Cine para Cinéfilos

El Arca Rusa (2002)

2011-12-15T20:33:00.000-03:00

★★★★★

No sé cómo iniciar este comentario, por eso mismo voy a ir directo al grano con el resumen de esta cinta:

300 años de historia rusa relatados durante 96 minutos en una sola toma continua en el famoso museo Hermitage. Eso es todo; no se le puede pedir más y no se le puede pedir menos a esta película. Si les parece poco añadan a todo eso 2000 actores en escena, 3 orquestas en vivo y 33 salas del famoso museo ¿Qué opinan ahora? ¿Acaso les parece poco?

Y por todo eso no existen palabras adecuadas para definir a este impresionante coloso del séptimo arte. Si es que pudiera haber una que pudiera resumir el inmenso valor artístico que emana constantemente de sus fotogramas, podría ser "SUBLIME" y créanme que no exagero; El Arca Rusa es una de esas obras que rara vez se ven en estos días donde productos comerciales invaden cada vez más los cines y los videoclubes.

Aleksandr Sokurov se luce en su papel de director porque se nota el tremendo esfuerzo por sacar adelante a su película. El museo, que es el Hermitage en la realidad, se lo habían prestado por un día para filmar la cinta, nada más. Tuvieron que partir el rodaje hasta cuatro veces para conseguir un buen resultado. Obviamente no sobrepasaban más allá de 20 minutos, más o menos, pero el gran trabajo que hubo no se ve mermado por eso. Hay una gran factura técnica detrás y una increíble sensación de armonía en todo su desarrollo, ya que casi como un documental, va mostrando todo, pero absolutamente todo con una naturalidad tremenda: los actores están en su lugar en el momento preciso y dicen sus líneas de igual forma. Si hay alguien que se dice cinéfilo no puede dejar de ver esta cinta, porque hay pocas como ésta.

La película tiene características surrealistas. Hay dos personajes, que podrían decirse los protagonistas, de épocas y nacionalidades distintas, que son los que recorren el museo, maravillándose y reflexionando a cada paso con lo que ven, sosteniendo diálogos diversos de lo que piensan y encuentran e incluso encontrándose con gente destacada en la Historia Rusa.

No le puedo tirar más flores a esta película; tienen que verla. Es una obra magnífica y de grandes proporciones. Se pueden morir mañana, por lo que es mejor que la vayan a ver. Para todas las edades.

El Discurso del Rey (2010)

2011-11-11T15:28:00.004-03:00

★★★★

Aprovechando que el mundo no se terminó este 11/11/11 (menos mal; no es la primera vez que el mundo está a punto de acabarse, pero no cantemos victoria, porque todavía falta la ridiculez del próximo año), y para pasar los sustos, quiero presentar en mi blog la ya muy conocida cinta El Discurso del Rey, que fue la gran ganadora de los Oscar 2011 con cuatro premios: Mejor Película, Actor Principal, Director y Guión Original. Todos muy bien merecidos, ya que esta historia, basada en hechos reales, sorprende por su excelente desarrollo.

Colin Firth (en la foto) interpreta a Jorge VI, monarca inglés que sufría problemas de tartamudez. Para remediar este dilema, su esposa Isabel (Helena Bonham Carter) contrata a Lionel Logue (Geoffrey Rush), un experto para solucionar estos casos, que no sólo ayudará al rey, sino que también forjará con él una sólida amistad que perdurará a través del tiempo.

Sorprendente película es El Discurso del Rey, porque sin mayores pretensiones, captura por sus diálogos y sus excelentes actuaciones, que se manifiestan firmemente en la convincente actuación de Firth como el rey. Lo mismo se puede decir de Rush y Carter en sus respectivos papeles, ya que cada uno aporta firmemente al dramatismo del filme.

Los personajes más notables son los del rey y Lionel. El primero se destaca por su evolución a lo largo de la película. Podemos ver en él a un ser tímido y sufrido que lucha por salir de ese estado del cual está prisionero y Firth logra que simpaticemos mucho con él. Rush consigue lo mismo, pero desde una perspectiva distinta. La personalidad de su personaje es interesante, puesto que tiene ciertas sorpresas que guardar a los otros, aparte de su relajada manera de ver la vida.

Su director Tom Hooper, le imprime a la película un estilo muy particular, marcado por la sencillez, prefiriendo mucho los primeros planos y lo hace bajo un sello artístico notable en cada uno de ellos. Quizás puede faltarle más "acción" a la cinta, pero no se hecha tanto de menos eso, puesto que las escenas no se alargan más allá de lo necesario y la historia está tan bien contada que todo se sigue con interés. Interés que se le debe a David Seidler, el guionista detrás de El Discurso del Rey.

Si no la fueron a ver al cine, vayan a arrendarla o comprarla; es una buena inversión y una película que querrán ver más de una vez. La recomiendo para jóvenes en adelante, puesto que los más chicos se aburrirán. Hasta la próxima.

Contagio (2011)

2011-11-01T23:03:00.003-03:00

★★★

Después de cinco meses de ausencia he querido volver a escribir en Cine para Cinéfilos a raíz del filme Contagio, obra dirigida por Steven Soderbergh y que acabo de ver en el cine. La impresión que me llevé de ella fue positiva, pero (siempre existen los "peros"), tenía ciertas debilidades que si bien no diluían el esfuerzo tras su realización, si podían resultar un poco aburridos.

Contagio narra con gran realismo lo que sucedería si un letal virus, que se expande rápida y fácilmente, afectara a todo el mundo. Veremos, pues, lo que le sucede a un montón de personajes que luchan contra la pandemia y los resultados que puede en varios aspectos.

Uno de los mayores logros de la película es sin duda la atmósfera que provoca y la inmediatez con que ocurren los hechos. Se podría decir que llega a examinar la posibilidad de la pandemia de una forma fría y metódica; de forma documental, quizás. Hay espacio para que los personajes sufran por sus seres queridos, pero todo lo que ocurre es tratado con realismo y sin censura, de modo que los hechos no están teñidos por una capa de gran sentimentalismo, lo que da paso a impresionarnos por los eventos que ocurrirían en un caso como este.

Podemos concluir así que el trabajo de Soderbergh está muy bien hecho. Sin embargo, hay momentos en que el realismo deja de lado a ratos la peripecia y se limita a mostrar hechos que pueden aburrir un poco. Así, lo que se transforma en su mayor logro, se arriesga a ser una de sus debilidades; es decir en ciertos momentos la cinta se hace algo lenta. Pero sigue siendo destacable el hecho de que el guión gatille momentos de gran tensión, que vuelven a atraparnos.

Analizando más aspectos de la dirección, son notables ciertos montajes de la película o la coloración de ciertas escenas, que bajo un frío tono azul, dan cuenta de aquella atmósfera tensa que transimite el filme. Soderbergh se luce y si tropieza, enmienda su error, porque vuelve a darle la energía necesaria a Contagio para que retorne a su cauce y nos entretenga, de modo que se le perdona esa pequeña lentitud.

Otro punto a favor de Contagio es el trabajo del compositor Cliff Martínez, que se destaca presentándonos piezas musicales electrónicas, que de manera eficiente, ayudan a reforzar esa sensación de inseguridad que rodea al filme, que bajo un villano poco convencional aterra y recuerda al virus H1N1, que es referido en la película, y que causó un pánico similar hace ya dos años.

El factor humano en Contagio es convincente. Actores como Matt Damon, Laurence Fishburne, Kate Winslet y Marion Cotillard entre otros, cumplen muy bien sus roles y no hay tropiezos por parte de ellos, logrando que la película tenga las emociones necesarias, como el suspenso y el pánico que se respira en todo su metraje.

Para terminar, Contagio es un filme recomendable, medio lento, pero que vale la pena ver por su gran dirección y por el realismo de la historia que escribió el guionista Scott Z. Burns. Para jóvenes en adelante. No se la pierdan.

La Quimera del Oro (1925)

2011-05-22T18:05:00.024-04:00

Algunos jamás verían una película muda. En estos años de espectacular "sonoridad" y de gran agilidad, ver a personas actuando exageradamente, y más encima sin decir siquiera una palabrita, es considerado una lata. Así de simple, un panorama para aficionados al cine; no para los mortales comunes y corrientes que ven películas contemporáneas para divertirse. Lo que está bien, porque reconozco que es poco común ver clásicos, pero éstos tienen mucho que ofrecer... sobre todo cuando el genio de Charles Chaplin está detrás del proyecto. Además existe una reedición de La Quimera del Oro narrada por él... y esa es la versión que vi.

La Quimera del Oro narra la aventura de un solitario buscador de oro (Charles Chaplin, obviamente) en la salvaje tierra de Alaska. Allí encontrará de todo... y como es de esperarse eso irá unido a lo cómico.

Como ya les dije, vi la versión narrada por Chaplin y por lo mismo también me referiré a detalles que la acompañan. En primer lugar, algo que puede resultar una buena noticia para los que quieren ver cine mudo, pero se distraen o se aburren con la usual lentitud de estos filmes, es que la falta de diálogos escritos, hacen que película sea mucho más ágil y por lo tanto más llevadera el hecho de verla. Chaplin no sólo añade su voz, también incluye sonido a las cosas y una banda sonora que él mismo compuso para esta versión de los años 40.

El humor es tan bueno como siempre. Muy ingenioso e impregnado por la inocencia del personaje principal, incluye las más variadas situaciones. Y hablando de los personajes, éstos son siempre muy interesantes, y más tratándose de una película muda; porque se vuelven más expresivos. Esto hace que los secundarios estén bien delineados, aunque no siempre participen muchos en el rodaje (entendiéndose por los "secundarios principales", ya que hay escenas con varios extras).

La película es algo así como una biografía, pues a nuestro solitario buscador de oro, le ocurren muchas cosas (sin tener, por decirlo de algún modo, una trama definida en el sentido en que se presenta un problema que se debe solucionar para volver a un nuevo orden y bla bla bla). Esto que puede volver inconsistente a la historia, con Chaplin no sucede porque en La Quimera del Oro, él incluye con maestría suspenso, acción y romance, en sus medidas justas. En palabras simples: a la cinta no le falta emoción.

