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[Meme] Porrada, Quente e úmido, Saída pela esquerda e Nunca mais

2012-01-30T08:16:00.000-02:00

Porrada (melhor cena de violência)

Violência em filme é fácil de encontrar, ainda mais em filme de ação. É possível lembrar de várias em todos os níveis. Desde Pulp Fiction em suas diversas cenas de tiro, passando por guerras como o início de O Resgate do Soldado Ryan, ou até violências mais pesadas como a cena do extintor em Irreversível. Aí, a gente fica se perguntando, como escolher uma cena? Resolvi, então, ir contra as expectativas e escolher uma cena que é mais violenta pelo que ela representa que pelos estragos em si. A violência contra si próprio em Clube da Luta.

O filme já tem vários exemplos de violência, afinal, homens se reunirem em um clube para bater e esquecer os problemas já não é algo pacífico. Mas, nada é mais forte do que a cena em que o personagem de Edward Norton é chamado pelo chefe em sua sala. Sozinhos ali, ele começa a se espancar sem dó, nem piedade apenas para culpar o outro homem e ganhar uma boa promoção. E David Fincher não poupa sangue, socos e quedas nessa cena que impressiona. Chega a ser louco pensar em algo assim, não?

Quente e Úmido (melhor sequência de sexo)

Boas cenas de sexo também não faltam em filmes, e claro, não estou falando de gênero pornô. Podemos lembrar de filmes inteiros com ótimas cenas de sexo como Nove e Meia Semanas de Amor, Os Sonhadores, O Último Tango em Paris, Lua de Fel, A insustentável Leveza do Ser, entre tantos outros. Se você for mais puro, até mesmo a descoberta do sexo em A Lagoa Azul pode valer. Ari sugeriu até uma cena entre Neve Campbell, Denise Richards e Matt Dillon em Garotas Selvagens. De fato, uma cena quente, e bem construída. Quem não viu e ficou curioso, está aqui. Isso me lembrou também da cena de Naomi Watts e Laura Harring em Cidade dos Sonhos.

Cenas e referências não faltam. Mas, como uma boa menina (hehe), resolvi destacar aqui uma cena que deve ter povoado os sonhos de muitas mulheres, graças ao belo abdômen de Brad Pitt, ainda um quase desconhecido, em Thelma e Louise. Ridley Scott foi "cruel" ao começar a sequência com aquele pan vertical, depois o detalhe dele puxando Geena Davis para perto de si. Pena que a cena está cortada aqui, mas o principal, você podem conferir.

Saída pela Esquerda (melhor sequência de perseguição)

Cenas de perseguição, ainda mais de carro, parecem todas iguais. Algumas com um balé melhor, outras com muitos cortes para dar a sensação de urgência. Por isso, ao falar em cena de perseguição lembrei logo de cenas de correria a pé. A princípio de Matrix, quando Neo foge do agente Smith. Mas, aí veio outra que é muito melhor, uma das primeiras cenas de B13 - 13º Distrito. O filme produzido por Luc Besson e dirigido por Pierre Morel é pura adrenalina, com uma boa história.

Se passa em um futuro alternativo, onde a França foi dividida através de muros em distritos para controlar a violência. Logo no início o personagem Leito, de David Belle está em seu apartamento quando os capangas de Taha, chefão local, invadem o prédio em busca da cocaína que ele está escondendo. Começa então, uma perseguição fenomenal, com base principalmente na técnica do Parkour, primeiro dentro do próprio prédio, depois nos telhados dos arredores. Eletrizante e muito bom. Assista e veja se não tenho razão.

Nunca mais (Filme mais traumático)

Muitos filmes eu não gostaria de rever nunca. É verdade. Irreversível, por exemplo, ou Anti-Cristo são filmes traumáticos. Outros porque são ruins mesmo. Já pensou rever Federal, por exemplo? Mas, se tem um que me traumatizou profundamente, fazendo terminar a sessão soluçando de tanto chorar foi mesmo Dançando no Escuro. Já citei ele no Filme Cebola, mas tenho que repetir aqui.

Selma Jezkova é a personagem mais irritante e sofrida que já conheci na vida. Entendo perfeitamente o amor e abnegação de uma mãe que não quer ver seu filho passar pelo mesmo sofrimento que ela. Admiro sua coragem de, completamente cega, fingir enxergar para não gerar pena, nem ser considerada incapaz, assim ela pode trabalhar e juntar dinheiro para a tão sonhada operação do filho. Entendo também a questão de não querer direcionar o dinheiro da operação para seu julgamento. Mas, o que não entendo é como ela pode ser fiel a uma criatura que a apunhalou pelas costas como o personagem de David Morse.

A produção do filme é incrivelmente bela, com a mistura de realidade e fantasia, sempre que Selma canta. É ótimo ver Björk cantando e atuando com tanta verdade. É sempre bom ver Lars Von Trier em ação, sempre detalhista e sutil. Mas, Dançando no Escuro é daqueles filmes que nunca mais quero ver. Doeu muito. Aquela cena final nos traz um trauma. Aquilo irrita muito, nos dá uma sensação de impotência, de descrença na humanidade, de dor profunda. Triste ao extremo. Mas porque me traumatizou tanto?

Talvez o tema que me assusta, talvez a interpretação visceral de Björk, talvez a capacidade de Lars Von Trier de nos dilacerar com sequências aparentemente simples. Não sei de fato. Mas, é angustiante esse paradoxo de ter adorado um filme e ao mesmo tempo criar horror por ele. Porque é de fato um grande filme. Mas, é daqueles que não quero rever jamais.

Sinopse oficial: Selma Jezkova (Björk) é uma mãe-solteira tcheca que foi morar nos Estados Unidos. Ela tem uma doença hereditária que a faz perder a visão, algo que também deverá acontecer um dia a seu filho Gene (Vladan Kostig), um garoto de doze anos. Entretanto, em virtude de saber que existem médicos nos Estados Unidos que podem operar seu filho isto foi o suficiente para fazê-la imigrar para o país. Ela trabalha muito duro e guarda tudo o que ganha para a cirurgia do filho. Bill (David Morse) e Linda (Cara Seymour), seus vizinhos, juntamente com Kathy (Catherine Deneuve), uma colega de fábrica, a ajudam no que é possível, mas quando Bill se vê em dificuldades financeiras rouba o dinheiro que Selma tinha economizado duramente. Este roubo é o ponto de partida para trágicos acontecimentos.

Dançando no Escuro (Dancer In The Dark: 2000 / França)
Direção: Lars Von Trier
Roteiro: Lars Von Trier
Com: Björk, Catherine Deneuve, Jean-Marc Barr, Peter Stormare, David Morse.
Duração: 100 min.

[Meme] Melhor DR, par romântico, vilão e unha e carne

2012-01-29T08:15:00.000-02:00

Melhor DR

Outro filme que não tive dúvidas na escolha. Antes do Pôr do Sol não tem uma cena que é a melhor DR, o filme inteiro é uma DR. Jesse (Ethan Hawke) e Celine (Julie Delpy) se conheceram em Antes do Amanhecer, em um trem de Budapeste a Viena. Terminaram o filme marcando de se rever em seis meses no mesmo lugar, mas isso nunca aconteceu. O casal foi se reencontrar nove anos depois em Paris, e essa é a história do segundo filme. O encontro dos dois, quase por acaso novamente, servirá apenas para discutirem como está a vida de ambos e o porquê de não terem dado certo. Não é tão bom quanto o primeiro, que é mais simples e gostoso de acompanhar, mas ainda assim, mantêm o bom diálogo e tem ótimos momentos.

Antes do Pôr do Sol (Before Sunset: 2004 / EUA)
Direção: Richard Linklater
Roteiro: Richard Linklater, Julie Delpy e Ethan Hawke,
Com: Ethan Hawke, Julie Delpy, Diabolo, Louise Lemoine Torres.
Duração: 80 min.

Melhor par romântico

Pares românticos inesquecíveis não faltam na história do cinema. Seja qual for o estilo, principalmente em Hollywood sempre tem um casal se formando. Seria difícil escolher um, mas a Pixar, sempre ela, acabou me mostrando uma relação perfeita que muitos gostariam de ter: Carl e Ellie, de UP. É um amor perfeito, porque não é idealizado, tem seus problemas, suas dificuldades, a rotina, os sonhos esquecidos, as frustrações. Mas, o amor está ali, sempre presente e eterno. Mesmo depois da morte de um deles. Falo melhor dele aqui.

Meu Vilão Favorito nos Filmes

Não sou daqueles que adora os vilões, por mais bem construídos que sejam. Mas, tenho que admitir que em Batman, Cavaleiro das Trevas um vilão tomou conta do filme: Coringa. A interpretação de Heath Ledger foi ovacionada por todos, dando um Oscar póstumo. E ele estava esplêndido, é verdade, mas, muito de sua interpretação vem da bela construção do personagem Coringa, sua loucura, suas nuanças. É doentio, de fato, mas não deixa de ser um excelente personagem. "Why so serious?"

Batman - O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight: 2008 / EUA)
Direção: Christopher Nolan
Roteiro: Jonathan Nolan e Christopher Nolan
Com: Christian Bale, Michael Caine, Heath Ledger, Gary Oldman.
Duração: 142 min.

Unha e Carne (Melhor Amizade)

Bom, quem leu minha animação preferida já deve imaginar a resposta para esse item. Toby e Dodó de O Cão e a Raposa, é sem dúvidas a melhor amizade que vi no cinema. É pura, bela, bem construída e emocionante de acompanhar. Porque independente da quantidade de pessoas que passam em nossas vidas, os melhores amigos são o da infância. É o que fica marcado em nossos corações.

O Cão e a Raposa (The Fox and the Hound: 1981/ EUA)
Direção: Ted Berman, Richard Rich
Roteiro: Ted Berman
Duração: 83 min.

J. Edgar

2012-01-28T08:46:00.089-02:00

Clint Eastwood se consagrou como diretor, sua mão firme para construir bons melodramas chamou a atenção do mundo em filmes como As Pontes de Madison, Sobre Meninos e Lobos, Menina de Ouro, A Troca, Além da Vida, entre tantos outros. Não por acaso Leonardo DiCaprio aceitou menos de 90% do seu cachê habitual para trabalhar nesse filme. Pena que a junção do grande diretor com o excelente ator deu apenas um filme morno, interessante pela figura que representa, mas que poderia render muito mais.

John Edgar Hoover pode ser um nome pouco conhecido para nós brasileiros, mas nos Estados Unidos ele representa muito, para o bem e para o mal. Ele foi o homem por trás da transformação do FBI (Federal Bureau of Investigation) de um Bureau desqualificado e desacreditado em um exemplo de coorporação investigativa. Foi ele também o responsável pela caça as bruxas que perseguiu, deportou e prendeu diversos comunistas no país. E foi o inimigo número um dos gângsters durante a Lei Seca. J. Edgar Hoover mudou os Estados Unidos em vários aspectos. Dustin Lance Black já tem experiência com figuras políticas e públicas por ter assinado o roteiro de Milk e seu roteiro busca conhecer o homem por trás do mito, humanizando-o, mas ao mesmo tempo demonstrando o quão cruel e irritante ele deveria ser.

O filme já é válido só por nos apresentar essa figura histórica desde o início de sua carreira quando tinha apenas 24 anos e presenciou os primeiros ataques de radicais comunistas ao senado norte-americano até o fim dos seus dias. Clint Eastwood opta por não construir uma narrativa baseada em um fato específico, ou mesmo construir um clímax em especial. É mesmo uma cinebiografia que vai pincelando os fatos principais da vida do agente mais poderoso do país. E consegue passar, mesmo para os que estão completamente por fora da história dos Estados Unidos uma trama coerente e instigante. Para os amantes do passado político, vai ser ótimo ver casos como a vida dos Kennedy, sua preocupação com os comunistas, o período da Lei Seca com Al Capone sendo perseguido e, nos cinemas, sendo lançado Inimigo do Estado, a preocupação de Richard Nixon com os possíveis dossiês de Hoover, que nos faz lembrar o caso de Watergate. Mas, há também omissões de questões mais delicadas do passado de J. Edgar, como sua homofobia, machismo e racismo que ficam apenas subentendidas em algumas cenas.

Mas, mais interessante do que a figura pública, as referências históricas e os acontecimentos mundiais é a característica que Clint Eastwood sabe fazer como ninguém, nos aproximar dessa figura exótica tentando entendê-lo por dentro. Aí, entra a figura fundamental na história: Anne Marie Hoover, a mãe de J.Edgar. Sua postura autoritária, sempre controlando o filho, até na cor da gravata que irá usar, é fundamental para formação do seu caráter. A dependência emocional dele a ela é visível desde os primeiros minutos de filme e quase o redime de suas ações condenáveis, o que também é perigoso ao lembrar que Clint Eastwood é um republicano conservador. É o típico homem sufocado pela dominância materna, incapaz de agir normalmente diante do sexo oposto, por exemplo, vide a cena na biblioteca. E, claro, é atribuída a ela também, além da posição de destaque que ele ocupava, a nunca confirmação de sua homossexualidade. Aliás, a relação entre J. Edgar e Clyde Tolson é outra construção delicada de Eastwood, que gera os melhores momentos do filme.

A tarefa de encarnar esse homem contraditório não era fácil, mas Leonardo DiCaprio já demonstrou em diversos momentos sua capacidade e talento. Uma pena que aqui sua interpretação seja um pouco instável. Enquanto é jovem, DiCaprio consegue transmitir as hesitações, dilemas, medos e certezas de J. Edgar como ninguém. Impressiona e convence. O problema é a fase mais velha do personagem, quando a maquiagem o transforma em um senhor gordo, careca e rabugento, mas seus trejeitos e cacoetes tornam algo falso naquela figura em tela. Não conseguimos ver o velho J. Edgar, mas sim, o jovem DiCaprio fazendo um velho. E o pior é que a narração em voz over que nos conduz na história é desse homem. Uma pena. Já Armie Hammer consegue ser melhor sucedido como Clyde Tolson na fase final da vida, principalmente depois do AVC. Naomi Watts também está bem como a secretária Helen Gandy. Mas, a atuação que chama a atenção mesmo é a de Judi Dench como Anne Marie Hoover, incrível a emoção e força que transmite à personagem.

