Frenético, tocante e envolvente. O filme estrelado por Eva Green e Ewan Mcgregor é um romance com toque de ficção científica e drama que deixa o filme muito além de qualquer expectativa. Dirigido por David Mackenzie, o filme é uma ótima surpresa quando considerado o seu passado, onde Mackenzie chegou a dirigir Paixão Sem Limites – um filme piegas e extremamente raso.

O mundo está a beira de um colapso quando a epidemologista e o chef de cozinha se encontram por acaso em um pequeno beco no subúrbio americano por um cigarro – e apenas um cigarro. Enquanto isso, em uma narrativa paralela, o vírus se espalha pela Terra com a condição de fazer todos indivíduos perderem lentamente todos os sentidos. É quando o chef de cozinha convida sua vizinha, Eva Green para jantar em seu restaurante. Os dois iniciam um caso de amor em contratempo ao mundo caótico atual. Em um cenário em que não se agonizante em que não há esperanças, os dois desenvolvem o vírus e ainda assim, se separar não é uma alternativa.

Max Ritcher, responsável pela trilha sonora, ao compôr e inserir Luminous, a música tema de Perfect Sense sintetizou tudo o que era o filme. É marcada por uma forte influencia minimalista e incrível em total sincronia. Entre os melhores pontos do filme, está a brilhante atuação de Eva Green e McGregor que conseguem transmitir como nunca todo o roteiro singular que tem o filme. Sendo submetidos à expressarem emoções nunca antes transmitidas, a atuação não deixa a desejar e emociona a cada minuto.
Como um filme independente, a fotografia se torna uma atração. Escuridão e umidade são as palavras chave para transmitir a impecável sensação de drama e angústia vivida pelos personagens. O figurino, que se baseia em um inverno duradouro, é completamente condizente com o estado dos cenários. E na soma de tudo, o ritmo é único e o deixa imperdível. A perda de sentidos e racionalidade o deixam singular. É um dos filmes da geração. Um filme em que David Mackenzie acertou muito bem.

Autora: Fabiana Lima

Logo no início de sua carreira, Seth MacFarlane entra na história em suas animações. Mostrado, dirigido, escrito e dublado por ele, “The Life of Larry” escancarava os personagens que originaram Family Guy e traduzia logo de vez a sua pegada cômica: historicamente referenciado, politicamente incorreto, escatológico e verborrágico.

Ele entra na história novamente em Um Milhão de Maneiras de Pegar na Pistola (A Million Ways to Die in the West) – como fazia e ainda faz em Family Guy, American Dad! e Ted. Só que dessa vez, porém, não é só sua boa voz que dá vida aos personagens. Como sempre faz, ele produz, roteiriza ao lado de Alec Sulkin e Wellesley Wild, dirige e assume a história do criador de ovelhas amedrontado que aprende a sobreviver no inóspito Velho Oeste com a ajuda de uma belíssima pistoleira que não é ninguém menos que Charlize Theron.

Não há personagens desenhados ou animados no longa, mas a linguagem é semelhante à usada nos seus mesmos trabalhos na televisão. Essa linguagem gera altos e baixos. Ora o exagero e o tempo das piadas não coincidem com o mundo real, ora o absurdo rende momentos fantásticos e geniais. Seth sabe o que é mais constrangedor e verdadeiro na natureza humana e mostra sem medo, balanceando cenas de sinceridade e excesso.

O interessante é que logo alguém tão capaz de passar longe do normal (e algumas vezes do permitido) caia em uma trama tão boba de mocinhos e mocinhas que apaixonam-se em pouco tempo. Alguns momentos se aproximam da terapia, com MacFarlane, o nerdão que ninguém entende , rejeitado pela garota fútil, sendo centro das atenções da melhor de todas as mulheres. Em uma realidade cartunesca que também poderia abrigar Coiote e Papa-Léguas, o mundano se torna mentiroso, sobretudo quando as falas afiadas e descomedidas abrem espaço para conclusões sem muito sentido.

