Nicolas Cage estuvo a punto de convertirse en uno de los villanos más icónicos de Marvel hace más de 20 años. El actor ha confirmado que Sam Raimi le ofreció interpretar a Norman Osborn en Spider-Man de 2002, aunque terminó rechazando el papel por otra película que marcó su carrera.

Lo más curioso de todo es imaginar qué habría pasado si Cage hubiera aceptado. Porque sí, Willem Dafoe acabó dejando una interpretación legendaria… pero la idea de ver a Nicolas Cage convertido en el Duende Verde suena exactamente tan caótica y fascinante como imaginas.

Nicolas Cage estuvo a punto de enfrentarse a Spider-Man

Antes de que el Universo Marvel dominara Hollywood y muchísimo antes de que existieran conceptos como el Spider-Verse, Sam Raimi estaba preparando la película que cambiaría para siempre el cine de superhéroes. Spider-Man de 2002 no solo convirtió a Tobey Maguire en una estrella mundial. También redefinió cómo se hacían este tipo de producciones en Hollywood.

Ahora, Nicolas Cage ha confirmado en una entrevista reciente con People que Raimi llegó a reunirse varias veces con él para ofrecerle el papel de Norman Osborn, el futuro Duende Verde. Sí, el mismo personaje que terminaría interpretando Willem Dafoe con esa mezcla de locura, amenaza y energía desatada que todavía hoy sigue siendo imposible de olvidar.

Lo interesante aquí no es únicamente el “qué habría pasado”. Es pensar en el tipo de villano que habría construido Cage en aquella época. Porque hablamos del Nicolas Cage de principios de los 2000, una etapa donde podía pasar de películas intimistas a thrillers imposibles sin despeinarse demasiado. Nadie duda de que habría llevado al personaje hacia un terreno completamente diferente. Y probablemente bastante más salvaje.

La película que hizo rechazar Marvel a Nicolas Cage

Aunque hoy pueda parecer extraño rechazar un papel importante en una adaptación de Marvel, en 2002 las cosas eran muy distintas. El género todavía no dominaba la industria y muchos actores seguían viendo estas películas como apuestas arriesgadas.

Por eso Nicolas Cage terminó eligiendo Adaptation (El ladrón de orquídeas), la película de Spike Jonze donde compartió protagonismo con Meryl Streep y Chris Cooper. El actor reconoce que, en aquel momento, sintió que era la decisión correcta para su carrera.

Adaptation acabó convirtiéndose en una de las películas más respetadas de su filmografía, especialmente por el trabajo interpretativo de Cage, que tuvo que interpretar dos personajes completamente distintos al mismo tiempo. No era precisamente un proyecto sencillo ni comercial. Era el tipo de película rara, incómoda y brillante que encajaba perfectamente con él.

Willem Dafoe convirtió al Duende Verde en historia del cine

La realidad es que la elección final terminó siendo perfecta para Spider-Man. Willem Dafoe construyó una versión del Duende Verde que todavía hoy sigue funcionando como referencia absoluta dentro del cine de superhéroes.

Su interpretación mezclaba amenaza física, terror psicológico y un punto teatral que encajaba perfectamente con el tono de Sam Raimi. No era un villano realista. Era una pesadilla salida directamente de un cómic de los años 60 pasada por el filtro de una película de terror. Y funcionó.

Tanto funcionó que Marvel Studios terminó recuperándolo más de veinte años después en Spider-Man: No Way Home, donde Dafoe volvió a demostrar que sigue siendo uno de los mejores antagonistas que ha tenido jamás Peter Parker en pantalla.

Por eso cuesta imaginar a otra persona superándolo en el papel. Incluso alguien tan impredecible como Nicolas Cage. El propio actor dejó claro durante la entrevista que disfruta interpretando héroes y villanos por igual. Según explicó, no quiere quedarse atrapado haciendo siempre el mismo tipo de personaje. Y viendo su carrera, resulta evidente que nunca ha tenido miedo de probar cosas distintas.

Spider-Noir será el gran regreso superheroico de Nicolas Cage

Curiosamente, después de décadas alejándose del papel de gran villano Marvel, Nicolas Cage terminará regresando al universo arácnido gracias a Spider-Noir, la nueva serie de Prime Video que llegará el 27 de mayo de 2026.

Y aquí es donde todo se pone todavía más interesante. La serie nos presentará a un héroe arácnido muy diferente al habitual. En esta ocasión, Cage interpreta a un detective privado envejecido y agotado en el Nueva York de los años 30, obligado a enfrentarse a su pasado como el único superhéroe de la ciudad.

La premisa ya suena espectacular sobre el papel, pero además el proyecto tiene detrás a varios nombres muy potentes. Harry Bradbeer, responsable de Fleabag y Killing Eve, dirige los primeros episodios, mientras que Phil Lord y Christopher Miller —las mentes detrás de Spider-Man: Into the Spider-Verse— participan como productores ejecutivos. Eso explica por qué muchos fans tienen tantas expectativas puestas en esta serie.

El reparto de Spider-Noir promete algo muy diferente

Junto a Nicolas Cage aparecerán Lamorne Morris, Brendan Gleeson, Li Jun Li, Jack Huston y Abraham Popoola, además de un enorme reparto secundario lleno de rostros conocidos de televisión y cine.

Todo apunta a que Prime Video quiere convertir Spider-Noir en una de sus apuestas más fuertes dentro del género superheroico, aunque alejándose completamente del estilo tradicional de Marvel Studios.

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Desde su gran debut en la plataforma Disney+ en el año 2019, la exitosa serie The Mandalorian ha ido desenterrando poco a poco los misterios más profundos sobre el pasado de Grogu. Tras tres temporadas completas de desarrollo televisivo, finalmente sabemos con certeza que el pequeño recibió un entrenamiento formal dentro del mismísimo Templo Jedi en el planeta Coruscant, y que fue el Maestro Jedi Kelleran Beq quien arriesgó su propia vida para ayudarlo a escapar de las garras de los clones durante la trágica ejecución de la Orden 66.

Sin embargo, los aficionados todavía se encuentran en la más absoluta oscuridad respecto a cómo terminó en manos de aquellos mercenarios nikto en el planeta Arvala-7 cuando Din Djarin lo encontró por primera vez. Más importante aún, sigue siendo un misterio absoluto qué será de su destino más allá de la línea temporal posterior a Return of the Jedi.

A fin de cuentas, Din Djarin es simplemente un ser humano común y corriente; asumiendo que no pierda la vida en una batalla galáctica previa, el cazarrecompensas ya sería un anciano venerable para la época en la que transcurre la trilogía de secuelas de Star Wars.

Grogu tenía una edad de 50 años cuando apareció por primera vez en la pantalla. Teniendo en cuenta que el legendario gran Maestro Yoda alcanzó los 900 años de edad antes de fallecer por causas naturales en Dagobah, la especie de Grogu posee una esperanza de vida sumamente longeva que puede ser explorada a fondo en una cantidad infinita de futuras películas y series de televisión, dependiendo enteramente del punto cronológico de la galaxia en el que decidan situar las narrativas.

Jon Favreau y los planes a largo plazo para Grogu

En una íntima conversación con el medio especializado GamesRadar+ (vía SFFGazette.com) centrada en el inminente estreno cinematográfico de The Mandalorian and Grogu, el reconocido cineasta Jon Favreau ha confirmado de manera oficial que ya tiene completamente trazado y estructurado el panorama de lo que le depara el futuro al Niño más allá de estas aventuras iniciales junto a su padre adoptivo.

Favreau compartió sus grandes expectativas creativas con entusiasmo:

«Creativamente hablando, tengo muchísimos planes y una gran cantidad de pensamientos detallados sobre el destino de estos personajes, especialmente en el caso de Grogu. Grogu es un personaje muy particular; su especie es capaz de vivir durante siglos enteros», mencionó.

«Actualmente se encuentra en un sendero único para convertirse tanto en un Jedi como en un Mandalorian por derecho propio. Está tomando ciertas decisiones y elecciones fundamentales, y cuenta con un maestro excepcional a su lado en este momento. Por lo tanto, a medida que se desarrolle, crezca y madure, se abrirán oportunidades magníficas para historias que emanarán directamente de ese crecimiento», agrega.

El director continuó analizando el trasfondo de su entrenamiento: «Él no se encuentra en el sendero típico de un youngling o iniciado Jedi convencional, pero ha tenido la oportunidad de entrenar bajo la tutela de algunos de los mejores maestros Jedi que jamás han existido en la galaxia. Sabemos con total certeza que estudió y practicó junto a Luke Skywalker«, dijo.

Asimismo, agrega que: «También hay implicaciones narrativas que sugieren que pudo haber cruzado caminos con el mismísimo Yoda en el pasado, debido a que reconoce su nombre de forma inmediata, que es lo que dejamos entrever en el show. Y, por supuesto, estuvo presente en el Templo Jedi antes de los eventos de la Orden 66″.

La filosofía de la Fuerza y la evolución de sus habilidades

Para Favreau, el desarrollo de estos poderes es un tema central que ha discutido profundamente con las mentes maestras de Lucasfilm:

«Es una parte fundamental en mis conversaciones constantes con Dave Filoni y, por extensión, se alinea con lo que él aprendió directamente de George Lucas: la Fuerza se trata fundamentalmente de entrenamiento. Es una cuestión de refinamiento constante, exactamente igual que una habilidad atlética de alto rendimiento o cualquier otra disciplina técnica», indicó.

Y lo que vemos en pantalla es que, a pesar de que Grogu no está sirviendo actualmente bajo las órdenes de alguien que le imparta lecciones tradicionales en un aula, él claramente sigue meditando por su cuenta y pasando por alguna versión personal de la estricta disciplina Jedi«.

El escritor y director también estableció una interesante analogía con otros héroes clásicos de la saga para justificar el notable incremento de poder que el Niño mostrará en la gran pantalla.

«Por lo tanto, pienso que su uso y dominio de la Fuerza definitivamente han subido de nivel de manera considerable. Luke Skywalker no estudió bajo la dirección de Obi-Wan Kenobi durante un periodo de tiempo prolongado, pero aun así se encargó de refinar sus propias habilidades de forma independiente. Creo que esa es una parte esencial del camino que está disponible para Grogu, de acuerdo con lo que ya hemos aprendido y asimilado de las películas anteriores de Star Wars», comentó.

El fenómeno de masas y la nueva era para The Mandalorian and Grogu

A pesar de que el Mandaloriano en sí mismo es un personaje sumamente querido y respetado por la comunidad global de fanáticos de la franquicia, es innegable que la popularidad de Grogu ha explotado a niveles comerciales y culturales sin precedentes.

Retomar su historia en una producción situada temporalmente después de la trilogía de secuelas de Disney, o incluso un par de siglos más adelante en el futuro de la galaxia, representaría una propuesta visual y narrativa sumamente atractiva para la audiencia general; aunque ciertamente resultaría un tanto extraño e impactante para el público encontrarse con un Grogu maduro que posea una voz propia articulada y que haya dejado atrás su faceta de bebé adorable.

Los deseos y esperanzas de Jon Favreau para expandir el universo de Star Wars más allá de este largometraje aún no han recibido luz verde oficial por parte de los ejecutivos del estudio.

Lo más probable es que la continuidad de sus planes dependa enteramente del éxito financiero y crítico que coseche The Mandalorian and Grogu cuando se estrene en las salas de cine este próximo fin de semana. Independientemente de lo que ocurra en las taquillas, es un hecho ineludible que Disney buscará la manera de producir más contenido centrado en Grogu en el futuro a mediano plazo.

En esta nueva producción, el malvado Imperio Galáctico ha colapsado finalmente, pero diversos señores de la guerra imperiales continúan dispersos y fuertemente armados a lo largo y ancho de los sistemas estelares.

Mientras la joven e incipiente Nueva República trabaja a contrarreloj para proteger la paz por la que luchó la Alianza Rebelde, han decidido contratar los servicios del legendario cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin (Pedro Pascal) y su pequeño aprendiz Grogu para cumplir una misión crítica.

El filme cuenta con la dirección de Jon Favreau y las actuaciones de estrellas de la talla de Sigourney Weaver y Jeremy Allen White, respaldados por la producción de Kathleen Kennedy, Dave Filoni e Ian Bryce, con una banda sonora original a cargo de Ludwig Göransson. La película llegará oficialmente a las salas de cine el próximo 22 de mayo.

Si quieres saber más novedades de The Mandalorian & Grogu, te decimos más a continuación: Disney revela nuevas escenas de The Mandalorian & Grogu y confirma el gran cambio de Grogu en Star Wars

El dilema del envejecimiento de Grogu y dos culturas en conflicto

El destino de Grogu como un híbrido cultural entre el Credo de Mandalore y las enseñanzas de la Orden Jedi plantea uno de los debates filosóficos más ricos de todo el canon contemporáneo de la saga. Al heredar la armadura de beskar de su padre y, al mismo tiempo, el sable de luz y la sensibilidad mística de sus antiguos mentores, el personaje encarna la unificación de dos facciones que históricamente fueron enemigas mortales durante las antiguas guerras de la República.

Esta dualidad le otorga un rol mesiánico potencial que podría redefinir por completo el equilibrio de la Fuerza en las eras venideras, permitiéndole actuar como un pacificador galáctico capaz de entender tanto la violencia táctica del guerrero como la compasión desapegada del monje místico.

Sin embargo, el verdadero desafío dramático a largo plazo radica en el aislamiento emocional que Grogu experimentará de manera inevitable debido a su biología única. Ver envejecer y morir a Din Djarin, a sus aliados de la Nueva República y a generaciones enteras de amigos humanos y alienígenas mientras él apenas transiciona de la infancia a la adolescencia dotará a sus futuras historias de un tono de melancolía profunda.

Esta inmortalidad relativa lo obligará a convertirse en un guardián silencioso de la historia galáctica, un testigo del auge y caída de múltiples imperios y repúblicas. El verdadero viaje de Grogu no consistirá únicamente en aprender a levantar objetos más grandes con la mente, sino en descubrir cómo mantener abierta su capacidad de amar y proteger a los demás a pesar de saber que está destinado a sobrevivir a todos aquellos que decida albergar en su corazón.

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Keanu Reeves vuelve a cambiar las balas por las katanas. Después de conquistar Hollywood con sagas como John Wick y Matrix, el actor se prepara para protagonizar Hidari, una ambiciosa película japonesa de animación stop-motion ambientada en el Japón feudal que promete mezclar venganza, conspiraciones y combates espectaculares. Y sí, tiene toda la pinta de ser exactamente el tipo de locura elegante que le queda perfecta.

Keanu Reeves entra en el Japón feudal con Hidari

Hay actores que parecen diseñados para ciertos papeles. A estas alturas, cuesta imaginar a otro intérprete capaz de transmitir cansancio, rabia y carisma silencioso como Keanu Reeves. Por eso no sorprende demasiado que haya sido el elegido para liderar Hidari, una nueva producción japonesa que apunta directamente al corazón de los fans del cine de acción y las historias de samuráis.

La noticia se anunció durante el Annecy Animation Showcase celebrado dentro del Festival de Cannes 2026, un escaparate cada vez más importante para proyectos de animación destinados a convertirse en fenómenos globales. Allí aparecieron el director Masashi Kawamura y la productora Noriko Matsumoto para presentar oficialmente la película. Y claro, cuando soltaron el nombre de Keanu Reeves, la atención explotó al instante.

Porque Hidari no será una simple película de samuráis. Estamos hablando de una historia de venganza ambientada en el periodo Edo, protagonizada por un artesano legendario convertido en máquina de matar tras perder a las personas más importantes de su vida. Vamos, una mezcla entre tragedia clásica japonesa y espíritu John Wick. Difícil resistirse a eso.

La historia de Hidari parece hecha para Keanu Reeves

El protagonista se llama Hidari Jingoro, un maestro carpintero que queda atrapado en una enorme conspiración mientras participa en la reconstrucción del castillo de Edo. La situación termina destrozando su vida: pierde a su mentor, a la mujer que ama y hasta su brazo derecho. Pero sobrevivir tiene un precio. Y ahí empieza la transformación.