A montagem é outro destaque no filme, tendo bons momentos de fusão entre o jovem e o velho J. Edgar, com cortes que misturam as situações, construindo bons efeitos. Aliás, a direção de arte chama a atenção pelos detalhes das diversas épocas pelas quais o filme passeia, principalmente quando é o mesmo cenário e detalhes como janela, poltrona e objetos são modificados retratando bem a situação vivida. Temos ainda os figurinos e tudo mais relacionado a cada época retratada, assim como a reconstrução de eventos históricos nos mínimos detalhes. Clint Eastwood que assina ainda a trilha sonora do filme, nos conduz com temas leves e bons momentos, apesar de se tornar uma viagem cansativa devido a longa duração.

J. Edgar é, então, um bom filme. Bem feito, realizado e interpretado, mas, poderia ser melhor. Principalmente pelo talento dos envolvidos, que já demonstraram poder muito mais. Tem falhas, perde o ritmo em vários momentos, se torna cansativo e não convence por completo. Ainda assim é um instigante retrato de um homem que foi amado e odiado pelo seu povo, indo as últimas consequências para defender o país do que acreditava ser uma praga.

J. Edgar (J. Edgar: 2012 / EUA)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Dustin Lance Black
Com: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench, Josh Lucas.
Duração: 137 min.

A semana no Cinema

2012-01-27T08:06:00.176-02:00

A semana foi marcada pelo anúncio dos indicados ao Oscar 2012, festa maior do cinema hollywoodiano que terá seus vencedores anunciados no dia 26 de fevereiro de 2012 no Kodak Theatre. Aos poucos, os indicados começam a ser lançados aqui no Brasil e, até o dia do anúncio, já poderemos ter uma opinião formada sobre todas as categorias. Por enquanto, ainda nos resta observar as previsões, prognósticos e algumas análises.

De imediato, é possível perceber algumas surpresas como a ausência da animação As Aventuras de Tintim de Steven Spielberg na categoria, dando lugar a filmes europeus como Um Gato em Paris (francês) e Chico & Rita (espanhol). Isso dá esperanças para que Rango tenha seu prêmio merecido, os outros candidatos são Gato de Botas e Kung Fu Panda 2, pelo menos Carros 2 não foi indicado, demonstrando que a força da Pixar não chega a tanto. Mas, o grande destaque das indicações é mesmo Martin Scorsese e o seu A Invenção de Hugo Cabret com 11 indicações. Após ser ignorado na edição anterior com Ilha do Medo, o mestre tem ótimas chances de sair vitorioso no dia 26, vamos torcer.

Como era esperado, O Artista também teve uma boa colocação nas indicações do ano, foram um total de 10 indicações e continua forte na disputa das principais categorias. Forte também, continua George Clooney em sua interpretação de Os Descendentes, mesmo vendo seu ótimo filme Tudo Pelo Poder de fora da disputa, apenas com a indicação para melhor roteiro adaptado, ele segue favorito na categoria de ator. Com sua 17ª indicação, Meryl Streep ainda é a favorita de muitos para levar sua tão esperada 3ª estatueta. Vamos torcer para não ser o ano de Viola Davis. Missão Madrinha de Casamento, que surpreendeu no Globo de Ouro também teve sua vez aqui como melhor roteiro e atriz coadjuvante.

Apesar de não ter Tropa de Elite 2, o Brasil está representado no Oscar com a música de Sergio Mendes e Carlinhos Brown que concorre a melhor canção original com "Real in Rio" da trilha do filme Rio. Entre as ausências, além das já citadas Tintim e Tudo Pelo Poder, está o já esperado Melancolia, de Lars Von Trier, depois das declarações em Cannes, era mesmo passível de ser ignorado pela Academia e seus financiadores judeus. Pena que, com isso, ele levou um belo filme e duas grandes interpretações para o quase esquecimento. Outro ignorado foi Clint Eastwood com seu J. Edgar, assim como Leonardo DiCaprio que deve estar tendo a certeza de que é mesmo persona non grata na Academia. Em compensação, o Oscar não ignorou a beleza de A Árvore da Vida, indicando filme e diretor, além claro da excelente fotografia de Emmanuel Lubezki.

Por fim, a maior expectativa na lista dos indicados era quantos filmes estariam na categoria principal, já que esse ano a Academia decretou que seriam no mínimo 5 e no máximo 10, sendo que os indicados deveriam obter pelo menos 5% da preferência dos votantes. Ficaram então, nove contemplados, e nenhum que possa ser considerado uma grande surpresa. Destes, apenas 4 já estrearam no Brasil, mas até a noite do Oscar, a previsão é de que todos estejam contemplados.

A lista completa dos indicados, você pode conferir na nossa página do Facebook.

Notícias rápidas:

Revista do Cinema Brasileiro

Pra quem gosta de conhecer um pouco mais sobre tecnologia, o Revista do Cinema Brasileiro deste sábado vai falar quais são as últimas em tecnologia no setor audiovisual. Andre Horta vai falar sobre a câmera Alexa, da empresa alemã Arri, enquanto o diretor Paulo Morelli vai explicar como funciona o software Story Touch. O programa ainda traz um bate-papo sobre efeitos especiais com Claudio Peralta, e Gabriela Agustini vai explicar o que é a exibição digital em 4K.
O programa vai ao ar às 20h30, pela TV Brasil.

Theo Angelopoulos

A nota triste fica por conta do falecimento do diretor grego Theo Angelopoulos. Angelopoulos estava atravessando uma avenida no bairro de Drapetsona, nos arredores da capital grega e foi atropelado por uma motocicleta. O cineasta estava no local buscando locações para seu novo filme, "The Other Sea". Conhecido por seus famosos plano-sequências, Theo Angelopoulos começou a ter fama internacional com "A viagem dos comediantes", de 1975, dirigiu ainda sucessos como filmes como "Uma Eternidade e Um Dia" (Palma de Ouro de Cannes, em 1998) e "Um Olhar a Cada Dia".

Chico e Rita

E aqui o trailer da animação Chico e Rita, indicada ao Oscar de melhor animação e ainda sem previsão de estreia no Brasil.

Estreias da semana

E como a onda é o Oscar e seus indicados, essa semana estreia três filmes que estão entre os contemplados com alguma indicação. A começar por aquele que se tornou um dos favoritos, Os Descendentes que tem seu maior destaque na interpretação de George Clooney, mas após levar o Globo de Ouro, segue forte com 5 indicações. Estreia também o thriller Millenium, Os Homens que não Amavam as Mulheres, de David Fincher. Apesar de não ter muitas indicações, o filme marca presença com a indicação de melhor atriz para Rooney Mara e prêmios técnicos como fotografia, montagem, montagem e mixagem de som. Um belo filme, que é fiel a atmosfera do livro sueco e tem muitos méritos em todos os quesitos. Por fim, estreia também outro ignorado no Oscar, o filme J. Edgar de Clint Eastwood, com Leonardo DiCaprio no papel principal, a trajetória do ex-chefe do FBI é bem construída, gerando interesse por sua figura, mas a interpretação de DiCaprio é instável. Quando está transformado em velho Edgar, tudo soa artificial.

Fica a Dica

A Trilogia Millenium – os livros

Aproveitando a estreia do filme de David Fincher, a dica é conferir os livros de Stieg Larsson, onde o filme se baseia. Aqui vocês poderão conhecer melhor a hacker Lisbeth Salander, seu passado e toda a sua trajetória que está apenas começando em Os Homens que não Amavam as Mulheres.

Os Homens que não Amavam as Mulheres
Direção: Niels Arden Oplev (2009)

E como é sempre bom comparar, indico que assistam também a versão sueca para os cinemas dessa obra instigante. Aqui a crítica do filme.

Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

2012-01-26T08:16:00.094-02:00

Costumo condenar essa mania de Hollywood ignorar os filmes do resto do mundo, fazendo remakes de obras diversas com uma diferença mínima de tempo do original tal qual foi com Deixe ela entrar, Operação Valquíria, entre outros. Mas, quando foi anunciado que David Fincher varia uma nova adaptação da Trilogia Millennium, fiquei empolgada. Não apenas por David Fincher ser o excelente diretor que é, mas, principalmente porque sempre achei os livros de Stieg Larsson a obra sueca mais americana que já vi. Se tem uma coisa que americano sabe fazer bem é história de gênero, ainda mais thriller e suspense. A Trilogia Millennium é, em sua base, assim e é impossível deixar as páginas do livro em seus últimos capítulos devido a tensão e ansiedade para entender onde aquilo irá nos levar. E foi essa sensação que o filme de Niels Arden Oplev não conseguiu me dar e no filme de David Fincher teve de sobra.

A história de Os Homens Que Não Amavam as Mulheres se baseia na investigação sobre o paradeiro de Harriet Vanger, jovem provavelmente morta, quarenta anos antes na ilha onde morava. Seu tio, e chefe da família, parece ser o único que ainda se preocupa com ela, tendo a certeza de que o assassino encontra-se dentro do clã dos Vanger. O plot do filme, então, se dá quando ele contrata o jornalista Mikael Bomkvist para investigar o caso. Bomkvist está passando por uma delicada situação em sua carreira após acusar sem provas um empresário poderoso na Suécia e essas férias forçadas na pequena ilha familiar acabam sendo interessantes para ele. Nessa trajetória, seu destino irá se cruzar com o da jovem Lisbeth Salander, uma hacker antissocial, que é a verdadeira protagonista da Trilogia Millennium. Basta lembrar que o título original é “A garota da tatuagem de dragão”.

A atriz Rooney Mara personifica essa estranha garota que é construída aos poucos aos nossos olhos e desde o princípio já gera curiosidade. Seu passado aqui não é explicado, e nem precisa, já que será mais importante nos livros seguintes. Sua essência está ali, desde a apresentação cuidadosamente exagerada, com o dono da firma de investigação preparando o assessor de Henrik Vanger e o seu primeiro surgimento na tela, um ser exótico, quase assustador, passando para a sua relação com os dois tutores (o quase pai e o padrasto), para finalmente, chegar ao relacionamento profissional e emocional com Mikael Bomkvist. Lisbeth Salander é encantadora a cada momento que conhecemos um pouco mais de sua situação, seu sofrimento, seus talentos, seu senso de justiça, por mais paradoxal que isso pareça.

O roteiro é feliz ao construir em paralelo os três plots principais da história do livro: a crise na Revista Millennium com a condenação de Mikael, a vida de Lisbeth com os tutores, a investigação da família Vanger. E a forma como as três tramas se entrelaçam e dão ritmo ao filme é especialmente boa. A princípio, o mistério total, aos poucos, as pontas vão sendo ligadas e as informações transmitidas, tais quais as palavras de Stieg Larsson. David Fincher disse que não quis ser fiel demais ao livro, de fato, ele mudou alguns detalhes, mas mesmo não sendo fiel a todas as palavras e acontecimentos, ele foi fiel ao extremo a história. Ele a compreendeu acima de tudo e nos passou a mesma sensação de urgência.

Independente da adaptação, Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres é um ótimo filme por construir a partir de um roteiro complexo uma sucessão de imagens e ações concisas, envolventes, bem traçadas. David Fincher nos mantêm presos à cadeira mesmo com três horas de projeção. Há ritmo e a montagem é essencial para que o filme funcione, não apenas na ligação das tramas paralelas, como nos sutis flashbacks que não nos deixam perder o fio da história nem a curva dramática, principalmente no clímax em determinado porão. Aliás, na parte final do filme, David Fincher e Rooney Mara são bastante sensíveis ao dar indícios do passado e da personalidade de Lisbeth Salander, sem serem muito didáticos.

O elenco todo transporta bem o clima da história, o 007, Daniel Craig, encarna Mikael Bomkvist com delicadeza, dando a dimensão íntegra do personagem, mesmo parecendo tão fácil em conquistar o sexo oposto. Robin Wright também traz dignidade a Erika Berger, sua sócia e amante fiel, sempre um ponto de apoio importante do personagem. Christopher Plummer nos dá um ótimo Henrik Vanger, em toda a sua dor e desespero para compreender o passado de sua família, destaque para sua emoção na parte final. E Stellan Skarsgard cai como uma luva na pele de Martin Vanger. Isso sem falar na já citada Rooney Mara.

É verdade que americano odeia ler legenda e que precisa refazer todas as boas histórias que encontramos pelo mundo. Mas, Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres parece mesmo feito para Hollywood, sem querer desmerecer em nada o excelente cinema sueco. Agora é torcer para que David Fincher e o elenco fechem contrato para continuar a trilogia. Até porque a versão sueca para os dois outros livros nem chegou a estrear aqui no Brasil.

Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tattoo: 2012 / Alemanha, Suécia, Reino Unido, Estados Unidos)
Direção: David Fincher
Roteiro: Steven Zaillian
Com: Daniel Craig, Rooney Mara, Stellan Skarsgard, Robin Wright.
Duração: 158 min.

Os Descendentes

2012-01-25T08:14:00.002-02:00

Uma questão sempre em voga é o que faz um filme ser considerado o melhor? Nem sempre é a inovação, a genialidade diante de um impasse, uma interpretação arrebatadora. Às vezes, está na simplicidade da história, da técnica, do prazer de simplesmente fazer bem feito. Nessa categoria se encaixa Os Descendentes, um filme certo, que não enche os olhos, mas é extremamente competente em todos os quesitos.

Aqui conhecemos Matt King, um cara comum que vive no Havaí e se irrita com as pessoas que acham que, por isso, ele vive no paraíso, bebendo Mai Tais, rebolando e surfando. Isso me lembrou muito a realidade baiana e todos aqueles que acreditam que vivemos em um eterno Carnaval ou deitados em uma rede, bebendo água de côco e comendo acarajé. A diferença de Matt King para os seres humanos comuns é que ele é descendente da nobreza havaiana e de missionários e, com isso, um dos herdeiros dos últimos hectares de praia virgem local. Enquanto está em plena negociação familiar para decidir se vendem as terras e para quem, a esposa de Matt sofre um acidente de lancha e fica em coma. Para completar, ele descobre que ela o estava traindo. Em meio a um turbilhão de emoções, Matt terá que repensar sua vida, reconquistar suas filhas e decidir o futuro da herança de seus ancestrais.

