A escolha de Weaving me deixou muito animado, pois recentemente assisti os filmes da franquia Casamento Sangrento que ela protagoniza e adorei os dois filmes, e percebi que é uma atriz em ascensão mas não muito mencionada, por isso resolvi escrever um pouco sobre ela e sua carreira de forma breve.

Samara Weaving tem 34 anos, ela nasceu em 23 de fevereiro de 1992 em Adelaide, que fica no estado australiano da Austrália do Sul. Ela é sobrinha do ator Hugo Weaving (icônico ator amado pela cultura pop com seus personagens Elrond, Agente Smith e V).

A atriz começou sua carreira em 2008 e já fez dezenas de filmes e séries, mas começou a ficar mais conhecido para o grande público no filme de terrir A Babá de 2017 (leia a crítica do filme aqui) onde contracenou com seu hoje marido, o ator/roteirista e diretor Jimmy Warden.

Mas foi dois anos depois que ela fez seu maior e mais icônico papel, a noiva Grace, em Casamento Sangrento, o filme tem uma premissa de terror de sobrevivência, onde a recém-casada Grace deve sobreviver a uma “brincadeira” de esconde-esconde onde seu marido e toda a família dela tem que acha-la e sacrificar ela para uma entidade demoníaca (para quem assistiu sua personagem em A Babá chamaria isso de karma).

Depois ela atuou em alguns outros filmes, incluindo entrando em outro filme de terror, na franquia Pânico onde interpreta Laura Crane no filme de 2023, mas fez sua retorno triunfal mesmo Casamento Sangrento: A Viúva que estreou este ano e se passa momentos após o primeiro filme e que não deve nada ao filme original.

De acordo com sua página do IMDB, ela tem atualmente contrato para seis filmes que estão atualmente em pré-produção, isso mostra que ela tem sido muito cotada e ganhará ainda mais visibilidade ao entrar na vindoura nova fase do MCU, só não sabemos se sua personagem seguirá o caminho dos quadrinhos, começando como vilã e só depois se tornar uma membro da Escola Xavier.

O filme se rende a isso e tenta desenvolver a história em uma ação desenfreada e a justificativa para isso pude ver na própria sala, pois toda vez que o filme ousava ter 2 minutos de algum respiro, as luzes dos celulares se acendiam e a dispersão tomava conta de uma boa parcela da sala. Ciente disso, a ação seguida de piadas repetidas voltava logo para manter a atenção do público.

Com essas duas experiências pude perceber o quanto o público, em sua maioria, não consegue mais se envolver de forma minimamente orgânica e profunda com um filme, estamos perdendo a capacidade de parar e apreciar, absolutamente tudo precisa estar acelerado, a calmaria vira dispersão, o blockbuster precisa estar o tempo todo com alguma coisa acontecendo, mesmo que nada esteja acontecendo de verdade, para poder ter os olhares para uma tela que deveria ser a única tela daquele ambiente.

O futuro sobre a experiência de cinema tende a ser cada vez mais difícil para apreciadores da grande tela, pois parece que somos cada vez mais dependentes das pequenas telas e de seus curtos vídeos que nos enchem de dopamina e pouco nos encantam. Em meio a tudo isso, percebe-se por que cada vez menos o público se permite encantar e envolver com obras como as de um Spielberg, que carece de entrega e envolvimento e não de estímulos contínuos. A magia da grande tela tem sido descartada em nome do vazio das pequenas telas e o cinema que um dia conhecemos, esse, muito provavelmente, já não existe mais.

Muito dinheiro foi investido por parte dos estúdios, a classe artística tentava entender como seria a questão das exibições e a ideia era clara: assim que a pandemia acabasse a realidade seria outra. E foi. Os cinemas sentiram logo a mudança de costumes e custou muito a ver o público voltar às salas — não é à toa que devemos ter números parecidos nas bilheterias de cinemas ao período pré-pandemia apenas em 2026, caso as projeções se confirmem — por outro lado, as gigantes do entretenimento passaram a buscar formas de ampliar as assinaturas de streaming e foi feito de tudo, inclusive dizer que talvez fosse o fim do cinema em médio prazo. Mas seria isso possível?

Me peguei pensando sobre desde a época e nunca me desceu essa tese. O tempo tem dado mais amostras de como foi uma leitura equivocada do mercado e como os streamings acabaram se tornando superestimados nesse ponto. A gente pode pegar o recorte dos últimos anos com o cinema voltando a ter público e mostrando que, na verdade, talvez a pandemia tenha coincidido com uma virada no gosto do público por blockbusters, mas isso é outro assunto.

Para falarmos dos streamings especificamente, o argumento é olhar pra trás na história.

