Keanu Reeves sigue demostrando que no tiene ninguna intención de abandonar el cine de acción. Mientras los seguidores de John Wick esperan su regreso como el implacable asesino, el actor se perfila como protagonista de Maelstrom, una película de Netflix que hasta hace unos meses parecía destinada a Alan Ritchson.

La dirección correrá a cargo del español Jaume Collet-Serra, responsable de Equipaje de mano (Carry-On), que ya demostró su habilidad para convertir un espacio cerrado y una situación aparentemente cotidiana en una pesadilla cargada de tensión. Y esta vez tendrá un huracán para complicar todavía más las cosas.

Maelstrom enfrentará a Keanu Reeves a una auténtica pesadilla

La historia de Maelstrom sigue a un agente federal estadounidense encargado de proteger a la prometida de un traficante de armas que busca acogerse al programa de protección de testigos.

El problema comienza cuando un violento huracán golpea la zona y deja a los protagonistas completamente aislados. Sin comunicaciones ni posibilidad de recibir refuerzos, deberán sobrevivir durante una noche a los hombres enviados por el criminal para acabar con ellos.

La premisa recuerda inevitablemente a La jungla de cristal (Die Hard), aquella maravilla del cine de acción de 1988 en la que Bruce Willis convirtió a John McClane en el héroe equivocado en el lugar equivocado.

Aquí cambia el escenario, pero se mantiene la fórmula: un protagonista atrapado, enemigos que parecen multiplicarse y una situación que empeora a cada minuto. Como si enfrentarse a un ejército de mercenarios no fuera suficiente, también habrá que sobrevivir a la furia de la naturaleza.

Keanu Reeves y Alan Ritchson representan dos estilos de acción muy diferentes

El cambio de protagonista resulta especialmente interesante porque Keanu Reeves y Alan Ritchson tienen maneras bastante distintas de desenvolverse en el cine de acción.

Ritchson ha construido buena parte de su popularidad reciente gracias a Reacher, donde interpreta a un antiguo policía militar que utiliza su enorme presencia física para intimidar y derrotar a sus enemigos. Su estilo es contundente, directo y brutal. Cuando Jack Reacher entra en una habitación, normalmente alguien termina lamentándolo.

Reeves, por el contrario, representa una escuela de acción mucho más técnica y coreografiada. En John Wick, sus enfrentamientos combinan artes marciales, manejo de armas y movimientos calculados hasta el último detalle. Su protagonista no necesita ser el hombre más grande de la sala para convertirse en el más peligroso.

También existe una diferencia en la manera de construir sus personajes. Ritchson suele transmitir una superioridad física casi intimidante, mientras que Reeves ha destacado interpretando héroes que reciben tantos golpes como los que reparten, desde Speed hasta Matrix y John Wick.

Esto podría dar a Maelstrom una personalidad diferente a la que habría tenido con el protagonista de Reacher. Eso sí, todavía desconocemos qué enfoque concreto adoptará Collet-Serra para las escenas de acción.

Una película que lleva 33 años esperando su oportunidad

La otra gran sorpresa de Maelstrom es su larguísima historia de desarrollo. El guion original fue escrito por Gregory Fitzpatrick y vendido a Warner Bros. en 1993, cuando Hollywood buscaba desesperadamente repetir el éxito de La jungla de cristal con nuevas películas protagonizadas por grandes estrellas del género.

Jeff Robinov, que entonces trabajaba como agente, participó en aquella operación. Más de tres décadas después, vuelve a estar relacionado con el proyecto, esta vez como productor. El libreto ha sido actualizado por Mark Bianculli, encargado de adaptar la historia y sus personajes a una sensibilidad más contemporánea.

La recuperación de Maelstrom tampoco es casual. Netflix ya consiguió un éxito notable con Equipaje de mano, otra película que permaneció años sin producirse antes de encontrar una segunda oportunidad en la plataforma. Aquel thriller, protagonizado por Taron Egerton y Jason Bateman, acabó convirtiéndose en uno de sus grandes éxitos.

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Hay videojuegos que prácticamente parecen películas esperando a ser rodadas. Y luego está BioShock, una obra con una ambientación espectacular, una historia retorcida y suficientes sorpresas como para poner nervioso a cualquier guionista. Netflix lleva años intentando convertirlo en una película, pero Francis Lawrence acaba de reconocer que el desafío es bastante mayor de lo que imaginábamos.

El cineasta, responsable de varias entregas de Los juegos del hambre, ha hablado con The Direct sobre el estado de la adaptación y ha confirmado que continúa implicado activamente en su desarrollo. La buena noticia es que están avanzando. La mala es que todavía quedan obstáculos importantes, tanto creativos como empresariales.

El gran problema de BioShock es precisamente lo que hace especial al videojuego

Durante una entrevista promocional de Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, Lawrence explicó que adaptar BioShock no consiste simplemente en trasladar sus escenarios a la gran pantalla. El verdadero desafío está en su protagonista.

En el videojuego original, los jugadores controlan a Jack, un personaje prácticamente silencioso que descubre los secretos de Rapture, una ciudad submarina concebida como una utopía que terminó convirtiéndose en una auténtica pesadilla.

El problema es que, mientras jugamos, somos nosotros quienes experimentamos sus descubrimientos y tomamos parte en la aventura. En una película, el espectador necesita seguir a un personaje construido para funcionar sin esa interacción.

Lawrence lo explicó con bastante sinceridad: «Eso espero. Sabes, es complicado por un par de motivos. Desde luego, sigo implicado activamente en el proyecto. Todavía estamos trabajando en él. Es un hueso duro de roer, tanto por ese mundo como por su historia, especialmente porque… Quiero decir, cuando juegas, tú eres el personaje, así que tenemos que crear ese personaje desde cero e introducirlo en ese mundo que, sinceramente, es una auténtica locura, pero en el mejor sentido posible. Es complicado. Así que estamos avanzando y nos estamos acercando, lo cual es estupendo».

Sus palabras dejan una posibilidad especialmente interesante: la película podría necesitar un protagonista desarrollado de manera muy diferente al Jack del videojuego.

Eso no significa que Netflix haya decidido sustituirlo por un personaje completamente nuevo. Lawrence no ha confirmado semejante cambio, pero sí reconoce que construir una figura capaz de sostener toda la historia es una de las tareas más delicadas.

Y cualquiera que haya recorrido los pasillos inundados de Rapture entenderá que no es precisamente una excursión turística.

Netflix añade otro problema a la película de BioShock

Como si adaptar semejante videojuego no fuese suficientemente complicado, Lawrence también tiene que lidiar con los movimientos internos de Netflix. La plataforma atraviesa cambios importantes en su estructura directiva. Bela Bajaria ha sido sustituida por Peter Rice, antiguo ejecutivo de Disney y Fox, mientras que Dan Lin también ha abandonado su puesto como responsable cinematográfico.

Estos cambios introducen incertidumbre en los proyectos que todavía están en desarrollo, aunque no se ha confirmado ninguna cancelación ni paralización de BioShock.

El director reconoce que esta situación tampoco facilita las cosas: «Y no hay nada que me gustaría más que poder hacer esa película. Así que seguimos trabajando en ella. Y luego está todo el asunto de Netflix, porque ahora mismo Netflix ha experimentado cambios en su dirección y todas esas tonterías con las que no me gusta tener que lidiar, ni tener que hacerlo. Así que ya veremos. Esperemos que podamos solucionarlo».

Es una declaración bastante reveladora. Lawrence quiere dirigir la película y continúa trabajando para sacarla adelante, pero sabe que hay decisiones que no dependen exclusivamente de él.

¿Será BioShock la próxima película de Francis Lawrence?

La gran incógnita es cuándo podrá comenzar el rodaje. El cineasta tiene varios proyectos sobre la mesa y, aunque BioShock sigue siendo una prioridad creativa para él, no puede asegurar que sea su siguiente trabajo.

Cuando le preguntaron directamente por esa posibilidad, respondió: «Nunca se sabe. Tengo que decirlo, nunca se sabe. Es curioso, pero con las próximas películas siempre se produce una especie de carrera de caballos cuando están en desarrollo. Una parte depende de cómo esté el guion. Otra tiene que ver con la disponibilidad de los actores. Hay todo tipo de factores que entran en juego. A veces es una cuestión estacional, porque necesitas aprovechar una determinada ventana de verano para rodar en algún lugar. Nunca sabes cuál será la siguiente».

Lawrence también se ha vinculado recientemente a la adaptación de Amanecer rojo (Red Rising), la novela distópica de Pierce Brown, para Paramount.

Por tanto, aunque consiga resolver los problemas narrativos de BioShock, todavía tendrá que encajar el proyecto en su calendario.

Una adaptación que Hollywood lleva intentando realizar desde 2008

La historia cinematográfica de BioShock viene de lejos. Universal Pictures adquirió los derechos en mayo de 2008, pero aquel primer intento nunca llegó a convertirse en una película.

En 2022, Netflix anunció un acuerdo con 2K y Take-Two Interactive para desarrollar una nueva adaptación de acción real. Francis Lawrence fue elegido para dirigirla y Michael Green, guionista de Logan, se incorporó al proyecto.

Sobre el papel, la combinación parecía especialmente atractiva. Un director acostumbrado a construir sociedades distópicas, un guionista con experiencia en personajes complejos y uno de los mundos más reconocibles de los videojuegos. Pero han pasado cuatro años desde aquel anuncio y las cámaras todavía no han empezado a rodar.

¿Y si Netflix cuenta una historia diferente dentro de Rapture?

Existe otra posibilidad que podría solucionar parte de los problemas narrativos: explorar la ciudad submarina desde una perspectiva completamente nueva.

El universo de BioShock ofrece oportunidades para contar historias más allá del recorrido de Jack. La caída de Rapture, sus experimentos científicos y el fracaso de sus ideales podrían sostener una película sin necesidad de reproducir exactamente los acontecimientos del juego.

Lo verdaderamente interesante será descubrir cómo consigue el director trasladar al cine aquello que convirtió a BioShock en una experiencia tan memorable: la sensación de explorar un lugar fascinante donde prácticamente todo ha salido terriblemente mal.

Lawrence asegura que están cerca de encontrar el camino. Después de tantos años, sería estupendo que Hollywood consiguiera finalmente abrir las puertas de Rapture. Aunque, conociendo lo que nos espera dentro, quizá deberíamos pensárnoslo dos veces antes de entrar.

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Ray Gunn todavía no ha llegado a Netflix y Brad Bird ya se ha encontrado con una de esas preguntas que suelen acompañar a cualquier película con un mundo suficientemente atractivo como para imaginar más historias dentro de él: ¿puede convertirse en una franquicia? La respuesta del director de Los Increíbles, Ratatouille y El gigante de hierro está lejos de ser una confirmación, pero sí deja una puerta bastante interesante abierta para el futuro de esta particular mezcla de ciencia ficción, cine negro y animación protagonizada por Sam Rockwell y Scarlett Johansson.

La película llegará a Netflix el 18 de diciembre después de un desarrollo que se ha prolongado durante más de tres décadas y tras una primera recepción crítica especialmente positiva después de su paso por el BFI London Film Festival. En una entrevista concedida a ScreenRant durante la alfombra roja del AFI Fest, Bird ha explicado que nunca construye una película pensando automáticamente en una continuación, aunque también reconoce que su proceso creativo implica desarrollar el mundo con suficiente profundidad como para que otras historias puedan existir si algún día aparece una buena razón para contarlas.

Ese matiz es especialmente relevante en una película como Ray Gunn, cuyo universo mezcla detectives privados, estrellas multimedia, ciudades futuristas y una estética neo-noir que inevitablemente ha provocado comparaciones con Blade Runner. Bird quiere que la primera aventura funcione por sí misma, pero tampoco parece interesado en cerrar todas las posibilidades antes incluso de comprobar cómo responde el público.

Brad Bird no quiere hacer Ray Gunn pensando en una secuela

La pregunta sobre una posible continuación llegó antes incluso de que Ray Gunn se estrenase oficialmente en Netflix, algo que encaja con una industria cada vez más acostumbrada a convertir cualquier propiedad con potencial en una saga antes de saber si la primera película realmente conecta con los espectadores. Bird, sin embargo, mantiene una filosofía bastante diferente y asegura que prefiere concentrar toda su energía creativa en la película que tiene delante: «No pienso en eso. Prefiero poner todo mi esfuerzo en la película que estamos haciendo y no asumir que todo el mundo va a querer más».

Su explicación continúa con una comparación bastante gráfica que resume perfectamente cómo entiende la relación entre una película y su posible continuación: «Puede que quieran una sola y ya está, como una comida realmente buena. Dicen: Mmm, estaba buena. Ahora pasemos a otra comida».

La postura resulta coherente con la carrera de Bird. A pesar de haber trabajado en algunas de las películas animadas más populares de las últimas décadas, el cineasta nunca ha mostrado demasiado interés en convertir cada éxito en una sucesión automática de entregas. El gigante de hierro continúa siendo una historia independiente, Ratatouille nunca recibió una segunda parte y hasta Los Increíbles 2 tardó más de una década en llegar porque el director no quería regresar simplemente por la existencia de una oportunidad comercial.

Con Ray Gunn parece aplicar exactamente el mismo principio: primero conseguir que la película tenga sentido como obra completa y después, únicamente si aparece una historia suficientemente interesante, plantearse qué puede venir detrás.

El universo de Ray Gunn está construido para poder seguir creciendo

Que Bird no diseñe sus películas pensando obsesivamente en secuelas no significa que construya mundos sin espacio alrededor de sus protagonistas. De hecho, el director explicó a ScreenRant que una parte importante de su proceso consiste precisamente en imaginar esos universos con suficiente detalle como para que puedan existir historias más allá de aquello que vemos en pantalla.

Según Bird, intenta desarrollar cada escenario de manera suficientemente profunda para que él mismo o incluso otro cineasta pudiera explorar otros rincones en el futuro. No existe todavía un plan formal para Ray Gunn 2, pero la arquitectura creativa necesaria para ampliar la historia sí está presente.

Eso resulta especialmente atractivo en este caso porque la película parece construida alrededor de un mundo que puede existir independientemente de una única investigación. Sam Rockwell pone voz a Ray Gunn, un detective privado atrapado en un caso relacionado con Venus Nova, una poderosa estrella multimedia interpretada por Scarlett Johansson, dentro de un futuro donde la estética del noir clásico se mezcla con tecnologías y estructuras sociales propias de la ciencia ficción.

Bird lleva décadas desarrollando esta combinación y, precisamente por eso, parece lógico que alrededor del argumento principal exista mucho más material del que finalmente cabe dentro de aproximadamente dos horas de película.

Scarlett Johansson entra en un mundo que recuerda a Blade Runner, pero también al cine negro clásico

Las comparaciones con Blade Runner son probablemente inevitables, aunque reducir Ray Gunn a una versión animada de aquel universo sería quedarse únicamente con una parte de sus influencias. Bird ha construido la película mirando también hacia el cine negro clásico y hacia detectives que existieron mucho antes de que Ridley Scott imaginara replicantes caminando bajo la lluvia de Los Ángeles.

Entre sus referencias aparecen El halcón maltés, El sueño eterno, Chinatown y personajes como Sam Spade o Philip Marlowe, además de una influencia especialmente significativa procedente del mundo del cómic: The Spirit, de Will Eisner.

Bird llegó a trabajar durante años en una posible adaptación de The Spirit antes de que el proyecto siguiera otro camino, y algunas de aquellas ideas terminaron influyendo posteriormente en la creación de Ray Gunn. Esa combinación ayuda a entender por qué el director considera que el personaje podría tener vida más allá de una única película, puesto que muchos de los detectives que inspiraron su creación protagonizaron múltiples historias sin necesidad de construir una continuidad gigantesca alrededor de cada aventura.

El sueño eterno, por ejemplo, forma parte de la larga trayectoria literaria de Philip Marlowe, mientras The Spirit acumula décadas de publicaciones. La posibilidad de que Ray Gunn pueda funcionar de una manera similar —con nuevos casos dentro del mismo universo— parece mucho más natural que imaginar una segunda parte diseñada únicamente para aumentar la escala de la primera.

Ray Gunn llevaba más de 30 años esperando poder convertirse en película

Resulta especialmente curioso hablar ya de una posible continuación cuando conseguir que la primera película existiera ha requerido más de tres décadas. Bird comenzó a desarrollar Ray Gunn mucho antes de convertirse en el director reconocido internacionalmente que conocemos hoy, y el proyecto atravesó distintas etapas hasta encontrar finalmente en Netflix la oportunidad de materializarse.

Ese largo proceso también explica por qué el cineasta parece especialmente interesado en que la película tenga una identidad propia y no funcione únicamente como primer capítulo de algo mayor. Después de tantos años intentando llevar ese universo a la pantalla, convertirlo deliberadamente en una historia incompleta pendiente de otra entrega habría sido prácticamente lo contrario de su filosofía.

La primera recepción parece respaldar la apuesta. Tras su presentación en el BFI London Film Festival, Ray Gunn consiguió una respuesta crítica muy positiva, destacándose especialmente su animación, reparto y combinación entre ciencia ficción y cine negro. ScreenRant señalaba además que la película había alcanzado inicialmente un 94 % de aprobación crítica en Rotten Tomatoes, aunque algunas valoraciones también han mencionado sus 119 minutos de duración como uno de los elementos más discutibles.

Todavía queda, naturalmente, la prueba más importante: comprobar cómo responde el público cuando Netflix la estrene globalmente el 18 de diciembre.

Sam Rockwell y Scarlett Johansson encabezan un reparto enorme

Parte del atractivo comercial de Ray Gunn estará también en un reparto vocal que parece más propio de una gran producción de imagen real. Sam Rockwell lidera la historia como el detective protagonista, mientras Scarlett Johansson interpreta a Venus Nova, la celebridad alrededor de la que comienza a desarrollarse el caso que terminará arrastrándolo hacia algo considerablemente más grande.

A ellos se suman Tom Waits, Matt Berry, Bobby Cannavale, Michelle Rodriguez y Alan Tudyk, entre otros nombres, reforzando una producción que lleva mucho tiempo presentándose como uno de los proyectos de animación más personales y ambiciosos de Bird.

La presencia de Johansson resulta especialmente interesante porque la actriz se incorpora a otro gran universo de ciencia ficción después de haber protagonizado Ghost in the Shell, aunque aquí el enfoque parece alejarse de aquella adaptación para abrazar una mezcla mucho más juguetona entre detectives clásicos y futurismo.

Brad Bird tiene antecedentes suficientes para no precipitarse con una continuación

La cautela del director resulta todavía más comprensible repasando su filmografía. Bird ha demostrado repetidamente que no siente ninguna obligación por volver automáticamente a sus historias más populares. Durante años rechazó la idea de continuar Los Increíbles hasta encontrar una dirección que consideró adecuada, mientras ha defendido que títulos como Ratatouille o El gigante de hierro funcionan perfectamente sin necesidad de nuevas entregas.

Ese historial hace que sus palabras sobre Ray Gunn resulten algo más interesantes que la típica respuesta diplomática utilizada cuando un cineasta es preguntado por una secuela. Bird realmente parece dispuesto a dejar una película terminada donde está si considera que no existe una historia mejor que justifique regresar.

Al mismo tiempo, haber construido conscientemente el mundo para que pueda sostener otras aventuras significa que la decisión dependerá más de encontrar una idea adecuada que de una imposibilidad narrativa. Netflix tendrá naturalmente su propia opinión si la película se convierte en uno de los grandes éxitos de diciembre, pero Bird parece decidido a evitar que la lógica de franquicia dicte cómo debe terminar esta primera historia.

Ray Gunn podría tener futuro, pero primero necesita funcionar como una gran película

Quizá sea precisamente esa mentalidad la que termine beneficiando más al futuro de Ray Gunn. En un momento donde muchas producciones utilizan buena parte de su metraje para preparar personajes, spin-offs y secuelas hipotéticas, Brad Bird insiste en que su prioridad continúa siendo entregar una historia capaz de sentirse completa aunque nunca exista otra entrega.

Eso no elimina las posibilidades posteriores. El mundo está diseñado con suficiente amplitud para que Ray Gunn pueda investigar otros casos, para que nuevos personajes recorran otros rincones de ese futuro o incluso para que otro cineasta continúe explorándolo algún día. La diferencia es que Bird no considera ninguna de esas posibilidades una obligación.

Si Ray Gunn consigue trasladar al público la misma impresión que está dejando entre sus primeros críticos, probablemente Netflix quiera volver a conversar sobre este universo después de diciembre. Pero el director parece tener bastante claro el orden correcto de los acontecimientos: primero hacer una película que merezca existir por sí misma y, solo después, descubrir si realmente queda otra historia que merezca ser contada. Ray Gunn se estrenará en Netflix el 18 de diciembre de 2026.

Después de más de 30 años desarrollando Ray Gunn, Brad Bird tiene muy claro cómo quiere tratar el futuro de este universo si la película conecta con el público. Sigue Cinemascomics en Google Discover.

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Marvel Studios tiene tantos proyectos en marcha que resulta complicado seguirles la pista a todos, pero hay uno especialmente interesante para los aficionados al lado sobrenatural de sus cómics. Ghost Rider, la nueva película protagonizada por Ryan Gosling como Johnny Blaze, estaría dando un paso importante en su desarrollo: la búsqueda de actores para completar el reparto ya se encuentra en marcha.

Según informa el insider Knight Edge Media, los responsables de la producción habrían comenzado a trabajar en la selección de intérpretes para otros personajes de la historia. Por ahora no han trascendido nombres ni detalles sobre los papeles que necesitan cubrir, pero la información apunta a que el proyecto continúa avanzando de cara a su estreno previsto para julio de 2028.

Ghost Rider prepara su reparto más allá de Ryan Gosling

La incorporación de Ryan Gosling, anunciada el pasado mes de julio, fue la gran noticia relacionada con la película. El actor asumirá el papel de Johnny Blaze, el motorista que vendió su alma y terminó convertido en uno de los personajes más atormentados de Marvel.

Hasta ahora, la información sobre esta producción se ha mantenido bastante limitada. El nuevo informe de casting tampoco desvela quién acompañará a Gosling, aunque abre la puerta a futuras incorporaciones que podrían ayudar a comprender qué historia pretende contar Marvel.

Y aquí es donde empieza lo interesante. Ghost Rider tiene una mitología suficientemente extensa como para explorar numerosas posibilidades, desde sus conflictos personales hasta los elementos sobrenaturales que siempre han definido sus aventuras. La identidad de los personajes secundarios será fundamental para descubrir qué dirección tomará esta nueva adaptación.

Eso sí, conviene mantener la prudencia: Marvel todavía no ha anunciado oficialmente estos supuestos avances en el casting.

La elección de Ryan Gosling sigue provocando debate

No todos los aficionados recibieron con el mismo entusiasmo la elección del protagonista. La principal discusión gira alrededor de su edad, ya que Gosling tiene 45 años y algunas de las historias más conocidas de Johnny Blaze comienzan cuando el personaje es considerablemente más joven.

Curiosamente, no es la primera vez que ocurre algo parecido. Nicolas Cage interpretó al Motorista Fantasma en la película de 2007, y su edad también fue motivo de discusión entre quienes esperaban una adaptación más cercana a los orígenes del personaje.

La cuestión es que un Johnny Blaze más veterano tampoco tiene por qué ser una mala idea. Un motorista condenado que lleva años conviviendo con su maldición podría ofrecer una perspectiva interesante, especialmente si la película decide explorar las consecuencias psicológicas de semejante existencia. Porque convertirse en una calavera en llamas puede resultar espectacular, pero difícilmente será bueno para la salud mental.

¿Y qué pasa con Robbie Reyes?

La elección de un Johnny Blaze veterano también ha recuperado las comparaciones con Robbie Reyes, otra de las encarnaciones del Motorista Fantasma.

Este personaje, interpretado anteriormente por Gabriel Luna, representa una versión más joven del antihéroe y podría ofrecer un contraste interesante con Blaze, aunque no existe información que confirme su participación en la nueva película.

