Cinedania

Crítica: "El monje"

2012-01-26T08:00:00.000Z

Recientemente ha pasado por España el actor Vincent Cassel para promocionar este relato oscuro y siniestro de tintes bíblicos. Dirigida por Dominik Moll, su buena labor estética y de ambientación tropiezan con una historia densa, llena de altibajos y previsible.

El cine francés sigue apretando con fuerza. Cada vez es más habitual encontrar en nuestras salas sus últimas producciones. Apoyada en una Industria de gran fuerza que disfruta del respeto de sus conciudadanos, su interés en el ámbito europeo está repercutiendo en un goteo continuo. Pronto llegará el gran taquillazo del año en Francia, la comedia "Intocables", que promete una buena recaudación.

Si nos centramos en "El monje", el gran atractivo del film es la presencia del intérprete francés Vincent Cassel. Su cuidada carrera, casi siempre atrapado en papeles secundarios, ha llamado la atención a los críticos. "Promesas del este", "Cisne negro" ó "Un método peligroso" son sólo algunos de los títulos que han contado con su presencia. Es común encontrarle en papeles extraños, inquietantes e intensos.

Ahora vuelve a atreverse con uno de esos personajes en los que se siente cómodo. Un monje, huérfano, que siempre ha vivido entre las paredes de un claustro, y que siente la llamada del mal. Satanás (Sergi López) le tienta y él tendrá que debatirse entre sus principios y sus deseos.

Gótica y fría, busca transmitir las dudas del protagonista en el público. Sus continuos dolores de cabeza, la tentación de la carne, sus peleas internas son meras transmisoras de sensaciones que pretende compartir con el espectador. Es una lástima que ese intento se quede en eso, un buen intento. No logra enganchar ni crear empatía, convirtiendo este ambicioso proyecto en un título más de la cartelera.

Cuesta creer la evolución psicológica del personaje interpretado por Vincent Cassel. Un hombre de férreas ideas que poco a poco, y de una manera un tanto incomprensible, va perdiendo la fe en pro de una atracción carnal que no se intuía ni se esperaba. Hay algo en todo ese recorrido que se nos escapa y resta credibilidad.

Si tenemos en cuenta que toda la película se fundamenta en esa crisis de valores, el resto del reparto acaban siendo meros espectadores a la espera de disfrutar su oportunidad y protagonismo. Ni se integran en el proyecto ni la historia, tal y como la cuenta Dominik Moll, les permite hacerlo.

Es una pena desaprovechar las posibilidades artísticas de Vincent Cassel, que vuelve a ser lo mejor de un film menor que sólo su talento permite mantener con dignidad. Al menos siempre podremos disfrutar de una ambientación y vestuario muy interesantes.

José Daniel Díaz

"No habrá paz para los malvados" triunfa en la XVII edición de los premios José María Forqué

2012-01-24T16:26:00.002Z

"No habrá paz para los malvados" conquistó la XVII Edición de los Premios José María Forqué. En una Gala de claro enfoque musical, presentada por los actores Alex O´Dogherty y Pablo Puyol, alternó luces y sombras. José Coronado ("No habrá paz para los malvados") y Elena Anaya ("La piel que habito") fueron galardonados como Mejor Actor y Mejor Actriz, colocándoles en muy buena posición para los Goya del próximo 19 de Febrero.

En un año tan duro y crítico como este 2012, EGEDA (Entidad que gestiona los derechos de los productores audiovisuales) quiso celebrar su habitual entrega de premios con un claro sentido del ahorro. Sin perder su identidad, ni los aires glamourosos que han cubierto siempre a esta Ceremonia, el acto, celebrado en el Palacio de Congresos de la Castellana, fue sobrio, rápido y sin excesivo alarde en el presupuesto.

Aunque la Gala no fue precisamente brillante, sí destacó por una buena elección en los temas musicales y por una apuesta decidida por mantener un ritmo alto en la entrega de premios. Así, inmediatamente, Antonio Resines y Jorge Sanz hacían entrega a Fernando Trueba del premio a la Mejor Película Documental o de Animación por "Chico y Rita".

El resto de premios no tardó en descubrirse. Entre canciones tan conocidas como "Si yo fuera rico" ó "Roxanne", se fueron desvelando los enigmas más importantes de la noche. Inma Cuesta y Unax Ugalde anunciaban la victoria de Elena Anaya por "La piel que habito" ante la atenta mirada de sus dos contrincantes: Pilar López de Ayala y Maria León. La actriz tuvo palabras de afecto para ésta última a la que llamó "monstruo de la interpretación" y deseó poder coincidir en alguna película con ella. Curiosamente llego acompañada de su pareja, Esther Sanchís, y de su ex-novio Gustavo Salmeron. Todo un ejemplo de ex pareja bien avenida.

Poco después llegaba la entrega del otro premio interpretativo de la noche. María Barranco y Kira Miró anunciaban a José Coronado por "No habrá paz para los malvados" como mejor Actor del año 2011. Muy emocionado quiso dar "gracias a mi equipo. Un personaje de estas características es imposible llevarlo a cabo sin un equipo como éste detrás". Tampoco faltó la gran frase de su álter ego Santos Trinidad: "Rock ´n roll".

Como es habitual en los premios Forqué, el presidente de EGEDA, el productor Enrique Cerezo apareció para decir unas palabras. Como viene siendo habitual en las últimas ediciones, su discurso se centró en la lucha contra la piratería. Agradeció "el duro golpe contra la piratería que se ha anunciado en los últimos días" y anunció que "el cine nos puede ayudar a vender una nueva imagen de España".

La Medalla de Oro de Egeda de este año recayó en el productor-director Fernando Trueba. El oscarizado cineasta español bromeó diciendo que "todos los premios son injustos, menos el tuyo José". Reconoció que "el premio debería ir a Cristina Huete que es la productora que me ha acompañado siempre". Desveló que se hizo productor por obligación ya que "Opera prima" fue un éxito pero nadie le llamó para seguir dirigiendo.

Tras la actuación del grupo "Poker de voces", Santiago Segura abrió el sobre de la Mejor Película del año 2011 para confirmar que "No habrá paz para los malvados" era el film premiado. Enrique Urbizu tan sólo pudo decir "muchas gracias", visiblemente emocionado.

Cerró la Gala el discurso del nuevo Ministro de Cultura José Ignacio Wert que quiso declararse como "uno de los vuestros". "Comparto vuestras preocupaciones" y "desde el Ministerio podremos ayudar de dos formas: Apoyando la protección de la propiedad intelectual y estudiando la manera de poder ayudar a la Industria mejor", comentó.

Una entretenida versión de los Blues Brothers cerró la Gala de los premios Forqué. "No habrá paz para los malvados" dio un aviso de cara a los Goya y parece que dará mucho que hablar en los próximos días.

Crítica: "Los descendientes"

2012-01-22T15:22:00.000Z

Avalado por dos globos de oro tan importantes como el de Mejor Actor y Mejor Película Dramática, "Los descendientes" aterriza en España. Alexander Payne vuelve a poner su sello y cuenta una historia de personas, sentimientos y casualidades. George Clooney disfruta de uno de los mejores papeles de su carrera para regalarnos una interpretación con mayúsculas.

Matt King (George Clooney) sufre el golpe más fuerte de su vida. Su mujer ha tenido un accidente y está en coma. Mientras su vida se debate entre la vida y la muerte, Matt debe retomar el tiempo perdido con sus dos hijas, afrontar cómo era su relación matrimonial y decidir cuál es su camino y hacia dónde dirigirse.

Tras la maravillosa "Entre copas", Alexander Payne tenía un gran reto: Mantener el nivel de ese gran film o convertirlo en una isla en medio del océano. "Los descendientes" bebe, se alimenta y nutre a ese título que, entre viñedos, daba una auténtica lección sobre la condición humana. Ahora, retomando temas como la infidelidad y las relaciones interpersonales, vuelve a salvar con ciertos toques dramáticos y mucho humor negro, un proyecto difícil y arriesgado.

Hay algo que ya es redundante en la filmografía de Payne, la fantástica dirección de actores. En este caso Clooney nos regala una interpretación de altísimo nivel. En un personaje nada sencillo, con altibajos y de gran profundidad sentimental, arma una interpretación compleja, de gran calado, que soporta con suficiencia todo el peso de la película.

Sorprende que la belleza del actor se vea parodiada una y otra vez, sin perder ni un ápice de dignidad. Pese a utilizar el humor absurdo, en ningún momento lo vivimos como una película caricaturizada. Los sentimientos se rebelan profundos y de alta carga dramática. Sin embargo, jugar a este juego tan peligroso a veces provoca en el espectador sentimientos encontrados que, como fue en mi caso, te sacan de la película.

