Cinedania

Reseña de "Sus hijos" y entrevista a su director Pablo Trapero, las consecuencias de ser un mal padre

2026-09-12T07:56:20.630+01:00

El 18 de septiembre se estrena en los cines españoles "Sus hijos", la nueva película de Pablo Trapero y la primera de su filmografía rodada en inglés con actores ingleses. Coescrita con Sarah Polley y basada en la novela "El extravagante señor Dyer" de David Gilbert, es una gran película sobre los vínculos y relaciones familiares y la gran distancia que existe entre la vida pública y la vida privada.

Pablo Trapero es uno de los directores argentinos más interesantes, influyentes y exitosos de su país. A los que hemos seguido su carrera de cerca, nos ha emocionado la manera en que siempre ha tratado los vínculos familiares utilizando puntos de vista muy distintos y con un marcado carácter social. En su filmografía destaca "El clan", una película que le valió el Leon de Oro en Venecia a mejor director y el Goya a mejor película iberoamericana.

Ahora nos presenta "Sus hijos" con un elenco de lujo encabezado por Bill Nighy e Imelda Staunton que nos recuerda la gran influencia que puede tener un padre sobre sus hijos por su desprecio, ausencia o impacto negativo. Ser un escritor de éxito no te convierte en buena persona, no significa que tome buenas decisiones y ni siquiera su obra puede hablar de sus intenciones. Con éxito o sin él, los seres humanos deciden cómo quieren sobrevivir a sus traumas, defectos y problemas.

El director elabora un retrato muy bien definido e interesante sobre una familia totalmente desestructurada. El espectador se mantiene atento a los acontecimientos que llevaron a la situación actual donde un padre apenas trato tiene con sus hijos mayores, sin contacto con su ex mujer y con la soledad como única compañera de viaje. Una soledad buscada y merecida pero que no ha cambiado un ápice el carácter de su protagonista.

Os invito a conocer mucho más sobre "Sus hijos" a través de la entrevista que hicimos en Cinedania.es al director Pablo Trapero en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"La superviviente" de Kike Maíllo, la sorprendente historia de la estafadora del 11S

2026-09-08T09:00:00.000+01:00

El ser humano no deja de sorprendernos y, si no hace tanto, se llevaba a la pantalla la historia de Enric Marco, supuesta víctima de los nazis, ahora le toca a Tania Head, una mujer que se presentó como superviviente del atentado a las torres gemelas cuando nunca había llegado a pisarlas. Kike Maíllo retrata esta historia en el documental "La superviviente" que estrenará Filmin, como no podía ser de otra forma, el próximo 11 de septiembre.

Tania Head se presentó ante el mundo como una superviviente del 11S que había perdido a su pareja en el ataque terrorista pero que ella, gracias a un bombero, había logrado salvar la vida. Su determinación, carisma y habilidad social le permitió llegar a ser la representante de la asociación de víctimas. La realidad es que todo era mentira y Tania Head no era quien decía ser.

Esta sorprendente historia la ha llevado en formato documental Kike Maíllo con Markos Goikolea tras varios años de recopilar documentos y declaraciones de personas que la conocieron o la investigaron. El resultado es "La superviviente", una película que curiosamente mantiene el anonimato de Tania Head y reconstruye con una actriz las escenas más relevantes. Aunque se entiende la decisión, el testimonio pierde algo de fuerza al no poder visualizar a la verdadera protagonista.

El documental es muy interesante aunque en determinados momentos es reiterativo y algo denso. Se detiene demasiado en demostrar lo convincente que era Tania y cómo sabía llevarse a todo el mundo a su terreno pero pasa mucho de puntillas por su verdadera identidad y se queda coja de anécdotas o momentos históricos.

El asunto es suficientemente potente como para rascar un poco más allá de lo que pueda decir su terapeuta y sus compañeros de asociación. La labor de investigación que realizó el New York Times y La Vanguardia cubren un metraje muy inferior al que el espectador podría demandar. El lado emocional frente a los hechos, ¿a qué le pones más peso? ¿a la investigación y búsqueda de la verdad o a las repercusiones emocionales que provocaron sus mentiras? Personalmente me quedaría con lo primero pero no es la apuesta de "La superviviente".

Pese a que no coincida con el enfoque o algunas decisiones que toman los creadores, "La superviviente" es una demostración palpable de nuestras miserias y de las carencias emocionales que arrastramos. Merece la pena darle la oportunidad y conocer quién era Tania Head

José Daniel Díaz

La 74 edición del Festival de San Sebastián trae uno de los programas más completos de los últimos años

2026-09-05T10:55:43.748+01:00

La 74 edición del Festival de San Sebastián presentará una selección de títulos y presencias realmente notable. Entre el 18 y el 26 de septiembre pasarán por Donosti nombres de la talla de Werner Herzog y Naomi Watts (premios Donostia de este año), Brad Pitt, Jeremy Irons, Penélope Cruz, Orlando Bloom o Rami Malek entre otros.

A poco más de 15 días de abrir el telón, el Festival de cine de San Sebastián celebrará su 74 edición con la peculiaridad de despedir a su actual director José Luis Rebordinos que dejará a final de año el cargo que ha ocupado durante los últimos quince con notable éxito. Le sustituirá Maialen Beloki que ya formaba parte de la organización del Festival y que buscará mantener la esencia actual aportando nuevas ideas y retos.

Dicho esto, la 74 edición que iniciará el 18 de septiembre y finalizará el 26 de septiembre se caracteriza por completar uno de los programas más atractivos de los últimos años. Además, como viene siendo habitual no faltará el glamour y las grandes presencias. Este año en concreto se entregarán dos premios Donostia, uno al director alemán Werner Herzog que recibirá el galardón de manos del actor Orlando Bloom y a la actriz australiana Naomi Watts que lo recibirá de J. Bayona, su director en "Lo imposible".

Además de ellos, ha generado una gran expectación la presencia de Brad Pitt que presentará fuera de concurso su película "En el corazón de la bestia" acompañado del director David Ayer. Otro de los grandes momentos será el homenaje en su 40 aniversario a la película "La misión" de Roland Joffé que contará con la presencia del director y del actor Jeremy Irons.

En la selección de películas de Sección Oficial que competirán por la Concha de Oro y que inaugurará Fatih Akin con "Ghost song", se han colado títulos muy interesantes como "El debut" de Jesee Eisenberg que estará en Donosti para presentar la película, la serie "Mis muertos tristes" de Pablo Larraín que estrenará Netflix y estará representada por el director y las actrices argentinas Mercedes Morán y Dolores Fonzi o "Tender loving care", el último trabajo de Mike Leigh.

Además de ellas, también será interesante descubrir las francesas "Los miserables" de Fred Cavayé en una nueva adaptación del clásico con presencia de todos los actores encabezados por Vincent Lindon y "Milo" de Nicole García que llevará a Donosti a la actriz ganadora del Oscar Marion Cotillard.