Antes de tudo, Os Descendentes é curioso. Afinal, utilizar uma ilha vista pelo mundo com o estereótipo que o protagonista começa o filme reclamando, para falar de decisões tão particulares já traz vigor e novidade ao filme de Alexander Payne, que, além de dirigir, assina o roteiro com mais duas pessoas. E foi esse clima exótico que chamou a atenção do diretor no livro de Kaui Hart Hemmings. Tanto que a direção de arte é caprichosa em colocar elementos teoricamente estereotipados no filme, como colares havaianos, ou o figurino de George Clooney que está sempre com uma camisa florida. Ainda assim, o tratamento é bastante cotidiano, simples, intimista, mesmo ao retratar uma reunião familiar com diversos parentes de uma herança nobre.

Mas, o que chama a atenção mesmo no filme é a interpretação de George Clooney. Sempre um ótimo ator, mas nunca fenomenal, aqui ele está indiscutivelmente extraordinário. Volto às explicações do primeiro parágrafo. Nem sempre uma boa interpretação vem de rompantes emocionais chaves, mas de detalhes simples que tornam o personagem próximo de nós. Clooney consegue aqui uma emoção contida de um homem que se vê em meio a um turbilhão de emoções. É forte, sincero, sofrido, encantador. O resto do elenco o acompanha em bons desempenhos, mas nada que se destaque tanto.

O roteiro fluído, com boas viradas e a voz over de George Clooney ajuda na construção do personagem e empatia com o mesmo. Tudo se torna mais fácil ao nos colocarmos no lugar de Matt King. Amamos e odiamos cada personagem que se aproxima dele a partir de suas emoções. A montagem também é bastante feliz, dando ritmo ao drama e não nos deixando ver o tempo passar. E a direção de Alexander Payne é consistente. É bom, ainda, ver as belas praias do Havaí, e ter a sensação de ainda existe lugar para se aproveitar a natureza virgem, apesar desse ponto ser apenas o pano de fundo do drama do protagonista.

Outro trunfo do filme é a busca de Matt King pelo amante de sua esposa. Seria improvável tudo o que se desenrola nesse caso, mas pela empatia, embarcamos na jornada de Matt sem questionar muito. Tudo parece fazer sentido, mesmo envolver sua filha de apenas dezessete anos. Este é o plus do filme para que não seja apenas mais uma história. As coisas inusitadas, coincidências e outras situações não tão coincidentes assim é que tornam a trajetória do personagem, suas escolhas e decisões mais consistentes. E o filme mais encantador em vários aspectos, inclusive na tradução da natureza humana.

Os Descendentes é daqueles filmes que a gente termina de ver tendo a certeza de que viu uma obra de qualidade. Ainda que não tenha um rompante de genialidade, nem status de obra prima. É gostoso de assistir, envolvente, encantador. Agora, se merece prêmios ou entrar na lista dos dez mais, já é outra história.

Os Descendentes (The Descendants: 2012 / Estados Unidos)
Direção: Alexander Payne
Roteiro: Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash
Com: George Clooney, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges.
Duração: 115 min.

[Meme] Comédia romântica , Noir e Musical

2012-01-24T08:46:00.001-02:00

Melhor comédia romântica

Comédias românticas existem aos montes. Umas ótimas, outras repetitivas. Minha escolha vai por aquele filme que mais me divertiu ver e rever, trata-se de Sintonia de Amor. Se Tarde Demais para esquecer foi meu filme mais romântico, esse tinha que ser a melhor comédia romântica, afinal, um é inspirado no outro. A personagem de Meg Ryan é apaixonada pelo filme, adora ver e rever com a amiga, chorando e citando cada frase que sabe de cor. Quando vai marcar um encontro com o personagem de Tom Hanks, ela, então, não tem dúvidas, escolhe o Empire State. É um jogo divertido e emotivo, abrilhantado pela performance do garotinho Jonah, vivido por Ross Malinger. Sem ele, não teríamos história, afinal, foi o garoto quem ligou para rádio dizendo que seu pai precisava de uma nova esposa e foi ele também quem respondeu a carta a Annie, personagem de Meg Ryan. Daquelas histórias divertidas que nos fazem sonhar com o amor perfeito.

Sintonia de Amor (Sleepless in Seattle: 1993 / EUA)
Direção: Nora Ephron
Roteiro: Nora Ephron, Jeff Arch e David S. Ward,
Com: Tom Hanks, Meg Ryan, Bill Pullman, Ross Malinger.
Duração: 100 min.

Preto no Branco (Melhor Noir)

Filmes noir sempre me encantaram. Gosto daquela atmosfera de submundo, da voz do detetive nos guiando, das femme-fatales, do jogo de câmeras, das lente grande-angulares, do preto e branco, enfim, gosto do estilo. Há filmes clássicos como Relíquia Macabra, Pacto Sinistro, A Dama de Xangai, A marca da maldade e sua sequência inicial incrível, À Beira do Abismo, entre tantos outros.

Mas, o filme que sempre tive como de cabeceira foi Crepúsculo dos Deuses. Já é genial termos um morto no início do filme e ele ser o narrador do mesmo. E a história de ascenção e queda de Norma Desmond em seu mundo particular me encanta. Joe não é um detetive, é verdade, é um roteirista decadente de Hollywood, sem dinheiro, sem oportunidades, fugindo de tudo e de todos vai se envolver com essa mulher fascinante. A cadência do filme é incrivelmente bem desenvolvida, gostosa de acompanhar. Além, claro do final apoteótico que já citei nesse Meme.

Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard: 1950 / EUA)
Direção: Billy Wilder
Roteiro: Charles Brackett, D.M. Marshman Jr. e Billy Wilder
Com: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson.
Duração: 110 min.

So you think you can dance (melhor musical)

Nessa categoria não tive dúvidas. Claro que existem ótimos filmes musicais, tanto na época clássica de Hollywood, onde eles eram moda, quanto nos clássicos modernos dos anos 80. Mas, falando em musical, a primeira coisa que me vem a mente é Julie Andrews de braços abertos nos Alpes suiços cantando The Sound of Music.

A Noviça Rebelde é um filme gostoso de acompanhar, divertido, bem escrito e com músicas eternas. Perdi as contas de quantas vezes assisti ao filme, está próximo da quantidade de E O vento Levou. Só que aqui, mais do que o filme inteiro, eu pulava apenas para as partes musicais. Sabia de cor cada uma delas e até dedilhava algumas no teclado. A minha parte preferida, claro, já comentei aqui no Grandes Cenas, que é a sequência em que Maria ensina as crianças a cantar.

De fato, um clássico inesquecível.

A Noviça Rebelde (The Sound of Music: 1965 / EUA)
Direção: Robert Wise
Roteiro: Ernest Lehman
Com: Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor Parker, Richard Haydn.
Duração: 172 min.

[Meme] Brasileirão, Animação e Faroeste

2012-01-23T08:19:00.000-02:00

Brasileirão

Sou fã confessa do cinema brasileiro, sempre gostei, admirei, levantei bandeiras. A primeira coisa me passou pela cabeça foi escolher aqui Cidade de Deus, filme que trouxe algo novo à chamada retomada e se tornou fenômeno mundial. Lembrei também de O Pagador de Promessas, que antes de tudo é um excelente texto de Dias Gomes e nos deu a Palma de Ouro em Cannes. Claro que não esqueci de Tropa de Elite e sua performance nas bilheterias, se tornando outro fenômeno. Esse ano, Selton Mello ainda me emocionou com O Palhaço. São tantos filmes que gostaria de citar, mas aí, resolvi retroceder e escolher Deus e o Diabo na Terra do Sol. Antes de tudo, não sou uma das viúvas de Gláuber Rocha. Aliás, acho até que o diretor baiano é melhor teórico do que prático, adoro ler seus textos e suas idéias.

Mas, escolho esta pequena ópera nordestina pela força que o filme teve e ainda tem quando exibido. A genialidade de retratar o sertão como um verdadeiro campo de batalhas intelectuais, onde o povo representado por Manuel se vê entre as filosofias do cangaço, representado por Corisco, e da religião, representado pelo santo Sebastião, além, claro da lei governamental em Antonio das Mortes e a repressão inicial do coronel. Deus e o Diabo na Terra do Sol é a representação máxima da mente de Gláuber, sua efervescência intelectual, suas angústias, suas dores. Tudo isso ainda com a música de Heitor Villa-Lobos e as boas atuações de Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães, Othon Bastos, Maurício do Valle, Sonia dos Humildes e Lídio Silva. É o símbolo maior do cinema novo e da cultura nordestina.

"Eu parti do texto poético. A origem de Deus e o Diabo é uma língua metafórica, a literatura de cordel. No Nordeste, os cegos, nos circos, nas feiras, nos teatros populares, começam uma história cantando: eu vou lhes contar uma história, que é de verdade e de imaginação, ou então, que é imaginação verdadeira. Toda minha formação foi feita nesse clima. A idéia do filme me veio espontaneamente." - Gláuber Rocha

Deus e o Diabo na Terra do Sol (Deus e o Diabo na Terra do Sol: 1964 / Brasil)
Direção: Gláuber Rocha
Roteiro: Gláuber Rocha
Atores: Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães, Maurício do Valle, Othon Bastos.
Duração: 125 min.

Melhor Animação

Outro item quase impossível de escolher. Lembrei logo dos clássicos Branca de Neve, A Bela e a Fera, O Rei Leão. Também dos novos clássicos da Pixar como a série Toy Story. Além de filmes de animação mais adultos como Persepolis ou Valsa com Bashir ou ainda as animações japonesas como Túmulo dos Vagalumes, A Viagem de Chihiro, entre tantos outros. Todos são excelentes, únicos, dignos de citação.

Mas, aí, o coração falou mais alto. E voltei ao meu filme preferido da infância. O Cão e a Raposa. Não é o melhor roteiro, não é a melhor técnica, é um filme simples até, mas me atinge profundamente pelo tema de amizade. Adoro a ligação entre os dois, as músicas, a curva dramática do cachorro se tornando cão de caça e inimigo do amigo de infância, da reconciliação, apesar da distância. Enfim, é o filme que fica em minha mente, que não canso de assistir ainda hoje. E por isso, e só por isso, escolho como melhor animação. Apesar de tantas outras obras mais fortes, profundas e bem realizadas.

O Cão e a Raposa (The Fox and the Hound: 1981/ EUA)
Direção: Ted Berman, Richard Rich
Roteiro: Ted Berman
Duração: 83 min.

O melhor Faroeste

Faroeste não é o meu forte, confesso, mas gosto de alguns clássicos e dentre eles escolho Rastros de Ódio. Como já disse aqui, o filme de 1956 impressiona não apenas pelo bom andamento do roteiro e imagens, mas principalmente pela mudança na construção do protagonista. Distante de um herói americano típico, o personagem de John Wayne é um dos mais complexos já vistos no gênero. Um marco, que merece sempre destaque.

Rastros de Ódio (The Searchers: 1956 / EUA)
Direção: John Ford
Roteiro: Frank S. Nugent
Com: John Wayne, Vera Miles, Natalie Wood, John Qualen, Jeffrey Hunter, Olive Carey.
Duração: 119 min.

Pré-estreia de 2 Coelhos com presença de elenco

2012-01-22T08:25:00.092-02:00

No dia 19 de janeiro, Salvador recebeu a equipe de 2 Coelhos em uma pré-estreia concorrida, com direito a duas salas cheias no UCI Iguatemi. Estiveram por lá o diretor Afonso Poyart e os atores Caco Ciocler, Marat Descartes e Thogun, todos empolgados com o resultado do filme, as primeiras repercussões e disponíveis para conversar com imprensa e convidados.

2 Coelhos é um filme diferente, com uso de diversas técnicas de animação, efeitos especiais e ação, mas que não esquece o conteúdo. A base do filme é o roteiro e os três atores presentes foram unânimes em concordar que ali tinha um conteúdo diferenciado. Na trama, temos o protagonista Edgar articulando um plano misterioso envolvendo criminosos e vários níveis e políticos corruptos. E só aos poucos vamos descobrindo onde ele pretende chegar. E o mais impressionante é que tudo ali faz sentido, é bem construído e impressiona.

Vindo da publicidade, Afonso Poyart estreia em longametragens com o pé direito. O diretor já tinha dirigido um curta de ficção (Eu te darei o céu), que foi premiado no Festival de Gramado e do Rio em 2005 e demonstrado talento versátil. A julgar pelo que vimos no Iguatemi na última quinta-feira, o sucesso na bilheteria é esperado e merecido. Vejam abaixo o bate-papo com o diretor e atores.

Afonso Poyart

Como surgiu essa idéia de fazer o 2 Coelhos?
AP - Eu trabalho com publicidade há um tempo e eu sempre quis fazer um filme. Eu já tinha uma idéia antiga de fazer um filme sobre um cara, um cara comum que representa o povo brasileiro, fazendo justiça contra a classe corrupta e os criminosos. Esse foi o mote inicial: um cara que faz justiça com as próprias mãos. Mas, conforme eu fui escrevendo, a coisa foi ficando maior que isso. As idéias foram aparecendo e a trama foi ficando mais complexa e esse conceito inicial se tornou apenas um ponto de partida. O que esse cara busca é uma coisa muito além que só vendo o filme para descobrir.

Além de dirigir, você escreveu o roteiro, produziu e participou da montagem. É uma forma de ter o controle de todo o processo?
AP - Eu comecei com pós-produção, comecei na animação, então é natural me envolver em todas as etapas, fiz um monte de coisa. Mas, também tinha pouco dinheiro para segmentar demais, além de ser o primeiro filme também, não dá para deixar de lado, tem que fazer tudo.

E a escolha do elenco? Você já tinha os atores em mente?
AP - Não, a gente fez uns quatro meses de seleção do elenco de apoio. Os personagens principais eu fiz convites, a Alessandra mesmo eu convidei e achei que ela não ia aceitar, mas ela aceitou de cara, foi muito bacana.

