[Enrique Almaraz Luengo- Colaborador de Cinemanet]

The Artist, la película de Michel Hazanavicius, gana 5 Premios Oscars, entre ellos los más importantes: Película, Dirección, Actor, Banda sonora y Dirección artística. CinemaNet  estuvo en diciembre en la rueda de prensa en Madrid antes de su estreno.

Madrid.- El director de “The Artist”, Michel Hazanavicius, viajó a Madrid el día 12 de diciembre para promocionar su película un día más tarde, en los Cines Princesa. Después de posar para los fotógrafos, la multitudinaria rueda de prensa tuvo lugar en la sala 9, donde había sido proyectada con anterioridad. Presentado por el presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, quien no tuvo más que palabras de alabanza hacia el film, y asistido por el traductor Owen Thompson, Hazanavicius respondió a los medios allí convocados preguntas de diversa factura. Empezando por el título, que en un principio para el director habría de ser “El lunar”, en referencia al distintivo (prefabricado) que luce la protagonista femenina, si bien el productor logró justificar el definitivo “The Artist” a pesar de no plasmar en George Valentin la figura de un Orson Welles, precisamente.

¿La elección de Hollywood? Se debió al contraste de una atmósfera positiva con la tragedia de la no adaptación a cambios, en este caso el tránsito del cine mudo al sonoro a finales de los años 20 del pasado siglo. Tal y como contestó a la pregunta de CinemaNet, si bien el físico de George Valentin (enorme Jean Dujardin) podría responder a un patrón tipo Douglas Fairbanks o John Gilbert, la derrota personal no reflejaba ningún caso en particular, sino un poco de todos al mismo tiempo, de aquellos anónimos en el olvido que vieron roto su sueño de convertirse en estrellas. Al mismo tiempo, añadió que la esencia es la de un ser humano haciendo frente a cambios en un mundo que va muy deprisa. Este mensaje la convierte en una película muy actual.

En referencia a los protagonistas, tanto Jean Dujardin como Bérénice Bejo eran los intérpretes que tenía en mente desde el principio. El resto del reparto, que incluye nombres como James Cromwell, Penelope Ann Miller, John Goodman o Ed Lauter, lo eligió en suelo americano. La alusión al perro de Valentin , sin nombre en la película y que atiende por Uggie en la vida real, despertó sonrisas entre los asistentes, más aún cuando el director declaró haber aprendido que “un perro hace simpático al protagonista, así que si algún día ruedo algo sobre Hitler, no pondré uno a su lado”. El trabajo con los actores lo calificó como “sencillo, de lo más natural”, no así el guión, mucho más difícil.

Inevitable hablar de los premios, conseguidos y por conseguir. Pero para Hazanavicius, el éxito de la película se mide en la respuesta de crítica y público: “los premios no son el único criterio”. Valora mucho las felicitaciones de los realizadores, gente a la que admira. Nosotros nos sumamos a ellas y a todas las alabanzas que seguro le quedan por escuchar y leer, ya sea en forma de premio o no. Es justo aplaudir la valentía ante un proyecto complicado, la profesionalidad demostrada y, sobre todo, el amor palpable que todos han puesto en la película, Hazanavicius a la cabeza. Hacemos nuestra la clausura de González Macho: “El título debería haber sido Los artistas”, en homenaje a todo el equipo, Uggie incluido.

La gala de entrega del Premio Personaje y del Premio Familia de la asociación CinemaNet se celebró el pasado 24 de febrero en el Hotel Velázquez, de Madrid, y a ella acudieron, entre otros invitados del mundo del cine y la sociedad civil, Roberto Girault, director de “El Estudiante”, ganadora del Premio Familia, y Paco Arango, director de “Maktub”, galardonada con el Premio Personaje.

Madrid.- Más de un centenar de personas asistieron, el pasado viernes 24 de febrero, a la gala de entrega del Premio Personaje y del Premio Familia que otorga la Asociación CinemaNet. El acto se celebró en el Hotel Velázquez, de Madrid, y a él acudieron Roberto Girault, director de “El Estudiante”, ganadora del Premio Familia, y Paco Arango, director de “Maktub”, galardonada con el Premio Personaje. Entre los asistentes al acto, se encontraban también veteranos del mundo del cine como Rafael Gordon, Conrado Sanmartin, Antonio Giménez–Rico o Tony Isbert, y también personalidades de la sociedad civil, como el Presidente del Foro Español de la Familia, Benigno Blanco; el filósofo Alfonso López–Quintás, y representantes de varias universidades españolas. Asimismo, asistió la Encargada de Negocios de la Embajada de México en España, Francisca Escobar Méndez, que actualmente está cumpliendo la función de embajadora.

Precisamente en la presentación del acto, el director de CinemaNet, Daniel Arasa, subrayó que se trataba de una noche “medio mexicana”, pues tanto Girault como Arango nacieron en ese país, aunque el segundo viva en España. Las dos películas tienen en común, además, el hecho de estar basadas en personas reales y ser la opera prima de sus respectivos directores.

Arasa presentó los premios enmarcándolos dentro del resto de la labor de CinemaNet. “El cine –afirmó– es un arte que compendia otras artes, y un instrumento para la mejora de las personas. Creemos que podemos hacer mucho por el cine, y para mejorarlo; y también podemos usar el cine para la mejora de la sociedad”. Sobre los premios, subrayó que “son mucho más modestos” que otros, pero “no competimos en la misma liga. Nosotros nos fijamos en otro parámetro”, distinto a la calidad técnica: los valores, o, “mejor dicho, las virtudes” que las películas y sus personajes transmiten. Aludiendo a las palabras escritas en el trofeo del Premio Personaje –libertad, amistad, responsabilidad, sinceridad, laboriosidad, paz, alegría, constancia…–, Arasa afirmó que “eso es lo que queremos que haya en nuestros premios; es nuestro valor añadido”.

“Amor, risas y ganas de vivir”

Al recoger este trofeo, Paco Arango afirmó que esas palabras representan “lo que intentaba poner en mi película”. “Maktub” narra cómo Antonio, un niño con cáncer, cambia la vida de las personas a su alrededor. Mª Ángeles Almacellas, profesora y miembro de CinemaNet, explicó la concesión del premio subrayando que Antonio tiene “una vitalidad, una madurez y un espíritu de superación impresionantes. Es el eje en torno al cual se mueven todos los personajes, que andaban perdidos y que gracias a él se van a encontrar a sí mismos, estableciendo lazos con los seres de su entorno”. De la cinta, alabó su “mirada llena de ternura sobre el sufrimiento”.

