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Promoção Hasta La Vista

2012-05-29T09:18:00.000-03:00

Melhor filme no Festival de Montreal e no Cinequest Film Festival de 2011, Hasta La Vista é um filme atípico. Dirigido por Geoffrey Enthoven conta a jornada de três jovens deficientes físicos que buscam perder suas virgindades em um bordel da Espanha, mas durante a viagem vão perceber algumas coisas sobre suas próprias vidas e a forma de se relacionar com as pessoas.

Então, quer ganhar um par de ingressos para assistir a esse filme*? Confira as regras abaixo. Mas, atenção, como o filme tem distribuição menor que a maioria dos blockbusters, verifique se está passando ou se têm previsão de chegar em sua cidade.

Top Fãs (4 pares de ingressos):
Antes das regras, uma pausa para falar que quem é Top Fã do CinePipocaCult no Facebook sempre ganha prêmios e, portanto, 4 ingressos já vão para nossos Top Fãs automaticamente! Os que se mantém na liderança desse mês até hoje são:

Caio Costa
Ricardo Ruman
Angelo Costa
Dani Fuller

E vamos a mais ingressos, agora pelo Twitter.

Twitter (4 pares de ingressos):
1 - Siga @cinepipocacult no Twitter.
2 - Clique no cartaz ao lado para acessar o Twitter, dê RT na mensagem e torça para ser sorteado.
3 - RTs Válidos até 30/05/2012.

Resultado dia 31/05**

*Convites válidos de segunda a quinta-feira, exceto feriados. Aceito em todas as salas onde o filme estiver em exibição, exceto Cinemark Iguatemi, Circuito Araújo e Grupo Estação. Promoção não cumulativa. Ingresso sujeito a lotação das salas. Venda Proibida.

** O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam na Região Metropolitana de Salvador, Bahia.

Paraísos Artificiais

2012-05-29T08:30:00.001-03:00

Após produzir filmes como Tropa de Elite e Ônibus 174, e dirigir o documentário Estamira, Marcos Prado dirige seu primeiro logametragem de ficção. Paraísos Artificiais é uma viagem pelas raves, drogas sintéticas e universo jovem atual de uma maneira bastante estética, o fraco é mesmo a história que liga tudo isso.

A história em três momentos distintos, é centrada em Nando e Érika. Ela, uma DJ de sucesso, ele, uma pessoa em busca de seu caminho. Suas vidas se cruzam por duas vezes, em uma rave no Recife e na cidade de Amsterdã. Porém, a vida de ambos é marcada por experiências traumáticas, drogas e escolhas que os afasta e aproxima, envolvendo outras pessoas como Lara, a "alma gêmea" de Érika, Patrick, um grande amigo de Nando, e Lipe, o irmão mais novo dele.

Não deixa de ser instigante a forma como um roteiro sobre quase nada, é desenvolvido de uma forma que aguça a curiosidade a todo momento por sua construção não-linear. A chave da história está no passado, não no presente e a maior parte é mesmo narrada em flashback. Cansa apenas essa introdução inicial, começando no "futuro" de Nando, retornando a Amsterdã, para retornar ao Recife e com isso ir amarrando as pontas soltas que explica tudo aquilo.

Curioso é, sem dúvidas, mas as justificativas são tolas. São momentos de perda de controle, de escolhas erradas e vazio existencial de uma geração realmente artificial. Nesse ponto, o título do filme é a escolha mais feliz de todas. Nos envolvemos com esses jovens, acreditamos nas viagens deles, seja através de drogas, curiosidades ou sentimentos. Mas, não sentimos consistência em nenhum deles. Nos parecem um estereótipo de tolos que não nos convencem de suas reais motivações. Mas isso, seja talvez o próprio retrato da geração perdida, sem uma ideologia para viver.

Porque, apesar do roteiro frágil, muito bem disfarçado pela escolha da não-linearidade, Paraísos Artificiais funciona bem por sua construção estética. E nisso, não estou falando dos "polêmicos" de Nathalia Dill que foram tolamente propagados ao quatro ventos como se fosse o único chamariz do filme. A fotografia trabalhado pelo próprio Prado com o fotógrafo Lula Carvalho, tem momentos muito inspirados. São sequências inteiras de muita música eletrônica, com jovens em sensações de êxtase, com um visual incrivelmente envolvente.

