Si amas la ciencia ficción, lo sabes. El cine distópico traduce las ansiedades colectivas, proyectando futuros sombríos que nacen de los lugares más oscuros del presente. Lejos de ser meras fantasías escapistas, el lado más tenebroso del género desmantela la promesa del progreso humano para advertirnos sobre horrores. Del autoritarismo, el colapso ambiental y la deshumanización tecnológica. Lo cierto es que el subgénero ha logrado captar, a través de los años, un recorrido por todos los peores escenarios. En especial, los que pueden esperar al mundo a décadas de distancia.

A través de la distopía, directores de diversas épocas han materializado los miedos de sus respectivas generaciones. Desde el control absoluto del pensamiento hasta la pérdida de la individualidad en megaurbes mecanizadas. La distopía cinematográfica no busca adivinar el futuro. En lugar de eso, su verdadero propósito es incomodarnos hoy. A la vez, recordándonos que las semillas de la tiranía y la autodestrucción ya están plantadas en el tejido social contemporáneo. 

Quizás por ese motivo, el milenio y el siglo XXI se asumieron como un límite remoto para narrar los horrores del porvenir. Pero, por curioso que parezca, el tiempo ha transcurrido, sobrepasando las previsiones de las más famosas distopías. Para explorar en este singular fenómeno, te dejamos 7 distopías ambientadas en un futuro que ocurre antes del año 2026. De un clásico animado a una trilogía generacional. Todo para explorar en un giro singular que puede mostrar la evolución de la ciencia ficción contemporánea. 

Akira

Un caso curioso de una distopía que se quedó atrás en el tiempo es el de esta legendaria película de animación japonesa. Dirigida por Katsuhiro Otomo, Akira se sitúa en el año 2019. Por lo que la trama imagina un futuro retorcido y extravagante. En especial, en Neo-Tokio, una metrópolis reconstruida tras una misteriosa explosión que destruyó la ciudad original en 1988. En este futuro, la juventud vive frustrada; hay protestas violentas contra el gobierno corrupto. Pero lo más inquietante es el giro que relata cómo el ejército experimenta en secreto con niños que poseen poderes mentales extraordinarios. 

¿Un dato curioso? A pesar de que el 2019 real no tuvo una destrucción apocalíptica ni chicos con telequinesis dominando Tokio, la película predijo algunas cosas. Por ejemplo, la obsesión por la tecnología de control, las tensiones sociales urbanas y la cultura de pandillas en motocicletas. 

Cuando el destino nos alcance

Otra distopía rezagada y anacrónica es esta obra espeluznante dirigida por Richard Fleischer y ambientada en el año 2022. La historia cuenta un futuro completamente sobrepoblado. Y además, detalla un planeta agotado por el cambio climático y sufriendo una escasez extrema de alimentos naturales. La mayor parte de la población mundial sobrevive gracias a unas raciones sintéticas llamadas Soylent, fabricadas por una corporación todopoderosa. 

Pero lo más terrorífico ocurre cuando la investigación del asesinato de un hombre rico relacionado con la empresa lleva a un giro atroz. Descubrir un secreto terrible y oscuro sobre el verdadero origen de esa comida. Aunque el año 2022 ya pasó y no vivimos en un colapso ecológico literal, la película acertó. Eso, al alertar sobre el peligro de la crisis climática, la destrucción de los océanos y el control de los recursos básicos de la humanidad. Su famosa revelación final sigue siendo una de las más impactantes de la historia del cine de ciencia ficción.

La noche de la expiación

En el subgénero de la distopía, al parecer muchas cosas ocurrieron en el año 2022. Como lo demuestra esta película de James DeMonaco ambientada originalmente en el año 2022. La premisa explora un Estados Unidos gobernado por un nuevo partido político que ha logrado reducir la delincuencia y el desempleo a casi cero. Pero mediante una medida extrema: La Purga. 

Durante una noche de cada año, todos los delitos, incluidos el asesinato y el vandalismo, se vuelven completamente legales durante doce horas. Lo que permite que la gente libere sus instintos violentos. La trama sigue a una familia adinerada que intenta sobrevivir esa noche luego de darle refugio a un hombre que es perseguido. Aunque el año 2022 ya transcurrió en nuestra realidad y no existe una ley de purga anual, la cinta acertó en varias cosas. En especial, el impacto de la violencia social, la desigualdad económica, el porte de armas y la polarización política. Todos los problemas en la cultura contemporánea. 

1997: Rescate en New York

Como su nombre lo indica, esta distopía dirigida por John Carpenter se ubica en el año 1997. En esta versión alternativa del futuro, la tasa de criminalidad en Estados Unidos aumentó un cuatrocientos por ciento. Por lo que el gobierno decidió convertir toda la isla de Manhattan en una gigantesca prisión de máxima seguridad. Además, rodeada por un muro infranqueable, donde los criminales viven libres sin guardias de vigilancia. 

La historia comienza cuando el avión del presidente de Estados Unidos es secuestrado y se estrella dentro de esta zona peligrosa. De modo que el convicto Snake Plissken (Kurt Russell) es obligado por las autoridades a entrar a rescatar al mandatario. Eso, a cambio de su propio perdón. Aunque el año 1997 pasó sin que Manhattan se convirtiera en una cárcel amurallada, la película capturó perfectamente la paranoia urbana. También, el miedo a la delincuencia callejera de los años ochenta y la decadencia de las grandes ciudades industriales.

Días extraños

Esta distopía de 1995 dirigida por Kathryn Bigelow se desarrolla en los últimos días del año 1999, justo en la víspera del nuevo milenio. La ciudad de Los Ángeles aparece como un lugar caótico, tenso, lleno de disturbios raciales, miseria y violencia policial. La trama gira en torno a un mercado negro de discos de memoria biológica. Más singular todavía, un dispositivo que permite grabar y experimentar las vivencias, emociones y recuerdos de otra persona. 

El protagonista, un expolicía convertido en vendedor de estos recuerdos ilegales, descubre una grabación que contiene el asesinato de una figura pública, lo que lo arrastra a una conspiración peligrosa. Aunque el año 1999 ya quedó atrás y no usamos dispositivos para intercambiar vivencias cerebrales, la película anticipó varias cosas. Entre ellas, la histeria colectiva por el cambio de milenio, el voyeurismo digital, la grabación de abusos de autoridad con cámaras portátiles. También, la alienación tecnológica de la sociedad actual.

Regreso al futuro II

En esta lista no podía faltar la obra de Robert Zemeckis, que retrocede desde los años ochenta hacia el año 2015. Los protagonistas, Marty McFly (Michael J. Fox) y Emmett Brown (Christopher Lloyd), viajan al futuro para evitar que el hijo de Marty arruine su vida. Para eso, la cinta muestra una versión colorida y optimista de la sociedad. Por lo que imagina el futuro lleno de tecnología fascinante como patinetas voladoras, autos propulsados por basura, zapatillas que se ajustan solas. Además de hologramas gigantes y pantallas de televisión que muestran múltiples canales a la vez. 

Claro está, el año 2015 real ya pasó y todavía no nos movemos en vehículos voladores urbanos; la película acertó de manera sorprendente en algunos puntos. Lo más llamativo: las videollamadas en pantallas planas y el uso de dispositivos biométricos como las huellas dactilares para realizar pagos. Y sí, claro, también las gafas de realidad aumentada tan en boga últimamente. 

Titanes del Pacífico

Esta espectacular cinta de acción y monstruos dirigida por Guillermo del Toro inicia su relato en el año 2013. No obstante, traslada la mayor parte de su emocionante trama principal al año 2025. La historia muestra un planeta Tierra que sufre el ataque constante de los kaijus, criaturas colosales de origen alienígena que emergen desde un portal interdimensional. Está ubicado en el fondo del océano Pacífico. 

Para combatir esta amenaza que destruye ciudades enteras, la humanidad se une globalmente para construir los Jaegers. Estos, robots humanoides gigantescos que requieren ser piloteados por dos personas conectadas mentalmente a través de un puente neurológico. Y no, hasta ahora, la película no acertó (por fortuna) en nada de lo que imaginó para el futuro. 

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Prestarle el móvil a otra persona no siempre es una buena idea, incluso aunque sea alguien conocido o de confianza. Por suerte, existe una solución bastante útil que permite darle el teléfono a otra persona para que haga una tarea específica (llamar a alguien, ver un vídeo de YouTube) sin que pueda fisgonear por el resto del teléfono. Se trata de la función Fijar apps, que muchos usuarios de Android ni siquiera saben que existe.

Como bien lo indica su nombre, la opción Fijar apps de Android permite anclar una aplicación específica para que no se pueda salir de ella sin conocer el PIN o patrón de desbloqueo de tu smartphone. De esta manera, puedes prestarle el dispositivo a un tercero sabiendo que estará confinado a la app que le permitas utilizar.

Para poner un ejemplo práctico, supongamos que un amigo te pide tu teléfono porque tiene que hacer varias llamadas importantes y ha perdido su móvil. Android te permite fijar la app de Teléfono para que ocupe toda la pantalla y no pueda salir de ella por las vías convencionales, ni tampoco acceder a otros apartados del aparato que prefieres mantener restringidos.

Vale aclarar que la opción Fijar apps de Android no implica un bloqueo absoluto ni tampoco funciona como reemplazo de los controles parentales. Sin embargo, sí puede sacarte de un apuro si tienes que cederle el móvil de imprevisto a otra persona (independientemente de cuál sea el motivo).

Cómo fijar apps en Android y prestar el móvil con tranquilidad

La opción Fijar apps se encuentra un tanto oculta dentro de los ajustes de Android. Por ello no sorprende que muchos usuarios del sistema operativo de Google ni siquiera sepan de su existencia. Esta opción se encuentra desactivada por defecto, pero se puede habilitar siguiendo muy simples pasos.

Lo que debes hacer es ingresar en Ajustes > Seguridad y privacidad > Mayor seguridad y privacidad > Fijar aplicaciones. Una vez allí solo tienes que tocar sobre el botón Usar fijación de apps y aceptar el mensaje de advertencia. Verás que también se habilita automáticamente la opción de solicitar el patrón de desbloqueo para quitar la fijación. No cambies esto último, pues de lo contrario todo el concepto detrás de esta herramienta pierde sentido.

Cuando hayas cumplido el procedimiento, fijar apps de Android es extremadamente sencillo. Solo tienes que abrir la aplicación en cuestión y tocar sobre el botón Recientes de la barra de navegación del sistema operativo. Pulsa sobre el ícono de la app que aparece en la parte superior de la pantalla y selecciona Fijar, y listo.

Una vez que la persona a la que le prestaste el teléfono termine de usarlo, tienes que tocar en simultáneo los botones Atrás y Recientes de la barra de navegación e ingresar el PIN o patrón de desbloqueo. Así, tendrás la opción de volver a utilizar tu smartphone con normalidad.

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Netflix ha llevado el género del true crime al siguiente nivel. En especial, por convertir las más perturbadoras historias sobre crímenes aterradores en una reflexión sobre la época. También, en una mirada inquietante acerca de los diversos errores legales, que hacen incluso más graves situaciones de violencia extrema. Por lo que el true crime, más allá de su inclinación a lo morboso o historias inquietantes, es también una perspectiva cultural. Y una especialmente dura. 

