escritor mezcló los dos primeros rostros del villano en las viñetas. El nombre y la trágica adicción a una crema modeladora pertenecen a Matt Hagen (quien debutó en Detective Comics #298 en 1961 como un cazatesoros). Mientras que su trasfondo como un actor de Hollywood desfigurado se extrajo de la identidad de Basil Karlo, el Clayface original creado en 1940. 

Un héroe complicado para DC

El verdadero peligro de Clayface no radica en su fuerza bruta, sino en su impactante inestabilidad psicológica y su crisis de identidad constante. Al ser capaz de transformarse en cualquier persona, el villano suele perder la noción de quién es realmente. Por lo que olvida su rostro original y termina quedando atrapado en las mentes de los individuos a los que imita. 

Esta desconexión de la realidad le genera un sufrimiento interno profundo, convirtiéndolo en un monstruo trágico. Uno además, atrapado en un cuerpo que se derrite constantemente si no mantiene la concentración. Su mente fracturada lo hace un ser sumamente impredecible, capaz de pasar de una profunda melancolía a una ira destructiva en cuestión de segundos. Algo que añade una capa de horror psicológico a sus historias que va mucho más allá de un simple enfrentamiento físico con Batman.

¿Qué habilidades específicas tiene Clayface?

Las habilidades físicas de Clayface desafían las leyes de la biología y lo convierten en una pesadilla táctica para cualquier héroe. Al estar compuesto completamente de un barro denso y maleable, su cuerpo es inmune a los ataques físicos convencionales, como golpes o disparos. Los cuales simplemente lo atraviesan o quedan atrapados en su masa. 

Además, puede moldear sus extremidades para crear armas gigantescas como martillos, hachas o picos. Por lo que es capaz de sofocar a sus víctimas envolviéndolas por completo. Además, su destreza para imitar el ADN y las huellas dactilares le permite engañar a los sistemas de seguridad más avanzados del planeta. Lo cual, claro, le hace un villano no solo temible por todo lo que puede hacer, sino porque en determinadas condiciones es virtualmente imparable. 

Pero, si te lo estás preguntando, Clayface no es infalible ni tampoco invencible. Su única debilidad real suele ser el agua extrema, que diluye su forma. O en cualquier caso, las temperaturas extremadamente frías, que solidifican su cuerpo y le impiden moverse temporalmente. Algo que Clayface seguramente explorará en alguna parte de su trama. 

La redención de un villano temible

A pesar de su monstruosidad, Clayface ha tenido arcos de redención significativos, demostrando que no es un villano unidimensional. En etapas recientes de los cómics, particularmente en la iniciativa DC Rebirth. De hecho, en este último, Batman le ofrece a un arrepentido Basil Karlo la oportunidad de usar sus talentos para el bien. Por lo que lo integra formalmente en los Gotham Knights. 

Durante este período, Clayface lucha junto a la Batifamilia. Así que utiliza sus poderes de infiltración para salvar vidas y buscando desesperadamente una cura definitiva para su condición médica y mental. Este rol como antihéroe o aliado trágico añade una enorme riqueza narrativa al personaje. Un giro que probablemente veremos en el futuro cinematográfico de DC, ahora que Clayface ya es parte oficial del universo cinematográfico de la editorial. 

Seguir leyendo: 5 cosas que deberías saber de ‘Clayface’ antes de ver la película de DC

Clayface es una película de terror a toda regla. Y una, que hace un especial buen uso del body horror en los momentos correctos. No obstante, poco o nada tiene que ver con el Universo DC en construcción y ese es su gran problema. De hecho, esta película (basada en el clásico personaje con guion de Mike Flanagan) fácilmente podría ser solo una pequeña obra de autor del género. No en vano, su director, James Watkins, crea algunas secuencias escalofriantes y ciertamente deslumbrantes, que combinan efectos prácticos con digitales. A la vez, trabaja en una atmósfera cuidadosa y bien lograda, que profundiza en la oscura psicología de su personaje.

Pero el problema radica en que Clayface no se parece ni en tono ni en forma al resto del universo al que pertenece. Por lo que, a pesar de ser inquietante, repugnante y, a grandes rasgos, terrorífica, peca de genérica. Y lo es, porque el Tom Haggen de Tom Rhys Harries podría ser cualquier personaje atormentado de la reciente ola de terror gore. Mucho más, analizar los rigores del fracaso, el dolor y el miedo desde la popular perspectiva del terror elevado. Solo que la película se queda a medias en integrar todas esas evidentes bondades en la historia de origen de un villano comiquero. Uno además, cuyo enemigo tradicional es Batman.