Así, La Quimera del Oro es una gran opción para el que quiera iniciarse en el cine clásico. Busquen esta versión. No digo que la original sea mala (no la he visto), sino que ésta por razones obvias es mucho más ágil, por lo que se puede disfrutar más... y en familia, porque es un filme para todas las edades.

La información sobre la versión fue un dato que saqué de Wikipedia. La foto muestra a Chaplin sin su usual vestimenta de vagabundo.

Carros de Fuego (1981)

2011-05-01T16:19:00.146-03:00

En mi último análisis recibí dos comentarios. Los agradezco y ahora quiero responderles. Al primer comentarista, que firmó como anónimo, quiero decirle que me parece interesante su aporte. No conozco la serie "Paprika", pero según lo que me dice sobre El Origen, ahora sabemos la fuente que usó Christopher Nolan para hacer su película. Creo que también pudo haber añadido algunos temas literarios a la película ¿cuáles pueden ser?, pueden escribirme un correo pulsando aquí para saberlo (prefiero hacerlo de este modo, para no arruinar el filme a otros que no lo han visto). Es una opinión, que no creo que contradiga el aporte de ese cinéfilo anónimo.

Otro lector, bajo el pseudónimo "J", me ha preguntado si es difícil seguir la trama de la película. Quiero contestarle que sí. La trama es complicada; yo tuve que pausarla y retrocederla muchas veces para entender la lógica que proponía. En el caso de conocidos míos, también me han comentado que les ha parecido complicada, pero que yo sepa no obraron como lo hice yo. Aún así, eso no le quita su espectacularidad; de hecho, creo que es una de las mejores películas que he visto. Recomiendo que la veas "J", es muy, pero muy buena.

Y ahora, dirigiéndome a todos mis lectores, quiero que conozcan Carros de Fuego, una película sobre deportes dirigida por Hugh Hudson. Una historia inspiradora y profunda de dos atletas que se preparan para participar en los Juegos Olímpicos de 1924.

Uno de ellos es el universitario Harold Abrahams (Ben Cross), un judío hijo de un lituano que quiere competir para ser aceptado por la sociedad inglesa. El otro es Eric Lidell (Ian Charleson), un cristiano, cuyo padre es misionero en China, que decide correr para glorificar a Dios. La película está basada en hechos reales.

En esta ocasión quiero mencionar un aspecto que hace tiempo no aparecía en mi blog... ahora verán cuál es.

En Carros de Fuego, lo que resulta muy interesante es la combinación entre la música electrónica del compositor Vangelis (¿qué les parece?) y el trabajo del director. La película sabe retratar muy bien los momentos más importantes de los personajes; hay primeros planos en escenas previas a la hora de correr. Estas, en algunos casos van acompañadas por notas musicales suaves, pero tensas, que realmente sobresalen por su sonido. Lo que acabo de escribir suena raro, pero Vangelis es un maestro cuando empieza a componer música electrónica; arrancando de sus sintetizadores sonidos muy atractivos. Pero volviendo a lo que nos importa, la escena luce más intensa y los deseos o frustraciones de los protagonistas se enfatizan más.

La película desarrolla muy bien la historia, todo el proceso de entrenamiento, la vida de los personajes, sus conflictos internos y la importancia del deporte. Este último se muestra desde un punto de vista mucho más trascendente. Y es lo normal, porque el deporte sirve para contar historias de superación, de esfuerzo y perseverancia. En Carros de Fuego el resultado es muy bueno. Uno de los personajes, un amigo de Abrahams, es quien va relatando la historia, dándole un estilo más personal a la narración.

Hablando de la narración, esta se muestra de forma elegante, todo muy inglés, puesto que está ambientado en los Juegos Olímpicos, una instancia llena de patriotismo y honor. Aquí nuevamente destaca el trabajo del director, exponiendo ágilmente los sucesos que conforman a la película.

Carros de Fuego es una historia para toda la familia. El filme rebosa de valores y buen espíritu. Es ideal para los deportistas y también para los que adoran la música electrónica, ya que Vangelis es un excelente compositor. En lo personal, puedo añadir que este estilo musical es ideal para representar las emociones, porque los sonidos son más dinámicos, más "manipulables" que los arrancados por instrumentos corrientes y en este filme, las emociones son las importantes. Los que disfrutaron Rudy, deberían verla.

El Origen (2010)

2011-04-02T22:51:00.002-03:00

Reconozco que había dicho que iba escribir la semana pasada y no lo hice; no supe distribuir bien mi tiempo. Por tal razón, recomiendo a mis lectores fieles que olviden el mal rato con esta soberbia película de Christopher Nolan (en la foto): El Origen. Un largometraje de acción que difícilmente caerá mal a alguien.

El Origen trata la historia de Cobb (Leonardo DiCaprio), un sujeto que roba información desde una fuente muy particular: el subconsciente ¿Cómo rayos lo hace? Mediante una tecnología especial, es capaz de introducirse en los sueños de las personas y tomar lo que quiera cuando sus defensas son bajas. Es el más hábil en esta "profesión" y por eso es llamado a un trabajo muy particular; esta vez no debe robar algo de la mente de alguien, sino que debe plantar una idea en especial. La taera requerirá trabajo y ayuda de un equipo muy particular.

¿Qué puedo decir de este filme? Es sencillamente asombroso. Creo que nunca había visto algo parecido; la historia es irrepetible y perfecta. Fue escrita por Nolan y la trabajó durante años. El resultado es una obra maestra que tiene elementos que nos identifican a todos, personajes muy, pero muy interesantes y también un manejo de la acción y el suspenso increíbles.

Partamos con la primera característica. Antes que nada, debo reconocer la inteligencia y la solidez del guión. Es una perfecta telaraña que, a simple vista, no deja ningún detalle mirado en menos. En este aspecto, está la identificación con los espectadores, entre otros. Resultará muy familiar para el que vea El Origen notar ciertos elementos que componen la lógica de la trama referido a sus propios sueños. No contaré qué cosas son, pues lo más probable es que el lector que no la haya visto, querrá disfrutarla intacta. Solamente diré que Nolan se anota su primer punto al preocuparse de esto, dándole un toque más familiar a la acción.

Los personajes son complejos. Están muy bien interpretados y a la vez cada uno tiene algo que los diferencia de los otros. Está el caso de Ariadne (Ellen Page), una joven que tiene una labor importante no sólo en su habilidad para con los sueños, sino que en lo referido a la psiquis de un personaje. Si nos concentramos en eso, es posible encontrarle un significado a la película. Ariadne es una pieza más de ese rompecabezas, pero resulta esencial, porque El Origen parece hacer referecia a un tópico literario. No hablaré más de eso, ya que sólo es una apreciación personal que puede ser incorrecta. Los que quieran saber qué puede ser, escríbanme un correo.

Resulta muy entretenido el desarrollo. La acción destaca muchísimo. A primera vista, la balacera puede verse algo típica, pero después resulta muy buena, porque, como un As bajo la manga, El Origen se vale de su propio mundo para crear la emoción desde una perspectiva nueva, que explota más allá del suspenso y la acción.

Y si de mundos se trata, la ambientación de la que goza es bien interesante. Hay imágenes que me gustaron mucho. Algunas resultarán cotidianas, pero otras destacan por su rareza. En lo visual, en una palabra es excelente. Me gustaría saber qué opinan los que la han visto sobre esto. Escríbanme también si así lo desean.

Espero que les haya gustado mi análisis. El Origen es especial para los que les gusta la ciencia ficción, pero también para aquellos que aman la fantasía. Inteligente en su desarrollo, que siempre se muestra estable, no dejará de gustar a nadie. Por la violencia es para jóvenes en adelante.

UN AÑO (2010-2011, parte dos)

2011-03-20T14:57:00.053-03:00

La semana pasada revisamos las mejores películas desde marzo hasta agosto. Hoy le toca el turno a los meses de septiembre a febrero. Empecemos:

SEPTIEMBRE: la película de Lee Unkrich, Toy Story 3 (2010) otro representante del género animado (recordemos que la ganadora de mayo fue Ratatouille), es una estupenda historia que vuelve a concertar a los juguetes más populares del cine, que esta vez van a parar a una guardería que no es lo que parece. Mucha aventura en un marco nostálgico, que se cimienta sólidamente con la maestría que los estudios Pixar poseen. Es un filme que no debería terminar nunca. Para todas las edades.

OCTUBRE: Casablanca (1942) es la mejor de este mes. Humphrey Bogart es Rick Blaine, dueño de un bar en Casablanca (Marruecos) que recibe una visita inesperada; una mujer acompañada de su marido, que amó y perdió de un día para otro. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial.

Notable película de Michael Curtiz que es recordada hasta hoy. Hay un buen trabajo por parte de los actores, la historia se mantiene en un excelente tono durante todo el metraje y tiene la virtud de ser acompañada por cómicos momentos. Jóvenes en adelante.

NOVIEMBRE: Una Serie de Eventos Desafortunados (2004) de Brad Silbering, relata las desventuras de los hermanos Baudelaire, que tratan de huir de su tío (Jim Carrey) que los quiere matar. Lo siniestro en esta película es su mayor don; es algo que sabe ocupar para que nos compadezcamos de los protagonistas... y para que nos ríamos al mismo tiempo. Para todo espectador.

DICIEMBRE: Danny Boyle dirigió Sunshine: Alerta Solar (2007), una película de ciencia ficción que nos transporta al Icarus II, una nave espacial con una inmensa carga de explosivos que va directo al Sol que está mueriendo. La misión no será fácil... sobre todo porque la nave anterior, el Icarus, que se pensaba desaparecido, ha vuelto a presentarse y, porque además, tienen el tiempo en contra. Suspenso a raudales bajo el sello único de Boyle.

Los fanáticos de la ciencia ficción tienen que verla; no se esperen una cinta cualquiera. Lo que importa aquí es la historia, no los efectos especiales, que no tienen aún así nada de que lamentarse, a pesar de su cierta "digitalidad". Había dicho que era para adultos. Si bien es violenta, los jóvenes maduros también pueden disfrutarla.

ENERO: aunque Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977) haya sido la única película que comenté en enero, vale la pena verla. Steven Spielberg es el director y escritor de esta otra cinta de ciencia ficción que nos lleva a conocer a Roy Neary (Richard Dreyfuss), un tipo que se obsesiona con la visión de unos ovnis. El misterio es lo que más se siente en este filme y los efectos especiales realmente impresionan para la época. Para todo espectador.

