La poesía del Apocalípsis

Esperaba con expectación el estreno (varias veces pospuesto) de la adaptación de otra de las famosas obras del escritor norteamericano Cormac McCarthy, en este caso el premio Pulitzer 2007, La carretera (The Road). Sin haber leído nada sobre las impresiones que pueda haber causado en crítica y público desde su estreno en el Festival de Venecia el pasado septiembre, y con ello evitar el tráfico de influencias, la precisa y fidedigna adaptación de la novela de McCarthy por parte del cineasta australiano John Hillcoat ha hecho renacer el entusiasmo y devoción que en su momento causó en la que suscribe la lectura de la novela.

Si bien hay que matizar que el trabajo llevado a cabo por Hillcoat (director curiosamente con un exiguo curriculum, solo tiene en su haber “La proposición”, 2005) no alcanza (aunque se le acerca sobremanera) el grado de emotividad de la novela, tarea por otro lado casi imposible, dotada como está la desesperanzada búsqueda del padre y el chico de poética. Por más que la expresiva y elegante mirada del virtuoso actor Viggo Mortensen consigue una resolución ejemplar, acompañado de un niño que da la réplica perfecta, con un parecido asombroso al personaje de la madre, Charlize Theron, del chico miedoso y angelical del libro, representante de la nueva generación de un futuro post-apocalíptico.

Dotado todo el film de una atmosfera desesperanzada, gris, cenicienta y desnutrida de felicidad, copia fiel del libro, la inserción de los recuerdos del padre en sus duermevelas sobre la devoción a su esposa, el paraíso perdido y la intención de luchar contra la depresión de ésta en escenas previas y posteriores a la catástrofe aportan unas ráfagas de contraste luminoso que convocan y reducen el abanico de sentimientos humanos a lo esencial, a lo primigenio, algo que McCarthy expone en el conjunto de su narrativa. El hombre que se deshumaniza, que aboca a la violencia extrema en momentos de destrucción, frente al que intenta preservar su manada, aún tomando decisiones drásticas y dolorosas. El hombre frente a su propia animalidad en circunstancias de pura supervivencia, el instinto heredado de nuestros ancestros. Algo que ya queda demostrado sin necesidad de un Apocalipsis final, basta observar la historia y sus guerras.

El ascetismo y lo escueto de la prosa de McCarthy se ven reflejadas en las sobrias secuencias del director australiano. Palabras respetadas que apuntan a lo verdadero, desprovistas de todo adorno innecesario, de la superficialidad del lenguaje contemporáneo, tal que la gran hecatombe que destruye el entorne hubiera devuelto al hombre, en un viaje en el tiempo, a la primitiva comunicación verbal, a la arcaica emotividad de lo esencial, a su condición de eremita nómada.

Con escasos actores en escena, esencialmente un padre y un hijo, además de algún espontáneo que va surgiendo en su camino hacia el Sur lleno de dificultades, la escenificación de obra tan impactante no se distancia de nuestra propia imaginación al leer el libro. Esa ceniza constante que todo lo envuelve, esos cuerpos delgados, sucios, esa mirada perdida, sin brillo, esa dentadura machacada, ese paisaje baldío, esa esperanza que ponemos en el carácter del chico, alguien tan especial, casi un dios menor, con quien McCarthy no evita jugar un poco con la ambigüedad de lo divino, “Ella dijo que el aliento de Dios era también el de él aunque pasara de hombre a hombre por los siglos de los siglos”.

Quien haya leído la obra saldrá más que satisfecho de una adaptación nada cómoda, que deja al espectador, al igual que el libro, rellenar los espacios en blanco. Si bien, con el fin de acortar la cinta, Hillcoat ha pasado por alto muchos detalles minuciosos en la exploración del camino, así como suavizado la violencia, en ocasiones dolorosa, del libro. Kodi Smit-McPhee es un descubrimiento que impresiona por su genuino “chico”. Las apariciones de Charlize Theron, Robert Duvall (impactante), y Guy Pearce son breves pero intensas. La fotografía apocalíptica de Javier Aguirresarobe consigue un retrato devastado y al mismo tiempo bello, manteniendo esa cautivadora serenidad de la historia, muy similar a lo visto en Niños del hombre (Alfonso Cuarón) otra adaptación apocalíptica de la escritora inglesa P.D. James.

La música corre a cargo de Nick Cave, como no podría ser de otra forma, de quién Hillcoat ya había filmado una gira del mítico músico y cantante australiano junto a su banda.

Algo que resulta incomprensible, o quizá no tanto vista la impronta extremadamente comercial de la Academia de Hollywood, es que en un año en que han decidido experimentar con la cantidad de Nominaciones a Mejor película, hasta diez, no haya aparecido The Road, o al menos en el apartado de guión adaptado o cinematografía, por no mentar la de mejor actor para Mortensen.

The Road. Dir. John Hillcoat | 108 min. | EE.UU.

Intérpretes: Viggo Mortensen (hombre), Kodi Smit-McPhee (chico), Robert Duvall (anciano), Guy Pearce (veterano), Charlize Theron (esposa), Garret Dillahunt (miembro de la banda), Molly Parker (mujer maternal), Michael Kenneth Williams (ladrón).

Guión: Joe Penhall; basado en la novela “La carretera” de Cormac McCarthy.

Estreno en España: 5 de febrero de 2010

[Las sensibilidades se condicionan por las circunstancias (no sólo las sociales sino también las económicas): es acomodación. Por ende, Quispe nunca pensaría un Avatar ni Cameron un 2. La plata sí decide].

Por nuestra parte anotamos que 2 es disforzada en su trasgresión, sabe más qué no quiere ser que lo que quiere ser. Se le ha prestado mucha mayor atención a la forma que al fondo y eso se nota en lo poco interesante de la premisa de dos solos a quienes se les encuadra de varios ángulos como examinándolos en sus estados de ánimo o en cada circunstancia que les toque frente a la cámara, apelando a una naturalidad manipulada, que en vez de solaparse, resalta por la intrascendencia de la acción. Se posa en la nada, lo que resulta contraproducente.

El anunciado encuentro de los chicos queda en manifiesto desde que se hace el paralelismo de sus cotidianeidades, cual filme romántico-melancólico o video musical de balada, pero en clave austera, desprovisto de encanto, principalmente porque los protagonistas no permiten complicidad, pues nunca se les define ni se les sensibiliza, cuales penantes, sólo andan. La secuencia del teléfono, donde comparten por primera vez locación y hacen explícito sus estados solitarios no basta aunque es la mejor lograda.

No exageremos que estamos ante una experiencia sensorial incomprendida, la alternancia de la ciudad con las secuencias grupales valen como juego técnico, contextualiza a Lima a la vez que se distrae en el reposo de los varios sitios fotografiados, poetiza sobre el amor con analogías de palomas, gatos y gallinazos que pasan desapercibidas, pues se funden en los muchos recovecos grabados. ¿Qué se pretende con tantos chispazos urbanos? ¿Darle protagonismo al espacio? Más va por lo dicho al inicio del párrafo.

Quitémosle los malabares de la cámara, descascarémosla y pensemos en lo que queda: dos chicos que en propias divagaciones coinciden sus soledades, hablan lo que tienen en las puntas de sus lenguas: una conversación aburrida, no justificada por la improvisación de parlamentos. Que su modus operandi sea la espontaneidad delante la cámara nos los exculpa de la responsabilidad de construir un parlamento ameno como cierre de su obra. Queda la impresión de haberse dado mucha preponderancia al instinto, al tino animoso de las ideas que fluyen y que la cámara ejecuta con contenida hiperactividad.

Por otro, la fidelización a lo cotidiano, a la que Quispe corresponde, es un arma con peligroso doble filo que requiere consecuencia de su función para no cortarse en el intento de asirla. Es sólo un estilo de representación del tempo, no una doctrina de filmación que condiciona las acciones. Él y Ella no hacen nada, sólo esperar hasta que Quispe los haga conversar.

La película tiene más por mostrar que por decir, lo que termina siendo un negativa a la funcionalidad de un comunicador. Ya sea el cine rico o pobre siempre debe decir más de lo que aparenta.

Lo más atendible de 2 es su sistema de producción, una manera que puede marcar una pauta en el quehacer cinematográfico del futuro, que permite libertad absoluta a los artesanos. Se sacrifica el ritual de filmar en 35mm en pos de dar paso a la proliferación de títulos en un formato infinitamente más barato y que demanda diferente encodificación que la fotografía fílmica; sedimentarla es la tarea presente para consolidar su presencia. Con esta modalidad, los cineastas no dependerán de la voluntad de un jurado para hacerse de un dinero venido de premios muy competitivos, ni habrá manos detrás (productores) que tijereteen o hagan sugerencias molestas. Con los S/.80 que costó 2, Eduardo Quispe demuestra que para ‘hacer’ sólo falta voluntad de acción. Lo que sí logra 2 es contagiar ese ímpetu para seguirle el turno de grabación.

Extra: Lean también un interesante comentario del director sobre los dilemas del cine peruano.

Para este sexto encuentro 30 proyectos de 14 países, de 200 títulos inscritos, elegidos por un comité seleccionador compuesto por Carlos Taibo, Víctor Ugalde y Leonardo Zimbrón, competirán por el Premio Churubusco, que consta de un valor de servicios del estudio (revelado y copiado de la película, regrabación de sonido THX, postproducción digital, salas de doblaje y sala de grabación musical, más apoyo de pre, durante y post producción) que oscila entre $500,000 $1′500,000 pesos mexicanos. Los Estudios Churubusco, a cambio, serán también socios del proyecto financiado según la medida de su aporte.

Pero, definitivamente, este premio no es el único motivo del encuentro, pues seguramente será fructífero para más de un título que encontraría el financiamiento requerido para poner en marcha su proyecto.

Este Encuentro no recibe la atención sólo de principiantes, a quienes principalmente se les dificulta la ayuda, sino que también algunos realizadores experimentados (subrayados abajo con link a IMDb) acuden a Guadalajara.

