Churros y Palomitas

Viernes de Videos: t.o.m.

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 31 May 2013 07:11:12 PDT

En esta ocasión tenemos un sensacional corto animado en el que vemos la historia de un niño y como se prepara para ir a la escuela. Historia sencilla, muy sencilla, con un detalle sorpresivo, realizado por Tom Brown y Daniel Gray. Pueden saber más del corto multi premiado por acá.

Viernes de Videos: Kingdom Come

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 24 May 2013 06:58:05 PDT

En esta ocasión le dedicamos tiempo a un fanfilm enfocado en la genial historia de Mark Waid y Alex Ross: Kingdom Come. En un futuro post apocalíptico en que la siguiente generación de héroes olvido el significado de esa palabra, un Superman retirado regresa para arreglarlo todo, pero no será nada fácil.

Halley

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 28 May 2013 09:35:03 PDT

Presentada en nuestro país en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia y habiendo tenido cabida en festivales como el de Sundance y Rotterdam es que finalmente llega a las pantallas comerciales Halley, película mexicana hecha solo para estómagos fuertes.

Alberto (Alberto Trujillo) padece una enfermedad que parece dejarlo muerto en vida. Se siente mal, sin ganas de nada, pero lo peor no es como se siente sino como está. Su cuerpo empieza a descomponerse, desde dentro, poco a poco. Mientras busca retirarse de su vida cotidiana como guardia en un gimnasio, empieza a establecer su primer relación significativa con Silvia (Luly Trueba), la gerente del mismo, con quien no había socializado a pesar del tiempo que han trabajado juntos.

Estando en el pasado festival de Morelia charlaba con Rebeca y Cristina acerca de lo visto en el mismo. Ellas habían tenido oportunidad de ver Halley en función de prensa mientras yo esperaba mi turno para verla en función de "prensa que no alcanzó lugar para la función de prensa y paga sus boletos ya que la organización del festival no los trata como prensa", mejor conocida como función de público general. Al preguntarles si valía la pena verla, me comentaban que era más importante preguntar si tendría estómago suficiente para aguantarla. De momento no entendí muy bien la pregunta hasta que vi en la cinta a lo que se referían.

Una de mis temáticas y críticas más comunes con el cine festivalero mexicano es el abuso de la narrativa contemplativa. Halley la usa pero en lugar de enfocarse en lugares o momentos, se enfoca en el ser humano per se. Planos largos, algunos en cámara lenta, con acercamientos microscópicos, en donde podemos ver el proceso degenerativo del cuerpo de Alberto. Esto sirve para ilustrar como empieza la descomposición tanto física como mental del personaje. El planteamiento y recurso es relativamente sencillo pero al cambiar el enfoque, se logra algo refrescante. El cuerpo mismo como el escenario de la historia. Alrededor tenemos más elementos como la confrontación con la soledad, la preparación ante un futuro aparentemente inevitable, y la lucha por aferrarse, aun con los recursos mínimos, a la existencia. Todo ello forma parte de la existencia en descomposición de Alberto.

La historia en sí no nos maneja un drama desolador aunque ese sea el aparente recorrido del personaje. Más bien podría catalogarse como un terror cercano. No hay elementos sobrenaturales que hayan ocasionado el padecimiento, nada que ver con "maldiciones ancestrales". Debido quizás a la casualidad es que el mal se genera desde dentro y quiere acabar con el protagonista que se aferra a la vida, aunque no sea una vida precisamente envidiada. El cuerpo como el enemigo definitivo del que no puedes deshacerte sin terminar con tu existencia.

De las cintas que estuvieron en competencia en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, esta fue la que me dejó más satisfecho (la ganadora es No quiero dormir sola de Natalia Berinstain, sin embargo no es una película que recomiendo a cualquier persona. El cine contemplativo festivalero tiene cierto tipo de público, pero no es lo mismo los planos largos que muestran la rutina citadina o los paisajes campiranos a ver le proceso de descomposición del cuerpo en tomas de precisión milimétrica. El acercamiento de cámara sirve para aproximarnos a ese proceso que ocurre de manera cotidiana, pero de manera más pausada, en nosotros mismos. Al final el terror y el drama pueden incluir elementos incluso de humor, pero uno muy negro, justo como la vida misma.

Si pueden verla y tienen el estómago para aguantar el manejo visual mencionado, Halley los dejará muy satisfechos. Una historia sencilla, un manejo distinto y sí, la aplicación de uno que otro cliché, pero que en conjunto funcionan de manera efectiva. Una película de un muerto andante con quien llegas a empatizar en lugar de querer cortarle la cabeza.

Viernes de Videos: Duran Duran por David Lynch

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 17 May 2013 07:01:59 PDT

Uno de los proyectos que se presentan en Cannes viene de la mano de David Lynch y es el concierto de Durán Durán en Los Ángeles, en marzo del 2011, el cual tuvo la aportación del director. Buena parte del mismo puede ya verse en línea, pero la versión del director se pone de oferta en el Film Market de Cannes. Por lo pronto aquí tienen Reach Up For The Sun.

Mariachi Gringo

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 12 May 2013 18:00:11 PDT

“La película mexicana más polémica de todos los tiempos” bien podría ser el tagline que acompañe el poster de la cinta Mariachi Gringo, película que despertó comentarios un tanto negativos en la emisión del 2012 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, especialmente cuando ganó el premio a mejor película y mejor actriz en dicho festival. ¿En serio es tan mala o se rescata dentro del género palomero la historia de cómo vive el Mexican Dream un oriundo del país del norte?

Edward (Shawn Ashmore) está cansado de su vida en un pequeño pueblo en Kansas. Como no tiene súper poderes ni viene de otro planeta todo parece que seguirá con su aburrida existencia hasta que conoce a Alberto (Fernando Becerril), dueño de un restaurante de comida tradicional mexicana donde Edward conoce la cultura y más importante, la música. Es entonces que decide dejarlo todo y viajar a Guadalajara con el único objetivo de volverse mariachi

El cine festivalero tiende a dar lugar al mal llamado “cine de autor” o “cine de arte” el cual difícilmente tiene lugar dentro de los circuitos comerciales. El hecho de que Mariachi Gringo se haya presentado en la emisión del FICG que tuvo una de las peores organizaciones en años recientes del festival le ayudó, especialmente porque ganó el premio principal y es una cinta con tintes comerciales muy marcados. Es como si Nosotros Los Nobles le ganara a Post Tenebras Lux el premio a mejor película en mi Festival Internacional de Proyecciones de Azotea donde el jurado tiene la credibilidad de expertos (como los curadores del catálogo de películas de Klick, de Cinépolis, ustedes saben). Ciertamente la cinta no merecía el premio pero quizás en parte respondía al comentario de Alfredo Joskowicz, homenajeado en dicho festival (el de Guadalajara, no el de azotea), quien mencionó que esos foros tendían a premiar un cine “muy autoral pero también muy aburrido). Quizás la respuesta fue Mariachi Gringo, una cinta palomera y entretenida. Lo triste fue que en el mismo festival competían cintas con una manufactura y realización impecable como Días de Gracia o la misma La Demora, obras muy distintas pero que podrían dejar más satisfechos a los miembros de la crítica.

¿Qué elementos hacen que una cinta tenga éxito y aceptación? En ocasiones es difícil de predecir, especialmente si queremos dejar satisfechos tanto al público en general como a la crítica especializada. Una buena película no necesariamente refleja su calidad en la taquilla y una cinta exitosa no necesariamente debe de ser buena. Hay casos honrosos que deberían ser la norma, no la excepción, pero con todo y esto, se pueden considerar algunos elementos que garanticen el éxito comercial de una cinta, especialmente si es un proyecto más pequeño y no se cuenta asegurada una distribución masiva.

Mariachi Gringo toma algunos de estos elementos. Su actor principal es recordado por haber interpretado a Ice Man en la saga de los X-Men. Su presencia no atrae al público en sí, pero es un rostro conocido. Por otra parte contamos con Martha Higareda, reconocida por el público mexicano, así como a Adriana Barraza, quien es una actriz reconocida a nivel internacional. A la vez se incluye la aparición tanto actoral como musical de Lila Downs, cuyo solo nombre podría garantizar más interés en la cinta.