FEBRERO: para finalizar este aniversario, elijo a Conduciendo a Miss Daisy (1989) como la mejor del mes. La magnífica sencillez que Bruce Beresford le imprimió a su cinta, convierten a esta ganadora del Oscar a Mejor Película, como una excelente alternativa para relajarse un fin de semana, así como también para aquellos que buscan una película con mayor peso, no cualquier cosa.

Hoke Colburne (Morgan Freeman) es el nuevo chofer de la señora Daisy (Jessica Tandy), una anciana judía que posee un carácter fuerte, que dista bastante del de Hoke, que es más bien jovial y rebosante de vida. Para todo espectador.

Espero que hayan disfrutado esta revisión de las mejores películas que Cine para Cinéfilos les ofreció en este primer año de vida. La proxima semana vuelvo a analizar películas como acostumbro, aunque espero que de a poco lo vaya haciendo mejor. Hasta pronto.

UN AÑO (2010-2011)

2011-03-07T22:20:00.003-03:00

Lamentablemente no puedo hablar de que celebro el aniversario de mi blog en la fecha que le corresponde: el cinco de marzo, pero más vale tarde que nunca.

Esta vez quiero hacer un recuento de las mejores películas de cada mes. Será algo que haré en dos publicaciones. Hoy comienzo desde marzo hasta agosto.

Hay análisis que ahora al recordarlos, los encuentro malos y eso puede opacar la virtud tras un filme que la crítica profesional ha halagado con mejores palabras que las mías. Esa razón no puede impedir que no coloque una cinta en esta "lista de oro". Así, les advierto que van a ver películas que quizás en el pasado no les parecían buenas.

Pero ya basta de discursos y empecemos a revisar, partiendo desde el mes de marzo del año pasado:

MARZO: La ganadora del tercer mes del año pasado es... El Bueno, el Malo y el Feo (1966).

El spaghetti western de Sergio Leone es una de mis películas favoritas. La razón es sencilla; cuando la vi por primera vez, hace algo más de dos años, me gustaron mucho el estilo de la película; el notable suspenso de algunas escenas; la música del maestro Ennio Morricone y también las gracias que aparecen en pantalla de uno de sus personajes: Tuco (Eli Wallach), quien a pesar de llevar una vida reprobable, no deja de divertir con su personalidad.

La historia se centra en tres personas tras un tesoro, por el cual están dispuestos a todo, aún cuando se deban ayudar para encontrarlo. Película para jóvenes y adultos por la violencia y el lenguaje vulgar.

ABRIL: Esta vez le toca a El Gran Escape (1963), una cinta de acción basada en impresionantes hechos reales.

En la Segunda Guerra Mundial, unos prisioneros de un campamento nazi planean escapar cavando un túnel de proporciones épicas. La tarea no es sencilla y en esta película de casi tres horas, el ritmo se mantiene constante y la serie de personajes son notables y que aportan su grano de arena en esta historia dirigida por John Sturges. Para jóvenes en adelante.

MAYO: La película de mayo es Ratatouille (2007), representando, hasta ahora, al género animado.

La historia de la rata Remy que tiene el peculiar gusto por cocinar, es una inteligente y simpática comedia de Brad Bird, que se aleja de chistes infantiles, para ofrecer un producto de mayor calidad que harán pasar un rato agradable a toda la familia.

JUNIO: Esta vez es La Vida es Bella (1997) de Roberto Benigni, que protagoniza y dirige la historia de un padre judío que es enviado a un campo de concentración junto a su hijo pequeño. Para no asustarlo, inventa que todo es un juego.

Destaca el drama de la película, que se mezcla con situaciones cómicas en el afán de Guido de proteger a su hijo. La actuación de Benigni es muy buena y fue premiada con un Oscar. La banda sonora es muy buena como recalcó el lector Yuri Zhivago y también muy conocida. Este filme es para jóvenes en adelante.

JULIO: El ganador del mes que inicia el segundo semestre es Doce Hombres en Pugna (1957).

Según las estadísticas de Cine para Cinéfilos, el comentario de esta película de Sidney Lumet, es la entrada con más visitas. La razón puede apuntar a la magnífica historia que transcurre casi en su totalidad en un sólo lugar y que se sostiene por increíbles diálogos, emitidos por un jurado que debe decidir el destino de un chico. Sólo uno de ellos (Henry Fonda) tiene una "duda razonable" mientras el resto lo califica como culpable. Las actuaciones son magistrales y los personajes complejos y parecen representar algo en especial. Doce Hombres en Pugna es apta para todo espectador, pero será mejor apreciada por un público más maduro.

AGOSTO: El Pibe (1921) de Charles Chaplin es el líder del mes más macabro del año y también es el representante del cine silencioso.

El Vagabundo se encuentra un recién nacido que adopta y educa a su modo. Esa simple premisa basta para entregar una pieza de arte excelsa. Emotiva y chistosa, El Pibe se muestra también como una crítica social que es apta para todo espectador.

Con esta primera parte concluyo a los mejores de cada mes. Espero que les haya gustado. Nos vemos dentro de poco con la segunda parte y final, donde llegaré hasta febrero, para iniciar después otro año con historias dignas y que merezcan estar en este espacio virtual que nació una noche del cinco de marzo del 2010.

Conduciendo a Miss Daisy (1989)

2011-02-26T21:01:00.003-03:00

Esta semana me alejo de los combates en mares lejanos, de encuentros cercanos del tercer tipo, terroristas y de la acción en general para concentrarme en una película más calmada; con una trama más cotidiana podríamos decir y, obviamente, que resulta ser un gran filme. Se trata de un trabajo del director Bruce Beresford, que en 1990 ganó el Oscar a Mejor Película.

Daisy Werthan (Jessica Tandy) es una anciana judía, cuya vida es ordenada y activa. Compra lo que necesita en el supermercado, se junta con sus amigas y maneja su auto... perdón, manejaba quiero decir, ya que aunque sea activa, los años van cobrando la cuenta. Boolie, un hijo suyo que es empresario, le contrata a Hoke Colburn (Morgan Freeman), un afroamericano, para que sea su chofer. Aunque Hoke sea bonachón y sencillo, y la señora Daisy sea estructurada y seria, entre ambos cosecharán una gran amistad, pese a sus claras diferencias.

Conduciendo a Miss Daisy es una obra maestra. Es sencilla y compleja a la vez. Por fuera pareciera no ofrecer gran cosa, pero por dentro es donde se muestra con todo su esplendor. Su gracia radica en los personajes y cómo se van desarrollando. En este aspecto todos aportan algo interesante.

Así podemos encontrar diversas personalidades que bien pueden reflejar, o representar, una idea. Hay diálogos en donde se filtra información interesante y que dan para hablar sobre temas que el tiempo convierte en clásicos. Por ejemplificar lo que les he dicho: en el momento de contratar a Hoke, a Boolie se le suelta la lengua (muy levemente) cuando el futuro chofer de la señora Daisy menciona algo relacionado al matrimonio. No les doy más información para que lo descubran ustedes (y de paso así se animan a ver la película, espero).

Podemos notar por esa razón (entre otras) que en Conduciendo a Miss Daisy hay un notable trabajo tras la dirección. Es algo que últimamente he mencionado mucho en mis comentarios, pero creo que no puedo pasar por alto esa cualidad en esta cinta. Y también, si de dirección se trata, es destacable el hecho en que esta comedia se conforma, porque Hoke y Daisy Werthan dan pie para ser la "pareja dispareja", algo que en otros casos significaría un sinfín de situaciones absurdas y tontas, aquí se presenta con gran maestría y dignidad. En este sentido, repito que vale la pena aplaudir este filme, adaptado de una obra teatral que fue galardonada con un Pulitzer.

Está de más, creo yo, decir que Freeman y Jessica Tandy se lucen en su rol. De hecho, ella por interpretar a la señora Daisy, se llevó el Oscar a Mejor Actriz Principal. Freeman no fue premiado por la Academia, pero hay que mencionar su gran actuación en Cine para Cinéfilos, sobre todo en ciertos momentos, tanto cómicos, como dramáticos.

Vale la pena mencionar el trabajo de los maquilladores en esta película. De hecho, uno de los Oscars fue por este aspecto. Pero... ¿por qué?, porque en Conduciendo a Miss Daisy, los años también pasan... y la gente cambia. Supongo que ya se estarán haciendo alguna idea, ustedes los lectores... no creo que haya gente que esté con el entrecejo arrugado tratando de adivinar a qué me refiero... y sobre todo por la pista que les acabo de dejar.

Antes de iniciar marzo, y a los que vivimos en el hemisferio sur, pienso yo que más precisamente en Chile, no es mala idea relajarse con esta estupenda cinta inteligente y profunda, que es apta para todo espectador. También en el norte del Ecuador, y en todo el globo en general, va mi mensaje, pero deben adaptarlo según su punto de residencia. Solamente les puedo decir que es un filme preciso para los que tienen los pelos de punta. Hasta luego.

Capitán de Mar y Guerra: La Costa más Lejana del Mundo (2003)

2011-02-15T15:32:00.001-03:00

Últimamente he publicado críticas de películas con títulos muy largos y en esta ocasión creo que exageré, pero no así con el filme mismo, basado en las novelas de Patrick O'Brian y que resulta una excelente aventura llena de acción.

Jack Aubrey (Russell Crowe) es el capitán de la Surprise, un barco inglés que navega por el Pacífico en el marco histórico del imperio napoleónico. Será su misión enfrentarse a un peligroso barco francés, la Archeron, mientras él y su amigo Stephen Maturin (Paul Bettany), el doctor a bordo, deben lidiar con los problemas de la vida a bordo.

Peter Weir ha dirigido esta cinta con gran esmero, mostrándonos en un muy bien llevado a cabo guión, del cual fue coescritor, la vida en un buque. Su trabajo se ve en gran medida ayudado también por las actuaciones que resultan ser muy convincentes. En este rol destacan Crowe y Bettany, dándoles a sus personajes un estilo particular que logra simpatizar con el espectador.