El encuentro se realizará entre el 13 y 15 de marzo en el marco del festival principal. El peruano radicado en España, Javier Corcuera, también participará, con el proyecto documento que también tento el premio Conacine 2009. Estos son los 30 títulos competidores:

- “Amor y chocolate”(México-Dinamarca), de Emma Balcázar
- “Clever” (Uruguay), de Federico Borgia y Guillermo Madeiro
- “Con los pies en el cielo” (Chile), de Pablo Mantilla Rayo
- “Cupuaçu” (Brasil), de Marcelo Müller
- “Edgar niño” (México-Argentina), de Gustavo Moheno
- “El ocaso Kiliwa” (México), de Rodrigo Iturralde
- “Farewell, Ferris Wheel” (México-EEUU), de Jamie Sisley y Miguel Martínez
- “Infancia clandestina” (Argentina), de Benjamín Ávila
- “Inmediat Santiago” (Chile), de Jean Pierre Sánchez
- “Iris” (México), de Andrés Villa
- “La casa” (Bolivia), de Carina Oroza Daroca
- “La casa de las sombras” (México), de Carlos Eduardo Aguilar
- “La cebra” (México), de José Fernando León
- “La cosecha del mal” (Colombia), de Carlos Fernández de Soto
- “La delgada línea amarilla” (México), de Celso García
- “La ley de la Tierra” (España-México-Venezuela), de Fabrizio Prada
- “La sargento Matacho” (Colombia-México-Panamá), de William González
- “La sirga” (Colombia), de William Vega
- “Las flores del Pepe” (Uruguay), de Ramiro Ozer Ami y Sebastián Mayayo
- “Los sonidos profundos” (España-Perú), de Javier Corcuera
- “Mentiras al aire” (México), de Luis Eduardo Reyes
- “Mi padre” (México), de Sebastián G. Silva Beard
- “Mujeres desnudas persiguiendo a Ewan McGregor” (España), de Santi Amodeo
- “Mujeres de la Revolución mexicana” (México), de Ana Cruz
- “Polvo” (Guatemala), de Julio Hernández Cordón
- “Poncho Balón” (México), de René Castillo
- “Showroom” (Argentina), de Fernando Jorge Molnar
- “Simón” (México), de Patricia Arriaga Jordán
- “Sin crímenes” (México), de Bruno Madariaga
- “Tres buitres” (Uruguay -España), de Álvaro Brechner

Un amigo sociólogo, Manuel Benza Pflücker, alega un sesgo de la crítica cinematográfica por no advertir la “ácida crítica cultural a la huachafería peruana” por parte de Claudia Llosa en La Teta Asustada. Apunta que “(los críticos de cine) no captan la mirada antihuachafa de la película porque también están atrapados por esta”. Para el amigo Benza, ¿interpretarla diferente a él es ser alienado? ¿Es La Teta Asustada como la define o todo lo contrario? ¿Una película sólo se presta a uno, dos o tres lecturas rígidas? Primero, pensemos en la universalidad del arte y la pluralidad de los lectores, algunos con mayor bagaje que otros, lo que no hace de sus sentencias más válidas que otras quizás “menos ilustradas”. Ver a la premiada película de Llosa desde un aspecto sociológico como matriz de sus valores es autosesgarse y eso es quizás lo que excusa que esta conclusión “de la crítica a la huachafería” sea tan poco honda.

El amigo Benza supone, además, que esa crítica a la imitación de lo europeo y miamense fue aplaudido por los alemanes a tal grado de otorgarle su preciado Oso de Oro, como si los capitalinos alemanes dieran el veredicto y no existiera un jurado elector: en esa ocasión, una Tilda Swinton cautivada por el drama femenil y el aire indie y retador del filme.

Esta apreciación refresca un poco el debate, pues las denuncias de ilegitimidad de lo real hechas a la película vienen de un sector chauvinista que reduce la polémica a la ideología racial de Llosa y su “mirada foránea” licenciosa del Ande. Otros pocos sólo hablan de lo mal que quedamos al mundo por tener mujeres que se introducen papas en la vagina. La moralina y la diplomacia heridas en lo más hondo de sus conservadurismos.

Por otro lado, en un post que me precede, Juan José Beteta refiere a la simpatía con que se percibe la mixtura de culturas recreadas (la urbana, con la andina y con la foránea) como un tema universal de interculturalidad (burda o no) propio de la globalización de nuestra era, que ilustra e informa a extraños, quienes cautivados lo embalan a su bagaje. Esta escenografía es parte de la representatividad del contexto donde se desplaza Fausta, es una fidelidad a lo real que muchos demandan y los pocos que lo advierten lo sentencian de caricatura racista. Las celebraciones matrimoniales son las secuencias más polemizadas, calificadas como “burla al cholo” por las voces adversarias.

Pero, ¿Llosa hace burlarse al lumpen de ellos mismos? ¿Acaso no se percibe en el despliegue de colorinche y rimbombancia en los eventos representados en la aridez de Manchay alegoría a una cultura mixta? ¿No burla sino goce de su imitación exagerada? ¿Acaso no es lo contrario y es una burla a esa clase elitista en el filme satirizado por los cholos que se divierten con aquellas costumbres ajenas? O vemos solemnidad en las celebraciones de las bodas, como si los toldos pasteleados, valses straussianos o escaleras recargadas de adornos fueran el acercamiento a una cultura que admiran. Es más, toda la celebración “huachafa” se funde con el desfile de obsequios, las yunzas y el despelote de la fiesta en su apogeo, es una interculturalidad festiva, contrastante con el dilema de Fausta, cuyos pesares viven en el contexto pero se justifican y resuelven fuera.

El peruanismo huachafería –aunque propio de todas las culturas- es “la adopción burda de manifestaciones o expresiones culturales ajenas” (dixit Benza Pflücker), faltó agregar con solemnidad y certeza de mejoría de apropiarlas. Esa sustancial pequeñez complejiza la apreciación y exonera a La Teta Asustada de aludir este fenómeno sociológico.

Saludaremos que haya otros aspectos a conversar sobre esta película que de nuevo está en la palestra. Aquí el diálogo de cine es lo que motiva nuestras letras.

¿Qué es un live action? No hay que ser otaku para enterarse. Anoto: una película no animada basada de una animada (anime). Aclaremos: una película en espacio real con actores de carne y hueso inspirada en una serie anime de comprobado éxito (factor fundamental este para avalar la viabilidad del proyecto lucrativo).

Hecha la aclaración, vayamos a la carnecita: el proyecto de live action del hito Neon Genesis Evangelion, atorado por la burocracia de sus productores, se “moverá por la vía rápida el próximo año”, según el productor Joseph Chou , en una exclusiva de ANN.

Otro de los principales inconvenientes del retraso es la dificultad de adaptar a la “acción real” esta historia apocalíptica con altas y shockeantes dosis de sci-fi, motivo de las negativas de Hollywood al ser propuesta para su realización.

Chou agregó que ahora el proyecto cuenta con el apoyo de un productor que “ve más allá de eso (las retos técnicos), entendiendo el drama, los elementos humanos, incluso aquellos elementos dirigidos a otakus“.

La dilación del proyecto, asegura Chou, no se debió al alejamiento o dudas de John Ledford (co-fundador de Ad Vision y ADV Films), sino que la recesión del mercado no propiciaba esa fuerte inversión. Ahora, con la economía reestableciendo su orden, el proyecto vuelve a ver la luz.

Desde su anuncio en Cannes del 2003, cuando Ledford habló de un “calendario agresivo” para el proyecto, no había sonado tan fuerte su posible realización. Este es su segundo renacer.

La sociedad del proyecto está conformada por Gainax (estudio de animación que dio luz a esta historia), Weta Workshop, (la compañía de efectos especiales de Peter Jackson) y ADV Films (productora y distribuidora de anime y live action a USA y UK).

Dijo Ledford en el momento de la revelación sobre esta alianza: “Los tres principales operadores aquí representan un equipo de ensueño para un proyecto como este. La calidad e importancia de Gainax, la industria Weta, líder en efectos visuales más nuestra experiencia (de ADV Films) en la comercialización y promoción del anime hacen de este proyecto ‘único en la vida’ (¡!)”.

Aquí un tráiler bamba, vemos a Ian McKellen (en X-men), Keanu Reeves (en Matrix) y Elijah Wood (en ¿Los Crímenes de Oxford?), más un salpicón de otras películas.

Conseguir una nominación de la Academia de Hollywood “implica el desembolso adicional de unos US$ 100 mil para realizar funciones, invitaciones, ruedas de prensa y otras actividades relacionadas”, explicó en la nota Augusto Tamayo, presidente de la Asociación de Productores Cinematográficos Peruanos. Al parecer, este monto es el que PromPerú habría dado para apuntalar la promoción de la cinta de Claudia Llosa en los Estados Unidos.

Otras fuentes consignan que un 80% de la inversión para La teta asustada provino de Wanda Vision (España) más un 20% de Vela Producciones, casa productora de la realizadora. También contribuyeron CONACINE con S/. 315,000 más el programa IBERMEDIA con US$ 75 mil. Cabe indicar que el Perú dio a este fondo cinematográfico una cuota de 150 mil dólares del 2008 al 2009, según indica CONACINE en su memoria de gestión.

Por estos días La teta asustada, que antes de ser nominada ya había sido comprada en 40 países, prosigue su recorrido por México cosechando buenas críticas.

Luego de la esperadísima entrega del Oscar del próximo 7 de marzo, con o sin estatuilla bajo el brazo, Claudia emprenderá en el Perú el rodaje de El niño Pepita, proyecto de cortometraje para la exposición (D)Efecto Barroco del Centro de Cultura de Barcelona.

“La película, que acompaña a un grupo de expertos artificieros (desarmadores de bombas) destacados en Irak, asume el objetivo de retratar la guerra como adicción, como una droga que se asienta en el imaginario de sus participantes y los convierte en mercenarios de su propio deseo de acción adrenalínica”, la define así el crítico catalán Manuel Yañez Murillo, quien estuvo en su estreno en La Mostra de Venecia, donde la película dividió a la crítica.

Quienes no la aprueban la califican como “fascista”; por su parte, sus defensores aluden que no hay atisbos de ideologías (sobre la guerra, las armas, el petróleo) sino sólo tres hombres inclinados a la supervivencia, lo que la hace humana y atendible.

Después de su periplo festivalero por Venecia y Toronto, llegó con éxito a los Estados Unidos donde permitió laurearse en todos sus rincones, la estatuilla dorada seguramente no será la excepción.

La película compite por 9 premios de la Academia, incluyendo las menciones de Mejor Película, Mejor Director (Kathryn Bigelow), Mejor Actor (Jeremy Renner) y Mejor Guión Original (Mark Boal).

The Hurt Locker se estrena en las salas peruanas gracias a Eurofilms, que siempre se encarga de la distribución de varios de los más inetersante y diversos estrenos que llegan a nuestras salas.

Aquí algunos links de comentarios de dos críticos norteamericanos: Jonathan Rosenbaum, y J. R. Jones del Chicago Reader. A ver si adelantan opiniones con estos comentarios.

• The Milk of Sorrow (“La leche de la tristeza”, EE.UU.)
• Fausta (Francia)
• Il canto di Paloma (“El canto de la paloma”, Italia)
• A Teta Assustada (Brasil)
• Eine Perle Ewigkeit (“Una perla de la eternidad”, Alemania)
• Acı süt (“Leche amarga”, Turquía)
• Faustas pärlor (“Las perlas de Fausta”, Suecia)
• Faustas perler (“Las perlas de Fausta”, Dinamarca)
• Gorzkie mleko (“Leche amarga”, Polonia)
• To gala tis thlipsis (“La leche de la tristeza”, Grecia)
• Shang Xin de Nai Shui (“La leche de la tristeza”, Taipei)

Fausta - Francia

The Milk of Sorrow - EE.UU.

Il canto di Paloma - Italia

A Teta Assustada - Brasil

Eine Perle Ewigkeit - Alemania

Faustas pärlor - Suecia

Faustas perler - Dinamarca

Gorzkie mleko - Polonia

Shang Xin de Nai Shui - Taipei

Mego ha publicado siete documentos que, de acuerdo a los procedimientos empleados por Cine y TV, muestran un faltante del curso de Escritura de Guión, dictado por Giovanna Pollarolo en febrero del 2009, con lista de alumnos, informe de la empresa asociada Audiovisuales e Informática, y registro de los entregas hechas a la Caja Única del CCSM. Un total de 40 inscritos, a 150 soles cada uno, representa la cantidad de 6 mil nuevos soles, de los que se debía ingresar entre enero y febrero la mitad, o sea 3 mil. Sin embargo, los papeles sólo testimonian el ingreso de 1700 nuevos soles, mil en enero y 700 en el mes siguiente. La pregunta es ¿dónde están los 1300 restantes?.

