Panorámica del rodaje de 'Diamond Santoro'

La coproducción argentino-peruana cuenta la historia de una estrella de rock argentina venida a menos, que viajará por el río Amazonas, partiendo de Iquitos en dirección a la frontera con Brasil y Colombia. El rockero irá en búsqueda de un chamán ayahuasquero, para que lo ayude a superar la muerte de un hermano, cuyo fantasma lo atormenta.

Diamond Santoro y la soga de los muertos (proyecto conocido anteriormente como “Toxic Jungle”) es el segundo filme de Gianfranco Quattrini, quien antes dirigió “Chicha tu madre”, rodada integramente en Lima.

El reparto estará compuesto principalmente por actores argentinos: Robertino Granados será el protagonista, Diamond Santoro; junto a Camila Perissé, Rafael Ferro y Santiago Pedrero. Por el lado peruano, se anuncia la presencia de Lucho Cáceres (Cielo oscuro) y Magdyel Ugaz (Mariposa negra, El premio) y Manolo Rojas (!). A ellos se les sumará la participación especial de Andrea Prodan, músico y actor italiano radicado en Argentina.

El rodaje ya se inició en Buenos Aires, y luego continuará en la calurosa Iquitos, donde se rodarán la mayoría de escenas. Diamond Santoro y la soga de los muertos es una producción de Historias Cinematográficas y Puenzo Hnos., en coproducción con RT Features y Planta Madre Cine (Perú). Se prevé estrenarla el 2013.

Ficha técnica

Director: Gianfranco Quattrini
Productor: Pepe Puenzo
Guión: Gianfranco Quattrini, Lucía Puenzo, Leonel D’Agostino
Director de fotografía: Ivan Gierasinchuk
Director de Arte (Argentina): Marcelo Chaves
Director de Arte (Perú): Sandro Angobaldo
Vestuarista: Ludmila Fincic
Director de sonido: Fernando Soldevila
Maquillaje: Fernanda Pérez
Asistente de dirección: Bruno Roberti

Conozcamos más de la historia de la película, vía LatAm Cinema y Cinefreaks:

La historia sigue a Diamond Santoro, quien cuarenta años atrás lideró una mítica banda de rock en el under de Buenos Aires, pero el proyecto quedó trunco con la muerte de Nicky, su hermano y virtuoso compañero musical. Desde entonces, Diamond se derrumbó hacia una existencia extraviada, eligiendo el ostracismo y el exilio en Estados Unidos. Atormentado por el fantasma de Nicky, nunca volvió a componer una canción ni poner su vida sobre rieles.

Pierina fue la novia de Nicky al momento de su muerte. Al enterarse que Diamond tuvo un problema cardíaco, le envía la antigua libreta de artista de su hermano, que tuvo en su poder por demasiados años. Al reencontrarse con la libreta de su hermano, su sensibilidad y el plan de un viaje inconcluso, Diamond emprende un viaje a Iquitos (Perú). Está determinado a encontrar al Maestro Ayahuasquero Solón, al que había planeado visitar su hermano, para participar de su ceremonia, deseando que eso lo limpie definitivamente de su culpa y dolor. Pierina lo ayudará a buscar al chamán, quien vive cerca de la triple frontera.

El viaje se convierte en una experiencia única, llena de contratiempos y aventuras, pero Diamond está decidido a llegar hasta la triple frontera cueste lo que cueste, para hacer lo que su hermano había planeado 12 años antes, pero dejó inconcluso al morir. Durante la ceremonia de Ayahuasca, Diamond revive los últimos días de la vida de su hermano Nicky, cuando la banda ya estaba a punto de desmembrarse por disputas creativas durante la grabación del segundo disco.

Por fin, logra recuperar su paz interior. Y en el río, cuando Diamond emprende el viaje de regreso, descubre que está listo para volver a la música, y junto a Pierina y Fefe, componen una canción. Podría ser el origen de una nueva banda musical.

Yapa: Algunas fotos más del inicio del rodaje en este set de Flickr.

Extra: Anotemos que este año se están rodando tres películas en Iquitos: Cementerio general (Perú), Elefante Blanco (Argentina) y Diamond Santoro (Argentina). Ahí también está próxima a rodarse Sudor (Chile).

Esta película debería titularse “Poder y traiciones“, ya que son estas últimas las que componen el núcleo de su argumento; aunque el título original es “Los idus de marzo”, que alude al día en que Bruto y otros conjurados traicionan a Julio César y lo asesinan, en un famoso episodio de la historia del Imperio Romano. Mientras que la cinta transcurre en el presente, durante las elecciones primerias del Partido Demócrata estadounidense; y está basada en “Farragut North”, una obra teatral de Beau Willimon, quien se inspiró en la campaña del precandidato demócrata Howard Dean en 2004, del cual fue consejero.

Este filme narra la historia de una transformación, la del joven asesor político Stephen Meyers (interpretado por Ryan Gosling), quien apoya la candidatura del gobernador Mike Morris (George Clooney) –un político en ascenso y carismático–, al cual admira. Lo fascinante de esta película es cómo el error y la tardía autocrítica, realizados de buena fe, lo colocan al borde mismo del fracaso y la expulsión de su carrera política. Meyers descubre así que en la política no existe la buena fe y, lo más importante, que la lealtad puede trocarse indistintamente en traición. Así, tras ser consciente de la lógica del poder, nuestro protagonista aprovechará un error del candidato para él mismo salir del embrollo, salvar la campaña y catapultarse a la cúspide del poder. Esta no es una historia de desencanto, sino de aprendizaje de la naturaleza de la política, en un contexto altamente competitivo, en el cual los errores se pagan con la desaparición de la escena pública. Y donde la lealtad es el bien más preciado, para bien y, sobre todo, para mal, ya que se actúa en un medio en el cual lealtad y traición se vuelven comportamientos equivalentes.

El filme va más allá de los detalles cínicos y la amoralidad descritas en el relato, desnudando los mecanismos del poder en el contexto electoral norteamericano. Este componente realista es la principal virtud, pero también la limitación de esta obra. Virtud, porque muestra cómo los juegos de poder en las elecciones primarias trastocan las propuestas políticas del candidato, al punto que los planteamientos neoconservadores pervierten su línea política liberal, más atractiva para el electorado. Y limitación, porque la anécdota básica de la película gira en torno a un comportamiento político muy específico y circunscrito a la escena política norteamericana; de tal forma que la lógica de poder arriba señalada, reduce también su ámbito de aplicación, cuando merecería ser más general como mecanismo de construcción de poder. Aun así, se trata de un enfoque político revelador y que desafía a quienes conciben la política como una actividad dirigida al mejoramiento del individuo y la sociedad.

El peso de los diálogos, herencia de su origen teatral, ha sido compensado con una apropiada narrativa audiovisual y suficiente acción externa para mantener el interés del espectador; al mismo tiempo que para describir ese fascinante proceso de aprendizaje y transformación del protagonista. La complejidad de las situaciones y diálogos han sido acotados los suficiente como para que entendamos los dilemas políticos y éticos involucrados en la trama. En tal sentido, el tratamiento de la película es clásico y la dirección de Clooney eficaz. Pero lo que destaca por encima de todo es el trabajo de actuación, a cargo de un reparto solvente al punto de querer repetir el filme solo para disfrutar del trabajo de caracterización. Gosling y Clooney están impecables en sus respectivos roles; y son apoyados por los experimentados Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti, para no hablar de la lograda combinación de sensualidad y honestidad de Evan Rachel Wood en el papel de Molly. En suma, todo un lujo para una película valiosa e interesante, política y artísticamente.

The Ides of March. Dir: George Clooney | 101 min. | EE.UU.

Intérpretes: Ryan Gosling (Stephen Meyers), George Clooney (Gobernador y candidato Mike Morris), Philip Seymour Hoffman (Paul Zara), Paul Giamatti (Tom Duffy), Evan Rachel Wood (Molly Stearns), Marisa Tomei (Ida Horowicz), Jeffrey Wright (Senador Thompson), Max Minghella (Ben Harpen), Jennifer Ehle (Cindy Morris).

Guión: George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon, sobre la base de una obra teatral de este último. Música: Alexandre Desplat.

Extreno en Perú: 26 de enero de 2012
Estreno en España: 9 de marzo de 2012.

El equipo completo durante la primera etapa del rodaje de "Ambición fatal".

Se trata en realidad de la segunda etapa de una difícil filmación que se inició en Juliaca hace exactamente un año y que se suspendió por motivos climáticos y económicos. Pacco Lima no es nuevo en la escena cinematográfica regional, tiene una trayectoria tan significativa como expectante que se inicia como actor de las películas puneñas más importantes de fines del siglo pasado.

Su opera prima Amor en las alturas (2008) se escapa de los moldes tradicionales del cine regional y toca con valentía, desde una combinación de géneros donde predomina el melodrama, varios temas de interés que afectan a la sociedad altiplánica. El autor de esta nota, Carlos Marín(*), estuvo en la primera etapa del rodaje de Ambición fatal y también está ahora, en la segunda, acompañando y apoyando la producción.

A continuación una interesante conversación que tuvo con el director Percy Pacco, realizada en un descanso del rodaje.

Percy, ¿cómo se inicia tu relación con el cine?
Hay dos etapas que marcan mi trayectoria en el cine. La primera es como actor y se inicia en 1998 con la película El abigeo de Flaviano Quispe donde tuve la oportunidad de realizar el papel principal. Fue una experiencia bonita y me sirvió para reafirmarme en mi vocación de actor que ya la venía ejerciendo desde los 14 años en distintas obras de teatro; pero “El abigeo” fue una experiencia distinta y marcó el inicio de mi amor por el cine. Luego vino El huerfanito, también de Flaviano, donde hice el papel antagónico y me sirvió para consolidarme como actor en Puno.

La segunda etapa de mi relación con el cine empieza el 2004, cuando creamos Tayta Producciones con la finalidad de hacer nuestras propias películas y obras de teatro; fue así que al año siguiente empezamos con el proyecto “Amor en las alturas”, mi opera prima, que nos tomó prácticamente dos años terminarla. Lo que pasa es que en el 2006, producto de las propias exigencias de la película, decidí irme a Lima a capacitarme en dirección, producción, iluminación, actuación. Con todo ese conocimiento adquirido, recién me atreví a retomar y culminar la película. Otra dificultad que alargó el rodaje, muy común en las producciones locales, fue el presupuesto. La edición y la posproducción recién empezaron el 2007 y me llevó otro año. Algo novedoso [para el cine local] que hicimos esa vez fue componer la música original de la película.

El director Percy Pacco en Capano, un pueblo en el distrito de Capachica, en Puno.

¿Cómo fue recibida tu ópera prima por el público?
“Amor en las alturas” se terminó a inicios del 2008 y de pronto me asaltó un gran temor, y es que yo era un actor reconocido en la región, y dar el salto a la dirección me pareció un tanto apurado y repentino. Sentía que no iba a tener éxito. Sin embargo, todo este miedo se disipó cuando en el rodaje de “La travesía de Chumpi” realizado en la comunidad nativa ashuar de Chicherta en Loreto, llevé un primer corte de la película al director Fernando Valdivia para que lo viera y le conté mis temores. Entonces me dijo “Si tu quieres saber que tan buen director de cine eres, entonces muestra tu película a esta gente, que no conoce tu idioma ni tus costumbres; si lo entienden entonces quiere decir que estás en buen camino”.

Y lo mostré a los ashuar de Chicherta que no hablan ni castellano ni quechua, y les gustó la película. Fernando me dijo que ahí estaba la prueba de que ya era un director. Lo más espectacular fue que en los días siguientes, de las otras comunidades empezaron a pedirla también, querían verla. La gente no la llamaba “Amor en las alturas” ya que en ese tiempo aún no le había puesto titulo, sino “Santiago”, que es el nombre del personaje principal, “Queremos ver a Santiago” decían. Me sentí muy emocionado, con las ganas y las fuerzas para mostrar la película en Puno y en todo el Perú. Así que al final del rodaje de Chumpi, volví a Juliaca y planificamos el estreno. La recepción de la película fue masiva y el reconocimiento que recibí de parte de la población fue como actor y director. Apreciaban mi capacidad para contar buenas historias, incluso hubo gente que dijo que era la mejor película del momento hecha en Puno.

¿Dónde más han visto tu primera película?
En el 2008 la estrenamos en Moquegua y en Arequipa, en el Primer Festival de Cine Andino; en el 2009 la pasamos en Lima, en el Festival de la PUCP [en la muestra Visiones y Memoria en los Cines Regionales Peruanos]. Fue una experiencia bonita. Además estuvo en diferentes centros culturales y estudiantiles como el CAFAE, en la Charles Chaplin, Centro Cultural de España, entre otras. La mostramos también en la mina Rinconada.

Ya que lo mencionas, la película tiene una secuencia importante en la Rinconada, asentamiento humano casi inexpugnable ubicado a 5,200 metros de altura, y en donde viven -bajo sus propias reglas- mineros informales que explotan la mina de oro del mismo nombre. ¿Cómo fue rodar ahí?
Ahí tuvimos una experiencia desagradable y riesgosa a la vez. Estábamos haciendo una escena nocturna de Santiago con Roberto, mareados en una de las calles del pueblo, y los mineros pensaron que estábamos haciendo un documental donde los hacíamos quedar mal, y entonces comenzaron a rodearnos gente mareada, mineros que venían de sus labores, nos rodearon como 200 personas dispuestas a todo, a quemarnos y lincharnos vivos. ¡Una experiencia terrible! Estaba en juego la seguridad y la integridad, no solo mía sino de todo mi equipo.

Entonces no sé si fue la voz de Dios o de quien que en ese momento difícil me dijo al oído: “Percy, no digas nada, sal de ahí”, y yo le hice caso. Aprovechando una distracción salí de ahí; nadie me vio, era como si me hubiera puesto una manta que me hizo invisible. Salí del tumulto, quería correr pero pensé que si lo hacía, ahí si me verían y me lincharían. Caminé y caminé, rápido y llegue al cuarto donde me esperaban los demás.
Ese suceso nos asusto muchísimo y decidimos volver a Juliaca aun faltando varias escenas por grabar. Nos las ingeniamos para recrear escenarios de interiores y de algunas partes de la mina Rinconada en Juliaca, y creo que nos salieron bien.

Una vez terminada y presentada la película en Puno, quería sacarme el clavo de lo sucedido volviendo y presentando la película en la mina Rinconada. Llegamos e hicimos la convocatoria. Estábamos realmente temerosos porque el personaje de Mario el minero era malo, ambicioso, borracho, no sabíamos como iba a reaccionar la gente de allá. Pasamos la película y para nuestra sorpresa, lejos de criticarla comenzaron a aplaudirla, querían conocer y felicitar a los actores, al director, así que salimos al frente, les conté la terrible experiencia del rodaje y todos los presentes se rieron y me dijeron que tenia carta libre para hacer lo que quisiera allá. Dijeron que efectivamente existían personajes como Mario que viven así, abandonan a su familia, se dedican a la vida fácil, son ambiciosos. La película les hacía pensar y reflexionar en cómo mejorar su propia existencia.

¿Qué significa “Ambición fatal” en tu carrera cinematográfica?
Es un proyecto un poco más complejo y ambicioso. Nos hemos planteado varios retos, el primero es en el aspecto técnico. Quiero trabajar de la mejor manera posible. Por eso he convocado a Fernando Valdivia y a ti para que me apoyen en el guión, el tratamiento visual y la cámara.
A Tania Medina en la producción, a Alex Giraldo en la fotografía y a Ángel Romero en el sonido, quienes me han asesorado y apoyado en la primera etapa del rodaje y han compartido su experiencia con los jóvenes talentos locales con los que cuento aquí. Todos ellos han aprendido de estos maestros y, con tu apoyo, lo están aplicando ahora en esta segunda etapa.

El segundo reto es que hemos querido contar una historia con muchas ramificaciones, que contenga otras historias que se van sumando y armando una compleja trama, historias que reflejan nuestras costumbres pero también los conflictos humanos presentes en todas las culturas. En “Ambición fatal” hay varios géneros, resaltan el drama, la comedia, la acción y el suspenso y hemos tratado de equilibrarlas en un guión sólido e interesante. Queremos que el espectador se involucre en la historia desde un comienzo, que vaya atando cabos a medida que avanza la historia, que la recree con las preguntas que vayan surgiendo en su mente. Eso es lo que buscamos con la película, no queremos espectadores pasivos, esta vez los vamos a retar para que adopten una actitud más activa.

Un tercer reto es contar con actores con experiencia, no todos la tienen pero estamos tratando de apoyarlos para que el nivel de las actuaciones sea bueno, natural y así también mejorar la calidad de la película. Y por último, además de cautivar al público altiplánico y peruano, nos hemos puesto el reto de llevar la película lo más lejos posible, a festivales latinoamericanos y europeos, subir un peldaño más de lo alcanzado por “Amor en las alturas”.

Fiorela Vega, una de las jóvenes actrices que veremos en "Ambición fatal".