Hawaii, lugar donde se ubica todo el argumento, nos grita sus virtudes y defectos. Con equilibrio, su forma de vivir se refleja en cada escena buscando otra imagen de la mítica isla (o conjunto de islas). Conocer su otra cara nos saca del sueño surfero para introducirnos en la pesadilla chanclera.

Adicionalmente, las subtramas que rodean a la principal, aportan detalles de la sociedad del siglo XXI. La sensación de abandono de los hijos, las complicadas relaciones familiares, la soledad... son sólo algunos de esos aspectos que completan a "Los descendientes".

Por tanto una gran película que queda lejos de ser una obra maestra pero que nos vuelve a mostrar al mejor Payne, un director que está creando un estilo propio con, cada vez, más seguidores.

José Daniel Díaz

Crítica y rueda de prensa: "Silencio en la nieve"

2012-01-17T22:13:00.000Z

La segunda película española "grande" de este año es el thriller "Silencio en la nieve" de Gerardo Herrero. La División Azul, pocas veces retratada en el cine español, se convierte en el contexto donde se desarrolla esta historia de intriga y suspense que adapta el libro "El tiempo de los emperadores extraños" de Ignacio del Valle. Una producción "extraña" en el cine español, con una cuidada ambientación, que intenta buscar otras vías poco exploradas en nuestra filmografía.

Gerardo Herrero siempre ha destacado más por su labor de productor. "El secreto de sus ojos", "El hijo de la novia", "Los crímenes de Oxford", "Martín Hache" y "Mensaka" han sido algunas de las películas más destacadas en esa faceta. Como director, su carrera no ha sido tan exitosa. Destacaría la hermosa "Heroína", la incontrolable "Malena es un nombre de tango" y la oscura "El misterio Galíndez". Posiblemente "Silencio en la nieve", su decimoquinta película, esté entre sus mejores trabajos.

El cine español empieza a moverse, a hacer cosas distintas. Esta coproducción, de evidente mira internacional, se embarca en la compleja resolución de un asesinato dentro de la División Azul destinada a Rusia en 1943. Arturo Andrade (Juan Diego Botto) será el militar asignado para resolver el caso, escudado por el Sargento Espinosa (Carmelo Gómez). Su labor se irá complicando cada vez más, en un círculo muy cerrado donde todos esconden algo y nadie se atreve a hablar.

El director, que comentaba en rueda de prensa que "antes no sabía nada y ahora sé muchísimo de la División Azul", no ha querido hacer una película "maniquea". Por tanto, se ciñe a unos acontecimientos que como indicaba el escritor de la novela, "son verídicos en un 90% de la historia".

Quizás lo más interesante de toda la trama sea la dicotomía, tal y como indicaba el actor Víctor Clavijo, entre los asesinatos que se investigan y las muertes que ocasiona una guerra por pura ideología. Es decir, resulta contradictorio que en un ambiente lleno de muertes sin sentido se busque el culpable de un crimen concreto.

El honor, como suele ser habitual en las tramas con componente militar, es otro de los grandes temas. Los personajes se comprenden a través de sus actos, de lo que son y lo que han sido. En ese sentido, echamos de menos las circunstancias de los protagonistas que en ningún momento son delatadas. Son, precisamente, los personajes secundarios los que más información nos aportan para entender sus comportamientos. El propio Juan Diego Botto comentaba que "nunca había tenido que interpretar un papel con tan poca información del personaje".

Si bien el enfoque principal está en el crimen, algunas subtramas se antojan innecesarias y reducen el ritmo del film. La historia de amor con la chica rusa despista al espectador y le saca del objetivo fundamental: la resolución del caso. Por contra, uno de los puntos fuertes y destacables es la dirección artística. No era tarea fácil recrear esa época tanto en localizaciones, como imagen y objetos. La labor, que supo reconocer Gerardo Herrero admitiendo que sin ese trabajo nada habría sido creíble, se ejecutó con mucha dificultad en Lituania.

Del trabajo actoral destacaría a un gran Carmelo Gómez, que construye un militar peculiar y entrañable que impregna de sinceridad toda la pantalla. Incluso su compañero, Juan Diego Botto, mejora en las escenas que comparte plano con él como si se transmitiera esa sensación. Comentaba Botto que "Carmelo y yo nunca habíamos trabajado juntos, pero en 5 minutos nos estábamos peleando".

Con sus defectos, podemos decir que es un proyecto que supera a la media, uno de los mejores trabajos de Gerardo Herrero. Un film sin pretensiones más allá de las evidentes que no decepciona.

Podéis ver el tráiler pinchando aquí.

José Daniel Díaz

Crítica: "Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres"

2012-01-14T12:43:00.001Z

Todos nos sorprendimos cuando descubrimos que David Fincher volvía a recrear en imágenes esta famosa trilogía, apenas unos pocos años después de la versión europea. Por tanto la primera pregunta que viene a la cabeza es ¿Por qué esta nueva versión? ¿Qué aporta? Pues, aunque el guión es muy muy parecido al de su predecesor, el toque Fincher consigue un thriller lleno de suspense.

Este mítico director, casi de culto, es ya una leyenda. Sus películas han sacudido con dureza la psique humana jugando con el espectador, enseñándole cartas que desaparecían al momento. "Seven", "The game" ó "El club de la lucha" son ejemplos del cine sorprendente y desgarrador que siempre le ha caracterizado. El año pasado parecía que por fin la Academia le iba a conceder el Oscar gracias a su particular visión del creador de Facebook en "La red social"; nada más lejos de la realidad. Una vez más el clasicismo vencía a la modernidad.

Para quienes no hayan leído el libro de Stieg Larsson, deciros que la sinopsis del film se resume en una farragosa investigación que lleva a cabo un periodista (Daniel Craig) necesitado de dinero y reconocimiento, que acaba removiendo los pilares de una familia poderosa que esconde grandes secretos.
Para sus pesquisas se une a una extraña joven (Rooney Mara), habilidosa en la informática y muy sensibilizada con el dolor femenino. Esa sensación es la que la anima a colaborar para formar un tándem explosivo.

Últimamente nos estamos acostumbrando a unos títulos de crédito fantásticos. Esto, que no deja de ser anecdótico, es indicativo del cuidado con el que se tratan las películas. "Drive" y "La chispa de la vida" ya me sorprendieron gratamente en este aspecto pero "Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres" impresiona especialmente con una mezcla de imágenes oscuras y extrañas de gran fuerza visual.

Rooney Mara, que ya colaboró con Fincher en "La red social" como ex novia del peculiar creador de Facebook, no desperdicia esta joya de personaje. Introvertida, dura, asocial, liberada en todos los aspectos, con una fuerte carga que su carácter no permite mostrar. Es, sin duda, la mayor diferencia sobre otros thrillers de intriga que hayamos podido disfrutar.

Su compañero, Daniel Craig, sigue granjeando una carrera meteórica. Especializado en películas de acción, aquí sortea con oficio un personaje aparentemente simple pero de gran desarrollo emocional. Fincher demuestra una vez más su gran e intensa labor actoral; algo que es palpable en todas y cada una de sus películas.

Consciente de lo que se busca en este tipo de films, David Fincher, aunque su excesiva duración pueda complicar el resultado, mantiene perfectamente el ritmo del metraje. No deja espacio para el aburrimiento, mentalizado del tipo de espectador al que va dirigido. Existe un acertado contraste entre acción e intriga, seduce al público con incógnitas que lejos de despejarse se enredan más y más.

Solvente, como siempre, es un lujo disfrutar de directores como Fincher, aunque parece ser que él a la crítica no nos tiene tanto aprecio. No siempre llueve a gusto de todos.

José Daniel Díaz

Crítica y rueda de prensa: "La chispa de la vida"

2012-01-11T17:44:00.000Z

Alex de la Iglesia cambia el registro. Deja payasos, cómicos asesinos, anticristos, westerns, vecinos con malas pulgas y demás fauna para entrar por fin en la vida real. Y lo que se encuentra es, como decía Hobbes, a los hombres siendo lobos de los propios hombres. La desesperación de unos se mezcla con la maldad de otros para formar un explosivo resultado. "La chispa de la vida", en un tono tragicómico afronta todos estos temas con la muerte como telón de fondo. Acierta y convence.

Uno de los atractivos de la película era ver al televisivo José Mota enfrentándose a un papel dramático protagonista. Pese a un inicio de película renqueante, poco a poco se va sintiendo más cómodo, casualmente cuanto más dramática se pone la situación. Deja un buen sabor de boca y salva con nota esta arriesgada apuesta. Justa nominación al Goya.

Alex de la Iglesia, como él mismo admite, siempre ha intentado rodearse de cómicos para sus films porque hasta en los momentos más trágicos puede surgir una sonrisa. Antes de José Mota ya trabajó con Santiago Segura, El gran Wyoming, Guillermo Toledo ó Carlos Areces por ejemplo. Los buenos resultados que le han aportado estas colaboraciones le reafirman aún más en seguir arriesgando.

