Cinematófilos

We got one last chance to make it real

noreply@blogger.com (Andrés) — Sat, 24 Mar 2012 07:06:00 PDT

Aunque no soy americano, ni ya muy joven, odio los coches y puedo comprender por qué tanta gente encuentra a Springsteen histriónico y grandilocuente (pero no por qué lo encuentran machista o patriotero o tonto: este tipo de juicios ignorantes han atormentado a Springsteen durante la mayor parte de su carrera, y provienen de unos listos que en realidad son mucho más tontos de lo que él ha sido jamás), 'Thunder Road' logra, de alguna forma, hablar por mí.

El británico Nick Hornby, citado por Javier Porta Fouz en ADN en una buena nota a propósito de Wrecking Ball, el nuevo disco de Bruce Springsteen. Da pena que a esta altura todavía haya que andar vindicando al más grande artista popular de los últimos 40 años. ■

La chica del dragón tatuado, de David Fincher

noreply@blogger.com (Andrés) — Tue, 06 Mar 2012 07:05:00 PST

Ilustraciones

El cine es cine cuando narra con su propio lenguaje, distinto al de cualquier otra expresión artística (en este sentido, recomendación al paso: vean el cálido e inteligente homenaje de Scorsese a Méliès en Hugo). Un director puede escribir con la cámara o simplemente usarla para ilustrar ideas, suyas o de otro. Esto último se ve muy claro en una escena de La chica del dragón tatuado, donde el cine -el cine de David Fincher, en este caso- se muestra estéril y apenas puede dedicarse a ilustrar.

Cerca del final, Lisbeth (Rooney Mara) está buscando información en el archivo privado de la empresa de la familia Vanger. Cruza datos y comienza a advertir una relación entre una serie de asesinatos de mujeres y la ubicación de las plantas de la fábrica. Lisbeth es una hacker que hasta ese momento se había mostrado inteligente, observadora y -como hace notar explícitamente la película- muy memoriosa, a tal punto que en una ocasión se niega a anotar una dirección porque no lo necesita. Pero en ese momento, en el archivo, despliega un mapa de Suecia sobre la mesa y comienza a poner sobre él una foto de cada una de las chicas asesinadas junto a la sede de la empresa cercana al lugar del crimen. Arma una ilustración para mostrarle al espectador qué está descubriendo. El personaje ignora la diégesis y juega para la tribuna: hace algo absolutamente inverosímil, que sólo sirve para informar al espectador acerca de algo que Fincher no supo (o no pudo) resolver de otro modo, más cinematográfico.

Alguien podrá decir que se trata de una convención, similar a la que aceptamos, sin mayores cuestionamientos, cuando oímos que en la película los suecos -vaya artificio- hablan en inglés. Yo creo que se trata más bien de una zona compleja de transitar (más compleja aún en estos tiempos en los que la tecnología pone el jaque al suspenso clásico) donde el cine, si no tiene ideas, se vuelve estéril.

Pero Fincher es un director capaz de juntar lo peor y lo mejor, de poner en una misma película grandes momentos pegados a otros totalmente fallidos. Lo demostró, sobre todo, en El curioso caso de Benjamin Button (2008). Apenas unos minutos después de la escena descrita arriba hay un momento extraordinario en La chica del dragón tatuado, absolutamente cinematográfico, que deja sutilmente un hueco para que complete el espectador.

Martin Vanger (Stellan Skarsgård) obliga a Mikael Blomkvist (Daniel Craig) a ir hasta el sótano de su lujosa casa, que en realidad es un sofisticado cuarto de tortura, donde lo ata y lo deja inmovilizado. Está listo para torturarlo. Pero antes enciende un equipo de música y comienza a sonar Orinoco Flow, de Enya. El rotundo contraste entre lo que se ve y lo que se oye define a Vagner en apenas un instante. Y acaso sea la mejor crítica jamás hecha sobre la canción de Enya, algo así como Claudio María Domínguez a 33 rpm. ■

Grandes críticas I: Silverado según Rodrigo Tarruella

noreply@blogger.com (Andrés) — Tue, 07 Feb 2012 08:21:00 PST

Comienza aquí una nueva sección del blog que intentará, con irregular periodicidad, rescatar valiosos textos críticos [*]. Esta primera entrega está dedicada a una de las mejores películas estadounidenses de los ochenta (y, también, uno de mis westerns favoritos, que pude ver en el Gaumont al momento de su estreno) analizada por uno de los grandes críticos argentinos. La crítica de Tarruella es genial porque demuestra, sin alardes, una gran sabiduría sobre un género fundacional de la historia del cine que, a esa altura, ya estaba muerto. Es un texto erudito aunque sin parecerlo, que detecta y destaca los delicados mecanismos que logran refinar sutilmente los códigos genéricos (en ésta, su tercera película, Kasdan continuó con su disección de los géneros cinematográficos clásicos que había arrancado en Cuerpos ardientes).

Silverado: un western y una fiesta visual [**]

Por Rodrigo Tarruella

Como todo gran film que se expresa en términos iluminatorios mediante una propuesta realmente cinematográfica (no parasitaria del teatro o de las "seguridades" literarias, o de los cameleos "plásticos"), Silverado, cuyo nombre refulge entre tanto celuloide impreso de tediosas charlas aclaratorias, no está hecha para ser contada, sino para ser vista (varias veces) como la verdadera fiesta visual que es.

SILVERADO (1985)
Fecha de estreno: en Estados Unidos, 10 de julio de 1985; en Argentina, 9 de enero de 1986. País: Estados Unidos. Duración: 133 minutos. Dirección: Lawrence Kasdan. Producción: Michael Grillo, Lawrence Kasdan, Mark Kasdan, Charles Okun. Guión: Lawrence Kasdan y Mark Kasdan. Montaje: Carol Littleton. Fotografía: John Bailey. Música original: Bruce Broughton. Elenco: Kevin Kline, Scott Glenn, Kevin Costner, Danny Glover, Rosanna Arquette, Brian Dennehy, Linda Hunt, Jeff Goldblum, Ray Baker, Jeff Fahey, Richard Jenkins.

Silverado no especula con la nostalgia, ni con el "pastiche" o la parodia. La poética (y mística) de los vastos espacios abiertos, de las caravanas en busca de otros sitios y formas de vida, de los encuentros y desencuentros de marginados que se unen para luchar contra situaciones que han llegado al límite de las injusticias soportadas, encuentra en Kasdan al artífice ideal ("el artesano legendario", como diría Joyce) para una claridad que se da en varios niveles.

Como en un western de Anthony Mann, los personajes no son unilaterales y sus conductas van cambiando según las circunstancias de la aventura. Los motivos diferentes, "personales" (hasta que dejan de serlo) del irresoluto Paden, de los perseguidos Emmett y Jake (por matar en defensa propia, en un mundo de ganaderos despóticos y sheriff corruptos; Kurosawa haría todos sus "Samurai-Westerns" con estas coordenadas) y sobre todo del negro Mal (un notable Danny Glover), el más humillado y golpeado de todos -y por lo tanto, el primero en reconocer el término "injusticia" y de buscar la unión contra el enemigo común- se borran ante la necesidad de poner freno a los desbordes del poder ensoberbecido que detentan el ganadero Mackendrick y el "comisario" Cobb.

A diferencia de tantos westerns "de izquierda" de los sesenta y parte de los setentas, que hacían prevalecer entelequias "ideológicas" sobre las acciones y determinaciones de los personajes, convirtiendo a estos en portavoces simbólicos y transformando hombres en muñecos programados, Kasdan va más allá de todas esas zarandajas haciendo prevalecer las determinaciones de Paden, Emmett, Jake, Mal y los otros como móviles (en Silverado todo está en continuo movimiento) de enfrentamiento y solidaridad contra las largas aberraciones de un poder que engendra su propia destrucción.

Una busca de lazos familiares (Mal defendiendo a su explotado padre o pidiendo ayuda a su hermana casi moribunda: "Sos lo único de la familia que me queda"; Emmett salvando continuamente de las cárceles a su desencadenado hermano Jake) se entretejen y bifurcan, mientras Paden con su "dejar hacer" hasta casi el final, tan diferente de las hesitaciones y rodeos de Jimmy Stewart en los films de Mann, o de Mifune en los de Kurosawa, en su carácter de "hombre quiero" (sin los motivos de Wayne en la película de Ford) tendrá sobre sí todas las características de ciertos héroes contemporáneos ("Nunca supe en realidad qué quería", le dirá a Stella, la cantinera). El talendo de Kasdan reside en, con unos pocos trazos, con sutiles princeladas, describir la agonía lenta de este paria dostoyevskiano-camusiano en los diálogos con la impresionante Linda Hunt (la cantina se llama nada menos que "Estrella de Medianoche") entre decorados y situaciones que recuerdan el Rancho Notorius de Lang o el "saloon" del Johnny Guitar, de Nick Ray.