Algunos compañeros se han quejado con que la cinta es “prescindible”, así como abusa del hecho de que el estereotipo del mexicano sea el de alguien que “toma tequila, escucha mariachi y de preferencia, es jalisquillo”. De pronto me dan risa este tipo de comentarios (algunos leídos de la crítica publicada en Cinegarage) porque juega desde el lado opuesto de la cancha con algunos de los clichés presentados en buena cantidad de cintas, nacionales o extranjeras. La molestia en que el ideal gringo que quiere alcanzar nuestro mariachi en ciernes esté basado en el estereotipo de zona de Jalisco debe de herir susceptibilidades, especialmente cuando más de la mitad de las películas hechas en México ilustran en su mayoría la realidad nacional en el Distrito Federal o en algún pueblito mágico provinciano. El ideal del sueño americano (visto por el mexicano) es el cruzar la frontera, conseguir chamba y dinero para mandarle a la familia que se quedó del otro lado. ¿Hay algún problema con que el sueño mexicano del estelar sea más banal y solo busque darle forma a lo que quiere hacer, sin buscar mayor beneficio para la humanidad o una búsqueda de sentido trascendental?

La cinta usa clichés tanto en la narrativa como en los elementos presentados (música, estereotipos de lugar, comida, personalidad). Curiosamente no veo quejas tan marcadas con otras cintas que nos llegan producidas en el vecino país del norte. ¿La película es prescindible? Desde luego. No recuerdo una cinta que sea imprescindible para seguir viviendo. A final de cuentas es una obra hecha con el propósito de entretener y de ser exhibida, cosa que al parecer algunos representantes del “cine de autor” no tienen en mente.

Mientras que la cinta tiene su buena cantidad de defectos puedo decir que al verla, quedé bastante satisfecho con una cinta que entretiene y no tiene mayor aspiración que el ser vista. La pongo al nivel de la tradicional comedia romántica gringa promedio, con la diferencia de que esta cinta también sirve como bonito video de turismo del estado de Jalisco. Es una coproducción México y Estados Unidos, y como el director es del país del norte, quizás sea otro de los aspectos que hicieron que a muchos no les fascinara la idea de que ganara premios esta cinta en Guadalajara. ¿Para qué darle reconocimiento? ¡Mejor que se vayan a su país y nos dejen nuestros premios a nosotros! Claro, ya mencioné que la cinta en realidad no merecía dicho premio pero a eso sonaban algunos críticos que estaban dispuestos a defender el orgullo mexicano. Los mismos críticos se molestaban ante la visión gringa de un ideal, visto desde afuera, de cómo se vive en nuestro país. Me imagino que mi sueño de cruzar la frontera y ser rockstar es igual de descabellado.

A final de cuentas Mariachi Gringo es una cinta palomera, de esas que uno puede ver en domingo y divertirse sin mayores aspiraciones. En lo personal la disfruté bastante y la defiendo y creo que soy una de las pocas personas que escribe defendiéndola. Claro, la cinta no necesita mis palabras para legitimarse o demostrar que es lo que es. Curiosamente se nota que busca el propósito de ser exhibida ya que mientras para encontrar información o páginas oficiales sobre otras cintas mexicanas puedo tardarme algunos minutos, todo lo referente al Marichi Gringo es fácil de encontrar, desde página oficial, fanpage en Facebook, cuenta de Twitter, soundtrack o descargas, incluso uno puede acceder a lugares y fechas de exhibición, en donde menciona incluso que otras cintas se están proyectando. Ese es uno de los detalles que los encargados de esta cinta logran mucho mejor que otras de la competencia. Al final del día el público solo va a ver una cinta sobre la que ha escuchado y puede encontrar información al respecto.

La Demora

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 12 May 2013 18:00:47 PDT

Rodrigo Plá es uno de esos directores nóveles que han dado cosas interesantes al cine mexicano, especialmente si consideramos que es de origen uruguayo. Se dio a conocer con la multipremiada Desierto Adentro y después tuvo corrida más comercial con su ópera prima La Zona, que curiosamente salió al público después de su segunda cinta. A más de un año de haberse presentado en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (emisión 27) es que llega a la cartelera regular La Demora, historia en la que se separa de la ambientación mexicana para ir un poco más al sur del continente.

María (Roxana Blanco) es una madre soltera con hijos a quienes apenas logra mantener. La presión económica y social hacen que la hija no sepa que hacer. No puede hacerse cargo de su padre (Carlos Vallarino), quien por su senilidad, necesita cuidados, pero debido a que ella no está en situación de pobreza extrema, tampoco puede acudir al apoyo de instituciones donde el recluirlo en un asilo podría hacer más fácil la vida tanto de su padre como la de ella. ¿Qué opciones quedan a la pobre María para poder salir adelante?

Rodrigo Plá es del selecto gremio de directores nacionalizados que hacen que uno pueda tener fe en el cine mexicano (Pablo Larraín, ¿qué esperas para ser connacional?). Narra una historia sencilla, con pocos actores, donde se explota la capacidad de los mismos y lo que podría ser un melodrama tramposo y barato termina convirtiéndose en una historia efectiva.

Cuando escribí sobre Mucho Ruido y Pocas Nueces mencionaba sobre como de pronto parece que el cine nacional está encasillado en la misma fórmula que al final se siente como si nos contaran la misma historia, una y otra vez. En esta ocasión Plá toma algunos de esos elementos de dicha fórmula, pero el hecho de que logre hacer que al espectador le importe y sienta empatía por los personajes, es uno de los elementos que ayuda a que la cinta funcione. El drama es pequeño, es personal, es entendible. ¿Qué haces cuando quieres corresponder al amor y cuidado de tus padres pero no estás en posición de corresponderles? ¿Qué tan difícil puede ser la transición del ser cuidado a ser el cuidador con una misma persona? ¿Qué ocurre cuando por orgullo no queremos aceptar la ayuda de los demás? Dentro de la sencillez de la narrativa se contiene la dificultad del tema y la toma de decisiones que debe de hacer nuestro personaje principal. Preguntas que quizás algunos nos hemos hecho, especialmente cuando contamos con parientes mayores.

Con un lanzamiento limitado que desafortunadamente no creo que sobreviva muy bien en cartelera, especialmente si consideramos que la gran mayoría de las pantallas están ocupadas por Hombres de Hierro o Viajes a las Estrellas, La Demora es una cinta que vale mucho la pena ver. Afortunadamente se estrena apenas a un año de haberse presentado en un festival de cine en México, junto con Mariachi Gringo, pero a diferencia de esa cinta, la obra de Plá no está diseñada para fines comerciales, sino para exponer un tema de manera sobria, realista y bien ejecutada. Ojalá que la saturación del cine veraniego no haga que pase desapercibida para aquellos que saben apreciar algo de buen cine.

Viernes de Videos: Superman vs Lex Luthor

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 10 May 2013 07:17:21 PDT

Mientras más se acerca la fecha del estreno de Man of Steel, más suben las expectativas sobre lo que promete ser una cinta genial. Curiosamente, algunas personas se preguntan dónde está Lex Luthor, quien no es el villano para el nuevo inicio de la franquicia del Hombre de Acero. Quizas este video responda esa duda.

En Trance

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 07 May 2013 03:26:18 PDT

El enigma de la mente humana y la memoria ha sido tratado de muchas maneras. Danny Boyle nos comparte su enfoque en el thriller En Trance. ¿Vuelve el director británico a su estilo original o veremos una ceremonia olímpica hecha película? Eso es lo que veremos a continuación.

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Danny Boyle regresa después de ese interesante experimento narrativo conocido como "Ceremonia de Apertura y Clausura de Juegos Olímpicos". Ahora en el terreno del cine es que nos trae una historia en la que retoma un poco de sus orígenes en el que el misterio, el drama y el crimen se ven acompañados por el talento de James McAvoy, Vincent Cassel y las curvas peligrosas de Rosario Dawson.

Simon (interpretado por McAvoy) trabaja en el nada despreciable negocio de la subasta de arte. Su labor es bastante tranquila y no debería tener ningún inconveniente, además de que ha sido entrenado para saber que curso de acción tomar en caso de cualquier incidente. El problema es que cuando ocurre un asalto en su línea de trabajo, pueden surgir pequeñas complicaciones. Es entonces cuando la historia se vuelve borrosa, Simon es golpeado en la cabeza por Franck (Vincent Cassel), uno de los asaltantes y nadie sabe que pasó con la obra de arte que servía de objeto del deseo de la subasta. El único lugar donde se encuentra esa información es en la maltrecha cabeza de Simon, quien deberá recurrir a la ayuda de Elizabeth (Dawson), una hipnoterapeuta que podría encontrar pistas para resolver la historia.