Comentaba Alex, ante una sala de prensa abarrotada, que "el guión lo leí en una hora y llamé a Andrés (Andrés Vicente Gómez, productor) para decirle que la rodábamos ya". Si bien el actor estuvo claro desde el principio, la elección de la actriz fue más complicada. En un inicio se pensó en Gwyneth Paltrow, toledana de adopción, que finalmente se deshechó para recaer definitivamente en la exuberante Salma Hayek.

La actriz mexicana apenas estuvo 18 días de rodaje lo que provocó cambios en los planes de rodaje. Su interpretación, que le ha valido la nominación al Goya, va in crescendo. En los momentos de mayor fuerza emocional desarrolla todo su potencial mostrando su versión más latina.

A la pareja protagonista le acompaña un elenco de lujo. Juan Luis Galiardo, Blanca Portillo, Fernando Tejero, Antonio de la Torre, Juanjo Puigcorbé, Antonio Garrido... son sólo algunos de los nombres que conforman un plantel de máximo nivel. Como comentaba en la rueda de prensa Blanca Portillo "en el cine no hay papeles grandes o pequeños".

La política, la ambición, los medios sensacionalistas, los managers y las empresas son foco de crítica donde los extremos, que siempre han rodeado a la filmografía de Alex de la Iglesia, derivan casi en la parodia.

Un desgraciado accidente da la oportunidad a Roberto (José Mota), publicista de profesión, de convertirse en una estrella mediática. Con esta excusa, el guión de Randy Feldman hace un ataque sin complejos a todos los poderes fácticos. Pero esto, que es una de las fortalezas del film, también se convierte en uno de los defectos. Colocarles en los extremos, sin atisbo de humanidad alguna, desvirtúa la realidad quitando credibilidad a los personajes.

Por contra, la emotividad mezclada con un humor "azuloscurocasinegro" (como diría Sánchez Arévalo), funciona a la perfección llenando a la sala de una sensación encontrada.Y algo por encima que lo rodea, la dignidad de la persona. Valores necesarios en una sociedad cada vez más fría y calculadora, enganchada a los mercados y al dinero, que nunca llega a saciar sus desproporcionadas ambiciones.

Alex, distendido y amable durante toda la comparecencia ante los medios, alabó a sus actores, se congratuló de la respuesta del público en los pases privados y admitió referencias de títulos tan clásicos del cine español como "El asfalto" ó "La cabina". Destacó a Olea, Mercero e Ibañez Serrador como referentes, "aunque ya hubiera querido decir que eran Ford ó Meyer, son los que son".

Los Goya sólo les han regalado dos nominaciones, posiblemente escasas para la posibilidades del film, pero "La chispa de la vida" es un buen ejercicio cinematográfico. Es entretenida, amable, trágica pero no melodramática, sensible y emotiva. Suficientes razones para salir con un buen regusto de la sala.

Podéis ver el tráiler pinchando aquí.

José Daniel Díaz

Cinedania analiza las nominaciones a los Goya 2012

2012-01-10T21:28:00.000Z

Lluis Homar e Inma Cuesta han sido los encargados de anunciar esta mañana los nominados a unos esperadísimos Premios Goya. Durante los últimos meses se había debatido mucho sobre los posibles candidatos. Mientras "Torrente 4" arrasaba en taquilla, otros proyectos más desconocidos para el gran público destacaban entre la prensa especializada.

La primera sorpresa del año fue “Primos”, una disparatada comedia de Sánchez Arévalo que ya casi habíamos olvidado pero que, por suerte, ha encontrado su sitio entre los finalistas. Su nominación en los Forqué ya auguraba una presencia más o menos importante en los Goya.

Pero si hablamos de sorpresas tenemos que nombrar a “Blackthorn” de Mateo Gil. Ninguna quiniela apostaba por esta película que pasó sin pena ni gloria por los cines españoles. 9 nominaciones incluyendo Película y Director podría derivar en un reestreno en salas.

Con quien todos contábamos y ya preveíamos una dura disputa es con los tres grandes títulos del año (a nivel crítica especializada) en el cine español: “La piel que habito”, de Pedro Almodóvar; “La voz dormida”, de Benito Zambrano, y “No habrá paz para los malvados”, de Enrique Urbizu.

La película del director manchego se dispara en su película más terrorífica con 16 nominaciones de 22 posibles y, junto al film de Urbizu, parte como clara favorita. Nominada en las principales categorías cabe destacar la presencia de Antonio Banderas a Actor Protagonista. Suponemos que asistirá a la Gala y quién sabe si a la fiesta de los nominados. Quizás la acompañe Salma Hayek (nominada para sorpresa de todos a Actriz Protagonista por “La chispa de la vida”) como ya ocurriera en la presentación en Madrid de “El gato con botas”.

Ya en su presentación en San Sebastián “No habrá paz para los malvados” olía a premios. La ciudad guipuzcoana la olvidó en el palmarés (para premiar “Los pasos dobles”, película que los Goya han ignorado absolutamente) pero la Academia no podía fallar. Tardaremos en olvidar a Santos Trinidad, personaje oscuro y auténtico antihéroe, que José Coronado (nominado por este papel) interpreta de manera magistral. 14 nominaciones.

La que algunos han calificado como “maniquea” “La voz dormida” se presenta como la película reivindicativa de este año. Centrada en el suplicio sufrido por un grupo de mujeres a manos de los triunfadores franquistas, su director ha hecho auténtica campaña por no “olvidar” ciertos acontecimientos históricos. Su punto fuerte son las interpretaciones femeninas, con especial atención a Maria Leon que si no se lleva el Goya a Actriz Novel, se perderá cualquier tipo de lógica sobre los motivos por los que se entrega el premio.

“Eva” de Kike Maíllo merece mención especial. Presentada con éxito en el pasado festival de Sitges, logra un total de 12 nominaciones incluyendo Director Novel y Actor Protagonista (Daniel Brühl).

“Maktub” y “Verbo”, dos películas que la crítica ha menos preciado, reciben tres candidaturas cada una. Casualmente coinciden en Dirección Novel (Paco Arango y Eduardo Chapero-Jackson) y en mejor Canción Original.

Y como siempre ocurre en estos casos hay grandes perdedores. Esta vez le ha tocado quedarse con cara de póker a “Mientras duermes” (sólo Tosar nominado), “Intruders” (Nominada a premios menores), “Midnight in Paris” (nominación únicamente para el guión), “Cinco metros cuadrados” (Pese a triunfar en Málaga ni siquiera Tejero que parecía nominación segura la ha conseguido), “Torrente 4” (ni siquiera en el apartado técnico ha tenido reconocimiento), “Fuga de cerebros 2” (Mucha taquilla pero ningún premio) y “No tengas miedo” (Sólo tendrá opción su protagonista, la joven actriz Michelle Jenner, que opta a Actriz Novel).

Y para finalizar un dato curioso: “Arrugas” se convierte en el primer film de animación que recibe una nominación al guión.

Y a todo esto una pregunta: ¿Por qué “La piel que habito” recibe 16 nominaciones y “No habrá paz para los malvados” 14 y no se manda ninguna a los Oscar? Cosas de académicos…

José Daniel Díaz

Crítica: "Juan de los muertos"

2012-01-07T01:00:00.000Z

La Habana la han ocupado los zombies. No sabemos cómo ni por qué pero el caso es que la invasión se ha iniciado. Por cortesía de Sensacine asistimos a la premiere de "Juan de los muertos", una película hispano-cubana dirigida a amantes del género que cumple con la expectativa de pasar un rato entretenido.

Alejandro Brugués, director de esta locura, utiliza "sus" muertos vivientes para recalcar de manera sarcástica ciertos aspectos de la Revolución que seguramente no hayan gustado a las Autoridades cubanas. En clave de humor y con mucha sangre de por medio, la película bebe de mitos del género que no pasarán por alto los zombieadictos.

Si bien los chistes y la trama pecan de falta de originalidad, no se puede negar el "buenrollismo" que transmite la película. Su objetivo se cumple. Mezclando última tecnología con aspectos de serie B, el resultado se enmarca en un digno representante del cine fantástico.

Aunque los actores son grandes desconocidos para el gran público, es reseñable la labor destructiva mezclada con humor que realizan. Se lo toman con cachondeo, de la misma forma que cualquiera cuando se reúne con sus colegas y deciden hacer un vídeo para pasar el rato. Mención especial para el gran Antonio Dechent que firma la mejor escena de la película como yankee en apuros.

El director recrea la capital cubana con imágenes que aúnan el caos con la belleza. Aunque resulte contradictorio, de toda esa orgía de violencia nace una ciudad hermosa con peculiares tradiciones. Sólo allí se podría tratar de forma tan amigable esta invasión de zombies. Imagino el mismo caso en Washington... Rápidamente se habría alzado la bandera americana (símbolo de la libertad) y un grupo de expertos militares (apoyados por un patriótico grupo de ciudadanos) habrían destruido la horda de muertos vivientes no sin antes emitir un discurso alentador para afrontar la batalla.

