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Incendies, de Denis Villeneuve

2011-03-23T09:59:00.000-07:00

Incendios que no queman

por Adrià Sunyol

Incendies (2010) es una película con una personalidad definida pero que, por su estructura compleja, estática y retorcida a un tiempo, trae a la mente algunas películas de Atom Egoyan, con las cuales también comparte el motivo del rastreo de los orígenes y el Made-in-Canada. Pero la complejidad de Incendies no es solo argumental. El film de Denis Villeneuve desorienta también por su facilidad por sorprender para lo bueno y para lo malo, ya sea migrando lentamente de un tono a otro, o complicando su evolución hasta extenuar la verosimilitud que, en un principio, parecía imprescindible para seguir su desarrollo dramático.

Saliendo del cine, la experiencia de Incendies, en el repaso global que la mente suele trazar mientras abandona la sala, resulta satisfactoria. Un drama, reconocemos mientras acabamos de ajustar las piezas del argumento que limpiamente encajan en el tramo final. Buenas interpretaciones, susurramos, seducidos tal vez por la belleza de sus dos protagonistas femeninas. Interesante, se aprenden cosas, concedemos al ponderar lo que parece un fiel reflejo del trauma individual y colectivo que los conflictos del Oriente Medio deben representar para sus víctimas. ¿Y pues? ¿De dónde procede esa sensación un poco insustancial que nos invade ante Incendies?

Puede que sea el resultado de un trabajo cinematográficament, visualmente, un poco insulso. Una buena idea aquí, un plano interessante allí, poco más. Intenciones un poco difusas tal vez, habilidad en la producción de efectismos elegantes pero uso recurrente de estrategias un poco fuera de contexto, como esas enormes tipografias rojas que capitulan una película bastante fluida y recuerdan el amor intertitulador de Godard, que parece haber contaminado todo el mundo francófono. Un lenguaje fílmico en resumen definible con un ni fu ni fa, pero que en qualquier caso destaca más por sus simples aciertos que por sus ocasionales tropezones.

¿De dónde pues, proviene la aparente indiferencia que se puede sentir ante Incendies? ¿Será el tema? ¿Estaremos sobrecargados de ficción abocada al drama humano que sabemos real, y del que tan poco sabemos por otros canales que no sean la parcial y asquerosamente fragmentaria prensa? ¿Nos estaremos hartando definitivamente de esta manera canónica de narrar? En su constante apelación a la empatia, Incendies conecta al espectador con sus personajes y sus miserias, pero cuando el tema tratado es tan apremiante, tan atroz, tan absurdamente atroz, todo lo que no inocule en el espectador un sentimiento más violento, más enérgico de revuelta personal ante la realidad que nos escupe continuamente a la cara, sabe a poco. Sobretodo cuando no nos queda el consuelo de la excelencia, del cine tan puramente perfecto que se basta por si solo. No es este último el caso de Incendies, una película interesante y hasta bonita para un tema que requiere al arte que lo trata grandes dosis de capacidad recalcitrante de crispar a los espectadores que, comodamente, asistimos al bombardeo de un país mientras el parlamento democráticamente elegido por nosotros lo aprueba con la mísera oposición de tres quijotescos escaños.

La metáfora en el incendio

por Fernando Pomares

Ya desde hace unos años, y quizá con la aparición en clave de homenaje de Zodiac (2007) de David Fincher, el estilo y mentalidad de cierto cine de los años 70 está volviendo con fuerza. Un cine que sin olvidar la narrativa clásica se apoya en fórmulas modernas para mostrar el relato, y a la vez, como pieza política, la película no sólo es un drama sino un ensayo sobre nuestra sociedad, un discurso que en su culminación se esclarece rompiendo el clasicismo para rebelarnos el significado de la obra.

Incendies (2010), escogida para representar a Canadá en los Oscars, podría apuntarse a ese resurgimiento fílmico. Una película muy sólida, que nunca juega en contra de su propuesta y lleva al espectador, con mano firme, por un thriller que te mantiene atento e interesado hasta los últimos minutos del metraje. Los problemas aparecen a medida que se descubren las cartas sobre la mesa, y podemos cuestionar ciertas decisiones y ciertos procesos con los que se han construido la obra.

La funcionalidad del relato paralelo para desembocar en una revelación me parece más de culebrón que intelectual, teniendo en cuenta el argumento en que se desencadena la historia (la cual no voy a contar). No sólo el simbolismo de la metáfora es infantil, sino que aparte podría ser cuestionable desde un enfoque moral. Por otro lado la película es un viaje hacia el origen de un conflicto, un proceso donde cada pista en una investigación te lleva más cerca de la verdad, y esa investigación se hace desde el presente para conocer el pasado. Por eso el hecho de mostrar el pasado para que cobre sentido el presente me resulta innecesario e incluso molesto. El subrayar las experiencias del pasado elimina el factor de ambigüedad, otorgándole al relato (de gran ambigüedad discursiva en el mundo real) un único enfoque y una tesis cerrada.

Es cuestión de matices lo que hace, a mi modo de comprender Incendies, un film mediocre, pero observándolo con una mirada técnica la película canadiense es impecable, tanto por su puesta en escena como en el montaje o la estilización de las imágenes. Pero también, tanta exactitud y tanta frialdad, convierten lo que en un principio es un sentimiento ahogado en un mero vacío emocional.

Mi top 10 del 2010: Series

2011-01-04T02:38:00.000-08:00

Perdón por el retraso y publicar varios días después del fin del pasado año. Puesto que un número considerable de series son ya mejores que la mayoría de largometrajes que llegan a nosotros, considero importante tenerles un rinconcito y son merecedoras de ser comentadas.

Treme

Los creadores de The Wire, especialmente su guionista principal David Simon, nos adentran activando el modo documental en la realidad postKatrina en New Orleans. Nunca una ficción fue tan maravillosamente antidramática (hablando de su estructura y forma) en esta serie llena de verosimilitud y donde cuesta diferenciar el término personaje/personas. Creo que es una serie única, sin precedentes, y dudo que tenga sucesoras. Ante todo, una joya.

Boardwalk Empire

Seguimos en la HBO, como lo era la anterior. Ahora de la mano de Terence Winter (creador de Los Soprano) y Martin Scorsese. Historia sobre la relación de poder, política y mafia en el Atlantic City de la Ley Seca. Serie de grandioso presupuesto que por lo contrario no ostenta de él. Un relato que lentamente, como un cáncer, corroe las entrañas, sin darte cuenta (incluso cuando descubres que ya se acaba la temporada) lo corroída que está la gente estadounidense a través de sus políticas, sus culturas, sus creencias, y por supuesto su historia y su devenir, y por lo tanto lo corroído que estás tú mismo. Fabulosa.

How to make it in America

Si menciono esta serie es porque disfruté enormemente de ella, aunque considero que no está a la altura del resto de la lista. Es de una calidad innegable, pero es interesantísimo este nuevo formato de dramático/cómic de 25 minutos, a lo Californication, Entourage o Weeds. Pero en How to make it in America, con ese toque tan cinematográfico, aún mayor que en Entourage, se separa de sus predecesoras para dar al público una bocanada de aire, televisión de altísima calidad (podríamos hablar de cine), con dramas menores sin recurrir al exceso para atrapar audiencia.

The Walking Dead

Sería injusto no mencionar este extraordinario divertimento de AMC (cadena de Mad Men), que poco a poco, copiando la formula de la HBO, pero bifurcando hacia lo populista, están construyendo series de mucho valor. El problema, y me gustaría que no sucediera con esta serie, es que no diseñan las series por su valor narrativo, sino por su éxito en el público. Espero que no tengamos muertos andantes hasta que se canse la gente, como podría pasar con la gran Mad Men, que temporada a temporada repiten fórmula hasta que ésta se agote, en vez de tener un diseño narrativo fuerte e invariable. Con todo ello, The Walking Dead es drama, adrenalina, acción y aventura. ¿Qué más se le puede pedir al fantástico/terror? Pues qué esté tan bien hecho como The Waling Dead.

Sherlock

De los creadores de Dr. Who llega, a mi entender, lo más grande de la temporada. 3 películas de hora y media en formato serie y sin resolver (final abierto para proseguir en la próxima temporada que ya se está rodando). Sherlock pone en nuestros días, actualizándolo, pero sin perder identidad en lo más mínimo, al detective privado más importante de la historia. Tanto él, como Watson, como todo el elenco es extraordinario. El ritmo frenético, sus diálogos vertiginosos (quizá demasiado para algunos lectores de subtítulos). Si cada episodio fuese exhibido en el cine sería un éxito. Me faltan adjetivos para remarcar el sumo placer que sentí viendo Sherlock.

Downton Abbey

Al igual que Sherlock, también de la BBC, esta serie que ya prepara su segunda temporada. Formato inglés de 6 episodios de casi una hora cada uno, donde recuperan la fórmula de la mítica Arriba y abajo. La vida de la aristocracia inglesa a través de los señores y los criados. Cuando la BBC hace historias de época no hay quien la iguale, no hay ni un solo pero en ninguna de las decisiones de esta serie. ¿Es buena? Indeed, es exquisita.

Luther

Para cerrar el trío de la BBC tenemos Luther. Policíaca, asesinos, personajes turbios. Siguiendo un poco la estala de Wallander, y con un toque muy leve a lo Dexter, Luther gira la tortilla a la fórmula de los seriales de asesinatos. No importa saber quien es, porque siempre lo sabemos de antemano en cada episodio, sino el proceso del crimen y como afecta éste a nuestro protagonista, el inspector John Luther. Es sobria, podría recordar a algo a Red Riding, y sus crímenes son sádicos y con perspectivas para un público adulto, no es una obra maestra, pero es mejor que cualquier thriller contemporáneo (a excepción de tres rarezas: Shutter Island, The ghost writer y Zodiac), por el resto... mejor Luther.

Regular Show

Serie de animación con guiones absurdos y rememorando los años ochenta y su cultura. Todo un canto a la iconografía del láser y las hombreras y a toda la generación X. Regular Show está destinada a ser obra de culto (auténtico culto y no culto creado por productos de masas como LOST). Es brillante y divertidísima.

