Caça ao tesouro

Um festival dedicado ao cinema independente e de vanguarda é uma ótima oportunidade para conhecer novos diretores, vislumbrar tendências, acompanhar narrativas surpreendentes e… dar de cara com filmes ruins. Sim, com tanto filme sem muitas referências, é fácil cair em uma roubada. Muitas das pessoas que conheci aqui em Buenos Aires dizem não acompanhar o festival porque acham muito difícil escolher algo que seja bom. Eu já errei algumas vezes e até acabei quebrando uma de minhas regras que é não sair antes do final de um filme, mesmo que ele seja muito ruim. Na última terça ou eu dormia durante um filme muito tedioso ou ia para casa mais cedo; fiquei com a segunda opção. Ontem, uma das últimas sessões da noite começou lotada e terminou com menos da metade do público, desta vez fiquei até o final. Os filmes destas duas sessões ficam para outros posts.

Atrasado não entra?

Em todas as salas por quais já passei, há sempre um aviso com bastante destaque informando que não é permitido a entrada depois do início do filme. Ainda não vi ninguém sendo barrado e perdi uns 10 minutos de um filme de 49 minutos (!!!) porque tinha gente passando e atrapalhando as legendas.

Sacolinhas, conversas, e outras distrações

Por outro lado, ainda não me deparei com ninguém revirando sacolinha durante o filme, falando ao celular ou cochichando. As pessoas até chegam atrasadas, mas ficam bem quietinhas até o final da sessão. Será que tenho dado sorte?

Update: enviei um e-mail para assessoria de imprensa do festival para saber mais informações sobre as vinhetas e no dia seguinte foi liberado um press-release informando que este ano os curtas institucionais que acompanham os filmes foram realizados por três diretores: Planetário de Paulo Pécora (pode ser assitido acima) que narra o encontro de um casal, foi filmado quadro-a-quadro durante todo um dia em frente ao planetário de Buenos Aires através uma velha câmera Bolex 16mm, S/T de  Lisandro Alonso mostra em plano fixo uma coruja respirando com uma trilha de suspense; e Salida de los obreros de la fábrica de Carmen Guarini apresenta-se como um tributo aos irmãos Lumière. Se eu conseguir captar novamente, coloco neste post os dois outros curtas institucionais.

Para a imprensa são realizadas nove sessões diárias em três salas simultâneas com filmes começando às 10h, 12h e 14h. Neste período não há filas e nem é necessário retirar ingressos com antecedência. Basta estar atento à programação, chegar na hora e apresentar a credencial.

Sobras para noite

A tranquilidade é só matutina. Para as sessões da tarde ou da noite não adianta dar “carteirada”, é preciso retirar até dois ingressos com antecedência para filmes em sessões abertas (leia-se, sessões disputadas com o público e com direito à filas). O difícil é conseguir encontrar ingresso disponível especificamente para um filme. O jeito é chegar na sala de imprensa, pedir o que tem sobrando e contar com a sorte.

A partir de agora, o CinemaLido rompe fronteiras e faz a sua primeira cobertura internacional.

Estou em Buenos Aires, Argentina, para acompanhar o Bafici (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independente) que, criado e mantido pela prefeitura, está em sua 11ª Edição e vai de 25 de março a 05 de abril.

“Buenos Aires respira cine y el público porteño, célebre por su cinefilia y fidelidad, acompaña cada edición en creciente número”. (www.bafici.gov.ar)

Este festival, de repercussão internacional, está focado fortemente no cinema independente e também de vanguarda, com isso, é difícil encontrar grandes nomes da cinematografia atual, porém, os diretores com filmes selecionados provavelmente serão destaques daqui alguns anos, que é o que tem acontecido desde a primeira edição do Bafici, em 1999. Talvez o festival possa ser considerado o Sundance da América do Sul.

Em um comparativo para entender o tamanho do Bafici, se fosse pelos números do festival, ele se equiparia à Mostra Internacional de Cinema de São Paulo: aqui estão programados 417 filmes para 1.069 sessões em 20 cinemas; enquanto que a última edição da Mostra contou com 454 filmes para 1.200 sessões em 22 salas. O número total de público também se assemelha, são 200.000 cinéfilos para cada um dos festivais.

Importante destacar ainda, que o Bafici tem apenas 1/3 da idade da Mostra.

O festival é composto de retrospectivas, panoramas e, claro, competições: cinema internacional, cinema argentino, cinema do futuro (dedicado às novas linguagens) e curtas-metragens.

A seleção dos filmes, segundo os organizadores, privilegia as premieres pois é assim que o Bafici quer se destacar entre os festivais do mundo, como o berço de estreias de filmes independentes e de vanguarda.

Entre os destaques do festival porteño deste ano estão o Shirin (Irã, 2008) de Abbas Kiarostami, apresentado no 65º Festival de Veneza; 35 Shots of Rum da diretora francesa Claire Denis (Chocolate, Nennete et Boni, Beau Travail); Examined Life (Canadá, 2008) de Astra Taylor; o segundo longa-metragem do chileno Sebastián Silva La Nana (Chile-Mexico, 2009) primeiro filme chileno ganhador de um prêmio no último Festival de Sundance; o filme Une Autre Homme (2008) do diretor suíço Lionel Bailer; Ponyo on the Cliff by the Sea (Japão, 2008) do mestre da animação Hayao Miyasaki (A Viagem de Chihiro, A Princesa Mononoke) e 16 Memórias (Colombia, 2008) de Camilo Botero Jaramillo.

Quanto a nós, brasileños, estamos sendo representados por seis filmes, sendo que dois deles vem sendo apresentados com destaque: Filmefobia (2008) de Kiko Goifman em competição pelo “Cine Del Futuro” e Encarnação do Demônio (2008) de Zé do Caixão no “Panorama Noturno”. Completam a lista tupiniquim Acácio (2008) da mineira Marília Rocha, Loki:Arnaldo Batista (2008) do carioca Paulo Henrique Fontenelle e, vindos do Recife, KFZ-1348 (2008) de Gabriel Mascaro e Um Lugar ao Sol de Marcelo Pedroso (2009).

De início, o que chama atenção é a grande exposição que o Bafici tem. Por se organizado pela prefeitura, cartazes do festival estão por todos os cantos da cidade. Pelo que se percebe, ao longo destas duas semanas, Buenos Aires parece mesmo respirar cinema. E isso se confirma com o grande número de sessões que já têm ingressos esgotados antes mesmo do festival começar.

Ao longo destas duas semanas pretendo viver mais uma maratona para narrar aqui curiosidades sobre o Bafici e, claro, comentar alguns dos filmes que serão exibidos.

¡hasta luego!

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Extras:
• Galeria de fotos do festival
• Site oficial

Interessante, não? Melhor ainda, cada um dos filmes exibe links para trailers no YouTube, ficha técnica no Imdb, o artigo correspondente na Wikipédia, poster do filme além de trailers no site da Apple. Facilita a vida de todo mundo.

Escrevi um outro post no Startupi, em outro blog que mantenho, sobre a historinha por trás do surgimento deste serviço. É interessante, vale ler. Adicionalmente, agradeço o Marco Gomes por ter me avisado deste serviço interessantíssimo!

Na Mostra de cinema em geral você tem experiências cinematográficas diferentes. Filmes cult, filmes de diretores estreantes, filmes com conceitos malucos. Mas a experiência mais interessante que se pode ter é ir a uma das sessões no vão livre do MASP.

Esta é a segunda vez que vou até o MASP assistir a uma obra da sétima arte. O primeiro deles foi o grandioso 2001, Uma odisséia no espaço do Kubrick. Sim, posso dizer que vi este filme na telona! Esse filme foi exibido no vão livre na 30a. Mostra. Desta vez o escolhido foi o Banheiro do Papa, um dos vencedores da Mostra anterior, e que escreverei em breve aqui.

Sentar-se em uma das cadeiras de plástico do MASP em plena hora do rush em São Paulo é no mínimo interessante. Ao som do filme (trilha, efeitos) mistura-se o ruído de fundo de umas das avenidas mais conhecidas do Brasil.

Ônibus passam a todo momento, sirenes e suas luzes surgem aleatoriamente, sombras dos pedestres são projetadas. E desta vez choveu forte no início da sessão, ou seja, um fina névoa caiu sobre nós, espectadores, enquanto curtíamos com todos os sentidos esse filme que se passa no Uruguai.

Muito mais divertido que o Vivo Open Air que, por ser no Jóquei Clube, não tem todo esse trânsito a 10 metros de distância, mas dava pra ver os aviões que pousavam ou decolavam de Congonhas passando no alto da tela, hehe! Aliás, cadê o Vivo Open Air? Faz tempo que não tem.

Veja também:

• FOTOS desta experiência cinéfila no Flick
• Programação do vão livre do MASP

Baseado no romance de Sérgio Jockymann, Dias e Noites é o que poderíamos, sem medo, denominar como melodrama. Antes de uma caracterização negativa, o gênero era escolha primeira nos idos do final do século XVIII e foi permeando as obras (principalmente teatrais) ao longo do século XIX. A trajetória do gênero pede sempre por uma crescente evolução – da infelicidade à felicidade.

Os diálogos pomposos, as cenas arrebatadoras e a música que cai na hora certa (afim de exaltar a tensão) foram, com o tempo, transformando-se em  convenções (de tanto repetidas). Essas convenções, em exagero, são hoje motivo de riso. Hoje, um melodrama, principalmente se levado a sério…é visto como algo de mau gosto.

Se o autor de uma obra dramática não atentar para a distribuição em equilíbrio dos elementos do enredo, ele pode cair para um terreno que, de início, nunca foi seu objetivo.

Por isso, não é fácil conter o riso frente a história de Clotilde (Naura Schneider), uma mulher que sofre tanto nas mãos dos homens mas, ao mesmo tempo, não consegue viver sem eles. A primeira cena diz tudo: Clotilde, ainda adolescente, tira a roupa em público para manter seu ponto de vista, manter sua visão de mundo. Essa idéia caminhará por todo filme. Ela fará de tudo (mesmo que caia em sua degradação moral) para manter-se em pé, na defesa de seus anseios.