Las españolas que participarán a concurso en esta sección son "5 minutos más" de Javier Ruíz Caldera, "Sants" de Mikel Gurrea y "El mal padre" de Roberto Bueso con Eduard Fernández de protagonista. Además fuera de competición también estrenará Daniel Monzón "Ruega por nosotras", Koldo Almandoz "El último adiós" y Movistar su serie "El castillo" protagonizada por Raúl Arévalo.

La otra sección que suele generar mayor expectación es Perlak donde se estrenan los mejores títulos que han pasado por otros Festivales. Este año la lista es especialmente impactante pero destacaría a la ganadora en Cannes "Fjord" de Cristian Mungiu, la española "La bola negra" de los Javis, "La invitación" de Olivia Wilde, "Wild horse nine" de Martin McDonagh y "The man i love" de Ira Sachs que presidirá el jurado de Sección Oficial y además traerá a Donosti al actor Rami Malek, ganador del Oscar por su magistral interpretación de Freddy Mercury en "Bohemian Rhapsody".

Del resto de secciones podemos destacar el estreno en Horizontes latinos de "Ceniza en la boca" de Diego Luna que estará en Donosti acompañado por las actrices protagonistas, la presentación de "Lo dejamos acá" de Hernán Goldfrid, producción argentina de Netflix que presentará Ricardo Darín quien además protagoniza el cartel de esta edición y la proyección de "Sacamantecas" de David Pérez Sañudo sobre el famoso asesino en serie protagonizada por dos pesos pesados, Antonio de la Torre y Patricia López Arnáiz quien además este año forma parte del jurado de Sección Oficial.

El colofón al Festival lo pondrá "Le faux soir" de Michael R. Roskam que pondrá el broche de oro a una edición por la que habrán pasado otros grandes nombres como Penélope Cruz, Noemie Merlant, Virginie Efira, Denis Lavant, Nahuel Pérez Biscayart, Lali Expósito o Pawel Pawlikowski.

Podéis consultar todos los detalles en la web del Festival.

José Daniel Díaz

"Prometido el cielo" de Erige Sehiri, la mano dura que acecha a la inmigración

2026-08-19T21:19:14.536+01:00

Presentada en Cannes inaugurando la sección "Una cierta mirada" en 2025, la directora Erige Sahiri estrena "Prometido el cielo" en los cines españoles. Con el trasfondo de los problemas migratorios, nos traslada a una historia de resistencia y supervivencia de una profunda sensibilidad.

Erige Sehiri nos ubica en Túnez, un país africano que limita con Argelia y Libia. En ese marco, la película enseña, sin juzgar, el endurecimiento de las condiciones para los inmigrantes en el país. Perseguidos únicamente por su condición de extranjeros africanos, la vida allí se convierte en un acto de pura supervivencia.

La directora nos plantea esta situación desde la perspectiva de una pastora espiritual que se ha dedicado en los últimos años a apoyar y dar cobijo a todas estas personas. Su coraje y determinación animan a un rebaño falto de esperanza y de sueños propios. Con la llegada de una huérfana de poca edad superviviente de un naufragio, esta mujer revive sus propios sueños. Este planteamiento ayuda a dar sentido a toda la película.

Cuatro mujeres componen este retrato actual sobre la inmigración: la pastora, la niña huérfana, una estudiante con los papeles en regla y una mujer que ansía mejorar su vida a toda costa. A través de ellas, somos espectadores de sus miedos, sus ambiciones y su perspectiva sobre lo que acontece. Nos encontramos ante un drama sobre el que se ha ordenado mano dura.

Erige Sehiri se cuida de mostrar un paisaje social que no solo afecta a los propios inmigrantes, sino también a todos aquellos que les dan cobijo, les apoyan o simplemente mantienen una buena relación de amistad. El miedo no se queda en la frontera, afecta a todos.

Desde su sencillez y rutina, el retrato de la directora es conmovedor. Utiliza su gran sensibilidad para dibujar personajes que sabe humanizar y nunca victimiza. La vida ya es suficientemente cruel, no hace falta exagerarla.

José Daniel Díaz

Reseña de "Días de agosto" y entrevista a su director Chema de la Peña, conflictos familiares de verano

2026-08-13T08:59:58.256+01:00

Llega a la cartelera una propuesta refrescante y muy veraniega no exenta de drama y sensualidad, se trata de "Días de agosto" del director Chema de la Peña. En un entorno idílico la película plantea rupturas, dramas y traiciones sin dejar de lado el deseo y el amor. En Cinedania.es hemos podido charlar con el director salmantino sobre su nueva película.

Chema de la Peña es un director que se caracteriza por su versatilidad y flexibilidad para poner en marcha proyectos. Puede ser documental como "Marisol, llámame Pepa" o "Sud express" o puede ser una película de ficción histórica como "23F. La película", cómica como "Isi/Disi" o como en este caso un drama familiar. Porque "Días de agosto" esconde tras su frescura veraniega desencuentros, secretos, relaciones prohibidas y separaciones complicadas.

Con Pau Simón, Berta Galo, Roberto Álamo, Maggie Civantos y Pilar Castro de protagonistas, este dramático retrato familiar exige mirar a los personajes desde lugares poco superficiales. Todos tienen algo que esconder o que descubrir y "Días de agosto" poco a poco se encarga de ir retirando capas para llegar al fondo de cada uno de ellos.

Sin duda Chema de la Peña sabe encontrar la oscuridad entre tanta luminosidad del entorno y aprovecha los elementos con audacia para generar en el espectador sentimientos encontrados.

Os invito a conocer mucho más sobre "Días de agosto" a través de la entrevista que hicimos en Cinedania.es al director Chema de la Peña en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Palestina 36" de Annemarie Jacir, imprescindible lección sobre la colonización judía en Palestina

2026-08-11T09:00:00.000+01:00

Entre los estrenos que se cuelan en el mes de agosto, a veces te encuentras propuestas que van más allá del puro entretenimiento. "Palestina 36" de Annemarie Jacir es un claro exponente de gran cine político y social. Su mirada a los acontecimientos ocurridos en 1936 con la ocupación de colonos judíos en tierras palestinas con el apoyo de los ingleses, es una visión absolutamente necesaria y bien estructurada.

Las películas de Annemarie Jacir se han convertido en un retrato gráfico de la sociedad palestina, una revelación para el resto del mundo. Ahora, tras su presentación en España en la Seminci, estrena en nuestros cines "Palestina 36". Nos encontramos ante una película histórica sobre un relato poco conocido como es la ocupación de los judíos en tierras palestinas en 1936. Con la connivencia del comisionado inglés, se expulsó de sus tierras a muchos hombres y mujeres.

A través de sus casi dos horas, somos espectadores de una injusticia a la que se unió un nivel de represión totalmente injustificable. La perspectiva es tanto política como social. Los tejemanejes de las autoridades tienen su repercusión en un pueblo que se siente totalmente desprotegido.