Es el caso de El viudo: Hasta que la muerte nos separe, el true crime más reciente en el catálogo de la plataforma. Una visión inquietante, retorcida y bien narrada acerca de un criminal que demostró los límites de los errores legales. Peor aún, que los utilizó para cometer los delitos más perturbadores por décadas. Para eso, la producción detalla el inquietante caso de Thomas Randolph, un hombre de Las Vegas conocido como el Viudo Negro. Además, implicado en las muertes sospechosas de cuatro de sus esposas para cobrar seguros de vida. 

El documental se centra en el asesinato de su sexta esposa, Sharon Causse, perpetrado en 2008 mediante un montaje. Uno además, que involucró a un sicario contratado, a quien Randolph ejecutó para eliminar testigos. Tras una extensa investigación que expuso un patrón de codicia y manipulación durante más de tres décadas, el proceso judicial se convirtió en noticia nacional. Y finalmente, Randolph fue condenado a un mínimo de 60 años de prisión. Pero aun así, subsiste la pregunta de cómo el criminal pudo evitar ser atrapado por más de treinta años. Uno de los temas que El viudo: Hasta que la muerte nos separe profundiza, junto con otros giros impactantes que te contamos a continuación. 

El macabro e insólito patrón de un camaleónico criminal

El nuevo true crime de Netflix es mucho más que la habitual descripción de un crimen espeluznante. Antes que eso, se enfoca en la aterradora e inusual naturaleza de su protagonista, Thomas Randolph. Este, conocido popularmente en los círculos policiacos y judiciales como el Viudo Negro. A diferencia de los clásicos asesinos en serie que atacan en la marginalidad urbana, Randolph utilizaba el matrimonio para matar. La producción desmenuza de forma minuciosa cómo este individuo logró casarse en seis ocasiones diferentes. Por lo que dejó a su paso un rastro estremecedor donde cuatro de sus parejas perdieron la vida bajo circunstancias sumamente sospechosas, siniestras y violentas. 

El viudo: Hasta que la muerte nos separe explora el enigma psicológico del carisma del asesino. También, su retorcido encanto y su innegable elocuencia. Estos atributos no solo le sirvieron para seducir repetidamente a nuevas víctimas. También para manipular de manera sistemática su entorno, burlar los mecanismos de control social y presentarse ante la comunidad como un hombre desdichado. A la vez, constantemente golpeado por la fatalidad del destino. 

Por lo que el true crime analiza lo que se escondía detrás de esa máscara de aparente encanto personal. Eso, al contrastar los testimonios de las mujeres que sobrevivieron a sus maltratos psicológicos y económicos con el comportamiento público del asesino. Un giro retorcido que impacta al indagar en la naturaleza del mal. Y en especial, en cómo Thomas Randolph logró engañar de manera consistente a propios y extraños. 

Una excepcional crónica de periodismo de investigación en tiempo real

Un punto interesante de El viudo: Hasta que la muerte nos separe se basa en un reportaje. A saber: la investigación realizada por el veterano productor y periodista de investigación de NBC News, Dan Slepian. Lejos de apoyarse únicamente en recreaciones dramáticas, la columna vertebral de la producción se forjó a lo largo de un exhaustivo trabajo de cobertura. Uno además, que se extendió por casi treinta años de pesquisas. 

Slepian consiguió un acceso sin precedentes al caso, logrando entrevistar al propio Thomas Randolph en múltiples ocasiones. Todo a lo largo de las décadas y registrando sus declaraciones directas. Una circunstancia única que permite que la audiencia sea testigo presencial de la evolución del sospechoso. Observando, además, sus contradicciones, su egolatría rampante y la desconcertante frialdad con la que justificaba cada una de sus tragedias familiares. 

El true crime entrelaza este valioso archivo con el arduo e infatigable trabajo de detectives del Departamento de Policía Metropolitana de Las Vegas. Un equipo multidisciplinario que se sumergió en un laberinto burocrático y legal para conectar los cabos sueltos de muertes ocurridas en diferentes épocas y estados. El resultado final es una lección magistral de periodismo audaz que no solo expone las dinámicas de un crimen organizado a nivel personal. También, una visión que dignifica la labor de los reporteros que sacrificaron años de su vida para desarmar minuciosamente la retórica engañosa de un asesino. El punto más alto de El viudo: Hasta que la muerte nos separe. 

Las impactantes revelaciones de un caótico y prolongado laberinto judicial

El viudo: Hasta que la muerte nos separe ofrece una impactante visión de los complejos giros del sistema judicial estadounidense. Eso, mientras se enfoca en el asesinato de Sharon Causse en mayo de 2008. Una situación complicada que incluyó a un supuesto intruso enmascarado llamado Michael Miller. Randolph intentó catalogar el trágico suceso como una heroica defensa propia en un asalto doméstico. 

Sin embargo, la investigación destapó un perverso complot de asesinato por encargo diseñado para cobrar pólizas de seguro millonarias. A partir de este momento, el true crime se transforma en un tenso e impredecible drama de tribunales. Uno que abarca juicios anulados, apelaciones polémicas ante la Corte Suprema de Nevada y un extenso desfile de testigos traumados. 

Por lo que el viudo: Hasta que la muerte nos separe no es solo una reconstrucción de un crimen. También enfoca su atención en un asesino con cientos de recursos a su disposición. Un largo trayecto que la producción muestra al seguir a Randolph mientras despide abogados y dilata los procedimientos legales. También utiliza su profundo conocimiento de las leyes para manipular las reglas del juego a su favor durante casi dos décadas de litigios. Un largo proceso que terminó en condena y cuyo final, el true crime, muestra como el final de un largo trayecto de esfuerzos por la justicia.

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El buen espíritu: Detrás de la puerta del Opus Dei en HBO Max, reflexiona sobre un tema álgido en las últimas décadas. Las organizaciones eclesiásticas que utilizan su poder e influencia para manipular y hasta agredir a sus miembros. Pero más complicado todavía, la forma en que la mayoría opera en los límites de lo ético y lo legal. Un dilema complejo y cada vez más turbio que se ha vuelto un constante tema de debate sobre el bien y el mal en nuestra época. 

Por lo que la serie documental española dirigida por la periodista Mònica Terribas apunta hacia el punto más inquietante. La posibilidad de que la Iglesia católica proteja a cultos de diversa índole bajo las leyes eclesiásticas. En particular, porque la producción, secuela directa de El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei (2025), toca un punto clave. Las violentas reglas restrictivas que convierten a buena parte de las congregaciones y grupos en experiencias coercitivas y hasta violentas. 

Como se recordará, el primer documental abordó las vivencias de las mujeres dentro de la institución del Opus Dei. En esta segunda entrega, el foco se traslada hacia la perspectiva masculina para desentrañar el funcionamiento interno del grupo. También, las dinámicas de captación y los métodos institucionales de la organización religiosa. A lo largo de la trama, se profundiza en una fuerte crítica estructural que analiza a esta organización católica desde sus puntos más oscuros.

Una oscura visión de la fe

Pero también, desde la posibilidad de que su extensión y poder sean una forma terrorífica de control. Por lo que parte del argumento se construye a partir de los testimonios de 14 hombres provenientes de 11 países de Europa, América Latina y Estados Unidos. Todos, testigos que decidieron romper el silencio tras abandonar las filas del Opus Dei como exnumerarios y exsacerdotes.

Los protagonistas relatan en primera persona haber sido víctimas de severos abusos psicológicos, espirituales y económicos. Pero además la dureza y crueldad de las reglas que controlan el grupo. Una serie de elementos que hacen de El buen espíritu: Detrás de la puerta del Opus Dei un inquietante testimonio de la violencia religiosa. 

También, se trata de desgarrador testimonio coral de hombres que rompieron el pacto de silencio

Por supuesto, buena parte del mérito de la profundidad y dureza del documental proviene de los testimonios que recopila. También, de la inmensa valentía y diversidad geográfica de sus protagonistas. Testigos que se atreven a desmantelar una de las estructuras eclesiásticas más herméticas del mundo. A lo largo de tres episodios de impecable factura, la producción da voz a 14 hombres provenientes de 11 países de Europa, Estados Unidos y América Latina. 

Por lo que el documental logra demostrar que las gravísimas denuncias no forman parte de casos aislados o desvíos locales de una región en específico. Más bien, se trata de un patrón institucionalizado y sistemático que se replica de manera exacta a escala global. En su mayoría antiguos numerarios y sacerdotes, estos testigos exponen ante las cámaras cómo la organización se aprovechó de sus intenciones espirituales genuinas. Mucho más, durante momentos de extrema vulnerabilidad personal para iniciar un proceso invasivo de captación. 

La fuerza de sus declaraciones en primera persona explora el horror de una situación insostenible. Mucho más, cuando la mayoría terminó atrapada en un engranaje de culpa y desestabilización emocional. Al entrelazar estas vivencias con la participación de reconocidos académicos, sociólogos y expertos legales, la docuserie construye un análisis psicológico sobre el abuso de poder. Lo que permite observar de cerca los rostros de la supervivencia. A la vez, la compleja reconstrucción de la identidad tras haber habitado durante décadas bajo un control mental asfixiante.

La deconstrucción de la doctrina del ‘buen espíritu’ y los mecanismos de control

El buen espíritu: Detrás de la puerta del Opus Dei logra una lúcida disección del concepto que le da nombre al documental: el buen espíritu. Bajo esta aparente premisa de santidad y perfección institucional, la directora Mònica Terribas desvela la perturbadora maquinaria de coacción psicológica, laboral y moral. Una presión que opera detrás de los muros de la prelatura a todo nivel. 

Por lo que la producción expone prácticas extremas como el aislamiento social y la imposición de la mortificación corporal mediante el uso del cilicio. También, las disciplinas y las duchas obligatorias de agua fría desde los primeros meses de admisión. De manera sumamente valiente, el documental profundiza en la visión enfermiza de la sexualidad impuesta a los miembros masculinos. Describiendo cómo el descubrimiento de la propia orientación o los impulsos naturales eran gestionados a través de la culpa extrema. También, controvertida sugerencia de terapias de conversión. 

Este nivel de presión interna condujo a varios de los entrevistados a sufrir severas crisis psiquiátricas. Incluso a ideaciones e intentos de suicidio al no encontrar una salida aparente. Al revelar cómo la obediencia al director espiritual se utilizaba para anular el libre albedrío y vigilar cada pensamiento, el documental explora algo más complicado. A saber: los sutiles límites que separan a la devoción religiosa radicalizada de las dinámicas propias de una secta destructiva.

La extorsión financiera y el necesario reverso masculino de la saga

El buen espíritu: Detrás de la puerta del Opus Dei indaga en el entramado económico y laboral. Por lo que detalla cómo los numerarios eran obligados a entregar la totalidad de sus salarios y a testar todos sus bienes presentes. Todo, a favor de entidades de la organización. Los testimonios revelan la insaciable maquinaria de lucro que operaba bajo el cobijo de la fe. En específico, cuando el dinero aportado por los miembros siempre era considerado demasiado poco por los superiores. 