Sym-bionic Titan

De Gendy Tartarkovsky, creador de la imprescindible Samurai Jack, da un vuelco de 180º con esta historia de princesas y guerreros de otras galaxias. Recordando a Mazinger Z, Star Wars y gran parte de la esencia de las aventuras del cine postclásicista, Sym-bionic Titan es una de las obras de ciencia ficción a tener en cuenta de la temporada. Su diseño de producción es de los más ricos, y es toda una superproducción en el universo de las series de animación por televisión. Muy grande.

HighSchool of the Death

Tetas, zombies, tetas, zombies... sangre, tetas, zombies, unas braguitas, tetas, tetas, grito, tetas, zombies, zombies, sangre, más sangre y muchas más tetas vistas por muchos más zombies.

Puesta en escena y animación de alto voltaje de la mano de Madhouse Studio, y tetas, sangre y zombies. ¡Genial!

Y esto es todo. Esperemos que el año que viene sea tan bueno como éste que se va, porque hay que reconocer que ha sido un año de mucho nivel.

Fernando Pomares

Mi top 10 del 2010: Largometrajes

2010-12-24T06:37:00.000-08:00

Como muchos hacen yo también. Aquí mi lista de aquellas películas que he visto durante el 2010. No lo penséis como un de mas a menos o una enumeración ordenada, son diez y diez son, y por formar parte en la lista implica en cada una de ellas un sentimiento de posterioridad en mi recuerdo. Disculparme por si creéis que falta alguna película puesto que algunas no he tenido la oportunidad de ver como Copia certificada de Kiarostami o Film Socialist de Godard o muchas mas que haría seguramente una lista de peliculas fantasticas.

Aventuras en el desván (Na pude aneb Kdo má dneska narozeniny?, 2009) de Jiri Barta, aunque sea del 2009 su llegada a nuestra cartelera ha sido a finales del 2010. Podéis leer mi opinión en el articulo anterior donde hablo de ella. La última muestra de la maestría de la clásica stop motion checa, en técnica, narrativa y discurso.

The Wild Hunt (2009) de Alexandre Franchi, también del año anterior pero llegada a nosotros, en circulos reducidos, en el 2010. Una propuesta moderna, joven, compleja y digna de estar entre las peliculas más relevantes del año.

El escritor (The Ghost Writer, 2010) de Roman Polanski. Es la prueba empírica que una película no necesita un buen guión para ser una joya. Ritmo, planificación, suspense, encierro... Roman Polanski.

El ilusionista (L'illusionniste, 2010) de Sylvain Chomet. Poesía del acting y de lo tiempos de los personajes. El tiempo real contrarrestado con el tiempo interno. Un juego de espejos de la realidad a la animación para hacer de lo animado un hecho real y lo real algo ficticio. Maravillosa.

La red social (The social Network, 2010) de David Fincher. Porque un gran guión y un gran director hacen una gran película. Tragedia de nuestros dias para una de las propuestas clasicistas mas redondas de la temporada.

Outrage (Autoreiji 2010) de Takeshi Kitano. Pocas películas son tan contundentes y herméticas y tienen un sentido de ser tan absoluto como esta. Kitano revive el espiritu de Jean Pierre-Melville y hace de lo que parece una anécdota simpática toda una crónica del cambio generacional yakuza.

13 assassins (Jusan-nin no shikaku, 2010) de Takashi Miike. Revisión de Los siete samuráis en clave oscura. Todo el torrente de cine "basura" que nos ha proporcionado Miike es en el fondo un constante aprendizaje para ahora alzarse como uno de los grandes talentos de la cinematografía mundial. Lo de la dirección de esta pelicula no tiene palabras, Miike es enorme.

Super (2010) de James Gunn. De la escuela Troma hasta la era internet. James Gunn es un cineasta personal que toca techo con Super. Todo lo que uno querría en Kick-Ass es Super. Transgresora, estimulante, cine independiente, cómica... una auténtica crítica al sistema americano con este superhéroe de pacotilla y su psicópata compañera.

Como entrenar a tu dragon (How to train your dragon, 2010) de Dean DeBlois y Chris Sanders. Los creadores de Lilo y Stitch nos regalan la mejor experiencia 3D en una sala de cine hasta la fecha, mejor que Avatar sin duda alguna. Pero no es solo eso, la mejor pelicula de aventuras en mucho tiempo llena de accion trepidante, como si la dirigiese Spielberg, y mucha ternura. Una propuesta valiente donde realmente se cambia el modelo clasico mediante pequeñas variaciones.

Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas (Lung Boonmee raluek chat, 2010) de Apichatpong Weerasethakul. No hay palabras.

Y para vosotros ¿cuales han sido vuestras favoritas?

Fernando Pomares

Aventuras en el desván: El individuo, el grupo y las decisiones

2010-12-19T04:14:00.000-08:00

Que no es quepa la menor duda si os digo que el mejor estreno navideño, y uno de los mejores del año, es la filtración milagrosa en nuestra aburrida cartelera nacional de Aventuras en el desván (Na pude aneb Kdo má dneska narozeniny?, 2009) del maestro de la animación checa Jiri Barta. Es la demostración que Los reyes magos deambulan por ahí y aún queda algo de mágico en estas fechas. Y aunque sea en versión doblada, el poder acceder a ella por parte del público (accidental o consciente) es un regalo de una magnitud que no debería pasar desapercibido.

La voz revolucionaria de la libertad

La obra de Barta es de una autoconsciencia digna de uno de los maestros de la animación contemporánea. El uso de la técnica stop motion en un grado de artesanía que recupera toda una tradición lleva al espectador a un tiempo ambiguo que creía que solo podría recuperar en los dvd de historia de clásicos de la animación. Cada gesto, cada elemento, cada detalle en el que define a los personajes, evocan en el film un sentido del medio, una reflexión llevada a la práctica y donde ningún concesión alejará a su autor del proceso de transmitir. Por ello hay una constante en la poética de Aventuras en el desván, esa reinvención de lo cotidiano desde una mirada nostálgica, esa utilización de todo aquello que quizá hizo de Barta un niño - y por lo tanto un hombre - y que ahora aparece en este universo de desván en formato cuento de aventuras.

Pero no solo en la poética (en esta precisa poética) hallamos las virtudes del film. En Barta, como su tradición exige, la animación es un medio político. Dentro de las películas que he visto no llego a recordar una obra tan enfocada a la profundización de la materia política destinada a un público infantil. Está claro que hay cine-doctrina, y que en Dumbo (1941) encontramos resquicios de brocha gorda sobre una mentalidad política, o incluso en El gigante de hierro (The Iron Giant, 1999) hay una clara crítica al sistema americano de la guerra fría. Pero todo ello no deja de ser, en algunos casos manipulador, y en otros secundario. En Aventuras en el desván todos los elementos narran, dentro de un orden trascendental, posturas ante una situación social en un marco político, y enfocar con tanta madurez, y tanta inocencia (en su mirada), tales ideas para un público que no tiene ni una idea clara del concepto poder, es ante todo valiente, y en el caso y resultado de Barta, magistral.

Una muñeca como concepto de La Belleza

Observen la importancia en que Barta nos muestra los momentos donde los personajes toman decisiones, como el hecho de dar un paso es un hecho remarcable, como el celebrar un aniversario diario da un sentido de vida, o como, en su desenlace, la expresión "empezamos de cero" tiene una carga social. Porque aventuras en el desván es la humano ante la represión, el individuo ante las adversidades, el grupo ante la desaparición del grupo. Una dictadura y su sociedad.

Aventuras en el desván es una obra maestra.

Fernando Pomares

Phenomena: Clase de historia en primera persona

2010-12-17T04:12:00.000-08:00

Tras una ausencia considerable volvemos con cineNExt para hablar del presente cinematográfico. Pero con mucha alegría hay que subrayar que lo vivido ayer, jueves 16 de diciembre, - por lo tanto considerémoslo ya pasado - hizo viva la experiencia de aquello llamado ir al cine.

Carteles originales de Tiburón y Alien en la entrada del cine Urgell

Phenomena es la iniciativa que promueve el cineasta Nacho Cerdà, ayer fue su primera edición, donde se recuperan clásicos cinematográficas de los 70 y 80 del cine mainstream. Resumiendo, que proyectan el cine americano que ha hecho de nuestra infancia una pasión por el cine.

Pero no sólo el concepto de la propuesta es para deleitarse, la construcción de ésta está tan cuidada que uno entiende casi como obra creativa el haber organizado la sesión de ayer. Solo por ello mi enhorabuena a Nacho Cerdà por hacer un pedazo de historia con la historia del cine.

La elección de la sala: el cinema Urgell de Barcelona, un templo. El proceso de proyección con las cortinas abriéndose en formato estándar para los trailers y anuncios. Trailers y anuncios originales y en celuloide de los 70 y 80, hilarantes y nostálgicos. Una audiencia que llenó el aforo del grandioso cine Urgell. Y dos obras maestras en versión original, con dos copias en 35mm en perfecto estado donde previamente la pantalla se descubría abriéndose aún más la cortina para mostrar su inmensidad en formato panorámico para gozar, porque no tiene otra palabra, de Tiburón (Jaws, 1975) de Spielberg, y Alien (1979) de Scott.

La cinefilia y la nostalgia pudo con el aforo del Urgell

Lo de ayer fue una lección de historia. Lo que Tarantino y Rodriguez jugaban con morriña gamberra en su Grindhouse, es lo que Nacho Cerdà construyó al milímetro, como el mayor de los amantes, reviviendo aquello que los mayores nos contaban cuando éramos pequeños y nos decían: "yo esa la vi de estreno, cuando fui al cine, en sesión doble". Pues ayer señor Cerdà, yo fui al cine, y creo que nunca como esta vez. Lo sagrado necesita un templo y un ritual, y el cine se merece aún mucho más.

Por cierto, se confirmó ayer que para el mes de enero se proyectará Indiana Jones y el templo maldito. Para olvidarse de la fecha. Allí nos veremos.

Pagína web de Phenomena: Aquí

Fernando Pomares

Sorpresa radiofónica: Notas de cine

2010-10-29T08:00:00.000-07:00

Hoy os quiero hacer una recomendación. Un programa radiofónico de cadena Ser llamado Notas de cine. Lleva sólo dos emisiones, cada viernes de 4 a 6 de la madrugada, y son dos horas amenas sobre la música, el cine y la música del cine.