Pero de esa conexión, hay poco o nada en toda la trama. Mientras Matt Hagen se convierte lentamente en un monstruo, en escenas a mayor gloria de Cronenberg, la cinta pierde la personalidad. En específico, porque la trama parece carecer de objetivo al narrar este relato tortuoso de caída a los infiernos, a la que parece faltarle una pieza. Más preocupante todavía, toda la película parece desvinculada, sin la menor línea de unión con Superman, o en cualquier caso, The Batman. Incluso, parece desligada por completo de la terrenal Linternas, con la que podría compartir tono y subtexto tétrico. Pero tampoco lo hace. 

‘Clayface’, un villano trágico

El punto más alto de la cinta es, sin duda, el propio Matt Hagen. En particular, porque el personaje es interpretado con el tono de un villano cada vez más retorcido por Tom Rhys Harries. El actor logra captar la caída en desgracia de la maligna figura, sin exagerar ni llegar a la caricaturización. Más interesante todavía, logra hacer creíble su desplome. De ser una estrella naciente que sobrevive al mítico The Narrows de Gotham City, Matt se transforma progresivamente en una criatura fatídica. Y la cinta sigue esa transformación paso a paso, recreándose en la forma como el rostro y el cuerpo del personaje se convierten en territorio de pesadilla. 

Lo más desconcertante de la cinta es que el contraste entre el antes y el después de Matt ocurre casi de manera súbita. Durante los primeros 15 minutos de la película, el personaje triunfa y se convierte en una luminaria. Solo para terminar siendo destrozado por el mafioso Markus Szabo (David Dencik), en un ajuste de cuentas motivado por celos. La película no se esfuerza en mostrar esa ruptura, sino que directamente Matt encuentra la tragedia en una escena sin mayor trascendencia. Y es parte de esa incapacidad para profundizar lo que juega en contra de Clayface como premisa. 

En específico, porque no logra que la tragedia que envuelve a Matt resulte de verdadero interés. Todo por el simple motivo de que el guion no indaga en su personaje como para que resulte interesante o al menos cercano. En lugar de eso, la rápida transición entre ser estrella reconocida a figura desfigurada en una cama sabe a poco e importa menos. Mucho más, cuando la película utilizará todo el tiempo restante en construir una historia de horror a través del dolor de Matt. Pero no emocional. Tampoco en la forma astuta en que la sustancia jugó con el miedo a envejecer de sus personajes para hacer el terror incómodo. 

En lugar de eso, Clayface pasa demasiado tiempo indagando en la maldad inherente al ser humano, sin otro motivo que el horror de Matt al perderlo todo. El guion muestra la degradación rápida del villano en una serie de pasos hacia el horror de la humillación. Matt pierde el empleo, termina en una habitación repleta de cucarachas, pero no hace lo mismo por su psiquis. Por lo que pasa muy por encima de lo que puede hacer semejante situación en la mente de cualquiera. Un error que le costará caro a la película cuando exija entender cada decisión cuando Matt intente recuperar lo perdido como sea. 

Un error que costará caro a un villano de Gotham

Todo se vuelve peor cuando Matt parece dar con la solución a sus dilemas. Lo que implica ponerse en manos de la doctora Catelyn Corr (Naomi Ackie) y su cuestionable terapia celular. La película resuelve mal y de manera simple la decisión de Corr de ayudar y, de inmediato, Matt parece recuperar su rostro. Solo que, en realidad, la fórmula de la doctora termina por tener un efecto atroz. Uno que convierte el rostro de Matt en una máscara que se derrite y se deforma de manera aleatoria. Mucho peor, transforma su cuerpo en una sustancia maleable que cambia según sus emociones y, en última instancia, su horror. 

Hasta este punto, Clayface logra sostener todo su vigor en la sensación de que todo lo que rodea a Matt empeorará a no tardar. ¿Qué es exactamente lo que ocurre cuando el personaje decide comenzar una travesía de venganza? Cada vez más repugnante, asquerosa y arriesgada, Clayface parece encontrar su punto más alto pronto. La de mostrar todas las habilidades de Matt, todo lo que su cuerpo retorcido y su rostro terrorífico es capaz de hacer. Mucho más, la promesa de que este monstruo furioso llegará pronto a un punto de no retorno que arrasará con Gotham por completo.

Pero en realidad, no ocurre nada de eso. Salvo tres o cuatro escenas realmente espectaculares, la cinta peca de genérica y de depender demasiado del impacto frontal. De resto, la batalla por la venganza se vuelve confusa porque la cinta nunca aclara del todo si Matt, en medio de su orgía de sangre, enloqueció. O que en realidad, toda su furia es una metáfora latente del mal en toda su extensión. Por lo que el argumento carece de toda profundidad, flota en mitad de escenas impactantes y, al final, naufraga en intrascendencia. 

Dos películas en una en ‘Clayface’

Para su último tramo, Clayface parece dos películas en una. Por un lado, una mezcla audaz, pero deficiente y menor de La Mosca, La sustancia e incluso la saga Saw. De esta última, hereda su tono sucio, truculento y cada vez más sangriento. Por el otro, la historia de origen de uno de los exóticos personajes de Gotham, prácticamente la única referencia de la cinta al universo de Batman.