La relevancia periodística de este documental se magnifica ante el contexto eclesiástico actual. En particular, cuando decisiones del Vaticano han cercado el estatus legal de la organización. Lo que convierte a los tres episodios de El buen espíritu: Detrás de la puerta del Opus Dei en un documento histórico y judicial de primer orden. La obra no solo denuncia el desamparo laboral de quienes salieron de allí sin ahorros ni cotizaciones sociales. También, invita a una reflexión universal y urgente sobre la urgencia de auditar la transparencia, la salud mental y los derechos humanos fundamentales. Todo, en el ámbito de las esferas más secretas del poder religioso.

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Si eres fanático del cine, ya lo sabes. La mayoría de las veces, los buenos ganan en la gran pantalla. De hecho, el triunfo del bien sobre el mal en el cine responde a una necesidad psicológica y emocional profundamente arraigada en los espectadores. Para la mayoría, las películas son un refugio frente a la complejidad del mundo real. También, un espacio donde la justicia no siempre prevalece y las acciones injustas a veces quedan impunes. 

Por lo que las historias en las que los héroes superan la adversidad y derrotan a los villanos brindan una gratificante sensación de orden. A la vez, de consuelo y esperanza. Un bálsamo emocional que alivia el estrés cotidiano, permitiendo al público experimentar una catarsis liberadora. Todo al ver restaurado el equilibrio moral que tanto se anhela en la cotidianidad. Y mucho más, sentir que una conclusión justa (incluso si solo es ficticia), que resulta profundamente sentida e importante a nivel colectivo.

Pero, de vez en cuando, los malos ganan en el cine. Y por alguna extraña razón, es igual de gratificante que el triunfo del bien. Para demostrarlo, te dejamos 7 películas en las que el villano no solo triunfa. También que demuestra el punto de su retorcida visión de las cosas. De una obra emblemática del cine de superhéroes a un thriller que pasó a la historia. Todo para los amantes de la ambigüedad moral y las películas con varias capas de significado. 

Seven

En esta obra maestra del suspenso psicológico dirigida por David Fincher, el mal no solo gana. También arrasa con toda esperanza. Por lo que se ha convertido en uno de los ejemplos más perturbadores e icónicos del cine en que las fuerzas del mal triunfan. El astuto, calculador y metódico asesino serial John Doe, interpretado de forma escalofriante por Kevin Spacey, diseña un retorcido plan homicida. Uno basado estrictamente en castigar de forma física a personas que representan los siete pecados capitales de la tradición bíblica. 

El clímax de la cinta se traslada a un desértico descampado donde se revela la retorcida genialidad del villano. Eso, cuando logra que el temperamental e impulsivo detective David Mills (Brad Pitt) sea el encargado inconsciente de completar su macabra obra de arte criminal. Al entregar una misteriosa caja que contiene la cabeza de la esposa embarazada de Mills, Doe personifica deliberadamente la envidia. Lo que provoca de inmediato que el destrozado oficial caiga en la trampa emocional y le dispare repetidamente a sangre fría. Lo que le convirtió instantáneamente en la encarnación perfecta de la ira. Puedes ver la cinta en Movistar+. 

No es país para viejos

Esta aclamada cinta de 2007, dirigida por los hermanos Joel e Ethan Coen, se alzó con el premio de la Academia a la mejor película. Y lo hizo por su manera de enfocar el mal. El relato se centra en una implacable e incómoda cacería humana en el desierto de Texas. Una que comienza cuando un cazador local llamado Llewelyn Moss (Josh Brolin) tropieza por casualidad con un millonario botín de dinero en efectivo. Este, producto de una transacción de narcotráfico fallida. 

El gran antagonista de esta sombría historia es Anton Chigurh. Este último, un asesino a sueldo interpretado de forma impecable y escalofriante por el actor español Javier Bardem. Y a diferencia de otras historias en las que el bien gana, Chigurh atraviesa la trama como una fuerza de la naturaleza destructiva e inevitable. Mucho peor. Guiado únicamente por un retorcido y estricto código de honor que se decide a menudo mediante el azar del lanzamiento de una simple moneda. 

Al final de la compleja e intensa trama, el villano cumple con frialdad absoluta su promesa de asesinar a Moss y a su indefensa esposa. Por lo que recupera el maletín millonario. Más complicado todavía, logra evadir por completo el cerco del desencantado alguacil Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones). Puedes alquilar la película en Apple TV. 

Avengers: Infinity War

En una lista en la que gana el villano, es imposible no incluir esta cinta del Universo Cinematográfico de Marvel. En especial, porque rompió de manera radical todos los esquemas tradicionales del género. Todo, al presentar una victoria absoluta del titán loco Thanos (Josh Brolin). Dirigida con maestría por los hermanos Anthony y Joe Russo, la historia abandona la clásica fórmula de la victoria heroica de último minuto. Eso, para centrarse casi de manera exclusiva en el viaje mesiánico del colosal alienígena. 

A diferencia de otros antagonistas superficiales de la pantalla grande, Thanos posee una convicción filosófica inquebrantable. De modo que cree genuinamente que la única forma viable de salvar al universo entero de la extinción total es con un genocidio. A saber: eliminando de forma aleatoria, justa y sin prejuicios a la mitad exacta de todos los seres vivos del cosmos.

Por lo que el clímax del largometraje deja al público mundial completamente estupefacto cuando, tras obtener la última gema del infinito, lo logra. Thanos ejecuta su fatídico chasquido de dedos, reduciendo a cenizas a la mitad de la población del universo. Eso, para después retirarse plácidamente a descansar en una remota granja rural cósmica. Mientras contempla el amanecer con una sonrisa de satisfacción infinita por su labor. Puedes ver la cinta en Disney+. 

Sospechosos habituales

Dirigida por Bryan Singer, esta película de 1995 se convirtió en hito del cine. Eso, gracias al guion de Christopher McQuarrie y su giro final. La estructura narrativa de la película avanza a través del tenso interrogatorio policial de Verbal Kint. Este, un estafador minusválido con parálisis cerebral interpretado de forma impecable por Kevin Spacey. Este relata a los agentes del orden los confusos y violentos acontecimientos que llevaron a la masacre. Esta ocurrida en un barco de carga en el puerto de Los Ángeles. 

A lo largo de la trama, el narrador construye el mito de Keyser Söze, un despiadado, invisible y casi mítico señor del crimen internacional. Uno además, a quien todos temen, pero nadie ha visto jamás en persona de forma directa. El gigantesco giro final de la cinta ocurre cuando Kint sale tranquilamente de la comisaría tras conseguir su libertad condicional.

El espectador observa con asombro cómo, a medida que camina por la calle de la ciudad, Verbal abandona progresivamente su cojera característica. Todo para después, encender un cigarrillo con su mano supuestamente inútil y subirse a un automóvil de lujo conducido por su cómplice. Por lo que revela que él era el mismísimo Keyser Söze y que toda la historia contada a la policía fue una ingeniosa improvisación. El mal en estado puro. Puedes ver la película en Prime Video. 

Saw. Juego macabro

Esta perturbadora obra del cineasta James Wan de 2004 se lleva los laureles sobre historias en que el villano gana. El misterioso argumento comienza siendo inexplicable. Eso, al mostrar dos hombres, el fotógrafo Adam (Leigh Whannell) y el oncólogo Lawrence Gordon (Cary Elwes) atrapados en un baño subterráneo. Ahí, deben seguir una serie de retorcidas instrucciones grabadas en casetes de audio para poder salvar sus vidas antes de que expire el tiempo límite. El titiritero detrás de estos sádicos juegos de supervivencia moral es John Kramer, apodado por la prensa local como Jigsaw. Este, interpretado de forma memorable por el veterano actor Tobin Bell. 

Durante toda la cinta, los protagonistas asumen que el cadáver ensangrentado que yace inmóvil en el centro del suelo del baño es una víctima. Sin embargo, la sobrecogedora e icónica escena final revela que el cuerpo inerte es en realidad el propio Kramer. Todo, mientras este se levanta lentamente del suelo de cemento ante la mirada horrorizada de Adam. Por lo que demuestra que estuvo vigilando cada movimiento en primera fila. Tras pronunciar su mítica y escalofriante frase de despedida sobre el juego terminado, Jigsaw apaga la luz y cierra la pesada puerta de hierro. Dejando al protagonista encadenado en la oscuridad eterna para morir de inanición, sellando una victoria absoluta del mal.

La semilla del diablo

Y claro, en esta lista no podía faltar el clásico de terror que mostró la manera en que el mal puede ganar. Para eso, la cinta constituye una meditación fílmica opresiva sobre la vulnerabilidad de la mujer frente a conspiraciones sociales y ocultistas. La historia sigue de cerca el matrimonio de Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) y su ambicioso esposo actor Guy (John Cassavetes). Ambos se mudan a un elegante pero siniestro edificio residencial de Nueva York. 

Conforme avanza su embarazo, la joven protagonista desarrolla una profunda paranoia respecto a las extrañas e invasivas atenciones de sus ancianos vecinos. Mucho más, sospechando legítimamente que existe un complot malintencionado en torno a la salud del niño que lleva en su vientre. El desolador y trágico final de la cinta desmantela cualquier esperanza de salvación tradicional cuando Rosemary descubre lo peor. Que su propio esposo la traicionó vendiendo su útero a una secta satánica organizada a cambio de éxito profesional en la televisión norteamericana. 

Al entrar en la habitación secreta de sus vecinos, la horrorizada madre contempla la cuna negra de su hijo. Todo para comprender que ha dado a luz al mismísimo Anticristo, hijo biológico de Satanás. En lugar de rechazar al infante o huir del lugar, el instinto maternal de Rosemary la lleva a mecer suavemente la cuna del bebé. Eso, mientras los miembros de la secta celebran el triunfo del mal, consumando la victoria del culto. Puedes alquilar la película en Apple TV+. 

Barrio chino

Esta legendaria e impecable obra de cine negro de 1974 también es un tributo al triunfo del mal. Ambientada en la soleada pero profundamente corrupta ciudad de Los Ángeles durante la compleja década de 1930, la trama acompaña al detective privado Jake Gittes. El personaje, interpretado por Jack Nicholson, investiga un aparente caso de infidelidad que rápidamente lo conduce a una inmensa red de conspiración política. También, asesinatos y control ilegal de los recursos hídricos públicos de la región. 

El gran villano del relato es el multimillonario y todopoderoso Noah Cross (John Huston). Una figura retorcida que representa la impunidad absoluta del dinero y del poder patriarcal más oscuro. Cross no solo es el cerebro criminal detrás de los desvíos de agua y los asesinatos corporativos. También, es el perpetrador de un atroz abuso sexual incestuoso en contra de su propia hija, Evelyn Mulwray, interpretada por Faye Dunaway. El clímax del largometraje en las calles del distrito de Chinatown es trágico. 

La policía local, comprada por los intereses de Cross, asesina a Evelyn por accidente mientras ella intentaba escapar. Por lo que permite que el perverso magnate se marche del lugar con total impunidad, llevándose consigo a su nieta. Lo que deja al protagonista devastado y con la icónica frase de que es mejor olvidarlo todo porque es simplemente Barrio Chino.