Pero en Cuba no pasa esto. La solución es ... sacar negocio!!! Cobrar por matar seres queridos que resultan molestos por estar afectados por el virus asesino. No es políticamente correcto pero a mí me resulta más creíble desde luego.

Aprovechamos el post para pedir disculpas a todos aquéllos que acudísteis al preestreno a través de nuestro blog y por temas de aforo no conseguísteis butaca. Desde Avalon se han comprometido a facilitar entradas dobles para vosotros y nos tenéis a vuestra disposición para cualquier consulta ó trámite.

José Daniel Díaz

Crítica: "La dama de hierro" por cortesía de Yelmo Cines que estrena nueva web

2012-01-03T00:02:00.000Z

Gracias a Yelmo Cines y su nueva web (la cual recomendamos por su facilidad de manejo) tuvimos la oportunidad de ver antes que nadie la biopic de la controvertida Margaret Thatcher. "La dama de hierro" de Phyllida Lloyd se salva únicamente por la magistral interpretación (como siempre) de Meryl Streep ya que lamentablemente la historia se pierde en un convulso refrito de actualidad e Historia.

Meryl Streep, que recibirá el Oso de oro en la próxima Berlinale, es un valor seguro. Da igual el papel que interprete, el director que la dirija o los compañeros que la toquen; es un monstruo de la interpretación. Me cuesta recordar todas sus películas pero emocionó en "Kramer contra Kramer", me enamoró en "Los puentes de Madison", me cabreó en "La duda", me sorprendió en "Memorias de Africa" y ahora, en "La dama de hierro", me confirmó que es una diosa de la interpretación.

Dicho esto, la presencia de una actriz de la categoría de Meryl Streep no es suficiente para mantener un guión aburrido y una dirección pesadísima. Centrarse en los delirios y problemas mentales de la primera ministra resulta poco interesante e incluso desalentador. No pido una clase de Historia pero, sin duda, la vida de esta mujer tan controvertida daba para mucho más.

Con gran sorpresa vemos que de un plumazo pasamos de una joven con pretensiones políticas a una madura candidata al sillón presidencial. Toda la evolución del personaje lo perdemos entre delirios de una vieja Thatcher que chochea. Y ése es el principal problema: Centrar una vida tumultuosa y compleja en su lado más senil y perdido, desaprovechar la oportunidad de mostrar el carácter y recorrido de una de las personalidades más influyentes en el ámbito político mundial.

Personalmente dos horas de demencia senil me aburren sobremanera. Si a eso añadimos que ni siquiera en sus delirios vemos algún tipo de evolución, el resultado es un mucho de nada o lo que es lo mismo un nada de nada.

La directora Phyllida Lloyd, que ya dirigió a Streep en "Mamma Mia!", apuesta por la autocomplacencia. Se deleita en desgranar los achaques habituales de una edad avanzada mientras nota la incomodidad de su cámara en las escenas de gran alcance histórico.

Cabe destacar la caracterización de Meryl Streep como Margaret Thatcher. Es prácticamente perfecta. Cuesta creer que no es la propia personalidad inglesa la que se interpreta a sí misma, fruto de una labor de maquillaje y peluquería (amén de la propia interpretación) que debería reconocerse en los Oscar.

Ya se lo decían a Glenn Close en el pasado Festival de San Sebastian: Qué mala suerte haber competido siempre en los Oscar contra Meryl Streep. Y este año a lo mejor toca volver a quedarse con cara de póker... Ya lo veremos.

José Daniel Díaz

Las 10 películas imprescindibles del 2011 para Cinedania

2011-12-31T12:05:00.000Z

Para cerrar el año me parecía imprescindible plantearos las 10 películas más interesantes del 2011 desde la mirada de Cinedania. Han sido muchos pases de prensa, preestrenos, premieres, eventos Sensacine... y además hemos estado en dos de los Festivales más importantes de España como son los de Málaga y San Sebastian.

A lo largo de estos 365 días hemos aprendido mucho de lo que se puede hacer con una cámara: A rodar en blanco negro y sin sonido, a volver a la niñez, a impactarnos con imágenes tan duras como bellas, a que los problemas del día a día tengan su reflejo en la gran pantalla y, en definitiva, a seguir amando al cine.

Estas 10 películas que os proponemos de alguna u otra forma han conseguido ese objetivo y es justo reconocerlo en este post:

10.- "Cinco metros cuadrados"

Tuvimos la ocasión de disfrutarla en el pasado Festival de Málaga donde acaparó los premios más importantes incluyendo mejor película. Merecía estar en esta lista por dos motivos: el primero por saber reflejar de esa manera tan cercana y natural el problema de la vivienda que sufren y siguen sufriendo muchos españoles, y en segundo lugar por la dirección tan magistral de Max Lemcke sacando partido a dos actores de comedia como son Fernando Tejero y Malena Alterio, reglalándonos su cara más amarga y talentosa.

9.- "The company men"

La crisis al descubierto. Las consecuencias desoladoras del momento en que vivimos se muestran con crudeza en esta película donde destacan especialmente las interpretaciones brillantes de Tommy Lee Jones y Kevin Costner. Hasta Affleck actúa bien!!

8.- "Super 8"

La unión Spielberg-Abrahams no podía fallar. Una película que es el mayor regalo que se puede hacer a nuestra inocencia. Una vuelta a la niñez y a esos films de los 80 que muchos aún echamos de menos. De categoría!!

7.- "Crazy, stupid, love"

En nuestra opinión es la comedia del año y una de las gratas sorpresas de la temporada. Divertida, amena, bien dirigida e interpretada y con una suave ironía que me atrae especialmente. Glenn Ficarra dirige con acierto un plantel donde destacan especialmente Steve Carrell y Ryan Gosling.

6.- "Beginners"

Melancólica y triste esta producción independiente se cuela en nuestra alma con una historia sencilla, dura y solitaria. De cómo buscar una mano amiga y saber aceptar a las personas que te rodean tal y como son. Cristopher Plummer enseña el camino de la perfección en su papel de padre homosexual. Para recordar.

5.- "La deuda"

El Mosad al descubierto. Historia de mentiras, intriga y suspense que mantiene en vilo al espectador durante todo el metraje. El final es especialmente impactante. El desarrollo de los personajes es uno de sus puntos fuertes, con una estructurada composición y un adecuado conflicto final.

4.- "No habrá paz para los malvados"

La mejor película española del año (al menos de lo que yo he visto). Enrique Urbizu vuelve a demostrar por qué es el rey del thriller policíaco en este país. José Coronado interpreta uno de los personajes más recordados de nuestra filmografía en un film donde no faltan las persecuciones, los disparos, las explosiones y acción de la buena.

3.- "Shame"

Aunque aún no se ha estrenado en España, "Shame" ya ha tenido una larga trayectoria de Festivales donde hemos podido comprobar que el tándem Fassbender-McQueen funciona y de qué manera. Un relato donde el desenfreno erótico del protagonista no consigue ocultar sus problemas y carencias. Michael Fassbender junto a Ryan Gosling son los dos actores revelación del año.

2.- "The artist"

Triunfó en Cannes y en todos los Festivales en los que se presentó. Hazanavicius presenta cine en estado puro. Muda y en blanco y negro, lo que podría convertirse en un hándicap se consagra como su principal fortaleza. Los Globos de Oro y los Oscar no tendrán otro remedio que rendirse a la evidencia.

1.- "Drive"

Aún estoy impactado con "Drive", no lo puedo evitar. Es cine negro que no olvidas con facilidad. Sus escenas más duras son cantos a la cinematografía; su fotografía y belleza visual no encuentran comparación con ningún otro título del año. Gosling y Mulligan forman la mejor pareja de ficción de este 2011 gracias a miradas, gestos y detalles que engloban sentimientos universales.

Espero que disfrutemos de un gran 2012 de cine!!

Quiero aclarar que estas películas están seleccionadas entre todas aquéllas que hemos podido ver. Es decir, hay otros films que aparecen en muchas listas que al no haber tenido oportunidad de visualizarlas no podía incorporarlas en la selección. Por ejemplo me quedaron pendientes títulos como "Mientras duermes", "Eva", "Le Havre", "Melancolía", "Margin call" y "Tintín" entre otras.

Feliz y cinematográfico año nuevo!!!

José Daniel Díaz

Crítica: "Drive"

2011-12-26T11:09:00.001Z

El Festival de San Sebastian cerró la Sección Zabaltegui-Perlas con este intenso drama de Nicolas Windin Refn. La decisión no pudo ser más acertada. Este 28 de Diciembre la cartelera española recibirá un regalo de Navidad en forma de película; "Drive" es, junto a "The artist", el mejor film de este año que acaba.