Ese lado caricaturesco y un poco menos retorcido es justamente el lado más flojo de la cinta. Sobre todo porque, al no haber conexiones con el universo DC, pareciera que la relación es solo incidental. Clayface pudiera ser la historia del archienemigo de Batman o solo la de un hombre cualquiera aterrorizado por su destino. Y esa falta de impulso, objetivo e identidad es justamente el elemento más genérico y poco atractivo de la película. Un giro lamentable para una película que más de una vez muestra todo lo que podía dar y se queda a medias. 

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Si usas un PC con múltiples pantallas, seguramente has “perdido” el puntero del mouse en más de una oportunidad. Es bastante normal desorientarse al saltar de un monitor a otro y no encontrar la flecha del ratón, lo mismo al regresar al ordenador tras un momento de descanso. Lo que muchos no saben es que Windows tiene una función llamada Buscar mi mouse que hace que recuperar el puntero sea mucho más sencillo. Y lo único que necesitas es tener PowerToys instalado.

Como ya hemos explicado en otras oportunidades, PowerToys es el equivalente a una navaja suiza, pero de software. Se trata de una aplicación oficial de Microsoft que permite añadir un sinfín de funciones que no están disponibles de forma nativa en Windows, siendo Buscar mi mouse una de las más útiles y gratificantes.

Seguramente ya te imaginas de qué va esta característica. Al activar Buscar mi mouse en PowerToys, puedes usar un comando para disparar un indicador gráfico de dónde está el puntero del ratón. Así, si tienes un setup con varias pantallas, puedes evitarte un momento de frustración al tratar de encontrar dónde está la flecha.

Para invocar Buscar mi mouse en Windows se pueden configurar distintas opciones. La que llega definida por defecto es pulsar dos veces el botón Ctrl izquierdo. Sin embargo, se puede cambiar de forma fácil. Las alternativas disponibles son agitar el ratón, pulsar dos veces la tecla Ctrl derecha o establecer un atajo de teclado específico.

Cómo activar Buscar mi mouse en Windows a través de PowerToys

Lo primero que tienes que corroborar es tener instalado PowerToys en tu ordenador con Windows. Si todavía no lo has descargado, puedes hacerlo desde la web oficial. Posteriormente, ingresa en la aplicación y dirígete al panel izquierdo. Navega hacia Entrada y salida > Utilidades del mouse.

Una vez allí, encontrarás distintas herramientas entre las que se encuentra Buscar mi mouse. Actívala y define el comando de ejecución, y listo. En adelante, cada vez que necesites encontrar el puntero del ratón en cualquiera de tus pantallas, solo tienes que ejecutar el comando y verás que el software resalta su ubicación con un círculo imposible de no ver.

A primera vista puede parecer algo menor, pero si a diario trabajos con dos o tres monitores en Windows, verás que Buscar mi mouse es una herramienta salvadora. Y no olvides que PowerToys te da un sinfín de otras utilidades a las que seguramente también le sacarás provecho con facilidad; entre tantas, la que permite previsualizar el contenido de cualquier documento o archivo sin tener que abrirlo con su aplicación predeterminada.

Seguir leyendo: Con este simple truco de Windows, olvídate de volver a “perder” el puntero del mouse

Cuando subes un archivo a la nube o compartes tus fotografías y vídeos, lo que estás haciendo es enviar ese contenido de tu ordenador o teléfono móvil a un servidor a kilómetros de distancia. Y un servidor no es más que una máquina conectada las 24 horas. Es práctico y cómodo. Pero puede que te preocupe que tus documentos y recuerdos personales estén vete a saber dónde. ¿Por qué no montar tu nube privada en casa? Las computadoras actuales son suficientemente potentes para hacer de servidores. Incluso te sirve un PC antiguo o en desuso. O un miniPC o un NAS. Con Umbrel y su sistema operativo umbrelOS, es pan comido.

Para poner en marcha un servidor en casa necesitas dos cosas: una buena conexión a internet, rápida y estable, y una máquina conectada todo el día, con espacio de almacenamiento suficiente y capacidad de procesamiento. Con un PC de sobremesa tienes más que suficiente si vas a usarlo tú mismo y, tal vez, amigos y familiares. Aunque hay opciones igual o más económicas y que ocupan menos espacio. 

Además, por la parte del software, existen multitud de proyectos que facilitan la labor. Un NAS tradicional te lo da todo listo para funcionar desde el primer minuto. Pero hay sistemas operativos como TrueNAS u OpenMediaVault que sirven para convertir cualquier ordenador en un servidor dedicado a cualquier tarea. Otro ejemplo es Umbrel, que además de ofrecer sus propias máquinas NAS, te permite descargar e instalar su sistema operativo umbrelOS. Y así configurar tu nube privada en casa a medida y con los servicios que necesites gracias a sus centenares de aplicaciones disponibles. Vamos a echarle un vistazo.