A través de personajes de distintas nacionalidades, nivel social y poder económico, comprobamos el grado de superioridad y represión que mostraban orgullos los altos mandatarios ingleses. Una vez más se demuestra el poder del dinero y el comportamiento desigual hacia ricos y pobres.

Nos encontramos ante una película histórica que bien puede explicar todo lo que está sucediendo a día de hoy. A veces es necesario llegar a los orígenes para entender lo que vino después. "Palestina 36" es una magnífica propuesta que no puede quedar en el olvido. No lo merece.

José Daniel Díaz

Reseña de "La ventana abierta" y entrevista a su directora Ana Graciani, ¿cuál es la verdad?

2026-08-06T23:33:21.269+01:00

Basada en su propia obra de teatro, la directora y guionista Ana Graciani estrena su opera prima "La ventana abierta", un relato oscuro lleno de suspense interpretado por Unax Ugalde, Mara Guill y la joven Adriana Camarena. Con una propuesta que juega continuamente con el espectador sobre cuál es la verdad, es un interesante acercamiento al cine de misterio clásico.

"La ventana abierta" relata el encuentro entre un hombre y la hija de su pareja que han preparado un encuentro sorpresa para formalizar una relación forjada en la distancia. La conversación entre ellos empieza a delatar una faceta desconocida de la mujer que está conociendo.

En un entorno incómodo pese a desarrollarse en un pueblo costero andaluz, la climatología no es más que un reflejo de la oscuridad de la trama. El espectador y el protagonista avanzan a la par en las revelaciones que traslada Vera, la hija de su pareja. Esa apuesta ayuda a empatizar con Rubén, el novio interpretado por Unax Ugalde.

En realidad durante toda la película la pregunta que nos hacemos es... ¿cuál es la verdad? La psicología juega un peso fundamental donde el mal y el bien conviven sin apenas distinguir una de otra.

Os invito a conocer mucho más de "La ventana abierta" a través de la entrevista que le hicimos a la directora Ana Graciani en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"El síndrome Rembrandt" de Pierre Schoeller, concienciación al extremo del extremo sobre el cambio climático

2026-08-05T07:33:41.173+01:00

No podía llegar en un momento más adecuado el estreno de "El síndrome Rembrandt" de Pierre Schoeller, una reflexión extrema sobre el cambio climático y el futuro que nos espera. Utilizando a dos ingenieros especializados en energía nuclear, el director y coguionista desarrolla un alegato contundente sobre las graves consecuencias que se percibirán en el planeta en un futuro próximo.

Ahora que aún estamos apagando los incendios forestales en Europa, especialmente Francia, Grecia y España, "El síndrome de Rembrandt" de Pierre Schoeller viene a recordar la influencia tan importante que tiene en la gravísima consecuencia de esas catástrofes el imparable cambio climático. Para reafirmar esta afirmación utiliza en la película a dos ingenieros especializados en energía nuclear interpretados por Camille Cottin y Romain Duris, dos de los actores franceses más reconocidos e internacionales.

Es impactante descubrir las consecuencias del incremento de la temperatura en los últimos años, su influencia sobre la despolarización y en los agresivos ataques de la naturaleza en forma de seísmos, maremotos o vientos huracanados. El director enlaza de una manera un tanto forzada la sensibilidad del arte encarnada en la obra "El anciano" de Rembrandt con la sensibilización medioambiental. Como si una cosa estuviera relacionada con la otra. Es cuanto menos extraño pero el mensaje cala en el espectador.

Camille Cottin interpreta a la ingeniera con mayor evolución en la película y, por tanto, más exigencia. Es una actriz labrada en mil batallas y se la nota. Consigue ser convincente pese a sus aparentes inexplicables actos. Su marido, también ingeniero e interpretado por Romain Duris, mantiene la posición en su papel escéptico. De alguna forma, el director nos traslada las dos realidades de la sociedad, la que se asusta por lo que está por venir y la que no niega la existencia del cambio climático pero se mantiene en una posición de parálisis permanente.

Aunque la película se enrolla en una serie de piruetas para lanzar el mensaje, algunas de ellas realmente difíciles de entender, no es menos cierto que el objetivo es totalmente necesario. "El síndrome de Rembrandt" llega en el momento adecuado, traslada una realidad que hay que tomar muy en serio y utiliza para ello dos actores de categoría. Si consigue generar en el espectador lo mismo que me ha generado en mí, habrá valido la pena.

José Daniel Díaz

"Jumbo" de Ryan Adriandhy, magia y aventuras contra el bullying

2026-07-24T18:28:26.528+01:00

Cada vez más las películas de animación trasladan un mensaje a favor de la empatía, la solidaridad y el respeto. La película indonesia "Jumbo" trabaja estos valores a través de un niño poco carismático y muy fantasioso que no es comprendido por sus compañeros. Ryan Adriandhy dirige esta producción contra el bullying y el abuso.

Don es un niño que se siente muy vinculado a su libro de cuentos que dinamiza su imaginación y que tiene un componente emocional muy importante. No es un chico carismático ni es el prototipo al que todos admiran, más bien todo lo contrario.

"Jumbo" apuesta por trasladar la importancia de ser tú mismo y quererte tal y como eres. Siempre hay amigos que te apoyarán aunque tu camino no sea el que marca la sociedad. Utilizar la magia y la aventura es la mejor idea de la película.

Aunque no es perfecta y el guion en ocasiones es bastante convencional, su público, el más joven e inocente de la casa, disfrutará de una película especial con un mensaje de respeto contra el bullying que hoy más que nunca se antoja fundamental.

José Daniel Díaz

Reseña de "La mujer de la fila" de Benjamín Ávila y entrevista al actor Alberto Ammann, por los derechos de los familiares de los presos

2026-07-21T19:28:44.000+01:00

Tras su paso por el Festival de Málaga, llega a nuestra cartelera la película argentina "La mujer de la fila" de Benjamín Ávila, un retrato sobre la situación de los familiares de los presos en las cárceles argentinas inspirada en hechos reales. Un retrato sincero, honesto y muy bien interpretado que conjuga crítica social y talento cinematográfico.

Andrea Casamento, tras el encarcelamiento de su hijo, descubrió las injusticias y excesos que se cometían con los familiares (habitualmente mujeres) que acudían a diario a visitar a sus seres queridos presos en las cárceles argentinas. A partir de ahí se convirtió en un referente para la lucha por los derechos de estas personas y es la raíz en la que se basa "La mujer de la fila".

Con la uruguaya Natalia Oreiro interpretando magistralmente a esta mujer valiente y luchadora, el director Benjamín Ávila construye una historia focalizada mucho más en el sufrimiento de los familiares que en la situación de los reos. Una visión innovadora y poco conocida que aporta humanidad a estas mujeres que también participan como figurantes en la película.

Con la protagonista descubrimos cómo te cambia la vida una situación así, cómo afecta a tu entorno social y familiar y cuáles son los verdaderos apoyos cuando los necesitas. Es un gusto encontrar proyectos comprometidos con la sociedad que apuestan por la empatía y la crítica social para que este mundo sea un poco mejor.