Você vem da publicidade, o que trouxe dela para esse trabalho? Essa linguagem rápida, essas inserções gráficas, montagem, quais foram suas referências?
AP - Como eu disse, eu sou um cara da pós-produção, então, acho que veio um pouco de minha bagagem , é muito natural mexer com isso. Acho que na publicidade a gente aprende a fazer filmes, com a prática mesmo, a gente está toda hora fazendo algo, convivendo com pessoas criativas, referências que ajudam no final. Mas, tenho vários diretores como referência, tipo Tarantino, Christopher Nolan, Alejandro González Iñárritu, Guy Ritchie, Danny Boyle, Fernando Meirelles , todos esses caras me influenciaram.

Já tem projetos pros próximos filmes?
AP - Eu tenho um projeto de um filme de MMA/ UFC, do José Aldo que é o campeão de peso pena do UFC. Vamos começar a filmar agora em agosto com o Malvino Salvador no papel principal . E continuo fazendo publicidade também.

Marat Descartes

Como foi o convite para fazer 2 Coelhos?
MD - O Afonso já me conhecia do teatro, a produtora dele é lá de São Paulo e aí me chamou para ler o roteiro e eu curti. Achei o roteiro muito bem escrito, mais do que ser essa novidade de um filme de ação, um gênero não tão feito no Brasil, mais do que participar disso, dessa coisa inovadora, eu gostei muito do roteiro.

Como você definiria o Maicon?
MD - Bom, ele é um líder de um bando de crime organizado, então, é uma pessoa assim sem muito caráter. Mas ao mesmo tempo, o que deu um toque interessante no personagem, é que ele não é um personagem totalmente mau, perverso, tem um toque de humor. Então, é um bandido legal.

Você acha que é mais interessante fazer um vilão?
MD - Olha, eu acho que gosto mais de fazer vilão. Eu lembro que na época da novela de Odete Roitman (Vale Tudo) eu ficava torcendo pra ela. Então, eu acho que eu gosto mais dos vilões, acho mais interessante fazer.

E o Afonso como diretor? Você gostou de trabalhar com ele?
MD - Eu adorei, foi muito legal. Eu acho que o fato dele ser um diretor estreante em longametragem foi muito bom, porque tinha um frescor, às vezes uma ingenuidade mesmo na hora de fazer, que nos deixava muito livres para experimentar, criar. Então, foi uma experiência muito bacana.

E quais são os seus projetos futuros?
MD - Eu vou rodar o filme do Jayme Monjardim , O Tempo e o Vento. Em julho, vou fazer outro longa que é um road movie, Minas Brasília, que é de um jovem diretor de Brasília Gustavo Galvão. Vou fazer um curta de uma turma de São Paulo em Fevereiro. Então, estou mais engajado em cinema mesmo. Apesar de estar com saudades do teatro e louco para voltar para ele.

Thogun

Como foi a experiência de fazer o 2 Coelhos?
T - A experiência foi bem vinda, porque é o Afonso estreando e a gente também estreando nessa linguagem totalmente diferente, uma linguagem de filme de ação, intenso, com vibração, com roteiro realmente digno. E uma parceria muito grande entre direção e ator. Eu vim de Tropa de Elite que tinha essa mesma experiência de diretor que permite que o ator atue e realmente até a linguagem de direção é diferente. Então, valeu muito a pena, atores incríveis, momentos incríveis. Muita boa sorte para a estreia. Só louros.

E o seu personagem, Bolinha, como definiria?
T - É engraçado, né? Normalmente fazer bandido é o meu negócio, mas eu estou procurando fazer outras coisas. O legal é você pegar o personagem, mesmo que seja um bandido e criar um diferencial, o Afonso permitiu isso, aí eu consegui fazer o malandro agulha. Aquele cara que tá lá, tá presente pra fazer o papel dele enquanto bandido, mas não causa antipatia, pelo contrário. O Bolinha é alegre, sarcástico, tem um humor sutil que tá funcionando pra caramba na trama.

Caco Ciocler

Como foi o convite para fazer 2 Coelhos?
CC - Recebi um telefonema, depois o Afonso marcou um almoço e me mostrou o roteiro. Eu curti. Era um roteiro que exigia de mim uma atenção, saída de estado de passividade, pensei, "opa, esse roteiro exige alguma coisa de quem está assistindo".

Como você definia o Walter?
CC - Todos os personagens nesse filme não são o que parecem ser. E o Walter é o mais radical nesse sentido. Você não pode entender qual é do Walter até a última cena. Ele é todo construído no contra-fluxo. Geralmente você se esforça para o público entender o que o personagem está sentindo. Aqui foi o contrário. Tem que entender que ele está sentindo alguma coisa, não pode ser vazio, mas não pode entender nunca o que é.

É mais difícil?
CC - Sim, tem pouca cena, tem pouca fala, é tudo no silêncio, no mistério.

E como foi trabalhar com o Afonso?
CC - Foi tranqüilo, porque ele é um cara de trabalha com publicidade, a equipe é a que ele trabalha sempre , o equipamento ele domina , a linguagem da câmera ele domina. A novidade para ele, éramos nós, os atores, como ele iria lidar com a gente, pedir as coisas. Então, ele foi muito aberto, deixou a gente muito à vontade. Pediu muito a nossa ajuda para reconstruir os diálogos. Chamou a gente para contribuir com o filme, dando uma liberdade muito legal.

Fotos gentilmente cedidas por João do Salada Cultural.

Um Dia

2012-01-21T08:03:00.000-02:00

Um dia, o que pode ser feito em 24 horas? Amores podem começar e terminar em um piscar de olhos, pessoas nascem e morrem a cada dia, a vida pode ser traduzida nessa pequena janela de tempo. Pensando assim, David Nicholls criou o seu livro, onde acompanhamos a vida de duas pessoas apenas a partir do que lhes acontece em determinado dia do ano, mais precisamente o dia 15 de julho.

Através dessa janela de tempo, durante duas décadas, vemos Emma e Dexter se conhecerem, quase transarem, tornarem-se amigos, brigarem, se separarem, fazem as pazes e diversas outras coisas. É interessante como, mesmo pulando de ano em ano naquele mesmo dia, conseguimos ter uma idéia geral do que lhes acontece. A narrativa é bastante realista, com um ritmo lento até, não fica a sensação de ser picotada. O dia acaba e lá estamos nós no ano seguinte, quando a vida deles pode ter mudado completamente, mas eles continuam ligados por algum motivo extra.

Os diálogos são um ponto forte do roteiro, também escrito por David Nicholls. São rápidos, com sacadas inteligentes e conseguem traduzir perfeitamente a personalidade de cada personagem e suas relações um com os outros. Mesmo com piadas bobas, como a mãe de Dexter em Paris falando para o filho, "olha ali, Alain Delon" ... ou não, é seu pai", demonstrando o quão apaixonada é pelo marido. Tem cenas engraçadas também, como quando Dexter encena para sua filha a cena mais famosa de Spartacus com os bonecos. Mas, nenhum personagem é melhor traduzido pelos diálogos que Emma, a garota tímida, mas extremamente inteligente e sagaz. Cada fala dela é um pouco do seu temperamento, sentimento, espontaneidade. E é graças a ela que nos encantamos e nos envolvemos com o filme.

Não apenas por Emma e sua personalidade fascinante, mas também pelo talento e carisma de Anne Hathaway, que rouba o filme. Não por acaso, Emma vai melhorando a cada ano, tornando-se mais bonita, mais segura, mais atraente em todos os aspectos. Enquanto que Dexter vai definhando, perdendo o rumo. Ele que era o garotão da faculdade, enquanto que ela era a tímida CDF que ninguém notava. Dexter se envolve em um emprego fútil que lhe dá aparente fama e dinheiro, mas logo se demonstra um desvio de vida. Enquanto que Emma começa como garçonete de um restaurante mexicano e vai melhorando sua situação aos poucos.

Como casal eles funcionam, o problema é que o roteiro não ajuda nisso. Há sempre uma sensação de não pertencimento a eles, um estranhamento que não os faz viver nem paixão, nem amor, nem desejo. Por mais que Emma demonstre no olhar que sempre foi louca por Dexter, suas atitudes acabam minando qualquer tentativa do garoto fútil que vive trocando de namorada. Um Dia é o conto sobre o amor que poderia ter sido em sua maior parte do tempo. Aquele amor que nasceu predestinado, mas faltou algo, coragem talvez, para se realizar plenamente. Ficamos acompanhando dois amigos que deveriam ser amantes, até que nos sentimos enganados pelo destino.

Não podemos, no entanto, dizer que o filme não seja romântico. Tem seus momentos, ainda que nos prepare as lágrimas de uma maneira tão óbvia e tão breve. Logo já estaremos no ano seguinte, e no depois dele, esquecendo a dor e seguindo em frente. Mas, isso não nos impede de viver o momento. São breves, é verdade, mas verdadeiros e bem construídos. Principalmente no ato final, onde queremos voltar desesperadamente ao início, como uma tentativa de refazer a história, ou pelo menos enganar nossa mente com aquele encontro singelo no meio da rua e um beijo sela a história de amor que deveria ter sido.

A diretora dinamarquesa Lone Scherfig conseguiu trazer delicadeza à história de Emma e Dexter, fazendo de Um Dia um filme sensível. Uma história de amor construída sem recursos comuns a filmes dessa natureza. Tudo é quase realista e medroso como a vida. Pena que, quando a situação engata, ela nos tire o tapete, com uma situação clichê, anunciada, feita apenas para nos fazer chorar. E nem assim conseguiu. Ainda assim, um bom filme.

Um Dia (One Day: 2011 / Estados Unidos)
Direção: Lone Scherfig
Roteiro: David Nicholls
Com: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Tom Mison.
Duração: 108 min.

2 Coelhos

2012-01-20T08:30:00.000-02:00

O estreante Afonso Poyart conseguiu, com 3,5 milhões, criatividade e força de vontade, trazer às telas de cinema o filme nacional mais inovador em termos de linguagem desde Cidade de Deus. Não estou dizendo aqui que esse seja o melhor filme brasileiro dos últimos tempos, é bom deixar claro. Mas, sem dúvidas, chama a atenção o bom roteiro, a construção estética e todas as misturas feitas pelo cineasta que também assina o roteiro e a produção, além de participar da montagem de 2 Coelhos.

Aqui conhecemos Edgar, interpretado por Fernando Alves Pinto, um rapaz sarcástico e observador que nos narra a história em primeira pessoa, nos conduzindo em um plano elaborado por ele para algo que não sabemos bem do que se trata. A linguagem didática irônica lembra muito Ilha das Flores de Jorge Furtado. E é necessária, pois o roteiro não nos dá muitas pistas do que está acontecendo. É preciso entrar no jogo. Edgar nos apresenta bandidos de diversos níveis, políticos corruptos, um casal de advogado e promotora, mas sem muitas explicações sobre seu plano. Não há uma idéia exata de onde tudo isso irá parar e somos surpreendidos por diversas reviravoltas na trama.

E para nos surpreender, Poyart se utiliza de todos os recursos possíveis, desde um roteiro não-linear, que nos revela coisas do passado no futuro, até efeitos especiais diversos para simular pensamentos, sonhos, alucinações ou realidade. É mesmo um show de pirotecnia. Tem até uma referência bastante próxima a Sucker Punch nos momentos de pânico da personagem de Alessandra Negrini, efeitos tirados de O Passageiro do Futuro e diversas outras referências e inspirações de filmes de ação em geral.

E o melhor de tudo, 2 Coelhos consegue êxito em todos os quesitos. O filme é bastante feliz em sua condução ágil, envolvendo os espectadores naquela trama pouco explicada, mas bastante instigante. Afinal, o que pretende Edgar com tudo aquilo? Quem são seus aliados e seus inimigos? O que seu pai tem a ver com aquela história? E o personagem de Caco Ciocler, o professor arrasado que trabalha agora para seu pai? Ele parece tão deslocado de tudo aquilo e, de repente vamos sendo surpreendidos. Isso é que o filme de Afonso Poyart mais produz na gente: um efeito de constante surpresa. E isso é muito bom.

A trilha sonora também merece seu destaque. André Abujamra constrói momentos empolgantes, mesmo quando faz uma piadinha infame com o hit "Sou foda", do grupo Avassaladores. O som só é ponto negativo no início do filme, algum problema de mixagem torna a música muito alta e a voz de Fernando Alves Pinto quase inaudível, mas isso é consertado mais à frente, tornando todo o desenho de som harmônico e envolvente.

O elenco também tem seus méritos, ao contrário de Nosso Lar, aqui Fernando Alves Pinto nos convence com seu personagem enigmático. Assim como Alessandra Negrini e Caco Ciocler nas diversas facetas de seus personagens. Marat Descartes é outro destaque como o bandido Maicon que beira o caricato, mas o personagem pedia algo assim. Faz parte do jogo que Afonso Poyart cria, assim como o deputado corrupto vivido por Roberto Marchese. Ambos conseguem criar no estereótipo de forma interessante. Destaque ainda para Thogun que dosa bem o tom de comédia de seu personagem Bolinha. Isso sem falar na forma como Poyart conduz a construção dos personagens, apresentação e referências, que, pra começar, tem uma bela sacada na eleição do personagem de Zacarias.

Aliás, 2 Coelhos está repleto de referências estéticas ou diretas a diversos problemas do nosso país. É um filme crítico, ainda que aparente superficialidade em um jogo de culpa, redenção e egoísmo. Possui diversas camadas e é feito, antes de tudo, para entreter. Mas, com inteligência. Afonso Poyart chega em boa hora, com um filme maduro que marca mais uma vez a história do cinema brasileiro. Conseguimos, enfim, fazer um bom filme de ação, com pitadas de suspense e, claro, romance.

2 Coelhos (2 Coelhos: 2012 / Brasil)
Direção: Afonso Poyart
Roteiro: Afonso Poyart
Com: Fernando Alves Pinto, Alessandra Negrini, Caco Ciocler, Aldine Muller, Marat Descartes, Roberto Marchese, Thaíde, Thogun.
Duração: 108 min.

