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CRÍTICA - ‘Carancho’ é tensão em seu estado mais puro

2010-10-13T11:55:00.001-03:00

HANRRIKSON DE ANDRADE
No Rio de Janeiro

Carancho é mais uma obra argentina que muito tem a conquistar. O novo filme de Pablo Trapero, que apresentou Leonera no Festival do Rio dois anos atrás, é marcado por pequenos planos-sequência de fôlego intenso e magnetismo inegável, em especial na segunda metade da película. O roteiro dá inspiração cinematográfica ao conturbado cotidiano de um hospital, algo já explorado à exaustão nas famosas séries americanas, tais como ER, House, Grey's Anatomy, entre outras. Contudo, reduzir o filme a uma pobre pesperctiva comparativa seria injusto. Em meio ao caos da luta pela sobrevivência, nasce a história pitoresca de um homem que, após perder a licença para advogar, passa a faturar uma grana alta de seguradoras forjando acidentes de trânsito. Perseguido por um inédito tipo de máfia, Sosa (Darín) tenta reconstruir sua vida depois de conhecer a médica workaholic Luján, personagem da talentosa Martina Gusman, esposa do diretor. O fim é trágico, irônico, com um plano de tensão em seu estado mais puro.

Há uma linha tênue que separa perspectivas totalmente distintas na estrutura do filme: a tentativa de construir uma história de amor, que definitivamente não funciona; e uma mensagem denuncista acerca do esquema de acidentes forjados. Não fosse, como já comentado, a apresentação impactante de um novo tipo de máfia e a carga de suspense e dramatização aplicada por Trapero na transição entre essas duas esferas, o brilho de Carancho cairia por terra. Contribuem para o fracasso na relação amorosa dos personagens de Darín e Gusman a falta desse tipo de química entre os atores, cuja diferença de idade é absolutamente gritante a considerar as características do roteiro (ele tem 53, ela 31); e o fato de que não há espaço-tempo para os sentimentos parecerem verossímeis, já que tudo se dá rapidamente - de uma paquera casual ao amor sem limites. O lado romântico parece, na verdade, imposto ao espectador como uma espécie de eufemismo.

O déficit explica as razões pelas quais a segunda metade do filme é, decerto, o que mais cativa, impacta, prende a atenção do espectador. Ainda que falhe no posto de homem romântico - o que não se fez notório em O Segredo dos Seus Olhos -, Darín tem momentos incríveis na pele do personagem principal, a exemplo da cena em que Sosa mata a pauladas um dos seus antigos colegas de trabalho. Já a escolha por Gusman parece óbvia se pensarmos que, além de ser casada com Trapero, ela também é diretora-executiva do filme. Mas a atriz está bem, ponto. A personagem Luján cresce na medida em que o roteiro se desenvolve como registro de uma realidade oculta e atinge o seu ponto de maturação na cena final.

De acordo com uma reportagem do jornal argentino “Clarín”, Carancho fue presentada en palabras de su realizador como "un homenaje al policial negro, donde a partir de una historia centrada en poquitos personajes se puede hacer un retrato social de lo que pasa afuera", afirmou Trapero. De fato, a reprodução da lógica de exploração da condição humana é o que realmente interessa neste novo trabalho do diretor. Assim como em Leonera, ele faz uso de uma questão social para elaborar uma excelente narrativa ficcional, principalmente para os que não estão inseridos no contexto que dá suporte ao roteiro.

AVALIAÇÃO: 5/5.

‘Lope’, de A. Waddington, é selecionado para Toronto e Veneza

2010-08-03T03:30:00.001-03:00

Novo filme do diretor de ‘Eu Tu Eles’ conta trajetória do dramaturgo Lope de Vega

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No Rio de Janeiro

Lope, novo longa do diretor Andrucha Waddington (foto), foi selecionado para duas premiações internacionais: o 35º Festival Internacional de Cinema de Toronto e a 67ª edição do tradicional Festival de Veneza. O filme é uma coprodução entre Espanha e Brasil e, no Canadá, fará parte da mostra ‘Special Presentation’, dentro da seleção oficial; já na premiação italiana, o longa será exibido fora de competição na seleção oficial entre as importantes obras selecionadas de diretores que já estiveram nas edições anteriores do Festival de Veneza.

Lope leva ao cinema parte da história do espanhol Lope de Vega, um dos maiores dramaturgos e poetas de todos os tempos, autor de obras como “Fuente Ovejuna” e “La Arcádia”.

As filmagens aconteceram na Espanha e no Marrocos. Para interpretar Lope, o escolhido foi o ator argentino Alberto Ammann, vencedor do prêmio Goya por seu desempenho como protagonista de Celda 211, de Daniel Monzón. No elenco principal estão ainda as atrizes espanholas Pilar López de Ayala (Juana La Loca e Obaba), vencedora dos prêmios Goya e do Festival de San Sebástian, e Leonor Watling (Paris, Te Amo, Fale com Ela e A Mi Madre le Gustan las Mujeres). A convite do diretor, Selton Mello e Sonia Braga também integram o elenco principal.

- Considero uma honra ter sido selecionado como ‘Apresentação Especial’ para o Festival de Toronto, que é um dos festivais mais importantes da América do Norte. Já estive na seleção oficial com Eu Tu Eles e Casa de Areia, mas nunca numa seção tão importante do festival - comentou Andrucha, que falou também sobre a escolha para o Festival de Veneza:

- Estar em Veneza é uma honra, iniciando com pé direito a carreira de Lope. Por ser um filme de amor, aventura e entretenimento cujo herói é um dos maiores poetas da Espanha, Lope ser apresentado como hors cocours na mostra oficial é o espaço ideal mais do que desejado por mim para este filme.

Lope será distribuído nacionalmente pela Warner Bros. Pictures, que também coproduz o filme, em conjunto com Conspiração Filmes, El Toro Pictures, Ikiru Films, Antena 3 Films, Telefónica e Moonshot Pictures. A data prevista de estreia nos cinemas brasileiros é 5 de novembro de 2010. Confira o trailer oficial neste link.

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Bilheterias EUA: ‘A Origem’, de Chris Nolan, se mantém no topo

2010-08-03T03:23:00.000-03:00

Filme com Leonardo Di Caprio arrecadou cerca de US$ 195,3 milhões em 3 semanas

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No Rio de Janeiro

A Origem, do diretor Christopher Nolan (Batman – O Cavaleiro das Trevas), permanece na liderança das bilheterias americanas pelo terceiro fim de semana consecutivo. O filme, que tem Leonardo Di Caprio (foto) como pratonista, arrecadou cerca de 27,5 milhões de dólares, sendo exibido em 3.545 salas de projeção. O longa deve chegar aos cinemas brasileiros na próxima sexta-feira, dia 6 de agosto.

A arrecadação total de A Origem já ultrapassa a marca de 195,3 milhões de dólares nos Estados Unidos. As informações são da revista "Variety".

A comédia Dinner for Schmucks, que até sábado liderava o Top 10 EUA, caiu para a segunda colocação, com 23,3 milhões de dólares. Na cola estão Salt, filme de ação protagonizado por Angelina Jolie, e a animação Meu Malvado Favorito, com US$ 19,2 milhões e US$ 15,5 milhões, respectivamente.

Já o tridimensional Como Cães e Gatos 2, da Warner, aparece na quinta posição, com 12,5 milhões de dólares.

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Crítica: 'Tudo Pode Dar Certo', novo filme de Woody Allen

2010-04-23T15:33:00.008-03:00

HANRRIKSON DE ANDRADE
No Rio de Janeiro

Tudo Pode Dar Certo, que tem estreia prevista para a próxima sexta-feira, 30 de abril, recria o que há de melhor em Woody Allen: um roteiro inteligente, situações pitorescas, personagens complexos, neuróticos, fracassados, hipocondríacos, sexualmente infelizes (...). Nada que já não conheçamos, é bem verdade. Mas a tomar como base as suas últimas obras, o tom dramático é a última coisa a ser notada em Tudo Pode Dar Certo. Afinal, a necessidade de reinvenção a cada filme lhe rendeu uma sensação pré-concebida de descrédito – sempre que “um novo filme de Woody Allen” chega aos cinemas, há quem já entre na sala de exibição ciente de que não se tratará de um Noivo neurótico, noiva nervosa (1977) ou Manhattan (1979), e sim de um trabalho apenas razoável, abaixo das expectativas. De volta ao seu pólo criativo, Nova Iorque, depois de cinco anos filmando na Europa, Allen nos brinda com mais uma comédia ranzinza, despretensiosa e ligeiramente autobiográfica, centrada novamente na figura de um judeu fracassado, sua marca registrada. Grosso modo, é justamente isso o que ele de melhor sabe fazer.

Desde 2000, Allen trava uma incessante batalha para superar os clichês que se cristalizaram em torno de sua própria obra - o rótulo "woody-alleniano" é algo que o deve irritar consideravelmente. Porém, não é segredo o fato de que o renomado diretor recebeu mais críticas negativas do que elogios no decorrer de sua trajetória recente. Embora eu considere excelentes os frutos de seu trabalho com a Dreamworks - Trapaceiros (2000), O Escorpião de Jade (2001), Dirigindo No Escuro (2002) e Igual a Tudo na Vida (2003) –, a crítica internacional não foi nada agradável durante os quatro anos de parceria entre Allen e a companhia de Steven Spielberg. De 2004 a 2008, o cineasta largou mão de atuar em seus filmes, explorou potencialidades geográficas (Londres, Barcelona...) e renovou sua linguagem, com roteiros menos intelectualizados e mais encorpados dramaticamente, o que deu origem a Melinda e Melinda (2004), Match Point (2005), Scoop - O Grande Furo (2006), O Sonho de Cassandra (2007) e Vicky Cristina Barcelona (2008).

Não é exagero dizer que Tudo Pode Dar Certo é o seu melhor roteiro desde Dirigindo No Escuro. O personagem principal, Boris Yellnikoff, é uma espécie de alter-ego do próprio Woody, o que também não é novidade alguma, mas dessa vez quem o interpreta (e com exímio talento) é Larry David, co-criador e roteirista da série Seinfeld. Resmungão e já alheio a qualquer prazer mais superficial, Boris é do tipo gênio incompreendido, leva uma vida repleta de manias, paranóias, hábitos metódicos e a frustração de não ter sido indicado ao Nobel em física. Aposentado das funções acadêmicas, ganha a vida a dar aulas de xadrez para crianças (fato que rende gags realmente engraçadas, pois Boris está mais para ditador do que para professor).

O rompimento da quarta parede define toda a estrutura do roteiro – o personagem principal se dirige por várias vezes ao espectador, como se este pertencesse ao contexto da trama, e o designa para um eventual juízo dos acontecimentos. Boris em momento algum engana a quem o assiste: o monólogo que “abre” o filme traz um discurso crítico inflamado sobre questões de cunho social, cultural e econômico inerentes à sociedade americana, através do qual ele já adianta “não ser um cara agradável”. Mas toda a ignorância, impaciência e metodismo são colocados de maneira cômica e, em vez de odiar o personagem, simpatizamo-nos com ele. Principalmente depois que ele ajuda uma jovem recém-chegada do Mississipi, a bela Melody Celestine, personagem de Evan Rachel Wood.

Transpirando jovialidade, Melody se instala na casa de Boris e passa a fazer companhia para o velho solitário. Tratando-se de Woody Allen, não é de se espantar que o gênio paquidérmico acabe por conquistar a caipira ingênua. Posteriormente, ainda que as diferenças sejam gritantes, eles se casam e Melody assimila todas as teorias absurdas e pessimistas que o personagem principal nutriu durante anos de isolacionismo. Mais do que um marido, ele é um tutor, alguém que a introduz no universo cultural grandiloquente da cidade nova-iorquina (outra marca registrada de Allen: os passeios românticos pelos principais pontos turísticos da Big Apple). Boris, com suas citações, teorizações e reflexões filosóficas, é de certa forma um Isaac Davis da terceira idade, e Melody Celestine é a sua Tracy.