El inicio de En Trance nos muestra lo mejor de Boyle. Su sentido del ritmo, de la estética y de como contar una historia de manera efectiva están presentes mientras Simon nos explica lo que ocurre y su papel en la trama. La cinta avanza y mientras se dan giros interesantes que desarrollan la intriga y nos hacen dudar de quién es en realidad el héroe o heroína de la trama. Todos tienen motivos ocultos y la manipulación se da al por mayor. Nuestro personaje principal es torturado y manejado por alguien que lo ayudó a resolver un problema y ahora quiere algo a cambio. La terapeuta establece las reglas de su juego, ya que si quieren acceder a los recuerdos de Simon, deberán comportarse de cierta manera, lo quieran o no. Finalmente, el personaje más transparente podría ser el mismo Franck. Después de todo si tiene un interés monetario, lo establece desde el principio, pero eso no significa que esté libre de cualquier manejo o manipulación.

El principal problema que tiene En Trance es que conforme se desarrolla la trama y empiezan a surgir más vueltas de tuerca, empieza a perder consistencia y verosimilitud. Claro, es una historia ficticia que puede permitirse estirar los posibles juegos que se hacen sobre la mente y la memoria de un personaje, pero ¿qué tanto pueden cambiar los elementos en su cabeza sin que estos terminen explotándola? ¿Qué tanto puede uno ser manipulado para terminar como un personaje distinto? ¿Qué tan conveniente debe de ser el desarrollo de la historia para que tantas casualidades se conjunten para darnos la segunda mitad de la cinta? Afortunadamente el buen manejo que tiene como director Boyle hace que no nos hagamos estas preguntas sino hasta que termina la película, lo que demuestra lo bien que domina el fino arte de la dirección.

La secuencia inicial de la película hace que valga la pena pagar el boleto por ver la cinta. La primera mitad es lo mejor, cayendo un poco para el desenlace, sin embargo En Trance es una de las cintas más recomendables que hay en cartelera. Aunado al excelente soundtrack y el juego de ritmo e imágenes lo más probable es que si la ven, salgan satisfechos del cine. Danny Boyle sigue siendo un cineasta que vale la pena checar y ni hablemos de la exquisita Rosario Dawson, quien muestra sus encantos (actorales y los otros) en la cinta.

Cinco de Mayo: La Batalla

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Mon, 06 May 2013 06:29:56 PDT

Esta crítica también está disponible en el 4to Especial de Cine Mexicano, así como en nuestro Fanpage de Facebook.

Una de las grandes maldiciones de la producción cinematográfica nacional es que fuera de Vámonos con Pancho Villa no hay precisamente cintas basadas en personajes o sucesos históricos que valga la pena recomendar. Esto es particularmente curioso ya que debido a la celebración del Bicentenario y Centenario, se hicieron cintas enfocadas en ambos eventos para conmemorar a los héroes patrios. Para celebrar una de las pocas victorias militares mexicanas es que surge la película 5 de Mayo: La Batalla. ¿Cae dentro del género de las olvidables o finalmente sale la casta con una producción decente sobre un evento histórico?

Francia, incitada por algunos conservadores mexicanos, envía tropas a México. ¿El propósito? Establecer una monarquía, extensión del imperio de Napoleón III, en el continente americano. Nuestro país se encuentra en quiebra y ha suspendido el pago de sus deudas a naciones extranjeras entre las que se encuentran España, Inglaterra y Francia. Usando esto como pretexto es que inicia una invasión que promete acabar con la incipiente nación mexicana. El punto clave en que se definiría el destino de nuestro país es la batalla luchada el 5 de Mayo.

Rafael Lara, quien ha dirigido cintas como El Quinto Mandamiento y Labios Rojos, se da a la tarea de escribir y dirigir esta cinta donde cuenta con el apoyo en la producción de Paco Gallástegui y la maquinaria de Televisa, gracias al apoyo de Emilio Azcárraga. En el talento actoral cuenta con gente como Kuno Becker y Angélica Aragón. El costo de producción es de 80 millones de pesos, lo cual la pone como una de las más caras en nuestro país. En teoría cuenta con elementos suficientes para hacer una cinta atractiva, pero desde los pocos minutos de iniciada se nota que no es así. ¿Qué problemas tiene entonces esta película?

Si tienes que explicar una historia, dando antecedentes o contando su final o las motivaciones, probablemente se deba a que tienes problemas para integrar ese contexto dentro de la historia en sí y esto probablemente se deba a una deficiencia en el guión. La cinta inicia explicando las dificultades económicas que tiene nuestro país, esto después de cinco minutos de créditos iniciales los cuales son texto sobre negro que cansan al espectador. Una vez iniciada la cinta y poniéndonos en contexto se convierte en un collage de personajes mal cuajados. Ignacio Zaragoza, encarnado por un Becker que tiene de héroe patrio lo mismo que yo de soldado independentista. Jamás se muestra como un líder militar precisamente brillante o de esos que motivan a ponerlos en billetes en el futuro. Claro, no debemos tener empatía por una figura histórica necesariamente, por lo que la cinta se enfoca mejor en la historia de Juan (interpretado por Christian Vázquez), soldado que padece el conflicto así como las dudas que tal evento pueden traer para la gente normal. ¿De qué sirve luchar una batalla que se siente perdida ante el ejército más poderoso del mundo? Es más sabio el desertar, especialmente si uno ya tiene una trenzuda como la Citlali (Liz Gallardo) que está dispuesta a irse conmigo a pesar de que no nos conocemos y si acaso nos hemos dirigido palabras para comer tortillas.

Los personajes nacionales no terminan de cuajar y es difícil sentirse identificados con ellos. Ni los históricos están bien dibujados (hay cameos de Benito Juárez o de Daniel Day Lewis como Lincoln, bueno, de Lincoln nada más) ni los extranjeros pasan de ser caricaturas unidimensionales. Tanto a los generales franceses como al emperador solo les faltó tener un gato en sus regazos o hacer risas “mu aja ja” mientras se mueven sus bigotes de villano reventón y lo peor es que nuestros héroes mexicanos parecen guionados con frases sacados de comentaristas de futbol. “Vamos a mostrarles de qué están hechos los mexicanos” como mantra mientras que el famoso general Zaragoza ve todo desde la seguridad de su guarida mientras el verdadero héroe de la historia, el clima, es el encargado de ganar la batalla.

Contando con un presupuesto decente, gran cantidad de actores y extras, se debería lograr al menos secuencias de acción memorables que ilustraran el esplendor de la batalla. Desafortunadamente el trabajo de cámara sigue la escuela de “cámara excesivamente al hombro” en donde hasta las conversaciones más sencillas tienen cámara en movimiento innecesario. Lo mismo ocurre en toda la película, pero la combinación con encuadres cerrados no ayuda a ver un conflicto armado bien armado. El liderazgo nacional está ausente ya que jamás vemos a Zaragoza encabezar ningún batallón mientras que a la distancia el mejor ejemplo de la estrategia francesa radica en que el Conde De Lorencéz saque un catalejo más grande que el que cualquier colaborador conservador mexicano pudiese tener. Bueno, esas escenas se entienden mejor, al menos. Las de la famosa batalla llegaron a carecer de la sensación épica que deberían de tener, en parte por el trabajo de cámara y en parte por un diseño de sonido muy olvidable.

5 de Mayo: la batalla. Esta cinta se estrena tanto en nuestro país como en el extranjero con un nada despreciable número de copias, desafortunadamente fuera del sector escolar que seguro recomendó ver esta película para aprender de “historia” (¿por qué no mejor leer algo donde se habla de la guerra y no solo de un triste triunfo nacionalista vació?) y del ocasional despistado que quiere ver cine mexicano, no llamará mucho la atención. Afortunadamente tenemos en puerta obras como la siguiente entrega de Star Trek o si quieren ver cine mexicano y no han visto Nosotros los Nobles, ¿por qué no hacerlo?

Viernes de Videos: el cine contra la vida misma

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 03 May 2013 08:51:08 PDT

En esta ocasión tenemos un bonito comparativo entre como pasan las cosas en las películas, y como ocurren en la vida real. Porque ustedes saben... la vida no es tan sencilla como la pintan. :p

Much ado about nothing

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 01 May 2013 14:35:24 PDT

¿Qué es lo que hace Joss Whedon en sus ratos libres? ¡Cine! Y para demostrarlo está su más reciente cinta, Much Ado About Nothing (Mucho ruido y pocas nueces) la cual hizo casi casi en un coffe break. ¿Quieren saber qué tal está la cinta? ¡Escuchen el podcast! O bueno, lean el texto a continuación.

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Joss Whedon logró reconocimiento gracias a su trabajo televisivo, alcanzó respeto gracias a su trabajo con el Dr. Horrible en internet y finalmente alcanzó fama y fortuna gracias al tremendo trancazo que implicó el éxito de la cinta de Los Vengadores. ¿Qué es lo que puede hacer un director que alcanza la cima comercial después de esto? Hacer una cinta pequeña de dos pesos, desde luego.