As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne

2012-01-19T08:41:00.077-02:00

Criado pelo belga Hergé, em 1929, o jornalista metido a detetive, Tintim é o herói de muita gente. Dos quadrinhos para o desenho animado foi um pulo, tanto a série da televisão como alguns longametragens, mas faltava uma aventura digna para a grande tela. Assim, Steven Spielberg uniu-se a Peter Jackson para nos brindar com uma das técnicas mais impressionantes de animação 3D. Tudo em As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne é bem realizado, nos mínimos detalhes. Pena que o roteiro a três mãos não atingiu o mesmo primor, ainda que seja bastante fiel à obra original.

O roteiro mistura elementos de três aventuras de Tintim: Os Caranguejos das Tenazes de Ouro, O Segredo do Licorne e O Tesouro de Rackham, O Terrível. No filme, o jovem jornalista começa a se envolver em um mistério ao comprar uma réplica de um antigo navio. Parece que todos querem aquele artefato, mas Tintim insiste em levá-lo para casa. Por isso, seu apartamento será roubado, sua carteira afanada e ele ainda será sequestrado, entrando de vez na aventura que envolve um segredo do antigo navio Licorne, um tesouro perdido e um homem misterioso, Sakharine. É nessa aventura também que Tintim conhecerá o Capitão Haddock, seu amigo de diversas aventuras, ao lado do seu inseparável cãozinho Milu. E claro, não poderia faltar os atrapalhados investigadores Dupont e Dupond.

Apesar de se manter fiel a obra original, o roteiro acaba sendo o único senão para As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne entrar para o hall de obras primas da animação cinematográfica. Com diálogos extremamente infantis, costuras frouxas e excesso de cenas pastelão, a narrativa pode até mesmo cansar alguns. Mas, não deixa de ter um certo brilho em tom de aventura. Quando critico o roteiro, não quer dizer que ele seja ruim, apenas frágil, confuso até, e com potencial para muito mais. E principalmente, não fica a altura da técnica exposta por Steven Spielberg e Peter Jackson em tela.

A começar, esta não é uma animação comum, mas criada a partir de captura de movimento (motion capture - mocap). Ou seja, os atores não apenas emprestaram as vozes para os desenhos, mas toda a sua interpretação corporal e expressões faciais. O resultado na mão desses dois gênios é incrível. Os bonecos parecem reais, nos convencem e encantam. Há movimentos realistas, há brilho nos olhos dos personagens. Aliás, toda a construção de cenário, objetos de cena e figurino também é impressionante. Fora o jogo de profundidade dentro de tela, não apenas pela tecnologia de projeção em 3D, mas por todos os cuidados de organização de cena e enquadramentos que Spielberg imprime ao filme.

O diretor de clássicos, como E.T., demonstra aqui todo seu talento na construção de detalhes. Há montagens de cenas incríveis como os dois personagens diminuindo e um pé chegando para pisar em uma poça, dando além de um ótimo efeito visual, um significado a mais do inimigo pisoteando os heróis perdidos. Ou quando uma mão se abre e um novo cenário surge. Isso sem falar na montagem em paralelo do flashback com a alucinação do Capitão Haddock, sempre construída de forma criativa e engraçada.

Outro ponto positivo no filme é a sequência de abertura em 2D, dando um resumo do personagem e ambientando o público no ambiente retratado. Isso sem falar na trilha sonora muito bem empregada de John Williams. Tintim, de fato, ganha vida aqui, e é homenageado em diversos aspectos e detalhes, como quando o retratista mostra para ele o desenho que acabou de fazer e é exatamente um desenho de Hergé. Isso sem falar na clássica imagem dele e Milu correndo com uma luz ao fundo. São vários detalhes que os fãs vão adorar observar e descobrir.

Então, Steven Spielberg construiu seu filme para agradar a todos. Apesar das falhas no roteiro, As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne é um belo filme. Admirável em vários aspectos e diversão garantida para todos, principalmente para os fãs do jovem jornalista.

As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne (The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn): 2012 / Bélgica, Nova Zelândia, Estados Unidos)
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Steven Moffat, Edgar Wright e Joe Cornish
Com: Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis, Nick Frost.
Duração: 107 min.

[Meme] Batendo Papo e outros

2012-01-18T10:37:00.003-02:00

Batendo Papo (melhor diálogo)

Claro que existem diversos diálogos inesquecíveis no cinema, não tenho como lembrar de todos agora. Mas, falou em diálogo, lembro logo de Tarantino. O diretor e roteirista consegue usar as palavras de uma forma muito peculiar, nos envolvendo. O que dizer da sequência inicial de Cães de Aluguel? Aquela conversa no bar, tão simples, cotidiana, falando de amenidades, nos apresenta todos os personagens de uma forma ímpar. Ou o diálogo de Bill com a Noiva, tanto na Igreja quanto no confronto final. Ou ainda John Travolta e Samuel L. Jackson em Pulp Fiction. Mas, como melhor diálogo escolhi o do primeiro capítulo de Bastardos Inglórios. A conversa entre o coronel nazista Hans Landa, vivido por Christoph Waltz e o fazendeiro francês LaPadite, vivido por Denis Menochet, é um primor em todos os sentidos. O duelo, a tensão, os símbolos, a resolução. A cena possui uma curva dramática perfeita com começo, meio e fim, além de nos apresentar o vilão da história e o ator que roubou a cena no filme. Aqui apenas um trechinho da cena.

Melhor Horizonte (Fotografia inesquecível)

Fotografia inesquecível, temos algumas, a de E O Vento Levou mesmo é primorosa. Mas, depois de 2011 vai ser difícil lembrar de fotografia e não citar A Árvore da Vida. É importante lembrar que melhor fotografia não é exatamente paisagem mais bonita, mas o que fazer com a câmera para mostrar o que é narrado. E Terrence Malick é um mestre nisso, todos os seus filmes tem fotografias inesquecíveis. Além da Linha Vermelha, O Novo Mundo, Dias de Paraíso. Em A Árvore da Vida ele se superou, há uma mistura de imagens, de luzes, de cores, em enquadramentos e movimentos perfeitos, nos dando sensações ímpares. É um deleite para os olhos, ainda mais para quem conseguiu apreciar no cinema.

Melhor-Durão-Que-No-Fundo-É-Coração-Mole

Esse parecia difícil, mas quando lembrei do meu candidato ficou fácil. Quer um Durão-Que-No-Fundo-É-Coração-Mole melhor que Darth Vader? Ele surgiu em 1977 como o maior vilão da história do cinema. Frio, cruel, incapaz de demonstrar qualquer tipo de sentimento, quase uma máquina. Aí, em 1980, ficamos sabendo que ele tem um filho. Ou melhor que ele é o pai do herói da série, Luke Skywalker. E em 1983, conhecemos um pouco melhor esse homem por trás da máscara, ele se redime, salva o filho e ainda é o Jedi a retornar a sua antiga morada. Para completar, a nova trilogia nos mostrou sua verdadeira história, desde menino esperto e ingênuo até o momento em que sucumbe ao lado sombrio da força. Sem dúvidas, Darth Vader é a melhor escolha para esta categoria.

[Meme] Melhor Ano da História do Cinema

2012-01-17T08:46:00.041-02:00

Está aí um item cruel. Melhor ano da história do cinema, qual o critério para isso? Eu fui por um bem particular, o filme da minha vida foi E o Vento Levou, então, vejamos o que estreou no ano dele. Foi pouca coisa (mode ironia on), segue a lista com alguns:

- Adeus, Mr. Chips - Direção: Sam Wood
- Vitória Amarga - Direção: Edmund Goulding
- Ninotchka - Direção: Ernst Lubitsch
- O Morro dos Ventos Uivantes - Direção: William Wyler
- No Tempo das Diligências - Direção: John Ford
- A Mulher Faz o Homem - Direção: Frank Capra

- Carícia Fatal - Direção: Lewis Milestone
- Duas Vidas - Direção: Leo McCarey
- O Mágico de Oz - Direção: Victor Fleming, Richard Thorpe, King Vidor
- Beau Geste - Direção: William A. Wellman
- O Corcunda de Notre Dame - Direção: William Dieterle
- As Viagens de Gulliver - Direção: Dave Fleischer
- Meu Reino Por Um Amor - Direção: Michael Curtiz
- Paraíso Infernal - Direção: Howard Hawks
- Ao Rufar dos Tambores - Direção: John Ford
- Meu Reino Por Um Amor - Direção: Michael Curtiz
- A Mocidade de Lincoln - Direção: John Ford
- A regra do jogo - Direção: Jean Renoir
- A Morte Me Persegue - Direção: William Keighley
- Balalaika - Direção: Reinhold Schünzel

Só de ter E o Vento Levou, O Mágico de Oz e No Tempo das Diligências no meio, já vale o meu voto. Então, 1939 é o melhor ano da história do cinema.

Maior roubada cinematográfica

E já que tivemos o melhor ano, coloco no mesmo post a maior roubada cinematográfica. Olha, temos milhares de filmes ruins, milhares de más idéias. Coisas inexplicáveis aos montes. Mas, a maior roubada cinematográfica para mim é aquela que não aconteceu até hoje: o filme Chatô. Porque não é possível uma criatura pegar tanto dinheiro na mão do governo, pedir renegociação, mais dinheiro, empréstimos e nunca entregar o filme pronto. E o pior, ficar por isso mesmo. Lamentável.

Globo de Ouro 2012

2012-01-16T09:58:00.066-02:00

E ontem foi a noite da 69ª cerimônia do Globo de Ouro, o prêmio organizado pela Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood - HFPA. Como sempre, uma cerimônia bastante direta, sem muitas atrações, clipes ou firulas. Momento de emoção só na entrega do Prêmio Cecil B. DeMille para Morgan Freeman pelo conjunto da obra.

É difícil comentar os vencedores quando a maioria dos filmes simplesmente ainda não estreou no Brasil, mas as previsões que chegam a nós parecem mesmo indicar os filmes favoritos da temporada. Apesar de todo o sucesso de O Artista, que aqui venceu melhor filme comédia ou musical, além de ator e trilha sonora, a premiação foi bem equilibrada. Os Descendentes levou melhor filme drama e melhor ator. Scorsese levou diretor, o iraniano foi o melhor filme de língua estrangeira e cada filme principal parece ter sido citado e levado alguma coisa na noite de ontem.

Infelizmente minha animação preferida, Rango, ficou para trás por causa da força de Steven Spielberg e seu Tintim. Já Meryl Streep levou o de melhor atriz quando eu já estava quase convencida que Viola Davis levaria, mesmo não tendo visto ainda nenhum dos dois filmes. E Madonna, pelo menos, levou apenas um prêmio na categoria que ela já demonstrou talento: melhor canção original. Enquanto que Angelina Jolie esbanjou charme em seu vestido branco de seda, mas ficou nisso mesmo. Pena que não houve muito espaço para Leonardo DiCaprio, que pareceu abalado com o prêmio de Clooney, nem para Brad Pitt, que estava bem cotado. Agora só nos resta aguardar e assistir aos filmes para chegar no Oscar com opiniões mais bem formadas.

Vencedores de cinema:
Melhor ator coadjuvante: Christopher Plummer - Toda Forma de Amor
Melhor atriz coadjuvante: Octavia Spencer por Histórias Cruzadas
Melhor trilha sonora: Ludovic Bource - O Artista
Melhor canção original: "Masterpiece" - W.E. (Madonna)
Melhor roteiro: Woody Allen - Meia noite em Paris
Melhor filme de língua estrangeira: A Separação (Irã)
Melhor atriz em comédia ou musical: Michelle Williams - Sete dias com Marilyn
Melhor ator em comédia ou musical: Jean Dujardin - O Artista
Melhor Filme Animação: As Aventuras de Tintim
Melhor diretor: Martin Scorsese - A Invenção de Hugo Cabret
Melhor atriz em drama: Meryl Streep - A Dama de Ferro
Melhor ator em drama: George Clooney - Os Descendentes
Melhor filme de comédia ou musical: O Artista
Melhor filme drama: Os Descendentes

[Meme] Guilty pleasure e Melhor drama

2012-01-15T08:09:00.000-02:00

Dia de cumprir mais dois ítens do Meme de filmes que estamos participando. Hoje temos o Guilty pleasure e o Melhor drama.

Guilty Pleasure

Bom, antes de tudo deixa explicar para quem não sabe. Guilty Pleasure é uma expressão que literalmente seria "prazer culpado". Ou seja, é aquele filme que você sente quase vergonha de gostar. Acho besteira a gente se sentir culpado por gostar de algo que outros não gostem, mesmo que seja considerado uma bomba. Você gostou, tem seus motivos. Aí, fiquei me perguntando, qual o filme que me envergonho de gostar? Deveria ser nenhum, né? Mas, logo me veio a mente "Nosso Lar".

Tá, muitos espíritas vão ficar ofendidos de eu considerar Nosso Lar um guilty pleasure. Eles chegaram a invadir o site do Minc pedindo para que o filme de Wagner de Assis fosse o nosso representante na corrida ao Oscar. Mas, não há como negar que Nosso Lar tem diversos problemas. Muitos acharam o roteiro confuso, didático e chato. As atuações, principalmente do protagonista comprometem. Há uma sensação estranha mesmo.

Ainda assim é um filme marcante para mim. Só no cinema assisti cinco vezes. Confesso, cinco vezes. E mais uma no DVD locado. E ainda quero comprar o DVD para guardar em casa. Ou seja, fica parecendo mesmo um filme que amo de paixão. E o resultado em tela não justifica tudo isso.