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El periódico The New York Times suele realizar todo tipo de recopilaciones de lo mejor del mundo del espectáculo. Hace poco, publicó una selección de las mejores películas de lo que va de siglo. Y ahora le ha tocado el turno al formato dorado del mundo del entretenimiento, al escoger las 100 mejores series del siglo XXI. Para el rotativo, se trata además de la oportunidad para explorar en el mundo serializado desde varios puntos de vista distintos. Pero además, explorar en cómo las series han sido definitivo un hito en el arte de contar historias. 

Para eso, tras encuestar a más de 500 personalidades del sector audiovisual, la publicación explora el panorama de la serie del último cuarto de siglo. Una visión interesante que permite no solo entender cómo las series han transformado la manera de profundizar en el relato audiovisual. También, en cómo ese cambio es notorio en otras áreas del entretenimiento. Pero en particular, la lista resulta interesante al permitir profundizar en cómo las series pasaron de ser solo un relleno televisivo a obras de arte. Algunas, de enorme importancia para entender incluso lo cinematográfico en la actualidad.

Si la lista te interesa, te dejamos a continuación las producciones que ocupan las diez primeras posiciones y el motivo por el cual las ocupan. Se trata de un recorrido por lo mejor de la televisión y el streaming en los últimos años. A la vez, una instantánea del crecimiento del formato serializado para una audiencia más exigente y sensible. Por lo que no es solo una selección sobre las historias más vistas o las más populares. Más bien, se trata de un recorrido por la forma en que la relación entre el público y sus programas favoritos ha evolucionado. Lo más interesante que este análisis deja consigo. 

Breaking Bad

Para sorpresa de nadie, la obra de Vince Gilligan ocupa el primer lugar de la lista de las mejores series del siglo XXI. Lo que pone fin al largo debate sobre si se trata solo de una serie idealizada con el paso del tiempo. O en realidad, una que merezca el epíteto de la mejor jamás transmitida. Lo cierto es que para The New York Times lo es. Y razones no faltan. La historia, que narra el trágico descenso moral y la compleja transformación humana de Walter White (Bryan Cranston), todavía sorprende. En especial por su retrato del frustrado, aburrido y enfermo profesor de escuela secundaria que se convierte en un villano terrorífico. 

Eso, tras ser diagnosticado con un cáncer pulmonar terminal. En medio de la desesperación, decide adentrarse en el peligroso submundo criminal de la metanfetamina. Al principio, para asegurar el futuro financiero de sus hijos y su esposa. Pero luego queda claro que Walter siempre sintió una inclinación latente por el poder, la transgresión y la violencia. Una visión ambigua e inquietante que termina por ser el centro de un relato para la historia de la televisión. Puedes ver las temporadas completas de la serie en Netflix. 

The Wire

Creada por el periodista de investigación David Simon para la cadena HBO, se ambienta en los rincones más complejos de la ciudad de Baltimore. A lo largo de sus cinco legendarias temporadas estructuradas como crónicas urbanas independientes, esta serie desmenuza las profundas fallas sistémicas y la desigualdad. 

Todo mediante el examen detallado de las redes de narcotráfico, el departamento de policía local y la turbia política municipal. También, el decadente sistema educativo público y los medios tradicionales de comunicación masiva. Creando así un fresco sociopolítico imprescindible que es considerado unánimemente por los especialistas de todo el mundo como una representación perfecta de las contradicciones humanas. A la vez, de las dinámicas burocráticas modernas. Puedes ver las temporadas completas de la serie en HBO Max y Movistar+. 

Mad Men

Esta sofisticada y elegante obra de época creada por el célebre guionista estadounidense Matthew Weiner ocupa el merecido tercer lugar en la lista. Y, por supuesto, es un reconocimiento a su importancia. Ambientada en la competitiva e hipócrita avenida Madison de la ciudad de Nueva York en 1960, la serie es más que una historia. También utiliza el implacable universo de las agencias de publicidad para indagar en los cambios críticos de la década. 

Por lo que su historia va desde las profundas ansiedades existenciales, el sexismo sistémico hasta las radicales transformaciones culturales de la sociedad de la época. Todo lo anterior, a través de la misteriosa, oscura y fascinante doble vida de su protagonista, el brillante publicista Don Draper (Jon Hamm). Puedes ver la serie completa en Disney+. 

Succession

El aclamado drama satírico de la cadena HBO llega al cuarto lugar de la lista del New York Times de las mejores series del siglo XXI. Además, lo hace como un hito que cambió la televisión en adelante. Eso, al diseccionar con un humor negro sumamente afilado y una tensión emocional insoportable las dinámicas internas de poder. Todo a través de la avaricia y profunda disfunción psicológica que destruyen a la multimillonaria familia Roy. 

Por lo que esta tragedia moderna gira en torno a la guerra entre los hermanos Kendall (Jeremy Strong), Shiv (Sarah Snook) y Roman (Kieran Culkin). Eso, para heredar el control definitivo del gigantesco conglomerado global de medios de comunicación Waystar Royco. Este, gobernado con puño de hierro por su tiránico, manipulador y envejecido padre Logan Roy (Brian Cox). Puedes ver la serie en HBO Max y Movistar+.

Fleabag

Esta brillante y desgarradora historia es quizás la elección más curiosa de los números más altos de la lista. Eso, al seguir a su anónima protagonista (Phoebe Waller-Bridge) en las vicisitudes de su vida como soltera en Londres. Pero además, en medio de su crecimiento emocional y espiritual después de una durísima tragedia. 

Todo mientras rompe de manera audaz, constante y genial la denominada cuarta pared. Eso, para invitar al espectador a interactuar directamente con el caótico, libre, hilarante y profundamente herido mundo interior de esta joven londinense. Una visión sobre una generación herida y su punto de vista sobre nuestra época que te conmoverá. Puedes ver la serie completa en Prime Video. 

Juego de Tronos

Por supuesto, en esta lista de mejores series del siglo XXI no podía faltar el evento televisivo por excelencia de HBO. Basada en las complejas novelas de George R. R. Martin, evolucionó por completo la escala y los presupuestos de la pantalla chica a nivel mundial. A pesar de las fuertes controversias desatadas por su debatida temporada 8, este inmenso fenómeno cultural sigue siendo reverenciado por su ambición narrativa.

También, por la espectacularidad de sus batallas cinematográficas y su descarnada exploración de la política real y la traición. Todo, la obsesión absoluta por el control del Trono de Hierro en Poniente. Centro de una saga en crecimiento, Juego de Tronos no solo es una de las grandes series del siglo XXI. También, un hito difícil de igualar. Puedes ver la serie en HBO Max. 

Veep

Encabezada de forma magistral por la actriz Julia Louis-Dreyfus, esta comedia satírica sobre el mundo político tiene un lugar bien merecido en la historia. La trama sigue de cerca las desventuras, ambiciones desmedidas y constantes humillaciones institucionales de la exsenadora Selina Meyer (Louis-Dreyfus). 

Eso, mientras intenta sobrevivir en su problemático e inútil cargo como vicepresidenta de la nación. Por lo que desnuda con un cinismo absoluto, diálogos rápidos y un ritmo cómico endiablado un mundo político en decadencia. Lo que incluye la profunda incompetencia, el egoísmo y la vaciedad moral que dominan los pasillos del poder político en Washington D. C. Puedes ver la serie en HBO Max. 

Rockefeller Plaza

Para Tina Fey, Rockefeller Plaza (30 Rock) fue la consagración de su forma de hacer humor. Pero en realidad, la serie es mucho más que solo un ejercicio de ingenio experimental. Inspirada en las vivencias reales de su creadora como jefa de guionistas de programas de variedades, la serie parodia el mundo de la televisión. Por lo que profundiza en los entresijos corporativos, las tensiones detrás de las cámaras y los caprichos absurdos de las estrellas de Hollywood.  

También, en la caótica grabación de un show cómico semanal desde el icónico edificio de Rockefeller Center. Todo con un reparto secundario legendario que elevó el absurdo televisivo a nuevos niveles de excelencia. Puedes ver la serie en Netflix. 

Curb Your Enthusiasm

La longeva, irreverente y fascinante comedia de improvisación de HBO creada, escrita y protagonizada por el genio cómico Larry David, ocupa el noveno lugar. Y lo hace por una razón en específico: es la versión retorcida y más caótica de la clásica Seinfeld. A través de la metaficción más pura, el programa acompaña a una versión ficticia y exagerada del propio Larry. 

Todo, mientras se ve envuelto de forma en los malentendidos más incómodos y políticamente incorrectos de su vida cotidiana en la ciudad de Los Ángeles. Por lo que cuestiona con un pesimismo hilarante las absurdas convenciones sociales de nuestra era. Ideal para reír a carcajadas hasta con los títulos de presentación (que dieron origen al célebre meme). ¿No la has visto? Puedes verla completa en HBO Max. 

Atlanta

Esta surrealista, innovadora y profundamente experimental obra de arte televisiva de Donald Glover cierra los diez primeros puestos de la lista. Centrada en dos primos que intentan abrirse camino en el hip-hop para escapar de la pobreza, la producción trasciende las comedias convencionales. Eso, para ofrecer una meditación lírica, oscura, onírica y a menudo incómoda sobre el racismo sistémico, la fama y la compleja realidad de la comunidad negra. Lo que la convierte en una rara mezcla entre crónica urbana y una comedia brillante, que puedes ver completa en Disney+. 

Seguir leyendo: Las 10 mejores series del siglo XXI según ‘The New York Times’

Después de varias semanas en emisión, Linternas, la serie del Universo DC sobre los Linterna Verde, llega a su final. El proyecto ha enamorado a los fans con un tono muy distinto al resto de la saga. Se trata de una serie adulta, un thriller policial al estilo True Detective que tiene todo en juego de cara a su desenlace. Pero, ¿a qué hora se estrena el capítulo final de Linternas, el episodio 1x08?

La serie nos ha presentado a Hal Jordan (Kyle Chandler) y John Stewart (Aaron Pierre), dos miembros del cuerpo de los Linternas Verdes. El primero es toda una leyenda, pero el segundo es un nuevo recluta que lleva tan solo un par de meses entrenando y ni siquiera se ha ganado el anillo. Así, los dos policías intergalácticos se han visto envueltos en un oscuro y peligrosísimo misterio en el planeta Tierra que quedó al descubierto con un asesinato en el corazón de Estados Unidos.

En cuanto a dónde podrá verse, a diferencia de otros títulos, aquí no depende para nada del territorio. En Estados Unidos, España, Latinoamérica y en el resto del mundo, el episodio final de Linternas estará disponible únicamente en HBO Max. La plataforma alberga los derechos exclusivos de todos los estrenos en streaming del Universo DC de James Gunn y Peter Safran. Por tanto, era el único hogar posible para la serie de Linterna Verde.

Hora de estreno de Linternas 1x08

Acerca de la hora de estreno de Linternas 1x08, en Estados Unidos se emitirá el domingo 4 de octubre a las 9:00 pm E.T. En España y Latinoamérica, llegará a HBO Max en la conversión horaria de cada país:

• España: 3:00 h am del lunes 5 de octubre.
• México, Guatemala, Honduras, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica: 19:00 h.
• Perú, Colombia, Panamá, Ecuador: 20:00 h.
• Venezuela, Bolivia, República Dominicana, Puerto Rico: 21:00 h.
• Chile, Paraguay, Argentina, Brasil, Uruguay: 22:00 h.