Notas de cine consigue la difícil tarea de poner palabras a aquello que no tiene

Puede que un par de secciones sean un tanto irrisorias, como por ejemplo aquellas donde actores de cine hacen música propia, y poco tiene de interés cinematográfico, o que pueda "molestar" el chovinismo TCM (patrocinador del programa) que ejerce en exceso de columna vertebral en la selección, pero eso no implica que el ritmo del programa sea muy bueno, la selección musical fantástica y se utiliza el tiempo justo que necesita cada pieza, y por descontado lo mejor del programa, los interesantes comentarios de Antonio Martínez, un muy buen comunicador que comparte su amor por la cinefilia desde la proximidad.

La verdad me ha sorprendido, acostumbrado a los habituales programas de música cinematográfica, donde el único vínculo es el fetichismo por dicha música, en Notas de cine he encontrado un lugar donde aprender y escuchar historia audio(visual), sin ponderar a los maestros, sin excluir a los no tan conocidos. Una grata sorpresa que espero no sea fruto de la novedad. Espero que siga compartiendo con todos el placer por aprender y compartir.

Buena suerte con el programa a Antonio Martínez y a sus colaboradores.

Por cierto, para aquellos que las cuatro de la madrugada sea hora poco frecuentada, podéis acceder a los podcast desde el blog de Notas de cine, desde el cual también se explica con detalle cada programa.

Blog de Notas de cine

Exit Through the Gift Shop: Marketing con crítica como excusa

2010-10-20T05:06:00.000-07:00

Como comentaba en mi anterior artículo ya no es posible ninguna revolución, el sistema nos ha engullido, el sistema se adueña de todas las revoluciones. Si con La red social (The social network, 2010) era a través del cambio generacional y la variante en las relaciones sociales, ahora con Exit Trought the Gift Shop (2010) nos encontramos con un paradigma del arte/consumo donde nuevamente el sistema engulle cualquier lógica interna de cualquier crítica posible.

Banksy, director de este falso documental, es el artista urbano más mediático que hay hoy en día, y con esta película, por si alguien no le conocía, su nombre ha llegado al resto de los oídos. Nadie discute la calidad de su obra (no la película, sino sus graffitis, piezas plásticas, etc.), y lo mordaz que pueden llegar a ser, pero eso no exime que la realización de este (falso) documental, donde se narra la historia del contemporáneo arte urbano, sea en el fondo un anuncio muy largo de la brillantez de su director/artista. Toda la construcción de su figura es sumamente inteligente, desde el forzado anonimato por lo ilícito de su arte hasta lo fugaz y fortuito de sus obras y el proceso clandestino de criticar el mundo.

Banksy, la marca del producto

Con una primera parte donde hay un seguimiento de los procesos de creación de los artistas urbanos más relevantes (sin duda lo mejor de la película), la verdadera película empieza en su segundo tramo. Lo que plantea Exit Trought the Gift Shop es cómo una tendencia a querer cambiar el mundo con el arte - sin interés económico - se convierte en un producto. Para eso Banksy crea un personaje, un fan que sigue a todos los nuevos artistas urbanos, Thierry Guetta, y que acaba por convertirse en el pontífice de una mala lectura y como tergiversa el sentido nuclear de dicho arte, Thierry Guetta es el villano que hace del arte un mercado.

Puede divertir la comicidad de este patán artístico que triunfa desde la ignorancia y el golpe de talonario, pero en mi caso no entré en el juego al ver todo tan forzado - no olvidar que es una ficción construida y no un documento de lo real - ni me hizo gracia ni empaticé con la crítica. Más bien todo lo contrario, dirigí mi atención al demiurgo que ponía todas las piezas para darnos el mensaje, Banksy, quien siento como un divino que habla de todos y por todos, incluso de si mismo en tercera persona como el líder de un movimiento, y que, aunque gane millones de dólares con sus obras, su arte se basa en la crítica y no en el mercado. Su arte es puro tal y como lo concibió el primer día. Veo muy infantil hacer una película para llegar a esa conclusión, para plantear una justificación y que nadie pueda mirar como parte del mercado la crítica de estos multimillonarios con botes de graffiti. ¿Quién dice que las banalidades del payaso de Thierry Guetta no son en esencia las mismas del propio Banksy? ¿En qué momento se está en contra o dentro del sistema?

Thierry Guetta, un villano exagerado para justificar en la comparación

Es inevitable al hablar de la película hablar de la figura de Banksy más allá de la película. Estos días ha corrido por internet una de las últimas intervenciones "mordaces" del artista, unos títulos de crédito de Los Simpsons donde se muestran a niños chinos fabricando peluches de Bart con serrín de ratas trituradas y en que los osos panda cargan las mercancías de un lado para otro en una gran fábrica pestilente llamada Twenty Century Fox. De concepto es muy duro, pero a la práctica ¿no os parece pueril?, ¿no creéis que la FOX le permite todo este allanamiento en la propia morada sabiendo que eso le dará beneficio? ¿No es Banksy un peón más, una Janet Jackson enseñando su teta en la Superbowl creyendo que eso cambiará el mundo?

Fernando Pomares

The Social Network: Olimpo 2.0

2010-10-18T06:32:00.000-07:00

Cada generación tiene sus palabras, sus iconos, un conjunto de referentes sociales que marcan tendencias y movimientos, formas de creer y descreer, caminos que se bifurcan en cada década hacia una nueva rebeldía que separa a los nuevos de los viejos nuevos. Pero algo que evidencia que el mundo no ha cambiado ni una pizca desde los primeros que se alzaron es la información que nos demuestra que todo tiene su segundo lado, su rincón oscuro, o la falacia en la que se sustentaba. Internet proporciona al mundo los datos, las opiniones y los nombres de todo aquello que antes era inalcanzable. No sólo nos aísla de nuestra sociedad socializándonos en extremo con ella, sino que en un aséptico mecanismo le ha dado al mundo el nihilismo suficiente para dejar de creer en cualquier posibilidad de creer, somos peones de unos dioses que nos dan la ilusión de escoger, somos la pieza que en el me gusta de facebook (por ejemplo) hemos cedido nuestra voluntad de poder cambiar nada.

Jesse Eisenberg es Mark Zuckerberg, creador de Facebook

La red social (The social network, 2010) es la respuesta natural al desamparo que se cuestionaba en el Last Days (2005) de Gus Van Sant. Una tragedia de altas esferas de niños idiotas con curriculums brillantes donde el poder y el éxito lo es todo. Lo inteligente de Aaron Sorkin (artífice y guionista de esta fantástica película) es darle un héroe a este universo, un hombre que se alzará por encima de los dioses, y como hombre sus aspiraciones en la vida son tan mundanas como inalcanzables - como debe ser dentro de una tragedia - haciendo del éxito un daño colateral. Sorkin crea, basado en la realidad, un Ricardo III veinteañero que esconde en cada una de sus acciones un misterio de celos que le imposibilita relacionarse con ninguna persona, convirtiéndose en paradigma del ser virtual en que todos llegaremos a ser.

Representación de la nueva generación

El vínculo Sorkin(guión)/Fincher(dirección) no podría ser más pertinente para la ocasión. La capacidad verbórrea de los diálogos de Sorkin son ejemplo del exceso de información e inteligencia del personaje pero que nos imposibilita acceder en su interior, como un muro de palabras que lo protegiesen. Por otro lado la extraordinaria narrativa de David Fincher se distancia en su perfección de lo emocional. Juntos crean una de las obras más importantes sobre la nueva generación que ya ha hecho cambiar las reglas de las relaciones. Es de admirar como dos adultos de 48 años hablan el lenguaje de los jóvenes sin caer en lo burdo, y no me refiero a la palabra, sino a todo aquello que da expresión a nuestra generación. Estoy convencido que muchos adultos mayores de 50 años no llegarán a comprender la secuencia final, donde la tecla F5 tiene un significado significante (valga la redundancia), y es clave para el desenlace emocional del protagonista.

Probablemente The social network es un film pequeño, no creo que vaya a cambiarme la vida, pero eso no implica que no sea una película enorme.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (Conclusión)

2010-10-17T07:29:00.000-07:00

Diez días de programación interrumpida. El Festival de Sitges concluye con un certamen marcado, como todo hoy en día, por la crisis. Muchas películas pequeñas (quizá demasiadas) en un certamen donde lo más destacable se encontraba en propuestas fuera del género de terror/fantástico y que, en general, eran films esperados por la reputación que precedía a sus realizadores.

Imagen del Festival

Películas como Piraña 3D (Piranha 3D, 2010) que nunca llegó a presentarse - por motivos X -, es un claro ejemplo de un año donde puede verse como el festival ha escatimado con la oferta, y se ha notado. Excepto cuatro o cinco películas no puedo sentirme entusiasmado por aquello que he visto, entre ellas reposiciones de Los Sueños de Akira Kurosawa (1990) y la versión remasterizada en alta definición de Metropolis (1927) de Fritz Lang. Del resto ya habéis podido leer mis preferencias en el transcurso de los días pasados. También disculparme por algunas de las vencedoras que no he llegado a ver (en más de las 40 películas que he visto en 9 días), pero la programación de Sitges es una lotería que te obliga a escoger, una apuesta de todo o nada. La mala fortuna acompaña cuando una película de sección oficial se solapa con la única proyección en una sala pequeña de un film que uno (en mi caso) esperaba con ansias desde hacía tiempo. Pero las recomendaciones que hace la organización de cada película es como un lázaro tramposo que quiere hacerte perder en sus propios intereses. Según los reportajes del diario del festival y el libreto de la programación (a veces únicos guías de películas totalmente desconocidas), cada una de las obras exhibidas es una pieza imprescindible de la contemporaneidad. Como comprenderéis, uno acaba por prescindir de cualquier recomendación oficial.

Auditori Meliá

Pero agradecer a la organización la oportunidad de acceder a cierto cine inalcanzable en una sala como el Auditori Meliá, aunque a veces es discutible el arbitrario reparto de películas que se proyectan en salas de pueblo (Retiro, Prado, las salas de la ciudad de Sitges que albergan el resto de la programación) o aquellas que tienen la fortuna de ser mostradas en lo que podría ser una especie de templo de lo audiovisual (Auditori Meliá). Con todo y eso (y el resto) es "fantástico" tener tan cerca un festival que sentimos (en Catalunya) como cotidiano, y es probablemente uno de los más grandes del país (por no decir el mayor, al menos, en interés).

