Rossana Fernández y Giovanni Ciccia, dos de los protagonistas de "La hora azul".

La película es protagonizada por Giovanni Ciccia, Jackelyn Vásquez y Rossana Fernández-Maldonado. “Es una adaptacion bastante fiel a la novela original”, nos asegura la directora, quien ya se encuentra rodando su película desde el 9 de mayo pasado.

La hora azul, una producción de la peruana Panda Films, se filmará durante 6 semanas en locaciones de Lima y Ayacucho. Para esta etapa de rodaje la productora trabajará con La Soga Producciones. Recordemos que este proyecto fue uno de los premiados en el Concurso Dicine 2012.

Sinopsis: “La hora azul” plantea un tema universal: la historia de un hijo que busca a su padre. La película narra la historia de Adrián, un hombre que a los 42 años entiende que no podrá ser completamente feliz hasta que no resuelva los conflictos del pasado. Y es en este viaje que él se encuentra a sí mismo.

Como tela de fondo, la película aborda una de las épocas más negras de la historia del Perú: la guerra contra Sendero Luminoso. Durante los años del conflicto las diferencias sociales se acentuaron, y la brecha que divide el país en dos se hizo aún más profunda. Adrián tiene esos dos mundos dentro suyo, y reconciliarlos implicará conocerse y aceptarse.

Bonus: Vean un trabajo previo de Evelyne Pégot, el cortometraje El vestido, que participó en el Short Film Corner de Cannes 2008:

- Algo más sobre Jackelyn Vásquez: Fue protagonista en Illary (2009), tuvo un rol menor en “Ojos que no ven” (2003), y participó en “Pixeles de familia” (2013) película aun sin estrenar. También trabajó en Diarios de Motocicleta (2004), véanla en esta escena, haciendo de prostituta, junto a Rodrigo de la Serna.

Trivia: Otra novela de Alonso Cueto, “Grandes miradas”, fue llevada al cine por Francisco Lombardi en “Mariposa negra” (2006).

La hora azul

Sinopsis larga: Adrián Ormache, es un abogado exitoso y respetado para quien el éxito y las apariencias son lo más importante. Hasta que un día descubre un oscuro secreto del pasado: en el cuartel comandado por su padre durante la guerra con Sendero Luminoso, se torturaban sospechosos de ser terroristas y, además, se violaban mujeres. Primero el comandante Ormache, luego la tropa, uno por uno, para después eliminarlas.

Un día sus hombres le llevaron a Miriam, una chica bonita que encontraron cerca al cuartel y él se enamoró de ella a primera vista. La protegió de sus hombres, teniéndola de prisionera en su cuarto, hasta que un día ella se escapó. La existencia de esta misteriosa mujer desestabiliza la vida de Adrián, ya que ella es el único testigo de las atrocidades cometidas por su padre. Él se propone buscarla para asegurar su silencio y preservar su bien ganado prestigio. Cuando por fin encuentra a Miriam, le ofrece dinero a cambio de su silencio, pero ella rechaza su oferta y le asegura que no tiene la intención de hablar sobre lo que vivió en el cuartel.

Adrián, en vez de quedarse tranquilo, empieza a sentirse intrigado por esta mujer fuerte y orgullosa. El encuentro con Miriam le cambiará la vida. Poco a poco él sentirá la necesidad de conocerla y saber un poco más sobre la historia entre ella y su padre, a pesar de la desaprobación y el rechazo de su esposa Claudia.

Ficha artística
Adrián: Giovanni Ciccia
Miriam: Jackelyne Vásquez
Claudia: Rossana Fernández-Maldonado
Jenny: Aurora Aranda

Rubén: Lucho Cáceres
Vilma Agurto: Haydee Cáceres
Vittorino: Reynaldo Arenas
Guayo: Americo Zuñiga Cárdenas
Lucía: Amalia Aspillaga
Carlos: Gustavo Casalino
María: Viviane Pourier
Chacho: Eduardo Enrique Casterot Mendoza
Miguel: Sebastián Ferradas
Melchora: Liliana Alegria
María: Vivian Pourier
Jardinero: Vicente Cayo
Justina: Rosa Huarcaya
Beatriz: María Amalia Castro Castro

Evelyne Pegot-Ogier, directora de "La hora azul".

Fichá técnica
Directora: Evelyne Pegot | Perú | 90 mins. | HD
Asistente de dirección: Jorge “Koko” Prado
Script : Nury Isasi
Empresas productoras: Panda Films (Perú).
Productor General : Gustavo Sanchez
Jefe de Locaciones: Julián Torres
Productor: Frank Perez Garland
Jefe de Producción: Norma Velasquez
Asistentes de producción: Ericka Mendoza, Paul Uribe
Director de Fotografía: Roberto Maceda
1er asistente de cámara: Fernando Zuñiga
2do asistente de cámara: Marcos Camacho
Data Manager: Ruben Montes
Gaffer: Julio López Parra
Asistentes de luces: Antonio Uriarte, Gonzalo Oré del Carpio
Director de Sonido: Rafael Cabrera
Microfonista: David Acevedo
Director de Arte: Cecilia Herrera
Producción de Arte: Nataly Mendoza
Utilero: Barbara Herrera
Maquilladora: Lyli Nole
Vestuarista: Elizabeth Bernal
Asistente de Vestuario: Vera Lucía Manrique

Fotos: Facebook de “La hora azul”.

Técnicamente, este será su estreno absoluto, pues la película aun no se ha presentado al público en Chile ni en algún otro festival internacional.

El propio director nos cuenta de qué va su película, filmada en Valparaíso el 2012: “Fiesta falsa habla de reencuentros, reencontrarse después de estar un largo tiempo en pareja.

La historia se centra en Álvaro Infestas, un profesor algo hastiado de su trabajo, algo enfermo, que al término de una larga relación amorosa se da cuenta que esta solo y que había dejado de lado gran parte de sus intereses.
Es un reencuentro con la amistad y la soledad como reflexión y conocimiento de sus intereses reales”.

Daniel, ¿cuánto tiempo les tomó realizar esta película? ¿con qué presupuesto contaron?
“Fiesta falsa” se filmó en Valparaiso. Terminé de escribir el guión en junio del 2012 y se rodó a fines de agosto del mismo año. Contamos con un presupuesto básico, ajustado, acompañado con productoras asociadas que se unieron al proyecto.

Personalmente creo en el “cine garage”, cine hecho con bajo presupuesto, pero con alta calidad y profesionalismo, que no depende de grandes contratos, tramites, ni sofisticadas locaciones, que mermen la creatividad o los intereses de hacer una película. El cine es arte… en el mejor de los casos. Para qué hacer tedioso ese proceso, los más importante es lo que dice y piensa el personaje.

El proceso se tiene que acercar a cómo escribir un cuento o una canción, personalmente para mi, mientras menos tiempo pase de cuando se escribe el guión hasta el rodaje, es mejor.

Por esto creo en el cine hecho con amigos, que es otra característica del “cine garage”. Que no te impongan el equipo, elegirlos uno, amigos profesionales en su rubro, no podría dirigir una escena intima con gente que conozco hace un mes, o la semana pasada. El rodaje es demasiado importante para el “mood” de nuestra película, es de ahí donde comienza a latir.

La película se verá por primera vez en público en Lima.
Así es. “Fiesta falsa” aun no se estrena en Chile, su primera presentación será en Lima, en junio. Estamos muy expectantes de cómo se recibirá. La película se centra en una historia que puede suceder en cualquier ciudad de Latinoamérica. Además que estaremos ahí en Lima, junto con el actor protagónico para conversar y presentar la película al publico peruano.

¿Qué tipo de cine te interesa más? ¿Qué cine sientes está cercano a lo has hecho hasta hoy?
Tanto “Mejor no fumes” (2011), mi primera película, como “Fiesta falsa” son películas de texturas, son películas de sensaciones mas que de acciones. Y ese es el cine que me interesa, el de un personaje principal que lleve el carácter y ritmo de la película. Es como leer los primeros capítulos de una novela.

Sobre el director: Daniel Peralta, de 36 años, dirigió su primer largometraje Mejor no fumes (2011). Esta película también se presentará en el Fiacid, en el Foco dedicado al portal Cinepata.com.

Trivia: “Fiesta falsa” ha sido coescrita por René Martín, quien también firma el guión de otra película chilena en competencia en el Fiacid, “Educación física”, ópera prima de Pablo Cerda.

Fiesta falsa

Dirección: Daniel Peralta
Intérpretes: Tomás Verdejo, María Jose Bello, Natalia Reddersen, Fernando Mena, Cristóbal Valenzuela, Jorge Arecheta.

Productor General: Daniel Rebolledo Parra
Productores Ejecutivos: Tomas Verdejo, Daniel Peralta, Daniel Rebolledo.
Productores Asociados: Alberto Fuguet, Silvio Canihuante
Guión: Daniel Peralta, René Martín
Dirección de Fotografía: René Durán
Cámara y Steadycam: Juan Villaroel
Música Original: Diego Peralta
Sonido Directo: Álvaro del Fierro
Dirección de Arte y Vestuario: Francisca Quiroz
Post producción y Montaje: Daniel Peralta.

Esta nueva versión, ampliada y actualizada, es editada siempre por Alberto Fuguet y Christian Ramírez, y es publicada en esta ocasión por Ediciones Universidad Diego Portales. La primera versión del libro se publicó el 2007 por ediciones Aguilar.

Desde ya recomendamos con mucho entusiasmo la lectura de este nuevo libro, ahí encontrarán textos íntimos, personales, con los cuales de seguro se podrán identificar, compartir y hacer propia la cinefilia de don Héctor, alguien quien demuestra, con mucha sencillez, que la crítica de cine no tiene porque estar alejada del gran público.

Una vida crítica: Cuarenta y cinco años de cinefilia

Héctor Soto
Selección y montaje de Alberto Fuguet y Christian Ramírez
ISBN 978-956-314-202-0
Precio de Referencia: 14,000 pesos chilenos / US$ 29.17

En cuarenta y cinco años de labor crítica, diseminada en numerosos medios de prensa escrita, Héctor Soto no sólo ha construido una vasta bitácora personal de la historia del cine: a la vez ha llevado su oficio al punto en que el rigor analítico, la amplitud de miras y la erudición específica se encuentran amablemente con la afición, el gusto y la subjetividad.

Este libro es un compendio cabal de esa mirada tan propiamente cinéfila que se rehúsa a separar el escritorio de la butaca. Allí, en ese espacio común entre el crítico y el espectador, la reseña de una película es al mismo tiempo un comentario íntimo y un informe en perspectiva: un documento que no se agota en la evaluación impresionista ni en la sanción experta, sino que intenta dilucidar el séptimo arte en su actualidad, en su historia y en sus posibilidades, multiplicando así la breve experiencia del cine en una reflexión cuyos alcances –entre el declive de la prensa tradicional y el maremágnum de los medios digitales– se oponen francamente a la confusión, la fugacidad efectista y el éxito comercial como remedos de la calidad, el talento y la imaginación.

El crítico argentino Javier Porta Fouz, editor de la revista “El Amante”, ha escrito sobre este libro: “Para Héctor Soto, escribir de cine es escribir sobre películas y realidades. Es escribir sin esas anteojeras que promueven tantas escuelas de periodismo: para hacer una crítica no hay necesidad de la estructura-fórmula de contar el argumento y luego evaluar dos o tres aspectos de la película. De estilo claro, fluido, directo, con inventiva, decisión, pasión y agudeza, hay en él una manera de ver el cine, una posición frente a la escritura y la crítica, y la noción de que una película no está completa si al final de su recorrido no hay un diálogo, ya sea la lectura de una crítica o simplemente una charla después del cine”.

Héctor Soto (Valparaíso, 1948) es periodista por oficio, práctica y dedicación, no obstante haberse formado como abogado. Hacia fines de los años sesenta, mientras estudiaba derecho, comenzó a ejercer la crítica de cine en su cuidad natal, y a lo largo de su trayectoria ha escrito en los más diversos diarios y revistas, desde La Unión y El Mercurio hasta La Tercera y Paula, pasando por Cauce y Economía y Sociedad, entre otros medios.

Fue director de Primer Plano, revista de cine de la Universidad Católica de Valparaísocreada a comienzos de los setenta, cuando el nuevo cine chileno se hacía cargo de las transformaciones que estaban ocurriendo en el país. Posteriormente estuvo muy ligado a los proyectos editoriales de revistas como Mundo Diners, Enfoque y Capital, publicación, esta última, de la que fue socio fundador y editor general por más de una década. En la actualidad es editor asociado de la sección Cultura y columnista político del diario La Tercera. Además, es panelista –desde hace quince años– del programa de conversación y actualidad Terapia chilensis, de la radio Duna, y ha dirigido el Diplomado en Escritura Crítica para cine, literatura, teatro y artes visuales de la Universidad Diego Portales. Una primera versión del libro que el lector tiene en sus manos fue publicada, con el mismo título, el año 2007.

Agradecimientos especiales para Felipe Gana de Ediciones UDP, por hacernos llegar gentilmente un ejemplar de tan preciado libro.

Yapas: A don Héctor también lo pueden ubicar en radio Duna, donde tiene un programa llamado Terapia Chilensis. Ahí podrán escucharle reseñar y comentar películas de estreno, todos los viernes, junto a Alberto Fuguet. Chequeen los podcasts del archivo, no tienen pierde.

Por último, recuerden que Alberto Fuguet estará viniendo a Lima para presentar su último filme, “Locaciones”, en la inauguración del Festival Fiacid, el 28 de mayo.

El rodaje se llevó a cabó en locaciones de Winnipeg, Canadá, desde el 11 de marzo. Se espera que “Cry/Fly” se estrene el 2014, a nivel mundial.

Claudia Llosa y Mélanie Laurent, durante el rodaje de "Cry/Fly".

“Un viaje intenso, enriquecedor, divertido; y no pude estar mejor acompañada”, así describe el rodaje de su tercer filme la directora peruana Claudia Llosa (ganadora del Oso de Berlín 2009 y nominada al Oscar 2010 por “La teta asustada”).

“Adentrarnos en la naturaleza, no sólo observarla, nos ha permitido trabajar de una manera muy orgánica. El proceso de transformación vital de los personajes conecta por completo con la vastedad y la variedad visual de los paisajes en los que estuvimos rodando. Nos interesaba mucho establecer este diálogo, reflexionar sobre cómo las incertezas de la naturaleza se integran en nuestras vidas. A través de tres personajes y de dos épocas nos embarcamos en un viaje físico y emocional por uno de los territorios más fríos del planeta para contar una historia sobre la fragilidad de la vida y de las relaciones humanas”, señala Claudia Llosa.

Jennifer Connelly, protagonista de "Cry/Fly".

Sobre su experiencia de dirigir a Jennifer Connelly, Claudia Llosa nos comenta: “No encuentro palabras para describir lo que ha significado para mi trabajar con un reparto tan maravilloso. Jennifer Connelly es una actriz formidable, de una sensibilidad infinita. Su calidad humana, su entrega, su intuición, me siguen asombrando cada día. Siempre encuentra el balance perfecto entre la precisión y la emoción”.

Sobre los otros miembros de su reparto principal, la directora peruana dice: “Cillian Murphy es simplemente maravilloso, tanto en lo personal como en lo profesional. Cada escena con él se traduce en algo más creativo, proactivo, versátil, energético y conmovedor Mélanie Laurent deslumbra, emociona, es una carga de vida”.

Sobre el trabajo con el equipo de rodaje de la directora peruana señala: “Siempre tuvimos muy claro que queríamos acercarnos lo más posible a cada uno de los personajes, estar con ellos con la cámara, cerca, desde lo emocional y lo sensorial. Por eso, el trabajo de dirección de actores y el trabajo de dirección de fotografía han ido de la mano en cada momento”.

Claudia Llosa inicia ahora el proceso de edición y postproducción, Cry/Fly se estrenará en el 2014.

Yapaza: Lean también esta entrevista que le hace a Claudia Llosa, en Barcelona, Gabriela Wiener:

Hasta ahora has hecho un cine comprometido con los problemas del Perú. Hace un par de años me dijiste que Cry/Fly se alejaba de nuestro país pero que seguía siendo un link personal… ¿De qué manera lo es?
Está muy presente, y se evidencia con algunas imágenes de manera rotunda… Estoy segura de que coincidirás conmigo cuando la veas. Existe, pienso, un paralelismo con el autoexilio: vivir fuera, conocer otras culturas, aprender otra lengua es siempre enriquecedor, permite reinventarse, pero por más que pasen los años, los orígenes, “la peruanidad” corre por las venas y surge por los poros. Se manifiesta siempre, y de manera impredecible, de modo consiente o inconsciente.

¿Podrías poner un ejemplo?
Es difícil sin adelantar demasiadas imágenes. Pero recuerdo un día rodando que le comenté a mi asistente de dirección: ¡¡Por dios, qué peruana es mi peli!! Jajajá. Pero quizá lo más evidente sea la presencia de la ausencia.

Cry/Fly

Sinopsis: A través de una madre (Jennifer Connelly) y un hijo (Cillian Murphy) nos sumergimos en el pasado, marcado por un accidente que les separa. Ella se convertirá en una famosa artista y sanadora, él en un peculiar cetrero que vive marcado por las huellas de una doble ausencia.

En el presente, una joven periodista (Mélanie Laurent) propiciará un encuentro entre ambos que nos hará cuestionarnos el sentido de la vida y del arte, para plantearnos la posibilidad de asumir una vida plena a pesar de las incertezas.

Intérpretes:
Jennifer Connelly: Nana
Cillian Murphy: Ivan
Mélanie Laurent: Ressemore
William Shimell: Newman

Director de fotografía: Nicolas Bolduc (“Avant que mon coeur bascuel”, 2012).
Director de arte: Eugenio Caballero (“Lo imposible” 2013, “El laberinto del Fauno” 2006).
Editor: Guille de La Cal (“Mientras duermes” 2011).
Diseño de sonido: Fabiola Ordoyo (“Blackthorn” 2011, “Mapa de los sonidos de Tokyo” 2009, “La teta asustada” 2009).
Directora de producción: Sandra Hermida (“Lo imposible” 2012, “Biutiful” 2010, “El orfanato” 2007).

En esta segunda edición, el novel festival organizado por la Municipalidad de Lima, demuestra un crecimiento en cuanto a cantidad y calidad de los filmes elegidos. El Fiacid se desarrollará del 28 de mayo al 9 de junio próximo, presentándose en 11 sedes en distintos puntos de la ciudad.

Además de las proyecciones, se realizarán conversatorios, presentación de libro y un taller. El ingreso es libre a todas las actividades del festival.

Apertura y Clausura

"Locaciones: Buscando a Rusty James", de Alberto Fuguet.

La Función de Apertura se realizará Auditorio Mario Vargas Llosa (Biblioteca Nacional), con la película chilena Locaciones: Buscando a Rusty James, cuarto largometraje de Alberto Fuguet, invitado de honor del 2° Fiacid. La película ha sido descrita, por su propio creador, como un ensayo fílmico alrededor de “La ley de la calle”, cinta de culto de Francis Ford Coppola que celebra este año su aniversario número 30.

La película de Clausura del 2° Fiacid será SideBySide, celebrado documental del director norteamericano Christopher Kenneally, y que reflexiona sobre las posibilidades expresivas del cine digital. La cinta cuenta con la participación de destacados cineastas como James Cameron, David Fincher, David Lynch, Christopher Nolan, Martin Scorsese y Steven Soderbergh.

Competencia Internacional

Está integrada por 20 películas, todas ellas óperas primas o segundas películas grabadas en formato digital. Sus respectivos directores provienen de países iberoamericanos como Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Ecuador, España, México, Panamá, Perú y Uruguay: que competirán por los premios a Mejor Película, Premio del Jurado, Mejor Documental y Premio del Público.

Los filmes peruanos en la Competencia Internacional son dos: Ana de los Ángeles, ficción de Miguel Barreda, y Metanoia, filme experimental de Cecilia Cerdeña. Ambas producciones fueron hechas en Arequipa. Las películas extranjeras son estrenos absolutos en el Perú:

• Chalán, de Jorge Michel Grau, México, 2012
• Educación física, de Pablo Cerda, Chile, 2012
• El incontrolable mundo del azar, de Fernando Lasalvia, Chile, 2012.
• Fiesta falsa, de Daniel Peralta, Chile, 2013.
• Pacha, de Héctor Ferreiro, Bolivia-México, 2011
• Tan cerca como pueda, de Eduardo Crespo, Argentina, 2012
• Ulises Morales, de Víctor Cubillos, Chile, 2012.
• 12 horas, 2 minutos, de Federico Lemos y Luis Ara, Uruguay, 2012.
• Caíto, de Guillermo Pfening, Argentina, 2012.
• Caos en la ciudad, de Enrique Pérez, Panamá, 2012.
• La casa del ritmo, de Javier Andrade, Ecuador, 2012
• La casa Emak Bakia, de Oskar Alegría, España, 2012.
• Las flores de mi familia, de Juan Ignacio Fernández Hoppe, Uruguay, 2012.
• Leontina, de Boris Peters, Chile, 2012.
• Los días, de Ezequiel Yanco, Argentina, 2012.
• N-VI, de Pela del Álamo, España, 2012.
• Tiembla pero no cae, de Leonardo Barcelos, Brasil, 2012.
• Una película de gente que mira películas, de Fernando Arditi y Javier Pistani, Argentina, 2012.

Competencia Nacional

"Entonces Ruth", de Fernando Montenegro.

Participan 5 películas peruanas de directores noveles y otros más experimentados, entre las que saldrán 3 ganadoras: Mejor Película, Premio del Jurado, Premio del Público. La selección está compuesta por:

• Biopic,de Rafael Arévalo, 2012.
• Cuéntame de Bia de Andrea Franco, 2012.
• El ordenador de Omar Forero, 2012.
• Entonces Ruth, de Fernando Montenegro, 2013.
• Yuraktukto, de Gisella Burga, 2012.

Competencia de Cortometrajes

La selección incluye 15 trabajos de realizadores peruanos, que competirán por alcanzar el Primer Lugar. Los filmes seleccionados para esta sección son

• VII Pulgadas (Cristian Alarcón)
• 9546 km/My World (Sergio García Locatelli)
• Ayway (Joan Cabrera)
• Dar, recibir, devolver (Gabriela Yepes)
• Dios es niña (Tilsa Otta)
• Encierro (David Delgado)
• Escúchennos cuando todo acabe (César Venero Torres)
• Las flores del mal (María José Moreno)
• Los anfitriones (Miguel Ángel Moulet)
• Mía (Luciana Espinoza)
• Parrilla (Farid Rodríguez)
• Rancas, desde hace tiempo (Álvaro Sarmiento)
• Ribeyro (Arte Más Producciones)
• Tito Tusán (María Fernanda Doig)
• Viajero (Manuel Eyzaguirre).

Panoramas

En Panorama Iberoamericano se han agrupado 17 películas de que tendrán su estreno absoluto en Perú y que provienen de Argentina, Chile, España, Guatemala, México, Uruguay y Venezuela. Entre ellas destacan los más recientes trabajos de autores como Julio Hernández Cordón (ganador el año pasado en el Fiacid con Las Marimbas del Infierno), Luis Ortega (recordado por Caja Negra), y la notable creación conjunta entre el español José Luis Guerín y el lituano Jonas Mekas.

José Luis Guerín y Jonas Mekas.

