Michael Fassbender y Carey Mulligan, los hermanos sufrientes de "Shame"

Ha sido muy divertido ir a la proyección de Shame. Deseos culpables (2011) en la cartelera limeña esta semana. Ver a gente abandonando la sala, indignada, extrañada, avergonzada, por aquel espectáculo cinematográfico. Comparando versiones con otros amigos y conocidos que también fueron a las salas a verla, sintetizo que la polémica y el desconcierto que ha generado en el público promedio el nuevo trabajo de Steve McQueen son dignos de un ensayo sociológico.

“Shame” pone la valla alta desde muy temprano. Aclamada y rechazada por igual, retrata con dureza y sin remilgos una adicción al sexo. Pero su trabajo no queda allí, porque más allá de la caracterización, emerge como retrato de una sociedad acelerada, en la que los supuestos ganadores (aquellos que también eran retratados en “La hoguera de las vanidades” o “American Psycho”) esconden iras, temores y culpas que apenas sí pueden aislar en jaulas de cristal. Muy sutilmente, “Shame” plantea una denuncia de un modo de vida, así como un breve ensayo sobre la moral y el remordimiento (en tanto observación distante, casi clínica, mas no juicio de valor).

La historia de la película nos traslada a un Nueva York de la clase media y alta, al de la envolvente superficialidad, de la estilización y el buen vivir. Brandon, un treintón simpático y exitoso, alterna su ritmo laboral con un espíritu cazador, que nos lleva a descubrir su compulsiva y desbordante adicción por el sexo, que sacia a cada momento, con mayor intensidad y, vamos a decir, variedad. Son encuentros fortuitos, intrascendentes en el aspecto afectivo, simplemente vehículos de desfogue.

Sin embargo, esta suerte de depredador sexual que se nos presenta en primera instancia guarda tras de sí una profunda desilusión y aburrimiento de la sociedad. Atravesado además por una culpa que parece tener raíces profundas (de la que no se habla explícitamente). A ello se le agrega la irrupción en su vida de Sissy, chica problema, descarriada y desbordante. El control casi cronométrico de la vida de Brandon empieza a hacer añicos. El sexo deja de ser una anécdota para convertirse en un mecanismo de tensión, en un liberador de remordimientos, en una suerte de túnel oscuro y sin salida.

Brandon termina siendo brutalmente convincente y abiertamente sensual, vulnerable y desbocado, gozoso y culpable gracias al monumental papel interpretado por Michael Fassbender, uno de los actores de moda, quien curiosamente saltó a la palestra gracias a Hunger, la anterior película de McQueen.

Todo lo que es Brandon, lo que quiere ser, lo que no puede dejar de ser lo transmite Fassbender con amplitud. No hay paso desde el cual no libere su adicción que el director haya desperdiciado. El intérprete se desgarra entre la prostitución, la pornografía y la masturbación. Pasa la vida follando, pero dentro de un vacío existencial que va tornándose pesadilla, cuasi maldición, ante la cual uno no intenta resistirse. Resistir o morir. Morir es follar (coger, tirar, cachar). Follar es también morirse interiormente.

Si Fassbender logra una tremenda actuación, no menos épica es la de Carey Mulligan, la hermana descarriada, la manzana de la discordia, el imán de la culpa. Detrás de ese tono afectado e histriónico, de esas poses histéricas, de ese monumento al desborde anida una chica triste, también, necesitada de afecto. La moralidad se diluye, el abismo de la vergüenza se cruza. No hay justificación, solo acciones.

Sufro como Brandon.

La apuesta de McQueen es trascender ese deseo morboso de la gente por ir a ver los desnudos frontales, por las escenas crudas de sexo, por comentar (con entusiasmo digno de mejor causa) sobre el tamaño del pene de Fassbender. Es cruzar el Rubicón, literalmente, y armar una propuesta de imágenes estilizadas, planos largos, silencios que descuadran y revelan mucho más que los diálogos.

“Shame”, en ese sentido, es una película extraordinaria (en el más amplio sentido del término), de aquellas que cuando vez se asoman a la cartelera limeña, a veces de refilón, otras bajo el signo de una polémica exagerada. De las que yo recuerde como parientes lejanas de ese tipo de escandalosa pistola de fogueo, así rápidamente, nombro a “Crash” (la obra maestra de David Cronenberg, ojo, no el insufrible bodrio de Paul Haggis), “Baise-moi” (de Virginie Despentes y Coralie Trinh Thi) y, claro, “Irreversible” (la misógina y famosa cinta de Gaspar Noé), entre otras. Es decir, no apta para todos los estómagos.

Acá no hay linchamientos morales, sino descubrimiento de psiques. Algunos pueden considerarlas mentes perturbadas, otras enfermas. McQueen optar por no caer en el facilismo de las etiquetas. Sabe que una vez que la gente ha satisfecho su curiosidad lúbrica, no hay medias tintas. Entramos al doliente itinerario de un tipo devastado por su placer.

Quizás el director allí se queda algo estancado en la contemplación de algunos planos o de algunas escenas sin mucha importancia, pero estos son datos menores ante una dirección de actores inspirado, a la sobriedad, al ritmo y a la capacidad de no sucumbir al sensacionalismo. No hay eventos de redención ni tampoco se busca participar en la salvación o la destrucción de un personaje. Solo es un acompañamiento respetuoso, lejano, que detrás de su aparente desinterés (de su húmeda, casi onanista piel primigenia) esconde una sólida y por momentos desgarradora identificación.

“Shame” es uno de los mejores estrenos del año, de visión recomendable. El gracioso evento de grupos de señores mayores saliendo de la proyección, refunfuñando (como si creyeran que están dentro de una interminable película de Eliseo Subiela o de Agnieszka Holland) es meramente anecdótico, por eso, ante el grueso sector que no entendió o no la atinó o salió marcando ocupado. Aquello demuestra, una vez más, que películas como esta son hasta subversivas en una sociedad tan pacata, con audiencias cada vez más emocionadas por consumir la ultraligera oferta con que nos atosigan en estos tiempos desesperados.

Dir. Steve McQueen | 97 min. | Reino Unido | 2011

Intérpretes: Michael Fassbender (Brandon), Carey Mulligan (Sissy), James Badge Dale (David), Nicole Beharie (Marianne), Hannah Ware.
Guion: Steve McQueen y Abi Morgan.

Estreno en Perú: 10 de mayo de 2012.
Estreno en España: 17 de febrero de 2012.

El actor principal Andres Faucher junto al peruano Carlos Ciurlizza, en una escena del cortometraje "Ready to Talk".

Nos enteramos de Carlos, y su ascendente carrera en el exterior, gracias a este artículo en el diario “El Peruano USA”. El actor chiclayano de 30 años, con experiencia en el teatro, partió a Hollywood el 2005, y desde entonces viene labrándose una carrera en el muy competitivo medio estadounidense.

El Short Film Corner (SFC) es el mercado oficial en el Festival Cannes para los realizadores de cortometrajes. En años anteriores algunos cortos peruanos participaron del SFC, títulos como “Q’eros, hombres de altura”, “Regreso”, “¿Me puedes ver”, entre otros.

A propósito de su selección en el SFC, conversamos con Carlos, para que nos cuente más sobre sus trabajos en el cine, y su próxima visita a Cannes:

Carlos, cuéntanos, ¿de qué va tu corto “Ready to Talk”?
La historia se sitúa en un colegio de primaria, ahí un estudiante dispara sin control, dejando numerosas víctimas. Este acontecimiento llena de sufrimiento a una pequeña comunidad y los empuja a tratar de entender lo ocurrido.
La historia está basada en todos estos tiroteos escolares que han ocurrido en los últimos años, pero no está basado en uno en particular.

¿Cómo se inicia este proyecto? ¿Cómo se da el trabajo en colaboración con la directora Angeles Reiné?
El guión de “Ready to Talk” es una idea original mía y de mi coguionista Angeles Reiné. La idea se inicia porque los dos nos habíamos quedado muy sorprendidos de cómo estas masacres escolares siguen pasando muy a menudo en los Estados Unidos y alrededor del mundo, y decidimos escribir algo al respecto.

Angeles Reiné y yo nos conocimos en una clase de la UCLA (Universidad de California). El primer guión que escribimos juntos fue “Take me with you”, que estuvo en la etapa final del taller de guionistas de Sundance 2012.

¿Qué otros premios o menciones han obtenido hasta ahora con este corto? ¿La entrada al Short Film Corner ha sido su mayor logro?
Nuestro corto ya se ha mostrado en mas de 10 festivales, ha ganado dos premios (Mejor cortometraje internacional en la Muestra de Cine de Palencia, España el 2012; y Mejor Cinematografía en el Women’s Independent Film Festival 2012).

Entrar a Cannes es uno de los logros más grandes que hemos tenido, pero el premio en el Festival de Palencia también es muy importante por que, posiblemente, pone nuestro corto en consideración para los premios Goyas del próximo año.

¿Qué otros trabajos en el cine o la televisón has realizado?
Mi actividad principal, y la que vengo desempeñando desde hace 10 años, es la actuación. He hecho teatro con directores ganadores de premios Tony’s, la opera de Los Angeles con Plácido Domingo y papeles en series de televisión como “America’s Most Wanted” de Fox y “No me Hallo” con Angélica Vale, de Univision.

He actuado en una película para televisión llamada “Burned” y en un corto llamado “Be forever now” que acaba de ganar el premio de la audiencia a Mejor cortometraje en el IFQ Film Festival en Los Angeles.

Como guionista, el primer guión que escribí fue “The Arch”, basado en tres amigos en los años 80, durante la aparición de la epidemia del sida. Se llama así por que el símbolo de la película es el arco que se encuentra en el parque de Washington Square en el village en Nueva York. El guion fue finalista del Beverly Hills Film Festival 2012, y semifinalista del Outfest Screenwriting Lab 2012.

Leí sobre tu guión de largometraje “Breathe”, ¿de qué va esa historia?
Si, también he coescrito “Breathe”, basado en el corto “Ready to Talk”. En el guión del largometraje, la historia se enfoca en George, el padre del niño que dispara a sus compañeros en el colegio primario, y en cómo este pueblo se ensaña con George y tratan de destruir su vida por que lo culpan por lo que hizo su hijo.

¿Qué experiencias en el audiovisual tuviste en Perú?
En Perú no tuve la oportunidad de hacer cine o televisión pero tuve suerte porque hice mucho teatro. Fui miembro de los talleristas del grupo de teatro Huerequeque y miembro del grupo Cultura Urbana, dirigido por Liz Moreno. En esos dos grupos aprendí muchas cosas como perseverancia, trabajo duro y respeto por tu arte.

Me vine directo de Chiclayo a Los Angeles en el 2005 porque tenía planeado estudiar actuación en un conservatorio que te enseña la técnica actoral de Sanford Meisner, un conocido teatrista y profesor de actuación. Me gradué del Sanford Meisner Center el 2008 y de ahí, gracias a Dios, conseguí un agente y comenzar a audicionar.

Por úlitmo, cuéntanos algo más sobre ti, Carlos.
Tengo un título universitario de Licenciado en Administración de Empresas de la Universidad Nacional Pedro Ruiz Gallo. Ese fue el trato que hize con mi mamá, que yo le daría un titulo universitario en Perú y ella me ayudaría a venir a los Estados Unidos. Yo expuse mi tesis y firme mi título en Chiclayo un martes y el domingo ya estaba en una avión en camino a Los Angeles. Actualmente vivo en Hollywood.

Extra: Ficha en el catálogo del Short Film Corner de Ready to Talk, una producción española-estadounidense, de 22 minutos de duración.

Se tratan de cuatro cortometrajes, “Música”, “Ausencia”, “Fan” y “Mensajes”, historias con personajes frikis, típicos del cine de Arévalo, que juntos comparten ‘una misma frecuencia’, como dice su director.

Sinopsis: Dos jóvenes atrapados en el silencio. Una banda sufriendo por la corrupción de su música. Una fanática dispuesta a todo por sus ídolos. Un melómano incapaz de relacionarse con la sociedad. Cuatro historias de personas ligadas a la música, tan bizarras como diferentes, pero que se desplazan a través de una misma frecuencia.

Sintonicen el primer avance de AM/FM:

Por lo que vemos en este tráiler, en el cuarto largometraje de Arévalo el elemento sonoro y musical será parte fundamental de la historia. Vale destacar la banda sonora, que contará con canciones de bandas como Kinder, Wi-fi Hackers, Rafo Ráez, Moldes, Sonoradio, Zvook, entre otros.

Rafo nos cuenta además que este lunes 14 de mayo será el último día de rodaje, paralelamente ya tiene muy avanzada la edición, asi que espera tener lista su película dentro de un mes.

AM/FM

Ficha artística:
Katherine Goicochea (Reportera)
Diego Akamine (CapoXz Beatbox)
Niña Veneno (Extraña)
Fernando Montenegro (Manager)
Efrén Castillo (Guitarrista)
Giancarlo Rebagliati (Baterista)
Eliana Antezana (Lourdes)
Julio García Sifuentes (Esposo de Lucía)
Tilsa Otta Vildoso (Chica en librería)
José Luis Bustamante (Chico en librería)
Luz Vargas (Lucía)
Terom (David)
Vera Crispín (Chica dibujante)
Lucas Pen (Lector en parque)
Rafael Arévalo (Mimo)
Alexandra Bianchi (Disc-jockey)

Ficha técnica:
Guión-Producción-Dirección-Fotografía-Edición: Rafael Arévalo
Asistentes de Dirección: Tilsa Otta Vildoso y Beto Méndez
Cámara: Rafael Arévalo y Beto Méndez
Sonido: Tilsa Otta Vildoso y Rafael Arévalo
Dirección Artística y Maquillaje: Los Vagos
Música: Kinder, Wifi Hackers, CapoXz Beatbox, Doppelganger, Rafo Raez, Moldes, Crist Cruz, Softrockstar, Sonoradio y Zvook.

Dato: Algunos trabajos previos de Rafael Arévalo son los largos Objetos (2011), Kasa Okupada (2010), Alienados (1998), y el mediometraje Errante aberrante (2011). Visiten su blog de El Topo Producciones, donde encontrarán más información de sus películas.

La película, que se estrenaría el 31 de octubre, tiene en su reparto a Marisol Aguirre, Nikko Ponce, Leslie Shaw, Airam Galliani, Jurgen Gomez, entre otros.

Cementerio general fue grabada entre enero y febrero en Iquitos, y actualmente se encuentra en etapa de postproducción. El director de fotografía es Miguel Valencia.

Airam Galliani y las presencias sobrenaturales.