A partir daí, os diálogos ganham cada vez mais força. Outros personagens rendem gags de humor corretamente utilizadas, tais como os pais de Melody, Marietta (Patricia Clarkson) e John Celestine (Ed Begley Jr.). A adaptação de sulistas recém-chegados ao epicentro cultural do leste estadunidense sustenta a segunda parte do filme; e Boris, quem diria, flerta com o otimismo em alguns momentos. Aliás... O título, Tudo Pode Dar Certo, é irônico nesse sentido. Se tudo pode realmente acontecer, abre-se uma brecha para o imprevisível, algo que o personagem principal, rabugento por excelência, definitivamente não está disposto a aceitar. Assim, se é necessário viver (Boris fracassara nas duas tentativas de suicídio), o único consolo é pensar que as coisas podem dar certo ao fim da projeção. Sem paradoxos existencialistas, Woody Allen não seria Woody Allen.

'Alice', 'A Estrada' e Woody Allen entre as estreias de abril

2010-04-23T14:58:00.000-03:00

CINEAFORISMO.COM
No Rio de Janeiro

Confira abaixo a lista dos filmes que entram em cartaz nesta sexta-feira, dia 23 de abril, e na próxima semana, dia 30 de abril, nos cinemas brasileiros. Destaque para a aguardada versão 3D de Alice no País das Maravilhas, de Tim Burton; o elogiado A Estrada, de John Hillcoat, que ficou injustamente fora do Oscar 2010; e o novo trabalho de Woody Allen, Tudo Pode Dar Certo, uma comédia despretensiosa que marca o retorno do diretor ao seu pólo criativo, Nova Iorque, depois de cinco anos filmando na Europa (leia a crítica). Fonte: Filme B.

Alice no País das Maravilhas [Alice in Wonderland, EUA, 2010], de Tim Burton (Disney). Gênero: aventura. Elenco: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway. Sinopse: As aventuras da jovem Alice, que cai em um mundo mágico, cheio de personagens estranhos e obscuros. Baseado na obra de Lewis Carroll. Com exibição em 3D. Abertura nos EUA: US$ 116 milhões (em 5/3/2010). Dif. (segundo fim de semana): -47% Acumulado nos EUA: US$ 324 milhões Duração: 108 min. Classificação: 10 anos.

Depois de ontem, antes de amanhã [Brasil, 2009], de Christine Liu (Dist. Própria). Gênero: documentário. Sinopse: Josenilda, Lucivânia e Daniel são amigos. Os três vivem na cidade de Araçoiaba, interior de Pernambuco, a 67 km de Recife. Os três se unem pela amizade e pelo amor à cidade. Duração: 73 min. Classificação: livre.

A Estrada [The Road, EUA, 2009], de John Hillcoat (Paris). Gênero: drama. Elenco: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron. Sinopse: Num mundo pós-apocalíptico, um homem e seu filho tentam sobreviver a qualquer custo. Baseado no romance de Cormac McCarthy. Abertura nos EUA: US$ 1,5 milhão (em 27/11/2009, circuito limitado). Dif. (segundo fim de semana): -49% Acumulado nos EUA: US$ 8,1 milhões. Duração: 112 min. Classificação: 16 anos.

Os EUA x John Lennon [U.S. vs. John Lennon, EUA, 2006], de David Leaf e John Scheinfeld (Filmes da Mostra). Gênero: Documentário. Sinopse: Documentário que mostra a tranformação do músico John Lennon em ativista social entre 1966 a 1976 e como o governo norte-americano tentou silenciá-lo e expulsá-lo do país. Duração: 99 minutos. Classificação: 14 anos. Rio de Janeiro (Estreou em São Paulo em 2/4/2010)

Lissi no reino dos birutas [Lissi und der Wilde Kaiser, Alemanha, 2007], de Michael Herbig (Artfilms / Serendip Filmes). Gênero: animação. Sinopse: A Imperatriz Lissi e seu marido Franz são o casal ideal num mundo maravilhoso. Lá tudo é perfeito. Dinheiro, festas e até bombons de chocolate para jogar golfe. Até que nuvens escuras se formam no alto das montanhas. O Abominável Homem das Neves faz um pacto para se salvar. Para isso, ele deverá raptar a Princesa Lissi. Duração: 89 min. Classificação: livre.

Mais que o máximo [Coco, França, 2009], de Gad Elmaleh (Imovision). Gênero: comédia. Elenco: Gad Elmaleh, Pascale Arbillot, Jean Benguigui. Sinopse: Homem centrado passa a infernizar a vida de todos a sua volta quando descobre que tem um problema de coração. Duração: 95 min. Classificação: livre.

Sonhos roubados [Brasil, 2009], de Sandra Werneck (Europa). Gênero: drama. Elenco: Marieta Severo, Daniel Dantas, Kika Farias, MV Bill e Nelson Xavier. Sinopse: A história de três meninas que vivem na periferia de uma grande cidade. Duração: 85 min. Classificação: 16 anos.

Utopia e barbárie [Brasil, 2009], de Silvio Tendler (Dist. Própria). Gênero: documentário. Sinopse: Ensaio sobre utopias da geração sonhadora de 1968 e a criação de novas utopias no mundo globalizado. Duração: 120 min. Classificação: livre.

30 de abril

A Casa Verde [Brasil, 2009], de Paulo Nascimento (Espaço Filmes). Gênero: infantil. Elenco: Nicola Siri, Fernanda Moro, Zé Victor Castiel. Sinopse: Autor de história em quadrinhos cria uma história sobre cientista que inventa uma máquina de reciclar lixo, mas que é perseguido por vilão poluidor que tem prejuízos por causa da invenção. Duração: a definir. Classificação: 71 min. São Paulo, Rio de Janeiro, Curitiba, Salvador e Porto Alegre

Homem de Ferro 2 [Iron Man 2, EUA, 2010], de Jon Favreau (Paramount). Gênero: aventura. Elenco: Robert Downey Jr, Mickey Rourke, Scarlett Johansson. Sinopse: Tony Stark, o Homem de Ferro, enfrenta uma nova ameaça. Duração: a definir. Classificação: a definir.

O Profeta [Un prophète, França/Itália, 2009], de Jacques Audiard (Sony). Gênero: drama. Elenco: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif. Sinopse: Malik El Djebena é condenado aos 19 anos, sem saber ler. Coagido pelo líder do bando que domina a prisão, Malik se vê obrigado a cumprir uma série de "serviços" para assim ganhar força e conquistar a confiança de todos. Duração: 155 min. Classificação: a definir.

Tudo Pode Dar Certo [Whatever Works, EUA, 2009], de Woody Allen (Califórnia). Gênero: comédia. Elenco: Evan Rachel Wood, Larry David, Patrícia Clarkson. Sinopse: Boris, um velho rabugento e antipático que vive insultando as pessoas, é abordado por Melodie, uma moça simplória. Duração: 92 min. Classificação: a definir.

Trailer - 'A Religiosa Portuguesa'

2010-04-22T00:43:00.000-03:00

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No Rio de Janeiro

Scorsese dá verdadeira aula de suspense em 'Ilha do Medo'

2010-03-15T01:56:00.007-03:00

HANRRIKSON DE ANDRADE
No Rio de Janeiro

Martin Scorsese é um cineasta de poucos erros, um dos mais regulares de Hollywood desde os anos 70. De Caminhos Perigosos (1973), passando pelos clássicos Taxidriver (1976) e Touro Indomável (1980) e chegando a Os Infiltrados (2006), o estudioso diretor construiu uma carreira com traços de autoralidade, mas sem refutar a premissa comercial da indústria hollywoodiana. Em Ilha do Medo, seu mais recente trabalho, ele nos proporciona doses corretíssimas de angústia, sem perder o fio da história; uma verdadeira aula de suspense, afinal. A isso, soma-se a belíssima e convincente atuação de Leonardo DiCaprio, que, para os que ainda suspeitavam, distancia-se definitivamente da sombra de galã pop adquirida em Titanic.

OSCAR 2010: Confira tudo sobre a maior celebração da indústria cinematográfica de Hollywood

O roteiro é baseado no livro “Paciente 67”, de David Lehane – o mesmo de “Sobre Meninos e Lobos” –, adaptado pelo habilidoso Laeta Kalogridis, um dos produtores-executivos de Avatar. Há tensão desde a cena de abertura, com a chegada de uma balsa a Shutter Island, espécie de Alcatraz cinquentista reservada para criminosos com problemas psiquiátricos. A bordo estão os detetives Teddy Daniels (DiCaprio) e seu novo parceiro, Chuck Aule (Mark Ruffalo), enviados à ilha sombria para solucionar o caso de desaparecimento da prisioneira (ou paciente, como prefere o “Dr. Cawley”, personagem de Ben Kingsley) Rachel Solando.

A misteriosa prisão psiquiátrica é dividida em três alas e o nível de burocracia existente no local é bastante condizente com a chamada paranoia americana. Existe apenas um cais e, como diz um dos policiais, só por ele é possível entrar ou sair da ilha – o complexo penitenciário é cercado por floresta e penhascos. Não obstante, as condições climáticas são terríveis, com constantes tempestades e ameaças de furacão. Tal cenário autentica a nuvem de angústia que paira sobre Shutter Island, uma vez que qualquer tentativa de fuga seria praticamente impossível, ainda mais para uma mulher que perdera a sanidade. Além disso, a dupla encontra uma série de dificuldades para ter acesso às fichas de pacientes, médicos e policiais, o que os leva a desconfiar dos diretores da prisão-hospital, Dr. Cawley (Kingsley) e o enigmático Dr. Naehring (Max von Sydow).

Percebemos então o uso inteligente do McGuffin de Alfred Hitchcock; Teddy Daniels e Chuck Aule foram levados à ilha em função de uma investigação, mas isso logo é colocado em segundo plano. Os detetives suspeitam que os presos sejam utilizados como cobaias para experiências como lobotomia, lavagem cerebral, entre outras (algo similar à medicina nazista). Para intensificar o suspense, Scorsese insere flashbacks aleatórios que definem uma narrativa, através de memórias, alucinações e sonhos do personagem principal, mas não é possível saber do que se trata. Teddy é o investigador do tipo clássico: usa o sarcasmo como um mecanismo de defesa e esbanja persistência na busca pela verdade. Afinal, é justamente por isso que ele está em – ou foi levado a – Shutter Island. À procura da verdade, da distinção entre o que é real e o que é imaginário.

A narrativa paralela aos poucos se desenlaça: Daniels teve um trauma familiar do qual ainda não conseguiu se recuperar; de acordo com as suas recordações, sua esposa, Dolores (interpretada pela bela Michele Williams), morreu em uma explosão causada por um incendiário chamado “Laeddis” (Elias Koteas). Depois disso o investigador passou a mapear os passos do assassino de sua mulher e, com a ajuda de um ex-detento da ilha, George Noyce (Jackie Earle Haley), descobriu que ele fora transferido para Shutter Island após ser preso e declarado como insano. Embora ele não tenha a intenção inicial de matar “Laeddis”, sua crise existencial e a necessidade de vingança o tornam um homem violento. Gradativamente, DiCaprio incorpora esse “monstro encarcerado” no protagonista, em uma atuação brilhante que nos faz lembrar do eterno Jack Torrance, personagem de Jack Nicholson em O Iluminado.

O universo de cinismo e desconfiança que cerca o detetive traz à memória os clássicos de John Huston e Otto Preminger. Além da trilha sonora certeira do guitarrista Robbie Robertson (The Band), há todo um cuidado estético do diretor de arte Dante Ferreti e do diretor de fotografia Robert Richardson em relação à iluminação; Scorsese claramente se inspira nos filmes policiais da primeira metade do século XX para criar uma natureza soturna, claustrofóbica e perturbadora. O sol só vem a brilhar na última cena do thriller, quando “Teddy Daniels” está prestes a tomar uma importante decisão – mencionar aqui a pergunta que ele faz ao personagem de Ruffalo seria entregar o ouro.

Ilha do Medo causa aquele desconforto reflexivo típico dos ótimos filmes de suspense. É quase impossível não deixar a sala de exibição ainda meio atônito com o que se acabara de ver.