Silverado mantiene constantemente las expectativas del espectador hasta el final. No decae en "baches", como tantos films actuales. Los movimientos de grúa describiendo territorios y cabalgatas, la magistral secuencia del enfrentamiento con sutilezas de montaje para cada personaje (cuando se produce la distensión y guardan las armas), las marcaciones rigurosas de un reparto deslumbrante, hablan de un director que sorprende con las cimas a que ha llegado en su primer western. Silverado (desde ya una de "las películas del año") confirma el axioma de Dante Panzeri sobre el fútbol: el western es también dinámica de lo impensado. ■

[*] Breve aclaración, en momentos en que los defensores del copyright están tan suceptibles: si alguno de los textos aquí reproducidos vulnera esos derechos, no tienen más que avisar.
[**] Texto publicado originalmente el sábado 11 de enero de 1986 en el diario Tiempo Argentino, y luego recopilado en el libro Jugar (La luz de otra cosa), editado en 2009 por el Bafici. Aquí se reproduce textualmente y sólo se añadieron enlaces en los títulos de las películas.

Los Muppets, de James Bobin

noreply@blogger.com (Andrés) — Mon, 23 Jan 2012 06:33:00 PST

Discretamente irreverente

Hace unos días María escribió en Espectadores acerca de Los Muppets, y entre otras cosas cuestionó la película porque, aseguró, se nota la mano de Disney, empresa que en 2004 se quedó con los derechos de los personajes creados por Jim Henson. "(...) la Rana René y compañía enfrentan con mejor tino los ambiciosos planes del malvado Tex Richman en la ficción que las consecuencias reales de haber pasado a manos del emporio del viejo Walt", escribió.

Pueden estar justificadas las sospechas en torno a Disney y su conservadurismo. Un caso menor aunque muy claro fue el del corto de Pixar Knick Knack (1989), dirigido por John Lasseter, en el que -Disney mediante- la voluptuosa Sunny Miami perdió parte de sus encantos.

Pero en Los Muppets hay al menos dos motivos que dan por tierra con las sospechas. El primero, más endeble, son las críticas de la Fox, conservadora cadena de noticias estadounidense, que definió a René, Figaredo y compañía como comunistas. "¿Qué es lo que está pasando aquí? ¿Está el Hollywood más liberal utilizando la lucha de clases para lavar el cerebro de nuestros chicos? ¿Acaso estamos en la China comunista?", planteó Eric Bolling, del programa Follow the Money.

Hay otro argumento más sólido, que a diferencia del anterior no depende de quién lance las críticas sino de los méritos de la propia película. Es una breve línea de diálogo que aparece sobre el final. Cuando Los Muppets ya lanzaron su nuevo show en búsqueda de fondos para recuperar su viejo teatro, algunas estrellas del espectáculo llegan para sumarse a la movida. Entre ellos aparece Selena Gomez, que, a modo de explicación, le dice a René: "Realmente no sé quiénes son ustedes; mi mánager me dijo que venga". Además de divertido, el chiste es genial. En parte porque habla del paso del tiempo, uno de los tema centrales de la película (y de todo el cine). Pero sobre todo porque utiliza a la propia Selena Gomez, una Disney Girl pura y dura, para cuestionar al emporio del viejo Walt. La joven cantante no sólo no sabe quiénes son los Muppets (es decir, no entiende nada), sino que además hace lo que le dicen, sin autonomía ni, en consecuencia, alguna posibilidad propia de creación. Selena hace lo que sus productores de Disney le dicen que haga porque todo en ella apunta a generar rentabilidad, y entonces conviene que se sume al nuevo y exitoso show. Los Muppets, película producida y distribuida por Disney aunque discretamente irreverente, se ríe de eso, lo que revela la astucia de sus realizadores más que un posible sinceramiento de Selena y/o Disney.

Los Muppets no sólo es una película feliz, sino además -acaso como todas las películas realmente felices- inteligente. ■

Yakuzas frente al mar

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 18 Jan 2012 04:31:00 PST

Según una ingeniosa descripción de Thierry Jousse, esos tiempos vacíos, las escenas de playa, por ejemplo, nos dan la extraña sensación de que los personajes de un film de Fuller se hubieran extraviado en un film de Antonioni.

Antonio Weinrichter en su libro Pantalla amarilla. El cine japonés acerca de Sonatine (1993), la mejor película de Takeshi Kitano. El genial director japonés, uno de los grandes creadores de formas contemporáneas, cumple hoy 65 años. ■

Fue dicho (en la ficción)

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 04 Jan 2012 04:57:00 PST

- Sé dónde podés conseguir lo que necesito. Yo iría pero una armería no es el lugar indicado para un fugitivo.
- ¿Una armería?
- Debemos ir con un MP-5, rifles, armas rápidas. Municiones, cuchillos de combate, pólvora negra, cascos...
- ¡Paul! ¡Es una locura! ¡No puedo ir a comprar eso!
- ¿Qué pasa? ¿No tenés tarjeta de crédito?

El militar Paul Ferguson (Marc Singer) a la científica Barbara White (Tracy Scoggins) en Al borde del terror II (1990), lo que demuestra que las películas muy malas también pueden tener diálogos ingeniosos.

"Bueno, sí... Pero es que no dejan que cualquiera compre esas cosas, ¿o si?", redunda ella luego. "Te sorprendería. Esto es Estados Unidos", explicita él, lo que demuestra por qué se trata de una mala película. ■

Las mejores películas del año

noreply@blogger.com (Andrés) — Tue, 27 Dec 2011 05:23:00 PST

No me entusiasman las listas de fin de año, por motivos que (acá y acá) ya fueron explicados en este blog. Pero como todos publican las suyas, y siempre hay alguna gran película que nadie menciona, acá va la mía. Son seis (ni cinco ni diez), todas estrenadas en la cartelera porteña. Ubiquen en el órden que quieran:

El Planeta de los Simios: (R)Evolución, de Rupert Wyatt

Habemus Papa - El Psicoanalista del Papa, de Nanni Moretti

Imparable, de Tony Scott

La vitalidad de los afectos, de Felix Van Groeningen

Los Marziano, de Ana Katz

Poesía para el alma, de Lee Chang-Dong

Aclaro que no vi Morir como un hombre, de João Pedro Rodrigues; Copia Certificada, de Abbas Kiarostami; y El extraño caso de Angélica, de Manoel de Oliveira. Y que sí vi El estudiante, de Santiago Mitre; Aquel martes después de Navidad, de Radu Muntean; y El hombre que podía recordar sus vidas pasadas, de Apichatpong Weerasethakul.

Y aclaro también que las mejores películas que vi en 2011 no se estrenaron comercialmente en Buenos Aires: Road to Nowhere, de Monte Helmann; Life Without Principle, de Jonnhie To; Once Upon a Time in Anatolia, de Nuri Bilge Ceylan; y The Turin Horse, de Béla Tarr. ■

Are you only in it for the money?

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 21 Dec 2011 08:01:00 PST

Soy bruto y pervertido
Estoy obsesionado y trastornado
He existido durante años
Pero muy poco ha cambiado
Soy la herramienta del Gobierno
Y también de la industria
Porque estoy destinado a gobernar
Y a regularte

Puedo ser vil y pernicioso
Pero no puedes mirar a otro lado
Te hago pensar que soy delicioso
Con las cosas que digo
Soy lo mejor que puedes conseguir
¿Me has adivinado ya?
Soy el cieno rezumando
De tu aparato de TV

I'm the Slime, del genial Over-Nite Sensation (1973), grabado con The Mothers of Invention.

Un modesto homenaje al imprescindible Frank Zappa, que hoy cumpliría hoy 71 años. ■

Furor por los zombies, el nuevo monstruo de moda [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Mon, 21 Nov 2011 04:14:00 PST

Acaso sea la eterna fascinación por la muerte. O quizá que, "cuando no hay más lugar en el infierno, los muertos caminan en la Tierra", como avisaba la promoción de la genial El amanecer de los muertos (1978). De algo no hay dudas: los zombis son el nuevo monstruo de moda. Si en otras épocas brillaron los asesinos seriales –Freddy Krueger, Jason Voorhees, Leatherface, Michael Myers–, el hombre lobo, la momia o los vampiros, ahora es el turno de los "muertos vivos", figura legendaria de la religión vudú reinventada en 1968 por George Romero en su inigualable La noche de los muertos vivos.

Del muerto resucitado con magia haitiana, reflejado en películas clásicas como Yo dormí con un fantasma (1943), se pasó a los zombis modernos de Romero, que creó toda una iconografía: sus monstruos son antropófagos; sólo se los puede eliminar de un disparo en la cabeza (o, en su defecto, arrancándosela de cuajo); se mueven despacio y torpemente porque, claro, están muertos. Un modelo que ahora hace furor: más de 5 mil personas caracterizadas como "muertos vivos" participaron el domingo 30 de octubre de la cuarta edición de la Zombie Walk en Buenos Aires, una movida que viene creciendo en todo el mundo desde 2001. Y se movieron al ritmo de Thriller (1983), hit zombi por excelencia.

"Es un personaje dual que en su aparente simpleza nos provoca miedo, ternura e incluso risa. Todos seremos algún día cadáveres putrefactos, y mirarnos al espejo para ver cómo seremos nos provoca fascinación", opina desde España, mediante e-mail, José Manuel Serrano Cueto, autor de Zombie Evolution: el libro de los muertos vivientes en el cine (T&B Editores). "Los zombis siempre tuvieron muchos fans, pero estaban ocultos en las estanterías de los videoclubes. Hoy el cine y la televisión apostaron por el personaje, con buenos resultados: todo el mundo sabe qué es un zombi, ya no es el monstruo marginado que era antes", completa.