Date de alta en HBO MAX y tendrás acceso a las mejores series y películas exclusivas como The Wire, Los Soprano o Casa del Dragón. Incluye todo el catálogo de Warner, los clásicos de Cartoon Network, los grandes estrenos y el mejor deporte.

Ahórrate dos meses en HBO Max

A partir de ese momento, el octavo y último episodio de Linternas estará disponible en HBO Max. Con él, uno de los estrenos más aclamados de todo el nuevo Universo DC de James Gunn y Peter Safran llega a su inevitable final con la incertidumbre de si volverá con una temporada 2 o si el proyecto termina para siempre. En cualquier caso, es probable que volvamos a ver a algunos de sus personajes en próximas entregas de la franquicia.

Seguir leyendo: ¿A qué hora se estrena ‘Linternas’ 1×08, el final de la serie del ‘Universo DC’ sobre Linterna Verde?

Los fans de One Piece habían quedado huérfanos hace unos días cuando el anime de TOEI Animation puso el punto y final a sus emisiones para este 2026. La franquicia entraba así en un vacío difícil de llenar. Sin embargo, Netflix ha llegado con una nueva serie de One Piece para solucionarlo. Y no, no se trata de la temporada 3 del live-action ni tampoco del esperado remake de WIT Studio, pues ambas llegarán en 2027.

En realidad, Netflix ha estrenado una serie de One Piece que, aunque llevaba muchos meses anunciada, ha pasado muy desapercibida. Se trata de LEGO One Piece, un spin-off infantil de la serie de imagen real de la plataforma de la Gran N Roja. Disponible desde el pasado 29 de septiembre, este pequeño proyecto en colaboración con la marca de juguetes, que por ahora cuenta con dos episodios, es un añadido genial para los fans que necesiten llenar el vacío dejado por todo lo demás.

En LEGO One Piece de Netflix, la saga nos pone en manos de Usopp, de nuevo con la voz de Jacob Romero en versión original. El joven de Villa Syrup es de sobra conocido por mentir y tergiversar mucho en sus historias, inventándose todo tipo de pericias y aventuras para darse a sí mismo una importancia excesiva. Y con su particular estilo nos cuenta a su manera, con algunos cambios cuestionables respecto a la serie original, la historia de los Sombreros de Paja desde el principio.

En el primer episodio de la serie vemos cómo Monkey D. Luffy, Nami, Zoro y compañía van uniendo fuerzas a medida que viven sorprendentes aventuras a lo largo del East Blue. Ya en el segundo capítulo, con la tripulación original formada, los piratas se enfrentan a salvajes enemigos y todo tipo de peligros hasta llegar a conocer al bueno de Chopper. Todo el reparto de la serie live-action ha regresado en este spin-off. Es decir, Iñaki Godoy como Luffy, Emily Rudd como Nami, Mackenyu como Zoro, Taz Skylar como Sanji, Jacob Romero como Usopp, Charithra Chandran como Vivi y Mikaela Hoover como Chopper.

El futuro de One Piece en 2027

A partir de 2027, One Piece tiene por delante un futuro brillante. Y es que el próximo curso será el 30 aniversario del manga original de Eiichiro Oda. Por ello, llegarán numerosos estrenos para alegrar la vida de los fans. Todo comenzará el mes de febrero con el lanzamiento en Netflix del remake The One Piece de WIT Studio.

Será un nuevo anime que adaptará la historia desde el principio. Seguirá un ritmo bastante más rápido y fiel al manga, con el sello de uno de los mejores estudios de anime de todo Japón. Por lo pronto, se estrenarán 7 episodios de 40 minutos en los que se llegará hasta el Baratie, la presentación de Sanji.

A esa nueva serie le seguirá, aún sin fecha concreta, la temporada 3 del remake live-action de Netflix. El proyecto regresará una vez más para, esta vez, adentrarnos de lleno en la Batalla de Alabasta. El país natal de Vivi está dominado por el temible Mr. Crocodile y su imparable secuaz Miss All Sunday. Solo los Sombreros de Paja podrán liberarlo.

Al margen de todo ello, TOEI Animation regresará a sus emisiones semanales con la segunda parte del arco de Elbaph. Y el manga también continuará explorando, más adelantado, esta misma historia, quizá incluso presentando el siguiente arco narrativo. Pero la guinda del pastel la pondrá One Piece Film God Valley, una nueva película que llegará a los cines y que, por primera vez, será canon en la franquicia. En ella se adaptará el espectacular flashback de God Valley que leímos hace unos meses en el manga y que se ha convertido en una de las historias más queridas e importantes para los fans.

Seguir leyendo: ‘One Piece’ acaba de estrenar su nueva serie en Netflix, pero seguro que no te has dado cuenta

El robo de carga tecnológica se ha convertido en un problema para fabricantes y transportistas en los últimos años. Si bien Rápido y Furioso nos enseñó que hurtar reproductores de DVD con tu Honda Civic era cool hace más de dos décadas, la triste realidad es que esta práctica ha ido en aumento. La más reciente tiene que ver con NVIDIA, aunque el ladrón descubrió una sorpresa que lo dejó decepcionado.

Según recoge TechSpot, dos remolques con los logotipos de NVIDIA desaparecieron de un almacén de California. Un ladrón enganchó sus cabinas y se los llevó sin que nadie se diera cuenta, pensando que encontraría un botín de miles de dólares en tarjetas gráficas. Lamentablemente, al abrir las puertas encontró que los remolques estaban cargados de arena (unos 18.000 kilos, para ser exactos).

De acuerdo con el reporte policial, un directivo de PlusAI (la empresa transportista) recibió un mensaje de un conocido que decía haber visto dos camiones de la compañía cerca de su oficina. Los remolques estaban aparcados a unos 800 metros de ahí, por lo que llamaron al 911 y las autoridades acudieron al lugar. Lamentablemente, no encontraron al responsable y los remolques se devolvieron a la bodega ese mismo día.

Si pensabas que PlusAI o NVIDIA idearon una técnica original para combatir el robo de tarjetas gráficas, tenemos malas noticias. La arena no se trataba de un señuelo, sino de una prueba para simular cargas. Lauren Kwan, portavoz de la compañía, explicó que PlusAI "utiliza cargas simuladas en sus remolques para apoyar las pruebas de investigación y desarrollo". La empresa trabaja con NVIDIA en el desarrollo de cabinas con tecnología de conducción autónoma, pero los ladrones no se las llevaron.

Los robos de camiones con tarjetas gráficas podrían volverse más frecuentes

El incidente llega en plena escalada de robos de hardware de alto valor, sobre todo los chips para centros de datos. Hace unos meses, Wired reportó dos casos en donde ladrones embistieron los coches de escolta y se robaron los camiones que transportaban un botín de millones de dólares. La demanda por tarjetas gráficas y memoria se ha incrementado debido a la inteligencia artificial, por lo que esta clase de dispositivos se volvió el blanco de la delincuencia.

En el caso de NVIDIA, uno de los eventos más famosos ocurrió en noviembre de 2021, cuando EVGA denunció el robo de un envío de tarjetas RTX 30 Series que transportaba hacia uno de sus centros de distribución de Estados Unidos. Cada unidad costaba entre 329 y 2.000 dólares, pero el hurto se efectuó en plena escasez de chips por la pandemia, lo que duplicó el valor de cada tarjeta en el mercado de segunda mano.

Otro robo de película se llevó a cabo a mediados de 2025, pero esta vez fue contra Nintendo. Casi 3.000 consolas Switch 2 desaparecieron de un camión que iba de la sede de Nintendo de América a una tienda de GameStop al sur de Estados Unidos. La policía nunca supo en qué punto ocurrió el robo, puesto que era un trayecto de más de 2.100 kilómetros y el conductor se dio cuenta muy tarde.

Con la escasez de memoria haciendo estragos en la industria, es probable que este tipo de golpes se repita en los próximos meses. Empresas como NVIDIA, AMD e Intel, así como otros fabricantes de RAM y discos duros, tendrán que idear soluciones inteligentes (como la arena) para evitar ser víctimas.

Seguir leyendo: Robaron dos remolques de NVIDIA y lo que había dentro les arruinó el golpe

Una máquina virtual es una versión emulada de un ordenador que corre su propio sistema operativo. Dentro de una máquina física. De manera que puedes utilizar dos sistemas operativos al mismo tiempo. Esto tiene muchas ventajas, a nivel de seguridad y privacidad, aprovechamiento del hardware y ahorro de costes en empresas, es más fácil de mantener, restaurar y actualizar esa máquina virtual y te permite utilizar sistemas antiguos, obsoletos o de otras arquitecturas distintas a la de tu ordenador. Y crear máquinas virtuales también es relativamente sencillo. Aunque no todas las herramientas no iguales. Como Quickemu y Quickgui.

Existen varias aplicaciones para crear máquinas virtuales. A nivel profesional, se pueden poner en marcha en servidores externos de Amazon (Amazon Web Services), Microsoft (Microsoft Azure) o Google (Google Cloud). Y, por descontado, en tu ordenador personal. A nivel doméstico, las más populares son VirtualBox y VMware. Las dos gratuitas. También está Parallels, de pago, y existen otras opciones menos conocidas pero también muy interesantes, como Hyper-V, integrada en Windows, KVM, integrada en Linux o QEMU. De esta última vamos a hablar en este artículo. 

QEMU es una herramienta de emulación y virtualización gratuita y de código abierto. Es capaz de “imitar” la mayoría de arquitecturas y sistemas, para poder así correr sistemas operativos de lo más variado. Además, es muy versátil y ligero. De ahí que QEMU sea la opción elegida por Google para su emulador de Android, integrado en Android Studio. Sin embargo, esta herramienta para crear máquinas virtuales no es muy intuitiva para el gran público. De ahí que surjan aplicaciones como Quickemu para ponérnoslo un poco más fácil.

Qué es Quickemu

Quickemu es una aplicación diseñada para gestionar QEMU por ti. Técnicamente es lo que se conoce como wrapper. La traducción literal sería envoltorio. Y se refiere a cualquier aplicación o software que sirve como intermediario entre otro software y el usuario. También se emplea en programación, aunque no hace falta entrar en detalles.

Su repositorio oficial de GitHub dice que “no se requieren opciones de configuración exhaustivas. Tú decides qué sistema operativo quieres ejecutar y Quickemu se encarga del resto”. Y aunque en origen se creó para probar distribuciones Linux, hoy en día sirve para cualquier fin que tenga que ver con crear máquinas virtuales, para uso temporal o para tu día a día. Guardadas en tu ordenador personal, en un disco externo o en una memoria USB.

Por su parte, QEMU significa Quick Emulator. Emulador rápido. Es gratuito y de código abierto. Y se puede utilizar directamente como emulador puro o combinarse con otras herramientas de aceleración por hardware, como KVM en Linux), HVF en macOS o WHPX en Windows, para que las máquinas virtuales rindan prácticamente como si fueran físicas. Así, Quickemu simplifica todo el proceso de manejo de QEMU. Y, en definitiva, te ahorrará tiempo y esfuerzo.