Y sobre el sistemático maltrato al personal, al que la nota de prensa del CCSM se refería elusivamente (“Los testimonios presentados por ambas partes sobre el tema del maltrato al personal no pueden ser confirmados; más aún no habiendo sido presentados en su debida oportunidad a los órganos correspondientes para tomar las medidas preventivas del caso.”), Mego ha dado a conocer un oficio del 6 de octubre del 2009 -semanas después de la denuncia interna original-, remitido por la Dirección Ejecutiva de la institución cultural, en ese entonces a cargo de Roberto Velásquez Gutiérrez, al director general Carlos Del Águila.

Además de la garantía de Pozzi-Escot de dar 300 nuevos soles a los denunciantes reubicados para que siguieran realizando labores de Cine y TV, el texto señala que el funcionario “se allana a una relación laboral adecuada con su personal para el normal desarrollo de las actividades programadas”. ¿Qué director “se allana” cuando su desempeño es normal y mantiene la autoridad moral sobre sus subordinados? ¿Quién podría tolerar acusaciones tan graves si fueran falsas y no despedir de inmediato a los difamadores? Las expresiones de Velásquez Gutiérrez, en un documento oficial y en medio del virtual cierrapuertas de Cine y TV, avala las acusaciones de que el trato de Pozzi-Escot al personal era absolutamente inadecuado e impropio.

Como señala Mego en su post, lo que se impone en este caso es una auditoría, un procedimiento lógico y elemental cuando se hacen denuncias graves sobre la gestión de una dependencia pública y que maneja fondos del Estado. Es urgente que las autoridades sanmarquinas reaccionen y no permitan que continúe el deterioro de esta institución difusora del quehacer cinematográfico.

Son muchas las poderosas imágenes que se nos agolpan en la mente cuando pensamos en estas cintas, y ellas nos remiten a las oscuras, entrecruzadas y enrevesadas raíces culturales de nuestro país; pero también a la fuerza de sus protagonistas, que se apoyan en esas mismas raíces para florecer e imponerse contra un entorno adverso. Película intimista La Teta y de aparente tono menor, en el que una sensibilidad que llega a lo poético convive con un humor desproporcionado y chocante; pero, sobre todo, con una audacia formal que desafía los códigos habituales del cine comercial.

El hecho de que estemos orgullosos que el talento de Claudia haya fructificado en estas tierras y que sus obras tengan tanto que decirnos sobre nosotros mismos, no debe hacernos olvidar que La Teta Asustada es premiada no por ser peruana, sino porque es una gran película. Y eso es lo importante a resaltar. Se trata de una obra de arte construida a partir de elementos muy simples, con un estilo muy personal y de elevados valores estéticos. Al mismo tiempo, no es una obra fácil para el gran público, de aquí ni del resto del mundo; lo que aumenta el mérito de la directora al correr riesgos en el plano formal. He escrito larga y detalladamente sobre estos aspectos, así que no me detendré aquí sino en una objeción que se le ha hecho recientemente.

Algunos piensan que la película hace una caricatura del Perú y que no representa lo que supuestamente es “peruano”. Piensan, seguramente en esa visión irónica y, en ocasiones, naif del entorno urbano marginal en el que transcurre la película (Manchay). Este es un típico ejemplo de un enfoque reduccionista de lo nacional, que en ocasiones puede llegar al chauvinismo. Porque, ¿qué tiene de malo que nos burlemos de nosotros mismos? ¿o, para ser más específicos, que los pobres se burlen de sí mismos? Porque esa es la visión que se tiene si colocamos el filme en un plano universal. Esta idea de que se trata de la visión de una pituca sobre los sectores populares y de que, por lo tanto, no representa al país, es sólo una lectura “peruana”. En el resto del mundo –y es así también como la veo– la directora nos pinta un contexto de interculturalidad, un entorno que acoge a la protagonista y que le brinda, de distintas formas, un apoyo durante su procesos de sanación mediante el mito; un mito alimentado de diversas fuentes andinas.

Y este tema, el de la interculturalidad, es la respuesta a la problemática mayor que muestra la película: la exclusión social y cultural. Asunto que tampoco es únicamente “peruano”, sino que se vive con igual o peor intensidad en las afueras de París o Londres, así como en buena parte del Sur; al igual que las secuelas de conflictos armados en mujeres en otras partes del mundo, donde el trauma que aquí llaman “teta asustada”, recibe otros nombres. El mérito de la obra de Llosa –y de allí los numerosos premios recibidos– no reside en su nacionalidad, sino, justamente, en que tan universales son los asuntos que propone y con qué maestría y audacia artísticas los presenta.

Ahora bien, la forma específicamente nacional como plantea y desarrolla estos asuntos –es decir, “lo peruano”– no son desvalorizados en la película. Al contrario. Son elevados a un plano estético universal gracias al tratamiento artístico de los fenómenos étnicos que han aparecido (o se han visibilizado) por todas partes del planeta a raíz de la globalización. Este tratamiento audiovisual es justamente lo que coloca al Perú en los ojos del mundo, como un país donde se producen obras artísticas que proponen el rescate y visibilización de tradiciones culturales locales, asuntos válidos tanto en Perú como en el resto del mundo. En consecuencia, el toque irónico, así como otros elementos disimiles que construyen esta cinta, hay que verlos también desde un plano más amplio, universal y no meramente “nacional”. Este es el enfoque con el que debe valorarse esta película, así como cualquier otra, sea o no sea peruana.

Finalmente, lo que rescato de este reconocimiento a La Teta Asustada es que representa una contribución peruana al arte cinematográfico, que es universal. Una contribución rica y valiosa tanto en el plano estético, como un aporte a las discusiones contemporáneas sobre el respeto y vigencia de culturas locales, regionales o nacionales; y la posibilidad de una convivencia intercultural, asunto clave en un mundo globalizado. Y lo segundo, es que en el Perú hay talento por explotar en el campo de cine, pero también en el resto del sector cultural. Y es función del Estado promover el desarrollo de las industrias culturales, incluyendo el cine y el audiovisual. Finalmente, no en último lugar, felicitar a Claudia por este reconocimiento que la enaltece y que nos llena de alegría.

Histórico. La teta asustada acaba de conseguir otro logro inédito para la cinematografía peruana, al ser nominada como mejor filme extranjero en los premios Oscar 2010.

Y fue doblete para Latinoamérica, la argentina El secreto de sus ojos también ha sido nominada.

¡Felicitaciones para Claudia, Magaly y todo el equipo de La teta!

7:35am: A las 8:30am hora peruana empieza la tranmisión de la breve ceremonia donde se darán a conocer los nominados al Oscar 2010. Medio Perú estará pendiente, esperando que La teta asustada logre estar entre los cinco filmes extranjeros nominados. (La argentina El secreto de sus ojos también está en el bolo). Febrero, mes de milagros para el cine peruano. Ah, y así comenzamos las celebraciones por nuestro 5° aniversario :)

Mejor Película Extranjera: Ajami (Israel), El secreto de sus ojos (Argentina), La teta asustada (Perú), Un prophete (Francia), The White Ribbon (Alemania).

Mejor Película: Avatar, The Blind Side, District 9, An Education, The Hurt Locker, Inglorious Basterds, Precious, A Serious Man, Up, Up in the Air.

Mejor director: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker, James Cameron por Avatar, Lee Daniels por Precious, Jason Reitman por Up in the Air, Quentin Tarantino por Inglorious Basterds.

Mejor actriz: Sandra Bullock por The Blind Side, Helen Mirren por The Last Station, Carey Mulligan por An Education, Gabourey Sidibe por Precious, Meryl Streep por Julie & Julia.

Mejor actor: Jeff Bridges por Crazy Heart, George Clooney por Up in the Air, Colin Firth por A Single Man, Morgan Freeman por Invictus, Jeremy Renner por The Hurt Locker.

Mejor actriz de reparto: MoNique por Precious, Maggie Gyllenhaal por Crazy Heart, Anna Kendrick por Up in the Air, Vera Farmiga por Up in the Air, Penelope Cruz por Nine.

Mejor actor de reparto: Matt Damon por Invictus, Stanley Tucci por The Lovely Bones, Christopher Plummer por The Last Station, Christopher Waltz por Inglourious Basterds, Woody Harrelson por The Messenger

Mejor guión original: Marc Boal por The Hurt Locker, Quentin Tarantino por Inglourious Basterds, Alessandro Camon y Oren Moverman por The Messenger, Joel Coen y Ethan Coen por A Serious Man, Bob Peterson, Pete Docter, Pete Docter, Bob Peterson, Tom McCarthy por Up.

Mejor guión adaptado: Neill Blomkamp y Terri Tatchell por District 9, Nick Hornby por An Education; Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche por In the Loop; Geoffrey Fletcher por Precious, Jason Reitman y Sheldon Turner porUp in the Air.

Mejor filme animado: Coraline, The Secret of Kells, Fantastic Mr. Fox, The Princess and the Frog, Up

Mejor cinematografía: Mauro Fiore por Avatar, Bruno Delbonnel por Harry Potter and the Half-Blood Prince,
Barry Ackroyd por The Hurt Locker, Robert Richardson por Inglourious Basterds, Christian Berger por The White Ribbon.

Mejor documental: Burma VJ, The Cove, Food Inc, Most Dangerous Man In America, Which Way Home

Mejor edición: Avatar, District 9, The Hurt Locker, Inglourious Basterds, Precious

Mejor dirección de arte: Avatar, Imaginarium of Doctor Parnassus, Nine, Sherlock Holmes, The Young Victoria

Mejor diseño de vestuario: Bright Star, Coco avant Chanel, Imaginarium of Doctor Parnassus, Nine, The Young Victoria

Mejor maquillaje: Il Divo, Aldo Signoretti y Vittorio Sodano; Star Trek, Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow;
The Young Victoria, Jon Henry Gordon y Jenny Shircore.

Mejor Score: Avatar, James Horner; Fantastic Mr. Fox, Alexandre Desplat; The Hurt Locker, Marco Beltrami y Buck Sanders; Sherlock Holmes, Hans Zimmer; Up, Michael Giacchino.