Panorama general del Colegio Nacional de Iquitos donde se realizaron las grabaciones.

Leslie Shaw y Nikko Ponce sonriendo.

Leslie Shaw y Nikko Ponce retozando.

Plano inicial del Cementerio General de Iquitos.

Marisol Aguirre parece que sufrirá como cancha.

Visiten también el Facebook de la película: www.facebook.com/cementeriogeneralpelicula.

Cementerio general

Ficha técnica
Director: Dorian Fernández-Moris
Productores: Luis Fernández-Moris y Javier Velásquez
Guión: Javier Velásquez
Director de fotografía: Miguel Valencia
Director de sonido: Guillermo Palacios
Director de luces: Jorge Prado
Maquillaje: Nery Romero

Ficha artística
Marisol Aguirre: Mamá de Mariana y Andrea
Nikko Ponce: Gabriel
Leslie Shaw : Vickie
Airam Galliani: Mariana
Diva Rivera: Mayra
Flavia Trujillo: Andrea (niña)
Jurgen Gomez: Pablo

Cindy Diaz es "Evelyn".

Sinopsis: Evelyn viaja a España desde su pueblo natal en Perú. Piensa que va a trabajar con su prima en un restaurante. Pero es engañada y secuestrada para ejercer la prostitución en un club de carretera. Esta es la historia de un lavado de cerebro; el que transforma a una chica de pueblo en una esclava sexual.

Cindy Díaz, estudiante de 23 años de Artes Escénicas en la PUCP, llegó a este rol tras pasar un cásting realizado en Lima por la producción española.
Ella nos comenta sobre su interés personal en esta historia: “La película habla de un tema que muchos no conocen o no quieren tocar: la trata de personas para explotación sexual. Yo quería ser parte de esa historia, quería decirle al mundo: ‘mira, no eres el único que vive aquí, hay otros que sufren’.
El germen de esta película lo podemos encontrar en el trabajo previo de la directora Isabel de Ocampo, Miente, ganador de un Goya al mejor cortometraje el 2009.

Evelyn se filmó en octubre y noviembre del 2011 en España, en Zaragoza y Madrid; y luego en Perú, en el pueblo de San José de Nieve Nieve, en Huarochirí, al sureste de Lima.
Además de Cindy Díaz, otros actores peruanos participan en la película, entre ellos la experimentada Gabriela Velásquez, Mayella Lloclla, André Silva y Laly Goyzueta. Vean el tráiler a continuación:

Quizá ya hayan visto a Cindy Díaz en la pantalla grande: ella tuvo un papel secundario en “Contracorriente” (2010), de Javier Fuentes-León. También ha participado en el rodaje de “El evangelio” de Eduardo Mendoza, y Diamond Santoro y la soga de los muertos de Gianfranco Quattrini, ambas películas aun por estrenarse.

Conversamos con Cindy, quien nos contó sobre su experiencia en esta producción extranjera:

¿Cómo llegaste a protagonizar esta película? ¿Cómo te contactó la directora Isabel de Ocampo?
En ese momento me encontraba estudiando en la universidad. Se acababa de estrenar mi primera película “Contracorriente”, y yo me preguntaba: ¿cuándo volveré a hacer cine?

Liliana Alegría, una de las actrices de “Contracorriente”, me dijo que ‘Chicho’ Durant estaba haciendo un cásting para una película. Le envíe un email con mis fotos y mi curriculum, y me llamó para pasar el casting. Luego de una semana, ‘Chicho’ me dice que la directora iba a decidir entre dos actrices, una de Perú y otra de otro país.

Fue así que conocí a Isabel. Conversé con ella por Skype, coincidimos en muchas cosas, y finalmente me dijo: “¿Te vendrías a España ya mismo?”, y yo le dije que sí. Tres semanas después ya estaba en España filmando la película, y yo misma no lo podía creer.

La historia que vive tu personaje, Evelyn, es muy fuerte. ¿Cómo sientes que esta película evita los clichés que se pueden presentar, y logra contar algo nuevo?
Las víctimas de trata de personas son engañadas, tanto las chicas como la familia misma, y no saben hacia donde van o que harán. El no conocer este problema, pueden convertir a las personas que van a otro país en busca de un mejor futuro, en víctimas. Es un problema que va más allá del cliché de “la joven latina explotada”. La trata de personas incluye a mujeres de todo el mundo. Eso lo verán en la película.

¿Te costó mucho lograr la transformación que vive Evelyn al viajar a España?
Este es el personaje que más retos me ha demandado como actriz, hasta el momento. Saqué todas mis fuerzas y se las di. Vi documentales, reportajes, testimonios, libros. Además Evelyn y yo teníamos algo en común: viajar por primera vez fuera del país.
Era la primera vez que yo iba a España, así que aproveché eso. Le di mi corazón, me puse en su piel y durante el viaje, en el aeropuerto, al llegar a España, en todo momento pensaba en Evelyn. Sentía que la acompañaba. Fue además un trabajo psicológicamente arduo. Yo comprendía a Evelyn aún más, conforme pasaban los días de rodaje.

¿Qué tal fue esta experiencia de participar, y protagonizar, una producción extranjera?
Fue una experiencia maravillosa e increíble. Me trataron super bien, todo fue muy profesional. Todos estaban atentos y concentrados en su trabajo, todo el tiempo. Aprendí muchísimo, de los demás actores y del equipo de producción. Trataba de dar lo mejor de mi, sobre todo por la responsabilidad que tenía al ser la protagonista.
Recuerdo que tuve una semana en la que filmábamos solo yo y el equipo de producción. Es un trabajo en conjunto entre el actor, el actor que está contigo en el set, el director y el equipo. Daba gusto ir a filmar todos los días, no importaba si era muy temprano o de madrugada, el ambiente era estupendo.

También participarás en “Diamond Santoro” y “El evangelio”. ¿Qué nos puedes contar de tu participación en estas películas?
En “El evangelio” interpreto a una joven adolescente que se ilusiona y obsesiona por un hombre mayor. Y en “Diamond Santoro” interpreto a una cantante de cumbia que se enamora de un argentino. Para esta película viajé a Argentina en verano, y terminaremos de rodarla en Iquitos en julio.

Cindy Díaz, junto a Mayella Lloclla, en "Evelyn".

Por último, cuéntanos algo más sobre ti, y tu interés en el cine.
Mi interés por el cine fue desde que decidí ser actríz, sabía que era difícil. Pero yo siempre he pensado de manera positiva, preocupándome siempre por tener los pies bien puestos en la tierra, sabiendo que aunque llegues muy lejos, es muy importante cómo haces ese camino y como creces como persona. Eso es fundamental para mi.

Fotos: Productora La voz que yo amo.

"Días de Santiago" (2004) se presentará en en esta nueva sala.

Un nuevo espacio para la difusión del cine peruano se abre en el Centro Histórico de Lima con la inauguración de un Cineclub en el Centro Cultural Inca Garcilaso, del Ministerio de Relaciones Exteriores (Jr. Ucayali 391).

En coordinación con el Ministerio de Cultura, el objetivo es programar y proyectar, en la referida sala, ciclos de cine nacional que, posteriormente, serán presentados por las Embajadas peruanas en el extranjero, como parte de la política de promoción cultural del Perú en el exterior.

La ceremonia de inauguración del Cineclub se realizará el lunes 14, con presencia de los Ministros de Cultura y de Relaciones Exteriores. Las funciones para el público inician el viernes 18, con un Ciclo de Cine Peruano cuya programación comprende las siguientes películas:

• Viernes 18 de mayo: Días de Santiago, de Josué Méndez.
• Lunes 21 de mayo: Paraíso, de Héctor Gálvez.
• Martes 22 de mayo: De ollas y sueños, de Ernesto Cabellos.
• Miércoles 23 de mayo: La vigilia, de Augusto Tamayo.
• Jueves 24 de mayo: El destino no tiene favoritos, de Álvaro Velarde.
• Viernes 25 de mayo: Tarata, de Fabrizio Aguilar.

Todas las películas se proyectarán a las 7:30 p.m., en formato digital (dvd y bluray). El ingreso es libre.

El citado ciclo de cine se podrá apreciar posteriormente en la XIII Feria Internacional de Libro de Santa Cruz Bolivia (31 de mayo – 10 de junio), donde el Perú será el país invitado de honor.

Adicionalmente a los largometrajes antes mencionados serán presentadas en Santa Cruz las cintas: Octubre de Daniel y Diego Vega, Bolero de noche de Eduardo Mendoza, La prueba de Judith Velez, Lima ¡was! de Alejandro Rossi y Requecho de Humberto Saco.

El Cineclub del Centro Cultural Inca Garcilaso también ofrecerá a las Embajadas extranjeras acreditadas en Lima un espacio para promover la producción cinematográfica de sus respectivos países, lo que contribuirá al intercambio cultural y al conocimiento mutuo de nuestras realidades. Además, será un lugar para el encuentro entre directores nacionales e internacionales, mesas redondas, homenajes, talleres, entre otras actividades.

El lunes 7 de mayo a las 5:00 p.m., en presencia de los asistentes, se realizó el sorteo público para elegir a los miembros del Jurado del Concurso, quedando conformado por:

• Docente o crítico cinematográfico: Raúl Zevallos (titular), Gabriel Quispe (accesitario)
• Notable de la cultura: Harry Beleván (titular), Jorge Vignati (accesitario)
• Director: Jaime Tenorio (Colombia)
• Productor: Juan Carlos Lossada (Venezuela)
• Guionista: Daniel Burman (Argentina)

Este jurado entregará 6 premios de S/.550,000 cada uno. De los 46 proyectos presentados, 32 son primeras obras. Recordemos que las operas primas tienen preferencia en este concurso.
El 20 de julio se realizará el pitching con los proyectos finalistas, y el jurado anunciará el resultado el 24 de julio.
Revisen las bases completas del concurso en la web de Dicine.pe.

La Comisión Técnica, conformada por Giulliana Cassano (productora), James Dettleff (jefe de área) y Alfredo Aguilar (docente), se encuentra evaluando todos los proyectos presentados a concurso:

1. Entre notas de Gonzalo Ladines. Todo lo Demás SAC. Comedia, 100′. Opera prima.
2. Niña mala de July Naters. J. Nat EIRL. Drama, 100′. Opera prima.
3. La ciudad invisible de Victor Manuel Checa. Pierrot Films S.A.C. Ficción / Bibliográfico, 90′. Opera prima.
4. Lazos de sangre de Alberto Arévalo del Águila. Panchitos Producciones E.I.R.L. Drama. Ficción, 110′. Opera prima.
5. Break de Ernesto Barraza Eléspuru. Break Producciones S.A.C. Comedia, 90′. Opera prima.
6. Recuerdos que matan o Retornantes, de Fernando Vásquez Veramendi. Teatro Libre Producciones S.A.C. Ficción, 90′. Opera prima.
7. Nahuan y el gran viaje de José Luis Peña de la Fuente. Origen Producciones S.A.C. Ficción, 120′. Opera prima.
8. La casa verde de Roberto Bonilla Herold. Cara Cara Producciones S.A.C. Ficción, 110′.
9. Extirpador de idolatrías de Manuel Siles Vallejos. La Luna Pintada Producciones S.A.C. Drama, 80′. Opera prima.
10. Fruta seca de Ana Caridad Sánchez. Totora Producciones E.I.R.L. Comedia Dramatica 90′. Opera prima. (Trujillo)
11. Viaje a Sofía de Adrián Saba de Muinck. Flamingo Films E.I.R.L Road Movie 100′.
12. Vacas de Brian Jacobs. Carapulkra Films S.A.C. Ficción – Drama 90′. Opera prima.
13. Catalina Buendía La Heroína de Enrique Reyes Mestas. Corporación Fuerza Andina del Perú S.A.C. Drama, 90′. Opera prima.
14. ¿Qué fue lo que hiciste, Harvey Magallanes? de Salvador del Solar Labarthe. Péndulo Films S.A.C. Drama 100′. Opera prima.
15. Orquídeas del paraíso, de Jorge Alberto Caterbona. 7Samurai S.A.C. Drama 100′. Opera prima.
16. La cantera de Miguel Barreda Delgado. Via Expresa Cine y Video S.R.L. Drama 95′. (Arequipa)
17. La hora azul de Evelyne Pegot-Ogier. Panda Films S.A.C. Drama, 90′. Opera prima.
18. 28 segundos al aire de Juan Carlos García Perez. Chaska Films E.I.R.L. Drama 90′. Opera prima.
19. El abuelo de Gustavo Saavedra Calle. El Directorio S.A.C. Road Movie, 80′. Opera prima.
20. La almohada de Ray Flores. Creatik Films E.I.R.L. Drama – Comedia 95′. Opera prima.
21. La humanidad perdida de Fermin Tangüis Figueroa. Posthaus S.A.C. Drama 80′. Opera prima.
22. Piel de verano de Silvia Ana Kantor. Savia Producciones E.I.R.L. Drama Juvenil 90′. Opera prima.
23. Kanibal de Juli Cesar Parra Medina. Bere Bere Films. Ficción 90′. Opera prima.
24. El retablo de los sueños de Enid Campos León. Siri Producciones S.A.C. Drama 100′. Opera prima.
25. La reina del Amazonas de Edgardo Fidel Guerra Jave. Ciudad Dorada Filmes S.R.L. Drama, 90′.
26. Luz del cerro de Ricardo Velarde. Caudal Films S.A.C. Suspenso / Misterio, 85′. Opera prima.
27. Frente al acantilado de Sandra María Wiese Moreyra. Productora Cinematografica Antares S.A.C. Ficción / Drama 90′
28. Sueños ajenos de Rafael Zalvidea. Multimedia Digital E.I.R.L. Comedia Dramatica 90′
29. Tres de Héctor José Mata Becerra. Nawi Films S.A.C. Drama 75′. Opera prima.
30. Helena de Norma Velásquez C. Inplot Producciones S.A.C. Drama – Policial, 90′. Opera prima.
31. Perro guardián, de Baltazar Caravedo y Daniel Higashiona. Señor Z S.A.C. Drama Thriller Psicologico 100′. Opera prima.
32. Los famosos inmorales de Aldo Salvini Freyre. Producciones Tondero S.A.C. Fantasía 120′.
33. Corazón de Humberto Saco. Kinaqu Cine E.I.R.L. Drama 110′. Opera prima.
34. Nosferatu, La sinfonía del horror de Juan Carlos Torrico Méndez. Escuela de Cine de Lima & Artes Audiovisuales S.A.C. Drama 80-90′.
35. Canción sin nombre de Melina León. La Vida Misma Films E.I.R.L. Drama 100′. Opera prima.
36. El regreso de Alejandro Legaspi. Verde Luna Cine – Video S.A.C. Ficción – Drama 90′
37. La última noticia de Alejandro Legaspi. Chasqui Comunicación Audiovisual. Ficcion.
38. Una pituca en apuros de Rossana Alalú. La Soga Producciones E.I.R.L. Ficcion 90′. Opera prima.
39. Nación sabor, de Jano Burmester, Rodrigo Moreno, Jorge Salinas, Pablo Santur, Jorge Shinno, Germán Tejada. Isabella Karnivale Films S.A.C. Drama – Romance – Comedia, 85′. Opera prima.
40. La sombra del instinto de Gonzalo Otero Maguiña. Great Big Dolly Producciones E.I.R.L. Drama, 100′. Opera prima.
41. Una chimenea contra el sol de Reyes Mestas Enrique Santiago. Communicart World Media Production S.A.C. Ficción, 90′. Opera prima.
42. Donde nace la noche de José Francisco Salomón Álvarez. Procine S.A. Drama 90′
43. Etransrosa de Jonatan Relayze Chiang. Yin Zhang Films S.A.C. Drama, 80′. Opera prima.
44. Ambición y poder. Ocaso del Imperio Inca de Asto Leon Rogger. R&F Film Productions S.A.C. Acción – Historico 120′
45. La conciencia de David de Nilo Pereira. Urpicine Producciones S.A.C. Ficción 90′
46. Mil ojos… mil oidos, de Luis Aguilar. Viento Producciones EIRL. Ficción, 90′. (Ayacucho)

Protagonizada por Lucho Cáceres, Sofía Humala y Mariella Zanetti, la película cuenta la historia de una pareja que inicia una relación amorosa muy intensa y apasionada, marcada por el deseo y, sobre todo, los celos. Por lo que vemos en el tráiler y en el afiche, la cinta explorará el lado más íntimo y sexual de la vida de esta pareja limeña.