Lejos de rendirse, Jingoro sustituye su brazo amputado por una prótesis armada y convierte las herramientas que antes utilizaba para tallar madera en armas de destrucción. La premisa suena salvaje, pero también tiene ese punto estilizado y melancólico que encaja perfectamente con la presencia de Keanu Reeves.

Además, el personaje viajará acompañado por una figura llamada “Sleeping Cat”, mientras descubre que detrás de su tragedia hay una conspiración todavía mayor relacionada con luchas internas dentro del shogunato y soldados mecánicos que amenazan con transformar Japón para siempre.

Sí, has leído bien: samuráis, prótesis armadas y soldados mecánicos. Parece una mezcla imposible entre cine histórico, anime oscuro y acción cyberpunk. Y precisamente por eso tiene potencial para convertirse en una de las películas más comentadas de los próximos años.

El proyecto nació gracias a un corto viral

Lo curioso es que Hidari no surgió de la nada. La película está basada en un cortometraje experimental de apenas cinco minutos que Masashi Kawamura lanzó en 2023. Lo que parecía un simple piloto terminó convirtiéndose en una auténtica bomba viral.

El corto acumuló más de 4,9 millones de visualizaciones en YouTube y empezó a aparecer en festivales de cine de todo el mundo. La recepción fue tan potente que acabó llevándose premios en más de veinte certámenes internacionales. Ahí fue cuando los responsables entendieron que tenían algo mucho más grande entre manos.

Y honestamente, viendo las primeras imágenes y el estilo visual, se entiende perfectamente el revuelo. La técnica stop-motion utilizada en Hidari tiene una personalidad brutal. Todo parece hecho a mano, con movimientos llenos de textura y un acabado que recuerda a las producciones artesanales más espectaculares del cine japonés moderno.

Kawamura explicó durante la presentación que una de las referencias principales mientras desarrollaban el proyecto era precisamente John Wick. O sea, sí: Keanu Reeves ya estaba presente en el ADN de la película incluso antes de unirse oficialmente.

El director soñaba con trabajar con Keanu Reeves

Lo más llamativo de todo es que el fichaje del actor parecía prácticamente imposible al principio. El propio director reconoció que escribió el nombre de Keanu Reeves en una lista personal de actores soñados para la película sin pensar realmente que pudiera hacerse realidad. Pero ocurrió.

Kawamura confesó que todavía le cuesta creer que el protagonista de Matrix y John Wick haya terminado involucrándose en el proyecto. Según explicó, la llegada del actor ha disparado la motivación del equipo y ha elevado todavía más las expectativas alrededor de Hidari.

Y sinceramente, tiene lógica. Pocas estrellas occidentales tienen una conexión tan fuerte con la cultura japonesa y el cine de acción estilizado como Keanu Reeves. Durante décadas ha construido una imagen casi mitológica basada en personajes silenciosos, disciplinados y emocionalmente rotos. Básicamente, el ADN perfecto para un relato samurái.

Keanu Reeves ya tuvo un pasado samurái

Aunque esta será su primera participación en una producción japonesa original, no es la primera vez que Keanu Reeves se acerca al universo de los samuráis. Muchos recordarán La leyenda del samurái: 47 Ronin (2013), aquella superproducción fantástica inspirada libremente en la famosa historia japonesa de los cuarenta y siete ronin.

La película dividió bastante a la crítica en su momento, pero con el paso de los años ha ganado cierto cariño entre los fans del cine fantástico y las aventuras épicas. Sobre todo porque Reeves encajaba sorprendentemente bien dentro de ese mundo de honor, venganza y guerreros malditos.

Ahora parece que Hidari le dará una segunda oportunidad para sumergirse de lleno en ese imaginario. Y esta vez todo apunta a algo mucho más personal, oscuro y visualmente rompedor.

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Prime Video ha confirmado oficialmente que el avance final de Spider-Noir se lanzará a nivel mundial el día de mañana. Mientras tanto, para amenizar la espera de los seguidores, la plataforma de streaming ha liberado un espectacular y estilizado nuevo póster oficial que exhibe en todo su esplendor al justiciero arácnido interpretado por el legendario Nicolas Cage, junto a los miembros principales de su elenco secundario.

Desde el primer momento ha quedado completamente claro que esta no va a ser la típica y convencional historia de Spider-Man a la que el público está acostumbrado en el cine comercial, algo que se hace evidente ante la audaz e inesperada decisión creativa de cambiar al tradicional Peter Parker para colocar en su lugar a Ben Reilly.

Sin embargo, es sumamente importante precisar que este rudo y curtido Spidey de época no será un clon surgido de un laboratorio; en su lugar, los ejecutivos de Sony Pictures decidieron prescindir por completo del nombre de «Peter Parker» para esta versión televisiva en acción real (live-action), lo que los dejó con la opción directa de utilizar el alias de Ben o inventar una identidad totalmente nueva para el personaje.

Showrunner de Spider-Noir dio luces de la relación con el UCM

En una reciente e íntima conversación con el medio estadounidense Entertainment Weekly, el showrunner de la serie, Oren Uziel, fue cuestionado de forma directa sobre si una figura como Peter Parker existe de alguna manera dentro del universo criminal y sombrío que plantea el show. Su respuesta fue contundente y dejó entrever la filosofía detrás de esta producción:

«No todavía. No creo que aparezca en la primera temporada, sinceramente. Para mí, el nombre de Peter Parker es algo completamente sinónimo de un personaje joven y de una clásica historia de crecimiento personal y maduración (coming-of-age). El personaje de Ben Reilly nos permite distinguirnos de forma inmediata y automática de cualquier relato tradicional enfocado en Peter», comentó.

A pesar de estas declaraciones oficiales, una gran parte de la comunidad de fanáticos y analistas en redes sociales cree que Uziel simplemente está siendo esquivo con sus palabras y que la trama de Spider-Noir eventualmente revelará que Ben es, en realidad, el mismísimo Peter utilizando un pseudónimo para protegerse en los bajos fondos.

Es una posibilidad teórica bastante viable, especialmente si consideramos que en el material de las viñetas de Marvel Comics, la versión de Ben Reilly construye su identidad combinando el nombre de pila del tío Ben con el apellido de soltera de la tía May.

Aun así, los expertos sugieren no dar nada por sentado ni apostar ciegamente por esa teoría, sobre todo porque otra iteración cinematográfica de gran presupuesto de Peter Parker está completamente lista para tomar el centro del escenario este próximo mes de julio con el estreno en cines de la película Spider-Man: Brand New Day.

La experiencia de dirigir el genio histriónico de Nicolas Cage

Al reflexionar sobre lo que significó trabajar codo con codo junto a una figura de la magnitud y excentricidad de Nicolas Cage en el set de filmación, Uziel no pudo contener su admiración y compartió una divertida e interesante anécdota sobre el proceso diario de grabación:

«Cada solo día en el set, cuando nos sentábamos a discutir las escenas dentro de su tráiler de producción, él venía a trabajar con una energía desbordante y me decía: ‘Esta pequeña sección va a tener la esencia de Humphrey Bogart en The Big Sleep. En esta otra parte voy a canalizar un poquito el estilo de James Cagney. Y vas a poder notar algo de la vibra de Peter Lorre justo aquí’. Él extrae una cantidad masiva de alegría pura de este oficio. Es precisamente por esa pasión desmedida que él es Nic Cage».

El trasfondo histórico y el talentoso equipo en Spider-Noir

Spider-Noir se presenta como una ambiciosa serie de televisión de acción real inspirada de forma directa en el aclamado cómic de Marvel, Spider-Man Noir.

La narrativa nos traslada a la convulsa y grisácea Nueva York de la década de 1930 para seguir los pasos de Ben Reilly (Nicolas Cage), un investigador privado sumamente experimentado, rudo y venido a menos a nivel financiero, quien se ve irremediablemente obligado a lidiar con los fantasmas de su vida pasada y sus antiguas decisiones tras sufrir una tragedia profundamente personal.

Así, convirtiéndose a regañadientes en el único y verdadero superhéroe de una metrópolis asediada por la mafia.

El reparto principal de la serie ostenta una notable diversidad de talentos de la industria cinematográfica y televisiva, incluyendo a rostros destacados como:

• Lamorne Morris
• Li Jun Li
• Karen Rodriguez.
• Abraham Popoola
• A ellos se sumen las actuaciones estelares de Jack Huston y el galardonado Brendan Gleeson.

La lista de actores invitados y secundarios de primer nivel se complementa con Lukas Haas, Cameron Britton, Cary Christopher, Michael Kostroff, Scott MacArthur, Joe Massingill, Whitney Rice, Amanda Schull, Andrew Caldwell, Amy Aquino, Andrew Robinson y Kai Caster.

Esta esperada producción televisiva es un trabajo conjunto desarrollado por Sony Pictures Television de manera exclusiva para las plataformas de MGM+ y Prime Video. Oren Uziel (reconocido por sus guiones en The Lost City y 22 Jump Street) comparte las labores de co-showrunner y productor ejecutivo junto a Steve Lightfoot (la mente maestra detrás de las aclamadas adaptaciones de Marvel’s The Punisher y Shantaram).

Ambos creativos desarrollaron los cimientos de la serie trabajando de la mano con el equipo ganador del Premio de la Academia responsable de la revolucionaria e icónica película animada Spider-Man: Into the Spider-Verse: Phil Lord, Christopher Miller y Amy Pascal.

Lord y Miller desempeñan roles de productores ejecutivos junto a Aditya Sood y Dan Shear, mientras que Amy Pascal aporta su vasta experiencia en la franquicia arácnida como productora ejecutiva general bajo el sello de su compañía Pascal Pictures. Todos los episodios que componen la primera temporada de Spider-Noir se estrenarán simultáneamente en la biblioteca de Prime Video este próximo 27 de mayo.

La deconstrucción del género policíaco en Spider-Noir

La apuesta por situar la narrativa en la Gran Depresión estadounidense no es únicamente un aderezo visual o un capricho estético en blanco y negro, sino una deconstrucción profunda de los tropos del cine clásico de gánsteres y el cine negro (film noir) aplicados a la mitología moderna de los cómics.

Al despojar al héroe de los artilugios tecnológicos de alta gama, los trajes de nanotecnología y la luminosa sofisticación de la Nueva York contemporánea, los creadores obligan al protagonista a depender exclusivamente de su astucia callejera, sus habilidades detectivescas y una brutalidad física justificada por la hostilidad del entorno socioeconómico de la época.

En este escenario desgarrador, el crimen no se combate con discursos moralistas, sino navegando por los callejones húmedos y las redes de corrupción política que controlan los sindicatos y los clubes clandestinos de la ciudad.

Esta atmósfera de realismo sucio y desesperanza moral ofrece el lienzo perfecto para que Nicolas Cage despliegue su característico estilo de actuación expresionista.

Antes de seguir leyendo, si quieres saber más novedades de Spider-Noir, aquí te contamos: Spider-Noir revela si veremos al Spider-man de Peter Parker

Lejos de la pulcritud heroica de los Vengadores, este Spider-Man es un hombre roto por el dolor y el cinismo, un antihéroe que fuma bajo la lluvia torrencial y que contempla la máscara no como un símbolo de esperanza inspirador, sino como una dolorosa maldición necesaria para hacer justicia en un mundo que ha abandonado toda noción de legalidad.

Con el respaldo de creativos como Steve Lightfoot, quien ya demostró su capacidad para manejar la violencia psicológica y explícita en The Punisher, la serie promete posicionarse como la alternativa madura, cruda y vanguardista que los fanáticos del arácnido han estado reclamando durante años en el terreno de acción real.

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Ante la inminente llegada del reinicio cinematográfico de Masters of the Universe, una de las grandes incógnitas que ha mantenido en vilo a los seguidores más fieles de la mitología de Eternia es si la legendaria She-Ra, la hermana gemela de He-Man, tendrá algún tipo de participación en esta nueva producción.

El director a cargo del proyecto, Travis Knight, ha ofrecido una respuesta sumamente intrigante y calculada al ser cuestionado sobre la posibilidad de que la Princesa del Poder haga su esperado debut en el formato de acción real (live-action).

Durante una entrevista exclusiva concedida a la prestigiosa revista SFX, el cineasta detrás de éxitos como Kubo and the Two Strings y Bumblebee intentó mantener el misterio, compartiendo sus profundas reflexiones sobre la importancia del personaje:

«Puedo decir muy poco sobre She-Ra. Para mí, She-Ra siempre ha sido una parte fundamental del mundo de Masters y una pieza enorme en la historia de Adam. En la plenitud del tiempo, si tenemos la suerte de poder contar más historias dentro de este universo, She-Ra jugará un papel absolutamente gigantesco», comentó.

Estas declaraciones dejan entrever con claridad que, en caso de que la película logre el éxito comercial necesario para asegurar una secuela, la Princesa Adora está definitivamente en los planes principales del equipo creativo. No obstante, las palabras de Knight también sugieren que el personaje podría limitarse a recibir una mención o referencia indirecta en este largometraje, o bien que su presencia física fue descartada a última hora debido a cambios en el proceso de edición.

«Si ella juega o no algún papel en esta película en específico, es algo que no puedo revelar; pero definitivamente tuvimos muchísimas, muchísimas conversaciones sobre el personaje», añadió Knight, dejando una pista bastante reveladora sobre el material que se quedó en el tintero.

«Hay escenas gigantescas en la película que ya no están allí. Estoy sumamente orgulloso del resultado final del largometraje, pero definitivamente hay cosas que amo profundamente y que tuvimos que cortar. Con suerte, el público tendrá la oportunidad de verlas salir a la luz en algún momento», comentó.

La trayectoria de la Princesa del Poder para Masters of the Universe

Para poner en perspectiva el impacto de este personaje, cabe recordar que She-Ra debutó originalmente en la gran pantalla en el año 1985 con la película animada He-Man and She-Ra: The Secret of the Sword, una producción que sirvió como el trampolín perfecto para el lanzamiento de su propia serie derivada (spin-off), titulada She-Ra: Princess of Power.

En tiempos más recientes, la heroína fue objeto de una aclamada reinvención gracias a la serie animada de Netflix She-Ra and the Princesses of Power, la cual concluyó su andadura televisiva con su quinta temporada en el año 2020, dejando tras de sí a una base de fanáticos sumamente activa que hasta el día de hoy continúa organizando campañas en plataformas digitales para exigir su regreso.

Por otra parte, se mantiene en una etapa activa de desarrollo un proyecto completamente independiente de serie en acción real centrado en She-Ra para la plataforma de streaming Prime Video. Esta producción cuenta con Heidi Schreck asumiendo las funciones de guionista principal y productora ejecutiva, respaldada por la experiencia de Robin Sweet y el sello de DreamWorks Animation.

Schreck cuenta con un notable historial en la industria televisiva, habiendo trabajado previamente en producciones de alto perfil como Billions y Nurse Jackie para la cadena Showtime, así como en Dispatches from Elsewhere de AMC y el show I Love Dick exclusivo de Amazon. Sin embargo, su trabajo más aplaudido y reconocido por la crítica internacional ha sido la escritura y el protagonismo de la galardonada obra teatral What the Constitution Means to Me.

Para asegurar la calidad técnica del proyecto, se ha confirmado a la directora Nicole Kassell para dirigir y producir ejecutivamente el episodio piloto; Kassell cuenta con un portafolio impecable tras haber comandado capítulos memorables de series de la talla de Watchmen, Westworld, The Leftovers (todas de HBO), The Americans y Castle Rock.

Camino hacia Eternia en Masters of the Universe y detalles de producción

El esperado largometraje de Masters of the Universe se encuentra a las puertas de su gran lanzamiento comercial. La gira de promoción global ya ha dado inicio oficial y la cuenta oficial de la película ha comenzado a liberar piezas audiovisuales exclusivas para avivar las expectativas de la audiencia de cara a su estreno exclusivo en cines fijado para este próximo 5 de junio.