Los ejemplos son tantos que ser exhaustivo sería redundante. Van dos: en EE.UU. más de 11 millones de personas vieron en octubre el inicio de la segunda temporada de The Walking Dead, basada en un exitoso cómic que se publica desde 2003; y el año próximo se estrenará el quinto film de la saga Resident Evil, que surgió de un videojuego.

Para Luciano Saracino, autor de ¡Zombies! Una enciclopedia del cine de muertos vivos (Fan Ediciones), hay una explicación política para el fenómeno. "En 2001, luego de los atentados a las Torres Gemelas, el zombi copó todo. Porque Bush arremetió con un discurso contra los otros, y entonces aparecieron películas que se plantaron contra eso", sostiene. Y cita Homecoming (2005), capítulo de la serie Masters of Horror dirigido por Joe Dante en el que soldados muertos en Irak vuelven de la tumba y reclaman su derecho a votar.

En el mismo sentido opina el inglés David Flint, autor de Holocausto zombi: Los muertes vivientes devoraron la cultura pop (Ma non troppo), también a través de correo electrónico: "Los zombies hablan de nuestros miedos más eficazmente que cualquier otro monstruo, al margen de los asesinos en serie. Los monstruos tradicionales han sido muy saneado en los últimos años: sólo hay que mirar Crepúsculo para ver por qué los vampiros no asustan a nadie". Y agrega que "a pesar de un exceso de malas películas, los zombies aún tienen el poder para aterrorizar, porque representan diferentes cosas para diferentes personas. Tanto desde la izquierda como desde la derecha se puede ver a los zombies como el 'otro': la gente conectará socialmente a los zombies con la inmigración sin restricciones, la crisis bancaria, el ascenso del nacionalismo, el cambio climático o cualquier cosa que les preocupe".

Es que el zombie, quizá el más subversivo de los monstruos, da para todo. "Se pueden hacer muchas cosas con él. Permite jugar con otros límites de la violencia, porque no son humanos. Y también dan pie para criticar a la sociedad", aporta Hernán Sáez, uno de los directores de la última entrega de Plaga Zombie, trilogía que marcó la primera incursión del cine argentino dentro del subgénero. La película se vio en el Festival de Cine de Mar del Plata (donde también se proyectó Juan de los muertos, primer filme cubano de zombis, dirigido por el argentino Alejandro Brugués) y tendrá su estreno comercial en 2012, publicitado año del fin del mundo en el que -quién sabe- acaso la sociedad capitalista finalmente se devore a sí misma. ■

[*] Versión extendida de un artículo publicado ayer en el diario Clarín.

Una película reaviva la discusión sobre la militancia universitaria [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Sat, 05 Nov 2011 08:24:00 PDT

Tres referentes de las principales agrupaciones políticas de la UBA opinan y discuten sobre El estudiante, de Santiago Mitre.

El estudiante, debut en solitario del director Santiago Mitre, es una película importante. Por un lado por las discusiones que generó entre la crítica, que fue mayoritariamente elogiosa. Pero también porque se metió de lleno, sin esquivar polémicas, con un mundo infrecuente en el cine argentino: el de la militancia universitaria.

El film -que durante noviembre sigue proyectándose todos los viernes y sábados a las 20 en el Malba- cuenta la historia un joven que llega a Buenos Aires para estudiar en la UBA, de a poco empieza a vincularse con la militancia y pronto descubre un talento inesperado para la rosca política. Tres militantes de las fuerzas que más votos obtuvieron en las elecciones de la Federación Universitaria de Buenos Aires (FUBA), en abril, vieron la película: Ignacio "Nacho" Koster (25), estudiante de Economía y uno de los dos presidentes de la FUBA (agrupación La Mella); Juan Manuel Oro (28), estudiante de Administración y secretario general de la FUBA (Nuevo Espacio); y Lucía Converti (27), estudiante de Economía y referente de Encuentro Universitario. Y luego la discutieron.

EL ESTUDIANTE (2011)
Fecha de estreno: 1 de septiembre. País: Argentina. Duración: 124 minutos. Dirección: Santiago Mitre. Producción: Agustina Llambi-Campbell, Santiago Mitre, Fernando Brom. Guión: Santiago Mitre. Fotografía: Gustavo Biazzi, Soledad Rodríguez, Federico Cantini, Alejo Maglio. Montaje: Delfina Castagnino. Elenco: Esteban Lamothe, Romina Paula, Ricardo Félix, Valeria Correa, Germán De Silva, Héctor Diaz, Julián Larquier, Agustín Rittano, Mariana Mitre.

Sinópsis: Roque Espinosa (Esteban Lamothe) llega a Buenos Aires para iniciar sus estudios universitarios por tercera vez. Al poco tiempo, se da cuenta de que no está ahí para estudiar. Sin vocación ni rumbo se dedica a deambular por la facultad, a hacerse amigos, a conocer chicas. Una de ellas, Paula (Romina Paula), profesora ayudante, lo introduce en la militancia política. Y Roque comienza a advertir su talento para la rosca política.

Funciones: en el Malba (Figueroa Alcorta 3415), todos los viernes y sábados de noviembre a las 20.

- ¿Qué les pareció la película?

- Ignacio: Hay una gran ausencia en el protagonista: no expresa ninguna propuesta. Entonces la película refleja más bien otro lado de la política, que en la universidad tuvo como principal exponente a Franja Morada. No creo que sea malintencionado, pero incluso veo una sátira del único sector que sí expresa por qué está militando: la izquierda dura, a la que se muestra caprichosa, necia, sin argumentos.

- Lucía: La militancia del protagonista no tiene nada que ver con la construcción colectiva. Es súper personalista.

- Juan Manuel: Lo que sí muestra la película es cómo a veces en una asamblea de cien personas se deciden cosas para una universidad de 300 mil estudiantes. Pero hay muchas cosas que la película no refleja. La historia se basa en un estudiante que no estudia.

- ¿Es un mito o es real lo de los militantes que no estudian?

- Ignacio: La película refleja un prejuicio, pero que en su momento era bastante real. Franja siempre tuvo militantes crónicos, tipos de 35 años que seguían dirigiendo agrupaciones estudiantiles. Nosotros somos una nueva generación. Yo particularmente soy buen alumno, estoy al día con la carrera. Por suerte hoy eso está extendido: nosotros lo trabajamos a conciencia, pero no somos los únicos.

- Lucía: La militancia ocupa mucho espacio y puede estirar un poco la carrera. Pero la idea no es militar y dejar de estudiar.

- ¿Cómo se conjugan la militancia y el estudio?

- Ignacio: Nosotros tenemos un fuerte trabajo académico, con infinidad de publicaciones. En Económicas tenemos la revista Kamchatka, de debate económico. Ellos (por Lucía) tienen la Plan[h]. Además, este año realizamos el Foro Nacional de Educación para el Cambio Social, un encuentro nacional al que vinieron más de 100 mil estudiantes de todo el país.

- Lucía: También es importante la discusión de los planes de estudio. En Económicas siempre hay una voluntad de cambio, porque la carrera quedó muy desligada de la economía después de 2001. Pero también se trabaja en otras facultades. En Medicina, por ejemplo, los estudiantes participan de campañas de vacunación en los barrios.

- Juan Manuel: Hoy nosotros somos la conducción de Económicas. Gracias a la movilización, tuvimos el apoyo de más de 20 mil estudiantes...

- Ignacio: Claramente movilización no es la palabra...

- Juan Manuel: Pero que se acerquen a firmar es quizá mucho más productivo que movilizarse. Nosotros conseguimos que se dicten cursos de invierno en la facultad. O que muchos puedan cursar materias de manera virtual durante un cuatrimestre. Y que accedan al material de estudio gratis en un CD, lo que iguala las oportunidades. Estos logros se consiguieron con la militancia universitaria, desde el centro de estudiantes. Es una forma de gestionar y de hacer política.

- Lucía: Hay una diferencia importante: una cosa es un centro de estudiantes y otra es la gestión de la facultad. Hay determinadas cosas que se pueden hacer porque todos los funcionarios de Económicas son del mismo espacio político que el centro de estudiantes. No dejo de reconocer que muchas cosas favorecen a los estudiantes, pero ese respaldo el clave.

- ¿Cómo ven la caracterización que hace la película de la izquierda, que tiene mucho peso en la UBA?

- Ignacio: Yo tengo muchísimas críticas a la izquierda tradicional argentina, pero la película la caricaturiza. Es demasiado crítica. Nosotros propusimos en el Consejo Superior que la UBA se pronuncie a favor de la despenalización del aborto. El movimiento estudiantil dio un debate con altura, a tal punto que la UBA se terminó pronunciando a favor. Fue una muestra de madurez. En la película se ve una izquierda boba que no se condice con la realidad.

- Lucía: La izquierda más tradicional tira para atrás en determinados reclamos que el movimiento estudiantil tendría que llevar adelante, como el apoyo a la Ley de Medios.

- Juan Manuel: La película no está tan errada. La violencia que muestra en una escena de la película un estudiante de ultraizquierda es la violencia que utilizan muchas de las agrupaciones que hoy pertenecen a la FUBA.