Mientras estaba el proceso de la post producción de la cinta de los tipos en mallitas es que Joss decidió tomarse un par de semanas y en doce días hacer una película de corte más personal, grabándola literalmente en su casa y con sus amigos. Para hacerlo es que decide buscarse un colaborador desconocido como un tal William Shakespeare y juntos es que adaptan la obra del primero a tiempos modernos pero manteniendo la belleza de los diálogos originales en esta comedia clásica con dos parejas de enamorados en la que hay intriga, romance y absurdos disfrutables.

Dentro del terreno de las relaciones tenemos a Claudio (Fran Kranz) quien busca el amor de la joven Hero (Jillian Morgese) por lo cual busca la ayuda de sus amigos para lograr el favor de la damisela. Cuando finalmente se logra concertar la reunión y se busca la feliz boda de esta pareja es que se traman planes para juntar a otros dos personajes quienes juran y perjuran no creer en el amor y menos en sentirlo en carne propia. Benedick (un genial Alexis Denisof) y Beatrice (la adorable Amy Acker) son manipulados para hacerse creer que ambos se quieren y que el desinterés que tienen no es sino una fachada que oculta su sentir. Gracias a este juego es que la relación amor-odio que se tienen da momentos divertidos hasta que el conflicto serio surge debido a un interés macabro que busca arruinar el próximo matrimonio de Claudio y Hero.

Mucho ruido y pocas nueces es un proyecto pequeño y más personal que da muestra de como una cinta no necesariamente debe ser pequeña en base a su presupuesto. Mientras que en nuestro país abunda el número de pseudo realizadores que se quejan de como papá gobierno no les da becas ni patrocinios para que hagan sus películas grabadas en una casa con actores que no son actores y que están destinadas a recorrer el círculo festivalero ya que el público en general no tiene interés en ver sus dramas baratos (literalmente) que se basan más en el choque truculento o la supuesta plástica, Whedon demuestra de manera muy sencilla como se pueden utilizar elementos similares para dar resultados muy distintos.

Esta obra se ha empezado a exhibir en festivales y foros y después tendrá un lanzamiento a cartelera regular limitado. Está hecha en un tiempo limitado, con una sola locación y poco presupuesto, ya que el mismo director confiesa que le hubiese encantado tener presupuesto para rentar un Steady Cam, cosa que no logró. El guión está basado en una obra clásica libre de derechos y los actores son todos amigos y colaboradores de Whedon. La enorme diferencia está en que son actores hechos y derechos y dominan el diálogo shakespereano y no se limitan a “salir a cuadro siendo ellos mismos”. La dirección es increíblemente efectiva y extrae de los actores momentos enormes como las secuencias en que Beatriz y Benedick (cada quien por su lado) descubren veladamente como tienen intereses amorosos entre sí de boca de quienes quieren verlos juntos como pareja. Un humor casi de caricatura que es muy bien llevado a cabo gracias al director, el trabajo de cámara y desde luego a las excelentes actuaciones.

Recuerdo que al terminar de ver la cinta salí más que satisfecho de la sala de la Cineteca, donde se proyectaba como parte del Foro de la misma. Hacía mucho que no veía una cinta que me tuviese sonriendo y riendo durante casi toda la duración de la misma. El señor Shakespeare se nota que tiene futuro si sigue escribiendo ya que sus diálogos son increíblemente sabrosos y las interpretaciones de los mismos no se quedan atrás. Esta adaptación en tiempos modernos en donde el diálogo nos lleva gran parte de la historia es divertida a pesar de que las palabras y expresiones suenen fuera de lugar, o mejor dicho, fuera de tiempo. Esto se olvida gracias al ingenio del texto y a su traslación, lograda por el señor Avenger.

A final de cuentas, si tienen oportunidad de ver esta cinta, háganlo, no se arrepentirán. Claro, es una película a blanco y negro, hecha con poco presupuesto y tiene los mismos elementos que gran cantidad de cintas olvidables mexicanas. La diferencia es la ejecución, especialmente en estos tiempos en que parece que si no eres un blockbuster veraniego no existes. Mientras que tenemos a los efectos especiales y las explosiones apoderándose de la taquilla es que en estas obras pequeñas se logra apreciar otro de los elementos que hacen del cine un arte, y es el talento humano que traslada las historias a la gran pantalla, porque al final, no todo en la vida es espectáculo, también tenemos lo disfrutable.

T4E30 - Top 5 de la Crítica Cinematográfica

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 01 May 2013 14:37:55 PDT

En este episodio nos encontramos con una catalogación peculiar sobre cinco de los estilos más reconocibles de críticos cinematográficos. Claro, se incluyen referencias amables tanto de los videobloggers, podcasters o escritores que conozco y seguro se me fueron algunos pero por lo pronto tenemos el Top 5 de la Crítica Cinematográfica.

Recuerden que este y más videos están disponibles en lo que tenemos catalogado como la Cuarta Temporada. A continuación tienenlos enlaces de descarga tanto para sus dispositivos móviles, así como para iPods, iPads o iPhones o ya de a tiro, pueden encontrar la versión en 720p con excelente calidad. En caso de que tengan algún teléfono con Android en su última versión, no necesitarán conversión ni baja en la calidad de imagen ya que tienen un teléfono de verdad, no de juguete. Al mismo tiempo pueden verlo tanto en Blip.tv como en YouTube. Si les gustó el episodio, ¿por que no tomarse un par de segundos para darle Like en YouTube o Facebook o agregar un comentario en iTunes? ¡Eso siempre se agradece!

Iron Man 3

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 30 Apr 2013 06:34:32 PDT

Llega el cierre de la trilogía del Vengador Dorado. ¿Retoma el camino creativo que lanzó a la fama al personaje con la primera entrega o tiene un manejo más desafortunado como la segunda película? Eso y más comentamos en esta entrega del podcast.

Para descargar el podcast, click derecho con el ratón en este enlace y seleccionar la opción "guardar como". Para escucharlo, ahí tienes el reproductor de la columna del lado derecho así como el de la parte de abajo. Para suscribirte al podcast via iTunes, da click en este enlace. En caso de que quieran patrocinarme un traje saster a la hechura del de Tony Stark, dejen su información de contacto después del click, o en Facebook.

El año pasado tuvimos la conclusión de dos maneras de llevar a la pantalla a los grandes súper héroes del comic. Mientras que por una parte tuvimos la solemnidad y el gran formato acompañando al Caballero Obscuro, por otra parte vimos que se conjuntaron los héroes más grandes de la tierra contra amenazas que individualmente no podrían derrotar. Después de esto ¿Vale la pena volver a ver historias de héroes individuales como el Hombre de Hierro cuando pudimos atestiguar la magnificencia y diversión en Avengers? Quizás Shane Black nos pueda decir algo al respecto.

En la tercera entrega de Iron Man tenemos a Tony Stark ( Robert Downey Jr) enfrentándose a la amenaza terrorista del Mandarín. Tras un primer enfrentamiento en el que nuestro héroe lo pierde todo, Stark tiene que juntar fuerzas para tratar de rehacer su vida y conseguir lo necesario para poder tomar venganza y salvar el día.

En uno de los diálogos de Avengers el Capitán América le pregunta a Tony Stark que es lo que quedaba debajo de la armadura. En cierta medida en esta cinta se busca responder a esa pregunta ilustrando lo que es capaz de hacer el personaje cuando pierde todos los juguetes, lo cual da algunas de las mejores secuencias ya que lo que hace al héroe no es el traje, a pesar de que desde sus inicios Stark no se haya planteado más que como héroe involuntario que terminaba haciendo el bien como efecto secundario, cosa particular cuando vemos que desde su origen confrontaba no con villanos per se, sino con los demonios externos que surgían debido a sus descuidos o a sus acciones pasada, cosa que ocurre nuevamente en esta cinta.

La primera cinta del personaje fue refrescante, mostrando que un héroe no tenía que ser atormentado ni huérfano. Tony Stark es el bastardo mamila que deberías de odiar por su complejo de superioridad y falta de madurez, pero que cuenta con un carisma increíble que te termina ganando con su ingenio. Al mismo tiempo no necesita una identidad secreta, volviendo la labor heroica en una especie de status de rockstar. En la segunda cinta, la cual debido a los manejos de producción se le terminó dando el status de tráiler alargado para la cinta de los Avengers se perdió el camino y es hasta la tercera en donde se retoma la esencia del personaje y donde afortunadamente se olvidan de la fórmula de que todo villano de Iron Man debe ser alguien con armadura, lo cual nos indica lo pobre que es su galería de villanos. Nuestro héroe lo pierde todo pero tiene un mejor camino a la redención que cierto caballero oscuro.

