Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para salvarlo.

Vamos a empezar dando a conocer el corto más famoso de Parsons, no llega a 10 minutos:

Se habrá observado que al lado del vídeo hay una lista de reproducción, subida por el propio Parsons, con más vídeos que amplían el trasfondo (“lore” lo llaman ahora, me niego a ello) de su creación. No son imprescindibles, pero ayudan a entender la película que abordamos.

Parsons eleva a 105 minutos el cortometraje de tinte fantástico-terrorífico y sus complementos cogiendo a un actor famoso como Chiwetel Ejiofor (especialmente famoso tras sus papeles en varias películas de Marvel), a otra menos conocida como Renate Reinsve y a varios más casi del todo desconocidos y metiendo influencias de otras películas y videojuegos. Entre las primeras, la saga Cube, y entre los segundos, la sagas Half-Life y Portal. Y todo ello con muchísimo material retro muy agradecido ya que el filme se ambienta en 1990: cintas VHS con metraje entrelazado, televisiones de tubo, disquetes pequeños, radios analógicas y un largo etcétera.

Acierta de lleno el director, guionista, productor y compositor al tomarse su tiempo en mostrar la decadencia del protagonista y cómo descubre ese espacio que parece infinito, su sorpresa y el surrealismo que acompaña a todo. Es lento, pero ayuda a dejarse sorprender y hasta sentir un terror distinto. Se nota que, como youtuber, es conocedor de las técnicas adecuadas para infundir miedo al respetable: silencios incómodos en lugar de gritos, grandes espacios con objetos mal puestos que provocan disgusto e indefensión al público y una amenaza casi invisible que siempre acecha a los personajes. También acierta al llenar el metraje de intensos planos secuencia provocados por el uso de cámara de vídeo en mano, con el consiguiente cambio de formato que ayuda al máximo realismo, además de una imagen muy sucia consecuencia del VHS. Incluso injertos de un clásico como La historia interminable (Wolfgang Petersen, 1984).

Parsons habla de dolor, culpa, soledad y de ser consciente de que culpar a todo y a todos del mal propio en lugar de examinar los errores cometidos no es la mejor solución, y de que querer encerrarse en un mundo propio de autolamentaciones puede acabar devorándote a ti mismo. Básicamente, que profundizar en ese infinito vacío puede vaciarte, metáfora directa del espacio descubierto por el protagonista.

Ahora bien, el responsable cae en el error de los directores noveles, esto es, poner ideas muy interesantes en pantalla pero no profundizar en ninguna, como esa dura infancia de la psicóloga que podría haber dado mucho juego, ese observador silencioso que no sabemos para qué mira ni para quién trabaja, y que luego apenas da una explicación convincente. Tampoco esa misteriosa empresa estilo Black Mesa o Aperture Science con mucho potencial pero escaso recorrido en el guion. Y por supuesto, un final que deja todo en el aire. Sí, las secuelas son más que probables, pero no habría estado de más algo de mayor profundidad en esta primera entrega.

Total, que tenemos metraje experimental que intenta ser novedoso y en parte lo consigue, pero queda la sensación de que, a saber si por falta de presupuesto o por miedo a ser demasiado rompedor o demasiado convencional, se queda en un curioso experimento. Tampoco ayudan las numerosas muy duras blasfemias. Queda así una película original que puede gustar a los amantes de los videojuegos pero que se aleja del gran público.

No es un largometraje para ver una y otra vez. Tiene muchos fallos de guion y de estructura narrativa, y en algunos momentos llega a hacerse pesada. Sin embargo, posee algo especial que termina dejándote medio embrujado. Rodada en blanco y negro, con algunos minutos en color, convierte las calles de Madrid en un personaje más de la historia. Aparecen espacios tan emblemáticos para los cinéfilos como los Cines Golem, los Cines Verdi, el Pequeño Cine Estudio —el cine más pequeño de Madrid— y la Filmoteca. Todo ello crea una atmósfera muy particular que envuelve al espectador.

Sus personajes, medio bohemios, recuerdan en cierta manera a la primera película de Fernando Trueba, Opera prima (1980) que se convirtió en un gran éxito de taquilla. Hay momentos mágicos, instantes de comedia y un Vito Sanz que está sencillamente para comérselo gracias a su sentido del humor. Además, la película deja frases tan bonitas como: «En la vida solo hay una vez en la que estás enamorado o eres un genio» o «Desde que se inventó el cine, vivimos tres veces más».

La narración reúne varias historias de distintos personajes y hasta incluye una pequeña historia romántica llena de ternura. Destaca especialmente una escena dentro de un cine en la que solo ellos ocupan la sala como espectadores. Algo que, por cierto, no resulta tan extraño cuando yo mismo acudo a alguna película sin pase de prensa y me encuentro completamente solo. Una experiencia maravillosa.

Lo que en 2013 fue un gesto casi clandestino —una película autofabricada, fuera de los circuitos industriales— reaparece ahora como una pieza fundamental dentro de una filmografía de este director.

Ella acababa de recibir un nuevo trabajo con destino a Alemania y, camino al aeropuerto, parecía claro que lo mejor era dejar atrás la relación. Yasmina tampoco quería tener hijos, mientras Nino soñaba con echar raíces y formar una familia. La película habla precisamente de ese miedo al amor, de la dificultad de tomar decisiones valientes y de cómo, muchas veces, el mejor amor es el que termina escapándose. A lo largo de tres décadas de pasión, desamor y esperanza, ambos personajes se enfrentan constantemente a una elección imposible: apostar por el amor o rendirse ante la necesidad de sobrevivir en un entorno que cada día les rompe un poco más el corazón. No es casualidad que la película haya emocionado tanto en festivales como Venecia y Valladolid, donde consiguió premios tan importantes como el Premio del Público.

Pero esta obra es mucho más que una historia romántica. Es también una reflexión sobre los miedos, sobre la incapacidad de demostrar todo lo que uno siente por la otra persona y sobre la belleza que puede existir incluso en las segundas y terceras oportunidades. Además, la película destaca por su gran fotografía, por una sólida estructura narrativa y por la magnífica interpretación de Mounia Akl, capaz de transmitir una enorme sensibilidad y belleza a través de su mirada. Es un largometraje de familia, de cocina, de encuentros y despedidas, que consigue convertir el amor en algo profundamente humano y transmitir esa emoción durante toda la película.

Detrás de El drama están las productoras A24, actualmente en la cresta de ola, y Square Peg, creada por Ari Aster y Lars Knudsen; y tras las cámaras el director noruego Kristoffer Borgli. Esta combinación, de primeras, puede no decirle nada a muchos de nuestros lectores, pero es fundamental para entender lo que nos vamos a encontrar en la película. Quien piense que va a disfrutar de una comedia romántica al uso, sacando partido del atractivo de sus protagonistas, está muy equivocado. Más bien, lo que El drama ofrece es una historia muy psicológica, con toques de comedia negra, satírica, y a veces surrealista incluso. Por tanto, vamos a ver poco amor “pasteloso” en este film.

El drama abre la caja de los truenos a partir de la confidencia que hace Emma a su novio Charlie, su mejor amiga Rachel y el marido de ésta, pocos días antes de la boda. Un secreto desconocido por todos y que hará cambiar la percepción que Charlie, Rachel y su marido tienen de Emma, y que abrirá una herida profunda de su pasado. Y aquí es donde entra en escena la capacidad interpretativa de Zendaya y Robert Pattinson, que están absolutamente fantásticos, acompañados por una también increíble Alana Haim, interpretando a Rachel, la amiga. Sus apariciones son pocas, pero cada una de ellas contribuye a elevar el tono dramático.

Es verdad que la película juega al despiste, porque empieza siendo una comedia romántica que evoluciona a algo más oscuro donde destaca la sátira, lo ácido y el humor negro. Y aquí es donde el drama psicológico entre Emma y Charlie estalla, con las dudas de ambos. El drama expone muy bien la realidad del hombre actual y plantea preguntas universales que afectan no sólo a la relación de pareja sino a cómo nos vemos a nosotros mismos en relación con el otro y en sociedad.

¿Conocemos realmente bien a nuestros seres queridos? ¿Perdonaríamos a nuestro cónyuge la revelación de una verdad comprometedora nunca antes compartida? ¿Cuánto pesa hoy en día la opinión del entorno? ¿Dónde queda la confianza verdadera en el otro? ¿Daríamos una segunda oportunidad? Preguntas interesantes que El drama acierta de pleno en plantear con un estilo satírico y exagerado.

No me resisto, antes de acabar, a relacionar El drama con otras dos películas recientes que, juntas, ofrecen una radiografía acertadísima de la deriva del hombre y la sociedad actuales en un tema fundamental como es el amor humano. Las otras dos películas son Materialistas y Un gran viaje atrevido y maravilloso, ambas de 2025. Materialistas, de Celine Song, nos ofrece una mirada sobre el amor y sus formas modernas de encontrarlo, así como de los anhelos más profundos del hombre de amar y ser amado, por encima de cualquier tipo de imagen idealizada o irreal del otro. Por su parte, Un gran viaje atrevido y maravilloso, de Kogonada, nos muestra la incapacidad de amar y de abrirse al otro por culpa de heridas del pasado no sanadas. Y, por último, El drama hará que resuenen algunas de las preguntas mencionadas más arriba.

En resumen, El drama es una película muy interesante, con una historia muy bien planteada haciendo uso de un estilo realmente efectivo pero que, todo sea dicho, no será del gusto de todos los públicos; ni es para todos los públicos. Aunque, si se le da una oportunidad, seguro que el espectador no saldrá defraudado.

La nación entera contiene el aliento en el día del Segundo Vasallaje de los Veinticinco. Un momento clave para los tributos de los doce distritos de Panem, que se enfrentan a una lucha sangrienta y forzada a vida o muerte en los 50º Juegos del Hambre. Los poderes totalitarios del Capitolio y el opresor presidente Snow (Ralph Fiennes) han convertido esta arena en una auténtica arma de matar y no solo exigirá sacrificios: encenderá la chispa de la rebelión.

Una historia contrarreloj por la supervivencia, en la que Haymitch Abernathy (ahora interpretado por Joseph Zada) tendrá que velar por su propia vida y ayudar a sus tres compañeros del Distrito 12. El eco de la resistencia regresa así con una fuerza impactante y arrolladora.

Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha llega el próximo 20 de noviembre solo a cines.

Tras la introducción del presidente de CinemaNet y de la Plataforma per la Familia, Daniel Arasa, que enfatizó que todos estos premios tienen como centro y eje común la familia, empezó la entrega de los premios. Antes de la entrega de cada uno de estos, un ponente justificó los motivos de concesión del premio a cada una de las personas, familias o películas galardonadas.

Premios cinematográficos

El director Gustavo Ron recibió el premio cinematográfico de Trayectoria. Es un guionista y director de cine que ha trabajado no solo en España sino también en Londres, Los Ángeles y Chicago. Su primer largometraje fue Mia Sarah (2006) y debutó internacionalmente en 2010 con Vivir para siempre. En su obra están reflejados los valores humanos, familiares, educativos y sociales que se tienen en cuenta en estos premios.

Las películas Los domingos (Alauda Ruiz de Azúa) y Sorda (Eva Libertad) fueron ex aequo ganadoras entre las estrenadas en España en 2025. La directora de Sorda, Eva Libertad, envió un video con unas palabras de agradecimiento, al igual que la protagonista de la película y hermana de la directora, Miriam Garlo. Presentó la película Luisa Perales, una mujer hablante cuyos padres son sordos, lo que aportó emotividad a sus explicaciones. La película Sorda narra los miedos sobre la maternidad de una mujer sorda que está embarazada, así como la lucha para sacar adelante el bebé en un mundo que no está hecho para ella.

El premio Familia a la película extranjera fue para la noruega Valor sentimental (Joachim Trier). Es un drama que muestra la difícil relación entre un director de cine reconocido y sus dos hijas. Todo se complica aún más cuando el padre decide hacer una película personal sobre la historia familiar.

La ganadora en el género de animación fue El Rey de Reyes, del coreano Seong-ho Jang. El director coreano remitió también una grabación en su lengua y subtitulada en inglés, explicando los objetivos de su film y la decisión tomada para realizarla. El Rey de Reyes está inspirada en el libro infantil The life of Our Lord, de Charles Dickens, y expone como un padre consigue, con dificultades, explicar a su hijo la vida de Jesucristo superando las fantasías del muchacho obsesionado con las aventuras del rey Arturo y mostrándole un rey (Jesucristo) mucho mayor que éste.

El premio “Familia” a Documentales fue para Una estrella fugaz (Ignasi Guerrero-Arturo Méndiz). Un documental en torno a la muerte infantil y el duelo perinatal. Destaca por los valores profundamente humanos del proceso de los padres para aceptar la muerte de su hijo y encontrar sentido al dolor. Refleja también la entrega de la familia durante los meses del niño en la UCI neonatal. Junto a Arturo Méndiz recogieron el premio Ignasi Guerrero (codirector) y Ágata Carreras.  Estos dos últimos son los padres del niño Pep, fallecido tras cuatro meses de lucha entre la vida y la muerte. El padre, Ignasi hizo sus comentarios. Y narró sus sentimientos y reflexiones,

A partir del testimonio personal, este documental rompe el tabú de los padres y madres que no quieren hablar de sus hijos fallecidos a las pocas semanas o meses de nacer y de cómo asumir la muerte del pequeño. Un problema olvidado que, sin embargo, es vivo en las UCIs neonatales y pediátricas.

“Luchadores por la Familia”

Los premios Luchadores por la Familia en su undécima edición fueron para el conferenciante Pep Borrell (Nacional) y para el ministro de Demografía a Inmigración de Croacia, Ivan Sipic (Internacional).

Raúl Sánchez, secretario general de Elfac (Confederación de Asociación de Familias Numerosas de Europa) expuso los motivos por los cuales el ministro croata y su equipo son premiados. El gobierno de dicho país se ha tomado muy en serio el reto demográfico e incentiva la natalidad con muchas ayudas a las familias y medidas para facilitar la atención a los bebés y la conciliación de la vida familiar y laboral. Asimismo, está fomentando el retorno a Croacia de aquellos que habían emigrado.

El premio fue recogido por Mladen Barac, Secretario de Estado del ministerio croata, a quien acompañaron en su viaje a Barcelona la Jefe de Gabinete del ministro y la presidenta de la Asociación de Familias Numerosas de Croacia.

La figura de Pep Borrell y los motivos por los cuales fue premiado fueron expuestos por el presidente de la Plataforma per la Família, Daniel Arasa. Recordó que Borrell es un enamorado de la familia y el matrimonio, va recorriendo el mundo, sobre todo los países de habla española, pronunciando conferencias, ha publicado libros de éxito como Bailar en la cocina y Novios 100 %, es padre de cinco hijos y tiene, por el momento, siete nietos.

El presidente de la Plataforma hizo referencia a la forma cercana y humana de Borrell de comunicar, su conexión con las familias porque habla de experiencias cotidianas y no solo de teorías, transmite serenidad y sentido práctico, tiene capacidad de hacer reflexionar sin resultar moralista ni distante, habla con sencillez, tono positivo y esperanzador, sabe introducir humor y ejemplos concretos y empatiza con las dificultades actuales de las familias.

Premios “Familias Numerosas Extraordinarias”

Con los nuevos premios “Familias Numerosas Extraordinarias” los galardonados fueron los siguientes:

La familia Rey de Olano recibió el premio denominado “Familias que suman”, reconociéndose su labor de voluntariado durante las vacaciones a lo largo de muchos años.

La familia Muñoz-Amor obtuvo el denominado “Familias que inspiran”, y se reconoce su labor de difusión de la vida familiar en redes sociales.

La familia Farré Montesó fue reconocida con el premio “Familias que suman” por su labor como delegados de Fanoc en Sant Cugat durante 20 años.

La Gala terminó con las interpretaciones de la escuela de baile Swing Maniacs, dirigida por Jana Grulichová.

Por eso es una fantástica noticia que un gran clásico, una obra de culto, un imprescindible como La Lista de Schindler, dirigida por Steven Spielberg, vaya a llegar con una edición limitada en UHD y además en caja metálica, o steelbook en su término anglosajón pero, ¿por qué llamarlo así cuando tenemos un término en nuestro querido idioma?

Tal y como informa el portal mubis por medio de información de Universal y Arvi, sabemos que la película llegará el 24 de junio. Ya se conocen todos los detalles, empezando por el diseño completo dicha caja metálica, con el director en la serigrafía interior y fotogramas y una frase de la película en la contraportada.

La edición se presenta con los mismos discos que en otras ocasiones, incluido el Blu-ray dedicado a extras:

La lista de Schindler: 25 años después: el director Steven Spielberg se une a los actores Liam Neeson, Ben Kingsley, Embeth Davidtz y Caroline Goodall en el Festival de Cine de Tribeca para reflexionar sobre el making of de la película y su legado (40 min – HD).
Voces de la Lista: un documental con testimonios de supervivientes del Holocausto e imágenes de archivo.
La historia de la Fundación USC Shoah con Steven Spielberg.
¡Y mucho más!

La película llegará con imagen panorámica 1.85:1 4K (2160p) con HDR10 y Dolby Vision, sonido Dolby Atmos en inglés y DTS 5.1 para el doblaje en castellano. La pena está aquí, en que Universal y Arvi siguen castigando al público español con un triste DTS cuando en la VO hay Atmos, y de ahí la importancia de insistir en pedir un mejor trato. Eso sí, no es Dolby Digital 5.1 de aún peor calidad.

La caja metálica de La Lista de Schindler en UHD 4K y Blu-ray tendrá una tirada limitada y un precio recomendado de 29,95 €.

Kim Jae-won, tímido y sensible, para evitar que su grupo de amigos maltrate a otro compañero de aula, acepta hacer una falsa declaración de amor a una compañera especial llamada Han Seo-yoon. Para probar algo nuevo, contra lo esperado, la joven acepta con tres condiciones la última de las cuales -no enamorarse el uno del otro- será difícil de respetar.

Esta fresca cinta, muy bien interpretada, es remake de la obra japonesa de 2022 del mismo título que dirigió Takahiro Miki y ganó un premio en la Japan Academy Awards. En este caso el guion fue realizado también por la autora Misaki Ichijo en colaboración con otros.

En esta historia nos encontramos con dos jóvenes vulnerables que comparten cada día como si fuera nuevo y único ya que la protagonista despierta cada jornada sin recuerdos del día anterior. Los sentimientos de Kim Jae-won, con el trato diario, van evolucionando hacia una amistad y un amor auténticos hacia Han Seo-yoon. Él decide ocuparse de llenar cada uno de sus días de hermosos recuerdos logrando que su historia de amor se renueve con cada amanecer.

Esa felicidad querida, pensada y deseada será anotada por ella en su diario jornada tras jornada. Esa es la rutina y el drama de Seo-yoon tras iniciar la relación con Kim: no desea dormir para no perder los recuerdos de los días felices. Su lucha por recordarlos cada nuevo amanecer es la motivación de su renacer diario. Su dificultad cotidiana se inicia con el reto siempre nuevo de enfrentarse a lo desconocido, en especial mantener los vínculos afectivos que tendrá que reiniciar cada mañana. La fotografía y el montaje refuerzan esa misma idea de repetición.

Dentro del llamado universo de los k-dramas esta película de Netflix nos habla de la memoria, del amor, de la amistad y de la fragilidad del tiempo. El joven Kim, que vive su vida con apenas ilusiones, debido a su cardiopatía y a la muerte de su madre, va cambiando a medida que conoce a Seo-yoon. Esta joven llena de vida, de asombro constante y de ilusión por lo más insignificante da luz a su existencia. A pesar de su amnesia anterógrada vive con positivismo cada día, tratando de ser feliz. Por su parte su amiga más cercana, Choi Ji-min, velará por ella en todo momento. Los padres de Kim y Seo-yoon son también personajes entrañables con los que es fácil conectar y empatizar, en especial el padre de Kim.

La película es tierna y dolorosa a la vez. La historia está muy bien contada y los protagonistas muestran una auténtica conexión. La preciosa banda sonora al piano, junto a una estupenda fotografía, nos llevan como de la mano a bucear en los sentimientos de ambos adolescentes. Son muy emotivas las secuencias en las que la protagonista dibuja a Kim espontáneamente sin recordar del todo quien es, pero queriendo descubrirlo. Tras su pérdida, necesita desesperadamente mantener los lazos y vínculos personales que han dado sentido a su vida.

El film profundiza en otros temas de interés, conectados con el principal, como el compromiso, la generosidad, la dificultad para salir adelante en situaciones de dependencia, las dificultades del sistema educativo, el acoso escolar etc…

Como señalan los críticos, la dirección de Kim Hye-young se caracteriza por un ritmo pausado con un enfoque de cámara que analiza la rutina de los personajes con atención, sin prisas, dejando que la historia avance sin forzarla. La directora estructura una narración lineal donde la prioridad está en la observación calmada frente a impactos visuales que aturdan al espectador. Esto permite combinar la ternura del primer amor con el peso de una enfermedad que impulsa a luchar por salir adelante. No cae en el sentimentalismo facilón aunque el drama envuelva la vida de los enamorados. Es imposible para el espectador no empatizar hasta las lágrimas con los protagonistas.

En efecto, los dos jóvenes avanzan en su historia de amor a través del esfuerzo personal, por la repetición de actos sencillos y detalles concretos que adquieren valor con el tiempo. La película se centra en cómo la enfermedad condiciona cada decisión y en cómo el compromiso se convierte en la base de la relación. Y será desde este esfuerzo colosal como Kim logrará despertar la memoria de Han, posibilitando una esperanza de curación impensable hasta entonces. Y es que el corazón tiene “memoria” cuando se ha sabido mimar.

Como señalan algunos críticos, el retrato de Han Seo-yoon se sostiene en su disciplina y su serenidad. La joven asume su situación con determinación y enfrenta la pérdida constante de recuerdos con una mezcla de método y esperanza. Kim Jae-won, en cambio, simboliza la paciencia y la ternura necesaria para acompañar a alguien que vive atrapada en ese ciclo diario. El vínculo entre ambos muestra que la memoria y el afecto pueden funcionar de manera independiente, y que el cariño requiere trabajo y voluntad más que permanencia. La película plantea con claridad que el amor, entendido como acto repetido y no como estado fijo, depende del esfuerzo compartido y de la aceptación de los límites que impone la enfermedad.

Los personajes secundarios —la amiga de Han y sus padres— completan el retrato de una convivencia marcada por la rutina médica y la necesidad de apoyo. Su papel es esencial porque son la red que permite mantener cierta estabilidad frente a la pérdida. La familia y los amigos mantienen el equilibrio en situaciones precarias de vida.

La puesta en escena con tonos claros, los espacios domésticos acogedores y la luz natural que predomina en las secuencias, transmite la sensación de un tiempo que avanza de forma circular, en clave de repetición. Las imágenes se detienen en los hábitos diarios y en los pequeños detalles de la vida cotidiana escolar. No hay alardes técnicos ni saltos narrativos. No los necesita.

En segundo plano podemos analizar el componente social que permite comprender muchas facetas de la obra tanto literaria como fílmica. El mundo educativo aparece como un espacio de presión y exigencia dónde el débil no tiene cabida. La amnesia de Han Seo-yun se convierte en un reflejo de esa lucha por encajar en un entorno que premia la eficacia y la productividad. Jae-won, por su parte, actuando contracorriente, encarna el deseo de proteger y sostener a los más vulnerables, aun cuando la realidad imponga límites y no lo haga nada fácil. Se observa como la competencia, el aislamiento y la dificultad para mantener relaciones sinceras pueden emerger dentro de un sistema que premia la eficiencia mientras impide el desarrollo de las habilidades sociales básicas.

Así pues, esta película de cine romántico asiático, aparentemente sencilla y sin pretensiones, es una invitación al espectador a contemplar el amor de modo diferente. No es solo una historia de pareja: es una reflexión sobre nuestros vínculos, nuestros cuidados, nuestros recuerdos. A través de los silencios que nos permiten contemplar, los gestos y las palabras acaban siendo pequeñas declaraciones de amor que nos emocionan. Se trata, en definitiva, de mirar de otra forma al otro, porque el amor no depende del pasado sino del presente.

Se construye cada día con pequeñas obras que lo encienden a diario y no dejan que se apague. Una gran lección para el mundo occidental que se desvanece en la superficialidad y desconoce como aprender a amar. Es más, el mismo concepto de amor parece evaporarse en contextos donde los valores humanos más elementales han dejado de ser prioritarios.

«Te prometo… que mañana también te haré feliz«. Dirá Kim cuando descubre el secreto de los olvidos de Han y cuando ella ya le ha hecho ver que él es su ancla en cada hoy y su seguridad en cada pérdida. A pesar de no recordar el ayer, ni por qué sigue ahí, el corazón retorna a su lugar junto al suyo; reconoce el camino de vuelta al hogar.

Maravillosa esta declaración de Kim hacia Han que vale para todos los amores, los cuatro amores que señalaba Lewis en su maravilloso ensayo. Esta promesa es, en su simplicidad, el único antídoto para su pervivencia por duras que sean las condiciones en que se encuentren las personas.

Esta película nos permite recordar que el amor es también una decisión, un acto de voluntad que involucra al ser humano en todas sus dimensiones y puede transformar toda relación amorosa en algo maravilloso. Es por ello que se puede decir que el amor verdadero es desinteresado, sanador y un reflejo de lo divino. La poesía de las imágenes nos lo describe sin palabras. Una pequeña obra con un gran contenido rico en humanidad.

El ciclo consta de una serie de títulos que se emiten en el período comprendido entre el 18 de mayo y el 28 de junio, y corresponde a los cuatro bloques que la Conferencia Episcopal Española ha diseñado para la visita, en la que, como se sabe, el Pontífice estará en Madrid, Barcelona, Gran Canaria y Tenerife. 

Las películas son las siguientes:

Descalzos. Un documental que se adentra en el fenómeno de Hakuna.

Tierra de María, protagonizada por Juan Manuel Cotelo en torno a testimonios de personas que aseguran haber tenido experiencias cercanas a la Virgen.

Recen por mí: la historia de Francisco. Aún no estrenada en España, propone un retrato íntimo del papa Francisco, desde su juventud en Argentina hasta su Pontificado.

The Chosen, con los dos primeros episodios de la primera temporada de esta serie sobre la vida de Jesús que ha sido un gran éxito y fue doblada a más de 50 idiomas.

El temps de Montserrat, un documental que aporta una mirada íntima a la vida de la comunidad monástica de Montserrat.

El Rey de Reyes, película de animación que realiza un viaje en el tiempo en vísperas de Navidad y en la que el narrador es Charles Dickens.

Las inscripciones, gratuitas, pueden realizarse en la página web de “Perfect Days”.

Un hombre (Nicolas Cage) regresa a la idílica playa de su infancia para enseñarle a su hijo dónde solía surfear. Sin embargo, es humillado por una pandilla de surfistas locales a los que decide enfrentarse ya que reclaman la playa como suya. A medida que se intensifican los enfrentamientos, empieza a desquiciarse hasta llegar al borde de la locura.

99 minutos que parecen 250. El surrealista guion de Thomas Martin y la lentísima dirección de Finnegan hacen que el metraje se sienta mucho más largo de lo que realmente es, y mucha culpa de ella tienen los innumerables flashbacks nunca bien explicados así como los planos detalle de animales, muy bellamente fotografiados, eso sí.

En esos minutos vemos a un Nicolas Cage que comienza normal, como hombre de familia (rota eso sí, está en proceso de divorcio) que tan solo quiere surfear con su hijo para que éste vea una casa a lo lejos, la casa que el protagonista quiere comprar. Pero entonces empieza a llegar el resto del metraje en el que el hijo desaparece y Cage se basta y se sobra para mantener todo lo que llega después: un brutal descenso a los infiernos tanto físico como psicológico. Y sí, lo aguanta porque estamos acostumbrados a sus mil y una muecas, a sus caras desencajadas y a sus lentas agonías. En manos de otro actor sería insufrible, pero con Nicolas Cage se ven más o menos sin problemas porque es a lo que nos ha acostumbrado desde hace muchos años y el actor tiene tablas, no nos vamos a engañar.

Hay que destacar la fotografía de Radosław Ładczuk, quien incide una y otra vez en ese calor sofocante y además muestra la progresiva decadencia del protagonista, comparándola a la de los animales que le rodean, llegando a niveles demenciales: esa rata muerta, el agua sucia, el charco repugnante o una larguísima fiesta psicotrópica fiel reflejo de la muerte de los valores propios con tal de conseguir el fin anelado.

Es verdad que el surrealismo alcanza cotas difícilmente digeribles para el público mayoritario, pero es que esta película no es para mucha gente, es un thriller psicológico que busca profundizar en hasta dónde es capaz de llegar una persona absolutamente obsesionada con un fin, poniéndolo por delante a la salud mental y física. Básicamente una crítica muy fuerte hacia esas personas que deciden libremente perderlo todo pensando en que ese fin justifica los medios. Como bien dice el protagonista al principio y se repite al final, esa ola que “tú la surfeas… o te hundes sin más”.

En favor de Lorcan Finnegan hay que decir que, aunque muestra escenas incómodas, no traspasa ninguna línea roja en lo que a temas de violencia, sexualidad o lenguaje se refiere. Sí, hay momentos con porros y otras drogas amén de esa fiesta psicotrópica de duración innecesaria, pero sinceramente, teniendo en cuenta lo visto en pantalla con Nicolas Cage o con películas de este estilo, la que nos ocupa se ha cortado bastante y se agradece.

Así que aunque se hace larga, tenemos una cita que critica duramente las ansias de algunos por tener una posesión contra viento y marea, llegando a sumergirse en los infiernos personales más truculentos. Su temática, como hemos dicho, la aleja del público mayoritario y, por supuesto, de las familias y los más jóvenes, restrigiéndose solo a los que gusten de los filmes psicológicos sin acción. Eso sí, hay que reconocer que Nicolas Cage está estupendo si comparamos su actuación a sus subproductos sin sentido.