Nosso Lar (Nosso Lar: 2010 / Brasil)
Direção: Wagner de Assis
Roteiro: Wagner de Assis,
Com: Renato Prieto, Fernando Alves Pinto, Othon Bastos, Paulo Goulart.
Duração: 102 min

Melhor drama

Está aí um item confuso. O que é um drama? Como diria meu professor é um filme que não tem coragem suficiente para ser uma tragédia, nem quer ser um melodrama. Aí, inventam esse gênero que na verdade não é gênero nenhum. Faço esses questionamentos não para ser chata, mas é que fica uma dúvida mesmo. Tudo aquilo que não é comédia, pode ser enquadrado em drama. Até por isso, no Globo de Ouro temos a divisão nas duas categorias. Crepúsculo dos Deuses, é um noir, mas não deixa de ser um drama, não? E Dançando no Escuro, já citado, é um musical, mas é um drama. Tarde demais para esquecer, seria um drama? Tudo é drama. Acho que até algumas comédias podem ser dramas, vide Uma Babá Quase Perfeita.

Então, se tudo é drama, escolho como melhor drama um filme de gângster. O Poderoso Chefão de Francis Ford Coppola é daqueles filmes mágicos, marcantes, envolventes, únicos. Foi o único filme que tive a paciência de reassistir todo com a voz de comentários do diretor, explicando cada sequência feita. Foi uma aula incrível.

A abertura do filme já é sensacional. A relação da família Corleone. A interpretação de Marlon Brando e Al Pacino. As disputas familiares, a briga dos grupos, as cenas de tiroteio. Cada detalhe envolve e marca, nessa pequena grande obra-prima da história do cinema.

O Poderoso Chefão (The Godfather: 1972 / EUA)
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: Mario Puzo e Francis Ford Coppola
Com: Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton, Richard S. Castellano.
Duração: 171 min.

A Hora da Escuridão

2012-01-14T08:38:00.059-02:00

Quando eu vi o trailer de A Hora da Escuridão pela primeira vez, pensei: "Mais uma besteira sobre invasão alienígena e fim do mundo". Não estava errada, o filme segue a mesma fórmula já vista em milhares de outros filmes. Mas, de alguma maneira, ele me deixou tensa no início e divertiu em vários pontos. E ainda traz uma grande novidade para esse tipo de filme, o herói aqui não é o americano, apesar de ter um representante digno deles, e sim, os russos.

Tudo começa em Moscou, pelo menos para nós que estamos acompanhando Sean e Ben em uma espécie de jornada "Mamãe quero ser Facebook". Eles vão a Moscou para apresentar sua mais nova criação na internet, quando descobrem que foram enganados e roubados por um Sueco de nome Skyler. A dupla então, resolve beber para esquecer os problemas em um bar russo indicado por eles próprio no tal site e, claro, já encontram outra dupla de americanas perdidas, Natalie e Anne, e o próprio sueco que os enganou. Quando, no meio da noite os alienígenas invisíveis invadem a Terra, os cinco têm que ficar juntos para tentar sobreviver.

Mesmo clichê ao extremo, a apresentação dos personagens é funcional, ficamos conhecendo um pouco da personalidade de cada um e podemos nos envolver com eles a partir de então. Quando a luz apaga e as fagulhas estranhas começam a cair do céu, há tensão também. E a morte do policial tem seu impacto. O problema é que Chris Gorak não teve criatividade para construir as demais mortes, que não são poucas, tornando tudo quase uma repetição cansativa. Vamos seguindo os cinco, deduzindo melhor que eles o que está acontecendo, mas ainda assim, embarcando em sua jornada. Afinal, o mundo está se acabando por ação de um inimigo invisível, e estamos em Moscou, terra estranha para qualquer americano.

Mas, claro que o diretor e os roteiristas querem facilitar para os protagonistas e quase todo mundo em Moscou fala inglês, um primor. Ouvimos a fala russa, eles dizem em inglês "não falamos russo" e pronto. Todo mundo já está falando em inglês fluentemente. Aí também temos alguns clichês como "quero ir para casa", mas que casa se "o mundo inteiro deve estar assim", e, claro, eles correm para a embaixada dos Estados Unidos e lá encontram um rádio dentro de uma gaiola de metal. Quem não se tocou aqui para a gaiola de Faraday vai ter chances de relembrar as aulas de Física mais à frente.

Aí entra uma parte interessante, pois os jovens corajosos não são ajudados pelos americanos e, sim, por diversos grupos de russos, cada um a seu momento. O cientista caseiro, os soldados de rua, ou o exército propriamente dito. O problema é que isso não parece suficiente para os inimigos invisíveis. Outro ponto interessante é que o clichê não poupa a todos, a começar pelo cachorro que surge do nada, a nota triste é a insistência por frases de efeito tolas como "eles mataram o cachorro". Mas, essa é uma das mais inofensivas, já que ainda ouviremos coisas como "Eu tenho que defender o meu lar" ou "hoje é o último dia de extermínio e o primeiro dia de guerra". No elenco, não há grande destaques de interpretação, é aquela correria, gritaria e cara de medo normal. Mas, tenho que destacar a volta de Emile Hirsch após viver literalmente Na Natureza Selvagem, já que estava longe das telas em uma missão humanitária no Congo. Poderia ter escolhido voltar com um papel melhor, é verdade. Mas, é sempre bom vê-lo nas telas.

Os tão esperados efeitos não são nada mais do que a obrigação em produções com um valor orçamentário tão grande. São bem feitos, mas nada que impressione em excesso ou nunca tenha sido visto. Há bons momentos, como quando eles vão ao topo da embaixada e tem uma visão geral da situação na cidade, ou mesmo no início, quando as fagulhas caem do céu, mas nada além disso. A utilização do 3D tem alguns bons momentos de profundidade, mas também não justifica, principalmente pela quantidade de jogos de profundidade de campo, feito com a própria lente focando e desfocando o fundo. Quem gosta de coisinhas voando em nossa frente, só vai ver uma cena onde faíscas caem da tela.

Como disse, A Hora da Escuridão é mais do mesmo daqueles filmes catastrófes sem muita lógica, muita correria e efeitos caprichados. Pode irritar alguns. Muita gente saiu irritada da cabine. A mim, agradou, cumpriu a que veio. Uma sessão pipoca que logo será esquecida, mas enquanto esteve no ar, foi divertida de acompanhar.

A Hora da Escuridão (The Darkest Hour: 2011 / EUA)
Direção: Chris Gorak
Roteiro: Jon Spaihts, M.T. Ahern e Leslie Bohem
Com: Emile Hirsch, Rachael Taylor, Olivia Thirlby, Joel Kinnaman.
Duração: 89 min.

A semana no Cinema

2012-01-13T08:47:00.124-02:00

A semana termina com a expectativa para o Globo de Ouro nesse domingo. A premiação da mídia perdeu força nos últimos tempos e não é mais considerada um termômetro para o Oscar. Mas, continua sendo charmosa e atraente, ainda mais para os que também curtem as séries de televisão. As apostas continuam em cima de O Artista, do francês Michel Hazanavicius, que tem se destacado. Torço ainda por Tudo Pelo Poder, de George Clooney, e Meia Noite em Paris, de Woody Allen. Além, claro, de Rango. Aqui estão os indicados para que ninguém se perca, em negrito meus palpites:

Melhor filme de drama

Os Descendentes
Histórias Cruzadas
A Invenção de Hugo Cabret
Tudo pelo Poder
O Homem Que Mudou o Jogo
Cavalo de Guerra

Melhor filme de comédia ou musical

50/50
O artista
Missão Madrinha de Casamento
Meia-Noite em Paris
Sete dias com Marylin

Melhor diretor

Woody Allen - Meia noite em Paris
George Clooney - Tudo pelo Poder
Alexander Payne - Os Descendentes
Michel Hazanivicous - O Artista
Martin Scorsese - A Invenção de Hugo Cabret

Melhor performance para ator em drama

George Clooney - Os Descendentes
Leonardo DiCaprio - J. Edgar
Michael Fassbender - Shame
Ryan Gosling - Tudo pelo Poder
Brad Pitt - O Homem Que Mudou o Jogo

Melhor performance para atriz em drama

Glenn Close - Albert Nobbs
Viola Davis - Histórias Cruzadas
Rooney Mara - Os Homens que Não Amavam as Mulheres
Meryl Streep - A Dama de Ferro
Tilda Swinton – Precisamos falar sobre Kevin

Melhor ator em comédia ou musical

Jean Dujardin - O Artista
Brendan Gleeson - O Guarda
Joseph Gordon-Levitt - 50/50
Ryan Gosling - Amor a Toda Prova
Owen Wilson - Meia-Noite em Paris

Melhor atriz em comédia ou musical

Jodie Foster - Carnage
Charlize Theron - Jovens Adultos
Kristen Wiig - Missão Madrinha de Casamento
Michelle Williams - Sete dias com Marilyn
Kate Winslet - Carnage

Melhor performance de ator coadjuvante

Kenneth Branagh - Sete dias com Marilyn
Albert Brooks - Drive
Jonah Hill - O Homem Que Mudou o Jogo
Viggo Mortensen - Um Método Perigoso
Christopher Plummer - Toda Forma de Amor

Melhor performance de atriz coadjuvante

Bérénice Bejo - O Artista
Jessica Chastain - Histórias Cruzadas
Janet McTeer - Albert Nobbs
Octavia Spencer - Histórias Cruzadas
Shailene Woodley - Os Descendentes

Melhor filme de animação

As Aventuras de Tintim
Operação Presente
Carros 2
Gato de Botas
Rango

Melhor filme estrangeiro

A Pele Que Habito (Espanha)
A Separação (Irã)
O Garoto da Bicicleta (Bélgica)
In the Land of Bloody and Honey (EUA)
The Flowers of War (China)

Melhor roteiro

Woody Allen - Meia noite em Paris
George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon - Tudo pelo Poder
Michel Hazavanicius - O Artista
Jim Rash, Nat Faxon, Alexander Payne - Os Descendentes
Aaron Sorkin, Steve Zaillian - O Homem Que Mudou o Jogo

Melhor canção original em filme

"Hello Hello" - Gnomeo & Juliet (Elton John)
"Lay Your Head Down" - Albert Nobbs (Sinead O'Connor)
"The Living Proof" - Histórias Cruzadas (Mary J. Blige)
"The Keeper" - Redenção (Gerard Butler)
"Masterpiece" - W.E. (Madonna)

Melhor trilha sonora

Ludovic Bource - O Artista
Abel Korzeniowski - W.E.
Trent Reznor & Atticus Ross - Os Homens que Não Amavam as Mulheres
Howard Shore - A Invenção de Hugo Cabret
John Williams - Cavalo de Guerra

Notícias Rápidas

CCBB em Cartaz: Retrospectiva Lars von Trier

Entre 17 de janeiro a 5 de fevereiro, acontece no Cine Brasília e no CCBB (Centro Cultural Banco do Brasil - Brasília) a mostra CCBB em Cartaz: Lars von Trier. Um apanhando da obra do diretor entre documentários biográficos, minissérie de televisão, curtas-metragens e filmes que consagraram o dinamarquês como Dogville, Anticristo, Reino I e II, Epidemia e O Grande Chefe. Além disso, o público poderá conversar com Peter Schepelern, que foi professor de Von Trier. Para maiores informações, consulte o site. A entrada é gratuita e senhas serão distribuídas nas bilheterias dos locais.

Rinha
Vencedor do Bronze Palm Award no Mexico International Film Festival, Rinha, o polêmico filme de Marcelo Galvão pode ser visto no Portal do Terra, apenas para assinantes, mas ainda assim, uma oportunidade. O filme Rinha mostra a história de playboys poderosos, ex-alunos do colégio americano em São Paulo, que promovem uma festa secreta com lutas clandestinas e drogas servidas em bandejas de prata. Filhos de políticos e de pessoas ligadas ao poder se divertem apostando fortunas em lutadores que se digladiam em uma piscina vazia. O longa participou de diversos festivais e impressionou muita gente por ser baseado em histórias reais. O próprio diretor presenciou tais eventos, "esse tipo de luta acontecia em depósitos ou academias clandestinas, atraindo lutadores de todo o Brasil", conta.

Bond 50

Os fãs do agente secreto mais conhecido no mundo do cinema podem comemorar. Em homenagem ao aniversário de 50 anos de James Bond, a Metro-Goldwyn-Mayer Studios e a Twentieth Century Fox Home Entertainment estão lançando o BOND 50, uma coleção com todos os 22 filmes de James Bond pela primeira vez em uma oferta completa em Blu-Ray. Os fãs de todo o mundo podem adquirir o produto por meio da pré-venda nas lojas online. No Brasil, a pré-venda começou ontem, 12 de janeiro. Com 50 anos e seis atores, a coleção inclui todos os 22 filmes de James Bond desde Contra o Satânico Dr. No até Quantum of Solace e mais de 130 horas de bônus incluindo conteúdos novos e exclusivos. Parece mesmo imperdível para os fãs.

Hotxuá

Finalmente o documentário de Letícia Sabatella que vi em 2009 em um festival aqui em Salvador chegará ao público. Na preparação, foi lançado essa semana o site oficial e o facebook do filme com várias informações sobre a bela produção na tribo Krahô. Hotxuá é o nome dado a uma espécide de sacerdote do riso, na tribo indígena localizada no Tocantins. O documentário mostra a relação desse povo com o riso, com seus rituais sagrados e com a aproximação do homem branco. Uma viagem bastante interessante que irei rever, com certeza.

Estreias da Semana

A semana traz uma estréia esperada por muitos, a segunda aventura de Robert Downey Jr. na pele do detetive Sherlock Holmes. Melhor que o primeiro filme, O Jogo de Sombras traz aventura, comédia, suspense e pistas lógicas em que o detetive se baseia para tentar manter a paz mundial. Em contrapartida, a Fox traz mais uma daquelas obras sobre invasão alienígena e extermínio da população terrestre com A hora da escuridão. A nota triste é que ele marca o retorno do ator Emile Hirsch às telas. E ainda essa semana chega também aos cinemas o filme O espião que sabia demais de Tomas Alfredson, que traz Tom Hardy e Gary Oldman em um suspense político em plena Guerra Fria.

Fica a Dica

127 Horas
Direção:Danny Boyle
Roteiro: Danny Boyle e Simon Beaufoy
Com:James Franco, Lizzy Caplan, Treat Williams, Kate Burton.
Duração: 93 min
Estreia no Telecine o filme 127 horas, de Danny Boyle que rendeu uma indicação ao Oscar para James Franco.