Qué es Umbrel y para qué sirve

Umbrel es una empresa que distribuye su propio sistema operativo para servidores caseros, que podemos llamar Umbrel o umbrelOS. Tiene página oficial y también repositorio en GitHub. Y te ofrece dos opciones: poner tú una máquina u ordenador que haga de servidor o comprar uno de sus modelos, a elegir entre Umbrel Home y Umbrel Pro, según la potencia y espacio que necesites.

La segunda opción tiene un precio, ya que estás comprando un ordenador en miniatura con su procesador, RAM y almacenamiento. Pero, a cambio, solo tienes que conectarlo a la corriente y a tu router y ya está listo para funcionar. Como ocurre con otros NAS de fabricantes como Synology, QNAP, UGREEN y otras marcas.

Pero lo que nos interesa en este artículo es la posibilidad de reconvertir tu viejo ordenador o tu computadora principal en una nube privada en casa. Incluso puedes usar un miniPC más económico o un Raspberry Pi. Los requisitos son muy modestos, como veremos luego, y su sistema operativo es gratuito y fácil de instalar.

Qué puedes hacer con Umbrel exactamente

Por si el concepto de nube privada en casa es demasiado genérico, de lo que se trata es de sustituir prácticamente todos los servicios, aplicaciones y plataformas que utilizas actualmente por tus alternativas, instaladas en tu propia máquina, con tus normas y configuración personalizada. Y con su tienda de apps con más de 300 aplicaciones es un buen ejemplo de todo lo que puedes hacer:

• Guardar, acceder y compartir archivos, documentos, fotos y vídeos.
• Montar tu propio servidor multimedia para ver series y películas en tu televisor.
• Y obtener nuevo contenido para ese servidor de manera prácticamente automatizada.
• Asegurar tu red local de entradas externas.
• Bloquear publicidad, malware y demás elementos en tu conexión.
• Ejecutar modelos y agentes de IA en modo local.
• Trabajar con PDF, documentos y archivos en tu propia nube.
• Montar tu propio servidor de correo electrónico o mensajería instantánea.
• Configurar tu propio servidor para controlar tu hogar inteligente.
• Y un largo etcétera.

Qué ordenador necesitas para instalar Umbrel

Un servidor profesional que atiende centenares o miles de peticiones debe ser una máquina potente y, claro está, bastante cara. Pero hablamos de una nube privada en casa. Así que no necesitas gastar mucho. Estos son los requisitos que pide Umbrel para instalar su software umbrelOS en tu ordenador:

Requisitos mínimos de umbrelOS:

• Procesador Dual-core Intel o AMD de 64 bits.
• 4 GB de RAM.
• 32 GB para umbrelOS.
• Arranque UEFI con Secure Boot desactivado.
• Conexión al router por Ethernet para la configuración inicial.

Requisitos recomendados de umbrelOS:

• Procesador Quad-core o superior.
• 8 GB de RAM o más.
• Almacenamiento SSD.
• Arranque UEFI, sin CSM/Legacy.
• Conexión al router por Ethernet permanente, aunque admite Wi-Fi.

Cuando vayas a descargar umbrelOS para instalarlo en tu ordenador, verás que te da a elegir qué tipo de máquina vas a convertir en tu nube privada en casa: 

• Un mini PC, o cualquier sobremesa o portátil.
• Un NAS con procesador Intel o AMD.
• Un AI PC u ordenador con tarjeta gráfica.
• Un Raspberry Pi (modelo Pi 4 o Pi 5).
• Una máquina virtual. 

Esta última opción es ideal para probar umbrelOS sin tocar nada de tu ordenador. Y si te gusta, puedes seguir usando este software desde la máquina virtual. Las instrucciones de instalación te ayudarán a configurarlo sin problemas con VirtualBox, VMware o KVM. 

Cómo acceder a Umbrel desde otro dispositivo

Como ocurre con la gran mayoría de dispositivos tipo NAS, una vez puesto en marcha, para acceder al sistema operativo basta con abrir el navegador web e introducir la dirección local del dispositivo. En esta ocasión, para acceder al ordenador donde instalaste Umbrel, tendrás que introducir la dirección http://umbrel.local y nada más. Verás que se abre un escritorio al uso con iconos y ventanas. Este enlace sirve para cualquier dispositivo conectado a tu red local. Es decir, teléfono, tableta, televisor u ordenador. Solo necesitas un navegador web y estar conectado al mismo router. 

En el momento de escribir esto, todavía no hay aplicaciones propias para acceder a Umbrel desde un Android o desde Windows si no te gusta la opción del navegador web. Sí hay una app para macOS. Y otra para iOS, aunque de momento está en pruebas.