Mesmo baseado em fatos reais, a história ganha força à la Danielle Steel e o que vemos, ao final, é um conjunto de lugares-comuns estranhamente alinhados.

Eu havia gostado tanto de Netto perde sua Alma (exibido na 25ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo - direção também de Beto Souza, mas com Tabajara Ruas) que pensei encontrar, em Dias e Noites, uma boa pedida.

Se o filme não estivesse tão engessado em padrões e se permitisse ser mais livre…o gênero zombando de suas próprias especificidades…talvez a obra se transformasse em uma surpresa agradável. O que, certamente, não é.

No Domingo descobri que o último filme do ótimo diretor Michel Gondry seria exibido na Mostra dali algumas horas. Não deu outra, fui correndo em direção ao cinema e, sorte, tinha ingressos disponíveis para a sessão.

Rebobine, por favor (Be Kind Rewind, EUA, 2008, 102 minutos) se passa em uma vídeo locadora de VHS, ou seja, uma indústria decadente. Tem a seu favor um acervo variado, mas perde a concorrência para aquela grande loja da esquina que aluga DVDs. Aliás, esse é outro negócio em decadência… Mas… vamos lá!

A tal da locadora sofre um incidente, todas as fitas VHS magnéticas são apagadas… e pra satisfazer os clientes os personagens de Jack Black (Jerry) e Mos Def (Mike) resolvem refilmar “clássicos” como Ghostbuster e A Hora do Rush. Hilário!

Pirataria?!

O filme tem tudo a ver com a atual situação da indústria de filmes e música. Há críticas pesadas à pecha de criminoso que a RIAA dá a seus consumidores fiés, aqueles que adoram um filme e pagariam caro para vê-lo. Na verdade a RIAA, a tal da associação das indústrias de entretenimento, não é citada nominalmente, mas é representada por advogados truculentos.

O tal do conteúdo gerado pelo usuário ganha força no filme, com suas obras “suecadas”, ou seja, feitas em casa, refilmagens de obras cinematográficas originais. Aqui existe uma piada (eu acho que é piada) que só um cara gosta de tecnologia,como eu, poderia perceber. Os filmes são “suecados” pois, explicam, foram feitos na Suécia. Isso nada mais é do que uma crítica a indústria cinematográfica e uma referência clara ao The Pirate Bay, aquele buscador de torrents, ou seja, download “cinza” de filmes.

O filme é ótimo, com boas piadas e referências para bons apreciadores da sétima arte. Claro, as referências não são pra filmes cult e sim para filmes conhecidos do grande público. Pra todo mundo que gosta de cinema, mídias sociais, cauda longa e UGC, vale à pena.

Vale conferir:

• Youtube com os vídeos “suecados”
• Página oficial do filme
• Página do filme no site da Mostra

Próximas sessões:

• 23/10/2008, 14h30, quinta-feira, Cinemateca sala Petrobras
  
• 24/10/2008,  23h00, sexta-feira, Espaço Unibanco Augusta 3

Ontem fui assistir, na sorte, algum filme que encaixasse no meu horário maluco. Achei um japonês com cara de ficção científica que passou às 22h no Cine Bombril chamado “O Clone volta pra casa” (Kuron wa Kokyo-Wo Mezasu, Japão, 2008, 110 minutos). Pra quem gosta de ficção científica como eu, o argumento do filme é interessante. Mas a fita não segura a onda.

Ficções científicas são interessantes para abrir discussões de tabus a tecnologias novas. Desde a ovelha Dolly, a clonagem é uma delas e já foi retratada em outros filmes como o Sexto Dia.

No filme, um astronauta morre em missão espacial e é “ressucitado” na forma de clone. Questões éticas surgem mas não são aprofundadas. Como estamos em uma mostra de cinema, coisas estranhas podem acontecer na tela. E acontecem. O clone revive algumas das situações de sua infância que o marcaram e acaba se surpreendendo com o que vê.

Talvez a barreira tenha sido a língua já que preferi acompanhar as legendas em inglês do que a em português. Como havia dito antes, faço confusão quando um filme tem mais de uma legenda. Mas, na verdade, isso nunca foi impedimento em todos os filmes da Mostra que já assisti.

A impressão geral - encontrei a Bibi do Cinematógrafo  na sessão - é que o filme é chato. Sim, concordo, fiquei com sono com a narrativa lenta e não instigante para um tema muito interessante.

O filme faz parte da chamada “carta branca do Wim Wenders“, ou seja, filmes que o diretor pode escolher para passar na Mostra. Gosto do diretor alemão, mas não concordo com essa escolha. Talvez a idéia toda fosse discutir as implicações éticas da clonagem de humanos. Não conseguiu.

O que é mais importante para um poeta? As palavras, claro. E é com essa matéria-prima, criando construções mirabolantes, que Manoel de Barros, poeta de Cuiabá, inventa 90% de seus versos, só dez por cento é mentira. Aliás, esse é o título do filme que está na 32a. Mostra, uma desbiografia oficial de Manoel de Barros.

O documentário do diretor Pedro Cezar é uma das raras oportunidades em que Manoel de Barros dá entrevista usando sua voz. Sempre preferiu tudo escrito, usando palavras e frases, que é a essência de sua obra. Imagens não dizem nada, as palavras são tudo. Depoimentos de pessoas próximas ajudam a compor o quadro, ou melhor, as palavras que definem o poeta.

Foi interessante também conversar Marcio Paes, da equipe do documentário. Fiquei sabendo que toda a filmagem foi feita com poucos recursos, estilo produção quase caseira. Mas não se deixe enganar, o filme é muito bom, daqueles que conseguem ser ovacionados pelo público no final da sessão por quase um minuto.

Próxima Sessão:

• 26/10/2008 - Unibanco Arteplex 2, 15h20

 

“Estou arruinando a minha vida e você está morrendo de tédio”.

“Você tem fome e eu estou satisfeito”.

Essa é a “nova” premissa para a velha história: jovem mulher apaixona-se por homem mais velho – experiência inesperada, mas exaltada ao máximo. Ela não conhece a vida e ele está farto dela. Sede e desejo. No caminho, ela encontra percalços que a fazem duvidar da constância de sua vida e a crer em um interior construído em retalhos. Juntá-los. Essa é a preocupação do enredo.

Um gato atravessa a rua e é atropelado. Jara, uma jovem casada, estudante de religiões, ignora o acontecimento e segue a trilha em prol de um autoconhecimento. Deste momento em diante ela estará fixada em seus próprios limites. É assim que, seduzida por uma estranha razão, ela passa a perseguir o melhor amigo de seu pai Arie (papel do ator croata Rade Serbedzija). Há muito mistério envolvendo a figura de Arie. Há muitos anos morando em Paris, ele retorna a Israel para tratar de sua mulher, uma doente terminal. Ele parece causar uma alegria obcecada e um silêncio nervoso para o pai e mãe de Jara, respectivamente. Para Jara, ele representa um universo – a estrada que vai do convencional à total dissolução.

Compreender o propósito do filme Love Life (dir. Maria Schrader, Alemanha/Israel) é tarefa…como diríamos? Inútil.

Afora a interessante fotografia, que prima por closes inquietantes e  por vezes desfocados – auxiliando a protagonista a descobrir-se em meio a sua impulsividade – o filme é mero adereço intelectualóide. A combinação de uma história intrincada e personagens com fortes tensões psicológicas é matéria para uma boa história…mas se nenhum desses elementos encontra-se concatenado…para que serve?

Os diálogos, repletos de sacadas irônicas, também se tornam infelizes e o espectador, ávido por explicações que façam jus a todo aquele palavreado, sai desgostoso e com muitas questões. Não aqueles questionamentos deliciosos…que fazem com que não esqueçamos um filme por semanas…mas perguntas desagradáveis, tais como: não tinha algo melhor para eu assistir nesse horário?

Sessões: 17/10 (Sexta-feira) - às 20:40 - Espaço Unibanco Pompéia 1

              19/10 (Domingo) - às 15h30 - Espaço Unibanco de Cinema 3

              20/10 (Segunda-feira) - às 19:00 - Cine Tam - Sala 3

              22/10 (Quarta-feira) - às 18:20 - Unibanco Arteplex 2

 

A 32ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo ocorre de 17 a 30 de outubro. São mais de 450 filmes, seleções especiais, mesas de discussão, personalidades do ramo e muita…muita arte. Acompanhe as resenhas de alguns filmes no CinemaLido!

O programa começa às 22h10, horário de Brasília, mas a cobertura on-line do próprio Radar Cultura começa a partir das 21hs, aqui: http://www.radarcultura.com.br/rodaviva

A cobertura

A ferramenta principal da cobertura é o Twitter, sistema de microblogging que tem revolucionado a forma que as pessoas se comunicam pela internet. No Twitter postarei mensagens pequenas, em tempo real, das minhas impressões da entrevista.

Outras pessoas foram convidadas também para a empreitada da cobertura ao vivo. São elas Larissa Menon, estudante de Rádio de TV e Verônica Mambrini, colunista do site Digestivo Cultural.

Adicionalmente pretendo fazer uma cobertura fotográfica utilizando a rede social Flickr. Postarei na medida do possível fotos exclusivas da sabatina com o Wagner Moura. Para acompanhar a cobertura:

• Twitter do @fugita
• Todo mundo que fala sobre o Roda Viva
• Fotos minhas no Flickr

Hamlet

Vou colocar aqui um trecho da matéria da Folha de São Paulo com uma declaração do diretor da peça, Aderbal Freire Filho:

Com cenografia econômica e figurinos despojados, a montagem de Aderbal pretende ir direto ao ponto - traço que também define a tradução. “Não pagamos tributo às capas de tradução postas ao longo do tempo. Não quisemos deixar nada de que não tivéssemos um entendimento perfeito, mas tampouco coloquializamos a linguagem de Shakespeare. Ela é poética sem ser rebuscada”, afirma ele.

Mais informações:

• blog oficial do Wagner Moura
• Roda Viva ao vivo via internet
• Site do Roda Viva
• Comprar ingresso para o Hamlet
• TV Cultura faz 1ª transmissão experimental participativa, via Tiago Dória

A qualidade da imagem era péssima. Para um cinéfilo foi como voltar à era pré-VHS. Sim, a qualidade do VHS é melhor. Fora isso o som estava fora de sincronia. Claramente as falas estavam com atraso, parecendo aquelas dublagens mal feitas de novela mexicana.