Sempre que surge uma nova tecnologia, sempre se fala do fim da anterior, pegando o rádio como exemplo, seu fim foi anunciado desde o surgimento da TV, há mais ou menos cem anos. De lá pra cá, não só o rádio continua bem vivo, como também segue em certa expansão, com o mercado aquecido em 2025 e grandes empresários adquirindo novas estações de rádio no processo de ampliação de negócios e da estabilidade que o setor tem tido nos últimos tempos.

Podemos citar no audiovisual ainda o surgimento do serviço home vídeo nos anos 1980 e tudo o que se falava sobre o impacto deles no cinema: era só aguardar alguns meses para assistir ao filme no conforto do lar. Mas o que se viu foi que o crescimento do home vídeo não fez com que o cinema sequer chegasse perto de acabar ou sofrer qualquer ameaça.

No final das contas, o novo vem e sempre virá, para somar e ocupar o seu espaço. Esse “novo” muda e agita o mercado, mas para dizimar um segmento precisa de muito mais. O caso do streaming, pelo menos na leitura deste que vos escreve, veio apenas para ser a versão moderna das locadoras e, principalmente, da TV a cabo. Até a forma que os serviços de streamings tomaram nos últimos anos sinalizam essa ocupação do lugar dos canais de TV paga ou modernização dos mesmos.

Não é à toa que os streamings já estão alugando suas obras para passar temporadas na concorrência, como uma das formas mais simples de diversificar os negócios e manter fluxo de arrecadação mais realista. Ambições que eram projetadas em 2020 para lucros exorbitantes deram lugar a um crescimento mais orgânico e uma disputa até mais parelha, com a Netflix vendo seu reinado ameaçado, graças ao redirecionamento de rota das concorrentes.

O streaming tem agora dilemas bem mais modestos, como o de mostrar ao público que não está se tornando uma nova TV a cabo com seus preços cada vez maiores e inúmeros serviços, além de buscar eventos ao vivo para competir com a TV aberta, há 6 anos a especulação era fantasiosamente outra. O tempo dirá qual será a dos streamings no final das contas, mas uma coisa é certa: o lugar do cinema seguirá sendo dele, enquanto ápice de experiências e momentos únicos na vida de quem gosta de filmes e o streaming seguirá se desenvolvendo, mas a sua maneira e dando possiblidades de maneira talvez mais intimista e nesse percurso encontrará novos desafios, mas nenhum deles será o de acabar com o cinema.

Mas, voltando ao título deste texto, é perceptível que o gênero de super-herói se desgastou, o segmento clama por uma revitalização que nenhum estúdio (nem o Kevin Feige) sabe como fazer e como o gênero se notabilizou como o grande arrecadador em meio aos blockbusters nas últimas duas décadas, acaba que os filmes de grande orçamento, de um modo geral, têm vivido dias complicados e de baixa com o público se comparado com o que já foi em anos anteriores.

É aí que Nolan e o cinema de terror que vêm, produção após produção, mostrando que o público pede por coisas novas. As obras feitas por Nolan e todo o seu dinheiro, por exemplo, têm como marca a unicidade e a originalidade. Enquanto isso, os estúdios investem dinheiro em nome de obras que possam virar franquias ou franquias que são incapazes de gerar obras de arte, porque são pensadas apenas como produto e o público percebe isso.

Já do cinema de terror vem a lição de que pouca grana e muita criatividade sempre terão público. Nos últimos anos, TODOS os anos, tem pelo menos um filme de terror que surpreende o público e a crítica, gerando um dos melhores custos-benefícios e provando que investir milhões em CGI duvidoso e histórias pouco inspiradas não vai levar o público ao cinema.

Talvez falte aos estúdios a coragem para perceber que o público do cinema mudou desde o fim da pandemia, os novos amantes da arte têm dado amostras nos últimos três a quatro anos que obras criativas e originais como “Barbie”, “Pecadores”, “Oppenheimer”, “Obsessão” e “A Hora do Mal” sejam o caminho para levar público ao cinema. Na verdade, o público tem deixado claro para os estúdios que esperam mudanças na linha de produção de filmes.

A questão é: será que os estúdios voltarão a privilegiar o autor da obra? Terão coragem para repensar os planos e projetos Blockbusters das últimas duas décadas? Não sei quanto tempo vai levar, mas em algum momento eles precisarão ver que o que tem sido feito com o cinema de grande orçamento é torrar dinheiro com ideias que não funcionam mais.

O filme de herói (grande rosto do cinema de grande orçamento nas últimas décadas) vai, provavelmente, voltar a ser o que sempre foi: em alguns momentos popular, na grande parte do tempo, nichado. Para mim, como amante dos quadrinhos também, ficará sempre a memória dos momentos vividos e inacreditavelmente vistos no cinema. Que venha o novo que venham as novas histórias: o novo momento da sétima arte que, volta e meia, é colocada como próxima do fim, mas sempre se reinventa. O cinéfilo do lado de cá também aguarda ansiosamente esse novo momento.