Exibição:
Sábado, dia 21, às 22h - Telecine Premium
Domingo, dia 22, às 20h - Telecine Pipoca

Globo de Ouro

E a TNT irá transmitir mesmo a premiação do Globo de Ouro 2012 com exclusividade para a América Latina. A exibição começa às 21h com o Pré-Show e a cerimônia as 22h do dia 15 de janeiro. Maiores informações no site.

Sherlock Holmes - O Jogo de Sombras

2012-01-12T08:02:00.062-02:00

Sherlock Holmes - O Jogo de Sombras tem o que faltou ao primeiro filme de Guy Ritchie em 2009: um vilão à altura do gênio da investigação. Sendo assim, temos uma aventura muito mais sombria, tensa, com uma boa dose de suspense e enigmas inteligentes a serem desvendados. E claro, o talento charmoso de Robert Downey Jr., que consegue nos divertir bastante.

O filme é narrado pelo Dr. Watson que nos apresenta uma série de atentados estranhos que estão sendo atribuídos a anarquistas e podem culminar em uma guerra mundial. Por trás de tudo isso, Holmes tem a certeza de que encontra-se uma única mente, o respeitado Professor Moriarty, só lhe falta uma prova. Começa, então, um jogo de xadrez interessante, sempre com diversos tipos de disfarces, deduções e correrias que irá atrapalhar até a lua de mel de Dr. Watson. Mas, é elementar que o convite para a aventura já foi feito.

Robert Downey Jr. conseguiu subverter um personagem lendário e transformá-lo em algo completamente diferente, mas igualmente fascinante. O seu Holmes é louco, engraçado, atrapalhado e ágil, mas nunca perde a perspicaz inteligência. Jude Law também incorporou muito bem o Dr. Watson, sendo sempre um contraponto para as loucuras de Holmes. Uma dupla que, desde que foi concebida por Arthur Conan Doyle, sempre deu muito certo. Em O Jogo de Sombras temos ainda o surgimento de Jared Harris, como o ardiloso Professor Moriarty, sempre com sua expressão blasé. Além de Noomi Rapace como a cigana Sim e Stephen Fry como o surreal Mycroft Holmes.

O roteiro de Kieran Mulroney e Michele Mulroney tem consistência, ao contrário do primeiro filme que parecia mais correria performática que tudo. Guy Ritchie consegue aqui um equilíbrio entre o moderno e o clássico das histórias de detetive, com uma fotografia sempre sombria, um ritmo alucinante, mas com pausas para entender o que está por trás de tudo aquilo. Há boas pistas e recompensas também na história que nos envolvem e não deixa uma sensação de engano. Há ainda dicas interessantes que só nos damos conta no final, a exemplo de "decore o meu rosto porque você nunca mais voltará a vê-lo". Aliás, a parte final do filme pode ser considerada genial, e ainda traz referências claras aos livros originais.

Outro recurso melhor trabalhado aqui é a dedução de Holmes antes de cada ação, durante a projeção ela é construída de uma forma muito dinâmica, sem se repetir, em alguns momentos junto a uma narração over, outras apenas com sons ambientes e em outra, com uma surpreendente piada. O ritmo é bom, dando tempo de pensar, acompanhar a história e mesmo assim manter a adrenalina em alta.

Enfim, um Sherlock Holmes que queríamos ver, com um bom jogo de sombras, mas sem perder o charme que o tornou o detetive mais conhecido do mundo. Ponto para Guy Ritchie que orquestrou bem isso. E ponto para Robert Downey Jr. que já começa o ano brilhando e ainda tem outra boa oportunidade com Os Vingadores e seu segundo alterego O Homem de Ferro.

Sherlock Holmes - O Jogo de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows: 2011 / EUA)
Direção: Guy Ritchie
Roteiro: Kieran Mulroney e Michele Mulroney
Com: Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Jared Harris, Noomi Rapace.
Duração: 129 min.

[Meme] Filme Cebola e mais romântico

2012-01-11T08:52:00.068-02:00

E vamos para dois ítens: Filme Cebola (mais triste de todos) e Filme mais romântico.

Filme Cebola (mais triste de todos)

Filmes tristes existem muitos, O menino do pijama listrado, À espera de um milagre, O quarto do filho etc. Mas, tenho que manter a tradição de citar esse filme, que doeu de tanto eu chorar: Dançando no Escuro. Da união de Lars Von Trier e Björk só poderia resultar um musical dark, denso e extremamente triste.

Selma Jezkova é a personagem mais irritante e sofrida que já conheci na vida. Entendo perfeitamente o amor e abnegação de uma mãe que não quer ver seu filho passar pelo mesmo sofrimento que ela. Admiro sua coragem de, completamente cega, fingir enxergar para não gerar pena, nem ser considerada incapaz, assim ela pode trabalhar e juntar dinheiro para a tão sonhada operação do filho. Entendo também a questão de não querer direcionar o dinheiro da operação para seu julgamento. Mas, o que não entendo é como ela pode ser fiel a uma criatura que a apunhalou pelas costas como o personagem de David Morse.

A produção do filme é incrivelmente bela, com a mistura de realidade e fantasia, sempre que Selma canta. É ótimo ver Björk cantando e atuando com tanta verdade. É sempre bom ver Lars Von Trier em ação, sempre detalhista e sutil. Mas, Dançando no Escuro é daqueles filmes que nunca mais quero ver. Doeu muito. Aquela cena final nos traz um trauma. Aquilo irrita muito, nos dá uma sensação de impotência, de descrença na humanidade, de dor profunda. Sem dúvidas, o filme mais triste que já vi.

Dançando no Escuro (Dancer In The Dark: 2000 / França)
Direção: Lars Von Trier
Roteiro: Lars Von Trier
Com: Catherine Deneuve, Jean-Marc Barr, Peter Stormare, David Morse.
Duração: 100 min

Filme mais romântico

Romance é o que não falta no cinema. Ainda mais no cinema de Hollywood dos anos 50. Qualquer filme, que tema ou gênero seja, tem amor no meio. Tantos filmes poderiam ser citados. Mas, vou ficar com esse clássico que já teve refilmagem e citação em comédia romântica dos anos noventa: Tarde demais para esquecer. Se não tivesse nenhuma outra justificativa já apelaria para o título original se chamar: An Affair to Remember.

Quem nunca sonhou encontrar o amor de sua vida e largar tudo por ele? Nickie Ferrante, vivido por Cary Grant, e Terry McKay, vivida por Deborah Kerr até largam tudo após a paixão fulminante em um cruzeiro. Mas, sem perder o chão. Tanto que se dão um prazo de 6 meses para refazer a vida antes de se reencontrarem para viver o amor eterno. O lugar marcado: o topo do Empire State. Quer algo mais romântico que isso?

Claro que como todo filme nada é fácil para o casal. E apesar de ambos irem ao local marcado, uma fatalidade os fará se desencontrar. Mas, até lá, muita coisa romântica ainda vai acontecer, como a visita do casal à velha tia que mora em uma ilha e a canção An Affair to Remember sendo cantada por Deborah Kerr com tanta emoção. E claro, a cena final que é um marco. Com os dois se reencontrando na noite de Natal. Essa é a famosa cena citada no filme Sintonia de Amor, quando ele não percebe que ela está sentada o tempo todo com as "pernas durinhas". A expectativa cresce para saber se ele sairá dali sem nunca entender o que aconteceu. Um filme romântico, sem sombra de dúvidas.

Tarde Demais para Esquecer (An Affair to Remember: 1957 / EUA)
Direção: Leo McCarey
Roteiro: Delmer Daves, Donald Ogden Stewart e Leo McCarey,
Com: Cary Grant, Deborah Kerr, Richard Denning, Neva Patterson.
Duração: 115 min

[Meme] Com o coração na boca

2012-01-10T08:17:00.078-02:00

Mais uma junção do dia 6 e 7. Melhor suspense/terror e Comédia-tonta-que-não-prejudica-os-neurônios.

Melhor suspense/terror

A maioria dos blogs que estão participando desse meme escolheram O Exorcista como melhor suspense / terror. De fato, o filme de William Friedkin é um marco cinematográfico. Assim como existem diversos outros filmes muito bons no gênero. Curiosamente, também não irei escolher um filme do meu diretor favorito. Alfred Hitchcock, mestre do suspense, vence pelo conjunto da obra. Mas, quando é para escolher um filme, eu fico com O Silêncio dos Inocentes.

Baseado em livro de Thomas Harris, com atuações fantásticas de Anthony Hopkins e Jodie Foster, o filme consegue ser primoroso no roteiro. Não por acaso, Syd Field o escolheu para analisar em seu livro 4 roteiros. A relação de admiração e medo entre Clarice Starling e Dr. Hannibal Lecter é incrivelmente bem construída. A direção de Jonathan Demme é precisa, com vários sutilezas bem realizadas. A montagem é perpicaz, inclusive em uma cena chave em que o roteiro nos engana, trocando as casas e expectativas para o clímax.

O clima é envolvente, assustador, cruel. Nos leva àquele submundo através de detalhes. A apresentação de Hannibal Lecter, por exemplo, é das mais geniais. Aquele corredor mal iluminado, os companheiros de cela assustadores. Clarice anda, tendo as paredes corroídas ao fundo e sua expressão é de terror. O que encontrará no final do túnel? Aí aparece Anthony Hopkins bastante asseado, quase um cavalheiro, em uma cela limpa com um vidro, em vez de grades. A gente pensa: esse é que é o monstro? Mal sabemos que sua aparência enganadora é que o torna ainda mais perigoso.

Por todos os detalhes que constrói. Pelo roteiro, pelas atuações, pela direção de arte, pela fotografia. Enfim, por tudo que o compõe, O Silêncio dos Inocentes é para mim o melhor suspense/terror.

O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs: 1991 / EUA)
Direção: Jonathan Demme
Roteiro: Ted Tally,
Com: Anthony Hopkins, Jodie Foster, Lawrence A. Bonney, Kasi Lemmons.
Duração: 114 min.

Comédia-tonta-que-não-prejudica-os-neurônios

Várias comédias tontas não prejudicam os neurônios, afinal rir é sempre um ótimo remédio para diversos males. Mas, se é para ser tonto, vamos apelar para um filme que é feito para ser besta: Apertem os Cintos... O Piloto Sumiu! Um clássico do gênero paródia, em uma época em que mesmo besteira era feita de forma inteligente.

A história gira em torno de Ted Striker, em interpretação impagável de Robert Hays, um ex-piloto traumatizado pela guerra. Neurótico, cheio de problemas psicológicos, inclusive com a ex-namorada e eterno amor Elaine (Julie Hagerty), Ted embarca em um avião onde piloto e co-piloto morrem envenenados. Em pleno ar, sem comando, ele terá que assumir a situação, que já perdeu o controle há muito tempo.

O filme é repleto de cenas tolas e hilárias ao mesmo tempo, como ele tentando tomar um suco e derrubando na cara. As suas memórias chatas, em flashbacks, que quando terminam a pessoa ao lado está querendo se suicidar ou já morreu. As brincadeiras e conotações sexuais. O romance meloso de Ted e Elaine sempre contado de forma irônica. Divertido, sem ser irritante. Daquelas comédias que não fazem mal, de jeito nenhum.

Apertem os Cintos... O Piloto Sumiu!(Airplane!: 1980 / EUA)
Direção: Jerry Zucker, Jim Abrahams, David Zucker
Roteiro: Jim Abrahams, Jerry Zucker e David Zucker
Com: Robert Hays, Julie Hagerty, Lloyd Bridges, Leslie Nielsen.
Duração: 88 min.

Cavalo de Guerra

2012-01-09T08:25:00.081-02:00

Steven Spielberg é daqueles diretores que encantaram o mundo na década de 80 e, de seus clássicos emotivos, foi consagrado com A Lista de Schindler na década de 90. Desde então, parece que busca desesperadamente um novo E.T., Tubarão, Jurassic Park ou seja lá o que mais. Isso acaba o prejudicando e dando um certo ar de artificialidade em suas obras. Assim, surge Cavalo de Guerra, que está até bem nas cotações das premiações do ano, mas parece que falta algo. É um épico, de fato, bem realizado e está longe de ser um filme ruim. Mas, também não é o Spielberg que todos esperam ansiosos rever.

Baseados no livro de Michael Morpurgo, os roteiristas Lee Hall e Richard Curtis constróem a história de Joey, um cavalo considerado mágico e capaz de ir além de qualquer outro animal. Pelo menos é isso que ouvimos a cada momento de personagens diferentes. O interessante em Cavalo de Guerra é que aqui de fato Joey é o protagonista, ao contrário da série Corcel Negro, por exemplo, onde o garoto é o foco principal. E mais interessante ainda é que a fábula não antropomorfiza Joey, não temos seus pensamentos, graças a Deus ele não fala, nem faz algo parecido. É apenas um cavalo especial, que acompanhamos desde o seu nascimento. Sua ligação com o jovem Albert, vivido por Jeremy Irvine, e suas dificuldades na fazenda dos Narracotts. Depois seu "alistamento" na Primeira Guerra na cavalaria inglesa e toda a saga que decorre disso.

Acompanhamos Joey em sua trajetória e as pessoas que ele vai conhecendo no caminho. Isso torna o filme um pouco superficial. Não há um aprofundamento de personagens, nem mesmo de situações. Temos o fazendeiro ganancioso e seu filho que torcem pela derrocada dos Narracotts, tem o próprio garoto Albert, deslumbrado com seu cavalo, seu velho pai cansado, vivido por Peter Mullan, com uma perna ruim e o vício no álcool e sua forte mãe vivida por Emily Watson. Logo os abandonamos para seguir com Joey pelo exército inglês e o comandante que promete cuidar dele. Aí vamos seguindo viagem com os irmãos alemães, a garotinha sonhadora e seu avô preocupado, o comandante duro e o adestrador de animais sensível. E por aí vai. Parece que falta algo e começamos a projetar em Joey o sentimento de querer voltar para casa e reencontrar Albert, mas até isso parece superficial.