De acuerdo con la sinopsis oficial actualizada proporcionada por el estudio:

«En Masters of the Universe, el director Travis Knight trae de regreso la legendaria franquicia a la pantalla grande en esta épica aventura de acción real. Después de haber estado separados durante 15 años, la Espada del Poder guía al Príncipe Adam de regreso a Eternia, donde descubre que su hogar ancestral ha sido completamente destrozado bajo el despiadado e infernal mandato de Skeletor.

Para salvar a su familia y a su mundo, Adam deberá unir fuerzas con sus aliados más cercanos, Teela y Duncan/Man-At-Arms, y aceptar su verdadero destino como He-Man: el hombre más poderoso del universo».

La producción cinematográfica ostenta un elenco repleto de estrellas de primer nivel en Hollywood:

• Nicholas Galitzine asume el doble reto de interpretar al Príncipe Adam y su alter ego heroico, He-Man.
• Camila Mendes da vida a la valiente guerrera Teela.
• Jared Leto se somete a una nueva transformación para encarnar al icónico villano Skeletor.
• Idris Elba aporta su imponente presencia física al rol del general Duncan / Man-At-Arms.
• Morena Baccarin asume el papel de la mística Hechicera de Grayskull (The Sorceress).
• James Purefoy y Charlotte Riley interpretan a los monarcas de Eternia y padres de Adam, el Rey Randor y la Reina Marlena.

La lista de talentos se complementa con Alison Brie en el papel de la letal mano derecha de Skeletor, Evil-Lyn; Sam C. Wilson encarnando al cibernético Trap Jaw; Kojo Attah asumiendo el rol del cazarrecompensas Tri-Klops; y la reconocida comediante Kristen Wiig, quien recientemente se incorporó al proyecto para prestar su rango vocal al guerrero mecánico Roboto.

La producción general de esta colosal apuesta de fantasía corre a cargo de Todd Black, Jason Blumenthal, Steve Tisch y DeVon Franklin bajo el cobijo de Mattel Films y Amazon MGM Studios.

La premisa narrativa explora una vertiente fresca y adaptada para las nuevas generaciones, mostrando a un Príncipe Adam de 10 años que termina estrellándose en el planeta Tierra a bordo de una nave espacial, quedando completamente despojado de su Espada del Poder mágica, la cual representa su único vínculo directo con su hogar natal en Eternia.

Tras pasar casi dos décadas rastreando incansablemente el paradero de la mítica arma en nuestro planeta, el ahora joven adulto es transportado de regreso a través del cosmos profundo para emprender la defensa de su civilización contra el ejército del mal.

Pero para tener una oportunidad real de derrocar a un hechicero tan formidable, el Príncipe Adam tendrá primero que desenterrar los misterios ocultos de su propio pasado y reclamar el poder cósmico que lo convertirá en el héroe definitivo de la galaxia.

La logística corporativa detrás del fenómeno de Masters of the Universe

El desarrollo simultáneo de una superproducción cinematográfica por parte de Amazon MGM Studios y una serie televisiva enfocada en She-Ra bajo el mismo paraguas corporativo de la plataforma Prime Video no es una mera coincidencia creativa, sino una maniobra estratégica sumamente sofisticada para consolidar los derechos de autor de Mattel en un único ecosistema multimedia.

Históricamente, las licencias comerciales de Masters of the Universe, He-Man y su hermana gemela habían estado fragmentadas entre diferentes productoras y cadenas de televisión debido a contratos firmados en la década de los 80 con la compañía Filmation, lo que a menudo imposibilitaba un cruce directo en proyectos de acción real debido a disputas legales por las regalías y la distribución internacional.

Al unificar ambas propiedades intelectuales bajo la misma distribuidora, los ejecutivos están preparando el terreno para la creación de un universo cinematográfico compartido de Eternia y Etheria de gran escala. Si la taquilla responde favorablemente el próximo 5 de junio, el proceso de conectar la historia del Príncipe Adam con la rebelión de la Princesa Adora contra las fuerzas del tirano Hordak será un paso natural y logísticamente viable.

Antes de que sigas leyendo y si quieres saber más de lo que viene para Masters of the Universe, te contamos aquí: Masters of the Universe proyecta un estreno moderado en taquilla

Las escenas masivas que Travis Knight se vio obligado a recortar de este primer montaje bien podrían servir como los pilares argumentales o secuencias de analepsis (flashbacks) para la construcción de una secuela directa, demostrando que en el Hollywood actual, el metraje descartado a menudo se convierte en la materia prima más valiosa para asegurar la longevidad de una franquicia multimillonaria.

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La serie de Lanterns acaba de revelar el detalle que puede alterar por completo cómo entendíamos la cronología del nuevo universo de DC Studios. Y no, nadie esperaba que la historia de Hal Jordan y John Stewart jugara con dos épocas distintas dentro del DCU.

La gran sorpresa no está solo en ver juntos a Hal Jordan y John Stewart, sino en descubrir que la serie se moverá entre 2016 y 2026, algo que cambia el peso de los Green Lanterns dentro del universo de James Gunn y deja a Superman en una posición muy diferente a la que muchos imaginaban.

Lanterns rompe la cronología que todos dábamos por hecha

Durante meses, prácticamente todo el mundo asumió que Lanterns iba a desarrollarse en el “presente” del DCU, igual que ocurre con Superman o con otros proyectos ya anunciados por James Gunn. Era lo lógico. Nuevo universo, nuevas historias y una línea temporal relativamente sencilla de seguir. Pues bien, olvida esa idea porque la serie acaba de darle una patada al tablero.

La información publicada por EW confirma que la trama comenzará en 2016 con Hal Jordan investigando un misterioso tiroteo en un pequeño pueblo de Nebraska. Y aquí viene lo interesante: la serie también tendrá acontecimientos situados en 2026. Es decir, no hablamos de simples flashbacks rápidos para rellenar huecos, sino de una estructura narrativa que conecta dos etapas distintas del DCU. Y sí, esto cambia muchas cosas.

Porque hasta ahora parecía que John Stewart sería un Green Lantern relativamente nuevo cuando apareciera junto a Superman y el resto de héroes. Pero si Stewart ya estaba siendo entrenado por Hal Jordan en 2016, eso significa que para 2026 llevará una década completa dentro del cuerpo de los Lanterns. Ya no sería el novato que muchos tenían en mente. Sería un veterano con experiencia galáctica de sobra.

John Stewart podría ser más veterano que Superman

Aquí es donde la cronología empieza a ponerse realmente divertida. James Gunn ya había dejado caer que el Superman interpretado por David Corenswet llevaba unos tres años activo cuando arranca su película en 2025. Eso sitúa el inicio de su carrera superheroica alrededor de 2022.

Si John Stewart ya era un Lantern en 2016, entonces cuando Superman empieza a salvar Metrópolis, Stewart lleva aproximadamente seis años patrullando el espacio. Seis. Y eso convierte automáticamente al Green Lantern en uno de los héroes más curtidos de todo el DCU.

La consecuencia es enorme. Durante años, el cine de superhéroes nos acostumbró a colocar a Superman como el gran pionero moderno. El primero entre iguales. El referente absoluto. Pero James Gunn parece estar construyendo algo distinto. Un universo donde Clark Kent no llega primero, sino bastante después de otros héroes ya consolidados.

Y sinceramente, tiene bastante sentido. Eso ayuda a que el DCU se sienta vivo desde el primer minuto. No parece un mundo donde los héroes aparecen mágicamente al mismo tiempo. Parece un universo con historia previa, cicatrices y relaciones ya formadas antes de que el espectador llegue.

Hal Jordan y John Stewart tendrán una relación muy distinta

Otro detalle clave de Lanterns está en la dinámica entre Hal Jordan y John Stewart. La serie presentará a Hal como un veterano policía espacial interpretado por Kyle Chandler, mientras que Aaron Pierre dará vida a Stewart en plena etapa de aprendizaje.

Pero aquí no estamos hablando del típico mentor amable que sonríe mientras enseña lecciones de vida. Todo apunta a una relación mucho más tensa. Jordan sigue entrenándolo “a regañadientes” dos meses después de empezar su formación, lo que sugiere choques constantes entre ambos personajes.

Eso encaja perfectamente con la personalidad clásica de John Stewart. Nunca fue el Green Lantern impulsivo o bromista. Stewart siempre ha sido más rígido, militar y disciplinado. Y precisamente ese pasado como marine parece ser una de las razones por las que los Guardianes del Universo lo eligen de forma tan particular.

De hecho, la serie revela algo muy curioso: Stewart no fue seleccionado únicamente por el anillo. Los Guardianes lo escogieron como “respaldo” por si algo le ocurría a Hal Jordan. Y eso abre la puerta a teorías muy interesantes sobre el destino de Hal dentro del DCU.

¿Está el DCU preparando la caída de Hal Jordan?

Vamos a decirlo claro: cuando una historia te presenta a un sustituto de emergencia, normalmente no es casualidad. Mucho menos en un universo compartido que está planificando historias a largo plazo.

Hal Jordan, además, tiene un pasado especialmente delicado en los cómics. Su conexión con Sinestro siempre ha sido una bomba de relojería emocional dentro de Green Lantern. Y el hecho de que la serie recuerde que Hal fue entrenado precisamente por Sinestro parece demasiado importante como para ignorarlo.

No sería raro que DC Studios estuviera preparando lentamente una futura corrupción de Hal Jordan o incluso algún gran conflicto cósmico relacionado con el miedo y el poder del anillo amarillo. Y sí, los fans veteranos ya saben perfectamente hacia dónde podría dirigirse todo esto.

Mientras tanto, Stewart parece destinado a convertirse en el auténtico pilar estable de los Lanterns dentro del DCU. Un héroe más frío, más táctico y probablemente más fiable a largo plazo.

La cronología también explica el misterio de Guy Gardner

Había un detalle del teaser de Lanterns que llevaba semanas confundiendo a los fans. Hal Jordan aseguraba ser “el único humano” del cuerpo de Lanterns. El problema es que eso chocaba directamente con la existencia de Guy Gardner, interpretado por Nathan Fillion en Superman.

Entonces, ¿Qué estaba pasando exactamente? Ahora todo empieza a encajar. Lo más probable es que Guy Gardner todavía no fuera Green Lantern durante la línea temporal de 2016. Habría sido reclutado más adelante, entre los sucesos de Lanterns y los acontecimientos de Superman.

Eso explicaría por qué Hal habla como si no hubiera otros humanos dentro del cuerpo. Y también permite que el DCU construya progresivamente a sus Lanterns en lugar de lanzar a cuatro o cinco personajes de golpe sin contexto emocional.

El DCU de James Gunn ya no parece un reinicio típico

Lo más interesante de todo esto es que el DCU empieza a sentirse mucho más ambicioso de lo que parecía hace un año. No están construyendo simplemente una sucesión de películas conectadas. Están creando décadas de historia superheroica previa.

Batman ya tendría una Batfamilia completa. John Stewart llevaría años patrullando el espacio antes de Superman. Hal Jordan arrastraría secretos del pasado. Y mientras tanto, Clark Kent todavía estaría encontrando su sitio en este mundo lleno de héroes veteranos.

Eso cambia por completo la dinámica de la futura Liga de la Justicia. Y también hace que Lanterns pase de ser “otra serie más” a convertirse en una pieza central de toda la cronología del DCU.

Porque sí, al final resulta que la serie de los Green Lanterns no solo va sobre una investigación en Nebraska. Va sobre cómo empezó realmente el universo de James Gunn. Y eso la convierte automáticamente en una de las producciones más importantes de DC en años.

Lanterns se estrenará el 16 de agosto de 2026 en HBO Max. ¿Hay ganas de verla? Dímelo en comentarios y síguenos en Google Discover para no perderte nada.

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Spider-Man: Brand New Day acaba de convertir al Hulk de Mark Ruffalo en algo mucho más peligroso de lo que esperábamos. Marvel Studios ya no lo llama Smart Hulk ni Savage Hulk. Ahora tiene un nuevo nombre: Savage Smash Hulk. Y sí, eso suena exactamente a lo que imaginas… destrucción total.

Después de años viendo a Bruce Banner controlado, racional y casi demasiado tranquilo, todo apunta a que la Fase 6 va a recuperar al monstruo desatado que hemos visto en los cómics. Y lo mejor es que esta locura va a ocurrir dentro de la nueva película de Spider-Man.

Spider-Man: Brand New Day recupera al Hulk que los fans llevaban años esperando

Hay algo que muchos seguidores del MCU no habían terminado de perdonar. El Hulk salvaje, impredecible y completamente fuera de control desapareció prácticamente después de Vengadores: Infinity War. Aquella humillante derrota contra Thanos no solo dejó fuera de combate al gigante verde, también cambió por completo su personalidad.

Marvel optó entonces por convertirlo en Smart Hulk en Vengadores: Endgame, una mezcla entre Bruce Banner y Hulk mucho más cerebral, relajada y hasta simpática. Funcionaba para algunas escenas cómicas, sí, pero también eliminó buena parte de la esencia brutal del personaje. El problema es que Hulk dejó de imponer miedo.

Por eso el nuevo nombre revelado para Spider-Man: Brand New Day ha provocado tanta conversación. “Savage Smash Hulk” no parece una simple etiqueta comercial para vender juguetes. Suena más bien a declaración de intenciones. Marvel quiere devolvernos a la versión más agresiva, violenta y salvaje del personaje.

El regreso de Mark Ruffalo cambia completamente el tono

La vuelta de Mark Ruffalo ya se había filtrado hace semanas gracias a un arte promocional de Spider-Man: Brand New Day que desapareció de internet casi tan rápido como apareció. Pero claro, internet nunca olvida.

Aquellas imágenes mostraban a Tom Holland con un nuevo traje y adelantaban la presencia de villanos como Scorpion, Boomerang y Tarantula. Sin embargo, quien realmente llamó la atención fue Hulk. No porque apareciera simplemente, sino por cómo se veía.

Ahora, gracias a una nueva figura de Hasbro, ya tenemos la confirmación definitiva de esta nueva identidad. El juguete muestra a un Hulk gigantesco, musculoso, con expresión completamente desatada y listo para romper media ciudad si alguien le mira mal.

Lo interesante está en los detalles. Los brazos son muchísimo más enormes que en versiones anteriores del MCU, recuperando esa estética monstruosa de los cómics clásicos. Nada de Hulk profesor dando conferencias. Esto parece un tanque nuclear con piernas.

Spider-Man: Brand New Day podría traer el Hulk más destructivo del cine

El detalle del color no es menor. Durante meses circularon rumores sobre un posible Grey Hulk en la película, algo que habría abierto la puerta a otra personalidad completamente distinta de Banner. Pero estas primeras imágenes oficiales parecen descartar esa posibilidad.

Marvel quiere al Hulk clásico. El de los puñetazos imposibles. El que aparece y automáticamente convierte cualquier pelea en un desastre gigantesco. La pregunta importante no es si Hulk volverá a destruir cosas. La verdadera pregunta es cómo demonios Bruce Banner va a perder el control otra vez después de tantos años dominando la situación. Ahí es donde empiezan las teorías realmente interesantes.

Scorpion podría ser el responsable del desastre

Una de las teorías más comentadas conecta directamente a Scorpion con la transformación de Banner. Y sinceramente, encaja bastante bien con el tono callejero que parece tener Spider-Man: Brand New Day.

La idea es que Tombstone utilice a Scorpion para atacar a Banner con una toxina diseñada específicamente para neutralizarlo antes de que pueda ayudar a Peter Parker con sus propios problemas físicos y mutaciones.

La teoría sostiene que esa sustancia acabaría despertando precisamente aquello que llevaba años dormido: la personalidad más salvaje e incontrolable del Hulk original. Una especie de mecanismo de defensa extremo que convertiría a Banner en una bomba gamma ambulante. Y eso podría provocar otro caos monumental en Nueva York. Porque aparentemente el MCU nunca se cansa de destruir Manhattan.

Peter Parker podría empeorar todavía más la situación en Spider-Man: Brand New Day

Lo más interesante es que Spider-Man podría terminar siendo parte indirecta del problema. Según varios rumores, Peter acudiría a Banner buscando ayuda para entender ciertos cambios físicos relacionados con su mutación.