Cuando pensábamos que el cine negro se había quedado reservado a unos pocos directores, salta "Drive" a la palestra. Se presenta en Cannes, da un golpe sobre la mesa, y la crítica no puede más que rendirse a la evidencia. Desde los títulos de crédito, de claro aire noir ochentero con esas letras rosas, te das cuenta que no vas a ver una película más. No sabes qué es pero algo especial va a ocurrir.

Pronto entras en la dinámica de la trama. Un solitario mecánico (Ryan Gosling) se dedica a ganar un dinero extra como conductor en robos y atracos. Su mundo cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan) y entra en una espiral de violencia de la que no puede escapar.

No dudéis que se convertirá en una película de culto. Todo lo que la rodea la hace especial. Su intenso drama te atrapa, te seduce, te impide moverte del asiento. Ryan Gosling ("Half Nelson", "Crazy, stupid, love") y Carey Mulligan ("Una educación", "Shame") se han convertido en los dos actores referentes del futuro cine americano. Es imposible imaginar a otros nombres interpretando a la pareja protagonista. El actor canadiense da una lección interpretativa soberbia. Sin apenas hablar, con miradas y gestos, entiendes cada una de sus acciones y por dónde se encaminan sus sentimientos.

El plantel secundario no le va a la zaga encabezado por un magistral Albert Brooks, nominado al Globo de Oro por este papel. El mundo de la mafia se recrea con crudeza, con violencia. No existe compasión ni esperanza, los errores se pagan caro.

Nicolas Winding Refn divide la película en dos partes muy diferenciadas. En la primera nos muestra a los personajes, su forma de interactuar, prepara minuciosamente las piezas para desembocar en un segundo acto simplemente brutal. Jamás había vivido la violencia en pantalla de esa manera, nunca había salido de un cine con esa mezcla de dolor y satisfacción.

Es increíble que un guión sobre el papel simple y poco original, se convierta en las manos y caras adecuadas en una auténtica obra maestra. Los músculos se agarrotan en ciertas escenas pero no puedes apartar la mirada. Perder algo de lo que se cuenta sería un delito con merecedora pena de cárcel. El corazón en un puño y las pulsaciones a mil durante una segunda parte vertiginosa que deseas acabar y a la vez eternizar.

La fotografía y la dirección artística junto a una banda sonora sensacional, acompañan una historia perfectamente dirigida e interpretada. Parece difícil un gran número de nominaciones en los Oscar pero si el cine fuera justo su triunfo estaría asegurado.

Nadie se la puede perder, nadie la podrá olvidar.

Podéis disfrutar el tráiler pinchando aquí

José Daniel Díaz

Crítica: "El cascanueces 3D"

2011-12-23T11:48:00.000Z

Con la llegada de las Navidades es habitual que el número de películas infantiles se multiplique. "El cascanueces" de Andrei Konchalovski pretende ser un cuento lleno de música, aventura y fantasía pero lamentablemente se queda en un ejercicio de aburrimiento excesivamente larga y mal interpretada.

Lo primero que sorprende es ver a Konchalovski dirigiendo una película de estas características. Cuando aún le recordamos por "Tango y Cash" (y mira que han pasado años) donde Kurt Russell y Sylvester Stallone hacían de las suyas pistola en mano, ahora de repente nos cuela a la angelical Elle Fanning (¿Es la misma actriz de Super 8? ¿Dónde se dejó el talento?) y al exagerado John Turturro para contarnos a ritmo de baile que la vida no puede contener colores grisáceos.

El caso es que la historia presenta un alegato claro en favor de la inocencia, volver a ser un niño. Gracias a las historias del tío Albert, María alimenta su imaginación (aparentemente sin necesidad de condimentos psicotrópicos) que explota con fuerza en sus sueños trasladándola a un mundo onírico donde el mal en forma de ratas está dominando al bien que representa un cascanueces de madera.

Aceptable uso de los efectos visuales, totalmente necesarios para transmitir la sensación de oscuridad que domina el mundo. Las ratas, que parecen nazis encubiertos, son reflejo de la cobardía y el despotismo dictatorial. Queman juguetes para matar la inocencia, quitan libertad para evitar la rebelión, atacan a quienes son distintos.

Con un metraje excesivamente largo "El cascanueces" falla en el ritmo y la intensidad. Se pierde en diálogos sin fundamento, piezas musicales mal desarrolladas y en general poca originalidad. Le salvan sus buenas intenciones pero ni siquiera el mensaje llega a calar por difuminarse en una trama fallida.

Como escuché a un crítico... pobres niños!!!!

José Daniel Díaz

Cinedania y Sensacine regalan 10 entradas dobles para el preestreno de "Juan de los muertos"

2011-12-21T14:03:00.002Z

Gracias a nuestros amigos de Sensacine os damos la posibilidad de asistir al preestreno de la terrorífica comedia "Juan de los muertos", una coproducción cubana-española que ya participó en la Sección Oficial en el Festival de Sitges y obtuvo el premio del público en el Fantastic Fest.

Los datos del preestreno son:

Fecha: Miércoles 4 de Enero de 2012

Lugar: Cines Palafox Madrid.

Hora: Proyección 22.00 horas

Sinopsis: Los zombies se han apoderado de La Habana. Un hombre que se hace llamar "Juan de los muertos" ofrece sus servicios para eliminar a los seres queridos infectados.

Para poder participar en este magnífico concurso deberás hacerte seguidor de Cinedania en Facebook o Twitter y mandar un mail a la dirección cinedania@hotmail.com respondiendo a la siguiente pregunta: ¿Cuál es tu película de zombies preferida y por qué? Recordar incluir en el mail vuestro nombre completo.

La fecha límite para participar será el viernes 30 de Diciembre.

Mucha suerte para todos!!!

Podéis ver el tráiler pinchando aquí

José Daniel Díaz

Crítica: "Immortals"

2011-12-19T22:37:00.001Z

La mitología griega al servicio del espectáculo. Sin rigor ni autenticidad, Tarsem Singh ("La celda") genera un entretenido ejercicio visual que pierde fuerza en una rocambolesca historia sin sentido. El 23 de Diciembre llegará a las salas "Immortals", un producto que poco tiene que ver con la Navidad.

Al más puro estilo "300", con imágenes que recuerdan a las aventuras de Leónidas, este film de acción reconstruye el duro enfrentamiento entre Teseo (Henry Cavill) e Hiperión (Mickey Rourke) en pos del arco de Epiro. Con ese arma el malvado rey podrá liberar a los titanes, maléficos seres que los dioses pusieron a buen recaudo.

El primer título que me vino a la cabeza al ver "Immortals", fue el remake "Furia de titanes" que se estrenó el pasado año. La crítica no la recibió con aplausos precisamente (de hecho tuvo el mérito de recibir dos razzies al peor remake y peor 3D) pero Perseo, hijo de Zeus, que tuvo entre sus mayores gestas cortarle la cabeza a Medusa, estaba retratado con cierta fidelidad al texto original.

Sin embargo Teseo, el personaje que nos ocupa, apenas guarda relación con su álter ego en la pantalla. La adaptación está tan enfocada al derroche de imaginación de unos cuantos iluminados guionistas, que pierde cualquier atisbo didáctico. No descarto que las drogas fueran un producto habitual en las reuniones de tan imaginativos creadores.

Tampoco soy tonto. Sé perfectamente que los productores en lo último que pensaban era en el aprendizaje del espectador. Centraron todas sus miradas en la imagen, en increíbles parajes y crueles disputas. El ritmo es ágil, sin tiempo para descansar. Incluso los escasos momentos románticos son fríos y de escasa maduración, diseñados únicamente para el deleite adolescente al ver semejantes cuerpos, y con la intención de no bajar la guardia en ningún momento.

Sin duda todas sus carencias se resuelven a golpe de espada, a través de discursos que recuerdan otros discursos, imágenes que recuerdan otras imágenes, y personajes llenos de tópicos. Le doy la razón en algo: las expectativas de desconectar de los problemas de fuera se alcanza con creces.

Tal como entré, salí. No quedará en mi memoria ninguna gran frase ni me transmitirá ninguna sensación pero también son planes necesarios de vez en cuando.

José Daniel Díaz

Crítica: "El topo"

2011-12-15T15:58:00.001Z

El sueco Tomas Alfredson, tras rodar en 2008 la película vampírica (y sobrevalorada) "Déjame entrar", se lanza a la adaptación cinematográfica de la novela de John Le Carré. "El topo" trae las credenciales de la buena acogida en Venecia y suena para alguna candidatura en los Oscar. Enrevesada y algo confusa, este film de espías cumple con todos los cánones del cine de suspense y, sin duda, se convierte en una recomendable opción.

El espionaje, y más concretamente el asociado a la traición, ha sido recurrente en la cinematografía mundial. Con miradas clásicas, casi cotillas, el traspaso de información y las fuentes confidenciales han sido recursos seguros para los cineastas. Recuerdo esa sorprendente película enmarcada en la Alemania dividida, "La vida de los otros", que mostraba con agudeza e ingenio la labor del espía como un oficio al margen del sentimiento.