A direção de arte da rave e das boates, a cena-chave da tinta de luz negra, as passagens que retratam as alucinações seja na praia, entre búfalos, ou nas própria tendas. Os detalhes do som abafado e câmera lenta, tudo é muito bem pensado e construído para retratar esse universo com fidelidade, sem julgamentos, sem condenações, nem apologias. Afinal, há também as consequências de cada ato, sejam eles bons ou ruins. A concepção das situações, então, é muito bem feita, apesar da pouca consistência do que tem a ser dito.

Há também encontro e embate de gerações. Seja na postura liberal compreensiva do pai de Nando, ou na forma perdida como age sua mãe. Mas, principalmente na figura do personagem de Roney Villela, um hippie saído de Woodstock, que serve como uma espécie de conselheiro filosófico tanto de Érika quanto de Nando em diversos momentos. São dele, frases de efeito como "só por querer ser, você já é", para Nando, ou "sabedoria demais enjoa", para Érika. É uma figura icônica que funciona bem naquele cenário.

Paraísos Artificiais é então, uma grande viagem, quase uma construção documental do mundo das músicas eletrônicas e drogas sintéticas. Mas, com personagens e história frágeis que pouco justificam as atitudes que vemos em tela. Um retrato de uma grande irresponsabilidade, talvez, ou de escolhas ruins. Mas, ainda assim, uma experiência interessante de se ver na tela dos cinemas por toda a sua construção estética.

Paraísos Artificiais (Paraísos Artificiais, 2012 / Brasil)
Direção: Marcos Prado
Roteiro: Pablo Padilla, Cristiano Gualda e Marcos Prado
Com: Nathalia Dill, Lívia de Bueno, Luca Bianchi, Bernardo Melo Barreto, Divana Brandão, Emílio Orciollo Neto
Duração: 96 min.

Hasta La Vista

2012-05-28T08:30:00.000-03:00

Três jovens belgas deficientes, um cego, um paraplégico e um tetraplégico. Três amigos que sempre foram muito amados pelos pais e por isso, superprotegidos devido às duas deficiências. Mas, eles só queriam experimentar aquilo que a idade pode proporcionar. Uma viagem sozinhos com muitas farras e um objetivo principal secreto: perder a virgindade. Para isso, descobrem um bordel na Espanha, que é especializado nesse tipo de pessoas. O problema é convencer aos pais que eles são capazes de fazer essa viagem.

O argumento de Hasta La Vista é inusitado, mas nem um pouco irreal, afinal, jovens deficientes também têm sonhos e desejos. Da forma como Jozef, Lars e Philip eram tratados por seus pais, seria mesmo muito difícil uma oportunidade de conhecer alguém que os amassem e tivesse um relacionamento normal, principalmente Philip. Claro que nesse caso também entra o preconceito, os medos, as dificuldades normais, que também são tratadas de forma bastante sensível por Geoffrey Enthoven na trama.

Um dos pontos principais da fruição do filme é a construção de seus três, ou melhor, quatro protagonistas. Já que, para a viagem, entra em cena uma terceira figura, a motorista Claude. Os quatro personagens são bastante complexos, retratados em várias camadas e com muita sensibilidade pelos atores que os interpretam. Há muito material em cada um que faz fluir as reações, as posturas infantis em alguns momentos, egoístas em outros, cruéis até, além do amadurecimento e lições que passam.

Os roteiristas em nenhum momento nos fazem sentir pena deles. São deficientes, sim, mas são pessoas dignas de respeito e compreensão como todas as outras. Sentimos raiva deles em muitos momentos, principalmente do tetraplégico Philip, o mais imaturo de todos. E passamos a observá-los pela ótica de Claude, que os vai conquistando aos poucos, passando da agressividade total quando a chamam de Mamute, até se tornar quase uma mãe do trio, cúmplice no principal objetivo da viagem.

Hasta La Vista tem também um tom de humor, bastante inteligente e leve. Não é uma comédia rasgada, de fato, mas também não é um drama pesado. É um filme de descoberta adolescente, só que com três tipos bastante especiais. A jornada passa, então, por todas as fases, de reconhecimento, acordo com os pais, desacordo, rebeldia, fuga, revolta, reencontro e paz. Tudo de uma maneira bastante honesta e envolvente. Mesmo as complicações de viagem, não soam exageradas ou clichês, por já termos sido preparados para o que vem à frente.