Shane Black cumple con esta cinta, la cual desde el principio era anunciada como más grande que las predecesoras, no solo en presupuesto, sino en acción. Si bien los trailers dejaban ver algo mediano que copiaba ciertos aspectos icónicos de The Dark Knight Rises, la ejecución y el producto final funcionan de manera eficiente y en cierta medida se burlan de la solemnidad del murciélago. El Mandarín es un villano práctico que no necesita anunciar sus planes innecesariamente complejos ni dar discursos, sus amenazas las cumple de manera casi quirurgica. Es una figura mediática y sirve como pretexto para que Ben Kingsley de una cátedra de actuación en menos de 10 minutos.

Algunos han criticado que la resolución del conflicto es muy sacada de la manga y son cosas que si en realidad estuvieran establecidas, el héroe debió usar desde el principio y no hasta el final. En cierta medida entiendo la queja sin embargo son de esas trampas narrativas que en ocasiones se estiran precisamente para tener una historia. Si todos los personajes de la narrativa en general funcionaran de manera lógica y racional, no tendríamos dramas o comedias y todo se resolvería en menos de cinco minutos. En los trailers y posters veíamos gran cantidad de armaduras de Iron Man, ¿por qué no fueron usadas desde el principio para acabar con el terrorista? Por la misma razón por la que Tony no les habla a sus amigos Los Vengadores para acabar con el primer villano que se le pone enfrente. Thor pudo terminar con la película de su amigo de hojalata en 10 minutos y la duración restante serían los dos personajes comiendo tortas al pastor en algún puesto esquinero.

Por otra parte no entiendo como hay quienes deciden tomar bandos y descalificar una cinta porque pertenece a los héroes de cierta compañía de comics. Si bien yo soy fan de Batman no todos los héroes deben de tener un manejo similar al del encapuchado. La primera cinta de Iron Man ha sido de lo mejor del género precisamente por marcar esa diferencia y la tercera cierra el ciclo, logrando el honroso lugar de cerrar una trilogía con una nota alta, cosa que no pudieron lograr ni El Araña ni el Murciélago.

Iron Man 3 es una cinta muy recomendable por ser disfrutable. Tiene tintes de humor y acción y a la vez busca desarrollar al personaje para que no sea tan bidimensional como billonario de viñetas de cuatro colores. A través del conflicto que debe de superar es que surge un Tony Stark renovado, lo cual es ideal ya que el mismo héroe deberá aparecer tanto en la segunda cinta de Los Vengadores, como posiblemente en la de los Guardianes de la Galaxia.

Viernes de Videos: Mood Indigo

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 26 Apr 2013 07:17:38 PDT

En esta ocasión tenemos el trailer de la próxima cinta de Michel Gondry, Mood Indigo. A las mujeres les gustan las flores, ¿cierto? El problema es cuando una flor empieza a crecer dentro de una mujer, como veremos en la película.

Viernes de Videos: Calvin and Hobbes

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 19 Apr 2013 07:44:55 PDT

Con la llegada de más adaptaciones de Comics a la Pantalla Grande es que era innevitable que uno de los más queridos se trasladara. ¿Cómo sería el tratamiento moderno para Calvin y Hobbes en caso de que hicieran su película? ¡Descúbranlo a continuación!

Un mundo secreto

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 14 Apr 2013 18:44:23 PDT

Esta crítica también pueden disfrutarla en su hermoso formato multimedia o en formato de imagen en nuestra página de Facebook, como parte del Cuarto Especial de Cine Mexicano.

En años recientes, especialmente en festivales como el de Morelia o Guadalajara, ha habido la presencia constante de cintas mexicanas en donde se explora la temática de la soledad o el redescubrimiento, particularmente llevado a cabo por personajes femeninos. Si bien hemos tenido casos decepcionantes como Vete más lejos Alicia, de vez en cuando se toca el mismo tema pero con un manejo bien llevado a cabo como es en el caso de Un Mundo Secreto.

En un mundo secreto María (Lucía Uribe) es una chica que confronta su vacío existencial con el sexo casual (tan casual que sus compañeros de escuela la buscan para eso cuando "casualmente" pasan por su casa) y cuando no es suficiente, como toda jovencita de película de festival de cine, decide viajar para encontrarse a sí misma. Afortunadamente, a diferencia casos ya mencionados, aquí hay idea de realización y hasta metáforas bien aplicadas.

Esta cinta es la ópera prima de Gabriel Mariño, quien logra tomar elementos de las fórmulas de cine festivalero para darles un mejor uso. Tomas largas, narrativa pausada, pocos diálogos. Nuestro personaje es contemplativo y reflexivo. Sabemos de María gracias a que narra sus dudas en su diario, escrito en tercera persona, lo cual nos ayuda a entender como se ve ella misma. El espectador y el personaje se vuelven cercanos al alejarse un poco de sí ya que María se ve a si misma como otra persona e incluso se inventa vidas gracias a esta distancia.

El manejo del ritmo es pausado, pero mientras que en otras cintas eso ayuda a que la trama transcurra con una cierta pesadez, en este caso nos ayuda a acercarnos a la cotidianidad de María. Su historia en la pantalla inicia en el Distrito Federal y de ahí empieza a migrar hasta llegar al norte del país, pero su recorrido más importante no se da en el terreno geográfico sino en el personal. En su camino se encontrará con personajes que la ayudarán a descubrir facetas de su persona que aunque presentes, quizás no eran tan consideradas. Lucía practica el sexo casual y a través del mismo utiliza y es utilizada por los demás, pero no es la única en que puede verse este acto.

Quizás lo que hace que la cinta no caiga en los lugares comunes de otras obras con la misma temática que usan narrativas similares es el hecho de que Un mundo secreto se siente honesta. Dista de ser el capricho hormonal de mujercita que prefiere viajar al fin del mundo y quejarse de como nadie la entiende y el mundo no es su lugar y prefiere enfocarse en la soledad y la búsqueda y reafirmación de la identidad de un personaje que se siente asfixiado por su entorno pero en lugar de dejarse agobiar, prefiere salir del mismo. Su historia no es para expresar frustración y desencanto sino para confrontarlos y explorar una realidad.

Como es costumbre del cine mexicano no comercial, Un Mundo Secreto sale con copias limitadas, por lo que su recorrido se limitará a muestras, salas especializadas, cinetecas y la rarísima sala de cadena de cine que proyecta esta cinta por algún azar. Si tienen la oportunidad de verla en cartelera bien vale la pena echarle un vistazo. Es uno de esos rarísimos ejemplos que muestran que el cine lento puede funcionar cuando es bien ejecutado, especialmente cuando se cuenta con una actriz talentosa como fue el caso de Lucía.

Viernes de Videos: El final elaborado de Robert Ebb

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 12 Apr 2013 06:22:34 PDT

Una de las cosas que más llaman la atención en las convenciones es el cosplay. Hay personas que dedican tiempo e imaginación para reinventar los trajes y diseños de sus personajes favoritos o crear nuevos y esto no es una fascinación que solo ocurre en un grupo particular de personas, ¿recuerdan su última fiesta de Halloween?

En esta ocasión tenemos la historia de Robert, quien crea un disfraz de monstruo bastante bien hecho. El problema es cuando queda atrapado en su traje y los habitantes de su pueblo deciden perseguirlo porque creen que es un monstruo de verdad.

Este corto fue dirigido por Clement Bolla, Fx Govy y Matthieu Landour y producido por Les Films de l'arlequin, Nexus Productions y JPL Films.

T4E29 - Documenta/QRO

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 10 Apr 2013 08:01:21 PDT

Durante el pasado Festival Internacional de Cine en Guadalajara tuve la oportunidad de charlar un poco con Cristina Bringas, quien es coordinadora de Documenta/QRO, un proyecto muy interesante en el que se busca la difusión del documental en Queretaro. En este video nos habla de como surgió el proyecto y además, si son documentalistas, aprovechen que ofrece un nuevo punto de difusión para sus trabajos.

Para saber más sobre este proyecto, pueden visitar su fanpage en Facebook, seguirlos en Twitter o enviarles un correo a esta dirección.

Recuerden que este y más videos están disponibles en lo que tenemos catalogado como la Cuarta Temporada. A continuación tienenlos enlaces de descarga tanto para sus dispositivos móviles, así como para iPods, iPads o iPhones o ya de a tiro, pueden encontrar la versión en 720p con excelente calidad. En caso de que tengan algún teléfono con Android en su última versión, no necesitarán conversión ni baja en la calidad de imagen ya que tienen un teléfono de verdad, no de juguete. Al mismo tiempo pueden verlo tanto en Blip.tv como en YouTube. Si les gustó el episodio, ¿por que no tomarse un par de segundos para darle Like en YouTube o Facebook o agregar un comentario en iTunes? ¡Eso siempre se agradece!