Com a palavra, o mestre Martin Scorsese: “Eles (Hollywood) fazem coisas muito simples, para atrair jovens e crianças. O padrão de qualidade baixou muito, quando era mais elevado, quando não elevadíssimo. Sou de uma época em que era normal filmes como 'Ilha do Medo' para o grande público, com grandes estrelas. Por que não se pode fazer filmes como este hoje para uma audiência global?", disse o diretor, durante um encontro com jornalistas no Festival de Berlim desse ano.

OSCAR 2010: 'Guerra ao Terror' melhor filme; Bigelow supera ex-marido e é a 1ª mulher a ganhar Melhor Direção

2010-03-10T20:13:00.012-03:00

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No Rio de Janeiro

Kathryn Bigelow, do ótimo Guerra ao Terror, se tornou no último domingo (7) a primeira mulher a faturar o Oscar de Melhor Direção em 82 anos de premiação, desbancando o favorito Avatar, de seu ex-marido, James Cameron (Titanic). O filme de guerra levou ainda outras cinco estatuetas na principal celebração da indústria cinematográfica, incluindo a de Melhor Filme. O épico futurista de Cameron ganhou apenas prêmios técnicos: Melhor Fotografia, Melhor Direção de Arte e o de Efeitos Especiais. Confira a lista completa ao fim deste post.

O triunfo ficou mais próximo quando Guerra ao Terror superou Avatar em Melhor Montagem, Melhor Mixagem de Som e Melhor Edição de Som. O embate nessas categorias funcionou como um termômetro para quem tentava antever os critérios da Academia de Hollywood, já que o filme de Cameron estava mais bem cotado. Antes mesmo do anúncio dos grandes prêmios da noite, vários fãs e jornalistas já apostavam na consagração de Bigelow.

As apostas do Cineaforismo.com para o Oscar 2010: 12 acertos de 24 (50%)
CRÍTICA - Com Avatar, James Cameron funde cinema e tecnologia em um só produto
TUMBLR - Derrotado pela ex-mulher, Cameron brinca de "enforcar" Bigelow

Kathryn foi anunciada como vencedora da categoria Melhor Direção pela atriz e cantora Barbra Streisand e, em seu discurso de agradecimento, visivelmente emocionada, dedicou a todos os homens e mulheres que integram o exército estadunidense na ocupação do Iraque.

“Eu gostaria de dedicar isto às mulheres e aos homens no serviço militar que arriscam suas vidas diariamente no Iraque, Afeganistão e ao redor do mundo. Que eles possam voltar para casa em segurança". Veja no vídeo abaixo.

Ela ainda nem tinha deixado o palco quando o ator Tom Hanks, de maneira repentina e econômica, anunciou Guerra ao Terror como Melhor Filme. Bigelow voltou ao microfone na companhia dos produtores, do roteirista e integrantes do elenco (como Jeremy Renner, um dos indicados a Melhor Ator). Confira no vídeo abaixo.

No entorno dessa batalha particular, algumas apostas se confirmaram: Christoph Waltz, de Bastardos Inglórios, e Mo'Nique, de Preciosa - Uma história de esperança, levaram respectivamente os de Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Atriz Coadjuvante; Jeff Bridges (Coração Louco) e Sandra Bullock (Um Sonho Possível) emocionaram a plateia do Kodak Theatre ao faturarem os de Melhor Ator e Melhor Atriz; e o amplo favorito Up - Altas Aventuras ficou com o Oscar de Melhor Animação.

Como em todas as edições do Oscar sempre há alguma surpresa, coube ao argentino O Segredo dos Seus Olhos, do mestre Juan José Campanella, desbancar o favorito A Fita Branca (Alemanha) e vencer o de Melhor Filme Estrangeiro. Amor sem Escalas, do queridinho da Academia, Jason Reitman, decepcionou. Cotado para ganhar pelo menos o prêmio de Melhor Roteiro Adaptado, acabou superado por Preciosa - Uma história de esperança.

CONSIDERAÇÕES. Quando Barbra Streisand anunciou a vitória de Bigelow, uma sensação de triunfo se espalhou do Kodak Theatre para os que acompanhavam o Oscar 2010 pelo mundo. Em primeiro lugar, por ser a primeira mulher a ganhar tal estatueta em 82 anos de Oscar, justamente no dia anterior ao Dia Internacional da Mulher (8 de março). Não obstante, a escolha por Guerra ao Terror simbolizou a valorização do cinema dito “independente” (o orçamento de 15 milhões de dólares se apequenou em função da disputa com Avatar, que custou mais de US$ 300 milhões) e fez surgir pelo mundo uma tendência “anti-Avatar”. Exemplo disso é o “#chupaavatar”, hashtag do Twitter criada por brasileiros e que virou notícia até no The Guardian.

Esse é um terreno perigoso. Taxar Avatar praticamente como um símbolo do capitalismo é desmerecer o seu caráter inovador e o seu enredo pertinente. Assim como alçar Guerra ao Terror ao status de “resistência” – ou colocá-lo na condição de representante do cinema independente – é ilegítimo. São apenas duas ótimas produções com naturezas e objetivos diferentes que disputaram de igual para igual os principais prêmios da 82ª edição do Oscar. Não refletem absolutamente nada fora do campo cinematográfico – ou do tecnológico, no caso de Avatar.

Hollywood soube explorar de maneira inteligente o embate entre ex-cônjuges. Bigelow se fortaleceu com a imagem de “ex-esposa” e ganhou a simpatia de nove entre dez mulheres. Além disso, abocanhou considerável parcela dos intelectuais, bombardeados pelos elogios da crítica internacional. Cameron teve o apoio irrestrito dos nerds (órfãos da não-indicação de Star Trek a Melhor Filme), viciados em tecnologia, entre outras segmentações. Foi uma bela disputa.

Se eu pudesse votar, também optaria por Guerra ao Terror, pois o filme de Bigelow – apesar da provável inverossimilhança, já que é uma narrativa ficcional – é intrigante e catártico do começo ao fim. Porém, se a principal estatueta tivesse ido para Avatar, uma obra impactante, revolucionária e que merece todos os elogios que foram feitos, não seria absurdo algum. O clima de competição, afinal, não se estende aos espectadores. Sorte a nossa poder apreciar esses dois ótimos filmes.

VENCEDORES DA 82ª EDIÇÃO DO OSCAR

Melhor Filme - Guerra ao Terror

Concorrentes: Um Sonho Possível, Educação, Distrito 9, Amor sem Escalas, Avatar, Up - Altas Aventuras, Um Homem Sério, Preciosa - Uma história de esperança e Bastardos Inglórios.

Melhor Direção - Kathryn Bigelow, Guerra ao Terror

Outros concorrentes: James Cameron, Avatar; Quentin Tarantino, Bastardos Inglórios; Lee Daniels, Preciosa - Uma história de esperança; e Jason Reitman, Amor sem Escalas.

Melhor Ator - Jeff Bridges, Crazy Heart

Outros concorrentes: George Clooney, Amor sem Escalas; Colin Firth, Direito de Amar; Morgan Freeman, Invictus; e Jeremy Renner, Guerra ao Terror.

Melhor Ator coadjuvante - Christoph Waltz, Bastardos Inglórios

Outros concorrentes: Matt Damon, Invictus; Woody Harrelson, O Mensageiro; Christopher Plummer, The Last Station; e Stanley Tucci, Um Olhar no Paraíso.

Melhor Atriz - Sandra Bullock, Um Sonho Possível

Outros concorrentes: Helen Mirren, The Last Station; Carey Mulligan, Educação; Gabourey Sidibe, Preciosa - Uma história de esperança; e Meryl Streep, Julie e Julia.

Melhor Atriz coadjuvante - Mo'Nique, Preciosa - Uma história de esperança

Outros concorrentes: Penélope Cruz, Nine; Vera Farmiga, Amor sem Escalas; Maggie Gyllenhaal, Crazy Heart; e Anna Kendrick, Amor sem Escalas.

Melhor Roteiro original - Guerra ao Terror

Outros concorrentes: Bastardos Inglórios, O Mensageiro, Um Homem Sério e Up - Altas Aventuras.

Melhor Roteiro adaptado - Preciosa - Uma história de esperança

Outros concorrentes: Distrito 9, Educação, Amor sem Escalas e In The Loop.

Melhor Filme Estrangeiro - O Segredo dos Seus Olhos (Argentina)

Outros concorrentes: A Fita Branca (Alemanha), La Teta Asustada (Peru), Un Prophète (França) e Ajami (Israel).

Melhor Animação em Longa-metragem - Up - Altas Aventuras

Outros concorrentes: Coraline, O Fantástico Sr. Raposo, A Princesa e o Sapo e The Secret Of Kells.

Melhor Animação em Curta-metragem - Logorama

Outros concorrentes: Granny O´Grimn´s Sleeping Beauty, The Lady and the Reaper (La Dama e la Muerte), French Roast e A Matter of Loaf and Death.

Melhor Documentário em Longa-metragem - The Cove

Outros concorrentes: Burma VJ, The Most Dangerous Man In America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers, Food Inc. e Which Way Home.

Melhor Documentário em Curta-metragem - Music by Prudence

Outros concorrentes: Province, The Last Campaign of Governos Booth Gardner, The Last Truck: Closing of a GM Plant e Rabbit à la Berlin.

Melhor Trilha sonora - Up - Altas Aventuras

Outros concorrentes: Avatar, O Fantástico Sr. Raposo, Guerra ao Terror e Sherlock Holmes.

Melhor Canção - "The Weary Kind", Crazy Heart

Outros concorrentes: "Almost There" (A Princesa e o Sapo), "Down in New Orleans" (A Princesa e o Sapo), "Loin de Paname" (Paris 36), "Take it All" (Nine).

Melhor Direção de Arte - Avatar

Outros concorrentes: O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus, Nine, Sherlock Holmes, The Young Victoria.

Melhor Fotografia - Avatar

Outros concorrentes: Harry Potter e o Enigma do Príncipe, Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios e A Fita Branca.

Melhor Montagem - Guerra ao Terror

Outros concorrentes: Distrito 9, Bastardos Inglórios, Avatar e Preciosa - Uma história de esperança.

Melhor Mixagem de Som - Guerra ao Terror

Outros concorrentes: Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios, Star Trek e Transformers 2: A vingança dos derrotados.

Melhor Edição de Som - Guerra ao Terror

Outros concorrentes: Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios, Star Trek e Up - Altas Aventuras.

Melhores Efeitos Visuais - Avatar

Outros concorrentes: Distrito 9 e Star Trek.

Melhor Maquiagem - Star Trek

Outros concorrentes: Il Divo e The Young Victoria.

Melhor Figurino - The Young Victoria

Outros concorrentes: Brilho de uma Paixão, Coco Antes de Chanel, O Mundo Imaginário do Dr Parnassus e Nine.

Melhor Curta-metragem de Ficção - The New Tenants

Outros concorrentes: Instead of Abracadabra, Kavi, Miracle Fish e The New Tenants.

Apostas do Cineaforismo.com para o Oscar 2010

2010-02-25T10:05:00.005-03:00

Segue abaixo a lista de apostas do Cineaforismo.com para o Oscar 2010, que acontecerá daqui a duas semanas, no dia 7 de março, no Kodak Theatre, em Los Angeles. O grande vencedor da principal premiação cinematográfica da indústria hollywoodiana deve ser mesmo o revolucionário Avatar, de James Cameron, que concorre em nove categorias, incluindo as de Melhor Filme e Melhor Direção. O filme do diretor de Titanic é favorito em praticamente todas elas. A festa não terá hora para acabar em Pandora.

A disputa, porém, não será tão simples assim, já que o ótimo Guerra ao Terror também está no páreo. O filme foi elogiadíssimo pela crítica norte-americana por explorar uma temática tão hostil (a ocupação estadunidense no Iraque), já utilizada à exaustão, com a simplicidade de uma produção independente, sem atores renomados e focado na condição humana em detrimento das grandes explosões, tiroteios etc. O longa dirigido pela ex-esposa de Cameron, Kathryn Bigelow, também concorre em nove categorias.