Los títulos de esta sección son: 17 Monumentos (Jonathan Perel), 75 Habitantes, 20 Casas, 300 Vacas (Fernando Domínguez), Correspondencia Jonas Mekas-José Luis Guerín (José Luis Guerín y Jonas Mekas), Dromómanos (Luis Ortega), El Regreso (Hernán Jiménez), El Sonido del Eco (Manuel González), Entre Sombras y Susurros (Samuel Henríquez), Hermanos de Sangre (Daniel de la Vega), Hospi (Gerardo Castelli), Las Mujeres del Pasajero (Patricia Correa, Valentina Mac-Pherson), Los Desórdenes Sentimentales (Ramón Alfonso), Los Jóvenes Muertos (Leandro Listorti), No Hay Nadie Allá Afuera (Haroldo Fajardo), Nosilatiaj. La Belleza (Daniela Seggiaro), Polvo (Julio Hernández Cordón), Réquiem (Camilo Chicahuale) y TV Utopía (Sebastián Deus).

El Panorama Peruano se presenta como una oportunidad para que nuestro público descubra propuestas cinematográficas realizadas en su país y para que esté al día con lo que está sucediendo en la escena local. Algunos de estos títulos ya tuvieron su estreno comercial en Lima mientras que otros solo han podido verse gracias al trabajo de los cine clubes. Integran esta sección:

• AM/FM (Rafael Arévalo)
• Apuyaya (Juan Camborda)
• El buen Pedro (Sandro Ventura)
• El limpiador (Adrián Saba)
• Quizás mañana (Jesús Álvarez)
• Trampas de tu lado oscuro (Oscar Liza).

Focos

Cineasta mexicana Yulene Olaizola.

El 2° Fiacid ha preparado distintos focos consagrados a sus invitados especiales. Esto incluye a los jurados de la Competencia Internacional: la mexicana Yulene Olaizola (Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo), el argentino Ulises Rosell (Bonanza – En Vías de Extinción) y el peruano Eduardo Quispe (la tetralogía 1,2,3 y 4). De estos tres cineastas veremos todos sus largometrajes hasta la fecha, en una lista que incluye estrenos absolutos en Perú como El Etnógrafo (Ulises Rosell) y Fogo (Yulene Olaizola).

Dos invitados chilenos también serán protagonistas de sus respectivos focos. Ellos son el director Rodrigo Marín (jurado de la Competencia Nacional) y la actriz Paola Lattus (encargada de dictar el taller oficial del 2° Fiacid). Bastardos, Las Niñas y Zoológico son los largometrajes de Rodrigo Marín; Mitómana, La Jubilada, Ambas Tres y Efectos Especiales (Mejor Película del 1° Fiacid) dejarán constancia del talento de Paola Lattus.

Otros focos del 2° Fiacid son reconocimientos a dos empresas independientes que buscan difundir el cine de calidad. Cinépata (Chile) es la plataforma virtual que ha cambiado la manera de ver y hacer películas en nuestra región, mientras que Cine Inusual (Argentina) es un festival que se distingue por dar cabida a propuestas insólitas y para gustos extremos. Se han programado 33 títulos de los archivos de Cinépata, entre largometrajes y cortometrajes, todos ellos inéditos en Perú, con excepción de Velódromo, segundo filme de Alberto Fuguet que tendrá una función especial a la que asistirán su director y actor principal (Pablo Cerda). De Cine Inusual se podrán ver 10 películas a las que raramente se puede acceder, entre ellos el documental Meeting Andrei Tarkovsky.

Chile, país invitado

Este año el Fiacid recibirá la visita de una nutrida delegación chilena, la misma que será encabezada por el escritor y cineasta Alberto Fuguet. Junto con Alberto Fuguet llegarán Silvio Canihuante y Horacio Valdivia, en representación de Cinépata. Los ya mencionados Paola Lattus y Rodrigo Marín también se harán presentes en Lima gracias a las gestiones de la Oficina de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile.

Jurados

Competencia Internacional: Yulene Olaizola (Cineasta, México), Eduardo Quispe (Cineasta, Perú), Ulises Rosell (Cineasta, Argentina)

Competencia Nacional: Rodrigo Bedoya (Periodista, Perú), Rosario García Montero (Cineasta, Perú), Rodrigo Marín (Cineasta, Chile)

Competencia Cortometrajes: Dante Trujillo (Periodista, Perú), Horacio Valdivia (Productor, Chile), Wendy Vásquez (Actriz, Perú)

Premios Oficiales

Competencia Internacional
Mejor Película: $2000 (otorgado por la OEI)
Premio del Jurado: $1000 (otorgado por la OEI)
Premio del Público: $1000
Mejor Documental: $500

Competencia Nacional
Mejor Película: $1500 (otorgado por Petroperú)
Premio del Jurado: $1000 (otorgado por Petroperú)
Premio del Público: $500

Competencia Cortometrajes
Primer Lugar: $1000

Sedes

• Museo de Arte de Lima (MALI) (Paseo Colón 125, Parque de la Exposición)
• Centro Cultural de España (Jirón Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz)
• Museo Metropolitano de Lima (Parque de la Exposición. Av. 28 de Julio con Av. Garcilaso de la Vega)
• Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores (Jr. Ucayali 391, Lima)
• Sala Armando Robles Godoy (Ministerio de Cultura)(Av. Javier Prado Este 2465, San Borja)
• Biblioteca Nacional. Auditorio Vargas Llosa.(Av. de la Poesía 160, San Borja)
• Biblioteca Nacional. Sala de Usos Múltiples. (Av. de la Poesía 160, San Borja)
• Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770, Miraflores)
• Centro Cultural Petroperú (Av. Canaval y Moreyra 150, San Isidro)
• Iberotec (Av. Arenales 1555, Lince)
• Cine Club Cielo (Av. Universitaria 2202, Los Olivos)

Ingreso libre en todas las sedes excepto MALI (General: 6 soles; Estudiantes y jubilados: 4 soles)

Descarga la programacion del 2° Fiacid

Actividades paralelas

Presentación del libro “Cinépata. Una Bitácora” de Alberto Fuguet.
Auditorio del Museo Metropolitano de Lima
Miércoles 29 de mayo. 8 p.m.

Encuentro con Cinépata.
Auditorio del Museo Metropolitano de Lima
Jueves 30 de mayo. 8 p.m.

Conversatorio con Directores de la Competencia Nacional
Fundación Telefónica
Miércoles 5 de junio. 7 p.m.

Conversatorio con Directores de la Competencia Internacional.
Fundación Telefónica
Jueves 6 de junio. 7 p.m.

Taller “Apreciación de Actuación en Cine”. A cargo de Paola Lattus (Chile).
Centro Cultural de España
Del Miércoles 5 al viernes 7 de junio. 4 p.m. a 7 p.m.

Visiten la web oficial del festival Fiacid.

Trivia: La columna de El Búho del diario Trome evoca su estreno en 1981 en el cine Lido.

Toro salvaje (Raging bull, 1980) de Martin Scorsese

Toro Salvaje es una película en la que confluyen de modo particularmente ejemplar estas múltiples versiones del universo fílmico de Scorsese. En primer lugar es fácil constatar que estamos ante una película de género, se trata del arquetípico argumento del “ascenso y caída” de un personaje que surge de una condición desventajosa, inicia su escalada y llega a la cumbre, para después desmoronarse, casi siempre como producto de una descomposición personal debida al éxito y al tipo de recursos que debió utilizar para alcanzarlo. Este movimiento estructura la mayor parte de las películas del llamado “cine negro”, y caracteriza también muchas películas de tipo biográfico, en las que el protagonista es un artista o un deportista.

A este último caso pertenece sin duda Toro Salvaje, y lo hace en forma tan rigurosa que si comparamos la película de Scorsese con, por ejemplo, El triunfador (Champion, 1949) de Mark Robson, notable pero sumamente típica expresión del cine “de estudio”, que concilia el cine negro con la historia del ascenso y caída de un boxeador, comprobaremos la idéntica estructura que subyace a ambas: allí está la vida privada intercalándose con la vida deportiva del protagonista, la naturaleza impulsiva y violenta de éste, la rubia platinada que seduce al campeón, el hermano fiel, el archirrival con el que se suceden seguidos encuentros, la presencia de la mafia, etc. Y en ambos casos es la constitución personal del protagonista la que lo lleva al fracaso. Scorsese respeta pues el sentido configurador, estructurador, del cine de género.

Pero no es, por supuesto, la aparente literalidad de la adaptación a la tradición cinematográfica a la que pertenece lo que da su riqueza e impacto a esta obra maestra de Martin Scorsese, sino la forma en la que éste carga su película de una tensión que parece a punto de explotar la pantalla en cada momento. Esta tensión está lograda por un conjunto de elementos puestos en juego por el director, y va desde la observación detallada de modales y modos de hablar que delata la voluntad autobiográfica del realizador neoyorquino, a performances impresionantes por la forma en la que actores y personajes se encuentran fundidos en uno, todo esto inmerso en un deslumbrante despliegue estilístico.

Nuevamente Scorsese se ubica en el ambiente del cual proviene y que mejor conoce: el barrio italianizado de Nueva York. De allí proviene Jake La Motta, el “Toro del Bronx”, un boxeador que ha merecido ese apelativo pues su estilo de pelear es siempre embestir, con el cuerpo agazapado y recibiendo todo el castigo que sea necesario hasta acercarse a su rival y derrotarlo con la contundencia de sus golpes. Esto hace que La Motta sea un boxeador siempre al borde de perder por puntos, a menos, claro, que logre noquear a su rival antes del final de la pelea, cosa que casi siempre logra con inusitada ferocidad. Esta tensión en su estilo de pelear se trasmite a todo el film, donde se nos muestra un personaje siempre al borde del desastre, siempre próximo a descontrolarse, y que prácticamente corteja su propia destrucción debido a sus irracionales celos, a la permanente desconfianza que siente aun de su propia familia y a su irrefrenable descontrol.

Las características excesivas de su protagonista y de la violenta historia que nos es narrada se adaptan muy bien al nervioso, exuberantemente expresivo y casi neurótico estilo cinematográfico de Scorsese. Como mencionábamos más arriba, al referirnos a su fascinación por el impacto emocional de la iconografía religiosa, estamos ante un cineasta que sacrifica la moderación y el clasicismo por la tentación romántica de expresarse con pasión y arbitrariedad, sin miedo a utilizar recursos estilísticos, como movimientos de cámara y montaje, en forma enfática y cargada de violencia. El cine de Scorsese diferencia con claridad la violencia física de la violencia emocional: si la primera está lograda por los actores, corresponde a la cámara y al montaje conseguir la segunda: ambas están presentes en Toro Salvaje y condicionan su tratamiento cinematográfico. Scorsese puede darnos un montaje muy rápido entre planos, y unos minutos después es capaz de contemplar una escena a cierta distancia y sin mover su cámara un milímetro; por momentos es el cineasta quien manipula directamente nuestras emociones y en otros la exagerada fijación de la cámara presiona al actor hasta que sus más leves gestos y vacilaciones se tornan tensos y expresivos. El montaje atiende a una lógica dramática que muchas veces prescinde del literal acatamiento a las convenciones del raccord, la continuidad espacial o temporal y el realismo. Incluso al interior de una escena observamos la alternancia de planos y contraplanos con tratamientos diferentes; unos se desarrollan a velocidad normal y con gran bullicio en tanto los otros son en silencio y en cámara lenta.

El sonido presenta un tratamiento igualmente estilizado y sumamente irreal, especialmente durante las peleas, en las que la cámara sube al ring y comparte la aturdida subjetividad de los boxeadores. De pronto, un plano de larga duración acompaña a Jake desde la salida del camerino a través de largos corredores, hasta salir al enorme coliseo rebosante de espectadores que gritan y aplauden, y luego al subir al ring y disponerse a pelear: la continuidad de la toma expresa bien el momento decisivo de subir a disputar el campeonato mundial, y Scorsese solo lo utiliza en esa escena. Esa sabiduría cinematográfica de saber hacer coincidir siempre el tratamiento formal con la particular emoción que se nos quiere trasmitir le dan a El Toro Salvaje su extraordinaria cualidad expresionista.

Los escenarios están también utilizados desde un punto de vista dramático, lográndose una cuidadosa y casi nostálgica recreación de época que utiliza con gran acierto la excelente fotografía en blanco y negro de Michael Chapman. Acá se puede mencionar un “exceso” estilístico más del cual Scorsese sale triunfante: aun siendo una película en blanco y negro hay en la parte central imágenes en color, filmadas con una cámara casera, que trasmiten bien el momento de ascenso y felicidad conyugal de La Motta. Lo notable de Scorsese resulta la forma en la que alterna la frenética energía que a cada instante se posesiona de su film, con momentos de lirismo. Gracias a su intuitivo y sensual sentido musical, Scorsese logra una alternancia rítmica que expresa lo que es la energía y el empuje, la pasión y el sufrimiento, la pura fuerza bruta coexistiendo con la ternura.

Hay en El Toro Salvaje una dirección de actores sobresaliente, con una gran atención al detalle, a los gestos y a las miradas, a la forma de moverse, y que transmiten un vívido sentido físico tanto en el erotismo con en la violencia y el dolor. Destacan particularmente, Kate Moriarty como Viki, la atractiva esposa que despertaba en La Motta descontrolados celos y posesividad, y Joe Pesci como su comprensivo y astuto aunque igualmente temperamental hermano. Pero creo que la película es tan exitosa porque como centro de gravedad de ésta tenemos a Robert De Niro, quien realiza una performance tan apasionada e intensa, cargada a la vez de ternura y de furia, de autenticidad y vitalismo, que resultaría imposible convertir la exuberancia estilística del film en simple virtuosismo formalista. En una impresionante secuencia en la que La Motta, tocando fondo en su despeñadero moral, desprovisto de todo autorespeto y dignidad, se da violentos cabezazos contra la pared de la celda en la que ha sido encerrado, éste se repite sin cesar: “No soy un animal, no soy tan malo, yo no soy ese tipo”. Por primera vez se ve desde fuera de sí mismo. Después de esto será capaz de mirarse al espejo y reflexionar sobre su vida; la redención será finalmente alcanzada. La consistencia moral de la película solo alcanza a redondearse al terminar ésta, regresando al presente de Jake La Motta con el que el film se inicia.

Extraído de Hablemos de Cine N° 75. Lima, mayo de 1982. Págs. 86-88.

La verdad es que mi BAFICI empieza un par de semanas antes cuando aparece en la página del festival las películas y los horarios. Busco un certificado de alumno regular en la universidad, estudio el programa y unos cinco días después arranca la venta.

Este año, y como año a año ocurre por la inflación, los precios aumentaron, de 13 a 15 pesos para estudiantes, decididamente hay que llegar con dinero a inicios de abril. Pero aunque puede sonar elevado, en comparación a otros festivales el precio es nimio: casi 2 dólares por ticket. Por las 52 entradas que compré pagué 795 pesos, no llega a 90 dólares, esta misma compra en, digamos Sundance, representaría 795 dólares.

Jueves 11 abril: Chiri/Trace de Kawase para comenzar, luego un corto de Straub, ya sin Hulliet y correr a comer algo. Este año el BAFICI tiene su sede central en el Village de Recoleta, así que los restaurantes peruanos baratos han sido reemplazados por una lata de redbull y unas galletas para compensar.

Luego Leviathan, un viaje de go-pros en la marea furiosa de la pesca matutina americana, luego Hasta el sol tiene manchas del guatemalteco Julio Hernández y Mapa un documental en primera persona, de León Siminiani. En estas tres películas estuvieron sus directores presentándolas y debilitando o reforzando la ética de su puesta en escena. Lo revisaré en artículos posteriores.

Viernes 12: Dormir poco y correr al cine, mandato de los próximos 9 días. Vivo en San Telmo y para llegar a mi primera función en Belgrano a las 2 de la tarde hay que encaminarse a la 1 al menos. Un par de viajes en el subte después veo por tercera vez Post Tenebras Lux de Reygadas a sala llena.

Luego comer en el camino y volver a Recoleta para ver Arraianos de Eloy Enciso, peliculón que ha ganado la recién estrenada sección Vanguardia + Género en reemplazo de la mejor sección que en mis breves 6 festivales anteriores ha tenido el festival: Cine del futuro. Luego el nuevo bodrio de Park Chan-wook, Lazos perversos dónde lo unico que rescato es que me dieron una postal con una redecilla negra bastante simpática, y para terminar Call Girl del austríaco Mikael Marcimaín que termino a las 1:50 con conferencia posterior. A las 4am en San Telmo seguía corriendo el reloj y mi sueño.

Sábado 13: 10am. en San Telmo: co-rrer. Se presentaba ese día la triología entera de Ulrich Seidi Paradaise. A razón de varios problemas con los proyectores solo pude ver dos. Luego taxi a Belgrano: 60 pesos, los valen, la nueva película de Jem Cohen es otra obra preciosa de una coherencia interna envidiable, Museum hours es una joya del festival.

En la misma sala luego se presentó la nueva de Oliver Assayas, Apres mai, que más parecía una continuación de The Dreamers de Bertolucci y para terminar Starlet de Sean Baker, película solida con un guión sencillo filmada en el valle porno de Los Angeles y dónde nos encontramos con Asa Akira haciendo de sí misma.

Domingo 14: No llegué a la primera función así que me detuve un rato a conversar con la gente, resulta que este año en el Talent Campus la presencia de peruanos es la mayoritaria, habían 7, hurgando entre los nombres encontré a un viejo amigo de Lima por lo que conversaré con él más adelante.

Comienzo el día con Centro histórico compilación de cortos de grandes nombres: Kaurismaki (Aki), Pedro Costa, Victor Erice y Manuel de Oliveira. Más tarde veo My afghanistan: live in the forbiden zone, que se articula con registros de cámaras de celulares ingresadas clandestinamente en zona de conflicto que aunque resulte meramente provocadora no se puede negar la potencia de su registro. Finalmente veo Woman on the beach de Hong sang-soo de quien se presentaba una retrospectiva que incluía la visita del director. Notable película.

Lunes 15: Comienzo el día en el barrio de Caballito viendo Metamorphosen del alemán Sebastían Mez, un amigo y yo nos quedamos hablando con él un largo rato sobre las condiciones de producción de esta película filmada sin permisos con cámaras DSLR en la zona de mayor contaminación radioactiva del mundo al norte de Rusia. Gente como Mez, simple y llana para hablar de cine me recuerda que lo difícil de este oficio esta siempre en la coherencia.

Luego vuelvo a Recoleta para ver una función más que esperada de la cual salimos decepcionados buena parte de la sala, Mekong Hotel de Apitchapong Weerasethakul: si estuviésemos en los tiempos Eisenstein la condena sería simple, formalista, máxime que repite recursos. Después La libertad de Lisandro Alonso en una copia de 35mm perfectamente conservada y luego el esperado estreno, dentro del circuito interno del festival y de mi escuela en particular, de Jázmin López, Leones, que ha encontrado una propuesta que integra correctamente sus recursos de planos secuencias largos -filmados por el operador de steady de Gus van Sant- y sonido rarefacto que expone su artificialidad con un universo que recrea una especie de limbo dónde circulan sus personajes. De ella espero grandes obras. Termino el día en Caballito viendo una comedia negra turca, Cold de Ugur Yücel.

Martes 16: Día de la primera película peruana de esta edición del festival, Cuéntame de Bía, obra de la que he tenido que tomar distancia para poder abarcar y de la que presentaré mi conversación con la directora en un artículo posterior. No es una obra sencilla.

Luego The power of Kangwon Province de Sangsoo y más tarde una de Competencia Internacional Les Coquillettes cuya premisa es describir los festivales de cine como una fiesta de encuentros sexuales y dónde si se menciona el cine es por pura casualidad, un universo enigmático para un nerd supongo. Más tarde nos juntamos con unos amigos brasileros a ver una película hecha en Arrecife que prometía ser muito bom: presentó buenos momentos más O som ao redor de Kleber Mendonca Filho es una serie de televisión de tres capítulos que me dejó con ganas de una segunda temporada. Para cerrar el día otra de Sangsoo, Tale of cinema, probablemente la mejor que he visto de él.

Miércoles 17: La pretención de almorzar algo hecho en casa me arranca la posibilidad de ver Tell me Lies de Peter Brook, como la pretención de evadir una batalla que yo mismo busqué. Ya en Recoleta vi Japan’s Tragedy de Masahiro Kobayashi y más tarde A última vez que vi Macau, otra obra singular y precisa: los autores portugueses, Joao Pedro Rodrigues y Joao Rui Guerra de Mata, parecen haber recolectado material de sus visitas a Macao, antigua colonia portuguesa, por cierto tiempo y con una mirada contemplativa o acaso enajenada de un concepto esotérico respecto a la cultura oriental, para luego articular con breves planos de acción minimalista y acotada, una ficción de género policial, más una vez cerrado este relato de “ficción” el archivo vuelve con una potencia inusitada burlándose de la necesidad de relato y proyectando su Macau, su mágica e idílica Macau, como un epicentro del fin del mundo. No vi más, fui a casa, tomé unas cervezas, dormí mucho, probablemente soñé mucho también.

Jueves 18: Solo dos tickets, sin embargo es un gran día. A las 15:00 se había anunciado la visita de Hong sangsoo más yo tenía una entrada para The Act of Killing a las 14:50. Me las jugué por la película de Joshua Oppenheimer, no pude haber jugado mejor las cartas. La película del danés va tras los pasos de los represores comunistas en la Indonesia de los 60´s, autores orgullosos de miles de asesinatos, más no conforme con el registro de testimonios se les pide a varios de ellos que recreen una ficción de sus matanzas: la película se convierte así en un manifiesto sobre el papel de la memoria, el registro, la imaginación y la culpa, la película puede llegar a leerse si su propia existencia no amplía una herencia cultural que propague la violencia, no existe una lectura desambiguadora, como no puede haber una lectura llana del fascismo. Al salir de la función, satisfecho y lleno de ideas me entero que Sangsoo no ha podido venir.

Un par de viajes en el subte y llego a Belgrano para ver la nueva película de Panahi, Closed Curtain. Trabaja entre los mismos ribetes de la anterior This its not a film, más los recursos son mayores y más complejos tal vez, pero encuentro aun más interesante que el cuestionamiento legal de si es meritorio o no de más condena por la obra, o lo que pueda entenderse como tal, me recuerde que la estructura judicial entera es un ejercicio de la imaginación humana y la falta de distanciamiento con este concepto es castrante tanto para las obras de Panahi como para cualquier individuo. Más tarde unas cervezas por el estreno de la nueva película de Matías Piñeiro en un bar, las conversaciones van y vienen sobre las obras que están haciendo tal o cual y cuando estrenarán y dónde, parece un regodeo en el hecho de hacer. De regreso en casa leo el credo de Ballard.

Viernes 19: Comienzo con el Cocodrilo Persa, un documental de Houchang Allahyari, obrita -porque dura 58 minutos- muy festivaleada y que encontré sincera y lúdica sobre un cocodrilo atrapado en un dique y cómo devolverlo a un río sin dañarlo, sedarlo y menos dominarlo. Luego la nueva obra de Sylvain George, ganador del BAFICI 13 sobre las manifestaciones de Mayo del 2011 en Madrid, lo que luego sería conocido como el movimiento 15M, política y politiquera. Luego correr a la querida Sala Lugones del Centro San Martín en San Nicolás, pasaban la nueva película de Kiarostami, Like Someone in love, evidentemente a sala casi llena. Mas fue una tristeza. Después del primer rollo se encadenó el cuarto, cuando se dieron cuenta y corrigieron el error, después del segundo pasaron el quinto, no resistí mi indignación y fui por mi plata a la boletería, no recibí el mejor trato.