Fernando Pomares

Festival de Sitges (08) Weerasethakul y su tío Boonmee

2010-10-15T16:32:00.000-07:00

En el festival la cantidad de (no)cine que uno es capaz de ingerir es sorprendente. Narraciones ilógicas, plomizas, que no llegan a asomarse a la línea de lo digno, y que te hacen cuestionar si merece la pena la experiencia del bulímico espectador de tragar y tragar información audiovisual. Pero surgen de tanto en cuando películas - unas esperadas, otras sorpresas - que llenan cualquier vacío acumulado a lo largo de las horas. La ganadora de Cannes de la pasada edición, El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas (Lung Boonmee raluek chat, 2010) de Apichatpong Weerasethakul, se ha presentado hoy en Sitges como premiere española y ha regalado un momento de paz a quienes hemos asistido - ya con ilusión - a su proyección.

Cine que puede exigir demasiado a su público, o más bien todo lo contrario (exige tan poco que a algunos no saben como leerlo). Una obra hecha para ser percibida y sentida desde el sosiego de un paseo, del tono de una luz o del murmullo de un bosque que susurra vida en cada uno de sus encuadres.

El hombre-mono, el hombre de la naturaleza mirando en la noche

El poema que crea Weerasethakul es una vez más una nueva puesta en escena sobre el vínculo entre el hombre y la esencia de la vida mediante la pureza en la naturaleza, y nuevamente contrapone estas sensaciones con el artificio de la vida contemporánea en la urbe, desde la religión a las relaciones humanas. Quizá su discurso peca de naïf (incluso de obvio), pero eso es sólo una pequeña opinión sobre un punto dentro de lo que es una joya fílmica.

Es sorprendente como Weerasethakul consigue que las ideas se perciban y no se piensen. A la vez que huye de la emoción para que eso no manipule a quien mira (y escucha) el film, pues su cine, cada vez más autoconsciente, es un proceso no definible de una subjetividad pasmosa. Un fluido que impregna al ser para luego desampararlo consigo mismo. Me enternece como la mano magistral del cineasta tailandés comprende su idea de la vida, y como me la hace llegar. Desestructura el relato insertando ilógicamente secuencias sobre cuentos populares, un inicio bello como pocos donde un ñu busca la libertad, o un encuentro familiar con espectros y seres fantásticos. Con todo ello Weerasethakul compone un fresco orgánico y atemporal en el que todo es uno, donde somos nuestros ancestros, nuestra cultura mística/mítica, el relato oral, nuestros sueños, la naturaleza, nuestros miedos... te hace comprender la vida, sin el bien y el mal, sin lágrimas forzadas ni risas impuestas, ni objetivos dramáticos o personajes de manual. En El tío Bonmee... no nos emociona su historia, ni hace falta, nos lleva a un estado como podría hacerlo, por ejemplo, Tarkovsky, pero con la mirada única de uno de los autores cinematográficos que (con esta obra) se han consagrado como una de las figuras más relevantes y únicas de nuestro tiempo (y no pretendo exagerar).

El encuentro familiar en la noche es una secuencia para enmarcarla (como muchas otras)

Puntualizar que la calidad técnica de la película (puesta en escena, encuadres, fotografía, sonido, montaje, interpretación...) son de una complejidad apabullante. Muchos podrían llegar a filmar como Hitchcock si se lo propusiesen, muy pocos tienen la sensibilidad y la capacidad para hacer lo que ha conseguido Apichatpong Weerasethakul con El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas. (Y no malinterpretéis, no estoy diciendo que es mejor que Hitchcock).

Fernando Pomares

Festival de Sitges (07) Ángel Sala y su patraña

2010-10-14T15:50:00.000-07:00

Nos la han colado. Nos han vendido el horror de los horrores, el nuevo escándalo de sadismo y perversión, un film creado por una mente retorcida no apto para mentes sanas y que quien lo vea (como dijo Ángel Sala) no querrá volver a verlo. En eso estoy de acuerdo, no pienso volver a ver A Serbian Film (Srpski film, 2010). El film polémico del año A Serbian Film es un engaño, una farsa que uno la ve por la regla de tres del "no mires dentro de la caja".

¿Depravación? En la cara, no en la cámara

Si otros años películas como Martyrs (2008) o A l'interieur (2007) se habían ganado el calificado de horror hardcore con cierta razón - pensar que el cine de terror es algo muy subjetivo y la percepción de cada uno varia en el grado de aceptación de lo que ve -, este año se ha hablado desde el inicio del Festival de Sitges de una película durísima que hacia de las anteriores algo caduco en razón de la nueva criatura creada para depravar. Pues nada, una vez vista y todo el pescao vendido A Serbian Film es más estafa que el episodio final de LOST. No es nada, es una tontería muy mal rodada con uno de los peores guiones que he llegado a ver en una pantalla cinematográfica. Pura basura digna de ser despreciada, que a uno, con estas ideas en la cabeza, le extraña que un festival por llenar una sesión haya rebajado su criterio vendiendo - a ciencia cierta - una cosa que no era.

Divertido resultaba los medios de comunicación esperando a la gente al salir de la sala para ver sus reacciones (querían noticia sabiendo que el año pasado con Martyrs hubieron desmayos y ambulancias), pero nada de nada, las risas de mofa eran las únicas protagonistas en la proyección. Incertidumbre ante el horror - no del horror que no existía - de película.

La trama es tan ridícula como inverosímil. Un actor porno retirado es contratado para hacer su última gran película por una millonada. Un guión secreto lleno de "misterio" le obliga a embarcarse en la película sin saber que va a hacer en ella. Una vez en el rodaje, y drogado con sustancias que le hacen comportar como un animal sin noción de la realidad, le llevan a violar, asesinar, maltratar hasta un final "sorpresivo" de máxima "redención" y "brutalidad". Que... ¿podría estar bien la película?, lo dudo, que... ¿podría ser algo mejor? seguro, siempre y cuando hubiese gente competente haciendo el producto.

Al principio parecía que había algo de psicológico en el film. Pero no, puro espejismo

Una de las escenas sonadas es la violación de un bebé recién nacido aún con restos de placenta. Sé que suena muy duro, pero todo es tan cutre que es como ver a un Power Ranger hablando con Max Von Sydow en El séptimo Sello.

Esta es la prueba que no son las imágenes lo que nos perturban, sino el uso de ellas. Que si una película nos angustia es porque nos lleva a un lugar al cual no queremos estar, que su director (y montador, y sonidista, y músico...) tienen la capacidad narrativa de girarnos emocionalmente hacia direcciones que nuestro pudor y ser no transita. Ese es el sentido de este cine, enfrontarnos hacia lugares prohibidos, hacernos vivir situaciones que rompan nuestros esquemas y nos obliguen a posicionarnos, y a aprender sobre nosotros mismos un poco más. Siendo de otro género, por ejemplo, el Hapiness (1998) de Todd Solondz, consigue que empaticemos con un pedófilo, que nos enamoremos con él de un niño pequeño jugando al béisbol, y que queramos que consiga dormir con somníferos a toda su familia para que pueda violar y sodomizar tranquilamente al niño durante la noche. Que alguien consiga que comprendamos a este personaje, y entendamos todo lo que hace (viviéndolo con él y sintiéndolo con él desde su perspectiva), eso es brillante, porque eso nos aporta experiencias, puntos de vista, lecturas del bien y del mal (dentro de nuestra cultura judeocristiana), romper con nuestros tabúes y sentirnos prohibidos en nosotros mismos. Una lección donde la única respuesta está en nosotros.

Personaje patológico. Digno del guión de un ejercicio de escuela

A Serbian Film ni se acerca a ser cine, mucho menos a poder acercarse a mí como espectador, y por descontado con la total imposibilidad de llegar a mi persona para comunicarme alguna cosa. Por todo ello critico al festival, y en particular a Ángel Sala, de estafarnos premeditadamente. La próxima vez que encuentren una película mejor para darle bombo y platillo y sirvan cosas como ésta a la una de la mañana para quien se pierda por accidente en una sala de cine.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (06) The Wild Hunt

2010-10-13T15:37:00.000-07:00

Precedida por ganar el premio del público en el festival de Slamdance (el festival que ha recogido el verdadero espíritu de cine independiente que perdió Sundance), y con una galardón en Toronto a la mejor opera prima, llega a Sitges, casi sin ser mencionada, The Wild Hunt (2009) de Alexandre Franchi.

Hay guerra por el poder entre varios grupos tribales: celtas, vikingos y caballeros medievales, duendes, elfos y chamanes, pero no todo es lo que parece en The Wild Hunt. Una macro partida de rol en la actualidad agrupa a jóvenes y no tan jóvenes para jugar y recrear un universo medieval. Dentro de esta premisa que nos permite vivir una historia de aventuras y épica un joven tiene que formar parte del juego (sin quererlo) para recuperar a su novia secuestrada por el chaman de los celtas. Con buenas dosis de humor y un ritmo y una planificación perfectas, Alexandre Franchi se divierte con los freaks hablando en su clave y haciendo del rol una excusa para llevarnos siglos atrás, huyendo de la realidad mediante disfraces y nobles diálogos de caballeros y princesas.

El caballero con su princesa

Pero Franchi es más hábil de lo que parece, la seriedad como el terror aparecen a medida que nos encontramos más cerca del desenlace. Una suerte de reflejos entre lo real, lo imaginario, y lo real del imaginario, hacen un ménage à trois imposible de separar, porque Franchi se sustenta en las emociones de los personajes, y éstas, ambiguas, se realizan en estas tres dimensiones que se cruzan por fronteras invisibles llegando a situaciones de una sordidez que nos era imposible pensar al iniciar la película.

Una reflexión de lo personal que aparenta ser una curiosidad digna de convertirse en culto cinematográfico, pero que no se aleja de otras grandes obras sobre lo espectral del individuo y la necesidad que tiene de evadirse de su propio entorno y tiempo (como por ejemplo No county for old men de los hermanos Coen). Un poema que se abre en concepto y mensaje y que llega tan lejos en sus intenciones hasta tal punto que nos cuesta como espectadores juzgar que es correcto y que no lo es y en que momento acaba la épica y empieza lo mundano. Imprescindible.