Características principales

Al utilizar QEMU, está claro que Quickemu tiene casi todas las ventajas de este, más sus propios beneficios. De momento, solo funciona en Linux y macOS. Pero no podemos descartar que en el futuro tenga versión para Windows, cómo sí sucede con QEMU. Además, estas son algunas de sus características más destacables:

• Compatible con arquitectura ARM64. Como huésped y como máquina virtual.
• Compatible con arranque EFI, con o sin SecureBoot, y Legacy BIOS
• Puedes copiar y pegar entre máquina virtual y máquina física con SPICE. 
• Permite compartir archivos con máquinas virtuales Linux, Windows y macOS.
• Integra aceleración VirGL.
• Compatible con dispositivos USB.
• Soporte para red virtual y puerto SSH automático. 

Y esta es la lista de máquinas virtuales que puede crear:

• Soporta macOS Sequoia, Sonoma, Ventura, Monterey, Big Sur, Catalina y Mojave.
• Compatible con Windows 10 y 11 con TPM 2.0.
• Soporta Windows Server 2022, 2019 y 2016.
• Permite crear máquinas para Ubuntu y sus distintas versiones.
• Admite más de 1.000 versiones de sistemas operativos: Linux, FreeDOS, Haiku, KilibriOS, OpenIndiana, ReactOS y otros.

Cómo instalar Quickemu

Aunque Quickemu apuesta por la facilidad de uso, puede que te eche para atrás su funcionamiento. Al igual que QEMU, Quickemu se gestiona desde la línea de comandos. Aunque también tiene una versión en ventana, Quickgui. Pero, en realidad, su instalación es muy sencilla. Tan solo hay que ejecutar un par de comandos. En este enlace tienes la lista de comandos para macOS y Linux. Para Linux, dependerá de qué distribución tengas. Quickemu está disponible en los repositorios de Arch Linux, Debian, Ubuntu y Fedora, entre otros. Así que basta con ejecutar el comando de instalación y el propio sistema operativo realizará la instalación.

En macOS, utiliza Homebrew, que es un gestor de paquetes, es decir, de aplicaciones, que funciona desde la línea de comandos. Para quienes están habituados a los comandos, esta herramienta agiliza tareas como instalar varias aplicaciones a la vez y mantenerlas actualizadas. Y tiene un buen surtido de apps compatibles. Además, no interfiere con las demás aplicaciones instaladas con su propio instalador o desde la App Store. 

Crear máquinas virtuales con Quickemu

Una vez instalado Quickemu en tu Linux o macOS, ya puedes empezar a crear máquinas virtuales. Ten en cuenta que, aunque el proceso es sencillo, hay que tener presentes las limitaciones de las máquinas virtuales y de la máquina física que las alberga. Para entendernos. Tu ordenador tiene un procesador, una cantidad de RAM y de espacio en disco determinados. Así que, en función de estas características, podrás ejecutar una o más máquinas virtuales.

El ejemplo más habitual. Pongamos que quieres una máquina virtual de Windows en tu Linux o Mac. Los requisitos mínimos son: una CPU con 2 núcleos de 1 GHz o más y 4 GB de RAM. Ten en cuenta eso, porque si tu ordenador es antiguo, puede que la máquina virtual no sea lo rápida que debería. Y esto repercute también en el rendimiento del ordenador.

Salvado ese escollo, el resto es fácil. Quickemu se encarga de crear la máquina descargando el instalador y configurando todo para que puedas usar Windows 10 o Windows 11. Tú solo tendrás que seguir las instrucciones del asistente de instalación de Windows, algo a lo que ya estarás acostumbrado si utilizas Windows desde hace años. Quickemu se encargará también de instalar drivers y servicios e incluso de crear un usuario local por defecto. Encontrarás más información en la documentación oficial.

Y crear máquinas virtuales de Linux dentro de Mac o Linux también es relativamente simple. Un par de comandos y listo. Quickemu descargará el instalador, configurará la máquina y lanzará el asistente de instalación de la distribución Linux que hayas elegido. Como podrás comprobar en la documentación oficial, para que la integración entre la máquina virtual y tu PC o Mac sea completa, tendrás que instalar alguna herramienta más.

Crear máquinas virtuales con Quickgui

Si se te atragantan los comandos, tienes un plan B, Quickgui. Como Quickemu es de código abierto, dos programadores decidieron crear una versión gráfica para manejar este wrapper de QEMU. Es decir, que en vez de aprenderte comandos y ejecutarlos en el Terminal de Linux o de macOS, puedes abrir Quickgui y pulsar botones.

Su nombre es Quickgui, es decir, interfaz de usuario gráfica para Quickemu. En su página oficial de GitHub, dentro de la propia página de Quickemu, explica su funcionamiento. Y al igual que la app de la que depende, puedes instalarla en varias versiones de Linux y en macOS. Eso sí, con una serie de comandos. De momento, no tiene ejecutable al uso.

Pero una vez instalado Quickgui, olvídate de los comandos. Desde su ventana principal podrás crear máquinas virtuales y gestionar las que ya has creado. Durante el proceso, cómo no, te dará a elegir el sistema operativo y versión a descargar para luego instalar. Y desde la app tendrás la posibilidad de abrir las máquinas virtuales, pararlas o, si ya no las necesitas, eliminarlas.

Seguir leyendo: La manera más rápida y sencilla de crear máquinas virtuales de Windows, macOS y Linux

Los atajos de teclado son esenciales para ahorrarnos tiempo todos los días, pero recordarlos cuando trabajas con una docena de programas diferentes resulta casi imposible. Cada aplicación tiene su repertorio de combinaciones y lo más común es buscar en Google la que necesitas justo cuando la olvidas. La buena noticia es que Microsoft ha lanzado una herramienta que resuelve ese problema y está disponible dentro de PowerToys.

Antes de continuar, si no conoces PowerToys o no la tienes instalada, tienes que saber que se trata de un conjunto gratuito de herramientas desarrollado por Microsoft para Windows 10 y Windows 11. Esta aplicación está diseñada para usuarios avanzados o desarrolladores que quieren aumentar la productividad y sacar el mayor provecho del sistema operativo. Si eres usuario común, no te preocupes, es muy fácil de usar y la puedes descargar gratis desde su repositorio oficial de GitHub para instalarla en tu ordenador.

Dicho lo anterior, la Guía de accesos directos de PowerToys es un buscador de atajos de teclado que muestra las combinaciones disponibles para la app que tienes en primer plano. Para abrirla, basta con pulsar Win+Mayús+Ç y aparecerá una barra lateral ubicada en la parte izquierda de la pantalla con el listado de todos los accesos de teclado. Desde ahí puedes desplazarte hacia abajo usando el mouse y cerrarla a través del botón X o presionando la tecla Esc.

También puedes mantener pulsada la tecla Windows. Por defecto, tras 0,9 segundos aparecen indicadores sobre los iconos de la barra de tareas con los atajos de cada aplicación, y desaparecen al soltar la tecla. Este tiempo puede modificarse en las opciones de PowerToys, donde también podrás desactivar el comportamiento o elegir si la barra de accesos directos aparece del lado izquierdo o derecho de la pantalla.

¿Qué programas son compatibles con esta herramienta de atajos de teclado para Windows?

La Guía de accesos directos funciona con casi todas las herramientas y aplicaciones oficiales de Windows. En la lista se encuentran el Explorador de archivos, Bloc de notas y Paint, así como las apps de Microsoft 365 (Office) como Word, Excel, Outlook o PowerPoint. Debido a que esta herramienta funciona a través de manifiestos, existe compatibilidad para los navegadores Edge, Chrome, Firefox y Brave, así como las herramientas de comunicación Teams, Slack, Discord, Telegram y Zoom.

Para los diseñadores y desarrolladores, PowerToys también ofrece soporte para Photoshop, Illustrator, Figma, GIMP, Blender, DaVinci Resolve, Windows Terminal o Postman. La lista se completa con 1Password y Obsidian, el gestor de contraseñas y la app para tomar notas o crear mapas mentales. En caso de que alguna de las aplicaciones que utilices no esté en la lista, puedes añadirla creando un documento con ciertas características.

Esto último es tan sencillo como guardar un archivo YAML dentro de la carpeta %LOCALAPPDATA%\Microsoft\WinGet\KeyboardShortcuts. Cada manifiesto debe indicar el nombre de la app, el filtro de proceso o ventana que detecta cuándo está en primer plano y las secciones con sus atajos. Si activas la instrucción BackgroundProcess: true, los atajos se muestran mientras el proceso esté en marcha, como ocurre con los del propio PowerToys.

Cómo añadir nuevos atajos de teclado a PowerToys

La web de ayuda de Microsoft ofrece un ejemplo para aquellos que deseen optar por esta opción, en donde se incluyen todos los parámetros que debe llevar el manifiesto:

PackageName: +WindowsNT.Notepad
Name: Notepad
WindowFilter: "Notepad.exe"
BackgroundProcess: false
Shortcuts:
  - SectionName: File
    Properties:
      - Name: New tab
        Recommended: true
        Shortcut:
          - Win: false
            Ctrl: true
            Shift: false
            Alt: false
            Keys:
              - N
      - Name: Save
        Shortcut:
          - Win: false
            Ctrl: true
            Shift: false
            Alt: false
            Keys:
              - S

La Guía de accesos directos incluye una sección para fijar aquellos atajos de teclado que más utilices. Para añadirlos, solo tienes que hacer clic derecho sobre la combinación en el listado y seleccionar "Fijar". Una vez que lo haces, estos aparecerán hasta arriba en el listado. La web de ayuda también menciona un cuadro de búsqueda para filtrarlos, aunque en la versión que probamos no estaba activa.

Al igual que otras herramientas de PowerToys, este listado de atajos es muy útil y puedes mantenerlo abierto mientras trabajas con tu aplicación favorita.

Seguir leyendo: Deja de buscar atajos de teclado en Google: Windows ya trae la solución

Al este del Edén, lo nuevo de Florence Pugh para Netflix es más que una miniserie intrigante con una antiheroína de cuidado. Que lo es. También, es una nueva visión de un clásico del cine que llega a la plataforma para una nueva audiencia y un punto de vista renovado. En especial, al conservar la fidelidad a la estructura multigeneracional concebida por John Steinbeck en la obra original. Como se recordará, el aclamado largometraje dirigido por Elia Kazan en 1955 tomó una decisión drástica por limitaciones de tiempo. De modo que descartó los dos primeros tercios del libro para enfocarse de forma exclusiva en el tramo final. Así que retrató únicamente la juventud de los mellizos protagonistas del relato y su disputa filial. 

En contraste, la miniserie de siete episodios de Netflix aprovecha la amplitud del formato serializado para abarcar la monumental saga completa. Lo que permite a Al este del Edén explorar los orígenes decimonónicos de la familia Trask. También, los traumas de la Guerra Civil y el entrelazamiento con la familia Hamilton a lo largo de varias décadas en el Valle de Salinas. Gracias a esto, la miniserie es mucho más que solo un remake y está más enfocada en rendir tributo a la conocida novela original. 

Pero además, Al este del Edén tiene un enfoque del rol femenino que explora en la historia desde una perspectiva impactante. Mientras que la obra de 1955 se enfocaba en Cal Trask (el icónico James Dean) como el eje gravitacional de la trama, la producción de Zoe Kazan subvierte este orden. Eso, al profundizar en Cathy Ames y convertirla en centro absoluto del relato. En la película clásica, el personaje de Cathy se presentaba como una figura secundaria, un arquetipo misterioso de maldad pura.