Eso colocaría a Bruce bajo una presión enorme. Intentar ayudar a Peter mientras lidia con amenazas criminales y posibles ataques químicos podría romper definitivamente el frágil equilibrio mental que había conseguido mantener desde Endgame. De repente, Smart Hulk deja de existir. Y aparece Savage Smash Hulk.

La idea funciona especialmente bien porque devuelve al personaje algo que había perdido: tensión. Durante años sabíamos exactamente cómo iba a reaccionar Hulk. Ahora vuelve a existir el miedo real de que Bruce Banner pueda explotar en cualquier momento.

Marvel parece haber entendido lo que fallaba con Hulk

El MCU lleva tiempo intentando recuperar sensaciones perdidas. Lo hizo con Daredevil. Lo hizo con los X-Men animados. Y ahora parece que le toca el turno al gigante verde.

Porque seamos sinceros: el Hulk más querido sigue siendo el monstruo imposible de controlar que apareció en Los Vengadores. Aquella escena en la que golpea a Loki como si fuera un muñeco sigue funcionando más de una década después porque transmitía pura fuerza desatada. Eso es precisamente lo que este nuevo nombre promete recuperar.

Savage Smash Hulk suena exagerado, casi ridículo… y precisamente por eso funciona tan bien. Tiene energía de cómic clásico. Tiene personalidad. Y sobre todo transmite algo que el personaje llevaba tiempo sin transmitir: peligro.

Marvel necesita personajes impredecibles otra vez. Necesita héroes que parezcan capaces de romper el mundo si pierden el control. Y Hulk siempre fue el mejor ejemplo de eso.

Spider-Man: Brand New Day se estrenará el 31 de julio de 2026

La nueva entrega del Peter Prker de Tom Holland llegará en un momento muy interesante del Universo Cinematográfico de Marvel, ya que después de uno años sin un rumbo fijo, parece que todo se está enderezando con éxitos como Deadpool and Wolverine (2024) y grandes eventos como Vengadores: Doomsday (2026).

Además, Spider-Man ha sido olvidado después de los eventos de No Way Home y por eso está iniciando su nueva vida como héroe y deberá enfrentarse a grandes villanos para salvar la ciudad de Nueva York.

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Star Wars parece no haber terminado todavía con Hayden Christensen. Cuando muchos pensaban que su regreso en Obi-Wan Kenobi y Ahsoka era simplemente un guiño nostálgico para los fans clásicos, un nuevo rumor apunta justo en la dirección contraria: Lucasfilm tendría preparados al menos dos proyectos más para el actor como Anakin Skywalker / Darth Vader.

Porque aquí ya no hablamos solo de cameos emocionales o apariciones rápidas como Fantasma de la Fuerza. La sensación es que Lucasfilm ha entendido algo importante: el público quiere más Anakin… y quiere más Hayden Christensen.

Lucasfilm parece haber encontrado por fin el lugar de Hayden Christensen

Durante años, el nombre de Hayden Christensen estuvo ligado a una de las etapas más polémicas de Star Wars. Las precuelas dividieron a los fans, internet hizo lo suyo y el actor terminó pagando gran parte del golpe mediático. Lo curioso es que el tiempo ha hecho exactamente lo contrario de lo que muchos esperaban.

Ahora ocurre algo casi impensable hace quince años: cada aparición de Hayden Christensen genera aplausos, emoción y toneladas de comentarios positivos. El regreso del actor en Obi-Wan Kenobi fue recibido como un auténtico acontecimiento para los seguidores de la saga. No era simplemente Darth Vader volviendo a ponerse el casco. Era la sensación de cerrar una herida pendiente dentro de la franquicia.

El estudio entendió rápidamente que el público conectaba muchísimo con la versión madura y emocional de Anakin Skywalker que Christensen estaba aportando. No hacía falta reinventar el personaje. Bastaba con darle espacio y dejar que respirara dentro del universo actual de Star Wars.

Ahsoka abrió una puerta enorme para Anakin Skywalker

La serie Ahsoka terminó siendo mucho más importante para Hayden Christensen de lo que parecía al principio. Muchos esperaban apenas una aparición simbólica del personaje, pero Dave Filoni decidió jugar fuerte. El resultado fue uno de los momentos más celebrados de la era Disney.

Anakin apareció como mentor espiritual de Ahsoka Tano, mezclando la versión heroica de Las Guerras Clon con la sombra aterradora de Darth Vader. Esa combinación funcionó increíblemente bien porque permitía explorar todas las facetas del personaje al mismo tiempo. El héroe. El maestro. El monstruo. El hombre roto. Y la temporada dejó algo todavía más interesante sobre la mesa: Peridea.

La misteriosa localización presentada en el final parece tener conexiones muy profundas con la Fuerza, los Dioses de Mortis y toda la mitología que Dave Filoni lleva años construyendo desde The Clone Wars. Precisamente ahí es donde Anakin podría convertirse en una pieza fundamental dentro de Ahsoka Temporada 2 de Disney+.

No sería raro que acabara funcionando casi como una guía espiritual para Ahsoka y Sabine Wren durante su aventura en ese nuevo mundo. De hecho, muchos fans llevan tiempo teorizando con que Filoni quiere convertir a Anakin en una especie de figura cósmica dentro del canon moderno de Star Wars. Y sinceramente, viendo hacia dónde va todo… no parece ninguna locura.

Los dos nuevos proyectos podrían cambiar el mapa de Star Wars

El rumor que llega ahora desde el insider Daniel Richtman va bastante más allá de Ahsoka. Según la información filtrada, Hayden Christensen estaría ligado al menos a dos proyectos adicionales de Star Wars después de la segunda temporada de la serie.

Lucasfilm tiene actualmente varias películas en desarrollo, incluyendo la cinta protagonizada por Rey y la nueva trilogía que todavía sigue rodeada de misterio. El problema es que resulta complicado imaginar cómo encajaría Anakin Skywalker dentro de esas historias… aunque Star Wars nunca ha tenido demasiados problemas para hacer regresar personajes importantes. Especialmente cuando hablamos de Fantasmas de la Fuerza.

También existe otro escenario que lleva meses sonando con fuerza entre los fans: Obi-Wan Kenobi Temporada 2. Aunque Disney+ todavía no ha confirmado oficialmente la continuación, Ewan McGregor y el propio Hayden Christensen han dejado claro varias veces que estarían encantados de regresar.

Pero hay una etapa concreta que los seguidores llevan años soñando ver en acción real: Las Guerras Clon.

Hayden Christensen quiere explorar más a Darth Vader

El propio actor ya dejó caer hace tiempo que todavía siente que quedan historias por contar alrededor de Anakin y Darth Vader. No habló como alguien que simplemente acepta volver por contrato. Habló como un fan más del personaje.

Christensen explicó recientemente que le encantaría explorar tanto la etapa de Las Guerras Clon como los años más oscuros de Darth Vader. Y sí, reconoció entre risas que probablemente necesitarían algo de rejuvenecimiento digital para recrear aquella época.

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La pesadilla egipcia más salvaje del año ya prepara su salto al salón de casa. The Mummy, la reinterpretación brutal y demoníaca del clásico monstruo realizada por Lee Cronin, llegará muy pronto en formato digital y físico con una buena dosis de contenido extra que promete hacer las delicias de los amantes del terror más retorcido.

Y ojo, porque si pensabas que esto iba a ser otra película de momias con tumbas polvorientas y maldiciones de manual, prepárate. Lo de Cronin juega en otra liga: posesiones, rituales ancestrales, horror corporal y un ambiente tan claustrofóbico que casi puedes sentir la arena entrando por la garganta. En este enlace puedes leer nuestra crítica.

La momia de Lee Cronin llega al formato digital este mismo mes

Después de su paso por los cines, donde logró dividir al público entre fascinados y completamente traumatizados, La momia de Lee Cronin aterrizará en plataformas digitales el próximo 19 de mayo. La película estará disponible en servicios como Amazon Prime Video, Apple TV y otras tiendas digitales habituales para alquiler y compra.

La noticia ha sido recibida con bastante entusiasmo por parte de los fans del terror moderno, especialmente porque muchos se quedaron con ganas de revisitar varias escenas que, sinceramente, son de esas que te dejan mirando al techo cuando termina la película. Cronin no se ha limitado a copiar la fórmula clásica de las momias del cine universal. Aquí hay una mezcla enfermiza entre drama familiar, horror demoníaco y violencia grotesca que recuerda más a ciertos momentos de Hereditary o Evil Dead Rise que a las aventuras de Brendan Fraser.

Y sí, eso es exactamente lo que ha hecho que la película destaque tanto. En lugar de centrarse únicamente en la maldición, Cronin convierte la posesión en una experiencia física y emocional brutal. Cada herida, cada vendaje arrancado y cada mirada perdida de Katie tienen un peso incómodo que hace que la tensión no desaparezca nunca.

La edición física tendrá contenido extra para fans del terror

El lanzamiento en formato físico llegará el 14 de julio en 4K UHD, Blu-ray y DVD. Y aquí es donde los coleccionistas van a empezar a sacar la cartera sin demasiada resistencia. Porque además de la película, se incluirán varios documentales y escenas eliminadas centradas en el proceso creativo de Cronin y en los efectos prácticos que se utilizaron durante el rodaje.

Uno de los extras más interesantes será The Making of Lee Cronin’s The Mummy, donde el director explica cómo construyó esta nueva visión del mito de la momia. Según adelantan, el objetivo era mezclar terror emocional con una atmósfera sofocante y muy física. Algo que se nota desde los primeros minutos.

También habrá un especial llamado A Bloody and Grotesque Spectacle, que ya desde el título deja claro por dónde van los tiros. Sangre, insectos, uñas arrancadas y prótesis grotescas forman parte del arsenal visual de una película que apuesta constantemente por el horror práctico. Y eso, en tiempos de exceso de CGI, se agradece muchísimo.

La actriz Natalie Grace parece haberse dejado literalmente el cuerpo en el papel de Katie. La transformación física del personaje es tan extrema que por momentos cuesta reconocerla bajo las capas de maquillaje y prótesis. Hay escenas que parecen salidas de una pesadilla de Clive Barker pasada por un filtro egipcio infernal.

Una historia mucho más oscura de lo que imaginas

La trama de La momia de Lee Cronin arranca en Asuán, Egipto, cuando una familia descubre que bajo el sótano de su casa se oculta una pirámide negra enterrada. Dentro descansa un sarcófago de basalto que contiene restos momificados capaces de despertar una fuerza sobrenatural conocida como Nasmaranian.

A partir de ahí, la película salta a El Cairo, donde conocemos a Charlie Cannon, un periodista de investigación que vive junto a su esposa Larissa y sus hijos Katie y Sebastián. La vida familiar se rompe por completo cuando Katie desaparece tras ser secuestrada por una misteriosa mujer conocida como la Maga durante una tormenta de arena.

El gran golpe emocional llega ocho años después. Katie reaparece viva en Albuquerque, pero completamente cambiada. Está envuelta en vendajes cubiertos de escrituras antiguas, vive en estado catatónico y empieza a mostrar comportamientos cada vez más violentos y perturbadores.

Lo interesante es que la película no convierte el misterio en una simple investigación paranormal. Cronin utiliza la posesión como metáfora del trauma familiar, de la culpa y del miedo a perder definitivamente a alguien querido. Cada escena dentro de la casa familiar transmite la sensación de que algo horrible está a punto de romperse.

Nasmaranian es una de las criaturas más perturbadoras del terror reciente

A medida que Charlie investiga las inscripciones de los vendajes de Katie, descubre la existencia de Nasmaranian, un demonio ancestral capaz de destruir familias enteras. La única forma de contenerlo consiste en mantener rituales de momificación sobre el huésped poseído. El problema llega cuando los vendajes comienzan a retirarse.

Cuanto más se libera el cuerpo de Katie, más poder adquiere la entidad demoníaca. Y aquí es donde La momia de Lee Cronin abraza sin miedo el horror corporal más desagradable. Hay mutilaciones, posesiones, insectos entrando por la piel y secuencias realmente incómodas que no buscan el susto fácil, sino provocar auténtico malestar.

Lo curioso es que, pese a toda esa brutalidad, la película nunca pierde el componente humano. Charlie sigue siendo un padre desesperado intentando recuperar a su hija. Larissa vive atrapada entre la esperanza y el miedo. Y Sebastián y Maud representan esa inocencia rota que convierte muchas escenas en algo todavía más cruel.

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La nueva etapa cinematográfica de Star Wars empieza a tomar forma y Disney acaba de dar uno de los adelantos más interesantes hasta la fecha. La compañía ha compartido una featurette exclusiva para todos los lectores de Cinemascomics de la próxima The Mandalorian & Grogu que mezcla nuevas escenas de la película, imágenes del rodaje y declaraciones de sus protagonistas, dejando algo muy claro: esta vez Grogu ya no será simplemente “el niño adorable” de la galaxia.

El vídeo incluye momentos protagonizados por Pedro Pascal, el propio Grogu, Sigourney Weaver y el director Jon Favreau, además de secuencias inéditas que muestran el enorme salto de escala que tendrá la película respecto a la serie de Disney+.

Grogu ya no necesita tanta protección

Uno de los momentos más interesantes de la featurette llega cuando Pedro Pascal habla directamente sobre la evolución de la relación entre Din Djarin y Grogu. El actor explica que todo comenzó de manera “muy a regañadientes”, pero que poco a poco ambos terminaron profundamente unidos. Ahora, sin embargo, la dinámica ha cambiado.

La película mostrará a un Grogu mucho más independiente y capaz de defenderse por sí mismo. De hecho, en el propio vídeo se deja caer que “ya puede manejarse solo”, reforzando la idea de que el personaje está entrando en una nueva etapa dentro del universo Star Wars.

Eso cambia completamente el equilibrio que vimos en las primeras temporadas de The Mandalorian. Din Djarin ya no será únicamente un protector. Ahora parece más una pareja de guerreros viajando juntos por la galaxia. Y eso abre muchísimas posibilidades para el futuro de la franquicia.

Jon Favreau quiere recuperar la magia clásica de Star Wars

Otro de los puntos fuertes de la featurette es escuchar a Jon Favreau hablar sobre el enfoque visual de la película (algo que ya hizo con nosotros recientemente). El director reconoce que el objetivo principal era recuperar la sensación que tuvo cuando vio Star Wars por primera vez en el cine.

Por eso insiste tanto en la experiencia IMAX y en el uso combinado de nuevas tecnologías con efectos clásicos y escenarios físicos. Favreau deja claro que la película está diseñada para sentirse como un auténtico evento cinematográfico y no simplemente como “un episodio largo” de la serie. Esa diferencia es importante.

Disney y Lucasfilm saben perfectamente que esta producción representa mucho más que otro spin-off. Después de años donde Star Wars ha vivido principalmente en streaming, The Mandalorian & Grogu tiene la responsabilidad de demostrar que la saga todavía puede generar esa sensación de espectáculo gigantesco que convirtió a la franquicia en un fenómeno mundial. Y viendo algunas de las imágenes del making of, parece evidente que están apostando fuerte.

Sigourney Weaver se suma a la galaxia

La featurette también nos permite ver mejor el papel de Sigourney Weaver dentro de la película. La actriz interpreta a una oficial de la Nueva República y deja algunas frases bastante llamativas en el adelanto. Aunque por el momento no puedo revelar muchos detalles sobre la trama (hasta su estreno), la película mezcla aventura clásica, acción militar y la expansión del nuevo panorama galáctico tras la caída del Imperio. Y precisamente ahí podría estar una de las grandes claves del proyecto.

La película parece querer ampliar la escala política y militar del universo que conocimos en la serie, llevando a Din Djarin y Grogu a conflictos mucho mayores que las misiones episódicas que veíamos habitualmente en Disney+.

Star Wars vuelve a pensar en grande

Lo más interesante de este adelanto quizá no sean las escenas concretas, sino la sensación general que transmite. Durante años, Star Wars ha dependido muchísimo de la nostalgia y de personajes clásicos para conectar con el público. Pero aquí la impresión es distinta. Disney parece convencida de que Din Djarin y Grogu pueden sostener por sí solos una nueva era cinematográfica.