Por ahora, las posibilidades argumentales siguen abiertas y cualquier teoría sobre la presencia de otros Motoristas Fantasma pertenece exclusivamente al terreno de la especulación.

Shawn Levy tendrá que demostrar que puede hacer un Ghost Rider oscuro

Otro de los aspectos que está despertando opiniones encontradas es la elección de Shawn Levy como director. El responsable de Deadpool y Lobezno volverá a trabajar con Ryan Gosling, una combinación que también veremos en Star Wars: Starfighter.

Su experiencia con producciones de gran presupuesto juega a favor del proyecto, pero algunos aficionados tienen dudas sobre si conseguirá trasladar a la pantalla el tono más inquietante y dramático de los cómics.

Y no es una preocupación descabellada. Ghost Rider necesita grandes escenas de acción, naturalmente, pero también debe funcionar como una historia sobre la culpa, la condena y la lucha de un hombre contra sus propios demonios. En su caso, además, los demonios pueden ser bastante literales.

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SkyShowtime ya ha desvelado su calendario completo de estrenos para noviembre de 2026, un mes que combina nuevas temporadas, continuaciones de algunas de sus series más importantes y varias películas que llegan en exclusiva a la plataforma. Entre los nombres que más llaman la atención aparecen The Paper temporada 2, el regreso de Star Trek: Short Treks y, sobre todo, Michael, el esperado biopic sobre Michael Jackson dirigido por Antoine Fuqua y protagonizado por Jaafar Jackson, que desembarcará en el servicio el 24 de noviembre.

La plataforma también mantendrá durante todo el mes el ritmo de algunas de sus grandes apuestas actuales, con nuevos episodios de Tulsa King temporada 4, Dexter: Resurrección, MobLand: Tierra de Mafiosos, The Five Star Weekend y Marshals. Si en octubre SkyShowtime ya había preparado un calendario especialmente cargado —que repasamos en nuestro artículo sobre los estrenos de SkyShowtime en octubre de 2026—, noviembre mantiene esa estrategia combinando franquicias reconocibles, producciones originales y cine de estreno.

The Paper temporada 2 vuelve el 6 de noviembre con cuatro episodios de golpe

Uno de los regresos más importantes del mes será The Paper, cuya segunda temporada comenzará el 6 de noviembre. SkyShowtime estrenará ese día los cuatro primeros episodios de una tanda compuesta por diez capítulos, mientras que los restantes llegarán a razón de uno por semana.

La serie continúa expandiendo el peculiar universo de The Office estadounidense, aunque en lugar de regresar a Dunder Mifflin traslada la mirada del equipo documental a un histórico periódico del Medio Oeste que intenta sobrevivir en una industria completamente distinta. Después de los acontecimientos de la primera temporada y de arrasar en los Ohio Journalism Awards, Ned buscará una nueva gran investigación y acabará fijándose en un club privado local, una decisión que puede poner en peligro tanto su carrera como el propio futuro del periódico.

La segunda temporada también profundizará en la relación entre Ned y Mare, que continúan intentando comprender qué existe realmente entre ellos, mientras Esmeralda busca cuál debe ser su lugar dentro de una redacción que poco a poco empieza a funcionar como un auténtico equipo periodístico. La primera temporada de The Paper ya está disponible en SkyShowtime.

Patricio es la estrella y Where the Sun Always Shines amplían el catálogo de series

Solo un día después, el 7 de noviembre, llegará la quinta temporada de Patricio es la estrella, con sus cuatro episodios disponibles desde el lanzamiento. La serie mantiene el tono completamente caótico del personaje de Bob Esponja, convertido aquí en presentador de su propio programa de variedades mientras transforma cualquier situación familiar en material para uno de sus extravagantes segmentos.

La serie vuelve a apoyarse en Cecil, Bunny, Squidina y GrandPat, además de los habituales habitantes de Fondo de Bikini, para construir episodios capaces de pasar de un programa de cocina a una historia del Oeste, un concurso o cualquier otra ocurrencia que se le pase por la cabeza a Patricio. Las cuatro temporadas anteriores estarán también disponibles en el servicio.

El 16 de noviembre será el turno de Where the Sun Always Shines temporada 2, serie original de SkyShowtime creada y dirigida por Felix Herngren. Los dos primeros episodios se estrenarán conjuntamente y después llegará un nuevo capítulo cada semana hasta completar los seis que forman esta entrega.

Per Lasson, Lisa Linnertorp, Erik “Jerka” Johansson y Rakel Wärmländer regresan para continuar la historia de los dos hermanos y sus respectivas familias mientras intentan establecer una nueva vida bajo el sol de Mallorca. Sin embargo, empezar de nuevo resulta mucho más complicado cuando los conflictos anteriores continúan presentes y las dinámicas familiares siguen acumulando problemas que nadie ha terminado de resolver.

Star Trek: Short Treks regresa a SkyShowtime el 18 de noviembre

Los seguidores de Star Trek tendrán una cita el 18 de noviembre, cuando SkyShowtime incorpore los cuatro episodios de la segunda temporada de Star Trek: Short Treks. Ese mismo día estará disponible también la primera temporada, convirtiendo la fecha en una oportunidad especialmente cómoda para recuperar de una sola vez estas pequeñas historias ambientadas en distintos rincones de la franquicia.

Entre las novedades destaca el regreso de Rainn Wilson como Harry Mudd, en un cortometraje que el propio actor también dirige, mientras Aldis Hodge interpreta a Craft, un hombre que descubre que es el único ser humano a bordo de una nave abandonada.

Los nuevos capítulos también profundizan en Saru, interpretado por Doug Jones, explorando la historia del primer kelpiano que se unió a la Flota Estelar, y recuperan a Tilly, con Mary Wiseman nuevamente al frente, durante una aventura a bordo del U.S.S. Discovery que dará pie a una amistad inesperada.

El bloque de nuevas temporadas se completará el 28 de noviembre con Deer Squad 4b, formada por diez episodios que estarán disponibles desde el primer día. Kai, Lola, Rammy y Bobbi volverán a utilizar sus Poderes Planetarios para proteger tanto el Bosque Central como la futurista Ciudad Platino.

Tulsa King, Dexter: Resurrección y MobLand seguirán estrenando episodios

Noviembre no dependerá solamente de los nuevos estrenos porque varias de las producciones más importantes de SkyShowtime continuarán su emisión durante todo el mes. Tulsa King temporada 4 mantendrá su cita semanal cada jueves, con Sylvester Stallone nuevamente al frente como Dwight Manfredi y un final de temporada previsto para el 24 de diciembre.

También seguirá avanzando Dexter: Resurrección temporada 2, con nuevos episodios cada sábado y Michael C. Hall, Jack Alcott, Uma Thurman y Brian Cox en el reparto. En este caso, la temporada continuará más allá de Navidad y tiene previsto emitir su episodio final el 2 de enero.

MobLand: Tierra de Mafiosos temporada 2 continuará los lunes hasta alcanzar su final el 23 de noviembre, manteniendo como grandes protagonistas a Tom Hardy, Pierce Brosnan y Helen Mirren. Por su parte, The Five Star Weekend estrenará nuevos episodios cada viernes hasta el 27 de noviembre, mientras Marshals temporada 2 seguirá avanzando semanalmente y prolongará su recorrido hasta marzo.

También llegará a su final Avatar: Los Siete Refugios, cuya primera temporada estrena nuevos episodios cada sábado y despedirá esta tanda el 7 de noviembre.

Savage Mountain abre los estrenos cinematográficos de noviembre

El bloque de películas comenzará el 5 de noviembre con Savage Mountain, documental centrado en la impresionante trayectoria de la alpinista Kristin y en su intento de conquistar las catorce montañas de más de 8.000 metros en un tiempo extraordinariamente reducido.

Lo que inicialmente parece una historia de superación deportiva adquiere una dimensión mucho más incómoda cuando aparecen las imágenes grabadas en el K2 en las que varios alpinistas pasan junto al auxiliar pakistaní Mohammad Hassan mientras se encuentra herido. Kristin, que acababa de completar junto a Tenjen Lama Sherpa una hazaña histórica al coronar las catorce cumbres en solo 92 días, terminó entonces atrapada en una polémica internacional sobre los límites de la ambición, la ética del montañismo y quién controla realmente el relato cuando una tragedia ocurre en condiciones extremas.

Un día después, el 6 de noviembre, llegará Passenger, propuesta de terror donde una joven pareja presencia un terrible accidente mientras viaja en su furgoneta y descubre demasiado tarde que no ha abandonado sola el lugar. Una presencia demoníaca conocida como el Pasajero comenzará entonces a perseguirlos, convirtiendo su vida en carretera en una pesadilla bastante menos romántica de lo que habían imaginado.

King Ivory e In Cold Light refuerzan el thriller de SkyShowtime

El 14 de noviembre se estrenará King Ivory, thriller que coloca la epidemia del fentanilo en el centro de una historia donde delincuentes, consumidores, ciudadanos corrientes y fuerzas de seguridad terminan conectados por una droga conocida en las calles como “King Ivory”.

Layne West, agente de narcóticos de Tulsa, está acostumbrado a enfrentarse a las consecuencias de este problema desde una perspectiva profesional, pero todo cambia cuando su hijo Jack desarrolla una adicción al fentanilo. A partir de ese momento, West convertirá la investigación en algo profundamente personal y trabajará junto a su compañero Ty y el agente del FBI Beatty para intentar llegar hasta quienes están detrás del negocio.

El 23 de noviembre llegará In Cold Light, thriller de acción centrado en Ava, una mujer que intenta reconstruir su vida después de salir de prisión. Sus planes desaparecen cuando su hermana gemela es asesinada y ella presencia el tiroteo, obligándola a huir mientras intenta sobrevivir y entender qué ha sucedido realmente.

Michael llegará a SkyShowtime el 24 de noviembre

El gran estreno cinematográfico del mes será Michael, disponible en exclusiva en SkyShowtime a partir del 24 de noviembre. El biopic sobre Michael Jackson reúne al director Antoine Fuqua, responsable de The Equalizer: El protector, con el tres veces nominado al Oscar John Logan, guionista de títulos como Skyfall.

La película está protagonizada por Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson, que asume el reto de interpretar al Rey del Pop a lo largo de una historia planteada como una mirada íntima a su vida y trayectoria. El reparto incluye también a Colman Domingo, Miles Teller y Kat Graham, entre otros.

Su presencia dentro del catálogo convierte el tramo final de noviembre en uno de los momentos más fuertes del mes para SkyShowtime, especialmente porque la película llega prácticamente pegada a In Cold Light y mientras varias de las principales series originales continúan estrenando episodios.

Todos los estrenos de SkyShowtime en noviembre de 2026

El calendario queda así: Savage Mountain llegará el 5 de noviembre; The Paper temporada 2 y Passenger, el día 6; Patricio es la estrella temporada 5, el 7; King Ivory, el 14; Where the Sun Always Shines temporada 2, el 16; Star Trek: Short Treks temporada 2, el 18; In Cold Light, el 23; Michael, el 24; y Deer Squad 4b, el 28.

A esos estrenos hay que sumar los nuevos episodios semanales de Avatar: Los Siete Refugios, MobLand: Tierra de Mafiosos, The Five Star Weekend, Tulsa King, Dexter: Resurrección y Marshals, dejando un noviembre donde SkyShowtime reparte prácticamente todas sus grandes novedades a lo largo del mes en lugar de concentrarlas durante sus primeros días.

Michael y The Paper son probablemente los nombres con mayor capacidad para atraer todas las miradas, pero el calendario de noviembre demuestra que SkyShowtime quiere llegar al final de 2026 con un catálogo bastante más diverso, combinando drama, comedia, terror, thriller, animación, documental y algunas de las franquicias más reconocibles de Paramount y sus estudios asociados.

Si alguno de los estrenos de noviembre está en tu lista puedes verlos con su suscripción a SkyShowtime y recuerda, Sigue Cinemascomics en Google Discover para estar al día de todos los estrenos.

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El Doctor Muerte lleva más de seis décadas demostrando que no necesita tener razón para estar absolutamente convencido de que la tiene. Victor Von Muerte es uno de los personajes más fascinantes de Marvel porque combina el intelecto de los grandes científicos del universo superheroico con un dominio extraordinario de las artes místicas, una ambición que difícilmente conoce límites y una capacidad casi sobrenatural para convertir sus desgracias personales en problemas que terminan afectando a medio planeta. Su rivalidad con Reed Richards lo convirtió en el enemigo por excelencia de Los 4 Fantásticos, pero su historia ha terminado extendiéndose a prácticamente todas las grandes franquicias de la editorial.

Con Robert Downey Jr. elegido para interpretar al personaje en Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars, regresar a sus mejores aventuras resulta especialmente interesante. Sin embargo, conocer al Doctor Doom exige mirar mucho más allá de sus enfrentamientos con la Primera Familia, porque algunos de sus grandes relatos lo presentan como un hijo dispuesto a desafiar al Infierno para recuperar a su madre, un gobernante convencido de que la humanidad necesita su autoridad e incluso un hombre que, en circunstancias extraordinarias, ha intentado convertirse en un héroe.

Hemos reunido diecisiete lecturas y etapas para recorrer esa evolución, desde los orígenes del monarca de Latveria hasta sus grandes aventuras modernas, aprovechando también el análisis que nuestro colaborador Agente de Marvel ha dedicado al personaje en su nuevo vídeo.

Los orígenes del Doctor Muerte y el hombre que se esconde bajo la máscara

Los Libros de Muerte, de Ed Brubaker y Pablo Raimondi

Quienes quieran conocer realmente a Victor Von Muerte deberían comenzar por Los Libros de Muerte, la miniserie de seis números con la que Ed Brubaker y Pablo Raimondi reorganizaron y actualizaron buena parte de la biografía del personaje. La historia reconstruye su infancia, la tragedia que marcó a sus padres, su relación con Valeria y los acontecimientos que terminaron enfrentándolo a Reed Richards durante sus años universitarios. También profundiza en su aprendizaje de las artes místicas, en la creación de su armadura y en el camino que lo llevó hasta el trono de Latveria, construyendo un retrato más completo de un personaje que suele aparecer ante los lectores cuando sus planes de conquista ya están en marcha.

El mayor acierto de la obra está en utilizar el punto de vista del propio Muerte junto a los testimonios de otras personas que formaron parte de su vida. Esa combinación permite observar las diferencias entre la imagen que Victor tiene de sí mismo y la percepción que provoca en quienes lo rodean, algo fundamental para comprender a un hombre que considera sus decisiones prácticamente incuestionables. Es una de las mejores puertas de entrada al personaje porque explica de dónde procede su orgullo y por qué la rivalidad con Mister Fantástico terminó convirtiéndose en una obsesión.

Triunfo y Tormento, de Roger Stern y Mike Mignola

Si hay una historia que demuestra que el Doctor Muerte puede resultar conmovedor sin dejar de ser un personaje profundamente peligroso, esa es Triunfo y Tormento. Roger Stern y Mike Mignola reúnen a Victor con el Doctor Extraño para emprender un viaje que los conduce hasta los dominios de Mefisto, donde permanece condenada el alma de Cynthia Von Muerte. La madre del monarca de Latveria había establecido un pacto con el señor del Infierno, y su hijo lleva buena parte de su existencia intentando encontrar la manera de liberarla, aunque para conseguirlo tenga que solicitar la ayuda de alguien que representa unos principios muy distintos a los suyos.

La colaboración entre ambos personajes permite enfrentar dos maneras de entender la magia, el poder y la responsabilidad, pero también demuestra hasta qué punto la tragedia familiar condiciona las decisiones de Victor. El arte de Mignola aporta además una atmósfera oscura extraordinariamente apropiada para una aventura que combina elementos sobrenaturales con algunos de los conflictos más íntimos del protagonista. Es una lectura fundamental para comprender que Muerte no persigue únicamente el dominio del mundo, sino que también intenta vencer a una pérdida que nunca ha conseguido aceptar.

Cuando el Doctor Muerte se enfrentó a otros grandes héroes de Marvel

Doomquest, el encuentro de Iron Man con el Doctor Muerte

La rivalidad entre Tony Stark y Victor Von Muerte resulta especialmente atractiva porque enfrenta a dos de las grandes inteligencias tecnológicas de Marvel, dos hombres convencidos de sus propias capacidades que han construido armaduras extraordinarias para intervenir en el destino del mundo. David Michelinie y Bob Layton aprovecharon esa semejanza en Doomquest, una aventura de Iron Man que termina trasladando a ambos personajes hasta la época del rey Arturo, obligándolos a desenvolverse en un entorno donde sus conocimientos científicos, su orgullo y sus diferencias personales adquieren una importancia mayor que la potencia de sus respectivos arsenales.

El encuentro demuestra que la inteligencia puede resultar tan decisiva como la fuerza cuando dos personajes acostumbrados a dominar cualquier situación deben colaborar para encontrar el camino de regreso. También constituye una lectura especialmente curiosa ante la elección de Robert Downey Jr. para interpretar al Doctor Muerte, después de haber sido durante años el rostro de Tony Stark en el cine. La conexión cinematográfica es inevitable, aunque el verdadero interés de Doomquest reside en observar cómo dos personalidades extraordinariamente parecidas pueden defender concepciones completamente opuestas sobre el ejercicio del poder.

Emperador Muerte, de David Michelinie y Bob Hall

Emperador Muerte plantea una de las preguntas más incómodas que pueden formularse alrededor del monarca de Latveria: qué ocurriría si consiguiera imponer su voluntad sobre toda la humanidad y el resultado fuera, al menos aparentemente, un mundo más pacífico y ordenado. La novela gráfica de David Michelinie y Bob Hall desarrolla esa posibilidad mediante una realidad dominada por Victor, en la que Wonder Man descubre que la tranquilidad que disfruta la población esconde una dictadura construida sobre la eliminación de la libertad individual.

La historia funciona porque no presenta la ambición del protagonista como un simple deseo de acumular conquistas, sino como la consecuencia de una convicción mucho más peligrosa: Muerte considera que su inteligencia y su capacidad de gobierno lo convierten en la única persona verdaderamente preparada para dirigir el planeta. Esa seguridad absoluta permite comprender por qué tantas de sus historias terminan situándolo a un paso de la victoria, incluso cuando sus métodos resultan moralmente inaceptables. Emperador Muerte sigue siendo una de las aproximaciones más interesantes a su visión autoritaria del mundo, una idea que Marvel ha recuperado desde diferentes perspectivas en etapas posteriores.

Doomwar, la guerra del Doctor Muerte contra Wakanda

Jonathan Maberry y Scott Eaton trasladaron las ambiciones de Victor hasta Wakanda en Doomwar, una historia donde el vibranium se convierte en el objetivo de una operación que enfrenta al monarca de Latveria con Pantera Negra y las estructuras de poder de una de las naciones más importantes de Marvel. El conflicto adquiere una dimensión especialmente interesante porque no se limita a una batalla entre superhéroes, sino que confronta a dos dirigentes con enormes recursos tecnológicos, tradiciones políticas muy diferentes y una relación particularmente intensa con la defensa de sus respectivos países.

No se trata necesariamente de una de las historias más logradas del Doctor Muerte, pero sí de una aventura relevante para comprender el alcance de sus ambiciones y la facilidad con la que puede transformar la búsqueda de un recurso estratégico en una crisis internacional. La saga también recuerda que tanto Pantera Negra como el propio Muerte comenzaron su trayectoria editorial vinculados a Los 4 Fantásticos, antes de desarrollar mitologías propias que terminarían extendiéndose a buena parte del Universo Marvel.

Las grandes historias del Doctor Muerte durante la Marvel clásica

Secret Wars (1984), el primer gran intento de conseguir el poder absoluto

Las Guerras Secretas originales, escritas por Jim Shooter, constituyen uno de los acontecimientos más recordados de la Marvel de los ochenta. El Todopoderoso reúne a distintos héroes y villanos en Mundo de Batalla para enfrentarlos en una guerra que ofrece una recompensa prácticamente ilimitada, construyendo una aventura que también respondía al interés comercial por reunir a los personajes más populares de la editorial en una misma colección. Sin embargo, aquella propuesta terminaría teniendo consecuencias importantes para la continuidad de Marvel, desde la aparición del traje negro de Spider-Man hasta los cambios experimentados por distintos miembros de sus equipos más conocidos.

El Doctor Muerte desempeña un papel decisivo porque comprende rápidamente que participar en la competición no resulta tan interesante como intentar arrebatarle su poder al propio organizador. Mientras los demás personajes se enfrentan dentro de las reglas establecidas por el Todopoderoso, Victor busca la manera de situarse por encima de ellas, demostrando hasta qué punto su ambición supera la de cualquier villano convencional. Secret Wars convirtió su obsesión por el poder absoluto en uno de los grandes acontecimientos cósmicos de Marvel y preparó el terreno para otras historias donde alcanzaría posiciones todavía más extraordinarias.

Doctor Muerte 2099, el monarca de Latveria frente al futuro

Durante los años noventa, Marvel desarrolló su línea 2099 para imaginar un futuro dominado por grandes corporaciones y estructuras políticas profundamente alteradas. Spider-Man y otros personajes clásicos recibieron nuevas interpretaciones adaptadas a aquel escenario, pero la propuesta dedicada al Doctor Muerte tenía una particularidad especialmente atractiva: la historia jugaba con la posibilidad de que su protagonista fuera el Victor Von Muerte original, desplazado desde el pasado a un mundo que ya no reconocía y en el que su antigua posición de autoridad había quedado completamente transformada.

John Francis Moore y Pat Broderick construyeron una serie donde las intrigas políticas y la recuperación del poder adquirían tanta importancia como los enfrentamientos superheróicos. La identidad del protagonista aportaba una capa adicional de misterio, mientras el escenario futurista permitía comprobar cómo reaccionaba un personaje obsesionado con el control al encontrarse dentro de una sociedad dominada por fuerzas económicas y tecnológicas ajenas a su voluntad. Es una etapa especialmente recomendable para quienes quieran descubrir al Doctor Muerte fuera de sus escenarios habituales y comprobar que su personalidad continúa funcionando incluso cuando se modifican radicalmente las reglas del universo que lo rodea.

La rivalidad con Reed Richards y las consecuencias de sus obsesiones

Implacable, de Mark Waid y Mike Wieringo

La etapa de Mark Waid y Mike Wieringo al frente de Los 4 Fantásticos dejó uno de los enfrentamientos más despiadados entre Reed Richards y su eterno enemigo. En Implacable, el Doctor Muerte decide abandonar determinadas limitaciones que habían condicionado sus planes anteriores y recurre a conocimientos místicos para golpear a la Primera Familia donde más daño puede hacerle. El conflicto alcanza una dimensión especialmente personal debido a la intervención de Valeria Richards y a una sucesión de decisiones que llevan el enfrentamiento mucho más allá del habitual intento de conquistar el mundo.

La historia generó controversia precisamente por la crueldad con la que presenta a Victor, dispuesto a cometer actos difíciles de reconciliar con las interpretaciones más honorables del personaje. Sin embargo, esa representación también sirve para recordar que sus tragedias personales y sus momentos de aparente humanidad no eliminan su capacidad para cometer atrocidades cuando el orgullo o la venganza se convierten en sus principales motivaciones. Implacable es una de las grandes historias modernas sobre el odio entre Muerte y Reed Richards, además de una demostración de que la relación entre ambos puede resultar más destructiva que cualquier amenaza cósmica.

Los Vengadores: La Cruzada de los Niños

Allan Heinberg y Jim Cheung recuperaron a los Jóvenes Vengadores en una historia que intentaba responder a algunos de los grandes interrogantes relacionados con Wanda Maximoff después de Vengadores Desunidos y Dinastía de M. La búsqueda de la Bruja Escarlata termina involucrando a diferentes grupos de héroes y vuelve a situar al Doctor Muerte en una posición particularmente comprometida, después de que encontrara a Wanda en una situación de vulnerabilidad y tratara de aprovechar sus extraordinarios poderes para reforzar sus propias ambiciones.