É também uma boa lição para pais superprotetores que acham que podem defender seus filhos do mundo. Em determinado momento do filme, lembrei muito da poesia de Gibran Khalil Gibran, "Vossos filhos não são vossos filhos", pois traduz muito bem essa sensação de que os pais acham que podem poupar os filhos do mundo, quando isso é impossível, é preciso deixá-los seguir seus próprios passos, mesmo que possuam deficiências limitadoras.

Hasta La Vista é, então, uma comédia adolescente atípica, mas nem por isso, completamente diferente. Divertida, emocionante e envolvente na medida certa, pode não te fazer rolar de rir, mas em algum momento vai ter deixar com um sorriso no rosto, além de fazer pensar.

Hasta La Vista (Hasta La Vista, 2012 / Holanda)
Direção: Geoffrey Enthoven
Roteiro: Pierre De Clercq, Asta Philpot e Mariano Vanhoof
Com: Robrecht Vanden Thoren, Gilles De Schrijver, Tom Audenaert e Isabelle de Hertogh
Duração: 115 min.

Pi

2012-05-27T08:30:00.001-03:00

Por sugestão de Ângelo Costa, que nos fez um pedido em nossa fanpage, resgataremos aqui um clássico moderno.

3,14. Um número aproximado para representar uma dízima não-periódica famosa apelidada pelo nome Pi. Uma proporção numérica que representa a proporção entre o perímetro de uma circunferência e seu diâmetro. Aparentemente não há um padrão nessa dízima, por isso, ela é não periódica, ou seja, os números não se repetem de uma maneira lógica. E essa questão, ao mesmo tempo simples e complexa serviu como ponto de partida para o primeiro filme longametragem de Darren Aronofsky em 1998.

Maximillian Cohen é um cientista brilhante, porém obcecado por uma ideia: encontrar um padrão no número Pi. Sua obsessão é resumida de uma maneira bem simples por seu mentor, Sol: "quando vc fica obcecado por algo, sua mente acha isso em todos os lugares". Tudo, então, se resume a isso, uma rotina de um homem que só vê aquilo na sua frente, números e ideias de padrões. Questões que o deixam cada vez mais reservado, com atitudes estranhas e até mesmo alucinações.

Seguindo o próprio padrão de filmes psicológicos, Darren Aronofsky nos oferece uma trama angustiante e constrói nosso envolvimento através de metáforas. Quem nunca se viu obcecado por algo? Quem nunca tentou compreender como as coisas funcionam? A curiosidade faz parte do ser humano e é comum também a ele se dar desafios. Logo, a loucura de Max pelo Pi pode nos parecer estranho, mas é possível compreendê-lo em outro nível e assim nos envolver com seu drama.

Principalmente porque ele não é mesmo um homem normal. A obsessão se transforma em uma neurose, com várias metáforas do funcionamento do cérebro, remédios para tomar e alucinações visuais e auditivas fortes. Tudo isso, com a escolha de Aronofsky em fazer o filme em preto e branco, nos dão uma experiência única de angústia e desconforto. Seu inegável esgotamento mental nos angustia, ansiando pelos conselhos do mentor Sol, que o manda relaxar, tomar um banho, ouvir as pessoas. Vemos e não percebemos, acompanhamos e não sentimos, nos envolvemos, mas não nos entregamos. Porque estamos a todo o tempo sendo chamados ao racional.

Em uma ironia, a construção do roteiro de Pi é esse racional que nos chama. Com a narração em over de Max sempre repetindo o dia e hora das ações, tornando tudo o mais cartesiano possível. Isso sem falar na repetição constante do conselho da mãe para não olhar o sol, quando era criança, e que aparentemente foi o estopim para suas reações incomuns aos números. Porque tudo é número, diria ele.

Essa própria metáfora do sol, de não poder olhar para luz que cega, e da visão interior é outra chave do filme. Uma porta de entrada para tentar compreender o incompreensível. Como um sonho alucinógeno construído em detalhes. Porque a câmera nervosa de Aronofsky está sempre em busca dos detalhes. A construção interna e externa do mundo daquele personagem e sua relação com os demais. E assim é possível misturar visões de Deus, como a interpretação do Alcorão, filosofias diversas, ciência, questões financeiras e existências.