Aquí debo reconocer que el festival parece ahora haberse concentrado menos en la gente que en los cineastas, todas las funciones supuestamente agotadas a las que fui presentaban varias filas vacías y esto porque parece haber una especie de espacio reservado para los participantes del festival: que lejos aquellos días en los que las grandes películas recibían tanta gente que se llenaban hasta las gradas de gente apretujada y se sentía un ambiente casi de estadio. La transición a esta nueva dirección lo ha hecho menos arriesgado, más de mercado del cine y menos de cinefilos o freaks del cine, precisamente en ese camino lo último que vi ese día parece reconciliarse con el viejo espíritu del BAFICI de ver lo casi imposible de conseguir: cortos de Peter Kubelka en 35 en un programita de cortos austriacos. Perlas, puras perlas.

The End of Time, de Peter Mettler.

Sábado 20: penúltimo día, ma-ra-tón. Arranco con Chicama, la segunda y útlima película peruana que vería en el festival. Reservo mis opiniones dada la amplísima literatura que hay sobre esta. Luego una verdadera joya y probablemente la mejor película que vi en el festival: The End of Time, presentada por el mismo Peter Mettler que además fue juez del festival, una obra que armoniza lo fotográfico con lo narrativo, el tiempo con el espacio, a Richie Hawtin con el acelerador de partículas, y a él y su mamá.

Luego llego un poco tarde al cortometraje As Ondas de Miguel Fonseca que se proyectaba con el medio Reconversao de Thom Andersen sobre las obras de Souto Moura en el norte de Portugal. Almuerzo manzanas mientras escucho comentarios sobre los ganadores que se anunciarían en la noche. Luego Stemple Pass, la nueva película de James Benning, una de las grandes películas de Benning que suma un recurso inusitado en él que no mencionaré para aquellos que siguen la carrera de uno de los grandes directores americanos de este tiempo pero de la que sí puedo comentar que sigue empujando al cine hacia otros lugares, o lugares a secas. Guiño. Para cerrar el día Sleepless night stories del querido Jonas Mekas: el dominio de su lenguaje es absurdo y absoluto. No me da más la cabeza ni el corazón, una pizza a media cuadra y unas cervezas, luego tratar de colarse a la fiesta del BAFICI en el Centro Cultural Recoleta revoloteándole las entradas que tenía del día al seguridad.

Domingo 21: último día, re-ma-ra-tón. Comienzo con The Great Noth Korean Picture Show, una película sobre la industria del cine en el país centro de tensión mundial actual. Luego la emocionante última película de Raul Ruiz La nuit d’en face, un ejercicio de lucidez lúdica que lamentablemente se agotó el año pasado; más tarde otra puesta en escena del estatismo de Manuel de Oliveira, Gebo et l’ombre, luego Far from Afghanistan que contenía unos cortos sobre la intervención americana en el país asiático que confieso he visto más por ver el de Jon Jost, que ha sido duro y contundente como todo su cine, más una vez visto eso los demás me resultaron ejercicios menores al punto de abandonar la sala por única vez en el festival. Probablemente haya sido el hambre.

Para terminar el día Not in Tel aviv, de Nony Geffen, pequeña gran película que se maneja con el cuchillo en la mano sobre los usos del lenguaje y la construcción del realismo llegando a ser a la vez divertida como combativa, al salir de la sala caigo en cuenta que en la sala del costado se presenta como película sorpresa la de Kiarostami que había abandonado en el segundo rollo, decido colarme, resulta que acaba de comenzar. Fin del festival con una buenísima obra que realmente quería ver desde Mayo del año pasado. Se acabo, a comer perdices, el cine está en otro lado y hay que ir a buscarlo o hacerlo.

"The 2nd Horseman", filme de ciencia ficción, del peruano Arthur Cross.

El director peruano Arthur Cross se encuentra aun en el proceso de rodaje de su ópera prima, y espera completarla a inicios del 2014. Vean el tráiler de The 2nd Horseman a continuación:

Sinopsis: Un año atrás, Serah, uno de los miembros de un equipo especial de investigación, enviado a la Zona de Cuarentena, desaparece sin dejar rastro alguno. Ahora ha vuelto y trae consigo un mensaje: en sus manos yace el poder de salvar o destruir al mundo.

Aparentemente todo depende de la Unidad de Operaciones Especiales “The 2nd Horseman”, sólo ellos pueden liberarla del control de las manos de El Profeta y su ejército de fanáticos, antes de que sea demasiado tarde… para todos.

Conversamos con el realizador a continuación:

¿En que locaciones se grabó la película?
Todo se está grabando en Perú, en el desierto de Chilca y en Lima. Las grabaciones están programadas por etapas, así que el proceso continúa. Las grabaciones de la primera etapa del proyecto se iniciaron a mediados del 2012. El rodaje continúa este año, tenemos la grabación en un 40% y esperamos tenerla lista para inicios del 2014.

¿Por qué se hizo la película en inglés?
En realidad, la película está hecha en español. Hemos utilizado el inglés para el trailer, para tratar de exportar el producto y moverlo a nivel internacional.

¿Cómo financiaron la realización de esta película?
El financiamiento es 100% independiente, con personas naturales que apoyan el proyecto.

¿La empresa productora es una compañía peruana?
La empresa a cargo de la producción ejecutiva es One Shot. Es una empresa que trabaja en el medio publicitario en Perú. Tenemos apoyo de parte Rainfall Films, una empresa de EEUU que se especializa en composición digital de audio y video para algunos efectos 3D y los arreglos de audio.

Arthur, ¿puedes contarnos algo más sobre ti?
Nací en Miraflores, viví en el extranjero durante 15 años, en China, España y Estados Unidos. Regresé a Perú en el 2000. Tengo 31 años de edad.

Estoy obsesionado con el cine de ciencia ficción y acción. Especialmente la ciencia ficción como acto de observar la condición humana en relación al universo y la exploración de las capacidad de la humanidad para transcender sus barreras y limitaciones para tener control absoluto de su propio destino.

¿Qué películas tuviste en mente al realizar tu primer largometraje?
La inspiración de “The 2nd Horseman” yace en películas como “The Rock” y “Transformers”, ambas películas de Michael Bay que suele buscar una fusión de temática militar junto a conceptos de ciencia ficción.

The 2nd Horseman

Ficha técnica
Dirección: Arthur Cross
País: Perú
Año: 2012
Duración: 120 min.
Género: Ciencia Ficción, Acción, Aventura
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Web: www.2ndhorseman.com
Productora Ejecutiva: One Shot

Bonus: A propósito de “The 2nd Horseman”, recordemos otras películas de ciencia ficción realizadas en Perú, o por peruanos:

• Entonces Ruth (2013), sci-fi de bajo presupuesto, es el último filme de Fernando Montenegro, aun sin estrenar.
• El limpiador (2012), ciencia ficción en clave baja de Adrián Saba, presenta a una Lima desierta y silenciosa, como nunca se vió.
• Sleep Dealer (2008), si bien no se filmó en Perú, esta historia futurística en la frontera México-EE.UU., fue dirigida por el director de ascendencia peruana Alex Rivera. Se presentó en el Festival de Lima 2008.
• Un marciano llamado deseo (2003), la inclasificable ópera prima de Antonio Fortunic podría ser considerada, en parte, como ciencia ficción… entre otras cosas.
• El forastero (2002), en esta producción peruano-española dirigida por Federico García Hurtado, un alienígena ‘gringo’ aterriza en Paucartambo, Cusco.
• Watchers III (1994), película estadounidense de Serie B producida por Luis Llosa y Roger Corman, filmada en la selva peruana. Christian Meier hacia de un “monstruo genéticamente alterado”. El mismo año, Llosa y Corman producirían New Crime City.
• Ultra Warrior (1990), otra Serie B gringa filmada en Lima, por Augusto Tamayo y Kevin Tent. Actúan Orlando Sacha, Diego Bertie, Diana Quijano, Ramón García, entre otros.
• Crime Zone (1989), una B-Movie más rodada en Lima, bajo la dirección de peruano Luis Llosa. Protagonizada por David Carradine.

El esperado nuevo filme del director peruano-argentino Gianfranco Quattrini ha cambiado de título. Hasta ahora conocida como Diamond Santoro y la soga de los muertos, la película pasa a llamarse Planta madre. “Es un nombre que siempre nos acompañó, y con la película terminada tiene mucho más sentido”, nos cuenta el director.

Planta madre se filmó en parte en Iquitos, en julio del 2012, contando con varios actores peruanos, entre ellos Magdyel Ugaz, Lucho Cáceres, Cindy Díaz y el popular cómico Manolo Rojas (a quien vemos en la imagen de arriba).

Sinopsis: Diamond Santoro es un ex rockero que 40 años atrás lideró una mítica banda under de Buenos Aires, proyecto que quedó trunco con la muerte de Nicky, su hermano y virtuoso compañero musical. Tras este hecho trágico, Diamond se derrumbó hacia una existencia extraviada, eligiendo el ostracismo y el exilio en EE.UU.

Atormentado por el fantasma de Nicky, nunca volvió a componer una canción ni poner su vida sobre rieles.
Pierina, la última novia de Nicky, al enterarse que Diamond tuvo un problema cardíaco, le envía una antigua libreta de artista de Nicky. Al reencontrarse con esa libreta de su hermano, su sensibilidad y el plan de un viaje inconcluso, Diamond emprende un viaje a Iquitos. Está determinado a encontrar al Maestro Ayahuasquero Solón, al que había planeado visitar su hermano, para participar de su ceremonia, deseando que eso lo limpie definitivamente de su culpa y dolor

Planta madre se encuentra en la etapa final de la postproducción de sonido. La corrección de color y ampliación se realizará en mayo en Italia, con el aporte de sus coproductores italianos Alba Produzioni.

Se espera que la pelicula esté lista para fines de mayo. Planean estrenarla en Argentina a mitad de año, y el estreno en Perú vendría a continuación, en el segundo semestre del 2013.

Quattrini nos adelanta que previo al estreno oficial, quieren presentar la película en Iquitos, ciudad donde se realizó buena parte del rodaje: “Estoy planeando organizar un gran preestreno en Iquitos, una presentación abierta al aire libre, para celebrar y agradecer todo el apoyo que recibimos allá. No tengo fecha exacta, pero me encantaría que fuera antes del estreno en Argentina, y seguro será un evento para no perderse, con la participación de las bandas locales que participaron en la película, como Los Wemblers y El Grupo Ilusión”

Algunos apuntes preliminares, por Joel Calero*

Esta es la crónica de un éxito anunciado. Afortunadamente, no se trata solo de un éxito comercial: ¡Asu Mare! es una buena película. Más exactamente, es una buena película comercial, arriesgada, divertida y honesta (los riesgos no son sólo privativos del llamado cine de autor). Pero, además, ¡”Asu Mare!” es un fenómeno sociológico. Y allí radica, me parece, buena parte de su sorprendente éxito. Pero vayamos por partes.

Como es sabido, el origen de esta película es el espectáculo de stand-up comedy que Carlos Alcántara ha realizado exitosamente a lo largo de 4 años, con una asistencia de cientos de miles de espectadores. ¿Cómo hacer una película con ese material performático? La solución, riesgosa y feliz del guionista Alfonso Santistevan, fue sostener el hilo del relato en la performance grabada de Alcántara. No olvidemos que el cine, en sus orígenes, fue teatro filmado. “¡Asu Mare!”, de alguna manera, regresa a esos orígenes y acierta, pues, en muchos pasajes del filme, la presencia enérgica e hipnótica del stand-up comedy de Álcantara es mucho más interesante y narrativamente más potente que la ilustración o la escenificación de lo referido.

En ese sentido, la parte más débil es, tal vez, la reconstrucción de la infancia, pues a Gisela Ponce de León, usualmente una notable actriz, le falta ese vigor arrabalero y lenguaraz de la madre que nos reconstruye verbalmente el actor.

La reconstrucción de la pubertad mejora narrativamente, pero se encuentra, de todas maneras, por debajo de lo que Alcántara, por el solo efecto de su palabra y su performance, puede crear en el espectador. La juventud, en cambio, es lo mejor de la película. Y lo es por dos razones: ¿Quién podría interpretar a “Cachín” mejor que el propio “Cachín”? Pero, además, esta es la mejor parte porque es en la juventud donde se perfilan con nitidez las dos líneas argumentales más interesantes de la película: el tránsito de la desorientación juvenil a la madurez y el tránsito de una identidad acomplejada a una identidad asumida. Allí radica lo mejor y más singular de “¡Asu Mare!”

Que el Perú es un país acomplejado de sus raíces es una verdad de perogrullo. Que la sociedad peruana ejerce el penoso deporte de la exclusión (y la autoexclusión) es noticia que los periódicos recrean cíclicamente, sobre todo cuando hay elecciones. Por eso, el racismo (y el autorracismo) son los temas cruciales de la sociedad peruana. Pues bien, ese es, también, uno de los temas cruciales de “¡Asu Mare!” que lo aborda desde los linderos de la comedia, es decir, con sarcasmo y burla que le permiten al espectador enfrentar, entre carcajadas, los temas que angustian al peruano promedio (aunque no lo diga ni siquiera a sí mismo). Ese es uno de los grandes aportes de esta película.

Muchos notables filmes peruanos relativamente recientes (Paraíso, La teta asustada, etc) han abordado los efectos de la violencia política reciente, pero, si no me equivoco, casi no hay antecedentes de películas que hayan abordado esa violencia psicológica que supone para jóvenes mestizos crecer en un país donde sus rasgos están desvalorizados. El psicoanalista Jorge Bruce, en su imprescindible “Nos habíamos choleado tanto”, caracteriza a la sociedad peruana de “esquizofrenógena” para aludir a esa tendencia a la disociación que se engendra por el dolor psicológico que provoca el racismo.

Esa es una de las –divertidas- dramáticas del joven Alcántara quien, para imitar a los exitosos surfers a quienes mira con admiración y envidia, no duda en imitar sus collares de chaquiras con lo que su alicaído bolsillo se lo permite: vértebras de pescado ensartadas con hilo, con lo cual no llega atraer a las deseadas hembritas del San Silvestre, pero sí a algunos gatos que husmean y reconocen su choledad y su farsa. Pasajes tan hilarantes como este, narrados por Alcántara con talento y desfachatez extraordinarios, puntúan la película y son como inyecciones de adrenalina y carcajada cuando las escenas narrativas decaen. Debo confesar que nunca había visto los unipersonales de Carlos Alcántara. Pero imagino que, aun si los hubiera visto, estos pasajes me seguirían pareciendo lo mejor de la película. Esa preeminencia de la palabra no es privativa del teatro como lo prueba el interés expectante con que el mundo aguarda el estreno de “Before Midnight”, donde los actores, como en sus dos filmes precedentes, no hacen otra cosa que hablar. Pues bien, eso es lo que hace Alcántara en los mejores momentos de “¡Asu Mare!”: hablar, es decir, narrar. Y divertir.

Yo imagino que exhibidores y distribuidores dirán, a partir de ahora, con más convicción y con supuestas pruebas a la mano, que el problema del cine peruano es que no se hacen películas divertidas que es lo que el público espera. ¿Cómo sí no este “¡Asu Mare!” (producido por Miguel Valladares y el propio Alcántara) ha tenido tanto éxito (solo en su primer día ha superado los 150,000 espectadores)? Al punto tal que, si todo sigue como debiera seguir, bordeará o superará el millón de espectadores.

Me atrevo a decir que el éxito de “¡Asu Mare!” no se volverá a repetir en el cine peruano por una sencilla razón: no se trata solo de un hecho cinematográfico, sino de un fenómeno sociológico. Carlos Alcántara es lo más parecido a un equivalente masculino de Gisela Válcarcel, es decir, un auténtico self-made man: el chico de Mirones, clase media baja, que, por la fuerza de su talento y su carisma, alcanzó el triunfo: dinero, éxito (más algunos de los atributos del poder, como una hembrita del San Silvestre, digamos). ¿No es esa la escenificación de lo que los publicistas llaman el deseo “aspiracional” de los peruanos? ¿No es esa la puesta en escena de los complejos deseos de una parte del país? Pero, además, la historia de éxito que narra “¡Asu Mare!” (el éxito del actor y personaje Carlos Alcántara) tienen un valor agregado: este éxito no es producto del arribismo y el desclasamiento (que rezuman ciertos exitismos en el Perú) sino, más bien, son producto de la aceptación de lo propio, la asunción de la esquivada identidad. Como se ve, hay cosas muy serias que se pueden decir (tal vez mejor) entre risas. ¡Vayan a divertirse!

* Joel Calero, cineasta y docente universitario, estrenó su ópera prima Cielo oscuro el 2012 y, actualmente, prepara su segundo largometraje cuyo título provisional es “Lo mejor de la burguesía son su vino y sus mujeres”.

“¡Asu Mare!” es el taquillazo nacional que se añoraba desde la época anterior al celular, el internet, el multicine y la aplanadora de blockbusters hollywoodenses que durante muchos años tomaron la costumbre de dejar las películas peruanas rápidamente fuera de los cines.

La película protagonizada por Carlos Alcántara ha llevado en su día de estreno la fabulosa cifra de 152,045 espectadores, en 255 pantallas a nivel nacional. Superando el récord anterior, que lo tenía “Amanecer Parte 2″, con 142 mil espectadores, en 341 pantallas.

El hecho de contar la trayectoria de una vida, perteneciente a la generación de los años 70 y 80, crea un clima de remembranza, que nos devuelve en un empaque de fácil digestión una serie de iconos de la cultura popular de la época: Gisela, Ferrando, Pataclaun, “El hombre del tubo”, “El Padrino” Rodríguez López, un joven Suárez–Vértiz en el tráiler y cierta síntesis ingenua de vestuario, modas y prejuicios sociales que hoy están agravados o revoloteados, pero nunca desaparecidos, en la sociedad peruana.

Hay referencias más sutiles, que tal vez no llegan a ser plenamente homenajes o guiños, pero que sí dialogan no necesariamente de modo intencional con símbolos del cine peruano: la visita al cuartel para sacar la boleta militar, que incluye la semidesnudez de los adolescentes, recuerda la famosa “¡Qué me mira cadete!” de Gustavo Bueno en La ciudad y los perros.

Y como la existencia que se relata es la de un actor –Alcántara tuvo su debut cinematográfico de la mano de Leonidas Zegarra en Los 7 pecados capitales (1985); y logró su mejor rol hasta la fecha como un ex agente del SIN en “Ojos que no ven”–, no podía faltar una experiencia con el proyecto de hacer un filme. Es curioso que esta apuesta que tiene dos artífices recién llegados a plenitud al mundo del cine peruano, Alcántara y el director Ricardo Maldonado –que se ha desenvuelto principalmente en la publicidad–, muestre como personaje secundario a un cineasta gris, a todas luces ladino, que estafa con el cuento de un taller de talentos para protagonizar una película.

¡Asu Mare! es divertida, hace reír. Va al punto: juega al humor criollo de comercial de TV, bien filmado y editado, y con laboriosa dirección de arte. Explota el carisma personal de Carlos Alcántara, sus indudables cualidades que ha ido puliendo con el tiempo, la facilidad para el timing verbal y la expresión corporal. Los saltos entre el escenario de su show unipersonal y los flashbacks de su infancia, adolescencia y juventud funcionan, salvo cuando la voz en off se vuelve demasiado didáctica. La gran figura con la que Alcántara articula su biografía, su progenitora, tiene un peso en sí mismo y es bien caracterizado por Gisela Ponce de León y Ana Cecilia Natteri, pero hay un momento de la épica disciplinaria que narra “Cachín”, con manazos, zapatazos, correazos, gritos, amenazas, en que se acerca a la apología del abuso infantil, y ahí ya no es tan gracioso.

Alcántara ha dicho públicamente que hay un buen material que se tuvo que cortar para que el metraje no se extendiera mucho. Algo se nota de ello, porque hay vacíos temporales significativos y de pronto la bola roja ya está puesta en la nariz y empieza el despegue de la popularidad. También hay varios miscasts, es decir papeles muy pequeños que nada aportan porque están mal concebidos y sólo se justifican para reunir a los amigos de “Pataclaun”, como Johanna San Miguel y Gonzalo Torres, que no pasan de hacer forzados sainetes. Las apariciones de Wendy Ramos y Carlos Carlín son más justificadas, sobre todo la de Ramos en la primera escena junto a Ponce de León.

Debajo de la diversión, Alcántara ha querido proyectar mensajes (no hay que olvidar que la película lleva el logo de la Marca Perú). El impulso personal frente a las adversidades, la liberación de los propios prejuicios, el fortalecimiento de la autoestima, el rechazo a las malas juntas, el (auto)reconocimiento de la diversidad social y cultural, el concepto de la inclusión. La mayor parte del tiempo el relato fluye, pero cuando el actor–narrador trata de ponerse serio el ritmo decae, sobre todo en el último tercio.

Sin embargo, hay una escena muy disfrutable en ese sentido, con una radiante Emilia Drago (más un cameo de la propia esposa de Alcántara), que encierra todo el espíritu de ¡Asu Mare!: la jarana de callejón, ralentizada y cercana al epílogo, donde el barrio da rienda suelta a su alegría, gozando música afroperuana sin distinción alguna de piel ni origen social.

El grupo central de creadores, que incluye a Miguel Valladares y Joanna Lombardi, acertó en su atrevimiento. Confirma finalmente que el cine peruano se desenvuelve en un entorno audiovisual más amplio: puede atraer a la gran empresa privada y provenir de la publicidad, en la que Ricardo Maldonado ha conseguido el oficio para narrar, aunque todavía con imperfecciones.

Nuestro cine necesitaba este tipo de película hace bastante tiempo, porque para lograr ser una industria sostenible, toda cinematografía requiere gran abanico de productos, convocantes y minoritarios, digeribles y herméticos, parafernálicos y austeros. Y por cierto, un tratamiento apropiado de marketing, independientemente del tamaño del proyecto, para que cada uno consiga satisfacciones de acuerdo a sus posibilidades y llegue a su público objetivo (como los relativos éxitos recientes de Quizás mañana y El limpiador).

Porque una platea nacional aprende a valorar en el transcurso del tiempo una variedad de opciones y una continuidad de nombres y estilos. Que vengan entonces secuelas y más entregas de este tipo, pero también de otro.

Ojo: Carlos Alcántara actuará próximamente en otra cinta peruana: Perro guardián, ganador de Concurso de Dicine 2012; esperemos que parte del público que hoy colma las salas lo siga acompañando en sus próximas aventuras cinematográficas.

¡Asu Mare! Dir. Ricardo Maldonado | 90 mins. | Perú | 2013

Guion: Alfonso Santistevan
Producción general: Miguel Valladares y Carlos Alcantara
Dirección de producción: Jorge Constantino y Roxana Rivera
Jefa de proyecto: Joanna Lombardi
Dirección de fotografía: Abel Irribaren
Dirección de arte: Mario Frias
Edición: Eric Williams y Piero Varda
Postproducción de audio: Rosa María Oliart
Empresa productora: Tondero Producciones
Distribuidor: New Century Films

Intérpretes: Tatiana Astengo, Anahí De Cárdenas, Gonzalo Torres, Carlos Carlín, Carlos Alcántara, Gisela Ponce De León, Wendy Ramos, Ana Cecilia Nateri

Estreno en Perú: 11 de abril de 2013.