Sinopsis: La inusual y hermosa relación entre un empresario textil de Gamarra y una joven actriz de teatro se convertirá en un “cielo oscuro” cuando él conozca a una antigua pareja de ella.

Toño (Lucho Cáceres) es un comerciante divorciado que pasa los días detrás del mostrador de su pequeña tienda-taller de confección textil ubicada en el emporio comercial de Gamarra. Un día, llega a su negocio Natalia (Sofía Humala), una estudiante de teatro que le encarga la confección del vestuario para su obra de graduación como actriz.

El reparto de Cielo oscuro lo completan Roberto Moll, Norka Ramirez, Pold Gastello, Tania Ruiz, Sebastián Rubio, Flor de María Andrade y Karla Medina.

La película se estrenará en 13 salas de Lima, en las cadenas Cineplanet, Multicines UVK y Cinestar. Se proyectará en formato celuloide 35mm y también en digital, DCP.

Ana (Matilda Martini) escapa a su Tombuctú, en La Punta, Callao.

Acompañando esta nota les presentamos las primeras imágenes de la película que cuenta la historia de Ana y Lucho, interpretados por los debutantes Matilda Martini y Flavio Espinosa.

Ellos son dos niños que viven una tierna historia de amor en plenos años 80 en la convulsionada Lima, que sufría ya los golpes terroristas de Sendero Luminoso. En ese contexto se desarrolla la relación entre Ana y Lucho, quienes viven en el apacible y soleado barrio de La Punta, en el Callao. Ya de adolescentes, ellos ven sus vidas transformarse de manera abrupta: Ana debe partir al extranjero escapando del caos en Perú, y Lucho es víctima de la violencia en las afueras de la ciudad.

Ana, con sus padres Paco (Juan Palomino) y Carmen (Mónica Rossi).

Acompañando a los personajes principales, tenemos a los padres de Ana: Paco y Carmen, interpretados por los actores Juan Palomino y Mónica Rossi. En esta oportunidad conversamos con ellos, para que nos den más detalles de su experiencia en “Viaje a Tombuctú”.

Juan Palomino es un actor nacido en Argentina, pero criado en Cusco. Cómo verán en la entrevista a continuación, Juan siente y demuestra tener un fuerte vínculo personal con el Perú. Nos comenta sobre su llegada al proyecto de “Tombuctú”, su relación con su personaje, y ofrece más de una reflexión respecto a la realidad social, política y cultural de nuestros países. No se pierdan el cierre, con su emotiva interpretación del poema “Abrazo latinoamericano” de Nicomedes Santa Cruz.

Mónica Rossi es una actriz limeña de teatro y televisión, con experiencia también en el cine. Ella se unió al reparto de “Tombuctú” ya muy cerca del rodaje, aquí comparte algunos detalles de su paso por la filmación de esta nueva película peruana:

Entrevista realizada el 18 de abril, en Lima.
Agradecimientos a Ina Mayushin, encargada de producción y prensa.
Cámara: Raúl del Águila.
Fotos: Victoria Robledo.

Este año se seleccionaron 15 filmes, de un total de 1,700 postulantes. Uno de ellos es Los anfitriones, cortometraje de 16 minutos de duración, escrito y dirigido por Miguel Angel Moulet, egresado de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), de La Habana.

El Jurado de la Cinéfondation entregará premios a los 3 mejores cortos, de €15,000, €11,250 y €7,500. Fíjense en los nombres que lo componen: el belga Jean-Pierre Dardenne será el presidente del jurado, lo acompañan Karim Aïnouz (director brasileño), Arsinée Khanjian (actriz canadiense), Emmanuel Carrère (escritor y director francés) y Yu Lik-Wai (director chino). De lujo.

Sinopsis:

Félix tiene 65 años y cuida cerdos en una chanchería en el campo. Josefina, su mujer, ha ido al hospital a hacerse unos exámenes. Félix sufre un accidente que lo acerca a la muerte y afecta su rutina diaria.
Se repone y, cuando llega Josefina con noticias fatídicas, enfrentan el problema de la única manera posible.

Los anfitriones además contó con la participación de otros profesionales peruanos: fue editada por Pedro Bronzoni Zlatar, tuvo como Asesor de edición a Roberto Benavides, y contó con la ayuda del sonidista Francisco Adrianzén. Se trata, entonces, del único filme dirigido por un peruano que se presenta este año en Cannes.

A continuación conversamos con Miguel Angel, quien nos cuenta su singular historia de cómo pasó de la contabilidad al cine, sobre su experiencia en el EICTV, su participación en el nuevo proyecto documental de Nora de Izcue, entre otras cosas:

-“Hasta el año 2007 mi experiencia audiovisual era nula. Estudié Contabilidad en la San Marcos. Escribía un libro de cuentos y pasaba mucho tiempo en Literatura, por ese entonces, pero la carrera como tal tampoco me interesaba. Ni Contabilidad ni Literatura. Pero acabé la Universidad y algo más había que hacer. El perfil académico que tenía daba para asistente contable, ventas, encuestador político, planillas, inventarios, etc. En fin, hice un poco de todo y finalmente acabé administrando una librería. También pasé por la Escuela Narrativa de la Católica.

Hasta que me aceptaron en el Curso Regular de la EICTV (2007-2010). Hice el examen para la EICTV sin contarle a nadie. Era difícil, pero lo hice para no arrepentirme de no haberlo intentado. No tenía ningún trabajo audiovisual que me respaldase o una carrera afín. Veía muchas películas, pero no se me pasaba por la cabeza la idea de hacer una. Me aceptaron gracias a los cuentos que envié. Aún me acuerdo de lo feliz que estaba ese día.

Una vez que llegué a la EICTV las cosas se fueron dando. Ya interesado cien por ciento en la dirección, escribí guiones para los trabajos de escuela de mis compañeros y algunos ganaron en festivales. Pude asistir al Talent Campus Guadalajara 2010. Y ese mismo año el guión de largo que escribí como tesis, El día del pez (título provisional), quedó finalista en el Concurso de Guiones Inéditos del Festival de La Habana. Este periodo también coincide con un guión de largo en el que trabajamos con Nora de Izcue, una película sobre César Calvo que actualmente se encuentra en fase de desarrollo”.

Miguel Angel Moulet (Lima, 1978). Foto: EICTV.

Miguel, ¿cómo se origina el proyecto de “Los anfitriones”?
La idea de “Los anfitriones” nace de un cuento que escribí hace mucho, “Remolino”, un texto que se desarrolla en un departamento de una ciudad. Pero adaptarlo a La Habana resultó más complicado de lo que parecía. Así que decidí olvidarme del cuento y mantener solo el espíritu de la historia. Reescribí todo en base a un hombre de campo al que conocí por esos días: Félix.

“Los anfitriones” se origina a partir del hecho de no tener muchos trabajos de dirección, trabajos que no fueran de escuela, en todo caso. Por eso, con miras a encarar el largo, el año pasado escribí y dirigí dos cortometrajes estando a puertas de viajar por una beca (ELAP) que obtuve gracias al gobierno de Canadá. Quería aprovechar el equipo técnico con el que contaba en La Habana, con mis compañeros de la EICTV.

¿Cómo fue el trabajo en coproducción con profesionales en Cuba y en Perú?
El corto se filmó y se llegó a un primer corte en La Habana. Pero en Lima volvimos a editar algunas cosas con las que no estaba del todo conforme, gracias al asesoramiento de Roberto Benavides. La post de sonido se acabó en Montreal. Pero de no haber sido por Francisco Adrianzén, cuando nos avisaron de la selección en Cannes, se hubiera complicado todo: El corto tenía el sonido estéreo y él nos ayudó con el pase a 5.1.

En la EICTV estudias y compartes 3 años de tu vida con gente de todo el mundo. En este proyecto, por ejemplo, participaron compañeros de Cuba, Argentina, Chile, República Dominicana, Guatemala, Ecuador, Brasil, Francia, España y Perú, claro está. En general, al margen de las nacionalidades, es por demás enriquecedor el aporte de todos los que participan de un proyecto audiovisual. Ahora bien, a la hora de armar un equipo de rodaje la idea es cuidar que todos tengamos la misma película en la cabeza. Con eso, creo, es bastante para empezar.

Ojalá y tuviera más difusión la EICTV en Perú. Además del curso regular al que pude ingresar, hay toda una serie de talleres prácticos relacionadas al audiovisual. Es un lujo contar con su profesores. En estos días, por ejemplo, sé que estuvieron dando clases magistrales Isabelle Huppert, Walter Carvalho y Asghar Farhadi, por mencionar algunos nombres.

Entiendo que el pase a DCP se hizo en Lima, con Guarango. ¿Qué tal fue el trabajo con ellos?
Sí, el DCP se pudo hacer gracias a la gente de Guarango, a Ricardo Cabellos y a Fabricio Deza. Lo probamos en una sala de cine gracias al servicio que ofrecen. Tras ese visionaje es que se pudo optimizar el corte final, porque el corto se filmó a 29.97 cuadros y el pase a 24 requería mucho cuidado. Estoy más que agradecido con la gente de Guarango.

Datos técnicos: “Los anfitriones” fue grabada en formato 16:9, con una cámara Sony EX1R, en codec XDCAM (1920×1080).

"El árbol de la vida": Una película sobre la trascendencia.

Aviso previo: esta no es una película para todos los gustos y, además, dura casi tres horas. Pertenece al género de las obras maestras fallidas, que merecen verse y disfrutarse por sus soberbias cualidades audiovisuales, y por su ambicioso intento de romper convenciones cinematográficas, el que –sin embargo– no logra cuajar en un resultado homogéneo.

Hay una permanente tensión entre componentes que dan unidad a la cinta y otros elementos que la debilitan, vaya uno a saber con qué fines (filosóficos, religiosos y/o emocionales). Su punto de partida argumental es el sufrimiento y las reflexiones del protagonista –Jack O’Brien– y su familia directa ante la muerte temprana de su hermano menor, y el subsiguiente conflicto generacional con el padre; lo que da pie a una exploración de estos sentimientos que va de lo religioso a la memoria personal de la infancia, los que a su vez se remontan al origen de la vida y hasta del universo. Ni más ni menos.

Un poema visual con aprovechamiento de la luz natural.

El punto fuerte del filme es su trabajo de fotografía y cámara. Hay una tendencia a los contrapicados (incluyendo verticales) que elevan a los personajes y el paisaje hacia el cielo. La fotografía explota al máximo la luz natural en el bosque, el mar, el firmamento y las calles de Waco, el pueblo texano en que transcurre el filme durante los años 50; con ocasionales efectos lumínicos y contraluces que persiguen no tanto una iluminación estética sino espiritual.

Lo mismo ocurre en las breves secuencias de Jack adulto, que suceden en modernos edificios que se elevan hacia el cielo y ascensores que elevan a este personaje hacia lo alto de un mundo urbano marcadamente distinto al de las locaciones del resto del filme. Varios encuadres clave exhiben una composición tomada de la primera y última tomas de la cinta, de esa luz primigenia hacia la que pareciera apuntar toda la película. Esa célula visual originaria es el molde básico sobre el que veremos, por ejemplo, los piecitos del hermanito recién nacido recogidos por las manos (del padre) que sugieren una plegaria; la que se materializa en la secuencia final como coronación de una sublime tendencia en la composición de los encuadres.

A ello se suma el uso del angular para enfatizar esa forma cóncava propia de las cúpulas de los templos que, en este caso, son tanto naturales (troncos gigantescos) como humanos (rascacielos). Predomina la luz sobre las tinieblas, el uso y justificado abuso de la luz natural, sobre ocasionales escenas en penumbra (interiores) o las que ilustran el origen del universo. Todo ello soporta esa religiosidad entre cristiana y panteísta que impregna toda la cinta.

La tendencia al contrapicado eleva a los personajes, como en este encuadre vertical.

Pero no nos engañemos, esa ilusión de etérea fijeza es solo un espejismo: la cámara –como los personajes– se la pasa corriendo y vagando de lo lindo, ya que casi toda la cinta ha sido filmada con la cámara en mano; la cual los sigue y observa de manera casi obsesiva. Abundan los travellings con o sin angular que muestran a los personajes en la recreación del espacio rural, el paisaje suburbano, la arquitectura moderna y citadina, lo onírico, la subjetividad, el alma. Estamos ante el “rencantamiento” del mundo.

El montaje, a su vez, corta las tomas muchas veces en el mismo plano y de manera abrupta, con tomas que llegan al borde del desencuadre o caen en el escorzo, buscando captar la espontaneidad y fugacidad de sensaciones que se generan en las diversas y cada vez más complejas interacciones entre los personajes, dentro y fuera del núcleo familiar. Estos componentes audiovisuales buscan reconstruir los procesos de la memoria del protagonista principal, un Jack O’Brien al borde de la pubertad, quien siempre está en actitud reflexiva, pasando de ser un observador atento a un observador participante.