En ese sentido, el mismo Arango compartió cómo, “donde más puedes maldecir a un universo o a un Dios injusto, que es cuando fallece un niño, es donde más he visto amor, risas, y ganas de vivir”. No se refería sólo a la experiencia de rodar Maktub, sino a su labor como presidente de la Fundación Aladina, dedicada a ayudar a niños con cáncer. Arango recibió el premio de manos de Francisca Escobar Méndez, la representante de la Embajada de México, quien afirmó que, “sin duda, el trabajo que están haciendo está cambiando el mundo. Les felicito, no es fácil hacer y apoyar un cine así”.

Uno de los momentos más emotivos de la velada fue cuando Arango recibió el agradecimiento y un fuerte abrazo de M.H.B., profesora de Enfermería y tía de una adolescente que, a los tres años, fue tratada de leucemia en el Hospital Niño Jesús. En su testimonio, M.H.B recordó los duros momentos que vivió entonces su familia, haciéndose preguntas como “por qué le ha tenido que tocar al más pequeño e indefenso, o por qué unos se quedan en el camino y otros salen adelante”. Gracias al personal del hospital y a la labor de voluntarios como Paco Arango, al que conocieron allí, hoy su sobrina “guarda un recuerdo precioso del hospital”. De hecho, asegura que “fueron los mejores años de mi vida”.

Desgraciadamente, por parte de la otra ganadora del Premio Personaje, la película Criadas y señoras, no pudo acudir nadie a recoger el galardón. Sin embargo, sí se le dedicó un momento durante la gala. Ninfa Watt, crítica de cine y profesora de la Universidad Pontificia de Salamanca, explicó que el premio se otorgaba al personaje de Aibileen, la criada negra. Es “una mujer fuerte, tierna, valiente y que lo tiene todo en contra. Movida por la humanidad y por la fuerza de la fe y de su coraje, da un paso adelante, y está dispuesta a pagar el precio que tienen la justicia y la dignidad”.

Un “bolero fílmico”

El Premio Familia se lo entregó a Roberto Girault el presidente del Foro Español de la Familia, Benigno Blanco. La presentó Jerónimo José Martín, presidente del Círculo de Escritores Cinematográficos, que afirmó que, con “El Estudiante”, Roberto Girault “ha inventado un nuevo género, el bolero fílmico”. Esta cinta no elude temas como los embarazos imprevistos o la drogadicción, pero los trata “desde una mirada luminosa, alegre, y cristiana sin complejos”.

También valoró que la película dé una imagen diferente de México, porque en ese país sí hay narcotráfico y violencia, pero “también existen ciudades preciosas como Guanajuato, con esos ancianos maravillosos, esos caballeros andantes”, añadió, en referencia a la presencia de El Quijote en toda la película. En definitiva, El estudiante “saca brillo a toda la cultura hispánica”.

Su director, Roberto Girault, dedicó gran parte de su intervención a mostrar su agradecimiento a toda su familia, a su esposa e hijos y a sus padres y hermanos. “Gracias a ellos, a la formación y la experiencia de vida que tuve con ellos, pude escribir y dirigir El estudiante. Todos creamos a partir de nuestra experiencia, por eso la familia tiene un papel tan importante”. Subrayó la importancia del cine, porque “no sólo entretiene, sino que deja huella en el alma”. Por eso, quienes se dedican a él están “en un lugar privilegiado, al que nos tenemos que acercar con mucha humildad”.

Clausuró la velada don Alfonso López Quintás, filósofo y fundador de la Escuela de Pensamiento y Creatividad, quien subrayó la importancia de “fomentar los valores en un momento como éste, confuso y un tanto desquiciado. El verdadero quicio a la existencia del hombre es el verdadero amor, el verdadero encuentro. Cuando uno se sitúa en la verdad, desborda sentido y, entonces, se siente inmensamente feliz”. Por eso, “formar para los valores es formar para la felicidad”.

La Asociación CinemaNet promueve los valores humanos, familiares, cívicos, sociales y educativos en el cine y a través del cine.

Fotografías de la Gala

Para más información:

Daniel Arasa
Director de CinemaNet
daniel[ARROBA]cinemanet.info

María Martínez
Responsable de Prensa
maria[ARROBA]cinemanet.info

]]> http://www.cinemanet.info/2012/02/entrega-en-madrid-de-los-premios-personaje-y-familia/feed/ 0 http://www.cinemanet.info/2012/02/la-invencion-de-hugo/ http://www.cinemanet.info/2012/02/la-invencion-de-hugo/#comments Fri, 24 Feb 2012 09:35:22 +0000 pedro http://www.cinemanet.info/?p=14809

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título Original: Hugo Cabret Año de producción: 2011 País: EE.UU. Dirección: Martin Scorsese Intérpretes: Asa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee, Emily Mortimer, Ray Winstone, Helen McCrory, Michael Stuhlbarg, Richard Griffiths, Jude Law Argumento: Brian Selznick (libro) Guión: John Logan Música: Howard Shore Fotografía: Robert Richardson Distribuye en Cine: Paramount Duración: 126 min. Género: Aventuras, Thriller Fecha de estreno en España: 24 de febrero de 2011

SINOPSIS

París, tras la Primera Guerra Mundial. El pequeño Hugo Cabret, que ha heredado de su padre el gusto por los inventos, se ha quedado huérfano. Y tras desaparecer su viejo tío borrachín, que se ocupaba del mantenimiento del reloj de la estación de tren, vive solo en la torre, junto a la complicada maquinaria que ayuda a marcar las horas, sin que nadie lo sepa. Toda su ilusión es poner en marcha un autómata que andaba reparando su padre, y que cree que le ayudará a dar un sentido a su vida. Le ayudará Isabelle, que siempre ha deseado vivir una ventura, y se encuentra bajo la tutela de sus padrinos Georges y Jeanne. El viejo Georges regenta una tienda de juguetes mecánicos, de la que de vez en cuando Hugo birla piezas, y está amargado por algún suceso indeterminado del pasado.

¡Debate esta película en nuestros foros!