¿Cómo estás financiando la película?
El presupuesto es el primer escollo que todos los realizadores tenemos. En la primer parte del rodaje que correspondió a la parte urbana, la más simple en términos de la historia aunque no en la realización porque significó mucha acción, disparos y persecuciones, contamos con los aportes de amigos, familiares y empresas locales que confían en nuestro trabajo.
Nos llevó todo enero del 2011 pero tuvimos que suspenderlo por motivos de clima, pues la parte rural de la historia quería grabarla con el verdor que adquiere el campo en el altiplano en los dos primeros meses del año pero lamentablemente el tiempo nos ganó y ya estábamos entrando a la época de sequía. Tuvimos que esperar todo un año para seguir con el rodaje y además, se acabó el dinero. Todo el 2011 intentamos conseguir auspicios, visitamos varias empresas locales, algunas nos han escuchado, nos han prometido, nos han dicho que no, y muy pocas nos han apoyado. Una de las más importantes y que quiero mencionar su nombre es una empresa individual llamada Claro Dorado, que finalmente si nos ha querido financiar esta segunda etapa.

En un primer momento no quisiste protagonizar la película. Cuéntanos, ¿por qué decidiste hacerlo finalmente?
Siempre pasa en mis películas. Cuando escribí “Amor en las alturas”, nunca pensé actuar. Hicimos un cásting, seleccioné al actor que haría de Santiago, hice un corto con él para prepararlo. Pero justo antes de empezar el rodaje el actor tuvo que irse por trabajo, y entonces me vi obligado a actuar en el papel principal.
Pero ya antes en “El huerfanito” me pasó algo parecido. Yo estaba encargado de la dirección de actores, el antagonista nunca llegó al rodaje y el director me pidió actuar y lo hice. Ahora en “Ambición fatal” sucedió prácticamente lo mismo. Es más, el personaje de Julián ya tenía un actor que lo interpretaba y grabamos varias escenas en Juliaca con él. Pero luego de la suspensión del rodaje, el actor se fue a Lima por motivos personales. Así que tuve que asumir nuevamente el personaje. Pero esta vez, esa no fue la única razón que me animó a actuar. Lo que pasa es que cuando voy a cualquier lugar de Puno la gente me reconoce, me saluda y me dice “Percy cuando es la otra película, queremos verte actuar”. Entonces también hay un compromiso por no fallarle a nuestro público que espera de mi no solo al director sino también al actor.

Han pasado casi cuatro años desde el estreno de “Amor en las alturas”. ¿Qué crees que piensan los seguidores de tus películas?
Cuando reviso mis correos electrónicos siempre me encuentro con gente que se pregunta porqué Percy Pacco se demora tanto en hacer sus películas. Yo les digo simplemente que tenemos una razón, nos gusta hacer bien las cosas, madurar el guión, preparar bien la producción y la parte técnica, cuidar mucho la actuación. Han pasado 4 años desde “Amor en las alturas” es cierto, pero ya estamos metidos de lleno en la segunda película y ya no van a tener que esperar más. Este 2012 van a disfrutar mi nueva película, hecho con mucho esfuerzo y cariño no solo mío sino de mucha gente metida en el proyecto. No me queda más que decirles que vayan a verla porque se van a encontrar con una historia bonita y distinta a la vez.

El equipo completo retomando el rodaje en Capano.

Entrevista: Carlos Marín (*)
Edición: Luis Ramos y Laslo Rojas

(*) Carlos Marín es asistente de dirección y camarógrafo en “Ambición fatal”. Ha sido también asistente de dirección en “Paraíso”, de Héctor Gálvez.

La industria del cine asiático es un espacio muy dinámico en estos momentos, y muchos de sus personajes claves se encuentran haciendo sus transiciones a la escena hollywoodense. Directores como Shunji Iwai de Japón hizo su debut en habla inglesa con Vampire, el surcoreano Bong Joon-ho se prepara para su debut con Snow Piercer, mientras que su compatriota Hong Sang-soo acaba de terminar de filmar su próxima película con Isabelle Huppert.

La siguiente lista está basada en la probabilidad que tendría una película en ser escogida por un distribuidor local, con énfasis en el aspecto de la taquilla, y algún énfasis en la calidad de la película. La lista tiene algunas restricciones, como por ejemplo la fecha de estreno. Casi todos estos filmes serán estrenados en el 2012, con excepción de un estreno de mediados de diciembre 2011. Esta regla eliminó películas como Usagi Drop, War of the Arrows o Children….

La otra regla es que ninguna de las películas tiene el perfil para ser comercializada directamente a los niños, por lo que no pude incluir Ninja Kids!!!, también conocido como Nintama Rantaro, de Takashi Miike, ya que estas películas necesitarían un trabajo extra de doblaje. Cosas como esas complicarían la distribución.

Queridas empresas distribuidoras, estas cinco películas asiáticas, que deberían llegar a cines peruanos, son para ustedes:

5. Rurouni Kenshin

No hay porqué ocultarlo, la escena otakense en el Perú es bastante grande. A parte de las franquicias de anime populares como “Dragon Ball” hasta “Naruto”, pasando por cosas como “Evangelion”, Rurouni Kenshin es uno de los más populares en toda América Latina.

Este adaptación es estelarizada por Takeru Sato, en el papel del icónico guerrero de cara cortada. El elenco es completado por Emi Takei, Munetaka Aoki, Koji Kikkawa, Yosuke Eguchi, Yu Aoi (mi favorita) y el gran Teruyuki Kagawa, a quien pueden o no reconocer de Tokyo Sonata.
Título sugerido: Samurai X: La película.

4. Flying Swords of Dragon Gate 3D

Del creador Tsui Hark, hombre clave de la Era Dorada del cine hongkonés, viene la primera película de artes marciales filmada en 3D, con Chuck Comisky (Avatar) como supervisor de los efectos especiales.

Considerando que la gente va a Polvos Azules para buscar su dosis de películas chinas de acción, ¿por qué no darles la oportunidad de experimentarlo como se debe, en la pantalla grande? Imágenes a gran escala, muchas secuencias de peleas y buenas actuaciones por parte del renombrado elenco que cuenta con Jet Li, Zhou Xun, Chen Kun, Li Yuchun, Gwei Lun-Mei, y Mavis Fan.
Título sugerido: La posada del Dragón

3. Stoker

Chan-wook Park, director de Stoker

Esta es fácil. El director surcoreano Park Chan-wook (Oldboy, Thirst) en su debut de habla inglesa estelarizado por Matthew Goode, Nicole Kidman, Jackie Weaver, Mia Wasikowska y Alden Ehrenreich con un libreto de la lista negra de Hollywood escrito por Wenthworth Miller.
No se necesita saber nada más que eso. Solo… Park Chan-wook.

2. 47 Ronin

47 Ronin, con Keanu Reeves y Rinko Kikuchi

Con una tentativa fecha de estreno en noviembre, esta película llena de estrellas de cine japonés incluye a Rinko Kikuchi (Babel), Tadanobu Asano (Mongol, Thor), Hiroyuki Sanada (The Twilight Samurai, The Last Samurai.. o para aquellos que ven TV, “Lost”), y haciendo sus debuts hollywoodenses: Jin Akanishi y Kou Shibasaki (Battle Royale).

Extrañamente, 47 Ronin es estelarizada por Keanu Reeves, quien se unirá a este grupo de samurais rebeldes en busca de venganza por el asesinato de su líder.
Título sugerido: Los 47 Ronin, o un título poco sutil como La rebelión de los 47 Samurais.

1. 1942

1942, de Feng Xiaogang

La respuesta de la China continental a Steven Spielberg, Feng Xiaogang tuvo un éxito tremendo con Aftershock, estrenada en el 2010. Ahora está de regreso con otro futuro blockbuster, un drama simplemente titulado “1942″, siguiendo los eventos de la mortal hambruna en la China central durante la guerra contra Japón que cobro la vida de 3 millones de personas.

La productora Huayi Brothers también confirmó la participación de Tim Robbins y Adrien Brody en los papeles de un cura y un reportero respectivamente.
Título sugerido: Memorias de 1942

–
¡Eso es todo! Sé que no hemos podido escoger muchos proyectos, pero si podríamos cumplir nuestros deseos… ¿qué películas asiáticas les gustaría ver en pantalla grande?

También actúan en la película Graciela Cristina “Grapa”, Stephanie Orúe, Anneliese Fiedler y Giovanni Ciccia.
Casadentro fue ganador del Concurso de Largometrajes Conacine 2010, y de la ayuda del Programa Ibermedia del 2009.

Sinopsis: A sus ochenta años, la señora Pilar comparte su tranquila vivienda, ubicada en una provincia del Perú, con “la” Consuelo, “la” Milagros y “la” Tuna. En esta casa, donde se confunden los días unos con otros, son pequeñas las cosas que mueven la rutina de la familia. Pero este día no es como cualquier otro. El timbre del teléfono rompe con la quietud. Patricia, una de las hijas de la señora Pilar, le comunica que dentro de unas pocas horas llegará a la casa con su hija, el marido de su hija y su nieta. La señora Pilar asiente nerviosa y preocupada. La rutina tiene que cambiar y los miembros de la casa tienen que adecuarse a la gente “extraña” que ha invadido su hogar. En esta película conviven cuatro generaciones de mujeres que se ven obligadas a interactuar, a mirarse y a no mirarse, a pasar una noche en la misma casa. Se trata de una película que confía en que los verdaderos conflictos surgen en la vida cotidiana, detrás del día a día, detrás del desayuno.

Vean el primer tráiler de Casadentro:

Casadentro, escrita y dirigida por Joanna Lombardi, es una producción de El árbol azul y Tondero Films.

Visiten su sitio web oficial, y su página en Facebook.

Don Armando estaría muy contento viendo sus películas en pantalla grande.
(Foto: El Peruano)

Con el objetivo de generar el espacio más importante de difusión del cine y el audiovisual peruano, la sala de cine del Ministerio de Cultura presenta su primer ciclo, rindiendo homenaje al autor cinematográfico cuyo trabajo ha sido aporte fundamental a la cinematografía peruana y que ha bautizado a la misma sala: Armando Robles Godoy.

Desde este martes 7 de febrero en que se celebra un aniversario de su nacimiento se presentarán, entre otras, la versión definitiva de Imposible amor (2003), último largometraje del cineasta, la premiada La muralla verde (1970), así como cortometrajes dirigidos por Robles Godoy.

Todas las funciones serán a las 7:00 p.m. y el ingreso es libre. La sala está ubicada en la sede del Ministerio de Cultura:
Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Peru
Telf: (511) 618 9393 anexo 3500 dicine@mcultura.gob.pe

Programación

Martes 7 de febrero
Inauguración
Corto “Lenguaje misterioso: La luz”
Largometraje Imposible amor (2003)

Viernes 10 de febrero
Corto “Lenguaje misterioso: La luz”
Largometraje En la selva no hay estrellas (1967)

Sábado 11 de febrero
Corto “Cementerio de los elefantes”
Largometraje La muralla verde (1970)

Domingo 12 de febrero
Corto “Cementerio de los elefantes”
Largometraje Espejismo (1972)

Imposible amor, de Armando Robles Godoy

Revisar la historia de Imposible amor, la película que inaugurará esta muestra nos causa sentimientos encontrados. Se trata, por un lado, de la primera película peruana realizada en formato digital, siendo por ese solo hecho ya un hito en la cinematografía peruana.

Y justamente esa decisión de rodar en digital le trajo muchos problemas a los productores: la película fue una de las ganadoras en el Concurso de Largometrajes de Conacine, en 1998, obteniendo un premio de S/.507,000 (US$ 147,280 fue la cifra que recibió finalmente). La empresa responsable Películas del Pacífico SRL incumplió en entregar, en el plazo convenido, hasta fines del 2002, una copia de la obra en 35 mm, luego de decidir unilateralmente cambiar el formato de realización a video digital. Por este incumplimiento la empresa fue obligada legalmente a devolver el monto de la ayuda estatal recibida (ver Resolución Ministerial N° 0447-2004-ED, del 1 de setiembre de 2004).

Imposible amor se completó el 2003, y fue presentada en agosto de ese año en el Festival de Lima. Nunca se estrenó comercialmente. Vean el tráiler, y una escena adicional:

Ficha técnica
Título: Imposible amor (Versión definitiva)
Año: 2003
Duración: 106 minutos
Reparto: Giovanni Ciccia, Javier Echevarria, Jaime Lertora, Gianella Neyra, Vanessa Robbiano, Orlando Sacha, Mónica Sánchez
Producción: Películas del Pacífico S.R.L.
Argumento: Esta película cuenta varias historias. Una historia se centra en una periodista que odia a un joven que sale en televisión y tiene que entrevistarlo. Un viejo que enseña piano a un niño y ve en todas partes a su amor de su pasado. El niño, que aprende piano, tiene un abuelo que lo quiere mucho y lo engríe bastante. Y la historia de una mujer de mundo que desea que San Antonio le conceda el milagro y que un monaguillo se fije en ella. (Filmaffinity).

Yapas: Lean este post de Ricardo Bedoya comentando 5 de los largometrajes realizados por Armando Robles Godoy. Vean también este documental estudiantil realizado por Mauricio Godoy en 1999, donde podemos ver a actores y compañeros de don Armando comentando sus películas.

El documentalista Humberto “Betín” Saco dictará junto con el realizador Álvaro Velarde el Taller de Presentación de Proyectos Cinematográficos, a realizarse el sábado 4 y domingo 5 de febrero, de 10 am a 1 pm, en la Associazione dei Lucani in Peru.

Humberto Saco es autor de los cortos “Ciertos vacíos” y “Camino a la escuela”, y el mediometraje El requecho, mil años después. Álvaro Velarde es director de “El destino no tiene favoritos” y la próxima a estrenarse “Como quien no quiere la cosa”.

Respecto de este taller, “Betín” explica en esta entrevista el contenido de su sección del taller, el documental, las necesidades del armado de los proyectos y las posibilidades financieras de las que disponen los documentalistas peruanos.

¿En qué consiste básicamente lo que vas a dictar en este taller?
Habiendo sido jurado en uno de los concursos del Conacine, pude encontrarme con muchos proyectos con ideas realmente interesantes. Sin embargo, la mayor debilidad consistía en el desconocimiento de plasmarla y explotar su atractivo, así como de acompañarla de un armado coherente que, sin perder entusiasmo, transmita profesionalidad.

Este taller, además de explicar los elementos necesarios para tener un proyecto competente, explicará la totalidad de lo que hoy llamamos la etapa de Desarrollo de un Proyecto Cinematográfico, en este caso de una película documental; su importancia, los pasos que hay que seguir, los documentos que son necesarios –que incluye el proyecto– y principalmente cómo trasmitir las ideas de tal manera que el lector pueda sentirse atraído y contagiado por la pasión del realizador y confiado en otorgarle un premio con el que hará realidad dicha idea.

Hasta ahora en nuestro medio, no se trata con la debida importancia a la etapa de Desarrollo de Proyecto, siendo éste la base para que el futuro documental se lleve de la manera correcta y la única forma de conseguir su financiación. En las universidades e institutos no hay un curso específico. Daré, además, ciertos tips, recogidos de expertos en la lectura de proyectos.

¿Qué posibilidades tiene de financiarse un proyecto documental peruano?
En primer lugar tenemos un fondo estatal al que podemos acceder todos los peruanos, la competencia es grande y los premios pocos, pero no imposibles, por eso es importante hacer atractivo nuestro proyecto. Por otro lado, en todo el mundo existen fondos a los que podemos acceder. Una vez más, encontramos gran competencia, pero una buena idea, un trabajo serio en las manos de un entusiasta profesional del cine, será interesante para algún sponsor en cualquier parte. Entonces, ¿es posible acceder a estas ayudas? Sí, sólo basta revisar las páginas de estos fondos internacionales y ver los proyectos que han sido beneficiados, muchos provenientes de América Latina y algunos del Perú.

¿Cómo se adapta el perfil de un proyecto documental a los diferentes fondos de ayuda nacionales e internacionales?
En cuanto a los fondos internacionales, hay que estudiar sus lineamientos para saber si nuestro proyecto es coherente con éste, si nuestros objetivos van por el mismo camino. Lo demás es simplemente forma.
Si tenemos un proyecto interesante, hemos hecho la investigación profunda hasta tener conocimiento cabal del tema y proponemos una idea atractiva y de interés para un público al que conocemos y además estamos concientes de sus fortalezas y debilidades, entonces estamos listos para vender nuestra película, de convencer a quien se coloque en frente nuestro que vale la pena auspiciarla.
El lector del proyecto o quien nos escuche en un pitching debe contagiarse del entusiasmo y la seguridad, y seriedad de la propuesta, así como de la necesidad y urgencia de nuestra obra para lograr los objetivos trazados. Nada debe dejarse al azar. El desarrollo de un proyecto comienza desde el título.
–

Taller de Presentación de Proyectos Cinematográficos

Humberto Saco y Álvaro Velarde
Sábado 4 y domingo 5 de febrero, 10 am – 1 pm. Costo: S/. 150 soles.
Pasaje Rospigliosi 105 Barranco (al costado de Plaza Vea, cuadra 67 Av. República de Panamá)
Informes e inscripciones: eventoslucaniperu@gmail.com / 993797325
Organiza: Associazione dei Lucani in Peru

Se trata de un trabajo de largo aliento, que tomó casi diez años en completarse, un filme animado que tendrá un estreno prácticamente sin precedentes para las películas nuestras: será un lanzamiento casi en simultáneo en Uruguay, Argentina, Chile y el Perú. En los países del sur el estreno será el 2 de febrero. A Lima llegará el 9 de febrero, y será todo un acontecimiento.