Os invito a conocer mucho más de "La mujer de la fila" y de otros muchos temas a través de la entrevista que le hicimos al actor Alberto Ammánn en nuestra sección de Youtube "El Rincón de la Interpretación":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

La 35 edición del Festival de cine de Madrid homenajea al actor Miguel Rellán y presenta las 90 películas que se proyectarán este año

2026-07-20T09:00:00.000+01:00

El Palacio de Longoria, sede de la SGAE, fue espectadora de la presentación de la 35 edición del Festival de cine de Madrid (FCM) organizado por la Plataforma de nuevos realizadores (PNR) que homenajeará al actor Miguel Rellán y presentó una programación de películas seleccionadas entre las 615 obras inscritas este año. Esta edición se desarrollará del 15 al 19 de septiembre entre Cineteca Madrid y la Sala Berlanga.

Un año más el Festival de cine de Madrid dará voz a los nuevos realizadores del cortometraje y largometraje español. Cineteca Madrid acogerá la Sección Oficial de Largometrajes, Panorama PNR y Cine Molón, mientras que la Sala Berlanga será la sede de la Sección Oficial de Cortometrajes, Cine Sordo y la nueva propuesta Cine Sin Barreras.

Un total de 48 cortometrajes competirán en la Sección Oficial, calificadora para los Premios Goya tanto en la categoría de cortometraje de ficción como en la de cortometraje documental.

Para consultar toda la programación podéis acceder a la web.

La gala de clausura se celebrará el 20 de septiembre en Cineteca Madrid, estará presentada por Álex O’Dogherty y culminará con la entrega de los 20 premios que concede el festival.

El actor Miguel Rellán recibirá el Premio de Honor Estrella de Madrid 2026 en reconocimiento tanto a sus más de cinco décadas de trayectoria como a su compromiso con el cine independiente y las nuevas generaciones de realizadores.

Ganador del Premio Goya al Mejor Actor de Reparto por "Tata mía" y nominado nuevamente en 2026 por su interpretación en "El cautivo", cuenta con más de cinco décadas de trayectoria y más de 200 trabajos en cine, televisión y teatro.

El actor recogerá el galardón el próximo 14 de septiembre, durante la gala inaugural del festival en el Teatro del Círculo de Bellas Artes. La entrega abrirá una edición que se desarrollará hasta el 20 de septiembre y con la que el certamen conmemora 35 años proyectando talento.

José Daniel Díaz

Reseña de "En el camino" y entrevista a su director David Pablos, road movie queer muy convincente

2026-07-14T16:38:30.038+01:00

Se presenta en nuestros cines "En el camino" del mexicano David Pablos tras triunfar en la sección Orizzonti del Festival de Venecia. Con un enfoque valiente mezcla a la perfección elementos de la cultura mexicana con una visión libre y natural sobre la homosexualidad masculina. Un notable trabajo.

Es enriquecedor descubrir películas como "En el camino" de David Pablos, director que también firma el guion. Una road movie que se ambienta en el entorno rural con las clásicas carreteras aztecas. El a veces sórdido mundo de los camioneros, se revela como un espacio sectario donde la violencia y la sexualidad se utilizan como monedas de cambio. Con estos mimbres, David Pablos plantea una relación entre dos hombres perdidos, desconcertados y que se sienten abandonados para mostrar algo parecido al amor.

Sin perder sus tradiciones, "En el camino" nos descubre otro México, el escondido, del que nadie habla. Un país donde los poderosos se sienten dueños de los menos pudientes, donde la prostitución se encierra en un mundo muy oscuro pero transparente a la vez y donde las relaciones homosexuales se conocen pero se evita hablar.

Es obligado destacar la fotografía espectacular de la película y la combinación tan acertada entre planos cortos y planos más abiertos. Por un lado descubrimos el enorme trabajo de los actores y por otro nos llevamos imágenes para el recuerdo. Y es que este western rural es capaz de mostrar belleza tras un desguace o un bar de carretera. Encontrar lo hermoso en lo rancio donde se especula con los cuerpos y las drogas, es una muestra más de la compleja composición de David Pablos.

Un círculo vicioso donde todos huyen de algo, incluso del amor. Porque es difícil redimirse de sus pecados cuando quieres comenzar una vida nueva. No puedes romper con el pasado sin afrontarlo. Quizás el mensaje más potente, hay que afrontar las consecuencias de nuestras decisiones y errores. Pero muchas veces son lecciones que se aprenden cuando más cerca tienes la salida.

Un convincente trabajo de David Pablos, acompañado por dos actores que crecen según avanza la película, Osvaldo Sánchez y Víctor Prieto. "En el camino" nos muestra una ruta, escabrosa y aparentemente eterna, pero que siempre tiene una salida aunque no sea la que esperas.

Os invito a conocer mucho más de "En el camino" a través de la entrevista que le hicimos al director David Pablos en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"A 500 millas de casa" de Morgan Matthews, una de esas hermosas películas "como las de antes"

2026-07-10T16:31:29.892+01:00

La cartelera española, entre grandes blockbusters y animados títulos, estrena una película de las que llegan al corazón, "como las de antes". Se llama a "A 500 millas de casa" y su director Morgan Matthews se ha basado en el libro "Charlie and Me: 421 Miles from Home" del escritor británico Mark Lowery, publicada en el año 2018. Una maravillosa opción para aquellos que disfrutan de un título familiar, divertido y muy emotivo.

Se suele decir que en todas las familias "cuecen habas" pero pocas consiguen que el espectador empatice como en este caso. Nos encontramos ante una de esas películas que te trasladan al sentimentalismo de los 80. Cuando terminé de verla no pude evitar recordar a la inolvidable "En el estanque dorado" de 1981 donde un inmejorable Henry Fonda establecía con su nieto una hermosa relación bajo la atenta mirada de la siempre convincente Katharine Hepburn.

Morgan Matthews nos traslada a un actualizado estanque dorado donde un abuelo y sus dos nietos establecen unos sólidos lazos familiares. Un desencuentro entre el abuelo y su hija rompe ese vínculo y deriva en una complicada época de oscuridad. El viaje de sus nietos por reencontrarse con él es la excusa para una continuada sesión de flashbacks que poco a poco nos van acercando al germen del problema.

Y es que la mayor virtud del director es conseguir que nos vayamos sintiendo cada vez más cerca de esos nietos que añoran a su abuelo. Sin que nos demos cuenta y sin apostar por el sentimentalismo barato. Bill Nighy protagoniza con muchas tablas a este hombre atormentado que necesita volver a reunir a su familia. Le acompañan dos jóvenes talentos como son Roman Griffin Davies y Dexter Sol Ansell al que hace poco descubrimos en la serie de HBO "El caballero de los siete reinos". Curiosamente completa el plantel juvenil otra recordada protagonista de la saga vinculada a "Juego de tronos", la inolvidable Maisie Williams que interpretó a Arya Stark.