Mejor canción original:
“Almost There” de “The Princess and the Frog” – música y letra por Randy Newman
“Down in New Orleans” de “The Princess and the Frog” – música y letra por Randy Newman
“Loin de Paname” de “Paris 36″ – música por Reinhardt Wagner, letra por Frank Thomas
“Take It All” de “Nine” – música y letra por Maury Yeston
“The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)” de “Crazy Heart” – música y letra por Ryan Bingham y T Bone Burnett

Mejor sonido:
Avatar, Christopher Boyes y Gwendolyn Yates Whittle
The Hurt Locker, Paul N.J. Ottosson
Inglourious Basterds, Wylie Stateman
Star Trek, Mark Stoeckinger y Alan Rankin
Up, Michael Silvers and Tom Myers

Mejores Efectos de Sonido:
Avatar, Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson y Tony Johnson
The Hurt Locker, Paul N.J. Ottosson y Ray Beckett
Inglourious Basterds, Michael Minkler, Tony Lamberti y Mark Ulano
Star Trek, Anna Behlmer, Andy Nelson y Peter J. Devlin
Transformers: Revenge of the Fallen, Greg P. Russell, Gary Summers y Geoffrey Patterson

Mejores Efectos Visuales:
Avatar, Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones
District 9, Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros y Matt Aitken
Star Trek, Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh y Burt Dalton

Mejor Cortometraje Documental:
China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province, de Jon Alpert y Matthew O’Neill
The Last Campaign of Governor Booth Gardner, de Daniel Junge y Henry Ansbacher
The Last Truck: Closing of a GM Plant, de Steven Bognar y Julia Reichert
Music by Prudence Roger Ross Williams y Elinor Burkett
Rabbit à la Berlin, Bartek Konopka y Anna Wydra

Mejor Cortometraje Animado:
French Roast, de Fabrice O. Joubert
Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty, de Nicky Phelan y Darragh O’Connell
The Lady and the Reaper (La Dama y la Muerte), de Javier Recio Gracia
Logorama, de Nicolas Schmerkin
A Matter of Loaf and Death, de Nick Park

Mejor Cortometraje de Acción Viva:
The Door, de Juanita Wilson y James Flynn
Instead of Abracadabra, de Patrik Eklund y Mathias Fjellström
Kavi, de Gregg Helvey
Miracle Fish, de Luke Doolan y Drew Bailey
The New Tenants, de Joachim Back y Tivi Magnusson

La Noche de los Cortos anuncia la apertura de la convocatoria para participar en el 3er Festival Internacional de Cortometrajes “La Noche de los Cortos” que tendrá lugar del 1 al 8 de setiembre de 2010 en UVK Multicines Larcomar en la ciudad de Lima. El plazo para la recepción de los cortometrajes estará abierto hasta el 21 de junio de 2010.

Festival Internacional de Cortometrajes “La Noche de los Cortos” tiene como objetivo principal la promoción y difusión de los cortometrajes que contribuyan al desarrollo del lenguaje cinematográfico. Así mismo motivar la producción a través de sus concursos y premios, la retroalimentación entre realizadores noveles y veteranos, y por ultimo brindar un espacio de encuentro para todos aquellos amantes del cine en corto.

Dentro del marco del Festival se establecen los siguientes concursos:

• Competencia Internacional de Cortometrajes.
• 2° Concurso Nacional de Proyectos de Cortometrajes

Competencia Internacional de Cortometrajes: Es la competencia central del Festival que se conforma con los cortometrajes seleccionados por un comité especial y que será proyectada en UVK Multicines Larcomar en la ciudad de Lima. Los trabajos de los realizadores se recibirán hasta el día 21 de junio de 2010. La participación está abierta a todos los directores, guionistas, productores de cortometrajes a nivel nacional e internacional. Se podrán presentar cortometrajes realizados con posterioridad al 1 de enero de 2009. Recomendamos hacer los envíos por correo postal certificado. Rogamos a los participantes internacionales no utilizar courier como: DHL o FEDEX para los envíos a Perú.
La duración máxima de los cortos no excederá los 30 minutos. Cada autor podrá presentar el número de cortometrajes que desee. Un comité especial se encargará de seleccionar entre todos los cortometrajes recibidos aquellos que irán a concurso en la Sección Oficial.

2° Concurso Nacional de Proyectos de Cortometrajes: Este concurso busca incentivar la realización de cortometrajes peruanos. Premia con cinco días de equipos necesarios (Cámara y Luces) para la realización del proyecto ganador, con 5 días de islas de edición para la post-producción y con 5 días de post-producción de sonido. Este concurso es realizado con el patrocino de Aluzcine y Perfo Studio.

Las bases y fichas de inscripción pueden encontrarse en la página web: www.lanochedeloscortos.com.pe

Para cualquier información adicional pueden escribir a Kathy Serrano y/o Roberto Barba a los siguientes correos electrónicos:

info@lanochedeloscortos.com.pe
kathyserrano@lanochedeloscortos.com.pe
jarcor@lanochedeloscortos.com.pe

Teléfonos:
Fijo: (+ 51 1) 2721226 (Lima, Perú)
Móviles:(+ 51 1) 97244317 – (+51 1) 986601997

La inspiración de Henley

John Carlin es un periodista británico del que casi todos hemos leído más de un reportaje realizado con excelsa profesionalidad. De madre española, y residente en España, ha llegado a publicar con éxito novelas que son apreciadas por los guionistas de Hollywood para llevar a la pantalla. Carlin ha tenido mucha suerte ya que ahora queda inmortalizado en el cine. Su última obra, “Playing the Enemy: Nelson Mandela and the Game that Made a Nation” (El factor humano, en la publicación de Seix Barral) ha sido avistada por uno de los realizadores norteamericanos fundamentales del siglo pasado y del actual. Un genio que posa su cámara y su interés en temas extraordinariamente humanos al tiempo que universales, muy alejado de sus primeros pasos dentro de la piel de aquel Harry el sucio con cara de filo de navaja.

No es que se me caiga la baba cuando hablo de Clint Eastwood, es que se me cae la baba. Y no es para menos, si nos atenemos a su larga mirada fuera de ventiscas de moda y moralinas manipuladoras. Todo es esplendido en él: Desde su incursión pálida y penetrante en el Far West norteamericano, su admiración por el Jazz, su romanticismo otoñal, sus maniobras para conseguir una intensidad dramática con un estilo clásico no domesticado, a especialista en secuencias ejemplares que dan una riqueza inusual al espectador que contempla deleitado su cine. Eastwood gana con los años y con cada película, imposible imaginarse donde puede llegar un autor que aún me hace creer que cierto cine no está supeditado al mercadeo sin escrúpulos.

Esta vez el icono elegido para llevar a la gran pantalla es nada menos que el Amazing, como el mismo Eastwood repite sin parar, Nelson Mandela. Poco se ha llevado al cine a este animal político con alma herida. En 2007 el danés Bille August estrenó Adiós Bafana basada en las memorias del carcelero, durante veinte años, de Mandela, con Dennis Haysbert como un Mandela convincente frente a un Joseph Fiennes desvaído e inexpresivo.

Tomando como base el poema (Invictus) del victoriano William Ernest Henley, que sirvió de inspiración de fortaleza al Presidente de Sudáfrica desde 1994 a 1999, Clint Eastwood y el principal responsable de tal empresa, Morgan Freeman, llevan a cabo una proyección donde queda claro toda la política que puede encerrar cualquier actividad, en este caso el deporte y más concretamente el rugby, que apele al patriotismo y unión de una nación. Ahí la sabiduría de los años y los daños sufridos se dejan ver en esa mirada de un Mandela que Freeman ha compuesto tan asombrosamente en Invictus, apartando al actor y dando paso al Premio Nobel de la Paz. No cabe la menor duda que el trabajo de Freeman destila admiración por su personaje, lo que le llevará probablemente a alguna nominación, apuntalando la calidad de este actor, al igual que la de Eastwood como realizador.

Mandela/Madiba supo aprovechar la celebración de la copa mundial de Rugby para intentar unir a un país que estaba al borde de la guerra civil cuando fue nombrado presidente. Carlin que estuvo de corresponsal en esas fechas en Sudáfrica expresa muy bien el ambiente de odio y revancha que se dibujaba en las chispas de los ojos que salían del entorno del presidente, y a la vez el sentimiento de conciliación de este estadista cansado de tanto odio. Eastwood traslada esas emociones al medio audiovisual, y lo hace a su manera inteligente, sin trampa ni cartón.

Vemos la evolución y el crescendo tanto de la relación que se establece entre los guardaespaldas afrikaners y negros del presidente, claro ejemplo del propio país, como la del capitán del equipo de rugby, François Pienaar, un Matt Damon más correcto de lo que se le ha criticado. El deporte y la política nunca han tenido asignada misión tan crítica, y las diversas secuencias que Eastwood trabaja, con un ritmo mixto entre nervio y pausa, dan el protagonismo final a un partido, que insertado en otro momento del film no hubiera adquirido la atención que ha conseguido del espectador. Una lucha adrenalítica contra uno de los bastiones esenciales del Rugby, el equipo neozelandés, para más Inri llamado “All Blacks”.

Al igual que hizo con Gran Torino, Banderas de nuestros padres, Cartas desde Iwo Jima, Ejecución inminente, Eastwood vuelve a la discriminación y la segregación racial, pero sin jugar tramposamente con el espectador. Invictus se ha convertido ya en un film imprescindible, lleno de alma, lleno de madurez, la de sus protagonistas y su personaje principal.

Invictus. Dir. Clint Eastwood | 134 min. | EE.UU.

Intérpretes: Morgan Freeman (Nelson Mandela), Matt Damon (François Pienaar), Marguerite Wheatley (Nerine), Patrick Lyster (Sr. Pienaar), Matt Stern (Hendrick Booyens), Julian Lewis Jones (Etienne Feyder), Penny Downie (Sra. Pienaar), Tony Kgoroce (Jason Tshabalala), Patrick Mofokeng (Linga Moonsamy), Adjoa Andoh (Brenda), Leleti Khumalo (Mary).

Estreno en Perú: 4 de febrero de 2010

Estreno en España: 29 de enero de 2010

Luego de varios meses de que el desempleo se convirtiera en el tema más importante para el ciudadano norteamericano común y corriente, aparece una película de gran convocatoria al respecto, o al menos eso es lo que revela una de sus aristas. Pero Amor sin escalas (Up in the Air) es algo más interesante que solo una mirada machacona a la crisis. Como bien remarca el título, se trata de una especie de intento de sobrevuelo, de viaje distanciado y de aprovechamiento por encima de esas circunstancias. Inspirado libremente en un relato de Walter Kirn, el canadiense Jason Reitman nos presenta su mejor película hasta la fecha, la que conjuga lo más rescatable de sus empeños previos. Resumen de ello es la vida al vuelo del exitoso Ryan Bingham transitando por la crónica ácida pero que va decantándose más bien hacia la incertidumbre sobre la posible llegada del desembarco final.

A diferencia de otros negocios dudosos, el de Mr. Bingham, ese adorado cliente de American Airlines y la cadena Hilton, es uno que saca provecho legalizado de la recesión. Su tarea consiste amortiguar lo mejor que pueda la caída moral y de los planes de vida de cuanto empleado es incluido en las extensas listas de despido que las corporaciones se ven obligadas a efectuar a escalas nunca antes vistas. La película se dedica a presentarnos lo que existe detrás de ese personaje que esos muchos desconcertados profesionales verán solo una vez en sus vidas. Es interesante entonces el planteamiento de la cinta a partir de esa suerte de estrella que aparece como villano, pero se vende como manager de autoayuda. El muy seguro de sí mismo, otorgador de una pesadilla pero a la vez de las alternativas, posible o falsas, que romperán con la muy recurrente idea primermundista del plan de vida garantizado.