La película será exhibida en el Centro Cultural del CAFAE-SE (Av. Arequipa # 2985, San Isidro) a las 7:30 pm de hoy viernes y con entrada libre.

Como parte de la investigación que están haciendo para la Universidad de Lima, Emilio Bustamante y Jaime Luna Victoria estuvieron en Huancayo en diciembre pasado y conversaron con León Cáceres, codirector de la cinta y Nina Peñaloza, productora y guionista.

¿Qué hacían antes de vincularse con el cine?
Nina: A mí desde pequeña me gustaba escribir cuentos. Tengo un montón de historias que desde chiquita contaba a mis amigos. También me gustaba el canto bastante, cantaba mis huaynitos. Terminando el colegio me dediqué a la música. Tocaba el teclado y cantaba cumbia. El grupo se llamaba “La boca dulce”. Éramos puras chicas de acá. Pero como hemos tenidos nuestros hijos, ya las parejas no querían que cantemos. En mi caso ha sido así, tuve mis dos hijitas y mi pareja me sacó de la música. Luego me enfermé, 14 años con leucemia y ya estaba más para el cielo pero me he vuelto naturista y me he curado con plantas porque en Lima, en Neoplásicas me han desahuciado. Para ellos estoy muerta bajo tierra, pero estoy viva. Ya van a ser como cuatro años que estoy haciendo mis películas porque me encantan bastante. Justamente yo fui con mi guión de “Te juro amor eterno” donde el profesor Luis Gonzales para que él lo grabe pero me dijo: “mejor lo grabas tú” y de esa forma nos juntamos los tres, Leo, Luchito y yo. Así hemos hecho la película.

León: Cuando tenía ocho años, mi padre me llevó a conocer al señor Javier Ochoa, un amigo de mi abuelo que hacía películas y también las exhibía. Mi padre insistió en que nos muestre sus películas y así, entre broma y broma, las mostró. A mí me sorprendió mucho y eso me marcó. Después me fui enterando que ese señor había ido comprando aquellos instrumentos, cámaras, proyector, todo lo necesario para rodar una película y fue vendiendo todos sus terrenos, sus bienes. La familia le tenía cólera porque, obsesionado por el cine vendió todas sus cosas. Yo, como niño, me fui haciendo chochera de esta persona mayor. Me llamaba “el pequeño cineasta”.

Era un visionario…
León: Yo era muy preguntón y él me explicaba cómo se hacía cine. Me regaló un manual de cine. Nos entendíamos muy bien, nos compenetramos y llegamos a tener una gran confianza. Me dejaba agarrar el trípode y todas sus cosas, hasta las cintas sacadas de su estuche.

¿Y cuánto tiempo duró esa relación?
León: Un día mi papá me dice que el señor Ochoa ha fallecido. Todo fue muy rápido. Ni siquiera estuve presente en el entierro.

¿Cuántos años tenías?
León: Unos 14.

¿Y él?
León: Ya tenía 90. Yo le llamo el anónimo del cine wanka porque nadie lo conoce. Y lo que vino después fue que vendieron todos sus equipos y destruyeron las películas, las quemaron o las botaron a la basura.

Pero parece que algo se ha conservado
Nina: En el Consejo Provincial de Huancayo me han contado que hay algo.
León: Sería cuestión de investigar.

Directores y elenco de la película

Bueno y retomando la pregunta inicial, Leo, ¿ya de grande cómo es que te vinculaste con el cine?
León: Bueno, ya en el colegio empecé haciendo una especie de documental sobre el alcoholismo…

¿Cómo así?
León: Iba a ser un reportaje solo en sonido pero, como siempre he tenido la ilusión de agarrar la cámara, yo le metí las pilas a la profesora.

¿Quién puso la cámara?
León: La profesora consiguió la cámara y fuimos haciendo el reportaje de todo lo que era el alcoholismo. Fuimos al barrio chino, recorrimos todo el cercado de Huancayo, entrevistamos a los que estaban en las calles… yo dirigía todo. Después ya cuando salí del colegio empiezo a pasar por los distintos talleres, también voy a los castings. Me presento a Flor de Retama pero no logro estar en la producción. De ahí me presenté a un casting que hizo Dalmer Quintana donde sí logro ser el protagonista.

Te refieres a la película “Identidad”.
León: Claro. Después fui a castings en Lima. Para “Mil oficios” y para una producción independiente. No recuerdo el título. Pero no me eligieron. Entonces dije: “bueno, voy a empezar a producir mis propios proyectos y de esa forma ya no se me cerrarán las puertas”. El primer corto que realizo se llama “Desamor”. Con Dalmer ya habíamos hecho varios cortos. En los talleres de Dalmer también conocí a Luis Gonzales.

¿Cuál es tu primer largo?
León: Fue “En las venas de Santana”

Pero como codirector ¿no es “Te juro amor eterno”?
León: Bueno, como codirector “Te juro amor eterno”, claro.
Nina: ¿Puedo hablar? Él ya estaba filmando “En las venas de Santana” pero, como siempre se demora, ha salido primero “Te juro amor eterno”. O sea, Santana lo dejó ahí un tiempito que se vaya durmiendo, entonces avanzó primero “Te juro amor eterno”.

Vayamos entonces a la gestación de Te juro amor eterno… Nina, tú mencionabas que fuiste donde Luis Gonzales. Él dictaba y sigue dictando en la actualidad unos talleres de actuación donde recluta a los futuros actores de sus películas ¿no?
Nina: Como les decía, yo fui con mi guión de “Te juro amor eterno” para que lo filmen y me quedé como actriz. Nos quedamos con mis dos hijas porque a ellas también les gusta el arte. Participamos en algunos cortos. Luego en la película La abuela de Lucho Gonzales, después en Orcus, el viajero del tiempo, también de Lucho, después en “Las venas de Santana” de Leo y ahora en “Lazos de dolor” que está haciendo Leo.

¿Qué te inspiró a escribir el guión de “Te juro amor eterno”?
Nina: Ah bueno, eso desde niña ya lo tengo, desde que tenía 8 años. Más bien, no está completa porque se hace lo que se puede con lo que tenemos.

¿Cómo fue que se plantearon la codirección?
León: Desde el principio planteamos la codirección. El teacher Luchito hizo todo lo que es la parte romántica y yo la tenía que concluir. También fue a pedido de la guionista y productora.

En cuánto tiempo la rodaron porque al actor protagonista le crece el pelo…
Nina: En un año porque a falta de dinero hacíamos malabares para grabar. A veces nos fallaban los actores y teníamos que ingeniárnosla. Leo siempre encuentra soluciones para todo. Por eso lo elegí. Es talentoso y no hay nada que él diga que “esto no se puede hacer”. Si algo faltó, él dice: “no hay ningún problema, yo lo hago así. Préstame tu falda, cómprame esto” y así…

Cómo fue el estreno
Nina: Cuando estábamos editando se metió un virus a la computadora y faltaban tres días para el estreno. Ya estaban vendidas todas las entradas. Ya habíamos hecho la conferencia de prensa y todo. Esas noches Leo no dormía. Todos nosotros a su lado mordiéndonos las uñas. Finalmente la rescató pero el virus no dejaba que se haga la copia en DVD. Faltando una horita para el estreno recién ha salido la peli. Llorábamos, rezábamos. No quedó cómo queríamos sino medio feíto pero la gente ya estaba en la sala. Yo ahí esperando, mirando a la calle. “Qué hora viene, qué hora viene”. Hasta que llegó y ya salimos.

¿Dónde la exhibieron?
Nina: En la Cámara de Comercio. Después en la bajadita del Tambo. Luego nos piratearon y la han estrenado en todas partes.

¿No solo la piratearon en DVD sino que han hecho funciones públicas los piratas?
Nina: A la selva la han llevado. Hay un tremendo local que se llama Chirampari. Llenecito dicen, éxito de ventas. Quién habrá sido. Con nuestro esfuerzo han ganado ellos. Incluso se han hecho pasar por nosotros. Yo tengo amigos en diferentes lugares de la selva y vienen: “te he visto que has actuado. Nos han dicho que iban a estar presentes ustedes y nunca te hemos encontrado y ha estado lleno de gente”, me dicen. Pero ya no importa, me habrán hecho propaganda pues.

Pero ese es un punto interesante. Quizás ustedes están desaprovechando la oportunidad de hacer lo que otros directores y productores de Puno y Ayacucho que recorren los pueblos.
Nina: Sí, eso nos falta. No puedo viajar porque mis hijas están en la universidad y tengo que cuidarlas. Porque yo soy de las que no me rindo. Soy capaz de entrar a donde sea.

¿Y tú Leo?
León: Estoy pensando hacerlo con “Las venas de Santana”. Si por ahí alguien me puede ceder los derechos, podría llevar todo el cine regional a los sitios más apartados. Más que nada para promocionarlo. Para que todas las personas puedan conocer lo que es el cine peruano, lo que es el cine regional, el cine local de Huancayo, netamente.

Ustedes estuvieron en el taller de cine para cineastas regionales que organizó el CONACINE en marzo del 2011 ¿Qué les pareció?
Nina: A mí como productora lo que no me gustó es que nos dijeron que no se podía hacer una película con menos de 200 mil dólares. Yo jamás en mi vida he visto esa cantidad. Aquí nosotros hacemos de todo. Él mismo es el director, el actor, él mismo la edita. Así hacemos porque si vienen otras personas van a decir: “alguito me tienes que pagar”.

¿Y a ti Leo, qué te pareció el taller?
León: Es cierto lo que dice Nina. Incluso hubo alguien que dijo que nosotros los regionales no éramos cineastas sino videastas. Y en cuanto al presupuesto, lo que nos dijeron es que no se podía hacer una buena película con tan poco dinero, que, prácticamente, era una locura. Pero yo creo que no es así. Yo creo que simplemente puedes agarrar tu celular y empezar a hacer cine. Por lo demás, sí, nos dieron perspectivas interesantes. Ahora, me gustaría que hicieran talleres más seguido, pero en las regiones.

Hubo un taller de elaboración de proyectos que dictó Julio Vizcarra aquí en Huancayo ¿no?
León: Sí, participamos.

Pero parece que no les sirvió de mucho porque han pasado casi dos años y ustedes no se han presentado a ningún concurso…
León: Es que para hacer un proyecto se necesita tener fondos, hacer un estudio, dedicar mucho tiempo…
Nina: Él nos dio una relación de cosas que hay que tener. Hay que tener una empresa registrada, hay que pagar a alguien que elabore el proyecto. No sé cuanto cobre esa persona.
León: O sea, hay que contratar un economista, un contador, no sé…

¿Por qué no le piden ayuda a Nilo Inga? Él ha ganado dos veces.
Nina: No creo que tenga tiempo. Él siempre está ocupado en su trabajo.
León: Yo me quisiera sincerar, aunque después me tiren piedras. Acá en Huancayo hay mucha envidia. Todos rajan de todos. Tal vez yo también caeré en eso, aunque sin mala intención. El hecho es que, en vez de tratar de ayudar, lo primero que dicen es: “y este dónde ha estudiado, donde están sus títulos”. Aunque por otro lado, también hay momentos en que nos juntamos, nos reunimos y estamos bien. El único sueño que yo tengo es que el cine de mi región salga a flote. Yo me alegro de que a mis paisanos les vaya bien. Porque de esa forma yo sé que el cine está creciendo y que yo formo parte de eso.

Entrevista: Emilio Bustamante y Jaime Luna Victoria
Fotos: Archivo de la película

Te juro amor eterno (2010)
Dirección: León Cáceres y Luis Gonzáles
Guión: Nina Peñaloza

Elenco:
Emilym Canto
Héctor Oscate
León Cáceres
Nina Peñaloza
Luis Gonzales
Lito Ayala

Esta muestra del MALI, con la curaduría de Juan Daniel Fernández Molero (Tiempo Libre), presentará obras cinematográficas de más de 30 artistas y cineastas peruanos que “han desarrollado sus trabajos en las fronteras de los géneros cinematográficos y al margen de cualquier circuito oficial”. Entre otros se presentarán trabajos de Raúl del Busto, Maya Watanabe, Paola Vela, Fernando “Huanchaco” Gutiérrez, Jonatan Relayze, Javier Becerra, Fernando Montenegro, Tilsa Otta, Eliana Otta, Andrea Franco, Rafael Arévalo, Karina Cáceres y Diego Vizcarra, entre otros realizadores.

El ciclo va todos los miércoles a las 7 p.m. del 3 de abril al 15 de mayo. Asimismo, se realizará una retrospectiva del cineasta trujillano Omar Forero, a propósito del próximo estreno de Chicama. Se proyectarán sus dos primeros largos y sus cortometrajes, el martes 7 de mayo.

La entrada única para cada día es de 6 soles General; y 4 soles Estudiantes, jubilados y amigos del MALI.

"Dios es niña" (2012), de Tilsa Otta.

Programación:
Miércoles 3 de abril
“Sin querer queriendo”
Característico por una afinidad especial al sarcasmo y al cuestionamiento de los modelos de representación que pretenden custodiar la veracidad de los hechos, el falso documental cuenta con una breve historia dentro del cine peruano. Anastasha del crítico y cineasta Antonio Fortunic es conocida por ser la primera película nacional en abordar el formato de forma lúdica e irreverente. Actualmente, los trabajos Dios es niña y Biopic retoman el sarcasmo ampliando la temática con una parodia del reportaje amarillista en televisivos tiempos pre-apocalípticos y un homenaje al patetismo heroico del cineasta maldito que anhela la total independencia.

7:00 PM – Sin querer queriendo (1era Parte – 50 min)
Dios es niña – Dir. Tilsa Otta (20 min – 2012)
Anastasha – Dir. Antonio Fortunic (30 min – 1994)

8:00 PM – Conversatorio con Tilsa Otta y Antonio Fortunic

8:30 PM – Sin querer queriendo (2da Parte – 79 min)
Biopic – Dir. Rafael Arévalo (79 min – 2012)

Miércoles 10 de abril
“Redimiendo al fracaso”
¿Qué es más digno que ser un perdedor?, parecen corear las películas incluidas en este programa dedicado a la resignificación del fracaso como un ritual de liberación. Como si fueran personajes salidos de un cuento de Ribeyro, los protagonistas de estas tres películas se paran frente a cámara y nos presentan el documento de sus sueños frustrados y aquella gloria inventada en la historia de segundones. Hallada entre los archivos de un cineclub y el interés de un investigador, es redescubierta Un día de Leonardo Sagástegui como la pionera peruana en regodearse con la desnuda cotidianeidad del cuasi-intelectual o cuasi-artista desde una primera persona que se mira a sí misma como segunda.

7:00 PM – Redimiendo al fracaso (1era Parte – 50 min)
Un día – Dir. Leonardo Sagástegui (20 min -2003)

Un heroe inmortal – Dir. Fernando “Huanchaco” Gutiérrez (30 min – 2009)

8:15 PM – Redimiendo al fracaso (2da Parte – 100 min)
El epitafio no me importa – Dir. Alberto Angulo (100 min – 2011)

Miércoles 17 de abril
“El presente del pasado”
El documento re-contextualizado en un presente reconstruido. Archivos de videos virales, noticieros, filmes institucionales, e incluso telenovelas machistas, adquieren una nueva perspectiva gracias a algunos activistas del reciclaje de imágenes.

7:00 PM – El presente del pasado (51 min)
Bagua – Dir. Mauricio Godoy (2 min – 2009)

El obedecedario – Dir. J.D. Molero (2 min – 2012)
Camino Barbarie – Dir. Javier Becerra (22 min – 2004)
Padre nuestro – Dir. Felipe Esparza (3 min – 2012)
Al mediodía – Dir. Andrea Franco Batievsky (4 min – 2011)
Cronología del olvido – Dir. Renzo Alva (19 min – 2012)

“Fantasmas del espacio”
Observadores del entorno que se desvanecen en la contemplación. Algunos que se aferran a fragmentos del pasado o a la imagen-afección. que solo existe en su interior. Estos cortometrajes son construcciones temporales de lo que puede significar una afección espacial.

8:15 PM – Fantasmas del espacio (102 min)
Vía satélite en vivo y en directo – Dir. Armando Robles Godoy (10 min – 1973)
En Ancón – Dir. Andrea Franco Batievsky (26 min – 2012)

1977 – Dir. Paola Vela (8 min – 2011)
Reconstrucción – Dir. Felipe Esparza (24 min – 2012)
Orden #2 – Dir. Felipe Esparza (5 min -2013)
Bolognesi 710 – Dir. Rómulo Franco (9 min – 2010)
La calma – Dir. Fernando Vílchez (20 min – 2011)

Miércoles 24 de abril
“Sonambulismos”
Habitando el espacio entre el sueño y la consciencia, estas películas proponen una narrativa sonámbula que nos permite entregarnos a la sucesión de secuencias imaginarias. La incongruencia es desestimada a cambio de una atmósfera lúdica, oscura y hermética.

7:00 PM – Sonambulismos (59 min)
El bombardeo de las luces de neón – Dir. Paola Vela (4 min – 2009)
Vigilia – Dir. Felipe Esparza (3 min – 2012)
Sinmute – Dir. Balcárcel / Bellido (52 min – 2008)

“Regeneración estética”
A pesar de que la mayoría de películas de la muestra dejan de lado el preciosismo estético o se escapan de géneros reconocibles, los directores de este programa buscan reinventar géneros como el thriller de acción o el terror resaltando gran parte de su discurso con el trabajo sobre una estética hiper-producida. El bajo presupuesto no parece ser un impedimento para las ambiciones de estas películas.

8:30 PM – Regeneración estética (72 min)
Eupraxia – Dir. Jonathan Briceño (adelanto – 3min – 2014)
Bolognesi I – Dir. Victor Manuel Checa (8 min – 2012)
Cada viernes sangre – Dir. Fernando Montenegro (61 min – 2011)

Miércoles 1 de mayo
“Protagonistas tácitos”
¿Quién es el protagonista de toda película sino un híbrido entre el camarógrafo y el montajista? Este programa está enfocado en los narradores invisibles que se ocultan tras las elipsis y en los puntos ciegos del encuadre. La primera parte consta de cortometrajes hechos con diversas técnicas de animación explorando el formato más allá del dibujo animado y el efecto especial. El segundo programa dialoga con el postulado del Cine-ojo escrito por Dziga Vertov. Este es llevado al extremo de la introspección hasta dejar un cascarón de imágenes-movimiento que calce con el espectador del momento. La última y tercera parte cuenta con el estreno limeño de una película arequipeña; Cable a tierra de Karina Cáceres, qué en forma de bitácora de viajes desordenados, trata de estructurar las divinas coincidencias registradas en su deambular físico, mental y espiritual.

7:00 PM – Protagonistas tácitos (1era parte): Artesanía del movimiento (18 min)
Torvus – Dir. Paola Vela (2 min – 2007)
Dibujando Aves – Dir. Paola Vela (1 min – 2007)
The Knife of the Beholder – Dir. José Manuel Portugal “Lagutrop” (1 min – 2008)
Refundación – Dir. Eliana Otta ( 5 min – 2011)
Extra – Dir. Diego Vizcarra (9 min – 2012)

7:30 PM – Protagonistas tácitos (2da Parte): Zapatos ajenos (57 min)
En la balsa – Dir. Humberto Gutiérrez (9 min – 2012)
Días van – Dir. Jonatan Relayze (9 min – 2010)
Enaguaflor – Dir. Carolina Denegri (14 min – 2012)
A la merced de mi sombra – Dir. José Manuel Portugal “Lagutrop” (adelanto – 5 min – 2013)

Un sueño chino – Dir. Paola Vela (2 min – 2007)
Imagenotfound – Dir. J.D. Molero (18 min – 2013)

9:00 PM – Protagonistas tácitos (3era Parte): Imagen epistolar (51 min)
Correspondencia hacia la frontera 1 – Dir. José Fernández del Río (1 min – 2013)
Cable a tierra – Dir. Karina Cáceres (50 min – 2013)

Martes 7 de mayo
Omar Forero: Un paréntesis en la cotidianeidad
De manera sorpresiva el 2006 aparecería un cineasta norteño que pondría en jaque la idea que se tenía del cine regional en el Perú. Los actores surgió como un oasis en el norte peruano y propuso una alternativa de producción narrativa de muy bajo presupuesto alcanzando niveles verosímiles de intimidad antes escurridizos. El año pasado el cineasta llegó a realizar Chicama, una película financiada por el estado, y al mismo tiempo estrenó El ordenador, que seguiría la línea minimalista de Los actores. La obra de Omar Forero abarca cerca de quince años de actividad silenciosa buscando lo extraordinario en la cotidianeidad. Chicama se estrenará en salas comerciales en los próximos meses.

4:00 PM – Los actores (2006)
6:00 PM – El ordenador (2012)

8:00 PM – Cortometrajes de Omar Forero
Un paréntesis en la cotidianidad (1997)
La vida da vueltas (2000)
Intento (2004)
First Roll (2007)

9:00 PM – Conversatorio con Omar Forero

Miércoles 8 de mayo
“La procesión va por fuera”
Utilizarse a uno como materia prima, exponerse hasta volver de la vulnerabilidad una fortaleza, lavar los platos sucios en la vía pública. Este programa cuenta con filmes que bucean en los errores pasados, lo mundano del presente o lazos familiares sin resolver. Papapapá de Alex Rivera es una pequeña joya de un realizador nacido en Estados Unidos pero de padre peruano inmigrante. Una mezcla única de lo autobiográfico, el videoarte, la parodia y la ciencia ficción contemporánea. Por su parte, Rodrigo Otero retrata la vida y obra de su pariente, el joven poeta Javier Heraud, fallecido en los años 60, como quien redacta una carta privada y póstuma. Esta cercanía y subjetividad parece librar a Andún de cualquier forma de retrato tradicional por medio de la experimentación con el material de archivo y registros personales.

7:00 PM – La procesión va por fuera (1era Parte) (83 min)
Una mujer – Dir. Fabiola Sialer Cuevas (1 min – 2006)
El perdón – Dir. Omar Quezada (32 min – 2006)
Autoress – Dir. Maya Watanabe (2 min – 2005)
En el 93 – Dir. Carlos Benvenuto (48 min – 2011)

8:30 PM – La procesión va por fuera (2da Parte) (74 min)
Papapapá – Dir. Alex Rivera (26 min – 1997)

Andún – Dir. Rodrigo Otero (48 min – 2002)

Miércoles 15 de mayo
“No mentiré, sí crearé”
En las últimas décadas una parte del cine documental ha transformado su denominación virando hacia la no ficción; en busca de emanciparse de los preconceptos del documental y sus códigos estéticos manipuladores. En Perú durante la década de los 80, surge la figura de Gianfranco Annichini, uno de los cineastas más importantes que ha tenido el país y cuyo trabajo como montajista y camarógrafo benefició también a otros directores. Las películas de Annichini nunca pretendieron ser documentales ni ficciones, siempre se sintió cómodo habitando la frontera sin abstenerse de cualquier herramienta de ambos bandos. Así este tipo de cine tiene una afinidad por la menor visibilidad de intervención o presencia autoral, aunque sin esto significar una falta de interés artístico. Cineastas peruanos contemporáneos han hallado en este registro un espacio inexplorado por el cine nacional y están volviendo de éste vacío un fértil campo de creatividad.