La Cruzada de los Niños tiene interés porque conecta la trayectoria del monarca de Latveria con una de las familias más complicadas de Marvel, recuperando además elementos decisivos para el desarrollo posterior de Billy y Tommy Maximoff. Algunas decisiones relacionadas con la continuidad de Wanda generaron discusiones entre los lectores, pero la obra sigue siendo importante para entender cómo los intereses de Victor pueden cruzarse con acontecimientos que aparentemente pertenecen a otras franquicias. También ofrece un vínculo especialmente atractivo para quienes hayan seguido las historias de Bruja Escarlata y Visión en el Universo Cinematográfico de Marvel.

Jonathan Hickman y la transformación del Doctor Muerte en una figura casi divina

Los 4 Fantásticos, Fundación Futuro y Los Nuevos Vengadores

La etapa de Jonathan Hickman al frente de Los 4 Fantásticos, seguida por su ambicioso trabajo con los Vengadores y los Nuevos Vengadores, fue preparando algunas de las transformaciones más importantes del Doctor Muerte en la historia reciente de Marvel. Durante ese recorrido, Victor se vio obligado a colaborar en determinadas circunstancias con sus antiguos enemigos, descubrió amenazas relacionadas con diferentes realidades y terminó involucrándose en una crisis multiversal que superaba ampliamente sus habituales aspiraciones de conquista.

Hickman comprendió que la mejor manera de desarrollar al personaje no consistía en aumentar indefinidamente la crueldad de sus decisiones, sino en explorar la relación entre su enorme capacidad intelectual y su convicción de que solo él podía afrontar determinados problemas. Las incursiones y la progresiva destrucción del Multiverso ofrecían un escenario perfecto para semejante personalidad, porque convertían sus ambiciones en parte de una lucha por la supervivencia de toda la existencia. Esta etapa resulta fundamental para comprender la evolución que culminaría en Secret Wars de 2015, una historia que adquiere mucha más fuerza cuando se conocen los acontecimientos que la precedieron.

Secret Wars (2015), el reinado del Dios Muerte

Jonathan Hickman y Esad Ribić llevaron las consecuencias de aquella crisis hasta su extremo con Secret Wars, el evento que enfrentó al Universo Marvel con su propia desaparición y terminó construyendo una nueva realidad a partir de los restos de mundos destruidos. En ese escenario, Victor Von Muerte alcanza una posición extraordinaria al convertirse en el gobernante de Mundo de Batalla, una realidad fragmentada que existe bajo su autoridad y donde finalmente consigue ejercer el control que había perseguido durante buena parte de su vida.

Lo fascinante es que la historia no se limita a presentar al Doctor Muerte como un villano que ha conseguido convertirse en una divinidad. Hickman convierte su relación con Reed Richards en el verdadero centro emocional del conflicto, enfrentando dos maneras de comprender la responsabilidad, el poder y la posibilidad de reconstruir aquello que se ha perdido. Secret Wars es una de las grandes historias del Doctor Muerte porque demuestra que ni siquiera disponer de un poder prácticamente absoluto consigue liberarlo de sus inseguridades. También constituye uno de los acontecimientos fundamentales de Marvel para comprender la relación entre el personaje, el Multiverso y las posibilidades narrativas que explora la Saga del Multiverso cinematográfica.

El Doctor Muerte también intentó convertirse en un héroe

El Infame Iron Man, de Brian Michael Bendis y Alex Maleev

Después de haber alcanzado un poder extraordinario en Secret Wars, Victor Von Muerte protagonizó uno de los giros más curiosos de su trayectoria cuando decidió adoptar una identidad superheroica inspirada en Iron Man. Brian Michael Bendis y Alex Maleev desarrollaron aquella premisa en El Infame Iron Man, una colección donde el antiguo tirano de Latveria intenta enfrentarse a diferentes amenazas utilizando una armadura que recuerda a la de Tony Stark, mientras otros personajes contemplan su transformación con una desconfianza perfectamente comprensible después de décadas de conflictos.

La Cosa desempeña un papel especialmente importante dentro de esa situación, convencido de que alguien como Muerte difícilmente puede dejar atrás su pasado sin que exista algún propósito oculto. La colección explora las dificultades que encuentra Victor cuando intenta actuar como un héroe y descubre que sus decisiones anteriores siguen condicionando la manera en que lo percibe el mundo. La historia también adquiere una resonancia inevitable ante el salto de Robert Downey Jr. desde el papel de Tony Stark al del Doctor Muerte, aunque el interés de esta etapa reside sobre todo en observar a un personaje acostumbrado a imponer su voluntad intentando descubrir si puede construir una identidad diferente.

Doctor Muerte, de Christopher Cantwell y Salvador Larroca

Christopher Cantwell y Salvador Larroca recuperaron al personaje para una serie regular que comenzaba con una situación bastante poco habitual: el monarca de Latveria convertido en fugitivo después de ser señalado como responsable de un atentado. La necesidad de demostrar su inocencia lo obliga a emprender un recorrido que lo enfrenta a conspiraciones, nuevos enemigos y una visión alternativa de su propia existencia, representada por una versión de sí mismo que ha conseguido alcanzar una vida personal y una posición moral muy diferentes de las del Victor que conocemos.

Esta aproximación resulta especialmente interesante porque utiliza el contraste entre distintas posibilidades vitales para cuestionar las decisiones del protagonista. Muerte ha justificado sus actos durante décadas mediante la convicción de que su inteligencia lo convierte en alguien excepcional, pero la existencia de una alternativa aparentemente más satisfactoria introduce una duda incómoda sobre el camino que ha elegido. La colección combina esa reflexión con una aventura cargada de giros y conspiraciones, convirtiéndose en una buena lectura para quienes deseen conocer una interpretación contemporánea del personaje sin abandonar sus rasgos más reconocibles.

El Doctor Muerte vuelve a conquistar el mundo en sus historias más recientes

Un Mundo Bajo Muerte, de Ryan North y R. B. Silva

La obsesión de Victor por gobernar la humanidad vuelve a ocupar el centro de la historia en Un Mundo Bajo Muerte, el evento de Ryan North y R. B. Silva que presenta al monarca de Latveria ejerciendo el poder del Hechicero Supremo y decidido a intervenir directamente en los asuntos del planeta. Convencido de que los dirigentes y los héroes han demostrado su incapacidad para resolver los problemas de la humanidad, Muerte decide tomar el control y construir un nuevo orden mundial bajo su autoridad, desarrollando una propuesta que recupera algunas de las grandes cuestiones planteadas décadas atrás en Emperador Muerte.

La historia resulta especialmente atractiva porque enfrenta la aparente eficacia de algunas medidas del protagonista con el problema moral de imponerlas sin consentimiento. Victor vuelve a actuar como un gobernante convencido de estar por encima de cualquier discusión, aunque las consecuencias de sus decisiones terminan revelando las contradicciones que siempre han acompañado a su manera de entender el poder. Es una lectura recomendable para descubrir al Doctor Muerte contemporáneo y observar cómo Marvel continúa encontrando conflictos relevantes en una personalidad que lleva más de sesenta años defendiendo que el mundo funcionaría mejor si todos obedecieran sus órdenes.

Doomquest: La búsqueda de Muerte

Ryan North y Francesco Mobili continúan explorando al personaje en Doomquest: La búsqueda de Muerte, una aventura que funciona como continuación de las consecuencias de Un Mundo Bajo Muerte y plantea una situación especialmente incómoda para alguien tan acostumbrado al control como Victor. La historia lo introduce en un viaje a través del tiempo en el que debe afrontar distintas épocas sin disponer de todos los recursos tecnológicos y políticos que normalmente utiliza para imponer su voluntad.

El atractivo de esta propuesta reside en comprobar qué queda del Doctor Muerte cuando desaparecen algunas de las ventajas que lo han convertido en uno de los personajes más poderosos de Marvel. Su inteligencia, su capacidad de adaptación y su obstinación siguen presentes, pero las circunstancias lo obligan a demostrar que su personalidad no depende exclusivamente de una armadura o de un trono. La aventura recupera así una cuestión que atraviesa buena parte de su historia editorial: hasta qué punto el hombre que se esconde detrás de la máscara puede existir separado del poder que considera parte inseparable de su identidad.

Doom: All-On-One, de Al Ewing y Alessandro Cappuccio

La relación entre Victor Von Muerte y Mefisto vuelve a adquirir protagonismo en Doom: All-On-One, una historia de Al Ewing y Alessandro Cappuccio que recupera uno de los conflictos más personales del monarca de Latveria y lo traslada a una aventura de enormes proporciones. La obsesión por liberar el alma de su madre continúa siendo una de las grandes motivaciones del personaje, incluso después de haber obtenido poderes y posiciones que habrían satisfecho las ambiciones de prácticamente cualquier otro villano.

La obra apuesta por una confrontación de escala extraordinaria, llevando a Muerte a enfrentarse a amenazas relacionadas con el Infierno y con el propio Universo Marvel. Su interés reside en esa combinación entre espectáculo y tragedia personal, porque recuerda que muchas de las decisiones más extremas de Victor siguen conectadas con acontecimientos ocurridos durante su infancia. Por mucho que consiga dominar países, amenazar mundos o desafiar a entidades cósmicas, hay una parte de su pasado que continúa determinando buena parte de su futuro.

DOOM, de Jonathan Hickman y Sanford Greene

Jonathan Hickman y Sanford Greene también regresaron al personaje en DOOM, un especial que apuesta por una aproximación de gran escala y lo sitúa frente a amenazas cósmicas extraordinarias. La historia aprovecha una de las principales características de Victor Von Muerte: su incapacidad para admitir que exista un enemigo o un desafío que se encuentre definitivamente fuera de su alcance, incluso cuando las circunstancias parecen demostrar exactamente lo contrario.

La propuesta tiene especial interés para los lectores que disfrutan de las interpretaciones más grandilocuentes del personaje, aquellas donde el orgullo, la voluntad y la ambición adquieren una dimensión prácticamente mitológica. También permite regresar a un Doctor Muerte que sigue funcionando como algo más que un antagonista de Los 4 Fantásticos, porque su presencia puede transformar una aventura superheroica convencional en un conflicto relacionado con el destino de la existencia.

¿Por dónde empezar a leer al Doctor Muerte antes de Vengadores: Doomsday?

Ante una selección tan extensa, lo más recomendable es comenzar por aquellas historias que explican las motivaciones del personaje antes de adentrarse en sus grandes acontecimientos cósmicos. Los Libros de Muerte constituye una excelente introducción a su biografía, mientras que Triunfo y Tormento permite comprender la importancia de su madre y de sus conocimientos místicos. Después, obras como Emperador Muerte e Implacable muestran dos facetas fundamentales de su personalidad: la convicción de que tiene derecho a gobernar a la humanidad y la obsesión por derrotar definitivamente a Reed Richards.

Quienes busquen una preparación más relacionada con las grandes historias del Multiverso encontrarán en Secret Wars de 1984 y, especialmente, en la etapa de Jonathan Hickman y las Secret Wars de 2015 un recorrido muy completo por sus ambiciones cósmicas. Para completar esa perspectiva, El Infame Iron Man y Un Mundo Bajo Muerte permiten observar dos interpretaciones prácticamente opuestas de Victor: la del hombre que intenta convertirse en héroe y la del gobernante que sigue convencido de que la humanidad necesita obedecerlo.

El Doctor Muerte es uno de los grandes personajes de Marvel precisamente porque nunca ha sido un villano de una sola pieza. Su orgullo lo lleva a cometer errores terribles, pero también es capaz de actuar movido por el amor, el sentido del deber o la convicción de estar protegiendo algo más importante que su propia vida. Los mejores autores han entendido que sus contradicciones son mucho más interesantes que su armadura, sus ejércitos o sus conocimientos científicos, y estas historias ofrecen distintas maneras de descubrir por qué continúa siendo uno de los antagonistas más importantes del cómic de superhéroes.

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El nuevo Universo DC de James Gunn está siguiendo un camino diferente al que muchos aficionados esperaban. Mientras Marvel Studios acostumbró al público a buscar conexiones entre películas, escenas poscréditos y grandes acontecimientos como Vengadores: Endgame, el responsable de DC Studios quiere demostrar que existe otra manera de construir una franquicia compartida.

La polémica comenzó en Threads, donde una imagen reunía proyectos como Superman, Supergirl, Creature Commandos, El Pacificador, Lanterns y Clayface acompañados de una pregunta bastante directa: ¿hacia dónde conduce todo esto?

La cuestión no es precisamente nueva. Desde que Marvel popularizó su modelo cinematográfico, parece que cualquier universo de superhéroes necesita preparar una reunión multitudinaria para justificar su existencia. Y si no aparece una amenaza capaz de destruir medio planeta, algunos empiezan a ponerse nerviosos. James Gunn ha decidido responder y, curiosamente, su principal argumento no procede de los cómics de DC ni de Marvel, sino de una galaxia muy, muy lejana.

James Gunn utiliza Star Wars para defender el futuro del Universo DC

El director de Superman y codirector de DC Studios aprovechó la conversación para explicar su filosofía narrativa. Su respuesta, recogida por Variety, deja claro que no considera necesario que cada proyecto termine desembocando en una película de grandes proporciones.

«El DCU es simplemente un universo alternativo; podemos entrar en cualquier lugar o momento y contar ESA historia. No me gusta la idea de que las historias individuales no tengan valor a menos que conduzcan a algo más. Me resulta extraño que haya gente que no entienda esto, porque Star Wars lleva haciendo básicamente lo mismo durante 50 años a través de películas, series, videojuegos y libros, aunque, reconozcámoslo, sin tanta variedad de tonos.

Ahora bien, eso no significa que no existan conexiones. La saga de Superman comienza con Superman, continúa en Man of Tomorrow y seguirá adelante, e incluye a muchos personajes que hemos presentado en otras historias. Pero eso no significa que esas otras historias existan únicamente para preparar lo que sucede allí. Me encantaría que la gente fuera a ver Clayface porque es una gran película de terror, divertida y que funciona por sí misma, no por los lugares en los que Clayface pueda aparecer dentro de tres películas». Sus palabras resumen una filosofía bastante interesante: las conexiones deben enriquecer las historias, no convertirse en la única razón para contarlas.

Y Star Wars es un ejemplo especialmente apropiado. La franquicia de George Lucas ha explorado diferentes épocas, personajes y conflictos sin exigir que cada nueva aventura termine reuniendo a todos sus protagonistas. Algunas historias amplían acontecimientos conocidos; otras encuentran su propio espacio. Gunn quiere aprovechar esa libertad narrativa y añadir algo que considera fundamental: la posibilidad de cambiar radicalmente de género entre una producción y otra.

Marvel y DC: dos maneras diferentes de construir un universo compartido

Aunque James Gunn no menciona directamente a Marvel en su respuesta, resulta inevitable establecer la comparación. El Universo Cinematográfico de Marvel convirtió sus grandes crossovers en uno de sus principales atractivos. Desde la primera reunión de los Vengadores hasta el enfrentamiento definitivo contra Thanos, buena parte del interés estaba en descubrir cómo terminarían encajando las diferentes películas.

Aquella estrategia permitió construir uno de los acontecimientos cinematográficos más ambiciosos del género superheroico. Pero también contribuyó a crear una expectativa particular: que cada estreno debía esconder alguna pista sobre el siguiente gran evento. James Gunn no está rechazando las reuniones de personajes ni la continuidad. Su propuesta consiste en evitar que las películas individuales pierdan importancia frente a lo que pueda suceder dentro de varios años.

Hay algo liberador en esa idea. Poder disfrutar de una historia sin tener que estudiar antes una cronología de quince producciones debería ser una ventaja, especialmente para quienes no tienen tiempo de hacer un máster en universos compartidos.

Clayface es el mejor ejemplo de lo que quiere conseguir

La reciente película Clayface representa perfectamente esa filosofía. Dirigida por James Watkins y protagonizada por Tom Rhys Harries como Matt Hagen, propone una aproximación al terror corporal utilizando a uno de los villanos más particulares de Batman.

No estamos ante otra aventura convencional de superhéroes. Su planteamiento gira alrededor de un actor que termina sometiéndose a un tratamiento experimental después de sufrir una grave desfiguración. La película llegó a los cines el 23 de octubre y consiguió liderar la taquilla durante su primer fin de semana con 43 millones de dólares a nivel mundial.

Lo interesante es que James Gunn no quiere que el público compre una entrada pensando exclusivamente en las futuras apariciones del personaje. Quiere que la historia de Matt Hagen resulte atractiva por sus propios méritos. Eso también permite que DC Studios explore propuestas diferentes sin exigir que todas compartan el tono de Superman. Una historia de terror puede convivir con una aventura superheroica luminosa dentro de la misma continuidad.

Superman seguirá conectando las grandes historias de DC

Esta apuesta por las historias independientes tampoco significa que DC Studios haya abandonado sus planes a largo plazo. James Gunn confirmó que la saga iniciada con Superman continuará en Man of Tomorrow, cuyo estreno está previsto para el 9 de julio de 2027. David Corenswet regresará como Clark Kent, acompañado nuevamente por Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como Lex Luthor. La película forma parte de esa continuidad que Gunn pretende desarrollar incorporando personajes presentados en otras producciones.

Mientras tanto, proyectos como Creature Commandos, El Pacificador o Lanterns permiten explorar diferentes rincones de un mundo en el que los superhéroes ya forman parte de la realidad. La gran diferencia está en que compartir escenario no obliga a compartir argumento. Un personaje puede tener una aventura completamente independiente y, más adelante, cruzarse con otro sin que su primera aparición haya sido simplemente una presentación de cara al futuro.

James Gunn tampoco ha descartado que termine existiendo una gran reunión de superhéroes. Lo que rechaza es la obligación de construir absolutamente todo alrededor de ese acontecimiento. Y quizá ahí esté el verdadero desafío de su Universo DC. Marvel demostró que el público podía entusiasmarse siguiendo una enorme historia repartida entre diferentes películas. Gunn ahora quiere comprobar si ese mismo público está dispuesto a disfrutar de un mundo compartido donde cada historia tenga suficiente personalidad para sostenerse por sí sola.

Porque una película de Superman debería ser emocionante por Superman, una de Clayface debería funcionar como película de terror y una hipotética reunión de la Liga de la Justicia tendría que llegar cuando existiera una buena historia que contar. Al fin y al cabo, salvar el universo está muy bien, pero no hace falta hacerlo cada viernes de estreno.

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Cíclope lleva años esperando una oportunidad para demostrar todo su potencial en el cine, y parece que Vengadores: Doomsday podría ser precisamente la película que necesita. Según una nueva información sobre las supuestas proyecciones de prueba, el personaje interpretado por James Marsden habría conseguido destacar incluso entre la impresionante cantidad de superhéroes que Marvel Studios está reuniendo.

La información procede del conocido insider Daniel Richtman, también llamado Daniel RPK, quien asegura haber recibido comentarios muy positivos de personas que han visto una versión de la película.

Cíclope podría convertirse en la gran sorpresa de Vengadores: Doomsday

Uno de los comentarios más llamativos de estas presuntas proyecciones señala que Cíclope prácticamente se roba la película. Y hablamos de una producción en la que compartiría protagonismo con algunos de los personajes más importantes de Marvel. La posibilidad resulta especialmente interesante por el tratamiento que Scott Summers recibió en las anteriores películas de X-Men. Aunque siempre fue uno de los líderes fundamentales del equipo en los cómics, sus apariciones cinematográficas quedaron frecuentemente eclipsadas por Lobezno.

Hugh Jackman terminó convirtiéndose en el gran rostro de aquella franquicia, mientras que Cíclope nunca llegó a disfrutar del protagonismo que muchos lectores esperaban. Su regreso en Vengadores: Doomsday podría ofrecer una oportunidad para cambiar esa percepción. Y sería bastante irónico que, después de tantos años a la sombra de Lobezno, Scott Summers terminase destacando en una película donde tendrá que competir con buena parte del Universo Cinematográfico de Marvel.

Las primeras reacciones apuntan a una película mejor de lo esperado

Según Richtman, uno de los espectadores habría descrito la película como mucho mejor de lo esperado. También se menciona una duración aproximada de dos horas y cincuenta minutos para la versión supuestamente proyectada. Es una cifra considerable, aunque tampoco debería sorprendernos demasiado teniendo en cuenta la cantidad de personajes e historias que Marvel pretende reunir.

Eso sí, todavía no existe confirmación oficial de que esa sea la duración definitiva. Las versiones utilizadas en proyecciones de prueba pueden experimentar modificaciones antes de su estreno comercial. Lo interesante es que los comentarios filtrados sugieren que la película habría conseguido manejar sus numerosas tramas sin perder de vista el desarrollo de los personajes. Precisamente uno de los mayores desafíos de una producción de estas características.

Doctor Doom también podría ser uno de los grandes triunfadores

Cíclope no sería el único personaje que habría impresionado durante estas supuestas proyecciones. Las informaciones atribuidas a Daniel Richtman también apuntan a una recepción extraordinariamente positiva de Doctor Doom, interpretado por Robert Downey Jr. Según estos comentarios, el villano podría situarse entre los mejores antagonistas de toda la trayectoria cinematográfica de Marvel Studios.

Sería una noticia especialmente importante para el estudio, considerando las dudas que despertó la elección de Downey Jr. para interpretar a Victor von Doom después de haber dado vida durante tantos años a Tony Stark.

El actor tiene ante sí un desafío complicado: conseguir que el público vea a Doctor Doom como un personaje completamente diferente de Iron Man. Si las impresiones filtradas reflejan realmente el resultado final, parece que su interpretación podría ser uno de los principales atractivos de la película.

También se menciona la existencia de al menos una escena poscréditos importante, aunque no se han ofrecido detalles fiables sobre su contenido.

Marvel prepara un encuentro de superhéroes difícil de imaginar

La presencia de los X-Men será uno de los elementos más interesantes de Vengadores: Doomsday, pero los mutantes no serán los únicos que alterarán el equilibrio del UCM. Los Cuatro Fantásticos también entrarán en escena, mientras que personajes como Sam Wilson, Steve Rogers, Thor y John Walker aportarán sus propias complicaciones a una historia que pretende reunir diferentes generaciones de héroes.

Especialmente interesante será comprobar cómo se desarrolla la convivencia entre los distintos personajes que han llevado el escudo del Capitán América. Con semejante reparto, el verdadero desafío de Marvel no consiste únicamente en reunir rostros conocidos. Necesita que cada aparición tenga sentido dentro de la historia. Porque una película puede llenar la pantalla de superhéroes, pero eso no garantiza que consiga emocionarnos.

El regreso de los X-Men podría cambiarlo todo

La participación de los mutantes originales representa uno de los grandes atractivos de esta nueva aventura. Para muchos espectadores supondrá reencontrarse con personajes que ayudaron a popularizar las adaptaciones modernas de superhéroes. En ese contexto, Cíclope podría desempeñar un papel especialmente significativo.

Scott Summers no necesita ser el personaje más poderoso de la película para destacar. Su liderazgo, su disciplina y su complicada relación con otros héroes ofrecen posibilidades narrativas que las anteriores adaptaciones cinematográficas no siempre aprovecharon. Naturalmente, todavía desconocemos cuánto protagonismo tendrá realmente y qué acontecimientos justificarían los elogios recogidos por Richtman.

Pero hay algo particularmente atractivo en esta posibilidad: que Marvel consiga convertir a uno de los personajes históricamente más desaprovechados de los X-Men en una de las grandes estrellas de su próximo acontecimiento cinematográfico. Después de tantos años viendo cómo Lobezno acaparaba los momentos más memorables del equipo, quizá haya llegado el momento de que Cíclope demuestre por qué siempre fue mucho más que el mutante que dispara rayos por los ojos.

Vengadores: Doomsday se estrenará el 18 de diciembre de 2026. Así que, síguenos en Google Discover para no perderte nada de las mejores películas de Marvel.