Para ayudarnos a comprender mejor la magnitud de este evento, de la obra en sí, y de su autor, decidimos conversar, vía Skype, con el maestro Tournier. Don Walter nos contestó con la mejor onda charrúa, y con toda la emoción de un viejo amigo del Perú.

Actualización [9 febrero]: Hoy se estrena “Selkirk” en Lima, revisa los horarios de proyección.

Lean la extensa entrevista a continuación, pero primero vean el tráiler de Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe:

Walter, para nosotros es un honor y un gusto entrevistarlo, por ser Ud. parte de la historia del cine de nuestro país. ¿Podría narrarnos cómo inició su carrera y cómo así llegó al Perú?
Bueno, es una historia un poquito larga pero la trataré de resumir. En el año 1973 hice mi primer cortometraje que se llamaba En la selva hay mucho por hacer, un cuento sobre uno de los primeros presos políticos que hubo acá en Uruguay. Al otro año, en 1974, me tuve que ir del país porque justo fue el año del golpe militar. Estuve un año en Argentina y también fue una de las peores épocas que se pudieron haber vivido en ese país. Entonces, en el ’75 me fui a Lima, donde tenía algunos amigos y una revolución que se decía socialista, participacionista y tupacamarista, etc. Me fui con la intención de ver qué pasaba y lo que pasó es que me quedé 10 años en el Perú.

Me integré de alguna manera, me hicieron sentir peruano, y algo que reconozco que tuvo esa revolución fue una Ley de cine que obligaba de alguna manera a que todos los largometrajes exhibieran un cortometraje previo y también había una fuerte presión para que se dieran los largos, había una obligatoriedad de exhibición. Eso hizo que al tiempo de haber estado en el Perú, más o menos a los cinco años, por el año 1980, pude gracias a esa ley empezar a hacer cine en el Perú. Logré hacer unos cortometrajes, constituí una pequeña productora, daba algunos servicios, y ahí conocí mucha gente, muchos amigos que tuve y tengo en el Perú. Hice varios cortometrajes: El cóndor y el zorro, El clavel desobediente, Nuestro pequeño paraíso.

Sobre ese último trabajo, “Nuestro pequeño paraíso”, fue una obra que tuvo mucha repercusión, fue muy importante pues contenía un mensaje poderoso, de crítica a la televisión. ¿Cómo se le ocurrió esa historia, cómo realizó ese cortometraje?
Recuerdo que esa película la hice solo, tenía una mesa de animación, pero esa película no la hice con la mesa de animación, sino la hice con muñecos de plastilina y con una cámara de 35 mm que había adaptado para que anduviera cuadro a cuadro.
Yo vivía en la Av. Arequipa en el edificio de la rampa, ahí cerca de Angamos, vivía en el séptimo piso. La idea se me ocurrió un domingo cuando voy a mi casa y veo por las ventanas que todas las casas de al lado estaban con la televisión prendida y entonces digo: ¿qué estarán viendo? Entro en mi casa, miro los canales que eran cuatro, creo, en aquel momento y que daban cualquier porquería, te lo digo así, ¡era terrible! y entonces digo: ¡No puede ser que todo el mundo esté pendiente de esto que están dando! ¡De esta porquería! Ahí me pongo a pensar y dije: Yo tengo que hacer algo con esto.
Ahí me puse a ponerle cabeza, quedé preocupado. Por eso se me ocurrió esa película que la hice solo en mi departamento, sin ayuda. Sí me ayudó el “Panchito” Adrianzén, él se encargó del sonido y algunos amigos hicieron las locuciones y ese tipo de cosas, pero fue hecha así, en mi casa.

Y le dio muchas satisfacciones, porque se vio en muchos festivales y ganó premios. Caló con su mensaje en mucha gente.
Sí, tuvo una presencia en todos lados, tan es así que en el año 2000, el Festival de Annecy, que es un festival grande de animación en Francia, encargó a Gianalberto Bendazzi, que es un crítico e historiador del cine de animación a nivel mundial, profesor de la Universidad de Animación de Milán y un historiador de la animación, el festival, con motivo de su 40 aniversario, le encargó que eligiera las mejores películas, las más significativas de toda la historia de la animación. Bendazzi eligió 84 películas de todo el mundo y entre esas 84 películas está “Nuestro pequeño paraíso”. Estamos junto a monstruos como Karel Zeman, Walt Disney, Norman McLaren.

“Nuestro pequeño paraíso” está metido entre esas 84 películas, esa es una de las cosas más grandes que me ha pasado en la historia de mi vida, que alguien reconociera que ese pequeño cortito tuviera ese valor internacional. [Pueden ver un avance del corto en el sitio Tournier Animation]

Walter Tournier y una de sus creaciones, en 'Selkirk'

Al ver los trabajos que usted ha hecho en el Perú, veíamos el influjo de la animación de Europa del Este, de la escuela que ha dado a mucha gente importante como Svankmajer y otros. ¿Tiene esa influencia, estudió tal vez ahí?
Nunca estudié nada, y más bien a todos ellos los fui descubriendo después. Al único que había visto antes era al canadiense Norman McLaren, que me había sorprendido sobre todo por la parte experimental que tenía, y eso creo que me ayudó a pensar que la animación no es sólo dibujitos. Te estoy hablando de 40 años atrás, cuando lo único que se veía era Walt Disney. Me acuerdo que McLaren sí hacía cosas con otro tipo de animación, diferente técnica, usando otros materiales, y todo eso me abrió un poco los ojos. Fue por eso que empecé a meterme con otros materiales.
Pero fuera de eso no he tenido otro tipo de influencia. He visto animación, pero a medida que trabajaba más en el tema iba viendo qué hacían los demás en otros lados. Quizás las cosas que hago se parezcan a uno u otro realizador, pero en todo caso es involuntario, no es nada buscado.

En 1985 regresa a su país y ahí continúa su labor en la animación, realizando cortos y series para televisión.
Sí, yo regresé en el ’85 con Mario Jacob que también vivía ahí en Lima, y también se dedicaba al cine pero más al documental. Volvimos y creamos la productora Imágenes y ahí hicimos algunos documentales, cortos de ficción, mediometrajes. Yo también hice algunas cosas en animación, pero eso duró unos 4 ó 5 años, no podía vivir de la animación y abandoné la animación.

Estuve durante 6 años sin hacer nada de animación, vendía muebles y antigüedades, me las rebuscaba. Recién por los años 90 volví a hacer animación y ahí con más fuerza. Me metí con una serie que me encargaron, eso tuvo mucho éxito acá, estuvo 12 años en la televisión…

“Los tatitos”.
Sí, “Los tatitos”. Y a partir de ahí ya me quedé, vinieron algunas películas que hice para Inglaterra, algunas series, los derechos del niño para el Instituto Interamericano del Niño. Ahí empecé, de alguna manera, a consolidarme dentro de la animación, pero me costó mucho, ya te digo, varios años que no hice nada de animación, y desde esa época hasta ahora no he parado.

Ahora tiene un gran proyecto, la historia de Alexander Selkirk, un largometraje de animación. ¿Cómo se dió? ¿Cómo se inició la idea?
Hace unos 10 años, el productor uruguayo Esteban Schroeder tuvo que ir a Santiago de Chile porque estaba produciendo una película. Antes me había planteado las ganas que tenía de hacer un largometraje conmigo. Yo nunca había hecho un largometraje, sólo habíamos planteado un bosquejo, alguna idea de hacer algo. Pero cuando va y lo cuenta en Chile a Fernando Acuña, que es un productor de Nueva Imagen de Chile, le dice: ¿y por qué el flaco no podría hacer el tema de Alexander Selkirk?, que fue el personaje que inspiró a Defoe lo de Robinson Crusoe. Nosotros desconocíamos la existencia de Selkirk, no sabíamos cuál había sido el origen de Robinson Crusoe, entonces investigamos sobre el tema y a mí me pareció maravilloso. Primero, por el tema que eran piratas y segundo por ser un tema bien sudamericano, de nuestros países de acá, del sur.

Entonces le metimos diente, e hicimos lo mismo que de alguna manera hizo Defoe: a partir de lo que vivió Selkirk inventar algo, con ciertos visos de realidad. Hay varias cosas que aparecen en la película que las sacamos de lo que realmente pasó, pero es una cosa de ficción total.

Selkirk en el barco

¿Cuánto tiempo demoró cristalizar el proyecto?
Primero 8 años en tratar de armar el esquema de producción, o sea que una vez que teníamos más o menos la idea hicimos un tráiler, un piloto, una cosa chiquita. Esteban tardó 8 años en armar todo el esquema productivo, o sea involucrar a coproductores. En algún momento estaba España y eso se cayó, y logramos después que entrara Argentina, o sea es una coproducción argentino–chilena–uruguaya.
Y después en noviembre de 2009 empezamos la preproducción de la película y hará un mes que vimos la copia ya saliendo del laboratorio, o sea que nos llevó unos 2 años y 2 meses la producción en sí misma, entre la preproducción, producción y post producción.

¿Cuáles fueron las técnicas empleadas?
Lo que hicimos es una mezcla de stop motion –los muñecos y el entorno inmediato, la escenografía y todo eso– y los fondos que son hechos en 3D, de computadora, no el 3D estereoscópico. Todo el fondo del mar, el cielo y parte de los fondos de la isla es lo que se hizo en Chile, ellos entran en la coproducción haciendo ese trabajo. La película es una mezcla de esas dos técnicas de animación. Yo le tenía cierto miedo, pero hicimos un piloto y vimos que podría funcionar.

Sobre el stop motion, todos los muñecos lo hicimos nosotros, desde la construcción hasta la animación, y el entorno inmediato. Llegamos a construir un barco de 7 metros de largo para poner los muñecos arriba, toda la cubierta, parte del casco, parte del velamen, es un barco enorme. Después hicimos todos los camarotes y otras cosas por separado, y después también toda la parte de la isla en pedazos, son varias maquetas.

Los muñecos tienen una altura de entre 20 y 30 centímetros, están construidos con una estructura interna de metal que la hacemos nosotros, tenemos toda la maquinaria para poder fabricar eso. Están recubiertos con distintos tipos de espuma, espuma esponjosa sobre los cuerpos, luego los cráneos tienen cierta dureza, pero se mueve la cabeza, la mandíbula, las cejas, los pómulos, la nariz. Tienen una estructura y encima se puso una piel de silicona, y las manos son de látex, que tienen el mismo color y texturas similares, no se nota la diferencia entre un material y otro, y después se recubrieron con telas. Las maquetas son con papel, el barco es de madera, y la parte de la isla son bases de madera, con rocas y todo eso hecho con papel, engrudo y distintos materiales, todo muy trabajado.

Y la parte de sonido, ¿cómo se trabajó? ¿Qué vamos a escuchar en la película?
Todo esto se hizo una vez que teníamos el storyboard, se hizo un animatic, con el story y el guión grabamos las voces. Las voces vienen por la parte argentina, es uno de sus aportes. Las voces están hechas en español neutro, con gente que trabaja doblando películas, y el español neutro sirve para que la gente de toda América Latina pueda comprender la película. Primero se grabaron las voces para poder hacer los sincronismos labiales, se grabaron con el animatic. Ya después de haber grabado las voces podíamos filmar teniendo el tiempo preciso de las escenas.

La parte de efectos de sonido también viene de Argentina, el sonidista fue Carlos Abbate, el mejor sonidista para mí, uno de los mejores en Argentina. La composición musical viene de Carlos Villavicencio, que también es un músico argentino, y hay un tema central, que aparece al principio y al final de la película que es una realización de Leonardo Croatto, quien trabaja conmigo en muchas películas, y un coro de murga que canta al final. La película tiene un sonido Dolby 5.1, que es muy bueno, ojalá que las salas que lo proyecten tengan eso y lo puedan apreciar, porque la verdad, el sonido quedó espectacular. Hay una tormenta por el medio, que vas a ver cómo suena.

Sabemos que Selkirk se estrenará de manera simultánea en varios países.
Sí, en cuatro por lo menos, por ahora. Los tres coproductores y el Perú. Es decir, Uruguay, Argentina, Chile y el Perú.

¿Y esa gestión cómo se logró? Es algo difícil para una producción latinoamericana.
Sí, por ese lado yo soy el primer sorprendido. Fue por el lado de Argentina, casi al final de la película que entra la productora Patagonik, y a través de Patagonik entra Buena Vista, o sea la gente de Disney que ven la película y se llega a un acuerdo de distribución en América Latina. Son ellos, los de Buena Vista quienes distribuyen la película en América Latina. Gracias a que se entusiasmaron con la película le están dando un tratamiento que para una película latinoamericana es bastante especial, pues la mayoría de las películas en nuestro continente no lo tienen. Gracias a eso viene el estreno simultáneo en cuatro países y posteriormente también se va a dar, creo, en todos los demás países latinoamericanos. Hay una propaganda tremenda, en los canales Disney están pasando el tráiler y avisos de la película, es algo muy sorprendente.

Quizás sea la señal de algo. Uno quisiera creer que hay un cambio, un interés mayor tal vez. En todo caso, se reconoce el trabajo de Walter Tournier.
Creo que esto marca que es viable entrar en esos circuitos, tenemos que seguir haciendo buena letra todos, hay que seguir con esmero y tenacidad, y ojalá que sirva esto como antecedente para que otras películas funcionen. Los distintos apoyos que puede haber en distintos países hacen que las producciones aumenten. Aquí en Uruguay no había una tradición de cine, recién 10 ó 15 años atrás se empezó a ver una fuerza en la producción y empezaron a aparecer fondos, estatales, fondos mínimos que permitieron que se empiece a hacer cosas. Tan es así que este año no sólo se estrena esta película “Selkirk” de animación en stop motion, sino que se va a estrenar otro largometraje animado en dibujo, o sea que pasamos de no hacer nada a tener dos películas de animación en un año.
Y eso se da gracias a los distintos apoyos que dan los Estados nuestros a las producciones nacionales. Gracias a ello pueden venir los distribuidores, los exhibidores para interesarse por eso y dar una difusión más amplia. Y bienvenidos sean.

¿Ha tenido posibilidad de ver otras producciones de animación del Perú o Argentina, que se han visto con mayor frecuencia en los últimos años?
Sí, aunque no vi lo último que hicieron en el Perú, sí vi Piratas en el Callao. Vi algunas cosas también en Argentina. Me alegro de que existan las producciones, y bienvenidas sean, está muy bien. Algunas tienen determinados valores y todo eso. Pero todas, me parece, van en buen camino. Lo de “Piratas en el Callao” me sorprendió que se haga un largometraje de animación, está muy bien lo que hicieron, que adolece de algunas cosas de animación, pero es un primer intento perfectamente válido. Es un primer escalón de una escalera que van a tener que seguir subiendo.
En el caso de Argentina tienen una producción mucho mayor, muchos más años de hacer películas. Hay buenas cosas, cortos y largos a nivel nacional. Está Juan Pablo Zaramella, que está haciendo unas cosas en stop motion que son impresionantes, incluso estuvo a punto de ser nominada entre los cortos de animación en el Oscar [con su corto "Luminaris"]. Hay cosas que están muy bien y me alegro, espero que continúen en ese camino. Nos falta a todos, a mí también me falta mucho aprender pero hay que seguir haciendo. Al hacer, hacernos.

Y para ir terminando, ¿puede contarnos de los proyectos para el futuro?
Antes de hacer esta película he estado haciendo algunas series para niños chiquitos, es lo que tengo ahora. Por ejemplo, mi próximo trabajo, en los próximos 6 meses, será dedicarme a hacer una serie de 13 capítulos, de minuto y medio cada uno, “Tonky”. Ya vamos 26, y ahora haremos 13 más. Son pequeños trabajos, no tienen la envergadura de “Selkirk”. Así que en realidad no tengo ningún proyecto grande. Fijate que para mí, todo esto [el estreno internacional de "Selkirk"] es una nueva etapa, quiero ver qué es lo que pasa con la película.

Si encaro otro proyecto me gustaría que fuera con mejores condiciones de producción. Con esto no quiero decir que baje los brazos, o que no vaya a hacer nada. Al contrario, tengo deseos de continuar. Pero ahora no tengo ningún proyecto en la cabeza. De todas formas, proyectos uno tiene casi siempre, lo que no se tiene es plata (risas). Entonces, ahora voy a esperar a ver de qué forma se consigue el dinero, y después vendrá el proyecto. Lo que tenemos en la cabeza es siempre lo más barato y es lo que podemos trabajar con mucho ahínco en nuestros países, y eso no me preocupa. Me preocupa más ver de qué manera se puede llegar a producir otra película como “Selkirk”.

Walter, una pregunta más sobre algunos detalles del estreno. Tenemos entendido que éste se realizará en una sala histórica de Uruguay, y que va a contar con la presencia del Presidente de la República.
Sí, vamos a hacer un avant premiere el 1 de febrero en el Teatro Solís, que es un teatro emblemático acá, es un sitio muy especial. Y bueno, el Pepe [el Presidente José Mujica] está invitado… vamos a ver si viene (risas). No, seguro que sí estará, y no solo él, están invitados varios ministros, un montón de gente. Es más, va a venir la directora del INCAA, Instituto de Cine de Argentina. ¡Y va a estar la futura embajadora peruana! Ya le conseguí una entrada a “Mocha” [Aída García Naranjo], así que ella también va a estar presente.