Sinceramente, tiene sentido. Grogu se ha convertido en uno de los personajes más populares de toda la franquicia moderna y Pedro Pascal ha terminado consolidando al Mandaloriano como uno de los héroes más queridos del universo Star Wars reciente. Ahora falta comprobar si esa química funciona igual de bien en pantalla grande.

Porque una cosa está clara después de ver esta featurette: Lucasfilm no quiere que esta película se sienta como un simple capítulo más. Quiere que el regreso de Star Wars al cine vuelva a sentirse enorme

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La nueva serie de DC Studios por fin enseña lo que muchos fans llevaban semanas esperando. El nuevo avance de Lanterns deja atrás el tono excesivamente contenido del primer teaser y apuesta de lleno por los poderes de los Linternas Verde, los constructos de energía y un enfrentamiento cargado de tensión entre Hal Jordan y John Stewart.

Y sí, ahora sí parece una auténtica historia de los Green Lantern Corps.

Lanterns por fin muestra el lado más espectacular de Green Lantern

Cuando salió el primer teaser de Lanterns, muchos aficionados se quedaron bastante fríos. Había misterio, conversaciones tensas y un tono casi detectivesco, pero faltaba algo fundamental: la sensación de estar viendo una producción sobre los Green Lantern. Faltaba color. Faltaban poderes. Faltaba esa locura cósmica que convierte a esta franquicia en una de las más espectaculares de DC. Pues bien, el nuevo tráiler llega para corregir eso de golpe.

En apenas unos minutos aparecen constructos de energía verde, secuencias de acción con los anillos en funcionamiento y, sobre todo, un primer vistazo completo a Hal Jordan con el uniforme clásico de Green Lantern. Y no es una aparición rápida para cumplir expediente. DC Studios sabe perfectamente que los fans llevaban tiempo esperando este momento y el avance lo explota al máximo.

La sensación general es clara: Lanterns sigue apostando por un enfoque más serio y terrenal, pero ahora sí abraza el componente superheroico que define a los personajes. El equilibrio parece mucho más sólido y eso cambia completamente la percepción de la serie.

Hal Jordan y John Stewart chocan desde el primer minuto

Más allá de los efectos visuales, el verdadero corazón del tráiler está en la relación entre Hal Jordan y John Stewart. Y aquí es donde la serie puede terminar encontrando algo muy diferente al resto del DCU.

Kyle Chandler interpreta a un Hal Jordan veterano, desgastado y claramente incómodo con la llegada de John Stewart. El personaje da la sensación de estar cansado de todo lo que representa el Green Lantern Corps. Hay una mezcla constante de arrogancia, decepción y desconfianza.

John Stewart, interpretado por Aaron Pierre, no se queda atrás. El avance deja claro que no piensa vivir a la sombra de Hal. Él cree que merece portar el anillo y que es el hombre adecuado para proteger la Tierra.

Ese conflicto funciona especialmente bien porque conecta directamente con los cómics. En la historia original, los Guardianes de Oa eligieron a John Stewart como sustituto de Hal Jordan, algo que siempre generó tensiones dentro del Corps. Lanterns parece utilizar precisamente esa rivalidad como motor emocional principal.

Y sinceramente, era justo lo que necesitaba esta adaptación. Porque si conviertes Green Lantern únicamente en una lluvia de rayos verdes y explosiones espaciales, pierdes parte de lo interesante del concepto. Aquí hay orgullo, miedo, inseguridad y una lucha constante por demostrar quién merece realmente llevar el símbolo.

El miedo podría ser la clave secreta de toda la serie

Hay una palabra que se repite constantemente en el nuevo tráiler: miedo. Para cualquiera que haya leído los cómics de Green Lantern, eso dispara automáticamente todas las alarmas posibles. El miedo dentro de este universo no es simplemente una emoción. Es literalmente una fuente de poder. Y eso abre una puerta gigantesca al Sinestro Corps.

Aunque el tráiler no menciona directamente a Sinestro ni muestra referencias explícitas a los anillos amarillos, la atmósfera apunta claramente en esa dirección. La idea de que Hal Jordan pueda estar siendo corrompido recuerda muchísimo a la etapa de Parallax en los cómics.

De hecho, algunos fans ya están empezando a teorizar con que Lanterns podría adaptar parcialmente esa historia. Sería una jugada muy inteligente por parte de DC Studios, especialmente porque permitiría convertir a Hal en una figura mucho más ambigua y peligrosa.

También explicaría ciertos rumores recientes sobre el papel de Kyle Chandler dentro del nuevo universo DC. Desde hace semanas circula la idea de que Hal Jordan podría no permanecer demasiado tiempo dentro de la franquicia.

Si realmente están construyendo una historia inspirada en Parallax, tendría muchísimo sentido.

Y honestamente, sería una forma brutal de diferenciar esta versión de Green Lantern respecto a adaptaciones anteriores.

Guy Gardner vuelve a robarse la pantalla

Otro de los grandes momentos del avance es la aparición de Guy Gardner. El personaje interpretado por Nathan Fillion ya había aparecido en Superman y también tiene presencia en la segunda temporada de Peacemaker, pero aquí vuelve a demostrar que probablemente será uno de los personajes más carismáticos del nuevo DCU.

El tráiler mantiene exactamente esa esencia del personaje: arrogante, impulsivo y con esa actitud de “soy el más peligroso de la habitación y lo sabes”. Y funciona perfectamente. De hecho, cada vez que aparece consigue romper la tensión más oscura de la serie con una energía completamente distinta.

DC Studios parece haber entendido algo importante con Guy Gardner: no necesita convertirse en un héroe solemne para funcionar. Precisamente lo divertido del personaje es que actúa como un auténtico caos con anillo incluido.

Y sí, el peinado sigue siendo tan extraño como en Superman. Nadie puede escapar ya de eso.

Laura Linney podría esconder una sorpresa importante

La otra gran noticia relacionada con Lanterns llega fuera del propio tráiler. Se ha confirmado oficialmente el fichaje de Laura Linney para la serie. Todavía no se ha revelado a quién interpreta, pero muchos seguidores ya creen haber descubierto la respuesta.

Todo apunta a que podría dar vida a una versión adulta de Carol Ferris. No hay confirmación oficial por ahora, aunque encajaría bastante bien con el tono de la serie y con la etapa de Hal Jordan que parece estar explorando la producción. Carol Ferris siempre ha sido una figura fundamental dentro del universo Green Lantern y su presencia podría aportar todavía más peso emocional al conflicto de Hal.

Por ahora solo sabemos que compartirá escenas con John Stewart, algo que también ha disparado nuevas teorías entre los seguidores del DCU.

Y viendo cómo James Gunn está construyendo conexiones entre personajes y proyectos, cuesta creer que un fichaje como Laura Linney vaya a ser simplemente anecdótico.

Lanterns quiere ser el thriller policial del DCU

Una de las cosas más curiosas de Lanterns es que no intenta parecerse al resto de series de superhéroes actuales.

Mientras muchas producciones buscan constantemente ser gigantescas y explosivas, aquí el enfoque se acerca mucho más a un thriller policiaco con elementos cósmicos. La historia sigue a Hal Jordan y John Stewart mientras investigan un asesinato relacionado con una amenaza mucho mayor.

Sí, básicamente una mezcla extrañísima entre True Detective y Green Lantern. Y lo más sorprendente es que parece funcionar. El equipo creativo también invita al optimismo. Chris Mundy, Damon Lindelof y Tom King participan como cocreadores, mientras Mundy ejerce como showrunner. Además, James Hawes dirige los dos primeros episodios.

Con nombres así detrás de cámaras, está bastante claro que HBO quiere convertir Lanterns en una de las piezas más importantes del nuevo DCU televisivo.

El reparto también apunta alto. Junto a Kyle Chandler y Aaron Pierre estarán Kelly Macdonald, Garret Dillahunt, Poorna Jagannathan, Nicole Ari Parker, Jason Ritter, J. Alphonse Nicholson y Jasmine Cephas Jones.

La serie llegará a HBO el 16 de agosto de 2026 y, después de este tráiler, la percepción ha cambiado muchísimo.

Ahora sí parece que DC Studios ha encontrado la forma correcta de llevar Green Lantern a la televisión. Porque una cosa está clara: si vas a hacer una serie sobre policías espaciales con anillos capaces de crear cualquier cosa imaginable, más vale enseñar toda esa locura. Y Lanterns por fin ha empezado a hacerlo.

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La nueva información sobre Superman 2 acaba de darle un giro mucho más oscuro y filosófico a la película de James Gunn. Lars Eidinger, el actor elegido para interpretar a Brainiac, no solo ha hablado por primera vez sobre su papel en el DCU, sino que además ha definido al villano como “la encarnación de Satán”. Y sí, eso cambia completamente la imagen que muchos tenían de esta nueva versión del enemigo de Superman.

La secuela titulada Man of Tomorrow sigue envuelta en un secretismo casi absoluto, pero cada pequeña declaración que sale del rodaje está disparando las expectativas. Sobre todo cuando el actor encargado de dar vida a Brainiac empieza a comparar el universo de Superman con Shakespeare, Hamlet y hasta conceptos filosóficos relacionados con el “Übermensch”.

Superman 2 quiere convertir a Brainiac en algo mucho más aterrador

Cuando se confirmó que Lars Eidinger sería Brainiac en Superman 2, parte de los fans se quedó completamente descolocada. Durante meses habían sonado nombres gigantescos para interpretar al villano más inteligente y peligroso de DC Comics, así que la elección de un actor alemán especializado en cine de autor y teatro parecía una jugada inesperada. Pero claro, esto también es muy James Gunn.

El director ya demostró hace años que sabe detectar talentos donde otros estudios ni miran. Mucha gente se rió cuando Chris Pratt fue anunciado como Star-Lord en Guardianes de la Galaxia y terminó convirtiéndose en uno de los personajes más queridos del UCM. Ahora parece estar apostando por una estrategia parecida con Brainiac. Y viendo las primeras declaraciones de Eidinger, quizá empiece a tener bastante sentido.

El actor habló recientemente en THR sobre cómo fue enfrentarse por primera vez a David Corenswet vestido como Superman en pleno set de rodaje. Lejos de quedarse en el típico comentario promocional vacío, el intérprete soltó una reflexión bastante intensa sobre el simbolismo del personaje y la dimensión filosófica del universo DC.

“Aunque al principio pueda parecer sorprendente, estas películas tienen una seria ambición filosófica. Para mí poseen un enorme peso alegórico. Basta pensar en la palabra ‘super’: se usa como un superlativo, para algo excelente o maravilloso. Pero ‘super’ realmente solo significa ‘por encima’ o ‘más allá’. Así que Superman es el Übermensch. Tienes el Superyó”.

“Ya existe una profunda dimensión psicológica incorporada en todo esto. La semana pasada estuve en el set durante los ensayos y pregunté si podía ver parte del rodaje, que ya había comenzado. Y vi a un actor con el traje de Superman suspendido con cables frente a una pantalla azul. Miré esa imagen y pensé: esto es la esencia de la ficción”.

“Es una imagen tan significativa como Hamlet sosteniendo la calavera: Superman, en esa pose clásica, colgando de cables frente a un bluescreen. Estar en el universo de Superman no era un sueño ni un deseo ardiente para mí. Pero ahora que está ocurriendo, puedo ver cierta inevitabilidad en ello, algo casi predestinado”.

¿Quién es Brainiac en los cómics de DC?

Para entender por qué estas declaraciones han provocado tanto revuelo entre los fans de Superman 2, hay que hablar un poco de Brainiac. Porque no estamos ante un villano cualquiera.

Brainiac es uno de los enemigos más peligrosos y complejos de toda la historia de DC Comics. Su primera aparición se remonta a 1958 y desde entonces se ha convertido en una auténtica pesadilla para Krypton, Metropolis y prácticamente cualquier civilización que se cruce en su camino.

La mayoría de versiones coinciden en algo: Brainiac es una inteligencia artificial alienígena obsesionada con coleccionar conocimiento y ciudades enteras. Literalmente. En muchos cómics miniaturiza mundos completos para almacenarlos como si fueran piezas de museo mientras destruye el resto del planeta. Sí, es tan perturbador como suena.

Además, Brainiac suele representar una amenaza que Superman no puede resolver únicamente con fuerza física. Estamos hablando de una entidad con un intelecto muy superior al humano, capaz de manipular tecnología kryptoniana, controlar redes globales y planificar invasiones imposibles de detener. Por eso muchos lectores consideran que es el villano definitivo del Hombre de Acero.

La versión de James Gunn apunta a un tono mucho más oscuro

Todo indica que Superman 2 va a presentar una versión especialmente inquietante del personaje. Y ahí es donde entra la comparación con Satán.

Más adelante en la entrevista, Lars Eidinger explicó cómo su experiencia teatral le ayudó enormemente a preparar el personaje. Según el actor, James Gunn no está construyendo un blockbuster superheroico convencional, sino algo mucho más expresivo y casi operístico.

“Implica un registro de interpretación diferente, uno que no es principalmente realista y que permite un estilo de actuación mucho más expresivo”.

“Cuando veo una película como Guardianes de la Galaxia de James Gunn, encuentro en ella una gran cualidad teatral: en la manera de manejar el bien y el mal, y en cierta tendencia hacia la alegoría”, explicó. “Brainiac es descrito como la encarnación de Satán. Eso me parece casi shakespeariano. El rey, el bufón… hay muchísimos paralelismos para mí”.

Y honestamente, suena exactamente al tipo de locura que James Gunn podría hacer funcionar. Porque si algo ha caracterizado al director desde Super hasta The Suicide Squad es esa mezcla entre espectáculo desatado, personajes extravagantes y reflexiones sorprendentemente humanas escondidas bajo capas de humor y caos.

El secretismo alrededor de Superman 2 es absoluto

Lo más curioso de todo es que el rodaje lleva semanas en marcha y todavía no ha aparecido ni una sola imagen filtrada de Brainiac. Nada. Ni concept arts, ni vídeos de exteriores, ni fotografías borrosas tomadas desde un edificio cercano.

Especialmente en una producción tan gigantesca como Superman 2, donde normalmente las filtraciones aparecen prácticamente al día siguiente de empezar a grabar. Todo apunta a que DC Studios está protegiendo especialmente el diseño del villano porque probablemente vaya a ser uno de los grandes impactos visuales de la película.

La trama obligará a Superman y Lex Luthor a unir fuerzas contra Brainiac, una amenaza capaz de poner en peligro no solo Metropolis, sino el planeta entero. Y teniendo en cuenta lo difícil que resulta imaginar a Lex colaborando con alguien, queda bastante claro el nivel de destrucción que traerá el villano.

Un reparto gigantesco para el futuro del DCU

Superman 2 contará con David Corenswet como Clark Kent, Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como Lex Luthor. Junto a ellos estarán Nathan Fillion como Guy Gardner, Aaron Pierre como John Stewart, Frank Grillo como Rick Flag Sr. y Edi Gathegi como Mister Terrific.

También se han incorporado recientemente Matthew Lillard, Adria Arjona, Andre Royo y Sinqua Walls, aunque el misterio alrededor del personaje de Arjona sigue alimentando rumores sobre Wonder Woman y Maxima.

Man of Tomorrow llegará a los cines el 9 de julio de 2027

James Gunn continúa construyendo poco a poco el nuevo universo DC. Y si Brainiac realmente va a convertirse en una especie de demonio shakespeariano obsesionado con destruir civilizaciones, quizá Superman 2 esté preparando algo muchísimo más ambicioso de lo que parecía al principio.

Porque sí, ver a Superman pegar puñetazos está muy bien. Pero verle enfrentarse a una inteligencia alienígena que su propio actor compara con Satán… eso ya es otra liga.

¿Hay ganas de ver a este gran villano de DC Comics en Superman 2? Dímelo en comentarios y no te olvides de seguirnos en Google Discover para conocer las mejores noticias del cine de superhéroes.