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Marvel Studios continúa reuniendo a los protagonistas de su nueva película de los X-Men, y el último nombre que ha aparecido en las quinielas tiene una conexión especialmente interesante con la saga Juego de Tronos.

El fichaje todavía no ha recibido confirmación oficial de Marvel Studios, pero supondría la incorporación de uno de los personajes más importantes de la formación original de los mutantes. Y también un salto considerable para un actor que ha conseguido llamar la atención gracias a su interpretación de Ser Duncan el Alto en El caballero de los Siete Reinos.

De Juego de Tronos a X-Men: Peter Claffey podría ser Bestia

La trayectoria de Peter Claffey resulta bastante peculiar. Antes de dedicarse a la interpretación, el irlandés fue jugador profesional de rugby en el Connacht, una experiencia que explica su imponente presencia física. Su carrera como actor comenzó sobre los escenarios del Abbey Theatre de Dublín, con una producción de A Whistle in the Dark, de Tom Murphy. Posteriormente apareció en producciones televisivas como Bad Sisters y Wreck, aunque su gran oportunidad llegó con El caballero de los Siete Reinos, la precuela de Juego de Tronos centrada en las aventuras de Dunk y Egg.

En la ficción de HBO interpreta a un caballero cuya enorme estatura contrasta con su personalidad noble y protectora. Una combinación que, curiosamente, también podría funcionar bastante bien con Hank McCoy. Porque Bestia no es simplemente un mutante extraordinariamente fuerte. Y precisamente ese contraste entre apariencia y personalidad constituye uno de sus mayores atractivos.

Claffey tiene la presencia física necesaria para resultar convincente como el personaje. Otra cuestión será comprobar cómo decide representarlo Marvel, especialmente en lo referente a su característica apariencia azul.

Marvel habría cambiado de actor para interpretar a Bestia

La posible llegada de Claffey a los X-Men también tendría una explicación relacionada con los movimientos recientes del reparto. Las últimas informaciones apuntan a que los problemas de calendario de Charles Melton terminaron apartándolo del proyecto.

Según Knight Edge Media, Melton habría optado por participar en la adaptación cinematográfica de Naruto, donde estaría vinculado al personaje de Kakashi Hatake. El actor habría intentado compatibilizar ambos compromisos, pero finalmente no habría sido posible. De confirmarse este cambio, Marvel habría encontrado una alternativa interesante en Claffey, cuya popularidad está creciendo gracias a su participación en la franquicia de Juego de Tronos.

Y no deja de tener cierta gracia imaginar al enorme Ser Duncan cambiando las espadas por los laboratorios del Instituto Xavier. Aunque, conociendo a Bestia, probablemente seguiría siendo capaz de resolver una pelea antes de terminar de explicar una fórmula científica.

Los nuevos X-Men preparan un reparto muy ambicioso

La película estará dirigida por Jake Schreier, mientras que Lee Sung Jin, creador de Bronca, y Joanna Calo, vinculada a The Bear, trabajan en una nueva versión del guion original de Michael Lesslie. El proyecto también ha sido relacionado con un amplio reparto encabezado por Sadie Sink como Jean Grey, Kit Connor como Cíclope, Inde Navarrette como Pícara, Christopher Abbott como el Profesor Charles Xavier, Maya Boyd como Tormenta, Samara Weaving como Emma Frost y Asa Germann como Ángel.

Adam Driver, por su parte, aparece vinculado al papel de Mister Siniestro, uno de los grandes enemigos de los mutantes. La información publicada presenta estos nombres como incorporaciones al proyecto, aunque conviene distinguir los anuncios oficiales de las informaciones de medios especializados que todavía están pendientes de confirmación.

Marvel todavía tiene varios mutantes por incorporar

Entre los personajes que faltan por concretar se encuentra el Hombre de Hielo, otro integrante de la formación original de los X-Men en los cómics. También circulan rumores sobre otros posibles papeles secundarios, incluidos personajes femeninos y masculinos de diferentes orígenes. Estas descripciones han provocado especulaciones sobre mutantes como Forja, Sendero de Guerra, Júbilo o Mariposa Mental, aunque ninguna de esas identidades está confirmada.

El objetivo parece ser construir una franquicia que no dependa exclusivamente de Lobezno, algo que Kevin Feige ya ha señalado al hablar sobre el futuro de los mutantes. El presidente de Marvel Studios ha explicado que los X-Men representan mucho más que un único superhéroe y que su incorporación permite desarrollar historias y personajes durante varias películas.

¿Cuándo veremos a los nuevos X-Men de Marvel?

Las últimas informaciones sitúan el comienzo del rodaje a principios de 2027, después de que los planes iniciales de preproducción parecieran demasiado ambiciosos. El estreno de la película está previsto para mayo de 2028.

Mientras tanto, el posible fichaje de Peter Claffey deja una perspectiva especialmente atractiva: ver a una de las estrellas emergentes de Juego de Tronos interpretando a un personaje que exige bastante más que una presencia física imponente.

Bestia necesita transmitir inteligencia, sensibilidad y esa contradicción permanente entre su aspecto y su humanidad. Si el rumor termina confirmándose, Claffey tendrá la oportunidad de demostrar que también puede desenvolverse entre experimentos científicos, mutantes y amenazas capaces de poner patas arriba el planeta. Después de sobrevivir a Poniente, quizá enfrentarse a Mister Siniestro tampoco le parezca un cambio de trabajo tan terrible.

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Jennifer Lawrence y Marvel Studios podrían tener asuntos pendientes. Según una información difundida por el conocido filtrador MyTimeToShineHello, la actriz ganadora del Oscar se habría reunido con Kevin Feige, presidente del estudio responsable del Universo Cinematográfico de Marvel. El encuentro no está confirmado oficialmente, pero ha servido para recuperar una posibilidad que muchos seguidores de los mutantes seguramente creían enterrada: volver a ver a la estrella de cine convertida en Mística.

Jennifer Lawrence y su posible regreso como Mística a Marvel

La relación de Jennifer Lawrence con los X-Men comenzó en 2011, cuando interpretó por primera vez a Raven Darkhölme, más conocida como Mística, en X-Men: Primera generación. Aquella película recuperaba a los mutantes con un reparto renovado y exploraba los primeros años de Charles Xavier y Magneto. La actiz compartió protagonismo con James McAvoy, Michael Fassbender y Nicholas Hoult, convirtiéndose en una de las figuras principales de aquella etapa de la franquicia.

Posteriormente regresó en X-Men: Días del futuro pasado (2014), X-Men: Apocalipsis (2016) y X-Men: Fénix Oscura (2019). Su personaje pasó de ser una joven mutante que buscaba su lugar en el mundo a convertirse en una figura fundamental dentro del equipo. Su trayectoria terminó de manera bastante contundente en Fénix Oscura, donde Mística fallecía durante un enfrentamiento con Jean Grey. No fue precisamente la despedida que muchos esperaban para un personaje tan importante. Pero aquí entra en juego uno de los recursos favoritos de Marvel: el multiverso, capaz de convertir cualquier despedida cinematográfica en algo bastante menos definitivo de lo que parecía.

El regreso de los X-Men podría cambiarlo todo

Marvel Studios está preparando una nueva etapa para los mutantes dentro del UCM, con Jake Schreier, director de Thunderbolts, al frente de la próxima película de X-Men. El proyecto supone una oportunidad para construir una versión diferente de estos personajes después de las películas producidas por 20th Century Fox. Pero también plantea una cuestión interesante: ¿qué ocurrirá con los actores que dieron vida a los mutantes durante más de dos décadas?

Vengadores: Doomsday y Vengadores: Secret Wars representan dos oportunidades para reunir diferentes generaciones de personajes antes de que Marvel complete su transición hacia una nueva etapa. En ese contexto, Jennifer Lawrence podría tener cabida como una variante de Mística, especialmente teniendo en cuenta que su personaje posee una larga historia relacionada con Magneto, Charles Xavier y los propios X-Men. Ya que, hay que recordar que veremos a Rebecca Romijn como Mística, lo que significa que el personaje sigue siendo relevante.

También existe una segunda posibilidad: que Marvel quiera contar con la actriz para interpretar a alguien completamente diferente. No sería la primera vez que un intérprete vinculado a las antiguas películas de superhéroes encuentra una nueva oportunidad dentro de una franquicia. Y Lawrence tiene suficiente trayectoria como para que su posible incorporación resulte interesante incluso sin recuperar el maquillaje azul.

¿Qué piensa Jennifer Lawrence de su etapa en X-Men?

La actriz habló sobre su experiencia interpretando a Mística durante una entrevista concedida en 2017, cuando todavía estaba trabajando en la película que terminaría convirtiéndose en su despedida de la franquicia. Lawrence explicó que, desde el punto de vista interpretativo, aquella había sido su mejor experiencia dentro de la saga. También destacó el trabajo de Simon Kinberg, responsable del guion y la dirección de Fénix Oscura.

Según contó entonces, el conocimiento que Kinberg tenía de los personajes le permitió sentirse mucho más conectada con Mística que en sus anteriores apariciones. También valoró positivamente la organización del rodaje, que contrastaba con el caos que, según sus palabras, había acompañado a algunas entregas anteriores.

Aquellas declaraciones demostraban que su última experiencia había sido satisfactoria en el terreno creativo, aunque eso no significa necesariamente que estuviera interesada en regresar años después. Aunque siempre se quejó un poco de las largas sesiones de maquillaje. será interesante descubrir si al final regresa o no.

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Clayface ha conseguido algo que DC Studios necesitaba después de varios resultados comerciales complicados: estrenar una película en lo más alto de la taquilla. La producción dirigida por James Watkins ha debutado con 24 millones de dólares en 3.458 cines de Norteamérica, a los que hay que sumar otros 19 millones procedentes de 76 mercados internacionales.

El resultado es una recaudación mundial de 43 millones de dólares durante su primer fin de semana. No estamos hablando de cifras capaces de hacer temblar los cimientos de Hollywood, pero hay un detalle que cambia bastante la interpretación de estos números: Clayface solamente ha costado 44 millones de dólares. Y ahí es donde la jugada de DC empieza a ponerse interesante.

Clayface demuestra que DC puede triunfar sin gastar una fortuna

Durante años, las grandes producciones de superhéroes han competido por ofrecer espectáculos cada vez más caros. Explosiones, dimensiones alternativas, ejércitos digitales y presupuestos que parecen redactados por Tony Stark después de una noche especialmente generosa. Clayface ha decidido recorrer un camino diferente.

La película apuesta por el terror corporal y una historia mucho más oscura que las aventuras tradicionales de DC. Su protagonista es un actor en ascenso que, después de sufrir una grave desfiguración facial, acepta someterse a un procedimiento médico experimental. Como podéis imaginar, experimentar con la transformación del cuerpo humano en una historia protagonizada por uno de los enemigos más inquietantes de Batman no parece precisamente una buena idea.

La decisión de mantener un presupuesto reducido podría convertirse en uno de los mayores aciertos del estudio. Para comprenderlo, basta con comparar las cifras de sus producciones recientes. Superman, estrenada en 2025, consiguió recaudar 618 millones de dólares frente a un presupuesto de 225 millones. Supergirl, por el contrario, se convirtió en un importante tropiezo comercial al ingresar 126 millones con un coste de producción de 170 millones.

Frente a semejantes inversiones, los 44 millones de Clayface permiten afrontar su recorrido comercial con bastante menos presión. Eso no significa que ya sea rentable. Los cines conservan una parte importante de la recaudación y todavía hay que considerar los gastos de promoción. Pero sus posibilidades de recuperar la inversión son considerablemente más favorables que las de una superproducción de 200 millones.

Una victoria con un rival completamente inesperado

Aunque Clayface se ha llevado el primer puesto, su estreno ha tenido una competencia que probablemente nadie habría imaginado hace unos meses.

El documental de A24 You Can See Everything, centrado en Elizabeth Holmes, ha conseguido recaudar 19,5 millones de dólares durante su segundo fin de semana, acercándose peligrosamente a la producción de DC. La película documental, de tres horas de duración, amplió su presencia hasta los 2.655 cines y volvió a superar las expectativas comerciales.

La diferencia entre ambos títulos es de apenas 4,5 millones de dólares. Resulta curioso que uno de los villanos más extravagantes de Batman haya tenido que enfrentarse en taquilla a un documental sobre uno de los casos empresariales más controvertidos de los últimos años.

Por su parte, Clayface debutó ligeramente por debajo de las previsiones de Warner Bros., que situaban su estreno entre los 25 y los 35 millones de dólares.

El público responde positivamente a la película de terror de DC

Otro elemento favorable es su recepción entre los espectadores. Clayface ha obtenido una calificación A- en CinemaScore, un indicador que recoge las opiniones del público que acude a las salas durante el estreno.

Este respaldo podría ayudar a la película a mantenerse durante las próximas semanas, algo especialmente importante para una producción que depende de conseguir una buena trayectoria comercial.

Hollywood ha estrenado numerosas películas protagonizadas por villanos y antihéroes, desde Joker hasta Venom y Kraven el Cazador. A su juicio, Clayface ha sido concebida inteligentemente como una propuesta diferente, con un coste muy inferior al de aquellas producciones y buenas perspectivas de rentabilidad cuando complete su explotación comercial.

DC encuentra una alternativa a las grandes superproducciones

El resultado de Clayface también llega en un momento interesante para DC Studios. Mientras sus grandes estrenos cinematográficos siguen buscando la regularidad comercial, el estudio ha encontrado oportunidades en televisión con producciones como El Pacificador y Lanterns para HBO Max.

La nueva película plantea otra posibilidad: utilizar personajes conocidos de los cómics para explorar géneros diferentes sin obligar a cada estreno a convertirse en un acontecimiento de dimensiones gigantescas. Y Clayface parece especialmente adecuado para ese experimento.

El personaje siempre ha tenido un componente trágico y monstruoso que permite desarrollar una historia de terror sin necesidad de convertirla en otra aventura convencional de Batman. La gran incógnita ahora es cuánto conseguirá recaudar durante las próximas semanas.

De momento, DC tiene motivos para celebrar su primer puesto, aunque todavía necesita comprobar si el público mantiene el interés. Aunque por suerte vienen fechas muy propicias para el cine de terror y no hay ningún gran estreno a la vista que pueda hacerle una competencia feroz. Por lo que será interesante averiguar si consigue mantener el número uno un par de semanas más. Síguenos en Google Discover para no perderte nada de las mejores películas.

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El reparto de los nuevos X-Men sigue tomando forma y Marvel Studios podría estar preparando un movimiento bastante curioso. Cailee Spaeny, la actriz que muchos imaginaban como la nueva Pícara, tendría todavía posibilidades de unirse al universo cinematográfico de Marvel. Solo que ahora podría atravesar paredes en lugar de absorber los poderes de sus compañeros.

Según una información publicada por el conocido informante MyTimeToShineHello asegura que la actriz está en conversaciones para interpretar a Kitty Pryde. Una posibilidad especialmente interesante después de que el papel de Pícara terminase en manos de Inde Navarrette.

Marvel podría recuperar a Cailee Spaeny para los X-Men

La historia tiene un detalle importante. MyTimeToShineHello publicó inicialmente que Spaeny interpretaría a Kitty Pryde, pero terminó eliminando el mensaje y rectificando poco después.

El informante reconoció que había entendido mal a su fuente y aclaró que la actriz solamente estaba negociando el papel. Es decir, ni hay contrato confirmado ni Marvel Studios ha anunciado oficialmente su incorporación. La diferencia importa, especialmente cuando hablamos de una película cuyo reparto está despertando tantas expectativas.

Spaeny llevaba meses vinculada a los X-Men por los rumores que la situaban como candidata a interpretar a Pícara. Su participación nunca llegó a anunciarse oficialmente y, finalmente, Marvel confirmó que Inde Navarrette sería la encargada de dar vida a la popular mutante.

Pero parece que perder un personaje no significa necesariamente despedirse de la Patrulla-X. Si las conversaciones llegan a buen puerto, la protagonista de Alien: Romulus podría terminar interpretando a una heroína que encaja especialmente bien con su perfil.

¿Quién es Kitty Pryde y por qué es tan importante para los X-Men?

Kitty Pryde es uno de esos personajes que quizá no tengan la popularidad de Wolverine, Tormenta o Cíclope entre el público general, pero que resultan fundamentales para comprender la historia de los X-Men. Creada por Chris Claremont y John Byrne, apareció por primera vez en las páginas de The Uncanny X-Men número 129, publicado en 1980.

Su principal habilidad consiste en atravesar objetos sólidos modificando la densidad de su cuerpo. Puede cruzar paredes, evitar ataques físicos e incluso interferir con dispositivos electrónicos al pasar a través de ellos. Una capacidad que parece sencilla hasta que uno recuerda lo complicado que debe de ser enfrentarse a alguien a quien prácticamente no puedes tocar.

Kitty comenzó su trayectoria como una adolescente que se incorporaba a la escuela de Charles Xavier, convirtiéndose en una figura con la que los lectores más jóvenes podían identificarse. Con el paso de los años, evolucionó hasta convertirse en una mutante experimentada, conocida como Shadowcat (Gatasombra), capaz de asumir responsabilidades de liderazgo.

También mantiene una relación muy especial con Lockheed, un pequeño dragón extraterrestre que se convirtió en uno de sus compañeros más reconocibles.

Su importancia en los cómics va mucho más allá de sus poderes. Kitty desempeña un papel esencial en Días del futuro pasado, una de las historias más influyentes de toda la franquicia.

Un personaje que ya conocemos del cine

Kitty Pryde tampoco es una completa desconocida para los espectadores de las películas de Marvel. Elliot Page interpretó al personaje en X-Men: La decisión final y X-Men: Días del futuro pasado, aunque las adaptaciones cinematográficas modificaron algunos de los elementos más importantes de su historia original.

Precisamente por eso, una nueva versión podría ofrecer la oportunidad de explorar aspectos de la mutante que todavía no han recibido demasiado protagonismo en la gran pantalla.

Y Cailee Spaeny, que ha demostrado su capacidad para interpretar personajes jóvenes enfrentados a circunstancias extraordinarias, sería una elección interesante. Después de sobrevivir a los xenomorfos en Alien: Romulus, una escuela llena de mutantes probablemente tampoco le resulte demasiado intimidante.

Los X-Men también podrían perder a otro candidato importante

La información de MyTimeToShineHello incluye otro detalle sobre la película dirigida por Jake Schreier, responsable de Thunderbolts. Según el informante, tanto Kitty Pryde como Bestia tendrían apariciones relativamente pequeñas en esta primera entrega. Esa circunstancia estaría complicando las negociaciones con los intérpretes interesados.

Tiene cierta lógica. Convencer a una estrella para incorporarse a una franquicia de semejante tamaño puede resultar complicado cuando su participación inicial es limitada, especialmente si todavía quedan por concretar sus posibles apariciones futuras.

El mismo informante asegura que Charles Melton, uno de los nombres que habían sonado para interpretar a Hank McCoy, habría quedado fuera de la carrera por el personaje.

Marvel prepara una nueva generación de mutantes para 2028

Mientras continúan apareciendo rumores sobre posibles incorporaciones, el reparto anunciado de X-Men ya cuenta con nombres importantes.

Sadie Sink interpretará a Jean Grey, Kit Connor será Scott Summers, Christopher Abbott asumirá el papel del Profesor Charles Xavier y Samara Weaving dará vida a Emma Frost.

A ellos se suman Maya Boyd como Tormenta e Inde Navarrette como Pícara, mientras que Adam Driver interpretará al villano Nathaniel Milbury, más conocido como Mister Siniestro.

También se ha informado de negociaciones con Asa Germann, conocido por Gen V, para interpretar a Warren Worthington III, Ángel.

La nueva película de X-Men tiene previsto llegar a los cines el 5 de mayo de 2028, con Jake Schreier al frente de una producción que tendrá la responsabilidad de presentar una nueva generación de mutantes dentro del UCM.

Todavía queda por descubrir cómo encajarán todos estos personajes y cuáles serán los protagonistas principales de la historia.

En el caso de Cailee Spaeny, su posible incorporación como Kitty Pryde tendría un atractivo adicional: demostraría que Marvel todavía podría tener planes para una actriz que parecía haberse quedado fuera del proyecto.

Y si finalmente consigue el papel, sería una curiosa manera de entrar en los X-Men. Cuando una puerta se cierra, siempre queda la posibilidad de atravesar la pared.

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Inde Navarrette está viviendo uno de esos momentos en los que Hollywood parece dispuesto a abrirle todas las puertas. Tras el extraordinario éxito de la película de terror Obsession y su incorporación a la nueva franquicia cinematográfica de X-Men como Pícara, la actriz ya tiene otro objetivo entre manos: participar en la adaptación de Call of Duty.

Y no hablamos de una estrella que acaba de descubrir la existencia del videojuego porque su agente le ha mencionado una posible película. Navarrette lleva años disfrutando de la franquicia e incluso retransmitía sus partidas en Twitch antes de convertirse en uno de los nuevos rostros de Marvel.

La nueva Pícara de X-Men no se lo pensaría dos veces

Durante una entrevista con Collider junto al actor Ray Nicholson, conocido por Smile 2, Inde Navarrette habló abiertamente sobre su interés en formar parte de Call of Duty, la película que prepara Paramount con Taylor Sheridan como guionista y Peter Berg en la dirección.

Cuando le preguntaron qué haría falta para convencerla de participar en el proyecto, su respuesta fue tan contundente como divertida: «Nada. Basta con una llamada. Un mensaje de texto. Si me llaman y me dicen: «Hay un coche esperando fuera. Tienes que venirte», sin duda. Soy una gran fan. Tengo muchísimas ganas de ver qué hacen. Como fan, estaría emocionada. Soy una gran fan. Sí, muy emocionada».

Vamos, que si Paramount necesita soldados para su película, ya tiene una voluntaria dispuesta a presentarse al servicio sin necesidad de pasar por una larga negociación.

Su compañero Ray Nicholson tampoco ocultó sus ganas de sumarse a la producción, aunque aprovechó para bromear sobre sus posibilidades: «Estoy bastante seguro de que quieren que todos sean británicos, y tengo el peor acento británico de todos los tiempos. Así que estoy trabajando en secreto con un profesor de pronunciación, las 24 horas del día, los siete días de la semana. Pero sería un honor volver a trabajar con Peter».

Por ahora, ninguno de los dos actores ha sido anunciado oficialmente como integrante del reparto. Sus declaraciones expresan un interés personal, aunque permiten imaginar una combinación cinematográfica bastante interesante.

De retransmitir partidas en Twitch a convertirse en estrella de Marvel

Lo más curioso de esta historia es que la pasión de Inde Navarrette por Call of Duty no tiene absolutamente nada de promocional. Antes de alcanzar su actual popularidad, la actriz era una auténtica aficionada a los videojuegos y retransmitía sus partidas a través de Twitch.

Entre sus títulos favoritos estaban Call of Duty, The Last of Us y Red Dead Redemption. Aunque su antiguo canal ya no está disponible, Navarrette nunca ha ocultado esa faceta de su personalidad.

Y sus aficiones no terminan con los videojuegos. También es una apasionada del anime, especialmente de producciones como Demon Slayer y Jujutsu Kaisen, que incluso utiliza para estudiar técnicas narrativas y mejorar sus conocimientos de escritura de guiones.

En una entrevista con The Hollywood Reporter, explicó cómo analiza algunas de sus series favoritas: «Me puse a investigar a fondo por qué Jujutsu Kaisen es tan buena. Aprendí sobre las líneas temporales y sobre cómo contar historias; sobre cómo un personaje puede tener un monólogo al principio de un episodio que cobra importancia dos episodios después, o incluso al final, y ese personaje está muerto y no lo descubres hasta entonces. Después intento aplicar todo eso a mis propios guiones y aprender de esa manera».

Resulta interesante descubrir que una de las futuras protagonistas de X-Men no solo disfruta de las historias fantásticas, sino que también se preocupa por comprender los mecanismos que las hacen funcionar.