Muchísimas gracias Walter, por tu deferencia con nosotros, y nos gustaría poder volver a conversar contigo, ya con más detalle luego de ver tu película.
Mirá, al Perú lo siento como mi país, no sé si el primero o segundo, no me importa, yo me siento peruano. Así que el agradecido soy yo que ustedes me hagan esta entrevista, y que los peruanos puedan ver la película. Yo le tengo un agradecimiento enorme al Perú, y qué mejor noticia cuando me enteré que esta película se iba a ver ahí. Así que no tienen por qué agradecerme, yo le tengo que agradecer a ustedes, y estoy a disposición de ustedes, llámenme todas las veces que quieran, que gustoso les voy a contestar.

Un abrazo para todos ustedes, para los amigos que tengo ahí y al pueblo peruano que lo quiero mucho.

Entrevista: Luis Ramos, Laslo Rojas y Gabriel Quispe
Transcripción: José Carlos Ramos
Edición: Laslo Rojas
–

Vean un video y fotos del Making of “Selkirk”:

Rosa María Oliart en un túnel en Sullana, al norte del Perú

La relación del sonido con el objeto que lo emite es fidedigna, verídica, no arbitraria como la que existe entre palabra (significado) e imagen (significante). Esa arbitrariedad deriva al subjetivismo, que provoca interpretaciones divergentes acerca de una pieza artística, así ésta haya sido creada en el contexto de una realidad consensuada. La realidad se vuelve plural cuando se basa en la arbitrariedad. En ese caso, ningún enunciado es mentira sino una verdad diferente. La polémica en el arte y en las Humanidades radica en ese ramillete de verdades (o realidades), que pugnan por legitimarse como la única.

Sin embargo, la objetividad entre el sonido y su emisor no debe denotar una rígida relación entre ambos, una sosa literalidad, como se plasma en Desde el sonido, película abocada a resaltar la sonoridad autóctona del Perú a través de una pretenciosa puesta en escena, que sobreimprime la imagen del sonido.

Según los clichés, la ópera prima de Rosa María Oliart es una película contemplativa porque reposa en sus encuadres, porque invita al embeleso. Mas contemplativa no es cualquier película que prepondera la observación, mucho menos la que privilegia la fascinación al juicio crítico, como agradecerían los estetas dados al artificio. Una película contemplativa interpela al espectador con el contexto que se le presenta, es una película “interactiva”, que demanda vínculo más que aprestamiento. La imagen puede ser majestuosa y el sonido envolvente, sin embargo, la experiencia debe demandar más que una aguda percepción visual-auditiva; si no, estamos ante una obra cosmética, que no aspira más que a la enajenación más corriente.

Tomo como referencia el cine de James Benning para contraponer estilos. El longevo director estadounidense juega con la plasticidad de los espacios que encuadra en planos fijos, los somete a la mirada deformadora de cualquier espectador exigido por la larga duración de las tomas. Cada quien las apropia y asimila según su óptica novel o entrenada. Por su parte, Oliart hace lo contrario, acomete a ataviar los espacios con estética pictórica, los recoge de su contexto y los devuelve solemnizados por la misión: relucir visualmente las fuentes de los sonidos peruanos. Pese a estar fundidos por un montaje oficioso, la disociación entre sonido e imagen está marcada por la autenticidad del primero y la fastuosidad de la segunda.

No obstante, lo más lúcido del filme es el protagonismo de Oliart en algunas escenas que simulan el registro sonoro. Es cuando supera la timidez de protagonizar su propia película y se trasgrede la objetividad que limita la propuesta a un muestrario de lugares comunes acerca de la diversidad geográfica y cultural del Perú. Como ajena a los espacios que visita, no se mimetiza en ellos sino que los invade y les extrae el sonido que conservan. Así, adapta el ambiente a su registro, interpretando su propio papel de cazadora de sonidos, que en algunos pasajes de la película a uno se le olvida.

Dirección y guion: Rosa María Oliart | 50 min. | Perú
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart

En sus distintas secciones, este nuevo festival de cine, organizado por la Municipalidad de Lima, presentará en total 36 películas de América Latina y España, incluyendo tres muestras dedicadas a directores latinoamericanos, y una muestra de cine regional peruano, además de conversatorios y un taller de realización.

Los organizadores de este novedoso festival han tenido la saludable iniciativa de seleccionar varios filmes que han trascendido en sus respectivos países, y que han podido ser presentados en diversos festivales de prestigio en la región, en particular aquellos dedicados al llamado “cine independiente”, como el BAFICI argentino, o el Festival de Valdivia, en Chile, entre otros. Las películas elegidas cumplieron con dos requisitos básicos: haber sido grabadas en formato digital y ser la primera o segunda obra de sus respectivos directores.

Basta darle una mirada a las 16 películas en competencia para encontrar más de una película de la que probablemente han oído hablar, y otras que se presentan como novedades provenientes de filmografías poco vistas en nuestro país, como la de Guatemala, Paraguay o Ecuador. Cuatro películas argentinas, dos chilenas, dos españolas, y una mexicana completan la selección oficial.

Perú compite con cuatro películas: los documentales músicales Saicomanía, sobre la mítica banda los Saicos, y Lima Bruja. Retratos de la música criolla, acerca de la vieja guardia de la música popular limeña. Además, estará el documental inédito Choleando, que indaga en las múltiples formas de discriminación que practicamos los peruanos, y el filme de ficción Demo.

El premiado filme guatemalteco 'Las marimbas del infierno' competirá en el FIACID 2012.

La Sección Oficial es como sigue:

• Novias – Madrinas – 15 años, de Pablo y Diego Levy, Argentina, 2010
• Lo que más quiero, de Delfina Castagnino, Argentina, 2010
• El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano, Adriana Yurcovich; Argentina, 2010
• Centro, de Sebastián Martínez, Argentina, 2010
• Las marimbas del infierno, de Julio Hernández Cordón, Guatemala, 2010
• Lo que falta, de Colectivo Miope, Chile, 2010
• Efectos especiales, de Bernardo Quesney, Chile, 2011
• Los infectados, de Alejandro Alegre, México, 2011
• Saicomanía, de Héctor Chávez, Perú, 2011
• Lima Bruja. Retratos de la música criolla, de Rafael Polar, Perú, 2011
• Demo, de Miguel Vargas Valladares, Perú, 2011
• Choleando, de Roberto de la Puente, Perú, 2011
• Tren Paraguay, de Mauricio Rial, Paraguay, 2011
• Abuelos, de Carla Valencia Dávila, Ecuador, 2011
• Learning, de Andrés Villa, España, 2011
• El artificio, de José Enrique March, España, 2011

El jurado de la Selección Oficial en Competencia estará compuesto por los directores José Luis Torres Leiva (Chile), Iván Fund (Argentina), y Rafael Arévalo (Perú). Para el primer y segundo lugar del concurso se otorgará un premio de US$2,000 y de US$1,000, respectivamente. Asimismo, se entregará un premio de preferencia del público, de US$1,000.

'Hoy no tuve miedo' se verá en el Foco dedicado al cineasta argentino Iván Fund

Este festival limeño presentará además dos secciones con películas que no se pueden perder: las muestras de la fillmografía completa -con cortos y largometrajes- del argentino Iván Fund, y del chileno José Luis Torres Leiva. Además de la sección dedicada a las películas del peruano Rafael Arévalo.

• Foco Iván Fund: Sirenas, Cíclope, La risa, Los labios, Hoy no tuve miedo.
• Foco José Luis Torres Leiva: Ningún lugar en ningua parte, Obreras saliendo de la fábrica, El tiempo que se queda; El cielo, la tierra y la lluvia; Primer día de invierno, Tres semanas después, Verano.
• Foco Rafael Arévalo: Alienados, Kasa Ocupada, Pisco, Errante Aberrante, Objetos, Sirena.

Agregan dos películas como presentaciones especiales: Música campesina, del chileno Alberto Fuguet; y la española Kalte de Ramón Alfonso.

En este festival también se presentará una muestra de cine regional peruano contemporáneo, con cintas como El último guerrero chanka, del andahuaylino Víctor Zarabia y Secuelas del terror, del ayacuchano Juan Camborda.

Además se realizará un taller de cine digital para jóvenes cineastas, el cual se llevará a cabo entre los días martes 21 y viernes 24 de febrero.

La empresa Sony entregará los premios al Mejor Documental y a la Mejor Película Peruana, así como una distinción al mejor proyecto del taller. Asimismo, habrá un premio especial entregado por la Asociación Peruana de Crítica Cinematográfica.

El FIACID 2012 se realizará en tres sedes, tomen nota:

• Centro Cultural de España (Natalio Sánchez 181, Lima). Ingreso libre.
• Museo de la Nación (avenida Javier Prado Este 2465, San Borja). Ingreso libre.
• Museo de Arte de Lima (Paseo Colón125, Lima). General: S/6. Estudiantes: S/.4.

Revisen la programación completa, con los horarios de proyección:

• Novias – Madrinas – 15 años: 23/02 a las 8:00p.m. en el CCE.24/02 a las 6:00p.m. en el MALI.
• Lo que más quiero: 17/02 a las 8:00p.m. en el MALI. 18/02 a las 4:00p.m. en el CCE.
• El ambulante: 18/02 a las 6:00p.m. en el CCE. 19/02 a las 7:00p.m. en el MALI.
• Centro: 16/02 a las 8:00p.m. en el MALI. 17/02 a las 6:00p.m. en el CCE.
• Las marimbas del infierno: 18/02 a las 8:00p.m. en el CCE. 19/02 a las 5:00p.m. en el MALI.
• Lo que falta: 18/02 a las 5:00p.m. en el MALI.20/02 a las 8:00p.m. en el CCE.
• Efectos especiales: 17/02 a las 6:00p.m. en el MALI. 19/02 a las 4:00p.m. en el CCE.
• Los infectados: 24/02 a las 8:00p.m en el CCE. 23/02 a las 6:00p.m. en el MALI.
• Saicomanía: 21/02 a las 8:00p.m. en el MALI. 22/02 a las 6:00p.m. en el CCE.
• Lima Bruja. Retratos de la música criolla: 23/02 a las 6:00p.m. en el CCE. 24/02 a las 8:00p.m. en el MALI.
• Demo: 21/02 a las 6:00p.m. en el CCE. 22/02 a las 8:00p.m. en el MALI.
• Choleando: 23/02 a las 8:00p.m. en el MALI. 24/02 a las 6:00p.m. en el CCE.
• Tren Paraguay: 21/02 a las 6:00p.m en el MALI. 22/02 a las 8:00p.m. en el CCE.
• Abuelos: 16/02 a las 6:00p.m. en el MALI. 17/02 a las 8:00p.m. en el CCE.
• Learning: 21/02 a las 8:00p.m. en el CCE. 22/02 a las 6:00p.m. en el MALI.
• El artificio: 18/02 a las 7:00p.m. en el MALI. 19/02 a las 6:00p.m. en el CCE.

El 1er Festival Iberoamericano de Cine Digital de Lima (FIACID 2012) es organizado por la Municipalidad Metropolitana de Lima, el Centro Cultural de España y el Ministerio de Cultura, gracias al apoyo del Museo de Arte de Lima, y al auspicio de Sony Perú.

Visiten el blog oficial del festival, y su página en Facebook.

Como alguna vez me habían dicho: “para ser fotógrafo hay que ser conchudo”, así fue que este fotógrafo decidió entrevistar a un director a quien le interesaba escuchar. Después de comentarle que lo mio era la cámara, y recibir como respuesta un “no te preocupes”, se dio esta entrevista:

Matias Bize: 'Yo vivo del cine, tengo la suerte de vivir de las películas'

¿Cómo es el trabajo del guión en películas donde desarrollas mucho el perfil de los personajes? ¿Cuánta libertad tienen los actores para este desarrollo?
En “La vida de los peces” trabajé con Julio Rojas, el mismo guionista con el que hicimos “En la cama”. Estuvimos año y medio solamente trabajando el guion. También me gusta colaborar mucho con los actores, me gusta mucho probar cosas, ensayar con los actores, experimentar. Siento que tienen mucho que aportar; por un lado hay una rigidez de un guion que viene muy, muy, trabajado, pero también hay una libertad de los actores para proponer cosas, ya sea en los ensayos o en el mismo momento del rodaje. Me gusta dar una primera libertad donde ellos pueden probar cosas, quizás es una mezcla de las cosas; ser muy fiel a lo que venimos trabajando pero también estar muy abierto a las cosas nuevas que puedan suceder.

Me imagino que al pensar en una actriz tienes una asociación inmediata con Blanca Lewin, pero con Santiago Cabrera, ¿tenías alguna idea que podía ser él, al momento de crear el personaje?
En el fondo para el personaje de Andrés, el protagonista, yo necesitaba un tremendo actor, esta en todas las escenas y casi se hecha la película al hombro; porque también era una actuación de mucha sutileza de mucha emoción, de mucha fuerza. Necesitaba un actor realmente bueno.
Conocía el trabajo de Santiago porque había visto “El Che”; conocía al director de casting, quien me habló muy bien de Santiago, y quería que el actor de ese personaje sea chileno. Santiago además, siendo chileno, vivía fuera de Chile hace 10 años, que era exactamente lo que le pasaba al personaje, era importante que existiera esa conexión de Santiago con el personaje. Al conocerlo tuvimos buena onda, me dieron ganas de trabajar con él. Por otro lado, le gustaba mi trabajo, el guión de la película, quiso estar y siento que trabajamos muy bien. Con Blanca, nos conocíamos bien, ya veníamos trabajando, el personaje fue escrito pensando en ella, y siento que los dos funcionaron perfectamente. Estoy muy orgulloso del trabajo de ambos, y siento que aportaron mucho, hicieron que la película creciera mucho.

Incluso Blanca acababa de tener un hijo…
Claro, eso creaba un acercamiento con el personaje: ella tenía dos hijas, y Blanca estaba viviendo el tema de la maternidad. Hubo muchas cosas personales que llevaron también a los actores a sentirse más involucrados con el guion.

En tus películas las historias y los personajes, si bien no son historias propias, son de tu entorno. ¿Has pensado hacer algo con personajes más marginales o de carácter distinto?
Hasta ahora no, porque las historias que se me vienen son más cercanas, me siento muy cómodo así, me siento hablando desde la verdad, porque es algo que he experimentado. Siempre hay una ficción porque obviamente es una película y creo que si haría algo distinto a mi mundo, siento que tendría que reflejarme mucho en él también, tendría que sentirme muy cercano a ese mundo para poder traspasarlo a la película. Por ahora no me ha sucedido, no he tenido las ganas tan fuertes de hacerlo pero estoy abierto a todo, a hacer películas distintas quizás mas adelante, con otra temática, pero lo más importante es que tiene que representarme.

Respecto a lo visual, en tu película vemos muchos planos cerrados y una composición bien marcada, como mirando de reojo, con objetos y luces tan cercanos que se difuminan…
Eso tiene que ver más con gustos. Es lo que descubrimos “En la cama” y ya lo desarrollamos más en “La vida de los peces”, la cámara esta siempre muy cerca de los personajes porque trato de dejar fuera todo lo accesorio y concentrarme en la historia. Es como ver la película a través de los ojos del personaje, entonces en ese sentido la película está rodada con planos cerrados, dejando fuera otros elementos y haciendo que el espectador, viendo a través de objetos entre como un voyerista.

¿Cómo fue el financiamiento para esta película?
Cada película ha ido creciendo en su financiamiento. En el caso de “La vida de los peces”, es una coproducción con Francia, está el fondo del gobierno chileno, y esta la Televisión Nacional de Chile. Con eso se armó la producción; el productor es Gabriel Solar, es el mismo productor de “En la cama”.
El nacimiento de la película fue perfecto, puesto que pude trabajar muy bien, muy cómodo, trabajé mucho tiempo para el guion, los ensayos, el rodaje y la postproducción, pude hacer todos los cambios y las pruebas que quería para la película

¿Y económicamente como le han ido a tus películas?
Afortunadamente todas han sido películas financiadas y han tenido un éxito económico. Yo vivo del cine, tengo la suerte de vivir de las películas, y de las películas que yo quiero hacer. Eso es un lujo, y me siento afortunado por eso, y poder seguir creciendo también como director, que cada película sea mejor que la anterior. Por eso estoy muy contento.

Como que vas dejando una marca, con películas personales, de relaciones, fuertes pero reales…
Si, totalmente, esa es la idea, películas muy reales. Cualquiera pudo haber estado en esa fiesta, les ha podido suceder eso, ojalá que el espectador se emocione y se conmueva, y que se lleve algo después. Me siento satisfecho cuando la película permanece en el espectador, es lo máximo que me puede pasar en cuanto la película logre provocar algo al espectador, para una reflexión.

¿Has estado en la sala durante la proyección de tus películas?
Si, usualmente presento la película y vuelvo después para las preguntas, y es muy lindo, porque hay mucha emoción, la película siempre llega a un nivel muy emotivo, y eso me llena de orgullo, que la película llegue a un nivel emocional. Es lo que sucede cuando se te acercan conmovidos por la historia, y te dicen eso me sucedió a mí.