E, claro, o filme vazou dos que o receberam para avaliar para premiações, essas coisas. De tempos em tempos aparecia uma frase informando-nos disso. Outra coisa que me incomodou demais foram as legendas. Haviam duas, uma em inglês - o filme é falado em sua maior parte em afegão - e a gambiarra em português mal escrito. Eu simplesmente não consigo ver filmes com duas legendas, faço um confusão total.

Já no cinema, a qualidade é excepcional. Tudo que eu não gostei na versão pirata estava perfeito no telão do cinema. Aí , sim, consegui assistir ao filme de forma prazerosa e ele se tornou o melhor um dos melhores filmes que vi este ano facilmente.

Resumindo, apesar da falência do modelo de negócios da indústria de entretenimento que eu tanto falo no meu outro blog, assistir filme de camelô piratão é uma experiência que nenhum cinéfilo deveria passar. Prefiro mil vezes pagar mais caro e garantir o prazer do que detestar uma obra não por ser exatamente ruim e sim pois a qualidade da exibição é um lixo.

De forma geral gostei do filme. Trata-se da história de Dé (Thiago Martins), morador do morro do Cantagalo no Rio e seu envolvimento com a patricinha Nina (Vitória Frate), que vive em um apartamento em plena Viera Souto na praia de Ipanema. Daí surge um contraste que já vi em várias histórias. Parece um Titanic e um Romeu e Julieta misturados com Cidade de Deus, passando por Crash, guardadas as devidas proporções.

Conversando com um carioca, fiquei sabendo que o filme não mostra estereótipos forçados da sua cidade e que histórias do menino pobre e menina rica são até comuns no Rio de Janeiro. Alguns clichês foram óbvios demais, até engraçados. O final diferente pode dar um ar de filme alternativo, mas não se engane.

Já havia assistido a outros filmes com participação importante do diretor de Era uma vez. No ótimo Eu, Tu, Eles, Breno Silveira foi o diretor de fotografia. Lembro-me que gostei daquele filme tanto pela música quanto pela fotografia. Desta vez gostei da fotografia apesar da sensação JJ Abrams em algumas cenas.

O grande trunfo deste filme é o fato do Dois Filhos de Francisco ter sido um grande sucesso. O grande desafio é chegar ao mesmo patamar em termos de divulgação boca-a-boca.

Melhor Filme/ Best Motion Picture of the Year

• Desejo e Reparação/ Atonement | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Juno | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Conduta de Risco/ Michael Clayton | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Sangue Negro/ There Will Be Blood | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Ator/ Best Performance by an Actor in a Leading Role

• George Clooney (imdb | wikipedia), por Conduta de Risco/ Michael Clayton
• Daniel Day-Lewis (imdb | wikipedia), por Sangue Negro/ There Will Be Blood
• Johnny Depp (imdb | wikipedia), por Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet/ Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Tommy Lee Jones (imdb | wikipedia), por No Vale das Sombras/ In The Valley Of Elah | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Viggo Mortensen (imdb | wikipedia), por Senhores do Crime/ Eastern Promises | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Atriz/ Best Performance by an Actress in a Leading Role

• Cate Blanchett (imdb | wikipedia), por Elizabeth: A Era de Ouro/ Elizabeth: The Golden Age | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Julie Christie (imdb | wikipedia), por Longe Dela/ Away from Her | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Marion Cotillard (imdb | wikipedia),por Piaf: Um Hino ao Amor/ La Môme | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Laura Linney (imdb | wikipedia), por A Família Savage/ The Savages | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Ellen Page (imdb | wikipedia), por Juno

Melhor Ator Coadjuvante/ Best Performance by an Actor in a Supporting Role

• Casey Affleck (imdb | wikipedia), por O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford/ The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Javier Barden (imdb | wikipedia), por Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• Philip Seymour Hoffman (imdb | wikipedia), por Jogos do Poder/ Charlie Wilson’s War | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Hal Holbrook (imdb | wikipedia), por Na Natureza Selvagem/ Into the Wild | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Tom Wilkinson (imdb | wikipedia), por Conduta de Risco/ Michael Clayton

Melhor Atriz Coadjuvante/ Best Performance by an Actress in a Supporting Role

• Cate Blanchett, por Não Estou Lá/ I’m Not There | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Ruby Dee (imdb | wikipedia), por O Gângster/ American Gangster | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Saoirse Ronan (imdb |wikipedia ), por Desejo e Reparação/ Atonement
• Amy Ryan (imdb | wikipedia), por Medo da Verdade/ Gone Baby Gone | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Tilda Swinton (imdb | wikipedia), por Conduta de Risco/ Michael Clayton

Melhor Diretor/ Best Achievement in Directing

• Paul Thomas Anderson (imdb | wikipedia), por Sangue Negro/ There Will Be Blood
• Ethan e Joel Coen (imdb | imdb | wikipedia), por Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• Tony Gilroy (imdb | wikipedia), por Conduta de Risco/ Michael Clayton
• Jason Reitman (imdb | wikipedia), por Juno
• Julian Schnabel (imdb | wikipedia), por O Escafandro e a Borboleta/ Le Scaphandre et le Papillon | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Roteiro Original/ Best Writing, Screenplay Written Directly for the Screen

• Diablo Cody (imdb | wikipedia), por Juno
• Nancy Oliver (imdb | wikipedia), por Lars and the Real Girl | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Tony Gilroy, por Conduta de Risco/ Michael Clayton
• Brad Bird (imdb | wikipedia), por Ratatouille | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Tamara Jenkins (imdb | wikipedia), por A Família Savage/ The Savages

Melhor Roteiro Adaptado/ Best Writing, Screenplay Based on Material Previously Produced or Published

• Christopher Hampton (imdb | wikipedia), por Desejo e Reparação/ Atonement
• Sarah Polley (imdb | wikipedia ), por Longe Dela/ Away from Her
• Ronald Harwood (imdb | wikipedia), por O Escafandro e a Borboleta/ Le Scaphandre et le Papillon
• Ethan e Joel Coen, por Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• Paul Thomas Anderson, por Sangue Negro/ There Will Be Blood

Melhor Fotografia/ Best Achievement in Cinematography

• O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford/ The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
• Desejo e Reparação/ Atonement
• Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• O Escafandro e a Borboleta/ Le Scaphandre et le Papillon
• Sangue Negro/ There Will Be Blood

Melhor Edição/ Best Achievement in Editing

• O Ultimato Bourne/ The Bourne Ultimatum | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• O Escafandro e a Borboleta/ Le Scaphandre et le Papillon
• Na Natureza Selvagem/ Into the Wild
• Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• Sangue Negro/ There Will Be Blood

Melhor Direção de Arte/ Best Achievement in Art Direction

• O Gângster/ American Gangster
• Desejo e Reparação/ Atonement
• A Bússola de Ouro/ The Golden Compass | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet/ Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
• Sangue Negro/ There Will Be Blood

Melhor Figurino/ Best Achievement in Costume Design

• Across The Universe | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Desejo e Reparação/ Atonement
• Elizabeth: A Era de Ouro/ Elizabeth: The Golden Age
• Piaf: Um Hino ao Amor/ La Môme
• Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet/ Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

Melhor Maquiagem/ Best Achievement in Makeup

• Piaf: Um Hino ao Amor/ La Môme
• Norbit | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Piratas do Caribe: No Fim do Mundo/ Pirates of the Caribbean: At World’s End | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Trilha Sonora Original/ Best Achievement in Music Written for Motion Pictures, Original Score

• Desejo e Reparação/ Atonement
• Caçador de Pipas/ The Kite Runner | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Conduta de Risco/ Michael Clayton
• Ratatouille
• Os Indomáveis/ 3:10 to Yuma | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Canção Original/ Best Achievement in Music Written for Motion Pictures, Original Song

• Raise it Up (ouvir/ listen), de O Som do Coração/ August Rush | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Happy Working Song (ouvir/ listen), de Encantada/ Enchanted | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• So Close (ouvir/ listen), de Encantada/ Enchanted
• That´s How You Know (ouvir/ listen), de Encantada/ Enchanted
• Falling Slowly (ouvir/ listen), de Once | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Som/ Best Achievement in Sound

• O Ultimato Bourne/ The Bourne Ultimatum
• Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• Ratatouille
• Os Indomáveis/ 3:10 to Yuma
• Transformers | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Edição de Som/ Best Achievement in Sound Editing

• O Ultimato Bourne/ The Bourne Ultimatum
• Onde os Fracos Não Tem Vez/ No Country for Old Men
• Ratatouille
• Sangue Negro/ There Will Be Blood
• Transformers

Melhores Efeitos Visuais/ Best Achievement in Visual Effects

• A Bússola de Ouro/ The Golden Compass
• Piratas do Caribe: No Fim do Mundo/ Pirates of the Caribbean: At World’s End
• Transformers

Melhor Animação/ Best Animated Feature Film of the Year

• Persepolis | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Ratatouille
• Tá Dando Onda/ Surf’s Up | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Filme Estrangeiro/ Best Foreign Language Film of the Year

• Beauford, de Israel | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• The Counterfeiters, da Áustria | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• 12, da Rússia | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Mongol, do Cazaquistão | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Katyn, da Polônia | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Documentário/ Best Documentary, Features

• No End in Sight | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Operation Homecoming: Writing the Wartime Experience | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• S.O.S. Saúde/ Sicko | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Taxi to the Dark Side | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• War Dance | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Documentário em Curta-Metragem/ Best Documentary, Short Subjects

• Freeheld | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• La Corona | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Salim Baba | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Sari´s Mother | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Animação em Curta-Metragem/ Best Short Film, Animated

• Même les pigeons vont au paradis | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• I Met the Walrus | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Madame Tutli-Putli | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Moya lyubov | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Peter & the Wolf | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Melhor Curta-Metragem/ Best Short Film, Live Action

• At Night/ Om natten | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Il Supplente | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Le Mozart des pickpockets | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• Tanghi argentini | imdb | wikipedia | trailer | site oficial
• The Tonto Woman | imdb | wikipedia | trailer | site oficial

Depois surgiram outros como a Lara Croft, da série de mesmo nome, Robert Langdon, do Código Da Vinci e outras obras do Dan Brown e também, mais recentemente, Benjamin Gates, da série A Lenda do Tesouro Perdido, nenhum com o charme da grife Indiana Jones.