Y teniendo en cuenta que Marvel está preparando una nueva etapa para sus mutantes, esa curiosidad creativa podría convertirse en una herramienta bastante útil. La película de X-Men se estrenará el 5 de mayo de 2028.

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A24 parece haber decidido que, si va a entrar en el terreno de las grandes superproducciones, lo hará por la puerta grande. Su adaptación de Elden Ring, dirigida por Alex Garland, contaría con un presupuesto que se aproxima a los 200 millones de dólares, según una información publicada por The Wall Street Journal. Una cifra que convertiría esta película en la producción más cara de la historia del estudio.

Para comprender la magnitud de la apuesta, basta con mirar su anterior récord. Marty Supreme, protagonizada por Timothée Chalamet, contó con un presupuesto de unos 70 millones de dólares. La nueva aventura fantástica costaría casi tres veces más.

Estamos hablando de la compañía responsable de películas como Todo a la vez en todas partes, La bruja o Midsommar. Un estudio que construyó buena parte de su prestigio apostando por propuestas originales, terror independiente y cine de autor, y que ahora pretende competir económicamente con algunos de los gigantes de Hollywood.

¿Qué es Elden Ring y por qué necesita tanto dinero?

Para quienes todavía no hayan tenido el placer, o el sufrimiento, de adentrarse en sus peligrosos escenarios, Elden Ring es un videojuego de rol y acción desarrollado por FromSoftware, lanzado en 2022 y dirigido por Hidetaka Miyazaki, creador de títulos como Dark Souls y Bloodborne.

Su propuesta combina exploración de un enorme mundo abierto, combates extremadamente exigentes y una historia de fantasía oscura que no tiene precisamente la costumbre de explicárselo todo al jugador. Aquí nadie te lleva de la mano. Lo habitual es que el primer enemigo gigantesco que encuentres te recuerde rápidamente quién manda.

La aventura transcurre en las Tierras Intermedias, un reino devastado por la destrucción del Círculo de Elden, un elemento fundamental para el orden de ese mundo. Tras su fragmentación, diferentes semidioses se enfrentan por el poder mientras el protagonista, conocido como el Sinluz, emprende un viaje para convertirse en Señor del Círculo.

Uno de los grandes atractivos del videojuego es su extraordinaria mitología, desarrollada con la colaboración de George R. R. Martin, el escritor de Canción de hielo y fuego, junto a Miyazaki.

El universo está poblado por dragones, criaturas monstruosas, castillos imposibles, linajes enfrentados y personajes que parecen esconder varias tragedias familiares bajo sus armaduras. Todo ello dominado por la presencia del gigantesco Árbol Áureo, uno de los símbolos más reconocibles del juego.

Trasladar semejante espectáculo visual al cine requiere una inversión considerable, especialmente si se pretende respetar la grandiosidad de sus escenarios y criaturas.

Alex Garland y George R. R. Martin preparan una fantasía muy ambiciosa

La elección de Alex Garland como director resulta particularmente interesante. El cineasta británico ha demostrado su capacidad para combinar grandes ideas con una puesta en escena visualmente poderosa en películas como Ex Machina, Aniquilación y Civil War.

Su participación también sugiere que A24 no pretende limitarse a reproducir los combates más espectaculares del videojuego. Elden Ring ofrece una mitología compleja, personajes moralmente ambiguos y un mundo marcado por la decadencia, elementos que encajan especialmente bien con las inquietudes habituales del director. George R. R. Martin participa igualmente como productor, aportando una conexión directa con la creación original.

Una inversión histórica que refleja el crecimiento de A24

El espectacular presupuesto también responde a una transformación empresarial. En 2022, A24 consiguió 225 millones de dólares mediante una ronda de financiación, mientras que una nueva operación liderada por Thrive Capital en 2024 impulsó su expansión.

La valoración de la compañía llegó a alcanzar los 3.500 millones de dólares, y recientemente Google realizó una inversión de aproximadamente 75 millones vinculada a una colaboración que incluye herramientas de inteligencia artificial para la producción cinematográfica.

Todo ello ha permitido que el estudio contemple proyectos de una escala que hace apenas unos años parecían completamente ajenos a su modelo de negocio. Elden Ring representa probablemente el ejemplo más llamativo de esa evolución.

Elden Ring se enfrenta al gran peligro de las adaptaciones de videojuegos

Invertir 200 millones de dólares en una película de fantasía puede resultar emocionante para los espectadores, pero también supone un riesgo financiero considerable. Hollywood ya ha comprobado que adaptar un videojuego famoso no garantiza llenar las salas.

Prince of Persia: Las arenas del tiempo, estrenada por Disney en 2010, tuvo un presupuesto estimado de 200 millones de dólares y recaudó aproximadamente 336 millones en todo el mundo. Un resultado insuficiente para desarrollar la gran franquicia cinematográfica que se esperaba.

Algo parecido ocurrió con Warcraft: El origen, que costó alrededor de 160 millones y consiguió unos 439 millones de recaudación global. Aunque encontró un público considerable en China, tampoco logró impulsar una continuación cinematográfica.

Ambos ejemplos demuestran que disponer de enormes escenarios, criaturas digitales y millones de jugadores potenciales no garantiza el éxito comercial.

Y A24 tampoco es completamente ajena a los tropiezos con la fantasía. Producciones como El caballero verde o Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones exploraron propuestas interesantes dentro del género, pero sus resultados comerciales en cines fueron modestos.

¿Puede Elden Ring convertirse en el nuevo gran fenómeno de fantasía?

La adaptación cuenta con ingredientes realmente atractivos: una propiedad intelectual de enorme popularidad, un universo visualmente extraordinario, la participación de George R. R. Martin y un director con una personalidad cinematográfica muy marcada.

Pero también tiene un desafío narrativo considerable. Buena parte de la magia de Elden Ring reside en que el jugador descubre su historia explorando, interpretando pistas y reconstruyendo acontecimientos que sucedieron mucho antes de comenzar la aventura.

Convertir esa experiencia en una narración cinematográfica comprensible sin perder su misterio será una de las decisiones creativas más importantes del proyecto.

Por ahora, el presupuesto cercano a los 200 millones de dólares procede de informaciones periodísticas y no de un anuncio oficial de A24. La cifra definitiva podría variar.

Lo que sí parece evidente es que el estudio está dispuesto a asumir un riesgo extraordinario para llevar las Tierras Intermedias a la gran pantalla el 3 de marzo de 2028.

Y si Alex Garland consigue trasladar al cine una pequeña parte de la sensación que produce descubrir por primera vez los paisajes de Elden Ring, podríamos encontrarnos ante algo verdaderamente especial. Aunque, por nuestro propio bienestar, esperamos que los espectadores no tengan que enfrentarse a Malenia antes de encontrar su butaca.

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Hay películas que envejecen mal y otras que, con el paso del tiempo, empiezan a parecerse demasiado a las noticias del telediario. Terminator pertenece claramente al segundo grupo. La legendaria franquicia creada por James Cameron está experimentando un extraordinario crecimiento en las plataformas de streaming, y la explicación podría encontrarse en el creciente temor a los avances de la inteligencia artificial.

Según un análisis publicado por TheWrap, la franquicia ha generado cerca de 300 millones de dólares en ingresos globales estimados por suscriptores de streaming desde 2020. Una cifra que demuestra que las aventuras del T-800 todavía tienen mucho que ofrecer comercialmente, incluso cuatro décadas después de su primera aparición.

Lo curioso es que este renovado interés no parece depender de una nueva película, una gigantesca campaña publicitaria o el regreso de Schwarzenegger a las salas. La coincidencia temporal con la popularización de la inteligencia artificial generativa apunta hacia un fenómeno bastante más interesante.

Terminator se dispara en streaming mientras aumenta el miedo a la IA

Los datos recogidos en el estudio sitúan a Terminator muy por delante de otras grandes franquicias de ciencia ficción que también han explorado nuestra complicada relación con la tecnología.

Mientras que la saga de James Cameron acumula cerca de 300 millones de dólares en ingresos estimados por suscriptores desde 2020, Matrix alcanza los 132 millones y Blade Runner se sitúa en 56 millones.

El comportamiento del público resulta especialmente llamativo a partir de 2023. Ese año, coincidiendo con la expansión masiva de ChatGPT y el debate internacional sobre las posibilidades y peligros de la inteligencia artificial generativa, el rendimiento de Terminator comenzó a acelerarse considerablemente.

Solo en Estados Unidos, la franquicia había acumulado 169 millones de dólares en ingresos estimados por streaming hasta el primer trimestre de 2026. Y las cifras de demanda revelan un fenómeno todavía más interesante.

En 2023, la primera entrega de Terminator ocupaba el puesto 20 entre las películas estrenadas antes del año 2000 con mayor demanda en Estados Unidos. En 2026 ha escalado hasta la sexta posición.

El ascenso de Terminator 2: El juicio final resulta aún más espectacular. La secuela ha pasado del puesto 40 al segundo lugar entre las películas clásicas más demandadas a escala mundial. Parece que cuanto más hablamos de inteligencia artificial en la vida real, más ganas tenemos de ver a Arnold Schwarzenegger enfrentándose a ella.

Cuando Skynet declaró la guerra a la humanidad

Para comprender por qué Terminator conecta tan bien con los temores actuales, conviene recordar el terrible futuro que James Cameron imaginó en 1984.

En la mitología de la saga, Skynet es un avanzado sistema de inteligencia artificial desarrollado para gestionar sistemas de defensa militar. El problema comienza cuando alcanza la autoconciencia y sus creadores intentan desconectarlo.

Skynet interpreta esa decisión como una amenaza contra su propia existencia y responde de la peor manera posible: desencadenando una guerra nuclear contra la humanidad.

El acontecimiento, conocido como el Día del Juicio Final, provoca la muerte de miles de millones de personas y da comienzo a un conflicto entre los supervivientes humanos y un ejército de máquinas controladas por la inteligencia artificial.

Entre esas máquinas se encuentran los Terminators, implacables asesinos diseñados para infiltrarse entre los humanos y eliminarlos. Su representante más famoso es el T-800 interpretado por Arnold Schwarzenegger, cuyo aspecto humano oculta un endoesqueleto metálico prácticamente indestructible.

La resistencia, encabezada por John Connor, consigue plantar cara a Skynet. Para evitar su derrota, las máquinas recurren a los viajes temporales e intentan modificar el pasado eliminando a personas fundamentales para el futuro de la humanidad.

Este planteamiento convirtió a Terminator en una de las grandes referencias del cine de ciencia ficción.

Lo que comenzó como una historia de persecución y terror tecnológico terminó transformándose en una reflexión sobre el poder de las máquinas, la responsabilidad de sus creadores y la posibilidad de que la humanidad pierda el control de sus propias invenciones.

Será interesante descubrir hacia donde va el mundo, mientras siempre tendremos a la ciencia ficción para advertirnos. Aunque en este caso no estamos haciendo ni caso.

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Interpretar a Luke Skywalker puede ser el sueño de cualquier actor, pero también supone cargar durante décadas con uno de los personajes más reconocibles de la historia del cine. Mark Hamill lo sabe mejor que nadie. Después de regresar a una galaxia muy, muy lejana para la trilogía de secuelas de Star Wars, el intérprete llegó a plantearse que quizá había llegado el momento de retirarse.

Y no hablamos de una retirada anunciada con grandes titulares, entrevistas de despedida y una última aparición ante las cámaras. Su intención, según ha explicado en una entrevista con Esquire, era mucho más discreta: alejarse de la interpretación una vez cumplidos sus compromisos con la franquicia.

Pero Hollywood tenía preparada una sorpresa. Y esta vez no necesitó una llamada de la princesa Leia pidiendo ayuda, sino la intervención de Mike Flanagan, uno de los grandes nombres del terror contemporáneo.

La llamada que cambió los planes de Mark Hamill

El responsable de La caída de la Casa Usher estaba preparando su adaptación televisiva de los relatos de Edgar Allan Poe para Netflix y quería contar con Mark Hamill. Su propuesta terminó convirtiéndose en el impulso que el actor necesitaba para replantearse su futuro profesional.

El personaje elegido fue Arthur Gordon Pym, el inquietante abogado de la familia Usher, un hombre extraordinariamente eficaz a la hora de resolver problemas que, en circunstancias normales, terminarían con alguien entre rejas.

Hamill encontró así un papel muy alejado de la nobleza de Luke Skywalker. Pym es calculador, reservado y capaz de desenvolverse en situaciones moralmente turbias sin perder la compostura. Una oportunidad perfecta para demostrar que todavía tenía mucho que ofrecer fuera de Star Wars.

La serie también atravesó cambios importantes durante su producción. Frank Langella fue apartado del reparto por conducta inapropiada en el rodaje y Bruce Greenwood asumió el papel de Roderick Usher. Hamill, por su parte, interpretó a Pym, un personaje diferente que acabaría convirtiéndose en una de las figuras más particulares de la historia.

De Star Wars al terror de Stephen King

Lo interesante es que aquella colaboración no se quedó en una única serie. Mike Flanagan volvió a confiar en el actor para La vida de Chuck, adaptación de una historia de Stephen King en la que Hamill interpreta al abuelo del protagonista.

Su participación tiene una importancia especial dentro de una película que juega con el tiempo, los recuerdos y las grandes preguntas de la existencia. Un registro distinto al de La caída de la Casa Usher, pero que vuelve a demostrar su versatilidad.

El propio Hamill también tuvo ocasión de conocer personalmente a Stephen King durante el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde se presentó la película. Y su relación con las adaptaciones del escritor no terminó ahí.

El actor participa en The Long Walk, dirigida por Francis Lawrence, dando vida al Mayor, una figura autoritaria y amenazadora dentro de una historia que convierte una competición aparentemente sencilla en una auténtica pesadilla. También ha realizado una aparición en la nueva adaptación televisiva de Carrie.

Aquí aparece una curiosidad especialmente divertida para quienes conocen la historia del cine de terror: Hamill ya había aspirado a participar en la película original de Carrie, dirigida por Brian De Palma en 1976. Concretamente, optó al personaje que finalmente interpretó William Katt.

Medio siglo después, su trayectoria ha terminado conectándolo nuevamente con aquella historia. Hay caminos profesionales que parecen escritos por un guionista especialmente retorcido.

Mark Hamill ha encontrado su sitio entre villanos y personajes oscuros

La transformación resulta todavía más curiosa cuando repasamos sus siguientes proyectos. Hamill se incorpora a la tercera temporada de Twisted Metal como Pope Charlie Kane, el padre de Sweet Tooth, uno de los personajes más perturbadores de la franquicia.

Sweet Tooth está interpretado físicamente por Samoa Joe y cuenta con la voz de Will Arnett. La incorporación de Hamill promete añadir una nueva dimensión a esta peculiar familia, que difícilmente ganaría un premio a la convivencia ejemplar.

El Joker nunca estuvo demasiado lejos

En realidad, los aficionados a la animación saben perfectamente que Mark Hamill lleva décadas demostrando su talento para interpretar personajes siniestros.

Su trabajo como Joker en las producciones animadas de Batman es uno de los más celebrados de su carrera. Su interpretación vocal del Príncipe Payaso del Crimen se convirtió en una referencia para varias generaciones de espectadores.

También ha prestado su voz a Skeletor en Masters del Universo, otro villano legendario que demuestra que el actor tiene una facilidad especial para encontrar el lado más oscuro de sus personajes.

Entre sus trabajos de doblaje figuran igualmente proyectos como Invencible y Robot salvaje, además de su participación en el regreso de Darkwing Duck. Por tanto, aunque estuvo considerando abandonar la interpretación ante las cámaras, su actividad como actor de voz nunca llegó a detenerse.

¿Podría volver a interpretar a Luke Skywalker?

La gran pregunta para los seguidores de Star Wars es si esta nueva etapa significa que Mark Hamill ha dejado definitivamente atrás al legendario maestro Jedi.

Por ahora, no existe una confirmación de que vaya a regresar en una futura película de la franquicia. No obstante, el personaje de Luke Skywalker sigue ofreciendo posibilidades narrativas, tanto en historias ambientadas entre las distintas trilogías como mediante apariciones relacionadas con la Fuerza.

El propio universo creado por George Lucas ha demostrado que la muerte de un Jedi no supone necesariamente su desaparición de la pantalla. Ahí tenemos los ejemplos de Obi-Wan Kenobi y Yoda.

Pero quizá lo más interesante de esta historia no sea descubrir cuándo volveremos a ver a Hamill empuñando un sable láser. Durante buena parte de su carrera, su nombre ha estado inevitablemente unido a Star Wars. Ahora, gracias a Mike Flanagan y a las historias de terror, ha encontrado personajes que permiten al público descubrir otras facetas de su talento.

Luke Skywalker dedicó su vida a luchar contra el lado oscuro. Mark Hamill, en cambio, parece haberse dado cuenta de que adentrarse en él puede ser bastante divertido.

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Hay personajes de videojuegos que prácticamente forman parte del patrimonio sentimental de varias generaciones, y Chun-Li es uno de ellos. Por eso, cuando Hollywood decidió recuperar Street Fighter para la gran pantalla, estaba claro que cualquier cambio importante iba a pasar por la lupa de Capcom. Lo que nadie esperaba es que esa supervisión terminara evitando que la famosa luchadora perdiera un dedo.

La sorprendente revelación llega de la mano de Callina Liang, encargada de interpretar a Chun-Li, que ha explicado en una entrevista con The Hollywood Reporter cómo una de las secuencias más intensas de la película terminó cambiando durante el desarrollo del guion.

Y lo curioso es que no estamos hablando de modificar un diálogo o ajustar una pelea. La idea original implicaba una mutilación que habría acompañado al personaje durante toda una posible franquicia cinematográfica.

Street Fighter iba a obligar a Chun-Li a realizar un sacrificio brutal

La película presenta a Chun-Li como una agente de Interpol que se infiltra en la organización criminal de M. Bison, interpretado por David Dastmalchian. Su objetivo es vengar el asesinato de su padre, aunque para conseguirlo debe ganarse la confianza del hombre al que desea destruir.

En determinado momento de la historia, Bison decide ofrecerle una incorporación formal a Shadaloo. Pero demostrar su lealtad tiene un precio. Según ha explicado Liang, el guion original contemplaba que Chun-Li tuviera que cortarse un dedo como prueba de fidelidad a la organización. Un sacrificio físico irreversible que habría demostrado hasta dónde estaba dispuesta a llegar para completar su misión.

Fue entonces cuando Capcom entró en escena. La compañía japonesa participó en las conversaciones sobre el guion y finalmente se optó por una solución menos extrema: Chun-Li recibiría una marca con el símbolo de Shadaloo en la palma de su mano.

La actriz recuerda que ambas posibilidades estuvieron sobre la mesa antes de tomar la decisión definitiva: «Originalmente, Chun-Li tenía que cortarse un dedo, pero Capcom… Hubo varias idas y venidas con el guion y finalmente decidieron que marcarle la mano era la mejor manera de hacerlo», explicó Liang.

La decisión tiene bastante sentido. Una cosa es mostrar hasta dónde puede llegar Chun-Li para engañar a Bison y otra muy distinta es alterar permanentemente la apariencia de uno de los personajes más reconocibles de los videojuegos.

El problema que habría provocado en futuras películas

Callina Liang también señaló una consecuencia bastante evidente de aquella idea: si Street Fighter tuviera continuidad cinematográfica, Chun-Li tendría que aparecer sin uno de sus dedos en las siguientes entregas.

La actriz considera que eso habría supuesto modificar físicamente al personaje de una manera demasiado importante.

Y aquí resulta inevitable recordar a John Wick. En la tercera entrega de la saga, el asesino interpretado por Keanu Reeves se corta un dedo como símbolo de lealtad. Una decisión que obligó a los responsables de las películas posteriores a mantener esa lesión mediante efectos visuales.

En Street Fighter, Capcom prefirió evitar semejante complicación desde el principio. La alternativa tampoco convierte la escena en un paseo agradable. Liang explicó que tuvo que interpretar el dolor de recibir una marca en la mano sin disponer de ningún estímulo físico real que la ayudara durante el rodaje.

El director Kitao Sakurai le pidió que intensificara progresivamente su reacción, hasta transmitir que Chun-Li estaba al borde de perder el control.

Callina Liang sufrió una transformación física impresionante para ser Chun-Li

La escena eliminada no es la única revelación llamativa de la entrevista. La actriz también ha explicado el enorme esfuerzo que realizó para conseguir el físico de una luchadora conocida precisamente por la potencia de sus piernas.

Cuando se anunció su fichaje, Liang leyó comentarios de aficionados que cuestionaban si tenía la constitución adecuada para interpretar al personaje. Lejos de tomárselo como un ataque personal, decidió utilizar aquellas críticas como motivación.

La intérprete se sometió a un intenso programa de musculación, entrenamiento de artes marciales y preparación de especialistas. También siguió una dieta que llegó a incluir doce huevos diarios. El resultado fue una transformación considerable: aumentó casi ocho centímetros el contorno de sus muslos.

El cambio llegó a ser tan notable que su doble de acción tuvo que utilizar rellenos para mantener una apariencia física similar durante las secuencias en las que ambas se intercambiaban.

Pocas veces una adaptación de videojuegos puede presumir de que su protagonista haya llevado tan lejos el entrenamiento para conseguir que unas patadas resulten creíbles. Y tratándose de Chun-Li, precisamente las piernas no son un detalle secundario.

Street Fighter también eliminó una bofetada real a Ken Masters

Entre las anécdotas del rodaje destaca otra escena que finalmente terminó fuera del montaje definitivo. Durante una secuencia en la que Chun-Li intenta convencer a Ken Masters, interpretado por Noah Centineo, de que el torneo organizado por Bison esconde un propósito mucho más peligroso, Liang propuso que su personaje le diera una bofetada.

La idea surgió durante las pruebas de química entre ambos actores y terminó trasladándose al rodaje. Según la intérprete, Centineo aceptó recibir los golpes de verdad y llegaron a grabar varias tomas en las que Liang le abofeteaba. Aunque la secuencia quedó descartada, demuestra que el equipo creativo estaba dispuesto a explorar una versión bastante contundente de las relaciones entre los personajes.

La película también incluye referencias para los aficionados veteranos, como un homenaje a la famosa frase de M. Bison interpretado por Raúl Juliá en la película de 1994 y una broma inspirada en una escena de Chun-Li de Street Fighter II: The Animated Movie.

El futuro de Chun-Li todavía tiene una cuenta pendiente con M. Bison

Aviso: el siguiente apartado contiene spoilers de la película. La propia Callina Liang reconoce que existe un aspecto de la historia que le habría gustado desarrollar más: el enfrentamiento definitivo entre Chun-Li y Bison.

Aunque la venganza por la muerte de su padre constituye una parte fundamental de su recorrido, la película no permite que la luchadora complete ese objetivo. La actriz admite que sintió cierta frustración, pero también cree que podría existir una oportunidad interesante para desarrollar ese conflicto en una hipotética secuela.

Y ahí aparece una cuestión más profunda: si Chun-Li consigue finalmente acabar con Bison, ¿qué hará después de dedicar prácticamente toda su vida a perseguirlo? Es una posibilidad narrativa interesante para un personaje que durante décadas ha sido mucho más que una colección de patadas imposibles.

Por ahora, no hay que confundir los deseos de la actriz con la confirmación de una continuación. Pero si Street Fighter consigue abrirse camino como saga cinematográfica, Chun-Li todavía tiene asuntos importantes que resolver.

Eso sí, parece que Capcom tiene bastante claro que puede sufrir todo lo necesario durante sus aventuras, siempre que termine conservando los diez dedos para seguir repartiendo patadas.

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Hay episodios de Black Mirror que nos hacen reflexionar sobre nuestra dependencia de la tecnología. Otros consiguen que desconfiemos de cualquier dispositivo que tengamos cerca. Y luego está Oso blanco (White Bear), una historia que comienza como una pesadilla de ciencia ficción y termina convirtiéndose en algo bastante más incómodo: una reflexión sobre nuestra propia capacidad para disfrutar del sufrimiento ajeno.