La historia se ve cultivada por detalles. Debido a que es una cinta donde lo primario es la vida en el barco, Weir y su equipo no han dudado en no omitir pequeños sucesos que dan forma a personajes como es el caso de Stephen Marutin (estén atentos a su "pasatiempo"), y también a hechos y cosas para hacer más entretenida la apuesta.

Y que más entretenido puede ser una batalla en una película de barcos. No hace falta decir que están muy bien logradas, quizás algo "digitales" si tomamos en cuenta los años que tiene ya el filme, pero que en resumidas cuentas, gozan de grandes cuotas de acción y adrenalina.

No me atrevo a hablar del realismo, pero supongo que debe ser bastante fiel a lo que en realidad fue todo lo que tiene que ver respecto a datos técnicos de los marinos, como el lenguaje y la disciplina en la vida a bordo, donde Weir pudo haber dejado un rastro político sobre la autoridad que deben ejercer las personas encargadas en guiar a una sociedad. Este papel lo manejaría en ese caso Jack Aubrey, que debe sobreponerse a sus ideas y gobernar la nave con un afán de servicio. Pero si no fuera esa la idea de Weir tras la película, no está de más decir cómo debe ser manejado el poder (digo esto sin la intención de alabar a un partido político en particular) ya que he tocado este tema.

Capitán de Mar y Guerra cuenta también con tomas espectaculares de paisajes y el mar. En ella se aprecian con gran nitidez imágenes de islas y asimismo del barco. Resalta mucho este aspecto técnico; hay una buen trabajo con la iluminación (aunque con un dejo digital en ciertos casos) y también con la cámara, que es ubicada en los lugares precisos en especial en las tomas de mayor dramatismo.

La ambientación es una cosa digna de hablarse, porque en la película sí aparecen tomas en altamar (eso pudo haber sonado raro). Para Capitán de Mar y Guerra, usaron dos barcos y uno de ellos si surcó el océano, y puedo decir que es un barco impresionante (no sé exactamente qué tipo de nave puede ser; lo más probable es que sea una fragata), los amantes de la mar puede que se alegren con esta obra audiovisual.

Capitán de Mar y Guerra es un filme interesante, muy entretenido y con una idea argumental parecida a Vivir al Límite de Kathryn Bigelow, en el sentido en que muestra el día a día de los personajes según el lugar en que se encuentran. Disfrútenla los jóvenes en adelante, debido a ciertas expresiones y diálgos, además de la violencia que incluye.

La imagen de Russell Crowe pertenece a Caroline Bonarde, fue encontrada en Wikimedia Commons y adaptada para su uso.

El Niño con el Pijama de Rayas (2008)

2011-02-03T13:25:00.005-03:00

Un poco más de un mes sin escribir. Algunos pensaron que quizás había abandonado Cine para Cinéfilos. Otros bien pudieron haber razonado que las cosas de la vida me impidieron conectarme lo suficiente para poder escribir. También otros lectores debieron pensar que ya no tenía una película para comentar. Dos de esas teorías respecto a mi tiempo de desconexión son ciertas: no tuve el tiempo suficiente para conectarme y tampoco tenía una película para analizar. Sin embargo eso es algo del pasado, pues hoy una notable producción del director Mark Herman se hace presente en mi blog.

El Niño con el Pijama de Rayas nació como un libro escrito por John Boyne (en la foto). Seguramente muchos conocen eso. Y con más seguridad deben saber de qué se trata, ya que esta historia, que tuve el privilegio de leer, causó gran revuelo cuando apareció en las librerías de Irlanda y después de todo el mundo. En el libro no se daba a conocer explícitamente todo el argumento, sino que era el lector el que lo iba descubriendo, pero la publicidad, y la misma película, revelaron indiscriminadamente la historia.

Por eso, si hay alguien que no está al tanto del argumento del filme (e incluso del libro mismo) sugiero que no lean más allá de este párrafo, porque para hablar de esta cinta necesitaré contar de qué se trata, lo que significa sacar nuevamente a luz algunos detalles que la conforman. Lean el libro antes, es realmente recomendable que lo hagan; es corto, no pierden el tiempo y se divierten. No es un libro que vayan a olvidar, como dicen de la crítica de The Australian.

En el Berlín de la Segunda Guerra Mundial, existe un niño de nueve años llamado Bruno. Su padre, ha sido ascendido a comandante del partido nazi y por lo tanto tiene un nuevo puesto, lejos de su ciudad. De este modo, se muda con toda su familia a una casa, donde Bruno se aburre como ostra,hasta que descubre desde su mirada infantil, un secreto sobre ese lugar, que lo llevará a conocer a una persona con la que entablará amistad.

Sin duda, el mayor logro de esta cinta es la capacidad que tiene para amortiguar, en cierto modo, el peso de la publicidad sobre la historia, porque si en el libro el atractivo principal era el descubrimiento, por parte del lector, de la trama, probablemente no era buena idea hacer una copia exacta del texto. Algo que al principio puede resultar una lástima, pero que después cobra sentido, ya que se debía mantener el ingrediente del misterio. Si Herman se hubiera decidido por rodar una película que sea reflejo del libro, no habría sido igual de atractivo. Estoy de acuerdo en que es penoso ver una película que no se parece al libro, pero en este caso, terminé pensando lo contrario. Si bien el libro sigue siendo mejor, la película goza de gran calidad.

Por esta razón El Niño con el Pijama de Rayas está muy bien dirigida. Además el talento del director para mostrar emociones u hechos es bastante interesante. Tal es el caso de Bruno al llegar a su casa nueva, donde podemos notar con originalidad cómo debe sentirse. También en otros aspectos cabe destacar la escenografía, el vestuario y todo lo referido a la ambientación, que se consigue (sólo es una interpretación), al menos en la nueva casa, con un toque infantil o al menos vanguardista.

Un detalle de la película que vale la pena decir es su agilidad. La historia se desenvuelve con gran rapidez y en 94 minutos cuenta todo lo que debía contar. Quizás se pueda decir que haya sido necesario más minutos de duración, pero el tiempo que se toma le calza perfecto y logra crear una buena historia que si bien dista mucho del libro, fue (lo más probable) por necesidad.

No hace falta decir que es una película sobre la amistad y que reflexiona muy bien el tema de la dignidad de la persona, en donde se pueden ver las dos caras del hombre: desde la peor hasta la mejor. Y es más interesante el hecho de que aparece desde el punto de vista de un niño, en donde la inocencia se enfrenta a la dura realidad. Por eso sugiero nuevamente que lean el libro antes de ver el filme (esto lo dirijo principalmente para los que no pudieron aguantar la curiosidad y leyeron cuando les advertí que se detuvieran).

Para terminar, aviso que la película es para jóvenes en adelante (más que nada por los temas complicados que toca) y que hace un tiempo atrás habilité un correo para que me pregunten sus dudas respecto a cintas que he comentado en el blog. Hasta la próxima.

La foto es de Maggie Hannan y fue encontrada en Wikimedia Commons.

En el cuarto párrafo, referido a la trama del filme, he hecho una corrección: el padre es ascendido a comandante, no lo era anteriormente como se podía entender según había escrito el día 3 de febrero (hoy es 4 de febrero de 2011).

Encuentros Cercanos del Tercer Tipo (1977)

2011-01-01T19:57:00.001-03:00

Primero que nada, les deseo un Feliz Año Nuevo. Hoy, 1 de enero de 2011, les recomendaré otra película de ciencia ficción. Como Sunshine, esta cinta no se contenta con ofrecer un simple espectáculo, debido a que la calidad de su historia (escrita por Steven Spielberg, quien además la dirige) es tan alta, que difícilmente es capaz de aburrir. Si quieren saber el porqué, les recomiendo que lean mi comentario.

Roy Neary (Richard Dreyfuss), es un hombre común y corriente, padre de una familia y cuyo trabajo está ligado a la electricidad. Su vida transcurre con normalidad, hasta que una noche recibe un llamado de su labor; debe salir inmediatamente. De este modo se sube a su camioneta y parte rumbo al deber. Sin embargo no tiene muy claro dónde queda el deber, por lo que consulta un mapa. En ese lapso de tiempo ve algo que no puede creer ¡Sorpresa! ¡Platillos voladores!. Después de ese avistamiento, su vida no será la misma de antes.

Esta estupenda historia cautiva de principio a fin. Muy bien dirigida por Spielberg, la película se mantiene estable en su hilo conductor por los acontecimientos que le suceden a Roy; personaje muy bien interpretado por Dreyfuss. Algo que le resulta muy bien en su interpretación es la personalidad un poco infantil de Roy. Una escena fantástica donde queda muy bien retratada esta característica se da al principio, cuando su hijo le pide ayuda en su tarea de matemáticas.

Otro actor que se destaca en su rol es François Truffaut, quien interpreta a un francés (él mismo en la vida real era de esa nacionalidad, dato que se puede deducir por su nombre), que también está detrás de los eventos ufológicos que han obsesionado a Roy. Según los realizadores de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, fue un honor tenerlo entre los actores y no defraudó a nadie con su interpretación; de hecho, su personaje es muy interesante.

Ahora deteniéndome más en la historia, cabe decir que es excelente. Su desarrollo es fenomenal y posee la particularidad de atraparnos, pero sin ser debido al suspenso. Yo no diría que en la cinta haya suspenso propiamente tal, hay algo así como emoción. Encuentros Cercanos posee mucha emoción que conduce muy bien, y todo gracias a la obsesión de Roy, cuyas acciones lo llevan al límite. Más de alguna escena de este filme habrá sido parodiada en otras obras audiovisuales. Los que se animen a verla, lo descubrirán con facilidad. Y sobre la emoción, esta también se traduce en risas por sutiles chistes muy divertidos y en otras situaciones que ni siquiera son chistes, pero que igual sacan una que otra carcajada.

John Williams se encarga de las notas musicales que acompañan al filme. Su música es muy buena. Llena de ritmo y muy conocida por una melodía de corta extensión, a más de uno le va a gustar. Según Spielberg, sus obras se constituyen como un personaje más de la acción, lo que en Encuentros Cercanos resulta ser verdad.