Pi é um filme que nos leva em seu ritmo. Interiorizando e racionalizando o irracional, em busca de respostas que não podem ser dadas, em uma construção incrivelmente envolvente. É muito pensamento que transcende a razão e entra na ausência de padrão na loucura. Ou não. Tal qual o Pi que aparentemente tem toda a lógica, dentro de lógica nenhuma.

Pi (Pi, 1998 / EUA)
Direção: Darren Aronofsky
Roteiro: Darren Aronofsky
Com: Sean Gullette, Mark Margolis, Ben Shenkman
Duração: 84 min.

Flores do Oriente

2012-05-26T08:30:00.000-03:00

Dois anos antes da declaração da 2ª Guerra Mundial, o Japão já travava sua própria guerra com a China, na Segunda Guerra Sino-Japonesa. O evento conhecido como Massacre de Nanjing é incomodamente retratado no filme Flores do Oriente, de Zhang Yimou. O diretor que já exaltou a coragem do povo chinês em filmes como Herói e O Clã das Adagas Voadoras, fala agora da bravura do seu silêncio.

O filme é narrado a partir da chegada do ocidental John Miller, um agente funerário que vai a Nanjing para sepultar o padre local em plena invasão japonesa. O personagem, interpretado muito bem por Christian Bale, acaba se envolvendo mais do que esperava com o conflito ao conhecer as alunas do convento protegido pela igreja do padre falecido e um grupo de prostitutas liderados pela bela Yu Mo. Não deixa de ser curioso que, anos depois, ele volte a interpretar um ocidental, vítima do exército japonês na década de 30/40. Mas, Flores do Oriente consegue ser mais impactante que Império do Sol. Entre o horror da postura dos soldados japoneses, da bravura dos últimos soldados chineses e do medo das mulheres e crianças, se constrói uma bela jornada de superação, amadurecimento e auxílio mútuo.

Não há como assistir Flores do Oriente e não ficar chocado com as atitudes do exército japonês. Não há compaixão com os prisioneiros de guerra, não há formas de poupar mulheres que são estupradas e torturadas mesmo quando são apenas crianças de uniformes dentro de uma igreja. Há uma brutalidade irracional que os assemelha mais a animais do que a homens. É uma guerra desigual, cruel demais e ainda mais bruta ao percebermos que foi real. Porque a história não é uma invenção de alguma mente doentia, mas uma página da história dos dois países que o Japão ainda insiste em negar, apesar de provas diversas.

Zhang Yimou é hábil em sua construção de imagens, como sempre lhe é peculiar. Não foge ao horror da guerra, demonstrando cenas de puro terror, mas constrói a plástica poética em diversos momentos do filme que nos fazem permanecer inteiros sentados em nossas confortáveis cadeiras. É o vitral da igreja que compõe cenas fortes, com o sol batendo em seu reflexo, é o contraste das meninas cantando em coral no altar da igreja com as prostitutas ouvindo no porão. É a câmera alta que flagra uniões disformes como a que vem do altar para mostrar os japoneses que ouvem as meninas ou o falso padre que brada por racionalidade e respeito na casa de Deus.

Mesmo as cenas de guerra possuem um cuidado de produção, como a cena em que o soldado japonês ameaça o personagem de Bale no início do filme e um muro começa a se movimentar às suas costas. Ou os detalhes das garotas escondidas no cano. Ou ainda a cena do gato fujão e suas consequências. Isso sem falar de toda a rotina dentro do convento, seja das meninas assustadas ou das prostitutas sorridentes em meio a todo o jogo político de uma tentativa de salvá-las do inevitável fim cruel nas mãos dos inimigos.

Construindo o paralelo entre o grupo de prostitutas e as meninas do convento a partir de duas personagens chaves, Yu Mo e a garotinha Shu, o roteirista Heng Liu e o diretor Zhang Yimou humanizam ambas as vítimas de uma maneira ímpar, sem cair no piegas. Nos emocionam em diversas cenas, como a da entrega dos bibelôs, no canto de um instrumento ou no apelo de uma linda cena, mas tudo com uma sensibilidade desconcertante diante do horror que é toda aquela história.