La música también destaca mucho en tus películas.
Es fundamental, apoya muchísimo la emoción, en “La vida de los peces” es muy importante la música, es un personaje en la película. Tengo la suerte de que mi hermano es el músico de mis películas, Diego Fontecilla hizo la música de “En la cama”, “Lo bueno de llorar” y de “La vida de los peces”. Trabajamos desde el inicio, desde el proceso de guión iba trabajando la música, componiendo, probando muchas cosas, ya tenía unas versiones grabadas que las podíamos utilizar en el rodaje, para grabar una escena. En ese sentido creo que la música aporta mucho a la película.
Hay una escena en la que toca “Inverness”, una banda que me gusta mucho, de amigos mios, y con ellos también trabajamos música para “Lo bueno de llorar”.

¿Cómo te sientes ahora al tener más medios en tu producción? Desde “Sábado” hasta “La vida de los peces” hay un mayor uso de recursos.
Siento que por un lado intento no perder el espíritu de la película, creo que cada vez mis películas han ido creciendo en cuanto a presupuesto, a historia, a tiempo. “Lo bueno de llorar” transcurre en las calles de Barcelona y “La vida de los peces” en una fiesta, pero lo que trato es que la historia sea lo más importante, y cómo contamos las historias más allá de una gran producción, de la manera más honesta.

Finalmente, ¿estás trabajando en algún próximo proyecto?
Afortunadamente “La vida de los peces” ha estado viajando muchísimo. Yo llevo ya un año pasando por festivales, por los circuitos comerciales. Arrancó en el Festival de Venecia, pasando más tiempo fuera que dentro de Chile, por lo que no tengo tiempo para desarrollar un nuevo proyecto, pero tengo muchas ganas de empezar pronto.

Entrevista: Rolando Jurado y Gabriel Quispe
Fotos: Rolando Jurado
Edición: Laslo Rojas
Realizada el 10 de agosto del 2011, durante el Festival de Lima.

Habemus Afiche. Desatinada versión peruana para el filme de Nanni Moretti.

El diario El Peruano publica un extenso informe sobre las malas prácticas en las que incurren algunas distribuidoras de películas en nuestro país, y que motivaron un comunicado reciente de la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica – APRECI, alertando al público y a los aficionados sobre el caso específico de la empresa Eurofilms Perú y sus lanzamientos de las cintas Thirst (“Rito diabólico”), The Barney’s Version (“Un novio para tres esposas”), y la recién estrenada Habemus Papam (“Un Papa en apuros”) del director italiano Nanni Moretti.

El artículo no solo hace un recuento de estos malos hábitos de promoción cinematográfica, que comprenden alteración de títulos de películas y afiches originales y publicidad engañosa en los medios, también se refiere a otros casos de lanzamientos de filmes sin su versión en idioma original (como ocurrió con “Paul” de Greg Mottola y “Un zoológico en casa” de Cameron Crowe, actualmente en cartelera).

También rememora una denuncia anterior de la APRECI a la distribuidora United International Pictures (UIP) cuando en el 2007 exhibió copias censuradas de La mujer de mis pesadillas, comedia de los hermanos Farrelly.

La nota periodística elaborada por José Vadillo recoge opiniones de críticos y periodistas sobre estos casos, que citamos a continuación:

Sebastián Pimentel: “Me parece una práctica poco ética en la medida en que se hace una publicidad engañosa y se ofrece en los afiches un producto como algo que no es en realidad. Se vende una película con publicidad engañosa”.

Gabriel Quispe: “A veces las distribuidoras de películas norteamericanas difunden por meses publicidad de cintas que finalmente nunca estrenan. U otras, que se estrenan casi clandestinamente, sin publicidad. El espectador debe de estar como un detective cada semana viendo qué estrenos hay. Las distribuidoras han de tener presente que se debe respetar la concepción de una película en su exhibición comercial y no estrenarla de cualquier manera. Pero si se estrenan películas con títulos totalmente distintos y con elementos publicitarios que alteran las cintas, ¿cómo se puede construir ese público? No solo es un despropósito contra las obras artísticas sino también es contraproducente para los intereses comerciales de las empresas que comercializan estos productos”.

Ricardo Bedoya: “Presentando la película de Moretti como una comedia convencional confunden al público y provocan la decepción o el rechazo de cierto sector de los espectadores que espera otra cosa. Pero, sobre todo, ahuyentan al público objetivo, al “blanco” al que deberían apuntar con una película así”.

Rodrigo Portales: “Lo que logran con estas malas prácticas de publicidad a la hora de presentar una película, alterando afiches con el fin de atraer más espectadores, es confundir al espectador, que al final éste resulte engañado. Otra mala práctica habitual que se ve mucho últimamente es que solo llegan versiones de películas dobladas y ponen las copias subtituladas “arrinconadas” en horarios difíciles, en pocas salas. Lo que reduce el número de opciones de quienes quieren ver una película en idioma original y con subtítulos”.

Pese a los reclamos, Eurofilms persiste en sus prácticas de timar al espectador atrayéndolo a las salas con promociones que distorsionan de manera burda el sentido de una película. Esta semana, por ejemplo, distribuyó el filme catalán Elöise, de Jesús Garay, un drama de amor lésbico, con el título de Juegos prohibidos, desfigurando así el título y poster originales.

Las nominaciones para la 84 entrega de los premios Oscar se anunciaron, presentados por el presidente de la Academia, Tom Sherak, y Jennifer Lawrence, bella revelación nominada el año pasado a mejor actriz.

Se puede ver en vivo en el canal de los Oscar en YouTube.

Revisen también la sección especial de Terra para los Oscar 2012.

Hugo de Martin Scorsese obtuvo 11 nominaciones, superando a la archifavorita The Artist, que tuvo 10. También fueron nominadas la actriz argentino-francesa Bérénice Bejo, el actor mexicano Demián Bichir, el filme animado español “Chico & Rita”, y el compositor español Alberto Iglesias.

Revisen la lista completa de nominados oficial [en inglés, en PDF]:

Mejor película

The Descendants
War Horse
The Artist
Moneyball
The Tree Of Life
Midnight In Paris
The Help
Hugo
Extremely Loud and Incredibly Close.

Mejor director
Michel Hazanavicius (The Artist)
Alexander Payne (Los descendientes)
Martin Scorsese (Hugo)
Woody Allen (Midnight in Paris)
Terrence Malick (El árbol de la vida)

Mejor película extranjera
Bullhead (Bélgica)
Footnote (Israel)
In Darkness (Polonia)
Profesor Lazhar (Canadá)
Nader y Simin/A Separation (Iran)

Mejor actriz
Glenn Close (Albert Nobbs)
Viola David (The Help)
Meryl Streep (The Iron Lady)
Rooney Mara (The Girl with the Dragon Tatoo)
Michelle Williams (My Week with Marilyn)

Mejor actor
George Clooney (Los descendientes)
Demián Bichir (A Better Life)
Jean Dujardin (The Artist)
Gary Odman (Tinker Tailer Soldier Spy)
Brad Pitt (Moneyball)

Mejor actriz secundaria
Bérénice Bejo (The Artist)
Jessica Chastain (The Help)
Melissa McCarthy (Bridesmaids)
Janet McPier (Albert Nobbs)
Otavia Spencer (The Help).

Mejor actor secundario
Kenneth Branagh (My Week with Marilyn)
Jonah Hill (Moneyball)
Nick Nolte (Warrior)
Christopher Plummer (Beginners)
Max Von Sydow (Extremely Loud and Incredibly Close).

Mejor guion original
The Artist
Bridesmaids
Margin Call
Midnight in Paris
A separation.

Mejor guion adaptado
Los descendientes
Hugo
Los idus de Marzo
Moneyball
El topo (Tinker Tailer Soldier Spy)

Mejor edición
The Artist
The Descendants
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
Moneyball.

Mejor película de animación
Chico & Rita
A Cat in Paris
Kung Fu Panda 2
El gato con botas
Rango.

Mejor fotografía
The Artist’
The Girl with the Dragon Tatoo
Hugo
The Tree of Life
War Horse.

Mejor dirección de arte
The Artist
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
Hugo
Midnight in Paris
War Horse.

Mejor vestuario
Anonymous
The Artist
Hugo
Jane Eyre
W.E.

Mejor documental
Hell and Back Again
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
Paradise Lost 3: Purgatory
Pina
Undefeated.

Mejor corto documental
The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement
God Is the Bigger Elvis
Incident in New Baghdad
Saving Face
The Tsunami and the Cherry Blossom.

Mejor maquillaje
Albert Nobbs
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
The Iron Lady.

Música original
Alberto Iglesias, “Tinker Tailor Soldier Spy”.
John Williams, “The Adventures of Tintin” y “War Horse”
Ludovic Bource, “The Artist”
Howard Shore, “Hugo”.

Canción original
“Man or Muppet” de “Los Muppets”, Bret McKenzie;
“Real in Rio” de “Rio”, Sergio Mendes, Carlinhos Brown y Siedah Garrett.

Mejor corto animado
Dimanche/Sunday
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
La Luna
A Morning Stroll
Wild Life.

Mejor cortometraje
Pentecost
Raju
The Shore
Time Freak
Tuba Atlantic.

Mejor edición de sonido
Drive
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
Transformers: Dark of the Moon
War Horse.

Mejor mezcla de sonido
The Girl With the Dragon Tattoo
Hugo
Moneyball
Transformers: Dark of the Moon
War Horse.

Mejores efectos visuales
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
Hugo
Real Steel
Rise of the Planet of the Apes
Transformers: Dark of the Moon.

Ayacucho será la sede del Primer Taller de Capacitación Audiovisual a realizarse del 27 al 29 de enero, con el patrocinio de Dicine – Ministerio de Cultura y organizado por la Asociación de Cineastas Regionales e Independientes del Perú (ACRIP), el mismo que se replicará en los próximos meses en otras ciudades del país.

Dicine y la Acrip tienen como objetivo principal el desarrollo y fortalecimiento del Cine Peruano, por lo que dentro de sus objetivos está la formulación y desarrollo de talleres de capacitación en las distintas ciudades donde nuestra asociación está presente.

El taller promueve la descentralización cultural, buscando apoyar la formación profesional y técnica de los cineastas ayacuchanos, de forma práctica y teórica, con materias como Guión, Manejo de Cámara y Realización de Documentales a cargo de especialistas con trayectoria en el medio como Edgardo Guerra, Marco Antonio Alvarado y Efraín Agüero.

Asimismo, el realizador Walter Canchanya explicará sus propuestas para producir cine de bajo presupuesto, y la directora del Festival Internacional de Cortometrajes, FENACO; Inés Agresott desarrollará algunos tips para mejorar los trabajos audiovisuales y hacerlos más competitivos en Festivales y Concursos Internacionales.

El Taller de Capacitación Audiovisual en Ayacucho cuenta además del patrocino de la Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura, con de la Dirección Regional de Cultura de Ayacucho, la Municipalidad Provincial de Huamanga y el Centro Cultural de la Universidad de Huamanga. Y el auspicio de Expreso Wari-Palomino, el Hostal Playa y la Asociación Cultural Delluc.

Las inscripciones al Taller de Capacitación Audiovisual están abiertas para todos los interesados en Ayacucho y el resto del país. Mayores informes:

Juan Camborda: jfcambordacruz@yahoo.es y cineastasregionalesperu@gmail.com
cel: 966716376 (claro), 966726248 (claro), 996961870 (movistar) RPM #0211870
Asoc. UNSCH MZ.C Lote 12 (Globovision – Canal 21) Ayacucho.

El asunto de esta bella e interesante película es el duelo de una joven pareja de padres, tras la muerte de su hijo pequeño en un accidente fortuito. Anécdota que en manos de Lars von Trier nos conduce a Anticristo, una extravagante y algo descontrolada obra maestra; pero que en el caso del director estadounidense John Cameron Mitchell resulta en una cinta intimista, con un manejo exacto de los recursos audiovisuales para evitar excesos y donde los pocos (y justificados) desbordes emocionales están muy bien ubicados y acotados en el curso narrativo.

Al otro lado del corazón demuestra la importancia de la estructura audiovisual para dar sentido a una obra artística. El filme se inicia ocho meses después de traumático hecho; es decir, que no se centra alrededor del hecho traumático, sino que empieza cuando supuestamente “lo peor ha pasado”. Pero justamente es entonces cuando la sensación de carencia empieza a corroer a la pareja protagonista. Y conforma avanza la acción, comprendemos que el filme gira en torno al dolor. No el dolor inmediato e impactante de los penosos momentos iniciales; sino el dolor rutinario, asentado y que se expande -invadiéndolo todo– en la cotidianeidad.

Ambos miembros de la pareja tienen una manera distinta de enfrentarlo y ello marca un abismo emocional que está omnipresente de comienzo a fin de la obra. Este conflicto se va manifestando gradualmente ante distintas circunstancias de la vida en común; y su desarrollo se apoya en lo que ambos se ocultan mutuamente. El repliegue sobre la intimidad del duelo –la inacción de uno con respecto al otro– es lo que acumula sutilmente a tensión y hace más llevadera la acción. Adicionalmente, cada miembro de la pareja –Becca y Howie– se desahoga de manera distinta: ella enfrentándose con su madre y hermana, y él, buscando apoyo en una amiga que padece el mismo problema y cuya relación parecería prefigurar el destino de su propia relación. En las distintas situaciones que se presentan en ambos casos, la imprevisibilidad de las reacciones de los protagonistas logran sorprender al público, siempre dentro de ese tratamiento discreto en que se desenvuelve la obra.

El avance de la acción se articula en torno a la relación entre Becca y un personaje que le permite mirar hacia el pasado y tratar de entender lo ocurrido, mediante flashbacks insertados de manera muy puntual. Paralelamente, hay otros insertos –a manera de flashforwards– que más bien nos adelantan, construyen y revelan, más que un dato clave, una metáfora de esta carencia que separa a todos los involucrados en el hecho traumático; esto es lo que podríamos llamar el tema de la película. Estos procedimientos narrativos permiten que se mantenga el interés del público, al mismo tiempo que el tratamiento (también sutil) de estas líneas de vuelta e ida, hacen que el estilo comedido y reticente resulte dramáticamente eficaz; es decir, verosímil y convincente.

Parte importante de este logro tiene que ver con el trabajo actoral, el cual se caracteriza también por un estilo sobrio y muchas veces contenido que caracteriza este filme. Lo interesante es que, al construir a sus personajes, el director huye de los estereotipos. Así, Nicole Kidman personifica a una mujer fuerte, que quiere superar el duelo por sí misma, sin apoyos y –de paso– exorcizando sus demonios con su madre y hermana. Aaron Eckart, por su parte, también es fuerte y masculino; sin embargo, él sí siente la necesidad de apoyo externo y deberá más bien superar la tentación (o, para él, falsa alternativa) de la separación (hacia la que lo empuja su esposa). El resto de personajes vive su propio drama a menor escala o, como el caso de la madre de Becca (interpretada por Diane Wiest), aceptándolo gracias al paso del tiempo. Demás está decir que la actuación es sobresaliente, dentro de los parámetros estilísticos arriba descritos; mientras que la música apoya el tono pausado de muchos momentos de esta hermosa cinta.

Todos estos componentes conducen justamente a la aceptación. Aunque, como señalé al inicio, hay algunos desfogues emocionales, se impone el tono general de la película y esos estallidos terminan acotados y subsumidos en un relato que transcurre en forma de arco. Y aunque tenemos un desenlace abierto, la película nos deja la sensación de que se ha cerrado un ciclo en la vida de esta pareja. La gran cualidad de Al otro lado del corazón es la exacta dosificación de todos los componentes narrativos y audiovisuales para obtener un resultado “redondo”; el cual es una exploración emocional del duelo, el dolor y la senda de superación, dentro de una nueva etapa de la vida, marcada por la muerte prematura de un ser querido. Película altamente recomendable.

Rabbit Hole.
Dir.: John Cameron Mitchell | 91 min. | EE.UU.

Intérpretes: Nicole Kidman (Becca Corbett), Aaron Eckhart (Howie Corbett), Dianne Wiest (Nat), Tammy Blanchard (Izzy), Sandra Oh (Gaby), Miles Teller (Jason), Giancarlo Esposito (Auggie), Jon Tenney (Rick).

Estreno en el Perú: 18 de agosto de 2011

La sonidista Rosa María Oliart dirige su primer documental

Si ya de por sí es muy difícil encontrar un documental en cartelera, lo es aún más que sea un documental peruano. Y lo es más todavía, que se trate de una película creada a partir de lo sonoro, más que de lo visual.

Desde el sonido se presenta como un documental de contemplación y descubrimiento de la sonoridad de diferentes espacios naturales y culturales del Perú. La sonidista Oliart lleva al espectador por un viaje sonoro en las diferentes regiones del Perú, mostrando la riqueza sonora del país.