La película es muy lograda al menos hasta la primera hora, ahí donde Bingham, a veces narrando en primera persona, nos permite seguirlo como en un reality show propio, por toda esa contradictoria rutina. Por un lado sus interminables travesías parecen pintar el empleo de ensueño: viaje, hoteles de lujo, aventuras al paso. Pero desde un inicio la sombra irónica asoma a su alrededor como sucedía también con el vocero de las empresas tabacaleras Nick Naylor en Gracias por fumar. Como aquel, Bingham se convierte en ese auto convencido y carismático triunfador que, al igual que sus “víctimas”, era sorprendido por un giro que lo hacía caer en cuenta de las no pocas miserias de ese círculo vicioso en el que se encontraba sumergido. Claro que lo atractivo de ambas cintas, mejor desarrollado en la más reciente, es que ello no daba lugar a una mirada turbia sino más bien a una muy cercana a esa familiaridad o calidez que Reitman rescata como atento observador de la comedia dramática clásica, de la que se ha convertido en un digno continuador.

Por supuesto, gran parte del resultado recae en la actuación de George Clooney, que asimila muy bien la idea y se transforma en esa elegante parodia con no pocas referencias a su propia imagen pública. En el tour que comprende gran parte de la cinta, el protagonista tendrá como catalizadores de sus negadas dudas a Natalie y Alex. La primera cumple el rol de desbaratar sus certezas profesionales, mientras que la segunda (Vera Farmiga que cumple la mejor actuación de la película) será la que haga lo propio con las sentimentales. En ese intercambio es donde se concentran todas las virtudes de la película, recargada y aligerada a la vez en esa alternancia entre los tensos momentos de su sucia labor, con los que los pintan como personajes en fuga, imperfectos, y en busca de huir del stress o de la despersonalización que se anuncia con la instalación de sistemas como el de esos despidos online. Al respecto, la secuencia con el envejecido señor Samuels, debe ser la mejor de la película.

Los pasivos llegan cuando Reitman es ganado nuevamente por esos acercamientos demasiado obvios acerca de los valores que era incapaz de ver Bingham en las alturas, cuando llegan los reencuentros con la vida familiar y sencilla de su hogar inicial y provinciano, esos con los que la efectiva pero sobrevalorada Juno se ganó a las audiencias masivas. Momentos que a su vez preparan la moraleja mayor, la que reza sobre la esperanza que se cernirá siempre sobre el buen estadounidense, capaz de superar los peores trances porque cuenta con lo mejor que otorga la vida. Consigna que desde luego relega a nuestro extraño héroe a su posición de lujos artificiales. Fuera de convencionalismo y evidencias, resulta mejor quedarse con una imagen más conseguida que esa: la de Bingham asumiendo misteriosamente su papel de vitalicio dios o juez. Tal vez no sea la decisión con la que uno se atrevería a concluir después de tantas buenas intensiones esparcidas en la parte más floja de la cinta, y por ello vale el intento. Be yourself como canta con precisión Graham Nash sobre el final.

Up in the Air. Dir. Jason Reitman | 108 min. | EE.UU.

Intérpretes: George Clooney (Ryan Bingham), Vera Farmiga (Alex), Anna Kendrick (Natalie Keener), Jason Bateman (Craig Gregory), Danny McBride (Jim), Melanie Lynskey (Julie Bingham), Amy Morton (Kara Bingham), Sam Elliott (Maynard Finch), J.K. Simmons (Bob), Zach Galifianakis (Steve), Chris Lowell (Kevin).

Guión: Jason Reitman y Sheldon Turner; basado en la novela de Walter Kirn.

Estreno en Perú: 21 de enero de 2010

Estreno en España: 22 de enero de 2010

Pregunto, ¿qué tan fácil es sentenciar a una película andina, ínfima en recursos de todo tipo, como ‘deficiente técnicamente’? ¿Aprobarla por su sola esforzada existencia es acaso más válido?

Diatribas academicistas o complacencias chauvinistas son los polos opuestos comunes que suelen juzgar a estas producciones polémicas por su clara distancia con la estética archiconocida y aceptada, cuestión aparte de las culturas que representan estos reclamos o defensas. En el estreno en Lima (en Centro Cultural CAFAE), el 30 de enero, de Don Melcho, amigo o enemigo estos dos frentes se entrecruzaron durante el conversatorio con su director, Arnaldo Soriano: apasionados comentarios se dejaron escuchar, empero negados de algunos elementos de juicio que les favorecería una mejor aprehensión de la experiencia.

Que Don Melcho, amigo o enemigo sea la primera película de ficción íntegramente huancavelicana explica el afán reivindicativo de su director por colar en la narración expresiones artísticas locales, entendiéndolas como decoraciones y develaciones oportunas de una cultura obviada por el centralismo que reniega Don Melcho, y Soriano, entrelíneas. El contexto ochentero coincide aun con la actual realidad del Ande, ignorado de beneficios trascendentes y de justa repartición de bienes por parte del Ejecutivo. Entonces, Don Melcho es el ajusticiador de una causa que todos quieren, pero que nadie proclama. Sólo habría que preguntar a un citadino cualquiera para confirmar que el despojo de ricos para su repartición popular es una pose de ovación entre campesinos.

Este híbrido ingenuo -con tufillo orgulloso propio de los serranos- de ficción con documental que es la película ofrece una demostración idiosincrática-política de un pueblo poco favorecido de resoluciones y decretos estatales al que añade una cosmovisión andina a favor del trabajador de la tierra como dueño de ésta y contrario a los latifundistas expropiados por el gobierno de Velasco; asimismo, otros “testimonios” hacen palmario: performances musicales en quechua, danzantes de tijeras y festividades populares como La Fiesta de la Cruces con piques de caballos y corridas de toros.

Soriano define su película como “sólo una representación parcial” de la cultura huancavelicana, como si fuera un compromiso de cualquier autor fidelizarse y recrear su propio contexto fidedignamente para conocimiento masivo. Es que estas añadiduras (musicales y folklóricas) se motivan como el aprovechamiento de una oportunidad única, dentro de la marginalidad político-social de los pueblos del interior del Perú, para hacer conocer su sociedad, costumbres y fiestas. Valdrá más, Don Melcho, amigo o enemigo como una fracción (en vídeo) de la región Huancavelica de los últimos años que como un biopic de un compadre andino que fue héroe y villano en su propia tierra.

A todo esto:

¿De qué va la película?

Cual Padrino andino, Don Melcho maneja las influencias político-judiciales de su pueblo, con lo que se vale para ser abigeo, asaltante y corruptor impune, extendiendo ese provecho al servicio de la población mayoritariamente pobre. Una personalidad ambigua cuyo poder cubre toda la región.

Las varias situaciones en las que actúa el personaje intentan abarcar los muchos aspectos en los que Don Melcho tuvo injerencia. Capítulos aislados que parecen incongruentes por su desorden narrativo, pero que irisan y complejizan el perfil de este hombre, hoy leyenda. El celo obvio de Soriano por solemnizar cada paso de su personaje, sean delictivos o solidarios, lo hacen cómplice y partidario de su causa. Es que Don Melcho es un personaje ambivalente, intrigante, impertérrito, casi indescifrable, arquetipo –aunque desaforado- del coraje serrano, mucho más interesante que el señor T de El acuarelista, que Enrique Aet de Una sombra al frente, que Santiago de Máncora y que Felipe y Sixto de Vidas paralelas. Empero muchos criterios del filme desaprueban el mínimo rigor.

Soriano consiguió a actores y a técnicos empíricos para su reparto y staff. Si el director contaba con algunos conceptos académicos, aprendidos en la Escuela Provincial de Cine y Televisión de Rosario, Argentina, donde estudió en los 90, estos serían mal ejecutados por los no-profesionales a su cargo, en desmedro de la ya apocada producción; válida excusa para algunos yerros ominosos. Muchos directores andinos declaran alejarse de cualquier influencia foránea, a diferencia del cine hecho en Lima que –según indican- “sigue estereotipos norteamericanos”, por lo que no refleja “nuestra realidad”. El huancavelicano Soriano no sería parte de este grupo de trasgresores sino un no aplicado alumno de la ‘escuela formal’.

Rezan los rumores que los motivos y circunstancias de la muerte de Don Melcho son inciertos: la película, antes del flashback de “2 años antes” del inicio, sugiere un ataque a pedradas sobre su caballo, pero en el desenlace es víctima de un ataque de adversarios terroristas. Entonces, ¿los terroristas armados con rifles utilizaron piedras y no balas para atacarlo antes de montarlo a caballo para su regreso? Nunca lo sabremos los espectadores. Lo mínimo requerido es coherencia en la narración y ese final –más incierto que el verdadero fin de esta personalidad rural- atenta contra esa elementalidad.

No obstante, Don Melcho, amigo o enemigo da cuerda para una amena discusión.

La película completa en Youtube:

Leer este buen articulo del New York Times sirve en estos dias de tensa espera para los que creemos (in)crédulamente en la nominación de La teta asustada, en esa siempre ecléctica e impredecible categoria del Oscar.

Resulta que son 2 comités los que eligieron a las 9 finalistas conocidas hasta hoy. El primero, un grupo de 300 veteranos miembros de la Academia (promedio de edad, 65 años) que probablemente son los que prefieren los filmes más convencionales y menos oscuros; un segundo comité lo conforman entre otros el director Curtis Hanson, el reconocido director de fotografía Janusz Kaminski y el director alemán director Florian Henckel von Donnersmark (ganador del Oscar 2007 en esta categoria con su filme La vida de los otros), elegidos a dedo por el tambien veterano productor Mark Johnson (The Notebook, la saga de Narnia, y la indie Ballast).

Ellos, presumiblemente, aseguran que filmes aplaudidos en Cannes, Venecia o Berlín no se queden fuera del Oscar. Por lo menos este sistema de dos comités funcionó el año pasado, cuando se puso en práctica por primera vez. Recordemos que el 2009 estuvieron entre los nominados la ganadora de Cannes, Entre les murs; Vals con Bashir; la austríaca Revanche, ganadora de algunos premios en la Berlinale; sin embargo la ganadora de la categoría fue la japonesa Departures, que resultó siendo la más convencional de todas las nominadas.

Entonces, las 5 “finales finalistas” son seleccionadas por un tercer comité que visiona los 9 filmes durante 3 dias, y que para el 23 de enero ya debieron haber decidido si La teta asustada sale nominada este martes 2 de febrero, temprano por la mañana. (ver el calendario de los premios de la Academia).

Recemos nomás que los señorones de la Academia no se nos queden dormidos con la historia de Fausta y la pongan con las mismas chances de los favoritos The White Ribbon, Un prophète y El secreto de tus ojos.

El artículo completo: NYT: Oscars Try to Navigate Through Babel.

Estos son todos los ganadores, la peruana-colombiana Contracorriente, la boliviana Zona sur, y la argentina El hombre de al lado, entre ellos. ¡Felicitaciones Javier! (Mira la premiación grabada)

Gran Premio del Jurado, drama U.S.: Winter’s Bone, de Debra Granik.

Gran Premio del Jurado, documental U.S.: Restrepo, de Sebastian Junger y Tim Hetherington.

Mejor director, drama U.S.: 3 Backyards, de Eric Mendelsohn.

Mejor director, documental U.S.: Smash His Camera, de Leon Gast.

Premio especial del jurado, drama U.S.: Sympathy for Delicious, de Mark Ruffalo.

Premio especial del jurado, documental U.S.: Gasland, de Josh Fox.

Premio del público, mejor filme internacional drama: Contracorriente, de Javier Fuentes-León (Perú-Colombia).

Premio del público, mejor drama U.S.: happythankyoumoreplease, de Josh Radnor.

Premio del público, mejor documental U.S.: Waiting for Superman, de Davis Guggenheim.