Reconozco que es una película que llega al corazón, muy disfrutable. Saldrás del cine con una lágrima y una sonrisa a la vez. La magia del cine.

José Daniel Díaz

Reseña de "Andy" y entrevista a su director Román Parrado, mirada honesta a la inmigración de menores de edad

2026-07-09T20:49:45.054+01:00

Tras su paso por la sección oficial fuera de concurso del Festival de cine de Málaga, llega a la cartelera "Andy" de Román Parrado. A través de multitud de experiencias reales, el director crea un retrato muy fidedigno del duro camino de los inmigrantes para conseguir una vida mejor, especialmente en los más jóvenes. En Cinedania.es hemos tenido la oportunidad de charlar sobre este drama con su director.

Román Parrado atesora multitud de experiencias relacionadas con las injusticias y las situaciones de desigualdad e injusticia. A través de sus documentales y su labor como jefe de realización del programa "Salvados" de La Sexta, ha conseguido acaparar suficientemente información para hablar con propiedad de muchos temas. "Andy" es un reflejo de todo ese conocimiento que pone a disposición del espectador.

En esta película toca fundamentalmente el efecto perverso que tiene la inmigración forzosa en los más jóvenes y, por tanto, más desprotegidos. En un camino lleno de peligros, mafias y policía, tienen que crecer muy rápido y enfrentarse a circunstancias que no les tocaba a su edad.

"Andy" refleja con mucha verdad ese tortuoso camino para llegar a un destino que muchas veces no es como lo esperaban. Mención especial para la protagonista Leslie Vázquez que hace un espectacular trabajo. En definitiva, una muy interesante película de la que sacas mucho aprendizaje y una base para la concienciación.

Os invito a conocer mucho más de "Andy" a través de la entrevista que le hicimos al director Román Parrado en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

Reseña y entrevista de "Winnipeg, el barco de la esperanza" de Beñat Beitia y Elio Quiroga, la historia siempre se repite

2026-07-08T16:20:03.663+01:00

Tras su paso por el prestigioso Festival de Annecy, se estrena "Winnipeg, el barco de la esperanza" de los directores Beñat Beitia y Elio Quiroga, un hermosa película de animación inspirada en hechos reales poco conocidos en España. En 1939 el poeta chileno Pablo Neruda fletó un barco para los exiliados españoles de la Guerra Civil que les llevó a una nueva vida con el pueblo chileno. Tan dura como emotiva, es una película muy recomendable. Además hemos tenido la suerte de poder charlar con Beñat Beitia, uno de sus directores.

Basada en la novela gráfica de Laura Martel, "Winnipeg, el barco de la esperanza" acompaña a un sindicalista y su hija en el duro camino del exilio tras la victoria de los franquistas en la Guerra Civil. Corre el año 1939 y muchos españoles se ven obligados a huir para no acabar en la cárcel o ejecutados. Con nuestros protagonistas descubrimos el horror de la guerra pero también nos enseña la bondad, el compañerismo y el apoyo que muchas personas muestran cuando la situación es insostenible.

Una de ellas fue el poeta chileno Pablo Neruda que, aprovechando su buena situación económica e importante influencia, fue capaz de embarcar a 2500 exiliados en un barco con destino a Chile. Esas personas y sus descendientes nunca estarán suficientemente agradecidas.

"Winnipeg, el barco de la esperanza", apoyada en una animación fantástica que recuerda a otros grandes títulos nacionales como "Buñuel en el laberinto de las tortugas" o "Arrugas", nos enseña todo el dolor y toda la esperanza. Nos ayuda a comprender mejor cómo es la inmigración forzosa, a empatizar con las personas que se encuentran en posiciones similares y a comprender las situaciones tan degradantes y peligrosas que tuvieron que pasar estos exiliados.

Estupenda película que además cuenta con una banda sonora impresionante de Diego Navarro que acompaña a las imágenes con una fuerza que eriza la piel. Tendría que proyectarse en institutos para que los jóvenes y la sociedad en general comprendan la importancia de la solidaridad y la empatía.

En el preestreno de la película en la Academia de cine de Madrid tuvimos la oportunidad de charlar sobre "Winnipeg, el barco de la esperanza" con uno de sus directores, Beñat Beitia. Os compartimos esta entrevista que hemos subido a nuestra sección "La silla del director" de Youtube en la que comentamos los hechos históricos y su paralelismo con la actualidad entre otros temas.

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

Reseña de "El convento" de Luis Galindo y Angel M. Chivite con entrevistas a los directores y a la actriz María Mercado, terror inspirado en las monjas satánicas de Corella

2026-07-06T15:38:06.542+01:00

El cine de género en España está de enhorabuena con el estreno de "El convento" de los directores Luis Galindo y Angel M. Chivite, película inspirada en las famosas monjas satánicas de Corella. Un inquietante retrato religioso que utiliza el misterio que siempre rodea a las monjas de clausura. En Cinedania.es hemos tenido el placer de poder charlar sobre la película con sus dos directores y con la actriz María Mercado, una de las protagonistas.

No son pocas las leyendas que se esconden tras los muros de un convento, muchas inspiradas en certidumbres y otras no. "El convento" se inspira en las denominadas "monjas satánicas de Corella" que en 1750 fueron condenadas por la Inquisición por tener relaciones sexuales con el demonio. Aunque no se recrea específicamente las leyendas que rodearon este acontecimiento, sí es verdad que los directores han acogido varias ideas y rutinas de estas monjas para dar vida a un opresivo trabajo.

Convive en la película una actriz conocida y consagrada como Ana Álvarez con actrices más jóvenes que se están abriendo camino en el mundo de la interpretación como María Mercado o Nahia Bergasa. Entre todas nos muestran el día a día de estas monjas que, bajo su apariencia honorable y amable, esconden actitudes muy turbias. Ese halo de misterio y esas rutinas del convento son, sin duda, los elementos más interesantes de la película.

Os invito a conocer mucho más de "El convento" a través de la entrevista que le hicimos a los directores Luis Galindo y Ángel M. Chivite en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director" y a la actriz María Mercado en en nuestra sección de Youtube "El Rincón de la Interpretación":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Ancestral" de Pablo Aragües y Marta Cabrera, fantasía como vehículo para la crítica social

2026-07-02T09:00:00.000+01:00

Nos gustan ciertas rarezas que a veces se estrenan en nuestra cartelera y "Ancestral" es una de ellas. Con un plantel de actrices de lujo encabezado por Almudena Amor a quien acompañan Luisa Gavasa, Ana Fernández, Emma Suárez y Consuelo Trujillo, los directores y guionistas Pablo Aragües y Marta Cabrera plantean un alegato feminista desde la leyenda y la ciencia ficción. Una película original y arriesgada.

Una visita inesperada de una mujer embarazada a casa de su madre es el punto de partida de un misterioso relato que combina fantasía con crítica social. Desde el misterio y el suspense, la protagonista descubre los enigmas que rodean al pueblo al mismo tiempo que el espectador. Eso ayuda a empatizar con el personaje y compartir sus actitudes.