Obviamente no puedo dejar de lado los efectos especiales de esta producción. En resumidas cuentas son muy buenos para la época en que se realizaron. En una entrevista con el director Steven Spielberg, él cuenta que ciertos efectos iban a hacerse mediante computadores. Sin embargo, estos fueron hechos mediante trucos fotográficos y hay que reconocer el tremendo esfuerzo que implicó. Estén muy atentos a ellos, ya que no dejan de impresionar por su original calidad.

En fin, Encuentros Cercanos es una increíble película, con excelentes actuaciones, con una historia absorbente y que goza de buenos efectos especiales, que cautivará a toda clase de público: desde niños terrícolas hasta abuelos terrícolas. Para terminar: estén atentos al cielo.

La foto de Steven Spielberg pertenece a Helene C. Stikkel y es un recorte de la versión original que está en Wikimedia Commons.

El Expreso Polar (2004)

2010-12-25T22:30:00.002-03:00

Muy Feliz Navidad a todos mis lectores. Les adelanté en mi último análisis que esperaba tener una buena película acorde a este tiempo. El Expreso Polar, filme animado, logra adecuarse a eso que les decía. Para mi gusto no es particularmente una gran cinta, pero sí es una entretenida alternativa del director Robert Zemeckis que se destaca por su método de animación.

Es Nochebuena y en la quietud de la noche hay un niño que duda sobre la existencia de Santa Claus (para los chilenos el "Viejo Pascuero"). Está pensando en eso, cuando de repente siente un extraño temblor, mira por su ventana e intrigado por lo que ve, sale de su cálido hogar para encontrarse con una increíble sorpresa: un tren junto con un hombre (Tom Hanks), que lo llevará al Polo Norte, acompañado de otros niños con un propósito más que evidente...

Como les dije, El Expreso Polar es una entretenida película. Destaca en ella la aventura; por esto, lo más probable es que los niños van a adorarla, junto con la historia misma, que está basada en un libro infantil, cuyo autor desconozco. Si es una alternativa que de todas maneras querrán ver los más pequeños, los más grandes pueda que se sientan atraídos por el método de animación.

La película usa un sistema en donde los actores no sólo prestan su voz, sino que también actúan. Se trata de la captura de movimiento según Wikipedia; en donde los actores se colocan unos trajes especiales lleno de pelotitas y comienzan a moverse de un lado para otro, para que un grupo de personas procesen esos correteos y logren transformarlos en una cinta animada. El resultado es mucho más cercano a nuestra realidad en cuanto a los movimientos de los personajes, a pesar de que carezcan de cierta fluidez (según yo). Una futura producción que se estrenará el 2011, que tengo entendido que usará esta técnica y de la cual tengo altas expectativas, es la película que Steven Spielberg tanto ha deseado hacer: The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, sobre el reportero creado por el artista belga Hergé.

EL Expreso Polar rescata valores como la fe por algo; en la confianza sobre lo que creemos. Ahora que lo pienso, puede que esta película sea una especie de road movie; esas cintas sobre personajes que viajan por una necesidad interior y/o exterior (tengo entendido que es algo así). En ese aspecto El Expreso Polar transmite un positivo mensaje. Piénsenlo.

Los personajes son interesantes y cada uno se caracteriza por algo en especial. El protagonista es alguien que pasa por un periodo de dudas. Amigos que conocerá poseerán diversas personalidades; resaltando una niña muy valiente y también muy generosa.

En definitiva, El Expreso Polar es una entretenida película para todas las edades, con una animación bastante particular y que sirve para pasar un buen rato por estos días. Veánla aunque sea el 26 de diciembre o a mediados de junio. Nuevamente Feliz Navidad y acuérdense de sus seres queridos si no quieren recibir carbón el próximo año. Hasta la próxima.

La foto es cortesía de la NASA, tomada de Wikimedia Commons y correspondiente al director Robert Zemeckis.

Sunshine: Alerta Solar (2007)

2010-12-16T19:21:00.003-03:00

En un futuro que no se encuentra lejano, el Sol se encontrará agonizando. La única esperanza para evitar esta catástrofe será enviar al Icarus, una nave que contiene toneladas de explosivos para resucitar a nuestro Astro. Esa misión fallará. La única esperanza recaerá entonces, en otra misión que será enviada siete años después: el Icarus II... la cuenta regresiva ha comenzado y el Icarus I no será algo que pase desapercibido para la nueva tripulación.

Sunshine: Alerta Solar es una película de ciencia ficción dirigida por Danny Boyle que se constituye como una obra maestra del género; pues logra crear una atmósfera única, si Avión Presidencial se destacaba por esto, Sunshine le gana por lejos (pero aún así el film de Harrison Ford no deja de ser entretenido). Todo gracias a un factor por el cual esta película se encuentra en este blog: la excelente dirección.

Así es, Sunshine es excelente porque Boyle la dirigió bajo un estilo único, que (según mi opinión) escapa de lo típico. La película no se aleja de la línea de presentar un acontecimiento tras otro hasta llegar al final; lo que resalta es la forma en que hace eso.

Lo siguiente que voy a comentar es algo típico mío y ojalá me lo perdonen, pero la dirección se extiende a dos puntos centrales en la historia: el suspenso y la música.

El suspenso de la película se debe a su atmósfera densa como dije al principio, pues esa sensación de inseguridad por los acontecimientos que les suceden a la tripulación mantiene al espectador pegado a su asiento hasta el final. También el suspenso se refuerza por los primeros planos que usa Boyle para distintas situaciones estresantes.

La banda sonora es algo que me gustó mucho. Fue compuesta por John Murphy, quien logra crear con sus notas vanguardistas y nerviosas, un nivel de suspenso mayor. Esas "notas vanguardistas" se mezclan (me parece que no en todos, sino que en algunos casos por lo que recuerdo) con sonidos más tradicionales y el resultado es genial: si es espacio es como un vacío gigantesco, y si también simboliza progreso por las naves que lo atraviesan (quizás), el compositor lo describe muy bien con su música con sonidos bajos y modernos, sin olvidar el acompañamiento de instrumentos más clásicos. Murphy tuvo la colaboración de un grupo de música llamado "Underworld".

Esos dos puntos más la estupenda dirección hacen de Sunshine: Alerta Solar una cinta fuera de lo común. Y si quisiera destacarla aún más debería centrarme en la historia. El guión es extraño (estamos hablando de ciencia ficción), pero muy bien llevado a cabo (por la dirección). La historia es buena y en este sentido, el Sol para la tripulación adquiere un significado para casi todos (o todos). Sobre esto, en especial se destaca un personaje: un psicólogo que se obsesiona con nuestra Estrella. Tiene un diálogo muy interesante al comienzo de la película en donde da su punto de vista del Sol.

Y cómo no voy a mencionar los efectos especiales si estamos hablando de una producción de esta índole. En primer lugar debo decirles que vi esta película tres años después de su estreno en los cines, por lo que la percepción de los efectos se ve alterada por ese lapso de tiempo. Sin embargo, salta a la vista inmediatamente el esplendor del Sol; elemento esencial en el film y el Icarus está bien diseñado y es bastante original. Buenos efectos en general, pero debo reconocer que se ven algo "digitales".

En fin, Sunshine no puede pasar inadvertida para los amantes de la ciencia ficción; la deben ver. Sin embargo debido a la cruda violencia de ciertas escenas y a algunas groserías, la película es para adultos.

Que todos tengan un buen final de año y Navidad. Espero tener una buena película acorde a esta época del año para recomendarles.

El Viaje de Chihiro (2001)

2010-12-05T00:15:00.002-03:00

Este fin de año me he portado mal; porque hace tiempo no he actualizado Cine para Cinéfilos. Por lo mismo, para "compensar" los malos tragos que les he dado (en cierto modo lo espero, porque significaría que tengo seguidores fieles, y hacia ellos, en ese caso, mi más profundo respeto y gracias), hoy analizaré una obra maestra del séptimo arte nipón. Como verán por el título, no se trata de cualquier película, sino de una del director Hayao Miyazaki galardonada en muchísimas partes.

El Viaje de Chihiro cuenta la historia de una niña miedosa y más bien taciturna que se está mudando. Mientras viajan en el lujoso auto de su padre, este toma un camino distinto y llegan a un túnel que deciden cruzar a pie. Cuando salen a la luz se encuentran con un lugar distinto, lo recorren y llegan a un poblado vacío. Entran en un restaurante y haciendo caso omiso a Chihiro, los padres empiezan a comer los deliciosos platos que se les presentan terminando ambos en un resultado nefasto: se convierten en cerdos. La tarea de salvarlos recaerá en Chihiro, que deberá trabajar en un sauna para deidades niponas, dirigido por una bruja de hermosa nariz.

Este film lo vi en el colegio con un profesor lo iba explicando, puesto que está llena de metáforas y signos. De hecho, es posible notar esto desde el comienzo con el auto que maneja el padre y la misma personalidad de este; el auto es un símbolo del progreso, de la Ilustración de Occidente (no es un modelo japonés, característica que salta a la vista) y esto es solo un ejemplo, pues también es posible encontrar otros en la conversión en cerdos de los progenitores de Chihiro, referido a la globalización occidental y al consumismo (entre otras cosas quizás).

Chihiro como personaje sobresale un montón. Su evolución es notable y todo bajo el contexto de la película, que se muestra recelosa a la Globalización. Puede que no la ataque directamente, pero sí hace notar sus peligros o falencias.

Hay otros personajes muy interesantes y esto con sobradas razones; ya que al transcurrir en su mayor parte en un lugar donde se ven por todos lados criaturas míticas, hay varias que no pasan desapercibidas. Una de ellas es un tipo de negro, y un poco fantasmal, al que llaman algo así como "El sin Cara"; un ser problemático y de un apetito voraz. También está Haku, un joven que ayudará a Chihiro a insertarse en ese extraño mundo al que llega y que guarda un secreto importante.

Sobre aspectos más técnicos sobresale la animación, los dibujos y los paisajes de fondo, así como también su música, cosas que el profesor también destacó. En general, con esta película se puede afirmar que en Japón las cosas se hacen bien con dedicación. Solo basta fijarse que en esas características la película es muy detallista; hasta las cosas menos visibles probablemente están hechas con esmero.

El Viaje de Chihiro es una estupenda película y es para todas las edades, pero que debido a su complejidad, apreciarán mejor los más grandes. También es ideal para aquellos de gustos más exigentes y amantes de lo oriental en general.