CRÍTICAS

[Ana María Pérez-Guerrero - Colaboradora de Cinemanet]

Hugo Cabret es un huérfano que vive en una torre de la estación de trenes de París, en donde se dedica al mantenimiento de los relojes de la terminal. Actividad que ejerce en secreto y que hace compatible con la reparación de un autómata, que su padre dejara inconclusa, debido a su trágica muerte. Hugo piensa que si consigue este cometido, es posible que el androide le revele un mensaje de su progenitor que le ayude afrontar el futuro. Pero las cosas se complican cuando el dueño de una juguetería de la estación se hace con la libreta donde el padre de Hugo deja algunas directrices para el arreglo del muñeco. Así, el pequeño protagonista, con la ayuda de Isabelle, la nieta del juguetero, intenta recuperar su cuaderno, así como desvelar el misterio que parece unir el destino del muchacho con el del anciano.

Estamos ante una película atípica en la filmografía de Martin Scorsese, más por tratarse de una cinta familiar que por la altísima calidad de la cinta. En ella se vuelve a demostrar el buen hacer de este director, así como su amor por el Séptimo arte. Para quien escribe, este film es un regalo por tres razones. La primera, porque es una demostración más de que el cine familiar no tiene porque ser una categoría menor entre las producciones que se estrenan en las salas, algo que también han dejado claro títulos de directores como Spielberg o Lucas, así como los realizados por Pixar, y que, en el caso que nos ocupa, ha sido reconocido por los miembros de la Academia de Hollywood, quienes han nominado a La invención de Hugo en once categorías, entre las que se incluye la de mejor película del año. En segundo lugar, porque es un sentido homenaje al cine, concretamente a uno de sus pioneros, George Méliès, cuya figura actualiza para las nuevas generaciones y la audiencia en general. Y, por último, porque emplea el 3D con verdadero sentido artístico. Un rasgo no tan común entre los estrenos que se promocionan con el uso de este recurso.

Como se deduce de lo anterior, el apartado técnico de esta película es brillante y consigue comunicar ese halo mágico que se desprende de la creación cinematográfica, de la labor de aquellos que son capaces de crear ilusiones y de materializar los sueños. Las interpretaciones están bien conseguidas, en especial, la del joven Asa Butterfield (La niñera mágica, El niño del pijama de rayas) en el papel de Hugo, así como la de Ben Kingsley, Christopher Lee, o las actuaciones de Emily Mortimer y Sacha Baron Cohen, Frances de la Tour y Richard Griffiths.

El guión de John Logan (Rango, El aviador), basado en la novela La invención de Hugo Cabret de Brian Selznick, evoca alguna de las obras de Charles Dickens como Oliver Twist. Los personajes están bien definidos y las emociones que suscita la historia son genuinas y relevantes. En ella se abordan temas como la búsqueda de un lugar en el mundo, el valor de la ilusión, el paso del tiempo y la importancia de conservar el sentido de propósito, pues como dice Hugo a Isabelle en un momento del relato: “si uno pierde su propósito es como si estuviese roto”.

[decine21]

Arreglar lo que está roto

París, tras la Primera Guerra Mundial. El pequeño Hugo Cabret, que ha heredado de su padre el gusto por los inventos, se ha quedado huérfano. Y tras desaparecer su viejo tío borrachín, que se ocupaba del mantenimiento del reloj de la estación de tren, vive solo en la torre, junto a la complicada maquinaria que ayuda a marcar las horas, sin que nadie lo sepa. Toda su ilusión es poner en marcha un autómata que andaba reparando su padre, y que cree que le ayudará a dar un sentido a su vida. Le ayudará Isabelle, que siempre ha deseado vivir una ventura, y se encuentra bajo la tutela de sus padrinos Georges y Jeanne. El viejo Georges regenta una tienda de juguetes mecánicos, de la que de vez en cuando Hugo birla piezas, y está amargado por algún suceso indeterminado del pasado.

Imaginativa adaptación de un libro infantil de Brian Selznick -pariente del mítico productor David O. Selznick-, con guión de John Logan, que ya había colaborado con Martin Scorsese en El aviador. Por fin el director italoamericano entrega una película infantil disfrutable por pequeños y grandes -no nos parece que el “ladrillo” Kundun entre en las categorías de “infantil” y “disfrutable”-, su historia de un huérfano al que intenta capturar el lisiado y cuadriculado inspector de la estación, que trata de resolver un enigma atravesando mil aventuras en compañía de una amiga, con la moraleja de encontrar el propio sitio en el mundo, arreglando lo que está roto, está perfectamente servida. Nunca es ñoña y desprende emociones genuinas, tiene magia y el encanto de un relato de Charles Dickens.

Además Scorsese asume el reto de rodar una película en 3D, y lo hace con brillantez, sacando todo el partido al formato, de modo que la deslumbrante imaginería -maravilloso diseño de producción de Dante Ferretti- luce en todo su esplendor, el apartado visual del que es responsable el director de fotografía Robert Richardson resulta deslumbrante, y la música de Howard Shore acompaña muy bien. El cineasta se suma al selecto grupo de colegas -James Cameron, Wim Wenders, Werner Herzog…- que sí saben utilizar la tridimensionalidad en sus historias, lo suyo no es la simple excusa de otros para que la productora haga más “caja”. Destaca el partido que se saca al tren que quiere salirse de la pantalla, guiño a los Lumière, pero también en los planos picados y contrapicados, e incluso en algunos primeros planos, y ello de un modo nada artificial, justificado por lo que se está contando. El ritmo es muy dinámico, no en balde colabora por enésima vez con Scorsese en el capítulo de montaje Thelma Schoonmaker.

Scorsese es un estudioso del cine, que ha publicado libros y hecho documentales para llamar la atención sobre los grandes maestros del Séptimo Arte, desconocidos con demasiada frecuencia por el gran público. Ahora suma a tal faceta este film que rescata a grandes genios del cine mudo del olvido, ahí está presente como personaje el gran mago y pionero del cine francés, Georges Méliès, a cuyos logros se rinde homenaje, pero también, aparte de los mentados hermanos Lumière, Harold Lloyd, Charles Chaplin, etc. Una magnífica pedagogía de los orígenes del cine, en forma de entrañable película familiar.