La película participó en la competencia documental del Festival de Lima 2011, y se podrá ver del 19 al 25 de enero, en funciones de las 4:00 pm y las 9:30 pm, en el CCPUCP. Vean el tráiler de Desde el sonido:

Conversamos con la directora a propósito de este estreno:

Rosa María, “Desde el sonido” es un proyecto singular, porque es una película que nace de un acervo sonoro, las imágenes llegaron después. ¿Cómo surge este proyecto?
A partir de los primeros viajes de cacería de sonidos para la colección “Los sonidos del Perú”, hicimos un viaje con cámara para hacer un teaser y conseguir más auspiciadores del proyecto.
Fue entonces que nos dimos cuenta, junto con el director de fotografía, Miguel Piedra, y el editor, Julio Wissar, del potencial que tenía el trabajo de grabaciones que estábamos haciendo, con lugares y situaciones irrepetibles. Así que decidimos registrar en imágenes todos los viajes que faltaban.

¿Cómo pasaste del acopio de sonidos a la creación de imágenes y el armado narrativo?
El registro de las imágenes comenzó a tener una vida propia en el rodaje, para volverse a enganchar con el universo sonoro en la edición.
La estructura del documental se armó en la mesa de montaje. Para el rodaje, teníamos premisas claras para abordar cada locación escogida, sobre todo en el aspecto del tratamiento. Por eso hay mucha cámara fija y planos largos, así como ausencia de extras en los encuadres para conseguir que el espectador disfrute apaciblemente de escuchar.

¿Qué tipo de financiamiento tuvo esta película?
La película tuvo auspiciadores locales importantes como la Universidad de Lima, la PUCP, el Instituto Orson Welles, Lan Perú y Promperú.

¿Desde hace mucho tiempo pensaste convertirte en realizadora? ¿Iba este interés a la par con tu trabajo como sonidista?
No, este documental es mi opera prima y para mí es una obra más como sonidista, es un legado que sentía que debía dejar, mostrar al Perú desde su sonoridad.

¿Tienes algún nuevo proyecto en el que estés trabajando?
Estoy trabajando en la post producción de sonido de la película Cuchillos en el cielo de “Chicho” Durant, y en la dirección de sonido del documental Los sonidos profundos, de Javier Corcuera.

Desde el sonido (2011) – 50 min – Perú
Dirección y guión: Rosa María Oliart
Fotografía: Miguel Piedra
Edición: Julio Wissar
Música: Rosa María Oliart.

Extra: El documentalista Mauricio Godoy también comenta el estreno de “Desde el sonido” en el sitio web Hablando de Documental.

El vestido (2008), Evelyne Pégot-Ogier.
Una niña descubre algunos rincones de la ciudad, en su travesía de Pachacamác a Comas con su vestido nuevo, con un breve y reponedor descanso en el Centro Histórico.

Script (2011), de Rossana Díaz y Enrique Vivar.
En uno de los extremos de la ciudad, en La Punta, Callao, una niña juega a escribir la película de su vida. Siempre escuchamos decir que somos una ciudad que debe mirar al mar. Pues este corto lo hace, ayudándonos a descubrir, a los que aun no lo conocíamos, este apacible y muy cinematográfico balneario chalaco. Empieza la función:

Lima, 2011, de Franco García Becerra.
Un ferretero, amante del rock peruano de los años 60, y sus clientes, personajes solitarios en esta Lima que ya se transformó, enmarcados con el concreto imponente de las estaciones, y el tren que nunca parece llegar.

San Felipe (2011), de Antolín Prieto.
Un trujillano sigue con su cámara a un cusqueño interpretado por un puneño, con la voz en off de un cajamarquino. Todos juntos recorriendo la extensa Lima, de sur a norte. Desde San Isidro a Carabayllo. De la Javier Prado a la Túpac Amaru. En micros, combis, colectivos, en la “era pre Metropolitano”. Todo por una chica. La clásica.

Vine cargando mi arpa, de Carlos Sánchez y Sofía Velásquez (2011).
Documental que nos muestra a la Lima andina, hija de migrantes llegados décadas atrás, su música, y su vida y labores alrededor de este arte que se transmite de generación en generación.

Púrpura (2010), de Jorge Shinno.
La joven y típica clase media baja de Lima, en un viejo y típico barrio de Magdalena del Mar. El invierno es el escenario de este corto de ficción: un antihéroe con ínfulas de escritor y la linda limeñita que lo pone de vueltas.

¡Una carrerita, doctor!, (2011) de Julio O. Ramos.
El taxista limeño, toda una institución de la ciudad. El de esta historia es un médico, un doctor de hospital público que taxea por las calles y cerros de la ciudad para poder llegar al fin de mes, y salvar a su viejita.

Extra: Un corto que me hubiese gustado mucho incluir es Via satélite: en vivo y en directo de don Armando Robles Godoy. Lo pude ver por primera vez recién hace unas semanas y me pareció el homenaje perfecto para esta Lima que ya no es la que se muestra en las imágenes de aquellos años, pero aun así lo sigue siendo, en los rincones, en los detalles. Si miramos con cuidado, uno siempre reconoce su ciudad. Espero que los amigos del Ministerio de Cultura o la Filmoteca PUCP puedan publicar pronto este imprescindible cortometraje.

Yapa: Vean este documental gringo de 1944, Lima Family, dirigido por Julien Bryan. Puras postales turísticas de la época:

Entre los treinta proyectos de largometrajes se incluyen a dos peruanos: Islandia, de Ina Mayushin; y El agua inmóvil, de Fernando Vílchez. Viajarán a la ciudad mexicana los productores de cada proyecto: Eliana Illescas de La Churunga Films; y Francisco Bardales de Audiovisual Films, respectivamente.

Asimismo, el cortometraje peruano Detrás del espejo de Julio O. Ramos, ha sido seleccionado para la competición oficial en la categoría Mejor Cortometraje Iberoamericano. Participan 24 cortos en total.

Detrás del espejo – Sinopsis: Un empleado de telo (hotel) barato, que graba secretamente la intimidad de sus clientes, accidentalmente graba un evento que pondrá en riesgo su negocio ilícito.

Actúan Marcello Rivera, Mayella Lloclla, Carlos Cano y Susan León. Vean el tráiler a continuación:

Actualización [2 feb]: Las malas intenciones de Rosario García-Montero estará en la competición oficial en la categoría Mejor Largometraje Iberoamericano de Ficción, junto a otras 15 películas.

Además, la película Cuchillos en el cielo de Alberto “Chicho” Durant estará participando en la sección Guadalajara Construye 6, junto a otras cinco películas que se encuentran en estado de postproducción. Estas serán presentadas a los profesionales de la industria cinematográfica acreditados al FICG27, buscando lograr su terminación.

También cabe mencionar la participación del documental Nikkei, de Kaori Flores Yonekura, en la competición oficial de esa categoría. Las empresas productoras son AC No Film (Venezuela) y Mullu Producciones (Perú). La película cuenta la historia de los abuelos de la realizadora, su viaje desde Japón a Perú, y su búsqueda de una mejor vida en Venezuela. Vean el tráiler de Nikkei:

Por último, luego de la convocatoria realizada por el MinCul (ver debajo), los siguientes filmes estarán participando en el Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara: Contracorriente, Lima Bruja: Retratos de la música criolla, Rehenes, Octubre, Coliseo Los Campeones, Lars y el misterio del portal y ¡Una carrerita, doctor!
–

La Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura hace la siguiente convocatoria:

Por primera vez el Perú participará como Delegación Nacional en el 10º Mercado de Cine Iberoamericano en Guadalajara, que se realiza del 2 al 8 de marzo.

Tendremos a nuestra disposición un stand ubicado en Expo Guadalajara, sede principal del Festival, con el fin de tener una presencia integral del Cine Peruano y establecer contactos con distribuidores, productores, agentes de venta y profesionales de la Industria Cinematográfica presentes en el evento.

Los productores y realizadores interesados en presentar sus obras podrán entregar el material a la Oficina de DICINE hasta el día 16 de febrero. Asimismo, dicho material deberá contar con:

• Afiche (físico y digital).
• DVD / BLU RAY (con la obra / tráiler/ maqueta audiovisual)
• CD con logo de la Productora.
• Material informativo de contactos.
• Broshure o publicidad impresa o digital.

Mayor información sobre nuestra presencia en este mercado, comunicarse con DICINE a:

Dirección de Industrias Culturales
Telf: (511) 618 9393 anexo 3500
dicine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Perú

Steven Spielberg gana con Tintin

Los ganadores de este año son:

Mejor película dramática: Los descendientes (The Descendants).

Mejor película cómica o musical: The Artist.

Mejor director: Martin Scorsese por Hugo.

Mejor actor de drama: George Clooney por Los descendientes.

Mejor actriz de drama: Meryl Streep por La dama de hierro (The Iron Lady).

Mejor actor de comedia o musical: Jean Dujardin por The Artist.

Mejor guion: Midnight in Paris (Woody Allen).

Mejor actor de reparto: Christopher Plummer por Beginners (Principiantes).

Mejor actriz de reparto: Octavia Spencer por Criadas y señoras (The Help).

Mejor actriz de comedia o musical: Michelle Williams por My Week With Marilyn.

Mejor película de habla no inglesa: Nader y Simin, una separación (Jodaeiye Nader az Simin) – Irán.

Mejor película de animación: Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin).

Mejor música: The Artist (Ludovic Bource).

Mejor canción original: Masterpiece (W.E.).

–
Hoy se entregaron los premios Globos de Oro, y como siempre estaremos comentando con ustedes los detalles de la ceremonia, en nuestra cuenta de Twitter: @cinencuentro. Véanlo en vivo aquí y aquí.

El director y sus actores: (de der. a izq.) Dorian Fernández con Leslie Shaw, Nikko Ponce y Jürgen Gomez

La película contará en su reparto con artistas conocidos, sobre todo por sus apariciones televisivas, tales como Marisol Aguirre, Nikko Ponce y Leslie Shaw, además de la novel Airam Galliani -hija del actor Sergio Galliani-, quien tendrá uno de los roles protagónicos.

Conversamos con el realizador Dorian Fernández, cabeza de la productora productora amazónica Audiovisual Films, para que nos dé más detalles de este nuevo filme:

Dorian, leíamos recientemente que “Cementerio general” será un filme de género, de terror, poco usual en el cine peruano. ¿De qué va la historia que cuentas en la película?
Así es, en este caso estamos apostando por el terror, que es un género que me ha interesado mucho, ya anteriormente hemos hecho algunos cortometrajes con ese espíritu. [En el 2007, Dorian Fernández estrenó el corto Chullachaqui, con gran éxito de taquilla en Iquitos].

La historia del filme es una compilación de historias urbanas, con inspiración en la realidad, que sucedieron en Iquitos, y que hemos tratado de condensar en el guión. Es la historia de un grupo de adolescentes de clase media que viven en la ciudad y que, de pronto, empiezan a experimentar una serie de hechos paranormales, que tienen que ver con un sucesos del pasado, algo que retorna como una suerte de maldición. Ellos intentarán escapar de ella, a como dé lugar.

¿Es un guión propio? ¿con quiénes lo trabajaste?
El guión lo coescribí junto con Javier Velásquez, uno de los nuevos valores de Audiovisual Films, quien en esta oportunidad además será el productor general del filme.

¿Cuáles serían tus referentes para esta película?
Buscamos tener un impacto comercial fuerte con un género, el terror, que siempre ha funcionado en los cines peruanos. En ese sentido, estamos trabajando con algunos recursos recientemente vistos en el género, como el caso de la cámara en mano o la idea del falso documental, tal como lo plantean películas como El proyecto de la Bruja de Blair, REC o Cloverfield.
Creemos que esta historia va a enganchar al espectador en todo momento, y además es muy identificable porque le puede suceder a cualquiera.

¿Cuál será el reparto de actores con el que contarás?
Contamos con un elenco que considero es de primer nivel. Estarán acompañándonos en la película, Marisol Aguirre, Nikko Ponce y Leslie Shaw. Además, tendremos el debut actoral de Airam Galliani, que ha mostrado un extraordinaria capacidad para aceptar la fuerte carga de tensión que demanda su papel. También nos acompañará el actor colombiano Jürgen Gömez, muy talentoso, que sé que va a dar que hablar.

Adicionalmente, estamos promoviendo nuevas figuras de la actuación amazónica, con quienes hemos venido trabajando desde hace unos meses en la escuela de actuación que hemos iniciado en Iquitos. Ellos serán una verdadera sorpresa, además, de algunos roles secundarios y más de un centenar de extras.

¿En qué locaciones se grabará la película?
Grabaremos en Iquitos, será básicamente una historia urbana, en diversas locaciones. Una de ellas, la principal, es el famoso y centenario Cementerio General de la ciudad, que es una locación perfecta para grabar.

¿Esta producción es autofinanciada o han conseguido el apoyo de alguna institución privada o del Estado?
La película empezó a gestarse a principios del 2011, ya podemos hablar de una producción de mediano presupuesto, además de un gran despliegue de producción, que ha contado felizmente con el auspicio y el apoyo de todas las instancias públicas y privadas que hemos convocado. Entre ellas, los principales son el Gobierno Regional de Loreto y la Municipalidad de Iquitos además del IPAE, Rústica, Coca-Cola, Hotel Samiria, entre otros.

¿Con qué equipos técnicos estarán realizando las grabaciones?
La parte técnica se está cuidando mucho, será una producción en Alta definición y el sonido será posproducido en 5.1 con Perfo Studio de Guillermo Palacios, entre otros detalles muy cuidados que asegurarán una buena factura técnica.

Extra: Este viernes 13 de enero, a las 11 a.m. se realizará el lanzamiento y conferencia de prensa de “Cementerio general” en el Casino Fiesta de Miraflores.

Actualización [14 enero]: Luego de realizada la conferencia de prensa, el diario La República publica esta nota. Vean además muchas fotos del evento en el facebook de Audiovisual Films.

Paraíso, de Héctor Gálvez

A finales del 2011, publicamos una lista de películas peruanas exhibidas en el circuito alternativo. Ahí figuran una treintena de películas que tuvieron pocos testigos, no solamente por desidia del espectador peruano, también porque no hay un circuito de salas que las albergue, que las luzca como si de una cartelera se tratase.

Muchas de las películas de esa lista se mostraron una sola vez antes de convertirse en estadística para los recuentos anuales. Injusto, tanto para los realizadores del filme, como para el público que no tuvo la chance de hacer su papel de espectador. Incluso para la crítica, para quien también estas producciones fueron escurridizas. Cine involuntariamente invisible.

Precisamente, esa situación es la que queremos corregir con esta nueva iniciativa: la coordinación de una cartelera alternativa -y exclusiva- para el cine peruano, en una red de salas alternas al usual circuito comercial.

Empezaremos esta labor en el Cineclub Pueblo Libre, la sala Ventana Indiscreta y la sala Luis Miró Quesada Garland (LMQG). La programación que arranca este mes de enero es la siguiente, todas las funciones inician 7.30 p.m, y recuerden que el ingreso es gratuito para todas las salas:

• Paraíso: lunes 16 (LMQG) y jueves 19 (C. Pueblo Libre)
• Octubre: lunes 23 (LMQG) y jueves 26 (C. Pueblo Libre)
• Las malas intenciones: lunes 30 (LMQG), jueves 2 feb. (C. Pueblo Libre) y viernes 3 feb. (Ventana Indiscreta)

Sala Ventana Indiscreta Cine Arte U. Lima:
Av. Javier Prado Este s/n, Monterrico, Lima 33.
Pabellón E-1 tercer piso

Sala Luis Miró Quesada Garland:
Av. Larco 400 – Palacio Municipal de Miraflores, Lima 18.
Twitter: @SalaLMQG

Cineclub Pueblo Libre
Av. Cipiriano Dulanto 949 (Ex La Mar), Pueblo Libre, Lima 21.
Twitter: @cineclubpb
–

Así, Paraíso, de Héctor Gálvez, se proyectará dos veces la semana próxima. Primero, en la sala LMQG en el marco de la exposición “El último lustro”, una muestra panorámica de la producción artística en los últimos cinco años de Cusco, Arequipa, Iquitos y Lima.

Sin dudas meritorio, sin embargo no es la única película que ha sido curada para esa abarcadora muestra de arte peruano contemporáneo. Además estarán las óperas primas de los hermanos Daniel y Diego Vega, y de Rosario García-Montero, Octubre y Las malas intenciones, respectivamente, que podrán verse de nuevo los lunes subsiguientes.

Dos noches después de la pasada en Miraflores, el querible Cineclub Pueblo Libre tomará la posta, concluyendo este primer, pequeño pero significativo ciclo, en la sala Ventana Indiscreta, de la Universidad de Lima.

Octubre, de los hermanos Vega

Si bien inauguramos con este trío de películas que en su momento se exhibieron ante miles de personas, la vocación de esta red será darle reflectores al cine peruano más desatendido, al que no cuenta con una maquinaria detrás para hacerlo masivo, al escaso de recursos desde su gestación.

El público podrá juzgar las películas cuando las vea, pero que las vea primero. Que todo esfuerzo de esta red sirva para que superemos el prejuicio del “cine de calatas” y otros calificativos malsonantes. Creemos una ilusión para quizás ser desilusionados, no seamos escépticos y ateos voluntarios, mejor formémonos como tales. Eso indicará que hemos aprendido, que hemos cursado un sendero.

Actualización [9 enero]: El director nos comunica que este avance NO es oficial, ni estaba pensado para hacerlo público, sino para ser presentado a festivales y concursos. Nos avisa además que estarán publicando el tráiler oficial a fines de mes.