"El topo" repite en cierta forma esa manera de transmitir la labor de las Agencias secretas de información. El sentimiento, aunque sea imposible desligarlo del ser humano, queda aparcado por un trabajo "distinto" pero necesario. Adelantarse al rival, conocer sus secretos y tomar decisiones gracias a labor de los infiltrados se reduce a una carrera de obstáculos donde sólo el primero merece premio.

En esta ocasión es el Servicio Secreto de Inteligencia Británico, en plena Guerra Fría, el que debe descubrir quién está pasando información confidencial a los soviéticos. George Smiley (Gary Oldman) inicia una serie de pesquisas para encontrar al traidor teniendo en cuenta que la lista de posibles candidatos se reduce a cinco personas (incluído el propio Smiley).

La trama obliga a un ejercicio de atención y análisis muy detallado. El cómo se dice gana enteros sobre lo que se dice y los gestos y miradas derrotan al diálogo. Tomas Alfredson plantea una complicada historia con la firme intención de mantener al espectador entre la ignorancia y el despiste. Abusando en ocasiones del flashback y con continuas idas y venidas temporales, su conciso y embriagador relato consigue encajar como un gran puzzle.

Mucho mérito del éxito de este film se encuentra en el casting. Gary Oldman se despega de esos personajes tan histriónicos a los que nos tenía acostumbrados en "El quinto elemento", "El clan de los irlandeses" ó "Leon, el profesional". Siguiendo la línea al más puro estilo Comisario Gordon (su papel en "El caballero oscuro"), vuelve a retratar un personaje sin fisuras, sin alardes, para demostrar una vez más que lo cotidiano no es fácil. Apoyado en un grupo de actores ingleses de alto nivel como Colin Firth ("El discurso del rey") y John Hurt ("Los crímenes de Oxford"), el escenario final es uno de los mejores repartos de 2011.

Mención especial a la música de Alberto Iglesias que vuelve a encajar con sabiduría una melodía que acompaña y seduce, demostrando el por qué es uno de nuestros profesionales más reconocidos dentro y fuera de la Península Ibérica.

Los Globos de Oro no han sido generosos con esta atractiva historia pero quién sabe si alguno de los actores tendrá su sitio entre los nominados a los Oscar. A mí no me sorprendería.

José Daniel Díaz

Crítica: "Maktub"

2011-12-09T01:10:00.001Z

Por fin vemos en el horizonte el estreno de "Maktub", la película que debe revolucionar estas Navidades para que ese centro de transplantes de médula ósea sea una realidad. Como Embajador Aladina os pido que abarrotéis, el próximo 16 de Diciembre, todos los cines españoles y demostremos que la solidaridad en este país existe.

Paco Arango, creador de la Fundación Aladina y director de "Maktub", ha perfilado una película familiar, divertida y apta para todos los públicos. Es curioso que un tema que podía haberse enfocado desde un punto de vista dramático se haya convertido en una comedia donde los problemas siempre arrancan una sonrisa.

Sin lugar a dudas su intencionalidad es su punto más fuerte. Fantástico, igualmente, es el plantel con el que se ha rodeado para plasmar en pantalla los últimos meses de vida de Antonio, un chaval canario de 15 años enfermo de cáncer. Diego Peretti, Andoni Hernández, Aitana Sánchez Gijón, Goya Toledo, Rosa Maria Sardá, Enrique Villén, Amparo Baró y Mariví Bilbao encabezan un reparto lleno de estrellas concienciadas en la labor social de esta película.

"Maktub" en árabe significa "lo que está escrito". El destino es un personaje más dentro de esta historia; la demostración de la gran importancia que pueden tener las casualidades. Con un mensaje optimista, la película te muestra cómo esas situaciones imprevistas cambian la rutina de Manolo, un hombre en plena crisis matrimonial, sin fe en su trabajo y con poca dedicación a su familia. El contacto con Antonio, un chaval con cáncer, le hará verlo todo desde otra perspectiva.

Basada en una historia real, Paco Arango ha querido revivir los momentos que compartió con un chico enfermo de cáncer que finalmente murió. Este particular homenaje cuenta con la canción "Nuestra playa eres tú"compuesta por dos de los mejores amigos de Antonio y que, sin duda, desprende emoción en cada línea.

500.000 euros, ése es el objetivo. Una cantidad que se antoja posible y que ojalá se supere con creces. Cine solidario, cine con alma social, lo vamos a despreciar? Seguro que no!!!

José Daniel Díaz

"The artist", gran película para un fantástico Community Day navideño de Sensacine

2011-12-05T13:09:00.001Z

Nuestros amigos de Sensacine organizaron el pasado 1 de Diciembre el Community Day navideño con una apuesta segura, la proyección de una de las películas revelación de la temporada: la francesa "The artist". En esa fria noche madrileña volvimos a reunirnos con todos los bloggers referentes en el ámbito cinematográfico y en una amena cena compartimos opinión y conocimientos, haciendo que esa velada se convirtiera en algo especial y gratificante.

Desde Cinedania agradecemos a todo el equipo de Sensacine el trato que siempre han tenido con nosotros. El ambiente siempre cordial, integrador y de "buen rollo" fomenta las buenas vibraciones y logra que cada día seamos más los que deseemos formar parte de esta gran familia. Muchas gracias de corazón y nos vemos en la próxima, eso seguro!!!

¿Y qué decir de "The artist"? Simple y llanamente que es una obra maestra. Espectacular de inicio a fin, tratada de forma exquisita como los buenos productos artesanales. En una época marcada por el formato digital y el 3D, Michel Hazanavicius se atreve y arriesga con una historia muda y en blanco y negro.

1927.George Valentin (Jean Dujardin) es un actor de cine mudo de gran éxito y fama. Sin embargo, comete el error de despreciar el cine sonoro lo que le lleva a la ruina. En paralelo, la hermosa Peppy Miller (Berenice Bejo) se ve lanzada al estrellato.

El guión contiene todos los ingredientes necesarios para recuperar el cine clásico. Ríes, lloras y te emocionas, y todo ello sin oír una sola palabra. Los personajes están perfectamente estructurados incluyendo al pequeño perro que acompaña al protagonista y que bien merecería una nominación al Oscar (¿no se está pidiendo lo mismo para el mono de "El origen del planeta de los simios?)

Gracias a una banda sonora excepcional, la música se adapta como un guante a la historia. Consciente de su importancia, se nota la enorme dedicación y trabajo que ha supuesto conjugar imagen y música.

Tanto los actores principales como los secundarios hacen una labor magistral donde se nota la magnífica dirección de actores de Michel Hazanavicius. Y es que el director francés rueda alguna de las escenas más interesantes y de calidad jamás recordadas. Por seleccionar dos de ellas, es impactante y de enorme fuerza visual el momento en que Peppy juega con la chaqueta de George Valentin ó las sucesivas tomas que se ve obligado a realizar el personaje de John Goodman por el flirteo que tienen durante el rodaje George y Peppy.

Aún guardo en mi retina ese baile final y una sensación de satisfacción por disfrutar de un título tan especial. Los Oscar caerán rendidos a "The artist" tal y como ya hizo Cannes, Sevilla, Nueva York, Washington y San Sebastian entre otros. Como diría Garci... Qué grande es el cine!!!

José Daniel Díaz

Crítica: "Jane Eyre"

2011-12-01T00:33:00.001Z

El desconocido Cary Fukunaga se encarga de adaptar nuevamente el clásico de Charlotte Brontë, "Jane Eyre". Una original vuelta de tuerca a esta romántica historia de época que no consigue atrapar al espectador. Sobra metraje, carece de cambios de ritmo para evitar la linealidad argumental y aporta poco en general a una trama de sobra conocida.

¿Por qué otra adaptación de esta conocida novela? ¿Acaso los anteriores intentos no habían logrado alcanzar una calidad comparable a su álter ego literario? Difícil de contestar. La realidad es un título en la cartelera que suena a años pasados y que se diferencia de sus anteriores versiones en una visión más oscura y tétrica de los acontecimientos que se narran.

Jane Eyre es una joven culta que ha sufrido mucho desde su niñez. Tras pasar muchos años en un internado se desplaza como institutriz a un lujoso castillo que regenta el apuesto Edward Rochester. Su complicada relación de amor con el enigmático amo la marcará toda la vida.

Los papeles principales los defienden tres de los nombres más prometedores del cine mundial, Mia Wasikowska ("Alicia en el país de las maravillas", "Albert Nobbs"), Michael Fassbender ("Shame", "Un método peligroso") y Jamie Bell ("Billy Elliot", "Tintín y el secreto del unicornio"). Demuestran buenos mimbres y confirman el gran futuro que les aguarda.