Un Jack que pasará de atento observador del drama familiar a observador participante.

Tales momentos del protagonista constituyen el nexo entre la vida cotidiana –muchas veces ilustrada con recuerdos de episodios aparentemente fútiles, enigmáticos y hasta rebuscados– y la búsqueda de trascendencia que sugieren los elementos señalados más arriba. Nexo que aparece inicialmente como un esfuerzo de comprensión, aprendizaje vital y autoconocimiento del personaje, para evolucionar luego hacia el Jack O’Brien adulto, ya consciente e imbuido de ese entorno contemplativo que lo lleva a estar más allá del tiempo y del espacio.

A ello deben sumarse las imágenes oníricas en el desván (que aparecen unas tres veces), así como aquella submarina de su hermano saliendo de una habitación hundida bajo el agua durante la infancia del protagonista, en el tránsito entre la niñez y la pubertad.

Extraordinario trabajo de efectos especiales.

Mención aparte merece el extenso bloque que describe el surgimiento del universo y de la vida, armado con maravillosos y justificados efectos especiales que ilustran los procesos tectónicos de formación del planeta, las imágenes submarinas que acompañan el surgimiento de organismos unicelulares, la aparición de la luz, del mar y los ríos, de los animales prehistóricos y del paisaje terrenal mostrado bajo los parámetros visuales arriba mencionados; es decir, de una belleza prístina, por momentos reverencial. Todo ello como preámbulo para la secuencia del nacimiento de Jack y la posterior llegada de su hermano, un punto central del filme, gracias a sus bellas y conmovedoras imágenes.

El otro gran soporte estético es la banda sonora, con un sabio manejo de los ruidos, desde el inicial sonido del mar hasta los puntuales estallidos de la formación terráquea, pasado por las susurrantes invocaciones en off de Jack-niño, su madre, Jack adulto y su padre –las que en ocasiones son puros clamores a Dios– hasta el silencio más elocuente que acompaña los momentos contemplativos de los personajes, pero también aquellos destinados al público.

Sin embargo, lo que más destaca es la sucesión de temas musicales que acompaña apropiadamente el desarrollo de la acción; fragmentos de piezas clásicas muy conocidas (como “El Moldau”, de Smetana) y otros igualmente notables pero casi desconocidas (como el “Réquiem de Berlioz”), a las que debe añadirse la música compuesta por Alexandre Desplat para la cinta. Se combinan aquí músicas religiosas (y corales) con otras más bien profanas, algunas de las cuales están inspiradas en la naturaleza; de esta forma se sostienen las dos grandes líneas de significación del filme: la cristiana y la panteísta.

Polémica intrusión en la prehistoria, no exenta de belleza plástica.

Es innegable el talento de Malick para lograr un balance perfecto y una riqueza de sentido en el plano formal. Sin embargo, ya en la misma banda sonora puede hallarse la primera grieta que debilita este logro, ya que los numerosos y variados fragmentos musicales no solo compiten con la partitura de Desplat sino que contribuyen a desperdigar un poco el aporte de la música.

Normalmente, en una película los temas musicales no son muchos y tienden a repetirse o variarse (dentro de un patrón básico) para que se relacionen escenas o circunstancias también en el plano sonoro. No es tan común que aparezcan temas relativamente tan distintos entre sí, lo cual tampoco es necesariamente un defecto; recordemos, sino, los muy distintos fragmentos musicales en una obra cimera como 2001: Una odisea espacial, de Kubrick.

No obstante, observamos que la banda sonora utiliza una larga lista de piezas de autores diversos, como Giya Kancheli y Francois Couperin, John Taverner y Johannes Brahms, J.S. Bach, etc.; los que si bien están adecuadamente distribuidos, abonan a la expansión de sentido, antes que a su concisión. Por tanto, si sumamos este factor a otros que se presentan en “El árbol de la vida”, como por ejemplo el montaje fragmentario, veremos que el director empieza a apartarse de la fuerte coherencia interna descrita hasta este momento. Para entender cabalmente la idea debemos ir al plano narrativo.

Una familia de los años 50 en un pueblo de Texas.

Contra lo que muchos creen, esta obra tiene una estructura narrativa bien delimitada. Lo que ocurre es que el director la ha resquebrajado de tal forma que se ha vuelto confusa y hasta irreconocible para el espectador. Veamos sus partes:

1. El filme empieza con la presentación del grupo familiar en el pasado, la llegada de la trágica noticia y el sufrimiento de los padres.
2. Sigue con la presentación del protagonista adulto, en el presente, quien rememora hechos del pasado que se intercalan con imágenes más allá del tiempo y el espacio (las que llamaremos intemporales).
3. Luego continúa el bloque de los orígenes del universo y de la vida (efectos especiales), que introduce la llegada al mundo del protagonista, su primera infancia y la llegada del hermanito menor.
4. El protagonista crece con el cariño de una madre comprensiva y amorosa pero sufriendo la presión de un padre autoritario, religioso y represivo (aunque finalmente con una faceta y expresiones cariñosas); hay además interacción con el hermano y el grupo de pares.
5. El relato concluye con el protagonista y el resto de la familia (y de la humanidad) más allá del tempo y el espacio, en lo intemporal.

En esta partición, el bloque 1 vendrá a ser la presentación de los personajes y del punto de partida argumental: la muerte del hermano de Jack. De allí en adelante tendríamos una estructura del tipo racconto, donde los bloques 2 y 5 (en tiempo presente) encerrarían una vuelta al pasado, que es un largo tramo narrativo lineal (bloques 3 y 4) donde se examina no tanto las consecuencias del trágico hecho, sino la historia familiar, cuyos conflictos harían eclosión en el protagonista a la muerte del hermano.

Toda esta estructura exhibe los vestigios de una organización dramática convencional, salvo en dos aspectos importantes. Primero, el retorno del racconto, en el bloque 5, ya no sería al presente, sino a lo intemporal. Y, segundo, el clímax propiamente dicho ocurre en el primer bloque, mientras que los conflictos y tensiones que de alguna manera pudieron haber conducido a un clímax ocurren en el bloque 4; con lo cual se descompagina totalmente la secuencia dramática a la que está acostumbrado el espectador común y corriente.

Sufrimiento y culpa: dos grandes temas de esta película.

Hasta aquí todo podría ir bien, ya que hay una lógica que preside estas modificaciones temporales y de dinámica narrativa. Definitivamente, el relato no ha sido organizado según una estructura tradicional basada en la progresión de los conflictos dramáticos, sino que se basa en la exposición y desarrollo de un conflicto espiritual y cristiano.

Ya la cita inicial del Libro de Job nos introduce un primer conflicto que aflige a la madre: su impotencia ante la muerte, la incomprensión ante lo absurdo y el dolor como precio a pagar ante ello. La respuesta del padre es la aceptación y la reconciliación. Pero el camino para llegar a estos debe pasar antes por la exploración de las tensiones y conflictos familiares previos al fatídico hecho. Veremos el maltrato y violencia del padre, que lo llevará luego a pedir perdón; así como el deseo (edípico) de Jack púber de matar a su padre, sus conatos de rebeldía y los celos frente a su hermano, que alimentarán una culpa que se proyectará hasta el presente del personaje. Todo ello explica, en el bloque final, la necesidad de una reconciliación interna, personal y también familiar, con el padre vivo y el hermano muerto.

Un molde para la composición de un encuadre, el cual simboliza el sentido último de esta cinta inclasificable.

Esas locaciones finales, al pie del mar, previamente mostradas en el segundo bloque, son de lo más bello y reconfortante que he visto en el cine. Aquí se concentran no solo los procedimientos formales descritos al inicio sino que también se citan imágenes clave de todos los bloques anteriores, quizás en un intento por dar mayor coherencia y unidad de sentido a la cinta. Las que podrían ilustrar la resurrección de los muertos, luego del juicio final, o quizás solo la llegada al paraíso y el reencuentro con aquellos seres queridos que nos antecedieron en la muerte. Pero también, más modestamente, un deseo imaginario de Jack adulto, una vocación de vida eterna, de intemporalidad, tras la dolorosa evocación de ese tramo de su infancia y del hermano ausente. (No se preocupen, que esto no es un spoiler, ya que la película es tan vaga que caben estas y otras especulaciones ad libitum.)

Pero eso no es todo. Si examinamos estos bloques según el “punto de vista” de los personajes veremos un mayor resquebrajamiento de la unidad en esta obra. Así, en el primero, se aprecian los hechos desde varios puntos de vista: el de la madre principalmente, pero también el del padre y el del Jack púber. En cambio, en el segundo bloque encontramos que la acción es presentada únicamente desde el punto de vista de Jack adulto. Si vamos al tercer bloque (el de los efectos especiales) observamos que no tenemos bien marcado un punto de vista, pese a que la voz en off con breves expresiones de dolor que allí se enuncian corresponda a la madre. De otro lado, la segunda parte de este bloque (el nacimiento y primera infancia de los hermanos) es mostrado casi totalmente desde el punto de vista materno. En el largo bloque 4 tenemos otro cambio, ya que la acción es presentada casi siempre por el punto de vista de Jack púber. Y en el bloque 5 por el de Jack adulto.

Jack, tras haber hablado con su padre.

Estos continuos cambios de punto de vista son otro vestigio, el de una estructura de tipo collage, donde se mezclan puntos de vista distintos, en esta ocasión, no necesariamente enfrentados, sino casi complementarios. De esta forma, el director evita un libreto con diálogos claros y orientadores, los que existen pero son en general escasos y en ocasiones están desperdigados o apenas insinuados.

Por ejemplo, la conversa telefónica entre Jack adulto y su padre en el bloque 2, que correspondería más bien a un clímax que ya hemos visto que no existe. En todo caso, estos modos contribuyen a desperdigar la acción y terminan por confundir aún más al espectador, ya que se suman a los cambios de tiempo, el aparente desbarajuste narrativo, las imágenes oníricas, el magma originario, la rocaza prehistórica y las no siempre claras alusiones religiosas.

Lo que termina por debilitar sustancialmente la coherencia de esta película es el peso desproporcionado de las escenas primigenias del surgimiento del universo y la Tierra, que no se justifican en relación con la historia familiar, ni siquiera en el marco de un drama religioso; aunque reconozco que este tema es discutible, ya que algunos creyentes lo encontrarán coherente y otros no (hay quienes, desde un punto de vista religioso, se oponen al filme pues consideran que valida la teoría de la evolución).

Dilemas de la puesta en escena: vacíos y excesos, ¿qué faltó, qué cortar?

Pero, de otro lado, también tenemos el hecho de que el hermano de Jack muere a los 19 años de edad; es decir, algunos años después de cuando dejamos al protagonista púber (al borde de la adolescencia) y muchos años antes de cuando aparece el protagonista adulto. En otras palabras, hay un vacío de tiempo en el momento mismo de la muerte del hermano de Jack que casi no se nos muestra; todas opciones legítimas, pero que reunidas tienen consecuencias en la taquilla. Por tanto, hay la sensación de excesos y vacíos, tanto en lo religioso como en lo narrativo, que dan la sensación, a muchos, de presenciar una historia mal contada e innecesariamente dilatada con episodios extravagantes.

Estamos, pues, ante una obra maestra fallida, como también lo fue –aunque en menor grado– Anticristo de Lars von Trier; la que vendría a ser la antagonista exacta, el opuesto absoluto a “El árbol de la vida”. Ambas comparten un punto de partida parecido (la desaparición temprana de un hijo) y una conclusión “trascendente” y mágica. Pero mientras la película de Von Trier es fascinante por su sentido diabólico y maligno (e involuntariamente fáustico), la cinta de Malick es pura, bondadosa y celestial, estando ambos grupos de adjetivos encarnados en el respectivo personaje femenino de las dos obras. Y otra diferencia importante es que al director danés se le va de las manos la película en su segunda mitad, mientras que al cineasta estadounidense se le escapa el filme desde el comienzo; en ambos casos, creo, por no llegar a sobreponerse y dominar a sus demonios personales.

En el caso que comentamos, advertimos que Malick aparece desbordado por sus intenciones entre filosóficas y religiosas, las que emergen de una narrativa desarticulada y con exceso de misterio. Está claro que se trata de un filme autobiográfico que proclama a los cuatro vientos la necesidad de exorcizar culpas que, posiblemente, persiguen al realizador desde la infancia. Aunque eso quizás nunca lo podremos saber, dado el carácter reservado del cineasta, quien no brinda entrevistas y ni siquiera parece dispuesto a ser fotografiado.

En suma, el espectador deberá escoger entre dejarse llevar por el desenfreno audiovisual de una fotografía luminosa y etérea durante casi tres horas, a partir de unos hilos narrativos débilmente hilvanados durante el resto del tiempo (en cuyo caso, recomiendo verla cuantas veces sea posible, ya que es una cinta embriagadora y podría ser hasta adictiva). De lo contrario, abstenerse.

Teresa, la novia del Libertador presenta la historia de Lucía, una mujer que, al impedir la destrucción de una casona colonial, descubre que en ese lugar habitó ella misma, en una vida anterior: se trata de Teresa, una mujer que luchó por la Emancipación del Perú.

La película entonces narra ambas historias en paralelo, en la actualidad y en la época colonial, con tres personajes principales que tienen su contraparte en una y otra época. Lladó espera que su película “estimule [al público] a pensar en temas como nuestra historia y el respeto a nuestro patrimonio”.

El trío protagónico lo conforman los locales Wendy Vásquez, quien hace de Lucía y Teresa; y Gonzalo Revoredo, él hace de Gonzalo, un amigo de Lucía, y de Francisco, un libertador del siglo XIX. El triángulo amoroso lo completa Luis Galli (actor peruano radicado en EE.UU.), quien tiene el papel del esposo de Teresa, y del novio de Lucía.

Wendy Vásquez y Luis Galli, en "Teresa, la novia del Libertador".

En el reparto de actores también aparecen nombres como Diego Lombardi, Mónica Hoyos, Rossana Fernández-Maldonado, Ana María Teruel y la propia Rocío Lladó. Conversamos con la directora, quien nos dió más luces sobre su nuevo filme:

Rocío, ¿de dónde proviene la historia de “Teresa, la novia del Libertador”?
Nace de la idea de que la vida siempre nos brinda segundas oportunidades. La historia sucede en dos épocas, la actual y la de la Emancipación, y busca rescatar lo que hicieron (y hacen) los ciudadanos comunes por logar sus sueños de libertad.