Neste último Benjamin Gates volta no segundo filme da série com o subtítulo de O Livro dos Segredos (National Treasure: Book of Secrets, EUA, 2007, 124 min), referência ao possível livro secreto passado de presidente para presidente dos EUA. Entre tantos segredos que o livro guarda - da existência da Área 51 à morte de JFK - está parte do enigma que leva a uma cidade perdida, meio Inca, meio Maia, feita de ouro, um verdadeiro Fort Knox pré-Guerra Civil americana.

O filme em si esforça-se para ser interessante e engraçado. Mas a saída encontrada são clichês que os cinéfilos acham sem graça mas a platéia vibra. Claro, serve muito bem como diversão de fim-de-semana, sem compromisso. O Nicolas Cage já fez papéis muito melhores em filmes como Despedida de Las Vegas ou mais recentemente em O Senhor da Guerra.

Gosto de filmes que procuram tesouros escondidos. Mas prefiro o Indiana Jones como protagonista principal, mal posso esperar pelo seu retorno agora em 2008!

Veja também:

• A Lenda do Tesouro Perdido - Livro dos Segredos, via Pensar, Enlouquece
• Trailer do filme, via Apple

Até onde eu entendi, existe uma história de uma atriz em crise existencial (Laura Dern), uma sala com pessoas fantasiadas de coelho e risadas aleatórias, e muitas cenas escuras que não usam o recurso da noite americana e portanto não passam de cenas escuras com alguns sons e falas, ou seja, sem imagem.

Não existe qualquer seqüência lógica na história, se é que existe uma. Segundo críticas que li, o diretor filmava a esmo cenas aqui e acolá na esperança de criar uma obra coesa. Pra mim não há coerência e sim muito humor nas coisas nonsense que acontecem na tela do cinema. Risadas não faltaram nestes momentos absurdos.

Pelo menos desta vez a loira não virou morena e nem a mulher virou um cara. Mas o fato de ninguém entender os filmes dele faz com que na tradução brasileira seus filmes invariavelmente contenham a palavra “sonho” no título, mesmo não sendo essa a tradução literal.

No começo os filmes eram ótimos, claro, excluindo desta conta os da Xuxa e semelhantes. Depois da popularização, a qualidade começou a degringolar. Foi nessa época que a moda era assistir a todas as produções tupiniquins. Eu pulei. Agora, novamente, produções de qualidade se destacam. O filme Meu nome não é Johnny faz parte desta última leva.

Apesar de longo, a história baseada em fatos reais é interessante. O próprio João Estrela, principal protagonista, faz uma “cameo” como enfermeiro do hospício. Só descobri ao ler os créditos finais. Cinéfilo que é cinéfilo gosta de ler as letrinhas miúdas que rolam ao final do filme. Até a Grace, do ótimo O Barato de Grace faz uma ponta no filme. Ela é a fornecedora de um Estrela iniciante no mundo do crime.

João Estrela é um cara sem rumo que acaba se envolvendo no mundo da distribuição de drogas. É quase que um dom natural. As mesmas habilidades não são demostradas no ramo financeiro. Apesar de movimentar de 5 a 6 zeros, vive sem dinheiro. Pelo menos é isso que deixa transparecer.

A história se passa em sua maior parte nos anos 80 e 90. De novo, como todo cinéfilo, fiquei procurando falhas nesta ambientação. Bom, neste quesito foi tudo muito bem estruturado. Para ajudar as datas que aparecem ao fundo do cenário batem com a realidade. João Estrela foi preso em 27 de Novembro de 1995 segundo o calendário na delegacia da PF. Foi solto em Dezembro de 1998. O dia 12 de Dezembro de 1998 é um Sábado, e essa data aparece em um cartaz no presídio, anunciando algum evento importante…

Se vale assistir? Vale.

Por algum motivo a organização do evento resolveu mudar o esquema do Noitão. Ao invés de ficarmos o tempo todo na mesma sala - e, por exemplo, tirar uma soneca no intervalo - os filmes é que ficaram na mesma sala, rebobinando, acho… Terminava um filme, tínhamos que nos direcionar ao outro e pegar fila. Ou seja, só nisso foram duas filas a mais durante a noite.

Claro, antes, todos pegaram fila para comprar ingresso, fila para entrar na sala de cinema, fila para pegar um refrigerante no café. Fila, fila, fila. Não sei quando aos outros frequentadores do evento, mas não gostei da mudança. Quem quer pegar fila às 2h da manhã? Eu não!

Foi mais ou menos isso que aconteceu ontem no final da tarde. Estava próximo ao cine HSBC Belas Artes e resolvi passar lá para ver o que estava em cartaz. Infelizmente o cinema estava fechado por falta de luz. Sim, falta de luz. Hoje ao abrir o jornal descobri o motivo do problema. A região central de SP ficou ontem por algumas horas às escuras e o Belas Artes foi afetado.

Bom, essa não é a primeira vez que presencio esse problema. Uma vez estava em algum cinema perdido pela cidade e realmente acabou a luz. Ficamos uns 15 minutos sem filme mas com tempo para um social e ir ao banheiro. Até parecia aquelas sessões do interiorzão em que no meio do filme interrompe-se a exibição para uma pausa para o café.

Acabei lembrando também da clássica cena do filme Gremlins - não sei qual continuação - em que o cinema é invadido pelos bichinhos e a tela do cinema parece derreter… Em um primeiro momento todo mundo achou que o filme realmente derreteu e que precisaríamos exigir nosso dinheiro de volta. Mas 10 segundos depois o filme volta e entendemos que aquela tela era na verdade uma tela de uma sala de cinema dentro do filme e os Gremlins tinham destruído o projetor. E tome risadas!

É interessante notar que nos últimos anos muitos filmes do pós 11 de Setembro tratam de formas diferentes o tema do terrorismo. Primeiro veio o Michael Moore, com o seu Fahrenheit 9/11, mostrando as relações entre as famílias Bush e Bin Laden. O documentário mostrou um Bush inerte e inútil na guerra contra o terror.

Outro filme que chamou a atenção foi o Paradise Now, que retrata a vida de dois palestinos escolhidos para se tornarem homens-bomba. Mostra exatamente como o Islamismo possui forte presença na vida das pessoas seguidoras da religião e determina, sem questionamentos, seus destinos. Para nós, de fora, é um choque de culturas.

Já no campo das séries, o Sleeper Cell retratou as duas faces da Jihad, guerra santa. De um lado um agente do FBI muçulmano infiltrado em uma célula terrorista em Los Angeles. De outro, um grupo insuspeito de cidadãos americanos, muçulmanos, que planejam ataques aos EUA a partir de solo americano. Outro choque de culturas.

O Reino conta com atores famosos como Jamie Foxx, Chris Cooper e Jennifer Garner. Vale assistir para observar bem esse choque de culturas, que aparentemente não se entendem, mas que almejam um único objetivo: achar e punir os terroristas responsáveis pelo ataque.

Não. Não me tornei fantasma, mas cheguei perto de me transformar num zumbi digno do Planeta Terror de Robert Rodriguez.

Sim. Fui vítima da impiedosa Mostra que consome e traga boa parte das energias de muitos cinéfilos que topam entrar nesta maratona.

Até hoje, quinta-feira, foram 54 ingressos utilizados e a Mostra ainda não acabou. A repescagem só termina na sessão das 21h40 de hoje, no CineSesc.

Dos 54 filmes, escrevi algo ou fiz referência à 27.

Mas tem o “Fantasmas” do primeiro parágrafo deste post que, exibido em 2001 e listado na Retrospectiva Jean Paul Civeyrac, apresenta uma Paris às portas do novo milênio e com um mistério que ronda a cidade – o que está levando pessoas à sumirem repentinamente?

28 filmes, agora.

Vai ter mais - 27 canhotos de ingressos aguardam a vez de entrar em algum post.

Quase 3 semanas de Mostra. Quase 4 filmes por dia.

Eu estava na fila da bebida na balada de abertura na Casa das Caldeiras e também assistindo aos vencedores da Mostra e ao novo filme dos irmãos Coen na cerimônia de encerramento no Memorial da América Latina.

Nesta maratona houve a façanha de agüentar 5 filmes seguidos numa mesma sala – cerca 10 horas sem sair do cinema.

Teve também a aventura de uma terça-feira: assistir à sessão das 14h no HSBC Belas Artes; descer a Cardeal Arcoverde para pegar a sessão das 16h no IG Cine, voltar para a Paulista a tempo de ver o filme das 18h no Cine Bombril; correr para o Espaço Unibanco às 20h e terminar o dia no Frei Caneca Arteplex, na sessão das 22h.

Nestes dias, esqueci de almoçar muitas vezes; quase não jantei; me contentei com as porções de pão de queijo do CineSesc. Houve também algumas caipirinhas no Clube da Mostra, sempre acompanhadas de um bom debate.

Tomei chuva, perdi ônibus, corri bastante mas nunca entrei numa sessão depois de iniciada a sessão. Ok, houve uma vez. Culpa do trânsito.

Fiz um ou outro psiu durante o filme e evitei bater palmas ao final das sessões? Para quem, oras??

O mais difícil de tudo isso? Conciliar vida e cinema: aniversário da namorada, contas para pagar, contratos para assinar, problemas lá no trabalho. Que trabalho?

Vi filmes sem legendas, mudos, sem foco mas nunca deixei de ver uma sessão do começo ao fim. Dei chance até o último crédito na tela.

Passei por filmes chatos, desinteressantes e outros que valem a pena comentar.

O fim da 31a Mostra não representa o fim dos posts sobre os filmes do festival.
Abri mão de comentar os filmes no dia-a-dia das sessões, para escrever com mais calma e, principalmente, tentar sobreviver à maratona. Não me tornei fantasma, só um pouco zumbi.

Logo mais à noite, às 21h40 no CineSesc, a última fila, a última vinheta, o último psiuuuuu…. “Happy End” para 31a. Mostra.