La fotografía, vestuario, maquillaje y dirección artística son elementos a destacar y admirar. El uso de la luz para ahondar en el interior de sus protagonistas es, cuanto menos, interesante. Personas marcadas por pasados oscuros en una sociedad que no permite el más mínimo error. El uso del personaje de la ama de llaves (Judy Dench) para demostrar las diferencias entre las distintas clases sociales es un recurso efectivo y esclarecedor.

Será mi poca devoción a los dramas de época o quizás mi animadversión a las historias lentas y densas sin motivo que lo sustente, pero me cuesta disfrutar de remakes de este tipo. No me integro ni quiero hacerlo. Aunque fuera habitual en los tiempos en los que transcurre esta historia de amor, no conecto con una relación basada en la superioridad machista del hombre sobre la mujer. Eso no es romanticismo.

Cary Fukunaga usa el flashback y los cambios temporales como símbolo de dinamismo. Un recurso que suele ser efectivo en tramas de otro tipo pero que aquí carece de sentido. Valoro ese intento de romper la linealidad y promover cambios que rompan la estructura habitual del guión, pero no alcanza el objetivo. El cine no es tan fácil como parece.

Por cierto, el cartel de la película es horrible...

José Daniel Díaz

Crítica: "Un método peligroso"

2011-11-27T23:24:00.001Z

David Cronenberg no es ningún principiante; de hecho no seré yo quien descubra a este mítico director canadiense. El tiempo y la experiencia que ha ido adquiriendo han sido sus mejores aliados. "Un metodo peligroso" es su última obra hasta la fecha, aunque ya está rodando "Cosmopolis" que se estrenará en 2012. Una obra alejada de sus últimos títulos que propone cultivar mentes y abrir conciencias.

No es habitual encontrar en la cartelera española películas tan complejas y atrevidas como ésta que nos ocupa. A muchos sólo escuchar los nombres de Freud y Jung les generarán salpullidos. El psicoanálisis daría para un libro y cinco películas así que la trama tan sólo podía centrarse en un aspecto muy concreto de la vida de ambos personajes.

Mezclar la interpretación de los sueños con el sentimiento y el deseo sexual, es imprudente y a la vez fascinante. El ser humano que estudia la psique no deja de ser otro ser humano que necesita ser analizado. Tal y como demuestra este trabajado guión, la relación tan intensa entre Freud (Viggo Mortensen) y Jung (Michael Fassbender) se convierte en autodestructiva.

Sabrina (Keira Knightley) se entromete entre ambos médicos. Su locura, atrevimiento y deseo sexual transtorna la seguridad y posición social de Carl Jung. Este trío de personajes llenos de intelectualidad y ansias de conocimiento y evolución, se enfrentan a ellos mismos buscando respuestas a sus actos.

Soberbias interpretaciones para un arriesgado guión, fuera de cualquier círculo comercial, que construye con destreza y complejidad la evolución natural, tranquila pero incansable de tres personas al borde del precipicio emocional. Freud, aparentemente seguro e implacable en sus ideas; Jung, ansioso por evolucionar hacia un psicoanálisis más moderno y curativo y Sabrina, aparentemente loca pero con unas ansias implacables por aprender y desarrollarse.

Este conjunto lo dirige Cronenberg con pocas licencias, utilizando la cámara para destacar aún más las interpretaciones casi teatrales de sus protagonistas. Alejado de sus últimos títulos ("Una historia de violencia, "Promesas del este"), sólo comparte con ellas al siempre efectivo Viggo Mortensen. El director canadiense bucea en este mundo filosófico convencido de lo necesario del proyecto. Sin complejos describe, con una cuidada fotografía, una época conflictiva políticamente pero de gran calado moral.

Cuando la narrativa es tan densa y difícil como la de "Un método peligroso", es fácil caer en la autocomplacencia y deleitarse con diálogos técnicos muy alejados del mundo cinematográfico. En la parte central del film esa sensación crece con intensidad, obligando al público a un exagerado ejercicio de comprensión.

Creo en el cine didáctico y formativo, en las historias alejadas de la épica o el romance tradicional para enfocarse al aprendizaje y a la apertura de mentes. Recomendable para personas con un interés más allá del puro entretenimiento.

José Daniel Díaz

Crítica: "Arthur Christmas: Operación regalo"

2011-11-24T23:33:00.001Z

Atención!! Cuidado!! Hay una niña que quizás no reciba su regalo de Navidad. En un imperdonable olvido Santa Claus ha dejado a Gwen, de un pueblecito de Inglaterra, sin la bici que tanto ansiaba. Menos mal que su hijo menor, Arthur, hará todo lo posible por evitar que ese desliz arruine las Navidades a esa niña.

Sony y Sensacine han tenido el gran detalle de invitar a este blog a un pase muy especial de esta película animada. Utilizando la tecnología 3D y aprovechando al máximo las posibilidades que ofrece el mundo de la animación, "Arthur Christmas: Operación regalo" no decepcionará a sus principales clientes: Los niños.

Su trama es original, ingeniosa y divertida. Carece de ritmo en algunos momentos pero los pequeños de la casa no entienden de esas cosas. Ellos verán un entretenido espectáculo de inocencia y magia, algo que alimente su imaginación. Ni siquiera los chistes dirigidos a adultos les harán perder el hilo de la historia.

Sin perder el carácter puramente infantil que rodea esta trama, podemos leer entre líneas valores a tener en cuenta. El hermano mayor es codicioso, el abuelo vengativo y el padre desmotivado lo que componen unos personajes llenos de carencias en contraste con un ser inocente, espontáneo, bondadoso y responsable como Arthur.

Con los divertidos elfos, trabajadores incansables al servicio de Papá Noel, nos damos cuenta de la importancia del trabajo en equipo. Su incansable labor vela por un objetivo fundamental: Que todos los niños tengan su regalo al levantarse. Cuando eso se ve interferido por una entrega no realizada, todo su mundo y sus responsabilidades se tambalean ante la llegada de un posible fracaso. Ese mensaje de trabajo bien hecho y profesionalidad en todo lo que realizas es necesario que lo interioricemos todos.

De todas formas, no nos engañemos. La Navidad ya está aquí, los niños irán al cine y este estreno está dirigido a que pasen un rato ameno, se rían y salgan creyendo en todas esas ilusiones que la edad va matando.

José Daniel Díaz

La Madrid Premiere Week recupera las grandes noches de glamour

2011-11-20T10:01:00.001Z

La próxima semana, concretamente los días 22, 23 y 24 de Noviembre se celebrará en Madrid la primera edición de la Madrid Premiere Week que pretende recuperar las grandes noches de estreno con vocación de aumentar días, proyecciones y recursos en próximas ediciones.

Para esta primera cita se han elegido tres películas de próximo estreno muy relacionadas con el cine español. La primera, el día 22, es la solidaria "Maktub" de Paco Arango que desde este blog hemos estado promocionando por su carácter solidario. Ya se sabe que la alfombra ese día contará con el director y los actores Aitana Sánchez Gijón, Goya Toledo y Diego Peretti entre otros.

El segundo día se proyectará uno de los títulos más esperados del mes de Diciembre, la animada "El gato con botas". Tras el gran éxito que ha tenido por tierras americanas, la latina Salma Hayek y el malagueño Antonio Banderas presentarán en la Plaza de Callao su nuevo trabajo cinematográfico. Sin duda la presencia de estos dos actores incrementa el nivel de este Festival.

El último día habrá doble sesión. Por un lado la TV movie de Daniel Calparsoro llamada "Tormenta" inaugurará la tarde del 24 mientras el plato principal llegará por la noche con la proyección de "Fuga de cerebros 2" de Carlos Theron. Además de los actores principales de la película como Adrián Lastra o Alberto Amarilla, se espera con curiosidad la presencia del mítico David Haselhoff que realiza un pequeño papel en el film.

Interesante primera experiencia que esperemos culmine en un Festival de renombre en la capital, que ya va haciendo falta.

José Daniel Díaz

Más información en http://www.madridpremiereweek.com

Carné Joven presenta el MES DEL CINE

2011-11-14T22:44:00.001Z

Desde Cinedania nos hacemos eco de una buena iniciativa para aquéllos que disfrutéis de una edad comprendida entre los 14 y 30 años, viváis en Madrid y tengáis el carné joven.

Aparte de los beneficios habituales en cuanto a descuentos, actividades, etc, se están preparando a través de las redes sociales concursos para conseguir entradas de cine, teatro, espectáculos, conciertos...

En concreto, este mes de Noviembre es el mes del cine donde además de mantenerse los descuentos habituales en CineBox, Kinépolis, Cine Dreams o Yelmo Cines, se van a regalar 200 entradas para los fans de Facebook.