Otro detalle a tener en cuenta es que puedes crear usuarios para compartir el acceso a tu servidor casero. Tú serás el usuario administrador y, podrás dar al resto permisos a ciertas aplicaciones, carpetas o archivos.

Y si quieres acceder a Umbrel desde fuera de tu red local, por ejemplo desde el trabajo o desde casa de unos parientes o amigos, puedes hacerlo de forma segura utilizando la aplicación Tailscale. Esta app permite conectar dispositivos de forma segura, ya sea un PC, Mac, un teléfono o una tableta. 

Cómo instalar y usar las apps de la tienda

Una de las principales bazas para decidirte por Umbrel o umbrelOS es que tiene una tienda con más de 300 aplicaciones tan populares en el mundillo de los servidores caseros como Pi-hole, Immich, Jellyfin, OpenClaw, Tailscale, Nextcloud, Seerr, Transmission y tantas otras. En vez de instalar estas aplicaciones en tu ordenador por separado, puedes tenerlas todas reunidas en un mismo sistema operativo que las gestione desde su propia tienda.

Así, instalar cada app es tan simple como abrir la Umbrel App Store desde el navegador web y elegir qué aplicación instalar. Cada una tiene su propia ficha técnica con descripción e información práctica. Pulsa en el botón Instalar y listo. Si necesitas configurar algo, el asistente de lo dirá. Por ejemplo, instalar software adicional, lo que se conoce como dependencias. O elegir en qué carpetas vas a guardar los contenidos asociados a esa app. 

¿Y si no encuentras la aplicación que necesitas para tu nube privada en casa? No hay problema. Según la documentación oficial, si falta una app, instala la aplicación Portainer desde la tienda. Sirve para lanzar contenedores Docker. Una manera práctica de instalar aplicaciones. O, si lo deseas, puedes pedir que añadan esa app a la lista.

Una vez instaladas las aplicaciones, umbrelOS las abre automáticamente cada vez que inicia sesión. Si no las vas a necesitas temporalmente, puedes pararlas o desinstalarlas desde su menú contextual al hacer clic derecho en su icono. Y si te dan problemas, puedes reiniciarlas desde el mismo menú.

Seguir leyendo: Crear tu propia nube privada en casa con Umbrel: gratis, en tu viejo PC y con tienda de apps

Microsoft continúa ajustando su estrategia de inteligencia artificial en Windows 11. A unos meses de prometer cambios estructurales, el gigante tecnológico confirmó que retirará varias acciones de Copilot integradas en el Explorador de archivos. La compañía no se olvidará por completo de su asistente, ya que seguirá reforzándolo en otras áreas que ofrezcan un valor claro a los usuarios.

Según recoge Windows Latest, Microsoft eliminará ocho funciones de Copilot que están disponibles desde el menú contextual del Explorador de archivos. Cuando hagas clic derecho, ya no podrás acceder a las opciones para resumir documentos, comparar archivos, extraer texto o explicar el contenido de una imagen. Estas funciones estaban vinculadas a OneDrive y los servicios de Copilot y desaparecerán a partir de diciembre de 2026.

“Estamos simplificando cómo la gente usa Copilot con sus archivos de OneDrive en el Explorador de archivos”, dijo la compañía en una actualización del Centro de Administración de Microsoft. “Los usuarios pueden seguir trabajando con sus archivos de OneDrive en Copilot desde un lugar central, haciendo clic derecho en un archivo y seleccionando Preguntar a Copilot, o pasando el cursor sobre un archivo en el Explorador de Archivos Inicio y seleccionando el icono de Copilot.”

Las acciones de Copilot no desaparecerán por completo, ya que seguirán disponibles en el centro de actividades de OneDrive.

¿Qué funciones de Copilot desaparecen del Explorador de archivos?

Las funciones de Copilot que se eliminarán del menú contextual del Explorador de archivos se encuentran dentro de la categoría OneDrive. Cuando haces clic derecho en un archivo, el menú muestra varias funciones de IA para OneDrive que cambian en función del tipo de contenido. Estas son:

• Resumir
• Crear FAQ
• Comparar archivos
• Hacer una pregunta
• Explicar imagen
• Explicar imágenes
• Comparar imágenes
• Extraer texto

Si nunca has visto estas funciones, es porque no tienes instalado OneDrive o desinstalaste la app de Copilot para Windows 11. En caso de que las utilices, solo tendrás unas cuantas semanas antes de que Microsoft las elimine del menú contextual. La compañía confirmó que el retiro comenzará a mediados de noviembre y se completará en diciembre de 2026.

La retirada de Copilot en el Explorador de archivos es una nueva fase del plan de Microsoft para reducir la presencia de la IA en el sistema operativo. Si hacemos memoria, el jefe de Windows, Pavan Davuluri, prometió hace unos meses que se enfocarían en mejorar el rendimiento y la experiencia de uso. El directivo tuvo que dar marcha atrás a una estrategia con la que buscaba convertir a Windows 11 en un sistema impulsado por agentes, una propuesta que recibió un rechazo inmediato de miles de usuarios inconformes.