Flores do Oriente é um filme forte. Narra com sensibilidade e poesia uma mancha em nossa história, uma mancha inclusive pouco conhecida diante de tantos massacres famosos que são cantados e repudiados a cada dia. Porque não é apenas uma guerra, como todas as outras estúpidas, é uma crueldade irracional de subjugação do mais fraco pelo mais forte, sem nem mesmo a piedade por crianças inocentes.

Flores do Oriente (Jin líng shí san chai, 2011 / Japão)
Direção: Zhang Yimou
Roteiro: Heng Liu
Com: Christian Bale, Ni Ni e Xinyi Zhang
Duração: 146 min.

A semana no Cinema

2012-05-25T08:30:00.000-03:00

Chegando ao seu final, o Festival de Cannes de 2012 foi bem mais ameno que o de 2011, até por isso, talvez, também não tenha destaques e favoritos tão fortes quanto o ano passado, monopolizado por A Árvore da Vida e Melancolia. Até a metade do festival, ainda não era apontado um favorito, próximo do fim, no entanto, começam as apostas que estão divididas entre “Amour”, de Michael Haneke, e “Dupa Delauri”, de Cristian Mungiu. O filme do brasileiro Walter Salles foi exibido quarta-feira com boa parte do elenco presente, mas não empolgou. Pelo menos também não causou comoção negativa como o filme do mexicano Carlos Reygadas, até hoje o mais vaiado do festival. Tudo que instiga e nos dá uma ideia do que está por vir no circuito mundial em breve. Distantes da cidade francesa, a nós só resta olhar para Cannes como um oráculo, que no domingo dia 27 irá presentear com suas Palmas douradas aqueles que podem se vangloriar de serem artistas da sétima arte.

Notícias Rápidas

Operação Skyfall
Previsto para novembro desse ano, a nova aventura do agente secreto mais conhecido do mundo parece mesmo eletrizante. Pelo menos é a impressão que dá ao ver o trailer divulgado essa semana. Há um tom aqui de tensão constante, com uma característica própria de Daniel Craig que deixou James Bond menos blasé e com uma maior força bruta. Vejamos o que ele nos reserva, tomara que algo melhor que os últimos filmes.

Re-refilmagem
A onda de refilmagens norte-americana não tem mesmo fim. E parece que a MGM quer investir pesado nisso. Com duas refilmagens em produção, "RoboCop" e "Carrie" (aquela mesmo, a estranha), além de projetos em andamento ("A Pantera Cor de Rosa", "Halloween", "Poltergeist" e "Jogos de Guerra") anuncia agora a nova versão de Sete Homens e um Destino. Levando em conta que este filme de 1960 já era um remake de Os Sete Samurais, não deixa de ser curioso uma terceira versão, ainda mais com Tom Cruise no papel principal. Ainda não se sabe muito, o roteirista está sendo contratado, então, fica difícil prever, por exemplo, se a história continuará sendo no Velho Oeste com pistoleiros defendendo uma cidadezinha mexicana. Tudo é possível, até mesmo que seja uma nova adaptação para os tempos atuais. Só nos resta aguardar. Fonte

Propaganda da Prada
Nem só o diabo veste Prada, Roman Polanski surpreendeu Cannes esta semana com um curta-metragem feito para a grife tendo no elenco Ben Kingsley e Helena Bonham Carter. O resultado ficou bem interessante, mesmo para os que não conseguem entender a língua inglesa, é possível compreender a mensagem. Uma sessão de terapia bastante atípica, onde Carter é a paciente e Kingsley o terapeuta. Divirtam-se.

Novos Cartazes
Três filmes movimentaram a semana com seus novos cartazes. Primeiro, a estranha e instigante montagem de 360, novo filme de Fernando Meirelles. O quase óbvio, mas nem por isso menos empolgante cartaz nacional de Para Roma Com Amor, filme de Woody Allen. E claro, os novos cartazes de Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge, que traz novas poses do herói, do vilão e da femme fatale Mulher Gato. Clique para ampliar.