Algo más antes de terminar: quizás no lo hayan notado, pero traté de usar las nuevas sugerencias de la Real Academia Española, a ver si lo notan en los "solos" que usé.

La foto de Miyazaki pertenece a Thomas Schulz y la saqué de Wikimedia Commons.

Avión Presidencial (1997)

2010-11-10T20:38:00.137-03:00

Hoy, Cine para Cinéfilos, les brinda una estupenda película llena de acción y suspenso. Se trata de Avión Presidencial, dirigida por el alemán Wolfgang Petersen. Quizá no sea una cinta que se codee entre las grandes de la Historia, pero se le debe reconocer que logra atrapar al espectador ¿Por qué?, ya podrán darse cuenta cuando lean mi análisis.

Luego de un viaje a Moscú, el Presidente de Estados Unidos, James Marshall (Harrison Ford), vuelve a su país junto a su familia a bordo del Air Force One (obviamente), el avión presidencial. Aeronave que será secuestrada por unos terroristas fanáticos del régimen de un dictador que los norteamericanos, en conjunto con las fuerzas rusas, pusieron tras las rejas. Será "misión" de Marshall acabar con los terroristas, que están encabezados por un tipo (Gary Oldman), muy peligroso.

Algo que primeramente cabe destacar de esta película es su incesante acción. Así es, porque tras cada problema le sucede otro. Y no vamos a decir que los malos son "santas palomas", pues como buenos terroristas que son, son capaces de todo por su "ideal"; por lo que el presidente, un veterano de Vietnam, se tendrá que hacer cargo de la situación.

A la vez, el suspenso es algo constante en el film, y también es algo que está hecho a la perfección, porque se preocupa de ciertos detalles, por pequeños que puedan ser. Y, como en muchas películas comentadas en Cine para Cinéfilos, la música es algo esencial en la creación de una atmósfera ideal como la que consigue Avión Presidencial.

Así es, porque la atmósfera del film se apoya enormemente en sus notas, que van desde lentos sonidos para escenas críticas, a rápidas y fuertes piezas musicales para aquellas que lo necesitan. También, el tema principal es excelente, me gustó mucho; está lleno de patriotismo y energía. A Jerry Goldsmith se le deben las obras musicales que son sencillamente geniales.

La trama es muy buena; los giros del guión están muy bien hechos y gran parte resulta creíble; ya que quizá hay puntos referidos al realismo en que la película falla, pero no es una razón por la cual podamos aporrearla. La película entretiene mucho y eso basta. De todos modos, es una acción que no harían los amantes de las historias políticas, ya que esta cinta es ideal para ellos.

Sobre este punto es interesante remarcar ciertas cosas, como es el hecho de colocar los intereses políticos sobre los morales, problema que plantea la película. Así por ejemplo, se van desarrollando ideas a lo largo del film y que le resultan importantes para su "armonía argumental" (por no usar la palabra desarrollo). Puede que Avión Presidencial aproveche de denunciar ciertas cosas introduciendo en ella este elemento; fíjense especialmente en un personaje que se encuentra con la Vicepresidenta (Glenn Close); en sus modos de hablar, de moverse e incluso en su mirada.

Los personajes están muy bien interpretados; Gary Oldman se luce en su rol; encuentro que su papel como ruso es realista. Harrison Ford también se destaca y hay diálogos que también son muy buenos, así como otro que es innecesario y prescindible.

En resumidas cuentas, Avión Presidencial es una entretenida película, llena de acción y suspenso, con una muy buena banda sonora y muy bien hecha. Pero que no va poder ser disfrutada por todos, porque es necesario dejar en claro que por algunas groserías, su gran cantidad de violencia (sobre todo esto) y el contexto de ésta, que es para jóvenes adultos.

Hablo de contexto, porque es necesario saber que no es lo mismo mostrar que un padre cometa el deplorable acto de pegarle con saña y sin motivos a un hijo, que un ladrón mate de un disparo a su víctima en una obra audiovisual. A pesar de que este último suene posiblemente más violento, el primero le gana inmensurablemente debido a que es una abominación que un progenitor haga tal con una criatura con la que está unida por un vínculo superior al de la simple amistad, aún cuando un asesinato sea muy terrible. Disfrútenla los que puedan.

La imagen es cortesía de Gavatrón, fue tomada de Wikimedia Commons y adaptada para su uso.

Una Serie de Eventos Desafortunados (2004)

2010-11-02T19:09:00.011-03:00

Una Serie de Eventos Desafortunados es una entretenida comedia algo siniestra, que pasaré a relatar a continuación.

La cinta, basada en los libros de Lemony Snicket, cuenta la historia de tres hermanos huérfanos, Violet, Klaus y Sunny Baudelaire, que llegan a la casa de su tío, el Conde Olaf (Jim Carrey); un siniestro personaje que querrá matarlos, para quedarse con la herencia de ellos.

Esta película, de Brad Silbering, destaca mucho por su fotografía; todo su entorno es oscuro y muy especial; podemos notar esto en la vestimenta de los personajes, en sus los colores y en los del mundo presentado. También en la ambientación cronológica podemos notarlo; porque a pesar de dar la impresión de ser una historia que transcurre a principios del siglo XX, combina cosas de otros años; cosas que supuestamente en esos tiempos no existían. En definitiva, ambientada en un mundo gótico (no sé donde lo vi, pero es algo confirmable).

El humor de la película está marcado por "levemente" por siniestro, y es algo que trata de dejar en claro desde el comienzo, siendo el autor de los libros el responsable de esta explicación (tengan presente que es un actor el que encarna al escritor), con una escena bastante divertida, pero que desconcertará a más de uno, al principio. Puedo decirles que también es un trozo del film que en cierto modo, a pesar de que pueda no parecerlo, se relaciona perfectamente con el aire gótico que posee.

El hecho de que el autor sea el que relata la película, a medida que la escribe, es algo también muy interesante. Nunca se ve totalmente, sino sólo una sombra suya, reforzando la especial ambientación del film.

Sobre los personajes, destaca Olaf como un hombre jocosamente malvado; despiadado podríamos decir. También entre los hermanos las personalidades ison nteresantes: Violet es una inteligente joven, Klaus también, pero más intelectual. Sunny es una pequeña niña que apenas sabe hablar, pero muy carismática.

La música es muy buena. Fue compuesta por Thomas Newman y tuvo una nominación al Oscar por ella (IMDb). La primera composición (me parece que es la primera) que acompaña a los créditos me gustó mucho.

En definitiva, una buena película, apta para todo público, que destaca enormemente por su ambientación. Véanla si tienen la oportunidad.

Soy Leyenda (2007)

2010-10-26T17:58:00.014-03:00

Debo reconocer que hace dos semanas no he publicado nada, pero eso se debe a que no he tenido el tiempo necesario para sentarme a escribir sobre una nueva película, problema que hoy soluciono; porque les comentaré una que trata un interesante tema; tema acerca del último hombre en la Tierra..., cosa que es difícil imaginarse, pero que en esta cinta de ciencia ficción se materializa hasta cierto punto (ya lo leerán ustedes) y con el buen resultado de entreternos.

Will Smith interpreta a un científico llamado Robert Neville, inmune a una enfermedad que ha causado estragos a lo largo del mundo, razón por la que podríamos decir que está completamente solo... a excepción de unas criaturas que son el resultado de la enfermedad: seres irracionales, peligrosos y vulnerables a la luz, y por las cuales, aún así, busca la cura...

Puede que el elemento de los "zombies" en esta obra, dirigida por Francis Lawrence, sea algo que cause cierta reticencia entre ciertos espectadores, pero que no resulta tan terrible finalmente, puesto que Soy Leyenda se maneja muy bien, siendo sostenida en su mayor parte por un solo actor; Will Simth.

Digo "en su mayor parte" porque una característica interesante de esta película es que cuenta el drama del personaje a través de flashbacks de los momentos en que la enfermedad empezó a propagarse; vemos así reflejados, probablemente con mayor fuerza, su frustración y dolor; sentimientos que nacen de una triste promesa que no fue capaz de cumplir.

Sobre el suspenso, puedo comentar que está bien logrado, y obviamente se da más que nada en las horribles criaturas; que se pueden describir fácilmente así: se mueven en masa, gritan horrorosamente y sobre todo -como todo buen zombie debe hacer, para ser lo que es en su "vida"- comen carne fresca... un motivo más por el cual Neville se deba defender de ellos con los "métodos adecuados" para destruirlos; cosa que en cierto modo es razonable, a pesar de que trate de buscar una cura para ellos.

Entre el suspenso y el drama, si tuviera que decidirme por uno de ellos, me quedaría por el último, pues el personaje de Neville está bien trabajado e interpretado por Smith; una gran actuación, porque realmente logra sostener casi toda la película sin nadie más que él, tal como he leído en revistas y diarios.

En síntesis, una buena película (quizás con un único defecto algo extraño que no mencionaré, pero que ustedes podrán notar cuando la vean); que constituye una opción acertada para ver con amigos y pasar un buen rato. Disfrútenla, pero solamente los jóvenes en adelante por la violencia en pantalla.

La imagen es de Paul Stanley y fue adaptada para su uso.

Casablanca (1942)

2010-10-12T20:11:00.008-03:00

A Cine para Cinéfilos le faltaba alguna película romántica, y por eso mismo, hoy día les voy a comentar Casablanca, un gran clásico y un estupendo drama que a la vez resalta por algunas dosis de humor, dirigido por Michael Curtiz.

En plena Segunda Guerra Mundial, un rudo americano llamado Rick Blaine (Humphrey Bogart) mantiene un bar en la ciudad marroquí de Casablanca. Su vida se verá alterada cuando llegue entre su clientela, una mujer (Ingrid Bergman) junto a su marido. El problema será que aquella mujer, llamada Ilsa, fue el centro de su vida hasta que un día, por medio de una carta, le decía que lo abandonaba.

Casablanca, es una película que está muy bien dirigida; al contar y saber manejar muy bien el drama. Sus diálogos son precisos, algunos de ellos memorables, y todo sobre el apoyo de la Guerra, dándole más profundidad a la historia.