Premio del público, mejor documental internacional: Wasteland, de Lucy Walker (Reino Unido).

Premio excelencia en Cinematografía, drama U.S.: Obselidia, cinematógrafo Zak Mulligan.

Premio excelencia en Cinematografía, documental U.S.: The Oath, cinematógrafos Kirsten Johnson y Laura Poitras.

Mejor edición, documental U.S.: Joan Rivers—A Piece Of Work, editado por Penelope Falk.

Premio Waldo Scott a mejor guion: Winter’s Bone, escrito por Debra Granik y Anne Rosellini.

Premio The Best of NEXT: Homewrecker, de Todd Barnes y Brad Barnes.

Premio del jurado al mejor filme internacional drama: Animal Kingdom, de David Michod (Australia). No gana Contracorriente :(

Mejor guión y mejor dirección, filme internacional drama: Zona sur, de Juan Carlos Valdivia (Bolivia).

Mejor cinematografia, filme internacional drama: El hombre de al lado, de Mariano Cohn y Gastón Dupra (Argentina).

Premio del jurado al mejor documental internacional: The Red Chapel, de Mads Brugger (Dinamarca)

Mejor dirección, documental internacional: Space Tourists, de Christian Frei (Suiza)

Mejor edición, documental internacional: A Film Unfinished (Israel)

Mejor cinematografia, documental internacional: His & hers (Irlanda)

Premio del Jurado, mejor documental internacional: Enemies of the People, de Rob Lemkin, Thet Sambath (Camboya, Reino Unido).

Premio del jurado a mejor cortometraje: Drunk History: Douglass & Lincoln, de Jeremy Konner

Premio del jurado a mejor cortometraje internacional: The Six Dollar Fifty Man, de Mark Albiston y Louis Sutherland (New Zealand)

Premio Alfred P. Sloan: Obselidia, de Diane Bell

Premio Sundance/NHK International Filmmakers: Amat Escalante, por Heli (Mexico); Andrey Zvyagintsev, por Elena (Rusia); Daisuke Yamaoka, por The Wonderful Lives at Asahigaoka (Japón); Benh Zeitlin, por Beasts of the Southern Wild (EE.UU.)

A las 9:00pm hora peruana empezó la ceremonia de premiación del Festival de Sundance 2010. Suerte a Javier y su “Contracorriente”.

También en Twitter.

Hoy sábado 30, Perú 21 publica un artículo sobre el incremento del mercado cinematográfico en el Perú, en el que las cadenas exhibidoras van a construir 29 salas más, calculando un total de 25 millones de espectadores para el 2010.

En la nota se manifiesta, en boca de directivos de Cinemark y Cineplanet, que el consumidor nacional ha experimentado una “evolución” en los últimos tres años, entre la “concientización” respecto de la piratería y el “aprendizaje” de diferenciar entre una proyección fílmica y ver el estigmatizado “un DVD pirata en la casa”.

De esta manera, el público contará con un total de 320 salas en todo el país, pero con la misma oferta hollywoodense sobre la cual, por supuesto, los representantes de las empresas no hacen comentario alguno, ya que es el aspecto más discutible del proceso “evolutivo” al que hacen referencia. Por lo visto, el negocio va muy bien, y no necesita de la ayuda de la pretendida Ley Raffo-Majors para ampliar su inversión en infraestructura.

Vean un fragmento de la nota:

Cineplanet, que ya tiene el 46% del mercado nacional, planea desembolsar US$10 millones en la construcción de tres complejos, de los cuales dos estarán en Lima y uno en provincias. En tanto, Cinemark construirá este año dos nuevos complejos: uno en Lima y otro en provincias, en los que invertirá US$6 millones.
A pesar del importante crecimiento que ha experimentado este negocio de entretenimiento, aún tiene una baja penetración de mercado pues apenas llega al 20% de la población, sostiene [Tito] Aguilar[, gerente de Márketing y Comercial de Cinemark].
Afirma que, en tres o cuatro años, este mercado se podría duplicar, impulsado por los 20 proyectos de centros comerciales que se desarrollarán próximamente. “Hay campo por explorar, sobre todo en provincias. Hay zonas de Lima que no están cubiertas”, puntualizó el ejecutivo.

Los cineastas, que podían emitir su voto de forma presencial en la oficina de Conacine, y a través del correo electrónico, podían elegir entre dos listas: la Asociación de Productores Cinematográficos del Perú (APCP) y la Unión de Cineastas Peruanos (UCP). Esta coyuntura que no se daba desde hace ocho años, y las propuestas con distintas visiones sobre el futuro del cine nacional, en algunos puntos contrarias, de las dos agremiaciones, elevaron la participación de los electores, en unas elecciones en que los ganadores se definieron por la mínima diferencia en dos categorías.

Sin duda, esta nueva directiva concitará la atención de la comunidad del cine peruano y de la opinión pública, por lo que deberá transmitir desde su instalación, este miércoles 3 de febrero, un clima de tolerancia y transparencia, para que se recupere la confianza y disminuya la evidente tensión que existe actualmente. Los representantes de los cineastas elegidos son el docente de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Raúl Zevallos; el director de D’jango, la otra cara, Ricardo Velásquez; el productor y actual vicepresidente de Conacine, Julio Vizcarra; y el director de fotografía Juan Durán, en el rubro de los Técnicos / Jefes de Área.

A continuación, la comunicación oficial de Conacine:

Elecciones generales del Consejo Nacional de Cinematografia – 2010

Representante de docentes cinematográficos
Raúl Zevallos Ortiz (UCP) 19
Daniel Padilla Gassols (APCP) 15

Representante de directores cinematográficos
Ricardo Velásquez Paredes (APCP) 33
Chiara Varese Scotto (UCP) 32

Representante de jefes de área / técnicos cinematográficos
Juan Durán Augusto (APCP) 39
Dennis Ramírez Bergamino (UCP) 38

Representante de empresas de producción cinematográfica
Julio Vizcarra Coloma (APCP) 53
Ana María Pomareda (UCP) 42

Representante de distribuidoras cinematográficas
Luis Dager Alva 2

Representante de exhibidores cinematográficos
Mónica Ubillús Jiménez 6

Representante de actores cinematográficos
Cristina Urueta Muñoz 9

Observación: No cumplió con el 10% de votos válidamente emitidos. Habrá Elecciones Complementarias de Actores.

Los ganadores para formar el nuevo Consejo Directivo del CONACINE periodo 2010 son:

Representante de docentes: Raúl Zevallos Ortiz
Representante de directores: Ricardo Velásquez Paredes
Representante de jefes de área / técnicos: Juan Durán Augusto
Representante de empresas productoras: Julio Vizcarra Coloma
Representante de distribuidoras: Luis Dager Alva
Representante de exhibidores: Mónica Ubillús Jiménez

Como bien informó Laslo, me encuentro hace unos días por primera vez en el continente europeo para participar del International Film Festival Rotterdam 2010, desde hace mucho uno de mis festivales favoritos que seguía vía web por muchos motivos: el fondo Hubert, la sección Bright Future y todos los experimentos que suelen hacer en este festival de trato horizontal que evade las alfombras rojas y el glamour a diferencia de los así llamados “clase A”.

Pero la principal razón de mi presencia no es la proyección del primer corte de mi largometraje Reminscencias, ni la muestra de dvds del cine digital latino, fenómeno que recibió debida atención en un reciente artículo en el único periódico de cine en Holanda: De Filmkrant, a cargo de Dana Linssen quien estuvo como mentora en el taller de NisiMazine durante el último festival organizado por la Univesidad Católica en Lima.

En realidad mi invitación al festival se debe a mi participación en el Trainee Project for Young Film Critics y, ya que abiertamente no me considero un crítico de cine, participaré como videoblogger junto a otros cinco periodistas cinematográficos del resto del mundo. A continuación dejo un primer video que sirve como avance de lo que será la cobertura:

(Foto de Donna’s iPhoneography en Flickr)

Productor Rodrigo Guerrero, director Javier Fuentes-León y actor Manolo Cardona

El martes pasado, 26 de enero, se realizó la primera proyección de Contracorriente en el Festival de Sundance 2010, donde compite en la categoría World Cinema.

Las críticas y comentarios sobre la película peruano-colombiana aun escasean, por ahora hemos encontrado este review de The Hollywood Reporter que en su conclusión no parece encontrarle demasiados bríos a la cinta de Fuentes: “Vistosos paisajes costeros trascienden más allá de un hilo bastante común sobre la opresión gay”. Traducción libre de la reseña:

Un artista es ahogado por la contracorriente de la costa de Perú, emblemática de su vida como un hombre gay, siendo arrastrado por una estrecha mentalidad de la comunidad católica-machista. Espléndidamente fotografiado, este candidato en el World Cinema Dramatic aquí en Sundance no es probable que navegue más allá de los espacios gay o del circuito de festivales.

Ubicado en un hermoso pueblo costero en el Perú, “Contracorriente” (“Undertow”) contrasta los elementos de la naturaleza sensible y libre de la playa con la mentalidad reprimida y cerrada de los aldeanos. Es la historia de un amor prohibido: En este caso, el drama se filtra alrededor de Miguel (Cristian Mercado) y su esposa embarazada y artista amante de Miguel, Santiago (Manolo Cardona)

En esta cultura cerrada, Miguel trata de tener las dos cosas, como un ciudadano respetable, y como un hombre que está comprometido en una relación homosexual. Está atrapado entre dos corrientes convergentes: sus vecinos que sospechan su “pecado” y su amante, que ahora exige ser reconocido.

El cineasta Javier Fuentes-León, con delicadeza y sensualidad ilumina este choque de la sexualidad contemporánea con siglos de dogma y la tradición. A veces, se interrumpe elementos del realismo mágico en la historia, que le hace confundir en lugar de levantar a un plano superior de la comprensión.

“Contracorriente” (“Undertow”) crece en un nivel técnico. La luminoso fotografía de Mauricio Vidal de la hermosa línea costera, salpicada por muchas siluetas a-la John Ford debajo de los arcos de las cuevas, es lo mas destacable de la película.

Por otro lado, Contracorriente ya consiguió vender sus derechos de exhibición a nivel mundial, el comprador es la compañía Shoreline Entertainment, con base en Los Angeles. La película se vuelve a proyectar mañana y pasado, siempre en Sundance. Suerte, Javier.

Más fotos en Zimbio.

Yapas: A este no le gustó la pela, “Never see this movie. Ever”. Más en Twitter.

No es nada casual que ello suceda pues varias revisiones y homenajes a su obra, que irán en aumento desde ahora, confirman el impacto que tuvo en los lectores, no solo estadounidenses, que atraparon El guardián entre el centeno desde la época escolar. Lamentablemente debo reconocer que no fui uno de ellos, pero aún así la identificación con esa historia de desencanto y errancia en la edad crítica de la toma de decisiones, no deja de cautivar aunque la hayamos cogido en un momento en el que podríamos considerarnos, tal vez falsamente, capaces de fungir de consejeros de su protagonista.

Así como su aislamiento fue asunto difícil pero fascinante para sus lectores, la presencia de Salinger en el cine es apenas rastreable. Pero podemos citar My Foolish Heart, realizada en 1949 y basada en El tío Wiggily en Connecticut, uno de los inolvidables Nueve cuentos que se publicarían en conjunto cuatro años después. Este drama protagonizado por Dana Andrews y Susan Hayward, fue la única adaptación autorizada que se hizo de alguno de los trabajos del escritor.