Microsoft no eliminará del todo la IA en Windows 11

Desde marzo de este año, Microsoft ha eliminado las integraciones de Copilot en Recortes, Fotos, Bloc de notas y los Widgets. Xbox también dio marcha atrás a otras funciones que se apoyarían en la IA para mejorar las sesiones de juego, las cuales nunca ganaron el apoyo necesario.

Pese a ello, la compañía sigue firme en su objetivo de convertir a Windows 11 en un sistema para el trabajo con agentes de inteligencia artificial. La prueba más reciente fue el evento de Surface, en donde se confirmaron los primeros ordenadores con el chip RTX Spark de NVIDIA. Las dos compañías impulsarán los portátiles con estos procesadores que permiten ejecutar modelos de lenguaje directamente en el dispositivo, algo que Qualcomm prometió hace dos años con los Copilot+ PC y que nunca terminaron de cuajar.

Seguir leyendo: Microsoft recula con la IA en Windows 11 y retira 8 funciones de Copilot

Netflix intentó licenciar en exclusiva las propiedades intelectuales de Xbox para desarrollar series y películas originales, pero el acuerdo finalmente no llegó a buen puerto. Según reporta Puck, la plataforma de streaming ofreció 500 millones de dólares para firmar un acuerdo de 7 años con la división de gaming de Microsoft.

Al parecer no habría un único motivo detrás de las negociaciones caídas entre Netflix y Xbox. Respecto de lo estrictamente económico, la propuesta no habría terminado de contentar a los de Redmond, quienes supuestamente presentaron una contraoferta bastante más onerosa.

De acuerdo con el citado medio, los de Asha Sharma habrían pedido 800 millones de dólares para licenciar las propiedades intelectuales de Xbox. No se sabe si el calibre de la cifra terminó por espantar a Netflix, pero lo cierto es que la propuesta original terminó en la basura.

El otro condicionante que habría afectado la posible concreción del acuerdo sería el despido de Bela Bajaria de Netflix. La exjefa global de contenidos de la plataforma estuvo entre los empleados impactados por la reciente eliminación del 6 % del staff. El informe cita que el acercamiento de Netflix a Xbox fue idea de Bajaria, y que cuando los de Redmond presentaron su contraoferta la ejecutiva ya no era parte de la empresa.

Netflix quiso licenciar las IP de Xbox para películas y series

Todavía no se sabe cómo podría haber afectado un potencial acuerdo entre Netflix y Xbox a otras producciones basadas en juegos de la firma de Redmond. En el caso de Halo, no hubiese habido demasiados inconvenientes porque la producción de Paramount+ se canceló hace más de dos años, tras dos temporadas.

Distinta podría haber sido la historia con Fallout, uno de los títulos insignia de Prime Video cuyo desarrollo todavía está vigente tras las primeras (y muy exitosas) dos temporadas. Lo mismo con Una película de Minecraft, cuya secuela ya está confirmada. Claro que esto es mera especulación.

Pese a que este acuerdo de exclusividad no ha prosperado, ya existe una colaboración previa entre Netflix y Xbox para crear series originales. Tales los casos de Minecraft y Diablo, que en ambos casos serán adaptadas al formato animado. Desde la plataforma de streaming no ofrecieron comentarios al reporte de Puck, aunque sí lo hicieron desde la división de gaming de Microsoft.

Xbox no confirmó ni desmintió la oferta, pero sí remarcó que ha recibido un "interés sin precedentes" por sus propiedades intelectuales. Asimismo, calificó a Netflix como un "socio muy valioso". La publicación incluso menciona que la idea de los de Sharma es perseguir acuerdos más chicos con socios variados, en lugar de concentrar todo en una megatransacción.

Seguir leyendo: Netflix quería pagar una fortuna para hacer series y películas de juegos de Xbox: por qué no prosperó

Sony ha puesto punto final a una de las categorías de dispositivos que ayudó a popularizar durante las últimas dos décadas. La compañía japonesa confirmó que dejará de fabricar el UBP-X700/K, su último reproductor Blu-ray Ultra HD que todavía se vendía en Japón. Con ello, Sony saldrá del mercado de reproductores dedicados, una jugada que forma parte de una estrategia para alejarse del formato físico.

Según recoge FlatpanelsHD, el UBP-X700/K dejó de distribuirse el 22 de octubre de 2026 y desaparecerá una vez que se agoten todas las unidades. Este modelo llegó como una actualización del UBP-X700 y era compatible con discos Ultra HD Blu-ray, HDR10, Dolby Vision, Dolby Atmos y DTS:X. Sony no ha revelado si habrá un sucesor, pero todo indica que no ocurrirá, puesto que la compañía ha dejado de invertir en este tipo de reproductores debido al auge del formato digital.