Brainiac ya apareció en Krypton y dejó una gran impresión

Aunque esta será la primera vez que Brainiac aparezca en el nuevo DCU cinematográfico, no es la primera adaptación live-action reciente del personaje. Los fans de DC seguramente recuerden su presencia en Krypton, la serie creada por David S. Goyer y Damian Kindler. Allí el villano apareció como una entidad biomecánica terrorífica que prácticamente funcionaba como una infección viviente capaz de corromper planetas enteros.

Aquella versión fue especialmente celebrada por los seguidores del personaje porque conseguía transmitir una sensación constante de amenaza cósmica. No era simplemente “otro malo CGI”. Brainiac parecía una fuerza inevitable. Y viendo las palabras de Lars Eidinger, parece que James Gunn quiere ir precisamente en esa dirección… pero llevándolo todavía más lejos.

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La pelea que llevaba años alimentando debates entre fans de las MMA por fin ocurrió… y terminó antes de que muchos terminaran de acomodarse en el sofá. Ronda Rousey volvió al octágono tras casi una década fuera y necesitó únicamente 17 segundos para someter a Gina Carano en un combate cargado de morbo, nostalgia y muchísima expectación.

El evento, impulsado por Jake Paul y emitido por Netflix, prometía un choque histórico entre dos pioneras de las artes marciales mixtas femeninas. Lo que nadie esperaba era que todo acabara tan rápido… y de una forma tan brutalmente clásica.

Ronda Rousey volvió como si nunca se hubiera ido

Había dudas. Muchas. Demasiadas, quizá. Después de años alejada de las MMA, dedicada al wrestling, a Hollywood y a proyectos personales, mucha gente pensaba que la versión dominante de Ronda Rousey pertenecía ya al pasado. Pero bastaron 17 segundos para recordar por qué fue una auténtica pesadilla para toda una generación de luchadoras.

El ambiente en el Intuit Dome de California era el de una gran pelea de otra época. Luces, cámaras, famosos alrededor de la jaula y una promoción gigantesca diseñada por Most Valuable Promotions, la compañía de Jake Paul. Todo parecía construido para una guerra larga entre dos nombres históricos de las MMA femeninas. Sin embargo, la realidad fue otra muy distinta.

Sonó la campana y Rousey salió disparada como un misil. Nada de tanteo. Nada de medir distancias. Cerró el espacio inmediatamente, derribó a Gina Carano con una facilidad casi insultante y atrapó el brazo en su legendario armbar. El mismo movimiento que aterrorizó a media UFC hace más de diez años. El mismo que convirtió a Rousey en una superestrella global.

Carano apenas tuvo margen para reaccionar. Tap. Final del combate. 0:17 del primer asalto. Y sí, el pabellón pasó de la euforia al desconcierto en cuestión de segundos.

JUST LIKE THAT.

RONDA ROUSEY DEFEATS GINA CARANO VIA ARMBAR IN LESS THAN 20 SECONDS. #RouseyCarano pic.twitter.com/XFZQQlz3NF

— Netflix Sports (@netflixsports) May 17, 2026

Una pelea histórica… demasiado corta para algunos

Las redes sociales explotaron prácticamente al instante. Había aficionados fascinados viendo a Rousey ejecutar una finalización tan limpia y perfecta como en sus mejores tiempos. Pero también aparecieron críticas rápidas hacia el combate, sobre todo por toda la construcción mediática previa.

No era para menos. Durante años, esta pelea había sido tratada como una especie de “what if” gigante dentro del mundo de las MMA. Una fantasía para quienes siguieron la explosión del deporte femenino desde sus inicios. Gina Carano fue una de las primeras estrellas mediáticas capaces de atraer público fuera del nicho de las artes marciales, mientras que Ronda Rousey acabó llevando el deporte a otro nivel completamente distinto.

Por eso muchos esperaban un intercambio más largo, más emocional, más cinematográfico incluso. Algo parecido a esos combates legendarios que terminan convertidos en documentales años después. Pero Ronda Rousey no estaba allí para dar espectáculo. Estaba allí para ganar. Y lo hizo exactamente como siempre lo hizo en su prime: rápida, agresiva y sin regalar absolutamente nada.

Ronda Rousey and Gina Carano share an emotional moment after the fight ❤️#RouseyCarano LIVE now on Netflix pic.twitter.com/ybtEu5jge5

— Netflix Sports (@netflixsports) May 17, 2026

De hecho, esa frialdad terminó siendo una de las cosas más comentadas de la noche. Mientras algunos espectadores se sintieron “estafados” por la duración del combate, otros defendieron precisamente lo contrario: la eficacia absoluta de una luchadora que entendió perfectamente cómo neutralizar cualquier riesgo desde el primer segundo.

Gina Carano regresó con más presión que nunca

En el caso de Gina Carano, el combate tenía un componente todavía más delicado. Su regreso no solo implicaba volver a pelear después de muchísimo tiempo, sino hacerlo bajo un foco mediático enorme y arrastrando una carrera pública tremendamente polémica durante los últimos años.

La ex-estrella de The Mandalorian llevaba tiempo desaparecida de los grandes focos de Hollywood tras su despido de Disney. Sus publicaciones en redes sociales generaron una tormenta gigantesca, especialmente por comentarios relacionados con política estadounidense, vacunas y comparaciones históricas que provocaron un rechazo masivo.

Aquello terminó afectando seriamente a su carrera como actriz. Durante bastante tiempo pasó de ser una presencia habitual en grandes producciones a aparecer en proyectos mucho más pequeños y alejados del circuito principal de Hollywood.

Sin embargo, el año pasado logró algo que muy pocos esperaban: alcanzar un acuerdo legal con Disney tras denunciar su despido. Aquello fue interpretado por muchos como una pequeña victoria personal después de años extremadamente complicados para la actriz.

Precisamente por eso este combate también tenía un componente simbólico. Era su regreso a un escenario enorme. Una oportunidad para recuperar parte de la atención perdida. El problema es que delante tenía a una de las competidoras más explosivas y letales que ha dado jamás este deporte.

Hollywood, videojuegos y una rivalidad que parecía imposible

Curiosamente, tanto Rousey como Carano terminaron cruzando caminos fuera de las MMA mucho antes de hacerlo dentro de una jaula. Las dos dieron el salto al entretenimiento, aunque con resultados muy distintos.

Ronda Rousey participó en películas como Furious 7 y también apareció en series como 9-1-1. Además, muchos jugadores la recuerdan poniendo voz y rostro a Sonya Blade en la saga Mortal Kombat 11.

Carano, por su parte, llegó a convertirse en una figura muy popular gracias a su presencia en The Mandalorian, donde interpretaba a Cara Dune antes de toda la polémica pública que terminó explotando alrededor de su figura.

Lo más curioso es que, pese a toda la narrativa competitiva alrededor de esta pelea, ambas mantienen una buena relación personal desde hace años. Eso quedó clarísimo tras el combate. Lejos de cualquier tensión artificial, las dos se abrazaron sonriendo después de la sumisión. No hubo provocaciones. No hubo teatro. Solo respeto mutuo entre dos mujeres que ayudaron a cambiar el deporte para siempre.

El regreso perfecto para Netflix y Jake Paul

Tampoco hay que ignorar el otro gran ganador de la noche: Netflix. La plataforma sigue metiéndose cada vez más de lleno en eventos deportivos en directo y este combate funcionó como una auténtica bomba mediática. Aunque durara menos de medio minuto.

Jake Paul, además, volvió a demostrar que entiende perfectamente cómo vender peleas gigantescas incluso cuando medio internet se burla de él por hacerlo. Porque sí, puede gustarte más o menos, pero consiguió que millones de personas quisieran ver un combate entre dos figuras históricas muchos años después de su mejor momento competitivo.

¿Te hubiera gustado que la pelea de Ronda Rousey contra Gina Carano hubiera durado más? Dímelo en comentarios  y síguenos en Google Discover para no perderte nada de las mejores noticias de cine, series y mucho más…

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En Cinemascomics hemos analizado la edición doméstica del Blu-Ray de Project A ll: Los Tesoros del Mar de China. Protagonizada, escrita y dirigida por Jackie Chan (Karate Kid: Legends), convertido ya en toda una leyenda del cine de acción de Hong Kong, dando posteriormente el salto a Hollywood.

Esta comedia de acción explota el género de artes marciales que tanto funcionó en Hong Kong. En esta ocasión, Jackie Chan navega en solitario en la secuela y no aparecen ni Sammo Hung ni Yuen Biao en el largometraje. El trío de actores también protagonizó Los Tres Dragones (Dragons Forever), que recientemente analizamos en la web.

La secuela de la exitosa Project A: Los Piratas del Mar de China fue nominada a la Mejor Coreografía de Acción y a la Mejor Edición en los Hong Kong Film Award.

La secuela fue estrenada en los cines en 1987, estando escrita por Jackie Chan, Ting Yu (The Iron-Fisted Monk) y Edward Tang (El Super Chef).

La cinta está dirigida por Chen Chi-Hwa (La Leyenda del Luchador Borracho) junto a Jackie Chan. Destacan en el reparto Jackie Chan, Maggie Cheung (Hero), Rosamund Kwan (Dr. Wong en América), Carina Lau (2046), David Lam (G Storm), Bill Tung (Duro de Matar), Ray Lui (Dynasty Warriors), Regina Kent (Brandon Lee: La Leyenda Continúa) y John Cheung (Dragon: La Vida de Bruce Lee), entre otros.

El director de fotografía vuelve a ser Cheung Yiu-Jo (Superpolicía en Apuros) y la música vuelve a correr a cargo de Michael Lai (Superpolicía en Apuros).

La cinta producida por Golden Harvest y Fortune Star ha sido reeditada en Blu-Ray, remasterizando el metraje original, estando disponible en todos los puntos de venta hasta fin de existencias. La cinta está distribuida en España en formato físico por Selecta Visión, que incluye dos ilustraciones, un libreto exclusivo, portada reversible y una caja de cartón protectora extraíble; y se encuentra también disponible en alquiler y venta digital, a través de las principales plataformas que operan en España.

Sinopsis: Tras acabar con la banda de piratas, Dragón Ma (Jackie Chan) es trasladado a una comisaría de Policía, donde tendrá que investigar al inspector Chung, de quien sospechan que lidera una red de sobornos y fraudes. Así pues, el intrépido agente de la Guardia Costera deberá superar conspiraciones, trampas y venganzas de enemigos del pasado para hacer justicia.

Project A ll: Los Tesoros del Mar de China no está recomendada para menores de 12 años y tiene una duración de 100 minutos; mostrándose en su versión en Blu-Ray con un diseño muy cuidado y una caja de cartón extraíble, que será objeto de colección para los grandes amantes del cine de artes marciales de Hong Kong, y que hemos analizado para los lectores de Cinemascomics. El análisis de la película en su versión restaurada en Blu-Ray, está completamente libre de spoilers, por si aún no has tenido la oportunidad de verla y quieres saber qué extras contiene esta divertida secuela rebosante de comedia, acción y artes marciales.

Datos técnicos Project A II:

• Vídeo: Película en alta definición 1080p – 16:9
• Audio: Cantonés DTS-HD 5.1 y Castellano DTS-HD 5.1
• Subtítulos: Castellano
• Título original: ‘A’ gai wak juk jap (Project A2)
• Año: 1987
• Duración: 100 mins.
• País: Hong Kong

Contenido adicional:

Extras en disco:

• Tráiler original.
• Tráiler nueva edición.

Jackie Chan en acción:

Recopilación de imágenes de Jackie Chan durante el rodaje de la película Project A, viendo mientras dirige, actúa y promociona la cinta. Al hacer el actor sus propias escenas de riesgo, esto conlleva que no siempre salgan bien, donde vemos cómo en ocasiones se hace mucho daño, o incluso se lesiona, en algunas de las tomas.

Extras en físico:

•  Caja de cartón protectora extraíble.
• Portada reversible.
• Dos cartulinas con ilustraciones de portadas alternativas de la película.
• Libro:

Libreto exclusivo de 18 páginas, que incluye fotogramas de la película, índice, introducción explicando el éxito de la secuela, sinopsis de la segunda parte, la historia detrás de las cámaras con el protagonismo de Jackie Chan como Dragón Ma y Maggie Cheung como Maggie, filmografía y entrevistas de los protagonistas, curiosidades de un rodaje con más acción y humor, Jackie Chan detrás de las cámaras, ficha técnica, ficha artística y créditos de la edición española.

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El regreso de X-Men ’97 ya no es solo una promesa de Marvel Studios. Un tráiler mostrado durante la Comic Con Revolution Ontario se ha filtrado online y ha dejado a los fans completamente desatados. Y no es para menos: Apocalipsis entra en escena, Gambito podría volver de entre los muertos y aparecen equipos mutantes que llevábamos años soñando ver juntos en pantalla.

El tráiler de X-Men ’97 temporada 2 confirma algo enorme

La primera temporada de X-Men ’97 ya había dejado el listón peligrosamente alto. Marvel consiguió algo que parecía imposible: recuperar el espíritu de la serie animada de los noventa sin que pareciera un producto nostálgico vacío.

Tenía emoción, tensión política mutante, peleas espectaculares y, sobre todo, personajes tratados con muchísimo cariño. Así que el final dejó a medio fandom en estado de shock cuando los X-Men terminaron desperdigados por distintas líneas temporales tras detener a Bastion y evitar que Asteroide M arrasara el planeta. Ahora el nuevo avance filtrado deja claro que aquello solo era el principio.

Las imágenes muestran a un Apocalipsis mucho más poderoso y amenazador de lo que esperaban muchos seguidores. No aparece como un simple villano episódico. Todo apunta a que será el gran antagonista absoluto de la temporada. Y sí, la serie parece estar adaptando una de las ideas más queridas por los lectores clásicos de Marvel Comics: los Jinetes de Apocalipsis.

Lo interesante es que el tráiler también deja caer que Gambito podría regresar convertido en uno de esos jinetes. Exactamente igual que ocurrió en algunas historias de los cómics. Porque claro, Marvel sabe perfectamente dónde tocar para provocar un ataque emocional colectivo a toda una generación.

Apocalipsis será la gran amenaza mutante

Si solo conoces a los X-Men por las películas, quizá no seas consciente de lo enorme que es Apocalipsis dentro del universo Marvel. Estamos hablando de uno de los primeros mutantes de la historia. Su nombre real es En Sabah Nur y nació hace miles de años en el antiguo Egipto. Desde entonces ha sobrevivido durante siglos gracias a tecnología celestial y a sus propios poderes mutantes, que le permiten modificar su cuerpo, aumentar su tamaño, regenerarse y alcanzar niveles absurdos de fuerza.

Pero lo más peligroso de Apocalipsis nunca ha sido únicamente su poder físico. El personaje representa una filosofía brutal basada en la supervivencia del más fuerte. Para él, solo los poderosos merecen gobernar el mundo y los débiles deben desaparecer. Esa mentalidad le ha llevado a convertirse en una especie de dios para algunos mutantes y en una pesadilla absoluta para Charles Xavier y los X-Men.

Precisamente por eso encaja tan bien como gran villano de X-Men ’97 temporada 2. La serie ya demostró durante su primer año que entiende perfectamente el componente político y emocional de los mutantes. Apocalipsis lleva ese conflicto al extremo. No busca dinero. No quiere dominar el planeta por capricho. Cree sinceramente que está ayudando a la evolución. Y eso siempre hace que un enemigo resulte muchísimo más interesante.

Marvel prepara dos nuevos equipos mutantes

Otra de las grandes sorpresas del tráiler filtrado tiene que ver con la expansión del universo mutante animado. Mientras Bishop intenta reunir a los X-Men perdidos en el tiempo, aparecerán dos grupos completamente nuevos.

Por un lado estará X-Force, formado por Cable, Arcángel, Psylocke, Mancha Solar y Júbilo. Solo con leer esa alineación ya entran ganas de ver la serie mañana mismo. Cable y Psylocke juntos suelen ser garantía de caos noventero del bueno. Y sí, parece que Marvel va a abrazar completamente esa estética exagerada de los cómics de aquella época sin ningún tipo de vergüenza.

La otra formación será X-Factor, integrada por Havok, Polaris, Strong Guy, Wolfsbane, Multiple Man y Val Cooper. Un equipo menos conocido para el gran público, pero con muchísimo potencial dentro de una serie que claramente quiere ampliar el mapa mutante más allá del grupo clásico.