Acierta el director en el reparto. Los chavales protagonistas resultan encantadores, mientras que Ben Kingsley, que ya hizo a un eficaz Faggins en el Oliver Twist (2005) de Roman Polanski, encaja muy bien como el cascarrabias Georges. No es cuestión de hacer aquí el repaso completo de los actores secundarios, pero merece la pena destacar las composiciones de Sacha Baron Cohen y Emily Mortimer, su delicada historia de amor da pie a un par de escenas memorables.

Puestos a poner un “pero” al film, podemos decir que el secreto del estado de decaimiento de Georges no encuentra una explicación plenamente satisfactoria, uno esperaba algo de más calado. Pero en fin, como decía Billy Wilder, “nadie es perfecto”.

¡Debate esta película en nuestros foros!

El día 24 de febrero se hará entrega del III Premio Cinematográfico “Personaje” y uno de los XVI Premios Cinematográficos “Familia” en el curso de una cena-gala en la que participarán personas tanto del mundo del cine como de la sociedad civil. El acto tendrá lugar en el Gran Hotel Velázquez de Madrid y está promovido por la Asociación CinemaNet. El acto era abierto y podían asistir las personas que lo deseasen, pero las plazas ya se han cubierto. Los directores Paco Arango y Roberto Girault recogerán los galardones por “Maktub” y “El Estudiante”.

Madrid.- El personaje del joven con cáncer de la película “Maktub”, que es interpretado por el muchacho canario Andoni Hernández San José,  ha sido el ganador del Premio “Personaje”, un galardón con que se premia a un personaje de ficción que encarna valores humanos, familiares o educativos. Esta película, cuyo título proviene del árabe y significa “lo que está escrito”, muestra aquellas extrañas casualidades en que unos encuentros entre personas pueden ser muy saludables y positivos, incluso en situaciones vitales complicadas. Recogerá el premio el director de la película Paco Arango. Entre los intérpretes se encuentran Diego Peretti, Aitana Sánchez-Gijón, Goya Toledo, Rosa María Sardá y Amparo Baró. Los promotores de la película señalaron que el dinero de la recaudación se destinará a la construcción de un centro de trasplantes de médula ósea.

El premio “Familia” concedido corresponde a la película “El Estudiante”, del director mexicano Roberto Girault, el cual se trasladará desde México a España para recibir el premio. Esta película sitúa en la Universidad a un hombre de unos 70 años que se matricula como estudiante. Muestra el choque de tradiciones, costumbres y conceptos con los jóvenes universitarios, pero el buen hacer del anciano y su espíritu de servicio supera la brecha generacional. De otro lado, la película expone la ilusión del amor humano lleno de detalles en la vida matrimonial a pesar del paso de los años. El actor Jorge Laval, intérprete del personaje principal, Chano, falleció hace unos meses. La película alcanzó un gran éxito en México y en Estados Unidos.

En el acto se hará alusión a otra película galardonada, “Criadas y señoras” (Tate Taylor), de la cual el personaje de la criada negra (Aibileen, interpretado por Viola Davis) ha sido también galardonado.

La Asociación CinemaNet promueve los valores humanos, familiares, cívicos, sociales y educativos en el cine y a través del cine.

El coste de la cena es de 40 euros (30 para los socios de CinemaNet). Quienes deseasen asistir podían haberlo hecho, realizando la inscripción por adelantado desde hace varias semanas. Las plazas se han cubierto ya.

Nota.- Más información:
Daniel Arasa:                  Tel. 626 619 537    daniel@cinemanet.info
María Dolores Valdés:   Tel. 659 605 056   mariadolores[ARROBA]cinemanet.info

Os ofrecemos aquí el corto “El Barco Pirata“, dirigido por Fernando Trullols, de la productora Bastian Films. Este corto es el ganador del Premio Goya 2012 al mejor corto de ficción.

[Guillermo Callejo. Colaborador de Cinemanet]

Tema manido donde los haya, el amor no pierde, por ello, vigencia ni valor en el cine. Resulta imposible escapar de él. De ahí que, cuando estén bien contados, los romances sigan cautivando, los enamoramientos sigan emocionando y las historias de rupturas sigan enrabietando. El Charles Chaplin de Luces de la ciudad está tan vivo como siempre.

Amor es lo que nos distingue a los humanos; lo que lleva a dar una vida para salvar la de otro; lo que une a dos amigos; la fuerza que mueve a un soldado a luchar por su país; lo que perpetúa un matrimonio por más de cincuenta años; lo que da sentido al sufrimiento; lo que nos ilusiona día tras día; lo que saca a cualquiera de la rutina y convierte en especial hasta la cosa más insignificante.

Y amor es, también, lo que todo espectador -incluido el orgulloso que se empeña en negarlo, y el escéptico que duda de su presencia en la vida real- busca cuando entra en la sala del cine. Nadie podrá mostrarme un filme en que no aparezca el amor bajo alguno de sus muchos disfraces. Aunque sea para proclamar que éste no existe o que alguien ha renunciado a él.

Alguien dijo una vez que los géneros cinematográficos no eran más que evoluciones del cine romántico, porque en todos, inevitablemente, hay elementos amorosos.

Está muy presente desde los inicios de la historia del cine, y así ha continuado durante más de 90 años. Y lo más bonito es que un buen romance reciente (como, por ejemplo, The Holiday, dirigida por Nancy Meyers) no hace la competencia -¡faltaría más!- a otro de los años 30 ó 40 (véase La fiera de mi niña, de Howard Hawks)… ni en ritmo, ni en frescura, ni en derroche de ideas, ni en hilaridad.

¿Qué cinco ejemplos de películas románticas recomendaría a un desconocido, por su calidad? Sin necesidad de remontarme al blanco y negro, porque ninguna supera los 25 años de edad, le sugeriría las siguientes: Hechizo de Luna, La boda de Rachel, 50/50, Frankie y Johnny y Cuando un hombre ama a una mujer. Algunas pueden catalogarse como tragicomedias o melodramas, otras como comedias en estado puro. Pero todas son ágiles: cautivan, derrochan energía y emocionan de verdad. Cine del que vale la pena, porque muestra muchas verdades y enseña a cualquier público.

Que no se me malinterprete: que prácticamente cualquier cine lleve implícito el amor no significa que las tramas sean siempre positivas o esperanzadoras. Por supuesto que no. Los cuentos de hadas son eso, cuentos, y por eso tantos directores y guionistas prefieren exponer el amor en alguna de sus facetas más crudas o tristes, o reafirmar cómo a veces no se logra lo que se quiere. La vida se encarga de traer algunos sinsabores: la frustración por no conquistar a la persona deseada, por ejemplo, o la amargura que comporta la ruptura de un noviazgo son cosas que pueden ocurrirnos perfectamente.