- En la película hay una toma del Rectorado. ¿Eso es violento?

- Juan Manuel: La toma puede ser una herramienta. Pero yo no apoyo una toma que va en contra de la democracia en la universidad, de tirar piedras porque no te gusta el resultado de la elección de autoridades. Esos métodos no me representan.

- Lucía: El tema es que hay una burocracia en la UBA que no permite que algunos reclamos se puedan tratar por otros canales de diálogo. Es como un corte de calles: se hace por necesidad, no por gusto.

- Ignacio: Hay que ser muy reaccionario para estar en contra del método de la toma. En la UBA reformar el estatuto es una reivindicación histórica del movimiento estudiantil. Las elecciones no son democráticas porque sólo vota una pequeña porción de los docentes, los que están concursados.

- Juan Manuel: Yo estoy a favor de la reforma del estatuto, pero no comparto los métodos. Eso lo quiero dejar recontraclaro.

- Lucía: Como dice "Nacho", los docentes no están bien representados dentro del cogobierno de la facultad.

- ¿Creció en los últimos años la militancia "nacional y popular", vinculada al kirchnerismo?

- Juan Manuel: Yo creo que no.

- Lucía: Hay un gran crecimiento en toda la UBA, aunque aún no se exprese en la conducción de un centro de estudiantes.

- Ignacio: A La Cámpora le va mal en la UBA. Los estudiantes que votan a Cristina no votan a La Cámpora, porque ven a sus militantes como gente que está en algún tipo de alpinismo político.

- Lucía: El campo nacional y popular está más expresado en Encuentro Universitario que en La Cámpora. Y no somos paracaidistas sino que tenemos años de construcción. ■

[*] Versión ligeramente modificada de un artículo publicado el 5 de septiembre pasado en el diario Clarín.

Del cine a la publicidad, ida y vuelta

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 02 Nov 2011 20:13:00 PDT

ESTE ES UN POST PATROCINADO

De Pino Solanas a Jean-Luc Godard, son muchos los directores de cine que incursionaron en el mundo de la publicidad. Mariano Llinás, uno de los hombres clave del Nuevo Cine Argentino, se acaba de sumar a la lista. El realizador de Balnearios e Historias extraordinarias dirigió un nuevo spot para Techint, focalizado en el programa de becas de la la empresa de la familia Rocca en Argentina, y que llega a los cines de Buenos Aires a partir de hoy.

Luego de otros dos que mostraron a jóvenes ingenieros y a las pymes argentinas, este nuevo capítulo (bajo la consigna "¿Qué querés ser cuándo seas grande?") está protagonizado por becarios del programa que Techint coordina desde hace cinco décadas y que hoy entrega más de 500 becas al mérito por año. Como los anteriores, se puede ver aquí. Y también en los complejos de la cadena Hoyts (Unicenter, Panamericana, Abasto y Quilmes), Cinemark Caballito y Showcase Rosario. ■

El miedo, siempre veloz y peligroso [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Mon, 31 Oct 2011 08:49:00 PDT

Contagio (2011), de Steven Soderbergh, no es la primera ni será la última película sobre epidemias. Se anota del lado de las "realistas", grupo que comparte con Epidemia (1995), de Wolfgang Petersen: Dustin Hoffman y Rene Russo interpretan a una pareja que, en pleno proceso de divorcio, lucha contra un flamante virus de origen africano que se transmite por aire y mata en 48 horas. El tema también fue prolífico en la ciencia ficción y el terror. Amenazas extraterrestres protagonizan la aséptica La amenaza de Andrómeda (1971), de Robert Wise, una investigación detectivesca en el campo de la microbiología; o la genial La invasión de los usurpadores de cuerpos (1956), clásico de Don Siegel sobre la paranoia anticomunista. En el terror brilla la figura de George A. Romero, que primero con La noche de los muertos vivos (1968) y luego con The Crazies (1973) mostró hasta dónde puede llegar una sociedad atemorizada. Es que las buenas películas de epidemias son las que hablan del miedo, más veloz y letal que cualquier virus. ■

[*] Versión ligeramente extendida de un artículo publicado ayer en el diario Clarín, a propósito de la mirada que un epidemiólogo sobre la película de Soderbergh.

Tres películas...

noreply@blogger.com (Andrés) — Fri, 14 Oct 2011 05:53:00 PDT

...sobre la vida de Ned Kelly, legendario forajido australiano[*].

The Story of the Kelly Gang (1906)
Dirección: Charles Tait.
Elenco: Frank Mills, Elizabeth Tait, John Tait, Norman Campbell, Bella Cola.
Aunque lejos aún de las innovaciones narrativas que impondría Griffith a partir de 1915, esta película australiana está considerada, con sus 60 minutos de duración, el primer largometraje de la historia hasta. La cinta se consideró perdida durante décadas, hasta que hace algunos años se recuperó parte del material. Las escenas que aún se conservan -unos 17 minutos en total- fueron restauradas en 2006 y se pueden en ver YouTube (primera y segunda parte). Entre ellas, el célebre tiroteo final en el que Kelly y su banda vistieron las famosas armaduras de metal.

Los hermanos Kelly (Ned Kelly, 1970)
Dirección: Tony Richardson.
Elenco: Mick Jagger, Clarissa Kaye-Mason, Mark McManus, Ken Goodlet, Frank Thring.
Uno de los precursores del free cinema inglés dirigió a Mick Jagger en su primera incursión como actor en el cine. Y el líder de los Rolling Stones le da un tono algo juguetón a Kelly y hasta entona alguna canción (la tradicional The Wild Colonial Boy). Por momentos es casi un musical, y resulta imperdible Blame it on the Kellys, de Waylon Jennings ("Creo que yo también voy a robar un caballo / y echarle la culpa a los Kelly"). Una película que vale la pena redescubrir.

Ned Kelly (2003)
Dirección: Gregor Jordan.
Elenco: Heath Ledger, Orlando Bloom, Geoffrey Rush, Naomi Watts, Joel Edgerton, Laurence Kinlan.
Basada en la novela Our Sunshine (1991), de Robert Drewe, acaso sea –por cercanía en el tiempo– la más conocida de las más de media docena de producciones (películas, documentales y telefilmes) dedicadas al legendario forajido australiano. Con un tono solemne hasta el aburrimiento, la película presenta a Kelly (Ledger) como un incomprendido, le justifica todo su accionar y hasta le inventa un romance con una mujer de la aristocracia (Watts). Casi soporífera.

[*] A propósito del trabajo del Equipo Argentino de Antropología Forense (EAAF), que recientemente identificó los restos de Kelly, hallados en una fosa común en la penitenciaria de Pentridge, y terminó con un misterio de más de 100 años.

Cristian y su colección de VHS, el formato que cambió la manera de ver cine [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Fri, 22 Jul 2011 10:13:00 PDT

Recorrer el blog de Cristian Sema transporta a otra época, un tiempo lejano en el que Rocky Balboa empezaba a derribar el Muro, Freddy Krueger provocaba pesadillas, Walter Hill filmaba una buena película por año y Kelly McGillis pintaba para estrella. Es como volver a pararse frente a los exhibidores de un videoclub para dejarse seducir por esas cajitas que muchas veces prometían desde la portada mucho más de lo que ofrecían luego, al presionar Play.

Como un arqueólogo de lo reciente, Cristian colecciona películas en VHS (sigla del inglés Video Home System), el formato de video que a fines de los setenta llevó el cine a casa y cambió para siempre la forma de ver películas. En su monoambiente de Villa Crespo, donde una videocasetera convive con un LCD de 42 pulgadas, una gran biblioteca no da abasto y algunas pilas de películas se elevan hasta el techo. Cristian, que nació en aquel tiempo lejano, tiene más de 2.500 casetes, todos con su empaque y arte de tapa original, que periódicamente escanea y publica www.rarovhs.com.ar, blog que recibe unas 1.500 visitas únicas diarias.

TRES ELEGIDAS

Paura nella città dei morti viventi (1980), de Lucio Fulci.
En Argentina también fue editada como Pánico en la ciudad de los muertos vivientes.
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Nightmare (1981), de Romano Scavolini.
Película censurada en varios países. Cristian tiene cuatro ediciones argentinas diferentes.
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The Oracle (1985), de Roberta Findlay.
Rara edición de Hardcore Video Home, que sólo lanzaba films de terror y pornográficos.
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"Si quisiera podría tener 10 mil videos, pero trato de ser selectivo y no compro cualquier cosa", explica. Los videoclubes, negocio en serio riesgo de extinción, son su principal yacimiento. "En general llamo, trato de averiguar en qué año abrió y, si tiene, pregunto si vende los VHS. La mayoría de lo que tengo era de videoclubes", cuenta. También recibió algunas donaciones, y cada tanto en los sitios de subastas online aparece algo interesante. "Pero lo divertido de este hobbie -aclara- no está en ir directamente a pagar por una película, sino en la búsqueda". Así viajó a Mar del Plata y Rosario, recorrió en tren el Gran Buenos Aires y hasta volvió cargado de videos de unas vacaciones en Jujuy.