Algumas estatuetas são relativamente óbvias: Mo'Nique, com uma atuação para lá de intensa em Preciosa - Uma história de esperança, dificilmente perde o de Melhor Atriz Coadjuvante. Já Christoph Waltz, o histórico coronel Hans Landa do efêmero Bastardos Inglórios, já está ensaiando o seu discurso de agradecimento pelo prêmio de Melhor Ator Coadjuvante. A de Melhor Animação mais uma vez já tem provável dono: Up - Altas Aventuras, que pode ganhar ainda o de Melhor Trilha Sonora.

A categoria de Melhor Filme Estrangeiro nos presenteia com uma disputa especial. O brasileiro Salve Geral ficou fora, mas a Academia escolheu dois representantes sul-americanos: O Segredo dos Seus Olhos, do mestre Juan José Campanella, e o arrebatador La Teta Asustada, de Claudia Llosa, que fez muito sucesso por aqui já no Festival de Gramado do ano passado. O favorito, porém, é o alemão A Fita Branca, do (austríaco) Michael Haneke, que é capaz de deixar o espectador embasbacado com o charme de sua fotografia.

Melhor Filme - Avatar

Outros concorrentes: Um Sonho Possível, Educação, Distrito 9, Amor sem Escalas, Guerra ao Terror, Up - Altas Aventuras, Um Homem Sério, Preciosa - Uma história de esperança e Bastardos Inglórios.

Melhor Direção - James Cameron, Avatar

Outros concorrentes: Kathryn Bigelow, Guerra ao Terror; Quentin Tarantino, Bastardos Inglórios; Lee Daniels, Preciosa - Uma história de esperança; e Jason Reitman, Amor sem Escalas.

Melhor Ator - Jeff Bridges, Crazy Heart

Outros concorrentes: George Clooney, Amor sem Escalas; Colin Firth, Direito de Amar; Morgan Freeman, Invictus; e Jeremy Renner, Guerra ao Terror.

Melhor Ator coadjuvante - Christoph Waltz, Bastardos Inglórios

Outros concorrentes: Matt Damon, Invictus; Woody Harrelson, O Mensageiro; Christopher Plummer, The Last Station; e Stanley Tucci, Um Olhar no Paraíso.

Melhor Atriz - Sandra Bullock, Um Sonho Possível

Outros concorrentes: Helen Mirren, The Last Station; Carey Mulligan, Educação; Gabourey Sidibe, Preciosa - Uma história de esperança; e Meryl Streep, Julie e Julia.

Melhor Atriz coadjuvante - Mo'Nique, Preciosa - Uma história de esperança

Outros concorrentes: Penélope Cruz, Nine; Vera Farmiga, Amor sem Escalas; Maggie Gyllenhaal, Crazy Heart; e Anna Kendrick, Amor sem Escalas.

Melhor Roteiro original - Guerra ao Terror

Outros concorrentes: Bastardos Inglórios, O Mensageiro, Um Homem Sério e Up - Altas Aventuras.

Melhor Roteiro adaptado - Amor sem Escalas

Outros concorrentes: Distrito 9, Educação, Preciosa - Uma história de esperança e In The Loop.

Melhor Filme Estrangeiro - A Fita Branca (Alemanha)

Outros concorrentes: O Segredo dos Seus Olhos (Argentina), La Teta Asustada (Peru), Un Prophète (França) e Ajami (Israel).

Melhor Animação em Longa-metragem - Up - Altas Aventuras

Outros concorrentes: Coraline, O Fantástico Sr. Raposo, A Princesa e o Sapo e The Secret Of Kells.

Melhor Animação em Curta-metragem - French Roast

Outros concorrentes: Granny O´Grimn´s Sleeping Beauty, The Lady and the Reaper (La Dama e la Muerte), Logorama e A Matter of Loaf and Death.

Melhor Documentário em Longa-metragem - The Most Dangerous Man In America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers

Outros concorrentes: Burma VJ, The Cove, Food Inc. e Which Way Home.

Melhor Documentário em Curta-metragem - Music by Prudence

Outros concorrentes: Province, The Last Campaign of Governos Booth Gardner, The Last Truck: Closing of a GM Plant e Rabbit à la Berlin.

Melhor Trilha sonora - Up - Altas Aventuras

Outros concorrentes: Avatar, O Fantástico Sr. Raposo, Guerra ao Terror e Sherlock Holmes.

Melhor Canção - "The Weary Kind", Crazy Heart

Outros concorrentes: "Almost There" (A Princesa e o Sapo), "Down in New Orleans" (A Princesa e o Sapo), "Loin de Paname" (Paris 36), "Take it All" (Nine).

Melhor Direção de Arte - Avatar

Outros concorrentes: O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus, Nine, Sherlock Holmes, The Young Victoria.

Melhor Fotografia - Avatar

Outros concorrentes: Harry Potter e o Enigma do Príncipe, Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios e A Fita Branca.

Melhor Montagem - Avatar

Outros concorrentes: Distrito 9, Bastardos Inglórios, Guerra ao Terror e Preciosa - Uma história de esperança.

Melhor Mixagem de Som - Avatar

Outros concorrentes: Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios, Star Trek e Transformers 2: A vingança dos derrotados.

Melhor Edição de Som - Avatar

Outros concorrentes: Guerra ao Terror, Bastardos Inglórios, Star Trek e Up - Altas Aventuras.

Melhores Efeitos Visuais - Avatar

Outros concorrentes: Distrito 9 e Star Trek.

Melhor Maquiagem - The Young Victoria

Outros concorrentes: Il Divo e Star Trek.

Melhor Figurino - Nine

Outros concorrentes: Brilho de uma Paixão, Coco Antes de Chanel, O Mundo Imaginário do Dr Parnassus e Nine.

Melhor Curta-metragem de Ficção - The Door

Outros concorrentes: Instead of Abracadabra, Kavi, Miracle Fish e The New Tenants.

'Avatar' funde cinema e tecnolgia em um só produto

2009-12-20T17:31:00.005-02:00

Em duas horas e meia, o tridimensional Avatar suscita uma questão interessante, mais do que qualquer outro filme contemporâneo já produzido até aqui: a tecnologia ditará o futuro da Sétima Arte? O valor artístico de uma obra cinematográfica será medida essencialmente pela sua capacidade tecnológica? As respostas ainda não são possíveis, mas não é exagero pensar que o novo épico de James Cameron, concebido ao longo de dez anos com orçamento entre 300 e 500 milhões de dólares, marcará época, seja em relação à bilheteria, à potencialidade audiovisual, ao debate sobre os rumos do planeta, entre outras coisas. Para a maioria do público, alheia a tudo isso, trata-se, sobretudo, de uma espetacular experiência visual-sensorial, que faz de Avatar o carro-chefe do cinema 3D no Brasil e no mundo.

O roteiro, de autoria do próprio Cameron, é de fácil digestão. Em uma espécie de western futurista, temos os invasores, os nativos, o líder sanguinário, o "personagem jesuíta" (Grace, cientista-chefe, interpretado por Sigourney Weaver), a valentia dos guerreiros, o romance que emerge das diferenças. Nós, humanos, representados por soldados e cientistas americanos, planejamos uma invasão ao planeta Pandora - uma das luas de Poliferno, um dos três gigantes gasosos fictícios orbitando Alpha Centauri - em busca de um metal precioso chamado "unobtaniun", abundante por lá. Traçando um paralelo, seria como uma versão sci-fi da obsessão estadunidense por petróleo e a argumentação de que guerras são justificadas pela possibilidade de progresso - no entanto, enganam-se os que pensam que Avatar é uma espécie de caricatura da Guerra do Iraque, pois Cameron tinha o roteiro em mente há pelo menos 20 anos.

O cenário não é favorável aos invasores: em Pandora a atmosfera é tóxica e qualquer ser humano perde a consciência em cerca de 20 segundos se não fizer uso de uma máscara de oxigênio; a fauna e a flora, apesar de exuberantes, são extremamente hostis - a vegetação dificulta qualquer incursão militar e os animais não são nada dóceis; por último e não menos importante, há uma população de alienígenas com três metros de altura cada e atleticamente muito superiores aos seres humanos, os Na'Vi.

Algumas tentativas de aproximação à população Na'Vi já haviam sido feitas, sem sucesso. Os habitantes de Pandora sabem as razões pelas quais podem a qualquer momento ter de lutar para defender o seu espaço. A estratégia dos humanos, paralelamente à campanha militar, inclui uma base científica e é aí que surge a tecnologia dos avatares. Por meio de sabe-se-lá-o-que, eles podem ser transferidos para uma espécie de "boneco Na'Vi", o que permite a adaptação à atmosfera de Pandora. Um dos responsáveis pela missão diplomática a fim de convencer os Na'Vis a sair do caminho é o paraplégico Jake Sully (Sam Worthington), ex-fuzileiro convocado para substituir seu falecido irmão gêmeo.

Avatar começa a engrenar no momento em que Sully chega a Pandora. A recepção fica a cargo dos idealizados animais furiosos e ele é salvo pela jovem Neytiri¹ (Zoe Saldana) e seu inseparável arco e flecha. Cameron já cria nesse momento a prerrogativa para um futuro romance, algo que vai se tornando óbvio com o desenrolar do filme. A missão exclusivamente diplomática se torna uma experiência única para Sully, que se deixa encantar pela natureza exuberante de Pandora e espiritualidade do povo Na'Vi. Rapidamente ele conquista a confiança dos alienígenas, mesmo sob os olhares desconfiados do noivo prometido de Neytiri, o guerreiro Tsu'Tey.

No que diz respeito ao desempenho estético há muito que falar sobre Avatar. É nítido o perfeccionismo na escolha das cores e na textura dos elementos, no volume de luz e na leveza dos movimentos capturados. Amparado pelas duas maiores empresas de efeitos visuais do mundo, a WETA (de Peter Jackson) e a ILM (de George Lucas), Cameron funde cinema e tecnologia em um único produto, previamente calculado para causar no espectador a sensação de um realismo antes impossível e, na versão em 3D, quase palpável. Projeta-se na tela um universo soberbo, erigido completamente do zero, como o próprio diretor ressaltou em várias entrevistas. Negar o potencial revolucionário de Avatar é fechar os olhos para um "futuro" que cada vez mais se aproxima do espectador, literalmente.

Qualificado como "fantasia racial", Avatar também joga com os estereótipos: racionalismo x espiritualidade, estratégia x superioridade atlética, ganância x consciência ecológica, entre outros. No entanto, vale ressaltar, nós agora somos os vilões da história, uma percepção crítica que não se limita ao povo americano (eles refletem basicamente a filosofia imperialista e a tecnocracia colonial). A relação dos Na'Vi com o ecossistema de Pandora – a ideia de que tudo está conectado, como em espécie de "biowireless" – é como se fosse uma aula inteira de biologia. Uma pena, contudo, que fique em segundo plano dada a magnitude da experiência visual.

Em seu clímax, Avatar conquista definitivamente a quem o assiste. À la Dança com Lobos (dirigido por Michael Blake, 1990), Jake Sully penetra de maneira tão intensa na cultura Na'Vi que acaba caindo uma profunda crise de identidade. O seu dilema se transfere para o espectador e é possível que uma parcela considerável de humanos também se questione: a quem devo responder? Cumprir a missão de “espionar” os alienígenas de Pandora ou alertá-los sobre a possibilidade de uma invasão e, consequentemente, a destruição de um ecossistema tão harmônico? As respostas chegam tarde mais para o jovem soldado, porém, como se não bastassem todos os valores e as lições colocadas até então, vem o momento em que Hollywood particularmente se derrete: a reviravolta.

Por Avatar, Cameron certamente garantiu mais uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor, doze anos depois de fazer miséria com Titanic. Resta saber como a Academia receberá um filme produzido em sua maioria através de efeitos computadorizados e captura de movimentos.