6:00 PM – No mentiré, sí crearé (Primera parte – 48 min.)
María en el desierto – Dir. Gianfranco Annichini (13 min – 1981)
Radio Belén – Dir. Gianfranco Annichini (14 min – 1983)
El hombre solo – Dir. Gianfranco Annichini (11 min – 1983)
Una novia en Nueva York – Dir. Gianfranco Annichini (10 min – 1987)

7:00 PM – No mentiré, sí crearé (Segunda parte – 76 min)
Allin Kawsay – Dir. Nicole Cuglievan (adelanto – 2 min – 2014)
Ciudad Manjar – Dir. Mauricio Godoy (11 min – 2010)
Altares – Dir. Sofía Velazquez (20 min – 2009)
Avishka – Dir. Karina Cáceres (6 min – 2010)
La espera de Ryowa – Dir. Raúl del Busto (37 min – 2004)

8:30 PM – No mentiré (Tercera Parte – 60 min)
3 – Dir. Eduardo Quispe (60 min – 2010)

La película de 26 minutos de duración, dirigida por Alberto Nicho y producida por Frank Bezada y Miriam Guevara, se realizó en marzo y abril del 2012, como proyecto final de su carrera de Ciencias de la Comunicación, en la especialidad de Producción Audiovisual. “Cada uno de los alumnos debía llevar una propuesta, finalmente el tema de Julio Ramón Ribeyro lo elegimos porque era viable, apasionante y, sobre todo, porque significaba un gran reto”, nos cuentan los realizadores.

“Nosotros somos los productores generales, asimismo desarrollamos la investigación, el guión literario y técnico. Frank Bezada, además, se encargó de la musicalización. Con respecto al director, fue un compañero de aula, quien ahora no está abocado a la realización de materiales audiovisuales, por ello ha preferido mantenerse al margen de los proyectos que tenemos en mente y de la organización de este ciclo”.

El ciclo Ribeyro en el mes de las letras se realizará los días 6, 12, 19 y 27 de abril, fechas en las cuales se presentará este documental, junto con conversatorios a cargo de figuras de las letras peruanas. El estreno será el 6 de abril a las 5:30 p.m. en la sala Armando Robles Godoy, del Museo de la Nación.

Los realizadores nos siguen contando: “La experiencia de hacer este documental y el resultado final nos trajo muchas satisfacciones, además le tomamos mucho cariño a Julio Ramón porque pudimos adentrarnos más en su mundo. Por esta razón decidimos organizar este ciclo, hubiese sido lamentable que este material audiovisual se quede encerrado en la videoteca universitaria”.

“Por otro lado, y es importante mencionarlo, nos dimos cuenta de que en la universidad casi la mitad de nuestra aula no conocía a este escritor. Esto nos llamó la atención y nos preocupó, dijimos: si esto pasa en las universidades, cómo será en los colegios. Por ello el evento está diseñado para el público en general y el ingreso es libre, lo que buscamos es que más público pueda conocerlo”.

Extra: Arte Más Producciones, la productora de Frank Bezada y Miriam Guevara, que organiza este evento, trabajará próximamente proyectos similares sobre otros escritores peruanos, para lo cual contarán con el apoyo del Ministerio de Cultura y de la Casa de la Literatura Peruana, en cuanto a la protección y difusión de los materiales audiovisuales.

Yapas: Vean este segmento de Caídos del cielo (1990), de Francisco Lombardi, basado en el cuento “Los gallinazos sin plumas” de Ribeyro:

Tampoco se pierdan esta entrevista especial con Julio Ramón Ribeyro, en el programa “Presencia Cultural”:

Según vemos en el sitio web oficial del SFC, los dos cortos peruanos elegidos este año son Kay Pacha de Álvaro Sarmiento, y Las flores del mal de María José “Majo” Moreno.

Kay Pacha

Dirección: Álvaro Sarmiento | 15 min. | 2012
Intérpretes: Nino Mirones, Nancy Callañaupa, Maribel Valdéz.
Guión: Álvaro Sarmiento y Elizabeth Lino.
Productor Ejecutivo: Diego Sarmiento
Dirección de Fotografía: Henry Pilares y Sebastián Pavese
Producción de Campo: Milagros Cuba
Dirección de Arte: Natacha Vaugoyeau
Montaje: Diego Sarmiento
Sonido Directo: Álex Cruz
Música: Javier Rojas
Sitio web: hdperu.com

Sinopsis: Maribel y Carmencita son dos niñas indígenas que trabajan en la Plaza de Armas de Cusco, tomándose fotos con los turistas a cambio de una propina. El padre de Maribel no tiene un trabajo estable, lo que causa peleas con Inés, su esposa, y con el resto de su familia.

Filme ganador del Concurso de Cine Independiente 2012.

Las flores del mal

Dirección: María José Moreno | 13 min. | 2012
Intérpretes: Gabriela Velásquez, Víctor Prada
Guion: Marcela Cossios
Dirección de Fotografía: Rodo Arrascue
Música: Rafael Hernández
Edición: Antolín Prieto
Sonido: Carlos Sullón
Sitio web: /LasFloresDelMalPelicula

Sinopsis: Una mujer solitaria pierde una vez más la esperanza de encontrar el amor y decide inventar su realidad para ser feliz.

Filme ganador del Concurso Nacional de Cortometrajes 2012.

Dato: La edición 2012 del Short Film Corner tuvo 1945 cortometrajes provenientes de 88 países, entre ellos el corto Ready to Talk, con el peruano Carlos Ciurlizza. El 2011 participaron 4 cortos peruanos.

Este 27 de marzo se estrena en Buenos Aires el documental peruano Inkarri. 500 años de resistencia del espíritu Inca en el Perú, en el 3er Festival Internacional de Cine Político – FICIP.

“Inkarri”, la opera prima de José Huamán Turpo (1982), participa en la Sección Panorama Latino del festival argentino, que se lleva a cabo del del 21 al 27 de marzo. Este documental fue realizado el 2012 en Paucartambo, Cusco, con la ayuda de la Comunidad Indígena de Q’eros.

Inkarri. 500 años de resistencia del espíritu Inca en el Perú es el resultado de varios años de trabajo de su realizador José Huamán, en el que recoge manifestaciones de la cosmovisión, el pensamiento y las nociones esenciales del mundo andino; en su representación, la Comunidad Indígena de Q’eros, situada entre los Andes y la Amazonía del Cusco, cuyo depositario de ese entendimiento ideológico es Inkarri o “Pensamiento de vida”. Personaje mítico que encarna y preserva los valores y la sabiduría ancestral que son una interpretación original y valiosa del mundo andino y la forma de vivir en él.

La particularidad de este documental consiste en el hecho que son los propios indígenas Q’eros que han sugerido la forma en la cual éste se debería realizar, haciendo de él un medio al cual acceden, para hacer escuchar su voz y dar cuenta de su realidad que es parte integral del Perú, como una sociedad multicultural y multiétnico.

Inkarri. 500 años de resistencia del espíritu Inca en el Perú

Género: Documental
Duración: 83 minutos
Dirección: José Huamán Turpo
Producción: Andes Imagen Comunicaciones.

Una película que me ha gustado mucho y también me ha dejado marcando ocupado, como diría por ahí un querido amigo cinépata.

Adrián Du Bois y Víctor Prada, protagonistas de "El limpiador".

De vez en cuando, ver cine se vuelve una experiencia que excede lo meramente visto en la pantalla que tienes enfrente y se convierte en un suceso. Personal, grupal, social. Raras veces me ha pasado con una película peruana que terminas con un aire de incertidumbre y desolación. Han sido pocas veces, de las cuales felizmente tengo el recuerdo.

En El limpiador, una Lima atemporal sufre una rara epidemia que está diezmando a la población. Se multiplican los muertos y no hay indicios de encontrar pronto una cura. En el momento menos pensado, tu ser querido se desploma. Entonces aparece un anónimo limpiador, dependiente del Ministerio de Salud, que se encarga de desinfectar y dejar aséptico el lugar.

La ciudad se siente solitaria, lúgubre, desesperanzada. Una Lima callada. Una Lima improbable. Una tarde, ante una llamada, el limpiador llega a una casa para continuar su rutina. Unos ruidos se escuchan en un clóset. Lo abre y encuentra un niño. Vivo, que lo mira fijamente, con una suerte de curiosidad y resignación. El limpiador no sabe qué hacer.

Allí radica el punto neurálgico de la ópera prima de Adrián Saba, filmada cuando tenía 22 años, probablemente una de las películas nacionales más inquietantes y prometedoras que hayamos visto en un buen tiempo. En mi caso, ha funcionado como un impulso no solo racional sino emocional del cual nacen diversas lecturas e interpretaciones.

El limpiador se presenta como una distopía, donde nada parece cambiar y el mundo, atacado por la plaga inextinguible. En ese espacio donde el mal ha impuesto sus dominios, la personalidad de la gente ha perdido cualquier atisbo de humanidad. Los sobrevivientes siguen, sin más tesón que la certeza que quizás mañana ya no estén aquí o con mayor referente que el seguir vivos a pesar de lo desconocido.

Estos escenarios funcionan como un lento camino descendiente hacia lo ineluctable. Pero en el ambiente opresivo, sin embargo, la monótona y solitaria vida del protagonista (sobria y convincente interpretación de Víctor Prada), se ve invadida por la irrupción del niño (descubrimiento este de Adrián Du Bois) y también con un cambio de humores, como una confrontación con los sentimientos, como una dualidad que observa la desconfianza inicial, pero al mismo tiempo se deja llevar por los terrenos de la amistad y de la paternidad virtual.

En ese sentido, la pareja que se conforma acá es fundamental. Nada es raro, porque en un mundo desesperado, lo raro es quizás la forma más sonora de afirmar que estás vivo. La búsqueda de los familiares del niño pone al limpiador a cuestionar su propia soledad. Todo debe operar del modo inevitable, pero en el fondo algo ha cambiado. El final de la película, uno de los mejores que he visto en el cine peruano, es prueba de ello.

La película de Saba, como leí por ahí, es la mejor demostración que lo chico, eventualmente, puede tornarse grande. Una película personal, con mínimo presupuesto, termina convirtiéndose en nuestra película, termina volviéndose entrañable. Sin ningún disfuerzo, con errores mínimos (es cierto, creo básicamente por algunos cálculos que se deciden en vez de tomarse riesgos), pero al mismo tiempo con una textura donde se siente oficio, pasión, ganas de crear y creer en el público y en sus personajes.

El limpiador nos demuestra que el cine sigue estando vigente por esas historias entrañables, filmadas con entusiasmo y talento. Recomendable.

El limpiador. Dir. Adrián Saba | Perú | 95 min. | 2012
Intérpretes: Víctor Prada, Adrián Du Bois

Productora: Carolina Denegri
Director de Fotografía: César Fe
Director de Arte: Aaron Rojas
1er Asistente de Cámara: Iván Perleche
2do Asistente de Cámara: José Rivas
Data Manager: Arturo Ludeña
Gaffer: Wilder Ludeña
Sonido directo: Percy Soto
Editor: Justin Beach
Asistente de Producción: Katy Muñoz
Asistentes de Arte: Jazmín Malpartida, Débora Silva-Arrieta

Un nuevo documental experimental se presentará esta semana en Arequipa. Cable a tierra, de Karina Cáceres Pacheco, forma parte de la “Muestra de nuevo cine arequipeño” que se viene realizando por estos días en la Ciudad Blanca.

La película se presenta el viernes 22 de marzo, a las 7:00 p.m. en el Teatro del Centro Cultural Peruano Norteamericano. La función empieza con la proyección del cortometraje Sueños inducidos (2012), de Pierre Pastor.

Sinopsis: Cable a tierra es un viaje autobiográfico a través de imágenes, sonidos y textos evocando recuerdos que nos transmiten pensamientos y emociones que se presentan y permanecen a lo largo de la vida.

A manera de introducción pueden ver el cortometraje del mismo nombre, que sirvió de base para el mediometraje:

La realizadora Karina Cáceres (Arequipa, 1984) nos comenta sobre su nueva película y su experiencia en otros proyectos cinematográficos: “Estudié dirección de cine en la EICTV en Cuba. Regresé de Cuba a finales del 2009 y como no tenía ni el equipo técnico ni humano a la mano para hacer los cortos de la misma manera que los hacía en Cuba, empecé a grabar por mi cuenta, fragmentos de viajes, cosas que me iban llamando la atención. De ahí salen los cortometrajes Avishka, Cable a tierra y Ola nube“.

Karina Cáceres ha dirigido una decena de cortometrajes, también ha trabajado recientemente en el rodaje de Encadenados, de Miguel Barreda, ahí se encargó de la dirección de arte. El 2005 trabajó como Asistente de producción en La prueba de Judith Vélez.

Participó también como Asistente de dirección en el corto “El batuteador” de Silvana Aguirre, uno de los ganadores del Concurso Dicine 2012.

En el 2012 funda en Arequipa el Okupas Colectivo Audiovisual, donde actualmente trabaja conjuntamente con sus socios proyectos audiovisuales de ficción, documental, y gestiona actividades culturales como festivales de cine (Festival de Cine Lima Independiente 2012: sede Arequipa y ArequipaCC2012 Creative Commons), talleres y cineclub.

Cable a tierra

Ficha técnica
Guión, producción y edición: Karina Cáceres
Género: Documental experimental
Duración: 50 minutos (aprox)
Formatos: HD, SD, MiniDV.
Año: 2013

Trivia: Taxi Driver se estrenó en Lima en 1977. Ocupó el puesto 7 en el ránking de los mejores estrenos de aquel año de la revista “Hablemos de Cine”. La versión para televisión que se vió en Perú (en las recordadas trasnoches de “Última Función” de Frecuencia Latina) tenía un aviso al final “advirtiendo” a los televidentes a no imitar la ambigua conducta de Travis.

Taxi Driver

Puede que Scorsese tenga una naturaleza expresionista; su infancia de asmático, postrado en la cama en un hogar siciliano-americano de Little Italy, hizo de él un adicto a las películas violentas y emocionantes que veía. Física e intelectualmente, es un demonio de la velocidad, un derviche. Incluso en Alicia ya no vive aquí, hallaba buenas razones para colocar momentos de frenesí, de vértigo. Pero Scorsese es también el más carnal de los realizadores -el movimiento le conduce al éxtasis- y este es un rasgo que no expresaba en Alicia.

Esta nueva película le brinda la ocasión de recurrir al uso expresionista de Nueva York, que le había sido negado para Malas calles, situada en Nueva York pero filmada en California del Sur, con un presupuesto ridículo y sólo siete días de rodaje en el mismo Nueva York. El expresionismo de Scorsese no tiene nada que ver con los decorados paroxísticos de los cineastas alemanes; rueda en exteriores, pero lleva la discordancia entre los elementos hasta su límite y el director de fotografía, Michael Chapman, otorga a la vida de las calles una textura chillona, sórdida y compleja.

Cuando Sport (Harvey Keitel), uno de los proxenetas, provoca a Travis, el rufián parece tener tanta prisa para pasar a la acción que no logra estarse quieto; el pataleo rítmico del chulo contrasta de un modo inquietante con la inmovilidad atónita de Travis. En una escena cono esa, Scorsese alcanza una calidad rayana al trance; toda la película está recorrida por el vértigo.

Su Nueva York encaja en la gran ciudad de las películas de cine negro que alimentaron su imaginación, pero en un estado de descomposición más avanzado. Este Nueva York es un enemigo voluptuoso. Los vapores de las calles se hacen fantasmagóricos; Sport, el rufián, le hace la corte a su puta infantil (Jodie Foster) y la envuelve en una danza hipnótica; los cines porno se convierten en cámaras funerarias; el atasco de la circulación es macabro. Y este infierno está en movimiento constante.

Se dice de algunos actores que son recipientes vacíos que se llenan de las interpretaciones que se les adjudican, pero no parece ser lo que aquí ocurre con Robert De Niro. Ha optado por el camino contrario. Ha utilizado el vacío que tiene en él, ha ido en busca de su propia anomia. Este tipo de zambullidas sólo era capaz de hacerlas Brando, y la interpretación de De Niro tiene algo de la intensidad de inmediata de la que Brando hacía gala en El último tango en París.

A su manera esta película también tiene un aura de erotismo. Prácticamente no hay sexo, pero la ausencia de sexo puede perturbar tanto como el sexo. Y eso es de lo que se trata: la ausencia de sexo, de la energía y de la emoción que se acumulan para liberarse en una erupción sangrienta. El hecho de que compartamos con Travis la sensación visceral de que es necesaria una explosión, y que esa misma explosión adquiera la categoría de consumación, hace de Taxi Driver una de las pocas películas de terror realmente modernas.

(Extraído de Martin Scorsese de Thomas Sotinel. Cahiers du cinemá. España, 2007, pág. 30).

La película, un mediometraje de 53 minutos de duración, se basa en el relato “El suelo de Arequipa convertido en cielo” (Parte primera), del Dr. Don Ventura Trabada, una historia que data de 1750.

Sinopsis: En una ciudad que se encuentra aislada en medio de un gran desierto, los habitantes no pueden exponerse a la luz del sol porque morirían irremediablemente, realizando todas sus actividades de noche. Para mantener el orden social, los criminales son enviados a un fiscal que determina si serán ejecutados o no. Con un plan para escapar secuestrando al fiscal, Alicia busca el apoyo de un grupo de rebeldes planean evitar la próxima ejecución. El próximo en ser ejecutado es Aurelio, un joven que fue encontrado culpable de robo y homicidio. El grupo liderado por la periodista evita la ejecución y ayuda a Aurelio a huir hacia el desierto, pero el fiscal en su afán de hacer justicia, va tras él, iniciándose una persecución por el desierto hasta el amanecer.

La directora Cecilia Cerdeña nos cuenta algo más sobre ella y su trabajo: “Soy arequipeña, no tengo estudios formales en alguna área de la producción audiovisual. Metanoia es el fruto de un esfuerzo conjunto durante dos años y estoy bastante satisfecha con el resultado. Agradezco a toda la gente que me ayudó desinteresadamente. En realidad no hubo presupuesto, todos los equipos fueron prestados. Ninguno de los actores y muy pocos del equipo técnico tenía experiencia previa en rodajes”.

Cecilia Cerdeña ha realizado anteriormente 6 cortometrajes de ficción, y varias piezas de videoarte y videos musicales.

Esta película experimental se ha creado bajo la licencia Creative Commons, y toda la música utilizada en el filme está también bajo esa licencia (la mayoría pertenecen a músicos electrónicos arequipeños). La directora espera poder distribuir libremente su película por internet en los próximos días.

Metanoia se presenta el miércoles 20 de marzo, como parte de una Muestra de nuevo cine arequipeño, organizado por el Cineclub David W. Griffith del Centro Cultural Peruano Norteamericano. La función empieza a las 7:00 p.m., con la proyección del cortometraje Sueños inducidos (2012), de Pierre Pastor.

Vean el evento de la muestra en Facebook.

Metanoia

Ficha técnica
Produccion General, Guión y Dirección: Cecilia Cerdeña
Luces y cámaras: Freddy Chipana, Pierre Pastor, Leandro Pinto
Asistente de Cámara: Johan Carrasco
Asistente de luces: Christian Maldonado
Direccion de Arte: Frank Abugattas
Asistente de Arte: Mauricio Herrera
Produccion de campo: Frank Abugattas, Jimena Valdivia
Asistentes de producción: Mauricio Herrera, Laura Zolezzi
Sonido directo: Christian Maldonado, Anita Salinas
Edición: Robins Meza
Efectos visuales: Jorge Zárate
Edición de sonido: Marco Valdivia
Vestuario: Frank Abugattas, Mauricio Herrera
Maquillaje: Maggy Coaguila, Jimena Valdivia
Musicalización: Vera Gutz.

Ficha artística
Andrea Rodriguez: Alicia
Martin Sanchez: Aurelio
Jorge Luis Fernandez: Fiscal
Nan Carp: Sra. Tauqui
Kazan Ocampo: Oscar Chañe
Victor Miranda: Viejo
Milagros Valdivia: Isabel

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“El suelo de Arequipa convertido en cielo” (Parte primera)
Dr. Don Ventura Trabada (1750)

Hubo en esta ciudad un caballero nombrado Don Juan de Cárdenas de conocida nobleza, casado con Doña María Orihuela y Solís; sus costumbres eran relajadas, su ánimo grande y los descargos de su vida muchos. Hiciéronle alcalde ordinario de esta ciudad en cuyo tiempo hizo un negro un delito capital, prendiólo, hizole causas y lo sentenció a muerte. El día que sacaban a ahorcar al negro a la plaza pública, le dio gana a este caballero de irse a su granja que la tenía en el pago del palomar y al pasar por una calle distante dos cuadras de la Iglesia Mayor, al llegar a la esquina inferior de la Casa de los Roseles, oyó un grande ruido en la Plaza, preguntó la causa y respondiéronle que quitaban al reo y que iba ya ganado al Sagrado de la Iglesia mayor adonde lo llevaban, picó el caballo y dando una violenta carrera, salvó las gradas del cementerio y por el patio a la Puerta de la Iglesia mayor que corresponde a la Plaza, a donde entre numeroso tumulto de gente y sacerdotes mezclados, en el llevaban al reo a la Iglesia. Sacó este caballero la espada y oponiéndose, montado en el caballo a aquel copioso concurso, hiriendo a unos y entre ellos casualmente a un sacerdote, y amenazando a otros, despejó toda la gente y quitó al reo. Mándole llevar al suplicio que estaba inmediato (donde volviéndose a confesar largamente el reo) no se apartó hasta dejar ejecutada la sentencia, y luego que sintió que el ajusticiado estaba muerto, volvió a continuar su viaje a su mencionada granja.

A la siguiente noche salió a rondar a deshoras, como acostumbraba, montado en su caballo con un criado a las ancas, y al pasar por la esquina del Monasterio de Santa Catalina de Sena, divisó un bulto en ella, acercóse a el y preguntando quien iba a la Justicia, nada respondió el bulto por más que repitió las preguntas. Y siéndole preciso mantenerse a caballo por si el bulto corriese, mandó al criado, que desmontando lo reconociese, hizolo así y al llegar a reconocerlo cayó desmayado, viendo esto el caballero, desmontó ligero, y arracando la espada se llegó a el requiriéndole que lo mataría sino respondía ahora. A esto le habló el bulto, y le dijo, que era la Alma del Negro a quien el día antecedente había quitado de manos de los que lo libraban, y hecho ahorcar. A esto le replicó el caballero diciendo, pues, acaso te hice injusticia, no confesaste el delito, no hice todo lo que tocaba a mi cargo. Respondió la Alma del Negro así fue, y en el hecho hiciste un acto heroico de justicia, y te vengo a dar noticia de que habiendo ido hasta la horca sin verdadero dolor de mis culpas por la esperanza que me dieron de librarme del suplicio, desde aquel instante, que me quitaste de manos de aquellos que juzgando, que hacían el mayor bien de darme la vida me hacían el mayor mal de quitarme la Eterna, me dio Dios tal contricción, y dolor de mis pecados, que muriendo más a efectos de mi contricción, que a violencia del dogal, desde la misma horca fui a gozar por eternidades la Gloria de ver su divina Hermosura, y por ser tú tan principal medio de mi Bienaventuranza, vengo con licencia del Altísimo a darte las gracias y a corresponderte igualmente con la noticia de que estas en estado de eterna condenación por tu relajada vida, sino te enmiendas y arrepientes. Tiempo largo te da Dios, vuelve a tu casa y bajo de tal carpeta hallarás escritos todos tus pecados, confiésalos arrepentido y persevera firme el cumplimiento de los Preceptos divinos para que alabemos juntos por eternidades de gloria al Altísimo: El te guarde y a Dios. Dijo y se desapareció, dejando a Don Juan de Cárdenas confuso pero no cobarde.