Viernes de Videos: Granny O'Grimm

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 05 Apr 2013 13:22:41 PDT

Nada como que la abuelita te cuente un cuento para conciliar el sueño, ¿verdad?. En este corto dirigido por Nicky Phelan y escrito por Kathleen O'Rourke vemos como la abuelita puede tornarse en un personaje un poco macabro y provocar no precisamente dulces sueños. Pueden saber más sobre el proyecto por acá.

El ciudadano Buelna

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 05 Apr 2013 13:23:05 PDT

Felipe Cazals, director de cintas tan memorables como Canoa o Las Poaquianchis, regresa a la cartelera regular con otra revisión de personajes históricos en eventos que marcaron nuestro país. Después de Chicogrande, ahora el realizador se enfoca en uno de esos "héroes desconocidos", siendo "el granito de oro", Rafael Buelna Tenorio, el personaje principal en la cinta de El Ciudadano Buelna.

La cinta funciona a modo de biografía del general más joven de la revolución mexicana y quien curiosamente tuvo participaciones importantes pero olvidadas. En palabras del mismo director, Buelna "Casi fusila a Álvaro Obregón, llevó las propuestas del Plan de Ayala de Zapata a la Convención de Aguascalientes, influyó en Venustiano Carranza e impidió la muerte de Lázaro Cárdenas". Con participaciones tan importantes, uno casi podría asegurar que Buelna debería aparecer en los libros de historia nacionales, pero quizás su falta de definición por un bando lo que lo mandó al olvido... o el hecho de que había tantos bandos en la Revolución Mexicana como partidos políticos en los noventas.

Lo que más resalta en la cinta es su cuidado trabajo de producción y de fotografía. Recuerdo que cuando la vi en el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara quedé atrapado por sus primeras secuencias y lo hermoso que lucían en una proyección digital. Desafortunadamente, conforme avanza la cinta, uno empieza a parpadear, cabecear y al finalizar, puede incluso quedarse dormido debido al manejo de la historia.

El principal problema que padece la cinta es la solemnidad que contiene el guión. Parece que cada que va a hablar el personaje principal, va a decir un discurso con más contenido que una manifestación de izquierda y se siente igual de pesado. Buelna funciona como la voz de la conciencia que los líderes revolucionarios conocen pero no reconocen como algo funcional para el gran movimiento. Curiosamente, la confrontación de personalidades es llevada a cabo de manera interesante, especialmente al principio, cuando hay una charla con Madero, quien se muestra más interesado en tener charlas en su club anti reeleccionista en lugar de llevar a cabo acciones concretas que logren por lo que tanto discute. Desafortunadamente, conforme se van presentando más personajes históricos, parece que fueron elegidos por su nombre y no tanto por su parecido a las figuras originales.

Otro de los problemas principales de la cinta es la justificación de la importancia del héroe. Tiene el reconocimiento y respeto de varias personas y se le reconoce como gran líder militar, sin embargo eso no se muestra en pantalla. Entiendo que por limitaciones presupuestales es difícil lograr una gran batalla épica en nuestro cine nacional, sin embargo hay escenas como en las que el Ciudadano y sus muchachos se preparan para tomar un fuerte impenetrable, levantan una polvareda con sus caballos alrededor del mismo y en la siguiente escena ya los vemos dentro del lugar, al cual no podían accesar. ¿Cómo lograron ese triunfo? ¿Hubo algún traidor que los dejó entrar? ¿La polvareda fue suficiente para que Batman entrara en la confusión y ayudara a los buenos? ¿Juntaron las esferas del dragón y con un deseo mágico ganaba todas sus batallas? Fuentes confiables me indican que por problemas de producción la cinta tiene "material perdido", aunque me imagino que eso la podría poner junto al lado de películas como The Amazing Spider-Man en que la coherencia en la narrativa se pierde por lo que no se puede mostrar en el producto final.

A pesar de los problemas de la cinta, especialmente después de la segunda mitad, entre lo mejor está la actuación de Sebastián Zurita, quien no solo da el tipo sino demuestra una gran capacidad interpretativa. Si acaso hay un problema con el abuso de close ups, lo que me hace pensar que en su contrato se especificaba que se usaran encuadres y zooms telenoveleros en la mitad de sus apariciones dentro de la cinta. En cierta medida creo que hubiese sido mejor que la película se estrenara junto a las cintas del centenario/bicentenario, aunque bueno, Cazals nos entregaba Chicogrande en esas mismas fechas.

A final de cuentas la cinta solo es recomendable por su fotografía y producción. Quizás otra edición le hubiera ayudado para ser una historia más digerible y menos pomposa para el espectador. Sin embargo, el Ciudadano Buelna retrata muy bien el mal mexicano del "ya merito" que como bien ilustra la cinta, no solo afecta a la selección nacional de futbol, sino también a personajes históricos que por poco pudieron cambiar la historia. Igual pasa en el cine mexicano, en el que casi se hace pura buena película. Casi.

Vuelve a la Vida

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 05 Apr 2013 07:32:02 PDT

Este mismo texto puede ser encontrado en el 2do Especial de Cine Mexicano.

En el mar, la vida es más sabrosa, en el mar hay buen documental. Carlos Hagerman nos entrega lo que sin lugar a dudas es uno de los mejores y más sabrosos trabajos narrativos de tiempos recientes con Vuelve a la Vida, cinta hecha como el coctel al que le debe el nombre, con los ingredientes frescos y cercanos al autor, en dónde se tocan desde historias cercanas hasta leyendas de rumbos sabrosones.

Hilario Martínez, buzo profesional conocido como El Perro Largo, es un personaje acapulqueño reconocido y recordado en la zona. No solo tuvo en sus haberes el haber demostrado sus habilidades ante famosos estadounidenses de varios ayeres, sino que también tuvo sus quereres con más de alguna extranjera visitante. Gracias a su ánimo afable es que llegó a conocer a Robyn Sidney, a quién apodaba cariñosamente como la Jirafa, quien en carne propia nos habla de su relación con el personajazo quien, inevitablemente toca la vida del espectador, e incluso de uno de los productores y personajes de la cinta, el buen John Grillo, hijastro del famoso Perro Largo.

La variedad de personajes que comparten anécdotas sobre la vida de Hilario es de lo más colorido y agradecible que tiene la cinta. Es inevitable sentir empatía por ellos, y a través de sus historias, querer conocer más y más sobre el gran ausente (solo de cuerpo, ya que su presencia es casi tangible por su legado). De manera casi orgánica, es que uno empieza a conocer también más sobre los que lo rodearon, particularmente por el buen Grillo, ya que las relaciones familiares son inevitablemente tras tocadas gracias al hecho de que su madre (la “Jirafa”) se separó del padre de Grillo para tener una relación con el Perro (esto empieza a sonar a fábula con animales). Es fascinante ver incluso comentarios con el padre de John, quien acepta de forma increíblemente madura lo que ocurrió, con la visión de alguien que con el tiempo tiene una mayor comprensión de lo sucedido.

Amediados del siglo pasado, Acapulco fue el gran lugar vacacional mundial. Grandes personajes vinieron a sus costas y a disfrutar de lo sabroso del mar. Al mismo tiempo se gestaron grandes leyendas, como una de las historias narradas, que tiene que ver precisamente con la pesca (o mejor dicho caza) de una Tintorera, tremendo animal tiburonesco que pudo ser capturado (y eventualmente preparado) para gozo de nuestros personajes, llegando a ser una de las anécdotas centrales de la historia, y sobre la cual uno llega a conocer el alcance de la fama del famoso Perro Largo Martínez.

El cine mexicano en el género de la ficción ha tenido más momentos bajos que altos. Afortunadamente el documental saca la casta y nos entrega cintas como Vuelve a la Vida. Una historia llena de encanto y con el beneficio extra de que además del ritmo y sabor que lleva en sus personajes incluye práctica receta para preparar un sabroso Vuelve a la ida. Documental necesario para verse y curarse la cruda que refleja el deprimente estado del cine nacional.

Nosotros los Nobles

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 05 May 2013 18:55:08 PDT

El cine mexicano es casi invisible para el público en general. Entre problemas de distribución o salida de cintas soporíferas, es raro que haya alguna cinta nacional en cartelera que invite al público a verla y recomendarla. Afortunadamente llega una comedia agradecible de la mano de Gary Alazraki en la cinta Nosotros los Nobles.