Las actuaciones son muy buenas; en especial la de sus dos protagonistas; Bogart y Bergman. Y analizando sus personajes, algo que me gustó mucho de este film es que es una historia "respetuosa" en cierto modo; hay una caballerosidad latente; muy bien explicitada por ellos, algunos de los cuales logran causar empatía por parte de los espectadores. Son personajes muy bien llevados a cabo; que están modelados con el cuidado que un artesano pondría en sus creaciones.

Casablanca posee a la vez una excelente cuota de humor, dado por situaciones puntuales muy bien hechas, donde nuevamente son los personajes los principales responsables. En este plano los secundarios, diría yo, pues igual la vi hace tiempo, son los principales responsables.

Ya terminando, les comento que la música es excelente, y muy conocida quizás. El responsable tras las composiciones es Max Steiner; él, con sus notas tristes más la combinación de las imágenes, imprimen momentos magistrales, escenas que diría yo, han sido la fuente de parodias de otras obras audiovisuales. Lo más probable es que si la ven, algunos reconozcan ciertos momentos.

Como dato divertido, no me acuerdo donde lo leí, les digo que Humphrey Bogart era más bajo que la actriz Ingrid Bergman, por lo mismo, debía estar parado encima de un cajón o una superficie elevada en las escenas en donde aparecían juntos. Curioso, ¿no creen?.

Recapitulando, Casablanca es una excelente película; un drama estupendo. Realmente imperdible. Tienen que verla. El público apropiado es de jóvenes en adelante.

Mis citas son de Wikipedia para el nombre del director, el del compositor y el de los personajes, más el verdadero nombre de Ingird Bergman (este último no me lo sabía). No me acuerdo de estos "detalles" (así es, entre "comillas") porque es un film que vi hace bastante tiempo atrás.

Cuenta Regresiva (2009)

2010-10-05T19:41:00.007-04:00

La película empieza en 1959, cuando unos niños escriben, por mandato de su profesora, mensajes, posteriormente enterrados en una cápsula del tiempo, que sería abierta cincuenta años más tarde. Cumplido el tiempo, un niño llamado Caleb recibe uno de estos, que resulta ser una extraña lista de números que no parecen tener mayor sentido, hasta que su padre, John Koestler, profesor del Instituto Tecnológico de Massachusetts, le descubre su escalofriante significado; fechas de accidentes que sucedieron y... otros que están por venir.

Alex Proyas dirigió esta gran película, que maneja de excelente forma el suspenso, ayudado por los movimientos de cámara, las cuotas de acción y por su música, compuesta por Marco Beltrami; y entre ellas hay una que me gustó mucho, y que fue usada en una persecución con un resultado único. Realmente muy bueno. En otras escenas hay un sutil nerviosismo, muy bien representado por Nicolas Cage con sus buenas actuaciones.

También el drama, e incluso el terror, están muy bien pintados en la película. Referido a lo del drama, podemos ver la triste situación de John, un padre que ha enviudado y que ha perdido la fe, y que su único apoyo es su hijo, un hijo que protegerá ante cualquier peligro.

En cuanto al terror, este se da en situaciones puntuales que se combinan con el suspenso con buenos resultados. Claro ejemplo de ello se da con unos extraños sujetos que empiezan a merodear por los alrededores de la casa de John y Caleb...

Por último también está el misterio; elemento que es tratado con maestría, y que afirma al espectador a su asiento hasta el final. Ayuda también a esto el hecho de que la película no carece de un ritmo lento y que no decae en ningún momento.

Sobre el género que trata Cuenta Regresiva, la ciencia ficción, opino que es bastante interesante, pero algo extraño, pues a ella se le añade un elemento que finalmente le da originalidad a la cinta e incluso un tono más dramático. Fue una apuesta interesante, y que si bien puede desentonar al principio, no pasa por algo malo.

Los elementos que conforman a Cuenta Regresiva hacen de ella una gran película; ágil y nerviosa, y una buena opción para entretenerse sin tanto simplismo quizás, pero que lamentablemente tiene un diálogo obsceno totalmente innecesario, que por suerte es corto. Es una cinta para jóvenes en adelante por esto y la acción en pantalla.

La imagen (un recorte) de Nicolas Cage es cortesía de Nicolas Genin, y fue tomada de Wikimedia Commons.

A la Hora Señalada (1952)

2010-09-26T17:17:00.005-04:00

A la Hora Señalada es uno de los westerns más conocidos de la Historia. Tiene a su haber unos cuantos premios Oscars (me parece que cuatro), entre ellos Mejor Película y Mejor Actor Principal. Entre algunos amigos he escuchado que tienen una buena impresión de este filme. Y esto es verdad por varias razones. Pero antes, veamos de qué se trata.

William Kane (Gary Cooper) es un sheriff que se está casando. Termina el matrimonio y le avisan que escape de la ciudad, pues un peligroso criminal que había enviado a Washington para ser ajusticiado, va a llegar con un motivo más que claro... y no viene solo; lo siguen unos cuantos matones (entre ellos Lee Van Cleef, de El Bueno, el Malo y el Feo). La gente le insiste que escape, pero Kane es un caballero y no está dispuesto a huir. Se enfrentará ante este villano. Pedirá ayuda entre sus conciudadanos, pero nadie parecerá dispuesto a acompañarlo...

Fred Zinnemann es el director tras esta cinta contada en tiempo real. Característica que le da un dramatismo especial, porque, tal como dijo un amigo, engancha al espectador. El suspenso y el dramatismo están muy bien logrados. Esto se nota principalmente en la gran actuación de Cooper, junto con la de otros personajes secundarios y en la excelente música de Dimitri Tiomkin, que en conjunto forman una atmósfera des desesperanza.

En este punto es interesante detenerse. Esta película la vi en el colegio y el profesor, luego de haberla terminado, empezó a explicarla. Explicarla, pues es una historia que esconde un mensaje con algunas (o todas las) situaciones que la conforman y con los personajes en general. Por ejemplo, el hecho que de Kane quiera combatir y no arrancar como cualquiera de nosotros lo haría en una situación así, es una exhortación a hacer lo mismo, pero en el marco de aquellos años, en que Estados Unidos y Rusia estaban en la Guerra Fría (no hubo combate alguno en ella, vean el enlace que les dejé hacia Wikipedia). Ante este panorama, los que la vean, conversen después sobre esto. También otras acciones de Kane son representativas. Estén muy atentos en una escena en que pide que lo limpien, no se los diré para no ser un "aguafiestas".

El trasfondo moral también es interesante; pues Kane fue un sheriff siempre al servicio de su comunidad, y cuando necesita desesperadamente ayuda..., nadie es capaz de levantar un dedo casi. Pues es verdad, admitámoslo; es más cómodo ser el "pasivo" de la acción, es decir ser el "ayudado" y no el "ayudador". Es algo, que podría decir que nos pasa a la mayoría. Y en este aspecto A la Hora Señalada deja una moraleja... y visto así, la película sería una fábula que viste de cowboy.

Las actuaciones, como dije anteriormente, son muy buenas. Cooper demuestra un gran talento con su dramática interpretación. Y para resaltar esto están los primeros planos que muestran su atribulado rostro, mientras camina buscando apoyo. Otros actores también dan su aporte con muy buenos diálogos. Un ejemplo de ello se da en una gran conversación entre Kane y un viejo al que le pide ayuda en su problema. Me parece que este era el antiguo sheriff.

Realmente una excelente cinta, que, tal como he visto en otros sitios de internet (que ahora no recuerdo), es un western poco común, que escapa del estándar que siguen muchos otros, y un clásico del género que vale la pena ver. Los que lo hagan no se arrepentirán y pueden hacerlo en familia, pues es apta para todo público.

Toy Story 3 (2010)

2010-09-12T22:00:00.001-04:00

Es curioso que empiece a escribir de una película partiendo no por la primera entrega, sino que por la tercera parte. Pero existe una razón que explica el misterio de esta elección: estaba buscando una película más reciente para contrastar las clásicas, que poco a poco iban amenzando con ser lo único que escribía. Eso si, tengan en cuenta, que probablemente la próxima analice una de esa categoría, debido a determinada razón.

Toy Story seguramente es una saga conocidísima por todo el mundo. Son films divertidos que van mucho más allá de lo que podemos ver en la pantalla, como Pixar suele hacerlo (trataré que la próxima cinta animada no sea de esta compañía). En el caso de esta película, reconozco que existían momentos en que no quería que la acción terminara, pues son personajes muy entrañables los que presenta y también porque..., me mataba de risa. Pero bueno, vamos a lo que nos importa.

Andy tiene dieciocho años. Pronto dejará su casa y sus amados juguetes (los que quedan) que pasan la vida encerrados en un baúl. Woody (Tom Hanks) y sus amigos desean únicamente que vuelvan a jugar con ellos..., oportunidad que les llegará cuando accidentalmente sean enviados a una guardería, un lugar que no es lo que aparenta.

Esta obra maestra de la animación, dirigida por Lee Unkrich, destaca por muchas cosas. En primer lugar lo que salta a la vista, y una de las mejores cosas, es volver a ver a los antiguos personajes, tan carismáticos y divertidos, que todavía no pasan de moda. A ellos se les unen otros nuevos, muy destacables y complejos algunos de ellos, como Lotso, un oso de peluche muy especial, ya que es un personaje que da para reflexionar.

Algo que Toy Story 3 sabe hacer es manejar las emociones. Es capaz de ir desde la risa (que no falta en casi ningún momento), pasando por el suspenso, hasta la nostalgia. El manejo que hace con ellas, en conjunto con la potencia del guión crean una historia única, fuerte y que vuelve a colocar a Pixar en la cima de la animación. No es una historia superficial. Es una historia que reflexiona sobre la madurez; crecer, abandonar etapas para acoger a otras, y la dificultad que acaerrea eso, ingeniosamente visto desde los juguetes, que puede que también necesiten madurar.

Esta es una película que le gustará a toda la familia por su ingeniosa maestría, su profundidad en los personajes, situaciones y obviamente, por su chistes. Muy buena,. Una película totalmente posible para verla con amigos, aunque los que se junten tengan 99 años.

La imagen del director es un recorte que saqué de Wikimedia Commons, perteneciente a Nicolas Genin.