Alentóse el caballero y poniendo sobre el caballo al criado, que todavía permanecía desmayado, se condujo a su casa que no estaba distante, tocó la puerta, entró, pretextó diversos motivos del desmayo del criado, confortaronlo y volvió a su acuerdo. Lo primero que buscó fue el memorial de sus culpas, hallolo en el señalado lugar y leyó en aquella memoria los más mínimos ápices de sus pecados. Pasó aquella noche su confusión entre disimulos para no dar a sentir a su esposa sus cuidados. Rayó la primera luz, y ya estaba este caballero esperando a las puertas de la Iglesia de la Compañía de Jesucristo, abrir las del Cielo con la llave de oro de la Penitencia.

La directora Lorena Best Urday (Lima, 1972) se encuentra en pleno proceso de postproducción de su primer largometraje, el documental A punto de despegar.

La película cuenta la historia de los habitantes de un peculiar lugar en plena ciudad: la ex Hacienda “San Agustín”, un poblado ubicado detrás del aeropuerto internacional Jorge Chávez.

Mientras continúa trabajando en la película, que esperar terminar dentro de un año, la directora nos envía algunas notas y apuntes personales, respecto a la realización de su documental, y los días finales del ex Fundo que lograron registrar:

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¿Se imaginan vivir en un lugar escuchando incesantemente el ruido de los aviones? ¿Se imaginan hacer tu vida y escuchar año tras año que un día “San Agustín” se acabará y todos se tendrán que ir? La gente de “San Agustín” pensaba que eso nunca sucedería, pero sucedió. Entre noviembre del 2012 y febrero del 2013 este pueblo se terminó. Donde hubo vida ya nada queda. Aparentemente nada, solo vive allí un agricultor japonés rodeado de sus campos verdes, viendo los aviones despegar.

Toda esta historia ha sucedido a espaldas del aeropuerto Jorge Chávez. Por los medios supimos que el Ministerio de Transportes ya había expropiado las tierras y que pronto se iniciará la construcción de la nueva pista del aeropuerto. Sin embargo, nunca se habló de la vida de este pueblo que tenía una tradición de más de 100 años. Ahora queremos contar su historia, como ellos nos la han contado.

Una joven le cuenta a su pequeño hijo sobre la vida en medio de las chacras antes de que todo se acabe; las señoras del comedor popular se alistan para preparar la última carapulcra; el dueño de la bodega más antigua se despide de sus clientes al son de guarachas y boleros; la antigua profesora, última habitante de la vieja casa hacienda, recuerda la época del presidente Prado mientras la gran casa se cierra para siempre; un agricultor de origen japonés le ha hecho un juicio al Estado y resiste cultivando sus campos. Mientras todo esto sucede, los aviones no paran de despegar.

Sobre el documental “A punto de despegar”

Esta es la historia de una ciudad que se transforma y como las personas solo tienen el poder de su memoria para enfrentar con dignidad la modernidad. Nos interesa usar un lenguaje audiovisual y una narrativa que transmita la antigüedad de este lugar y su forma de vida tradicional. El audio es fundamental para la narrativa, pues se trata de un ambiente de silencios y sonidos del campo junto al despegar permanente de los aviones.

La historia comienza como un cuento: llegamos a un pueblo rural, nos reciben dos inmensos cedros, una pequeña iglesia y una gran casa de la ex hacienda. Mientras, escuchamos en off la voz de uno de los personajes que nos cuenta el mito de origen de este lugar.

Parece un lugar detenido en el tiempo. La cámara es contemplativa y recorremos este espacio, mientras escuchamos las voces de las personas que allí viven. Vamos conociendo a nuestros personajes: las señoras del comedor popular, una joven madre que además es narradora de historias, el dueño de la bodega más antigua, la vieja profesora que ha vivido siempre en la gran casa hacienda en ruinas y, fuera del pueblo, un agricultor japonés que le ha hecho un juicio al Estado peruano por la propiedad de sus tierras.

La cámara ingresa a la intimidad de las casas y al cotidiano de los personajes. Vemos que sus casas están impregnadas de memorias y nos cuentan sobre su vida en este lugar que ellos sienten especial y único en Lima, mientras escuchamos todo el tiempo los aviones. Hay un giro en la historia: vemos que están demoliendo algunas casas, así nos enteramos del desalojo de esta población y la lucha de los personajes por su dignidad y por recibir una vivienda.

En este momento las secuencias que muestran la intimidad de los sentimientos de los personajes al saber que dejarán su pueblo son fundamentales. Finalmente, el Estado peruano ofrece viviendas a cambio de que desalojen el lugar. Los personajes se resignan y se despiden. Su último recurso es tratar de que San Agustín no quede en el olvido y cuentan sus historias. Filmamos las despedidas y mudanzas, luego el pueblo queda totalmente vacío y las casas son demolidas. Aparentemente no queda nadie. Sin embargo vemos el último campo verde, es del japonés que resiste, no deja su casa y sigue cultivando sus hortalizas. Todos se han ido, sólo queda él y su esperanza.

Entrevista con la directora:

Lorena, ¿cómo te encontraste con esta historia, con este pueblo tan particular dentro de Lima?
Conocí San Agustín en el 2002 por mi hermana Kristel, quien junto a sus compañeros de la Univ. San Marcos se encontraba recopilando la historia oral de este lugar. Llegué con Kristel un día de invierno a tomar fotos y no dejé de ir. Un pueblo, las chacras, negros, cholos, amazónicos, japoneses, ¡viviendo juntos!, dos árboles enormes llamados chilenos, una casa hacienda en pie… creo que son motivos que te hacen quedarte.

¿Cuánto tiempo vienen trabajando en esta producción?
El proyecto empezó en marzo del 2011 en Tepoztlán-México, gracias a Alejandra Islas, promotora de Iberdoc. En marzo del 2012 empecé a filmar sola en San Agustín, una vez por semana. En diciembre del 2012 hasta febrero del 2013 se sumaron Robinson Díaz y Seiji Shimabukuro y nos mudamos a San Agustín. Fueron los meses más intensos.

Ahora he comenzado la selección de material, la reescritura del guión y a mandar el proyecto a todos los concursos, talleres, etc. Espero tener listo el documental en un año más. Le tengo fe para conseguir los fondos.

¿Qué cambios sufrió la historia tal como la tenían planteada una vez que realizaron el registro principal en La Hacienda?
Registramos con una estructura y una propuesta de tratamiento de imagen y sonido. Los cambios se han dado con la realidad, con el día a día, con vivir en el lugar. Cambio de personajes, redescubrimiento de los espacios, buscar dialogar con los sucesos, prohibiciones, etc.
Ya no queda nadie en San Agustín, no existe, solo está Alejandro Higa solo en su casa, con sus chacras.

¿Cómo están financiando el documental?
Lo he financiado todo yo, con mi trabajo. Tengo muchas deudas, principalmente con el equipo. El presupuesto total del documental es de US$60,000 aproximadamente. Sin embargo, en esta nueva etapa sí se requiere de más dinero.

Cuéntanos algo más de ti, ¿cuál es tu formación académica? ¿cuál es tu experiencia previa en el audiovisual?
He vivido buena parte de mi vida en Brasil, donde he realizado todos mis estudios. Soy comunicadora social por la Universidad Federal de Río de Janeiro y tengo un Master en Memoria Social. Trabajo durante años como educadora artística en gestión e implementación de proyectos en educación artística con énfasis en los audiovisuales y las artes visuales.

He realizado anteriormente videos, en Río participé de un documental en el 2006, sobre la escuela de samba de la favela de la Maré: Mataram meu gato. Soy documentalista de oficio. Hace años hago fotografías, escribo historias y las cuento (pues también soy narradora oral), veo mucho cine, persigo documentales, leo literatura, converso, pregunto, escucho, cuento y viajo (y a veces me quedo en los lugares donde viajo).

Sin embargo, San Agustín y las ganas de contar esta historia siempre me han hecho regresar al Perú.

Lorena Best, directora de "A punto de despegar".

A punto de despegar

Ficha técnica

Año de producción: 2012-2013
Dirección: Lorena Best Urday
Productora: Ina Mayushin, La Churunga Films
Cámara: Robinson Díaz
Sonido: Seiji Shimabukuro
Textos en inglés: Stephanie Graeter

Bonus: Vean más clips de la película en el canal de YouTube de la directora.
Visiten también un blog sobre el documental, y su página en Facebook.

(Fotos: Igor Alfaro, Elie Gardner, Óscar Durand, Seiji Shimabukuro).

El mudo, de Daniel y Diego Vega.

Además de “El mudo” y “Climas”, las dos películas peruanas que han sido seleccionadas para Cine en Construcción, premio que se entrega en el marco de este festival, también participará el premiado filme Paraíso (2009). La ópera prima de Héctor Gálvez se presentará en la sección Migraciones.

Actualización [23 marzo]: Como resultado de la competencia dos peruanos fueron premiados: Climas de Enrica Pérez ganó el Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos, en Cine en Construcción.
Además, el nuevo proyecto de Adrián Saba, Donde sueñan los salvajes, fue ganador del Premio Brlab en la sección Cine en Desarrollo.

Asimismo, el mediometraje documental La voz de las semillas (2011) de Rodrigo Otero Heraud, se presentará en la sección Panorama Documental.
Recordemos que Otero fue uno de los ganadores del Concurso Documental Dicine 2012, con su proyecto “Los hijos del mar”.

También en Panorama Documental se presentará La huella (L’empreinte, 2012), de Tatiana Fuentes Sadowski. En esta producción francesa, la realizadora peruana, a partir de archivos fotográficos que atestiguan años de violencia política en Perú, teje una narración analítica donde se mezclan la memoria del artista y la de José Pablo Baraybar, jefe del equipo peruano de medicina legista.

La huella, de Tatiana Fuentes Sadowski

 
Por otro lado, el cortometraje documental Puñuy Wambra (2008) de Renzo Zanelli, será parte de la sección Panorama de Asociaciones.

La película cuenta la historia de un cargador andino que es contratado por unos montañistas. Pronto descubre que sus clientes están ahí para explotar la montaña en busca de oro, el espíritu de sus antepasados ​​entonces lo guiará en su acción. Basado en hechos reales sucedidos en Perú y Chile, por parte de la minera Barrick Gold.

Renzo Zanelli es además el director del largometraje El perro del hortelano (2009). Pueden ver “Puñuy Wambra” a continuación:

En el festival francés también se podrá ver el corto Detrás del espejo (2012) de Julio O. Ramos, que participará en la sección Panorama Cortometraje.

Por último, también estará en Toulouse el cineasta limeño Adrián Saba, con su nuevo proyecto en desarrollo, cuyo título provisional es Donde sueñan los salvajes. Este proyecto estará participando en la sección Cine en Desarrollo, un espacio de encuentro donde diversos proyectos son presentados por primera vez, en búsqueda de un primer contacto con algún futuro coproductor europeo.

Este proyecto de Saba es el que está desarrollando actualmente en la prestigiosa Residencia del Festival de Cannes, en París.

Sinopsis: Sebastián, un chico solitario de 18 años que vive en Lima, luchará por dejar el mundo de las pandillas en el que se encuentra y su única esperanza parece ser una chica, Emilia.

Entre los seleccionados destacamos las dos películas peruanas: Climas, la ópera prima de Enrica Pérez; y El mudo, el esperadísimo segundo filme de los hermanos Diego y Daniel Vega, directores de “Octubre”.

Cine en Construcción es el programa de ayudas al cine latinoamericano que, en convocatoria bianual, llevan a cabo el Festival de San Sebastián y los Rencontres Cinémas d’Amérique Latine de Toulouse. Este premio ayuda a los cineastas ganadores a concretar el proceso final de postproducción y distribución de sus películas.

Climas

Dir. Enrica Pérez | Perú

Sinopsis: Tres mujeres de diferentes edades y orígenes viven en tres regiones del Perú. Eva es una niña que despierta a su sexualidad rodeada por el clima tropical de la Amazonia. Victoria es una limeña adinerada con un trágico secreto que hace que su vida sea fría y gris como la ciudad en la que habita. Zoraida es una anciana de una comunidad andina que recibe a su hijo tras una larga ausencia. Tres regiones, tres mujeres, tres historias condicionadas por las diferentes geografías, sociedades y climas de un mismo país fragmentado.

El mudo

Dir. Daniel y Diego Vega | Perú, Francia, México

Sinopsis: Algunos acontecimientos inesperados en la vida de Constantino Zegarra, un juez peruano, lo llevan a pensar que están buscando eliminarlo. Su película Octubre participó en Horizontes Latinos en 2010.

Los otros filmes en competencia en Cine en Construcción 23 son “De Menor” de Caru Alves de Souza (Brasil), “Pelo malo” de Mariana Rondón (Venezuela), “Somos Mari Pepa” de Samuel Kishi Leopo (México) y “El verano de los peces voladores” de Marcela Said (Chile, Francia).

- Lean la nota sobre Cine en Construcción en la revista Variety.

Se otorgarán los siguientes premios y/o ayudas:

• Premio Cine en Construcción Toulouse consistente en la prestación de servicios de post-producción, servicios e iniciativas de promoción de la película ganadora y una beca para su finalización por parte de las siguientes empresas asociadas: CNC (Centre National du Cinéma et de l ’Image Animée), Mactari, Titra TVS, Eaux Vives, Commune Image, Firefly y CCAS (Caisse Centrale d’Activités Sociales du Personnel des Industries Electriques et Gazieres).
• Premio Especial CINE + en Construcción otorgado por el canal de televisión CINÉ +, que garantiza la compra de la película ganadora por parte del canal por un valor de 15.000 euros y su difusión televisiva después de su estreno comercial en Francia.
• Premio de los Distribuidores y Exhibidores Europeos por el que Europa Distribution se compromete a promocionar la película premiada entre su red de 125 miembros y en particular entre los 40 distribuidores europeos miembros del proyecto Europa Distribution International (EDI). Así mismo, CICAE (Confédération Internationale des Cinémas d’Art et Essai) contribuye a la difusión de la película premiada con información sobre la misma a las 2.000 salas de cine miembros de la CICAE.

Trivia: El 2009 otros dos filmes peruanos también compitieron en Cine en Construcción, fueron “Paraíso” y “Contracorriente”. Ese año el premio lo ganó la mexicana “Perpetuum Mobile”.

Salas llenas en Punto de Vista. © txisti.com.

El encanto del misterio. De no saber hacia dónde estás yendo. De no saber qué es lo que estás viendo. Como un pequeño niño que entra por primera vez a un colegio, guiado de la mano por un cura amable y sonriente que te susurra ¿te gusta tu habitación?, ¿te gusta este salón de juegos?, ¿ya tienes ganas de empezar a estudiar?

Estás en el Monasterio del Escorial, Valle de los Caídos. Los niños terminan la clase y salen a jugar al fútbol bajo la sombra del monumento creado por el dictador Franco. Hechizante y magnífica cruz bajo la cual yacen 35 mil muertos de la Guerra Civil Española. Termina el recreo, regreso a clase y a las preguntas susurrantes ¿ustedes creen en el calentamiento global?, ¿acaso no hemos pasado días de mucho frío hace poco? ¿a quién van a creer, a la religión o a la ciencia? Somos testigos de la perpetuación del horror. Pienso en el preciosismo estético del mejor Reygadas envuelto en una enigmática crónica de lo monstruoso (no tengo otro término para hablar de la iglesia más retrógrada), All’ombra della croce es una película sensual e indignante por igual. Al Top Ten del año.

A ll'ombra della croce, de Alessandro Pugno (Italia, 2012)

Los amigos de antes como pozos sin aire. Los amigos de antes: los extraños de hoy ¿Qué ha ocurrido con nuestras vidas? El choque entre infancia y madurez nunca deja de ser terrible. Las miradas que antaño resultaban cómplices ahora lanzan desconfianza, e incluso hostilidad. Las miradas de aquellos que quedan, claro. Porque otros ya se han matado. Y otros simplemente se han largado o nadie sabe -o nadie quiere decir- por dónde están. Qué fue de los otros. En su película Eisenzeit/Ironage, el cineasta Thomas Heise regresa a Eisenhüttenstadt para ver qué fue de ese lugar que aspiraba a ser la “primera ciudad modelo del socialismo”. Ilusiones monumentales que han terminado en espacios abandonados, oxidados. Pero lo doloroso no es el cemento sino las miradas de los que quedan. Padres que transpiran soledad. Hijos derrotados de antemano. Pienso en la Alemania de hoy y en sus cicatrices maquilladas. Hemos puesto demasiada confianza en estructuras tan frágiles.

Eisenzeit/Ironage, de Thomas Heise (Alemania, 1991).

El cine del futuro ya está grabado. Son esas imágenes que día a día se crean y se acumulan sin supervisión. Pueden ser las grabaciones de las cámaras de seguridad de tiendas y subterráneos que nadie nunca revisará. Pueden ser innumerables minutos de reportajes hallados en alguna emisora local de TV en Sicilia. Material en bruto, colmado de planos erráticos y tomas de apoyo que sólo sirven para rellenar los noticieros. Trozos de vida en el limbo audiovisual, hasta que vienen tres jóvenes italianos a hacer arqueología de la imagen. Ellos recuperan esos archivos televisivos y las cambian de status. Las imágenes erráticas del pasado ahora son una prueba de vida hermosa y dolorosa. Un mito antropológico televisivo puede darnos más lecturas sobre todo un país que cuatro volúmenes de historia. Una nación que palpita en su cotidianidad, llena de temores, reclamos, evasiones y bailes. Una nación que en 20 años no ha cambiado. Pienso en revisar un día los archivos de grandes televisoras peruanas. Revisar el material de nuestras ciudades en los años 80s, 90s. Serían otros los peinados, pero no los problemas.

Un mito antropológico televisivo, de Maria Helene Bertino, Dario Castelli y Alessandro Gagliardo (Italia, 2011)

Un barrio popular. Una cámara lista. Un cartel en medio de la calle que dice: “Si tienes una canción especial en tu vida, cántala a la cámara”. Cientos de brasileños se apuntan. Lógico. Latinoamérica es un continente que instintivamente dirige su vista al pasado. La nostalgia es parte de nuestro ADN, por lo que a veces nos convierte en soñadores melancólicos o en afligidos subnormales, según el cristal con que nos miren. De los cientos voluntariosos, dieciocho son elegidos para sentarse frente a Eduardo Coutinho y cantar a capella. As canções hace un hermoso repaso de la música más cercana al alma. Señores y señoras vuelven a ser por unos instantes los amantes, las novias, los despechados, las prometidas de antaño. Y recuerdan. Y se quiebran. Una canción de Chico Buarque o de Roberto Carlos como ancla del pasado, como punto de partida para ver lo que ha sido la vida desde entonces. Porque el oído llega a regiones subconscientes que la vista no alcanzará jamás. La sencillez formal de Coutinho (una silla, un telón negro al fondo) amplifica lo sensorial de su película. Es el humanismo habitual de Coutinho frente a sus vecinos y conciudadanos. Pienso en las risas y llantos de este film. Pienso en las personas que van como evasión de la realidad, personas que van al cine para huir de la vida, y no para encontrarla.

As canções, de Eduardo Coutinho (Brasil, 2011).

Qué importante que es el cine de José Luis Berzosa. Para España y para el mundo. Tiene que serlo, pues es un hombre que desde el exilio ha lidiado con su herencia española a través de la inteligencia y la ironía. No, no es ironía, porque la ironía se acerca más al cinismo mientras que lo de Berzosa es un espíritu travieso y malcriado, pero a la vez muy comprometido. Si a eso añadimos un refinamiento sorprendente, tenemos a un cineasta que hace una película sobre el gran Cid Campeador, símbolo máximo de los valores españoles (ensalzado por el régimen franquista), y asistimos al maravilloso momento en que Berzosa nos muestra uno de los huesos sagrados de tan noble personaje, justo antes de arrojarlo a una calle cualquiera para que un mendigo y un perro se lo peleen. Con el encanto que emana de su aparente ingenuidad, este terrorista de la cultura muerta logra colarse a instituciones sagradas para mostrar el absurdo de militares, políticos, artistas y religiosos. Y no sólo lo hace en España. Pienso en esta película, Berzosa sienta a Pinochet y a su mujer frente a la cámara. El cineasta pregunta a la mujer: ¿Y su marido qué defectos tiene? La esposa responde: Bueno, pues es un poquito dominante. Soberbio.

José Luis Berzosa presentado por el historiador y crítico Luis E. Parés. © txisti.com.

La revolución más dramática no ocurre en grandes plazas sino en la junta nocturna de vecinos de un desconocido pueblo americano. Esta pequeña comunidad ve cómo a su alrededor todo se distorsiona bruscamente debido a la llegada de una megacorporación. WalMart. La compañía más querida. El segundo hogar de América. Los vecinos discuten sobre las ventajas y desventajas de tener al monstruo en casa y de permitirle una expansión. Save money, live better es el slogan de Walmart, y a ello apelan sus defensores: hay más trabajo, hay más donaciones, hay más “bienestar”. No entienden a esos que hablan de contaminación, de animales en extinción, del desajuste en precios, de las bancarrotas que caen sobre los pequeños negocios. Emociones que tienen su propio tiempo, su propia respiración, mientras contemplamos el ejercicio máximo de la democracia: un ciudadano, una voz. O un eco de voz, porque en realidad esta es una reconstrucción. El director halló la transcripción textual de la audiencia y la recrea minuciosamente. Personas reclamando por sus hogares, sus caminos, sus alimentos. Desencuentros en blanco y negro con aire de farsa por instantes. Pienso en indígenas awajún de la selva peruana, en los comuneros de Conga, Cajamarca. ¿Cuál es la diferencia? No hay. El siglo XXI como época final de estos conflictos. Final, para mal. Porque no se puede vencer en esta batalla, pienso. Ni Walmart ni ninguna otra corporación serán golpeadas jamás por un grupo de vecinos. Sólo hay derrota al frente. Lo único humano que queda es registrar/reconstruir esas voces que dicen No como momento casi único de honor y dignidad.

Sociedades enteras reflejadas en sus edificios vacíos, en sus archivos de vídeo, en sus escuelas, en sus melodías, en sus mitos, en sus documentos públicos. Con una mezcla de entusiasmo y resignación, siento que todas estas son películas melancólicas. Digo con resignación porque no hay en estas obras un espacio para la tranquilidad y parece que ésta nunca llegará. Digo entusiasmo porque la respuesta de estos cineastas es de una vitalidad inspiradora, como es el caso también el de la etnografía a través de la imagen que hace Hope Tucker o el desenmascaramiento social que hace Germán Scelso.

Hay un cine industrial, mojigato, avariento, desabrido, esclavo.

Pero también hay otro cine que hoy en día da la batalla, aunque sean batallas perdidas. Ahí radica la nobleza que nos va quedando.

Larga vida a Punto de Vista por reencontrarnos con ese otro cine.

A propósito de la reciente entrega de los premios Oscar, que acaba de celebrar su 85° edición consagrando a “Argo” de Ben Affleck como mejor película, la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI) ofrecerá, todos los martes de marzo en el Auditorio del Centro Cultural Británico de Miraflores, un ciclo de conferencias sobre diversos aspectos vinculados a la historia y trascendencia del trofeo más popular y codiciado de la industria cinematográfica.

El ciclo denominado “El Oscar, una mirada diferente” pretende indagar en los aciertos, descubrimientos, olvidos y omisiones de estos premios, en cómo funciona su sistema de nominaciones, y en la influencia que ejercen en el cine latinoamericano.