Pero es que ahí también el séptimo arte puede decir algo al respecto. Lo confirman maravillas cinematográficas como Kramer contra Kramer, Lost in Translation o ¿Conoces a Joe Black?

[Marta Gª Outón - Colaboradora de CinemaNet]

Este año, las películas de los Goya han luchado por posicionarse en los primeros puestos y han tenido que pelear para conseguir su estatuilla. Este arco de tensión entre los nominados (principalmente entre las películas de No habrá paz para los malvados, Blackthorn, La piel que habito y Eva) demuestra que la mayor parte de las propuestas han sido innovadoras, admirables e igualmente ambiciosas.

Los Goya 2012 premian la producción de directores y la interpretación de actores/actrices menos conocidos superando a los más veteranos de la industria del cine. Enrique Urbizu, quien ya consiguió dar sus primeros pasos hacia el éxito al ganar dos Premios Goya en el 2002 por La Caja 507, con su nuevo largometraje No habrá paz para los malvados se posiciona por delante del reconocido director español Pedro Almodóvar, quien el domingo pasado quedó algo peor posicionado en la lista de premiados con su película La piel que habito (premio a mejor música original de Alberto Iglesias, mejor actor revelación a Jan Cornet, mejor maquillaje/peluquería a Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero y mejor interpretación femenina protagonista de Elena Anaya). Así, Urbizu se impone en la Gala con seis estatuillas a mejor director, mejor película, mejor guión (Michel Gaztambide) , mejor interpretación masculina (José Coronado), mejor montaje (Pablo Blanco) y mejor sonido (Licio Marcos de Oliveira, Ignacio Royo-Villanova, Ignacio Royo-Villanova). Y no es de sorprender… porque detrás de ese thriller políaco se esconde una reflexión sobre la libertad y el perdón.

Cerca de este avasallador éxito, se sitúa Blackthorn, un film que rememora las historias del lejano oeste, guiño a las aventuras que veíamos en el clásico Dos hombres y un destino, que ha logrado salir premiado con cuatro galardones por su material artístico aún habiéndolo producido con bajo presupuesto (mejor dirección de producción, de Andrés Santana, mejor dirección de fotografía a Juan Antonio Ruíz Anchía y mejor dirección artística para Juan Pedro de Gaspar).

Detrás de estas dos cintas, se sitúan a la par otras dos: la película de Benito Zambrano de La voz dormida, un drama intenso ambientado en la época de la postguerra, que consiguió llevarse justamente los galardones por mejor canción original (“Nana de la hierbabuena”) y sorprendiendo por la profesionalidad del reparto femenino, consiguiendo también los Premios Goya a mejor interpretación femenina de reparto (Ana Wagener) y mejor actriz revelación (María León). Por otro lado, destacó también una película de ciencia ficción de una impresionante estética futurística que trabaja con el tema del desarrollo de la cibernética: Eva, de Kike Maíllo, que consiguió las estatuillas a mejor director novel, mejor interpretación masculina de reparto (Lluís Homar) y por los efectos especiales (Arturo Balseiro y Lluís Castells).

El corto de animación en 2D, Arrugas,también fue bastante aplaudido. La trama representa muy positivamente cómo un anciano protagoniza un plan para evitar ser enviado al piso de los asistidos debido al Alzheimer. La obra consiguió la estatuilla a mejor guión adaptado (Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca, Rosanna Cecchini) y por mejor película de animación.

Como mejor película documental fue elegida Escuchando al juez Garzón, de Isabel Coixet. A mejor película iberoamericana, a la historia argentina de Un cuento chino, de Sebastián Borensztein, que narra un suceso real con simpatía y valorando el compromiso social con los demás. Como era de esperar, The Artist (Michel Hazanavicius) también destacó en los Premios Goya por mejor película extranjera. El mejor cortometraje de ficción español fue para el video de El barco pirata, de Fernando Trullols, que muestra el lado más amable y agradable del valor de los sueños. Mientras que el mejor cortometraje de animación fue para Birdboy, de Pedro Rivero y Alberto Vázquez Rico, y el cortometraje de documentación español de Pedro González Bermúdez se llevó la estatuilla por el video de Regreso a Viridiana, una experiencia de una chica francesa en el rodaje de la gran película de Viridiana.

Este año, la producción española ha sorprendido, y mucho. Las películas ofrecen temáticas que remueven lo más profundo del debate y sentido antropológico, encaminándose a géneros que hasta ahora eran algo desconocidos en la taquilla española. El cine evoluciona, se educa y mejora; y en vez de seguir encerrado en un círculo monótono de historias que no van más allá del puro entretenimiento, los cineastas (e incluso el público), apuestan por películas más exigentes y críticas con la realidad humana.El cine no es un puro anuncio de adrenalina y entretenimiento. El cine es el Séptimo Arte. Enhorabuena a los premiados de los Goya.

[Marta Gª Outón - Colaboradora de CinemaNet]

Hoy en día se apuesta por el cine como medio de expresión de todas esas preguntas antropológicas y transcendentales que ocupan la mentes de todas las personas. El Séptimo Arte, pudiendo ser el primero, no puede ser entendido sólo como entretenimiento, sino que también es un medio para alcanzar la verdad y la conexión con la belleza de Dios. No nos equivoquemos con el reflejo que pretendemos demostrar de una humanidad perdida en el cine. El público y los profesionales del Séptimo Arte necesitan buscar y exponer la belleza para no caer en la desesperanza; por eso, los Premios Alfa y Omega se han comprometido a galardonar a esas películas que este año se han atrevido a llegar más lejos persiguiendo ese ideal.

Madrid.- El pasado martes 21 de febrero Mons. César Franco, obispo auxiliar de Madrid, presentó la entrega de los Premios Alfa y Omega de cine 2011. En el acto, se corroboró que hoy en día “no debemos tener miedo”, tal y como insistió Juan Pablo II en el año 2003. Los miembros del jurado alentaron a escritores, informadores y artistas a anunciar la esperanza cristiana a través de su trabajo.