¹_ Prova elementar da beleza de Zoe Saldana: apesar dos três metros de altura, da pele azul aparentemente escamada (há quem faça comparações a Mística, do X-Men), das orelhas extensas e do penteado estilo "gueto", Neytiri, a representação feminina de uma jovem Na'Vi, não é de se jogar fora.

CRÍTICA - 'É Proibido Fumar', de Anna Muylaert

2009-12-05T02:34:00.002-02:00

HANRRIKSON DE ANDRADE
No Rio de Janeiro

Para muitas mulheres solteiras na faixa dos quarenta anos, o cigarro é um companheiro fiel, inseparável. Baby, personagem de Glória Pires em É Proibido Fumar, de Anna Muylaert (Durval Discos), é uma delas. A ironia do título escolhido para o filme não surge por acaso. Ao se envolver com o também quarentão Max (Paulo Miklos, do Titãs), seu novo vizinho, ela é obrigada a largar o cigarro a pedido do novo namorado. E apesar do estresse, do nervosismo, o faz por um tempo, até descobrir que ele ainda se relaciona com a ex-esposa. O cigarro volta então a ser o companheiro fiel e inseparável de outrora. Com isso, Muylaert desenvolve um ótimo gancho para caricaturar – sem parecer pejorativo – a decadência social de uma pseudo-hippie, que mora sozinha em um apartamento bagunçado, dá aulas de violão para sobreviver e usa camisas com o rosto do Chico Buarque.

O humor se faz presente em boa parte do filme. Em vez de olharmos para Baby como “a quarentona fracassada”, suscetível a ponto de se apaixonar precocemente pelo novo vizinho, o espectador se solidariza com o seu isolamento. Nesse sentido, o apartamento da personagem funciona como uma espécie de coadjuvante na trama (assim como o violão, fundamental na aproximação entre Baby e Max). Ali ela passa a maior parte do tempo, seja fumando na janela, dando aulas de violão na sala ou espionando o namorado e sua ex-mulher, Estelinha (Alessandra Colassanti) através de um furo na parede. Aquele é o casulo da personagem, do qual ela não parece disposta a se libertar.

O roteiro se desenrola à la Nick Hornby em Alta Fidelidade, porém com uma exceção: Baby é, sobretudo, ingênua como uma adolescente, insegura como a jovem que pela primeira vez se apaixonara e sem vocação para o sarcasmo. Muylaert faz uso dessas características para criar boas e leves gags de humor, como a disputa pelo sofá de uma falecida tia. A relação com Max começa a desandar em função do ciúme e a euforia de Baby por enfim ter achado um companheiro dá lugar à insegurança. Além disso, ela ainda tem que lidar com uma velada sensação de inveja em relação à irmã caçula, Pop (Marisa Orth), profissional bem sucedida e exemplo de segurança feminina.

É Proibido Fumar, grande vencedor do Festival de Brasília 2009, não chega a ser feminista, mas um trabalho que de certo modo se dirige especialmente a um determinado grupo de mulheres – fala ironicamente de estagnação, falta de perspectivas amorosas, solidão, imaturidade, obsessão por um companheiro e, principalmente, cumplicidade. Contudo, o humor moderado que engrena o filme até a sua metade chega ao fim após a morte de Estelinha, ex-mulher de Max. A reta final é então desenhada por uma sequência de fatos bem planejados, que dão o toque certo de suspense e inquietação.

Glória Pires tem uma atuação correta, distanciando-se da linha falsamente cômica empregada na franquia Se Eu Fosse Você. Porém, o trabalho que realmente salta aos olhos é o do cantor Paulo Miklos, que, embora seja acusado de estar interpretando a si mesmo, dá uma irreverência mais cotidiana ao estereótipo do rockeiro fanfarrão. Seja nos momentos de comédia, drama ou suspense, ele mostra o equilíbrio necessário para não parecer exagerado. Não à toa ambos venceram os prêmios de Melhor Atriz e Melhor Ator no Festival de Brasília, respectivamente.

CRÍTICA - 'O Fantástico Sr. Raposo', de Wes Anderson

2009-12-02T23:24:00.005-02:00

Embora as animações tenham melhorado vertiginosamente com a crescente evolução da tecnologia audiovisual, uma parcela considerável dos espectadores dito comuns ainda tem para si a ideia de que são filmes inferiores - uma espécie de produto segmentado, direcionado a um determinado tipo de público. De Hayao Miyazaki a Andrew Stanton, poucos foram os cineastas que conseguiram transgredir tal pré-julgamento e alçar uma animação ao topo das listas gerais. Talvez por isso a estreia do talentoso Wes Anderson no gênero tenha gerado tanta expectativa.

O Fantástico Sr. Raposo, que abriu o Vale Open Air na última sexta-feira, no Jockey da Gávea, é um cativante stop-motion baseado na fábula Raposas e Fazendeiros, de Roald Dahl, o mesmo que escreveu o livro que originou A Fantástica Fábrica de Chocolates. Com simplicidade narrativa e ironia sutil na construção (e na humanização) dos personagens, o diretor de Os Excêntricos Tenenbaums e Viagem a Darjeeling adiciona a sua filmografia uma obra leve, competente e fácil de ser compreendida.

Pelo título já se pode chegar à conclusão óbvia de que o personagem central será uma raposa. Pois sim, uma raposa inteligente, colunista de um jornal, que assina pelo curioso e redundante nome Mr. Fox (Sr. Raposo, em português). Rapidamente, surge uma identificação entre o personagem animado e muitos dos espectadores, por um motivo simples: a rotina. Quando o Sr. Raposo faz um autoquestionamento - "Quem sou eu?" -, constatamos ali a crise existencial de um típico cidadão americano, pai de família, entediado com o seu emprego e prestes a jogar tudo para o alto em busca de um "algo mais".

O protagonista se muda com a família para uma árvore, localizada em uma colina, ambiente no mínimo diferente em relação ao que estava acostumado. Perto dali, há três fazendas, das quais o Sr. Raposo passa a roubar galinhas para alimentar a família. Percebemos então o retorno de uma raposa a sua natureza animal, antes reprimida pelas vida monótona que levava. Essa nova perspectiva permite ao diretor Wes Anderson explorar um mote mais infantil, dando ao roteiro um autêntico contorno de fantasia.

A questão estética também é um trunfo fundamental no desenvolvimento de O Fantástico Sr. Raposo. Diferente das animações convencionais que se multiplicam ano após ano na indústria hollywoodiana, o filme de Anderson prima pela elegância, com uma eficiente profusão de cores e um toque "clássico".

Em fase de animações insolentes como Tá Chovendo Hamburger e Up - Altas Aventuras, o filme de Wes Anderson surge como um bom argumento para os que se contrapõem às críticas preconceituosas em relação ao gênero.

Além das duas produções já citadas no parágrafo anterior, O Fantástico Sr. Raposo figura na lista das 20 animações pré-selecionadas ao Oscar. Outros bons filmes estão na briga por uma das cinco indicações, tais como Coraline e o Mundo Secreto, Os Fantasmas de Scrooge, Planeta 51 e Ponyo À Beira-Mar, sendo este último o meu favorito.

Projeto 'As Aventuras do Avião Vermelho' ganha site oficial

2009-12-02T21:03:00.006-02:00

O longa-metragem de animação As Aventuras do Avião Vermelho, baseado no livro homônimo de Erico Verissimo (lançado em 1936), lançou seu site oficial: www.aviaovermelho.com.br. Com direção de Frederico Pinto e José Maia, o filme é uma produção da Armazém de Imagens e Okna Produções e está previsto para ser lançado em 2011. No site é possível encontrar todas as novidades, atualizadas semanalmente. Os internautas podem acessar um blog interativo, imagens, vídeos e acompanhar os processos de produção, como a evolução da animação e gravação das vozes. Além disso, disponibiliza ainda as sinopses, fichas técnicas do elenco e equipe, releases para imprensa, contatos, entre outras informações.

O longa combina a tradicional técnica do desenho animado 2D, produzido em papel, com as possibilidades de movimentação espacial da animação digital 3D.O elenco possui atores consagrados, como Lázaro Ramos, Fernando Alves Pinto, Wandi Doratiotto, Zezeh Barbosa e Sérgio Lulkin, que gravaram nos últimos meses as vozes dos personagens Chocolate, Lunar, Ursinho, Josefina e Pai, respectivamente.

A trama apresenta a história de Fernandinho, um menino de 8 anos, que perdeu a mãe há pouco tempo, tornando-se um garoto solitário, sem amigos e com problemas de relacionamento com o pai e na escola. Sem saber como lidar com a situação, o pai tenta conquistá-lo com presentes. Nada funciona até que ele dá para o filho um livro de sua infância. Encantado com a história, Fernandinho decide que precisa de um avião para salvar o Capitão Tormenta – aviador personagem do livro, que está preso no Kamchatka. A bordo do Avião Vermelho e junto com seus brinquedos favoritos, Ursinho e Chocolate, que ganham a vida com sua imaginação, Fernandinho visita lugares inusitados, como a Lua e o fundo do mar, e percorre diferentes territórios – África, China, Índia, Rússia. Ao longo dessa jornada, ele descobre o prazer da leitura, a importância de ter amigos e o amor do pai.

A largada para este projeto foi dada em 2003, quando foi premiado no Edital do 2º Prêmio Santander Cultural-Prefeitura de Porto Alegre para Desenvolvimento de Projetos de Longa-Metragem. Após, a entrada de importantes patrocinadores – BNDES e Petrobras – garantiu o início da viabilização. Orçado em 3 milhões de reais, o filme pretende completar seu orçamento financeiro com novas captações de recursos, que devem acontecer em 2009 e 2010. Vale destacar ainda que importantes empresas gaúchas já aderiram ao projeto como patrocinadores. São elas: Banrisul Consórcios, Banrisul Corretora, BRDE, Corsan, Eny Calçados, Metasa, Randon, Sulgás e Unifértil.

'2012' puxa a lista de estreias da semana - 13/11/2009

2009-11-12T20:31:00.008-02:00

Com Independence Day (1996) e O Dia Depois de Amanhã (2004), o alemão Roland Emmerich fez dos filmes-catástrofe a sua marca registrada. Em 2012, longa que entra em cartaz nos cinemas brasileiros nesta sexta-feira, 13 de novembro, o diretor apresenta a sua obra mais madura (e mais cara: US$ 260 milhões) no que se refere a esse subgênero. Como não poderia ser diferente, incríveis efeitos especiais são o carro-chefe na investida comercial de entretenimento tipicamente hollywoodiano.

Entretanto, há alguma profundidade narrativa nesta versão mitológica do tão temido - e ao mesmo tempo fascinante - "fim dos tempos". Com livre inspiração em uma profecia Maia, que antevê o tal desfecho apocalíptico para a Terra no dia 21 de dezembro de 2012, Emmerich mira na angústia (tensão, espanto) e no drama (comoção) ao fazer uso de dois núcleos dramáticos, que envolvem paralelamentte o alto escalão do governo estadunidense e um simples motorista de limousine e sua família.

Outros filmes que entram em cartaz nesta sexta (13): Aconteceu em Woodstock, de Ang Lee, longa que abriu o Festival do Rio deste ano; a animação De Profundis, de Miguelanxo Prado; o ótimo Hotel Atlântico, de Suzana Amaral; a comédia argentina Um namorado para minha esposa, de Juan Taraturo; o drama No meu lugar, do carioca Eduardo Valente; e o decepcionante TOKYO!, também exibido no Festival do Rio, com o trio Leos Carax, Michel Gondry e Bong Joon-ho na direção. Confira os trailers no post seguinte.

No âmbito da pseudociência, o tal fenômeno de 2012 diz respeito ao fim do Calendário de Contagem Longa Mesoamericano, que possui ciclos de 5.125 anos. Na verdade, a profecia não antevê necessariamente o término da existência e sim um processo de renovação, de transição física ou espiritual, de acordo com o conjunto de conceitos da Nova Era. No filme, o dia 21 de dezembro marca um alinhamento cósmico que desencadeia uma série de eventos catastróficos, tais como furacões e maremotos. Para os brasileiros, o destaque especial (e uma bela sacada de marketing) fica por conta da destruição total do Cristo Redentor, símbolo histórico da cidade do Rio de Janeiro. No entanto, não vale a pena se empolgar: a cena é rápida e feita com certa negligência. Uma pena ter se limitado à condição de marketing regional.