Las ponencias estarán a cargo de críticos y periodistas afiliados a la asociación. La programación es como sigue:

Martes 5, 7.30 p.m.: Cómo ser nominado y premiado
Desde 1929, la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood entrega anualmente una estatuilla dorada que ya cuenta con 85 años de historia. ¿Quiénes deciden, cuál es el proceso de nominaciones, los gustos y preferencias a la hora de escoger los ganadores?
Expositores: Ernesto Carlín, Claudio Cordero, Alonso Izaguirre.

Martes 12, 7.30 p.m.: Actores: los clásicos y las sorpresas
Los actores y actrices más premiados, los que ganaron con total justicia, los olvidables y los que nunca fueron nominados, a pesar de sus méritos. De los debutantes a los más curtidos intérpretes, pasando por aquellos nombres que hoy apenas recordamos.
Expositores: Juan José Beteta, Rodrigo Portales, Ernesto Carlín.

Martes 19, 7.30 p.m.: Directores: triunfadores, injusticias y olvidos
Las cintas más galardonadas, las que lo obtuvieron con total consenso, las olvidables y las ignoradas. Los resultados más predecibles y los que sorprendieron. De los maestros del cine de comprobado talento a los directores que inexplicablemente se hicieron de un Oscar.
Expositores: José Romero, Rodrigo Portales, Ernesto Carlín.

Martes 26, 7.30 p.m.: La importancia del Oscar para Latinoamérica
Cuántas veces la Academia ha centrado su atención en el cine en nuestro idioma y la influencia que ejerce sobre nuestra cartelera.
Expositores: José Romero, Gabriel Quispe, Ernesto Zelaya.

Las conferencias se realizarán en Jr. Bellavista 531 / Malecón Balta 740, Miraflores, con ingreso libre.

Andrea, ¿qué ha significado para ti participar en el Talent Campus?
La experiencia en el Talent Campus ha sido muy interesante. Aparte de algunos workshops y seminarios, lo que más me llevo es haber conocido a tanta gente increíble y con mucho talento, con quienes compartimos intereses y experiencias para establecer relaciones que probablemente sean muy duraderas. La energía y la pasión de cada uno fue contagiante.

Lo mejor fue conectar con varios cineastas latinoamericanos. Hay muchos proyectos interesantes por hacerse y sentí la energía de ayudarnos y unirnos. Se conversó sobre qué es lo que significa hacer cine en Latinoamérica y sus problemáticas, y la responsabilidad que tenemos de representar adecuadamente nuestras voces. Fue importante sentarnos a hablar sobre estos temas y traer nuestros puntos de vista.

Estudiaste en el prestigioso California Institute of the Arts. ¿De qué manera estos estudios afectaron a tu manera del ver el cine?
Decidí hacer la maestría en CalArts porque luego de muchas averiguaciones, sentí que era el único lugar en donde iba a poder acercarme al tipo de cine que me interesa crear. Fueron tres años en donde muchas ideas y sistemas con los que yo entré fueron destruidos, y se creó una visión y un acercamiento diferente. También fue una manera de realmente pensar, ¿por qué y para qué hacer cine? Fue importante para mi estar en un espacio con mucha motivación a explorar y experimentar con el medio y todas sus formas; estar en un lugar en donde todo es aceptado. Al mismo tiempo entendiendo la responsabilidad que uno tiene al crear cine, arte, música, y sus implicaciones políticas y sociales. Creo que de muchas maneras, se desarrolló en mí una diferente manera de ver el mundo, y eso ya nunca va a cambiar.

¿Cuál es el origen de tu documental Cuéntame de Bia?
Esta película se originó una tarde cuando mi abuela se mudaba a un departamento chiquito, y tenia que botar muchas de sus cosas. Entre ellas, el tema de ¿qué hago con todas las latas de películas de tu abuelo? Esto fue como en el 2005. Ahí me di cuenta de la falta de preocupación que existe en el Perú por mantener su historia fílmica. También me di cuenta que no sabía por qué yo quería hacer cine, y hacer esta película me acercó a la respuesta.

¿Puedes nombrar algunos cineastas cuyos documentales te hayan impresionado especialmente?
Al comienzo estaba más interesada por documentalistas más puristas como Frederick Wiseman, y también por el direct cinema americano como el de los hermanos Maysles, D.A. Pennebaker o Ross McElwee. Entre los peruanos, el trabajo de Gianfranco Annichini siempre sobresalió. Pero aunque esa siempre será mi base, ahora estoy buscando los límites de la no-ficción y estuve explorando el trabajo de Pedro Costa, James Benning, Jafar Panahi, Robert Fenz, Shirley Clarke, Deborah Stratman, entre muchos otros.

También debo decir que gran parte de mi nutrición fue el trabajo de muchos compañeros de la escuela que cambiaron y crecieron junto conmigo, y otros jóvenes cineastas que he conocido en el camino, como Alexandra Herboche, Daniel Hui, Kelman Duran, Hyesung Moon, Alexandra Cuesta, Stella Ahn, Juan Daniel Molero, entre muchos otros que en este momento me estoy olvidando de mencionar. Creo que lo más importante ha sido encontrar una comunidad de cineastas con quienes compartimos esta manera de ver el cine y el mundo, y que nuestro propio desarrollo y cambio es lo que esta creando un nuevo cine.

¿Qué aspectos crees que debería mejorar en cine peruano?
El cine en el Perú sigue buscando una voz propia. Anteriormente, el cine que ha sido creado en el Perú ha seguido muchas pautas de lo que se ha visto del cine americano y europeo. Lamentablemente, no tenemos una clase de Historia de Cine Peruano en las escuelas y casi no hemos visto cine peruano. Me interesan mucho los esfuerzos del cine fuera de Lima y proyectos como los de Chaski o Docuperu, que buscan voces y formas nuevas con la población.

Hay muchos cambios por hacer, desde invertir en la formación de público, como por ejemplo a través de la educación —como dije anteriormente, casi no se enseña sobre cine peruano en las escuelas—, y reestructurar instituciones que no parecieran apoyar los nuevos esfuerzos por hacer cine en el Perú, que siguen convenciones antiguas. Hay mucha gente haciendo cine en el Perú, y no se trata de que sea buen o malo, lo importante es seguir explorando el medio y entender que es un documento que podrá contar nuestra historia con una voz propia.

Cineasta peruano Álvaro Sarmiento, en el Talent Campus Berlinale 2013

Álvaro, ¿puedes hablarnos de tu experiencia en el Talent Campus?
Fue una semana intensa donde conocí a jóvenes realizadores de todo el mundo, Ucrania, Malta, Trinidad y Tobago; compartí cócteles con Walter Murch, desayuno con Wong Kar-wai, fiesta con el director de fotografía de Darren Aronofsky, talleres de entrenamiento de actores con el coaching de Leonardo di Caprio, clases de cinematografía digital con profesionales de Canon, etc.

¿De qué manera crees que esta experiencia puede influir en tu carrera futura?
He conocido buenos contactos y el hecho de estar en la Berlinale pone en relevancia la producción que iniciamos 6 años atrás, la cual es poco conocida en Perú, pero ha estado en festivales internacionales desde el inicio de mi carrera.

¿De dónde surge tu interés por el género documental y por la temática de los territorios indígenas de Perú?
Estudié 4 años en Brasil, donde se valora mucho el cine documental. Hay un excelente nivel de películas documentales, festivales y publicaciones académicas respecto al tema. Fue a través de mi vivencia personal, viajes por el interior del Perú, y sobre todo la experiencia de vivir en una comunidad Shipibo-Konibo y tomar ayahuasca con shamanes de la Amazonia que entré en contacto con mis raíces ancestrales. También participo todos los años de la procesión del Señor de Qoyllurity a 5000 kilómetros sobre el nivel del mar, en las afueras del Cusco, del cual soy devoto. Ahora vivo de forma errante, itinerante en comunidades rurales de los Andes y la Amazonia del Perú, produciendo documentales, escribiendo guiones de ficción, además de dar talleres de capacitación.

¿Cuál es el origen de tu documental “Cerro de Pasco, The Forgotten City”?
Mi familia proviene de Cerro de Pasco y Junin. Los documentales de la Oroya y Cerro de Pasco me sirvieron para conocer mis orígenes, los cuales están ligados con comunidades campesinas que conviven con la presencia de las empresas mineras. El documental tuvo buena recepción sobretodo en España, donde estuvo en competencia en el FICMA y ECOZINE. Además, fue nominada entre las mejores películas Andinas del 2012 según el Festival Documenta de Venezuela.

¿Puedes nombrar algunos cineastas cuyos documentales te hayan impresionado especialmente?
Destacaría las obras de Luis Figueroa, “Kukuli” y “El cargador”; “Radio Belén” de Gianfranco Annichini; y los trabajos de Jorge Vignati y Javier Corcuera.

¿En qué proyecto estás trabajando actualmente?
Estamos terminando la carpeta de producción de un largo a ser filmado en Cusco, el cual fue premiado a finales del año pasado por el programa de desarrollo de proyectos Ibermedia.

¿Qué puedes contarnos sobre tu proyecto de enseñanza de video a jóvenes indígenas que llevas a cabo en los Andes y en el Amazonas?
Es un proyecto que disfruto mucho. Planeamos la tercera edición de talleres para este año en la selva. El primer taller se llevó a cabo en la ciudad de Cusco gracias a la iniciativa de la ONG Guamán Poma de Ayala, se realizo en la ciudad y el objetivo era capacitar a jóvenes a llevar sus mitos urbanos, folclóricos a la ficción. El segundo taller se desarrolló en dos comunidades del departamento de San Martín, este workshop fue de video documental dirigido a jóvenes campesinos. Contamos con el apoyo de la Municipalidad de Lamas y San Roque, Waman Wasi y Sachaca Centro de Arte. El taller fue de dos meses, un mes en Lamas y un mes en Chiriquiaco.

Lista completa de ganadores del Oscar:

Mejor película: Argo

Mejor director: Ang Lee, Una aventura extraordinaria

Mejor guión adaptado: Argo

Mejor guión original: Djando sin cadenas

Mejor actriz protagonista: Jennifer Lawrence

Mejor actriz de reparto: Anne Hathaway

Mejor actor en papel principal: Daniel Day Lewis

Mejor actor de reparto: Christoph Waltz

Mejor edición y montaje: Argo

Mejor cinematografía: Claudio Miranda, Una aventura extraodinaria

Mejor documental: Inocente

Mejor película extranjera: Amour

Mejor película animada: Valiente

Mejor corto animado: Paperman

Mejores efectos especiales: Una aventura extraodinaria

Mejor diseño de vestuario: Ana Karenina

Mejor maquillaje y vestuario: Les Misérables

Mejor cortometraje: Curfew

Mejor mezcla de sonido: Les Miserables

Mejor edición de sonido: La hora más oscura y Skyfall

Mejor logro en diseño de producción: Lincoln

Mejor música de película: Una aventura extraordinaria

Mejor canción original: Skyfall de Adele

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Hoy a las 8:30 p.m. (hora Perú) se conocerán los ganadores de los Premios Oscar 2013. Como todos los años, lo comentaremos en vivo en nuestra cuenta de Twitter: @cinencuentro.
¿Cuáles son tus películas favoritas este año?

Lincoln lidera las nominaciones con 12 menciones, seguida de Life of Pi con 11; Les misérables y Silver Linings Playbook con 8, y Argo con 7 nominaciones.

La chilena No compite en el apartado a Mejor film en habla no inglesa, junto a la archi favorita “Amour”.

Pueden revisar el especial Oscar 2013 que ha preparado Terra.

Como parte de la investigación que están realizando para la Universidad de Lima sobre el cine que se hace en el interior del país, Emilio Bustamante y Jaime Luna Victoria conversaron con este activo realizador wanka en su ciudad natal.

Daniel Nuñez

¿Cómo te iniciaste en el cine?
Cuando salí del colegio aposté por estudiar actuación. Llevé talleres en Lima, pero estudiar toda una carrera para mí era muy difícil por los gastos que se hacen allá. Después me vine aquí a Huancayo y empecé a capacitarme en teatro. Conocí a varios amigos que estaban vinculados a la actuación y el cine.

¿Desde el principio tenías interés en el cine o solo en el teatro?
Desde muy pequeño a mí me encantaba lo que es actuación. En el colegio era bastante atrevido, no me perdía ninguna festividad dentro de la escuela. Mis padres querían que yo fuera zapatero así que intenté hacer una empresa de zapatería. Los años iban pasando y no me sentía cómodo con lo que estaba haciendo. Entonces dije “voy a apostar, voy a hacer lo que me gusta”. Por ahí veo un casting aquí en Huancayo. Decían: oye, va a haber una película. Interesadísimo, agarré mis cosas, y a las tres de la tarde estaba yo primero en ese casting convocado por Johnny Chávez. La película era “Así eres tú”, más conocida por su nombre en quechua, “Cuyaymi”. Allí conocí a Jacky Riveros, a Rick Barzola… La película era en VHS, nuestra primera experiencia, “qué alucinante, que chévere”, decíamos, vernos en la pantalla era una emoción intensa. Eso fue entre el 2003 y el 2004.

Después conocimos a Martín Landeo que iba a hacer Flor de retama. Nos convoca y yo dije “esta es mi oportunidad, yo voy a estar en esa película”. Fue un caos porque el vestuario teníamos que comprarlo nosotros mismos. Landeo me dijo “Daniel, usted va a ser extra, de terruco”. “Ya chévere”, dije, “yo la hago linda”. Creo que de ese punto empezó ya mi carrera.

¿Ahí conociste a otros futuros cineastas?
Conocí a Nilo Inga, de Huachac. Conocí al maestro Reynaldo Arenas, que me enseñó un montón de lo que es la actuación; a Gerardo Zamora, Sandra Vergara. Acabó esa película, y con Johnny Chávez juntamos un elenco y dijimos “hagamos una película”. Estábamos con toda la fiebre; pero lamentablemente no salió. Entonces, por su propia iniciativa, Nilo Inga se va a grabar Sangre y tradición. “¿Quién me va a apoyar?”, dijo “Ya, yo” dije. Y nos fuimos a Huachac. Grabábamos. Eso era la muerte. Yo tenía un papel de antagónico. Pero la familia fastidiaba: “Oye, ¿qué estás haciendo?”

Dedicarte a la actuación no era una alternativa a ser zapatero para ellos.
No. Recuerdo que cuando estaba haciendo “Sangre y tradición” Nilo me decía: “Daniel, tienes que viajar a las nueve de la mañana para que grabes tus escenas”. Y yo decía: “No voy a poder porque tengo chamba hasta las tres de la tarde”. “Si no estás, tu personaje lo va a hacer otro”, decía Nilo. “¡No!” Y me amanecía haciendo mis zapatos hasta terminar. Agarraba mis 30 solcitos, mi pasaje, y a la locación. Yo mismo me pagaba por lo que quería hacer. En el 2005-2006, nuevamente Nilo Inga hace la película El Tunche, en la selva. Igual. “Ya, ¿quiénes van?”, decía Nilo “Yo”. “Ya, junten su pasaje, vamos a la selva a grabar la película”. Y la familia ahí te chancaba. Un mes estuvimos en la selva.

Saliste de vacaciones de la zapatería.
Salí de vacaciones. Acabó la película, bonito todo, y llego a la casa: “Mamá, fui a actuar”. “¿Te han pagado o no te han pagado?”, me pregunta. “Si me han pagado”. “Mentira. ¿Hasta cuándo vas a entender? Ya, vamos a vender los animales, postula a la policía”, decía ella. Pero no me gustaba la vida militar. Es que había una pasión. Decía: “yo tengo que vivir de esto, me encanta”… Cuando veo un reportaje a Magaly Solier. Dije “wow…”. Yo me había enamorado, ¿no?

Daniel Núñez y Magaly Solier

¿Te habías enamorado del cine o de ella?
Me enamoré de la pasión que ella tenía, y había llegado lejos, ¿no? De un momento a otro. Yo decía “pero por qué no me llaman a mí, estoy aquí en Huancayo, vengan a buscarme…” Estoy viendo el reportaje, y le digo a mi hermano: “vas a ver que yo voy a llegar a actuar con ella. Aunque no me creas, ya vas a ver”. Pasaron dos meses. Voy a la función de “El Tunche” en Lima, en el CAFAE. Y al final se me acercan unas personas: “somos de la productora de Claudia Llosa, queremos hacerte un casting”. Era para “La teta asustada”. Fui y sudaba con los nervios y el calor. Pero me gustó el personaje. La chica me dijo: “Oye ¿qué te pasa?” “No, es que, te soy sincero, nunca he hecho casting acá en Lima”, le digo. “Ah, ya te entiendo”, me dice. “Puedes hacerlo leyendo pero actuando”, me dice. “Dame un minuto”, le digo, “por favor, un minuto”. “Como quieras”. Empezaba a caminar haciendo el personaje. Y ahí le gustó algo. “A ver, repite eso”. Y el camarógrafo estaba grabando. “Oye, tienes algo, tienes algo rico que está saliendo de tu boca”, dice. “Me gusta, me gusta. A ver, sigue”. Me quedé cuatro horas ahí en el casting. Salí a Huancayo. Pasó todo febrero, marzo. En abril revisé mi correo: casting. “Chévere, amigo, ¿sabes qué?, le gustó a Claudia Llosa, y quisiéramos conversar contigo; vente a Lima”. En ese rato estaba tan emocionado que me puse a llorar. Llego a mi casa. “Lean esto. ¿Ahora que me van a decir?” Mi mamá se puso a llorar: “Ya, Daniel, haz lo que tú quieras hacer, ya no te decimos nada”. Y desde ese punto empezó todo. Hasta ahorita, trabajando. Gracias a eso hice “Madre”, mi primera película como director.

Cuéntanos cómo fue lo de “Madre”.
“Madre” fue una inspiración mía. Yo escribí el guion. Trabajamos con una productora cristiana. “Yo voy a actuar y voy a dirigir la película”, dije. Cuando estuve en “La teta asustada” aprendí bastante lo que es dirección, un montón. Una vez Claudia me dijo: “Daniel, en mi película no quiero actores profesionales, sino quiero que sean ellos mismos”. Era una técnica que ella utilizaba para sus películas. Entonces, paso a paso, yo también utilizaba esa técnica y funcionaba. Hacía los talleres de actuación y discutíamos al personaje. Y salió la película. La estrenamos acá. Al principio no tuvo mucha acogida. Entonces, la modificamos y la reestrenamos. Ahí sí hubo mucha gente.

¿Volvieron a grabar escenas?
Sí. Faltaban algunas cosas en la película. El viaje a la selva.

¿Publicitaron la película?
Si, le hicimos promoción por radio, televisión. Es una película cristiana, tiene un público ya bien asegurado: todas las iglesias cristianas. Todos van a ver la película. Yo la llamaría la primera película cristiana evangélica. Acá nunca se había visto algo así. Fueron a verla y salieron llorando. “Wow, qué chévere”, dije. Fuimos a Trujillo, a Chimbote, a Huamachuco. Fuimos a fiestas de iglesias…

¿Cuántas funciones hicieron en Huancayo?
Hicimos cuatro. Todas en el cine Mantaro, sábado y domingo. Domingo más lleno. Cuando la volvimos a reestrenar en Trujillo, en un coliseo, hubo gente; pero el productor dijo: hay que sacarla a la venta en DVD. Los hermanos nos compraban a diez soles las originales. Pasaron quince días. Volvemos a Huancayo, y por allí se escuchaba la música de la película. “Qué raro”, dije. La estaban pirateando. Los piratas la vendían a dos soles, dos cincuenta. Y pegó la película. De ahí me llamaron los de El Comercio, me hicieron una nota en la revista Somos. Y allí nomás estaba con el estreno de “La Teta Asustada”.

¿Tú eres cristiano? ¿Perteneces a la iglesia que produce la película?
Trabajo con productores cristianos de diferentes iglesias. Desde mucho antes a mí me gusta. Yo decía, “voy a hacer una película cristiana, o sea, que no se identifique a la iglesia, sino que se identifiquen los valores, la palabra de Dios: honra a tu padre y a tu madre, por ejemplo, que está plasmada dentro de la Biblia”.

¿Tú le propusiste la película a la productora Adonai o Adonai te propuso hacerla a ti?
Nosotros propusimos. Éramos tres amigos. Creamos una historia. Escribimos un guion. “Ya, yo voy a dirigir, tú vas a ser el productor, tu eres el productor ejecutivo”. O sea, fuimos así, en equipo. Funcionó.

¿Qué porcentaje del costo de la película ha salido de tu bolsillo y qué porcentaje ha sido inversión de otras instituciones o iglesias?
La inversión fue de la productora Adonai. Y lo que es manejar todo el equipo estaba bajo mi responsabilidad.

¿Adonai es una empresa que pertenece a una iglesia o es una empresa particular?
Era un ministerio de alabanza, que cantaban, y de allí nomás hicieron la empresa.
El pastor no está dentro de la productora. La empresa es muy aparte de lo que es la iglesia.

¿Ellos no te impusieron condiciones? ¿No te quisieron cambiar el guion?
Hubo varias cosas. Ellos no tenían mucho conocimiento de cine. Nunca habían hecho cine. Entonces a nosotros nos pusieron pautas. “Esto no va. La selva, no; que quede ahí nomás, y punto”. Particularmente como director no me gusta eso. Me gusta enfrentar retos grandes. “Se tiene que hacer esa parte, aunque sea no voy a tomar desayuno, no voy a almorzar, pero esa parte tiene que estar”. Me puse terco y se hizo.

¿Tú elegiste a tu equipo?
Sí.

El acabado técnico es bueno, ¿cómo llegaste a ese nivel en una primera película?
Por la experiencia, creo.

¿La experiencia de “La teta asustada”?
Sí, de “La teta asustada” y trabajando con Nilo Inga, también. Nilo me enseñó un montón. Después, trabajando en comerciales. He hecho varias cosas.

¿Quién hizo cámara en “Madre”?
Yo mismo. A veces cuando tenía que actuar, venía mi amigo Luis Balbín que es el productor, y hacía la cámara.

¿Cómo le fue a “El vástago y su promesa (Madre 2)”?
Eso sí fue un boom. Llenamos coliseos. En Pichanaqui, en San Martin de Pangoa. Estuvimos en Chimbote, igualito.

Eso también puede haber sido porque, como te piratearon “Madre” y ya todo el mundo la conocía, entonces cuando veían anunciada “Madre 2”, hubo más interés en verla. La piratería jugó a tu favor en este caso.
Sí. Fue bastante conocida la película.

¿”Madre 2” es la continuación de “Madre” o es otra historia?
Es la continuación. Es del hijo de quien hablamos.

Tú en realidad no ganabas nada por las exhibiciones de tus películas a pesar de que los espectadores pagaban su entrada, tú no recibías un porcentaje de esas ganancias. Todo se lo llevaba Adonai, ¿cómo era el trato?
Hasta Madre 2, si, se llevaban todo ellos.

¿Pero te daban un pago como director?
A mí me pagaban por presentación. O sea, se va a presentar la película y tu imagen tiene que estar en las entrevistas. Yo no soy de exigir. Si hubiese tenido ese conocimiento y esa arrogancia hubiera dicho no me paguen doscientos, tienen que pagarme más de mil soles, están llenando un coliseo, cobrando seis, siete soles por entrada. Y, justamente, por eso yo decidí formar mi empresa para hacer “El Hijo Prodigo”.