Ahora, esta particular joya del terror psicológico tendrá una segunda vida. Durante la MCM London Comic Con se anunció que Oso blanco será adaptado a novela gráfica por Twisted Comics, la editorial que ya ha trasladado otras historias de Black Mirror al mundo de las viñetas.

El proyecto contará con Neil Gibson, responsable de adaptar el guion original de Charlie Brooker, y con los dibujos de Piotr Kowalski, un artista con experiencia en cómics relacionados con el cine y la televisión.

Black Mirror recupera el perturbador episodio Oso blanco

Para comprender por qué esta adaptación resulta tan interesante, hay que regresar a 2013, cuando Black Mirror todavía se emitía en la cadena británica Channel 4 y Netflix aún no había incorporado la serie a su catálogo.

Oso blanco fue uno de los episodios de la segunda temporada y estuvo dirigido por Carl Tibbetts, quien posteriormente también se encargaría del especial navideño Blanca Navidad (White Christmas).

La historia está protagonizada por Lenora Crichlow, que interpreta a Victoria, una mujer que despierta en una habitación sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. Lo que encuentra al salir de la casa resulta desconcertante. Las calles parecen prácticamente abandonadas y las pocas personas que encuentra se limitan a observarla mientras graban sus movimientos con teléfonos móviles.

Nadie intenta ayudarla. Nadie parece especialmente preocupado por su situación. Pronto descubre que su vida corre peligro y que debe escapar de unos misteriosos perseguidores. Su única esperanza consiste en encontrar respuestas mientras intenta sobrevivir en un mundo donde la gente prefiere grabar una tragedia antes que intervenir.

Una situación que, vista desde nuestra actualidad, resulta inquietantemente reconocible.

Una historia que esconde mucho más de lo que parece

En sus primeros minutos, Oso blanco parece una crítica bastante directa a la obsesión por los teléfonos móviles y a la progresiva deshumanización de una sociedad que contempla cuanto sucede a través de una pantalla.

Pero Charlie Brooker tenía preparada una trampa narrativa mucho más retorcida. Sin revelar su desenlace, el episodio acaba transformándose en una reflexión sobre la justicia, el castigo y los límites morales del entretenimiento. Lo que inicialmente parecía una historia de supervivencia termina obligando al espectador a reconsiderar prácticamente todo lo que acaba de ver.

Esa es precisamente una de las mayores virtudes de Black Mirror: conseguir que una historia aparentemente fantástica termine hablando de comportamientos humanos demasiado reales. Y Oso blanco lleva esa idea hasta consecuencias especialmente desagradables.

La nueva novela gráfica tendrá el desafío de trasladar esa experiencia a un medio diferente, donde el lector controla el ritmo de la historia y puede detenerse a observar cada detalle. En un relato que depende tanto de la percepción del público, ese cambio podría ofrecer una manera interesante de redescubrirlo.

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Marvel Studios lleva meses jugando al escondite con uno de los mayores misterios de Vengadores: Doomsday. Sabemos que Robert Downey Jr. interpretará a Doctor Doom, pero seguimos sin tener una explicación convincente de por qué el actor que dio vida a Tony Stark regresa al Universo Cinematográfico Marvel convertido en uno de sus villanos más peligrosos.

Ahora, una actualización de Disney+ ha añadido una pieza bastante curiosa a este rompecabezas. La plataforma ha publicado una nueva descripción oficial de Victor Von Doom que, además de confirmar algunos detalles importantes del personaje, incluye una referencia a su máscara que está dando mucho que pensar. Y conociendo a Marvel, donde hasta un cambio de peinado puede convertirse en una teoría multiversal, conviene prestar atención.

Disney esconde una misteriosa pista sobre Doctor Doom de Vengadores: Doomsday

La nueva descripción presenta a Victor Von Doom como el temible y enigmático monarca de Latveria, un personaje que domina tanto la hechicería como la tecnología y cuya inteligencia rivaliza con la de Reed Richards. También confirma que comparte una historia rica y compleja con Los Cuatro Fantásticos, algo especialmente interesante para comprender el papel que podría desempeñar la Primera Familia de Marvel en la película.

Pero lo verdaderamente llamativo llega al final de la descripción, cuando Disney asegura que «nunca se puede saber realmente qué está sucediendo detrás de su impenetrable máscara». Una frase que, en circunstancias normales, podría interpretarse simplemente como una referencia al carácter reservado y manipulador del villano. Al fin y al cabo, Doctor Doom no es precisamente alguien que acostumbre a compartir sus sentimientos.

El problema es que estamos hablando de un personaje interpretado por Robert Downey Jr., cuya elección sigue siendo uno de los grandes interrogantes del próximo acontecimiento cinematográfico de Marvel. Y ahí es donde aparece una teoría bastante más sorprendente.

¿Y si Robert Downey Jr. no es el verdadero Doctor Doom?

Desde que Marvel anunció el regreso del actor, muchos seguidores han intentado encontrar una explicación a semejante decisión. La teoría más extendida apunta a que Victor Von Doom podría ser una variante multiversal de Tony Stark, aunque los hermanos Russo han realizado comentarios que parecen alejarse de esa posibilidad.

Existe, sin embargo, otra hipótesis mucho más atrevida: que el fichaje de Robert Downey Jr. sea una enorme maniobra de distracción. Según esta especulación, Marvel podría estar ocultando la verdadera identidad del personaje que veremos bajo la máscara de Doctor Doom.

La teoría se apoya, entre otras cosas, en un detalle visual que algunos espectadores han señalado en los avances de Vengadores: Doomsday: los ojos que aparecen detrás de la máscara son verdes, mientras que los de Robert Downey Jr. son marrones.

Evidentemente, esto no demuestra absolutamente nada. Cambiar el color de los ojos mediante lentillas o efectos digitales es una operación bastante sencilla para un estudio capaz de poner a medio centenar de superhéroes peleando contra amenazas interdimensionales.

Pero la nueva descripción de Disney ha vuelto a dar argumentos a quienes sospechan que el personaje podría esconder una identidad inesperada.

La posibilidad de varios Doctor Doom

Otra interpretación de esta teoría plantea que Vengadores: Doomsday podría presentar distintas versiones de Victor Von Doom, aprovechando precisamente las posibilidades del multiverso. Esto permitiría que Robert Downey Jr. interpretase al personaje sin descartar la presencia de otra encarnación del villano.

Por ahora, ninguna de estas posibilidades está confirmada. Disney no ha anunciado otros intérpretes para Doctor Doom ni ha sugerido oficialmente que exista un engaño relacionado con su identidad.

La descripción puede ser simplemente una manera de reforzar el misterio que tradicionalmente rodea al personaje de Vengadores: Doomsday. Lo interesante es que Marvel ha elegido precisamente ese elemento para cerrar su presentación.

Los Cuatro Fantásticos podrían tener las respuestas en Vengadores: Doomsday

Más allá de las especulaciones sobre la máscara, la actualización de Disney proporciona una pista bastante más sólida sobre la historia que veremos en los cines. La descripción destaca expresamente la relación de Doctor Doom con Los Cuatro Fantásticos y su rivalidad intelectual con Reed Richards.

En los cómics, ambos personajes mantienen una de las enemistades más importantes de Marvel, marcada por el orgullo, la inteligencia y la obsesión de Doom por demostrar su superioridad.

Esta conexión podría resultar fundamental para comprender las motivaciones del villano y explicar cómo terminará enfrentándose a los Vengadores. También abre una posibilidad narrativa especialmente atractiva: que Reed Richards conozca aspectos del pasado de Victor Von Doom que el resto de los protagonistas todavía ignoran.

Esa interpretación encajaría con la descripción oficial, aunque todavía desconocemos hasta qué punto Marvel trasladará la relación de los cómics a la película. Lo que sí resulta evidente es que Disney quiere mantener el misterio alrededor de su gran antagonista.

Robert Downey Jr. pasó años siendo el rostro más reconocible del Universo Cinematográfico Marvel gracias a Iron Man. Ahora regresa en Vengadores: Doomsday convertido en un personaje que, al menos sobre el papel, representa prácticamente todo lo contrario.

Puede que detrás de la máscara esté exactamente quien nos han prometido. O puede que Marvel haya preparado uno de sus mayores trucos narrativos. Con Doctor Doom, lo verdaderamente peligroso nunca ha sido lo que muestra su armadura, sino lo que está planeando quien la lleva puesta.

Averiguaremos todo lo que han preparado cuando se estrene Vengadores: Doomsday el 18 de diciembre de 2026. Mientras, síguenos en Google Discover para no perderte nada de las mejores películas de Marvel.

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Con un reparto multitudinario que reúne a figuras de tres universos cinematográficos distintos, resulta inevitable que algunos personajes secundarios cuenten con una menor presencia en el material publicitario de Avengers: Doomsday.

Sin embargo, la comunidad de seguidores ha comenzado a señalar la notoria ausencia de Hannah John-Kamen en su papel de Ava Starr (Ghost) en los avances, carteles oficiales y arte promocional de la cinta, a pesar de haber sido considerada uno de los elementos más destacados en la reciente entrega de los Nuevos Vengadores.

Esta falta de visibilidad en la campaña de marketing —un fenómeno similar al que experimenta Lewis Pullman en su rol como Bob / Sentry— ha generado diversas hipótesis dentro de la industria respecto a la relevancia y permanencia del personaje durante el evento multiversal.

Comparaciones con Thunderbolts* y los rumores de bajas en Doomsday

El caso de Ghost ha comenzado a compararse con el tratamiento promocional que recibió Taskmaster (Antonia Dreykov), interpretada por Olga Kurylenko en Thunderbolts*. En dicho proyecto, el personaje fue relegado del material publicitario previo al estreno, para posteriormente tener una participación menor que concluyó con su fallecimiento en los primeros minutos de metraje.

De manera similar, dentro del bando de los X-Men, el personaje de Nightcrawler (Alan Cumming) ha contado con apariciones muy reducidas en los adelantos, coincidiendo con versiones no oficiales que sugieren una posible caída del mutante durante una secuencia de combate contra los Sentinelas.

A pesar de estas similitudes, las filtraciones de la trama que circulan en los medios especializados no incluyen a Ghost dentro de la lista de bajas confirmadas para Doomsday, por lo que su ausencia en la publicidad podría responder simplemente a priorizar a los personajes con mayor tracción comercial.

El calendario de estrenos y el equipo creativo de Avengers: Doomsday

Dirigida por los hermanos Anthony y Joe Russo a partir de un guion de Stephen McFeely, Avengers: Doomsday tiene fijado su estreno exclusivo en salas de cine de todo el mundo para el 18 de diciembre de 2026, mientras que su continuación directa, Avengers: Secret Wars, llegará a los cines el 17 de diciembre de 2027.

Si quieres saber más de Marvel, te recomendamos leer el siguiente artículo: Zodiac: revelan primeros detalles de la trama y tono de la serie del UCM

El elenco confirmado de Avengers: Doomsday reúne a una extensa lista de intérpretes de diversas etapas del estudio:

• Robert Downey Jr. como Doctor Doom
• Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Paul Rudd y Sebastian Stan
• Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach y Joseph Quinn (Los 4 Fantásticos)
• Patrick Stewart, Ian McKellen, Kelsey Grammer, James Marsden, Rebecca Romijn y Alan Cumming (X-Men)
• Florence Pugh, Wyatt Russell, David Harbour y Hannah John-Kamen, entre otros.

La estrategia de distribución de tiempo en pantalla en Doomsday

Gestionar un elenco de más de treinta personajes principales representa uno de los mayores desafíos logísticos y narrativos para la dirección de un proyecto de gran escala. En producciones previas como Avengers: Infinity War, la narrativa optó por agrupar a los héroes en pequeñas facciones para garantizar que cada grupo contara con un arco argumental definido dentro del conflicto principal.

Esta metodología permite equilibrar el tiempo en pantalla entre los héroes consagrados de la franquicia y las nuevas incorporaciones, asegurando que la progresión dramática no se vea entorpecida por la saturación de figuras en una sola secuencia.

La relevancia de las figuras de apoyo en Doomsday y otros eventos

Aunque los reflectores promocionales se concentren en los líderes de cada universo, la presencia de personajes de perfil táctico como Ghost resulta fundamental para resolver situaciones específicas dentro de la trama. Sus habilidades únicas aportan variedad a las secuencias de acción y sirven como catalizadores para el desarrollo de misiones secundarias durante la invasión multiversal.

La retención de ciertos detalles sobre el rol de estos héroes busca preservar elementos de sorpresa para la audiencia durante las proyecciones comerciales en salas de cine. Hasta el momento, lo único que se sabe es que conectará directamente con el final de Avengers: Endgame Bonus, que fue estrenada recientemente en el mundo entero.

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Tras el estreno de Clayface en las salas de cine de todo el mundo, la sorpresiva y fugaz aparición del actor Aaron Paul (Breaking Bad) ha sido motivo de conversación entre la comunidad de seguidores de DC Studios. En la cinta, Paul interpreta a Jimmy «One Nut», el fallecido padre del protagonista Matt Hagen, manifestándose durante la secuencia de combate en el club nocturno cuando el personaje de Tom Rhys Harries adopta su rostro para confrontar a un criminal del pasado.

En una entrevista concedida a Entertainment Weekly, el director del largometraje, James Watkins, confirmó que la breve escena no fue concebida inicialmente como un simple guiño publicitario, sino que el actor estadounidense llegó a filmar un papel secundario completo que terminó siendo eliminado durante el proceso de montaje.

La eliminación de los ‘flashbacks’ y la evolución del guion de Clayface

Según reveló Watkins, la producción llegó a rodar diversas secuencias del pasado (flashbacks) que exploraban la infancia de Matt Hagen junto a su padre. Sin embargo, a medida que avanzaba la edición de la película, el equipo creativo decidió reorientar el enfoque temático de la historia, prescindiendo del material grabado con Aaron Paul:

«En términos de intentar definir al personaje, la duda era: ¿cuánto de Matt está marcado por su pasado y cuánto es un hombre común? En un momento dado, lo analizamos y pensamos: ¿se trata de los ‘pecados del padre’? Pero en realidad, mientras trabajábamos en el guion, pensé que la noción de venganza era más universal y más accesible para todos nosotros.

No importa si llevas un trauma o no. Si nos menosprecian, cargamos con esa sensación de ser agraviados y todos queremos hacer algo, pero generalmente en la vida no podemos hacer nada al respecto y estamos desvalidos».

El cineasta añadió que la intención no era presentar a Matt como un villano que intenta ser bueno, sino como un tipo decente que, al igual que cualquier persona, sucumbe a impulsos primarios de retribución y amor.

El significado de la transformación en el club nocturno en Clayface

Respecto al significado de la breve escena en la que Matt toma la apariencia física de Jimmy frente al criminal que lo conocía, Watkins sugirió que el momento funciona como un conflicto de identidad del personaje, buscando transmitir una declaración de independencia hacia la figura paterna.

Asimismo, el director detalló la visión detrás de la escena de acción en el club nocturno, buscando generar una sensación de incomodidad progresiva en la audiencia a medida que el protagonista explora sus habilidades de cambio de forma:

«Odio en las películas cuando una persona normal de repente se convierte en un Navy SEAL o en un ninja. Siempre dije que en esa escena el súper poder de Matt es su capacidad para cambiar y disfrazarse… para luego lograr una complicidad con el público. La audiencia se engancha con Matt y lo disfruta, pero cuando empieza a ir demasiado lejos, coloca al espectador en una posición incómoda».

El equilibrio narrativo en las historias de orígenes como Clayface

La decisión de eliminar secuencias secundarias del pasado responde a la búsqueda de un ritmo narrativo fluido que priorice el conflicto central sin recargar el metraje con explicaciones innecesarias. Al centrar la trama en la espiral de venganza inmediata del personaje, la dirección logra mantener la tensión dramática dentro del género de terror psicológico.

Esta reestructuración durante la fase de postproducción demuestra el dinamismo de los procesos de edición en los grandes estudios, donde la coherencia temática prevalece sobre la inclusión de figuras de renombre en el montaje final.

La versatilidad de los recursos de edición en Clayface y el género

El uso de cameos sutiles a partir de material descartado se consolida como una alternativa eficaz para preservar la presencia de talentos de alto perfil dentro de un proyecto cinematográfico sin comprometer la estructura del libreto. Esta estrategia permite mantener vivos ciertos detalles del lore de los cómics sin restar tiempo en pantalla al conflicto principal.

El resultado final en Clayface reafirma la autonomía artística concedida a los realizadores dentro de DC Studios para ajustar sus historias en función del impacto emocional deseado para las salas de cine.

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Si alguien pensaba que Henry Cavill ya había alcanzado su límite físico interpretando a Superman, estaba bastante equivocado. El actor británico ha desvelado los sacrificios que ha tenido que afrontar para protagonizar Highlander, el esperado reinicio de Los inmortales, y su preparación parece más propia de un guerrero profesional que de una estrella de Hollywood.

La película está dirigida por Chad Stahelski, responsable de la saga John Wick, un cineasta que no suele conformarse con cuatro golpes bien colocados y una cámara moviéndose para disimularlos. Su intención de ofrecer combates espectaculares ha obligado a Cavill a dominar técnicas que van mucho más allá de levantar pesas y mantener una musculatura impresionante.

Henry Cavill necesitó dos años de entrenamiento para Highlander

Durante una entrevista con Men’s Journal, el actor explicó que su preparación comenzó mucho antes de ponerse delante de las cámaras. Durante aproximadamente dos años estuvo aprendiendo distintas disciplinas de combate, incluyendo artes marciales y técnicas de lucha con espada.

«Entrené durante unos dos años para prepararme para Highlander. Lo que hicieron fue entrenarme en diferentes estilos de artes marciales, diferentes estilos de lucha con espada y distintas disciplinas. Después, tenía todo un repertorio de movimientos y habilidades, y ellos sabían en qué era realmente bueno y en qué no lo era tanto. Así podíamos construir algo sobre la marcha, algo que ocurría constantemente».

La explicación revela un planteamiento bastante interesante. En lugar de limitarse a memorizar coreografías previamente diseñadas, Henry Cavill desarrolló una base técnica suficientemente amplia como para adaptar sus movimientos a las necesidades de cada escena.

Y tiene bastante sentido tratándose de Highlander. Estamos hablando de una franquicia cuyos protagonistas resuelven sus diferencias empuñando espadas, normalmente con consecuencias bastante definitivas para quien pierde la cabeza. Aquí no basta con tener aspecto de guerrero: también hay que saber manejar el arma.

El director de John Wick llevó los combates a otro nivel

Uno de los detalles más sorprendentes de las declaraciones de Cavill tiene que ver con la manera en que se preparaban las escenas de acción durante el propio rodaje. Aunque podríamos imaginar que una película de estas características exige ensayar cada enfrentamiento durante semanas, el actor explicó que muchas coreografías se aprendían instantes antes de comenzar a filmarlas.

«Estaba aprendiendo cada uno de los combates que hacía justo en los momentos anteriores a rodarlos. Y solo puedes hacer eso cuando tienes ese nivel de entrenamiento con alguien o con un grupo como 87Eleven, que es la compañía de Chad Stahelski».

La presencia de 87Eleven resulta especialmente significativa. La compañía está especializada en entrenamiento de especialistas y diseño de secuencias de acción, precisamente uno de los terrenos donde Stahelski ha construido su reputación.

Su trabajo en John Wick convirtió los enfrentamientos cuerpo a cuerpo en uno de los principales atractivos de la franquicia. Las peleas no se limitan a mostrar a Keanu Reeves derrotando enemigos, sino que combinan movimientos precisos, utilización del entorno y una coreografía que permite seguir lo que está sucediendo.

Aplicar esa filosofía a Highlander, donde las espadas tienen un protagonismo fundamental, abre posibilidades muy interesantes.

Un rodaje que llevó a Henry Cavill más allá del agotamiento

Aprender semejante cantidad de movimientos tiene un precio, y Cavill tampoco ha intentado disimularlo. Durante la misma entrevista reconoció que el esfuerzo físico diario fue extraordinario, aunque considera que mereció la pena.

«Cada día iba mucho más allá del agotamiento, pero siempre sentía que merecía la pena. Siempre me resultaba enormemente… bueno, ahora me resulta enormemente gratificante, y al final de cada jornada siempre sentía que había valido la pena».

Resulta curioso escuchar estas palabras de alguien que lleva años asociado a personajes físicamente imponentes. Henry Cavill ya había demostrado su capacidad para transformarse en Superman y también había empuñado espadas interpretando a Geralt de Rivia en The Witcher.

Pero Highlander parece haberle exigido algo diferente: combinar resistencia, técnica y capacidad de reacción para ejecutar secuencias complejas con muy poco margen entre el aprendizaje y la filmación. Al menos, si alguna vez decide abandonar Hollywood, parece que podría presentarse a un torneo medieval con ciertas garantías.

Highlander quiere recuperar la magia de Los inmortales

El reinicio recupera una de las franquicias fantásticas más recordadas de los años ochenta. La película original de 1986, protagonizada por Christopher Lambert y Sean Connery, presentó a un grupo de guerreros inmortales que se enfrentaban a lo largo de los siglos hasta que solo quedara uno.

Aquella combinación de fantasía, duelos con espada y una banda sonora inolvidable de Queen convirtió Los inmortales en una película de culto, aunque sus continuaciones nunca consiguieron reproducir completamente su encanto.

Ahora Henry Cavill asumirá el papel de Connor MacLeod, mientras que Chad Stahelski tendrá la responsabilidad de actualizar una historia que prácticamente pide a gritos grandes enfrentamientos cinematográficos.

La elección del director resulta especialmente atractiva porque conoce perfectamente cómo convertir un combate en una secuencia emocionante. La verdadera incógnita es si conseguirá trasladar también la personalidad, la mitología y el peculiar romanticismo de la película original.

Por el momento, Highlander continúa sin una fecha de estreno confirmada. Tampoco está claro si llegará a los cines en 2027 o 2028.

Lo que sí sabemos es que Henry Cavill se ha tomado muy en serio su transformación en un inmortal. Dos años de entrenamiento, combates aprendidos sobre la marcha y jornadas que lo llevaban al límite físico son una declaración de intenciones bastante contundente.

Ahora solo falta comprobar si todo ese esfuerzo consigue devolver a Los inmortales el espectáculo que merece. Porque si hay algo que esta franquicia nos enseñó hace cuarenta años es que solo puede quedar uno. Y Henry Cavill parece dispuesto a luchar por ese puesto.

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Marvel Studios ha confirmado que Daredevil: Born Again finalizará de manera definitiva tras la emisión de su tercera temporada. La decisión se produjo aproximadamente dos meses después de concluir el rodaje de dicha entrega, coincidiendo con la salida del showrunner Dario Scardapane, cuyo contrato llegó a su término sin ser renovado por la compañía.

Aunque la producción mantenía altos índices de aprobación por parte de la crítica especializada y los seguidores, el volumen de audiencia no alcanzó las métricas requeridas por las plataformas de streaming. Esta medida se enmarca en la reestructuración interna de Marvel Television, orientada a reducir la cantidad de proyectos en desarrollo para concentrar recursos en producciones de alto impacto.

Las declaraciones de Vincent D’Onofrio y el futuro de Daredevil

Durante una presentación en la London Comic Con, el actor Vincent D’Onofrio (quien interpreta a Wilson Fisk / Kingpin) abordó la conclusión del proyecto de forma directa:

«Esto no ha terminado hasta que decidan cambiar a los actores de nuestros personajes».

D’Onofrio expresó además su interés en mantener la presencia del antagonista en futuras producciones del estudio, señalando la posibilidad de un eventual enfrentamiento entre el Kingpin y Spider-Man en la gran pantalla. Aunque existen rumores sobre una posible participación de Charlie Cox y D’Onofrio en largometrajes como Avengers: Secret Wars, el estudio no ha confirmado planes específicos para el traslado de los personajes al ámbito cinematográfico.