Vou sentir saudades.

Ontem foi a vez do Glória ao Cineasta (Kantobu-Banzai, Japão, 2007), no qual um Kitano em crise existencial, faz um meta-filme com piadas ao seu próprio estilo de filmar e outras coisas mais. Com aquela expressão impassível, a mesma que torna o Bill Murray tão engraçado, o Glória ao Cineasta passa por vários gêneros, faz referências à sua cinebiografia, de Kukujiro a Zatoichi e também a grandes sucessos de Hollywood, de Impacto Profundo a Matrix.

Apesar das risadas fartas na sala cheia, não achei tão engraçado assim. As piadas vão do pastelão à referências refinadas, mas nem sempre é divertido. Filme escrachado como os da série Todo Mundo em Pânico provocam mais risadas em mim com suas referências do que o Glória ao Cineasta.

Talvez tudo não passe de uma volta às suas origens. Takeshi Kitano, além de diretor e ator, já foi humorista daqueles programas de TV esquisitos do Japão. Quem quiser saber o que estou falando, é só lembrar de Encontros e Desencontros da Sofia Coppola e aquele apresentador japonês maluco.

De qualquer forma, depois do filme fiquei imaginando o Bill Murray e o Beat Takeshi na mesma cena. Esse sim, eu morreria de rir.

Pequenas Histórias pode até ser o nome deste filme nacional. Para mim, pequenas histórias são todos os filmes. É o cinema.

Amo a Mostra porque ela me leva à pequenas histórias ao redor do mundo. Num mesmo dia viajo, conheço lugares, personagens, me emociono, me divirto e também me aborreço. Num mesmo dia, no intervalo de algumas horas, conheço muitas pequenas histórias.

Eduardo Coutinho também ama pequenas histórias e faz de seus filmes um cantinho para que as pessoas possam contá-las. Jogo de Cena é um filme de pequenas histórias que emocionam enormemente. Um anúncio busca recrutar pessoas para contarem suas histórias em um documentário. Muita gente se inscreve, algumas são selecionadas e no palco de um teatro vazio, pessoas contam para Coutinho e para nós, suas pequenas grandes histórias. Coutinho vai além e, através destas pequenas histórias, dá um nó na realidade – entre aquela gente ali no palco, há atrizes infiltradas que buscam representar pequenas histórias de pessoas reais. Trata-se de um de exercício? Não somente. Atrizes calejadas como Fernanda Torres, Andréa Beltrão e Maríllia Pêra confessam que as pequenas histórias de pessoas reais são mais difíceis de representar do que pequenas histórias de pessoas que só existem nas cabeça de roteiristas. As pequenas histórias de Jogo de Cena, não são nada pequenas.

Mas em Jogo de Cena um detalhe chama a atenção: somente personagens femininos participam das conversas com Coutinho. Apenas mulheres têm pequenas histórias para contar?

No mexicano Dos Abrazos há duas pequenas histórias separadas por dois abraços. Na primeira, um jovem garoto acha refúgio na paixão por uma garota, caixa de supermercado. A fuga deste garoto, mesmo que apenas subjetiva, é de seu lar, de seu irmão doente. No abraço entre o garoto e a garota que fecha esta primeira pequena história, um taxista passa e assiste a cena, tentando evitá-la. O taxista busca fugir da culpa por ter abandonado um lar com mulher e filhos. O refúgio do taxista é o anonimato das ruas até que um passageiro resolve falecer em seu táxi, obrigando-o a assumir uma identidade, nem que seja de alguém que ele não é. Esta pequena história também termina num abraço.

Pequenas histórias podem terminar num abraço, podem ser alegres, tristes, podem ser pessimistas ou não. Os Otimistas é um filme sérvio com algumas pequenas histórias, pinceladas à humor-negro, sobre dificuldades. A inspiração para estas histórias é um romance satírico cujo mote é: ”Otimismo é insistir que tudo está bem, quando tudo está mal”. Num dos episódios, famílias tentam lidar com lares destruídos e um hipnotizador chega para ajudar – o segredo é ser otimista. Noutro episódio, o pai tem sua filha estuprada pelo seu chefe numa vila onde manda quem tem mais. Otimismo para família deste pai é continuar com a vida que levavam. No episódio seguinte outro pai, dono de um matadouro, não sabe mais o que fazer com o jovem filho viciando em matar porcos e outros bichos. A ajuda médica vem para dar otimismo mas complica ainda mais a história. Na história seguinte um garoto perde o dinheiro que era para o velório de seu pai numa máquina de jogo e vê sua salvação na parceria com uma senhora que, depois de ser desenganada pelos médicos, passa a ter grande sorte nestas máquinas de azar. A senhora, no entanto, falece antes mesmo do jovem concretizar o sonho de tirar a família do buraco. O último episódio começa num ônibus onde todos cantam puxados por um líder que prega o otimismo. Ali há pessoas com pequenas histórias tristes em busca de uma salvação - uma garota cega, um rapaz com câncer e tantos outros dramas. Todos naquele ônibus buscam a nascente que os curará de qualquer mal. Quando a excursão revela-se um golpe, as pessoas e suas pequenas histórias tentam manter o otimismo e partem, por conta própria, em busca da nascente ou algo que os possa curar. Encontram um lago de fezes onde nadam e se curam. Pequenas histórias de otimismo onde a realidade insiste em se fazer presente.

A Retirada, de Amos Gitaï, fala de algumas pequenas histórias em meio a uma grande e complexa história, o conflito entre judeus e palestinos num momento crítico – a retirada, à força, de israelenses dos assentamentos na Faixa de Gaza. Em meio a isso, há a pequena história de Ana, personagem de Juliette Binoche que depois do falecimento do pai, tem de enfrentar seu passado e é obrigada a reencontrar a filha, que um dia foi abandonada e que agora vive num dos assentamentos a serem ocupados. Ana adentra, com sua pequena história, uma história que parece não ter fim.

A pequena história de Ana e Amos Gitaï em meio a uma grande história revelou um belo filme. Mas a relação não é lógica. Para gerar um grande um filme, uma pequena história tem de ir além, tem de conquistar os olhares do público; tem de conquistar os olhares dos críticos. O Cinema dos Meus Olhos faz uma homenagem às pequenas histórias que compõem a Mostra e confronta críticos e cineastas, “dois lados de uma mesma criação artística”. O filme, repleto de closes nos olhos buscando o reflexo da tela de projeção, resulta em interessantes discussões numa merecida homenagem a estas duas semanas de maratona que me levam a visitar tantas pequenas histórias.

Pequenas histórias? Para quê? Num dos debates que compõem a Mostra, Eduardo Coutinho disse acreditar que contar histórias faz bem às pessoas. E deve fazer mesmo - tanto às que contam, como às que assistem. Viva ao cinema, viva às pequenas e grandes histórias.

//// Filmes que vi na 31a Mostra e fazem parte deste texto:

PEQUENAS HISTÓRIAS, de Helvécio Ratton (Brasil)

JOGO DE CENA, de Eduardo Coutinho (Brasil)

DOS ABRAZOS, de Enrique Begné (México)

OS OTIMISTAS (Optimisti), de Goran Paskaljevic (Sérvia)

A RETIRADA (Disengagement), de Amos Gitaï (Israel, França, Alemanha, Itália)

O CINEMA DOS MEUS OLHOS, de Evaldo Mocarzel (Brasil)

Ciranda em Berlim (Berliner Reigen) é uma roda que gira em falso. O filme alemão de Dieter Berner que “discute diferentes manifestações do amor e do sexo” é intercalado por títulos que apresentam os personagens e os dez episódios que compõem o longa. Em “O Soldado e a Prostituta” são apresentados um traficante e uma prostituta; em “O Soldado e a Donzela”, temos o traficante e uma jovem russa, e assim por diante até chegarmos ao décimo episódio que fecha o círculo. Este paralelo com a ciranda é uma artifício narrativo interessante, apesar de não ser original, que prende a atenção e gera expectativa pelo momento em que as histórias se cruzarão e, aí está o problema – as histórias mal se cruzam e, por isso, a ciranda gira em falso. O filme avança, juntamente com as expectativas, mas termina sem conseguir corresponder as elas.

Yo Soy La Juani, de Bigas Luna, é um drama espanhol sobre o mundo dos jovens do interior daquele país que gostam de carros tunados e baladas muito semelhantes ao nosso funk – o jeito de se vestirem também nos é bastante familiar. E o filme é isso. A garota do papel central tem o sonho de ser atriz em Madri. Ela viaja para lá, mas acaba voltando para ajudar os seus pais. No meio desta história, há um namorado cafajeste e uma amiga sincera e companheira. Um longa sem surpresas que talvez busque apenas retratar algum momento da Espanha atual.

O Sinal (La Señal) é um belo noir argentino co-dirigido e estrelado por Ricardo Darín, em sua estréia atrás das câmeras. O filme se passa na Buenos Aires da década de 50, envolve detetives treinados ao estilo norte-americano, muita fumaça de cigarros, uma bela morena para os essenciais closes, uma intriga que envolve mafiosos, tiros e carros antigos e, como pano de fundo, os últimos dias de Eva Perón. O filme peca apenas pelo seu ritmo lento demais para um filme que, pelo roteiro, poderia prender a atenção do começo ao fim. Direção interessante, atuações corretas, fotografia bela como deve ser, tudo embalado numa montagem um tanto quanto destoante.

XXY de Lucia Puenzo entrega o que vem sendo anunciado e faz jus aos elogios que recebe. O filme, co-produção argentina – leia-se presença de Ricardo Darín, passado em alguma praia uruguaia, é a adaptação para o cinema de um livro e trata de uma bela e sensível história sobre as diferenças. Os espectadores não ficam indiferentes durante o filme e são confrontados com as questões abertas na tela. A grande decisão da história fica sempre em suspenso e mira o espectador que tem todo o tempo do filme para refletir sobre as questões tratadas ali. Alex nasceu com as características sexuais de ambos os sexos e, agora com 15 anos, é chamada a escolher qual “caminho” seguir – até ali ela é uma garota que necessitava de remédios para controlar os hormônios masculinos. Um cirurgião é convidado a passar alguns dias na casa da família de Alex para avaliar a situação e trás consigo sua esposa e seu filho, um jovem garoto que amplia ainda mais a complexidade de qualquer decisão para Alex, para a família e para o espectador. Daqueles dias naquela casa, ninguém sairá igual: nem o cirurgião, nem sua mulher, nem o jovem garoto, nem os pais de Alex, nem mesmo os moradores daquela vila. Da aquelas horas na sala de exibição, nenhum espectador sairá com entrou.