Cristian tiene 27 años, es empleado en una distribuidora de libros infantiles y cursó la carrera de crítico de cine en el Cievyc. No sería preciso hablar de mandato o herencia, pero el origen de su fascinación por los VHS se puede rastrear en la familia: su padre tuvo un videoclub en Caballito a fines de los ochenta. "Siempre me gustó el cine. Había fines de semana que me traían cuatro o cinco películas para ver. Me habrá quedado algo de esa época", especula. Cuando el negocio cerró, a principios de los noventa, se quedó con unas 30 películas. "Pero apareció el DVD y la posibilidad de bajar desde Internet. Parecía que todo se podía conseguir en formato digital, con mejor calidad. En ese momento, finales de los noventa, no tenía una conciencia de coleccionista y entonces tiré todo", recuerda, con cierta pena. En 2006, cuando comenzó a construir la colección que luce hoy, salió a recuperar aquellas películas perdidas. "Me costó bastante. Recién hace un mes pude reponer todo". Las figuritas difíciles, que finalmente aparecieron, fueron dos pelis de miedo: El terror llama a su puerta (1986) y Zoltan, el mastín de Drácula (1978).

John Carpenter, David Cronenberg, Brian De Palma, Dario Argento, Lucio Fulci (de quien tiene todo lo editado en VHS en el país), Sam Peckinpah y Werner Herzog son algunos de los cineastas que admira Cristian, que con todo no es un fundamentalista del formato. "Hay películas que considero que no se deberían ver en VHS. El ciudadano, para poner un ejemplo canónico. Pero sí tengo una edición en VHS, de una editora independiente, porque me gusta mucho el arte de tapa", destaca.

En su colección hay de todo y para todos los gustos, pero predominan las películas de género de Estados Unidos y Europa (en especial, el terror) y el cine nacional de los ochenta, que en general no volvió a editarse en otros formatos. Tanto es así que Carlos Olguin-Trelawny, director de A dos aguas (1988), le escribió a Cristian en búsqueda de una copia de su propio film que ni en el INCAA había podido conseguir. "Estoy seguro de que la única copia que existe de algunas películas, un puñado tal vez, la tengo yo", asegura Cristian. Otra parte importante de su colección está compuesta por el subgénero naziexplotation: desde las más conocidas Ilsa, la perra de la SS (1975) o Salon Kitty (1976) hasta la más rara Perversiones de la Gestapo (1979). "Aún hoy están prohibidas en Alemania. No es un cine que me guste, pero tienen un valor de colección incalculable", comenta. Tiene también algunas curiosas ediciones previas a la ley del video, que AVH impulsó en 1984 y reguló por primera vez la actividad en el país.

En los ochenta florecieron las editoras de video en Argentina y sus catálogos alcanzaron profundidades insospechadas. Casi toda la historia del cine, con sus altos y bajos, estuvo a disposición de una nueva y voraz forma de cinefilia. "Me gustaba mucho el cine de explotación, el cine italiano de género, de artes marciales, etcétera. Y empecé a ver que muchas de estas cosas que no se conseguían en DVD se habían editado en VHS en su momento", explica Cristian sobre sus motivaciones. "Y ahí empezó la curiosidad. Las ganas de tener la edición argentina de esas películas, que tienen muchas particularidades: desde el arte de tapa hasta errores en las fichas técnicas o sinopsis absurdas. Hasta hay errores de ortografía", cuenta. "Es interesante ver además qué master utilizaron, que no siempre fue el mismo en todo el mundo. Algunas ediciones venían sin censura, y se puede comparar con coleccionistas de todo el mundo". Y a veces valora también "las ediciones dobladas, con las voces de la época, sobre todo cuando en DVD sólo está editada con el audio original".

Cristian atesora además dos máquinas rebobinadoras (necesarias en los videoclubes cuando los clientes olvidaban rebobinar un video), algunas películas en Súper 8, una veintena de Laser Disc y hasta un CED (Capacitance Electronic Disc), curioso formato de efímera vida a principios de los ochenta. La colección no deja de crecer y ya trascendió el ámbito privado. Con sus videos Cristian programó dos ciclos en un espacio cultural de Recoleta donde, entre otras, proyectó Charly, días de sangre (1990), una berretada protagonizada por Adrián Suar y Fabián Gianola. Además aportó imágenes para ilustrar el libro Pantalla Freak, de Alexis Puig, editado el año pasado por Fan Ediciones. Y está trabajando en una investigación sobre el mercado del video de los ochenta y noventa; la idea es publicar un libro que rescate el espíritu de aquella época, hoy olvidado por un progreso que, cuando está comandado por las reglas del mercado, suele ser impiadoso. ■

[*] Versión extendida de una nota publicada en la edición de hoy del diario Clarín.

Las películas de sus vidas, elegidas por cineastas argentinos para los alumnos [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 29 Jun 2011 06:05:00 PDT

LOS FILMS QUE LOS MARCARON

-TRISTÁN BAUER
Milagro en Milán (1951), de Vittorio de Sica
-DANIEL BURMAN
El dependiente (1969), de Leonardo Favio
-ADRIÁN CAETANO
¡Qué bello es vivir! (1946), de Frank Capra
-JUAN JOSÉ CAMPANELLA
Atrapado sin salida (1975), de Milos Forman
¡Qué bello es vivir! (1946), de Frank Capra
-ALBERTINA CARRI
La noche del cazador (1955), de Charles Laugthon
-LEONARDO FAVIO
Rashomon (1950), de Akira Kurosawa
-PAULA HERNÁNDEZ
El hijo (2002), de Jean-Pierre y Luc Dardenne
-ALBERTO LECCHI
Tiempo de revancha (1981), de Adolfo Aristarain
El graduado (1967), de Mike Nichols
-LUCREACIA MARTEL
¿Qué pasó con Baby Jane? (1962), de Robert Aldrich
-HÉCTOR OLIVERA
La patrulla infernal (1957), de Stanley Kubrick
-MARCELO PIÑEYRO
El padrino (1972), de Francis Ford Coppola
Cabaret (1972), de Bob Fosse
-LUCÍA PUENZO
El joven manos de tijera (1990), de Tim Burton
-LUIS PUENZO
El conformista (1970), de Bernardo Bertolucci
-CARLOS SORÍN
Cuando huye el día (1957), de Ingmar Bergman
-ELISEO SUBIELA
La balada del soldado (1959), de Grigori Chukhari
-DAMIÁN SZIFRÓN
El cantor de jazz (1980), de Richard Fleischer
-JUAN TARATUTO
E.T., el extraterrestre (1982), de Steven Spielberg
-PABLO TRAPERO
Tiempos modernos (1936), de Charles Chaplin

El gran François Truffaut decía que a veces faltaba al cine para ir a la escuela, asunto presente en su primera y sorprendente película, Los 400 golpes (1959). Pero Antoine Doinel, su álter ego, ya no necesitaría escaparse: a partir de hoy el cine ingresa oficialmente a las aulas de las escuelas secundarias con el libro La película que me marcó, en el que dieciocho directores argentinos (Juan José Campanella, Leonardo Favio, Lucrecia Martel y otros) cuentan qué películas modificaron sus vidas y por qué un adolescente debería verlas.

"La idea es acercar a los chicos a un cine diferente, que quizá no conocen. Además queríamos que vieran cómo una película puede marcar la vida. Y que se pregunten qué filmes les dejaron una huella y por qué", cuenta Roxana Morduchowicz, directora del programa Escuela y Medios del Ministerio de Educación nacional, que creó la iniciativa.

El libro se presentó ayer en un complejo de salas de cine de Palermo. Fabián Gianola condujo el acto, del que participaron el ministro Alberto Sileoni y algunos de los cineastas que formaron parte de la iniciativa. Ellos eligieron las veinte películas que integran el libro, que van desde clásicos canónicos (La noche del cazador, de Charles Laughton, elegida por Albertina Carri) hasta grandes obras contemporáneas (El hijo, de los hermanos Dardenne, escogida por Paula Hernández), e incluye dos films argentinos: El dependiente, de Leonardo Favio (la preferida de Daniel Burman) y Tiempo de revancha, de Adolfo Aristarain (decisión de Alberto Lecchi).

Según la última encuesta sobre consumos culturales de adolescentes, el 95 por ciento de los chicos sólo ve películas estadounidenses recientes. Y apenas el 5 por ciento había visto una argentina en el último año. "El libro viene a llenar huecos", dice Morduchowicz. Además de los films elegidos hay una ficha de cada director y al final se proponen actividades para realizar con los chicos.

Desde la semana próxima el libro va a llegar a todas las escuelas secundarias públicas del país. El resto lo pueden bajar gratis desde www.me.gov.ar/escuelaymedios. ■

[*] Artículo publicado en la edición de hoy del diario Clarín.

Do I have to say his name?

noreply@blogger.com (Andrés) — Mon, 27 Jun 2011 08:03:00 PDT

El sábado 18 de junio pasado murió el ministro del alma, secretario de la hermandad, el enorme saxofonista de la enorme E Street Band de Bruce Springsteen. Mariana Enriquez lo despidió ayer con un bello artículo publicado en Radar que se reproduce a continuación. Do I have to say his name?