Mesmo parecendo estar em cena por se confundir com seus personagens (Brian, Stewie, Peter e Ted às vezes parecem estar no filme), MacFarlane não concentra o filme apenas nele. O grande elenco (que também conta com os talentosíssimos Neil Patrick Harris, Sarah Silverman, Giovani Ribisi, Amanda Seyfried e Liam Neeson) tem espaço para brincar e poder mostrar para o que vieram – todo mundo parece bem em cena e com a visão despudorada do diretor. As participações especiais, que aparecem no decorrer do filme, roubam a cena, dividindo bem o tempo que restou entre homenagens e autorreferências.

O longa metragem Um Milhão de Maneiras de Pegar na Pistola é o menor do feitos do genial Seth MacFarlane, mas vale muita coisa. O seu olhar futurista soube mostrar um Velho Oeste muito bonito e em forma dos bons desenhos do diretor. Essa ideia de animador no cinema pode até criar um novo estilo. Cuidado apenas para o criador não se confundir com a criatura no seu próprio mundo.

AVALIAÇÃO:

Autor: Gabriel Barkowski

Mimada e poetiza. E nem precisa dizer mais nada pra saber que Amy (Emma Roberts) vive em uma esfera completamente afastada de qualquer sanidade do mundo real. Vida de Adulto (Adult World), mais um filme do cenário indie e dirigido por Scott Coffey, demonstra as aflições que uma garota de classe média que nunca ficou de frente com a realidade como ela é, nua e crua, ao optar por seguir a carreira de escritora e fugir de casa no auge de sua insatisfação.

Amy assim começa a trabalhar e dividir apartamentos. Sempre refletindo a angústia e esperança de Emma Roberts, a fotografia é essencialmente fria. As cenas, sempre acentuando a neve que recobre os pequenos prédios dos arredores Nova York, dá o ar independente e intimista que o filme precisa. Além da paisagem que transmite árvores secas e noites úmidas: casacos, toucas e luvas que tomam de conta do figurino tornando-o essencialmente norte americano e escuro. E assim, perfeitamente harmonizam com a fotografia do filme.

Em termos de atuação, a sincronia fora e dentro do cinema entre Emma e Evan Peters já é conhecida e assim, não deixa nada a desejar. A grande surpresa no filme é o ator John Cusack – conhecido por atuar em “Gatinhas e Gatões”, “Uma Questão de Classe”, “Garota Sinal Verde”, entre outros – que no longa interpreta o escritor-inspiração de Amy, que a quer como seu mentor: único e insubstituível. John provoca raiva e divertimento a quem assiste ao filme, fazendo com que a confusão que existe dentro de Amy tome proporções gigantescas.

Outro ator que interpretou um homossexual muito bem resolvido foi Armando Riesco, como Rubia. É um dos personagens coadjuvantes mais importantes da trama e um dos quais caracteriza o filme como comédia ao roubar a cena todas as vezes que aparece. Como aspecto negativo, pode-se apontar a trilha sonora. Em alguns momentos, a música simplesmente não encaixou e todo o momento perdeu sua significação, o que prejudicou em diversas cenas o entendimento da trama.

Em suma, o filme é traduzido como “pipoca” na cinefilia. Daqueles que se você não assistir, tá tudo bem mas que se caso for, proporcionará boas risadas e alguns aprendizados pois, ao se julgar pelos atores e pela fotografia, todo o resto pode ser facilmente ignorado.

AVALIAÇÃO:

 Autora: Fabiana Lima.

Escuro, dramático, claustrofóbico. Ayoade decide invadir o drama contemporâneo com um clássico Dostoievski, trazendo Jesse Einseberg (A Rede Social) como Simon James. Ou James Simon? Do diretor de Submarine, The Double é mais um filme que entra no cenário indie para marcar.