El obispo resaltó que el cine poco a poco va despertando como “testigo de la fe y de la experiencia humana, de lo interior y de lo exterior, así como imagen de lo abarcable y de lo inabarcable”. Así lo hemos podido comprobar este año 2011, que ha dado lugar a un cine luminoso nacional e internacional, prueba de la existencia de la experiencia religiosa (películas como El árbol de la vida o De dioses y hombres, entre otras).

El pasado fin de semana tuvo lugar la Gala de los Goya. Aunque sorprendieron muchas películas innovadoras que indagan en el misterio antropológico (No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu o Eva, del director novel y bien aplaudido Kike Maíllo) fueron premiadas frente a otras de mayor prestigio (La piel que habito de Pedro Almodóvar), algunas como Maktub o Alexia, pasaron desapercibidas para losprofesionales. Esto puede haber sudedido, o bien porque su transfondo cristiano lleno de amor y felicidad aún no acaba de convencer a la crítica ni a los expectadores, o bien porque aún a los académicos y al público en general nos cuesta y no nos atrevemos a valorar películas comprometidas con la realidad.

Juan Orellana, Director del Departamento de Cine de la Conferencia Episcopal Española, nos recuerda que el cine ostenta una función social que se adentra en el sentido humano y en el peregrinar del hombre por esta vida hacia el encuentro consigo mismo y con Dios. Esto posiciona al Séptimo Arte en una dimensión más comprometida con la realidad y responsable de los mensajes que inculca a su público.

“La Fe y la Belleza van unidas”, dijo Juan Pablo II. La fe exalta al arte y lo empuja hacia la meta última, la más importante. No nos equivoquemos con el reflejo que pretendemos demostrar de una humanidad perdida en el cine. El público y los profesionales del Séptimo Arte necesitan buscar y exponer la belleza para no caer en la desesperanza; por eso, los Premios Alfa y Omega de cine se han ocupado de galardonar a todas esas películas que este año se han atrevido a llegar más lejos persiguiendo ese ideal. Estas han sido las seleccionadas:

El árbol de la vida, por la acertada propuesta de Terrence Malick del contacto humano con el  Misterio y la experiencia mística , como mejor película extranjera, premio a mejor director, fotografía y actriz secundaria; Maktub, de Paco Arango, como mejor película española por su positivo canto a la vida; Alexia, de Pedro Delgado, destaca como mejor documental; Cartas a Dios, de Eric-Emmanuel Schmitt, salió premiada en la categoría de mejor película familiar; la película francesa de Xavier Beauvois, De dioses y hombres, se ha llevado el premio a mejor película cristiana y a mejor interpretación masculina para todo el reparto; como mejor guión, de encontramos a Woody Allen con su excepcional película Midnight in Paris; a mejor guión adaptado a la película de Denis Villeneuve, Incendies; Mejor actriz y banda sonora para la película más aplaudida del año, del director Michel Hazanavicius, The Artist; mejor película social a Margin Call y finalmente, como mejor película histórica, La Conspiración de Robert Redford.

Hoy en día se apuesta por el cine como medio de expresión de todas esas preguntas antropológicas y transcendentales que ocupan la mentes de todas las personas. El Séptimo Arte, pudiendo ser el primero, no puede ser entendido sólo como entretenimiento, sino que también es un medio para alcanzar la verdad y la conexión con la belleza de Dios.

PELICULA RECOMENDADA POR CINEMANET Título Original: the Constant Gardener Dirección: Fernando Meirelles. País: Reino Unido. Año: 2005. Duración: 129 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Ralph Fiennes (Justin Quayle), Rachel Weisz (Tessa Quayle), Danny Huston (Sandy Woodrow), Bill Nighy (Sir Bernard Pellegrin), Pete Postlethwaite (Lorbeer), Bernard Otieno Oduor (Jomo), Donald Sumpter (Tim Donohue). Guión: Jeffrey Caine; basado en la novela de John Le Carré. Producción: Simon Channing Williams. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: César Charlone. Montaje: Claire Simpson. Diseño de producción: Mark Tildesley. Vestuario: Odile Dicks-Mireaux. Estreno en España: 4 Noviembre 2005.

SINOPSIS

En un remoto lugar al norte de Kenya, asesinan brutalmente a la activista más entregada de la zona, la brillante y apasionada Tessa Quayle (Rachel Weisz). Un médico local que la acompañaba ha huido y todo parece apuntar hacia un crimen pasional. Sandy Woodrow (Danny Huston), Sir Bernard Pellegrin (Bill Nighy) y los demás miembros del Alto Comisionado Británico están convencidos de que el viudo de Tessa, el apacible y poco ambicioso Justin Quayle (Ralph Fiennes) dejará el asunto en sus manos, pero están muy equivocados.

¡Debate esta película en nuestros foros!

CRÍTICAS

[Marta Gª Outón - Colaboradora de CinemaNet]

Fernando Meirelles, que ya había destacado en trabajos que retrataban igualmente sociedades al borde del abismo como Ciudad de Dios, se basa en la obra literaria de John Le Carré para demostrarnos un film de denuncia social, que envuelve thriller, amor y una narración de fondo histórico-política. Los personajes que encabezan la historia son un diplomático y una enérgica activista, Justin (Ralph Fiennes) y Tessa (Rachel Weisz), que aún sin conocerse y siendo muy diferente el uno del otro (ella es demasiado pasional y entregada con su trabajo, llegando a resultar a veces hasta entrometida y atacante; frente a él, un hombre de vida pasiva, reflexiva y detallista), caen un un entregado y verdadero amor entre ellos.

La película denuncia la acción de una empresa farmaceútica que consigue exagerados beneficios a costa de la vida de muchas personas cuya voz resulta inaudible para el resto del mundo. Tessa se implica en el caso con la intención de denunciar la desmedida corrupción que existe en Kenia, pero su intervención y acción sobrepasa los límites de lo permitido, pues su investigación pone en alerta a todo el Alto Comisionado Británico al acusar a la compañía médica que ofrece un nuevo medicamento contra la tuberculosis, que resulta ser letal. Justin continúa la labor de su mujer en un acto sincero de amor por ella, un viaje para encontrarse a sí mismo y a la vez, a su mujer.