Soplando en el viento

Por Mariana Enriquez

La única vez que vi a Clarence Clemons en carne y hueso fue en 1988, River Plate, festival de Amnesty. Tenía 13 años y me había llevado una amiga de mi madre fanática de Sting. Recuerdo haberme aburrido bastante hasta que apareció la E Street Band y descubrí el rock. Era tarde y yo tenía frío pero me acuerdo de haber quedado boquiabierta con I’m On Fire y de preguntar ansiosamente cuál era el título de esa canción a dúo con Sting (era The River). Y es asombroso cuánto me acuerdo del hombre enorme con anteojos negros, boina de pantera negra, aretes largos de metal plateado y un sobretodo que se sacó para quedarse en chaleco, también negro. No recuerdo en qué tema hizo el solo de saxo, espiando la setlist de esa noche sospecho que fue en Born To Run. Nunca había sentido algo así. La canción ya alcanzaba por sí sola alturas de emoción tensa, de euforia triste, algo inexplicable para quien no haya visto en vivo a Springsteen y la E Street Band. Y entonces entraba el saxo y llevaba la canción incluso más lejos, a un sitio épico, vasto, libre. Ese saxo tenor era Clarence Clemons. Murió la semana pasada a los 69 años: hacía 39 que estaba con la E-Street Band. Springsteen publicó un comunicado austero y sentido. ¿Qué se puede decir cuando se muere el alma de tu banda? Se apoyaba en Clarence incluso literalmente, como en la tapa del mejor disco que hicieron juntos, Born to Run. Ahí están tres de los mejores solos de Clarence, el de Thunder Road, el del tema del título y el de Jungleland, el más esperado en vivo, que fue grabado en dieciséis horas hasta alcanzar la perfección. Era el nexo entre un rockero blanco de Nueva Jersey y el soul negro, el arma secreta de ese sonido tan vital que a veces resulta enloquecedor. En los últimos años la presencia de Clemons se fue diluyendo en los discos, pero en vivo era el pilar, el más aplaudido, el adorado: ¡un saxofonista!

El saxo de Clarence traduce lo que dice Springsteen. O lo que tocaba. En Badlands le dobla la apuesta al solo de guitarra y lo empequeñece tanto que es necesario volver a la canción con susurros; en Thunder Road está clarísimo que Mary y su chico nunca se van a ir de ese pueblo de perdedores si no los ayuda el saxo de Clarence, que los despide y les da la bienvenida; en Bobby Jean está lleno de urgencia y ternura para que la chica perdida escuche en la radio esa canción que la busca y la saluda. Springsteen lo sabía. Escribió en su mensaje tras la muerte de Clarence: "Con él, mi gran amigo, mi compañero, mi banda y yo pudimos contar una historia con mucha más profundidad de la que nos brindaba sólo la música". La leyenda cuenta que en 1970 Clarence fue a ver a la E Street Band. Esa noche llovía y cuando abrió la puerta del local donde tocaban, se desprendió y él se quedó ahí parado, con el picaporte en la mano y la tormenta a sus espaldas. Así llamó la atención del grupo. Escuchó un par de canciones y le preguntó a Springsteen si podía ser su saxofonista. Dicen que, desde esa primera noche, se entendían con sólo mirarse. Clemons sólo dejó la banda cuando Springsteen se lo pidió, entre 1989 y 1999, años en los que Bruce decidió un cambio de aire. El error fue enmendado con The Rising, un gran disco y un gran solo en Waitin’ on a Sunny Day, una de las canciones pop más lindas jamás escritas.

Lo llamaban The Big Man o The Big C; lo quería todo el mundo. Tuvo cinco esposas y cuatro hijos. Tocó con Aretha Franklin, Zucchero, Joe Cocker, Twisted Sister, Roy Orbison, Ringo Starr y Lady Gaga, que lo adoraba y lo invitó para su disco Born This Way y su canción y video The Edge of Glory, donde toca sentado en una escalera, todo de negro, con sus largas rastas. Actuó en The Wire repitiendo un papel que hizo en la vida real, el de coordinador terapéutico de jóvenes en riesgo –de eso trabajaba cuando empezó a tocar en bandas de Jersey, antes de Springsteen–.

Nunca volví a ver a la E Street Band. No volveré a verla. La E Street Band ya no existe. Puede haber suplentes para un saxofonista, pero no para el alma. ■

Oficializan por primera vez a los videojuegos como arte [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Mon, 06 Jun 2011 07:51:00 PDT

El año pasado la serbia Marina Abramovic se sentó frente a una mesa siete horas por día durante dos meses en, nada menos, una de las salas del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y el público hizo largas filas para poder estar un rato junto a ella, que permanecía inmutable. Más cerca geográfica y temporalmente, el italiano Gianni Motte llegó a Ezeiza en enero y estampó la huella de su zapato en un bloque de cemento de 80 kilos que, valuado en varios miles de euros, se exhibió en la Fundación Proa. El mes pasado, el rosarino Carlos Herrera metió un par de calamares dentro de un par de zapatillas, les agregó una remera y un par de medias y envolvió todo en una bolsita de plástico: el olor a podrido invadió ArteBA y Autorretrato de mi muerte ganó los 50 mil pesos del premio Petrobras. Ahora, como una especie de frutilla virtual para este postre de artes bellas y no tanto, un importante organismo del gobierno de Estados Unidos que desde hace medio siglo otorga becas para diferentes expresiones artísticas incluyó a los videojuegos entre las expresiones a subvencionar. Una decisión que algunos vieron como la bienvenida oficial de los jueguitos electrónicos –una industria global que mueve muchos millones de dólares– al mundo del arte. ¿Devorará el Pac-Man a La Gioconda en el Louvre? ¿Marcel Duchamp se revuelve en su tumba por haber sido malinterpretado? ¿O está celebrando?

La decisión del Fondo Nacional de las Artes de Estados Unidos (National Endowment for the Arts, NEA) reavivó la discusión, tan antigua como imperecedera, acerca de qué es el arte. Hay que tener en cuenta la magnitud de la institución: el NEA fue creado en 1965 y desde entonces entregó más de 128 mil becas por unos 4 mil millones de dólares a diferentes instituciones artísticas. A principios de este mes el organismo, dirigido por el productor de Broadway Rocco Landesman, anunció que para su concurso 2012 creó una nueva categoría dedicada a medios interactivos en la que incluye a los videojuegos.

EL GRAN JUEGO DE EXPERIMENTAR

Estudió cine antes de dedicarse a los videojuegos, aunque su interés venía desde chico, cuando disfrutaba de la Family Game, una consola de 8 bits que se vendió en los noventa. Y aunque realizó varios cortometrajes, que por supuesto se pueden ver en YouTube, hoy su medio de expresión son los videojuegos. "Busco realizar juegos con temáticas o elementos que no necesariamente se piensan como cómodos al medio. Son experimentaciones de diferente tipo para ver qué es lo que el medio interactivo me puede ofrecer en su profundidad", explica Agustín Pérez Fernández (26), creador de art games como El beso, Symphorophilia o Vestigios. Este último fue realizado especialmente para la reciente muestra Game On 2011: el arte en juego y tiene -según confiesa Agustín- influencias que van desde Jackson Pollock hasta Gaspar Noé. Permite a cada jugador crear su propia obra de arte mientras juega. "Se sienten parte de la obra", cuenta.
Nieto del artista plástico Pérez Celis, cree que la decisión del Fondo de las Artes de Estados Unidos es positiva. "Los videojuegos son una forma de arte muy nueva y lo que se legitima es la etapa de maduración del medio. Pero ninguna forma de arte puede mantenerse vigente y original si no tiene el espacio para experimentar sin medir las consecuencias", opina. Pero no reniega de los juegos industriales: "Existen varios que intentan experimentar un poco fuera de las formulas convencionales. Por ejemplo Valve, que es empresa grande, con productos como Portal hace una experimentación interesante del medio".

A esta altura nadie debería dudar de que el Tetris, del ruso Alekséi Pázhitnov, es una genialidad que ya tiene un lugar bien ganado en la cultura popular. Y todos deben saber que los gráficos y el nivel de detalle de las últimas versiones del más violento Call of Duty son asombrosos. Pero, ¿arte?

"¡Los videojuegos son arte!", gritaron, exultantes, unos cuantos las redes sociales, los blogs y los sitios web especializados –como www.cnet.com y www.escapistmagazine.com– y leyeron la decisión del NEA como una legitimación. Y lo vivieron casi como una revancha, sobre todo luego de una célebre sentencia de Roger Ebert, el crítico de cine más famoso de Estados Unidos, que hace unos años disparó: "Nadie de dentro o fuera de la industria ha podido citar un juego que merezca compararse con los grandes poetas, directores de cine y novelistas".

"La decisión del NEA es un sello de legitimación que ojalá nos sirva para trascender la pregunta sobre si son arte los juegos y poder discutir temas muchísimo más importantes como qué aportarían los videojuegos artísticos", opina el desarrollador Daniel Benmergui, autor de los juegos artísticos I wish I were the Moon y Today I Die, entre otros, que se pueden jugar (experimentar, sería más adecuado) en Internet. Busquen en Google y verán.

Es que la movida de los art games existe desde hace varios años en todo el mundo (algunos marcan el punto de inicio en 2006 con The Marriage, juego experimental de Rod Humble) y agrupa, Internet mediante, a miles de seguidores. "Los mejores juegos artísticos utilizan la habilidad del jugador para hacer que las cosas más importantes sucedan dentro de su mente", sostiene Martín González, creador de DejaVu y Pictomancer. "En los juegos industriales, como Call of Duty o World of Warcraft, lo que ves es lo que hay", diferencia.