Hace más de un año que la japonesa anunció que dejaría de fabricar discos Blu-ray grabables y que no tenía planes de un nuevo formato. Aunque Sony aclaró que la medida solo se aplicaría a los discos vírgenes y no a las películas o videojuegos, la realidad es que la empresa ya tenía planes de alejarse de este negocio. En junio de este año, PlayStation dio la estocada final al formato físico al anunciar que ya no lanzarían juegos en disco a partir de 2028, generando rechazo por una buena parte de la comunidad de jugadores.

En el caso de los reproductores de películas, Sony también ha dejado sin opciones a los entusiastas. Al discontinuar el UBP-X700/K, la PlayStation 5 será la única alternativa para reproducir discos Ultra HD Blu-ray, aunque sin compatibilidad con Dolby Vision.

Sony se aleja del Blu-ray y el formato físico

El fin del UBP-X700/K podría pasar desapercibido para las nuevas generaciones que crecieron con Instagram y Netflix, pero para el resto no. Sony fue una de las principales impulsoras del formato Blu-ray y participó activamente en el desarrollo de Ultra HD Blu-ray.

Aunque el Blu-ray llegó al mercado en junio del 2006, este formato no se convirtió en el sucesor inmediato del DVD. En esos tiempos existía una batalla entre el Blu-ray y el HD DVD para definir cuál sería el formato que ofrecía la mejor experiencia para los videos en HD. Empresas como Sony, Panasonic y Philips apoyaban al Blu-ray, mientras que Toshiba, NEC y Sanyo impulsaban el HD-DVD. La misma Microsoft apoyó a este último con un reproductor externo para la Xbox 360.

Al final, el Blu-ray ganó gracias al apoyo de los grandes estudios de Hollywood y a sus capacidades tecnológicas y. Sony fue una de las compañías que más se benefició, ya que la PS3 incluía un reproductor compatible con juegos y películas de este formato, algo similar a lo que ocurrió con el DVD en tiempos de la PS2. Tras dos décadas de dominar en el mercado, ahora Sony dice adiós porque las descargas digitales y el streaming se han comido el mercado.

Con con la salida de Sony, Panasonic quedará como la única que ofrece una alternativa para quienes desean montar un cine en casa. También existen Magnetar o Pannde, aunque estos van dirigidos a quienes no tienen problemas en pagar más de 2500 euros por un reproductor de Blu-ray.

Seguir leyendo: Sony abandona su último reproductor Blu-ray y se despide del formato físico

Mucho ojo con la actualización a One UI 9 y Android 17 en tu móvil Samsung. Usuarios de los Galaxy S24 y S25 reportan drásticos problemas con la duración de la batería tras instalarla, lo que da a entender que un bug en el nuevo software podría ser la causa detrás de este fallo.

Según recoge Android Authority, los casos de usuarios impactados por esta situación se han replicado con rapidez tanto en Reddit como en foros dedicados a dispositivos de Samsung. Por lo pronto, la firma coreana no se ha pronunciado respecto de lo que está sucediendo, aunque considerando la gravedad de algunas situaciones no sería raro que ya lo esté investigando.

Los problemas de batería tras instalar One UI 9 no se limita a los Galaxy S24 y S25 base. También hay reportes de situaciones similares en las versiones Plus y Ultra de los dispositivos en cuestión.

Uno de los casos más notorios es el de un usuario del Galaxy S24, cuya autonomía se degradó notoriamente tras instalar One UI 9. En una captura de pantalla se observa que tras cargar el móvil al 100 %, la batería se descargó hasta el 5 % en solo 5 horas y 2 minutos. Del total, el tiempo con la pantalla activada fue de 3 horas y 15 minutos.

One UI 9 estaría drenando la batería de los Galaxy S24 y S25

Que los Galaxy S24 y S25 se queden sin batería en un puñado de horas tras instalar One UI 9 es, sin dudas, una enorme molestia. No solo porque obliga a los usuarios a recargar el móvil de forma continua, sino también porque la actualización que llega junto con Android 17 era muy esperada.

Todavía no se sabe qué fallo puede estar provocando que los móviles de Samsung tengan una autonomía prácticamente nula. De todas maneras, la repetición de los incidentes en foros y Reddit da a entender que no es un problema que esté golpeando a un número ínfimo de personas.

Más allá del caso extremo del Galaxy S24 que vacía su batería en solamente 5 horas, otros reportes menos drásticos también mencionan un marcado incremento en el consumo de energía con la pantalla apagada tras instalar One UI 9. Un usuario incluso ha aseverado tener que cargar su móvil unas 4 o 5 veces al día para llegar hasta el final de la jornada.