En este extracto de más de 10 mins. podremos ver algunos de los músicos que Javier mencionó en la entrevista que le hiciéramos en noviembre pasado.

Camilo Ballumbrosio, Máximo Damián, Susana Baca, Félix Casaverde -fallecido recientemente-, Andrés ‘Chimango’ Lares, entre otros, realizan todos, cada uno a su manera, un viaje de retorno, un regreso al lugar de origen, donde la música dentro de cada uno de ellos, nació. Andina, criolla, negra, mestiza, como dice unos de los personajes del documental: “la música que es buena, es buena”. Vean el teaser de Los sonidos profundos:

Para este, su tercer largometraje, Aguilar se aleja de la temática de violencia política que vimos en sus dos primeros trabajos, Paloma de papel y Tarata, para proponernos lo que parece ser una una historia íntima, de personajes solitarios: un guachimán, una anciana viuda, y una adolescente suicida.

Navideña Kani Hart, en su primer protagónico en el cine

Destacan en el reparto Ubaldo Huamán y Kani Hart -a quienes vimos recientemente en “Las malas intenciones”, aunque no compartiendo escena alguna-, además de la veterana Elide Brero -quien también protagoniza una nueva película que debería estrenarse este 2012, Casadentro de Joanna Lombardi-.

Lima Trece se desarrolla en la Lima actual y contemporánea, en una Navidad particularmente calurosa. El protagonista, un Guachimán, Wachi (Ubaldo Huamán), solo busca que lo dejen tranquilo en la rutina de su trabajo, vigilar un edifico de cuatro pisos en una zona residencial acomodada de la ciudad; y de su casa. Su mecánica laboral consiste en asegurarse que todo este en orden, y Wachi, sin quererlo, se convierte en observador de la vida de los vecinos, incluyendo la de Trini (Elide Brero), una viuda anciana que ha vivido en ese mismo lugar desde hace décadas.

Todo ocurre con normalidad en la vida de Wachi hasta que sucede algo que lo descuadra, es la llegada de Tesla (Kani Hart), una adolescente extraña e impulsiva, que se muda a vivir al edifico donde Wachi trabaja. Tesla, en un intento de llamar la atención, juega al suicidio sobre el tejado del edificio, y Wachi se ve obligado a salvarla. A pesar de que él es incapaz de expresar sus sentimientos, se fragua una particular amistad entre Wachi y la joven.

Ubaldo Huamán y Fabrizio Aguilar hacen un pago a la tierra, antes de iniciar el rodaje

Si bien Aguilar no recurre, para esta nueva película, a los años del terrorismo como en sus largos anteriores, sí parece que mantiene un interés por mostrar las diferencias y roces que se dan entre los diferentes estratos sociales en nuestra ciudad.

Lima Trece se graba en locaciones en Lima, Miraflores y Cercado, entre ellas en el Museo de Arte de Lima, MALI, como podrán ver en las fotos del Facebook de la película.

Ficha artística

Wachi: Ubaldo Huamán
Trini: Elide Brero
Tesla: Kani Hart
Sandra: Liliana Trujillo
Carmen: Norma Martinez
Johnny: Oscar Pacheco

Aquí el director parece recibir las instrucciones de la experimentada Elide Brero

Ficha técnica

Director: Fabrizio Aguilar

Producción general: César Fajardo
Producción ejecutiva: Alvaro De Albertis

Director de Fotografía: César Fajardo
Foquista: Mathias Durán
Script: Susan Rojas
Director de sonido: Omar Pareja

Directora de Arte: Chiara Rizo Patrón
Diseño de maquillaje y peinado: Lucianna Salomón
Vestuarista: Carolina Silva

Kani Hart dirigida por Fabrizio Aguilar

Estimados realizadores, el 1º Encuentro de Jovenes Realizadores de América Latina y el Caribe (Nuestras Américas – Nuestros Cines) se aproxima a su realización y aprovecha esta oportunidad para lanzar la convocatoria a una amplia y democrática participación de la juventud de los diferentes países de nuestras Américas. La fecha del evento está programada del 21 al 24 de marzo del 2012, en la ciudad de Sobral, Estado de Ceará, en el Brasil.

La organización cuenta con la colaboración de los gobiernos de los países de América Latina y el Caribe para que dos jóvenes representativos de las cinematografías de cada país puedan hacerse presentes. La organización dispondrá pasajes para los jóvenes realizadores de los países con menos recursos y a todos les ofrecerá alojamiento, alimentación y los traslados en territorio brasileño.

Las naciones de América Latina y el Caribe necesitan descubrirse como integrantes de una misma comunidad de destino, no apenas por medio del consumo de los productos culturales industrializados o por la imitación de los modelos globales, si no y fundamentalmente por su capacidad de saber mostrar los tesoros de sus culturas e interactuar con las culturas de los pueblos de todo el planeta. Diversidad significa también proximidad, intercambio, comunión. Al otro solamente debemos ofrecerle lo mejor de nosotros, nuestro mejor tesoro, nuestro proprio ser, nuestra cultura más original, aquello que nos diferencia y nos aproxima.

El 1º Encuentro de Jóvenes Realizadores de América Latina y el Caribe no será apenas un encuentro de jóvenes de diferentes tendencias estéticas, razas y clases sociales, será también el encuentro de la diversidad cultural de América Latina y el Caribe. El emblema principal será el intercambio y la reciprocidad entre los pueblos, en una experimentación de nuevas posibilidades estéticas y de vivencias emocionales intensas: la vanguardia encontrándose con la tradición, las expresiones de las artes populares con las artes eruditas, las culturas de los pueblos originarios con las culturas urbanas. Un encuentro hecho de complicidad y de desafíos.

Por ello la Dirección de Industrias Culturales del Ministerio de Cultura ha tenido a bien abrir esta convocatoria a modo de concurso para seleccionar a dos jóvenes realizadores para integrar la delegación peruana que asistirá de manera oficial a dicho evento. Los candidatos serán todos los jóvenes graduados de la carrera de comunicación audiovisual, no mayores de 35 años, quienes deberán enviar su hoja de vida a nuestra dirección electrónica dicine@mcultura.gob.pe hasta el día viernes 10 de febrero. Los resultados se darán el día 21 de febrero.

Para mayor información sobre el evento y la participación directa en el mismo pueden comunicarse con la organización a este correo tito.ameijeiras@gmail.com

Muchas gracias.

Dirección de Industrias Culturales

Telf: (511) 618 9393 anexo 3501
dicine@mcultura.gob.pe
www.conacine.pe

Av.Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima – Perú

De las películas que he visto este año, la que me parece la mejor no ha sido vista comercialmente en Perú. Es Melancholia, de Lars von Trier. No he visto “Rito diabólico” de Chan-wook Park, pero por los comentarios que he escuchado, podría estar en la lista de las mejores del año. Tampoco “Enterrado”, una cinta de género aparentemente interesante.

Kirsten Dunst en estado de gracia. Melancholia.

En cuanto a las películas estrenadas comercialmente, me parecen las mejores:

1. Al otro lado del corazón, de John Cameron Mitchell
2. El cisne negro, de Darren Aronofsky
3. Medianoche en París, de Woody Allen
4. Camino a la libertad, de Peter Weir
5. El discurso del rey, de Tom Hooper
6. El escritor oculto, de Roman Polanski
7. El peleador, de David O. Russell
8. El gran concierto, de Radu Mihaileanu
9. Carancho, de Pablo Trapero
10. Conocerás al hombre de tus sueños, de Woody Allen

También podría añadir las siguientes en el mismo rubro:

11. Super 8, de J.J. Abrams
12. Vecinos y enemigos, de Craig Lucas
13. Planeta de los simios: (R)evolución, de Rupert Wyatt
14. Un cuento chino, de Sebastián Borensztein
15. La casa muda, de Gustavo Hernández

Dos películas ambiciosas que me parecieron fallidas:

• El turista, de Florian Henckel von Donnersmarck
• Biutiful, de Alejandro González Iñárritu

Lo mejor del 2011, para Laslo Rojas

Primero, las que vi en el Bafici. Peliculones todas:

Las cosas simples de la vida. Hoy no tuve miedo

• Hoy no tuve miedo, pequeña gran pelicula argentina, la mejor latinoamericana del año. Uno de los mejores directores de actrices actualmente tiene que ser el entrerriano Iván Fund. La sensibilidad y naturalidad de un pata de provincia se trasluce en muchos momentos de esta película -marcando diferencia con muchos de sus compatriotas, pretenciosos “estudiantes de cine de auteur” porteños-.
  Vean también “Los labios”, codirigida por Fund y Santiago Loza, donde se luce el trío de actrices que ganó el premio a Mejor interpretación en Cannes 2010.
• Copie conforme, belle Binoche, très belle! Si vas a ver una del iraní Abbas Kiarostami, que sea esta. Demasiada belleza, original, histérica, multilingüe. Antes que hagan la tercera parte de Before Sunrise/Sunset, tienes que revisar esta película, es casi como ver a Jesse y Céline 15 años después.
• Nostalgia de la luz, impresionante paralelo entre lo cotidiano y lo sideral, lo mundano y lo cósmico. Con razón le cuesta tanto dinero hacer sus películas al chileno Patricio Guzmán.

También recuerdo del Bafici:

• La muerte de Pinochet, aqui nos hace falta un documental asi, que enfrente con crudeza pero sin maniqueismos a fujimoristas con antifujimoristas. No es necesario que esperen a que muera, ojo.
• Musica campesina. “Qué, viniste a Buenos Aires a ver pelas chilenas”, me decía Alberto Fuguet. Al menos su película tiene un toque justo de foreignness, de white trash, tipico de sus pelas/libros. Yo me sigo quedando con “Velódromo”, sin embargo comprendo porque muchos consideran que esta pelicula es un paso adelante en su filmografía. Y además, tiene un final de aquellos. Casi que dan ganas de ser chileno…

Tres que vi en la laptop:

• Ulises, notable historia de un ilegal peruano recién llegado a Santiago. La opera prima de Oscar Godoy deja notar, entre otras cosas, que el dejo limeño es dificilísimo de imitar. Esta la vi en streaming.
• De caravana, una muestra más del cine ‘regional’ argentino. Divertidisimo screwball urbano del cordobés Rosendo Ruiz. Por momentos me recordaba a “Te creís la más linda, pero erís la más puta”. La vi en dvd.
• La vida útil. Una oda al cine clásico y un bello homenaje a la cinefilia latinoamericana. La pude ver primero en streaming, luego conversé con el director, el uruguayo Federico Veiroj en Bafici; para finalmente voler a verla en pantalla grande, en el Festival de Lima.

En el Festival de Lima vi además dos joyitas:

• Abismo plateado, es casi un follow-up de “Viajo porque preciso, volto porque te amo”, es que del amor y el desamor están hechas las mejores películas. Siempre tendremos Copacabana…
• Las acacias. Una historia mínima, sorprendente en su sencillez y en su calor humano. Grande y entrañable pareja protagonista, y la beba, la revelación del año. Denle la Palmita de Oro.

Finalmente, de la cartelera local, puedo rescatar de mi memoria, sin ningún orden en particular, salvo la primera que es la mejor, de lejos:

• Midnight in Paris. Arriba bien arriba. Qué viva la luz, muerte al cinismo. Woody ya se está forjando aquí su propia inmortalidad.
• The Fighter. Un golpazo de aquellos. Porque la vida se pelea también en el ring de las cuatro perillas.
• Buried. A Blackberry saved my life! O cómo morir en el intento.
• Winter’s Bone. Solo dos palabras: Jennifer Lawrence. Ídola.

También valió la pena ir al cine para ver estas:

• Rango
• El discurso del Rey
• The Way Back
• Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma
• Blue Valentine
• El planeta de los simios: (R)evolución.

La del estribo: Melancholia aún la estoy viendo, luego de ver el primer capítulo de la película puedo decir que Kirsten Dunst empieza aquí su segunda carrera en el cine. Tremenda belleza de mujer.

Yapa: Lean también todas las películas favoritas del 2011, para los miembros de APRECI.

Y se hizo la luz en 'Midnight in Paris'

Mejores estrenos comerciales

1. Medianoche en París (Midnight in Paris, 2011), de Woody Allen. El veterano autor volvió a lo grande en la Ciudad Luz, entre Hemingway y Toulouse–Lautrec.
2. El escritor oculto (The Ghost Writer, 2010), de Roman Polanski. Otra vieja gloria que entrega una obra de plena madurez, sobre las sombras del poder que rodean a la escritura por encargo.
3. En un rincón del corazón (Somewhere, 2010), de Sofia Coppola. El tedio de ser una estrella de cine.
4. Temple de acero (True Grit, 2010), de Ethan y Joel Coen. El añejo paisaje en manos siempre frescas.
5. El discurso del rey (The King’s Speech, 2010), de Tom Hooper. A Colin Firth hasta la garganta le suena, como la puerta crujiente de una mente bloqueada.
6. Viene por ti (Coming Soon, 2008), de Sopon Sukdapisit. Cuando la cinefilia corre riesgos sobrenaturales… y da gusto verlo.
7. Lazos de sangre (Winter’s Bone, 2010), de Debra Granik. Filme independiente USA que se adentra no sólo en los parajes boscosos y agrestes de Missouri, sino también del entorno viciado de rencores y leyendas que alcanzan a una adolescente de 17 años, sin padre, sin inocencia, casi sin hogar ni qué perder.
8. El mensajero (The Messenger, 2009), de Oren Moverman. La visibilidad en territorio norteamericano de la presencia en Irak. Uno por uno, puerta por puerta.
9. Al otro lado del corazón (Rabbit Hole, 2010), de John Cameron Mitchell. Suburbio apacible, accidente absurdo, matrimonio en crisis. Una historia de luto y desasosiego alejada de la estridencia.
10. Un cuento chino (2011), de Sebastián Borensztein. Ricardo Darín e Ignacio Huang en un excelente timing, dándole credibilidad a una fábula imposible que el director sabe dotar de emoción.
11. Enterrado (Buried, 2010), de Rodrigo Cortés. El “costo colateral” de las guerras preventivas y los empleos esclavizantes a miles de kilómetros de Washington.

Cine peruano

¡Sálvame de las majors, Olaya! - Las malas intenciones.

La mejor película: Las malas intenciones, de Rosario García–Montero. Examina un contexto de destrucción y desintegración de lo colectivo desde la mirada de una niña que es sensible pero también presa de sus miedos y de las taras de su entorno más cercano. La frialdad materna, el vínculo paternal ambiguo, la llegada imprevista de un bebe, el clima de violencia y caos que se percibe en las calles e incluso en las casas en los intempestivos apagones, forman parte de las preocupaciones de Cayetana De Los Heros, en cuyo imaginario los próceres de la patria entran y salen de escena al compás de sus recelos de lo que está dejando de ser, hija única, y de lo que está volviéndose, una hermana mayor en jaque.

La producción sigue incrementándose, con un volumen que ha alcanzado no menos de treinta y cinco largometrajes realizados en todo el país, muchas veces en estrenos locales que por lo general pasan desapercibidos para los medios masivos y la propia comunidad cinematográfica. En ese circuito alternativo, las obras más destacables fueron Cada viernes sangre, de Fernando Montenegro, y los documentales La Cantuta en la boca del diablo, de Amanda Gonzales, y Desde el sonido, de Rosa María Oliart.

Por otro lado, dos largometrajes regionales, El último guerrero chanka, de Víctor Zarabia, y Reshinn, sangre de anaconda, de Rogger Asto, se exhibieron en cines comerciales en formato digital DCP, y la cinta peruana que congregó más público, 95 mil espectadores, fue El guachimán, de Gastón Vizcarra, lanzada en celuloide y también en DCP. Además, los premios internacionales siguen llegando.

Y en la montaña rusa institucional de los últimos años, hubo dos puntos extremos. En el primer semestre, en las postrimerías del gobierno anterior, la disolución del otrora Consejo Nacional de Cinematografía (Conacine) fue un momento crítico. Afortunadamente, no ha impedido que se realicen los concursos previstos para los últimos meses de este año, ni que se anuncie la convocatoria de los que tendrán lugar el próximo, ni que se aumente significativamente los fondos obtenidos en Ibermedia.

Por el contrario, la reciente creación en el Ministerio de Cultura de un Grupo de Trabajo que elabore un nuevo proyecto de ley, con el aporte de todos los gremios del cine nacional, tiene expectante a la comunidad cinematográfica. En el 2012, esta historia continuará…

Primero, debo reconocer que no he visto las siguientes películas: “Hugo”, “Tinker Tailor Soldier Spy” y “Shame”, que quedaron entre las 15 películas del 2011 votadas por los bloggers de YAM Magazine, así como Take Shelter, The Artist, The Descendants, y otras varias películas que están dando que hablar en la temporada de premios y aún no han llegado a nuestras carteleras… u otros medios alternos ;)

Por lo pronto, estas son mis once películas del 2011:

11. Source Code

Michelle Monaghan y Jake Gyllenhaal. Source Code.