Gunga Din (1939)

2010-09-04T21:12:00.010-04:00

Supe de esta película hace un tiempo atrás por un diario que estaba promocionando clásicos. El título me llamó la atención, no sabía si había escuchado antes sobre él, pero me quedó dando vueltas, hasta que tuve la oportunidad de verla por televisión. El resultado: una muy buena cinta, una antigua superproducción por sus características (ejércitos, explosiones, panorámicas de luchas), que mezcla en perfecta armonía la acción y la comedia. La mayor parte de los votos de la encuesta de este blog reconoce a este género como el favorito. Gunga Din propiamente tal no es una comedia, pero tiene elementos jocosos que a más de uno le van a gustar. Sino, es una, pero más "tranquila". Pero bueno, mejor les cuento de que se trata:

Son tres historias paralelas. Gunga Din es el nombre de un indio repartidor de agua en un regimiento inglés ubicado en la India, le gusta mucho el tema del ejército y es amigo del soldado Cutter (Cary Grant, en la foto, pero más viejo), quien junto a su colega McChesney, quieren convencer a su compadre, Ballantine, que no deje el ejército, pues va a casarse. Mientras tanto deben lidiar con el tormentoso peligro de los Thug, un grupo indio que venera a la maléfica diosa de la muerte: Kali.

Me llamó la atención el tono humorístico de Gunga Din. Pensé que podía ser algo más seria, y no fue así, primero pensé en un drama, y me equivoqué. Sin embatgo esto no merma la calidad de la película. Tiene pequeñas fallas, pero estas pasan, por su intrascendencia (más que nada son errores conscientes de los realizadores quizás, una de ellas pasa con la mecha de una dinamita y unos actores, una combinación un tanto peligrosa...). Pero volviendo a lo que nos interesa, el humor tratado es muy bueno. Son chistes que sacarán más de una carcajada y esto producto de los tres soldados, especialmente de Cutter y McChesney y el mismo Gunga Din.

Cada uno de ellos se destaca por algo en especial. Gunga es alguien tan inocente como un niño y muy fiel. Cutter es un sujeto un tanto inmaduro y ambcioso, pero carismático. Ballantine es inteligente y más serio, y McChesney va por la misma línea que Cutter, pero es más serio a la hora de trabajar, quizás por su mayor edad. Estos cuatro personajes son muy curiosos. Sus personalidades dan forma a la historia.

Sin embargo, ante tales personalidades (que no cansan para nada), existe un equilibro con el malvado antagonista, jefe de los Thug, grupo o secta, que mata por "el amor a matar". Es alguien inteligente y peligroso. Uno de sus diálogos resalta mucho, se refiere a la guerra y la muerte. Vale la pena reflexionar sobre lo que dice. Armar un cine foro es una buena idea luego de ver Gunga Din.

Aunque no todo el tiempo es humor... hay partes en que alcanza la emotividad de un drama, y en este campo se maneja muy bien. Compruébenlo ustedes.

La música de la película es muy buena, por su instrumentación y los ritmos adecuados en cada escena. Una muy interesante se da con Gunga, quien imita los ejercicios que hace el regimiento. La música lo muestra como un niño, a pesar de que ya no lo es. Y a la vez tiene un ligero toque melancólico, su lado dramático, pequeñísimo quizás y muy subjetivo, pero notorio para mi gusto.

Sobre su carácter de superproducción, puedo decirles que se maneja muy bien. Con agilidad muestra intensos combates y luchas muy bien coreografiadas, cosa que me pareció divertido. Hay escenas realmente impresionantes, donde aparecen cuantiosos ejércitos, a caballo y pie. Quizás haya un truquito por ahí para haber realizado tal hazaña, como haber usado los mismos extras en distintos roles.

Me llegué a acordar de Lawrence de Arabia -mi primera película en el blog-, viendo esto. De hecho puede que David Lean, director de esta última, en algo haya basado sus escenas del ejército árabe viendo Gunga Din, pero supe por un profesor que él se vio influenciado por un director ruso para filmar las suyas. Sin embargo lo que digo no es descartable, ya que pudo haber usado esas dos fuentes. Incluso ahora se me ocurre que Stevens haya hecho algo similar a Lean, pero... ¿Quién sabe?... sólo estoy haciendo suposiciones.

En fin, Gunga Din es un excelente filme de acción y con un humor muy divertido. Una vieja superproducción recomendable para todas las edades (y los interesados por el cine clásico), a pesar de que sea algo violenta.

La foto es de Allan Warren y la tomé y adapté de Wikimedia Commons.

Justo en la Mira (2008)

2010-08-29T23:34:00.001-04:00

Esta semana la película es algo más "contemporánea" que las pasadas (y dicho sea de paso: el análisis es más cortito), pues es muy entretenida y maneja muy bien el suspenso.

La acción se desarrolla en España. El presidente de Estados Unidos está allí debido a una alianza con otros países y va a pronunciar un discurso..., cuando de repente, ocurre un atentado terrorista: le disparan. Lo que vemos en la pantalla son ocho puntos de vista de lo acaecido; entre ellos un turista (Forrest Whitaker), una periodista (Sigourney Weaver) y un rudo agente secreto (Dennis Quaid), quien se hará cargo del espantoso caos que reina.

Esta película me gustó mucho. No es perfecta, pero cumple con su objetivo que es entretener. Entretención con toneladas de acción (balas, persecuciones, gritos, etc.) y suspenso ("¿qué rayos pasó?", "¡oh, así que eso era!", "¡nooo!" y otras exclamaciones de esa índole). Destaca mucho en eso último, como les dije antes, porque la historia se va construyendo de a poco, y de este modo, los espectadores nos quedamos atrapados en el asiento, esparando a ver cómo va a terminar la historia, porque con cada giro se adquiere una nueva perspectiva.

La historia es muy inteligente. Su director, David Travis, supo dirigirla muy bien. Se preocupó de los detalles que la impulsan. Pueden imaginarla como una telaraña. Una telaraña que se va construyendo de a poco ante nuestros ojos. La principal misión del cine es entretener, y esta cinta destaca por eso. Detrás de las cámaras se nota un gran esfuerzo realizado.

Debo admitir que quizás no se le pueden hacer mayores lecturas, pero me puedo servir de este argumento para colocarla en este blog: el cine nació para entretener. Justo en la Mira en verdad que no es mala opción para escogerla si alguna vez la ven con amigos, o si la están presentando por televisión. Pueden pasar un buen rato con ella, pero debido a la violencia que contiene es para jóvenes y adultos.

La foto, de Dennis Quaid, no es de la película y la saqué de Wikimedia Commons, gracias a la cortesía de Joey Gannon. Adapté la foto para mis necesidades.

El Hombre que mató a Liberty Valance (1962)

2010-08-22T21:27:00.011-04:00

Sé que la semana pasada ya hablé de un western. Pensaba no comentar esta película por esa razón, sino hasta un tiempo más adelante, y porque aparte el elenco es casi el mismo. Sin embargo no sabía que otra cinta elegir, y dentro de todo El Hombre que mató a Liberty Valance es una joya que da para hablar...

James Stewart es Ransom Stoddard, un abogado que es atacado mientras viajaba por un facineroso llamado Liberty Valance (Lee Marvin). Lo encontrará Tom Doniphon (el siempre rudo John Wayne) herido, y será llevado a Shinbone, un pueblecito que tiembla al oír el nombre de Valance. Los problemas para Ransom están por comenzar...

John Ford nos presenta esta película de un carácter bastante profundo. Muchos personajes y situaciones tienen un contexto que deben subentenderse. No es un western que se quede ahí superficialmente con el único fin de entretenernos. No, es un western que ahonda en temas que bien podrían ser de política (no pienso mostrarme partidario de algún movimiento). Esto es algo interesante, porque todo va encajando a la perfección. Si bien destaca por aspectos técnicos a los que pronto me referiré, quiero detenerme primero en lo que no vemos de este iceberg, en cosas que probablemente el director tenía la intención de mostrar.

Como quiero conseguir que en este blog pueda invitar a la gente a ver buenas películas, trataré de no dar mayores rasgos del desarrollo de El Hombre que... (ejem... es bastante largo el nombre) para no arruinarles la trama. Sin embargo hay cosas que si se pueden contar.

Una situación destacable se da con un personaje muy interesante; es Pompey, un trabajador negro de Tom. No es un esclavo. La gente lo respeta y lo trata bien. Asiste a unas clases que empieza a impartir Ransom. Hay un momento de la película en que le preguntan como parte la Constitución de Estados Unidos, y la empieza a recitar, pero llega a un punto en que no sabe como es que sigue..., que es que todos los hombres somos iguales. Atrás suyo, colgado en una pared, se encuentra un cuadro del presidente Abraham Lincoln (que bien podría haber estado gobernando en el tiempo en que se ambienta el filme), que se oponía a la esclavitud...

Otra cosa digna de mencionar es a Liberty Valance; un personaje muy singular. Está muy bien interpretado por Lee Marvin y tiene un aspecto bastante estrafalario. Puede simbolizar una idea importante y que debe ser tomada en cuenta. No es un "malo" porque sí. Ustedes lo podrán notar cuando la vean, y no voy a referirme a esa idea ahora, para no arruinarles la película, pero si alguien quiere saber cuál puede ser, deje un comentario abajo y yo le responderé personalmente.

Un detalle interesante se encuentra en que la película está en blanco y negro, esto pertenece a los aspectos técnicos, y es una gran elección no haberla rodado en colores creo yo. La atmósfera conseguida y la historia misma no podían haber sido mostradas de otra manera. Shinbone es un pueblo oscuro y bajo el yugo de Valance, ¿acaso tan feliz panorama podía ser pintado con el hermoso Technicolor?. Es el mismo caso con la espectacular cinta Doce Hombres en Pugna.

La película en sí también es simple. Pero en el buen sentido de la palabra. No presenta grandes escenarios como lo hace Más Corazón que Odio y tampoco una gran historia (esto por lo que he leído, pero la vi y puede que sea verdad), pero el modo en que se desarrolla y los personajes carismáticos que presentan (fíjense en el periodista interpretado por Edmond O'Brien) la hacen única.

El Hombre que... (de nuevo la misma causa) es para todo espectador.

La foto (es un recorte de una más grande), de James Stewart, no pertenece a la película. La saqué de Wikimedia Commons.