La utilización de cierta iconografía le sirve a Franchi para cuestionar la ética de banalizar los símbolos

El último pase en el festival es mañana a la 01:00 de la madrugada en el cine Prado.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (5) Maestría nipona y sorpresa indie

2010-10-12T17:24:00.000-07:00

Día muy completo en el festival, sin nada a descartar y con muchas cosas a tener en cuenta.

La batalla final demasiado larga, pero no ensombrece el talento de Miike.

13 asesinos (13 assessins, 2010) de Takashi Miike es la obra de alguien con mucho talento. Un realizador que tras dirigir más de 60 películas a sus 50 años ha consolidado una artesanía que puede leerse en cada una de sus últimas películas, pero que en esta 13 asesinos demuestra un oficio y una contundencia para narrar el relato magistrales, particularmente en su primera hora de arranque. Toda la presentación del drama y de los hechos son absorbentes y recuerda a Akira Kurosawa en cada encuadre y en cada pequeña decisión, como los movimientos de cámara los gestos de los actores o el uso de la música y la iluminación. Es en el desenlace, en una excesiva batalla final que dura más de media hora, donde, aún con brillantez formal, el relato pierde fuerza y se convierte en un cuadro impresionista de movimientos y golpes de catana tan efectivos como distantes en la dramática de los hechos. Un placer contemplativo que excede con la capacidad de goce de la hipérbole y desdeña la posibilidad de estar ante una obra maestra.

En cada plano Kitano encuentra su sentido y su esencia

Mucho más redonda es Outrage (2010) de Takeshi Kitano, que retorna al universo yakuza tras una época de meditación felliniana más destinada a sus devotos que a los cinéfilos. Con Outrage el autor nipón depura un estilo que ya dominaba a la perfección, como es el cine yakuza. Una historia llevada al minimalismo expresivo de pocos encuandres y mucha eficacia. Imagínense una película del maestro Fukasaku (cualquiera de la pentalogía de Batalla sin honor ni humanidad) filmada por otro de los grandes: Jean Pierre Melville. Pero no solo en ideas formales se nutre la película que busca en cada encuadre la esencia de éste y la necesidad de su función en el todo, es también en la historia donde hay la tranquilidad de aquel que domina tanto el lenguaje que aquello que puede parecer absurdo, un chiste y algo ilógico, se convierte a medida que avanza el film en un proceso trascendental de un cambio generacional yakuza. No sabría decir si es o no su mejor película, otras anteriores y de temáticas similares han producido mayores alegrías en mí, pero sin duda alguna, Outrage, es la primera que dirige con la calma de un maestro.

¿Aparentemente inofensivo? No os crucéis con su llave inglesa

Por último una película independiente estadounidense, Super (2010) dirigida por James Gunn, uno de los máximos responsables de algunos de los últimos títulos de la factoría Troma. No esperaba gran cosa, quizá por el hecho que la premisa es la misma que la irregular y fallida Kick-Ass (2010), pero escena a escena mi actitud ha cambiado radicalmente. Es un peliculón (salvando las distancias con las mencionadas anteriormente). Hay que tener en cuenta que es una producción real de cine independiente, con muy poco presupuesto donde los actores han trabajado gratis, pero en ese marco uno encuentra la estética elaborada, la puesta en escena y el guión donde se apoya exactos, y en conjunto todos los elementos que hacen de Super un 10 de película. Cine de falso superhéroe (tipo sin poderes con traje cutre de cómic que quiere hacer el bien por su cuenta) es en verdad una dura y enmascarada crítica al sistema en forma de fábula. Todo en ella deja huella, desde los duros golpes con la llave inglesa que este héroe propina a todo aquel que se salte una norma, a la mejor escena de sexo que he visto en tiempo. Lo mejor es que el discurso no se encuentra en las capas superiores sino que transita por debajo, entre lo increíble y horroroso de la propuesta y el humor que hace pensar que todo es una simple broma.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (04) Día yanqui, sabor amargo

2010-10-11T15:43:00.000-07:00

Brad Anderson, director de El maquinista (The machinist, 2004), vuelve por cuarta vez a Sitges con su último trabajo. Vanishing on 7th Street (2010) es la película que en este año mas me ha irritado. Aparte que su cadencia es desesperante, que cada acción y decisión va precedida de mil tropiezos y cientos de lágrimas y quejidos (totalmente agotador), es la estupidez de sus personajes lo que mas urticaria me produce. Idiotas, son muy idiotas porque Brad Anderson así los ha hecho. Son tan idiotas que pueden llegar a producir asfixia al espectador mas paciente. En este relato de terror la oscuridad absorbe el alma de las personas y sabemos desde buen inicio que aquellas sombras que se hacen pasar por las familiares desaparecidos de los protagonistas son siempre trampas mortíferas de la oscuridad, entonces, porqué los pocos que quedan vivos, caen una y otra vez en el equívoco de pensar que es la persona querida viva que les llama hacia el rincón mas oscuro de la pantalla. Ese es el único recurso que tiene Brad Anderson para crean situaciones de tensión, igual que un disco rayado. Os aseguro que ya no sabía como estirarme la piel de la cara para contrarrestar tanta tontería, menos mal que al final a uno se le ocurre que podrían hacer fuego (están sin baterías en las linternas desde el principio pero ALELUYA, el mechero funciona bien= 2 + 2 son 4, hagamos fuego para tener luz). Pero que le vamos a hacer, las cosas son como son.

John Leguizamo, está herido y tiene constantes dolores de cabeza.

Cada vez que avanza un metro necesita dos minutos de metraje

La otra propuesta yanqui del día ha sido el pequeño cambio de rumbo de James Wan, director de Saw (2004), que presentaba Insidious (2010). Historia de casa encantada con persona poseída que en su primera hora cumple su función a la perfección. Sorprende el dominio de Wan con los tiempos y los puntos de vista. La sensación de ver cine clásico de terror es mas que presente y los gritos y el suspense acompañan cada plano. Y aunque Wan se apoya una y otra vez en el golpe sonoro para crear el susto, la verdad es que consigue que la atención siempre se vaya hacia la idea opuesta donde surgirá la sorpresa. Un gran divertimento, una buena montaña rusa que se estrella estrepitosamente en su recta final (los últimos 30 minutos). Todo el buen gusto desaparece y es sustituido por un maquillaje excesivamente pobre en los fantasmas - especialmente en el demonio -. El ritmo se vuelve tosco y el recurso del sonido para impresionar acaba cansando, los elementos del guión siguen siendo atractivos hasta el final, pero la mano del realizador se vuelve torpe llevando la calidad del film a un nivel demasiado bajo para seguir teniendo cierto respeto por la historia. Toda una lástima, porque hasta dicho punto era un film fantástico.

Fantasmas a lo R.L. Stine en Insidious

Para aquellos que sienten que han tenido un coito interrupto con Insidious, os recomiendo que busquéis y os acerquéis a la genial The Sentinel (1977), que sin tener semejanzas argumentales con Insidious, comparten tonos e ideas formales, pero en el caso de ésta última con una resolución absolutamente antológica en el cine de terror. Una de las joyas desconocidas de las setenta.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (03) De todo un poco

2010-10-10T15:41:00.000-07:00

Algo que pretendo hacer cuando transito un festival es moverme por su películas desde la máxima ignorancia. No quiero saber nada de las películas, ni de sus argumentos, ni si en tal festival han dicho esto o si en tal pase previo han opinado eso. En los estrenos comerciales es casi imposible ver la película sin saber prácticamente todo lo que acontece en ella. Por ejemplo, aún no he tenido oportunidad de ver Enterrado (Buried, 2010) de Rodrigo Cortés, pero solo viendo trailers y leyendo críticas ya sé que sucede en cada uno de los giros argumentales, la puesta en escena, sus defectos, y sus virtudes; solo me falta saber si el protagonista vive o muere (y si su mujer sobrevive en manos del terrorista). Verdaderamente una lástima, se pierde mas de la mitad del encanto de que te cuenten una historia. Pero en un festival de cine todo cambia, aún uno es virgen de comentarios y necedades y se encuentra cara a cara con la obra.

Con El último exorcismo (The Last Exorcism, 2010) he tenido una grata sorpresa, diré mas, me ha encantado todo, excepto por un matiz. Es una pequeña película filmada como si fuera un documental, pero en el fondo una ficción que no esconde serlo, rodada con una sola cámara se crean situaciones de planos contra planos en tiempo real (algo imposible en el documental) y la película no esconde estas trampas, todo lo contrario, las explota en beneficio de la mejor narrativa posible para la historia. Esa es la virtud de El último exorcismo. La historia manda en un guión bien escrito con unas fantásticos actores, en especial el pastor Cotton Marcus (Patrick Fabian). Buen ritmo y misterio en un film de terror mas cercano al Carpenter de Halloween (1978) y al estilo de Polansky que al mítico William Friedkin con su El exorcista (The exorcist, 1973). Es en lo liviano del tono y en sus intenciones donde su director, Daniel Stamm, nos ofrece una buena película que crece escena a escena en brillantez hasta su extraordinario final que... (y aquí mi matiz) se precipita en correr demasiado cuando ya tiene toda la carne en al asador. El desenlace es un joya como idea pero necesitaríamos mas tiempo para sentir todo el miedo que comporta esa última secuencia en el conjunto de la historia.

La tensión crece en The Last Exorcism como quién no pide la cosa

Por otro lado una absoluta desilusión con lo último de Garri Bardin, un maestro de la animación rusa. El patito feo (The ugly dunkling, 2010) es un mal corto muy largo. Película de poco presupuesto que demuestra esta carencia económica en la constante de planos reutilizados para alargar la duración del metraje. Un guión que aún recuerda a las propuestas pro-soviéticas tan típicas de los realizadores de animación rusa (siempre protegidos y financiados por el estado) y que hoy en día hace mas tufillo a casposo que a nostálgico, o en el mejor de los casos a reivindicativo.