Una historia para una nueva generación

Sin embargo, la miniserie humaniza a esta formidable antiheroína otorgándole una rica dimensión psicológica. Florence Pugh explora su complejidad interna, transformándola en una mujer que lucha activamente contra las asfixiantes imposiciones de género de principios del siglo XX. Eso, en lugar de retratarla como un monstruo plano. Pero además, Al este del Edén es uno de los mejores estrenos de Netflix del año por las siguientes razones. 

El magnetismo de Florence Pugh como una compleja antiheroína

Florence Pugh asume el reto del oscuro papel de Cathy Ames, desde la óptica de construir una antiheroína compleja. El personaje de Cathy no es una simple antagonista plana. En realidad, es una mujer astuta, fuerte e independiente que utiliza su magnetismo y su agudo intelecto para liberarse de las ataduras de su pasado. Por lo que alterna de forma irreversible el destino de todos los que la rodean. 

La habilidad de Florence Pugh para interpretar al personaje radica en dotar a esta enigmática figura de una humanidad profunda. Por lo que le aleja de los clichés para transformarlo en un estudio psicológico vibrante de manipulación y supervivencia en los albores del siglo XX. Al desplegar una perturbadora mezcla de frialdad calculada y encanto hipnótico, la actriz logra que Cathy solo sea una encarnación de la avaricia. 

En lugar de eso, analiza la idea de una mujer que debe enfrentarse al mundo que la rodea con las pocas armas a su disposición. También, hacerlo en las peores condiciones posibles. Lo que logra con una visión acerca del mal espiritual más cercana a la tragedia y conectada directamente con la inquietante fortaleza de Cathy. Uno de los puntos más interesantes de Al este del Edén. 

Una audaz reescritura de un clásico literario con un profundo legado familiar

Para la ocasión, Al este del Edén se convierte en una adaptación profunda, singular y emotiva de un clásico literario. Todo gracias al guionista y showrunner Zoe Kazan. Para eso, la miniserie en la monumental novela homónima publicada por John Steinbeck en 1952. Esta, una obra cumbre que explora los dilemas bíblicos del libre albedrío, la culpa y la eterna rivalidad entre hermanos a través del mito de Caín y Abel. 

Sin embargo, lo que hace verdaderamente especial a esta versión de Al este del Edén en Netflix es el lazo familiar que la une con el pasado. El propio abuelo de la creadora, el legendario cineasta Elia Kazan, dirigió la icónica adaptación de 1955 que catapultó a la fama a James Dean. Por lo que, lejos de intentar imitar el clásico, Zoe Kazan aprovecha el formato televisivo para ofrecer una mirada mucho más íntima. También, más moderna y detallada, que rescata pasajes enteros del libro original que fueron omitidos en el cine. 

De modo que la producción pone el foco de atención en las dinámicas psicológicas femeninas. A la vez, expande el trasfondo de los personajes. Así que la producción se establece como una pieza única que rinde homenaje a un legado familiar e intelectual invaluable. Al mismo tiempo, reinventa el drama de época para las audiencias contemporáneas con una sensibilidad tan poética como brutal. 

Un reparto coral de primer nivel y una ambiciosa factura técnica y visual

Finalmente, Al este del Edén también puede presumir de un elenco que acompaña a Florence Pugh en su recorrido por la obra original. Por lo que el reparto incluye a Mike Faist y Christopher Abbott, quienes interpretan a los hermanastros Charles y Adam Trask. Ambos, atrapados en una intrincada red de celos, herencias y pasiones desatadas por la llegada de Cathy. 

Este extraordinario triángulo dramático además cuenta con el apoyo de Ciarán Hinds, Martha Plimpton y Tracy Letts. Un grupo de secundarios de lujo que aportan una inmensa gravedad dramática a la crónica generacional. Más allá del talento actoral, la miniserie deslumbra por su monumental escala visual y técnica. Todo, al haber sido filmada en los imponentes paisajes naturales de Nueva Zelanda, específicamente en las regiones de Auckland, Dunedin y Oamaru. Bajo la dirección artística compartida de Garth Davis y Laure de Clermont-Tonnerre, los idílicos parajes se transforman en una recreación perfecta y evocadora. A pesar de que se trata (en la ficción) de las tierras agrícolas del Valle de Salinas en California tras la Guerra Civil. 

El resultado es una experiencia inmersiva extraordinaria donde la majestuosidad de la fotografía, la minuciosidad del diseño de vestuario y la opulencia visual. Una mezcla que sirve como un lienzo perfecto para retratar las pasiones humanas más crudas, haciendo de cada capítulo de Al este del Edén un verdadero deleite narrativo.

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Los fanáticos de las aventuras de Nathan Drake están de parabienes, pues filtraciones recientes afirman que Naughty Dog ya trabaja en Uncharted 5. La próxima entrega de la aclamada saga ya tendría director confirmado y apuntaría a convertirse en el centro de atención del estudio una vez que finalice con el juego que actualmente tiene en marcha.

Los detalles sobre Uncharted 5 son todavía escasos, pero los primeros indicios que han salido a la luz son bastante interesantes. Después de todo, no solo estamos hablando de una propiedad intelectual que ha cosechado una importante base de fanáticos en todo el mundo; también es una saga que parecía haber llegado a su final o que, como mínimo, ya no era la prioridad número 1 de Naughty Dog.

Tengamos en cuenta que, después de años enfocados en Uncharted y The Last of Us, Naughty Dog decidió apuntar sus cañones a un nuevo desafío. Así nació Intergalactic: The Heretic Prophet, el próximo título del equipo que lidera Neil Druckmann. Dicha propuesta se anunció en 2024 y todavía no tiene fecha de lanzamiento, pero sus responsables recientemente han comentado que el objetivo es hacer una presentación completa en algún momento de 2027.

Algunos dan por hecho que Intergalactic se lanzará el próximo año, pero a estas alturas es imposible saber si realmente será así. No obstante, lo que suceda con este título puede ser crucial para el futuro y destino de Uncharted 5.

Naughty Dog se pone manos a la obra con Uncharted 5

De acuerdo con filtraciones recientes de MP1st y VGC, Uncharted 5 será el siguiente juego de Naughty Dog tras Intergalactic: The Heretic Prophet. Los detalles de la trama y la narrativa todavía son nulos, aunque sí se menciona que ya se ha apuntado a un viejo conocido de la franquicia para que se encargue de la dirección.

Puntualmente, dicha misión recaería sobre Shaun Escayag, quien estuvo a cargo del spin-off Uncharted: The Lost Legacy que se lanzó en 2017. Vale mencionar que, más allá de la presunta elección de Escayag como director, no hay más información respecto de quiénes podrían acompañarle en el equipo creativo.

Los primeros reportes sobre Uncharted 5 han despertado todo tipo de especulaciones sobre el rumbo que podría tomar esta entrega. La conclusión de Uncharted 4: A Thief's End presentó a un Nathan Drake más veterano, contándole sobre sus aventuras a Cassie, su hija. Esto ha disparado conjeturas sobre que la siguiente entrega podría “jubilar” a Drake y cederle el protagonismo a la adolescente.

La hipótesis se basa principalmente en el hecho de que Escayag ya tiene experiencia lidiando con historias de Uncharted que no involucren a Nathan Drake. Tengamos en cuenta que The Lost Legacy fue el primer juego de la franquicia que no incluyó al personaje original. De todos modos, estamos hablando de presunciones que tal vez no tengan ningún tipo de asidero.

Superando el trauma

Que Naughty Dog esté trabajando en Uncharted 5, por preliminar que sea la etapa que transita, es una señal positiva. No olvidemos que Uncharted 4 fue una experiencia particularmente traumática para el estudio. Los primeros trabajos en dicho título se iniciaron a finales de 2011, poco después del debut de Uncharted 3, con Amy Hening y Justin Richmond al comando. Sin embargo, en marzo de 2014, Hening dejó la compañía bajo circunstancias que hasta el día de hoy no son del todo claras.

Neil Druckman y Bruce Straley, los encargados de The Last of Us, tomaron el testigo y se hicieron cargo de Uncharted 4. El juego sufrió grandes modificaciones a nivel de historia, lo que empujó a los empleados de Naughty Dog a trabajar bajo una enorme presión, llevándolos hasta el límite de sus capacidades (y posibilidades). El título finalmente debutó en 2016 y la gran mayoría de las personas involucradas en su desarrollo se fueron del estudio.

Así las cosas, no parecía posible que una nueva entrega de la saga principal de Uncharted viera la luz. Sin embargo, la cosa parece estar cambiando. La puesta en marcha de Uncharted 5 parece demostrar que, tras una década, Naughty Dog está superando el trauma.

Eso sí, las perspectivas en materia de plazos son todavía dudosas. Apenas días atrás, Druckmann reveló que la firma ha puesto en marcha dos proyectos de The Last of Us que podrían tratarse de juegos. Y si bien se ha reportado que Uncharted 5 sería el siguiente juego tras Intergalactic: The Heretic Prophet, no se descarta que pueda haber cambios en la hoja de ruta.

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Verity. La sombra de un engaño, incluso antes de su estreno, tiene un problema que resolver. El del sobrevivir a la fama del libro que se adapta y, en especial, a la de la controvertida escritora Colleen Hoover. La autora, responsable de éxitos polémicos como Romper el círculo y A pesar de ti, se ha distinguido por atravesar un terreno pantanoso. El de convertir romances tóxicos y otras historias complicadas en aventuras románticas con un final feliz. Y Verity. La sombra de un engaño no es la excepción. Peor aún, lleva esa fórmula a nuevos lugares, sin ninguna ambición y sí mucho afán de polémica. 

Lo peor es que Verity. La sombra de un engaño tenía, al menos, mejores motivos que el resto de las adaptaciones de la escritora para resultar satisfactoria. Después de todo, con Nick Antosca (Cape Fear) como guionista y Michael Showalter (The Dropout), las posibilidades de indagar exitosamente en personajes siniestros eran obvias. Pero el problema radica en que la película pierde muchísimo tiempo en solo regodearse con la posibilidad de un romance incómodo. Hacerlo, además, intentando sacar provecho de la evidente química entre sus siniestros personajes. Pero eso sin llegar a profundizar en ninguno de los temas que propone.

De la infidelidad al plagio, pasando por la violencia doméstica. Lo cierto es que Verity. La sombra de un engaño podría ser tanto un thriller erótico, uno de suspenso o un cuento de horror íntimo. Pero la trama de la película no solo pierde su tono y ritmo demasiado pronto. Además, jamás define hacia dónde se quiere dirigir o, en el mejor de los casos, qué desea contar. Por lo que, a pesar del esfuerzo del argumento por resultar intrigante, la cinta termina por ser una colección de partes mal armadas de una historia confusa. 

Un triángulo amoroso que resulta monótono y predecible

Lo más desconcertante es que la historia de Verity. La sombra de un engaño tiene todo para ser siniestra, inquietante y perversa. Solo que no es ninguna de esas cosas. Lowen Ashleigh (Dakota Johnson, en una actuación sin entusiasmo) es una escritora de Nueva York más o menos conocida, que lucha contra su síndrome de impostor. Y este matiz es uno de los pocos a los que la película dedica algo de interés. Por lo que Lowen pronto deja claro que escribir para ella es esencial. Pero, que a pesar de eso, no tiene la fama, el reconocimiento y la voluntad de ser algo más que una amateur con un par de libros publicados. 