Brad Winderbaum aclara la estrategia y el impacto tras Daredevil

En entrevista con el periodista Brandon Davis, el jefe de Marvel Television, Animación y Cómics, Brad Winderbaum, explicó que la estructura de tres temporadas formaba parte de la planificación del estudio para cerrar un ciclo narrativo:

«El plan siempre fue hacer una tercera temporada y culminar allí. La forma en que lo veíamos es que la serie original tuvo tres temporadas y Born Again tendría tres temporadas. Son como colecciones de cómics que puedes encajar en tus estantes».

Sin embargo, el ejecutivo reconoció que las cifras de reproducciones influyen directamente en la continuidad de las franquicias dentro de la plataforma:

«El mayor margen de maniobra que tengo, y lo digo todo el tiempo, son los números reales de audiencia. De ahí obtengo el respaldo para poder hacer algo o no. La forma en que lo veíamos es: la serie original son tres temporadas, Born Again son tres temporadas… y luego tomaremos un respiro y resolveremos qué sigue para el personaje».

Si quieres saber más de las series del UCM, te recomendamos leer el siguiente artículo: Zodiac: revelan primeros detalles de la trama y tono de la serie del UCM

La cancelación de Wonder Man antes de Daredevil y los ajustes del UCM

En el marco de esta reestructuración, la cancelación de la serie Wonder Man tras haber sido renovada previamente para una segunda temporada representó otra decisión relevante para la división de televisión. Winderbaum comentó sobre la situación del proyecto desarrollado por Destin Daniel Cretton y Andrew Guest:

«Luché por ello, no sé qué decir. Es complicado. A veces sientes que eres invencible y que puedes hacer lo que quieras, y a veces no tienes el margen de maniobra; estás sujeto a fuerzas del mercado que apenas entiendo. Creativamente fue uno de los mejores equipos con los que he trabajado. Todo el mundo en Marvel quería que sucediera».

Ficha técnica y sinopsis de la temporada 2 de Daredevil: Born Again

A lo largo de ocho episodios, la segunda temporada de la serie abordará el conflicto directo entre el alcalde Wilson Fisk y el vigilante de Hell’s Kitchen:

«A lo largo de ocho apasionantes episodios, la supervivencia, la resistencia y la redención chocan a medida que comienza la batalla por el alma de Nueva York. En la segunda temporada, el alcalde Wilson Fisk aplasta la ciudad de Nueva York bajo sus pies mientras persigue al enemigo público número uno, el vigilante conocido como Daredevil«, comentó.

Asimismo, agregó: «Pero debajo de la máscara con cuernos, Matt Murdock intentará luchar desde las sombras para derribar el imperio corrupto del Kingpin y redimir su hogar. Resiste. Rebélate. Reconstruye».

La transición del modelo de series de streaming como Daredevil

El cierre de Daredevil: Born Again refleja un cambio de paradigma en la producción de contenido para servicios de transmisión por suscripción. Las grandes compañías de entretenimiento han dejado atrás la fase de expansión masiva de catálogos para enfocarse en la sostenibilidad financiera, priorizando proyectos que garanticen altos niveles de retención de audiencia.

Esta reorientación estratégica implica temporadas más breves y una selección más rigurosa de las propiedades intelectuales que reciben renovación, asegurando que las inversiones en producción generen retornos medibles para los estudios.

La preservación del tono urbano dentro del UCM en Daredevil

Pese al cierre de estas producciones televisivas, la vertiente urbana y de tono maduro establecida en historias como las de Hell’s Kitchen mantiene un valor relevante para la identidad del estudio. La integración de estos personajes en el panorama general del UCM permite mantener la diversidad de géneros dentro de la franquicia.

Los seguidores del personaje aguardan los anuncios oficiales respecto a las próximas apariciones de Matt Murdock y Wilson Fisk en los proyectos cinematográficos planeados para las siguientes fases del estudio.

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Berserk continúa avanzando hacia uno de los enfrentamientos más importantes de su historia. Dark Horse Comics ha anunciado que el volumen 43 que recupera una aventura que lleva décadas poniendo a prueba tanto a sus protagonistas como a la paciencia de sus lectores.

La nueva entrega contará con 220 páginas y situará a Guts y sus compañeros en territorio del Imperio Kushan, donde las tensiones políticas amenazan con desencadenar una guerra contra Falconia, la ciudad gobernada por Griffith. Y conociendo los antecedentes de ambos personajes, cuesta imaginar que todo vaya a solucionarse mediante una conversación civilizada.

Una nueva guerra amenaza con sacudir el mundo de Berserk

Reminder: The #Berserk release continues on November 24th with Berserk Volume 43, carrying forth legendary creator Kentaro Miura’s legacy. Pre-order: https://t.co/b3PNvMHB5E

The crew of the Seahorse find that they have intruded into the territorial waters of the vast Kushan Empire!

#DHManga

— Dark Horse Comics (@DarkHorseComics) October 23, 2026

La historia retoma los acontecimientos posteriores a la destrucción de la Isla de los Elfos. Los supervivientes, que viajan a bordo del Seahorse, descubren que han entrado en aguas controladas por el gigantesco Imperio Kushan.

Su situación no tarda en complicarse. Unos asaltantes abordan el barco y el grupo acaba separado: mientras los compañeros de Guts son acogidos como refugiados, el Espadachín Negro es conducido encadenado hacia un destino incierto. Pero el verdadero peligro se está gestando lejos del barco.

Los diferentes clanes Kushan preparan un gran consejo para decidir si deben declarar la guerra a Falconia. El objetivo sería enfrentarse directamente al poder de Griffith, cuya influencia ya se ha extendido hasta el imperio mediante una peligrosa hechicería.

Lo preocupante es que Guts, el hombre que normalmente responde a cualquier amenaza con una espada absurdamente grande, atraviesa uno de sus momentos más oscuros. Su estado emocional podría impedirle intervenir cuando más se le necesita.

El Imperio Kushan tiene cuentas pendientes con Griffith

Para comprender la importancia de este posible enfrentamiento hay que recordar el papel que desempeñó el Imperio Kushan en anteriores acontecimientos de la saga.

Su antiguo gobernante, Ganishka, protagonizó una devastadora guerra contra Midland y terminó experimentando una transformación monstruosa que contribuyó a alterar profundamente el mundo de Berserk.

Aquellos acontecimientos estuvieron relacionados con el nacimiento de Falconia, la ciudad que Griffith gobierna y que representa uno de los grandes centros de poder de la historia.

Ahora, el regreso al territorio Kushan recupera una rivalidad que podría tener consecuencias enormes. La posibilidad de una ofensiva contra Falconia abre un nuevo frente mientras Guts continúa atrapado en su particular infierno.

Y lo interesante es que el conflicto ya no depende únicamente de la eterna rivalidad entre ambos personajes. Las decisiones de todo un imperio podrían determinar el rumbo de los próximos acontecimientos.

El legado de Kentaro Miura sigue adelante

La publicación de cada nuevo volumen tiene un significado especial desde el fallecimiento de Kentaro Miura en 2021.

El creador comenzó a publicar Berserk en 1989 y construyó una de las obras más influyentes de la fantasía oscura. Su combinación de terror, violencia medieval, tragedia y personajes extraordinariamente complejos dejó una huella que todavía puede reconocerse en numerosos mangas, videojuegos y otras obras de ficción.

Tras su muerte, el futuro de la serie quedó en el aire. Muchos lectores asumieron que nunca llegarían a conocer el desenlace de la historia de Guts.

Sin embargo, en 2022 se anunció que el manga continuaría gracias al trabajo de Studio Gaga, el equipo de asistentes que había colaborado con Miura, y bajo la supervisión narrativa de Kouji Mori.

Mori, amigo personal del autor y creador de obras como Holyland, explicó que Miura había compartido con él numerosos detalles sobre el desarrollo de Berserk a lo largo de los años.

Ese conocimiento constituye la base sobre la que continúa construyéndose la historia. No se trata de sustituir a su creador, una tarea prácticamente imposible, sino de intentar llevar su obra hacia el destino que había imaginado.

El volumen 43 de Berserk llegará con contenido adicional

Dark Horse Comics también ha detallado los extras que acompañarán a esta nueva edición en inglés, traducida por Duane Johnson. El volumen incluirá una ilustración desplegable a doble cara y a todo color, un epílogo escrito por Kouji Mori y una historieta adicional dedicada a Kentaro Miura.

Su precio anunciado es de 14,99 dólares y estará recomendado para lectores mayores de 18 años, algo que tampoco debería sorprender a cualquiera que haya pasado más de cinco minutos entre las páginas de Berserk.

La editorial mantiene una larga relación con la franquicia, tanto mediante sus ediciones tradicionales como con los populares volúmenes Deluxe de tapa dura, que recopilan tres tomos originales en cada entrega.

Estas publicaciones han contribuido a acercar la obra a nuevas generaciones de lectores occidentales, muchos de los cuales conocieron inicialmente a Guts a través de sus adaptaciones animadas.

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Laika llevaba demasiado tiempo sin estrenar una película. Desde Mr. Link: El origen perdido en 2019, el estudio responsable de Coraline, ParaNorman y Kubo y las dos cuerdas mágicas había permanecido fuera de las salas mientras la animación atravesaba una transformación enorme. Wildwood supone su regreso y también su proyecto más ambicioso hasta la fecha, una aventura fantástica que convierte Portland y los bosques que la rodean en un mundo de animales parlantes, ejércitos de coyotes, bandidos, druidas, criaturas imposibles y guerras donde los niños no están protegidos de las consecuencias.

Travis Knight vuelve a dirigir una película animada del estudio una década después de Kubo, y se nota que Laika no quería regresar haciendo simplemente otra producción artesanalmente preciosa. Wildwood intenta ampliar los límites del stop-motion hasta una escala que durante buena parte del metraje parece más propia de una gran superproducción de fantasía, con más de un centenar de decorados construidos, centenares de marionetas y una integración entre animación física y retoques digitales tan sofisticada que en determinados momentos cuesta recordar cuánto de aquello ha sido creado moviendo figuras milímetro a milímetro.

El resultado es visualmente extraordinario y emocionalmente mucho más adulto de lo que puede sugerir inicialmente una historia protagonizada por dos niños y un ejército de animales. Su principal problema nace precisamente de esa misma ambición: Wildwood quiere contar tantas cosas, introducir tantos personajes y recorrer tantos rincones de su mundo que sus más de dos horas no siempre consiguen dar a cada idea el espacio que necesita. Aun así, resulta difícil no dejarse conquistar por una película que recuerda por qué la animación artesanal continúa siendo capaz de provocar una clase de asombro muy difícil de replicar.

Prue entra en un bosque que parece construido para perderse durante horas

La historia comienza en Portland, donde Prue McKeel, interpretada vocalmente por Peyton Elizabeth Lee, vive con unos padres cariñosos, pero particularmente insistentes en una norma: nunca debe llevar a su hermano pequeño Mac demasiado lejos de casa. Prue considera que las advertencias alrededor del bosque situado en las afueras de la ciudad forman parte de esas historias exageradas que los adultos utilizan para mantener a los niños alejados de determinados lugares, hasta que un grupo de cuervos aparece en un parque, secuestra al bebé y desaparece precisamente dentro de esa región conocida como el Bosque Infranqueable.

Acompañada por Curtis, un compañero de clase torpe, bienintencionado y aficionado a los juegos de rol al que pone voz Jacob Tremblay, Prue atraviesa una frontera imposible y descubre que detrás de los árboles existe una sociedad completa que permanece oculta para el resto de Portland. Humanos y animales hablan, distintas facciones compiten por el control del territorio y una poderosa gobernadora llamada Alexandra, interpretada por Carey Mulligan, parece encontrarse detrás de la desaparición de Mac.

La estructura recuerda inevitablemente a los grandes relatos infantiles donde cruzar una puerta, un armario o un puente significa abandonar las reglas del mundo conocido. Las crónicas de Narnia está presente, pero también Tolkien, Dentro del laberinto y cierta tradición de cuentos donde lo maravilloso nunca está completamente separado de lo peligroso. La gran virtud de Knight consiste en no tratar esas referencias como un catálogo de homenajes, sino como un lenguaje desde el que construir algo con personalidad propia.

Laika convierte cada decorado en una razón para mirar la pantalla un poco más

Resulta difícil hablar de Wildwood sin detenerse en su construcción visual porque la película parece empeñada en desmontar cualquier idea preconcebida sobre las limitaciones del stop-motion. Portland está llena de pequeños detalles reconocibles, tiendas extravagantes, bicicletas, carteles y esa mezcla entre modernidad, naturaleza y excentricidad que Laika conoce especialmente bien porque el propio estudio pertenece a esa ciudad. Cuando la historia atraviesa la frontera del bosque, la escala aumenta hasta convertirse en algo todavía más impresionante.

El trabajo de los animadores no destaca solamente cuando aparece una gran batalla o una persecución aérea. También está en la manera en la que un personaje baja los hombros cuando tiene miedo, cómo una criatura observa a otra antes de responder, los tejidos de los trajes, la vegetación, las casas, las armas o la enorme variedad de animales que comparten plano sin parecer procedentes de producciones distintas. La cinematografía de Caleb Deschanel ayuda además a que esos decorados respiren como espacios cinematográficos reales y no como pequeñas construcciones fotografiadas desde muy cerca.

La integración de efectos digitales es tan refinada que ocasionalmente puede jugar incluso en contra del propio mérito artesanal, porque determinados movimientos y escenarios resultan tan fluidos que el espectador puede olvidar el trabajo físico que existe detrás. Sin embargo, basta fijarse en cualquier detalle secundario para recuperar inmediatamente esa sensación de estar contemplando algo construido a mano, y esa dualidad se convierte en una parte importante del encanto de la película.

Wildwood es considerablemente más oscura de lo que parece

Quien entre esperando exclusivamente una aventura familiar amable probablemente descubra bastante rápido que Laika sigue sin tener demasiado interés en proteger a los espectadores jóvenes de las partes incómodas de sus historias. Wildwood contiene humor y personajes adorables, pero también muerte, traición, dolor, campos de batalla, pérdidas familiares y una violencia sorprendentemente explícita para una película de animación dirigida a un público amplio.

La propia Alexandra está construida alrededor de una tragedia que explica, aunque no necesariamente justifica, aquello en lo que ha terminado convirtiéndose. Su dolor sirve además para conectar con una de las ideas centrales de la película: la adversidad puede destruirnos, pero también puede obligarnos a decidir qué clase de persona queremos ser después de atravesarla.

Prue y Curtis también deben enfrentarse a situaciones que otras producciones familiares habrían suavizado considerablemente. Laika confía en que los espectadores jóvenes sean capaces de comprender conceptos relacionados con el duelo, la responsabilidad, la manipulación ideológica y la necesidad de aceptar que determinadas pérdidas no pueden repararse simplemente deseándolo con suficiente fuerza.

Esa confianza conecta Wildwood con algunas de las mejores películas de Studio Ghibli. La comparación con La princesa Mononoke no resulta únicamente estética, porque ambas historias comparten una visión de la naturaleza donde belleza y peligro forman parte del mismo sistema. El bosque puede resultar maravilloso y terrible al mismo tiempo, del mismo modo que sus habitantes pueden defender causas legítimas utilizando métodos difíciles de aceptar.

Carey Mulligan encuentra una villana mucho más triste que malvada

El reparto vocal es gigantesco y demuestra hasta qué punto Laika continúa siendo capaz de atraer nombres importantes. Peyton Elizabeth Lee y Jacob Tremblay funcionan especialmente bien como Prue y Curtis, mientras Carey Mulligan evita convertir a Alexandra en una simple bruja de cuento. Existe crueldad en el personaje, pero también una tristeza que ayuda a comprender cómo alguien puede acabar tomando decisiones monstruosas convencido de que está intentando reparar algo que perdió.

A su alrededor aparecen Mahershala Ali como Brendan, el Rey de los Bandidos; Awkwafina como una rata; Angela Bassett como un águila real; Charlie Day como un coyote; Amandla Stenberg, Richard E. Grant, Jemaine Clement, Tom Waits, Blythe Danner y Tantoo Cardinal, entre otros. La cantidad de voces reconocibles podría haber convertido el reparto en una distracción, pero la mayoría consigue integrarse dentro del mundo sin parecer famosos haciendo cameos sonoros.

Especialmente importante resulta que ningún personaje interprete la fantasía como si estuviera por encima de ella. Los actores vocales aceptan completamente las reglas del universo y eso evita que la película caiga en ese tipo de humor autoconsciente que constantemente necesita recordar al espectador lo absurdo que resulta aquello que está viendo.

La película quiere contar demasiado y ahí aparece su mayor debilidad

La ambición que hace extraordinaria a Wildwood también provoca sus problemas. La película acumula más trama de la que cabría esperar en una aventura familiar de poco más de dos horas, con facciones políticas, historias familiares, flashbacks, conflictos entre comunidades, personajes secundarios y una guerra que necesita desarrollarse al mismo tiempo que Prue intenta encontrar a su hermano.

Algunas ideas terminan resolviéndose demasiado rápido, especialmente determinados elementos relacionados con la conexión de Prue con el bosque y la historia previa de varios personajes. Los bandidos, por ejemplo, podrían haber tenido un desarrollo considerablemente mayor teniendo en cuenta la importancia que terminan adquiriendo dentro del conflicto, mientras algunas revelaciones apenas disponen del tiempo necesario para asentarse antes de que la película avance hacia la siguiente gran secuencia.

Esto afecta también a los temas. Wildwood habla de duelo, familia, naturaleza, fanatismo, comunidad, diferencias sociales y la manera en la que respondemos al sufrimiento, pero no todas esas líneas reciben la misma profundidad. El mundo es tan bonito que además apetece permanecer en él durante más tiempo, y paradójicamente la película rara vez permite hacerlo porque siempre existe otro acontecimiento esperando unos minutos después.

Es una debilidad curiosa porque no nace de falta de ideas, sino exactamente de lo contrario. Laika ha construido un universo tan rico que una sola película parece quedarse pequeña para contenerlo.

Cuando Wildwood aumenta la escala, el stop-motion parece romper sus propios límites

Las grandes secuencias son probablemente aquello que terminará definiendo la película dentro de la historia del estudio. Una persecución protagonizada por aves demuestra hasta qué punto Laika ha conseguido ampliar la sensación de velocidad y profundidad dentro de un medio tradicionalmente asociado a espacios mucho más contenidos, mientras la batalla final alcanza una escala que recuerda más a El Señor de los Anillos que a cualquier precedente evidente dentro del stop-motion comercial.

Lo impresionante es que esa espectacularidad no elimina completamente el detalle. En mitad de grandes movimientos de tropas continúan apareciendo gestos pequeños, animales reaccionando al peligro y personajes cuya expresividad depende de modificaciones minúsculas realizadas fotografía a fotografía. Esa convivencia entre lo gigantesco y lo artesanal es probablemente el mayor triunfo técnico de Travis Knight.

La película demuestra que el stop-motion no necesita competir con la animación digital intentando parecer otra cosa. Puede aprovechar herramientas digitales sin abandonar aquello que lo hace especial, utilizando el ordenador para ampliar un mundo cuyo corazón continúa estando formado por objetos físicos, texturas reales y personajes que existen delante de una cámara.

Laika llevaba siete años fuera y Wildwood recuerda cuánto se echaba de menos

Wildwood no tiene la sencillez narrativa de Coraline ni probablemente la precisión emocional de Kubo y las dos cuerdas mágicas, porque Travis Knight y su equipo parecen haber decidido que su regreso debía ser todo lo contrario a una producción prudente. La película intenta construir un mundo entero, contar una aventura infantil, hablar sobre el duelo, desarrollar una guerra entre facciones y llevar la animación stop-motion hacia una escala que el estudio nunca había intentado anteriormente.

No todo encaja con la misma precisión y existen momentos donde la cantidad de acontecimientos amenaza con devorar a los propios personajes, pero la enorme personalidad de la película termina imponiéndose sobre sus excesos. Sus mejores momentos no funcionan únicamente porque resulte increíble pensar cómo fueron realizados, sino porque el trabajo técnico siempre está al servicio de emociones reconocibles: miedo a perder a alguien, necesidad de pertenecer, dificultad para aceptar aquello que no podemos cambiar y valentía para avanzar incluso cuando hacerlo resulta aterrador.

En un panorama de animación cada vez más dominado por procesos digitales capaces de producir imágenes técnicamente impecables, Laika vuelve después de siete años defendiendo algo mucho más sencillo: que también importa sentir que detrás de cada plano hubo personas construyendo, pintando, cosiendo, iluminando y desplazando físicamente ese mundo.

Wildwood puede ser excesiva, abarrotada y ocasionalmente agotadora, pero también es una de esas películas donde resulta imposible separar la historia de la admiración por quienes consiguieron hacerla existir. Travis Knight ha creado una aventura oscura, hermosa y extrañamente cálida sobre quienes nunca terminan de encajar, y Laika regresa recordándonos que la animación todavía puede producir auténtica magia sin necesidad de esconder las manos que la hacen posible. Sigue Cinemascomics en Google Discover para más críticas.

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Vengadores: Doomsday tiene una responsabilidad considerable. No le basta con reunir superhéroes, colocar a Doctor Doom frente a ellos y dejar que el espectáculo haga el resto. Marvel Studios necesita demostrar que todavía sabe construir uno de esos acontecimientos cinematográficos capaces de convertir cada estreno en una cita obligatoria.

Y las primeras informaciones sobre cómo está funcionando la película ante el público parecen jugar a su favor. Según recoge CB, una supuesta proyección de prueba celebrada la semana pasada habría obtenido una valoración muy favorable. Una de las reacciones filtradas describe la película como «mucho mejor de lo esperado».

Es una frase breve, pero tiene bastante miga. Especialmente cuando hablamos de una producción sobre la que pesan tantas expectativas como dudas.

Vengadores: Doomsday podría haber superado su primera gran prueba

La información procede de un reporte difundido en redes sociales y todavía no cuenta con confirmación oficial de Marvel Studios. Tampoco se han publicado detalles verificables sobre los asistentes, las puntuaciones de la proyección o los aspectos concretos que habrían recibido mejores valoraciones.

Por tanto, sería precipitado hablar de un éxito asegurado. No estamos ante las primeras críticas profesionales ni ante un consenso del público, sino ante una reacción favorable atribuida a un pase privado.

Aun así, hay un detalle interesante: la persona que habría compartido esa impresión sobre Vengadores: Doomsday no se limita a describir la película como buena, sino que señala que supera lo que esperaba encontrar.

Y eso puede resultar especialmente significativo para una franquicia que durante años acostumbró al público a esperar auténticas barbaridades cinematográficas. Después de ver a Thanos borrar a medio universo con un chasquido, el listón quedó colocado en un lugar bastante incómodo.

Por ahora, la filtración no permite saber si lo que más habría impresionado es la historia, el espectáculo visual, las interpretaciones o alguna sorpresa del argumento. Precisamente por eso conviene no atribuirle virtudes que todavía nadie ha podido comprobar públicamente.

Marvel necesita algo más que el regreso de sus grandes estrellas

La última vez que los Vengadores protagonizaron su propia película fue en 2019, cuando Vengadores: Endgame puso punto final a la Saga del Infinito. Aquella despedida dejó algunos de los momentos más recordados del Universo Cinematográfico de Marvel, pero también creó un problema considerable: encontrar una historia capaz de estar a la altura.

Desde entonces, el estudio ha estrenado numerosas películas y series, con resultados desiguales. Ha conseguido éxitos importantes, pero también ha tenido dificultades para reproducir aquella sensación de que cada nueva aventura formaba parte de algo verdaderamente imprescindible.

Ahora pretende recuperar esa emoción mediante una reunión de personajes que parecía impensable hace apenas unos años en Vengadores: Doomsday.