¿En qué locaciones han grabado la película?
Hemos grabado en Lima antigua, Cercado, Rímac y Barrios Altos: en la Casa Aliaga, en los Conventos de Santo Domingo, San Francisco (donde se encuentran las Catacumbas) y de los Descalzos, y en el Monasterio del Prado. En el Callao rodamos en la Fortaleza del Real Felipe.

¿Cómo están financiando la realización de esta película?
La película es financiada, en su mayor parte, a través de una coproducción con una empresa estadounidense.

Sobre la parte técnica, ¿con qué equipo han trabajado?
Hemos usado una cámara Red One Mysterium X, con 4K de resolución y óptica Red Prime.

Tu primera película Vidas paralelas tuvo una buena respuesta entre el público, fue de las más vistas el 2008. ¿Tu nuevo trabajo apunta a superar esto?
Para mí es muy halagador y estimulante que el público haya respondido bien a mi primera película. Con “Teresa, la novia del Libertador” espero que el público disfrute de la película y que lo estimule a pensar en temas como nuestra historia y el respeto a nuestro patrimonio.

Christian Rivero, Luis Galli y Wendy Vásquez, en "Teresa, la novia del Libertador".

Ficha artística
Wendy Vásquez: Lucía / Teresa
Ana María Estrada: Cecilia / Sor Carmela
Gonzalo Revoredo: Gonzalo / Francisco
Luis Galli: Rodrigo / Mariano
Christian Rivero: Domínguez / Gaspar
Ana María Teruel: la abadesa
Leslie Guillén: Hermana Isabel
Rocío Lladó: Sor Beatriz
Nathalie Tolentino: Violeta
Claudio Calmet: Alejandro
Emilia Guzmán: Mamá Micaela
Paul Ramírez: Baltazar
Diego Lombardi: Hipólito
José Javier Pérez: Narciso
Mónica Hoyos: Josefa
Emilio Montero: Aníbal
Rossana Fernández-Maldonado: Catalina
Irene Eyzaguirre: doctora Castillo.

Ana María Estrada, en "Teresa, la novia del Libertador".

Ficha técnica
Directora y guionista: Rocío Lladó
Productor ejecutivo: Gustavo Sánchez
Jefe de producción: Marco Moscoso
Casting: Diego Lombardi
Director de fotografía: Mario Bassino
Sonido directo: Omar Pareja
Directora de arte: Cecilia Herrera
Vestuario: Pepe Guevara
Maquillaje: Lily Nole
Edición: Carlos Alvarez Pacheco

En el rodaje de "Teresa, la novia del Libertador".

La característica esencial de la decimocuarta edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires – BAFICI fue el gran número de nombres nuevos en la programación, sea en condición de competencia o no, debutantes o autores de segundas cintas, o recién dados a conocer en esta parte del mundo.

Todos los ganadores del BAFICI 2012, en la ceremonia de clausura en La Capilla del Centro Cultural Recoleta.

Está claro que la elite del cine mundial estrena en mayo en Cannes (Kiarostami, Haneke, Cronenberg, Resnais, Hong Sang–soo, Loach, Mungiu, Raygadas, Cantet, Bertolucci, Weerasethakul, Trapero, etc.), y que la heterogénea oferta bonaerense alcanzó un promedio de considerable exigencia expresiva pero lejos de niveles excepcionales.

Por ejemplo, en la Competencia Oficial Internacional que tuve la oportunidad de evaluar en el jurado de la Federación Internacional de Prensa Cinematográfica (FIPRESCI), junto a los colegas Gustavo Castagna (Argentina) y Quim Casas (España), de las 15 películas participantes, siete eran opera prima y ocho constituían la segunda experiencia de sus autores en el largometraje.

La sección estuvo compuesta, en su mayoría, de relatos ambientados en ámbitos suburbanos, campestres o rurales –de hecho, ese perfil tuvieron las tres obras argentinas, Los salvajes, Germania y La araña vampiro–, poblados a veces por personajes que pasan por relativos ostracismos, crisis personales y acentuadas cercanías a diferentes especies animales, domésticas o no (caninas, felinas, vacunas, porcinas, arácnidas, reptiles). Asimismo, hubo una minoría de historias más cosmopolitas, que en algún caso gira alrededor de un grave conflicto social y una situación de violencia.

Para el jurado FIPRESCI, el ganador fue el filme Tomboy, de Céline Sciamma, “por brindar una mirada entrañable al periodo de la infancia, en el tránsito en que se definen las identidades y el modo de vincularse con el entorno, en una localidad campestre de Francia y como parte de una familia que no termina de instalarse en un mismo lugar.”

"Tomboy", de Celine Sciamma.

Respecto a la experiencia de integrar un jurado en este festival, junto a Quim y Gustavo, debo decir que ha sido muy grata. Nuestras conversaciones, medio en broma y medio en serio, no estuvieron exentas de las coyunturas protagonizadas por la españolidad en estos últimos días: la expropiación de la empresa YPF decidida por el gobierno de Cristina Fernández de Kirchner, las peripecias del Rey Juan Carlos, la crisis galopante de la economía hispana, las sentidas derrotas del Barcelona.

Por lo demás, el día empezaba viendo un par de películas de la Competencia Internacional, y continuaba con cuatro o cinco proyecciones más en el resto de la jornada, hasta pasada la medianoche, o al límite de las energías. Y entre los visionados, aprovechábamos para conversar con colegas de toda procedencia y en particular con las amistades peruanas que casi llegaron a la veintena, entre críticos, realizadores y programadores, una de las presencias nacionales más significativas en el festival.

Volviendo a la selección de películas del BAFICI 2012, otro rasgo del festival fue el diálogo con el pasado, en el rescate de antiguos filmes, como India (1960), la tercera entrega de la dupla Isabel Sarli y Armando Bó, desaparecida durante décadas y que volvería a la vida desde el 2009, cuando la ingenua historia del prófugo de la ley y la jefa de una tribu indígena del Paraguay, dotada de cálida sensualidad en blanco y negro, y clichés románticos y de intriga, es descubierta por investigadores del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, una institución pública que se dedica a investigar, preservar y difundir el patrimonio cinematográfico argentino desde 1971.

También se pudo apreciar una joya poco conocida como Lions Love (1969), de la belga Agnès Varda, crónica parcialmente autobiográfica que transita del impactante asesinato de Robert Kennedy al disparo que recibe Andy Warhol, pasando por la estancia alucinógena en Los Angeles de una cineasta europea y sus forcejeos con un estudio de producción por el corte final de la película que pretende realizar en Estados Unidos. O un filme de Ousmane Sembène, Xala (1975), una mirada ácida sobre la corrupción política de Senegal y los valores de su sociedad, en especial los que forjan la identidad masculina con ancestral tirantez. Y en ese aspecto el broche de oro lo pondría El viaje a la luna (1902), de Georges Méliès, que se vio recientemente en parte en la cinta Hugo de Martin Scorsese y que constituye una de las piezas angulares de la historia del cine mundial.

(Fotos de la clausura, tomadas de Otroscines.com)

Cuadro por cuadro apareció en diciembre del año pasado y es una de las primeras revistas universitarias especializadas en cine en el norte del Perú. Nace como complemento a las actividades del Cineclub de la Escuela de Comunicación de la USAT.

El editor responsable es Milton Calopiña Avalo y el equipo de redacción está formado por Albania Bure, Fiorella Vallejos, Ximena Ross Morrey, Miguel Angel Ramón y César Vargas. El diseño estuvo a cargo de Ivonne Yovera. Este primer número de la revista estuvo dedicado al director estadounidense J.J. Abrams y su “Super 8″, además contó con un especial sobre Armando Robles Godoy.

La dirección de contacto del editor es: mcalopin@gmail.com. Pueden adquirir la revista en: www.perubookstore.com. El precio es de S/.5.00.

En la presentación estuvieron la mayor parte del equipo integrante de la revista, así como lectores, y el público del Cineclub de la DRC. La presentación estuvo a cargo del profesor Victor Hugo Palacios Castillo, articulista de cine (colabora regularmente en el blog Páginas del diario de Satán) y profesor de filosofía, quien además de felicitar la aparición de esta revista, como importante iniciativa cultural, instó al equipo a que no cese en su empeño de escribir y promover el arte cinematográfico.

Previo a la intervención del profesor Palacios, el editor de la revista, el profesor Milton Calopiña, también encargado del Cineclub de la escuela, agradeció a las autoridades de la USAT y de la Escuela de Comunicación por haber hecho posible el nacimiento de la revista. Agradeció también a los encargados del Cineclub de la DRC por permitirles presentar la publicación en su local.

La familia feliz, en "El árbol de la vida"

Famoso por Days of Heaven (película perfecta, que debería verse en todas las escuelas de cine) y “La delgada línea roja” (uno de los mejores retratos fílmicos sobre la guerra), la propuesta de Malick ha incluido su debut, “Malas tierras” (o Badlands) de 1973, y El nuevo mundo, del 2005. Con “El árbol de la vida” suma su quinto largometraje en casi tres décadas. Esa relativa austeridad no ha mellado en absoluto el carácter único, personal y fundamental de su cine, uno de los más celebrados y prestigiosos a nivel mundial.

No es difícil resumir “El árbol de la vida” desde una línea narrativa central: en los Estados Unidos de la década de los pasados años 50, Jack es un niño en medio de una familia tradicional de la clase media, en la que se mueven los más diversos comportamientos y sentimientos que, en el fondo, son el espíritu colectivo. La madre (la evanescente Jessica Chastain) representa bondad, mientras el padre (un extraordinario Brad Pitt) representa la severidad y el pragmatismo. A través de un difícil equilibrio, en el que el infante va descubriendo las más diversas caras del mundo, se presenta una evolución que se concentra brevemente en el adulto Jack (un afectado Sean Penn), que busca respuestas sobre su origen y su devenir.

En medio de esta secuencia, el cineasta apuesta por ingresar a su terreno, en el que se mueve con extraordinaria eficacia: el de la prédica. Malick apuesta por las imágenes para sugerirnos una evolución que va marcando, además, contrapunto con la historia de Jack y los suyos. Para ello, trama una osadía mayor: contarnos la historia de nuestra existencia desde los postulados más disímiles, mezclando biología, ciencias naturales, filosofía y, claro está, un deleite místico de reflexiones, frases, puntos de vista que lo acercan con el discurso y con la letanía, pero también con el reencuentro del hijo pródigo con la fe, del converso que ha visto la luz, con el ser humano que ha buscado respuestas toda la vida y al fin las ha encontrado.

Es complicado encajar, como ya dijimos, a este trabajo de Malick en un género específico. Yo preferiría tomarlo como un ejercicio de simpleza, en que todos los planteamientos tienden a la pureza, al arte en su estado natural. Porque “El árbol de la vida” conmueve y emociona, pero también genera sentimientos encontrados, en que a veces el dolor y la pérdida se confunden con la euforia y el enojo. Malick no siempre acierta en hacernos sentir como suyas sus ideas o sus pastiches, que suenan en contadas ocasiones como pastiche de un demagogo con extraordinario talento manipulador. Pero en esa manipulación, en ese esfuerzo brutal por hacernos creer lo que él cree, Malick compone sin remilgos una propuesta estética extraordinaria, un triunfo de la cinematografía sin adjetivos.

“El árbol de la vida” viene precedido del triunfo en el último Festival de Cannes y su nominación como mejor película en los Premios Óscar. Sin embargo, su asimetría narrativa, sus postulados ideológicos, su estilo visual le confiere aquella naturaleza singular, por momentos extraña, que tiñe cada escena del filme con una pátina metafísica, trascendente en el más amplio sentido de la palabra, que se comunica con la naturaleza, que toca aspectos filosóficos propios de los tiempos globalizados y amplía su estructura de un modo sorprendente, deslumbrante, finalmente ecuménico, que coquetea con Dios y con la ilustración y al fin, emerge del mundo como un propuesta incomparable, propia de un cineasta tan alucinado, alucinante y vital como Malick.

The Tree of Life. Dir. Terrence Malick | 141 min. | EE.UU. | 2011

Intérpretes: Brad Pitt (Sr. O’Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O’Brien), Fiona Shaw (abuela), Irene Bedard (mensajera), Hunter McCracken (Jack joven), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve).

Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.

Estreno en Perú: 26 de abril de 2012.
Estreno en España: 16 de setiembre de 2011.

Como verán en las imágenes, se trata de un filme singular, que propone una mirada distinta dentro de esto que gustamos de llamar “Cine peruano”.

Así resume su película el propio Raúl:

El espacio entre las cosas trata acerca de un director que recorre posibles locaciones y afina el guión de su nueva película, un policial.

El personaje principal es un detective de la división de narcóticos, que enfrenta una serie de sucesos extraños tanto en su vida personal como profesional. A manera de ensayo, o libreta de apuntes, el narrador y el protagonista se funden, y la realidad y la ficción son parte de un mismo universo”

Vean el primer tráiler de “El espacio entre las cosas”. Es muy prometedor:

Es curioso que estos primeros avances aparezcan a un día del estreno en Lima de “El árbol de la vida”. Si bien puede ser una comparación apresurada, antojadiza, exagerada, al ver estos tráilers alcanzo a apreciar aquí también imágenes de una belleza poética que entusiasman a cualquiera. “Koyaanisqatsi” es otro filme que se me viene a la cabeza en estos momentos.

Este es un segundo tráiler de “El espacio entre las cosas”. La música es obra del grupo italiano de post-rock Port-Royal:

El director también nos envía este párrafo de un libro que le ha acompañado durante la realización de El espacio entre las cosas:

Una habitación existe por el espacio vacío comprendido entre las paredes y el techo, no por el techo y las paredes mismas.
La utilidad de una jarra consiste en el espacio vacío en que se puede poner el líquido, no en la forma o en la materia de la jarra.
El vacío es omnipotente, porque puede contenerlo todo.
Sólo en el vacío es posible el movimiento.
Quién pueda hacer de sí mismo un vacío en el que los demás puedan penetrar libremente, será el dueño de todas las situaciones; el todo puede siempre dominar la parte…
Es una casa de lo asimétrico por cuanto está consagrada al culto de lo imperfecto; y en ella se deja a propósito algo inacabado para que el juego de la imaginación lo complete…

-Tomado de “El libro del té”, de Okakura Kakuzō (1906).