Help Me Eros (Bang Bang Wo Ai Shen) é a estréia na direção de um dos atores preferidos de Tsai Ming-Liang, Lee Kang-Sheng, e fala sobre muitas coisas. A pessoa que sentou ao meu lado achou que falava sobre o amor moderno; o moço ao lado dela defende o tema solidão; a senhora lá da frente não deu tempo de achar nada porque saiu antes do filme terminar. Eu achei que o filme falava sobre o vazio. Os personagens do filme não se sentem completos e tão pouco sabem o que lhes faltam. Um jovem falido desistiu de tudo, exceto de sua plantação caseira de pés de maconha; uma atendente de uma central para ajuda à suicidas que se tornou gorda após casar-se com um chef de cozinha; garotas que trabalham durante a noite na rua vendendo de tudo. Estas histórias se cruzam numa tentativa de ajuda mútua: a ciranda de Taiwan que também envolve amor e sexo, como a de Berlim, começa com o jovem rapaz querendo suicidar-se e ligando para pedir ajuda à central. O filme vai além destas linhas e, para cada um que assistir, pode assumir um significado diferente.

Um Jogo de Vida e Morte (Sleuth) também é um déjà vu, mas de um filme que eu ainda não vi – Jogo Mortal (Sleuth) de 1972. Michael Caine permanece no elenco, agora ao lado de Jude Law, com direção de Kenneth Branagh. O longa, apesar de norte-americano, aspira ar inglês e, talvez por isso, é charmoso do começo ao fim. O jogo do título se dá entre um jovem rapaz e um autor de livros de suspense e a ação acontece numa única locação – uma casa high-tech. A história começa morna e esquenta ao longo do jogo. O jovem rapaz, que roubou a mulher do autor, tem a missão de conseguir do marido traído, o divórcio. O filme tem várias reviravoltas, mas só a primeira delas é surpreendente. Como Cashback, o filme se daria bem num curta-metragem. Um jogo de Vida e Morte tem argumento interessante, direção charmosa, atores que dispensam apresentações mas se torna cansativo ao longo da projeção. A idéia de uma única locação e dois personagens dialogando todo o tempo funcionou muito bem em Entrevista (Interview), ao contrário daqui. Um Jogo de Vida e Morte provavelmente entrará em cartaz com um belo trailer e boas chamadas. Não caia no jogo.

O dia foi reservado para poucos filmes e os dois comentados aí cima quase não valeram suas sessões. O último filme do dia seria no Sesc Pinheiro. Era um filme mudo.

- E aí, gostou do filme?
- …..
- Aposto que ficou surpreendida, né?
- …..
- E a Marília Gabriela gemendo daquela maneira. A platéia foi ao delírio.
- …..
- Aquele pessoal de sonoplastia arrasou. Incrível o trabalho deles. E a orquestra? Que sincronia? Era difícil acreditar que o som saia daquele fosso, não?
- ……
- A versão sonora, que também está na Mostra não deve ter o impacto desta apresentação ao vivo.
- ……
- Confesso que nem eu poderia achar que um filme mudo, em pleno século XXI, pudesse ser tão interessante.
- ……
- E aí, não vai dizer nada?
- …..

Não sei.

Com as luzes acesas ainda, vi um homem sinalizar a outro…um outro que estava no lado oposto da sala. Verbalizando os seus movimentos labiais e não-verbais, dizia, “esse filme aí não vai dar em nada”. 

O diretor, o produtor e o ator estavam por lá…com uma pequena introdução, eles anteciparam um pouco sobre o projeto. Três anos de trabalho e vários países para apresentá-lo. O diretor era bem jovem e estava disposto a responder perguntas sobre o filme no final da sessão, no saguão do Espaço Unibanco. A primeira frase que disse era: “este filme é um documentário”. “Interessante”, pensei, “Esses são os mais interessantes”. Nesse meio tempo, entre as coisas que ele dizia e os segundos que antecediam o filme, lembrei-me de alguns documentários estranhos que havia visto nos meus anos de Mostra… “É possível fazer documentários sobre qualquer coisa”…Qualquer coisa! E eis que o que procede é um daqueles filmes em que a alusão ao “qualquer coisa” se faz latente.  

Na verdade, logo percebemos que não se trata bem de um documentário. É um filme sobre um documentário. No início, o próprio diretor (Wayne Price) escolhe um tema para seu trabalho. Ele capta dinheiro para a realização e tenta convencer o produtor da importância em se fazer um filme sobre um porteiro. Um documentário sobre porteiros de casas noturnas. Sobre um porteiro (Trevor W.), em específico, que conhece a todos e, melhor…todos o conhecem.  

Ele é modelo, está em todos os importantes eventos e é uma espécie de celebridade em alta por isso. Ele é munido de uma forma expressa de poder principal. É ele quem escolhe quem pode ou não entrar em um evento. É um rei de seu universo noturno. Uma casca reluzente em contraponto ao interior vazio e opaco.

Com fortes tonalidades cômicas, o filme vai caminhando pela involução da caracterização da personagem. Trevor W., um homem bonito e influente, passa a ser compreendido como um verdadeiro idiota.São 80 minutos de depoimentos de donos de clubes e celebridades sobre o porteiro e sua importância. Até Peter Bogdanovitch dá as caras para contracenar um pouco com Trevor W.  

É um retrato divertido…algumas tiradas irônicas e inteligentes…mas aí a gente sai do filme e pergunta: “Porque uma pessoa viaja por vários países e demora três anos para fazer um filme como esse?” 

Sinceramente, não sei.   

“Acorda garoto porque já chegamos.” O motorista não sabia que o garoto havia vindo para São Paulo justamente para sonhar.

O céu esfumaçado confirmava que ele já estava na cidade grande. O garoto pegou o metrô e tomou um ônibus exatamente como indicava as instruções. Ao desembarcar, uma fila que dobrava o quarteirão anunciava que ele já havia chegado à primeira sessão, da primeira Mostra de Cinema da sua vida.

Mal tinha se acomodado e uma senhora puxou conversa. O garoto estava tão maravilhado com tudo aquilo que mal deu atenção. Instruções em caso de incêndio, um filminho de introdução, um comercial com uma gordinha e o filme começou.

Na tela um gordo falastrão começa a mostrar alguns dramas de gente comum. Não é o Cidade Alerta, mas lembra. O filme, um documentário chamado S.O.S. Saúde, tenta mostrar como são vilões os planos de saúde nos Estados Unidos – para o narrador, a universalização do sistema de saúde é a melhor solução. E, para defender esta tese, o gordinho vai ao Canadá, a Paris, a Londres e até Cuba para mostrar como a coisa pode funcionar bem sem ninguém pagar nada. O garoto viu gente rir, ouviu gente chorar e gente se inconformar quando, na tela, uma senhora descobre que o medicamento que ela precisa e que custa 123 dólares nos Estados Unidos sai por 5 centavos de dólares em Cuba. Lá em Minas, os pais do garoto também reclamam dos medicamentos caros – “vou contar para eles que em Cuba é tudo uma maravilha”, pensou. Ele gostou do filme, mas ficou com um pé atrás com o diretor – “ele fala o que quer e quase não deixar ninguém se defender”, anotou em seu bloco de papel.

33 diretores, cada um com um filme de 3 minutos, esta é a proposta de “Cada um com o seu cinema”. São tantas histórias que o garoto não parava quieto na poltrona; achou um pouco cansativo. No catálogo ele havia lido que o filme é uma homenagem ao aniversário de Cannes, um importante festival de cinema. Têm histórias legais, outras muito chatas mesmo. A surpresa vem no final com os brasileiros Castanha e Caju improvisando. No final, o garoto aproveitou para ir ao banheiro e lavar o rosto, porque ainda havia muito por vir.

Tem gente que não gosta de filmes sobre guerra, e este garoto era assim. Ele achava tudo sempre muito triste e não conseguia entender os propósitos. Vale da Emboscada fala sobre o conflito em Kosovo entre albaneses e sérvios. Os albaneses estão afim de dar o troco depois de tudo que sofreram e a OTAN manda um grupo de soldados alemãs, em missão de paz, para garantir a segurança. No meio da história tem um garotinho que perdeu os pais e pensa em se vingar a qualquer preço. Um dos soldados põe sua carreira em risco para tentar ajudar o garoto e entender melhor o que se passa naquela vila. O filme é triste, mas acaba bem.

O garoto havia chegado ao cinema em plena luz do dia e saía à noite embaixo de uma grossa garoa. “Eu devia ter ouvido minha tia quando me disse que em São Paulo o tempo era louco” xingou-se o garoto. Sem guarda-chuva, ele pegou outro ônibus e foi para o segundo tempo da maratona.

Chegou atrasado ao cinema do shopping porque havia trânsito. “Como pode ter tanto trânsito assim”? - começou a querer voltar para Minas. Com fome porque não teve tempo de comer, entrou na sala e, surpresa: o filme também havia atrasado e ele não perdeu muita coisa, só o discurso do diretor. É um filme nacional chamado Lado B – Como fazer um longa sem grana no Brasil. Chato no começo, mas divertido do meio para o final. O filme fala das etapas de produção de um filme sem grana e aproveita o making of de outro filme do mesmo diretor, QuartaB, para ilustrar cada “dica”. O garoto gostou bastante porque ele podia se ver fazendo aquilo.

Último filme dia, e o garoto não parava de olhar no relógio – tem medo de perder o último ônibus na rodoviária. É um filme em francês que fala sobre o início da AIDS e o impacto no estilo de vida das pessoas daquela época, principalmente dos gays. O garoto não achou o filme ruim, mas provavelmente vai esquecê-lo depois de um tempo. O que mais gostou foi do frânces falado no filme - “ainda vou aprender a falar assim, prometeu”.