Garri Bardin y su equipo en el set de animación de El patito feo

Otra medio alegría ha llegado con Carne de Neón (2010) de Paco Cabezas. Partimos de la base que el señor Cabezas ha fusilado el estilo de Guy Ritchie y de Snatch: cerdos y diamantes (Snath, 2000). No tiene escrúpulos y copia todo lo que puede copiar. No hay un atisbo de originalidad en toda la película, dudo que un solo fotograma haya surgido de la inventiva de su realizador, pero como bien demuestra que sabe "plagiar", también demuestra que sabe escoger y dirigir a sus actores y darles un texto dinámico. La estructura dramática funciona como un engranaje, utiliza todas las herramientas narrativas a la perfección. Las relaciones de los personajes evolucionan bien junto a las tramas y conjuntamente aparece poco a poco un trasfondo emocional que nos dejará muy buen sabor de boca. Una buena película española que dentro de las copias (burdas) se disfruta desde el inicio hasta su final, sin titubeos, del humor a al drama, sin olvidar a sus personajes que son cuidados por el director con mucho cariño. Genial Ángela Molina.

¿Dejà vu? No, es Carne de Neón

Finalizo con Dispongo de barcos (2010) de Juan Cavestany, guionista de Los lobos de Washington (1999) y director de El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo (2004). Dispongo de barcos es una película - ya no diré arriesgada - experimental. Totalmente absurda, y 100% perceptiva. Está rodado con una handycam, sin iluminación ni microfonía, a pelo, cine mas que directo. Es todo un aquí lo quiero y aquí lo ruedo. De corta duración (sensata decisión) la película se deja ver, cosa loable con el tipo de obra que es, incluso, en los momentos con una cierta lógica en los diálogos, es entretenida y fresca. Pero lo interesante de lo que plantea Cavestany es el porqué de hacer esta película. Quizá, Dispongo de barcos, es una vía de escape, una huida hacia un sistema de financiaciones cada vez mas cerrado y difícil de acceder, un escapar de los mecanismos de producción interminables y tediosos que se llevan el alma de los cineastas hacia un limbo temporal hasta nueva hora cuando se concluye la película. Quizá los mas importante sea hacer cine, y no importa el cómo. Pero viendo la película de Cavestany uno no puede dejar de sentir envidia, pensar que fácil sería salir a la calle y contar una historia, que ilusionante tener una sala llena de personas esperando a ver que les cuentan. Qué bonito sería comunicar cuando se tiene la necesidad de hacerlo y tener la decisión para llevarlo a cabo.

Esto es todo por hoy. Mañana mas.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (02) Buenas imágenes en malas palabras

2010-10-08T14:44:00.000-07:00

La mañana no podía haber empezado mejor. Una agradable sorpresa en clave de cortometraje: United Talent Monster Agency (2010) de Greg Nicotero, quizá el maquillador mas importante de efectos especiales hoy en día en Hollywood. El corto es un simpático homenaje a los monstruos de los clásicos de la Universal, donde todos son miembros de una agencia que desarrolla el talento de las criaturas que a posteriori serán la inspiración para crear las míticas obras fílmicas que las representarán. El hombre lobo, Frankenstein, la criatura de la laguna negra... está rodado con un eficiente blanco y negro simulando ser el típico reportaje gubernamental propagandístico estadounidense, divertido, (mas o menos) original y resultón, consigue ser lo que quiere ser y uno disfruta nadando entre la mitomanía y la estructura de gags del film.

Uno de tantos entre los homenajeados en United Talent Monster Agency

A continuación la opera prima del hijo del siempre reivindicativo Costa-Gavras. Romain Gavras, que ya se ha hecho ver y escuchar con sus propuestas videocliperas para M.I.A. y Justice, especialmente con ese videoclip que era un cortometraje musicalizado: Born Free, en el que relataba, con mas efectismo barato que inteligencia, la persecución y exterminación de los pelirrojos en el Reino Unido. Ahora, con Nuestro día llegará (Notre jour viendra, 2010), repite ideas formales llenas de simple manierismo. Gavras estructura una obra-alegoría sobre la deshumanización del individuo en la Europa industrializada en esta road movie "cancerígena". Encabeza el reparto un convincente Vincent Cassel que interpreta a una especie de Don Latino, quien llevará al protagonista de la historia a dar un paseo sin retorno por un infierno llamado Francia. Las críticas hacia la sociedad, hacia las relaciones, y hacia la hipocresía y mediocridad francesas pueden funcionar si uno quiere aceptarlas como tal (en la película), pero Gavras, trata de llagar mas lejos inflando su film en un discurso demasiado multilateral, intentando darle complejidad y una cierta imposibilidad para cerrar el discurso que a mí, personalmente, me ha obligado, con los continuos giros arbitrarios de sus personajes, a dejar de pensar en aquello que la película quería ofrecerme. He tenido la sensación de estar viendo una gamberrada de Richard Lester pero sin The Beatles y sintiendo demasiado en serio sus ideas.

Vincent Cassel, un pelirrojo extasiado de su realidad

Pero hoy toda la atención recae en Agnosia, la esperada película de Eugenio Mira (The Birthday, 2004) y que produce Telecinco. Si es cierto que Agnosia es mucha mas mediocre en ideas, que por ejemplo Los ojos de Julia - de la que hablamos ayer - , pero también es verdad, en el caso que el film no funcione - como es el caso - que el tortazo no sea tan sonado. A menos pretensión menos dura será la caída.

La Barcelona victoriana de Eugenio Mira

El film de Mira tiene una factura impecable, un buen casting, una buena banda sonora del propio director (en verdad Eugenio Mira concurre mas la composición musical para cine que la realización), es en todos los sentidos (perceptivos) una buena película. Pero maldita la hora cuando alguien dijo que lo mas importante en una película era un buen guión, parece que a todo el mundo se le olvida este detalle antes de embarcare en una superproducción. Puede que al principio la corriente narrativa de telefilm de BBC pueda arrastrarte al entretenimiento pero, una vez concluyen las premisas y nos adentramos en el meollo, el aburrimiento pesa, y mucho, llegando ya extasiados con mil posturas en la butaca a un desenlace cursi y gratuito que desarma por completo cualquier idea de estructura argumental. Reconocer a Eugenio Mira el talento de pensar en la puesta en escena con bastante inteligencia, dando a la obra un look atractivo, y ofreciendo mucho mas brillo al envoltorio de una película cuando en el fondo es mucho mas barata de lo que aparentan sus imágenes. Dadle un buen guión y seguro que hará una gran película, estoy convencido.

Fernando Pomares

Festival de Sitges (01) Muy a gusto, pero primera cojera

2010-10-07T16:22:00.000-07:00

Ya ha empezado. Un año mas el festival de Sitges llega para darnos mucho cine, muchas horas de tedio - tedio servido y recibido con mucho gusto - y muchos momentos de fantásticas sorpresas. Todo bien mezclado y con ganas de vivir 10 días cinefílicos. Sin duda el festival de Sitges es un regalo.

Una de las mejores salas de cine que he pisado en mi vida

Como en cada edición, y cada vez con mas personalidad, la programación del festival disfruta de una condición ecléctica digna de admiración, contando con la selección de cine de género, emblema y sentido de la fiesta, pasando por las propuestas mas radicales de las nuevas autorías europeas, o el cine de animación mas exquisito y variado, hasta las propuestas asiáticas mas descabelladas, el festival de Sitges proporciona un surtido de películas que en muchos casos son oportunidades únicas de ser exhibidas en una sala española, y en casos particulares en una sala tan extraordinaria como la del Auditori del Hotel Meliá. Pero mas allá de sus virtudes no todo es positivo en el festival. En su primera jornada ha cojeado con sus dos premieres principales del día.

Los ojos de Julia (2010) de Guillem Morales, no convence. La propuesta del film funciona e interesa, pero se sustenta en un conjunto de equívocos que pueden con los elementos de interés. El mayor problema que le encuentro a la película, aparte de que el guión flojea en muchos de sus diálogos sobreexplicativos, es que la retórica de la película no es lo suficientemente arriesgada en comparación con el discurso que pretende alcanzar. Me explico. Los ojos de Julia es un ensayo con aspecto de película de terror/suspense. Una especie de poema con giros y vueltas de tuerca sobre la subjetividad y la visión. Todo muy atractivo pero que por falta de ingenio, y (subrayo) a causa de su enclenque guión, nunca llega a transmitir la poética de gran obra que se creía sobre el papel. Refuerza la poca credibilidad del texto un casting de caras conocidas del teatro catalán, que a cada rostro que se descubre es un motivo mas para salirse de la narración y tener que hacer el esfuerzo de volver a ella. Eso sí, el actor Pablo Derqui ya da de que hablar, y dará de que hablar.

Belén Rueda, musa (o golpe de taquilla) del nuevo terror español

Respecto al resto del día destacar un cutre y hortera homenaje al gran Paul Naschy. Programado en la peor hora posible, las dos del mediodía, donde solo habían, seguramente, 200 interesados (en una sala de 1380 butacas), con un documental mas digno de una tele local, y un cortometraje que roza el delito en una práctica de escuela, y que se pasa de la raya en un homenaje dentro de un festival de la talla de Sitges. A continuación se ha proyectado La sombra prohibida (2010) de Jose Luís Alemán, continuación directa de La herencia Valdemar (2009), dirigida por el mismo, y que son los dos últimos films donde participó Paul Naschy. La película se deja ver cuando uno sabe que disfruta de carne de videoclub, pero con la suficiente lucidez de su realizador para hacerla entretenida, dentro de todo el absurdo (como lo son muchas películas de terror de culto de la Universal) en el que se construye esta oda lovecraftiana con mas amor que talento.

Paul Naschy: Maestro, licántropo, leyenda (siempre) viva de la historia del cine

Mañana mas, esto solo ha hecho que empezar, serán diez días muy largos, y lo mejor, con expectativas, aun está por llegar.

Fernando Pomares

Machete: Mexican Madness

2010-10-02T05:04:00.000-07:00

En el 2007 Tarantino y Rodríguez proponen un homenaje reescribiendo en formato de cine mainstream las proyecciones de doble sesión de cine Z. Unas reformulaciones fabulosas que en clave postmoderna aportaban una dimensión autoral al cine basura. En el caso de Death Proof (2007) Tarantino dejó colgado a Rodríguez construyendo un joya de puesta en escena y saliéndose puramente por la tangente. Por lo contrario, el Planet Terror (2007) de Rodríguez era una gamberrada alocada que se servía del formato grindhouse para homenajear el universo zombie, pero no tanto en clave Z, si no mas bien como una analogía descreída de dicho universo. Ahora, tres años después, y sirviéndose como fuente de inspiración con uno de los trailers falsos que precedían al proyecto anterior, Rodríguez firma su mejor película, Machete (2010).