Daniel Núñez en el rodaje de El hijo pródigo

Entonces “El hijo prodigo” la has hecho ya en forma separada de Adonai y de las iglesias.
Sí.

Es tu propia producción a pesar de que sigue teniendo un tema bíblico pero ya la has hecho de forma independiente.
Sí.

El guion también es tuyo en este caso.
Si, el guion también. Lo trabajé con un amigo, Luis Chuquín.

¿Cómo hiciste para conseguir los fondos para hacer “El Hijo Prodigo” ya que era una producción tuya?
Bueno, en las dos películas anteriores no gané mucha plata. Gané una cantidad mínima para cubrir la comida, apoyar a la familia, nada más. Pero yo creo que, con la pasión y el propósito, uno logra sus objetivos. Entonces muchos me decían: “habla con un abogado, un asesor de imagen”. Me decían: “tú tienes imagen, puedes ir a tocar puertas”. Hago un taller de actuación, ya tengo alumnos. “Entonces voy a hacer la película”, dije. No tenía ninguna cámara, ningún trípode, o sea cero. Pero mis alumnos estaban ensayando, dándole duro, así que empezamos a grabar “El hijo pródigo”. Y faltaba para comer. Yo tenía un presupuesto de cincuenta soles. Un amigo que tenía una cámara me dijo: “te la voy a prestar, Daniel”. Después me la alquiló. José Miguel García Picasso me ayudó bastante. El dueño del restaurant Los Girasoles es un amigo mío que me quiere un montón. Él también me apoyó, me dijo: “Daniel, grabas la película acá”. Después, otra empresa más. Cada auspiciador me servía para cubrir los gastos de ese día de rodaje. Y un día nos faltó plata.

Ya estábamos en las últimas escenas, los chicos estaban cansados. Pero les digo: “Muchachos, el propósito es terminar la película. Ya, no se chupen”, “Daniel, ya no hay plata, mi papá no me quiere dar para mi pasaje”, me dicen. “Ya, vamos a hacer un show. Vamos a ir actuar”, dije. “¿Adónde?”, “A la calle. Acá les hacemos la guerra a los cómicos ambulantes”. Yo salía allí, porque me conocían: “Señores, ¿saben qué?, necesitamos el apoyo de ustedes, les voy a vender un turrón. ¿Cuánto cuesta? Un sol. ¿Me colaboran o no me colaboran?”, les digo. “Claro pues Luchito, vamos a colaborarte”, dicen. Ya había para solventar. Recuerdo que, cuando llegó el día del estreno, estaban en el avant premiere todos los auspiciadores y les encantó la película. La siguiente semana se estuvo estrenando en el cine Mantaro. Quería que fuera toda la gente. Fui a la oficina del Gobierno Regional: “Señor, necesito un millar de afiches, por favor”. “Ya Daniel, al toque los afiches”. A pegar en todo Huancayo. Publicidad, radio, televisión, entrevistas, reportajes….

Estrenaste.
Sí, pero me faltó criterio. Tenía para hacer un mes y lo he hecho sábado y domingo no más. De todos modos la gente fue. Lleno total. Domingo, la gente empujándose. Estaba lloviendo pero la gente estaba haciendo su cola ahí.

¿Cuánto costaba la entrada?
Siete soles, ocho soles.

¿Cuándo fue el estreno?
En octubre del 2011.

¿Y has seguido dándola en otros sitios?
Si, estuve en la Selva. Estuve en comunidades rurales. Nos ha ido más o menos. Este año (2012) no me ha ido tan bien que digamos porque sacamos préstamos del banco, nos alucinamos. Faltaba asesoramiento de administración. Y me quedé endeudado, pero te digo, no me voy a chupar porque haya pasado eso. Porque el público sigue exigiendo. Y quiere que esté una vez más “El hijo pródigo” en Huancayo, porque después del estreno que yo había hecho iban al cine Mantaro: señor, ¿no se sigue exhibiendo la película? Y el mismo gerente que alquila me vino a buscar: “Daniel, están viniendo a preguntar”. Pero es una fuerte inversión, por lo menos 4,000 soles te gastas para la campaña publicitaria y no me alcanzaba porque tenía que pagar unas cuantas deudas.

Y el costo de la película, ¿en cuánto lo has calculado?
50,000 soles.

Daniel y su equipo en el estreno de la película

¿Cuál es tu próximo proyecto?
Yo quiero seguir con este género porque muchos me dicen “las películas que tú haces me recuerdan a mis hijos, me hace acordar a mi mamá, me hace pensar en cosas de mi vida que he pasado”. Así que esta historia que voy a realizar va a tener un impacto bien fuerte. Es un testimonio que una señora me ha contado y también lo he escuchado en diferentes lugares de mamás que vienen y me dicen: “joven, mi esposo me ha dejado con todos mis hijos, se ha ido con otra mujer, yo no sé qué hacer”, me dicen y la necesidad del pueblo te exige abordar esto. Le vamos a dar duro a esos patas que abandonan a sus hijos, los dejan en la calle. ¿Por qué hay tanta delincuencia?, justamente es por eso. Porque un hijo empieza a tomar desde los doce, trece años, a drogarse, porque no hay cariño de papá, de mamá. Entonces, me estoy esmerando más en este guion.

¿Estás escribiendo solo el guión?
Me está ayudando un amigo peruano que vive en España. Los protagonistas son tres niños. Tengo una actriz, tiene seis añitos pero actúa que es una maravilla.

Ya hiciste el casting entonces.
Si, ya tengo a todos los actores. Estamos ensayando. Me voy a meter a un género a lo hindú pero adaptado a nuestra realidad. Con travesuras…

¿Y cómo vas a financiar este proyecto? Has pedido préstamos al banco o tienes socios.
Ahora estoy trabajando con unos socios y con un empresario que quiere que su marca vaya dentro de la película.

¿Te presentarías al concurso del Ministerio de Cultura?
Yo quisiera entrar con un proyecto pero hay cosas que están pasando dentro de DICINE y no me gusta porque hay preferencias, te dejan a un lado…

¿Desconfías del concurso del Ministerio?, ¿crees que hay argollas, que hay influencias, corrupción?
Si, corrupción, influencias o no evalúan bien a sus ganadores. Por ahora prefiero seguir trabajando así, con poco dinero pero logrando buenos resultados.

El hijo pródigo

Dirección y fotografía: Daniel Núñez
Jefe de producción y dirección de arte: Luis Chuquín
Guión: Daniel Núñez y Luis Chuquín
Cámara y sonido directo: Jhonny Chávez (Arte Films)
Montaje: Edilberto Condezo Cayetano
Música: Deyvis Luna
Montaje de sonido: Hilish Amaru
Asistente de dirección: Anais Reyes
Diseño de portada: Edgardo Cann & Picaso de AVL

Intérpretes:
Sem Joel Medina Ccente
Lizbeth Gavino Huamán
Jessely Isabel Ninalaya Romero
Joel Orellana Grados
Jean Pier Coronel Nuñez

Estreno: 15 de octubre de 2011

Entrevista: Emilio Bustamante y Jaime Luna Victoria

Gloria del Pacífico es el título de la película que Juan Carlos Oganes viene desarrollando desde el 2005. El 2009 realizó el trabajo de preproducción, las grabaciones empezaron en noviembre del 2010, y continuan hasta estos días. Oganes es el hombre orquesta de su película: escribe, produce, dirige, edita, él mismo se encarga de la postproducción, del diseño de vestuario, de la música. Calcula terminar el rodaje en abril, y luego de la postproducción, tener su película lista para la segunda mitad del año.

Además de presentar internacionalmente su obra en una versión largometraje de 120 minutos de duración, Oganes planea estrenar la cinta en Perú como una miniserie para la televisión, en 5 capítulos.

El reparto de actores de “Gloria del Pacífico”, que interpretarán a varios personajes históricos de la época, incluirá a nombres como Reynaldo Arenas, Juan Manuel Ochoa, Pold Gastello, Gustavo Mac Lennan, Carlos Vértiz, Paloma Yerovi, Lilian Nieto, entre muchos otros más.

A continuación el director Oganes nos cuenta todos los detalles de esta ambiciosa y singular producción peruana, que tanto esfuerzo y trabajo le está costando, a él y a su equipo:

Juan Carlos, ¿cómo nace el proyecto de Gloria del Pacífico?

De niño, en los años 80 vivía en la zona sur, Tacna, Arica, Locumba, que son zonas donde sucedió la Guerra del Pacífico, son los lugares más emblemáticos. Yo me acuerdo que a comienzo de los 80s pasaban en canal 7 una serie documental hecha por el Ministerio de Educación llamada “Nuestros héroes de la Guerra del Pacífico”. Para mí era lo máximo, ya que estaba rodeado de ese patriotismo tacneño. A mí me gusta mucho la historia en general, sobre todo la época republicana del país, así que esa serie se me quedó grabada en la cabeza. Yo no sabía en ese entonces que luego me iba a dedicar al cine.

Ya en los 90s cuando estaba trabajando en cine y televisión pensé que querría hacer esa historia alguna vez, pero como es un tema delicado, grande, un tema histórico, no solo hace falta investigación profunda, también hay que ser responsable, y muy encima de ser responsable hay que tener el know how, el conocimiento cinematográfico para hacer un producto de semejante envergadura. Supe que en ese momento no estaba preparado.

Cuando sentí que podía hacer algo al respecto fue por el año 2000. A partir del 2003 empecé la investigación histórica, en el 2005 viajé a Tacna, Locumba, Arica y toda la zona norte de Chile para hacer una investigación de campo. Ver museos, ver la misma morfología, como eran los uniformes, captar y hablar con historiadores de ambos lados. Teniendo, obviamente, un filtro previo de quienes son los historiadores antiperuanos o antichilenos, para tener una visión más imparcial de las cosas. Y ahí empecé a elaborar el guión, en el 2005. En el 2009 empecé la preproducción, que fue un verdadero un dolor de cabeza. Ver las locaciones, los actores, el vestuario, cuestiones de presupuesto, etc. Luego de eso, empecé el rodaje, el 16 de noviembre del 2010.

Por haber vivido en esa zona, yo quise enfocarme en la Batalla de Arica, y todos los acontecimientos previos a esa batalla. Porque sabía que si hiciera los 4 años de la guerra, ¡eso sería un “Señor de los Anillos”! (risas), algo inmenso.

¿Cómo es la cronología del relato en la película?

La película inicia el 26 de mayo de 1880, cuando sucedió la Batalla de Tacna. Era la última batalla de la alianza peruano-boliviana, contra los chilenos. Los chilenos ganaron, tomaron Tacna y de ahí bajaron a Arica, hasta la toma del Morro que fue el 7 de junio. Esas 2 semanas son las que estoy cubriendo en la película. A la vez hay saltos atemporales hacia 1929, de un sobreviviente de la guerra que le cuenta sus recuerdos a su hijo. Y su hijo, siendo un poco escéptico, como muchos nosotros que no entendemos algunos aspectos de la guerra, necesita que le respondan preguntas como “¿De verdad se lanzó Alfonso Ugarte desde el Morro? ¿O es solo un romanticismo que nació en la época?”.

De los personajes históricos que conocemos, ¿quienes aparecen en la película?

Francisco Bolognesi, Alfonso Ugarte, Roque Saenz Peña, Joaquin Inclán, Ramón Zavala, Guillermo More, quien cayó en desgracia por haber hundido la Independencia, su propio buque. En el caso de los soldados, he tomado nombres que verdaderamente existieron en la lista de los batallones.
De los chilenos están Baquedano, el coronel Pedro Lagos, Belisario Campos, Juan de la Cruz Salvo, quien fue el que se acercó para pedir la rendición, al que le contestaron lo de “Tengo deberes sagrados que cumplir…”.
También está la madre y la novia de Alfonso Ugarte, espías chilenos que están en Arica, etc. Tengo casi 30 actores principales. Hay varios días que he tenido más de 500 personas en escena: 500 extras en infantería, más la caballería, los actores, y más extras civiles.

¿Has trabajado solo con peruanos, o también con chilenos?

Todos los actores son peruanos. Me hubiera gustado trabajar con chilenos, pero no se pudo.

¿En qué locaciones has filmando hasta ahora?

Prácticamente toda la película, interiores e exteriores, ha sido filmada en el Centro de Lima, en casonas antiguas, en el Real Felipe, en Ancón, en el Morro Solar, para simular el de Arica. Ahí acampamos un mes, armamos un set, tuvimos que llevar cañones, de todo. En Ancón grabamos escenas alternas a lo que es Tacna. Ahí hay áreas que son pampa ancha, y los cerros están bien al fondo, kilómetros atrás. Eso es lo más semejante al Alto de la Alianza en Tacna. También en San Bartolo hay pampas enormes, ahí grabamos escenas complementarias.

Yo no iba a grabar en el Alto de la Alianza real, solamente iba a grabar una escena donde hay soldados chilenos en el ferrocarril antiguo Tacna-Arica. Entonces ahí habían varios chilenos subiendo víveres o cargamento antes de bajar a Arica. Yo me dije, me gustaría filmar eso en el mismo lugar donde sucedió, pero cuando saco cuentas, calculo que hacer semejante logística hasta Tacna por algo que a lo mucho durará un minuto… Al final dije, me voy a lanzar, voy a ver si puedo filmar algunas escenas en el mismo Campo de la Alianza; no fue fácil porque es una zona intangible, hay que pedir permiso al patronato del Alto de la Alianza, a la Municipalidad de Tacna. Bueno, al final obtuve el permiso, y conseguí 2 días de filmación ahí. Era la última escena de guerra de la película.

¿En qué estado se encuenta la película?

Ahora [noviembre 2012] está en un 90%, solo falta filmar a los civiles, la madre de Alfonso Ugarte, su novia cuando está en Paris, interiores y exteriores.

¿Cómo estás financiando la película y la miniserie?

En 2009, cuando empecé a tocar las puertas de algunas empresas, sorpresivamente no encontré el apoyo debido. Después me entero, o por lo menos esa es mi impresión, que muchas de esas empresas estaban poniendo esos peros porque tienen inversiones chilenas, y en verdad acá en el país muchas empresas tienen participación chilena.

Pues dije, no. Los chilenos ya han hecho bastantes series y películas: Adiós al séptimo de línea, que fue la serie más cara de la televisión chilena; Epopeya, que era un documental con partes dramatizadas, del 2007; y La Esmeralda, 1879 una película sobre su héroe, Pratt, en la cual también aparece Grau, donde se dan incluso el lujo de construir 2 réplicas del Huáscar y de La Esmeralda y hundirlas.

No quise convertir mi película en una versión de los chilenos. He dedicado 6 años de mi vida en una completa investigación, lo estoy haciendo con mucho respeto, me conozco el tema de la A a la Z. Entonces, lo único que tenía disponible de valor era mi empresa, todo mi estudio. Toda la infraestructura, la vendí por 150 mil dólares, para financiar la película. Mi empresa, Emporium Digital Studios, era mi sustento. Es decir, me la estoy jugando el todo por el todo con esta producción.

Todo el mundo hace sus películas con plata ajena. Ibermedia, Conacine, convenios internacionales. Nadie, o muy pocos, lo hacen con plata propia. Mucho me dicen que estoy loco, porque hacer una película de época es carísimo, y hacer una película de guerra es doblemente caro, y sobre todo con la masividad que lo estamos haciendo. Y sí, puedo estar loco, pero es una locura calculada. Cuando inicié esta producción, las cosas eran así: subir la película a celuloide, hora y media, está en promedio 35 mil dólares. Si quieres tener 10 copias para cines, están aproximadamente $3,000 por copia. Son 30 mil más. Ahí nomás ya hay 65 mil dólares…

¡Todo eso es carísimo! Siendo así, he decidido que en Perú no la estrenaré como película en cines. Acá lo voy a mostrar como miniserie en TV, y en el extranjero en formato digital DCP en cines comerciales. No quiero que se confunda la gente, no piensen que estoy haciendo solo una miniserie más. Cuando la estrene en televisión van a ver que tendrá la calidad como si fuera una película profesional, pero hecha para TV. Se va a ver lo más cinematográfico posible.

Es un plan de lanzamiento pocas veces visto en nuestro país.

Elegí este plan pues pienso que un auspiciador es más propenso a desembolsar dinero en algún producto televisivo, porque lo va ver mucha más gente. A “Al fondo hay sitio” lo ve más gente en un día que a la última película peruana estrenada en cines.

Cuando me entrevistaron para “Hildebrandt en sus trece” me dijeron: “No creo que lo estés haciendo con $150 mil, esto cuesta mucho más”. Y sí, esto cuesta mucho más. Pero yo estoy abaratando costos porque me estoy encargando de varias cosas a la vez. Yo mismo estoy cosiendo en los uniformes, todos los quepis yo mismo los he hecho. Yo mismo he cosido los botones de los trajes, diseñándolos, porque conozco la morfología, haciendo los cortes en un taller, comprando telas en Gamarra, escogiendo el tipo de tela. Este trabajo es casi artesanal. Todo ese trabajo lo hicimos durante 3 meses del 2010, el tiempo que nos tomó hacer 700 uniformes, entre chilenos, peruanos y bolivianos.

Estás involucrado directamente en todas las áreas de producción de tu película.

Estoy dirigiendo, estoy produciendo, estoy haciendo la dirección de actores, he hecho el guión, soy el director de fotografía, soy el único camarógrafo, soy el editor, el encargado del diseño de vestuario, y de efectos visuales en postproducción. (Los efectos especiales en vivo los hizo una persona muy importante para nosotros, que lamentablemente falleció en un accidente). Una parte de la música la estoy haciendo yo y otra parte el director del Conservatorio Nacional que es amigo mio. Quiero que el score sea sinfónico, con alguna parte sintetizada, pero el 70% va a ser con músicos de verdad. Porque quiero que la película se vea y se escuche bien épica, grande, como “Ben-Hur”.

¿Qué opinas del cine peruano actual?

Una vez un actor reconocido me dijo que el problema con los cineastas en el Perú es que hacen películas para festivales, no hacen películas para el público. Y le doy toda la razón. Hacen películas que ganan premios en Berlín, en Cannes, vendiéndoles temas que para los europeos son exóticos. En Europa están acostumbrados a ese cine de autor.

El público de acá está acostumbrado al cine hollywoodense, a una edición más rápida, una trama más ágil, y más fácil de digerir, algo que los entretenga. No quieren ver una cosa tan densa, eso acá no va a vender. Nosotros los cineastas tenemos que entender que el cine no solo es cultura, también es negocio. Tienes que pensar en el distribuidor que necesita tener el material necesario para venderlo en primera fila.

Cuéntanos más sobre el estreno en Perú, en versión de miniserie

Serán 5 episodios de una hora televisiva diaria, más un fin de semana con el especial de la película, el detrás de cámara, con entrevistas a nosotros los realizadores, a algunos historiadores, etc. Sobre esto ya tengo algunas conversaciones avanzadas con un canal de TV de Lima.

Para mí es muy importante que se entienda la misión de la película que es relievar, alzar, renovar el sentido de patria. Pienso que nosotros como país somos un país frustrado, que no ganamos. Eso a algunos los hace sentirse perdedores, pero nosotros tenemos muchas cosas positivas, y necesitamos reforzar eso. Es como una operación psicológica, no autosugestión, no es un placebo, no es “hacer creer que tenemos algo”, es que ¡sí lo tenemos!

Espero que esta película sirva para poder valorar gente que ha sido de carne y hueso como nosotros, que han hecho cosas muy importantes que también nosotros podríamos hacer. Y que no se repita, 132 años después, la misma historia que pasó en ese entonces: el gobierno desatendiendo las necesidades del pueblo y de nuestras defensas, y viene otras personas y se roban nuestras riquezas. Ojo, esta no es una apología a la guerra, o un cherry al ejército. Mi intención es mostrar cinematográficamente un hecho heróico y trágico, para que no se vuelva a repetir.

(Entrevista realizada el 27 de noviembre del 2012, en Lima.
Transcripción: José Carlos Ramos)

Gloria del Pacífico

Ficha técnica
Director, guionista y productor: Juan Carlos Oganes
Guión adicional: Carlos Enrique Freyre
Sonido directo: Eyner Callupe
Efectos Mecánicos Especiales y Armamento: Carlos Vilchez
Director de Fotografía: Juan Carlos Oganes
Jefe Técnico de Luces: Carlos Aguinaga
Vestuario: Nidia Caja, Thalia Rosales, Yen Rojas
Diseño de Vestuario: Juan Carlos Oganes
Prostética: Amparo Jara
Maquillaje: Annie Mejia, Yen Rojas
Cámara: Juan Carlos Oganes
Música: Fernando de Lucchi, Juan Carlos Oganes
Asistente de Dirección: Yen Rojas
Asistencia de Producción: Luis Cuzcano, Franklin Arteaga, Alejandro Nieto-Polo, Yen Rojas, Judith Armestar, Katherine Mondoñedo, Martín Rosales, Eyner Callupe, Nidia Caja, Thalia Rosales, José Antonio Olivares.
Efectos Visuales, Diseño de Audio y Post-Producción: Emporium Digital Studios SAC.
Departamento de Utilería: Gustavo Perez, Cesar Bautista, Pedro Nué.

Más sobre el director Juan Carlos Oganes:
Estudió en la Escuela de Teatro de la PUCP. Ha estudiado cine e ingeniería de sonido, en Virginia, Estados Unidos. Su primer largometraje es El limbo de los sueños (2001), de 90 mins. También ha dirigido 8 cortometrajes; y 2 mediometrajes, uno de ellos Voces del silencio es su ficción más reciente. Paralelamente a “Gloria del Pacífico” está preparando el que será su tercer largometraje, se encuentra en preproducción.

Ficha artística
Carlos Vertiz – Crl. Francisco Bolognesi
Gustavo Mac Lennan – Gral. Manuel Baquedano
Reynaldo Arenas – Vicente
Fernando Petong – Crl. Alfonso Ugarte
Juan Manuel Ochoa – Crl. Agustín Belaunde
Igor Calvo – Carlos Weguelin
Lilian Nieto – Doña Rosa Vernal
Pepe Sarmiento – Crl. Pedro Lagos
Alberick García – Crl. Justo Arias y Araguez
Manuel Guerrero – Soldado Silvestre Porras
Havier Arboleda – Tte. Crl. Ramón Zavala
Pold Gastello – Juan Diego
Paloma Yerovi – Timotea Vernal
Antonio Reyes – Cabo Felipe Cayo
Jose Antonio Curotto – Tte. Crl. Roque Saenz Peña
Milton Chavez – Crl. Joaquín Inclán
Martín Abrisqueta – Ing. Teodoro Elmore
Manuel Rojas – Cap. de Navío Guillermo More
André Silva – Cabo Alfredo Maldonado
Ruben Martorell – Tte. Crl. Juan José San Martín
Alhelí Castillo – Margarita Alcázar
Shirley Rivadeneyra – Encarnación Acevedo
Samuel Dávalos – Soldado Policarpio Obregón
Patricio Villavicencio – Srgto. Mayor Juan De la Cruz Salvo
Emilio Montero – Tte. Crl. Francisco Cornejo
Daniel Zarauz – Srgto. Mayor Vargas
Pilar Astete – Micaela
Carlos Marcano – Cap. Iturbe
Renzo Dalí – Tte. Pedro Ureta
César Salas – amigo Silvestre Porras
Gustavo Cabrera – Tte. Miner
Jorge Lopez Cano – Abogado Alfonso Ugarte