Raúl del Busto Maldonado (Lima, 1977), ha realizado anteriormente el largo Detrás del mar (2005 – 99 min.); y el mediometraje La espera de Ryowa (2004 – 36 min.) en codirección con Cyntia Inamine, su colaboradora habitual, y productora de “El espacio entre las cosas”. Recordemos que esta película participa en el 1er Concurso de Distribución del MinCul.

Para cerrar, este tercer y último avance es más “literal” si se quiere, podría remitirnos a la argentina “Historias extraordinarias”:

Extra: Comentan también estos primeros avances, con igual entusiasmo, Fernando Vílchez, de El agua inmóvil y Mario Castro, de La cinefilia no es patriota.

Sinopsis: La carpa de música folklórica “Coliseo” va a ser desalojada del terreno que ocupa. Esto significará la desaparición de un grupo de artistas de diferentes generaciones, que habían encontrado en ese lugar una forma de vida y una identidad. Los jóvenes Marcial y Esperanza formarán un grupo de danza e intentarán salvar el “Coliseo” participando en una competencia de huaylarsh. Para lograrlo tendrán que ganar a los famosos “Tricampeones”.

"Coliseo, Los Campeones". El huaylarsh en la nueva Lima.

Junto a “El Inca, la boba y el hijo del ladrón” y “Las malas intenciones”, Coliseo formó parte de la representacion peruana en el 28° Festival de Cine Latino de Chicago, que se realiza en esa ciudad del 13 al 26 de abril.

El filme solo se ha visto anteriormente en el Festival de Lima 2011, y sus productores aun continúan trabajando para conseguir los fondos necesarios para realizar el estreno comercial en Perú. La productora de la película Rosamaría Alvarez Gil nos comenta al respecto:

Hemos conseguido el auspicio de dos agencias de publicidad que apoyaran la campaña, y si conseguimos ganar el Concurso de Distribución de Dicine ya estaríamos listos para lanzar la película, que está esperando hace un año su estreno.

Nuestro sueño es salir con una campaña que le dé chance a la película de darse a conocer y atraer a su publico objetivo, ubicado principalmente en Lima Cercado, Lima Norte y Lima Este.

Hemos hecho exhibiciones de prueba y la respuesta del publico es realmente muy afectuosa, como por ejemplo la del publico de Chicago, con 80% de peruanos y latinoamericanos inmigrantes que se relacionaron muy bien con los personajes de la película. ¡Se rieron y soltaron sus lágrimas!

Parte del equipo de rodaje de "Coliseo" en Huancayo: Alejandro Rossi, Gisella Benavides, Juan Durán, Cristina Cuadro, Matías Durán y Jorge Vignati.

El domingo pasado, el suplemento “Domingo” de La República publicó una entrevista con el director Alejandro Rossi. Aquí algunos extractos:

¿Pretendes que esta película [por su temática] pueda integrar a la nueva sociedad peruana?
La película es para el público peruano. Si el discurso llega al público hay un éxito de comunicación, pero al mismo tiempo es un éxito de taquilla lo que me permite hacer el próximo proyecto. Yo iba a hacer la película de todas maneras. Es una historia de triunfo, coming of age, to be or not to be, conciliación, elementos clásicos, heroicos, tradicionales.

¿Por qué el tema del huaylas?
Hay una vocación andina, peruanista en la familia. Yo lo interpreté por el lado musical; me gusta, me toca, me libero con ella. La película es una afirmación; uno de los objetivos de Cineruna, de nuestra empresa, es contribuir a la salud anímica y espiritual de nuestro país… y la salud en el Perú pasa por problemas de identidad, de reconocimiento, de autoestima. Sobre todo con los jóvenes pasa por la autoestima sexual, que tiene que ver con elementos de prejuicios sociales.

Al ver la película observé la calidad actoral…
Es irregular. Es que no son actores, excepto el abuelo [Jorge Rodríguez Paz], Delfina Paredes, Aristóteles Picho y Augusto Casafranca. Los demás son jóvenes sacados de un casting desde Carabayllo a Villa El Salvador, de grupos de danza.

¿Por qué lo hiciste así?
Quería que sean reales, que entendieran lo que estábamos haciendo y todos estos chicos entendían perfectamente su universo; no había que explicarles nada. Se sienten auténticos, reales, de barrio. Cuando tienes una formación actoral, tu expresión corporal cambia, es muy distinto, se siente más profesional pero más industrial también. Y por el baile por supuesto, y la capacidad atlética. Es una película con actores naturales y director natural; soy director primerizo.

Snowtown (2011), de Justin Kurzel.

Todo lo que empieza como un drama puede convertirse en una película de terror. Llena de una crueldad desenfrenada, este filme australiano toma la idea de la venganza por mano propia y la designación de quienes deben ser “castigados” por violentar a los seres que representan la inocencia misma, como son los jóvenes y los niños.

La película de Justin Kurzel es inquietante e intensa conforme los personajes se van desenvolviendo en una imagen pálida y una cámara en constante movimiento casi propia del reportaje televisivo. Se crea un ambiente angustiante para la historia de una madre (que siempre vive alterada y entregada al vicio del cigarro) que tiene que cuidar a sus tres hijos, pues viven en un pequeño barrio, parecidos a los suburbios estadounidenses, donde los perversos y violadores rondan cerca.

Un personaje extraño y carismático, que aparecerá repentinamente, entrará en la vida de esta familia carente de figura paterna. Su figura agradable y su buen humor, esconden al demonio mismo, y así lentamente comenzará a ganarse la simpatía de uno de los hijos, Jamie, que dicho sea de paso, da el punto de vista de la película. Le mostrará la venganza y la muerte. Sin embargo; Jamie es carente de decisiones, y es débil. Encarna la figura del “muchacho-esponja”, que todo lo absorbe, tanto la maldad y la tristeza, la amistad y el rencor, y cada sentimiento lo vive al extremo.

Al mismo tiempo la intensidad crece, por lo que sabemos como también por lo que se esconde. Este personaje que viene a ser el padre postizo para los hijos y en particular para Jamie, suplanta a Dios (cabe resaltar que la película también tiene presente el tema religioso) y comienza a asesinar a los “innecesarios” de este mundo. Construye una red y se vuelve una especie de cazador. Jamie lo acompaña muy sin saber si está bien o mal lo que están haciendo. Lo interesante es cómo el espectador se va dando cuenta sin necesidad de ver ningún acto de barbarie hasta que la misma necesidad de la trama empuja a deslumbrar lo que no se podía ver. La relación que se puede hacer uno por la manera gustosa con la que comen después de cada asesinato es una imagen muy potente.

Una mezcla entre el cine Michael Haneke, David Lynch, David Fincher y hasta un toque de Roman Polanski, esta película con tintes oníricos, casi de cine gore y realistas (finaliza diciendo que está basada en hechos reales). Empuja a sus personajes, acompañados por un leitmotiv musical excelente, hacia la pesadilla misma. El pueblo de Snowtown se convierte en el infierno mismo, y la violencia y la crueldad son extremas. Película muy dura de ver, pero imposible perdérsela.

La Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura informa:

De acuerdo al cronograma establecido, el día viernes 20 de abril, a las 5:00 pm, se cerraron las inscripciones para el Concurso de Proyectos para Distribución de Obras Cinematográficas Peruanas de Largometraje I.

Se han presentado los siguientes filmes:

• Coliseo Los Campeones, de Alejandro Rossi Velasco. Cineruna.
• Como quien no quiere la cosa, de Álvaro Velarde. Álvaro Velarde Producciones SRL.
• El espacio entre las cosas, de Raúl del Busto Maldonado. Intro Films SRL.

Actualización [27 abril]: Dicine informa que el ganador del concurso es Coliseo, Los Campeones.
Se decidió otorgar dicho premio en base a los siguientes considerandos:

• Presenta una historia de inspiración y motivación a través de un buen guión.
• Promueve los valores nacionales.
• Plan de marketing y promoción estructurado y detallado.
• Plan de distribución nacional e internacional avanzado.

Actualización [25 abril]: Dicine envía esta importante comunicación, que deja fuera de concurso al filme de Raúl del Busto:

Se informa que luego de la revisión de los expedientes presentados a concurso, esta Direccion ha resuelto no aceptar la inscripción del proyecto El espacio entre las cosas de la empresa Intro Films por quedar pendiente el cumplimiento del Contrato de Ejecucion del Concurso de Proyectos de obras de Largometraje para Postproducción – 2011.

–

Estas películas serán evaluadas por el jurado, dando a conocerse los resultados el día viernes 27 de abril. El jurado está conformado por:

• Rodrigo Portales: crítico cinematográfico. Vicepresidente de APRECI, redactor de Cinencuentro.
• Helene Chira: distribuidor cinematográfico. Marketing Manager Sony Pictures, en Andes Films S.A.
• Elart Coello: productor internacional. Presidente de Laguna Films, productora y distribuidora de filmes latinos en EE.UU.

Este concurso entregará un premio de S/.143,200. Según indican las bases del concurso: “El importe del premio deberá utilizarse exclusivamente en la distribución, promoción y exhibición de la obra. El 30% del monto debe ser utilizado a publicidad pagada”.

La sección Adolescencias por ejemplo, considera esta etapa de la vida como el momento en que comienza la libertad, o la conciencia de no tenerla: los jóvenes de los nueve filmes que conforman esta selección, dice el catálogo del festival, se asoman a un mundo que no terminan de conocer y en el que se mueven con torpeza pero también con decisión. De estas nueve, pudimos ver 17 filles que reseñamos a continuación.

17 filles

Dir. Delphine Coulin y Muriel Coulin | 90 min. | Francia | 2011

El primer plano de la película nos muestra lisos vientres de jovencitas de un colegio de la zona costera de Lorient, en Francia, esperando nerviosas el chequeo médico de rutina. Una de ellas, luego de ser revisada por la enfermera confiesa que podría estar embarazada. Hecha la prueba rápida, se constata que efectivamente lo está.

A partir de ahí, nos adentramos en la vida de esta jovencita cuya madre trabaja muy duro y casi no la ve ni atiende. Empujada por la soledad, se refugia en las amigas que rápidamente, hacen causa común y deciden embarazarse todas juntas para acompañarse y vivir juntas la experiencia de la maternidad y protestar, o por lo menos, llamar la atención de los adultos. Empiezan entonces las confesiones en casa de las chicas frente a los padres quienes tienen reacciones distintas. Los vientres lisos empiezan a abultarse y obligan a los adultos a tomar medidas que, como es de esperar, resultan tan absurdas como la interpretación que le dan al fenómeno de las 17 chicas embarazadas a la que alude el título de la película.

Con un tratamiento bastante convencional pero eficiente, 17 filles tiene la virtud de abordar el tema de la adolescencia desde la ausencia de afecto que los adultos establecen con sus hijos a causa de las dinámicas sociales modernas; ausencias que las chicas están dispuestas a desterrar con sus futuros hijos, en un claro manifiesto por resolver la crisis afectiva que corroe a nuestras sociedades actuales.

Delphine y Muriel Coulin, las directoras francesas tienen una larga experiencia en la televisión y el cine. Delphine trabajó durante una década para la cadena de televisión Arte, antes de dedicarse al cine y la literatura. Por su parte, Mourin, trabajó como asistente de cámara para Krzystof Kieslowski antes de codirigir junto a su hermana los cortos “Il fait imaginer Sisyphe heureux” (1997), “Souffle” (2000), “Germain” (2002), “Sens dessus dessous: Roue libre” (2003) y “Seydou” (2009).

Pero el tema adolescente y juvenil en el 14° BAFICI no termina ahí. Repartidos en las diferentes secciones, se encuentra otro puñado interesante de películas que tienen como centro las vivencias, intereses, dilemas y sueños de los adolescentes y jóvenes. A continuación reseñamos algunas de aquellas que hemos visto con interés y no menos gusto:

Las pibas

Dir. Raúl Perrone | 65 min. | Argentina | 2011

Una piba (Fiorella) frente al espejo quebrado de su habitación nos recuerda un vals peruano con reminiscencias de tango. Tras su sentido testimonio, aquel rostro joven y andrógino no hace sospechar que hubiera vivido tanto, en medio de la rutina que insistente se repite en esa larga caminata hacia el trabajo, en la misma escalera que se baja a los quintos infiernos que es su casa, su refugio y su nido de amor, en el ruido de las máquinas de la fábrica que le declaran la guerra a los diálogos y reafirman el machismo de sus compañeros que la chequean, la desean y abusan de ella, en el estribillo de Los Aterciopelados que la piba canta y silba incansable, en las mismas discusiones que tiene con la otra piba (Yuli) que le importa tanto y con quien quiere claridad en la relación, aunque al final no queden en nada, porque en el fondo es más lo que se quiere siempre.

Las Pibas es la última película de Raúl Perrone, cineasta argentino de culto, grabada en video y con bajo presupuesto (siguiendo los mandamientos de su decálogo, una especie de “Dogma Perrone”) y con la que este año ha vuelto al BAFICI, en la sección Panorama – Trayectorias.

Sobre la película, Perrone declaró sobre sus personajes en esta obra: “No me interesaba su condición sexual ni el hecho de que fueran lesbianas, sino los prejuicios de la sociedad que quedan reflejados en la fábrica donde Fiorella trabaja con muchos hombres. Quería registrar los prejuicios de los hombres y las miradas despectivas que tienen hacia ellas”

Si bien podríamos considerarla una obra menor, ésta película es una reafirmación de lo que Perrone piensa del cine independiente y que a la larga, él practica: “En definitiva, creo que uno tiene que hacer lo que tiene ganas y la independencia es eso, hacer lo que uno tiene ganas, lo que uno quiere y puede sin limitaciones. El resto es marketing”.

Al cielo

Dir. Diego Prado | 95 min. | Argentina | 2012

Un adolescente con una familia muy religiosa. Un ídolo punk que se pasó de vueltas y se fue para el ¿cielo? Un disfraz de empanada que oculta el sentimiento de papa frita. La inseguridad permanente al que dirán, a las voces de los otros hablando ¿de él? La constante búsqueda, el parecerse a alguien y en el camino encontrarse a uno mismo. Todos los tópicos de la adolescencia en constante aprendizaje y apropiación del mundo.

Tal vez, lo más llamativo de esta película sea su tratamiento, tosco y sutil a la vez, una cámara que se demora en hacer foco y se queda todo el tiempo en nuestro personaje, difuminando los fondos, separándolos de él, cual representación de las vivencias del joven, que empieza a sentir algo que todo el mundo, inclusive su madre, siente: la devoción, la atracción, aunque no siempre el depositario de tanto sentimiento sea el esperado y el aceptado socialmente.

Una película de sensaciones del argentino Diego Prado (1987), filme que sin embargo no termina de cuajar y se queda en el regodeo de las formas y en la complacencia de los vacíos.