Danny Trejo. Inexpresivo, malo, duro...un hombre. Machete

Es en toda regla un bodrio cinematográfico de máxima calidad, un absurdo narrativo y actoral que en unos 100 minutos viaja del éxtasis al aburrimiento, donde la trama no ofrece ninguna reflexión y el mayor placer es encontrar con la mirada los pezones de Lindsay Lohan bajo su melena. Machete es exactamente lo que fueron sus anteriores, cine basura donde la calidad la pone quien mira desde la butaca de cine.

Una banda sonora fantástica del propio Rodríguez inunda esta pieza de coleccionista, una rareza del explotation (¿quizá taco explotation?) que lleva a lugares inhóspitos la verdadera mirada que se intuía en El mariachi (1992) o Desperado (1995) y que el propio Rodríguez ha ido perdiendo en cada producto hollywoodiense. Cine mejicano puro y duro dentro de los Estados Unidos - no sé como les sentará la película a ellos -, donde los actores norteamericanos solo sirven para reventar su propia iconografía ¡Impresionante Lindsay Lohan! Cine para hombres, insulto para mujeres. Una aberración para disfrutar de los órganos de los cadáveres desmembrados y gozar del tipazo de sus actrices, todas ellas dispuestas a ser poseídas por un Danny Trejo en plena (e inexpresiva) forma.

El mejor icono de Machete, Lindsay Lohan haciendo de si misma en versión cómic

Don Johnson, Steven Seagal, Robert de Niro, Jessica Alba, Michelle Rodriguez... todos ellos son las herramientas de un mejicano que quiero hacer el antiblockbuster palomitero en casa de los yankies, que sin darse cuenta ha hecho un pequeño trozo de historia, un cine extinguido y que ha tenido el mal gusto de hacerlo tal y como tenía que hacerse. Un pequeño gran cine para paladares muy exquisitos, o quizá todo lo contrario.

Fernando Pomares

Carancho: Film Noir Argentino

2010-09-24T05:54:00.000-07:00

Carancho (2010) es una de esas películas, que por suerte y gracia hacia su espectador, se construye a medida que avanza el metraje. Es consciente y consistente de aquello que ofrece, y paulatinamente desarrolla una trama de aves nocturnas que necesitan escapar de sus hoyos personales. Film Noir al mas puro estilo francés, pero transformando la elegancia por suciedad, las calles parisinas lluviosas por planos opresivos y asfixiantes de los rostros de sus dos protagonistas. Un film de realidades que se constituye con unas leyes aparentemente de un mundo ficticio y exagerado, pero que rasgan como una caída en el asfalto.

Mundo nocturno para seres nocturnos

Pablo Trapero, que desde su ya interesante opera prima Mundo Grúa (1999), ha ido narrando historias inteligentes y pacientes, y Carancho es su última propuesta. Una película de perdedores con una vuelta de tuerca a la decadencia económica en Argentina, esta vez con un punto de partida fabuloso y sorpresivo, los prácticas fraudulentas con los seguros en los accidentes de coche. Un Ricardo Darín que nuevamente se lo merienda todo, y una compañera,Martina Gusman, que completa a la perfección este duo de enamorados por necesidad.

La mejor baza de Carancho es que uno no tiene noción de estar viendo un buen film, la extraña y virtuosa situación de dejarte llevar por una película pequeña que cuenta bien una historia, y donde eso está por encima de cualquier otra idea. Por lo tanto estamos ante un guión inteligente sustentado por dos personajes bien armados. Cine clásico de look moderno (no innovador) que con solvencia y perspectivas de buen oficio, uno, plano a plano, va viendo tras la película todos los fundamentos que ha propuesto su director para que ésta sea lo que es.

En su contra debo decir que - para gustos los colores - el final es excesivamente hiperbólico, como que Trapero, demasiado encerrado en el universo noir, deba seguir sus reglas internas hasta las últimas consecuencias, quitándole al relato verosimilitud y, viendo por primera vez, la mano demiúrgica del director alterando una historia que parecía fluir por si sola.

Darín y Gusman, buenos actores en buenos personajes

Con sus defectos y sus virtudes, Carancho es cine, una entre tantas (en aquellos años) donde el oficio mandaba, un oficio que no solo se encontraba en sus imágenes sino en las palabras que daban vida a la película antes de que esta fuese.

Fernando Pomares

El americano: Un extraño muy conocido

2010-09-18T04:43:00.000-07:00

George Clooney, ese actor que vende Nespresso y se descubrió al público como intérprete con la extraña comedia O Brother (O Brother, Where Art Thou?, 2000), está trazando su carrera a modo de actor/autor. No sólo porque dirija películas, que las dirige muy bien, y que también se dedique a la producción de éstas, sino por un interés en seleccionar sus papeles interpretativos con suma razón. Recuerda a actores como Robert Redford, que dibujaba una filmografía entre el arte, la industria y la política para llevar el cine estadounidense a otro nivel. Esta última El Americano (The American, 2010) es quizá una muestra dentro de la categoría de cine-arte, un ejercicio de estilo con tintes de Bresson y Melville, o incluso Jacques Becquer, pero situado muy lejos de los límites donde pretende llegar, como si fuese un Jarmusch aguado.

Clooney, epicentro absoluto de The American

Su director Anton Corbijn, reconocido por sus videoclips de Depeche Mode o U2, insinúa en sus declaraciones un acercamiento al spaghetti western cuando se planteaba El Americano. Puede que conceptualmente, e incluso en algunas ideas exista dicha aproximación, aunque he de reconocer que ni pasó por mi cabeza ni un solo pensamiento acerca de eso mientras miraba la película, mas bien intentaba disfrutar de un film noir llevado a la mínima expresión. El problema llegaba cuando la puesta en escena está pensaba a partir de construcciones herméticas cargadas de una carencia absoluta de mensaje e intención, con la única meta de parecer cine árido, lento y reposado, y que mediante unas fuertes leyes internas se narra la historia. Muy bonito sobre el papel, pero si no produce ninguna emoción ni ningún pensamiento, de poco nos sirve tanto intelecto de manual.

Por mucha mirada seria, Clooney no consigue escapar de si mismo

El otro gran déficit llega en el entorno, los secundarios. Un cura que desde la primera secuencia es totalmente inverosímil, por el guión y por la limitada interpretación del que lo lleva a la vida. Y también, esta vez por el recurso cliché, la prostituta-amante, que aunque no molesta, tampoco aporta gran cosa por el poco jugo que se le saca. Clooney es incapaz de darle verosimilitud a su personaje y en cuando puede se le escapa una sonrisita marca de la casa que desmorona todo el poso dramático que el star system trata de darle a ese misterioso americano, un personaje que hubiese ido mucho mejor vestido por un actor desconocido y no por unos gestos y una cara, que de tan familiares que son, son imposibles sentirlos como de alguien extraño.

Fernando Pomares

El arte que seguirá siendo invisible

2010-09-16T00:49:00.000-07:00

Durante este mes de septiembre la filmoteca de Barcelona rinde un fortuito - y escaso - homenaje a la técnica del montaje. Un conjunto de películas que por su mas o menos expresividad, según los organizadores, son claro ejemplo de una impronta en la historia del cine en lo que a montaje se refiere. Pero no deja de ser, en el fondo, un pequeño puñado de clichés de manual y otras elecciones varias que suscitan a pensar que el montaje de esas películas tienen algo de innovador y trasgresor en el momento que fueron creadas.

Dede Allen, una ausente, entre muchos, en la selección de lo Filmoteca

No digo que en casi toda su totalidad, de las elegidas, no sean obras imprescindibles de análisis fílmico, pero es reducir una técnica prácticamente en su mayoría a la narratividad estadounidense y a la francesa de mentalidad moderna (y algunas de las estadounidenses seleccionadas también herederas de la mirada moderna del nuevo cine francés de entonces). Y pongo en duda la utilidad de dicho ciclo, pongo en entredicho el sentido que tiene exhibir obras de cierta complejidad técnica sin el soporte de presentaciones, charlas y mesas redondas, que acompañen y conduzcan el juicio del espectador hacia los recursos de algo tan complejo como es ver el montaje mientras se mira una narración. Pero igualmente, si las pretensiones de la Filmoteca son proponer una lista empírica de giros estilísticos y evoluciones en la técnica del montaje, la selección de los films vuelve a ser muy escasa, y no por el número de películas, sino por la reflexión hacia el medio. Eso da que pensar si los responsables se han hecho las preguntas adecuadas acerca de qué es el montaje, y qué implica ser un ejemplo clarificador del montaje.

Pablo G. del Amo hablando con Carlos Saura

Pero dentro del ciclo, mas allá del placer de ver en pantalla grande obras como Nuestra Música (Notre Musique, 2004) de Jean Luc Godard o La conversación (The Conversation, 1974) de Coppola, juntamente con el resto, cabe destacar una pequeña joya que ya se pudo ver en televisión no hace mucho. Un documental dirigido por Diego Galán llamado Pablo G. del Amo: Un montador de ilusiones (2006), entrevista y profundización de Pablo G. del Amo, probablemente el montador cinematográfico mas importante que ha dado nuestra cinematografía. Merece la pena acercarse a escuchar las ya sabias palabras de esta herencia artesana, un conocimiento de los entresijos de uno de los pocos que puede decir, en este país, que "ha hecho cine". La caza (1966), El espíritu de la colmena (1973) o Pascual Duarte (1976), entre mas de 180 ediciones en toda su vida. Un hombre de oficio que de manera invisible nos ha llevado de la mano en las grandes obras de la nueva cinematografía española, desde la modernidad, hasta principios del 2000. No os lo perdáis.

Fernando Pomares

John G. Avildsen: El director bueno

2010-09-10T06:07:00.000-07:00

Las valoraciones que se realizan para determinar que producciones artísticas son manifiestamente interesantes para el público caen irremediablemente en categorías llegando a confusiones y equívocos. Estilo, evocación, narrativa, estructura, sentimientos son conceptos que el público debe valorarlos cuando se aproximan a una creación artística porque pertenecen a su condición de espectador, pero no deben ser características que marquen el valor de la obra porque son simplemente la base donde se sustenta una idea, el material que utiliza el creador para exponer sus grandes obsesiones.