Un pueblo maldito, en el que apenas habitan un puñado de mujeres, esconde oscuros secretos que poco a poco son revelados. A priori podría ser una película en la que te costara entrar pero gracias a la experiencia de sus intérpretes, todo parece mucho más natural. Lo mejor de "Ancestral" es disfrutar de Luisa Gavasa, Emma Suárez, Consuelo Trujillo y Ana Fernández en papeles muy alejados de sus perfiles habituales. Demuestran la gran categoría artística que atesoran y solo por ellas ya merece la pena dedicarle esta hora y media.

Pablo Aragües y Marta Cabrera plantean un alegato feminista alejándose del drama social habitual para darle un enfoque más cercano a la ciencia ficción y al cine de aventuras. Con pocos escenarios y un puñado de intérpretes, componen un interesante ejercicio de entretenimiento con mensaje. La idea original tiene gancho aunque se hubiera agradecido algún giro de guion que rompiera el ritmo de la película.

Aún así, se disfruta y se agradecen proyectos distintos. "Ancestral" es uno de ellos.

José Daniel Díaz

"Magallanes" de Lav Díaz, planos maravillosos para un cruel colonialismo

2026-06-28T16:01:53.235+01:00

Llega a los cines españoles la gran triunfadora de la Espiga de Oro de la pasada edición de la Seminci de Valladolid, "Magallanes" de Lav Díaz, director de culto que se caracteriza por su cine contemplativo y sus alargados metrajes. En este caso, combina su habitual maestría en la selección de planos con una visión del colonialismo cruel personificado en el conquistado portugués Fernando de Magallanes.

El director filipino Lav Díaz es uno de esos cineastas reconocibles a través de sus películas. Ganador en Festivales tan importantes como el de Berlín, Locarno o Venecia, no practica un cine apto para todos los públicos. Se revela contra una duración "comercial" que esté en torno a las dos horas y busca continuamente la belleza de las imágenes y el sonido natural de los escenarios.

Con estas premisas llegamos a "Magallanes", su última película. Una rara avis en su filmografía pues su duración no alcanza las tres horas (alguno de sus títulos llega a las 11 horas) y además lo protagoniza un actor tan conocido como Gael García Bernal. Sin embargo, su toque y su estilo están presentes en esta biopic sobre el colonizador portugués.

Arrancamos en 1511 en Malaca y su camino nos lleva a pasar por Lisboa, Sevilla y la filipina Cebu. Durante todo este tiempo observamos a un hombre ambicioso, cruel en ocasiones y devoto en otras. A través de planos fijos, que bien podrían convertirse en cuadros para museos, el director y guionista presenta la dureza de las imágenes en contraste con la belleza del entorno. El sudeste asiático como un supermercado de todo tipo de mercancías, una de ellas la humana.

En el cine de Lav Díaz la forma tiene tanta relevancia como el fondo. Y uno no puede dejar de recrearse en sus bellas estampas aderezadas de escuetos pero directos diálogos. Pero hay algo que queda muy claro, el colonialismo y la conquista no se traslada desde un enfoque romántico, más bien desde el prisma de la fuerza y la superioridad moral y religiosa.

Con una dirección y una fotografía prodigiosas, estamos ante una nueva obra artística de Lav Díaz, un director que trabaja desde la libertad creativa y el talento innato. Miradas así dan sentido al cine.

José Daniel Díaz

"Los últimos días de María Antonieta" de Gianluca Jodice, libertad - igualdad - fraternidad.... y crueldad

2026-06-25T18:17:25.612+01:00

Es interesante cuando se recrean momentos históricos desde puntos de vista poco conocidos. "Los últimos días de María Antonieta" de Gianluca Jodice nos muestra una cara reveladora sobre la revolución y la ejecución de Luis XVI y su esposa María Antonieta, representantes de una Monarquía abocada a desaparecer. Una propuesta recomendable donde destaco especialmente la labor de sus dos experimentados protagonistas, Guillaume Canet y Mélanie Laurent.

Nos ubicamos en París en el año 1792. El pueblo se ha levantado contra una Monarquía que encarna la desigualdad, la injusticia y el poder derrochador. Luis XVI, Madame Elizabeth (hermana del rey), María Antonieta y sus hijos representan todo lo que la Revolución quiere exterminar. En "Los últimos días de María Antonieta" somos espectadores de un cautiverio donde conviven una forzada dignidad con una realidad cada vez más devastadora.

Esta visión que traslada la película es realmente acertada. Conocemos la debilidad y escaso carácter del Rey frente a una esposa mucho más fuerte y realista. Cada uno, a su manera, se aferra a la esperanza. Sus captores, más indignados que organizados, trasladan toda su frustración y pobreza sobre ellos demostrando una crueldad sin límite.

Con unas propuestas de vestuario, maquillaje y fotografía maravillosas, el apartado técnico acompaña de una manera vital esta historia de sufrimiento y decadencia. Sus dos protagonistas, Guillaume Canet y Mélanie Laurent, se aferran a sus personajes con auténtica vehemencia como si hubieran esperado toda una carrera profesional para llegar a estos papeles. Se respira la responsabilidad y la búsqueda de la dignidad de sus personajes.

"Los últimos días de María Antonieta" se sustenta en una venganza que organizan los burócratas pero que se apoya y aprovecha el malestar de unos ciudadanos cansados de tener hambre, sufrir enfermedades y perder seres queridos. La crueldad no tarda en llegar. Y Gianluca Jodice, que también participa en el guion, aprovecha todos estos elementos para reflexionar sobre la ira y la envidia.

En definitiva, una película para aprender, reflexionar y debatir sobre los límites de la justicia. Un hecho histórico tan impactante como revelador. "Los últimos días de María Antonieta" es una gran opción para ver cine con talento y buen gusto.

José Daniel Díaz

Reseña de "Bajo el mismo sol" y entrevista a su director Ulises Porra, gran retrato de supervivencia en el Caribe del siglo XIX

2026-06-24T20:40:00.152+01:00

No tenemos muchas películas que nos muestren el convulso siglo XIX en el Caribe, una época en la que Haití se estaba independizando pero, a la vez, aún no se había conformado lo que hoy conocemos como República Dominicana. "Bajo el mismo sol" de Ulises Porra se ubica en esa época para enseñarnos, a través de un joven colono español, la delicada situación que se vivió en ese momento tanto a nivel social como económico y político. Un muy interesante trabajo del director español.

Ulises Porra, a través de tres personajes tan distintos como complementarios, desarrolla una trama de supervivencia en la complicada isla La Española de 1819. El interés de un joven español en montar allí una fábrica de seda con el apoyo de una china y un haitiano, le sirve al director para presentar tres personalidades muy distintas entre sí. Un proceso que no puede entenderse sin el entorno que les rodea, tan atractivo como peligroso.