Chegando ao trabalho, Simon James se depara com um novo funcionário que demonstra liderança e confiança, além de atrair a atenção e prestígio de seu chefe. O novo funcionário, James Simon, é totalmente o oposto de Simon James – algo que começa pelo nome. Exceto por uma única coisa: eles possuem a mesma aparência. Como uma espécie de duplicação diferenciada em personalidades totalmente divergentes. Ninguém parece estranhá-los. James Simon e Simon James começam uma história de confundir mentes e possui um final surpreendente, que deixa a algumas pessoas incógnitas que só poderão ser solucionadas assistindo o filme mais de uma vez.

É interessante observar Yasmim Paige, que interpretou Jordana e Craig Roberts, que fez Oliver Tate em Submarine – primeiro filme de Ayoade. Jesse Einseberg teve uma grande responsabilidade ao diferenciar os personagens de forma clara, interpretação essa fidedigna a filmes anteriormente estrelados por ele, como A Rede Social e Truque de Mestre, que revelaram Jesse como um ator de futuro longínquo. A atriz Mia Wasikowska (Alice no País das Maravilhas) deixou a desejar em alguns momentos, mas foi uma excelente escolha para interpretar Hannah – personagem que faz partes dos sonhos de Simon James, incapazes de se tornarem realidade em decorrência da timidez que tanto o assombra.

Mr. Papadopoulos, Blue Chateau, East Virginia… Títulos de música que fazem parte de uma trilha sonora um tanto quanto excêntrica. Deixando de lado o Alex Turner de Submarine e encarando Andrew Hewitt e algumas outras bandas não muito conhecidas, Ayoade fez uma ótima escolha e conseguiu captar o ambiente inglês com as sensações exatas de Simon. É surpreendente como a trilha se encaixa e deixa a quem assiste a sensação nua e crua por qual o personagem passa. Ora vergonhosa, ora apavorante. Algumas músicas foram feitas apenas para o filme e possuem como título o nome dos personagens.

Além da trilha sonora, é de se esperar que quando um filme inglês é de fato inglês, não apenas o cenário e o sotaque o denunciem como também o figurino tipicamente europeu e retraído. Blazer, camisas sociais e all stars de cores apagadas, sem chamar o mínimo de atenção, resumem a caracterização de Simon James. Hannah, sempre com vestidos muito femininos e claros, deixa evidente que ela é quem irradia a felicidade no filme. O grande amor de Simon está sempre se destacando em meio à pessoas iguais e uniformizadas. E isso inclui o mesmo.

Ao todo, o longa que não tem data para estrear no Brasil, trata a obra de Dostoiévski de forma atual, retratando o perfil de pessoas que não conseguem desenvolver o melhor lado de si mesmas seja no trabalho, seja na vida pessoal: pessoas coagidas pelo medo e pela timidez. Ayoade mostra, mais uma vez, que do ambiente inglês possui domínio e que depois de Submarine, filmes acima da média como O Duplo irão ser apenas uma questão de tempo.

AVALIAÇÃO:

Autora: Fabiana Lima

Ali – interpretada por Christina Aguilera – é uma garçonete do interior, com habilidade para cantar e dançar, que procura se dar bem na vida viajando para Los Angeles. Ao chegar, Ali conhece Jack – Cam Gigandet, conhecido por ser James, em Crépusculo – que é atendente no bar-cabaret Burlesque Lounge e que a levará ao cabaret, no qual Ali virá a trabalhar como garçonete, sendo contratada por Tess (Cher), que não reconhece seu talento como cantora e dançarina.

No decorrer, o musical que já não tem um enredo pra lá de original, começa a demonstrar falhas também no elenco. Aguilera se esforça para ser atriz, mas é mais que claro que a sua habilidade é vocal. Em meio à danças bem coreografadas e uma excelente voz, ela consegue ser a protagonista de boa parte do musical e acaba por mascarar os pontos fracos como atriz iniciante, submetendo quem está assistindo o musical a um sistema de distração. Cher, que apesar de ser a dona do cabaré e uma das maiores cantoras na história da música, perdeu o holofote para Aguilera. A proposta de que o filme seria uma parceria entre Cher e Christina acabou por decepcionar a quem gosta de Cher, por conter mais cenas de Aguilera do que qualquer outro ator no elenco.