Antes mesmo dos créditos começarem, o garoto saiu correndo, atravessando os corredores de lojas caras daquele shopping – ele não está nem aí para compras. O dinheiro que havia economizado com comida gastou num táxi até o metrô. O último ônibus saia às 0h10 e ele chegou à rodoviária às 0h13. Ufa, ele havia conseguido.

Apesar do cansaço, nada de dormir. O garoto aproveitou a viagem para fazer alguns rascunhos do texto que seria sua redação para o dia seguinte. Começava assim: “Acorda garoto porque já chegamos”.

//// Filmes comentados nesta crônica e que foram assistidos na segunda, dia 22:

// SOS SAÚDE (Sicko), de Michael Moore (Estados Unidos, 2007)  

// CADA UM COM O SEU CINEMA (Chacun Son Cinéma), de vários diretores (França, 2007)

// VALE DA EMBOSCADA (Mörderischer Frieden), de Rudolf Schweiger (Alemanha, 2007)

// LADO B, COMO FAZER UM FILME SEM GRANA NO BRASIL, de Marcelo Galvão (BRA, 2007)

// AS TESTEMUNHAS (Les Témoins, de André Téchiné (França, 2007)

Para a missão do dia escolhi o CineSesc, um dos melhores cinemas da cidade – não porque tem um barzinho dentro da sala, mas porque a tela é grande e as poltronas permitem assistir ao filme de maneira confortável. Cheguei em cima da hora para a primeira sessão do dia e me deparei com uma multidão que atrasava o início da projeção – todos estavam lá para ver Michel Gondry que, definitivamente conquistou uma legião de fãs, seja pelos clipes da Björk, seja por seus argumentos originais - Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças permeia o top list de muita gente, incluindo o meu.

O título do novo trabalho de Gondry entrega o filme – Sonhando Acordado (The Science of Sleep) narra a história de um personagem que mescla o seu dia-a-dia aos sonhos, criando fantásticas parábolas visuais. O centro do filme está no personagem de Gael Garcia Bernal, hit do momento, diga-se de passagem. Stéphane, o jovem ilustrador, muda-se para Paris em busca de um trabalho criativo e acaba se deparando com um cargo burocrático à la The Office. Mas antes que decidisse fugir de Paris, o personagem se depara com Stéphanie, a bela vizinha. A paixão, ou a dúvida sobre ela, cria um mundo paralelo e o personagem de Gael já não consegue mais distinguir o real do sonho. A maneira Gondry de filmar testa, a todo o momento, a linguagem e não perde a oportunidade da auto-referência. O estilo vídeo-clipe pode afastar alguns – como de fato afastou – mas vale a pena deixar-se conduzir pelas viagens do filme e entrar no ritmo alucinógeno que ele propõe. Além de provar competência na área, o arsenal visual também se coloca como uma fuga do lugar-comum para ilustrar um tema bem clichê - o amor; porque no fundo, o filme é uma prazerosa comédia romântica. Sonhando Acordado abastece muitas e muitas resenhas e é por isso que pretendo voltar a ele, em breve.

A sessão seguinte foi uma surpreendente comédia dramática, com toques de humor negro. No canadense Sobrevivendo à Minha Mãe (Surviving My Mother), de Émile Gaudreault, os diálogos são tão afinados e diretos que dá vontade de anotar cada fala durante a sessão. De alguma maneira este filme lembra, em certos momentos, o clima de Flores Partidas, mas com argumento totalmente diferente – aqui a narrativa trata da relação entre mães e filhas. Clara, a personagem central do filme, é filha na primeira parte e mãe na segunda. Como filha, tem de lidar com a doença que consome sua irônica e ranzinza mãe transformando-a na “mulher-amarela” – o câncer acaba atingindo o pâncreas de sua mãe na fase terminal. É nesta parte do filme onde estão os melhores diálogos. Na segunda parte, Clara é a mãe que tem que lidar com uma triste realidade na relação com sua filha – enquanto preocupava-se com a mãe doente, a filha encontrou nas relações sexuais com homens casados, desconhecidos e até um padre, a fuga daquela casa que “cheirava à morte”. A mãe de Clara, antes de morrer, confessa que nunca chegou a conhecer a fundo sua filha; e é isso que Clara passa a fazer – buscar conhecer sua filha profundamente. O filme arranca gargalhadas nos diálogos; lágrimas ao ensaiar um triste final; e termina com um efusivo aplauso. O roteiro é esperto e poderia dar margem a três filmes diferentes, mas foram muito bem compilados neste longa canadense. Torço para que entre em cartaz.

O alemão Irmãs Pertubadas (Schwesterherz), de Ed Herzog, poderia ter sido um filme melhor se a qualidade da cópia tivesse ajudado. O formato digital pesou contra esta história sobre duas irmãs que buscam se conhecer durante as férias. A mais velha é workhoolic, trabalha com eventos e começa a entrar numa crise de meia-idade. A mais nova está no fim da adolescência e na descoberta da juventude. Uma aprende com a outra até que uma fatalidade tenta separar as duas. Como a qualidade do filme era ruim, o centro das atenções recai sobre o roteiro, que não passa do teste no originalidade.

O simpático e japonês Hula Girls, de Lee Sang-il, também pecou pela qualidade da cópia, no entanto, aqui a história segurou o filme. A linha narrativa da película se encaixa na lista de filmes chineses sobre crianças que surpreendem adultos com histórias edificantes, mas, a simpatia do elenco e o inusitado argumento da história salvam o diretor. Numa vila mantida por uma mina de carvão no interior do Japão, um novo empreendimento é planejado - um resort Havaiano. A população local não aprova a maluca idéia, até porque o tal empreendimento irá tirar o emprego de muita gente e, para piorar a situação, para o lançamento do tal empreendimento a idéia é produzir uma apresentação de hula-hula com dançarinas locais. O desafio na história é trazer idéias “modernas” para vila, além de conseguir treinar as meninas a tempo da grande estréia. O mais interessante de tudo isso é que a história é baseada em fatos reais.

O dia termina com uma bela surpresa chamada Entrevista (Interview). O diretor é o consagrado ator Steve Buscemi que, entre outros filmes, estava no Cães de Aluguel de Tarantino; aqui ele entrega o seu terceiro longa. O argumento é simples: a entrevista de um jornalista, correspondente internacional, com uma sexy atriz de filmes B e seriados melados. O jornalista caiu de pará-quedas na entrevista mas têm de levar para seu editor alguma história – a qualquer preço. A atriz aproveita-se da situação para exercitar o seu poder de manipulação. Os diálogos são ácidos e o argumento se segura mesmo diante dos parcos recurso do enredo – um apartamento e duas pessoas. Foi uma bela supresa para concluir o dia.

Ainda havia a sessão de À Prova de Morte, que para quem ainda não sabe, é o novo de Quentin Tarantino - mas vai ficar para outra sessão.

Bom, chega por agora porque o post ficou longo demais, não acham?

P.S.: Como costuma finalizar um amigo em seu blog: na minha vitrola Björk, em Debut.

Reunidos por circunstâncias casuais e amizades longevas, cinco mulheres e um homem - Jocelyn, Allegra, Prudie, Sylvia, Bernadette e Grigg - decidem formar um clube de leitura das obras de Jane Austen. No clube, cada um fica responsável por um romance e, mês a mês, seguimos o rumo de desenvolvimento das personagens ao longo dos dias, na seqüência das obras Emma, Mansfield Park, Pride and Prejudice, Northanger Abbey, Sense and Sensibility e Persuasion. As leituras vão se transformando em campos minados ao passo que as histórias da autora vão ressonando como vida real na trajetória de cada um dos participantes.

Em um momento clímax do filme, Emily Blunt (em excelente desempenho) deve decidir o destino de suas ações quando vê no sinalizador de pedestres a mensagem “WHAT JANE WOULD DO?” ao invés de “WALK”. Ela está entre os limites de atravessar uma fraqueza em prol de uma atitude sem RAZÃO, mas acaba trilhando pelos desvelos da SENSIBILIDADE.

O Clube de leitura de Jane Austen (The Jane Austen Book Club) é um filme simples e despretensioso e faz as vezes de portador das bandeiras que balançam no alto pelas guerras mas encontram porto seguro no reencontro e na aceitação: do século XIX ao século XXI…em prol da vitória do amor.

Que pensam os jovens? Como vêem o mundo os ainda mais jovens? A infância foi o tema central do trio de filmes que assisti no sábado.

- “Sanne, desce lá para deixar o papai feliz porque ele está chorando de novo”, pede insistentemente seu irmão de 11 anos.

- “Não vou descer nunca mais”, recusa a garota de 14 anos.

– “Se ele continuar triste, vai querer se suicidar de novo e, se você não descer, eu desço”. A garota então tira a roupa e desce.

A Arte das Lágrimas (Kunsten At Graede I Kor), filme dinamarquês de um diretor estreante em longa-metragem, Peter Schonau Fog, aborda a fundo às questões de uma família do interior através das percepções de um garoto de 11 anos. Neste drama sem muitas surpresas, mas com bela fotografia, Allan, o irmão caçula de uma família de 3 irmãos, faz de tudo para deixar seu pai feliz, e com isso, contribuir para o bem estar de sua família. Para o garoto, o pai é a grande referência e a perda dele seria algo impensável. Ao longo do filme, entretanto, o garoto começa a questionar-se e percebe, enfim, como todos na família são infelizes justamente por culta do pai - um irmão deixou a casa e a irmã acabou sendo internada num hospício. A melhor cena do filme fica para a última parte, quando, em mais uma de suas ameaças de suicídio para chamar a atenção, o pai passa a ser questionado pelo garoto. Esta cena e a razão que levou-se a ela, acaba por tirar o pai de casa, fazendo o garoto descobrir que sua grande referencia, na verdade, é a sua mãe.