Estreias da Semana

O blockbuster da semana, Homens de Preto 3, estreia junto com três filmes completamente diferentes, mas delicados em suas perspectivas. Opções para todos os gostos. O filme de Barry Sonnenfeld é mais do mesmo, de fato, com muitos alienígenas e agora, viagem no tempo, mas diverte a todos os públicos com algumas piadas inteligentes e muita brincadeira com o que é estranho em nosso mundo. Deve agradar aos fãs da franquia. Já Flores do Oriente, de Zhang Yimou traz um filme sensível sobre um massacre chinês na década de 30 pelo exército japonês. Estrelado por Christian Bale, tem uma construção técnica incrível e uma história emocionante, ainda que cheia de clichês. Enquanto isso, a comédia Hasta La Vista, de Geoffrey Enthoven, desafia o politicamente correto para falar da jornada de três amigos, um deficiente visual, um paraplégico e um tetraplégico que tentam perder a virgindade em um bordel especial. Por último, temos a estreia da comédia romântica A Delicadeza do Amor, dirigido por David Foenkinos e Stéphane Foenkinos, sobre uma mulher em luto pela morte do marido há três anos que é cortejada por um sueco colega de trabalho.

Humor

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Fica a Dica

Já está em pré-venda a coleção completa de James Bond em Blu-Ray, coleção que comemora os 50 anos do famoso agente. São 22 discos com todos os filmes de 007, mais curiosidades sobre a produção de Skyfall. Os fãs, já podem começar a coçar as mãos, ou não. O lançamento está previsto para setembro.

Homens de Preto 3

2012-05-24T08:30:00.000-03:00

Dez anos depois do último filme da franquia, Homens de Preto volta às telas do cinema com uma aventura no mesmo estilo das demais, com alienígenas estranhos, humor e ação só que agora acrescida de uma viagem no tempo. Como toda história que utiliza esse recurso, há algumas pontas que ficam soltas, mas mesmo assim, Barry Sonnenfeld consegue dirigir uma terceira aventura digna do produto criado em 1997.

Tudo agora gira em torno do alienígena conhecido como Bóris, o animal. Guardado há quarenta anos em uma prisão lunar, ele retorna a Terra para um plano bem elaborado: retornar ao ano de 1969 para matar o Agente K, impedindo-o de derrotá-lo e de dizimar sua espécie com uma redoma protetora espacial. O plano aparentemente dá certo, e com isso, o Agente J tem que retornar também no tempo para restabelecer a ordem, salvar o planeta Terra e o seu parceiro deste final pouco digno.

Mirabolantemente lógica, a trama de Homens de Preto 3 funciona em sua maior parte. O roteiro é bem construído, com situações típicas que envolvem ação e humor, crescendo a adrenalina aos poucos. A primeira parte arrasta-se um pouco, principalmente nas situações exageradas do restaurante chinês e na pouca criatividade para novos alienígenas. Apesar de diversas citações visuais ao saudoso agente F (o cão da raça pug), não temos novas criaturas com bons disfarces, ou lógica revertida, sendo todos monstros nojentos. Aliás, as cenas dessa primeira parte parecem mais carregadas no grotesco, com muita gosma e sangue alienígena, além de criaturas bizarras.

Tudo melhora nos anos passados. Quando chegamos a 1969, o filme ganha outro ritmo, com uma trama inteligente e envolvente, além de referências engraçadas a aliens dos anos 60 e 70, com cabeças de bolhas, cores azuis e corpos longilíneos. Além claro, de referências a personalidades da época como Andy Warhol pintor ícone da pop art, em uma interpretação engraçadíssima de Bill Hader. Destaque para as citações a Yoko Ono e Mick Jagger. Aos fãs que esperam a participação de Lady Gaga, esta é mais discreta na própria agência dos homens engravatados.

Barry Sonnenfeld consegue manter um ótimo ritmo nas cenas de luta dos agentes com alienígenas diversos. Há boas piadas e referências, além de uma ação bem construída. Tudo é muito ágil, mantendo o espectador com atenção total na tela. E nem é preciso falar dos efeitos especiais, cada vez mais caprichados. A viagem no tempo, por exemplo, é um primor de construção imagética. Criativa, não exatamente pela forma como acontece, já que é referência de outros filmes, mas pela construção de passagem de tempo, torna-se um visual à parte, com a mudança de cenários e épocas.

No elenco, os antigos companheiros Will Smith e Tommy Lee Jones estão de volta em seus papéis de J e K, respectivamente, defendendo-os bens, mas agora, entra em cena Josh Brolin que tem a missão de construir um Agente K jovem diferente do conhecido, já que ainda não passou por determinada ação em sua vida, mas que traga ecos do personagem construído por Tommy Lee Jones, no que se sai muito bem. Completando o time de agentes temos ainda a participação mais do que especial de Emma Thompson como a Agente O, que no passado é interpretada por Alice Eve.