Ao contrário de Aguilera sendo Ali, Tess possui uma interpretação muito melhor sendo Cher e isso foi o que a ajudou a ao menos a dar um sinal de vida no filme. É perceptível pelo vazio de criatividade no filme que o roteirista também era o diretor do musical. Steven Antin é um diretor inexperiente e como roteirista, a maioria dos seus trabalhos se limitam a series de TV. O filme é apenas um reflexo do que Steven precisa para acertar em seus futuros longas, o que não irá se resumir em um elenco famoso.

Algo que centra a atenção de quem assiste é o figurino mais que caprichado que todo filme de cabaret tem que ter. Burlesque não seria diferente. Michael Kaplan – o responsável por esse ponto forte – já é conhecido por seus trabalhos em Pearl Harbor, com Michael Bay, Sr. & Sra. Smith, Clube da Luta entre outros longas que inclusive lhe renderam prêmios. O figurino é característico de muito brilho, sensualidade e feminilidade, muito bem encaixados com as performances.

Burlesque é um musical divertido, mas incomparável aos outros musicais de cabaret, como Moulin Rouge. Foi completamente ignorado pelo Oscar, talvez por ter um enredo considerado péssimo ou talvez por ter um elenco mal aproveitado. O fato é que, o musical não entra na lista de filmes que você gostaria de assistir antes de morrer, filmes importantes da história do cinema e nem dos musicais ou sequer reflexivo. Ao se ter uma péssima história, não há como salvar. Não muito importa o elenco, nem mesmo sua produção: apenas não é o suficiente.

NOTA:

Autora: Fabiana Lima

De longe, a nova refilmagem de Godzilla é a melhor já feita até agora.

O monstro é muito bem feito. Dessa vez, está mais encorpado, rápido – diferente dos primeiros “Godzillas”, que pareciam sapos -, o que deixa as cenas em que ele está excelentes.

O grande acerto do diretor do longa é segurar as idas do monstro às telonas. Até o meio do filme, Godzilla está mais para coadjuvante, pois pouco aparece.

Muito pouco: um pouquinho da cauda aqui, as barbatanas dorsais de dinossauro acima das águas marítimas ali, um pé gigantesco sendo explorado em um plano ‘fodaço’ acolá. O bom da coisa mesmo é ficar sentado esperando a monstruosidade sumptuosa no melhor momento.

Antes de vermos a grande estrela, o show fica por conta de um casal horrendo de criaturas meio metálicas. O macho é um pouco menor e voa. A fêmea, por outro lado, anda sobre quatro patas destruindo tudo.

Cada monstro mostrado no filme deixa a sua pista de destruição.

Enquanto o cast de monstros é muito bom, o humano já nem tanto.

Aaron Taylor-Johnson, que fez “Kick-Ass”, vive o marombado soldado antibombas Brody, um herói sem muita pinta e carisma. O japinha do filme é o cientista que entende de Godzilla e incita a galera que curte a cultura japonesa ir ao delírio, dizendo: “Gojira” (Godzilla em japonês).

A mocinha francesa Juliette Binoche é bonita e cede ganho estético humano ao filme, mas só. Chega a ser ridícula a participação de tão pequena. O casal formado pelos dois não agrada.

É um filme muito legal, com cenas lindíssimas de destruição. Quando, no fim, Godzilla assume como protagonista o longa, o nível muda. Nada que supra as carências como o casal sem sal, o herói sem cara de herói, e a morte de Bryan Cranston logo no início. O nível muda com o protagonista quebrando tudo no fim. Mas fica no mais ou menos como produto final. A culpa não é do monstro.