Mais uma vez, Nolan está interessado em um homem torturado por suas próprias escolhas. Se em Oppenheimer existe a bomba atômica, em A Odisseia existe o Cavalo de Troia. A oferta de paz em nome de Atena que se transforma em banho de sangue, anarquia e vinte anos de fúria dos deuses, em contraste com a invenção científica que representa, até hoje, a arma mais letal que o mundo já viu. Ambos os longas estão profundamente interessados na repercussão psicológica e emocional das escolhas dos seus protagonistas; homens, líderes, em controle de qualquer situação, que fatalmente se tornam vítimas da própria obstinação.

Odisseu (Matt Damon), assim como Oppenheimer (Cillian Murphy), não alcança seu objetivo com a sensação de dever cumprido. Pelo contrário, ambos cruzam a linha de chegada em meio a um vazio existencial provocado pelo ódio e pela guerra que inevitavelmente envenenam suas almas. Contudo, para mim, apenas um desses filmes consegue embarcar o personagem (e o espectador) em uma jornada tão empolgante quanto tecnicamente primorosa, conciliando seu habitual realismo com uma fantasia que nunca havia abraçado dessa forma. Quando Nolan compreende que não existe nada mais real do que as ideias que criamos para nós, seja para nos punir, seja para nos honrar, chega ao filme que eu nunca pensei que ele seria capaz de fazer.

“A face… a fleet… a war… a man… a thought… a trick…”

Em A Odisseia, o mesmo canto que abre e encerra o filme apresenta uma ideia, um mito, sobre Odisseu e a Guerra de Troia que vai além do próprio homem. Em forma de canção, o herói será eternizado, e tudo o que foi por ele vivido será para sempre honrado. Mas, entre o início e o fim, o que acompanhamos é uma jornada essencialmente humana, de um homem que pode (ou não) ter criado esse tormento em sua própria cabeça.

Quando Nolan transforma Atena em uma manifestação psicológica da culpa carregada por Odisseu, ele se permite trabalhar com a ideia de que toda a jornada pode ser retratada sob uma lente fantástica, uma vez que parte da premissa de que nada é real e, logo, tudo também pode ser. Se estou certa sobre isso, é uma forma no mínimo curiosa de se convencer a trabalhar elementos fantásticos pela primeira vez em sua filmografia. Mas, se foi isso que o fez ter tanto esmero em cenas como a de Polifemo e das sereias, não sou eu quem vai reclamar. O que quer que Nolan tenha dito a si mesmo para abrir mão, em parte, de um realismo que sempre me entediou, vou embarcar porque deu certo.

O apego exagerado à razão em seus filmes, para mim, sempre foi sinônimo de algo anti-cinema. Só de pensar em ter um orçamento imenso à sua disposição e usá-lo não para tentar transpor o inimaginável, mas para alimentar fetichismos inócuos de uma realidade quase sempre tão sem graça, sem vida e sem cor, me dava calafrios. A Odisseia me surpreendeu porque ele não só abraça a mitologia do texto original, como incorpora gêneros que eu não esperava que pudesse absorver, como o body horror na excelente cena dos porcos.

Nesse filme, a dificuldade que sempre teve de retratar personagens femininas, de ir além da caricatura histérica ou do tropo narrativo da mulher na geladeira, é atenuada por uma Penélope (Anne Hathaway) forte, com autonomia sobre suas vontades e constante insubordinação aos homens que a cercam, e por Circe (Samantha Morton), que quase rouba o filme para si com uma cena de apenas dez minutos e um monólogo excepcional, cheio de ódio e emoção.

Por outro lado, a insistência em diálogos expositivos ainda me irrita em seus filmes. Qual a necessidade de três cenas seguidas anunciando a partida de Telêmaco em busca de notícias do pai? Ou de reforçar a Lei de Zeus em pelo menos cinco momentos diferentes? Mas, como a trilha minimalista, pontual e acertada de Ludwig Göransson parece alinhar a experiência da obra à de uma canção filmada, pela primeira vez esse vício se torna tolerável.

Contornados ou atenuados dos meus principais incômodos com o cinema do diretor, me parece que os caminhos traçados por Amnésia, Insônia, Dunkirk, A Origem, Oppenheimer e tantos outros parecem ter sido feitos para preparar Nolan para essa adaptação. É como se tudo que ele já tivesse experimentado antes chegasse ao seu ápice em um filme que se encaixa perfeitamente nos seus temas, mas que ainda é um desafio enorme em dimensão (longa duração, muitos personagens e linhas temporais que se entrecortam), tecnologia (inteiramente filmado em IMAX) e narrativa (adaptação de um clássico complexo e denso).