La narración comienza con la inquietante investigación de Tessa, que poco a poco nos pone frente a la sobrecogedora realidad africana, y continúa con la insaciable búsqueda de la verdad que emprende Justin. Por una parte, nos muestran a los dos protagonistas en una relación que podríamos definir como casual y poco correspondida, aunque al final resulte una completa entrega. Justin se nos presenta como un jardinero que desborda más pasión en su plantación, un trabajo particular que no va más allá de un esfuerzo casero, en contraste con el carismático y luchador carácter de su mujer, que se entrega más de lo que puede sobrellevar por sí misma defendiendo una causa ajena de transcendencia mundial.

Aunque el papel de Weisz quede en un plano secundario, es la clave del film y la de su acompañante, Fiennes; y que además, logró desbordar hasta ganarse el Oscar. Ralph Fiennes encarna un personaje complejo, pues evoluciona de una indiferencia, individualismo e incluso peón de la trama, a un activo diplomático que responde de una manera completamente impredecible. El trabajo que desempeña minuciosamente y con tanta entrega en su jardín representa su propia persona, al principio tan ciego en despertar como semilla; sin embargo, vemos cómo la propia planta se lamenta y se descompone hasta quedar destruída, cuando conoce el fallecimiento de su mujer. Ese es el grano de arena que le empuja a acercarse a Tessa más de lo que podría haber hecho cuando vivía junto a ella. Entonces, ya no le importa nada más que Tessa (“Mi vida es ella”), y olvida su temor y apocamiento para alcanzar la verdad sin preocuparse de si el atrevimiento le pueda conducir al mismo final que el de su mujer.

La película se convierte en un documento y reportaje compuesto por imágenes rápidas que demuestran la vida de un mundo salvaje y abandonado al subdesarrollo, representado con una fotografía brillante, que atrapa con la cámara los momentos y miradas más humanos de Kenia. Encuadres completamente subjetivos y de un color brillante y fuertemente contrastado que imita el ardor de África. La música, compuesta por el español Alberto Iglesias, consiguió salir premiada por lograr convertirse en la voz de todo un continente, intensa y lírica. La manera de exponer los flashbacks puede resultar confuso, aunque el detalle del director es demostrarlos especialmente para remarcar el amor entre los protagonistas y el porqué de la insistencia de Justin en una búsqueda casi suicida: despertar una esperanza y humanidad en una tierra donde la caridad se ha venido abajo (resaltar la escena de la niña keniana que ha de abandonar el avión de los cooperantes) y, sobretodo, terminar de completarse a sí mismo en un reencuentro con su mujer.

[decine21]

Muerte colateral

El prestigioso director de Ciudad de Dios (2002) prueba de nuevo su valía tras las cámaras, pero esta vez con un producto más comercial y encabezado por un reparto de célebres estrellas. Y si en su anterior film había indagado en el mundo de las favelas brasileñas, ahora se mete hasta las cachas en los barriadas de Nairobi, para contar una historia de corrupción de altas esferas y con implicaciones internacionales de grave índole moral, con referencias directas a la falta de escrúpulos de las compañías farmacéuticas y a la explotación del tercer mundo.

La película comienza con una muerte sangrienta. En una zona desolada del norte de Kenia encuentran el cuerpo de Tessa Quayle, una de las activistas humanitarias de mayor energía y convicción, casada con un importante diplomático de la embajada británica. Tessa ha sido asesinada mientras viajaba en compañía de un médico con el que trabajaba y todas las sospechas inducen a que ella no era completamente sincera con su marido Justin. Las más importantes personalidades del alto comisionado británico consuelan a su colega, pero Justin no entiende la causa de la muerte de Tessa y se niega a aceptar que ha sido la víctima al azar de un acto criminal. Además, el sentimiento de que su mujer le ocultaba ciertos aspectos de su vida, le empuja a investigar por su cuenta. Y aunque las consecuencias de sus pesquisas pronto se revelan peligrosas, Justin está decidido a llegar hasta el final.

 A partir de la novela homónima de John Le Carré, Fernando Meirelles vuelve a dar una lección de cómo narrar una historia dramática y cargarla de intensidad, al modo de un thriller. Su estilo visual resulta inconfundible, con ese vibrante manejo de la cámara y el montaje con frecuentes saltos de imagen, un modo de filmar y editar que ya dejó sello con la historia de Buscapé, el protagonista de Ciudad de Dios. Este atractivo visual corrige ciertas carencias del guión que, en aspectos clave, puede resultar en ocasiones algo esquemático. De cualquier manera, se trata de una historia intensa y atractiva, dolorosa y romántica. Las composiciones de Ralph Fiennes y Rachel Weisz son muy convincentes, y destaca también Danny Huston (Silver City) en su ambiguo personaje.

¡Debate esta película en nuestros foros!

A FONDO

[Sergi Grau. Colaborador de Cinemanet]

EL SIGLO XX A TRAVÉS DEL CINE
6. ROMAN POLANSKI

Película: El Pianista
Temática: El Holocausto

“Los seres humanos producto de
la mezcla de razas son despreciables.”
Adolf Hitler

La biografía de pocos cineastas de los últimos tiempos revelan un bagaje tan accidentado, trágico y hasta escabroso como el que atañe al itinerante Roman Polanski (1933-). Tenga que ver con lo anterior o no, pocos cineastas en activo son tan geniales como él. Creo, en cualquier caso, que no es este el momento ni el lugar idóneos para extenderse en el modo en que ese cúmulo de circunstancias desgraciadas ha influido en las obras del autor de La semilla del diablo (1968), Chinatown (1974) o Tess (1979). Aunque si nos ponemos a hablar de El Pianista, la película que narra los terribles periplos del pianista judío Wladyslaw Szpilman, quien sufrió en sus carnes, en las de su familia y en las de su pueblo la ignominiosa gestión que el ejército nazi llevó a cabo de la cuestión judía (lo que hoy conocemos como el Holocausto), es imposible no sacar a colación algunos datos biográficos de la primera infancia del realizador de origen polaco. Polanski conoció asímismo la barbarie de tan infame episodio de la Historia del Siglo XX, pues –según datos autobiográficos– sus progenitores estuvieron recluidos en campos de concentración, su madre pereció en las cámaras de gas en Autschwitz y él subsistió penosamente siendo sólo un niño, primero solo en el guetto de Cracovia y después, cuando escapó de él, siendo auxiliado por una familia de campesinos. Que semejantes y escalofriantes vivencias de su más tierna edad influyeron en su decisión de emprender el proyecto que daría por materializarse en esta película es una obviedad (1), así que el interés reside en el cuestionamiento del cómo, de qué modo se proyecta esa retrospectiva de sentimientos en imágenes, cuál es la particular articulación, interpretación, que el cineasta, a esas alturas de su carrera y a sesenta años de distancia, nos propone de tan lóbrego (y por otra parte muy visitado por el cine) episodio histórico.