Germán Noble (interpretado por Gonzálo Vega) es el patriarca del clan Noble, el cual está bien posicionado gracias a su trabajo duro y buena administración. Desafortunadamente sus descendientes, Bárbara (Karla Souza), Javi (Luis Gerardo Méndez) o el Chá (Juan Pablo Gil) no salieron igual de habilidosos debido al hecho de que cuentan con todas las comodidades que el dinero (de su padre) puede comprar. Para darles una lección, Germán les hace creer que pierde su fortuna y tendrán que hacer algo impensable: ganarse el pan con el sudor de su frente.

La ópera prima de Gary Alazraki tiene una manufactura y trabajo que debería ser seguido por mucho realizador nacional. Si bien es cierto que técnicamente todo el cine que se hace en nuestro país se podría catalogar como "cine independiente de bajo presupuesto" eso no implica que se deba de caer siempre en la fórmula de cine depresivo-festivalero. Nosotros los Nobles se hace como una cinta con propósitos comerciales, lo cual espero dé como resultado el que el cineasta pueda vivir de esto. Su decisión de hacer un tributo y actualización a la cinta de El Gran Calavera funciona de manera efectiva. Los personajes de los hijos funcionan como estereotipos de la clase alta que se desarrollan para divertimento del espectador. La burla, si bien no es tan ácida como algunos hubieran preferido, es eficiente y además no ofende, ya que igual al rato de dicha clase salen inversionistas que quieran servir como productores para otra cinta de Alazraki en el futuro.

Retomando el manejo de personajes, es precisamente el desarrollo de los mismos el mejor logro de la cinta. Si bien parten de estereotipos perfectamente identificables, los cuales no necesariamente pueden simpatizar con el espectador, su caída y búsqueda de realización lo logran y ya con los tres personajes de los hijos podemos tener desde la historia de amor (la cual toma el papel principal de las subtramas) o la de la auto búsqueda a través de los libros de autoayuda mientras se maneja un autobús, o bueno un micro. Mención especial para Gonzalo Vega, quien aunque a veces parece más dramático que cómico, sirve como eje para el desarrollo de la historia. Esto y su aparición en la cinta de The Boy Who Smelled like Fish son de lo más decente del cine con participación mexicana que he visto.

A final de cuentas Nosotros los Nobles cumple su función como cine que divierte, de ese que invita a ver más películas de manufactura nacional y se evitan el estereotipo de la cinta pausada, larga, incomprensible o incluso "de arte" que es lo que parece ser el único estilo de historias que se enseñan en las escuelas de cine nacionales. Nosotros los Nobles no es una cinta que prometa ganar festivales ni nominaciones o premios, pero ciertamente cumple el propósito base de una buena historia, que es el entretener.

Viernes de Videos: Aaron Sorkin

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 22 Mar 2013 12:33:43 PDT

Probablemente uno de los guionistas más reconocidos actualmente sea Aaron Sorkin, escritor de textos ganadores como el guión de The Social Network o de grandes episodios de series como The West Wing. En 1999 fue uno de los más prolíficos escritores y siempre he tenido la duda de como llegó a desbordar tanta genialidad. A continuación, la respuesta.

Viernes de Videos: Garlan Hulse: Where potential lives

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 15 Mar 2013 09:47:53 PDT

Originalmente twitie este video la semana pasada como un "extra", pero bien vale la pena tenerlo de manera oficial.

Para promover el lanzamiento en BluRay de Ralph el Demoledor salió un genial documental que imita el estilo de The King of Kong, pero enfocado en el fuego ficticio del que salió Ralph en lugar del de el gorila pixeleado favorito de todos. Los triunfos, derrota y eventual lucha por recuperar su honor como el gran triunfador... de un juego de video: esa es la temática que tenemos en este genial documental falso, Garlan Hulse: donde existe el potencial.

Lo visto en el FICG 28

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 12 Mar 2013 10:20:26 PDT

Terminó el Festival Internacional de Cine de Guadalajara y en general puedo decir que el registro fue muy bueno. A diferencia del año pasado, del que escribí largo y tendido discutiendo sus deficiencias o sus resultados finales, la organización y selección de este año muestra una increíble mejoría. Ahora que lo pienso, creo que valdría la pena escribir (largo y tendido, desde luego) sobre eso. Probablemente en la siguiente entrada.

Por lo pronto, tenemos la lista de largometrajes ganadores y mi reporte sobre lo visto en el festival.

Premio Maguey a mejor película: Quebranto (Roberto Fiesco)
Premio del Público en Infinitum: Tercera Llamada (Francisco Franco)
Mejor Documental Iberoamericano: El otro día (Ignacio Agüero)
Premio Mezcal a largometraje mexicano: Workers
Mejor fotografía: Kiko de la Rica por Blanca Nieves.
Mejor guión: Valentí Figueres por El efecto k, el montador de Stalin.
Mejor Actriz: elenco femenino de Tercera llamada.
Mejor Actor: Ernesto Alterio por Infancia Clandestina.
Mejor Ópera Prima: Tanta Agua.
Mejor Director: Dario Nardi por Las mariposas de Sadourni.

Y bueno, a continuación las cintas que pude ver durante el festival. Los comentarios de las mismas se estuvieron publicando puntualmente tanto en el Fanpage de Facebook como en Twitter.

Érase una vez Verónica: Un relato íntimo en el que vemos la búsqueda de una mujer recién egresada de la Facultad de medicina por encontrar su lugar mientras define su vida y su relación con su entorno. La cinta cuenta con más de un desnudo que hizo que algunos de los espectadores que buscaban conservar sus buenas conciencias decidieran salir de la sala. El drama personal ante la confrontación con la enfermedad del padre es muy bien llevado a cabo. Eso, y las chichis son lo más memorable de la cinta. Desafortunadamente con esta cinta inicié el ciclo "películas a las que he llegado tarde por despistado".

Besos de azúcar: ¿Funciona un guión de comedia urbana de Carlos Cuarón cuando no cuenta con el apoyo familiar o luminarias nacionales? En Besos de Azúcar tenemos la historia de Nacho y su colchón, objeto pestilente encontrado que sirve como parte de su refugio ante su cruda realidad. Viviendo en una familia en donde todos son abusadores, el pobre Nacho tiene que sobrevivir el inicio de la adolescencia y su encuentro con su primer amor. ¿Qué podría faltar para hacer de su vida un melodrama más que una comedia citadina? Quizás más bullying y el hecho de que el amor de su vida es fruto prohibido al ser la hija de la lidereza de los ambulantes de la zona, a quien el padrastro del Nacho rinde su debido tributo. A pesar del tono de comedia me molesta que el guión recae en el humor barato de los diálogos irreales con groserías gratuitas y el hecho de que todos se la pasan abusando de todos. Los malos son malos sólo por qué sí, y además son muy tontos. Los buenos son muy tontos o inocentes y ni como ayudarlos. Una cinta completamente prescindible aunque con momentos entretenidos.

Ciudadano Buelna: Felipe Cazals es un director que sabe hacer su chamba. En esta cinta nos muestra el relato de quien estuvo presente junto a varias figuras importantes de la revolución pero jamás alcanzó el reconocimiento que pudo merecer. La cinta tiene un guión más solemne que película de Nolan y abusa de los close ups al joven Zurita, quien actúa bastante bien. Lo mejor es la fotografía y el cuidado en la producción, lo peor es que la historia se vuelve soporífera e innecesariamente larga. A eso agreguemos que tiene el efecto Sucker Punch, en que nuestro héroe aparece y de la nada gana batallas que jamás se muestran en pantalla y terminamos con una obra de buena manufactura pero que necesitó más trabajo de guión y edición.

Blanca Nieves: Siendo una reinterpretación del cuento clásico pero ubicada en la España de los años 20s, se podría decir que Blanca Nieves es El Artista a la española, donde se rinde tributo a la tauromaquia, a los cuentos y al cine mismo, en blanco y negro y como cine mudo. Carmen, la protagonista del cuento, vivía aventuras y desventuras que tocan el corazón de los espectadores. La cinta es genial y casi perfecta, casi, porque al final se forza innecesariamente por seguir elementos del cuento clásico que no sin necesarios en la película. Probablemente lo mejor que vi el día de hoy, aunque si me hubiera salido diez minutos antes de la función, me hubiera quedado mejor sabor de boca. Triste que la mejor cinta sobre la chica del cuento de hadas no se estrenara en México.

Infancia Clandestina: Mientras que con Besos de Azúcar y El Ciudadano Buelna tuvimos historias de adolescencia y conflictos revolucionarios, Infancia Clandestina combina ambos elementos de manera eficiente. Juan vive otra identidad debido a que sus padres son revolucionarios en la Argentina del 79. Mientras se encuentra con su primer amor debe sobrevivir el conflicto nacional que amenaza con destruir no sólo a su familia sino a todo el país. La cinta le muestra a las dos mexicanas mencionadas como hacer las cosas, ya que gracias al manejo eficiente de animación/ilustración es capaz de mostrarnos los momentos más violentos, pero los más importantes y emotivos se transmiten gracias a un buen trabajo actoral y una excelente dirección.