Tenéis toda la información en el siguiente enlace:
http://carnejovenmadrid.com/ofertas-especiales/carne-joven-te-presenta-el-mes-del-cine.html

Todo lo que sea animar a la gente a disfrutar del cine me parece un loable asunto. El cine es cultura, arte, diversión, espectáculo, alegría y pena, sentimientos, pasión, riesgo, crítica, entretenimiento... Es tantas cosas y tan necesarias que no se pueden perder oportunidades como ésta.

Cada semana se regalarán 50 entradas así que no perdáis el tiempo y animaros a participar!!!

https://www.facebook.com/CarneJovenMadrid

José Daniel Díaz

Crítica: "5 metros cuadrados"

2011-11-11T00:10:00.001Z

En el Festival de Málaga, antes de iniciar las proyecciones, en el subconsciente de todos ya teníamos clara cuál sería la favorita. Max Lemcke se había ganado el respeto con "Casual day" y no podía fallarnos en su consagración. "5 metros cuadrados" mete el dedo en la llaga con un humor de tintes dramáticos, donde la ironía y el sarcasmo arrancan sonrisas agridulces.

Max Lemcke no es un hombre de grandes discursos pero el objetivo de su cámara no toca temas mundanos. En "Casual day" ponía al descubierto la falsedad de las empresas, el egoísmo de los trabajadores y la escasa solidaridad entre compañeros. Ahora vuelve a tocar la fibra sensible del ciudadano medio. ¿Quién no ha sufrido ó conoce a alguien en una situación inmobiliaria traumática?

"5 metros cuadrados" es, ante todo, una historia necesaria. Parece mentira que algo tan sensible aún no se hubiera puesto al descubierto. Una pareja de jóvenes enamorados compran con ilusión su nueva casa. Todas sus expectativas de futuro se van al traste cuando las obras se detienen. A partir de ese momento empieza un calvario de manifestaciones, promesas incumplidas, ofertas insatisfactorias... que les llevará a la desesperación y a replantearse la relación.

Es imposible no sentirse identificado con la pareja protagonista. Fernando Tejero y Malena Alterio representan a la perfección el típico matrimonio de clase media. Sus soberbias interpretaciones no hacen otra cosa que incrementar la sensación de realidad que transmite toda la película. Empatizas con los personajes, los conoces, los entiendes y sufres con ellos.

Sorprende, por ser tan real como la vida misma, cómo todas las personas cercanas a la pareja les dejan de lado en el momento más crítico de sus vidas. Algo que no han causado ellos les convierte en culpables, los estafados son rechazados por la sociedad por la sensación de fracaso que representan. La película te agarrota el estómago, saca tu rabia y hasta los títulos de crédito no te recompones.

Justa ganadora en Málaga, posiblemente también encuentren su lugar en los Goya en forma de nominaciones. Apuntar a Fernando Tejero como actor principal, Jorge Bosch como secundario, el guión de Pablo y Daniel Remón y la dirección sobria pero certera de Max Lemcke.

Todos tenemos derecho a una vivienda pero aún más derecho a la justicia. Que se lo mire quien se lo tenga que mirar.

Podéis ver el tráiler pinchando aquí

José Daniel Díaz

Crítica: "La guerra de los botones"

2011-11-07T20:50:00.000Z

Nuestros amigos de Sensacine nos dieron la oportunidad de visionar la última película de Cristophe Barratier ("Los chicos del coro", "París, París"), la tragicomedia "La guerra de los botones". Un remake de la película que en 1962 dirigió Yves Roberts y que se basaba en la novela de Louis Pergaud de 1912. En definitiva, una vuelta de tuerca al horror de la guerra donde mayores y niños conviven con el odio, como si éste fuera un personaje más.

No soy gran aficionado al cine francés más allá de algunas historias interesantes que a veces entran sin hacer ruido en nuestra cartelera. En los últimos años su evolución se ha manifestado en una mayor exportación de productos para todos los públicos como la divertida "Bienvenidos al norte" ó la emocionante "Los chicos del coro". Parece que "The artist" puede ser el gran bombazo del año y su presencia en los Oscar todos la dan por segura.

"La guerra de los botones" lamentablemente no se encuentra al nivel de los títulos que he mencionado. Aunque impacta su fotografía, su especial cuidado en el uso de la cámara y unos niños voluntariosos en sus interpretaciones, a la película le falta chispa y modernidad. No es la primera vez que se plasma en la pantalla cómo la actitud de los mayores se refleja en la forma de comportarse de sus hijos.

Entiendo que la originalidad radica en librar una batalla donde el botín sea arrancar los botones del adversario para ridiculizar al rival, pero toda la fuerza que desprenden las situaciones de los más jóvenes se pierden en la desestructuración que encontramos en la historia de los mayores. Con retazos de varias telas y de una manera políticamente correcta nos intentan transmitir cómo la rebelión de los franceses contra los nazis se encuentra en un punto álgido.

Personalmente me resulta más virulenta y peligrosa la guerra de los botones que la real. No intuyo el dolor y la miseria de los vencidos. La ridiculización de los nazis empequeñece una guerra cruel y dolorosa. "La vida es bella" supo perfectamente conjugar la inocencia de un niño con la cruda realidad pero "La guerra de los botones" se queda a años luz de esa maravillosa película.

No me entendáis mal, me parece un trabajo ameno y de disfrute fácil. Sin embargo, lamento profundamente perderme en un relato donde ya no sé quién es bueno y quién malo, donde el héroe que se rebela contra los nazis maltrata a su hijo, donde el profesor del pueblo se limita a poner cara de póker sin saber exactamente cuál es su papel en la película, donde la actriz protagonista soporta todo lo que viene encima sin atisbo de sufrimiento, donde los niños se muestran sádicos y rencorosos ...

No empatizo con los personajes pero quizás el problema no sea de la película.... como diría esa mítica comedia argentina "No sos vos, sos yo".

José Daniel Díaz

Crítica: "Verbo"

2011-11-03T23:32:00.001Z

Tras dos años de espera, por fín llega a las pantallas españolas el primer largometraje de Eduardo Chapero-Jackson. "Verbo" es un cuento sobre la búsqueda de la identidad personal y la propia aceptación. La debutante Alba García acompañada de Miguel Angel Silvestre, Verónica Echegui, Víctor Clavijo, Macarena Gómez y Najwa Nimri forman el elenco interpretativo que a golpe de rima soportan esta atrevida fábula.

Chapero-Jackson se ganó un nombre gracias a sus cortos "Alumbramiento", "A contracuerpo" y "The end". Bajo el nombre de "A contraluz", esa trilogía mostraba situaciones límites que debía soportar el ser humano. Su estilo, siempre lleno de metáforas, era previsible que se reconociera en "Verbo".

A través del hip hop, los graffitis, los skates y las rimas, Sara (Alba García), busca encontrarse a sí misma, seguir un camino que la reconcilie con el mundo que le ha tocado vivir. Ni sus padres, ni el instituto ni tan siquiera sus amigos comprenden el mundo interior que esconde en su cuerpo de 15 años. Unos extraños personajes liderados por un hombre que responde al nombre de Líriko aparecerán para ayudarla a encontrarse y prepararla para afrontar la vida.

Son muchos los mensajes y detalles que se reconocen en "Verbo". La primera y fundamental es la dificultad de los jóvenes por encontrar su sitio. En ese sentido la crítica al sistema educativo es evidente. Un profesor totalmente desmotivado se limita a dejar pasar los días mientras las lecturas de El Quijote se suceden. Sin ningún ánimo por motivar a sus alumnos el vacío que despierta en ellos resulta peligroso.

Los padres tampoco salen bien parados. Su dedicación al trabajo les impide dedicar tiempo a su hija. No se paran a escucharla y despiertan cada mañana ajenos a los problemas de una adolescente desubicada. El panorama es lamentable y fiel reflejo de una sociedad carente de valores y estímulos.

La única forma de evadirse es seguir las frases en forma de graffiti que dibuja Líriko. Sólo él la puede salvar del abismo. Toda esta crítica se difumina en una obsesión ridícula por utilizar la rima como método de comunicación. Las conversaciones pierden fuerza al alternar animación, imágenes al más puro estilo videoclip y canciones de hip hop con asuntos de vital importancia.

Eduardo Chapero Jackson se atreve con algo distinto. Quien diga que el cine español es más de lo mismo, aquí tiene una buena muestra de creatividad, ingenio y savia nueva. Un guión valiente que a buen seguro tendrá tantos defensores como detractores; un mensaje lleno de buenas intenciones que comparto en gran medida. Su puesta en escena, vestuario, maquillaje y efectos especiales superan la media nacional.

Me reconozco en los valores de "Verbo", disfruto con la trama, conecto con sus intenciones y pese a sus defectos la enmarco dentro de las películas españolas más importantes del año. Director no apto para corazones tradicionales, arriesga con talento y vuelve a demostrar que será alguien a tener en cuenta en próximos trabajos. De momento disfrutemos de "Verbo".

José Daniel Díaz