Y aquí está lo realmente inteligente de todo esto: Marvel no parece estar construyendo simplemente una continuación. Está levantando un universo mutante animado enorme. Algo que podría conectar múltiples historias, personajes y conflictos durante varios años. Básicamente lo que muchos fans llevan décadas esperando del live-action, pero en animación.

Rama-Tut también entra en juego

El avance filtrado incluye además un primer vistazo a Nathaniel Richards, más conocido como Rama-Tut. Si el nombre te suena raro, tranquilo, porque la conexión es bastante loca incluso para Marvel.

Rama-Tut es una de las variantes temporales relacionadas con Kang el Conquistador. Sí, el mismo personaje que ha provocado auténticos dolores de cabeza narrativos dentro del UCM reciente. Su presencia aquí podría indicar que X-Men ’97 quiere jugar todavía más fuerte con viajes temporales y líneas alternativas.

Teniendo en cuenta cómo terminó la primera temporada, tiene sentido. Los personajes quedaron atrapados en diferentes épocas y todo apunta a que la serie aprovechará eso para explorar eventos históricos mutantes, conexiones cósmicas y nuevas amenazas. Y sinceramente, después del nivel visual y narrativo del primer año, cuesta no emocionarse imaginando hasta dónde pueden llegar ahora.

X-Men ’97 sigue siendo una carta de amor a los noventa

Lo más curioso de todo esto es que nadie esperaba que X-Men ’97 terminara convirtiéndose en uno de los proyectos más queridos de Marvel Studios en los últimos años. Especialmente en una época donde muchas series del estudio han generado debates constantes entre los fans.

Aquí ocurrió justo lo contrario. La serie conectó porque entendió algo fundamental: los espectadores no querían nostalgia vacía. Querían sentirse otra vez como aquellos niños que corrían del colegio para ver mutantes peleando contra Centinelas mientras sonaba aquella intro histórica.

Brad Winderbaum, productor de X-Men ’97, lo explicó hace poco en una entrevista donde confirmó que la segunda temporada llegará en 2026. Y se notaba perfectamente que hablaba como fan antes que como ejecutivo. Reconoció incluso que había “gastado mucho capital interno” para resucitar esta serie porque era exactamente el tipo de proyecto con el que soñaba cuando veía Marvel de pequeño. Esa pasión se nota en pantalla. Muchísimo.

El reparto de voces en su versión original volverá prácticamente al completo, incluyendo a Ray Chase como Cíclope, Jennifer Hale como Jean Grey, Alison Sealy-Smith como Tormenta, Cal Dodd como Lobezno y Lenore Zann como Pícara. También regresarán Bishop, Magneto, Júbilo, Bestia y Rondador Nocturno, manteniendo esa sensación de continuidad directa con la serie clásica que tan bien ha funcionado.

¿Puede convertirse en la mejor serie animada de Marvel?

Después de ver la reacción que está generando el tráiler filtrado, resulta difícil pensar que Marvel no tenga entre manos uno de sus mayores éxitos futuros. La mezcla funciona demasiado bien: nostalgia inteligente, personajes potentes, animación espectacular y una historia que no trata al espectador como si necesitara todo simplificado.

Además, la llegada de Apocalipsis cambia completamente la escala del conflicto. Bastion ya fue una amenaza enorme, pero En Sabah Nur juega en otra liga. Cuando aparece, el mundo mutante entero tiembla. Y si realmente terminan adaptando a Gambito como Jinete de la Muerte, prepárate para una avalancha de lágrimas y teorías en internet.

Porque sí, X-Men ’97 ha conseguido algo muy raro hoy en día: hacer que los fans vuelvan a sentir ilusión real cada vez que aparece una nueva imagen. Y eso, sinceramente, vale más que cualquier multiverso infinito.

¿Hay ganas de ver las nuevas aventuras de los mutantes en X-Men ’97 cuando se estrene el 13 de junio en Disney+? Dímelo en comentarios y síguenos en Google Discover para no perderte nada. 

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Está siendo muy interesante la etapa de Steve Orlando al frente de las aventuras de Wanda Maximoff, aunque llegue a base de miniseries o volúmenes cortos de su propia cabecera. Panini Cómics se prepara para volver a reunir a la pareja formada por la bruja y el sintozoide en una historia que bebe del amor y el respeto.

Los fundamentos

Si algo podemos tener claro en este tomo, que junta a La Visión y La Bruja Escarlata, es que existen dos factores principales y ambos parten de la misma premisa, el amor.

Un amor profundo por dos carreras diferentes, la de ambos personajes y la que el autor demuestra tener también por los mitos que Lovecraft forjó entorno a dioses antiguos y primitivos.

Ambos tienen peso suficiente para formar una buena crónica pero no todos los guionistas pueden presumir de escribir una carta como la que tenemos ante nosotros, una que acaricia cada aspecto de la relación entre Wanda y Visión y la adereza con pequeños mini Cthulhu, hijos de entidades inspiradas por Howard Phillips Lovecraft.

Porque para llegar hasta aquí han tenido que pasar muchos lustros de narrativas, de hecho esta miniserie celebra los cincuenta años desde que se produjo el matrimonio en Giant Size Avengers #4 (publicado con fecha de portada de junio de 1975, siendo que los episodios contenidos en este mismo tomo se sacaron en USA en la segunda mitad del año pasado).

Steve Orlando demuestra un respeto absoluto por todo lo que ha sucedido desde entonces, abrazando cada detalle para adaptarlo a sus necesidades, sin cambiar ni una sola coma, reviviendo cada momento relevante de ambos, juntos y por separado.

Porque la felicidad fue circunscrita a momentos ciertamente puntuales, ya que John Byrne la deshizo catorce años después de las nupcias cuando tuvo la idea de convertir a Visión en un ser frío de aspecto pálido que perdió todos esos vestigios de humanidad que le habían hecho ser un ser sintético que podía llorar. Lo que ha llegado después ha sido un peregrinar por el desierto, sobre todo para una Wanda que terminó desquiciada por la pérdida de sus hijos Tommy y Billy, creación suya, que terminaron teniendo una existencia real.

El gusto por el detalle

Y es que cuando decimos que Orlando ha hecho un gran trabajo con esta “Limited” no es algo superfluo. Ha prestado atención a pasajes que podemos tratar como lesos de importancia hasta el punto de recuperar momentos como la capacidad de Wanda para controlar la joya de la frente de Visión o revisitar en cuatro retazos todo lo que dio de sí La Visión de Tom King, no se puede condensar mejor los hechos ocurridos allí, los sentimientos encontrados y la tragedia absoluta de perder a su segunda mujer, Virginia y a su hijo Vin, dejando solo al sintozoide con su hija Viv.

Pero no ha renunciado a aportar su propio toque, a crear un entorno que se denomina Reinotumba, donde uno de los mayores enemigos de la pareja vive su siguiente periodo vital tras interactuar con las valquirias, Eric Williams, medio hermano de Visión, el temible Segador.

Pero no será el único enemigo, ni su tétrico pasado entre la vida y la muerte evitará que incluso Orlando recurra a pequeños pasajes más relajados donde incluso el humor tiene su pequeño espacio para desarrollarse sin estorbar a una trama por otro lado de lo más tierna y romántica.

Y que esto último no os eche para atrás a la hora de leer esta historia, os aseguro que es lo que lo une todo y le da el mayor de los sentidos a esa faceta nueva de La Bruja Escarlata que vivimos desde que el guionista se hiciera cargo de su destino, su sacrificio constante por los demás y no por su propio interés, aunque pueda parecer lo contrario. Es curioso incluso que Orlando haya querido recuperar a esa Visión blanca pero dándole una vuelta de tuerca completamente opuesta. Si entonces Visi se volvió frio como una calculadora científica Casio, ahora su encarnación prístina es todo lo contrario, una concentración de sentimientos abrumadora.

El final feliz… o no tanto

Jacopo Camagni y Lorenzo Tametta ya han venido repartiéndose el trabajo como ilustradores de estas últimas etapas de Wanda y aquí dividen prácticamente a partes iguales la labor, con el primero saliendo a escena cuando se encienden las luces y el segundo permaneciendo hasta que baja el telón.

Por preferencias visuales me quedo con el estilo más académico actual de Camagni, simplemente porque Tametta me resulta más cartoon, aunque ambos son muy similares y se complementan a la perfección. Juntos nos llevarán a un espectáculo rematado por entidades gigantescas y otra aparición muy especial, la de Gargantos. ¿Qué no os suena el nombre?. Echad un vistazo al enorme ojo con tentáculos de Doctor Extraño en el Multiverso de la Locura. El resto de los que acaban en goroth, rioth o sototh ya sabéis quien los ha inspirado.

Orlando remata el último número con lo que podría haber sido, con una vida plena en la que La Visión y La Bruja Escarlata envejecen juntos, por las arrugas de Wanda, claro, que a Visi un buen aceite lubricante le sienta mejor que un tratamiento de cremas anti edad en ciclo día y noche.

Un recurso ya empleado pero que le sienta de maravilla a una aventura que lo tiene todo, incluido ese final que homenajea a todo lo demás, a la oda de amor forjada en solo cinco números USA, apenas poco más de cien páginas que se disfrutan muchísimo y nos devuelven la esperanza de que alguna vez puedan volver a unir sus labios una bruja y un hombre sintético, porque el amor no conoce barreras, solo las que nos empeñamos en ponerle por inseguridad y por temor a no sufrir, lo que nos hace perdernos esa experiencia que para bien o para mal tiende a marcarnos para siempre.

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Mel Gibson está terminando una de las producciones más ambiciosas y esperadas del cine religioso. La pasión de Cristo: Resurrección se acerca a su recta final y Lionsgate ya no puede ocultar la emoción.

La pasión de Cristo: Resurrección, la continuación que nadie creía posible ya es casi una realidad

Han pasado más de veinte años desde que La Pasión de Cristo sacudió las salas de todo el mundo y aún sigue siendo uno de los fenómenos más inesperados de la historia del cine. Ahora, La pasión de Cristo: Resurrección está a punto de convertirse en el siguiente capítulo de esa historia, y las noticias que llegan desde Lionsgate son, cuanto menos, prometedoras.

Helen Lee-Kim, presidenta de Internacional de la distribuidora, ha confirmado a Deadline que la producción está en su fase final. Sus palabras exactas: «He visto algunas cosas. Mel está terminando esta producción masiva».

Lee-Kim no se quedó ahí. También aventuró que el resultado «va a resultar enormemente atractivo para el público devoto, pero tendrá un atractivo amplio también». Es decir, Gibson no está haciendo una película para el nicho. Está apuntando a todo el mundo, igual que hizo en 2004.

Mel Gibson, ángeles caídos y una bajada al infierno, ll director habla de «locuras» en pantalla

Porque si hay algo que diferencia a La pasión de Cristo: Resurrección de cualquier otra producción de temática religiosa es la ambición descomunal de su creador. Gibson ha descrito partes de la película como «cosas de locos» y ha revelado que la historia arrancará nada menos que con la caída de los ángeles.

«Para contar bien la historia, tienes que empezar con la caída de los ángeles, lo que significa que estás en otro lugar, en otro reino. Hay que ir al infierno», ha declarado el director. No es exactamente lo que uno esperaría de una secuela de La Pasión, y precisamente por eso suena tan interesante.

Esta visión épica, casi de fantasía oscura con raíces teológicas, sugiere que Gibson no quiere hacer simplemente una segunda parte. Quiere construir un universo, una cosmología completa que dé sentido a todo lo que ya vimos en 2004. Si funciona, puede ser algo verdaderamente único en el panorama cinematográfico actual.

Un reparto completamente nuevo para una historia conocida

Jim Caviezel, el actor que dio vida a Jesús en la película original y cuya interpretación marcó a toda una generación, no regresa para esta entrega. En su lugar, el finlandés Jaakko Ohtonen asumirá el papel protagonista, mientras que Mariela Garriga interpretará a María Magdalena.

El resto del reparto también promete: Pier Luigi Pasino como Pedro, Kasia Smutniak como María, Riccardo Scamarcio como Poncio Pilato y, quizás la elección más sorprendente de todas, Rupert Everett como Abrahán. Un casting internacional y arriesgado que demuestra que Gibson no tiene intención de repetirse.

El peso de un legado de 620 millones de dólares. La película original que nadie esperaba y que lo arrasó todo

Para entender la magnitud de lo que se está cocinando, hay que recordar lo que fue La Pasión de Cristo en 2004. Con un presupuesto de apenas 25 millones de dólares, rodada en arameo, latín y hebreo sin subtítulos en muchos mercados, y con una clasificación R por su crudeza visual, nadie apostaba demasiado por ella.

El resultado fue una recaudación global de más de 620 millones de dólares, con más de 370 millones solo en Norteamérica. No fue un éxito de taquilla. Fue un terremoto cultural.

Replicar eso no es sencillo. El contexto ha cambiado, el cine ha cambiado y el público también. Pero Gibson ha demostrado una y otra vez que tiene el instinto para conectar con audiencias masivas cuando menos se le espera. Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge) en 2016 fue otra muestra de que el director sabe cómo emocionar desde la épica y la fe.

Dos películas, dos fechas cargadas de simbolismo

La estrategia de lanzamiento ya está fijada y no puede ser más calculada. La pasión de Cristo: Resurrección — Parte Uno llegará a los cines el Viernes Santo, 26 de marzo de 2027, mientras que la Parte Dos hará lo propio el Día de la Ascensión, 6 de mayo de 2027. Fechas que no son casualidad: Gibson sabe exactamente qué cuerda está tocando.

Estrenar estas películas en momentos del calendario litúrgico tan significativos es una decisión de marketing tan inteligente como respetuosa con el material que está adaptando.

Dividir la historia en dos partes también indica que el material es lo suficientemente denso y el presupuesto lo suficientemente ambicioso como para no caber en una sola función. Si la promesa de «ir al infierno» y retratar la caída de los ángeles se cumple, puede que dos películas se queden incluso cortas.

¿Hay ganas de ver La pasión de Cristo: Resurrección de Mel Gibson? Dímelo en comentarios y síguenos en Google Discover para no perderte nada.

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Sam Raimi vuelve al terror con el remake de Magic, el perturbador thriller de 1978 protagonizado por Anthony Hopkins y un muñeco de ventrílocuo que te quitará el sueño.

Sam Raimi y Lionsgate se unen para resucitar uno de los grandes olvidados del terror psicológico

Hay directores que pertenecen al terror como el agua al mar, y Sam Raimi es uno de ellos. Después de años moviéndose por otros géneros y con el reciente éxito de Send Help, que ya supera los 90 millones de dólares en taquilla global, Sam Raimi anuncia su próximo proyecto y es exactamente lo que sus fans más acérrimos querían escuchar: el remake de Magic, el escalofriante thriller psicológico de 1978. Lionsgate ha confirmado el fichaje a través de Deadline, por lo que pronto se pondrán en marcha.

¿Qué es ‘Magic’ y por qué merece un remake?

Si no has visto el original, toma nota. Magic llegó a los cines en 1978 dirigida por Richard Attenborough, sí, John Hammond de Parque Jurásico y con un guión del legendario William Goldman, quien también firmó la novela en la que se basa.

En el centro de todo, un joven Anthony Hopkins en uno de sus primeros grandes papeles: Corky, un mago fracasado que encuentra su gran oportunidad gracias a Fats, su muñeco de ventrílocuo. El problema es que Fats no es exactamente una marioneta inofensiva.

La trama que convierte un número de magia en una pesadilla

Corky es un artista sin suerte que se gana la vida actuando en bares de poca monta. Hasta que aparece Fats: un muñeco con una personalidad arrolladora, ingenioso, carismático, capaz de convertir un número mediocre en un espectáculo que deja al público sin palabras. El éxito llega deprisa, y con él la propuesta de participar en un programa de televisión que lo lanzaría definitivamente a la fama. Todo perfecto, salvo por un pequeño detalle: el contrato exige pasar por un reconocimiento médico, y Corky no está dispuesto a someterse a él.