O primeiro núcleo é centralizado na figura do presidente norte-americano, intepretado pelo sempre eficiente Danny Glover (uma versão "emmerichiana" de Barack Obama). Ele e seus cientistas, que já sabem do eminente apocalipse, são os responsáveis por salvar a população mundial. Curiosamente, em um toque de humor negro de Emmerich, as arcas utilizadas para encontrar refúgio são construídas pelos chineses. Já o "lado humano" tem um velho clichê: o motorista de limousine, que já tentara a vida como escritor, Jackson Curtis (personagem de John "Rob Gordon" Cusack), ex-marido de Kate (Amanda Peet), precisa se esforçar para melhorar a relação com os dois filhos, Noah (Liam James) e Lily (Morgan Lilly). E o fim do mundo resolve acontecer justamente quando o pai tem a chance de acampar com as crianças no parque nacional Yellowstone, um dos alvos da "fúria da natureza".

Quem rouba a cena no filme, porém, é Woody Harrelson. Com desenvoltura, ele encarna o tradicional profeta desacreditado, tipo de personagem indispensável para qualquer thriller apocalíptico.

Independentemente das crenças e convicções de qualquer espectador, 2012 deve ser visto apenas como uma avassaladora experiência visual, pois não há fiel comprometimento em relação à "verossimilhança". Portanto, não vá ao cinema com a vã ilusão de adquirir conhecimento sobre a profecia Maia. Preocupe-se apenas em relaxar e fazer cara de espanto ante às grandes tragédias, furacões, maremotos, fissuras tectônicas, e - o que é o mais legal em um filme-catástrofe - imaginar como seria se você estivesse no meio de todo o caos.

Trailers das estreias da semana - 13/11/2009

2009-11-12T20:21:00.003-02:00

'À procura de Eric' e '500 dias com ela' entre as estreias

2009-11-05T22:30:00.005-02:00

À procura de Eric, filme de abertura da efervescente Mostra de São Paulo 2009, é mais um longa sutil da dupla Ken Loach (diretor) e Paul Laverty (roteirista), cuja obra-prima - o drama político Ventos da Liberdade (2006) - foi laureada em Cannes com a Palma de Ouro há três anos. Já 500 dias com ela, de Marc Webb, teve grande destaque no Festival do Rio deste ano e sua primeira sessão contou, inclusive, com a visita do diretor à Cidade Maravilhosa. Tida como uma comédia romântica enraizada no cult e provida de uma trilha sonora que merece mais destaque do que o próprio filme (veja a lista de músicas), a estreia de Webb no cinema se empenha em transgredir os limites estabelecidos para o referido gênero cinematográfico, o que consegue sem a necessidade de apelos ou exageros.

A simplicidade narrativa é o ponto em comum entre as duas produções, cada qual estruturada a partir das particularidades de seu respectivo diretor - um veterano e um estreante. Ambos os filmes entram em cartaz nesta sexta-feira, 5 de novembro, nos cinemas de todo o Brasil. A lista de estreias tem ainda Código de Conduta, de F. Gary Gray; Fama, de Alan Parker; Os fantasmas de Scrooge, de Robert Zemeckis; Jogos Mortais VI, de Kevin Greutert; Um Lobisomem na Amazônia, de Ivan Cardoso; e O Solista, de Joe Wright. Veja os trailers no próximo post.

O eterno camisa 7 do Manchester United encarna a ele próprio em uma comédia sublime, cujo personagem principal também se chama Eric (o carteiro Eric Bishop, interpretado por Steve Etts). Apaixonado pelo clube inglês e fã incondicional de Cantona (como todo autêntico torcedor dos Diabos Vermelhos), o protagonista está envolto em uma série de problemas como o divórcio, o convívio conturbado com os enteados adolescentes (um deles se relaciona com gângsteres), a falta de dinheiro, um amor mal resolvido, entre outros.

Temos aí o contraponto em relação ao "clima de fantasia" que se sucederá: misteriosamente, Cantona aparece na vida de Bishop para aconselhá-lo e auxiliá-lo. Loach, mestre em explorar as relações humanas, guia o espectador em uma história que, pela primeira vez, provoca risadas, não lágrimas. Uma mudança de foco na carreira do experiente diretor, porém fiel à habitual profundidade de sua marca autoral.

Uma grata supresa é a atuação de Cantona - melhor do que muitos atores profissionais que atualmente são escalados para papéis de alguma relevância. De acordo com entrevistas recentes do ex-jogador, À Procura de Eric mostra "o sentimento que eu (Cantona) tinha pelos fãs, a maneira como eu os via, a forma como eu recebia energia deles". Mesmo com o distanciamento natural quanto ao verdadeiro Eric Cantona, já que o personagem é a idealização que Eric Bishop faz do ídolo, é necessário ressaltar a naturalidade divertida deste francês de 43 anos.

- O relacionamento com os torcedores na Inglaterra é algo muito especial. (...) No filme, eu sou Eric Cantona dentro da cabeça de Eric Bishop, em sua imaginação. Essa é a maneira como ele me vê. Isso me distancia muito de mim mesmo. (...) Eu trabalhei em outros filmes nos quais pude me esconder atrás de um personagem. Nesse eu precisei ser eu mesmo. Foi estranho. Eu perguntei coisas para o Ken que eu nunca tinha perguntado antes porque nos dias anteriores às filmagens eu não estava à vontade e eu preciso me sentir confortável com o personagem - disse Cantona.

Trailers das estreias da semana - 6/11/09

2009-11-05T21:44:00.004-02:00

'Ressaca', de Bruno Vianna, é o destaque do CEN

2009-10-25T17:45:00.008-02:00

O CineEsquemaNovo 2009 – Festival de Cinema de Porto Alegre (CEN) anunciou neste sábado (24/10) no Centro Cultural Usina do Gasômetro os filmes vencedores da sua sexta edição. Foram distribuídos 17 prêmios para produções de diversos gêneros, formatos e linguagens, vindas de várias regiões do Brasil, priorizando sempre as idéias audiovisuais expressas na sala de exibição.

Ressaca (foto), longa-metragem de Bruno Vianna (RJ), montado em tempo real dentro da sala de cinema através de um mecanismo desenvolvido pelo diretor, foi um dos grandes premiados da noite levando quatro troféus: Melhor Longa-metragem e Melhor Ator para João Pedro Zappa, pelo Júri de Premiação, além do Prêmio da Nova Crítica, concedido pelos participantes da Oficina de Crítica Cinematográfica e ainda o Melhor Longa pelo voto popular.

Os longas Loveless e A Casa de Sandro também foram premiados: o primeiro, dirigido por Cláudio Gonçalves (RJ), recebeu menção honrosa “pela composição dos planos e o tratamento rigoroso de enquadramento e decupagem”, enquanto Gustavo Beck foi escolhido o Melhor Diretor por A Casa de Sandro (RJ), ambos pelo júri de premiação.

Sweet Karolynne, de Ana Bárbara Ramos (PB), foi escolhido pelo Júri de Premiação o Melhor Curta-metragem. Pelo voto popular, conquistou o segundo lugar na Mostra de Curtas. O primeiro lugar pelo voto da audiência ficou com o curta mineiro Perto de Casa, de Sérgio Borges, que também recebeu menção honrosa do júri de premiação “pela atenção à picardia e pela felicidade na relação cinema, família e mundo”. A melhor direção de fotografia ficou com o mineiro Matheus Rocha, de A arquitetura do Corpo, dirigido por Marcos Pimentel.

As produções cearenses também se destacaram nesta mostra. O diretor Guto Parente (CE), que conquistou em 2008 o prêmio de Melhor Curta do CEN por Espuma e Osso, foi contemplado neste ano com a Melhor Direção por Passos No Silêncio e recebeu o prêmio de Melhor Argumento Experimental, para Flash Happy Society. A Melhor montagem foi para outro cearense: Muro, de Tião.

Na Mostra Aula de Cinema foram eleitos 1978, de Tyrell Spencer e André Garcia (Unisinos/RS), que ficou em primeiro lugar, à frente de Hollywood, dirigido por Laura Montalvão, Marcos Serafim e Thiago Benites (FAP/PR).

Já o Troféu CineEsquemaNovo, concedido pela organização do festival, foi entregue para Carlos Magno Rodrigues (MG), “pela consolidação de uma obra que é acompanhada pelo festival desde a sua primeira edição”.

Confira abaixo a relação completa dos premiados, acompanhados das justificativas do Júri de Premiação e das médias de votação (1 a 5) do Voto Popular:

MELHOR LONGA-METRAGEM – JÚRI DE PREMIAÇÃO
“Ressaca”, de Bruno Vianna (RJ / 2009 – 75:00)

Comentário do Júri: “Pela direção dos atores, a força das cenas e o experimento realizado com a montagem ao vivo”.

MELHOR CURTA ou MÉDIA-METRAGEM - JÚRI DE PREMIAÇÃO
“Sweet Karolynne”, de Ana Bárbara Ramos (PB /2009 – 15:00)

Comentário do Júri: “Pelo modo como o filme se aproxima com delicadeza e inteligência de seu personagem e tema. Destaca-se a maneira como o filme dessacraliza a morte e elogia a vida”.

MELHOR LONGA-METRAGEM - JÚRI POPULAR
“Ressaca”, de Bruno Vianna (RJ / 2009 – 75:00)
Média: 4,115

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS - JÚRI POPULAR - PRIMEIRO LUGAR
“Perto de Casa”, de Sérgio Borges (MG / 2009 – 09:30)
Média: 4,078

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS - JÚRI POPULAR - SEGUNDO LUGAR
“Sweet Karolynne”, de Ana Bárbara Ramos (PB / 2009 – 15:00)
Média: 3, 945

MOSTRA DE LONGAS-METRAGENS - JÚRI DE PREMIAÇÃO - MELHOR ATOR
João Pedro Zappa, por “Ressaca”, de Bruno Vianna (RJ / 2008 – 100:00)

Comentário do Júri: “Pela delicadeza e competência na construção de seu personagem”.

MOSTRA DE LONGAS-METRAGENS - JÚRI DE PREMIAÇÃO - MELHOR DIRETOR
Gustavo Beck, diretor de “A Casa de Sandro” (RJ / 2009 – 75:00)

Comentário do Júri: “Pelo rigor narrativo e pelas composições temporais e pictóricas. Existe no filme uma investigação em torno da distância entre personagem e narrador”.

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS – JÚRI DE PREMIAÇÃO – MELHOR DIREÇÃO
“Passos No Silêncio”, de Guto Parente (CE /2008 – 17:00)

Comentário do Júri: “Pela construção da narrativa em seu mergulho no intraduzível da poesia”.

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS – JÚRI DE PREMIAÇÃO – MELHOR MONTAGEM
“Muro”, de Tião (CE /2008 – 18:00)

Comentário do Júri: “Montagem através da qual o filme efetiva uma forma potente de evocação de sentidos.”

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS – JÚRI DE PREMIAÇÃO – MELHOR ARGUMENTO EXPERIMENTAL
“Flash Happy Society”, de Guto Parente (CE / 2009 – 08:00)

Comentário do Júri: “Pela construção de uma narrativa imagético-sonora e pela experiência com imagens do cotidiano”.

MOSTRA DE LONGAS-METRAGENS - JÚRI DE PREMIAÇÃO - MENÇÃO HONROSA
“Loveless”, de Cláudio Gonçalves (SP / 2009 – 61:00)

Comentário do Júri: “pela composição dos planos e o tratamento rigoroso de enquadramento e decupagem”

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS – JÚRI DE PREMIAÇÃO - MENÇÃO HONROSA
Para Matheus Rocha, Diretor de Fotografia de “A arquitetura do Corpo”, de Marcos Pimentel (MG / 2008 – 21:00)

Comentário do Júri: “pela precisão e expressividade da fotografia”

MOSTRA DE CURTAS E MÉDIAS – JÚRI DE PREMIAÇÃO - MENÇÃO HONROSA
"Perto de Casa", de Sérgio Borges (MG /2009 – 09:30)

Comentário do Júri: “Pela atenção à picardia e pela felicidade na relação cinema, família e mundo”

TROFÉU CINEESQUEMANOVO - JÚRI EQUIPE ORGANIZADORA DO CEN

Carlos Magno Rodrigues (MG)

Justificativa: “pela consolidação de uma obra que é acompanhada pelo festival desde a sua primeira edição”.