Un “Groundhog Day” de ciencia ficción. Una fórmula poco ortodoxa que ya trató de realizarse con menor éxito en “The Adjustment Bureau”. Source Code viene de la mano de Duncan Jones, quien le dio al mundo la aclamada Moon. Con actuaciones sólidas de Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan y Vera Farmiga, así como con concepto innovador que va a la par de “Inception”. ¿La única diferencia? El final feliz. LOL

10. Rise of the Planet of the Apes
La sorpresa del 2011 se la lleva El planeta de los simios: (R)evolución. Después de una campaña de marketing terrible, fue salvada por las buenas críticas y las opiniones de boca en boca. O de blog en blog.

9. Melancholia

El fin del universo, al alcance de la mano. Melancholia.

Cuando Lars Von Trier nos prometió “una película hermosa del fin del mundo” no nos mintió. Si mañana fuese nuestro último día en la tierra, tendríamos suerte de presenciarlo de esta forma. Por supuesto, Melancholia es super deprimente con grandes actuaciones de Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg y Kiefer Sutherland, y no se trata del fin del mundo. Sin embargo, esos primeros y últimos diez minutos lo valen todo.

8. Incendies
Parte drama político, parte drama familiar y mucha telenovela. Cuando me refiero a “telenovelas” hablo de cosas que uno no puede imaginar que pueden pasar, con una gran actuación de Lubna Azabal. Coproducción franco-canadiense, nominada al Oscar como Mejor filme extranjero del 2010.

7. Winnie the Pooh

Eeyore, Kanga, Roo, Owl, Rabbit, Piglet, Tigger, Christopher Robin. Winnie the Pooh.

En la épocas de las películas animadas CGI, donde todos parecen morir por “Rango”, la pequeña película de Winnie the Pooh se llevó parte de mi corazón. Con sencillos gráficos en 2D, fondos bastante detallados con cierto estilo acuarela, este cortísimo film animado destacó como una gota de tinta en papel blanco.

6. 50/50
¿Quién podría creer que el cáncer es tema de comedias? Siguiendo el estilo de esa serie con Laura Linney, “The Big C”, 50/50 nos presenta a un recién diagnosticado Joseph Gordon-Levitt junto a su pata del alma Seth Rogen.
Está bien, 50/50 no es un comedia hilarante sobre el cáncer, más bien una de esas películas que los americanos llaman dramedy, donde el libreto trata de balancear los momentos cómicos con el drama medio llorón que al final siempre llega.

5. We Need to Talk About Kevin
Tengo que admitir que sin saber absolutamente nada de este film, los primeros minutos me parecieron bastante graciosos, aunque tal vez esté “proyectándome”. La idea de una inadecuada madre -Tilda Swinton- se convierte en algo más cuando vemos la evolución de Kevin. Y luego dicen que una buena zurra no nos cae bien.

4. Chico & Rita

En el Hotel Nacional de La Habana. Chico & Rita.

Música, estilo y pasión latina se unen en esta película animada española sobre una pareja de cubanos que se separan cuando les llega el éxito. Al mejor estilo de las películas de Hollywood de antaño.

3. Drive
Parte persecución en auto, parte heist film, parte mafia, parte historia de amor y todo lo que se necesita para un drama, Drive nos lo da todo, con Nicolas Winding Refn, Ryan Gosling y Albert Brooks.

2. Midnight in Paris
Todos somos soñadores y cuando Woody Allen nos dio la oportunidad de no solo viajar a París, sino también de viajar en el tiempo, nos dimos cuenta que Midnight in Paris era una película mágica sobre amores que no pueden ser, y épocas que ya pasaron… pero sobre todo, un poema para la ciudad de las luces.

1. Sunny

Let's party like it's 1985! Sunny.

Quien iba a pensar que, en solo un par de meses, esta sorpresa coreana se convertiria en mi película favorita del 2011. Luego de su estreno a comienzos de mayo, Sunny triplicó su venta de entradas en su segunda semana en cartelera, y se volvió al número 1 en su octava semana, terminando su recorrido en las salas con una venta de mas de 7 millones de tickets, convirtiéndose en la 11° película coreana en la historia de la taquilla del país. ¿Por qué? Nostalgia, música ochentera, amistad y mucho humor. Véanla completa en YouTube, mientras puedan:

Naomi Watts y Anthony Hopkins en You Will Meet a Tall Dark Stranger

Con Woody yo no puedo ser objetiva, sobre todo si veo esta película en un cine en Madrid, comiéndome un doner kebab y en compañía de uno de mis mejores amigos a quien no veía hacía dos años.

El Woody de ahora ya no es el Woody de antes, pero el Woody de ahora tiene la sabiduría de la vejez, la seguridad de no tener que demostrar nada porque él ya lo demostró todo a lo largo de tres décadas, el cinismo de no temerle a nada, o de temerle solo a la muerte, pero siempre, eso sí, haciéndole frente con sentido del humor (aunque ahora ya no está la muerte hilarante de “La última noche de Boris Grushenko”, ahora está presente la muerte de verdad, esa que no tiene disfraz y llega cuando uno es viejo).

Woody ya no se preocupa por cerrar sus historias, ya no se preocupa por una estética especial en sus películas, Woody solo cuenta historias que cada vez se parecen más a la vida misma y, sobre todo, a la vida de las personas mayores, de los que tienen su edad y se lamentan por haber llegado a la vejez, porque en la vida misma no hay final cerrado, ni los conflictos se resuelven muchas veces, nos quedamos muchas veces así, como quien exige una explicación, dándole vueltas a nuestros problemas.

Y así los deja Woody a sus personajes: sin rumbo, perdidos, enfrentándose a sus errores sin solución posible, como para que nosotros terminemos el guión en nuestras casas, o bien, como sucede con sus personajes, esperemos a aquel personaje que aparecerá en nuestras vidas para cambiarla, con o sin adivina de por medio.

Entre broma y broma -porque Woody no puede dejar de hacer reír- nos está enfrentando a la tragedia que supone ser un viejo que quiere ser joven, al fracaso de su intento; a una señora que evade el abandono de su esposo con la magia y la adivinación, porque a algo hay que aferrarse cuando uno se queda solo; a la mentira de un escritor que vive del cuento y que por amor a su joven vecina cometerá un acto poco ético; al rechazo de un hombre hacia una mujer que se siente perdida y abandonada y las vueltas que da el amor cuando éste se enamora de su amiga; y ahí, en medio de todos estos enredos, están todas las películas de Allen, están todos sus personajes, releídos por el mismo, revisitados muchos años después, porque la vida se revisita constantemente mientras nos hacemos mayores. El cine de Allen es vital, es verdadero, y la catarsis de su edad y sus frustraciones están dadas a través de sus personajes.

Extraordinarios Anthony Hopkins y Gemma Jones, como pareja de la tercera edad que entra en crisis, casi como si los personajes de aquellas memorables películas de los años 80 se hubieran hecho ya abuelos y se estuvieran negando a morir tan pronto, casi como lo hace el propio Woody, que se niega a morir y por eso sigue escribiendo guiones y dirigiendo. Porque parece que solo creando se está vivo y eso él lo sabe muy bien. Estamos ante uno de los grandes genios del cine, haciendo las películas de la última etapa de su vida, y queremos, cómo no, recordar que gracias a él hemos sido tantas veces felices.

You Will Meet a Tall Dark Stranger. Dirección y guión: Woody Allen | 98 min. | España y EE.UU.

Intérpretes: Naomi Watts (Sally), Anthony Hopkins (Alfie), Antonio Banderas (Greg), Josh Brolin (Roy), Gemma Jones (Helena), Freida Pinto (Dia), Lucy Punch (Charmaine).

Estreno en España: 27 de agosto de 2010.
Estreno en Perú: 22 de diciembre de 2011.

Flor Quesada es 'La boba'

Ustedes lo decidieron así. En una disputadísima votación, la película de Ronnie Temoche superó a “Las malas intenciones”, de Rosario García-Montero, en nuestra encuesta anual para elegir a la mejor película peruana.

El Inca, la boba y el hijo del ladrón alcanzó el 39% (665 votos), mientras que Las malas intenciones se quedó con el 38% (633 votos).

La ópera prima del experimentado realizador Ronnie Temoche se presentó primero durante el Festival de Lima, en agosto, donde también fue elegida la mejor película peruana, por el voto del público. Luego, a inicios de setiembre, se estrenaría en salas comerciales.

En nuestra encuesta, “Bolero de noche” quedó en el tercer puesto (14%, 242 votos); seguido por “1509, Operación Victoria” (3%,47 votos) y “El guachimán” (3%, 45 votos). Este año se registraron un total de 1687 votos. Muchas gracias a todos por participar.

Extra: Si quieren seguir jugando a las encuestas, visiten las que proponen La República, y Luces de El Comercio.

'La vida se combate no solo en los rings'. The Fighter.

El peleador (The Fighter). Mark Wahlberg y Christian Bale protagonizan una película entrañable, en el cual el boxeo es protagonista, pero lo son también las relaciones familiares y el retrato inmisericorde de la frustración humana y el poder de la superación. Frente a la resignación de Bale y la ambición de Wahlberg, se contraponen un par de actuaciones femeninas contenidas, las de Amy Adams y Melissa Leo. Emocionalmente, “El peleador” duele y conmueve, no solo por los golpes que se dan y reciben, sino también por los que se perciben y sienten en el alma de sus protagonistas. La vida se combate no solo en los rings.

Triste San Valentín (Blue Valentine). En cualquier otra circunstancia, esta película me caería espesa. Esas tribulaciones permanentes, cansinas, esas peleas depresivas y deprimentes; todo parece venirse abajo, pero siempre hay más dolor, más problemas, más porno sentimental. Si esta cinta clínicamente enferma se convierte en memorable es únicamente por dos aspectos: las actuaciones y la forma como el director Derek Cianfrance filma esas actuaciones. Ryan Gossling, capo, se hace una de las performances actorales de su vida. Se ve que necesita, por un lado, que le den una buena pateadura y, por otro, que lo abracen muy fuerte. Michelle Williams, la viuda de Heath Ledger, está loca, es inestable, es mala mujer, es víctima, es madre sufrida y es tan frágilmente bella que dan ganas de rescartarla y prometerle que todo estará bien. Ante tamaño dúo de actores, esos tonos azules, esa sequedad expresiva visual no pueden ser más #foreveralone y precisas.

Con temple de acero (True Grit). No había visto el clásico en el que se basa este remake hasta hace poco. Pero los hermanos Joel y Ethan Coen no pudieron elegir mejor cinta para dar rienda suelta a su talento. Un justiciero borracho, antihéroe crepuscular (Jeff Bridges, maestro), se une a la cruzada de una niña (sorprendente Hailee Steinfeld) que le promete un pago con fin de vengar la muerte de su padre. En el camino se les une el buen Matt Damon y se desata la coboyada. Pero hay algo mucho más allá: hay nostalgia a forro. Hay dureza y masculinidad, pero también honor y un sentido innato de la justicia, esa que se resume en la Ley del Talión. Hay una tristeza contenida que se puede atisbar en medio de tanto sudor, tanto desierto, tanta sangre y tanta sed.

'Talk to the hand'. X-Men.

X-Men: primera generación (X-Men: First Class). La franquicia de los mutantes se anota un golazo con esta adaptación, que sitúa el encuentro de sus más conspicuos representantes, Magneto y el Profesor Xavier, aún jóvenes, en medio de la crisis de los misiles de 1962. De más está decir que la adaptación no tiene pierde, no solo porque explora un poco la mitología del grupo, sino también se adentra profundamente en las historias personales de quienes más adelante son enemigos, pero en algún momento fueron buenos amigos, luchando en el mismo bando. Inmejorables James McAvoy y Michael Fassbender, tratando de evitar la guerra nuclear, además de la presencia del injustamente subvalorado Kevin Bacon, actor mayor de su generación.

El escritor oculto (The Ghost Writer). Roman Polanski construye una película histérica, neurótica, al estilo de los mejores thrillers, en los que se mezclan los elementos clásicos del género y la intriga política. Una biografía de un ex Primer Ministro une al narrador Ewan McGregor con el poderoso y calculador Pierce Brosnan, protagonistas que van mutando paulatinamente en perseguidos, en potenciales víctimas de una maquinaria que se basa no solo en la manipulación de la verdad, sino también en métodos muchos más siniestros. Sólida, alucinada y visualmente impecable, en la mejor tradición de Polanski.

El planeta de los simios: (R)evolución (Rise of the Planet of the Apes). Uno se imaginaba a la franquicia derrotada, luego del fracaso de la cinta de Tim Burton. Lo cierto es que la franquicia juega inteligentemente a rebobinar, a volver al pasado. Narrando la historia de cómo experimentos científicos destinados a curar a los humanos de la degeneración de células cerebrales van creando una especie de simios inteligentes muy por encima del promedio, liderados por uno particularmente notable, con emociones equiparables a las de las personas, pero enfocadas en su concepto de la supervivencia y la fiereza animal. Gran trabajo de producción (entre ellos de los efectos especiales), un guión inteligente que aprovecha con propiedad cada vuelta de tuerca de la leyenda, así como el rol inolvidable de Andy Serkis como César, el gran jefe mono, forman parte de uno de los aciertos de uno de los blockbusters más interesantes del 2011.

Enterrado (Buried). Sorpresa que pudimos ver a inicios de este año. Dirigida por Rodrigo Cortés, esta producción española nos dio ejemplo de que el cine se puede armar a partir de cualquier cosa, con imaginación, con un buen guión y un lenguaje visual contundente. Ryan Reynolds al borde de la hiperventilación y la asfixia (demostrando lo muy buen actor que es), un ataúd, un Blackberry y una trama que se aprovecha de todos los temores y toda la claustrofobia posibles. Una sola locación (¡y qué locación!) bastan para alcanzar, con astucia, el supremo fin: mantener al espectador alerta e interesado por una película que quizás con otras manos y otro actor se hubiese desbarrancado clamorosamente.

Ouija time. Insidious.

La noche del demonio (Insidious). Ese título en castellano puede atarantarte. El hecho que su director sea James Wan, quien alguna vez inicio la saga “Saw” te puede hacer dudar (aunque sea el mismo creador de “Sentencia de muerte”, ese clásico de culto protagonizado por Kevin Bacon). Pero, vamos, no seas prejuicioso, cinéfilo. “Insidious” es una de esas raras cosas que pasan en cartelera: una película de terror plagada de detalles, de estilo y de momentos memorables, que no sucumbe solamente a la edición ni a los efectos especiales, sino te hace recordar por qué el género puede reivindicarse sin alejarse de su tradición. Efectiva y efectista, nostálgica y usando impecablemente sus recursos para asustar, teatral y friki (una de las escenas más memorables del 2011 es la de la sesión médium del climax de la cinta), acá hay material para seguir insistiendo en meter susto con propiedad e inteligencia.

Rito diabólico (Thirst). Chan-wook Park es uno de los cineastas contemporáneos más alucinados del mundo (su filmografía lo delata). En esta oportunidad, el coreano filma un producto extraño, bizarro, gore y chocante en el más amplio sentido del término. Un cura católico desea hacer el bien a la humanidad y se somete a un extraño experimento que lo convierte en un ser que necesita beber sangre para sobrevivir. En ese camino, va rompiendo poco a poco su contención religiosa y se entrega al desenfreno, la pasión y el descubrimiento del sexo. El amor llega de la mano de una mosquita muerta que poco a poco se convierte en una arpía que troca parafilias a cambio de una libertad insuperable que la lleva al crimen y la locura. Park hace lo que quiere y nos muestra un cosmos donde prevalece, sin duda, una historia de amor bastante peculiar, coherente con una de las filmografías más alucinante de la actualidad.

Medianoche en París (Midnight in Paris). Woody Allen vuelve, pero no con cualquier película (en verdad ninguna película que haga Woody puede calificarse como tal, sino en comparación consigo mismo), este es un filme mayor dentro de su tan vasta y apreciable cinematografía. Una comedia romántica es el pretexto del director para adentrarnos, una vez más, dentro de su mente, de eternos resplandores. De pronto, la luna de miel de un escritor bohemio se convierte en una cita con los años veinte y con personajes tan disímiles como F. Scott Fitzgerald, Picasso, Cole Porter, Dali y Buñuel. Reparto de primera (como es usual), donde destacan Owen Wilson, Tom Hiddleston, Rachel Adams y Adrien Brody. “Medianoche en París” es una gran película alleniana, que se ve con humor, alegría y melancolía.

'Attack it! Attack it!'. Black Swan.

Cisne negro (Black Swan). Darren Aronofsky es un cineasta que no entra en vainas ni medias tintas. Se lanza con todo en cada proyecto, y lo hace con un sentido de la pasión que no admite discusión (aunque en el camino sus productos puedan, o no, ser perfectos). “Cisne negro” es una de sus mejores películas, en las que se mezclan Tchaikovsky, la devoción del creador por el universo de Satoshi Kon y el deseo por plasmar una radiografía del perfeccionismo más obseso y demente, afincado en el mundo de la danza. Lo real del filme de Aronofsky no reside en sus efectos o en su guión, sino en lo fácil que podemos, por momentos, identificarnos con cada una de esas partes que encarna la insuperable Natalie Portman/Nina Sayers (un papel que ha elevado a la gloria a su protagonista). Un reparto donde lucen además Mila Kunis (ángel perverso y objeto de deseo), Vincent Cassel y la siempre notoria Winona Ryder. “Cisne negro” es un cuento de hadas macabro, digno de la más pintada antología de la cultura popular cinematográfica de nuestros tiempos.