NOTA:

Autor: Gabriel Barkowski

A continuação do filme do Capitão América foi recebida com elogios nas críticas especializadas americanas. Afirmaram, algumas, que este seria o melhor filme de herói da Marvel. Um alvoroço descomedido por parte dos fãs dos quadrinhos do Capitão.

O longa “Capitão América 2: O Soldado Invernal” mostra cenas de ação simplesmente delirantes. É desse montão de cenas empolgantes que eu e que todo mundo saiu falando depois que o filme acaba.

Mas, depois da exacerbação cinéfila controlada, é notável que, apesar do ritmo frenético e do vilão muito bom, o filme tem seus erros.

A cena em que há uma perseguição automobilística com dezenas de carros de polícia atrás do carro de Nick Fury (Samuel L. Jackson), parece ser a melhor cena desse gênero no cinema. É de deixar os produtores e diretores de “Velozes e Furiosos” com um pouco da “baba de Caim”.

Nas cenas em que o herói do filme encara seus inimigos, os passos e os movimentos das lutas são aprazíveis, mesmo quando encara vários vilões fortões ou mesmo o tal do Soldado Invernal. A personalidade do vilão, que, antes de uma pesquisa, não era uma figurinha conhecida minha, mas já era velha conhecida dos fãs dos gibis.

Para nós, adolescentes, existem cenas em que a Viúva Negra, agente companheira do Capitão, luta com roupas super justas de látex e desfere vários chutes, se tornando assim a personificação perfeita para gerações de moleques que curtem heróis, como eu.

Quanto aos erros, o primeiro deles é o roteiro. O processo de espionagem entre Estado e corporações, disseminando corrupção dentro da S.H.I.E.L.D – com Fury à frente – merecia ser melhor contada. Existem buracos e incoerências no roteiro, que não sobrevive a uma análise mais profunda.

O segundo problema – se é que é um – chama-se Chris Evans, que, como produto de um erro da Marvel, já interpretou em menos de dez anos, dois heróis do estúdio: o Tocha Humana, e agora o Capitão América.
Ele refaz o personagem na medida dele. Personagem esse que sempre demonstrou nos quadrinhos ser um soldado maduro de várias batalhas, um homem inabalável. Evans passa longe de ser o mesmo dos quadrinhos nesse aspecto.

Os sem expressões Chris Hemsworth (Thor) e Evans acabam por perder em uma comparação feita com Downey Jr. em “Homem de Ferro”. Eles não têm o mesmo charme. Nem a mesma atuação.

AVALIAÇÃO:

Autor: Gabriel Barkowski

O primeiro amor de um adolescente peculiar e um tanto depressivo que tenta resolver os conflitos ao seu redor ainda que não compreenda os seus. Bem mais do que isso, “Submarine” conta com uma fotografia de tirar o fôlego e uma trilha sonora excepcional feita por Alex Turner – vocalista da banda Arctic Monkeys. O filme do genêro indie, apresenta a história do jovem Oliver Tate – interpretado por Craig Roberts – que tem seu equilíbrio em uma garota nada convencional chamada Jordana – por Yasmin Paige – e ambos encantam pelo seu retrato romanceado à la anos 60 – embora o filme se passe nos anos 80.

Em seu verão, Oliver pretende perder sua virgindade e resolver a relação dos seus pais que está ameaçada pela antiga paixão de sua mãe, Graham (Paddy Considine). Contudo, seu plano pode não sair exatamente como planejou e é por essas e outras que, ao retratar muito bem suas reações em análise do mundo de forma peculiar, que Craig Roberts como Oliver é o encaixe perfeito. Toda sua familiaridade com o personagem é passada sem muito esforço, o que o torna o personagem “adoravelmente esquisito” e cativante a cada tentativa de consertar tudo e todos. Já Jordana é o extremo de Oliver. É aparentemente uma garota que não se importa com nada e que diversas vezes magoa as pessoas ao seu redor.