En 1995 el cineasta iraní Dariush Mehrjui realizó Pari, una versión de Franny and Zooey, adaptada a la realidad de su país. Finalmente, aunque seguramente no es un cierre ideal, vale la pena mencionar que la figura mítica de J.D fue en la que se baso Gus Van Sant, para una de sus películas menos interesantes. en Finding Forrester veíamos a Sean Connery convertido en ese anacoreta urbano, que es redimido por su buena disposición para las correcciones políticas al fungir de tutor de un emprendedor chico de raza negra, basquetbolista y narrador muy prometedor a partes iguales. Ahora me queda imaginarme como sería esa película si el alumno hubiera sido alguno de los extraviados Franny, Zooey, o el mismo Holden Caulfield.

La cinta, de 55 minutos de duración, está dirigida por el cineasta loretano Dorian Fernández (Chullachaqui, Inmortal). La idea nació a partir de la realización de los Talleres Creativos Revolución Visual, realizados entre enero y febrero del 2009. Más de 30 entusiastas promotores que participaron en dichos talleres fueron parte de esta producción, que combina tres historias cruzadas en un solo día, con el marco general de Iquitos alejada de los estereotipos y más bien gélida, triste, desesperanzada. El guión original fue realizado por el guionista y escritor Paco Bardales (IQT Remixes).

El gran protagonista del film es el edificio de Essalud, el más alto de la ciudad, destinado antaño a ser un lujoso hotel de cinco estrellas y abandonado hace más de veinte años, que solo guarda chatarra y archivos de logística, así como el mito urbano que en su interior vive alguien que misteriosamente nunca da la cara y de quien solo se escuchan rumores o ruidos que se reparten a través del tiempo.

El último piso fue grabado entre febrero y marzo del 2009, en diversos espacios urbanos, públicos y privados, de Iquitos, en más de 13 sesiones de rodaje y cuenta con las actuaciones especiales de los actores loretanos Duller Vásquez, Gladys Vásquez y Joel Huamán. La producción ejecutiva corre por cuenta de Sofía Herrera e Irina Yanovich, la edición de Kenny Reátegui y Leo Ramírez, y contó con la participación de la Orquesta Sinfónica de Loreto en la realización de la música original creada para el filme. Casi nada.

Este es el trailer de El último piso:

Un set de fotos del rodaje de la película:

Vía el diario La Jornada, llega una mala noticia desde el país azteca, la grave crisis de uno de los espacios cinematográficos más briosos de América Latina, sobre el cual informamos con entusiasmo en una de sus previas ediciones. La propia web del Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (FICCO), la confirma de la manera más clara y fúnebre, con un comunicado escrito en castellano e inglés sobre un fondo negro, negrísimo, en el que hacen el anuncio “con el más hondo pesar” y piden disculpas, pero anuncian que persistirán y que el festival se realizará próximamente.

La sétima edición del FICCO, que iba a desarrollarse del 24 de febrero al 7 de marzo, había programado ciclos del cine mexicano de los años 60 y 70, en el marco del bicentenario de su Independencia y el centenario de su célebre Revolución; además de la retrospectiva de la cineasta belga Agnès Varda, con su presencia, y la participación especial de la cinematografía de Hungría como país invitado. Por primera vez, el certamen iba a descentralizarse, llegando a varias zonas del territorio mexicano entre marzo y diciembre de este año, además de incrementar las secciones y los premios. Al parecer, los problemas del festival se deben a la deserción de su importante auspiciador, la cadena de cines Cinemex, que ha anunciado más información para este viernes 29.

Desde las postrimerías del 2009, ya eran fuertes las tensiones entre cineastas y exhibidores, algo que nos suena familiar en el Perú. En diciembre, la directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Marina Stavenhagen, protestó por la dificultad de las cintas locales para encontrar un lugar en la cartelera comercial, a la que en teoría pueden acceder por dos semanas por un “pacto de caballeros” con los dueños de los cines, pero que en realidad últimamente no suelen pasar de cinco días, ante el embate de las producciones de Hollywood. La funcionaria llegó a demandar una nueva regulación legal. “Así como los estímulos fiscales están [por escrito, legalmente] y los fondos de apoyo al cine [Foprocine y Fidecine], así también esta regulación del mercado es necesaria, no sólo para apoyar la producción, sino en términos de salida al mercado”, comentó en esa ocasión.

Además, el realizador Salvador Aguirre se queja hoy mismo del lanzamiento desfavorable de su filme Amor en fin, protagonizado por Daniel Giménez Cacho, y pide a la comunidad del cine de su país que exprese su indignación. “La estrenaron en un circuito fatal (…), porque no hubo ni una sola sala en la zona del centro de la ciudad; la confinaron a la periferia (…), pero para el tema de la cinta era básico que estuviera en salas donde el cine mexicano cuenta con buena clientela. A pesar de estas irregularidades, en los primeros dos días habían asistido 5 mil personas a verla”, expresó el director.

Juan Daniel lleva además otros filmes peruanos y latinoamericanos, que comparten todos el espíritu Cine B, para presentarlos en este showcase. Algunos de ellos son los filmes chilenos que les presentamos hace unos meses en “El cine chileno ataca Lima”:

• Detrás del mar (Behind the sea. Dir. Raúl del Busto – Perú 2005)
• Los actores (The Actors. Dir. Omar Forero – Perú 2006)
• Mami te amo (Mommy I love you. Elisa Eliash – Chile 2007)
• Empaná de pino (Dir. Edwin Oyarce – Chile 2008)
• Te creís la más linda (You think you are the cuttest. Che Sandoval – Chile 2009)
• Las Traducciones de Piotr Herrol (The Translations of Piotr Herrol. Dir. Martín Seeger – Chile 2010). W.I.P.
• Cletaraxia (Dir. Diego de la Mattaz – México 2009)
• Four Views from Peru: La espera de Ryowa (Ryowa’s Wait. Dir. Raúl del Busto & Cyntia Inamine- Perú 2004), Mirada a Tusán (A View to Tusan. Dir. Jonatán Relayze – Perú 2009), Los gigantes, Alcibiades y el bosque de piedras (The Giants, Alcibiades and the Stone Forest. Dir. Miqy de la Barra – Perú 2006) y Avishka (Dir. Karina Cáceres – Perú 2010)

Más novedades de Rotterdam, en los próximos días. Recuerden que el festival va hasta el 7 de febrero.

Entre 70 emprendimientos de Iberoamérica y África [ver la relación de ayudas concedidas], que suman en total 2 millones 767 mil 420 euros, Oliart es la única peruana beneficiaria, además del proyecto de la Universidad Rovira i Virgili de crear un Centro de Arqueología Urbana (CAUC) en la Universidad Nacional de San Antonio Abad del Cusco. La solicitud original de la sonidista ascendió a €55 mil, en una aplicación en que mayoritariamente participan instituciones, como centros culturales, fundaciones, universidades y ministerios de distintos países del mundo. El reconocimiento consta en la resolución del 10 de diciembre de 2009, de la presidencia de la AECID, a cargo de María Soraya Rodríguez Ramos.

La obtención se da en el marco de las adjudicaciones parciales de ayudas de convocatoria abierta y permanente para actividades de cooperación y ayuda al desarrollo, correspondientes al tercer procedimiento del 2009. La entidad estipula que, al fin de la actividad, que en el caso del proyecto de Oliart está previsto para febrero del 2011, se deberá justificar en los “cuatro meses siguientes a la terminación del plazo fijado en la resolución de concesión mediante una memoria o informe con los resultados de la actividad, así como memoria económica de los pagos y operaciones bancarias realizadas con cargo a la ayuda percibida”.

AECID es una Entidad de Derecho Público adscrita al Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España, que busca fomentar, gestionar y ejecutar políticas públicas dirigidas a la lucha contra la pobreza y la consecución de un desarrollo humano sostenible en los países en desarrollo.

Como rezagado exponente de las comedias de acción al estilo de Ocean’s Eleven, aparece en cartelera esta película que si no ostentara como protagonistas a Morgan Freeman y Antonio Banderas, probablemente pasaría más desapercibida de lo que ha venido siendo dentro de la amplia oferta de películas de corte similar que llegan a estrenarse para luego desaparecer intempestivamente sin que casi nadie se percate de su presencia. A decir verdad al no estar producida precisamente por los grandes estudios, Juego de ladrones ha tenido incluso solo estreno en DVD en algunos mercados importantes como el estadounidense o el británico. Pero a pesar de ello, vale la pena prestarle un poco de atención ya que estamos ante una película que en verdad entretiene.

Claro, no esperen a ver uno de esos juegos de estilo a lo retro con los que Steven Soderbergh le dio un ventarrón fresco al cine de gran espectáculo a comienzos de este siglo. En este caso la dirección se encuentra a cargo de Mimi Leder, una directora mucho menos talentosa, pero amplio oficio, que se extiende desde la televisión hasta largometrajes de gran presupuesto como El pacificador e Impacto profundo, los dos blockbusters con los que Spielberg y compañía iniciaron fuego con sus trabajos de ensueño. En el caso de esta nueva y más modesta producción, todo se limita a seguir al pie de la letra los mandamientos de esos juegos de tramas criminales prodigiosas, y engaños asumidos con imposible elegancia, que transcurren en medio de un pastiche de los clásicos del film noir atravesados por amantes ambiguos, sombras del poder en las calles detrás de uno, y hombres de la ley acechando con el castigo final si la jugada fracasa.

Los estereotipos casi siempre ineludibles pero que en este caso son eficazmente empleados, al menos con mayor fortuna que en las, ya lejanas, películas previas de su directora (no cuento Cadena de favores, un filme que prefería olvidar). Mientras transcurren los negocios millonarios que involucra al dúo Ripley-Gabriel, vale más prestarle atención a las imágenes bien compuestas entre la acción y ese entorno acerado de un Nueva York invadido por la diversidad de luces nocturnas e idiomas, que en los simulacros de juegos de seducción y momentos de tensión que hemos visto otras veces con mejores guiones. Toda esa estética recetada pero no escrita dentro del mainstream de los últimos años resulta funcional para las pocas pretensiones, conseguidas, de este filme.

De la misma forma, los protagonistas se comportan como les conviene más en estas circunstancias: acomodarse lo más que puedan a sus propias” imágenes de pantalla”. Freeman vuelve a ser el tipo experimentado, de verbo cadencioso y bien plantado, por el contrario Banderas es vuelve a ser el hispano algo atolondrado y nunca bien acondicionado a ese mundo ajeno, del cual trata de salir bien parado en base a su humor natural (y a veces involuntario). En estos juegos de apariencias, acaso los mil y un deformados pedazos de los espejos que reventaban en La dama de Shanghai, lo mejor es asumir esos saltos de los techos de un metro, o los ingresos a los más sofisticados sistemas de vigilancia como hasta los deliciosos sucesos de una realidad que valen más por su pertinaz consecución, o mejor digamos timing, que por la secreta fantasía de imaginárselos como propios. Tal vez no lo haríamos mejor, por ello le doy mi nota aprobatoria, mínima pero aprobatoria, que es lo que cuenta.