Tercera Llamada: El cine detrás del teatro y los problemas que ocurren para armar una obra. La construcción de personajes y un cast que parece un quien es quien del cine mexicano son lo mejor de esta comedia que sí divierte. Un actor desmemoriado, una diva en descenso, una directora neurótica y el ataque de la pandilla de los ellos contra uno de los técnicos del teatro son sólo algunos de los elementos que en conjunto dan la cinta mexicana más disfrutable en lo que va del Festival. La mejor historia no ocurre en el escenario, sino tras bambalinas.

Workers: Una cinta de Fórmula Festivalera ® que curiosamente justifica el recurso. Ya se saben la fórmula, tomas más largas que la Cuaresma, inserción innecesaria de la mención de alguna violación y escenas en las que no pasa nada. Dos historias en las que vemos como trabajadores de los más sencillos confrontan las injusticias que la vida les trae de mano de sus distintos patrones. El colmo llega cuando la jefa millonaria de Lidia, uno de nuestros personajes, al morir le hereda todo... a su perro. Una cinta que justifica sus tomas de varios minutos con el hecho de que así se siente el tedio de la vida laboral mal agradecida. Lo mejor sin algunos chistes sutiles escondidos dentro de la imagen, lo peor es el diseño sonoro, ya que en ocasiones era necesario leer los subtítulos a pesar de estar en español. Por cierto, si a esta cinta mexicana le traducen el título, sugerimos que se llame "Un empleado maravilloso" o "Workers: todo patrón necesita tratar bien a sus empleados para que no se lo quieran chingar después"

Ese obscuro objeto del deseo: Nada como revisar a los clásicos, especialmente a Buñuel, con esta historia que actualmente sería tachada de políticamente incorrecta en la que vemos la relación amor-pudo entre un hombre y si mala mujer. Oh, Buñuel, ¿Por qué no te presentas en el Festival, al menos a través de una Ouija?

Las mariposas de Sadourní: Hay dos frases de las que desconfío cuando se usan para presentar una película. Si alguien te dice que "se hizo con muchos huevos", cosa que compara el arte cinematográfico con la preparación de chocomilks o desayunos o te menciona que vas a ver "una película diferente" rara vez es un aliciente. Afortunadamente en el caso de Las Mariposas de Sadourní el término de "diferente" aplica de buena manera. Un inicio fuerte que puede existir como un cortometraje autocontenido nos muestra el como Sadourní comete un crimen pasional que lo lleva a prisión. La cinta desarrolla el como logra una especie de libertad condicionada a salir de la prisión a tratar de regresar a la sociedad, mientras augura durmiendo tras las rejas. Debido a que es un enano y no tiene referencias debe buscar trabajos poco ortodoxos al tiempo que se somete a un tratamiento que busca cambiarlo en alguien más "normal". Mientras el proceso continúa, se descubren hilos perdidos en un tramado en que el crimen, el castigo y el cambio son más truculentos que lo que parecen a primera vista.

La gente del río: Los habitantes de Ernestina son felices en su pequeña comunidad... excepto cuando gente externa viene a visitar el frío cercano al poblado, ya que normalmente ocasionan destrozos que después tienen que ser pagados por los que ahí viven. En este documental conocemos la identidad e historia del lugar a través de sus habitantes. El corazón a través de una poetiza o incluso lo inesperado a través de alguien que ha peleado con osos, siempre aparece sin camisa al ser entrevistado y además le ha hecho algo a un sacerdote que si hubiera sido al revés, tendríamos juicios más sonados que los del padre Maciel. Curioso retraso colectivo de Ernestina y sus 150 habitantes.

Elevador: Es en los lugares más pequeños en donde encontramos las historias más personales. En este documental vemos el funcionamiento de parte tan vital para el paso de los habitantes del multifamiliar con mayor historia en nuestro continente. Sus operadores, personas que los manejan y cuidan, lo han vuelto parte de sus vidas y con eso es que sin parte de la vida de los demás. Un interesante manejo narrativo a través de lo que pasa, literalmente, en los elevadores.

Inercia: El reencuentro de amores perdidos a través de la coincidencia que se da en un hospital. El ritmo pausado de la cinta refleja el tedio que puede haber cuando las horas nos parecen eternas en este tipo de lugares. Lucía pone si vida en pausa para cuidar a Felipe, anda que quizás el reencuentro con el dueño de sus afectos no sea el cierre feliz para la historia que ella cree vivir. La cinta cuenta con muy buenas actuaciones pero tiene sus problemas con el guión y el montaje. Curioso como su segunda escena funcione mucho mejor que la primera como presentación, aunque a nivel temporal dejan estar en ese orden...

What about Columbus?: Así como La Casa de Emak Bakia fue mi documental favorito del año pasado, What about Columbus es mi obra favorita de ese género en lo que va del año. Un realizador busca conjuntar e ilustrar las diferencias narrativas entre culturas tan dispares como la hindú, la peruana y la vasca a través de la adaptación del Principito. Al final tenemos un documental en donde se registra este proceso mientras nuestro ficticio realizador debe confrontar la crítica y la dura realidad que tiene cualquier guionista cuando busca desarrollar una historia. Este híbrido de estilos y formatos funciona excelentemente y da un resultado muy disfrutable.

Tanta Agua: Alberto, padre divorciado, busca el tener unas vacaciones agradables con sus hijos, pescando, nadando, teniendo actividades interesantes. ¿El problema? La lluvia hace prácticamente imposible hacer esto. Alberto trata de hacer lo posible porque este tiempo sea aprovechado por su familia pero su hija, Lucía, prefiere estar al pendiente de sus asuntos adolescentes. Una historia bien contada aunque no muy memorable, ya que lo que más recuerdo es que en Uruguay sí se venden cigarros a menores.

El efecto K, el montador de Stalin: Nuestra memoria es editada. No recordamos las cosas como sucedieron sino como tienen sentido para nosotros. En esta cinta recorremos la vida de Maxine Stransky, actor convertido en espía de Stalin y gran amigo de Einsenstein. Mientras que Mr. E prefiere usar su cámara-dedo para mostrar historias ficticias, Mr. S prefiere su cámara-ojo que retrata la realidad mientras vive una existencia pretendida. Muy interesante experimento narrativo con trazos de documental que relata la improbable vida de tan fascinante personaje. La obra se siente por momentos en conflicto consigo misma ya que la voz en off siempre constante llega a cansar por momentos y forza el ritmo a arrastrarse un poco. Sin embargo, la belleza visual y el tributo que rinde al arte del montaje es memorable. Por momentos cerraba los ojos y al sólo escuchar la narrativa la historia funcionaba mejor a pesar de tener riqueza visual. ¿Quién sabe? Tal vez está película debería adaptarse a novela gráfica con arte de Dave McKean y funcionaria mejor.

El niño con olor a pez: ¡Paren las prensas! Una cinta agradable que al terminar te hace sentir bien y... ¿La vi en un festival de cine? Mica es un chico normal, excepto por una rara enfermedad que le hace emitir un olor a pez. Vive en una casa que funciona como uno de los museos oficiales del gran cantante del siglo pasado Guillermo Garibai. Mica crece y le es imposible establecer una relación con alguna chica, ya que su olor le apena. Es entonces cuando conoce a Laura... y pasa lo que debe pasar en cualquier comedia romántica de fórmula... pero con olor a pescado. Lo mejor de la cinta son las actuaciones así como la omni presencia de Ernesto Alonso, quien prestó su imagen para representar al olvidado artista. Lástima que es imposible que aparezca en persona como gurú al estilo Obi-Wan... aunque si lo hiciera tendría que hacer un número musical ridículo pero divertido.

Bajo tortura: Buena noticia: el documental mexicano sigue siendo de altísimo nivel. M mala noticia: varios de los mejores documentales se enfocan en casos legales donde la justicia decide ausentarse en los tribunales mexicanos. En esta ocasión tejanos el caso de Alfonso Martín del Campo, quien fue injustamente acusado de asesinar a si hermana y cuñado. Obligado a firmar su confesión es que lleva más de veinte años apresado por un crimen que no cometió y al parecer ni las comisiones nacionales o inter americanas de derechos humanos pueden ayudarlo a pesar de que la evidencia a su favor. Faltan treinta años más para que cumpla una condena injusta. Este documental podría servir para crear conciencia sube la revisión necesaria a su caso.