A direção de Richard Ayoade (inglês) é, na verdade, uma surpresa muito bem sucedida, tomando por base sua não muito vasta experiência em filmes, tendo apenas “The Double” (2013) e “The Watch” (2012), enquanto todas as outras experiências são referentes às séries de TV, documentários e curtas. Sua expressividade é notada em ferramentas de narração que interagem com o personagem principal, dando plena sensação de que o filme é um diário extremamente bem contado e que fora do longa o tempo não passa. Os cenários utilizados contribuíram para o filme tornar-se alvo de uma fotografia úmida e extremamente confortável que integrou-se à musicalidade do filme, a qual não existe medidas para músicas à voz e violão.

Destaque à Erik Wilson, responsável pela fotografia surpreendente, que embora não possua outros trabalhos tão conhecidos – assim como o diretor – apresentou-se como um exímio conhecedor da fotografia, algo que pode ser evidenciado em diversos momentos ao longo do filme. Chris Dickens, conhecido pelo filme “Quem Quer Ser O Milionário” (2008), dedicou-se a outro ponto alto do longa, que fica por conta da edição, juntamente com Nick Fenton, que já havia trabalhado com Richard Ayoade em “The Double”. Tudo contribuiu para combinação que além de ter o quê de romance, também pode tornar-se uma comédia interessante ou até mesmo um drama para reflexão em certas cenas. Em matéria de gêneros, voilá: acerto.

Embora tenha sido alvo de muitas críticas negativas que alegam que o filme faria parte de uma categoria um tanto quanto piegas e juvenil, ou ainda quanto à falta de originalidade, comparando sua trilha sonora com o filme “Into The Wild” (2007) e edição e fotografia à “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain” (2001), “Submarine” é um filme para se ver diversas vezes e de inegável qualidade. O filme se trata do meio juvenil, porém não é adolescente e tampouco piegas. O mesmo pode ser dito à semelhança com tais filmes, que não se demonstra marcante e sim influenciado, o que momento algum torna o filme ruim e que, pelo contrário, o enriquece. Fica a deixa para os envolvidos na realização que se for possível a produção de mais um filme com tais profissionais, estão eles devidamente autorizados.

AVALIAÇÃO:

Autora: Fabiana Lima

O diretor norte-americano Darren Aronofsky, faz presente desde muito tempo, a religião e releituras reinterpretativas da bíblia em sua filmografia, como no curta Protozoa (1993) e nos longas Pi (1998) e Fonte de Vida (2006). Mesmo que Noé pareça ter os moldes de uma aventura religiosa no conceito de Os Dez Mandamentos (1956) – e o filme de Darren agrade no sentido de ser épico de ação – a nova versão do aguaceiro ordenado por Deus inevitavelmente passa pela mesma forma.

É procurando fazer um blockbuster de caráter hodierno e ambientalista, que o diretor narra a história de Noé, que fora escolhido por Deus para salvar todos os animais quando o Criador de tudo se “chateia” de ter dado ao homem o comando da Terra. O Noé adulto, feito por Russel Crowe, aparece no filme pondo plantinhas em sua lâmina como se fosse um atencioso biólogo, enquanto seu arquirrival, também oriundo de Adão, Tubal-Cain, interpretado por Ray Winstone, é soberano dentre os homens com seu poder persuasivo para com os pecadores.

Aronofsky, junto do corroteirista Ari Handel, saíram em busca de achar nas escrituras bíblicas alguém como Tubal-Cain, para criar a conotação antagonista necessária em um blockbuster: afinal, não se faz um filme desse gênero de catástrofe apenas com um dilúvio. O diretor e roteirista age dessa mesma forma para criar, baseado nos anjos caídos do Velho Testamento, os gigantes de pedra que dão um olhar fantasioso ao filme.