Pode ser mais do mesmo, pode trazer alguns furos no roteiro que envolve viagem no tempo e começar de maneira arrastada. Mas, Homens de Preto 3 cumpre bem o seu papel de diversão. Barry Sonnenfeld mantem o nível, construindo um terceiro capítulo no mesmo padrão dos anteriores demonstrando que ainda há espaço para outras aventuras. Só não sei se isso é feliz ou infelizmente.

Homens de Preto 3 (Men in Black III, 2012 / EUA)
Direção: Barry Sonnenfeld
Roteiro: Etan Cohen, David Koepp, Jeff Nathanson, Michael Soccio
Com: Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Jemaine Clement, Emma Thompson e Alice Eve
Duração: 106 min.

O Corvo

2012-05-23T08:30:00.000-03:00

Famoso poeta e escritor americano, Edgar Allan Poe é mais famoso por seus contos policiais macabros. Quis o destino que esse homem que tanto brincou com a morte, tivesse um mistério em seu próprio fim, sendo encontrado no dia três de outubro de 1849, nas ruas de Baltimore, em um estado delirante. O que o levou a falecer, permanece um mistério e serviu como premissa interessante, para um filme nem tanto.

O Corvo é, então, uma brecha, uma oportunidade que os roteiristas Ben Livingston e Hannah Shakespeare tiveram a genialidade de perceber e pouco talento para desenvolver. Afinal, quer algo mais instigante do que um escritor de mistério com uma morte misteriosa? A imaginação realmente voa longe, mas os roteiristas de O Corvo foram tão pouco criativos quanto o serial killer do filme, apenas copiando os crimes dos livros de Poe para construir uma colcha de retalhos que não consegue uma liga suficientemente forte para nos manter atentos na cadeira durante os 111 minutos de projeção.

O ritmo do filme é lento, a narrativa se arrasta e as explicações são didáticas demais em determinados momentos. Falta emoção em cenas como o baile de máscaras, por exemplo, apesar de termos bons momentos nos subsolos da cidade. Temos até alguns bons sustos. Porém, o filme não consegue se construir nesse tom de suspense bem realizado por muito tempo, oscilando entre um humor sem graça, do atrapalhado Poe querendo reconhecimento, e o grotesco do seu fã em seus primeiros crimes, destaque para aquele pêndulo passando no meio do corpo do crítico literário.

O próprio mote inicial de um criminoso inspirado nos livros de Allan Poe o levarem a ser suspeito é frágil. Afinal, um escritor se tornar serial killer já é fantasioso, deixando uma pista tão forte quanto essa, só o tornaria um imbecil e não um gênio do crime. Mas, a própria suspeita não se sustenta e o escritor se torna o principal aliado do detetive Fields, principalmente quanto o criminoso rapta a paixão de Poe, intensificando o jogo de detetive com seu alvo principal. Essa caça ao "tesouro" dá um novo fôlego à trama, apesar de não tornar O Corvo um exemplar próximo de sua inspiração.

John Cusack, apesar de bem caracterizado, não ajuda também na construção do ritmo do filme. Quando lhe é exigido ser sarcástico, com um humor ácido a exemplo de Robert Downey Jr. em Sherlock Holmes, falha, se tornando um chato. E nos momentos de tensão, ele parece Nicolas Cage com sua eterna expressão abobalhada. Há um exagero também na dor, nos momentos chaves, e uma falta de lógica em suas atitudes como gritar desesperado por Emily, a moça vivida por Alice Eve, quando se sabe que isso só ajudaria a chamar a atenção do assassino.

A direção de James McTeigue também não ajuda na construção do bom suspense, nos dando muita informação truncada e poucas pistas para o real envolvimento. O próprio resgate das obras de Allan Poe não soam naturais, parece uma construção macabra de citações sem um sentido lógico. Ainda assim, há bons momentos onde luz e sombra são construídas de uma maneira assustadoramente inteligente. Ou quando a câmera revela aos poucos alguns detalhes de cena. Mas, no geral, é mesmo uma construção morna.