MOSTRA DE LONGAS-METRAGENS - PRÊMIO DA NOVA CRÍTICA (Júri Alunos da Oficina de Crítica Cinematográfica)
“Ressaca”, de Bruno Vianna (RJ / 2009 – 75:00)

Justificativa: Pela criação de um dispositivo inovador, que está à serviço de uma experiência estética única.

MOSTRA AULA DE CINEMA - JÚRI POPULAR - 1º LUGAR
“1978”, de Tyrell Spencer e André Garcia (Unisinos/RS, 2009 – 05:00)
Média: 4,275

MOSTRA AULA DE CINEMA - JÚRI POPULAR - 2º LUGAR
“Hollywood”, de Laura Montalvão, Marcos Serafim e Thiago Benites (FAP/PR, 2009 – 08:17)
Média: 3,774

Tarantino promove a vingança judia em 'Bastardos Inglórios'

2009-10-16T22:57:00.018-03:00

Explorar a estética da violência com doses homeopáticas de sarcasmo e um punhado de referências cinematográficas, fundindo gêneros e estilos em uma só obra. Nada disso é novidade quando falamos de Quentin Tarantino, um dos queridinhos da cultura pop, que influenciou toda uma geração com o clássico Pulp Fiction - Tempo de Violência (1994). Em seu novo trabalho, Bastardos Inglórios, que estreou na última sexta-feira (9) após sessões completamente lotadas no Festival do Rio, o ousado diretor vai além: reinventa o cenário da Segunda Guerra Mundial com uma narrativa ficcional centrada em um grupo de guerrilha formado por judeus impiedosos, sedentos por vingança, enfim, algo jamais pensado. Sob a liderança do tenente Aldo Reine – personagem esplendoroso de um Brad Pitt nunca antes visto –, os “justiceiros” torturam e metralham os inimigos, um a um. Arrancam-lhe os escalpos, mas sem perder a esportiva: cada morte é um espetáculo a parte, uma sessão sanguinolenta de entretenimento.

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A trilha sonora, a já “tarantinesca” fonte dos créditos iniciais e a abertura do filme evidenciam a inspiração no western spaghetti de Sergio Leone (Era uma vez na América). Pouco depois, podemos observar – em especial a cena na qual “Emanuelle Mimieux” (nome fictício adotado pela judia Shosanna) é abordada pelo soldado-ator Fredrick Zoller (Daniel Brühl) – referências estéticas à obra de François Truffaut e Jean Luc-Godard, dois dos principais cineastas da Nouvelle Vague. Os próprios nomes dos personagens são homenagens à Sétima Arte: Aldo Reine (obviamente inspirado no ator Aldo Ray), Ed Fenech (Edwige Fenech, famosa atriz da comédia erótica italiana), Hugo Stiglitz (ator de Os Sobreviventes dos Andes, de 1976). Na personagem Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), nota-se um velho dilema típico dos clássicos hollywoodianos: o da vida dupla, isto é, do agente infiltrado que permeia entre o bem e o mau em uma onda crescente de suspense, sempre a um passo do flagrante. Em suma: Tarantino é um prato cheio para qualquer cinéfilo que se preze.

A narrativa se dá em cinco capítulos, todos muito bem amarrados em torno de fatos que evidenciam gradativamente o caráter inverossímil da obra, com narrações aleatórias de Samuel L. Jackson e Harvey Keitel. O “núcleo judeu” tem duas linhas paralelas, os “Bastardos” e a relação entre a jovem Shosanna (Mélanie Laurent) – única sobrevivente de uma família de judeus pela trupe do coronel Hans Landa (Christoph Waltz), cujo apelido é “O Caçador de Judeus” – e o herói de guerra/ator alemão Fredrick Zoller. Logo na primeira cena do filme, Waltz, encarregado de matar todos os judeus que se passam por gentios na França, faz uma visita ao fazendeiro Perrier LaPadite (Dennis Menochet), que esconde a família de Shosanna, os Dreyfus, sob o assoalho.

O fazendeiro é amedrontado pela fascinante retórica de Waltz (digna de um psicopata clássico: fala serena e bem articulada) e acaba abrindo o jogo. O diálogo é longo, mas não cansa os olhos em função da perspicaz escolha de palavras de Landa. Os Dreyfus (mais uma referência, dessa vez a um fato histórico: o escândalo político envolvendo Alfred Dreyfus) são então metralhados (a câmera mostra apenas as perfurações no assoalho), mas Shosanna sobrevive. Ela consegue sair por um buraco e foge com o vestido sujo de sangue, lágrimas nos olhos e desespero retido. Depois disso, só a veremos no capítulo 3, com o nome falso de Emanuelle Mimieux. Administradora de um cinema – herança da tia que lhe acolheu em Paris –, ela vê sua vida tomar um rumo perigoso depois que Zoller, o soldado-ator, passa a lhe cortejar.

Enquanto isso, no outro núcleo, os nazistas sofrem nas mãos de Aldo Reine e seus bastardos. Seja com uma metralhadora ou um taco de baseball, esse é o primeiro ponto forte do filme: a reinvenção de fatos históricos com o velho toque tarantinesco de hiperviolência, dosado inteligente com o habitual sarcasmo do diretor. Brad Pitt é um espetáculo a parte com seu estereótipo “caipira americano”, o sotaque sulista, a boca torta de um mafioso. Destaque também para o ator (e diretor) Eli Roth, que encarna o sargento Donny Donowitz, também conhecido como “Urso Judeu” por matar nazistas com golpes de taco de baseball na cabeça. Vale citar, a título de curiosidade, a aparição relâmpago de Mike Myers na pele do general Ed Fenech, em uma caracterização totalmente diferente do eterno Austin Powers.

Mas quem rouba a cena mesmo é o ator Christoph Waltz (laureado em Cannes com o prêmio de Melhor Ator), que interpreta o tão comentado coronel Hans Landa, um dos homens de confiança de Hitler (vale a menção: impossível não gargalhar com a cena em que o Führer, atônito com o sucesso dos Bastardos, tem uma reação histérica) e de seu braço direito, Goebbels. Se, por um lado, os figurões do alto escalão nazista são caricaturados de forma pejorativa, Landa é a compensação: equilibrado, extremamente racional, calculista e perspicaz. O personagem, por si só, já é grandioso com a cuidadosa escolha de palavras do Tarantino roteirista. Mas seria injusto não atribuir os devidos méritos a Waltz, que merecia uma crítica só para ele.

Há quem considere a lentidão narrativa de Bastardos Inglórios o seu ponto fraco. De fato, há exageros visíveis, algumas cenas são redundantes e diálogos um pouco mais curtos talvez fossem recomendáveis para cenas de dramaticidade duvidosa, como o confronto na taberna, do qual a única sobrevivente é Bridget Von Hammersmark. Mas tais pontos negativos fazem parte de uma identidade maior, trabalhada por Tarantino com paixão e respeito à Sétima Arte, e que o lhe garante uma singularidade rara nos dias de hoje. Só nos resta aplaudir.

Fernando Meirelles revela detalhes de seu próximo filme

2009-10-16T22:30:00.001-03:00

O diretor Fernando Meirelles (Cidade de Deus, Ensaio Sobre a Cegueira) confirmou neste sábado que seu próximo trabalho será uma comédia “leve”, ambientada em Nova Iorque. O cineasta está em Penafiel, Portugal, onde participa do festival Escritaria 2009, dedicado à obra do escritor português José Saramago, autor do best-seller “Ensaio Sobre a Cegueira”.

O brasileiro revelou que as filmagens de seu novo trabalho começam em abril de 2010. O elenco será predominantemente formado por atores estrangeiros, mas existe a possibilidade de que o protagonista seja um brasileiro.

Em entrevista à agência Efe, o diretor comentou sobre uma possível adaptação de outro livro de José Saramago, e citou “A viagem do elefante” (2008). Para ele, a história do livro poderia se transformar em uma “bonita comédia”.

'À Deriva' representa o Brasil no London Film Festival 2009

2009-10-16T22:17:00.003-03:00

São poucos os representantes brasileiros no London Film Festival 2009 (Festival de Cinema de Londres), que vai até o dia 29 de outubro. O destaque isolado fica por conta do longa À Deriva, de Heitor Dhalia, que também já havia representado o país no Festival de Cannes deste ano. O filme é um drama familiar que gira em torno da relação conturbada entre Mathias (Vincent Cassel) e sua filha Filipa, personagem da estreante (e extremamente talentosa) Laura Neiva, de apenas 13 anos.

Leia a crítica de À Deriva no Cineaforismo.com

Em entrevista a France Presse, a assessora de programação de filmes latino-americanos e espanhóis do London Film Festival, María Delgado, disse que a prioridade neste momento é a estreia de filmes britânicos, já que recentemente ocorreram duas mostras de cinema brasileiro no país europeu.

Ela ressaltou ainda que o interesse do público londrino pelo cinema latino-americano aumentou nos últimos dez anos, principalmente em função da “visibilidade de alguns ícones culturais”, entre os quais o ator mexicano Gael García Bernal, que já trabalhou com os diretores brasileiros Fernando Meirelles (Ensaio Sobre a Cegueira) e Walter Salles (Diários de Motocicleta).

Festival de Cinema de Porto Alegre tem início neste sábado

2009-10-16T21:14:00.000-03:00

De 17 a 24 de outubro, Porto Alegre recebe mais uma vez o melhor da produção audiovisual independente e contemporânea, do Brasil e do exterior, com a sexta edição do CineEsquemaNovo – Festival de Cinema de Porto Alegre (CEN 2009). Mais de 20 diretores, de diversas partes do País, estarão na capital gaúcha para acompanhar o festival deste ano, que contará com sete mostras 112 filmes e 76 diferentes sessões. Toda a programação é gratuita e acontece na Sala P.F. Gastal, o Cine Santander Cultural e o Cine Bancários.

A Abertura do festival acontece às 19h30 do dia 17, no lounge montado no 3º andar da Usina do Gasômetro, seguida pela exibição do primeiro longa-metragem em competição: Loveless, do paulista Cláudio Gonçalves, às 21h, na Sala P. F. Gastal. Na parte da tarde, o público poderá conferir uma maratona com os filmes premiados na edição do ano passado do CEN, com sessões às 14h30 e 16h no Cine Bancários e 15h e 17h no Cine Santander Cultural.

O Encerramento do CineEsquemaNovo 2009, no dia 24, contará com a pré-estréia Internacional do longa-metragem norte-americano Stingray Sam, de Cory McAbee (19h30h, na Sala P.F. Gastal), exibido este ano em Sundance. Logo após, às 21h, serão conhecidos os filmes vencedores do CEN 2009, na cerimônia de premiação. Os premiados participarão de uma mostra itinerante nas lojas da Livraria Cultura de Porto Alegre, São Paulo (Bourbon Pompéia), Campinas, Recife e Brasília, entre os dias 29 a 31 de outubro.

O CineEsquemaNovo deste ano conta com as mostras competitivas de Longas-metragens (4 filmes), de Curtas e Médias-metragens (22 filmes) e ainda a Mostra Aula de Cinema (24 filmes), focada na produção universitária. Estas mostras foram selecionadas e montadas a partir das quase 800 inscrições recebidas pelo festival para seleção, vindas de todos os cantos do Brasil.

A programação especial envolve uma série de filmes inéditos no Brasil, caso da Mostra Zona Livre (com filmes premiados em diversos festivais pelo mundo, e que construíram sua reputação em fóruns de cinema na internet) e da Mostra Cine en Construcción (com produções latino-americanas apoiadas pelo projeto de mesmo nome, realizado anualmente na França no Festival de Toulouse). Isso, sem contar a importante Mostra Cinema Marginal Brasileiro - com filmes clássicos, e outros nunca lançados comercialmente, integrantes da coleção homônima lançada em DVD este ano pela Heco Produção e Lume Filmes.