No livro de Gênesis a história do dilúvio tem somente três páginas e parece bobagem achar que os estúdios grandiloquentes de Hollywood prometessem fidelidade literária e não a arte da fantasia e do espetáculo. Em Noé, o fantasioso e o espetacular estão sempre presentes, seja na fotografia estupenda de Darren ou na grandiosidade imposta pelo cineasta. O fato da arca ter sido realmente construída em um estúdio faz-se sentir; aos olhos, a proposta de Noé parece ser colossal e gigante de fato.

O problema do filme é tentar encontrar algum método racionalizante ou algo humano. O roteiro se espreme de todo jeito para poder afinar a história com um método chamado design inteligente – a cena em que Noé conta a todos de sua família a origem do mundo mais parece a entrada de The Big Bang Theory, só que misturando Evolucionismo e Criacionismo.

Darren Aronofsky tem descendências judias – religião que se contrapõe ao cristianismo quando se fala no salto de fé dos católicos – e hoje afirma ser ateu. Ele se mostra interessado pela religião com esse olhar externo aguçado de quem nutre o ceticismo, embora pregue a moral como tema mor em alguns de seus filmes. São essas crenças e descrenças unidas à dúvida e o racional que tornam seus filmes bem legais, e com Noé foi o mesmo.

AVALIAÇÃO:

Autor: Gabriel Barkowski

No seu primeiro trabalho em terras americanas, Os Suspeitos, do diretor canadense Denis Villeneuve, impressiona por tocar originalidade autoral e ao mesmo tempo nos fornecer um filme tão vizinho dos grandes thrillers hodiernos de Hollywood.

Na estória escrita pelo iniciante Aaron Guzikowsi (Contrabando), depois que sua filha de seis anos e sua colega são sequestradas, Keller Dove (Hugh Jackman), um marceneiro de Boston, enfrenta com todas as suas forças o departamento de polícia e o detetive novato (Jake Gyllenhaal) que está no caso para fazer justiça só. Quem faz o principal suspeito é Paul Dano, um dos melhores atores de seu tempo, junto de Terrence Stamp, Viola Davis, entre outros.

O filme tem como produto os limites da razão – e os mostra na forma de uma atmosfera absolutista, que nos leva à cabeça Zodíaco e O Silêncio dos Inocentes. O modelo no qual David Fincher segue em seus filmes de suspense investigativo é seguido por Villeneuve, mas há um elemento extra em Os Suspeitos: o drama paterno de ver o relógio correr enquanto suas filhas estão sumidas.

Logo no começo, temos indicações dos temas que serão discutidos. Na sequência de abertura, o plano vai se distanciando aos poucos revelando um animal sob a mira de um rifle enquanto Dove ora. Tensão e religiosidade se entrelaçam em seguida, com uma cena em que o filho mais velho do homem diz a uma amiga a necessidade dessas pessoas na manutenção da população desses animais. O homem toca na obra de Deus, mas com temor – assunto que irá ter um desdobramento ótimo adiante.

Contendo duas horas e meia de duração, a apuração e o desenvolvimento dos personagens é bem trabalhado – sobrando espaço para Gyllenhaal e Jackman, ambos efetivando uma de suas melhores atuações. Junto dos igualmente fantásticos Dano e Stamp, Hugh Jackman concebe seu melhor Wolverine no esboço de um pai preocupado. As personagens femininas, porém, têm apenas uma boa cena cada uma, o que, obviamente, podia ter sido melhor trabalhado.

Com uma atmosfera absolutista, sem a preocupação de ter sustos de graça, Os Suspeitos flutua nas histórias do detetive e do pai, os dois em suas conotações obsessivas. O filme respeita a perspicácia de quem vê, mostrando pistas absolutas a todo momento, o que mantém o comprometimento do público, que fica de cara não só com a estória de onde estão as garotas, mas também com os problemas morais que seus pais enfrentam. Igual à Zodíaco, o caráter da investigação e seu choque em quem investiga ganham uma notoriedade quase tão grandiosa quanto o mistério. A excelência do roteiro e da direção são maiores que qualquer conclusão.

AVALIAÇÃO:

Autor: Gabriel Barkowski