Considerando que Samsung está desplegando One UI 9 a un gran número de dispositivos, incluyendo los de la serie Galaxy A, es lógico pensar que una solución a este problema no debería demorarse demasiado. Estaremos atentos a cualquier novedad en tal sentido.

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Lepas acaba de presentar su nuevo concept car. Se llama Aura, y para la compañía representa el futuro en el que se inspirarán los modelos que lleguen más adelante. De momento, como decimos, es un concepto, por lo que no está previsto que llegue al mercado, ni ahora, ni más adelante.

Lo que la compañía ha querido mostrar con el Lepas Aurora es lo que será el futuro de las líneas de diseño de sus futuros modelos, que parte de una evolución del lenguaje de diseño Leopard Aesthetics, con unas proporciones inspiradas en el leopardo, superficies fluidas y una firma lumínica.

En este sentido, el nuevo Lepas Aura estrena una nueva filosofía llamada “Natural Energy”, una suerte de reinterpretación de la elegancia, y anticipa los elementos que servirán de inspiración para la próxima generación de vehículos de la marca, algo que se puede ver en sus acabados, como los faros, los asientos o el diseño de su parrilla delantera.

Destacan, además, otros elementos característicos, como la larga distancia entre ejes, los voladizos cortos y la postura ancha. Lepas dice que todos estos elementos del aura se inspiran en el movimiento y la musculatura de un leopardo, los canales de aire.
Integrados combinan fuerza visual y funcionalidad aerodinámica.

Como decimos, presenta una nueva parrilla frontal, combinando esta última con las tomas de aire laterales a lo largo de una superficie negra de líneas limpias, rematado el conjunto con los característicos faros Leopard.

Según Lepas, esta identidad visual tendrá continuidad en los futuros modelos de la compañía, por lo que apuestan fuerte por estas líneas suaves pero muy definidas que hacen del Aura uno de los modelos más bonitos de la marca, pese a ser un concept car. Y que además vienen cargados de personalización mediante pantallas delanteras y traseras capaces de incorporar gráficos, efectos de iluminación y animaciones a medida.

El Aura está disponible, como concepto, en tres colores exteriores: Dawn Pearl, Bacalar Blue y Provence Twilight, que según Lepas se inspiran en paisajes naturales y abarcan desde los tonos suaves del amanecer hasta los matices profundos del crepúsculo.

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Tom Skerritt, uno de los actores más prolíficos y reconocibles de Hollywood, dueño de una carrera que se extendió por más de 60 años, ha fallecido a los 93 años. El actor es especialmente recordado por sus roles en películas como M*A*S*H (1970), Alien (1979), Top Gun (1986), The Rookie (1990) y El río de la vida (1992), por solo citar algunos títulos de su extensa filmografía.

Según reporta Variety, Tom Skerritt falleció por causas naturales. Su deceso se produjo ayer, 21 de octubre, pero recién en la jornada de hoy se hizo público. El intérprete tuvo cinco hijos producto de tres matrimonios diferentes.

La carrera de Tom Skerritt no solo incluyó un gran número de películas, sino que sus trabajos en televisión fueron también muy destacados. En los años sesenta y setenta interpretó a múltiples personajes en títulos como Combat!, The Virginian, Death Valley Days, 12 O'Clock High, Gunsmoke y The FBI.

Sin embargo, su rol televisivo más conocido y recordado fue el del Sheriff Jimmy Brock en Picket Fences (1992 a 1996). Su trabajo en dicha serie le valió un Premio Emmy y dos nominaciones a los Globos de Oro.

Muere Tom Skerritt, un ícono del cine y la TV

Claro que los roles que lo hicieron mundialmente famoso estuvieron en el cine. Alien fue el primer gran papel que le dio reconocimiento internacional a Tom Skerritt, interpretando a Arthur Dallas, capitán del Nostromo. Otro papel icónico le llegó en 1986, de la mano de Top Gun, cuando dio vida al comandante Mike Metcalf, alias Viper.

En los años 90 y 2000 continuó trabajando en cine y TV con gran asiduidad, apareciendo en títulos como The Rookie, El río de la vida, Contacto, The West Wing, La ley y el orden: UVE, Brothers & Sisters, y muchos más.

Tom Skerritt se mantuvo activo como actor a pesar de su edad avanzada. Su último crédito en televisión fue en 2022 con Going Home, una serie emitida en la plataforma cristiana Pureflix. En tanto que su última aparición en una película fue en 2025 con el western Broke, protagonizado por Wyatt Russell y Dennis Quaid. No obstante, dicho título no se lanzó en cines, sino debutó directamente en Netflix.

Más allá de su vasta filmografía en películas y series, Tom Skerritt también tuvo un par de participaciones en el mundo de los videojuegos. En 2005 prestó su voz a Gun, un western de acción que desarrolló Neversoft y publicó Activision. En tanto que en 2014 volvió a interpretar al capitán Dallas en Alien: Isolation, de SEGA.

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