Clip

Dir. Maja Milos | 100 min. | Serbia | 2012

Una perturbadora Isidora Simijonovic da vida a Jasna, una adolescente serbia que va por el mundo cual encabritada yegua al lado de su corte de doncellas quienes, como versa Sabina “no le hacen ascos ni al último trago ni al próximo bar”, con tal de no perderse la diversión, ligar con los chicos que les gustan y tener una aventura más que la distinga de sus amigas.

Sin embargo, la muerte ronda en casa de Jasna, donde su padre gravemente enfermo es motivo de sus silencios, ausencias, excusas y rápidas huidas, ella prefiere no ser testigo del sufrimiento de su padre y de la familia toda. Y no encuentra mejor refugio que la contemplación y conquista del rostro y el cuerpo de Dojle, el apuesto joven de la secundaria con quien es capaz de todo, aunque eso signifique soportar desplantes, rechazos, humillaciones o experimentar, con miedo y gusto, los intrincados caminos del placer sexual. Todo esto además, registrado en su celular, donde Jasna colecciona lo mejor y lo peor de sus vivencias cotidianas e íntimas en desafiantes escenas de sexo que se muestran al espectador sin tapujos.

Clip es la ópera prima de la joven realizadora de Maja Milos (1983), nacida en Belgrado, y graduada como directora de cine en la Universidad de las Artes de esa misma ciudad. Filmada con crudeza y sin concesiones estéticas ni morales, en este su primer largometraje, Milos combina con destreza diferentes géneros y recursos juveniles para narrar esta historia que se mantiene firme e interesante hasta el final, en el que vislumbramos la naturaleza perversa del amor y el vacío moral de los jóvenes serbios.

Todos los Talents, entre ellos los peruanos Diego Sarmiento y José Carlos Donayre, autor de esta nota.

Fueron 4 días intensos de seminarios y actividades enriquecidos por la diversidad de personas que uno puede conocer y establecer contacto pues llegan, de distintos países de Latinoamérica, estudiantes de cine –como era mi caso- seleccionados para participar, cada cual con sus experiencias audiovisuales propias y un sinfín de proyectos futuros.

Esta vez el Talent Campus llevo el título de “Cine e Historia(s)” y diversos profesionales dieron charlas y seminarios sobre la relación que existe, y que siempre es motivo de reflexión, entre el cine y la historia. Qué tanto sabemos y qué tan relacionados estamos con la historia a partir del cine y cómo el cine influye en la historia, tanto visualmente como materialmente. Es decir, el cambio de soporte, del fílmico al cine digital, construye una era nueva y desconocida.

Beatriz Sarlo, reconocida crítica y literaria argentina, dio la primera charla sobre la historia en el cine, y luego estuvieron distintas personalidades como Brian Telly de Why Poverty?, y Damon Smith de Focus Fowards Films, invitando a ser parte de sus proyectos. Incluso Alexander Kluge, a través de una videoconferencia, siempre tan complejo y entretenido como Godard, habló sobre su cine, la televisión y el futuro. También estuvieron profesionales de Storytelling 4D, y los encargados de los distintos fondos a los que uno puede postular con un proyecto cinematográfico (ellos estuvieron también en el BAL del BAFICI).

Andres Dresen, director alemán, ganador de Un Certain Regard con “Stopped on Track”, mostró su película y después conversó sobre cómo lo documental se inserta en la ficción. Finalmente, hubo una conferencia sobre found footage, que estuvo muy integrada con la visita al Museo del Cine de Buenos Aires, donde está gran parte del material histórico sobre el cine argentino, desde su cine mudo hasta los noticieros que se emitían antes de la llegada de la televisión. Un lugar que parece una vieja biblioteca pero que lastimosamente, aunque a uno le parezca diverso, abarca muy poco con relación a todo el material perdido. En ese lugar se encontró la nueva copia de Metrópolis de Fritz Lang.

Sin duda, una gran experiencia desde todos los sentidos, sobre todo por el enorme cruce cultural y el enorme aprendizaje, dado que hay talleres donde se puede trabajar un guion futuro (como fue mi caso) y tener entrevistas con expertos y así conocer el interés que suscita el cine en los países de Latinoamérica. A todos los interesados y que estén involucrados en la rama del cine y el mundo audiovisual están invitados a postular de las próximas ediciones del Talent Campus Buenos Aires.

Extra: Vean el spot oficial del 7° TCBA.

-Lean la lista completa de ganadores del BAFICI 2012.

“Una noche llamaron desde Perú para avisar que mi tía, Sybila, estaba presa acusada de ser miembro de Sendero Luminoso. Yo tenía 7 años y el silencio de mis padres ayudó a que su figura se convirtiera en un gran misterio en mi vida. Su encierro duró 15 años. Hoy está libre y quiero acercarme a ella”. De esta manera, Teresa Arredondo plantea la sinopsis de su opera prima.

La película se inicia con los recuerdos de Carolina Teiller, hija del primer compromiso de Sybila Arredondo con el escritor chileno Jorge Teiller. Para Carolina, todo comenzó con el viaje en barco que hicieron ella, su madre y su hermano, de Chile hasta el Perú, para reunirse con José María Arguedas. Ella cuenta que su madre se enamoró del gran escritor peruano en casa de Pablo Neruda, cuando cantó el carnaval de Tambobamba. “Era imposible no amar a José Arguedas”, confesó Sybila en alguna ocasión.

Seguidamente, intervienen en el documental, contando distintas partes de la historia, Matilde Ladrón de Guevara (madre de Sybila), Marco Briones (el tercer compromiso de Sybila) e Inti Briones (el único hijo de ambos), Marcial Arredondo y Teresa Lugón (padres de la realizadora), Julio Lugón Badaraco, Jaime Urrutia, Luis Fernando Romero, Tamia Portugal, entre otros. El relato de ellos nos conduce por la naturaleza luchadora de Sybila y su madre para afrontar el encierro y buscar la libertad, así como en las tensiones y rupturas que generó su captura en el seno de la familia, y las discusiones que perduran hasta hoy sobre su culpabilidad o inocencia.

Es recién en el último tercio de la película que Teresa Arredondo, nos enfrenta con la presencia actual de Sybila. Hasta ese momento, la amada compañera de Arguedas ha sido mostrada a través de fotos de la familia y algunas imágenes de archivo de su captura, frente a los jueces sin rostro que la juzgaron y cuando, una vez liberada, llegó a Chile a reencontrarse con la familia. En un pueblito francés, Sybila recibe a su sobrina con un rostro de abuela amable y sonriente. A Teresa le cuesta tocar el tema, le da muchas vueltas, y cuando por fin recupera su condición de cineasta, enfrenta a Sybila. La situación es algo tensa, sin dejar de ser amable. Sybila responde a cada pregunta de su sobrina, pero estas respuestas no la convencen, y Teresa repregunta y también opina. “Hablas con la boca de Bush”, le increpa en un momento de la entrevista, cuando su sobrina le recuerda el accionar terrorista de Sendero Luminoso.

Sibila es un retrato profundo y sentido de esta mujer, que nos llega desde la evocación de la memoria familiar, humana y noble. Sus convicciones políticas, con las que podemos estar de acuerdo o no, se muestran por primera vez libres de prejuicios y se discuten sin miedo, como cuando uno tiene una discusión familiar. Ese es el gran aporte de esta pequeña obra a nuestra historia reciente y a su necesario debate, alturado y útil. Esperamos que se pueda ver muy pronto en el Perú, sin prejuicios ni trabas de ningún tipo.

Sobre la directora:
Teresa Arredondo nació en Lima, Perú en 1978, y estudia en el Máster Documental de la Universidad Autónoma de Barcelona. Allí dirigió su primer cortometraje, In crescendo (2007). El segundo, Días con Matilde (2011), fue seleccionado y premiado en numerosos festivales. Sybila es su primer largometraje.

Funciones: Tienen una última oportunidad de ver este documental en el BAFICI, este domingo 22 a las 21:45hrs en el Cine Cosmos – UBA.

La historia empieza con Yaron, policía de élite israelí que está a punto tener un hijo y goza del cariño de su esposa, sin embargo él y su grupo de policías están a puertas de un juicio por un ataque antiterrorista realizado años atrás. Pese a dicha preocupación, sigue con sus compañeros llevando su rutina y practicando deporte, haciendo rondas y asistiendo a los funerales de otros policías asesinados.

La película aquí no se arraiga a la violencia pues deja a los personajes envueltos en un mundo que los supera, entonces esta violencia ya no es algo contra lo que se lucha o se espanta, sino con lo que se convive.

En determinado momento se cambia el punto de vista y pasamos a un grupo de jóvenes con dinero, rebeldes que están armando un atentado terrorista. El espectador solo puede ver pistas a partir de las cuales puede conocer sus ideas y lo repulsivos que se sienten estos jóvenes en la sociedad que viven. Al mismo tiempo este es un grupo que uno difícilmente podría encasillar, pues parecen y no parecen judíos comunistas o sólo revolucionarios, o libertinos. Incluso dentro del grupo viven un triángulo amoroso, y ven a uno de ellos como un héroe mesiánico. Yaron reaparece al final con la orden de poner fin a este atentado.

Policeman es una película sin música extradiegética, pausada, con planos fijos, y muchos primeros planos. El filme reflexiona sobre el ser humano que se esconde más allá de las posiciones políticas y diferencias de bandos. Está la sexualidad, el amor, la muerte, el miedo, los padres, y los hijos, donde todos pueden emparentarse. Pero los hombres y sus diferentes utopías solo pueden encontrarse con la violencia. Una película recomendable pero muy intensa.

"Play" (2011), del sueco Ruben Östlund.

El hall de un centro comercial es el escenario en que inicia esta interesante película.
Dos niñas rubias se dan cuenta que perdieron dinero y buscan en sus bolsillos dejando al descubierto todo lo que tienen. A cierta distancia, cinco niños y adolescentes negros se percatan de las niñas y urden un plan. Al rato, las chicas son abordadas por dos de ellos que le piden la hora y, entonces, empieza el sufrimiento.

Uno de los chicos ‘reconoce’ que el celular donde una de las chicas le pertenece a un hermano suyo, asaltado hace unos días. Las chicas lo niegan, pero entonces son rodeadas por la pandilla en pleno. En total desconcierto de voces, esgrimen diversas razones en distintos tonos y gestos agresivos (que no incluyen la violencia física) y que terminan por abrumar e inmovilizar a las chicas. La suerte está echada.

Desde ese momento y hasta el final de la película, la tensión no cesa y el espectador es sometido a una suerte de bullying sentimental e ideológico semejante al que sufren los dos chicos blancos y su amigo oriental, que aparecen después y también son perseguidos y acosados por la pandilla. A ellos los acompañamos hasta el final de semejante tortura que incluye el rapto y el robo de sus pertenencias, disfrazado de juego y competencia.

Durante las dos horas que dura la película nuestros sentimientos y pensamientos sobre el racismo son confrontados y afectados considerablemente; acostumbrados a ponernos siempre de parte de las minorías oprimidas, no podemos concebir la posibilidad de pensar distinto. La violencia no tarda en llegar, y cuando esto sucede, no lo hace tampoco del lado que podíamos esperar. Y entonces, se hace ineludible otra forma de pensar y afrontar el problema que vemos frente a nosotros, más allá del idealismo y el lirismo.

Entre estos sucesos, un tren avanza con el inconveniente banal de una cuna vacía puesta entre los vagones y que “dificulta” el tránsito de las personas, y un grupo de música folclórica toca en una plazuela ante la mirada atónita de los ciudadanos suecos. Dos situaciones aparentemente sosegadas pero que guardan, muy en el fondo, vestigios de una violencia cotidiana y ancestral nacida del poco o inexistente interés por conocer realmente al otro.

El responsable de este espectacular juego de tensiones y provocaciones afectivas, culturales e ideológicas es Ruben Östlund, nacido en Suecia en 1974. Tiene en su haber dos cintas anteriores “The Guitar Mongoloid” (2004) e “Involuntary” (2008).

Filmada a partir de hechos reales sucedidos en Goteborg a fines de la década pasada, Play tiene una puesta en escena sencilla: Östlund coloca su cámara frente a los hechos como si fueran nuestros propios ojos, oculta deliberadamente lo que no se ve en ese ángulo, establece el plano secuencia como base de la narración, y deja fluir las situaciones y los personajes que tienen la virtud de ser naturales y espontáneos.

Presentada en la sección Cine del Futuro del 14° BAFICI, “Play” es una película imperdible.

Como recordarán, la película protagonizada por Ricardo Darín y Jérémie Renier, fue filmada en parte en la selva de Perú, en Iquitos, en enero de este año.

Pablo Trapero dirigiendo a Martina Gusmán, Ricardo Darín y Jérémie Renier, en el rodaje de "Elefante blanco".

Actualización [20 abril]: En comunicación a la lista Cinemaperú, Andrés Magallanes productor técnico de “Elefante blanco” en Perú, nos informa que la empresa Patria Producciones fue la que estuvo a cargo de la produccion del filme argentino en Iquitos, y la empresa Fat Camel hizo la producción de campo. Durante el rodaje en la región amazónica se utilizaron dos camaras Alexa, traídas de Argentina.
–

Esta sería entonces la segunda vez que una película filmada en la amazonía peruana se presenta en el más prestigioso festival del cine mundial. Recordemos que Fitzcarraldo (1982), inmenso filme de Werner Herzog filmado en nuestra amazonía, estuvo en Cannes, ganando incluso el premio a Mejor director de aquel año.

Esta repentina exposición mundial para el Perú, presentándonos como locación ideal para las más diversas historias de cineastas de distintas procedencias, nos hace reflexionar en la necesidad de una Comisión Fílmica (Film Comission), una figura que ya se está incluyendo en el nuevo proyecto de Ley de Cine presentado por Dicine. En palabras de Carmen Rosa Vargas, Directora de la Dir. de Industrias Culturales: “Esta comisión es un área de la dirección de cine que se encarga de presentar al país como una locación, como un lugar donde se pueda filmar lo que quieras, publicidad, televisión, películas”.

Con esta Comisión Fílmica entonces, la cinematografía en el país tendría mucho mayor actividad, ya que no dependerá solo de las producciones netamente locales. Otros ejemplos recientes de producciones internacionales realizadas en nuestro país son la española Los condenados de Isaki Lacuesta, que se grabó a fines del 2008 en Chanchamayo; Altiplano, el debut internacional de Magaly Solier, que se filmó casi enteramente en el Valle del Colca a mediados del 2008; o My Son, My Son, What Have Ye Done del propio Herzog, que grabó algunas escenas en Urubamba, Cusco, en el 2009.