Thick as Thieves. Dir. Mimi Leder | 104 min. | EE.UU – Alemania

Intérpretes: Morgan Freeman (Keith Ripley), Antonio Banderas (Gabriel Martin), Radha Mitchell (Alexandra Korolenko), Robert Forster (Weber), Rade Serbedzija (Nicky / Victor), Gerrit Vooren (Bakker), Joshua Rubin (Joost), Tom Hardy (Michaels), Corey Johnson (Voutiritsas), Vladimir Kolev (Andrei), Constantine Gregory (Sergeev)

Estreno en Perú: 14 de enero de 2010

Un tren llamado Perú es una película documental que rescata del elefante blanco de Alan García a un puñado de personajes que de una u otra forma tuvieron alguna relación con el tren eléctrico que Lima nunca tuvo (¿y que quizá algún tendrá?).

Rómulo Franco dice de su película, y de su valor como documento, lo siguiente:

El objetivo es que la gente se cuestione a sí misma como proyecto personal. No es solo un documental político sino muy humano, pues todos queremos lograr cosas. Si bien es imposible hablar del tren sin mencionar a Alan, la política también se hace con ciudadanos. [H]acer este documental es un forma de construir un tren eléctrico. Por eso muchos me dicen que ojalá no acabe como él.

Pueden leer el artículo completo a continuación, hagan click para agrandar cada imagen:

Y sin embargo se mueve

Rómulo Franco y Carolina Denegri terminan el rodaje más verídico del tren eléctrico. Aquí, conozca su cinematográfico recorrido.

Por Diana Kisner

Su abuelo vivía en San Borja y cada vez que lo visitaba le hacía a su madre la misma pregunta: ¿qué son esas columnas incompletas que hay en el camino? Ella nunca supo contestarle pero, con los años, el cineasta Rómulo Franco halló su propia respuesta: son un monumento a las promesas inconclusas. Porque el tren eléctrico bien podría ser una metáfora del Perú, pues “así como este no se concluye, el país tampoco se termina de integrar”. Rómulo es el director de Emergencia Audiovisual, una empresa que desarrolla proyectos propios y ajenos. El más personal y de mayor envergadura es este documental que ganó el premio de la Jan Vrijman Fund en el marco del DocBsAs 2007 y que ahora está en proceso de edición. El 18 de febrero debe entregar la copia final a Conacine, la institución que los galardonó el 2008, para luego presentarlo al Festival de Cine de Guadalajara y empezar la postproducción y la distribución.

Como una exhalación

“Una vez estaba viajando en una zona de Francia con mis hijos. Había una interminable y lenta cola de vehículos en la carretera. De pronto pasó al lado el tren de gran velocidad, el TGV France, a 200 kilómetros por hora. Me acordé del tren eléctrico de Lima y pensé que mientras otros están en sus atascamientos, este tren va a pasar como una bala, como una exhalación”, afirmó un inspirado Alan García Pérez. Aunque a muchos el discurso les sonó ochentero, en realidad lo dijo el último mes de diciembre, poco después de que el gobierno anunciara una inversión de US$ 410 millones para terminar de construir el tren el próximo 2011. Dicen que entonces podrá transportar a 300 mil pasajeros diarios a través de 22 km y 16 estaciones. “El enfoque inicial fue una crítica a García, pero después sentí que eso era tan evidente que valía la pena resaltar otras historias”, explica Rómulo. Así, la productora Carolina Denegri recorrió Villa El Salvador y Villa María del Triunfo durante meses para encontrar a sus verdaderos protagonistas, una búsqueda cuyos resultados han logrado que la película tenga más de literatura que de periodismo. “La estructura es un viaje en tren donde el espectador conocerá a sus pasajeros”, agrega el director.

El viaje

Primer pasajero. Nadie recuerda a los artistas que decoraron esas horribles columnas incompletas. La Escuela de Bellas Artes no conserva sus datos, nadie tiene su teléfono en el municipio de San Borja y ninguno figura en la guía. Hasta que una noche Carolina descubrió en la casa de su novio un cuadro que llevaba la firma de uno de ellos: Néstor Soto, migrante de origen puquiano. Halló a su hijo -pintor surrealista que cambió su nombre por Jenrry Dextre- y logró que ambos se encontraran en un vagón vacío.

Segundo pasajero. ‛’Ya viene viene viene viene el tren/ se oyó decir en aquel barullo/ hubo silencio no hubo un murmullo/ por fin llegaba el maldito tren/ Pasó un minuto pasaron diez más/ la multitud recién comprendió/ tal prodigio no se dio jamás/ pasó tan rápido que no se vio”. El compositor Juan Luis Dammert, más conocido por el hit infantil “Como te vaca”, viene cantando esta canción desde hace 23 años.

Tercer pasajero. El carpintero Enrique Tinoco vive frente a los fantasmagóricos rieles de Villa El Salvador. La productora lo encontró allí, en su taller, y le pidió que construyera una versión en miniatura del tren. Pero él nunca lo había visto, tal vez porque en los últimos 20 años no tuvo motivos para prestarle atención. Aun así, aceptó el encargo.

Cuarto pasajero. En octubre de 2009 el alcalde de San Juan de Miraflores ofició un matrimonio masivo a bordo del tren eléctrico, con la aspiración de figurar en el Libro Guinness de los Récords. Después de innumerables idas y venidas, Denegri dio con la pareja más joven: Jorge y Gloria Totocayo. También con la más adulta: José y María Elena Limo. Los primeros están empezando su vida, los segundos sobreviven lejos de la realidad y todos se sostienen por una profunda fe religiosa.

Quinto pasajero. Jaime Lecca es el chofer del tren desde hace 12 años. Cada viernes él se encarga de conducir al elefante blanco más rápido de Lima desde Villa El Salvador hasta la estación Atocongo. Va solo, en completo silencio y con la esperanza de que algún día tendrá pasajeros. Está seguro de que ese momento llegará pronto. Mientras tanto, el monstruo se mueve para no perecer.

Sexto pasajero. Camila Bustamante estudia en la escuela de postgrado de la Rietveld Academy (Holanda). Para su maestría viene realizando el proyecto ‛’Lima Z427″. Su pregunta base fue: ¿cuándo estará listo el tren? Como explica en su página de Facebook, ” para hacer la medición del ritmo de avance se tomó como punto de partida el año en que el presidente Alan García colocó la primera piedra (18 de octubre de 1986) hasta la fecha en que un usuario accedió al servicio comprando un boleto (ZOO4)”. Según sus cálculos, en realidad estará listo dentro de 417 años.

Último tramo

‛’El objetivo es que la gente se cuestione a sí misma como proyecto personal”, afirma Rómulo. “No es solo un documental político sino muy humano, pues todos queremos lograr cosas. Si bien es imposible hablar del tren sin mencionar a Alan, la política también se hace con ciudadanos”. Así que los pintores sueñan con vender su obra, el chofer anhela tener pasajeros, la estudiante desea graduarse con honores, el cantante quiere ser escuchado y el cineasta debe enfrentar sus propios demonios en el camino, pues ‘‛hacer este documental es una forma de construir un tren eléctrico. Por eso muchos me dicen que ojalá no acabe como él”. Ahora, sentado y sonriente en la sala de edición, vuelve a revisar un fragmento de la película donde aparece Enrique Tinoco rodeado de maderas y herramientas: “Al inicio uno tiene dificultades, pero yo nunca me desanimo”, dice. El carpintero cree que los proyectos son más complicados si no se terminan. Al director, por su parte, parece que solo le falta el título.

(Gracias a Diana Kisner)

Se suele decir que la presencia de determinada celebridad influye mucho en las películas elegidas, como los recientes casos de Quentin Tarantino, que en 2004 le dio el Gran Premio del Jurado a la coreana Oldboy; o el de la pasada edición cuando el jurado encabezado por la prestigiosa Isabelle Huppert otorgó la Palma de Oro a uno de los realizadores habituales en los festivales: Michael Haneke por La cinta blanca. De ser así, en el caso del loco Tim no sabemos qué es lo que pueda suceder. Todo ello está obviamente condicionado a la lista de filmes que estarán presentes este año.

Cabe resaltar que Burton ha sido jurado de Cannes en distintas secciones en ocasiones anteriores. La primera en 1997, en la sección oficial, y la última en 2006 en la sección de cortometrajes. “Después de pasar mi gran parte de mi vida viendo funciones triples continuadas y maratones de horror de 48 horas seguidas, finalmente estoy listo para esto”, fue lo que dijo el director ni bien se anunció su participación en Cannes 2010.

Y sobre la nueva creación de Tim, a estrenarse el 5 de marzo a nivel internacional, se reveló hace un par de semanas la lista de artistas que participarán en el soundtrack. Almost Alice es el título de esta colección de temas interpretados por Robert Smith, Franz Ferdinand, pasando por Avril Lavigne, Wolfmother, Tokio Hotel, y hasta The All-American Rejects. Una reunión de tendencia hacia lo emo, pero igual tal vez no deje de haber atractivos.

Ryan conoce a Alex

¿Cuántas horas viajamos en micro? ¿Es más rápido si vamos en combi o si tenemos más monedas para subir a un taxi? El asunto es que mientras apoyo mi cabeza en la ventana pienso en lo afortunada que soy por no tener que desplazarme congestionadas horas, casi todo está al alcance de unos pasos. Sin embargo envidio a Ryan, envidio el tiempo que tiene para divagar asomado entre la tropósfera de su hogar suspendido y de la realidad terrestre. Le envidio y le entiendo.

Up in the Air tiene todo lo necesario para conectar con la audiencia, por lo menos con la gran mayoría, tiene la incertidumbre de la crisis de media edad que a muchos se puede presentar en cualquier instante de su existencia y tiene a George Clonney haciendo de un personaje que por un instante me hace pensar si hay algo de él en Ryan, tan sólo una pizca de reflexión del soltero codiciado de Hollywood.

Pero la película no es sólo sobre este personaje con el difícil trabajo de andar despidiendo gente, para balancear la historia y encontrar el punto de inflexión tenemos a la joven Anna Kendrick como la ilusa Natalie que ve como sus proyecciones de vida personal no se cumplen bajo el estricto parámetro que a veces solemos poner. Del otro lado de la balanza tenemos a Vera Farmiga como Alex, una práctica ejecutiva, tal vez el idealismo de las mujeres de este siglo pero como algunas cosas son abstractas y para evitar las fachadas se construye un muro de contención, como lo dije: práctico.

Hay mucho de vida en esos tres, hay mucho de etapas y evolución de pensamientos, hay risas porque en cualquier instante podemos identificar nuestros sueños con la realidad en la que estamos parados hoy, la misma realidad que ha ido carcomiendo la inocencia y el romanticismo de las ilusiones. Pero ello no significa el fin y es cuando la testaruda Natalie se lo encara a Ryan quien finalmente entiende en dónde conectar el próximo vuelo.

En el contexto de esas disyuntivas personales está el punto más verosímil de la historia, la crisis económica americana, ello pone a todo el filme en nuestro tiempo y ya no se ve distante como las comedias que veía en canal Retro de Jack Lemmon o de Cary Grant, y que a raíz de la película se lee mucho de esta relación Clonney-Grant. Todo eso sucede o acaba de pasar, es que tan difícil como ser un excelente viajero es saber equilibrar la vida laboral y personal, ya que en este mundo competitivo el que no empaca bien, viaja mal.