¿El Tomb Rider que permite manejar a Lara Croft con el joystick es menos artístico que la película de Angelina Jolie? Henry Lowood, de la Universidad de Stanford, decidió que, como la literatura o el cine, los videojuegos necesitaban un canon. En 2006 juntó a un puñado de expertos, armó una lista de diez juegos (que incluyó al SimCity, las dos primeras versiones del Civilization y al Sensible World of Soccer) y la propuso a la Biblioteca del Congreso que, como con El ciudadano o Casablanca, los conserve como parte de la herencia cultural del país.

La comparación con el cine es inevitable: Hollywood mira cada vez más hacia la industria de los juegos para PC o consolas en búsqueda de ideas (y negocios). Pero lejos está de ser la única relación con otras expresiones artísticas. A principios de mayo se realizó en el Centro Cultural Recoleta la muestra Game On 2011: el arte en juego, donde se presentó el juego Rabbits for my closet, basado en el cuento de Julio Cortázar Carta a una señorita en París.

Como toda expresión artística compleja y algo críptica, los art games ya tienen su propia crítica, nexo imprescindible entre público y obra. El estadounidense Ian Bogost, autor del libro Juegos persuasivos: el poder expresivo de los videojuegos (2007) escribió en su blog que la decisión del NEA es "alentadora y no debe menospreciarse", aunque aclaró que "los caminos del arte son más complejos".

Benmergui da cuenta de esa complejidad: "Existen dos frentes: obtener legitimación para crear oportunidades (exhibiciones, concursos, becas) y crear juegos que rompan los límites y sean evidencia viva de los juegos como arte". ¿Los art games deben ser entretenidos? "Una definición que me gusta de arte versus entretenimiento: 'Entretenimiento es hacer disfrutar a la mayor cantidad de gente posible. Arte es mejorar la vida de al menos una persona", responde.

El alemán ZKM, uno de los centros de arte de nuevas tecnologías más importante de Europa, incorpora desde hace rato a los videojuegos en su colección. Francia tiene desde el año pasado su propio museo. En la inminente E3, la feria de la industria del entretenimiento digital más importante del mundo, se exhibirán los trabajos ganadores del concurso Into the Pixel. ¿Enviaría hoy Duchamp una PlayStation a un museo? ■

[*] Versión ligeramente modificada de un artículo publicado el sábado 4 de junio en el diario Clarín.

Cinecittá: la fábrica de sueños del cine revela por primera vez sus secretos [*]

noreply@blogger.com (Andrés) — Mon, 02 May 2011 07:33:00 PDT

Son un mito, ese punto difuso donde se cruzan la realidad y la ficción. Los estudios de cine italianos Cinecittá, donde se rodaron superproducciones clásicas de Hollywood como Ben-Hur o Cleopatra y gran parte de la producción neorrealista, abren por primera vez a partir de hoy sus puertas al gran público.

Lo real son los datos duros: 40 hectáreas a 9 kilómetros del centro de Roma que albergan 22 estudios, 300 camerinos, 21 sets de maquillaje y un depósito de 7 mil metros cuadrados. Desde su inauguración, impulsada por Benito Mussolini, se filmaron allí más de 3 mil películas: 83 fueron nominadas a algún premio Oscar y 48 lo ganaron.

Las puertas de ese espacio mágico se abrirán desde hoy con dos objetivos : celebrar el 150 aniversario de la unidad de Italia y el 74 cumpleaños de los estudios, que nacieron el 28 de abril de 1937. En un recorrido por Cinecittá (ciudad de cine en italiano, que podría encontrar su equivalente vernáculo en los Estudios Baires de Don Torcuato) se puede pasar en sólo minutos de la Nueva York del siglo XIX de Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese a las pirámides egipcias, un recorrido de más de veinte siglos en el que también aparece la Roma de la serie producida por la HBO.

Hasta noviembre la exposición "Cinecittá se muestra" permite descubrir, de modo muy didáctico, las diversas fases por las que pasa una película antes de ser estrenada. Y conocer, por ejemplo, desde el hábito de fraile de Sean Connery en El nombre de la Rosa o los provocativos vestidos de Audrey Hepburn hasta los secretos -menos frívolos pero igualmente fascinantes- de las realizaciones neorrealistas de grandes como Vittorio De Sica y Roberto Rossellini.

Pero las puertas de Cinecittá estaban abiertas hace rato a través de la ficción. Los espectadores ya cabalgaron por el salvaje Oeste de Clint Eastwood y Sergio Leone, se metieron en la Fontana de Trevi con Marcello Mastroianni y Anita Ekberg y se inmiscuyeron en la intimidad de Brigitte Bardot y Michel Piccoli en la cinéfila El desprecio, de Jean-Luc Godard, entre otras imágenes y emociones imborrables. ■

[*] Este artículo fue publicado el viernes 29 de abril en el diario Clarín.

Bafici 2011 (tercera entrega)

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 13 Apr 2011 05:02:00 PDT

Recorridos

Un hombre de treinta y pocos emprende un viaje hacia el sur de España. Intenta seguir un recorrido que su abuelo, ya muerto, realizó en los años cuarenta, luego de la guerra civil que impuso a la dictadura franquista. Un camino mítico y misterioso, quizá improbable, acaso una leyenda. A diferencia de su primera película, El brau blau (2008), en la que no había diálogos, en La vida sublime (2010) Daniel Villamediana le otorga a la palabra, al relato oral, una importancia fundamental, que en algún punto la emparenta con Historias extraordinarias (2008). Un personaje dice que Sevilla, y no Jerusalem, es la auténtica ciudad santa; otro divaga sobre el anarquismo ("fue el cáncer de los republicanos", sentencia); el protagonista relata una antigua carta sobre una épica pelea de su abuelo y termina lanzando golpes al aire en soledad. Casi una apología de la ficción con forma de documental. En el final del camino el hombre de treinta y pocos habrá derribado un mito para volver a edificarlo [1].

Otro viaje, también por territorios ibéricos, es el que realizan los dos fantasmas de Finisterrae (2010). Sí, fantasmas, y en su apariencia más primitiva, infantil: una sábana blanca con dos agujeros como ojos. Luego de consultar al Oráculo salen a transitar el Camino de Santiago detrás de un deseo: alcanzar una vida, efímera pero real, en el mundo de los vivos. El recorrido, con un solo caballo como transporte y una manga de viento (anemoscopio, explica Wikipedia) como problemático GPS, es por demás delirante, por momentos desconcertante y hasta excesivo, con imágenes tan bellas como poderosas y los mitos griegos -cuándo no- como referencia más o menos difusa. Imposible además no pensar en los reyes magos de Albert Serra [2]. Pero en el final Sergio Caballero abandona la contemplación para transformar su fantasmal road movie en una suerte de fábula clásica. Es, hasta ahora, la sorpresa más agradable del festival.

También en la vieja Europa comienza el tercer recorrido, último de este post. Luego de un comienzo francamente espantoso, en el que se recrea de mala manera una carrera de caballos, la película se pone aún peor con la aparición de un hombre con un casco símil Power Rangers. Y cuando los títulos iniciales aventuran un desastre sin contemplaciones ocurre el milagro: Separado! (2010) cambia el registro y se transforma en un documental muy interesante en el que el extravagante músico galés Gruff Rhys sale en búsqueda de René Griffiths, un cantante de los setenta que, con poncho, guitarra y de a caballo, interpretaba un folclore bien argentino pero en galés. Todo indica que Griffiths vive en Chubut, donde los galeses se asentaron hace más de un siglo. Pero la búsqueda sirve de excusa para que la mirada curiosa de Rhys indague en múltiples cuestiones: la Conquista del Desierto (sin esquivar el rol de la comunidad galesa), la masacre de Trelew, la minería a cielo abierto y una larga lista de etcéteras. Aunque por momentos falta rigurosidad, la película termina siendo otra grata sorpresa. ■

[1] Es interesante leer la furibunda (como no podía ser de otra manera) discusión que se armó hace unos meses en La lectora provisoria, de la que participó hasta el propio director. Y también la crítica de Cristina Álvarez López en el sitio Transit.
[2] La gestación de la película fue bastante poco convencional. Y parece que su distribución en festivales generó el enojo del director de El cant dels ocells, según contó el crítico español Jaime Pena.

Bafici 2011 (segunda entrega)

noreply@blogger.com (Andrés) — Tue, 12 Apr 2011 05:11:00 PDT

El último ciudadano de la URSS [*]

Hace unos días Quintín planteó en su blog que un buen festival de cine como el que por estos días envuelve a la Ciudad aporta -visto completo, tarea por demás improbable- toda la información necesaria para un año. "No hace falta ni leer los diarios", exageró. Aunque disparatado, el planteo tiene su asidero. A 50 años de la llegada del hombre al espacio, que se cumplen hoy, el Bafici ofrece esta semana la posibilidad de ver en las condiciones adecuadas (una butaca frente a una pantalla inigualable, en la oscuridad profunda de una sala de cine) las que acaso sean las imágenes más impactantes del hombre más allá de los límites de la atmósfera.