A programação também é composta pela Mostra da Meia-Noite, com diversos filmes realizados por pessoas ligadas direta ou indiretamente à organização do festival; pela Hora Extra, atividade realizada sempre às 18h no longe do festival na Usina do Gasômetro envolvendo música ao vivo, performances e projeções; pelos Seminários, liderados pelos integrantes do Júri Oficial do CEN 2009 (Cezar Migliorin, Christian Saghaard, Lina Chamie, Maria Helena Bernardes e Maria Henriqueta Creidy Satt) na Usina do Gasômetro; pelos Debates com os diretores dos filmes das mostras competitivas de longas e curtas, que acontecem sempre após as sessões; e pela tradicional Oficina de Crítica Cinematográfica, este ano ministrada pelo jornalista Daniel Feix, responsável por orientar os participantes na escolha do longa-metragem que receberá o Prêmio da Nova Crítica. Um grande debate de encerramento, na tarde do dia 24, completa a grade de atividades deste ano.

Para participar dos seminários, que acontecem de 20 a 24 de outubro às 11h, na Usina do Gasômetro, é importante garantir a vaga enviando uma ficha para o e-mail seminarios@cineesquemanovo.org, constando os seguintes dados: nome completo, profissão e/ ou instituição de ensino ao qual pertence.

Clique aqui para ver a programação completa do CineEsquemaNovo 2009.

B. Schianberg coloca o homem como objeto de estudo

2009-10-06T21:37:00.015-03:00

Produzido originalmente como uma série para a TV Cultura, O Amor segundo B. Schianberg, longa-metragem dirigido por Beto Brant (Invasor, Cão sem Dono) e em cartaz no Festival do Rio 2009, funciona – a priori – como uma sátira à cultura do reality shows, tão em voga no Brasil com o sucesso de programas como Big Brother, Casa dos Artistas, A Fazenda, entre outros. Engana-se, porém, quem o limita a algo tão óbvio.

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O filme – livremente inspirado no personagem Benjamin Schianberg, professor e psicanalista, do livro Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios, de Marçal Aquino – coloca o homem como objeto de estudo, investiga durante três semanas a privacidade de um casal a fim de constituir uma cadeia de valores humanos, tudo sob a ótica do tal B. Schianberg, que no filme é o pai da complexa Gala (a lindíssima Mariana Previato). Ela e Félix (Gustavo Machado), o namorado, são vigiados ininterruptamente por câmeras de segurança instaladas em seu apartamento.

B. Schianberg em momento algum aparece no longa-metragem. Ele, na verdade, é simbolizado pelas várias câmeras de vigilância – um artifício inteligentemente bolado pelo talentoso Beto Brant (foto). O relacionamento amoroso de Gala e Félix, que se conhecem há pouco tempo, é intenso como qualquer relacionamento em seu início. Ela, uma videoartista exibicionista e visivelmente imersa na cultura pop, está produzindo uma espécie de curta-metragem e, em nome disso, o coloca em várias situações um tanto bizarras (como, por exemplo, passear pela cidade com uma máscara de porco). Trata-se, portanto, de um casal “moderninho”, “cult”, que passa dias e dias conversando sobre artes, atualidades, cultura e sobre o próprio relacionamento, sem preocupações mais sérias.

A péssima qualidade do som e da definição da imagem, que marcam especialmente o início do filme, vai aos poucos ficando em segundo plano – a ponto de, já na metade da história, o espectador se acostumar com a ausência de refinamento técnico. Da mesma forma, a paixão eloquente de um casal que acabara de se formar vai se esvaindo em discussões sobre o verdadeiro sentido desse relacionamento, mas não a ponto de ruir em caráter definitivo. Percebe-se, na verdade, que Gala acaba se apaixonando verdadeiramente por Félix, que é sempre o mais incisivo, convicto e seguro de si nas conversas acerca da rotina do casal.

Se pensarmos que O Amor segundo B. Schianberg foi originalmente produzido para a televisão, há ainda outro ponto que merece destaque: a linguagem. Afinal, quantas emissoras de televisão teriam atualmente a ousadia de incluir em sua grade de programação uma série praticamente toda filmada com câmeras de vigilância, com cenas de nudez e sem um “roteiro” propriamente dito (na verdade, um apanhado de improvisações)? Talvez por isso tenha parecido tão natural a montagem feita por Beto Brant, que, até então, só havia experimentado a “estética da violência”, sendo o seu melhor trabalho Cão sem Dono, de 2007.

GRÁTIS: Oficina de crítica cinematográfica no CEN

2009-10-06T21:07:00.006-03:00

Estão abertas até o dia 11 de outubro as inscrições para a Oficina de Crítica Cinematográfica do CineEsquemaNovo 2009 – Festival de Cinema de Porto Alegre (CEN), que neste ano será ministrada pelo jornalista Daniel Feix. Os participantes têm a responsabilidade de escolher o longa-metragem que receberá o Prêmio da Nova Crítica. Os encontros ocorrem de 20 a 24 de outubro, das 14h30 às 16h30, na Sala Multiuso do Santander Cultural e no Cine Bancários.

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Para participar, é necessário assistir aos quatro filmes da Mostra de Longas-Metragens, além de acompanhar os encontros. Os interessados devem encaminhar duas resenhas de filmes (um estrangeiro e outro brasileiro), através de arquivos ou links, para o e-mail oficinas@cineesquemanovo.org. A lista com os selecionados para as oficinas será publicada no site do festival (http://www.cineesquemanovo.org/) no dia 13 de outubro. Mais informações podem ser obtidas pelos fone: (51) 3207 8463 e (51) 9108.7621.

Encontros com o ministrante:
De 20 a 24 de outubro (terça a sábado), das 14h30 às 16h30.
Sala Multiuso – Santander Cultural e Cine Bancários

Assistência aos Longas-metragens do festival (assistência obrigatória):

Na Sala P.F. Gastal – Usina do Gasômetro: dias 17, 19, 21 e 23, às 21h
No Cine Santander Cultural: dias 18, 20, 22 e 24, às 17h

Sobre o ministrante:

Daniel Feix, jornalista, ex-editor e repórter da revista de cultura Aplauso, Feix acumula passagens pelas redações da RBS TV e TV COM e hoje integra a editoria de Cultura do jornal Zero Hora, cobrindo e analisando sobretudo o campo do cinema. É membro e editor do site da Associação dos Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul (ACCIRS).

Almodóvar transita entre gêneros em 'Abraços Partidos'

2009-09-30T20:08:00.009-03:00

É difícil pensar no atual cinema de autor sem recorrer a Pedro Almodóvar. O diretor espanhol, conhecido por explorar a linha tênue entre os gêneros cinematográficos por meio de cores vibrantes, tornou-se uma referência entre aqueles que utilizam a câmera como uma espécie de caneta, no sentido de assinar a obra, tal como os pintores fazem, por exemplo. Em Abraços Partidos ("Los Abrazos Rotos", 2009), seu trabalho mais recente, trazido às telas brasileiras pelo Festival do Rio 2009 em sessão no último sábado, no Estação Leblon I, Almodóvar se reinventa mais uma vez. Com uma abordagem metalinguística, o cineasta transita entre o drama e a comédia, entre romance e tragédia, sem provocar no espectador uma sensação de desconforto perceptivo.

A narrativa de Abraços Partidos se divide basicamente em duas linhas temporais: enquanto acompanhamos a rotina do escritor e roteirista cego Harry Caine (Lluís Homar) – que na verdade se chama Mateo Blanco e que adota o pseudônimo após um acidente trágico há 14 anos –, uma história pregressa é apresentada por meio de flashbacks. Conhecemos, então, Lena, interpretada com maestria pela estonteante Penélope Cruz (Volver). Secretária, sem condições de oferecer assistência médica ao pai cancerígeno, acaba recorrendo à prostituição para ganhar uns trocados a mais.

O pai é abandonado pelo serviço público de saúde e o patrão rico, o economista Ernesto Martel (José Luis Gómez), oferece ajuda, internando-o em uma clínica particular. Mais tarde, Lena e Ernesto se casam e vão morar juntos. A vida conjugal, porém, torna-se torturante para esta jovem ávida por experiências, e que se sente encarcerada em um mundo de luxo e ostentação. Entediada, Lena resolve correr atrás de seu grande sonho, o de ser atriz. Acompanhada por Ernesto Filho (Rubén Ochandiano), o filho gay do economista conservador, ela agenda um teste para o novo filme do então diretor de cinema Mateo Blanco.

A partir daí, desenrola-se uma intensa história de amor entre Mateo e Lena durante as filmagens de “Chicas y Maletas” (uma espécie de remake do clássico Mulheres À Beira de um Ataque de Nervos, do próprio Almodóvar), um "filme dentro de um filme". O romance é acossado pela obsessão inescrupulosa do velho Martel, que faz questão de patrocinar a obra e encarrega o filho de produzir um “making of”, com o intuito de registrar todos os passos de Lena – ele chega a contratar uma especialista em leitura labial e confere diariamente tudo o que fora gravado, o que rende cenas comicamente fantásticas.

Descoberta a traição, sucedem-se vários fatos importantes na construção do argumento romance/tragédia e tragédia/comédia, os quais você pode conferir até o dia 8 de outubro no Festival do Rio. Veja a programação ao fim do post.

Almodóvar consegue explorar todo o potencial de Penélope Cruz ao lhe dar várias facetas, de Marilyn Monroe a Audrey Hepburn (foto), da jovem sensual que encantara o velho conservador à mulher decidida que resolve lutar pelo grande amor de sua vida. Assim, não causa espanto saber que já se fala em Oscar para a atriz espanhola nos bastidores da crítica cinematográfica pelo mundo. A atriz Blanca Portillo (A Agustina de Volver), que encarna a insegura e ciumenta assistente de produção Judit, também merece destaque, assim como o personagem Ernesto Filho, interpretado pelo jovem ator espanhol Rubén Ochandiano. Ambos crescem na medida em que o desfecho se aproxima e estão envolvidos diretamente na principal cena de Abraços Partidos, a que define o fim de Mateo Blanco e o nascimento de Harry Caine.

Merecem menções honrosas outras duas cenas, que levaram 95% do público presente no Estação Leblon I às gargalhadas. Na primeira, Harry Caine incentiva Diego (Tamar Novas), filho de Judit, a escrever o seu próprio roteiro. Este fantasia um universo vampiresco no qual as criaturas trabalham em um banco de sangue. Durante o brainstorming, o jovem acresce uma série de detalhes cômicos à ideia inicial. O segundo ponto alto de humor em Abraços Partidos surge no momento em que Mateo Blanco resolve reeditar “Chicas y Maletas”. Em uma das cenas, Lena, de muletas, ouve praticamente um monólogo da neurótica “Chon” (interpretada pela atriz Carmen Machi), que revela ter achado uma suposta mala com 15 quilos de cocaína no armário, refutando novamente uma das grandes obras da carreira de Almodóvar, Mulheres À Beira de um Ataque de Nervos.

ABRAÇOS PARTIDOS (LOS ABRAZOS ROTOS, ESPANHA, 2009)
Direção: Pedro Almodóvar (ESP)
Elenco: Lluís Homar, Penélope Cruz, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Tamar Novas, Rubén Ochandiano.
Roteiro: Pedro Almodóvar.
Fotografia: Rodrigo Prieto.
Edição: José Salcedo.
Distribuição: Sony Pictures, Universal Pictures, United International Pictures e Pathé.
Duração: 128 mins.
Mostra: Panorama do Cinema Mundial.

Quarta - 30/09
Espaço de Cinema 1: sessões às 16h30 e 23h45.

Quinta - 1/10
Roxy 3: sessões às 14 horas e 19 horas.

Sábado - 3/10
Cinemark Downtown 1: sessões às 16h30 e 21h30.