E foi na infância que “Do Jardim” e “Do Pincel” se conheceram. No francês Conversas com o Meu Jardineiro (Dialogues Avec Mon Jardinier), de Jean Becker, um pintor, o sempre presente Daniel Auteuil, cansado de sua vida na cidade, parte em busca de inspiração na antiga casa de sua família no interior. Para ajudar na casa, o pintor contrata um jardineiro que, graças ao acaso, é um ex-amigo de farras da escola. O encontro, mote do filme, acaba por mudar a percepção dos dois que, a partir daí, descobrem um novo mundo de percepções. O filme tem diálogos interessantes, o que é de se esperar de um filme chamado “Conversas…”, mas pára por aí e não sai do lugar-comum: amigos que se reencontram, se descobrem, mudam até uma fatalidade aparece para separá-los. É um filme correto, que nos faz pensar “o fizemos até aqui” mas que não chega a surpreender.

O filme mais interessante de sábado ficou para o final – o também francês Infâncias (Enfances) de Yann Le Gal, Isild Le Besco, Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Corinne Garfin, Ismaël Ferroukhi, Safy Nebbou. O filme se compõe de curtas-metragens realizados por jovens diretores franceses e partiu de uma grande idéia – retratar lembranças marcantes da infância de destacados diretores de cinema. O que torna o filma ainda mais interessante, além do argumento, é que a direção dos curtas busca fazer referência ao estilo do diretor, tornando a sessão um jogo de adivinhação já que o diretor retratado só é enunciado no final. De Fritz Lang presenciamos sua relação com a mãe judia; a relação com a mãe também está nos trechos de Orson Welles, no qual ele tenta manter sua mãe viva através do olhar e de Alfred Hitchcock na complicada relação com sua autoritária mãe, capaz de queimar sua coleção de musas do teatro e castigá-lo por qualquer ato que ela entenda como sendo de perversão; do grandalhão garoto Jacques Tati nos divertimos com um episódio durante sua passagem pela escola; com o pré-adolescente burguês Jean Renoir fazemos uma viagem ao campo e as surpresas que este ambiente revela; e, do garotinho Ingmar Bergman temos a história mais marcante do filme - as mudanças e questionamentos que a chegada de uma irmã trás à família. O forte apelo comercial de Infâncias provavelmente o colocará em circuito comercial. Os altos-e-baixos de filme com vários diretores, como este, não impede que Infâncias seja imperdível.

A infância e a família tomou conta do sábado e também deu as caras no domingo, tema do meu próximo post.

Ao contrário do que só pode imaginar, no final de semana o vai-e-vem de pessoas na calçada não é menor do que nos dias comerciais. Mas hoje é diferente e nesta multidão de gente heterogênea que se esbarra, um detalhe é comum à maioria – uma sacolinha transparente (e barulhenta) com um logotipo circular e vermelho. Sim, o público que lota a Paulista até o final de mês é o público da 31a Mostra.

E entre esta multidão de pessoas, lá estava eu. Atrasado. Quis me antecipar e acabei me atrasando nos preparativos. A meta de 5 filmes, já iria cair para 4. Mas antes da sessão, precisava trocar os ingressos para o dia seguinte no Conjunto Nacional. Nada de surpresas por lá, apenas a longa fila de pessoas e suas credenciais. Enquanto a fila andava, resolvi retirar meu kit – a bela sacola barulhenta, um bem cuidado catálogo pesado, um bonito pôster desajeitado de se levar e o guia resumido, a ferramenta essencial para essas duas próximas semanas. O tempo foi mais rápido do que a fila e lá se foi mais uma sessão perdida. Agora a conta do dia ficaria em 3 filmes. O jeito é se conformar e assumir que se trata de um aquecimento.

Como perdi a sessão das 14h, poderia me organizar melhor até o próximo filme. Cada um se programa à sua maneira. O meu é bem simples – tento otimizar o máximo o horário e evitar idas e vindas de uma sala à outra. Assim, a correria é menor e o número de filmes vistos é maior. O volume de filmes não quer dizer qualidade, mas representa variedade. Errar na escolha, assistir à filmes ruins e estranhos faz parte do processo, assim como se surpreender com um belo filme numa sessão com apenas 10 pessoas.

Como queria ver Infâncias às 20h30 no HSBC Belas Artes, também troquei os ingressos para as duas sessões anteriores. Isso quer dizer que poderia ficar na sala durante 3 filmes, sem me incomodar com filas ou ansiedade para saber se conseguirei um lugar bom para sentar. Na Mostra a escolha do lugar é de grande importância; uma cabeça na frente e você realmente não entenderá o que se passa na tela. Uma criança falando russo? Só com a tradução simultânea da mocinha com o laptop que fica passando diálogo a diálogo a tradução num pequena tela abaixo da grande tela.

E aí, como foram os filmes, todo mundo pergunta. Com 3 filmes seguidos e numa mesma sala - A Arte das Lágrimas, Conversas com meu Jardineiro e Infâncias - dá para pensar numa sessão temática: infância e amizade. No próximo post, escreverei sobre os filmes, porque hoje a meta é de 6 filmes e preciso correr para não perder nenhuma sessão. Ah, e o domingo também é de sol. Até.

Eu me lembro. Outubro de 1998. Uma sessão de Velvet Goldmine, de Todd Haynes, no antigo Tom Brasil. Aquele monte de gente na fila para uma das únicas vezes em que o filme passaria muito antes de entrar em cartaz nos cinemas…eu tinha 16 anos, milhares de sonhos e um amor desesperado por filmes.

Naquela época, eu não sabia que andavam por aí pessoas que, como eu, não concebiam uma existência em que o cinema não fosse agente principal de sentido, destino e visão de vida.

Então, apareceu a Mostra de Cinema de São Paulo. Ela já estava lá há vinte anos (e eu não sabia) com seus filmes loucos, únicos, universais e impossíveis.

Ela já abrigava uma legião crescente de cinéfilos inveterados, que compravam credenciais e assistiam de três a seis filmes por dia. Ela já era as férias no mês de outubro para um bocado de apaixonados…o calendário marcado, a corrida para não perder nada, o reencontro de amigos…1998-2007 (22ª/31ª Mostra de Cinema de São Paulo) - dez anos de cartão de ponto no que é, para mim, o evento mais importante do ano. Dez anos de filmes macedônicos, georgianos, russos, iranianos, alemães, senegaleses, franceses, espanhóis, argelinos, norte-americanos, holandeses, noruegueses…ou seja, filmes que não veríamos se essa compilação babélica, multifacetada e absurda não estivesse às nossas portas como um presente de final de ano – imprescindível e babilônico, um misto de experiências densas e excêntricas.

Na Mostra de Cinema de São Paulo, já vi os piores filmes da minha vida (nunca me esqueço de uma extravagância pseudo-filosófica vinda da Geórgia, na 28ª Mostra) e também os melhores (inumeráveis inúmeros)…passei a adorar a simples sensação de entrar, às escuras, em uma sala de cinema e descobrir, aos poucos, um subseqüente e inesperado amor ou…horror!

Passados dez anos, deparo-me novamente com Todd Haynes…um Todd Haynes musical e onírico. Bob Dylan em I’m not there será para mim o que David Bowie foi naquela época de Velvet Goldmine…trilha sonora de épocas demarcantes: Bowie como início e Dylan como consolidação.

Já que esse blog precisa começar bombando, nada melhor que ir à festa de abertura da 31a. Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Foi isso que fiz, juntamente com o Edemilson e a Ingrid, outros autores do CinemaLido. Chegamos pouco antes da meia-noite e a entrada estava tranqüila. Primeira surpresa… O convite dizia “manobristas no local”… geralmente isso significa estacionamento de cortesia. Mas era pago. Lá se foram 15 reais.

A Casa das Caldeiras é um lugar grande e interessante. Há corredores de tijolos, chaminés imensas e vários ambientes. Não havia telões passando trechos de filmes. Só exibiam um vídeo com o material de divulgação das últimas 11 Mostras e que você pode conferir abaixo. Não liguem para a baixa qualidade… foi filmado com uma câmera digital.

[youtube lOoqMVmne2I]

A medida que o tempo passou o local foi se enchendo. Parece que houve tumulto do lado de fora, o Contru estava de olho. Havia bastante comida, cozinha árabe, cerveja, água e refrigerante razoavelmente gelados. As caipiroskas eram servidas em alguns poucos pontos e a fila de espera era de cerca de 15 minutos. Vale para tomar umas gramas de álcool.

Muita gente bonita circulando, aparentemente havia mais representantes do sexo feminino do que homens. Ainda bem. Acho que todo o povo descolado e cool de SP estava neste evento. Menos eu, claro! Festa divertida, fomos embora lá pelas 3h da manhã, preocupados em acordar cedo no dia seguinte. Como aproveitamos pouco as cabines, fui só uma vez, vamos tentar assistir ao máximo possível de filmes para cobrir a Mostra no CinemaLido.

Dicas:

• Blog oficial da 31ª Mostra de Cinema
• Programação da 31ª Mostra
• Aproveite a 31ª Mostra de Cinema de graça, via Cinematógrafo
• Cobertura do Filmes do Chico

No CinemaLido a liberdade dará o tom e cada colaborador poderá escrever o que quiser, quando desejar e da maneira que preferir. O que nos unirá será o tema cinema e as possibilidades de leitura que este mundo revela. Nestas páginas poderão ser lidos filmes novos, filmes antigos, filmes da TV, filmes arrasa-quarteirões e filmes autorais. Diretores poderão ser contados, atores poderão ser discutidos e o diretor de fotografia poderá ser criticado.

Quem irá postar por aqui são os colaboradores que você pode conhecer no menu sobre e, esporadicamente, alguns convidados que possam trazer discussões interessantes para serem lidas. Os colaboradores, que se conheceram graças ao cinema, têm perfis diferentes que deverão refletir numa saudável variedade de opiniões e estilos de textos.

Com este blog, um antigo sonho finalmente ganha forma concreta graças à colaboração e empenho do Fugita – amigo, fã de tecnologia e, que por acaso, também adora cinema.

O momento para inauguramos o blog não poderia ser melhor – o início de mais uma Mostra de Cinema em São Paulo. No decorrer das próximas semanas, o blog estará focado na 31a Mostra e o conteúdo destas linhas será inspirado nos filmes que compõem esta maratona.

Sejam bem-vindos à esta viagem e sintam-se à vontade para ler, reler e opinar porque o cinema, além de ser visto, ouvido e sentido, pode ser lido.

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