As melhores cenas que ele já fez estão aqui. Não tenho dúvida de que a sequência de Hades e a do Cavalo de Troia, por exemplo, podem entrar para a história do cinema com louvor. O melhor e mais interessante relacionamento de um protagonista também está aqui, assim como a ligação que ele possui com a família, com o próprio lar. Os maiores percalços e tormentos já enfrentados por seus personagens também pertencem a Odisseu. Todos os caminhos levam à Odisseia. É realmente como se estivéssemos presenciando sua maturidade como diretor.

Cedo para ir embora, tarde para continuar. Dá para resumir dessa forma a jornada que termina agora com Heartstopper para Sempre, longa-metragem que chegou à Netflix no último dia 17. Depois de três temporadas de grande sucesso, o encerramento era previsto como escrevi na crítica da terceira temporada. Os atores estavam ficando mais velhos que os personagens dos quadrinhos e o nível dramático não encaixava com a tentativa de leveza e aventura que marcou os primeiros anos.

Roteirizado pela quadrinista e criadora Alice Oseman e dirigido por Wash Westmoreland, em Heartstopper para Sempre acompanhamos o último ano no colegial de Charlie Spring (Joe Locke) e Nick Nelson (Kit Connor), que agora precisam se separar. Nick vai para faculdade. Parte da trama se concentra nas ansiedades naturais desse contexto, com foco em Nick. Charlie ainda sofre com as rebarbas do transtorno alimentar e da oscilação da dependência ou paixão do casal.

Necessário elogiar a habilidade do roteiro em escrever o drama da separação, junto a aventura de imaginar o futuro que parece tão promissor ao mesmo tempo que oferece medo. Ver Charlie recuperado e altivo na relação muda as perspectivas, embora sofra recaída quando eles “dão um tempo” — reforçando o uso exagerado de clichês adolescentes. Entretanto, o drama acaba sendo o ponto alto, especialmente pela belíssima atuação de Locke e Connor.

O grupo de amigos continua lateral. São adendos de uma história que sabe que pode contar com eles para dar suporte aos protagonistas, e quando sacam esse recurso, o filme sofre sem saber o que fazer para além disso. Nesses períodos sobram espaços para boas intenções. Um pouquinho da relação de Elle (Yasmin Finney) e Tao (William Gao), que enfrentam crises; bons momentos de afirmação de políticas de diversidade e a necessidade de resistência frente aos constantes ataques do ultraconservadorismo; a boa relação da irmã de Charlie, Tori Spring (Jenny Walser); a troca da mãe de Nick, substituíram Olivia Colman por Anna Maxwell Martin; e os outros amigos com suas vidas paralelas. 

Talvez o maior deslize seja na dinâmica de ciúmes por parte de Charlie que foge do tom. Fica chato o ciuminho adolescente sem maiores contrapontos. As repetições de lugares-comuns como o excesso de bebida de Nick, a insegurança marcada de formas repetidas não ajuda o desenvolvimento. Oscilações que tentam tapar buracos de uma história que não tinha substância para segurar quase duas horas de duração. Passa a sensação de que os cortes na escrita foram feitos no lugar errado. 

Soma-se a isso a direção insossa e altamente sem graça de Wash Westmoreland. Verdade que ele não tem trabalhos chamativos para chamar de seu, salvo o excelente Para Sempre Alice (2014) em que foi co-diretor. O filme inteiro parece ter sido filmado para as redes sociais. A direção de fotografia de James Rhodes não ajuda em dar uma encorpada nas imagens e no drama. Seu currículo não contribui para cartas na manga. O melhor trabalho talvez tenha sido o divertido Better Man – A História de Robbie Williams (2024).

Mesmo com todos os pontos, continua difícil se despedir do casal adolescente que está crescendo. Ver o epílogo com todos os amigos dando um destino em suas vidas, com esperança de que o mundo pode ser melhor e oxalá seja, cria um sorrisinho de canto de boca irresistível. A conquista dos corações apaixonados continua sendo uma delícia de acompanhar. Assistir Kit Connor e Joe Locke amadurecidos como atores reforça a sensação de verdade que transmitem na atuação. Connor, por exemplo, já experimentou trabalhos adultos, como em Tempo de Guerra (2025), enquanto Locke ainda não emplacou outros gêneros. 

Agridoce: palavra que resume o fim cinematográfico apresentado por Alice Oseman. Ela fica marcada pela novidade e ousadia em apresentar ao grande público uma narrativa simples, carismática e de final feliz, contrariando as que apresentavam o oposto nas histórias queers. O encerramento sem uma nova temporada e com um filme, passa um sinal de que não havia tantos espaços para criar, mas dignifica uma narrativa que, quando apareceu, foi bem-vinda e acalentou o coração de pessoas LGBTQIA+ de todas as idades. Heartstopper, apesar de suas instabilidades naturais, terá seu lugar no hall de boas representações das formas de amar.

Nota: 3 /5