Los tres actores, David Castillo (conocido por interpretar a Jonathan en la serie "Aída"), el intérprete haitiano-dominicano Jean Jean y la taiwanesa Valentina Shen Wu demuestran fuerza y valentía al enfrentarse a estos personajes tan complejos y desubicados. La ambición les une y a la vez enfría los sentimientos entre ellos. Se ven en muchos casos como meros mecanismos para alcanzar sus objetivos.

Presentada en el Festival de Toronto y en el Festival de Sevilla, su recorrido se ha completado con varios certámenes más antes de su estreno en la cartelera española. Se agradecen proyectos que ahondan en una época de la Historia latinoamericana poco conocida o al menos, demasiado romantizada en ocasiones.

Os invito a conocer mucho más de "Bajo el mismo sol" a través de la entrevista que le hicimos al director Ulises Porra en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

Los premios Fugaz coronan al cortometraje "Montecarlo 67" de Rubén Guindo con ocho estatuillas

2026-06-23T23:33:04.717+01:00

La décima edición de los premios Fugaz celebrado en los cines Kinépolis de Madrid volvió a ser un lugar de celebración y encuentro de todo el mundo del cortometraje español. En esta ocasión el mayor éxito fue para "Montecarlo 67" de Rubén Guindo que con sus ocho reconocimientos se convierte en el trabajo más premiado de la historia de los premios.

"Montecarlo 67", un corto que homenajea al propio cine a través del encuentro que tuvieron Spielberg y Chicho Ibáñez Serrador, fue la gran triunfadora de la noche al ganar mejor cortometraje, mejor dirección y mejor actor protagonista para Carlos Santos entre otros reconocimientos.

Pero también cabe recordar el éxito de la comedia con mensaje "In Memoriam" de Teresa Bellón y César F. Calvillo que ganó los premios al guion y a mejor actriz protagonista para Cristina Soria. También con dos estatuillas vio recompensado su trabajo la impactante "Señuelo" de Martha G. Ayerbe que triunfó con el premio a dirección novel y efectos visuales. "Chicken Jazz" fue el tercer cortometraje que subió al escenario en dos ocasiones para recoger su premio por la banda sonora y el sonido.

Uno de los momentos más llamativos de la noche fue la entrega del Fugaz de Honor al director Alex de la Iglesia del que se recordó su paso por el cortometraje cuando dirigió "Mirindas asesinas", un trabajo fundamental en su carrera para todo lo que vendría después.

Entre el resto de premiados destacaría el premio a mejor corto documental para Mabel Lozano por "Abril, hoy no es invierno", un trabajo del que os hablamos en Cinedanía y podéis recuperar la reseña y la entrevista que hicimos a la directora pulsando aquí. Y no podemos olvidar el premio a la maravillosa "El fantasma de la quinta" de James A. Castillo que fue reconocido como mejor corto de animación.

Personalmente eché en falta reconocimientos para dos grandes trabajos como "Cara de cona" de Guillermo de Oliveira que solo obtuvo premio a mejor montaje y "Ser un hombre" de Lucas Parra que se fue de vacío esta noche.

Aquí tenéis la lista completa de ganadores:

Mejor Cortometraje
Montecarlo 67

Mejor Dirección
Rubén Guindo Nova, por Montecarlo 67

Mejor Dirección Novel
Martha García Ayerbe, por Señuelo

Mejor Guion
Teresa Bellón y César F. Calvillo, por In memoriam

Mejor Dirección de Producción
Alejandro Viyuela y Samantha Martín, por Montecarlo 67

Mejor Dirección de Fotografía
Miguel Ezequiel, por Montecarlo 67

Mejor Montaje
Guillermo de Oliveira, por Cara de cona

Mejor Dirección de Arte
Gonzalo Muratel, por Montecarlo 67

Mejores Efectos Visuales
Laura Pedro, por Señuelo

Mejor Vestuario
María Gil de Bustamante, por Montecarlo 67

Mejor Maquillaje y Peluquería
Marta Cuadrado, por Montecarlo 67

Mejor Sonido
Pablo Castillo, por Chicken Jazz

Mejor Banda Sonora
Alberto Torres, por Chicken Jazz

Mejor Interpretación Masculina
Carlos Santos, por Montecarlo 67

Mejor Interpretación Femenina
Cristina Soria, por In memoriam

Mejor Cortometraje de Animación
El fantasma de la quinta

Mejor Cortometraje Documental
Abril, hoy no es invierno

Mejor Cortometraje Breve
Baile con la muerte

Mejor Cortometraje Hispanoamericano
La Barbarie (México)

Mejor Cortometraje de Escuela
Los murciélagos han abandonado el campanario

Mejor Largometraje
Sorda

José Daniel Díaz

"Habitación nº13" de Mattias Johansson Skoglund, inquietante thriller psicológico con cuentas pendientes

2026-06-18T19:28:54.857+01:00

Desde Suecia llega a la cartelera española "Habitación nº13" de Mattias Johansson Skoglund, cine de terror en una familia que arrastra un drama del pasado con un desconcertante geriátrico como paisaje de fondo. No descubre nada nuevo en el género pero mantiene la tensión sin grandes efectos.

Basada en la novela homónima del escritor sueco Mats Strandberg, "Habitación nº13" tiene una puesta en escena muy sobria y directa. Con apenas tres personajes, una madre, su hijo y una trabajadora de la residencia de mayores, se plantea una trama donde el pasado y las cuentas pendientes toman todo el protagonismo. No es una película al uso de posesiones, es un trabajo más psicológico con un trasfondo familiar muy inquietante.

Los escenarios deliberadamente "sucios" y viejos aportan un grado más de intensidad a la película. La casa familiar, espectadora de mucho sufrimiento en el pasado, se torna en un lugar inhabitable. Y en el geriátrico, un lugar que ya de por sí favorece el encuentro con personajes que viven al margen de la realidad, se completa un escaso número de localizaciones pero de gran aporte a un thriller psicológico de este tipo.

Los amantes del género disfrutarán de un título que busca más la tensión continuada que el susto fácil y rápido. Una metáfora sobre las heridas del pasado que siguen sangrando pese al paso del tiempo. Con un estupendo trabajo de los actores Philip Oros, Anki Lidén y Gizem Erdogan, solo podemos recomendarla para aquéllos que disfruten de una buena posesión y un poco de debate tras la proyección.

José Daniel Díaz

Se presenta La Barraca Educativa, un festival itinerante de cine y educación audiovisual que recorrerá zonas rurales de nuestra geografía

2026-06-14T07:00:00.000+01:00

Se ha presentado en Madrid la primera edición de la Barraca Educativa en la sede de DAMA, con la participación de su directora y creadora Patricia De Luna, la directora de cine Eva Libertad y la técnica de la Subdirección General de Promoción y Acceso a la Cultura Flavia Álvarez. Una gira cultural vertebrada por el cine, teatralizaciones y talleres para toda la familia que contará además con la participación de actrices de la zona de los pueblos, y se realizará en la lengua de cada región: castellano, catalán, gallego y euskera alto - navarro.