Aun así, en el estado actual de las cosas, los rodajes en la selva peruana ya vienen en aumento: en Iquitos se han realizado recientemente, además de la filmación de “Elefante blanco”, las grabaciones de Cementerio general de Dorian Fernández, película de terror comercial. Hace poco, el documentalista Fernando Valdivia presentó el documental Shipibo, la película de nuestra memoria, grabado en parte en Ucayali.

En breve se inician las grabaciones de Diamond Santoro y la soga de los muertos de Gianfranco Quattrini en Iquitos, además de “Desaparecer” (Dorian Fernández), e “Islandia” (Ina Mayushin) en Pucallpa. En camino se encuentran el proyecto chileno-peruano “Sudor” (Alberto Fuguet), “Orquídeas del paraíso” (Jorge Caterbona) y “El agua inmóvil” (Fernando Vílchez) a rodarse en Bagua, Amazonas, entre otros.

Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas

Conocida ya la Selección Oficial del 65° Festival de Cannes, destaca un único filme de producción latinoamericana incluido en la competencia principal, se trata de la mexicana Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas.

Con en esta película llega también una presencia peruana a Cannes, es la peruana Fiorella Moretti quien trabaja en Mantarraya Producciones, la empresa encargada de las películas de Reygadas.

En la sección Un Certain Regard, aparece el argentino Pablo Trapero con dos filmes, primero Elefante blanco, rodado en parte en Iquitos, Perú; y un filme colectivo 7 días en La Habana, serie de cortos que ha realizado junto a Benicio del Toro, Laurent Cantet, Gaspar Noé, Julio Medem, entre otros.

También en Un Certain Regard se podrá ver la colombiana La playa, de Juan Andrés Arango y Después de Lucía del mexicano Michel Franco. Por último, otro filme argentino, Villegas, opera prima de Gonzalo Tobal, se presentará en las Funciones Especiales.

Actualización [24 abril]: Otra importante sección paralela del Festival de Cannes, La Quincena de Realizadores, presentó su selección, que incluye 6 filmes latinoamericanos y 1 español: 3 (Uruguay), de Pablo Stoll Ward; La Sirga (Colombia, Francia, México), de William Vega; Fogo, de Yulene Olaizola (México); Infancia clandestina, de Benjamín Ávila (Argentina); No, de Pablo Larraín (Chile); La noche de enfrente (Chile-Francia), de Raúl Ruiz; y Sueño y silencio, de Jaime Rosales (España).

Actualización [23 abril]: Se anunció la selección de la Semana de la Crítica. Ahí estarán la argentina Los salvajes, de Alejandro Fadel, y los cortos “O Duplo”, de Juliana Rojas (Brasil) y “Yeguas y cotorras”, de Natalia Garagiola (Argentina).
–

Mientras tanto en la Competencia Oficial de Cortometrajes, se presentará por primera vez en la historia del certamen, un filme de Puerto Rico: Mi santa mirada de Álvaro Aponte-Centeno.

En la Selección de Cinéfondation debemos destacar el cortometraje de producción cubana Los anfitriones, realizado en la Escuela de Cine EICTV por el peruano Miguel Angel Moulet. Este filme fue editado por Pedro Bronzoni Zlatar, y tuvo como Asesor de edición a Roberto Benavides, ambos también profesionales peruanos.
Asimismo, en esta sección se ha incluido al cortometraje argentino Puede ver un puma, de Eduardo Williams.

Revisen la Selección Oficial de Cannes para este 2012:

Competencia Oficial

• Moonrise Kingdom, de Wes Anderson – filme de apertura.
• Vous n’avez encore rien vu, de Alain Resnais
• Cosmopolis, de David Cronenberg
• The Paperboy, de Lee Daniels
• Killing Them Softly de Andrew Dominik
• Reality, de Matteo Garrone
• Amour, de Michael Haneke
• Lawless, de John Hillcoat
• In Another Country, de Hong Sang-soo
• Taste of Money, de Im Sang-soo
• Like Someone in Love, de Abbas Kiarostami
• The Angel’s Share, de Ken Loach
• Beyond the Hills, de Cristian Mungiu
• Après la bataille, de Yousry Nasrallah
• De rouille et d’os, de Jacques Audiard
• Holy Motors, de Leo Carax
• Mud, de Jeff Nichols
• Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
• On the Road, de Walter Salles
• Paradies: Liebe, de Ulrich Seidl
• Im Nebel, de Sergei Loznitsa
• The Hunt, de Thomas Vinterberg
• Thérèse Desqueyroux, de Claude Miller – filme de clausura (fuera de competencia)

Un Certain Regard

• Miss Lovely, de Ashim Ahluwalia
• La playa, de Juan Andres Arango
• Les chevaus de dieu, de Nabil Ayouch
• Trois mondes, de Catheron Corsini
• Antiviral, de Brandon Cronenberg
• 7 días en La Habana, de Benicio Del Toro, Pablo Trapero, Laurent Cantet, Gaspar Noe, Elia Suleiman, Juan Carlos Tabio y Gaspar Noe
• Le grand soir, de Benoit Delépine y Gustave Kervern
• Laurence Anyways, de Xavier Dolan
• Despues de Lucía, de Michel Franco
• Aimer à perdre la raison, de Joachim Lafosse
• Mystery, de Lou Ye
• Student, de Darezhan Omirbayev
• La pirogue, de Moussa Toure
• Elefante blanco, de Pablo Trapero
• Confession of a Child of the Century, de Sylvie Verheyde
• 11.25 The Day He Chose His Own Fate, de Koji Wakamatsu
• Beasts of the Southern Wild, de Benh Zeitlin

Fuera de Competencia

• Io E Te (Me and You), de Bernardo Bertolucci
• Madagascar 3: Europe’s Most Wanted, de Eric Darnell y Tom McGrath
• Hemingway & Gellhorn, de Philip Kaufman

Proyecciones de Medianoche

• Dario Argento’s Dracula, de Dario Argento
• Ai To Makoto, de Takashi Miike
• Especial 65° aniversario: Une journée particuliere, Gilles Jacob and Samuel Faure

Funciones Especiales

• Polluting Paradise, de Faith Akin
• Mekong Hotel, de Apichatpong Weerasethakul
• Villegas, de Gonzalo Tobal
• A Musica Segundo Tom Jobim, de Nelson Pereira Do Santos
• Journal de France, de Claudine Nougaret y Raymond Depardon
• Les invisibles, de Sebastien Lifshitz
• The Central Park Five, de Ken Burns, Sarah Burns y David McMahon
• Roman Polanski: A Film Memoir, de Laurent Bouzereau

Extra: Lean más información y un completo análisis de la Selección de Cannes 2012 en Otroscines.com.

Esta película se trata de un biopic dedicado la la beata Sor Ana de los Ángeles Monteagudo, una religiosa arequipeña del siglo XVII.

Fue grabado en setiembre del 2011 en el monasterio de Santa Catalina de Arequipa, y tiene como protagonistas a la experimentada Doris Guillén y a la novata Adriana Cebrián (artista también conocida como “Adri Vainilla”).

La película se estrenará próximamente en la cadena Cinemark Arequipa. Vean el tráiler:

Ana de los Ángeles es una producción de Vía Expresa, por encargo del Monasterio de Santa Catalina.

(Via @viaxepresa).

"Los salvajes" es la opera prima en solitario de Alejandro Fadel.

Los salvajes cuenta la historia de cinco adolescentes que se fugan de un instituto de menores dejando tras de sí las huellas de su violencia e impiedad. Mientras avanzan entre paisajes agrestes propios de la pampa argentina -se han propuesto caminar por 6 días para ser libres-, se dan un tiempo para aprender a convivir, hacer planes e imaginar un futuro promisorio, entre discusiones por el liderazgo y el poder de la banda y las muertes fáciles que ocasionan, cuya génesis está precisamente en esa naturaleza encabritada, vil y despiadada que uno de ellos intenta analizar con sincera inquietud y otro busca expiar repitiendo insistentemente ininteligibles rezos que luego se develan como la reafirmación de su naturaleza marginal y salvaje.

A medida que se acercan a sus sueños, cada cual se hace merecedor de su destino, y cuando empezamos a conocerlos y comprenderlos, también empiezan a desaparecer de la película, en mutis propio del western o el thriller, en cadencias aletargadas pero impostergables.

A pesar de algunos parlamentos acartonados y solemnes, y la inclusión de música incidental innecesaria, se trata de una excelente película, una historia potente con personajes sólidos y entrañables, dirigida con buen pulso y no menos emoción por este joven director mendocino que a sus 31 años ya cuenta con una interesante trayectoria: su cortometraje Felipe fue el mejor del BAFICI 2002, ha dirigido junto a Martín Mauregui, Santiago Mitre y Juan Schnitman El amor (primera parte) que participó también en el BAFICI 2004 -y que presentamos el 2008 en Perú en la muestra “El cine argentino ataca Lima”. Además, Fadel ha trabajado como guionista junto a Pablo Trapero e Israel Adrián Caetano, entre otros. Un realizador muy recomendable.

Extra: Aun pueden ver Los salvajes, el miércoles 18 a las 22:30 hrs. en el Punto de Encuentro BAFICI. ¡Función gratuita!

Los salvajes. The Wild Ones. Dir. Alejandro Fadel | 130 min. | 2012 | Argentina

Intérpretes: Leonel Arancibia, Roberto Cowal, Sofía Brito, Martín Cotari, César Roldán.
Guión: Alejandro Fadel
Fotografía: Julián Apezteguía
Edición: Andrés P. Estrada, Delfina Castagnino
Producción: Alejandro Fadel, Agustina Llambi Campbell
Compañía productora: La Unión de los Ríos, Hubert Bals Fund.

Yapas: Quintín le baja el pulgar a “Los salvajes”. Mientras que Diego Batlle de OtrosCines.com le sube ambos: “Un largometraje notable, que por sí solo justifica esta edición del festival”.

Sigan a Alejandro Fadel en Twitter: @cabezavolcan. Véanlo presentando su película en este video:

Francisco Bardales, productor de "El agua inmóvil", estuvo en el Espacio Callejón del BAL.

Una de las cosas que caracterizan al BAFICI es su carácter pionero, siempre intentado abrir espacios y ofrecer alternativas. El laboratorio de producción ha sido un factor decisivo, en su más de 10 años de funcionamiento, como espacio para que varias propuestas dinámicas e interesantes. Este 2012, en Competencia Oficial, participan más de una docena de películas que tuvieron participación en años anteriores en el BAL.

La meta ahora fue plantearle a los cineastas, dentro de un proceso de reestructuración y nueva dinámica, un retorno a los orígenes, acercarse a “una instancia más germinal de los proyectos cinematográficos”, además un proceso pedagógico de asesoría integral y muy amplio, sobre todo a quienes aún no han cerrado aún sus términos de producción o quienes están dando sus primeros pasos en la realización.

Fueron más de 320 las solicitudes de aplicación para el BAL este año, en sus tres secciones: Laboratorio de producción (taller y mesas de encuentros con profesionales para proyectos de largometraje); Work in Progress (exhibición de fragmentos de películas en proceso de filmación o terminación); y el CPH:LAB (taller y mesas de encuentros para proyectos del programa DOX:LAB del Festival de Cine de Copenhague, que vincula realizadores de Europa y América Latina).

Al final, se seleccionaron 22 proyectos: 10 en el Laboratorio, 8 en el Work in Progress y 4 en el CPH:LAB. Participaron productores y realizadores de Chile, Guatemala, Argentina, México Colombia, Uruguay, Bolivia, Brasil, Perú y coproducciones con Francia, Suecia, Croacia y Dinamarca. Por el lado peruano, participamos con el proyecto El agua inmóvil, ópera prima de Fernando Vílchez, un drama político inspirado en los hechos que desencadenaron el “Baguazo”, en el año 2009.

La dinámica conferida para los encuentros fueron una serie de talleres y capacitaciones, a las que se sumaron reuniones con alrededor de medio centenar de miembros de la industria cinematográfica mundial en mesas redondas, moderadas por profesionales cercanos al BAL, liderados por sus directoras, las encantadoras y muy reconocidas Violeta Bava y Elsie Hughan, y algunos nombres resaltantes del panorama como el alemán Benny Dreschel, el argentino Santiago Mitre, la holandesa Jacobine Van der Vloed o la chilena Florencia Larrea.

Fue una muy buena oportunidad este espacio en el BAFICI para ir dando los primeros pasos en pos de un gran proyecto cinematográfico, independiente y de calidad. Sin duda, en lo personal ha sido una experiencia incomparable.

Actualización: Todos los premios y fotos de la ceremonia de clausura del Buenos Aires Lab BAL, gracias a OtrosCines.

David Dewaele y Alexandra Lemâtre en "Hors Satan".

Bruno Dumont, el director de “La humanidad” y “Flandres”, vuelve a perturbar al público con Hors Satan (Fuera de Satán), como me ha constado en una de las proyecciones del BAFICI. Ubica su historia en una pequeña localidad rural, donde una pareja marginal, integrada por una jovencita y un hombre un poco mayor, asumen una extraña relación, de tendencias homicidas, impulsos animalizados, espíritus monstruosos, actitudes vengadoras, halos redentores, que desafían indistintamente la vida y la muerte.

El territorio es deshabitado, prácticamente no existe población ni civilidad. La naturaleza está a disposición de los personajes para perderse o refugiarse en ella como seres salvajes y cazadores, y escapar de sí mismos, o precisamente abrazar su propio carácter. David Dewaele –que actuó en el filme anterior de Dumont, “Hadewijch”– y Alexandra Lemâtre componen una dupla hierática, casi imperturbable, capaz de encontrar remanso en el disparo a distancia a un hombre que dañó a la joven, así como verse sacudida por la muerte de un venado que recibe una bala también remota.

El relato muestra las vivencias como situaciones en que los cuerpos responden a estímulos y obtienen o pierden energía. En el camino, el protagonista devuelve a la vida a su acompañante, con la que no consuma un vínculo carnal y llega a rechazarlo expresamente, y también insufla nuevo aliento, por el contrario, con el contacto más intenso posible, a una adolescente cuya madre lo busca desesperada y le agradece como si se tratara del Mesías. Dumont juega despiadadamente con los instintos, la atracción más cuadrúpeda, los extremos destructivos y rejuvenecientes, desembocando en lo sobrenatural sin la menor dificultad narrativa. “Hors Satan” es una obra notable, al límite de la repelencia y las contradicciones de la condición humana.