Cuando el muñeco manda más que el hombre

Corky huye con Fats a un camping apartado, donde reencuentra a un antiguo amor ahora casado con otro. Lejos del mundo, la tensión que llevaba tiempo acumulándose empieza a explotar. Y aquí está el verdadero horror de la película: la personalidad de Fats no es un personaje que Corky interpreta, sino una mente que ha ido devorando la suya hasta convertirle en un simple títere.

El muñeco manda. El hombre obedece. Lo que empieza como una historia sobre el miedo al éxito se transforma en un retrato perturbador de la disociación, la locura y el control. Acompañando a Hopkins en el reparto original estaban Ann-Margret, Burgess Meredith, Ed Lauter y David Ogden Stiers, formando un ensemble que elevó la película muy por encima de lo que cabría esperar de un thriller de muñeco malvado.

El entusiasmo de Lionsgate no es disimulado

Adam Fogelson, presidente del grupo cinematográfico de Lionsgate, no ha escatimado en elogios al anunciar el proyecto: «Sam es el director soñado para este proyecto; de hecho, su incorporación representa uno de los grandes emparejamientos entre director y material que hemos visto. El guión es fantástico, y no podríamos estar más emocionados de ver la dirección y la visión creativa de Sam llevarlo a otro nivel. Estamos absolutamente encantados de que haya elegido dirigir la película».

Difícil llevarle la contraria.

De productor a director: Sam Raimi toma el control

Lo curioso es que Sam Raimi ya estaba vinculado al proyecto como productor, junto a Zainab Azizi. Pero en algún punto del proceso decidió que quedarse detrás de las cámaras no era suficiente y que él quería ser quien le diese forma definitiva a la historia.

Una decisión que, sobre el papel, tiene todo el sentido del mundo. El guión corre a cargo de Mark Swift y Damian Shannon, el dúo que ya trabajó con Sam Raimi en Send Help, así que hay una continuidad creativa en el equipo que da bastante confianza.

El regreso que el terror llevaba pidiendo

Hay que recordar que Sam Raimi se había alejado del género durante años. Su última incursión antes de Send Help había sido Arrástrame al infierno en 2009, una película que demostró que no había perdido ni un ápice de su talento para el horror visceral y el humor negro.

Un material hecho para sus manos

Pensar en Sam Raimi dirigiendo la historia de un hombre dominado por una entidad que habita en un objeto inanimado es casi demasiado obvio para ser casualidad. El director de Posesión Infernal lleva décadas jugando con la idea de lo cotidiano que se vuelve amenazante, con objetos que cobran vida y con protagonistas que pierden el control de sí mismos. Magic es, en ese sentido, territorio natural para él. La pregunta no es si lo hará bien, sino hasta dónde se atreverá a llevar el concepto.

El muñeco ya está esperando. Y esta vez, tiene a Sam Raimi de su lado. ¿Hay ganas de ver el resultado ? Dímelo en comentarios y síguenos en Google Discover para no perderte nada.

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En Cinemascomics hemos analizado la edición en 4K + Blu-Ray de 28 Años Después: El Templo de los Huesos (2026), un thriller de terror y ciencia ficción sobre infectados (que no zombies) escrito por Alex Garland (Civil War) y dirigido por Nia DaCosta (The Marvels); quedándose Danny Boyle (Sunshine) como productor.

Se trata de la cuarta parte de la franquicia después de las exitosas 28 Días Después, 28 Semanas Después y 28 Años Después; contando de nuevo con parte del reparto de la anterior entrega, donde vuelven a enfrentarse a los violentos infectados, que han evolucionado.

La película inglesa cuenta con un reparto encabezado por Alfie Williams (A New Breed of Criminal), Ralph Fiennes (007: Sin Tiempo Para Morir), Jack O’Connell (Los Pecadores), Erin Kellyman (Falcon y el Soldado de Invierno), Emma Laird (Misterio en Venecia), Chi Lewis-Parry (Gladiator II), Robert Rhodes (Red Sonja), Maura Bird (Fallen) y Natalie Cousteau (Cazafantasmas: Imperio Helado), entre otros. El director de fotografía es Sean Bobbitt (Viudas), mientras que la música corre a cargo de Hildur Guðnadóttir (Joker: Folie à Deux). Alex Garland y Cillian Murphy (Oppenheimer) ejercen de productores.

28 Años Después: El Templo de los Huesos ya está a la venta en las tiendas en 4K + Blu-Ray, Blu-Ray y en DVD, además de estar disponible en alquiler y venta digital; además de contar con una preciosa edición Steelbook de tirada limitada. La película de Sony Pictures está distribuida en formato físico por Arvi Licensing en nuestro país.

Sinopsis: Los caminos de Spike (Alfie Williams), Jimmy Crystal (Jack O’Connell) y el Dr. Kelson (Ralph Fiennes) acabarán cruzándose de la manera más inesperada posible, justo en un momento en el que el médico ha logrado un avance sin precedentes a la hora de estudiar la enfermedad que ha asolado las islas británicas.

28 Años Después: El Templo de los Huesos tiene una duración de 109 minutos y no está recomendada para menores de 18 años, mostrándose en su versión en 4K + Blu-Ray con diversos extras, que hemos analizado para los lectores de Cinemascomics. El análisis del 4K + Blu-Ray está completamente libre de spoilers, por si aún no habéis tenido la oportunidad de ver aún la película y queréis saber qué extras contiene.

Tráiler:

Datos técnicos:

• PAL 2.
• Formato de pantalla: 2.39:1
• Editada en alta resolución 2160p y en formato 16:9. HDR10 / Dolby Vision
• Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 – Castellano, Francés, Inglés y Alemán. Dolby Atmos – Inglés
• Subtítulos: Castellano, Portugués, Árabe, Francés, Turco, Alemán e Inglés para sordos.
• Calificación: No recomendada para menores de 18 años.
• Duración: 109 minutos.
• Título original: 28 Years Later: The Bone Temple
• Género: Drama, Thriller, Terror, Ciencia Ficción, Zombies

Contenido extra:

El doctor y el diablo (6 minutos):

Hay dos personajes principales en la historia de El Templo de los Huesos. Uno es el doctor Ian Kelson, un hombre compasivo según Ralph Fiennes. Y el otro es Gran Lord Jimmy Crystal, interpretado por un Jack O’Connell que lo define como un psicópata que no tiene nada de empatía.

La directora Nia DaCosta asegura que en un mundo en el que ya no existen las estructuras sociales, cada uno de ellos ha buscado la suya propia, donde uno ha optado por la anarquía, la violencia y la locura; mientras que el otro ha elegido la humanidad y el amor. Para la cineasta, la película trata de ver estos dos viajes distintos y cómo se entremezclan.

Por otro lado, la directora asegura que ha sido un honor trabajar con este reparto, puesto que Ralph Fiennes le da dignidad a cualquier cosa que haga, haciendo verosímiles sus acciones. Y también le ha encantado trabajar con Jack O’Connell, llevando el personaje más lejos de lo que esperaba. Para el actor ha sido divertido ser odioso, siendo una oportunidad para hacer algo fantástico o retorcido.

Junto a esto, la cineasta nos explica cómo fue el rodaje de la escena en la que ambos personajes se encuentran por primera vez, definiéndolo como «nuestro momento Pacino-De Niro en Heat, pero con zombis». Ambos actores se deshacen en elogios el uno con el otro. Pero también hablan de cómo rodaron la escena de la presentación diabólica del doctor Ian Kelson.

Sangre nueva (6 minutos):

La directora Nia DaCosta confiesa ser muy fan de 28 Días Después, influyendo mucho en su juventud. Así que cuando le dieron la oportunidad de dirigir esta secuela, no pudo negarse.

Esta secuela se rodó justo a continuación del final del rodaje de 28 Años Después, por una cuestión de disponibilidad de los actores, indica el productor Danny Boyle, lo que le impidió dirigir las dos películas , por lo que buscaron quién la dirigiría. Al guionista y productor Alex Garland le convencieron las ideas que tenía la directora para rodar la película, donde no quería imitar el estilo de Danny Boyle, sino tener un enfoque diferente.

De manera que el equipo técnico y artístico que coincide en ambas entregas hablan de las diferencias en el estilo de dirección. Una gran diferencia es que 28 Años Después se rodó con iPhones, mientras que El Templo de los Huesos se rodó con una cámara digital muy avanzada. La cineasta habla de la manera de dirigir las secuencias de ambos grupos, siendo diferente el enfoque con el doctor Kelson y Sansón por un lado y con los Jimmies por otro.

Tras la ira (5 minutos):

Ralph Fiennes, que encarna al Doctor Ian Kelson, comenta que considera que la película juega con la idea de que puedes estar infectado; pero que, dentro de ti, queda todavía algo de humanidad. El actor Chi Lewis-Parry, que interpreta a Sansón, asegura que el doctor Kelson ve la humanidad más allá de la apariencia de los infectados, los ve todavía como seres humanos.

De tal forma que hablan de la relación de amistad que se establece entre Sansón y el doctor Kelson. También hablan de las sesiones de maquillaje de cinco horas y media para dar vida a Sansón y de las improvisaciones de Ralph Fiennes en algunas tomas.

Audiocomentarios (109 minutos):

Se puede reproducir la película con los comentarios de fondo de la directora Nia DaCosta.

Tomas infectadas: Tomas falsas (3 minutos):

Risas, vaciles, palabrotas, cortes de manga, muecas, bailecitos, improvisaciones, tropiezos y golpes accidentales forman parte de la bobina de tomas falsas de la película.

Escena inédita (1 minuto).

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La nueva película de la Tierra Media apunta a algo mucho más oscuro de lo habitual. Peter Jackson ha confesado que Joker (2019), la película de Joaquin Phoenix, fue una inspiración directa para explorar la mente rota de Gollum en The Hunt for Gollum. Y sí, eso puede cambiar por completo cómo vemos al personaje.

Peter Jackson quiere convertir a Gollum en una tragedia psicológica

Hay algo fascinante en la idea de pasar dos horas dentro de la cabeza de Gollum. También un poco aterrador. Durante años, el personaje fue el alma más atormentada de la Tierra Media, una criatura consumida por la obsesión, la culpa y la locura.

Pero ahora Peter Jackson parece decidido a llevar todo eso mucho más lejos con The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum, una película que no quiere limitarse a enseñar persecuciones, anillos mágicos y paisajes bonitos de Nueva Zelanda. Quiere meterte directamente en la mente de Sméagol. Y para lograrlo, el director ha mirado hacia un sitio que nadie esperaba: el Joker de Joaquin Phoenix.

La revelación llegó durante el Festival de Cannes y, sinceramente, cuesta imaginar un crossover más extraño sobre el papel. DC y Tolkien compartiendo inspiración narrativa. Gotham mezclándose con Mordor. Arthur Fleck y Gollum unidos por la misma caída hacia la oscuridad. Pero cuanto más lo piensas, más sentido tiene. Ambos personajes son hombres destruidos desde dentro, figuras que empiezan siendo vulnerables y terminan completamente devoradas por su dolor.

Jackson lo explicó así: “Estábamos pensando en la película original de Joker, la de Joaquin Phoenix. La forma en que exploraba la psicología del Joker mientras contaba una historia. Tenemos la historia que aparece en los apéndices, y contaremos esa historia, pero la contaremos desde una perspectiva interna de Gollum”.

La clave está precisamente ahí. No será simplemente una aventura ambientada en la Tierra Media. Todo apunta a que la película intentará mostrar cómo percibe el mundo alguien completamente roto por el Anillo Único. Y eso abre una puerta muy distinta a lo que vimos en las trilogías originales.

El lado más oscuro de la Tierra Media todavía no se había explorado así

Lo curioso es que Tolkien siempre dejó pistas de que Gollum era mucho más complejo de lo que parecía. En El Hobbit era casi una criatura extraña y peligrosa. Pero en El Señor de los Anillos acabó convirtiéndose en una de las figuras más trágicas de toda la saga. Un personaje dividido entre lo que fue y lo que terminó siendo.

Antes de convertirse en ese ser encorvado, obsesionado y casi animal, Gollum era Sméagol, un hobbit del río que encontró el Anillo Único y quedó corrompido por él durante siglos. El poder del anillo no solo deformó su cuerpo. Destruyó su identidad poco a poco. Lo aisló. Lo convirtió en un adicto incapaz de vivir sin “su tesoro”. Y ahí es donde la comparación con Joker empieza a resultar realmente interesante.

Porque Arthur Fleck tampoco nace como un monstruo. Lo construyen las circunstancias, la soledad y el deterioro mental. Jackson parece querer aplicar esa misma lógica al personaje de Tolkien, pero dentro de una fantasía épica. No se trata únicamente de mostrar a un villano. La intención parece ser entender cómo alguien termina perdido dentro de sí mismo.

Eso podría dar lugar a una de las películas más adultas y psicológicas que haya tenido jamás la franquicia de El Señor de los Anillos.

Andy Serkis tendrá libertad total para llevar a Gollum al límite

La otra gran noticia es que Peter Jackson parece confiar completamente en Andy Serkis para convertir esta película en algo especial. Y siendo sinceros, probablemente nadie entiende mejor a Gollum que él. No solo puso la voz y el movimiento corporal que hicieron histórico al personaje. Literalmente ayudó a redefinir la captura de movimiento en Hollywood.

Jackson dejó claro que quiere apartarse parcialmente para que Serkis explore el personaje a su manera: “Estás tomando cosas escritas por Tolkien y filmándolas desde cierto punto de vista, y eso significa que tienes que meterte dentro de su cabeza. Yo no tengo ningún deseo particular de meterme dentro de la cabeza de Gollum. Andy Serkis puede hacerlo él mismo”.

“Pensé que la película sería más interesante si Andy la hiciera. Honestamente, de verdad creo que si es una película sobre la adicción de Gollum y sus luchas internas, Andy hará una película mucho más interesante que yo. Si pensara que yo haría una mejor película, la haría yo. Pero pensé: hay un tipo que va a hacer una película realmente interesante aquí y no soy yo”.

Y ojo, porque esto cambia mucho las expectativas. Serkis no parece querer repetir simplemente el tono clásico de la trilogía. Todo indica que busca algo más íntimo, incómodo y emocionalmente destructivo.

¿Hasta dónde puede llegar la locura de Gollum?

La gran pregunta es precisamente esa. Porque entrar en la mente de Gollum significa convivir constantemente con dos personalidades enfrentadas. Sméagol y Gollum llevan años peleando entre sí. Una parte todavía recuerda la amistad, el miedo y la compasión. La otra solo vive para el Anillo.

Las películas originales ya mostraban esa dualidad en escenas increíbles, especialmente en Las dos torres. Pero ahora parece que toda la historia girará alrededor de ese conflicto interno. Algo que podría acercar la película más al thriller psicológico que a la aventura fantástica tradicional.

The Hunt for Gollum puede cambiar la saga para siempre

Durante mucho tiempo, El Señor de los Anillos fue sinónimo de épica clásica. Héroes luminosos. Grandes batallas. Discursos emocionantes. Pero esta nueva película parece dispuesta a caminar por terrenos mucho más incómodos y humanos.

Porque Gollum nunca fue un simple monstruo. Era una advertencia. La prueba de lo que el poder puede hacerle a alguien cuando la obsesión consume cualquier rastro de identidad. Por eso sigue siendo uno de los personajes más recordados de toda la fantasía moderna.

Ahora queda ver si esa apuesta psicológica funciona o termina siendo demasiado extraña para una franquicia que muchos asocian con otro tipo de historias. Lo único claro es que Peter Jackson no quiere repetir la fórmula fácil. Quiere arriesgar.

Y sinceramente, una película de la Tierra Media inspirada en Joker suena exactamente a ese tipo de locura que podría salir terriblemente mal… o convertirse en algo inolvidable.

The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum llegará a los cines el 17 de diciembre de 2027. Y después de escuchar todo esto, cuesta no preguntarse una cosa: ¿Estamos ante el proyecto más raro de toda la historia de la Tierra Media? Dímelo en comentarios y no te olvides de seguirnos en Google Discover para no perderte nada.

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