La iniciativa, avalada por el Ministerio de Cultura como proyecto de alto impacto cultural, recorrerá quince pueblos de la Comunidad de Madrid, Castilla La Mancha, Castilla y León, Andalucía, Navarra, Cataluña y Galicia.

Dentro de la sección de cine se proyectará un cortometraje y un largometraje cuyas temáticas están relacionadas con la salud y el bienestar, los valores frente al consumo, la igualdad de género y educación, la justicia e instituciones sólidas y el aprendizaje a lo largo de la vida.

Entre los cortometrajes, en función de la franja de edad dominante en la localidad, se seleccionará uno de los siguientes:

"La belleza de la vida" (Maoning Liu, 2022)

"Abuztua" (Pedro Gutiérrez, 2013)

"Luisa no está en casa" (Celia Rico, 2012)

"Carmen y la cuchara de palo" (Carlos Gómez - Mira Sagrado, 2024)

El largometraje que podrán ver los espectadores es "Sorda" de Eva Libertad, película ganadora de tres premios Goya a la mejor dirección novel, mejor actriz revelación para Miriam Garlo y mejor actor secundario para Álvaro Cervantes.

Las localidades que ya se han confirmado son las siguientes:

Navarra

Leitza

19 de Junio

Castilla y León

Maello (Ávila)

19 de Julio

Comunidad de Madrid

Puebla de la Sierra

8 de Agosto

Castilla y León

La Lastrilla (Segovia)

19 de Septiembre

Castilla y León

San Cristóbal de Segovia (Segovia)

27 de Septiembre

Castilla - La Mancha

Cabanillas del Campo (Guadalajara)

3 de Octubre

Comunidad de Madrid

Robledo de Chavela

10 de octubre

Castilla y León

Trescasas (Segovia)

17 de Octubre

Cataluña

Albons (Girona)

25 de Octubre

Andalucía

La Rinconada (Sevilla)

31 de Octubre

Castilla - La Mancha

Mora (Toledo)

14 de Noviembre

Galicia

Sarria (Lugo)

21 de Noviembre

Comunidad de Madrid

Navacerrada

28 de Noviembre

Castilla - La Mancha

Brihuega (Guadalajara)

12 de Diciembre

Castilla y León

Palazuelos de Eresma (Segovia)

13 de diciembre

Como ha señalado Patricia de Luna, directora y creadora de La Barraca Educativa, "poder llevar cultura a los pueblos es una oportunidad muy ilusionante que involucrará a todos los vecinos de cada localidad. Además, tanto en Galicia como Cataluña y Navarra, contamos con actrices, locales y presentarán las actividades en la lengua de cada región, lo que garantiza el diálogo cultural y el respeto por las señas de identidad de cada municipio".

José Daniel Díaz

"Una pistola, una bala y un oso panda" de Oriol Cardús, comedia surrealista que mata la depresión a tiros

2026-06-12T09:00:00.000+01:00

Oriol Cardús escribe y dirige "Una pistola, una bala y un oso panda", una comedia irreverente, surrealista, que pone el foco en la depresión. Con Alain Hernández de protagonista, la película explora la salud mental con imaginación aunque con un tono muy excesivo.

Oriol Cardús es un cineasta muy completo. Productor, guionista y director se ha atrevido en sus distintas facetas con el cortometraje, el largometraje documental y el largometraje de ficción. Es una persona de cine y se nota. Con "Una pistola, una bala y un oso panda" parece apostar por un estilo desenfadado para explicar algo más complejo. Y que sea desenfadado no significa que sea inocente o sencillo. En realidad es una película que puede tener varias interpretaciones y ninguna.

Todo nace con una dolorosa ruptura de pareja, unos extraños sueños con un oso panda y la aparición de una pistola. Estos elementos, tan difíciles de encajar a priori, son las armas que utiliza el director para convertir el problema de la salud mental en un ejercicio de surrealismo donde los propios personajes a veces se encuentran desubicados.

Aunque los actores ponen empeño, es difícil ser convincentes en una comedia tan abstracta. El principal problema para el espectador es ubicarse, entender por qué de repente, sin motivo aparente, se quiere atracar un banco o qué sentido tiene que el protagonista convierta un oso panda en una especie de asesor espiritual. En el cine cabe todo, y todo puede colar, pero a veces llevar al espectador al límite puede traducirse en indiferencia.

Con todo y con eso, la película tiene momentos hilarantes y se disfruta si entras en su juego. En ningún momento entras en fase de aburrimiento y los actores responden con buena disposición a unos papeles con más riesgo del que parece. Proyectos así, arriesgados, son muy necesarios en el cine español. Y aunque "Una pistola, una bala y un oso panda" no me haya convencido, prefiero mil veces esta propuesta que otras muchas que avanzan con el piloto automático.

José Daniel Díaz

Reseña de "Un hombre de verdad" de Liteo Pedregal y entrevista al actor Carlos Olalla, mazazo a los micromachismos que tenemos normalizados

2026-06-10T15:40:13.551+01:00

Hay películas que esconden mensajes muy necesarios para la sociedad. "Un hombre de verdad" de Liteo Pedregal es, sin duda, una de ellas. Un puñetazo a la masculinidad tóxica y a los micromachismos a través de un hombre que analiza en su edad madura cuál ha sido su comportamiento con ellas.

Carlos Olalla interpreta a Guillermo, un neurocirujano jubilado, aficionado a las maquetas y la pintura que siempre ha considerado a su mujer la gran prioridad desde su mirada antigua y clasista. Bien podría utilizar el dicho, "todo por ella pero sin ella", porque lo de menos son sus necesidades o sus intereses. Un tipo de hombre que abunda en nuestra sociedad y que aún no sabe que jamás hará feliz a su mujer.

Liteo Pedregal, junto con Roberto Alfaro, firma un guion certero y muy real. Más de uno agachará la cabeza mientras se ve reconocido en actitudes de su homólogo en pantalla. Pero es bueno poner un espejo a veces. Resulta más fácil darse cuenta de ciertas cosas si te las muestran tal y como son, si lo ves en otros aunque pudieras ser tú mismo.

Y es un acierto que sean las mujeres que le rodean (Olivia Molina que interpreta a su hija, Rosario Pardo en el papel de vecina, Laura de la Uz como asistenta y Natalia Dicenta como amante) quienes le muestren cuáles son sus necesidades, su manera de pensar, su manera de sentir y lo que buscan realmente en un padre, en un marido o en un amigo. Ellas cada vez están menos dispuestas a ser esclavas de un hombre y piensan más en la soledad e independencia como una vía de futuro más satisfactoria.

Aunque maneja algunos tópicos, el conjunto es un buen retrato sobre la visión desfasada del hombre en las relaciones de pareja y de trato en general. Para que todos nos lo hagamos mirar.

Os invito a conocer mucho más de "Un hombre de verdad" a través de la entrevista que le hicimos al actor Carlos Olalla en nuestra sección de Youtube "El rincón de la interpretación":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos