Este sábado 11 de mayo, se han entregado los premios del Concurso de Clipmetrajes 2013 “Tu punto de vista puede cambiar el mundo” de Manos Unidas, una actividad de sensibilización y educación para el desarrollo pionera en España que fomenta la solidaridad entre los más jóvenes a través del cine, la creatividad y las nuevas tecnologías.

En la CATEGORÍA ESCUELAS (dirigida a estudiantes de secundaria y bachillerato), el Premio al Mejor Clipmetraje ha quedado empatado entre la Escola Pia Santa Anna de Mataró (Barcelona) con “Lucha” (que ofrecemos esta semana) y el colegio Santa Teresa Jesús-El Vedat de Torrent (Valencia) con “Sombras” (que publicaremos la semana que viene)

La historia sabe a poco, y aunque quiere hablar de la soledad, la tercera edad, la cibernética y la familia, lo cierto es que el guión se centra en las peripecias y apenas profundiza en las cuestiones más interesantes. No obstante, tratándose de un equipo que debuta en la ficción cinematográfica, se le puede augurar una interesante carrera.

ESTRENO Título original: Robot & Frank. Dirección: Jake Schreier. País: USA. Año: 2012. Duración: 89 min. Género: Comedia dramática, ciencia-ficción. Interpretación: Frank Langella (Frank), James Marsden (Hunter), Liv Tyler (Madison), Susan Sarandon (Jennifer), Jeremy Strong (Jake), Jeremy Sisto (sheriff Rowlings), Peter Sarsgaard (voz del robot). Guion: Christopher Ford. Producción: Lance Acord, Jackie Kelman Bisbee, Sam Bisbee y Galt Niederhoffer. Música: Francis & the Lights. Fotografía: Matthew J. Lloyd. Montaje: Jacob Craycroft. Diseño de producción: Sharon Lomofsky. Vestuario: Erika Munro. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en USA: 17 Agosto 2012. Estreno en España: 24 Mayo 2013.

SINOPSIS

Frank es un viejo y solitario cascarrabias que tiene una gran pasión por los libros. De hecho, su única amistad es la que mantiene con una bibliotecaria. Su vida es muy tranquila y rutinaria, pero todo cambia cuando su hijo decide regalarle un robot que se encargará de cuidarle. Por increíble que parezca, el anciano comenzará a hacerse amigo de la máquina y a enseñarle algunas de sus secretas habilidades.

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CRÍTICAS

[Juan Orellana - COPE]

Tras dirigir spots publicitarios, vídeos musicales y el corto de ficción Christopher Ford Sees a Film, el músico y cineasta neoyorquino Jake Schreier debuta en el largometraje con esta singular comedia futurista, galardonada con el Premio Alfred P. Sloan en el Festival de Sundance y con el Gran Premio del Público en el Festival de Sitges. Escrita por el también debutante Christopher D. Ford, relata la historia de Frank (Frank Langella), un anciano con problemas de memoria y una profesionalizada afición al robo. Desesperado con él, su hijo (James Marsden) le regala un robot para que le ayude con las cosas de la casa. Pero Frank tendrá otros planes para el autómata.

La película está correctamente rodada e interpretada, pero tiene lagunas narrativas, que resultan confusas o insuficientemente desarrolladas. Eso hace que nos cueste empatizar con el personaje, cuyo pasado y cuyas motivaciones en el presente no acabamos de comprender del todo. Por otra parte, la historia sabe a poco, y aunque quiere hablar de la soledad, la tercera edad, la cibernética y la familia, lo cierto es que el guión se centra en las peripecias y apenas profundiza en las cuestiones más interesantes. Una pena, ya que tanto el argumento como el género se prestaban fácilmente a propuestas antropológicas de más hondura. No obstante, tratándose de un equipo que debuta en la ficción cinematográfica, se le puede augurar una interesante carrera.

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Sórdido culebrón demasiado complaciente con las perversiones sexuales de los personajes, bien interpretados por un reparto de lujo, con un tratamiento muy fuerte de la violencia y el sexo, carente casi por completo de perspectiva moral.

ESTRENO Título Original: Stoker. Dirección: Park Chan-wook. País: USA. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Drama, suspense. Interpretación: Mia Wasikowska (India Stoker), Matthew Goode (Charles Stoker), Nicole Kidman (Evelyn Stoker), Dermot Mulroney (Richard Stoker), Jacki Weaver (Gwendolyn Stoker), Lucas Till (Pitts), Alden Ehrenreich (Whip), Phyllis Somerville (Sra. McGarrick), Ralph Brown (sheriff), Judith Godrèche (Dra. Jacquin). Guion: Wentworth Miller. Producción: Ridley Scott, Tony Scott y Michael Costigan. Música: Clint Mansell. Fotografía: Chung Chung-hoon. Montaje: Nicolas De Toth. Diseño de producción: Thérèse DePrez. Vestuario: Kurt Swanson y Bart Mueller. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en España: 10 Mayo 2013.

SINOPSIS

Tras morir el padre de India en un accidente de coche, su tío Charlie, que India ignoraba que existiera, viene a vivir junto a ella y su emocionalmente inestable madre. Al poco tiempo de su llegada, India empieza a sospechar que este misterioso y fascinante hombre tiene segundas intenciones, pero en lugar de escandalizarse o sentir horror, esta chica que no tiene amistades se va obsesionando cada vez más con él.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

India Stoker (Mia Wasikowska) es una extraña adolescente cuya vida da un giro trágico cuando cumple dieciocho años, pues ese día su querido padre Richard (Dermot Mulroney) fallece en un accidente de coche. La impasible actitud de la joven oculta sus profundos sentimientos, que sólo su padre comprendía. En ésas se presenta en su casa su desconocido tío Charlie (Matthew Goode), el hermano de su padre, que se hace cargo de India y de su inestable madre Evelyn (Nicole Kidman), que comienza a flirtear con él. Entonces también India se siente atraída por este hombre encantador y misterioso, con el que la chica tiene muchas cosas en común.

El discutido director surcoreano Park Chan-wook (Old Boy, Simpathy for Mr. Vengeance) debuta en Estados Unidos con esta producción de Ridley Scott. Se trata de un sórdido culebrón demasiado complaciente con las perversiones sexuales de los personajes, por lo demás, bien interpretados por un reparto de lujo. En todo caso, sus patentes cualidades formales no elevan la categoría de la película más allá de un brillante pero vacío ejercicio de estilo a lo Hitchcock —son obvios sus homenajes a La sombra de una duda, Psicosis y Los pájaros—, con un tratamiento muy fuerte de la violencia y el sexo, carente casi por completo de perspectiva moral. No parece la fórmula más adecuada para relanzar la carrera de Nicole Kidman.

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En el Día de la Madre, me ha parecido oportuno recuperar una cinta que habla de ese amor único, que necesita manifestarse de la manera más íntima e inefable posible. En este caso, es el amor de una madre por un hijo recogido en adopción… con todos los trámites e incertidumbres que rodean al proceso. Se trata de “La pequeña Lola”, donde Bertrand Tavernier nos transmite un estado personal, matrimonial y social lleno de vida y donde no se dan cita la generosidad de unos y la mezquindad de otros.

Aunque la realidad de la paternidad/maternidad no sea una necesidad del individuo sino de la especie humana, cada individuo alberga en su íntima naturaleza ese principio básico y misterioso de generar vida a su alrededor, de encontrar sentido a la vida y a sus sacrificios con la donación de sí, de enriquecerse precisamente cuando se desprende de algo en favor de quien está necesitado. Habitualmente y de manera más universal, esta expansión de la vida y el amor se desarrolla en el ámbito del matrimonio y la familia, que pasa a constituirse en cuna para el crecimiento armónico de la persona y núcleo desde el que se estructura la sociedad. Sin embargo, en ocasiones, puede que los hijos no lleguen por mil motivos, unas veces conocidos y otras un tanto misteriosos: son cosas de la vida y de una realidad que se impone, porque lo cierto es que nadie tiene derecho a tener descendencia -hablando con propiedad y en sentido estricto- y sí, en cambio, a nacer en un lugar donde se le quiera.

En esos casos, a veces dolorosos, la pareja puede llenarse de cierta frustración y ansiedad, o también de energía y audacia para iniciar un camino distinto y nuevo que llene el vacío que la naturaleza les ha deparado. Entonces, se buscarán los hijos donde puedan encontrarse porque el corazón humano necesita alguien en quien volcar todo el afecto… y eso explica que se recurra a la adopción como una salida que complete la familia, a la vez que se alivia la situación de quien se encuentre desamparado y necesitado en lugares marginales. En cierto modo, la adopción se convierte en la manera de cerrar el triángulo de amor y formar un hogar (aunque también cabe la adopción en parejas que ya han tenido sus propios hijos, y que desean ayudar a alguna otra criatura), aunque siempre queda, al menos en sus inicios, al arbitrio de unas autoridades civiles que deben regular los modos en que se realice, para así evitar abusos y daños derivados de lo que sería un auténtico mercado humano.

Muchas veces, los niños dados en adopción provienen de lugares lejanos y de culturas muy distintas a las de los padres receptores, con lo que se hace necesario no sólo el papeleo burocrático pertinente sino también se exige la presencia de los solicitantes en el lugar de origen del niño. Se trata de un viaje conveniente para asegurar la buena recepción del hijo y tener una primera aclimatación entre ellos, para que esos nuevos padres conozcan el lugar de nacimiento de la criatura y conociéndolo… aprendan a quererle en sus raíces, y también para facilitar, por qué no, una relación personal que comience con abnegación y algún sacrificio que haga crecer el amor incipiente. Entonces, el viaje físico se convierte en una auténtica odisea personal para la pareja, que da un giro a su existencia y experimenta una auténtica renovación personal… que a su vez le exigirá adoptar en adelante nuevas ópticas y referencias vitales: su mundo cambia con ese nuevo ser que llega después de muchos trámites y dificultades superadas, y que trae consigo también incertidumbres sobre su propia salud y su adaptación al nuevo entorno socio-cultural. Por eso, el cariño y el sacrificio deben ser grandes en esos primeros momentos, porque no serán pocos los problemas ni tampoco las decepciones que puedan surgir.

Todo ese mundo donde se siente la necesidad de una paternidad/maternidad y también todo el universo que rodea a la adopción es recogido admirablemente por el francés Tavernier en “La pequeña Lola”. No es una película realista ni tampoco pretende levantar acta sobre el proceso de adopción, pero en cambio sí aborda cada uno de los aspectos señalados con indudable fuerza y veracidad, gracias a una eficaz dramaturgia en que la ficción condensa sentimientos muy humanos y también a unos actores -Jacques Gamblin e Isabelle Carré-que lo hacen verosímil para el espectador. En ella, Pierre y Géraldine son una joven pareja que ha viajado a Camboya con la ilusión de adoptar a un niño, después de haber confirmado con los médicos que ella no podía tener descendencia. Allí, en el hotel de Phong Pheng en que se alojan, descubren otros matrimonios en circunstancias similares y que les ponen sobre aviso de las dificultades que existen para llevar a buen ritmo la tramitación. En el país, la corrupción se ha instalado entre las autoridades camboyanas, que tensan la cuerda para conseguir el mayor beneficio por una firma o una vía fiable, a la vez que ven cómo se llenan sus orfanatos porque las familias nativas son incapaces de soportar una boca más que alimentar.

Comienza entonces, para Pierre y Géraldine, la larga marcha por el desierto de la adopción, viven intensamente las expectativas creadas más allá de la frontera de Vietnam y las decepciones consiguientes, sufren el doble juego de los contactos camboyanos y la apuesta por el mejor postor. Asistimos también al ataque de nervios de unas mujeres en tensión permanente y a la inevitable crisis conyugal de los protagonistas, a la obsesión y necesidad por sentirse madre, y a la ansiedad y esperanza por ver el final del túnel. Entre lluvias y bosques tropicales, entre gestiones infructuosas e inevitables momentos de hastío y aburrimiento, Pierre y Géraldine tratan de resolver los problemas que una Camboya de posguerra les presenta, y los que se esconden en un corazón materno que vive enteramente para el hijo que aún no tiene.

Llama la atención la radicalidad con que la mujer vive esos momentos de forzosa espera, entre la angustia y el placer, buscando el contacto físico con la criaturadejada a prueba por una noche, y recogiendo en una grabadora cada uno de los pasos dados… segura de que el día de mañana la criatura querrá conocer el comienzo de esa pequeña odisea en que unos desconocidos se interesaron por ella. Es el inicio de una relación que busca recuperar el tiempo que no estuvo en el seno materno, que trata de proteger con las caricias y miradas al ser que no se pudo albergar desde la concepción, que se quiere dar el calor necesario para que la criatura sienta afecto y protección. Es el diálogo de una madre con su hijo, en un silencio inefable y donde ella se vacía de corazón y él acepta -en su pasividad- esa donación de cariño. No hay exhibicionismo ni gratuidad en esas escenas íntimas sino necesidad una madre de ser ella misma, y también de un director por transmitirnos la verdad de una madre y de un hijo. Es, en definitiva, una noche de amor en que Géraldine da su primer paso a una persona que estaba indefensa y ha sido acogida en adopción por un corazón grande.

[Guillermo Callejo. Colaborador de Cinemanet]

El hombre y su soledad. Es un tema que ha inundado páginas y páginas de la literatura, que ha protagonizado algunas de las más bellas pinturas de la historia, que ha aparecido en incontables obras dramáticas… y que ha estado siempre presente, de una forma u otra, en las más importantes producciones cinematográficas. La pregunta es por qué.

Nadie duda que la cuestión es tan vieja como la tos. El hombre es social por naturaleza, etcétera, etcétera. Pero si se trata de algo tan manido, por algo será. La reciente visión de dos películas aparentemente inconexas entre sí –The Place Beyond the Pines y Blue Valentine, ambas protagonizadas por Ryan Gosling- me ha llevado a darle unas cuantas vueltas de nuevo.

Parece claro que no todo el que se rodea de gente está verdaderamente acompañado, y que a veces el que a simple vista nos resulta solitario es en realidad el líder de un grupo numeroso de personas. Pasar unos cuantos momentos sin compañía no sólo es permisible, sino necesario. ¿Quién no ha deseado, con más o menos frecuencia, apartarse del mundo para juzgar un hecho, una acción o una decisión con la debida calma y objetividad? Cuando no nos vemos reflejados en el prójimo, y cuando no podemos socorrerlo ni disfrutar de su presencia, tal vez sea hora de enfrentarnos a nosotros mismos en la introspección de un paseo, en las reflexiones de un viaje o en la meditación dentro de una iglesia.

Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003) cautiva al espectador por el modo claro y nada banal con que se enfrenta a la soledad. Scarlett Johannson y Bill Murray encarnan a dos personajes parecidos y desemejantes a la vez, pues a pesar de su diferencia de edad y de sus aspiraciones profesionales casi contrapuestas ambos comparten un interés tímido por la vida, una personalidad compleja y un deseo mal camuflado de felicidad. No abundan los diálogos entre ellos durante sus escasos encuentros y, sin embargo, se expresan con una empatía abrumadora. Son almas solitarias en un Tokio desconocido y salvaje.

Creo que en Magnolia (1999), Paul Thomas Anderson, por mucho que ponga frente a la cámara unas cuantas historias paralelas y un buen puñado de protagonistas heterogéneos, nos está hablando, sí, del egoísmo, el perdón y la redención, pero también del desgarro que produce en nuestro interior vivir sólo para satisfacer nuestros intereses. De lo incómodo y penoso que resulta enfrentarse a solas a los miedos y errores propios.

Algo análogo ocurre, en mi opinión, con In the Mood for Love (Wong Kar-Wai, 2000) –un hombre y una mujer descontentos con sus respectivas parejas, infelices y desolados porque su amor matrimonial no es correspondido-, con Scarface (Brian De Palma, 1983)  –el ascenso al poder y la destrucción de un hombre sin escrúpulos, desapegado de cualquier moral y de cualquier compañía (un caso parecido es el de There Will Be Blood, con Daniel Day-Lewis)- y con la excepcional Drive –donde el callado Ryan Gosling reparte su justicia a diestro y siniestro- por mencionar ejemplos poderosos. Aunque, en realidad, la historia del cine los tiene a raudales.

Otra película relativamente nueva y de prestigio internacional, Amour (Michael Haneke, 2012), expone las causas e implicaciones de la soledad que nos sobrevendrá a casi todos cuando nos convirtamos en ancianos. A fin de cuentas, cada uno de nosotros se enfrentará a la muerte sin nadie a su lado. Lo mismo nos ocurre con el dolor: si sufrimos, sufrimos en carne propia. No puedo menos que acordarme de Sándor Márai, el fabuloso escritor húngaro del siglo pasado, quien en su obra póstuma Diarios dejó escrito lo siguiente: “La vejez. El viejo tiene que decidir cómo gestionar la soledad. ¿Qué es más adecuado: ser solitario a solas o vivir sólo en compañía?

El cine, al igual que hace con un sinnúmero de cuestiones vitales, nos muestra a menudo cuáles son las causas y consecuencias de la soledad, sea ésta en su dimensión positiva o negativa. Nos invita, en definitiva, a reflexionar sobre ella y a manejarla con destreza. Y las películas más atrevidas sugieren, incluso, la necesidad de acudir a una trascendencia cuando los recursos en este mundo se han agotado, dando a entender que nunca, nunca, nunca estamos verdaderamente solos.

Cierro con otra cita –espero no aburrir al lector-, ahora tomada del libro En tiempo de prodigios, compuesto por Marta Rivera de la Cruz: “Aprendí que la soledad puede ser un valor en sí misma, y que uno alcanza la completa madurez cuando sabe asumirla e incluso disfrutar de ella en su justa medida. Aquel que sabe estar solo tiene más facilidad para apreciar la buena compañía, y el que no se encuentra a gusto consigo mismo difícilmente estará bien con los demás”.

Drama basado en la novela de Francis Scott Fitzgerald que logra mantener en primer término las tragedias reales y palpables de los personajes, todos ellos muy bien interpretados reflejando con hondura y honestidad la codicia, la decadencia moral y el desarraigo, dominados en mayor o menor medida por un materialismo hedonista muy actual  y potenciando hasta el paroxismo la casi heroica opción de Gatsby por el amor auténtico.

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título original: The Great Gatsby (3D). Dirección: Baz Luhrmann. Países: Australia y USA. Año: 2013. Duración: 143 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Leonardo DiCaprio (Jay Gatsby), Tobey Maguire (Nick Carraway), Carey Mulligan (Daisy Buchanan), Joel Edgerton (Tom Buchanan), Isla Fisher (Myrtle Wilson), Jason Clarke (George Wilson), Elizabeth Debicki (Jordan Baker). Guión: Baz Luhrmann y Craig Pearce; basado en la novela “El gran Gatsby”, de F. Scott Fitzgerald. Producción: Baz Luhrmann, Catherine Martin, Douglas Wick, Lucy Fisher y Catherine Knapman. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Simon Duggan. Montaje: Jason Ballantine, Matt Villa y Jonathan Redmond. Diseño de producción: Catherine Martin. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en USA: 10 Mayo 2013. Estreno en España: 17 Mayo 2013.

SINOPSIS

Un aspirante a escritor,  Nick Carraway, deja el Medio Oeste y llega a Nueva York en la primavera de 1922, una época de relajamiento moral, deslumbrante jazz, reyes del contrabando y en la que la Bolsa sube como la espuma. Nick, que busca su propia versión del sueño americano, tiene como vecino a un misterioso millonario que da muchas fiestas, Jay Gatsby, y al otro lado de la bahía están su prima Daisy y el mujeriego marido de sangre azul de ésta, Tom Buchanan. Así es como Nick se verá inmerso en el mundo cautivador de los grandes millonarios, sus ilusiones, amores y engaños. Nick, mientras asiste a sus vidas como testigo, dentro y fuera del mundo en el que habita, escribe una historia sobre un amor imposible y sobre sueños incorruptibles, y contempla una tragedia de alto octanaje, reflejo de nuestra época moderna y sus dificultades.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

Nacido en 1962, el cineasta australiano Baz Luhrmann había dirigido hasta el momento cuatro largometrajes: “El amor está en el aire” (1992), “Romeo y Julieta, de William Shakespeare” (1996), “Moulin Rouge” (2001) y “Australia” (2008). Y cada uno de ellos le ha ido consolidando como uno de los cineastas actuales más originales y discutidos, sobre todo por la ampulosidad visual y musical con que afronta argumentos clásicos y universales. Ahora refuerza su fama, para bien y para mal, con “El gran Gatsby”, su personalísima versión fílmica de la famosa novela que Francis Scott Fitzgerald escribió en 1925. Una obra mayor ya llevada al cine en otras cuatro ocasiones: en 1926, por Herbert Brenon —en una película muda de la que no se conserva ninguna copia íntegra—; en 1949, por Elliott Nugent, con Alan Ladd como protagonista; en 1974, por Jack Clayton, con guión de Francis Ford Coppola y con Robert Redford y Mia Farrow al frente del reparto; y en 2001, por Robert Markowitz, en una tv movie con Toby Stephens y Mira Sorvino.

El narrador de la historia es un aspirante a escritor, Nick Carraway (Tobey Maguire), que recuerda su propia vida desde el solitario sanatorio en el que intenta desintoxicarse de su alcoholismo. Nick dejó el Medio Oeste y llegó a Nueva York en la primavera de 1922, con la gran ciudad dominada por el relajamiento moral, al auge del jazz, el contrabando y las fortunas rápidas en la Bolsa. Ansioso de disfrutar su propio sueño americano, Nick se hace amigo de su vecino, Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), un joven y misterioso millonario, que organiza fiestas apabullantes y descontroladas con un único afán: que en una de ellas aparezca Daisy (Carey Mulligan), la bella prima de Nick, que vive angustiada al otro lado de la bahía con Tom Buchanan (Joel Edgerton), su mujeriego marido de sangre azul. Así, Nick se ve inmerso en el mundo cautivador y peligroso de los multimillonarios, plagado de trampas, mentiras y soledades.

Como en todas sus películas, Luhrmann arriesga en la resolución visual y musical de esta trama extremadamente melodramática, y opta por un despliegue casi operístico en 3D estereoscópico, con impresionantes recreaciones digitales de Nueva York y fiestas con miles de extras, en las que su taquicárdica cámara vuela desde los apabullantes planos generales a los planos de detalle, punteada por un montaje superfragmentado e ilustrada por una banda sonora totalmente anacrónica, que intenta reflejar la revolución que en esa época supuso el jazz fusionándolo con todos los géneros actuales, incluidos el rock, el tecno y el hip-hop. Los más puristas pondrán el grito en el cielo con esta opción; pero lo cierto es que le funciona muy bien en cuanto a agilidad narrativa e intensidad dramática, sobre todo porque siempre logra mantener en primer término las tragedias reales y palpables de los personajes, todos ellos muy bien interpretados por el reparto, en el que sobresalen unos inspiradísimos Leonardo DiCaprio y Tobey Maguire. Elogio especial merece la dirección artística y el vestuario, ambos a cargo de Catherine Martin, la esposa de Baz Luhrmann.

En realidad, ese extremado barroquismo formal de Luhrmann —que a veces puede cansar o distraer demasiado— no está tan lejos del empleado por Billy Wilder en “El crepúsculo de los dioses”, por Orson Welles en “Ciudadano Kane” o por Fellini o Visconti en cualquiera de sus películas. El caso es que esté al servicio de unos personajes con conflictos auténticos, que conmuevan al espectador. Y eso lo logra Luhrmann reflejando con hondura y honestidad la codicia, la decadencia moral y el desarraigo de los patéticos personajes creados por F. Scott Fitzgerald —todos ellos, dominados en mayor o menor medida por un materialismo hedonista muy actual—, y potenciando hasta el paroxismo la casi heroica opción de Gatsby por el amor auténtico.

“Gatsby —ha señalado Luhrmann— es una persona que venía de la nada y se inventó a sí mismo. Podría haber hecho eso y haber llegado a ser tan increíblemente rico por razones equivocadas. Pero la verdad es que lo hizo por un motivo noble: lo hizo por amor. Y eso lo convierte en un héroe. O, si se quiere, en el más romántico de los antihéroes… Un antihéroe obsesionado, que no deja que nadie reescriba el guión que ha escrito sobre su vida. Y eso hace que el libro sea una gran historia de amor, un romance trágico”. Y, eso, en efecto, es la película del cineasta australiano: un doloroso romance, que refuerza su carácter trágico con una fastuosa recreación de los oropeles y fuegos de artificio que llenan las vidas de sus personajes y de tantos seres humanos actuales que, como Gatsby, viven nostálgicos de un tiempo pasado más humano y ansiosos por encontrar una luz verde, un amor verdadero, que les ilumine su penoso camino.

[Enrique Almaraz, Colaborador de CinemaNet]

La nueva adaptación de la famosa novela homónima de Francis Scott Fitzgerald – y van cuatro para el cine –, bajo la dirección de Baz Luhrmann, nace con vocación de permanencia en la memoria a la vez que como visión personal de un período fascinante desde diversos puntos de vista, los alegres años 20. Para lograrlo, nada como un reparto formado por rostros conocidos y una puesta en escena acorde con la ampulosidad  de aquel tiempo en una historia donde convergen el poder, la ambición y los celos mezclados de manera desenfrenada en una fiesta cuyo único posible final es el desgarro amargo de la tragedia. Leonardo DiCaprio despunta como la mejor opción de su generación y del panorama actual para dar vida a tan singular presencia donde la leyenda supera la realidad y la ficción, ambas. Tobey Maguire, en su condición de confidente e individuo alternativamente testigo y omnisciente, narra desde su personaje de Nick Carraway los avatares de su peculiar vecino entre largas fiestas de vacuidad bañadas en alcohol.

Parte del toque personal que se aleja de la ambientación reside en algún elemento anacrónico – la música, en determinados pasajes – o cierta ampulosidad en el artificio, como experimentos visuales y ángulos increíbles, probablemente pensando en las posibilidades de las 3D, un formato que la película no requería – comentario oído en la sala, antes de la proyección: “La profundidad, en el guión” –, pero no puede negarse el afán detallista del simbolismo por acercarse desde la firma autoral a una etapa idealizada en blancos y negros donde los grises podían también ser demoledores. Apenas unas pinceladas se esbozan o intuyen acerca del origen de tan magnánima fortuna, pero si se pasa por encima sobre las personas involucradas en los tejemanejes bajo cuerda o en la frontera – cruzada, quizá – de la ley es por la superficialidad específica, frente a la importancia aparente, que éstas ocupan realmente en el blindado corazón de Gatsby.

El desenlace se precipita después de una presentación detallada de los fastos y excesos de todo aquel gran circo que rodea al extraño millonario, imposible de resumir en menos tiempo. Hay un cambio de ritmo muy notable, pero intencionado. En cualquier caso, la película de Luhrmann supera con creces el antecedente más famoso, la plúmbea versión dirigida por Jack Clayton en 1974 con Robert Redford y Mia Farrow como protagonistas. Y esto a pesar de la fría acogida que ha recibido en Cannes.

Cabe el consuelo de observar, tras la bajada a los infiernos y el escudriño de la decadencia, que debajo del misterio en torno a tan enigmática figura rodeado de influencias oscuras, contactos y corruptelas – más que silenciadas, asumidas – se halla una historia de superación y lucha, batallas y soledad cuyo destino – por delante del origen – es el más hermoso de los sentimientos.

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La Vida es uno de los interrogantes más profundos para todo ser humano. “De qué va la vida” se introduce en los temas más importantes de la vida del hombre. ¿Cómo fue el origen del mundo? ¿Dónde surge la vida? ¿Ciencia y Fe son opuestas? ¿Existen los milagros? ¿Qué sentido tiene el dolor?  Personalidades de todo el mundo responden a estas cuestiones desde el ámbito de la física, la razón y la espiritualidad para tratar de desvelar estos interrogantes que se plantea el hombre desde el inicio de la creación. Estreno en cines el 31 de Mayo.

Cinta de acción bien llevada que sabe encontrar y mantener con facilidad al espectador que la busca. Muchas situaciones inverosímiles pero todo desarrollado sin rupturas de ritmo y encarnado convincentemente por el notable reparto, con un divertido toque irónico.

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título original: Olympus has fallen. Dirección: Antoine Fuqua. País: USA. Año: 2013. Duración: 119 min. Género: Acción, thriller. Intérpretes: Gerard Butler  (Mike Banning), Aaron Eckhart (presidente Benjamin Asher),  Morgan Freeman (Trumbull), Radha Mitchell (Leah), Dylan McDermott (Forbes), Angela Bassett (Lynn Jacobs), Cole Hauser (Roma), Melissa Leo (Ruth), Ashley Judd (Margaret Asher), Rick Yune (Kang). Guion: Katrin Benedikt y Creighton Rothenberger. Producción: Antoine Fuqua, Gerard Butler, Ed Cathell III, Mark Gill, Alan Siegel y Danny Lerner. Música: Trevor Morris. Fotografía: Conrad W. Hall. Montaje: John Refoua. Diseño de producción: Derek R. Hill. Vestuario: Doug Hall. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en USA: 22 Marzo 2013. Estreno en España: 10 Mayo 2013.

SINOPSIS

Mike Banning es un agente del Servicio Secreto estadounidense que, tras un accidente de coche en el que únicamente puede salvar la vida del presidente Asher, decide dejarlo para trabajar en el Departamento del Tesoro. Pero cuando un comando coreano liderado por Kang ataca La Casa Blanca tomando como rehenes al Presidente y su equipo, Banning se verá obligado a entrar de nuevo en acción.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

Mike Banning (Gerard Butler) es un leal agente secreto de Estados Unidos, cuya carrera se trunca después de un desafortunado accidente de coche, en el que sólo puede salvar la vida del presidente Benjamin Asher (Aaron Eckhart). De modo que Mike deja su puesto de escolta presidencial para trabajar en el Departamento del Tesoro. Hasta que un día un comando norcoreano, liderado por Kang (Rick Yune), ataca la Casa Blanca y toma como rehenes al presidente y a su equipo. Entonces, Banning se ve obligado a entrar de nuevo en acción. Mientras tanto, el presidente del Congreso, Trumbull (Morgan Freeman), intenta apoyar al agente desde fuera sin despertar las sospechas de los norcoreanos.

En esta trepidante película de palomitas, Antoine Fuqua (Training Day, Shooter: El tirador) da exclusivamente lo que se espera de él. Es decir, secuencias de acción a raudales —más aparatosas que espectaculares—, mucha violencia —a veces, demasiada— y una mínima trama de intriga para articular en ella los básicos conflictos dramáticos y morales de los personajes. Nada de originalidad por ningún lado, y demasiadas situaciones inverosímiles; pero todo desarrollado sin rupturas de ritmo y encarnado convincentemente por el notable reparto, al frente del cual destaca el escocés Gerard Butler, con un divertido toque irónico a lo Bruce Willis.

[Juan Xipell, TAConline]

Mantener a raya a los grandes peligros para su nación ha sido siempre una de las especialidades del cine estadounidense. Desde que Hollywood es Hollywood, todo aquel que se ha atrevido a poner en jaque la estabilidad del gran poder de Occidente ha sucumbido en el celuloide frente al vigor de los héroes y valores americanos. Ahora, en pleno 2013, con los enfrentamientos con los soviéticos ya lejanos y con Jack Bauer y compañía mitigando los miedos post 11-S, una nueva amenaza se cierne sobre la Casa Blanca.

Vistas las dinámicas de Olympus has fallen, pocas novedades pueden aportar los grupos armados norcoreanos del film (parece que el nuevo enemigo de USA tanto fuera como dentro de la gran pantalla), a lo que en su día llevaron a cabo rusos, chinos, islamistas radicales e, incluso, extraterrestres. Antoine Fuqua, especialista en cintas de acción y responsable de este enésimo ejercicio de patriotismo cinematográfico (en un escenario que invita a ello más que nunca), parece saberlo al abandonar cualquier intención de imprimir cierta personalidad a su obra, y vivir del convencionalismo en este thriller que remite, inevitablemente, a los años de Jungla de cristal, La Roca o Air Force One, tanto en su estilo como en su temática.

Sin dejar de ser una más dentro de su género ni llegar, siquiera, al nivel de efectividad de los precedentes citados, Objetivo: la Casa Blanca es una cinta de acción bien llevada que sabe encontrar y mantener con facilidad al espectador que la busca.

Mucho ritmo, muchos tiros, muchas explosiones, un duelo de tipos duros y un alto grado de inverosimilitud son los ingredientes que el responsable de Training day o Shooter pone, sin sorpresas, al servicio de un entretenimiento muy básico, en el que lo de menos es tomarse seriamente su contexto político o su sobredosis, muy al estilo Roland Emmerich, de fervor americano (con un Gerard Butler deshaciéndose de un terrorista con el busto de Lincoln o una Melissa Leo negándose, como Secretaria de Defensa, a dar información a los asaltantes mientras jura fidelidad a la bandera, incluidos).

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Película que resulta fallida y a ratos irritante sobre todo por su enfoque de la Guerra Civil, mucho más convencional y parcial de lo que sus autores han asegurado por activa y por pasiva. En realidad, la película ofrece más de lo mismo: una grosera insistencia en las obsesiones sexuales de los soldados, una apolillada invocación a la lucha de clases como causa principal de la Guerra Civil y una romántica y complaciente visión del bando republicano.

ESTRENO Título Original: La mula. Dirección: Anónimo. Países: España y Reino Unido. Año: 2012. Género: Comedia dramática. Intérpretes: Mario Casas (Juan Castro), María Valverde (Conchi), Secun de la Rosa (el Chato), Chiqui Maya (Antonio), Mingo Ruano (Amor), Ignacio Mateos (Jesús), Tavi García (Cárdenas), Eduardo Velasco (sargento Barrionuevo), Pepa Rus (Pepi), Jesús Carroza (Churri), Luis Callejo (Troitiño). Guion: Juan Eslava Galán; basado en su novela homónima. Producción: Alejandra Frade y Bruce St. Clair. Música: Óscar Navarro. Fotografía: Ashley Rowe y Ángel Luis Fernández. Montaje: Teresa Font. Diseño de producción: Sophie Becher. Vestuario: Nereida Bonmatí. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en España: 10 Mayo 2013.

SINOPSIS

Al cabo Juan Castro le importa más la suerte de su mula que ganar la guerra. Por eso sale a buscarla y, tras atravesar la línea del frente, se ve implicado en un episodio tan peligroso como hilarante que, muy contra su voluntad, lo va a convertir en héroe de guerra. A través de la figura de Juan Castro, más preocupado por sus avances en el terreno amoroso que por la progresión del enemigo, se nos ofrece una visión insólita de la guerra civil: antiheróica, pícara y tierna a la vez.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

Sierra de Córdoba, 1939, durante la recta final de la Guerra Civil española. Juan Castro (Mario Casas) es un sencillo cabo acemilero del ejército nacional, que intenta no hacer daño a nadie. Un día se encuentra una mula blanca extraviada, a la que llama Valentina, y a la que cuida con la intención de quedársela cuando termine el conflicto. En ésas, Juan se enamora de Conchi (María Valverde), una chica guapa y decente, que regenta un hotel en un pueblo cercano al frente. Y, para conquistarla, se hace pasar por un hacendado, con la ayuda de El Chato (Secun de la Rosa), un amigo suyo de la infancia, al que presenta como su criado. La mula y Conchi distraen un poco a Juan y a El Chato de los últimos y crueles coletazos de la lucha fratricida que desangra a España.

Rodada hace cuatro años, esta accidentada adaptación de la novela homónima del jienense Juan Eslava Galán —basada libremente en la historia real de su propio padre— podría haber sido una buena película, pues cuenta con un tono esperpéntico cercano al de La vaquilla, de Luis García Berlanga. En este sentido, La mula goza de un buen ritmo narrativo y de unas cuantas secuencias divertidas, que subrayan la entrañable humanidad de los personajes principales. En este punto brilla con luz propia la excelente interpretación —con trabajado acento andaluz— de Mario Casas, justamente premiada en el Festival de Málaga 2013 con la Biznaga de Plata al mejor actor. El resto de los intérpretes principales no lo hacen mal, aunque unos cuantos de los secundarios e incidentales caen en el histrionismo o en un amaneramiento desagradable.

En cualquier caso, La mula resulta fallida y a ratos irritante sobre todo por su enfoque de la Guerra Civil, mucho más convencional y parcial de lo que sus autores han asegurado por activa y por pasiva. Por ejemplo, a la brutal persecución religiosa en la zona republicana sólo se le dedica una fugaz referencia radiofónica, al tiempo que se ofrece una grotesca visión de los católicos del bando nacional, sobre todo en una ofensiva secuencia caricaturesca, protagonizada por un obispo.

En realidad, la película ofrece más de lo mismo: una grosera insistencia en las obsesiones sexuales de los soldados, una apolillada invocación a la lucha de clases como causa principal de la Guerra Civil y una romántica y complaciente visión del bando republicano, eso sí, algo suavizada al presentar con cierta humanidad a algunos personajes del bando nacional. Esa humanización, por cierto, dificultó la calificación por edades de la película durante la etapa más beligerante del zapaterismo, quizás porque atentaba contra los dogmas esenciales de la llamada memoria histórica. El caso es que, en septiembre de 2011, los productores de la película se querellaron contra Mercedes Elvira del Palacio Tascón, por entonces Subsecretaria del Ministerio de Cultura. Otra pista falsa que hizo pensar a muchos que este filme ofrecería por fin una mirada diferente.

A este gravísimo defecto de fondo se añaden las secuelas formales que ha dejado en la película el total desencuentro con la productora española Gheko Films del cineasta británico Michael Radford (1984, El cartero (y Pablo Neruda), El mercader de Venecia, Un plan brillante), coautor del guión y responsable de las inmensa mayoría del rodaje, pero que no ha participado en el montaje final de la película y ha retirado su nombre de los títulos de crédito. Tampoco aparece en ellos su sustituto en la recta final, el realizador publicitario francés Sebastien Grousset, fichado in extremis por la productora Alejandra Frade. Ciertamente, la participación de Radford no habría arreglado la deformada perspectiva de la película —ya presente en la novela de Eslava Galán—; pero, al menos, habría mejorado su puesta en escena, su continuidad y su montaje, dominados tal y como están por una llamativa falta de personalidad. En fin, otra ocasión perdida de afrontar la Guerra Civil española con rigor, ponderación y afán de reconciliación.

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[Daniel Arasa. Cinemanet]

Se cumplen ahora diez años. Cinemanet y el Grup d’Entitats Catalanes (GEC) de la Família dimos la Ola de Oro de los VIII Premios Cinematográficos “Familia” a Alfredo Landa por su trayectoria profesional. El jurado vio en él y en su obra valores humanos, familiares, cívicos, educativos.

Ahora, cuando hace pocos días fallecía Alfredo Landa ha sido unánime el reconocimiento de su calidad de gran actor. Incluso se ha remarcado que son muy pocos los actores o directores de cine que lleguen a dar nombre a un estilo cinematográfico, el landismo, aunque sea justo precisar también que tantas películas llenas de chicas en bikini y machos pueblerinos ansiosos de voyerismo y sexo era algo muy superficial. Cierto que con su humor, su gran vena cómica, desdramatizaba lo que allí se presentaba. Evidenciaba cuán ridículo fue aquello y, a la vez, era una manifestación de que la España de los años 70 había abierto las ventanas tras años de mantenerlas cerradas a cal y canto. De alguna forma Landa quiso años más tarde justificar y a la vez pedir excusas diciendo que el landismo era solo “semidestape” y que siempre intentó “no ser sucio”.

Al margen de la valoración que pueda hacerse de tal faceta y tales trabajos, Alfredo Landa era más que esto. No sólo en su trabajo de actor, verdaderamente espléndido en tantas películas, desde “Atraco a las tres”, “El puente”, “Los Santos Inocentes”, “La Vaquilla”, “Don Quijote”, y la serie del director José Luis Garci, con “Las verdes praderas”, “El Crack” y “El Crack II” y “Luz de domingo”, sino también en su base personal.

No tuve ocasión de entablar amistad con él, pero sí pude tratarle un poco, en especial a raíz de la concesión del premio. Ante todo considero fundamental decir que a su lado estuvo toda la vida, más de 50 años, una persona excepcional, su esposa Maite Imaz. Ella, desde la sombra, dirigió, impulsó, fue el sustrato fundamental para muchas cosas, moderaba su genio. Sin Maite no hubiera sido el mismo. Alfredo Landa amaba la familia, a sus tres hijos, fue fiel a su esposa. Y, además, estas cosas las exponía encantado, con su desenfado. En una entrevista dijo que “siempre he sido fiel a mi mujer. Ni se me ha pasado otra cosa por la imaginación”. Presumía de tal fidelidad, sin la menor concesión al qué dirán, en un mundo en el que precisamente parece habitual lo contrario.

Otro gran activo fue su independencia de espíritu ante muchos aspectos de la vida. Cualesquiera que fueran sus criterios, supo mantenerse al margen de la ideología para realizar su trabajo y llevar adelante su vida profesional. Chocó, o, mejor, superó por elevación otro de los “baches” frecuentes entre los cineastas de este país, no pocos de ellos más enganchados a la pancarta que al esfuerzo por el buen cine. Ya fuera en la etapa de Franco, o durante los mandatos democráticos de Adolfo Suárez, Felipe González, José María Aznar o José Luis Rodríguez Zapatero, Alfredo Landa permaneció al margen de todos. Ni fue un turiferario del poder ni tampoco un selectivo detractor de unos u otros según su base ideológica.

La autenticidad le salía por los poros. Alabó en diversas ocasiones películas que le parecían sinceras, que buscaban la verdad de la vida.

También se declaraba católico sin ambages ni recovecos, aunque afirmaba que funcionaba un tanto a su aire: “Voy a misa cuando me da la gana. Y a lo mejor paso tres o cuatro años sin confesarme y, de repente, un día se me ocurre y lo hago”.

Decía las cosas tal como le salían. Con nosotros, a raíz del premio, se enfadó con razón porque la persona que debía recogerles a él y a su esposa en el aeropuerto se retrasó sin ningún motivo. En el libro “Alfredo el grande. Vida de un cómico”, en el que narra sus criterios y experiencias a Marcos Ordóñez, se muestra como un deslenguado, sin ahorrar críticas a otros como José Luis Dibildos y Paco Rabal.

Era, ciertamente, un deslenguado. Para todo.