Avildsen, una mirada humanista en Hollywood

El cine no escapa a este problema. Hay una especie de mano que asigna como aceptable películas que tan solo son entes en sí, buenas realizaciones estílisticas o narrativas , pero que escapan a una consideración real de lo que debería ser una creación fílmica. Entender el cine como una serie de películas que estructuran y codifican la idea de sus directores sería un punto de partida interesante porque aplica en su valor la conciencia creadora del autor. De esta manera nos han presentado filmografías de grandes directores que las entendemos como tal, más allá del simple gusto por una sola de sus películas; directores que han sabido exponer todas sus obsesiones acompañadas de una gran habilidad narrativa y formal. Pero también hay directores, magníficos artesanos, que no han sido grandes evocadores de imágenes, pero en su filmografía se visualiza una tendencia sugestiva hacía una idea que se presenta como obsesión constante.
En este último caso cabe la figura de John G. Avildsen. Director que inició la carrera a finales de los años 60 y que se afianzó en los 70. Fue un director que trabajó exclusivamente bajo la batuta de la industria sin ninguna pretensión de independencia, haciendo un cine de narrativa coherente, estilismo clásico y de temática social. Su última película, Inferno, con Jean-Claude Van Damme en 1999 desterró completamente a Avildsen al olvido más rotundo. Es así como poco se conoce que fue el director de la magnífica Rocky I (1976) y de la espléndida saga de Karate Kid, películas que por sí abandonaron a Avildsen e hicieron a sus protagonistas (Rocky Balboa, Miyagi, Daniel Larusso) valedores de su existencia.
El valor de Avildsen no está en haber hecho películas que se mantienen en la memoria colectiva, sino que supo afianzar en su cine la idea de una conciencia creativa. No hace falta tener una independencia creativa, aspecto tan valorado en el mundo del cine, para exponer un mundo personal, sino que incluso trabajando para la industria se puede crear una filmografía coherente con las obsesiones personales que definen al director. Y en John G. Avildsen hay una idea que se repite constantemente en sus películas, la empatía. Sus personajes están expuestos a conflictos que hacen de sus vivencias un drama constante y el impulso que motiva la superación de estos conflictos viene de la existencia de un colectivo que ayuda al personaje a no intervenir solo. La empatía colectiva desdramatiza los confusos sentimientos del protagonista ante situaciones que le superan y hacen de estos sentimientos impulsos coherentes que motivan acciones correctas. Es por eso que los personajes de Avildsen no tienen una profunda evolución dramática.

Un artesano narrando artesanías

Explicar la idea de la empatía en imágenes puede ser un problema si no se tiene la percepción real de cómo se quiere narrar. Aquí radica el valor de John G. Avildsen, en saber codificar con los instrumentos narrativos del cine la idea que define su conciencia creadora. Sabe percibir de una manera concisa cuando un plano general desdramatiza la acción, cuando un enfoque a segundo plano sugiere el desapego en un espacio lleno de gente, como una voz de un personaje secundario en fuera de campo participa directamente en una escena amorosa, cuando una escena poco iluminada esconde un conflicto entre dos personas para que el espectador no participe directamente de él. Pero hay un aspecto que hace de Avildsen un creador admirable, la utilización del espectador como agente activo de la desdramatización. Hace sentir empatía a los espectadores, no solo por los personajes de sus películas, sino también por como participan unos de otros creando una interrelación activa y directa entre película y espectador.
En una entrevista realizada a John G. Avildsen como motivo del 25 aniversario del estreno de Rocky I le preguntaron cómo realizó el combate respondiendo: “Queríamos tener las cámaras fuera del ring y recorrer las cuerdas casi todo el rato porqué así es como vemos una pelea”. Tal vez aquí radica el valor de John G. Avildsen.

Alejandro Lema

Submarino: Dogma 95 con unos planos muy chulos

2010-09-07T15:06:00.001-07:00

El debate se puso sobre la mesa con el nacimiento del dogma 95. Lars Von Trier y Thomas Vinterberg idearon un manifiesto, del cual ahora no vamos a hablar más allá de su poca originalidad, y que fue tan efímero como caduco. De dicho manifiesto surgieron, entre varias películas, dos obras, una de cada cineasta, que fueron el epicentro del movimiento dogma 95 a mediados de los noventa. Más allá de la dudosa "autenticidad" de los planteamientos, y la poca rigurosidad con los que fueron aplicados, hay que admitir que estos dos cineastas se convirtieron en dos iconos de una nueva cinematografía. Celebración (Festen, 1998) y Los idiotas (Idioterne, 1998) fueron dos obras rabiosas que, a modo de revulsivo, abrían el medio digital a las salas cinematográficas. Obras que con el tiempo siguen vigentes, pero que en cambio, con el paso de los años, ha ido tratando peor a sus autores, dando a entender que quizá fueron creaciones surgidas del momento y no del genio. Esta semana se estrena en nuestro país el nuevo film de Thomas Vinterberg, Submarino (2010).

La vida es dura para estos dos hermanos.

Nos encontramos ante una película catártica en clímax constante y con ganas de hacernos probar la bilis de la vida. Tanta acidez de boca acaba por cansar, la verdad. Las amarguras y calamidades de dos hermanos que no salen del pozo personal de donde vienen, son tan constantes y excesivas que apabullan las necesidades del espectador. Quizá hay personas que disfrutan confundiendo que el exceso de drama es una dosis de realidad, pero hay que tener en cuenta que no es mayor realidad que los manierismos y ejercicios maniqueos que un director utiliza para provocar emociones. Es cierto que existen alcohólicos y yonkies (y seguramente con dramas superiores a los que se muestran en Submarino) pero hablamos de realidades, y no de una construcción para que el público burgués crea que se acerca un poco más a la verdad de la vida dibujada, en este caso, como miseria.

Escena de alegría momentánea de Submarino.

Prácticamente no hay discurso crítico, no social, ni político. Vinterberg se ampara en la distancia del discurso para dejar que el espectador saque sus propios conclusiones en un relato que no tiene, lo que no impide, por otro lado, que su director se preocupe por embellecer las imágenes y utilizar el sonido, el montaje y la puesta en escena para fortalecer la pseudoempatía con el dolor y la tristeza. Tanto de tanto que al final nada de nada.

Fernando Pomares

Música con poética propia

2010-09-02T15:11:00.000-07:00

Hay grandes películas que han sido reflejadas en sus músicas. Composiciones que llegaban al núcleo del concepto, a la esencia dramática y emocional de la narrativa. Sin contrapuntos ni manierismo, las melodías, como un espejo, eran la viva imagen del trasfondo y la complejidad de aquello que sus personajes sentían y vivían. Músicas que independientemente de las películas a las que pertenecen evocan una idea, un pensamiento que llena de una cinética visceral nuestra necesidad per recibir impulsos, emociones que nos transportan de la apatía al zenit, de la tristeza a la aventura, de lo neutro a lo íntimo. Esquemas y fórmulas armónicas que han sido y son fuente de inspiración de futuras narraciones y deseos personales. Grandes compañeras que no necesitan las imágenes ni los dramas para ser por si solas obras propias.

Carter Burwell - Muerte entre las flores (Miller's Crossing, 1990)

Michael Nyman - El contrato del dibujante (The Draughtsman's Contract, 1982)

Michel Legrand - Piel de asno (Peau d'âne, 1970)

Ennio Morricone - La misión (The Mission, 1986)

Lennie Niehaus - Sin perdón (Unforgiven, 1992)

Georges Delerue - El desprecio (Le Mepris, 1963)

John Williams - Parque jurásico (Jurassick Park, 1995)

James Newton Howard - El bosque (The Village, 2004)

Franck Barcellini - Mi tío (Mon Oncle, 1958)

Nino Rota - La Dolce Vita (1960)

Playlist Spotify: Poética Propia

Fernando Pomares

Miedos 3D: Un agujero poco profundo

2010-08-31T08:37:00.000-07:00

Fue el gran Jacques Tourneur quien hacía mirar a sus horrorizados personajes hacia profundas calles oscuras, pasillos sin fin y túneles sin luz en medio de la noche. La nada convertida en todo en el momento que alguien la mira, un punto vacuo que a modo de espejo hace enfrentar a la persona con sus miedos e inseguridades. Esta fórmula estética que tanto ha nutrido a toda la historia del cine es ahora recuperada por Joe Dante, director de Gremlins (1984), que en un intento de retornar al cine juvenil que le ensalzó nos presenta esta escuálida Miedos 3D (The Hole, 2009), la historia de un agujero que hace realidad los miedos más profundos de aquellos que miran en su interior.

Los tres protagonistas de Miedos 3D (The Hole, 2009)

Si bien el film es descafeinado y no aporta nada interesante a un espectador mayor de 12 años, hay que decir que las pretensiones de Dante de crear nuevamente un cine de género destinado al público juvenil produce, ante todo, interés. El problema es el modelo de juventud al que va destinado la película.

En la generación de cineastas post-clásicos que se dedicaron a contar historias con protagonistas juveniles e infantiles (Spielberg, Donner, Dante, Avildsen, Levinson...) uno puede darse cuenta que muchos de los personajes no dejan de ser los propios cineastas reflejando sus sueños de aventura que imaginaron cuando eran pequeños. Hoy en día, los modelos impuestos por las grandes productoras, y un patrón juvenil lobotomizante representado por iconos de la talla de Hannah Montana, Jonas Brothers, Crepúsculo, Harry Potter..., hacen del trasfondo emocional de los jóvenes que protagonizan las historias algo banal y estúpido. Eso imposibilita mucho la empatía con la historia en el momento que uno no es espectador compulsivo de Disney Channel y MTV.

El espejo de los propios miedos

Pero no toda la culpa es del sistema, Dante se olvida de aquello que hacía grande sus cintas y rara vez nos encontramos con la mano de Dante tras la cámara. Se echa de menos el tono gamberro de Gremlins, el terror grotesco e hilarante de la América más convencional de No matarás al vecino (The Burbs, 1989) la complejidad y riqueza de los personajes de Exploradores (Explorers, 1985), o la serie B de Piraña (Piranha, 1978) y Aullidos (The Howling, 1981). Sólo en el muñeco del payaso que atormenta al más pequeño de los hermanos de Mierdos 3D se huele cierto aroma de aquel cine que introdujo a toda una generación en la pasión por el cine de género y la serie B.

Fernando Pomares