Out of the Present (1995), documental del rumano Andrei Ujica, registró las tribulaciones del cosmonauta soviético Sergei Krikalev, ingeniero de vuelo de la misión Soyuz TM-12, que entre mayo de 1991 y marzo de 1992 pasó 311 días, 20 horas y un minuto a bordo de la estación especial Mir. Como un náufrago espacial, observó la caída de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) desde 380 kilómetros de altura.

Con un certero cóctel de material de archivo e imágenes propias tomadas con la primera cámara de 35 milímetros que llegó al espacio, Ujica retrata la larga estadía de Krikalev, que vivió desde una inusual distancia cómo su ciudad natal (Leningrado) recuperaba su antiguo nombre (San Petersburgo), su país se desmoronaba y su bandera roja sumaba otros dos colores. Una estadía que transcurrió entre la preocupación por los cambios políticos, los obligados trabajos científicos, la incertidumbre sobre el regreso y los juegos infantiles en la levedad de la ingravidez. Todo registrado con la calidad que sólo el celuloide puede ofrecer y aderezado con referencias -a veces algo kitsch- a clásicos de la ciencia ficción espacial como 2001, una odisea del espacio (1968) y Solaris (1972).

Krikalev escaló el cielo cuatro veces más. En total pasó 803 días, 9 horas y 39 minutos de su vida en el espacio, más que ningún otro hombre. Pero hoy, a los 52 años, se lo recuerda sobre todo por ser el último ciudadano de la Unión Soviética. ■

[*] Versión brevemente más extensa de un artículo publicado hoy en el diario Clarín. En el marco del Bafici, que le dedica un foco a la obra de Andrei Ujica, Out of the Present se puede ver mañana a las 18.45 en el Hoyts Abasto y el viernes a las 21.45 en el Malba.

Bafici 2011 (primera entrega)

noreply@blogger.com (Andrés) — Sun, 10 Apr 2011 07:57:00 PDT

Dos películas del año pasado que se exhiben en este Bafici, muy diferentes entre sí, coinciden sin embargo en una gran canción. Tanto en la pretenciosa y artificiosa Attenberg, de Athina Rachel Tsangari, como en la delirante y muy libre Finisterrae, de Sergio Caballero, suena la poderosa Ghost Rider (1977), de Suicide. Quizá más adelante publique, en medio de esta cobertura dubitativa y algo perezosa, algunas líneas sobre las películas. Mientras tanto les ofrezco algo mejor: suban el volumen, presionen play y disfruten. ■

Los libros del Bafici 2011

noreply@blogger.com (Andrés) — Wed, 06 Apr 2011 19:41:00 PDT

Más libros de cine. Como todos los años, en el marco del Bafici se presentan libros editados especialmente para la nueva edición. Esta vez serán tres, todos muy interesantes y a un precio razonable: 30 pesos cada uno. Una novela "festivalera" del prolífico César Aira, otro sobre el estado de los géneros (que cuenta, de entrada nomás, con un gran texto de Kent Jones sobre la extraordinaria The Wire) y un tercero acerca de Kijû Yoshida, probablemente el primero que se edita en castellano sobre la obra del japonés.

Hay que apurarse a comprarlos porque si se agotan luego es difícil hallarlos. El siguiente es el detalle de cada uno y la fecha y el lugar donde serán presentados. El texto que acompaña pertenece a la gacetilla de prensa que distribuyó el festival.

Festival, de César Aira
El año pasado el escritor César Aira fue jurado del Bafici. "Vamos a ver qué novela escribe sobre el Bafici", comentó entonces uno de los programadores. Festival fue la respuesta, pero Aira toma aquella experiencia como materia prima para crear una novela que mira la vida interna de algún festival de cine de forma sorprendente. Ese mundo, absurdo, extraño, familiar, agresivo, cálido puede tener una base real, pero encuentra su perfecta energía, su forma más sólidamente salvaje en este libro.
- Se presenta mañana a las 18 en el shopping Abasto, con César Aira y Sergio Wolf, director del festival.

El cine y los géneros: conceptos mutantes
El Bafici intenta responder a una pregunta, precisamente, mutante. ¿Qué son los géneros hoy? Pero la pregunta produce, antes que certezas, teorías imprevisibles firmadas por nombres como Stephanie Zacharek, Quintín, Adrian Martin, Marcelo Panozzo, Scott Foundas, Diego Trerotola, Kent Jones, Jim Finn y Juan Villegas, entre otros. Y la única (y mutante) certeza es que el género, desde donde se lo mire, puede generar ideas nuevas, engreídas y anárquicas.
- El libro lo presentan Jaime Pena, Quintín, Marina Yuszczuk, Fernando Chiappussi y Juan Manuel Domínguez este viernes a las 18.30 en el shopping Abasto.

Kijû Yoshida: el cine como destrucción
Parte de la Nueva Ola Japonesa, Kijû Yoshida era hasta hace unos pocos años uno de los nombres menos conocidos y fundamentales de la historia del cine japonés. En este libro, una serie de críticos analizan la figura del director de Eros + Massacre, su importancia, su alteración a la concepción tradicional del cine, su fascinación con Ozu, su visión extremadamente sensible del mundo femenino. Además, el texto posee parte de la obra teórica de Yoshida, sus reflexiones sobre Buñuel, sobre Antonioni y sobre su propio cine.
- Se presenta el miércoles próximo a las 18.30 en el shopping Abasto. Estarán el propio Kijû Yoshida, Mariko Yoshida, Violeta Bava, Diego Brodersen y Juan Manuel Domínguez. ■

Todo el cine de Leonardo Favio, en un libro

noreply@blogger.com (Andrés) — Tue, 05 Apr 2011 06:17:00 PDT

Mañana comienza el Bafici, pero antes no quería dejar de publicar -tardísimo aunque seguro al fin- unas líneas acerca de un muy interesante libro sobre Leonardo Favio, acaso el más grande cineasta nacional. Titulado La memoria de los ojos - Filmografía completa de Leonardo Favio, el prólogo es de Horacio González, fue editado por Martín Wain y tiene textos de Constanza Bertolini, José María Brindisi, Javier Firpo, Hernán Guerschuny, Mariano Kairuz, Paulo Pécora, Pablo Perantuono, Sebastián Ramos y el propio Wain.

El libro, que se vende en librerías a 130 pesos, cuenta con el aval de Favio, que brindó largamente su testimonio, y se pudo editar gracias a la colaboración de técnicos, actores y partícipes de las películas, como los fotógrafos Juan Carlos Villarreal y María Inés Teyssié, que ayudaron a reunir imágenes de enorme belleza y gran valor patrimonial, muchas de ellas inéditas. También aportaron fotografías el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, la Fundación Cinemateca Argentina y la familia Suárez Blaiotta, entre otros. ■

Bafici 2011: breve introducción

noreply@blogger.com (Andrés) — Tue, 29 Mar 2011 09:26:00 PDT

Comenzó ayer la venta de entradas para la décimo tercera edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici), que este año exhibirá 426 películas -entre cortos, medio y largometrajes- desde el miércoles 6 y hasta el domingo 17 de abril. Sólo el primer día se vendieron 17.400 entradas: el 40 por ciento en el Hoyts del Abasto (donde hubo que hacer más de dos horas y media de cola), el 32 por ciento vía internet (desde el sitio oficial del festival) y el 28 por ciento en la Casa de la Cultura.

En este blog ya se comentaron brevemente tres películas que se proyectaron el año pasado en el festival de Mar del Plata: las muy recomendables Poetry, de Lee Chang-dong, y Tournée, de Mathieu Amalric, y la muy mediocre Essential Killing, de Jerzy Skolimowski. Como todos los años, para más recomendaciones y guías se puede acudir a los blogs Con los ojos abiertos y Micropsia, al portal Otros Cines, al sitio de la revista El Amante y a HiperCrítico.

En medio de una programación inabarcable aparecen, como siempre, nombres reconocidos (Abbas Kiarostami, Takashi Miike, Criti Puiu, Werner Herzog, Apichatpong Weerasethakul, Monte Hellman, Hong Sang-soo, Patricio Guzmán, Raúl Ruiz, Béla Tarr, Jean-Luc Godard, este último con un foco que incluye su última película, Film Socialisme) y otros quizá no tan conocidos pero familiares para los habituales del festival (Kelly Reichardt, Koji Wakamatsu, Denis Côté, Ron Mann, Josh Safdie, Helena Trestiková, Bruce LaBruce, James Benning). Y todo esto sin mencionar a los realizadores argentinos y su centenar de películas.

También están las sorpresas, esas ignotas películas que se eligen sin más fundamentos que la foto del catálogo, una procedencia infrecuente o un título atractivo y que terminan siendo los grandes descubrimientos personales. Satisfacciones íntimas que, en gran medida, justifican el haber transitado el festival. ■

Vacaciones

noreply@blogger.com (Andrés) — Fri, 11 Mar 2011 07:01:00 PST

Cinematófilos se toma unas semanas de vacaciones. Que no serán tan alocadas (ni cinematográficas) como las de la familia Griswold, pero bien merecidas están. A la vuelta, en los últimos días de marzo, será tiempo de un nuevo Bafici. ■