Em contrapartida, a técnica de Cavalo de Guerra é incrivelmente bela. Uma fotografia caprichada e bem construída para nos dar a sensação dos épicos antigos. Com muito horizonte avermelhado, paisagens grandiosas, tomadas aéreas de campos, e o ritmo lento e progressivo de um caminhar longo. A trilha sonora também é impecável, feita para emocionar. E o desenho de som é construído do esmero, principalmente nas cenas de batalha, onde o 5.1 é utilizado em toda sua potencialidade nos dando a sensação de estar ali, ouvindo ruídos vindos de vários lugares.

Apesar de ser um filme violento, que mostra os horrores da guerra e algumas batalhas sanguinolentas, Spielberg, ainda mais em um filme da Disney, constrói tudo com muito cuidado. Temos por exemplo a execução de dois personagens sendo encoberta pela hélice de um moinho, só sendo possível ver o antes e o depois, mas não o momento em que os tiros atingem seus peitos. Não temos sangue, também, muita cena é apenas sugestionada, como uma bomba que detona, ou um tiro que sai errado. É interessante também ver que, em certo momento, há um paralelo perfeito entre a vida de Joey e a de Albert, é uma simbologia bem feita. Além de referências interessantes a Dom Quixote ou a amizade. O ponto negativo fica por conta do exército alemão falando inglês, o que até nos confunde em alguns momentos em relação a qual seja.

Também por ser um filme da Disney, Spielberg nos traz momentos de alívios cômicos, por vezes exagerados como o ganso que parece saído de algum desenho animado. Mas, há momentos inteligentes como quando tentam ensinar Joey a saltar. Aliás, já havíamos sido preparados para isso em um momento anterior do filme. Isso é outro ponto positivo do roteiro, a pista e recompensa. Apesar dos diversos clichês existentes, não podemos negar que as principais resoluções nos foram preparadas de uma forma inteligente no primeiro ato do filme. E uma delas, realmente emociona e nos faz vibrar na cadeira. Já em outros momentos, Spielberg peca por ir além do que precisava, como na cena da bandeira branca na trincheira que começa de forma esplêndida e termina forçada.

Cavalo de Guerra tem prós e contras e é um bom filme. O problema é que isso não faz dele um clássico moderno, nem uma obra memorável como tantas outras do diretor. Também não emociona o quanto prometia, talvez pelo fato que querer tanto fazer isso, torna-se artificial. Mas, nada disso parece ser empecilho para o mestre da emoção. Spielberg, tal qual Dom Quixote, parece continuar em sua jornada solitária em busca do épico definitivo. Vamos torcer para ele não se perder no meio do caminho.

Cavalo de Guerra (War Horse: 2011 / Estados Unidos)
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Lee Hall e Richard Curtis
Com: Jeremy Irvine, David Thewlis, Emily Watson, Peter Mullan.
Duração: 146 min

[Meme] Melhor diretor, ator e atriz preferidos

2012-01-08T08:59:00.084-02:00

Já começo a juntar os dias, conforme tinha explicado. Hoje junto o ítem quatro e cinco, para ajudar a cumprir o prazo.

Melhor diretor

Diretores bons não faltam. Admiro muitos como Scorsese, David Linch, Bergman, Kubrick, Nolan, Tarantino, Irmãos Cohen, Almodóvar, Lars Von Trier, Akira Kurosawa, Win Wenders, José Padrilha, Fernando Meirelles, Walter Salles... A lista é imensa. Mas, nenhum diretor me encanta e impressiona tanto quanto Alfred Hitchcock.

Todos os seus filmes possuem um frescor genial mesmo quando a história parece a coisa mais tola do mundo como Intriga Internacional ou O Homem que sabia demais, por exemplo. Filmes fantásticos como Festim Diabólico (Hope), Um corpo que cai (Vertigo), onde teve que criar até um movimento para passar a sensação do personagem, Janela Indiscreta (Rear Window), entre outros. Sua obra máxima, Psicose (Psycho), que consegue se manter forte mesmo nos dias atuais.

E o melhor de Hitchcock é saber que ele faz tudo isso com total consciência, basta ler o livro em que Truffaut o entrevista. A forma como explica suas escolhas, suas idéias, cada plano, cada movimento. É uma aula de cinema. Isso sem falar na brincadeira de procurá-lo em cada filme, pois sempre faz sua participação digamos, especial. Mestre do suspense. Esse inglês é, de fato, o diretor que mais admiro.

Melhor atriz

Muitas atrizes boas existem nesse mundo, é verdade, mas na hora de escolher uma, não tenho dúvidas: Meryl Streep é a diva maior. Pela versatilidade, pelo conjunto da obra, pela quantidade de indicações ao Oscar que já teve. Pela interpretação fenomenal em A escolha de Sofia. Pela simpatia, pela coragem de embarcar em projetos aparentemente tolos como Mamma Mia e torná-los especiais. Pela torcida de ainda vê-la ganhar sua terceira estatueta. Enfim, Meryl Streep é minha atriz preferida.

Melhor ator

Ator já é mais difícil. Não tenho uma preferência por alguma unanimidade como Streep. Gosto de vários como Al Pacino, Robin Williams, Robert De Niro, Marlon Brando, etc. Mas, acho que, contrariando a velha guarda, eu fico com Brad Pitt. Não pela inegável beleza, ou melhor, exatamente por ele ter conseguido convencer a todos que é muito mais que um homem bonito. Desde o início, Brad Pitt foi versátil, arriscado e impressionante. Uma pessoa que consegue fazer o que fez em Seven, Os Doze Macacos ou Clube da Luta. Um ator que consegue fazer comédia e drama, despir-se de vaidade e continuar com um ar de astro. E se reinventa a cada dia.

A semana no Cinema

2012-01-06T08:23:00.080-02:00

O Ano já começa com a expectativa do Oscar. Os principais filmes devem estrear até fevereiro e as prévias já apontam os favoritos. Essa semana o Sindicato dos Produtores (Producers Guild of America) divulgou os seus 10 melhores filmes de 2011. Dentre eles estão os já favoritos O Artista, Os Descendentes, Tudo pelo Poder, A Invenção de Hugo Cabret, O homem que mudou o jogo e Cavalo de Guerra, além do encantador Meia Noite em Paris, Histórias Cruzadas, a promessa Millennium: Os Homens que não amavam as mulheres e a surpresa Missão Madrinha de Casamento. Na categoria animação, não há muitas surpresas. As Aventuras de Tintim, mostrando que Spielberg ainda tem fôlego, emplacando dois filmes na lista. Meu preferido, Rango. O divertido Kung Fu Panda 2, o simpático Gato de Botas e o cansativo Carros 2. Façam suas apostas.

Notícias Rápidas:

Os Vingadores

Daqueles mexericos que sempre acontecem, parece que o roteiro do filme vazou e traz algumas novidades, inclusive o final do filme, segundo o site "Movieweb". Quem quiser saber o que vazou, clique aqui. Na dúvida do que é real ou não, prefiro ver o elenco falando sobre a produção:

Martin Scorsese no Bafta

O Oscar Inglês ainda não tem seus indicados que serão conhecidos no dia 17 de janeiro, mas já tem seu homenageado: Martin Scorsese. "Martin Scorsese é uma lenda de seu tempo, uma verdadeira inspiração para jovens diretores no mundo inteiro", disse o diretor do BAFTA, Tim Corrie. O diretor que está sendo aguardado por "A Invenção de Hugo Cabret" aqui no Brasil, merece todos os louros.

"A Dama de Ferro" estreia em Londres

O filme sobre a vida da ex-ministra Margaret Thatcher estreou em Londres nessa quarta-feira com a presença de todo elenco e produção, incluindo a diretora Phyllida Lloyd e, claro, Meryl Streep. Apesar da festa, do tapete azul (cor preferida da ministra) no lugar do vermelho e elogios da crítica, o filme tem sido alvo de polêmica entre os familiares e colaboradores de Thatcher por tocar no assunto da senilidade que a acometeu por anos. Os filhos se recusaram a ir a pré-estreia e não falam no assunto, mas a equipe do filme garante que a personagem foi tratada com dignidade. Nos resta aguardar.

Estreias da Semana:

E essa semana estreia um dos esperados filmes de 2012, Cavalo de Guerra de Steven Spielberg, sobre um cavalo que é vendido para "lutar" na primeira Guerra Mundial. Promete emoção e lágrimas. Além dele, temos a mistura de animação e live action Alvin e Os Esquilos 3, divertido em alguns momentos, mas não mais do que isso. E o filme francês A guerra está declarada, representante do país na corrida por uma indicação ao Oscar de melhor filme estrangeiro em 2012 e baseado em um episódio real da vida de Valerie Donzelli.

Fica a dica:

Maratona Antônio Meliande

O Canal Brasil passa hoje uma verdadeira maratona do diretor Antônio Meliande, considerado um dos autênticos representantes da Boca do Lixo, região da cidade de São Paulo que abrigou um importante pólo cinematográfico na década de 1980. Sob o pseudônimo de Tony Mel, ele investiu em temáticas polêmicas e sensuais. Começa com um documentário dirigido por Daniel Camargo, “Antônio Meliande – pau pra toda obra”. Na sequência, a mostra apresenta três longas-metragens dirigidos por Meliande: “Escola penal de meninas violentadas” (1977), sua estreia como diretor; “Liliam, a suja” (1981) e “As safadas” (1982) – este feito em parceria com Carlos Reichenbach e Inácio Araújo.

Especial Ingmar Bergman

Outro especial que merece destaque na televisão é o de Ingmar Bergman, diretor sueco que dispensa apresentações, feito pelo Telecine Cult no mês de janeiro. Serão cinco sábados com filmes marcantes de sua vasta filmografia: O Ovo da Serpente (1978), Cenas de um Casamento (1973), Gritos e Sussurros (1972), Quando Duas Mulheres Pecam (1966) - este mais conhecido por seu nome original Persona - , Através de um Espelho (1961) e O Sétimo Selo (1957). Pena que não tem meu preferido: Sonata de Outono (1978), mas ainda assim, uma boa seleção.

Alvin e os Esquilos 3

2012-01-05T08:38:00.068-02:00

Por mais surreal que seja comprar a idéia de três esquilos falantes, cantantes e dançantes que fazem sucesso no mundo dos humanos como a coisa mais natural que existe, temos que reconhecer que Ross Bagdasarian e os demais produtores de Alvin e os Esquilos são espertos. Aliás, Bagdasarian já ganha os louros por sua invenção desde a década de 50, o que não deixa de ser um feito. Não por acaso chegam ao terceiro filme e, infelizmente, não devem terminar por aí. Ainda bem que não criaram alguns esquilos bebês dessa vez.

Surreal, desculpe me repetir, mas é a melhor definição para esse filme. Se o primeiro nos apresentou os três esquilinhos simpáticos e o segundo nos trouxe três "esquiletes", seja lá o que isso signifique. O terceiro filme não traz novidades nesse sentido. A história está mais para um episódio na vida deles do que uma curva dramática transformadora. O sexteto está de férias com Dave em um navio luxuoso e em breve se apresentarão no Festival Mundial de Música. Entre trapalhadas e acidentes, vão parar junto ao eterno vilão Ian, o produtor malvado em uma ilha deserta. E aí ... pode pensar em todas as referências de A Lagoa Azul, passando por O Náufrago, e claro, Lost.

Os primeiros quinze minutos de filme deu vontade de levantar. Não exatamente por ser ruim, mas porque a cada frase, vinha uma música e uma coreografia dos esquilos e das esquiletes. Isso cansa, não? Ainda que seja com as músicas pops mais famosas do momento. Nesse ponto é que destaco a inteligência dos produtores, já que música conhecida sempre anima o público. Só não precisava ser tanto. Tem inclusive uma cena onde as esquiletes disputam quem dança melhor com três mulheres com atitudes extremamente clichês e exageradas. Alguém consegue imaginar uma coisa dessas como normal? A partir daí, Alvin apronta todas e o filme se torna uma sucessão de confusões até chegar na tal ilha.

Aqui temos aquele tipo de coincidência que só acontece em filme. Em um mar imenso, primeiro a turma peluda chega, depois chegam Dave e Ian. E ele ainda vira e diz a frase "olha, uma ilha, vai ver os esquilos estão lá". Como ele pode saber isso se não os viu caindo? Nesse ponto entra outra personagem estranha, Zoe, vivida por Jenny Slate em uma interpretação bastante caricata. Uma náufraga, com direito a várias amigas bolas, que vive por ali. Na sua "turma" tem de basquete, de beisebol, de tênis, curiosamente só não tem de vôlei.

Nesse ponto, o filme esquece as danças e cantorias. Aliás, esquece também o mundo da música e as disputas empresariais que reinavam nos dois anteriores. O roteiro se concentra, então, nas referências e peripécias na ilha. Tem a velha piada da cabana feita pelo homem e outra pela mulher, nesse caso Alvin e Britanny. Tem aranha mudando a personalidade do certinho Simon. Tem ainda cachoeira que esconde algo. E até um duplo arco-íris com direito a Theodore perguntar "o que significa isso?". Pensei que eles começariam a cantar "double rainbow oh my god". Mas, não deixa de ter boas sacadas com outros filmes como O Senhor dos Anéis, James Bond, Titanic ou mesmo Indiana Jones. Além de piadas com algumas músicas como Survivor de Destiny’s Child ou Glee, "Agora nós somos os losers", diz Britanny.

Alvin e os Esquilos 3 não pode ser considerado um bom filme. Mas, diverte e tem seus momentos. Principalmente para crianças e adolescentes que adoram musicais estranhos, onde tudo é desculpa para abrir a boca, com muito fôlego para dançar e cantar. Só que em vez de dançarinos sarados, temos bichinhos fofos em computação gráfica. É ou não é surreal?

Alvin e os Esquilos 3(Alvin and the Chipmunks: Chip-wrecked: 2012 / EUA)
Direção: Mike Mitchell
Roteiro: Jonathan Aibel e Glenn Berger
Com: Jason Lee, Jenny Slate, Matthew Gray Gubler (voz), Jesse McCartney (voz), Christina Applegate (voz), Justin Long (voz), Anna Faris (voz), Amy Poehler(voz).
Duração: 87 min.