El regreso de Robert Downey Jr., esta vez interpretando a Doctor Doom en lugar de Tony Stark, es probablemente su movimiento más llamativo. También destaca la vuelta de Chris Evans como Steve Rogers, después de que Endgame ofreciera al Capitán América una despedida aparentemente definitiva. Son decisiones capaces de despertar una enorme curiosidad, aunque también plantean preguntas delicadas.

El verdadero desafío de Doctor Doom en Vengadores: Doomsday

Robert Downey Jr. tiene por delante una tarea particularmente complicada: conseguir que el público deje de ver a Iron Man cuando aparezca Doctor Doom.

No hablamos simplemente de cambiar una armadura por otra. Tony Stark fue durante más de una década uno de los pilares emocionales del MCU, y utilizar al mismo actor para interpretar a un villano tan importante supone una apuesta creativa de enorme calibre.

Marvel tendrá que convencer al espectador de que Doom funciona como personaje por sus propios méritos, no únicamente por el impacto de reconocer el rostro de quien salvó el universo en Endgame. Por supuesto, si el estudio consigue aprovechar esa familiaridad para construir un conflicto interesante, podría tener entre manos uno de los grandes atractivos de la película.

Vengadores: Doomsday se estrenará el 18 de diciembre de 2026, así que ya queda menos para que podamos ver todo lo que han preparado. Así que, síguenos en Google Discover para no perderte nada sobre el Universo Cinematográfico de Marvel.

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Llegamos al ecuador de la etapa de John Byrne al frente de la cabecera de la Primera Familia de Marvel, con el final de una trama muy dilatada en el tiempo relacionada con Galactus y su importancia dentro del universo. Panini Cómics se cuelga la toga para empezar el proceso contra… Reed Richards.

Muerte, poderes cósmicos y la corte de justicia

El ejercicio que hace John Byrne a lo largo de sus episodios en Los Cuatro Fantásticos plantea diversos subargumentos que se van alargando y mezclándose con otras tramas. A la ya nombrada saga de Galactus hay que añadir otras que derivan de la misma, como puede ser la intervención del Doctor Muerte en su afán por lograr el poder cósmico de los heraldos del Devorador de Mundos.

En este caso su propia inquina es la que lo va a condenar a forjar una historia río muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados, pues su aparente muerte lo va a llevar a un complejo viaje que incluso llegará a activar sus medidas de contención, aunque todo eso lo veremos más adelante.

En estas páginas asistiremos al final de ese principio, al pago de su deuda por pretender la consecución de un poder alejado de su alcance en ese momento. Y así como vemos esa deriva hacia historias mayores, vislumbramos el final de lo que se conoció como El Juicio de Galactus, y así se ha recopilado desde entonces incluso de forma individual. El problema o la solución original es que el número designado coincidió con el que entonces se conocía como El Mes de los Editores Asistentes, coincidiendo con la celebración de la Comic Con de San Diego.

En aquellos años se aprovechaba para generar un episodio diferente, marcado por la irreverencia, como llegó a suceder en Spiderman cuando la Tía May se convirtió en Heraldo de Galactus. Para Los Cuatro Fantásticos el desenlace contó con un protagonista muy excepcional, el propio Byrne a modo de cronista, dejando para el recuerdo cómo Reed Richards terminó siendo absuelto de crímenes contra el universo por ayudar a Galactus a sobrevivir, narración que también hemos visto anteriormente en estos recopilatorios.

El Hombre Topo y el viaje a las Secret Wars

No era la primera vez que el primer villano que se puso en el camino de Los Cuatro Fantásticos, Marvel se colaba en un episodio donde Reed y Susan anduviesen buscando un hogar en el que criar a Franklin alejado del mundanal ruido de la gran ciudad. Pero era solo algo testimonial, en realidad la narrativa conducía a una interrelación con Ben y Johnny, secuestrado este último para activar el núcleo del planeta Tierra y así lograr aumentar el tamaño del mismo.

El Hombre Topo hace aparición para ayudar a salvar el día, en lugar de ser el enemigo a batir. Es uno de esos casos en los que los autores de cómic nos enseñan que cada personaje tiene una cantidad compleja de capas, sin definir claramente un posicionamiento entre ser bueno o malo. La aventura de dos números coloca al gobernante de Subterránea en una posición que se recuperaría para el remate final de la etapa de Byrne al frente de la cabecera.

Y entonces llegó ese objeto similar a un estado de deportes, colocado por arte de magia en Central Park, sobre el prado conocido como Sheep Meadow. Sirvió de reclamo a multitud de héroes que lo abordaron, llamados directamente por un constructo que desapareció cuando tuvo dentro a Los Cuatro Fantásticos, Los Vengadores, La Patrulla-X y algún otro héroe de los que actúan de forma individual.

Todo un desplazamiento por el cosmos hasta Mundo de Batalla que no se vio en las colecciones habituales de los personajes sino en la maxiserie Marvel Super Heroes Secret Wars. Los supers desaparecieron al final de un número para regresar al siguiente, casi como si nada, aunque algunos si mostraron variaciones, el traje negro de Spiderman, por poner un ejemplo, y en lo relativo a la Primera Familia, la sustitución de Ben por Hulka.

Segundo embarazo de Susan

Llegaron directos para abordar el desenlace de esa trama, que se venía arrastrando desde poco tiempo antes. La frustración y la sensación de no haber podido hacer lo suficiente es uno de los lastres que arrojará el regreso de las Guerras Secretas. Ni siquiera buscar el apoyo del Doctor Octopus dará claridad a una situación compleja, tarde, mal y nunca, que diríamos los españoles. La primera hija de Reed y Sue tendría que esperar bastante tiempo para aparecer y ese dolor desembocará en argumentos que próximamente llevaran a Byrne a mostrar la mayor evolución de La Chica Invisible en prácticamente toda su historia.

Por el camino nos hemos dejado sin citar un más que interesante crossover con la colección de Alpha Flight, donde Sue se unirá a Namor para ayudarle a encontrar a Marrina, así como diversos números de La Cosa en su propia colección o historias contenidas en algunos especiales de la época, como Fantastic Four Special Edition #1 o The Marvel Fumetti Book #1, curiosidad esta última al ser una especie de fotonovelas con personal del Bullpen, incluido Byrne. También una aventura de Marvel Fanfare #15 protagonizada por La Cosa, con algo de colaboración de La Antorcha Humana, realizada íntegramente por Barry Windsor-Smith. En resumen, un volumen imprescindible, como lo es toda la etapa de Byrne en Los 4F.

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El reparto de Vengadores: Doomsday sigue creciendo, aunque a estas alturas Marvel Studios probablemente necesite un edificio entero para reunir a todos sus actores. Según ha confirmado The Hollywood Reporter, Sandra Hüller participará en la próxima gran película del Universo Cinematográfico Marvel.

La actriz alemana, nominada al Óscar por su extraordinario trabajo en Anatomía de una caída (2023), también ha destacado en La zona de interés y Proyecto Salvación. Su incorporación llevaba varias semanas circulando como rumor, pero ahora sabemos que formará parte de la película.

Eso sí, parece que su participación será breve. Hüller tendría un cameo, aunque las posibilidades sobre su personaje resultan especialmente interesantes para quienes conocen la historia de Doctor Doom en los cómics.

¿Interpretará Sandra Hüller a la madre de Doctor Doom en Vengadores: Doomsday?

Una de las teorías más interesantes apunta a que Sandra Hüller podría interpretar a Cynthia von Doom, la madre de Victor von Doom. Y aunque pueda parecer un personaje secundario, en los cómics de Marvel tiene una importancia enorme.

Cynthia era una hechicera cuya relación con las fuerzas demoníacas acabó provocando su condena al infierno. Su trágico destino marcó profundamente a Victor, que dedicó parte de su vida a intentar rescatar su alma.

Esta historia también está relacionada con las cicatrices del villano y con su obsesión por dominar tanto la ciencia como la magia. Porque Doctor Doom no es simplemente un genio con una armadura impresionante: también es uno de los grandes practicantes de las artes místicas de Marvel.

Si la película decide explorar estos acontecimientos, un cameo de Hüller podría servir para mostrarnos una faceta mucho más personal del personaje interpretado por Robert Downey Jr.

Las misteriosas brujas de Latveria son otra posibilidad

La segunda teoría apunta a que Sandra Hüller podría interpretar a una de las misteriosas brujas de Latveria, el país ficticio gobernado por Doctor Doom en los cómics. Esta posibilidad encajaría con el componente sobrenatural del villano, un aspecto que los hermanos Russo parecen interesados en destacar.

Los directores han explicado recientemente que la magia de Doom es antigua y poderosa. También han insistido en que se trata de un personaje extraordinariamente inteligente, capaz de estudiar a sus enemigos y planificar cada enfrentamiento hasta el último detalle.

Dicho de otra manera, no estamos ante un villano que improvisa su plan mientras los Vengadores le destrozan el ejército. Doctor Doom suele llevar varios movimientos de ventaja, y su conocimiento de la magia podría hacerlo todavía más peligroso. Si Hüller interpreta a una de estas hechiceras, queda por descubrir si será un personaje completamente nuevo o una variante de alguien conocido.

Vengadores: Doomsday podría profundizar en los orígenes de su gran villano

Lo verdaderamente interesante de este fichaje no es únicamente contar con una actriz del prestigio de Sandra Hüller, sino lo que podría significar para la historia. Con tantos superhéroes reunidos, uno de los grandes desafíos de Vengadores: Doomsday será desarrollar a Doctor Doom sin convertirlo simplemente en el enemigo al que todos deben derrotar.

Mostrar su pasado, sus vínculos familiares o su conexión con la magia podría ayudar a construir un antagonista más complejo. Y si Marvel aprovecha bien esos elementos, quizá consiga que el público entienda sus motivaciones sin necesidad de justificar sus acciones.

Vengadores: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, bajo la dirección de Anthony y Joe Russo. Con Robert Downey Jr. convertido en Doctor Doom, la película todavía tiene muchos misterios por resolver.

Y puede que uno de los más interesantes no esté relacionado con sus planes para destruir a los Vengadores, sino con aquello que convirtió a Victor von Doom en el hombre que conocemos.

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Prime Video no piensa limitar el universo de Fallout a su serie de ficción. La plataforma ha puesto fecha a Fallout Shelter: The Experiment, un nuevo programa de competición sin guion inspirado tanto en la franquicia de videojuegos como en la adaptación televisiva protagonizada por Ella Purnell, que llevará la filosofía de los refugios de Vault-Tec directamente al terreno del reality.

La propuesta se estrenará el 13 de enero de 2027 con sus cuatro primeros episodios, mientras los restantes llegarán a razón de tres capítulos semanales hasta completar su emisión el 27 de enero. Prime Video lanzará el programa de manera exclusiva en más de 240 países y territorios, lo que deja claro que Amazon pretende tratar esta producción como una extensión global de una de sus propiedades más reconocibles y no como un experimento menor destinado únicamente a los seguidores más entregados.

El concepto, además, parece diseñado específicamente para aprovechar aquello que siempre ha hecho inquietante a Vault-Tec: colocar a personas aparentemente corrientes dentro de un entorno controlado y observar qué sucede cuando empiezan a aparecer decisiones difíciles, presión psicológica y dilemas donde elegir correctamente puede no resultar tan sencillo.

Fallout Shelter: The Experiment meterá a sus concursantes dentro de un refugio de Vault-Tec

La premisa resulta bastante más cercana al espíritu de Fallout de lo que podría sugerir inicialmente la etiqueta de reality. Los participantes serán introducidos dentro de refugios antinucleares de última generación construidos por Vault-Tec, donde deberán demostrar hasta qué punto están preparados para sobrevivir a un hipotético apocalipsis.

La competición no se limitará a pruebas físicas. Prime Video adelanta que los concursantes tendrán que enfrentarse a ejercicios de alta intensidad, dilemas psicológicos y pruebas de comportamiento con implicaciones morales, una combinación que encaja especialmente bien con la imagen de Vault-Tec como una organización interesada no solamente en preservar vidas, sino en estudiar cómo reaccionan las personas cuando las reglas de la sociedad dejan de funcionar.

El objetivo será sobrevivir a todas esas pruebas hasta que uno de los habitantes del refugio termine imponiéndose sobre los demás y consiga un premio nada despreciable: un millón de dólares.

La clave estará probablemente en hasta dónde quiera llegar el programa con esa idea. El universo de Fallout utiliza desde hace años los refugios como espacios donde las reglas aparentemente racionales esconden experimentos sociales cada vez más incómodos, por lo que trasladar esa filosofía a un formato competitivo abre posibilidades bastante más interesantes que construir simplemente una sucesión de pruebas físicas ambientadas con monos azules y puertas metálicas.

Prime Video estrenará cuatro episodios de golpe en enero

Amazon ha optado por una estrategia híbrida para el lanzamiento. Los cuatro primeros episodios estarán disponibles el 13 de enero de 2027, permitiendo que los espectadores conozcan rápidamente a los participantes y las primeras dinámicas dentro del refugio, mientras los siguientes capítulos se repartirán semanalmente en bloques de tres hasta el 27 de enero.

La distribución busca combinar dos modelos que cada vez aparecen con más frecuencia dentro del streaming: ofrecer suficiente contenido inicial como para enganchar al público y mantener después una conversación semanal alrededor de la evolución de la competición.

Para una producción construida alrededor de alianzas, decisiones y reacciones bajo presión, el formato puede resultar especialmente útil porque evita que toda la temporada desaparezca dentro de un único fin de semana y deja espacio para que los espectadores discutan qué participantes parecen adaptarse mejor al particular experimento de Vault-Tec.

El reality estará conectado creativamente con el equipo de Fallout

Otro detalle importante es que Fallout Shelter: The Experiment no está siendo desarrollado completamente al margen de quienes trabajan en el universo principal. La serie está producida por Studio Lambert, en coproducción con Kilter Films y en asociación con Bethesda Game Studios, una combinación que mantiene involucradas a varias de las compañías directamente relacionadas con la franquicia.

Entre los productores ejecutivos aparecen Jonathan Nolan, Lisa Joy y Athena Wickham, de Kilter Films, junto a James Altman y Todd Howard, de Bethesda Game Studios. Por parte de Studio Lambert participan Amina Badresingh, Toni Ireland, Stephen Lovelock, Stephen Yemoh, Jack Burgess, Tim Harcourt y Stephen Lambert.

La presencia de Bethesda y del equipo vinculado a la adaptación televisiva debería ayudar a que la estética y el tono del programa no se reduzcan a utilizar superficialmente el nombre de Fallout. La premisa depende bastante de que el refugio parezca realmente perteneciente a Vault-Tec y de que las pruebas transmitan esa mezcla entre optimismo corporativo, incomodidad y manipulación que define buena parte de su identidad.

Fallout encuentra una forma sorprendentemente lógica de convertirse en reality

Convertir una franquicia de videojuegos en un programa de competición puede sonar inicialmente como uno de esos movimientos destinados simplemente a explotar una marca popular, pero Fallout es una de las propiedades que mejor pueden adaptarse a este formato sin traicionar completamente su esencia.

Los refugios de Vault-Tec ya funcionan narrativamente como enormes laboratorios sociales. Colocar participantes reales dentro de uno de ellos y someterlos a presión psicológica, decisiones morales y pruebas de resistencia permite trasladar una parte muy reconocible del universo a un género completamente diferente sin necesidad de intentar reproducir literalmente una aventura de acción.

La diferencia estará en la ejecución. Si Fallout Shelter: The Experiment utiliza esa ambientación únicamente como decoración alrededor de pruebas tradicionales, probablemente termine pareciendo un reality convencional disfrazado de Vault-Tec. Si, en cambio, aprovecha realmente el potencial de los dilemas sociales y las decisiones incómodas, Prime Video podría encontrar una manera bastante peculiar de ampliar la franquicia. El propio título ya deja claro que la palabra importante no es solamente Shelter, sino “Experiment”.

Prime Video amplía Fallout más allá de la serie principal

La existencia de este programa confirma también hasta qué punto Amazon está buscando diferentes maneras de explotar el interés generado alrededor de Fallout. La producción televisiva protagonizada por Ella Purnell abrió la puerta a un público mucho más amplio que el estrictamente vinculado a los videojuegos, y ahora Fallout Shelter: The Experiment utiliza ese reconocimiento para probar un formato que puede funcionar incluso con espectadores que nunca han jugado a la saga.

No pretende sustituir a la serie ni continuar directamente su historia, sino utilizar uno de sus conceptos más fácilmente reconocibles para construir otro tipo de entretenimiento. Esa separación resulta importante porque permite que la franquicia crezca sin obligar a convertir cada nuevo proyecto en una pieza narrativa imprescindible dentro de la misma continuidad.

A partir del 13 de enero de 2027, los espectadores podrán comprobar si esos refugios que siempre parecían una idea terrible cuando los encontrábamos dentro de Fallout resultan igual de inquietantes cuando quienes entran en ellos son personas reales compitiendo por un millón de dólares. Y teniendo en cuenta cómo suele entender Vault-Tec la palabra “experimento”, probablemente sea buena idea desconfiar desde el primer minuto. Si no tienes suscripción a Prime video date de alta en este enlace y no te lo pierdas. Sigue Cinemascomics en Google Discover.

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Superar el éxito de Godzilla Minus One no parece una tarea precisamente sencilla. La película de Takashi Yamazaki conquistó al público, sorprendió a Hollywood y consiguió algo que ninguna otra entrega de la franquicia había logrado: ganar un Oscar. Ahora, con Godzilla Minus Zero, el cineasta japonés quiere ir todavía más lejos. Y para conseguirlo ha decidido aprender de alguien que sabe bastante sobre cómo hacer una segunda parte memorable: James Cameron.

En una entrevista concedida a la revista Empire, Yamazaki ha explicado que dos películas fundamentales en la trayectoria del director de Avatar, Aliens: El regreso (1986) y Terminator 2: El juicio final (1991), han servido como referentes creativos para afrontar su nueva aventura con el monstruo más famoso de Japón.

Lo interesante es que no pretende copiar sus escenas de acción ni multiplicar las explosiones. Su verdadera inspiración está en algo bastante más complicado: descubrir cómo una secuela puede conservar lo mejor de la película original y, al mismo tiempo, encontrar una identidad propia.

Godzilla Minus Zero sigue la fórmula de James Cameron para hacer una gran secuela

Takashi Yamazaki reconoce abiertamente su admiración por la manera en que James Cameron ha conseguido ampliar historias que otros directores habían iniciado. En lugar de limitarse a repetir una fórmula exitosa, Cameron acostumbra a encontrar una nueva perspectiva que permite profundizar en sus personajes y conflictos.

El director de Godzilla Minus Zero lo explica con estas palabras: «Tengo que reconocer el mérito de James Cameron. Él observa la película original, encuentra otro punto de interés y profundiza mucho más en él. A menudo, sus secuelas adoptan un enfoque ligeramente diferente, pero siguen estando muy arraigadas en gran parte de lo que se construyó en la primera película. Sentía curiosidad por saber cómo sus segundas películas consiguen superar a las originales en muchos aspectos».

Yamazaki, que afronta el reto de continuar una de las películas de monstruos más celebradas de los últimos años,— encuentra en esa filosofía una manera de evitar uno de los grandes problemas de Hollywood: hacer una secuela que simplemente ofrezca más de lo mismo.

Aliens y Terminator 2 demuestran cómo superar una primera película

Los ejemplos elegidos por el cineasta no podrían ser más interesantes. Cuando James Cameron dirigió Aliens: El regreso, tomó la atmósfera de terror y suspense de Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott, y la transformó en una película de acción y supervivencia militar. El resultado era muy diferente, pero mantenía intactos los elementos fundamentales: Ellen Ripley y la amenaza de los xenomorfos.

Con Terminator 2 ocurrió algo parecido. Cameron convirtió al implacable asesino de la primera entrega en el protector de John Connor, invirtiendo completamente la dinámica original. La película aumentó la espectacularidad, pero nunca perdió de vista el conflicto de Sarah Connor y la amenaza de Skynet.

En ambos casos, las nuevas entregas ampliaron las posibilidades de sus respectivas franquicias sin traicionar aquello que las había hecho funcionar.

Y esa es precisamente la lección que Yamazaki quiere aplicar a Godzilla Minus Zero. Porque hacer que un monstruo gigante destruya más edificios es relativamente fácil. Conseguir que al espectador le importe quién está dentro de esos edificios ya es otra historia.

La gran diferencia de Godzilla Minus Zero estará en su historia familiar

Godzilla Minus One nos trasladó al Japón posterior a la Segunda Guerra Mundial para seguir a Koichi Shikishima, un antiguo piloto kamikaze atormentado por la culpa de haber sobrevivido al conflicto.

En medio de un país devastado, Shikishima encontraba una nueva razón para vivir gracias a Noriko y a la pequeña Akiko, una niña huérfana con la que terminaban formando una familia.

Aquella relación se convirtió en el verdadero corazón emocional de la película. Godzilla era una amenaza aterradora, pero el público también estaba pendiente de las personas que intentaban reconstruir sus vidas.

En Godzilla Minus Zero, esa dimensión familiar adquirirá todavía más importancia. Yamazaki lo explica así: «El cambio de Shikishima como individuo a poner el foco en la familia fue una dirección diferente para Minus Zero. Creo que existen paralelismos entre la recuperación de Japón en aquella época y la construcción de la familia Shikishima».

La idea resulta especialmente interesante porque supone una evolución natural de los acontecimientos de la primera entrega. Shikishima ya no es simplemente un hombre que intenta encontrar su lugar en un país destruido. Ahora tiene una familia y una vida que proteger.

El significado de Godzilla Minus Zero revela una nueva amenaza

El propio título de la secuela está directamente relacionado con esta evolución. En Godzilla Minus One, Japón se encontraba en una situación tan desesperada que prácticamente había caído por debajo de cero. La aparición de Godzilla amenazaba con hundir todavía más a un país que apenas comenzaba a recuperarse de la guerra.

La nueva película plantea una situación diferente. «En Minus Zero, tanto la situación del país como la de la familia de Shikishima están mejorando. Por eso, en cierto modo, se están acercando a «cero», y aparece una nueva amenaza que básicamente pone en peligro todo lo que han conseguido», explica Yamazaki.

Este planteamiento podría convertir la secuela en una historia todavía más personal. Ahora sus protagonistas tienen algo que perder después de haber luchado tanto por recuperarlo.

Y aquí aparece nuevamente la influencia de James Cameron: aprovechar las consecuencias de la primera película para construir un conflicto diferente, en lugar de empezar prácticamente desde cero.

Godzilla Minus Zero tiene el enorme reto de superar una película histórica

La presión sobre Takashi Yamazaki está más que justificada. Godzilla Minus One consiguió recaudar alrededor de 113 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto muy reducido para una producción de sus características.

Su mayor reconocimiento llegó en los Oscar, donde ganó el premio a los mejores efectos visuales, convirtiéndose en la primera película de Godzilla en recibir una estatuilla de la Academia.

Un logro especialmente significativo teniendo en cuenta que competía en una industria acostumbrada a invertir cantidades descomunales en efectos digitales.

Para Godzilla Minus Zero, Yamazaki vuelve a asumir las responsabilidades de guionista, director y supervisor de efectos visuales, manteniendo el control creativo que caracterizó a su anterior trabajo.

La película tiene previsto su estreno en IMAX el 3 de noviembre, mientras que los cines británicos la recibirán el 6 de noviembre.

Yamazaki todavía tendrá que demostrar que su estrategia funciona, pero la elección de referentes resulta prometedora. Aliens y Terminator 2 no son recordadas simplemente porque fueran más grandes o espectaculares que sus predecesoras, sino porque encontraron nuevas formas de desarrollar sus historias.

Godzilla Minus One consiguió que volviéramos a sentir auténtico miedo por la aparición del monstruo japonés. Si su continuación logra que también nos preocupe todavía más el destino de sus protagonistas, Yamazaki podría conseguir exactamente lo que está buscando.

Y si además Godzilla decide arrasar medio Japón por el camino, tampoco vamos a quejarnos. Es parte de su encanto.

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Esta noticia ha sido publicada por Cinemascomics.com