Polanski articula esta doliente biografía del pianista polaco (concretada en los años que se corresponden con la Segunda Guerra Mundial) a partir de una cronología de acontecimientos narrados de forma escueta y con ánimo de rigor descriptivo, bajo cuya fachada de umbrío naturalismo emergen, se van desgajando, esos sentimientos y reflexiones, algunos ocultos, que dan lugar a la sobrecogedora experiencia cinematográfica en la que en definitiva El Pianista se erige. Sentimientos y reflexiones que se van cociendo en la primera mitad del metraje para concretarse en el segundo. Esa primera mitad del filme, presentación de personajes, contexto y hechos detentados por la Historia, se inicia con los ecos, primero, y estrépitos, después, de las primeras bombas que caen sobre Varsovia, la avanzadilla aérea a la ocupación nazi de la capital polaca, unas bombas que interrumpen la música que Szpilman está interpretando al piano en una emisora de radio local. Esa presentación se alargará hasta que, tres largos y penosos años después, el personaje encarnado por Adrien Brody se salve in extremis de ser introducido en uno de los tantos trenes que los alemanes fletaron con destino a los campos de concentración y exterminio, quedándose solo en Varsovia, pues el resto de su familia, padres y hermanos, sí que son ingresados en el tren. El abanico de circunstancias que ha lugar desde ese inicio a ese desenlace corresponde a la crónica del modo en que el pueblo judío sufrió los crecientes estragos, vejaciones y violencia indiscriminada del ejército invasor; se trata de una crónica muy ágil, y, como decía, con cierta pátina de seco realismo en su elucubración visual.

Polanski no precisa subrayados dramáticos, le basta con ir acumulando diversos conceptos de correspondencia con hechos y sentimientos: la indefensión (la secuencia en la que, antes de que ningún mal se haya concretado, la familia Szpilman escucha por radio que Francia e Inglaterra han declarado la guerra a Alemania, lo que les lleva a brindar por su suerte, secuencia de la que por corte pasamos a otra, panorámica que muestra el avance de un surtido regimiento del ejército nazi por una avenida de la ciudad); la instalación de la crueldad en la rutina (el militar que abofetea gratuitamente al padre de Vladek, arrojándole al suelo); la humillación que da lugar a lo patético (el asimétrico baile de ancianos y tullidos que improvisan dos soldados con los civiles judíos que esperan atravesar la vía del tranvía enclavada en medio del guetto); la desesperación (la mujer que pregunta repetidamente por su marido; el mendigo que trata de robarle a otro su bol de arroz, y que termina ingiriéndolo directamente del suelo, donde se ha derramado); el automatismo en el ejercicio de la violencia gratuita (el anciano que es arrojado desde el balcón de su casa porque no puede levantarse de su silla); la barbarie (los cadáveres como parte ya cotidiana del paisaje callejero). Como anclaje narrativo tenemos las secuencias familiares, los avatares que se verbalizan en esa intimidad entre padres e hijos, secuencias que van apuntalando esa crónica del descalabramiento de tantas cosas, entre ellas el sostén económico, la dignidad, la fe, la razón, y, finalmente (tras esa última secuencia que comparten juntos, en la que se reparten buenamente un caramelo en diversos, diminutos y equivalentes trozos), toda esperanza.

Cuando Vladek se queda solo, empieza para él otra vida, mucho peor, por supuesto, en la que sólo queda tratar de adaptarse al medio hostil y pugnar por la supervivencia. Vladek, trabajando para los nazis, de peón en una obra, cobra conciencia de la necesidad de reacción, o al menos acción, que exigirá ese afán de conservar la propia vida. Y cuando alcanzamos los angustiosos capítulos que discurren en el interior de dos pisos francos, El Pianista traslada la narración al territorio de la crónica sobre la abrasiva soledad, por mucho que de forma intermitente el personaje mantenga un contacto con el exterior (a través de lo que visualiza por la ventana; una ventana que asimismo es una barrera). Pero significativamente será entonces cuando la música, muda para él durante tanto tiempo, regresará al relato. Desde el momento en el que en el segundo piso franco halla un piano y le vemos mover los dedos sobre él, escuchando la música mentalmente (pues no puede tocarlo, ya que le oirían los vecinos, y podrían dar la alarma), y después haciendo lo propio, moviendo manos y dedos sobre la nada, pasando el tiempo en el hospital de campaña en el que se recluye tras la destrucción del edificio en el que se hallaba.

La pregunta que subyace entonces tiene que ver con la naturaleza de ese preciado bien, la música, que Vladek atesora y aún lleva consigo. La música, su sublime significante en el relato, no busca su sentido en el recuerdo o la nostalgia de los viejos y buenos tiempos. La música, descubrimos, no es un equipaje del pasado, pues es bien capaz de desalojarse del tiempo, de la miserable aventura de una existencia humana, pues la trasciende con mucho, y en su belleza y fuerza inconmensurables cabe hallar, incluso en las situaciones más adversas, eso que llamamos inspiración. Por ello, cuando la película ya encauza su clímax (el final de la guerra, la liberación de Varsovia), y a través de la anécdota del encuentro con el oficial alemán melómano, el filme alcanza una formidable cadencia de emoción a través de ese potente aparato narrativo, espiritual, que se despliega y expande merced de la pericia virtuosa de Szpilman con el piano. Cuando, a requerimiento del soldado alemán, se sienta a tocar de nuevo, tanto tiempo después, el piano (secuencia que Polanski alargará para dar cabida a la completa interpretación que efectúa el pianista de una nocturna de Chopin), se está nada menos que anticipando la redención del personaje, la normalización de su vida. Polanski nos habla de la música (o, por extensión, de la cultura) como bandera a enarbolar por encima de tantas cuitas y anatemas de la existencia de los hombres.

NOTA:

(1) Steven Spielberg pensó en el director y le ofreció en su día la realización del filme que acabaría asumiendo él mismo La Lista de Schindler. Polanski, entonces, declinó la oferta manifestando “no estar preparado” para abordar una obra de semejante temática.