Por lo que, cuando su publicista Cory (Ismael Cruz Córdova) le ofrece ser un ghostwriter de un cliente anónimo, aceptará escuchar. Lo que la termina llevando a una reunión con Jeremy Crawford (Josh Hartnett), el adorable esposo de la autora Verity Crawford (Anne Hathaway). Rápidamente, la cinta avanza hacia su punto más tortuoso. Verity sufrió un accidente y Jeremy busca a un profesional capaz de concluir una obra que se quedó a medias en la tragedia. El guion no tiene demasiado interés en plantear cómo un trato semejante es posible. Por lo que, de la misma manera que el libro, lo soluciona insinuando un acuerdo de confidencialidad. 

Pero lo que resulta más complicado es que el argumento jamás resuelve el problema del que depende la credibilidad de la premisa. ¿Por qué Lowen es la escogida para un trabajo tan crítico? Puede parecer poca cosa. Pero en una historia basada en la ambición y la violencia, ese matiz explicaría el interés de los Crawford en la joven escritora. Sin embargo, como en otros tantos temas, la cinta avanza sin ton ni son para dejar claro algo. La misteriosa Verity cree que Lowen es la ideal para el empleo. Y siendo así, la propia Lowen lo acepta sin preguntas o no muchas, en cualquier caso. 

Un melodramón sin nada de misterioso

Todo se vuelve previsiblemente peor a medida que la película indaga en cómo llevar a cabo una labor semejante. Algo que incluye que Lowen se mude a la aislada residencia de los Crawford en Vermont y comience a trabajar en la obra inacabada. Pero a medida que avanza en empaparse del estilo de la autora, debe enfrentar varias situaciones en paralelo. Verity no solo está enferma. En realidad, se encuentra postrada en cama y catatónica desde el día del accidente que sufrió. Pero peor aún, un proyecto secreto parece indicar que todo lo que ocurre en la vida de la escritora es depravado y violento. 

Eso, claro, mientras Lowen comienza a sentir una inevitable atracción por Jeremy. No obstante, nada de esa sensación de horror creciente se desarrolla y Verity. La sombra de un engaño pierde tiempo de forma caótica. De largas secuencias de Lowen leyendo la obra de Verity obsesionada, a Jeremy dando vueltas a su alrededor como una especie de estudio del clásico marido sospechoso. La cinta parece no avanzar a ninguna parte y los momentos más perversos son, en realidad, cuando la voz en off de Verity lee su propia obra. ¿Más extraño todavía? La sensación de que la película parece esconder un misterio a punto de revelarse. No obstante, el guion tiene tan poco entusiasmo en hacerlo que va a la deriva en medio de sus temas y puntos claves. 

Verity. La sombra de un engaño comete más de una vez, el error de sobreutilizar el recurso de confundir la ficción con la realidad. Y hacerlo, pasando de situaciones dantescas o directamente depravadas, a un vacío frío y aburrido. Lo más confuso, es que la película funciona bien cuando se arriesga a ser más que una adaptación palabra por palabra de la novela. Y en realidad, varios de sus momentos más angustiosos provienen de giros que se alejan del original. Pero la mayoría de las veces, el guion solo se limita a repetir palabra por palabra la novela original. Además, arrebatándole a la historia cualquier atisbo de oscuridad. 

‘Verity. La sombra de un engaño’ más de lo mismo

Decepcionante, insípida y más interesada en insinuar que mostrar, Verity. La sombra de un engaño se queda a medias en su premisa. Por lo que al final, no hay otra cosa que una serie de escenas que pretenden ser incómodas, sin serlo. Aun así, la película se salva del fracaso total gracias a su elenco. Anne Hathaway logra crear un personaje complejo, monstruoso y cercano que resulta, a buena distancia, el punto más disfrutable de toda la historia. 

Más débil resulta la Lowen de Dakota Johnson, frágil, torpe y usualmente sin mucho que decir. Lo peor, es que es evidente que el personaje pudo ser más que solo un accidente de argumento o una heroína en desgracia. Lo mismo ocurre con el Jeremy de Josh Hartnett, unidimensional, pero con momentos de vivacidad que evitan que sea monótono. Con todo, Verity. La sombra de un engaño pudo ser más que solo una copia al carbón de una novela pasable. Y quizás, su mayor problema sea insinuar todo lo extraña, brutal y oscura que pudo ser, sin atreverse a dar un paso en esa dirección. 

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Primetime con Robert Pattinson se convirtió desde su estreno en una de las películas más interesantes de la temporada. Y razones no faltan. No solo se trata de un complejo caso de la vida real que abrió un durísimo debate sobre la ética televisiva. También, una reflexión angustiosa y turbia sobre los límites de la búsqueda de la fama y el reconocimiento. Todo en el terreno complicado de un delito de extrema gravedad como es la pederastia. Pero mucho más, la manera en que incluso una cruzada en apariencia moral se convierte en algo más retorcido y peligrosamente ambiguo. 

Para eso, la trama sigue el ascenso meteórico y la posterior crisis moral de Chris Hansen, interpretado de forma inquietante por Robert Pattinson. La cinta retrata cómo un segmento dentro de Dateline de NBC, llamado To Catch a Predator, se convierte rápidamente en un fenómeno de audiencias. Eso, al explorar un giro controversial: la de tender trampas a posibles pederastas, que luego eran descubiertos en vivo y en medio del consecuente escándalo público. Por lo que la cinta de Lance Oppenheim es una deconstrucción satírica y oscura de la maquinaria mediática de mediados de los años 2000. 

A medida que el programa es trasladado al codiciado horario de máxima audiencia y su repercusión se hace mayor, algo turbio se mueve al fondo. En especial, cuando la obsesión del carismático presentador y su equipo de producción por generar momentos cada vez más escandalosos se vuelve polémica. También, desdibuja peligrosamente la frontera entre la verdadera justicia criminal, la legalidad de los operativos y el entretenimiento de masas de consumo masivo. Lo que llevó al final a una previsible desgracia. Un suicidio que terminó por sacudir los cimientos de la televisión norteamericana. 

‘Primetime’, una película sobre la moral en los medios de comunicación

Desde su estreno en la competencia oficial del 83.º Festival Internacional de Cine de Venecia, Primetime impactó. En especial, porque la actuación de Robert Pattinson abrió un debate más allá de sus habilidades como actor. La de mostrar al conocido conductor televisivo como una figura turbia, inquietante y que aprovechó la denuncia de delitos para cimentar su fama. Eso debido a que la película se sumerge en las dinámicas internas de la producción televisiva. Todo para mostrar el trabajo conjunto con el grupo de vigilantes digitales Perverted Justice, liderado en la ficción por Matthew Maher. 

Pero Primetime va más allá de solo describir el controversial método de casa de Hansen o sus verdaderas intenciones. A la vez, analiza a la cínica productora Andie Bender (Merritt Wever) y a los jóvenes actores que hacían de cebos en línea (Skyler Gisondo y Phoebe Bridgers). Todo un equipo llevado por la ambición y la avaricia. Un punto que transforma gradualmente a la cinta de un thriller de investigación a un relato de terror psicológico institucional. 

El guion de Ajon Singh utiliza un humor negro sumamente incómodo para desnudar la hipocresía corporativa de la época. Exponiendo así cómo el noble propósito original de alertar a los padres y limpiar el mundo de agresores sexuales en internet se deforma sistemáticamente. En especial, cuando las dinámicas de humillación pública televisada empiezan a provocar consecuencias incontrolables y trágicas en el mundo real. Uno de los puntos más altos de Primetime es la capacidad de la cinta para no ser moralmente sermoneadora. Tampoco, una colección de clichés éticos. Más allá de eso, es una reflexión durísima sobre la posibilidad del mal contemporáneo, instrumentalizado por la fama. 

El relato del caso real: El operativo encubierto en Murphy, Texas

La trama de Primetime se basa parcialmente en lo acontecido en la vida cotidiana durante el auge del programa en noviembre de 2006. El equipo de producción de To Catch a Predator, en una alianza logística con la policía de Murphy (Texas), montó un masivo operativo encubierto. Para eso, utilizó una residencia completamente plagada de micrófonos y cámaras ocultas. 

El objetivo de la redada era atraer a adultos que habían sostenido conversaciones de índole explícita a través de chats de internet con señuelos cibernéticos. Todos los cuales se hacían pasar por menores de edad de 13 años. La dinámica consistía en que, una vez que el sospechoso cruzaba el umbral de la puerta esperando encontrarse con un adolescente, Chris Hansen los confrontaba. Todo para después leer las transcripciones de sus chats frente a las cámaras encendidas. Justo antes de que la policía local ejecutara el arresto formal en el patio de la casa. 

Pero la tragedia que marcó el fin para el programa (y que Primetime cuenta) tuvo como protagonista a Louis William Bill Conradt Jr. Alex Winter Conradt no era un ciudadano común. Se desempeñaba como un respetado fiscal de distrito adjunto del condado de Rockwall, Texas. Tras entablar conversaciones explícitas con dos señuelos del programa que simulaban ser varones de 13 años, Conradt acudió a la casa en Murphy. Pero presintiendo el peligro o por motivos personales, decidió no presentarse a la cita pautada. 

Ante la posibilidad de perder una historia semejante, Hansen, la productora y un numeroso contingente de agentes, junto con las cámaras de Dateline, decidieron actuar. Por lo que se desplazaron de inmediato hasta el domicilio particular del fiscal para ejecutar una orden de arresto por posesión de pornografía infantil. Al verse rodeado por las patrullas y acorralado por el inminente escrutinio de las cámaras que destruirían su carrera, Conradt se encerró en su habitación. Eso para después suicidarse dándose un tiro antes de que las autoridades pudieran derribar la puerta. 

Las secuelas legales y el debate sobre la justicia espectáculo

El desenlace de este trágico suceso real desató una colosal tormenta mediática, jurídica y ética. Una que obligó a la cancelación definitiva del show en 2007. La hermana del fallecido fiscal, Patricia Conradt, interpuso una multimillonaria demanda civil por valor de 105 millones de dólares contra NBCUniversal. La acción legal acusaba a la cadena televisiva de haber presionado de manera indebida a la policía local para realizar un despliegue innecesariamente agresivo. Todo con el único fin de inflar los niveles de audiencia de la cadena. Lo que forzó una situación de estrés extremo que propició el suicidio. 

Aunque NBC disputó enérgicamente los cargos alegando que las acusaciones de pedofilia eran severas y verídicas, la corporación prefirió evitar el escrutinio de un juicio. Por lo que alcanzó un acuerdo económico extrajudicial confidencial ese mismo año. Todos los hechos que Primetime muestra en la cinta. ¿Un dato curioso? La trama está basada en un artículo periodístico de la revista Esquire escrito por Luke Dittrich. Titulado "Tonight on Dateline: This Man Will Die", profundiza en los peligros de privatizar la justicia en aras del entretenimiento masivo. Algo que Primetime muestra de manera retorcida y directa. 

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