O Corvo é, então, uma boa ideia que perdeu uma grande chance de ser melhor desenvolvida. Ainda assim, tem momentos que entretém a contento os amantes do gênero. Não é um desperdício, de fato. É possível criar alguma empatia com os personagens e temer pela jovem Emily, principalmente, em vários momentos. Mas, não nos surpreende, nem nos arrebata em nenhuma cena. Um filme morno, que poderia ser uma grande obra.

Destaque para os créditos finais, sem nenhuma relação estética com a atmosfera ou direção de arte do filme, mas que compõe belas imagens de corvos de metal. E para quem ainda não ligou o nome à pessoa, o título do filme é uma referência ao poema mais famoso do escritor: O Corvo.

O Corvo (The Raven, 2012 / EUA)
Direção: James McTeigue
Roteiro: Ben Livingston e Hannah Shakespeare
Com: John Cusack, Alice Eve, Luke Evans
Duração: 111 min.

Como água para chocolate

2012-05-22T08:30:00.000-03:00

Filme mexicano produzido e dirigido por Alfonso Arau, teve o privilégio de ter seu roteiro adaptado para o cinema pela mesma autora do livro homônimo, Laura Esquivel. O livro já era um best seller e, com o filme, o sucesso não foi diferente. É uma história sensível, sem sombra de dúvidas, que conquistou públicos no mundo inteiro. Porém, por trás da metáfora de uma época através de um conto de fadas há a incongruência de um príncipe fraco e por vezes até medíocre.

O filme conta a história de Tita, a filha mais nova de uma tradicional família mexicana que é impedida de casar para cuidar de sua mãe na velhice. Contudo, a moça se apaixona e é correspondida por um jovem da região que acaba se casando com sua irmã para ficar perto da mulher amada. Começa, então, um jogo de comunicação de Tita e seu amado Pedro através da comida que a moça faz.

Poderia ser a trama de qualquer melodrama clássico de amor impossível, porém a atmosfera criada pelo diretor e fotógrafo permite intervenções surreais que nos levam à construção da história, principalmente no que tange à comida preparada por Tita e as emoções que passa através dela. Se a garota está triste, basta comer para ficar também. Da mesma forma que ela consegue passar toda a sua sensualidade e amor para Pedro em cada alimento. Além disso, temos a fuga de Gertrudis após pegar fogo no banheiro, por exemplo, e a questão da cebola que inicia o filme. Esse tom surreal que a história traz, pode ser um afastamento para os espectadores mais tradicionais, porém dá um clima ainda mais interessante à história.

Conseguimos nos identificar com Tita e somos convencidos do quanto ela é pura, boa e apaixonante. Conseqüentemente, transferimos para sua mãe todo o ódio de tamanho absurdo, em nossa mentalidade atual, que é impedir uma filha de casar para cuidar de si na velhice. Mais do que isso, dar a outra filha em casamento ao homem que sabe amar a proibida e fazer de tudo para afastá-los. A insanidade é compreensível para a época, a tradição, a posição da mulher como subalterna e mero objeto de negociação. Porém, o que incomoda em toda a narrativa é a postura apática de Pedro, o objeto de desejo de Tita.

Que uma mulher se submeta aos costumes tacanhos de uma época, é compreensível. Mas, um homem aceitar de forma submissa as imposições da mãe de Tita é uma coisa que revolta a ponto de comprometer a apreciação do filme, pois torna a história banal, sem sentido. O motivo de tanto sacrifício, proibições, sofrimentos de nossa protagonista é a submissão de Pedro. E o próprio filme admite isso em duas frases. Quando Tita, em seu desespero, diz a Pedro que preferia que ele a tivesse roubado do que casado com a irmã. Ou quanto John, em sua sabedoria imensa, diz que exigirá que Pedro dê a Tita a posição de destaque que esta merece.

Em contraponto ao personagem de Pedro, há John, o médico americano que traz lucidez para aquela história surreal, mas que não consegue alterar o rumo das coisas. Suas tentativas de trazer Tita novamente para a realidade com suas metáforas sobre o fósforo e o sentido da vida são profundas e nos fazem embarcar em sua história de vida, torcendo por ele. É o primeiro que tem a coragem de dizer aquilo que o espectador gostaria sobre a situação de Tita: isto é um absurdo. Talvez, por ser de uma outra cultura e ver a mulher em outra posição que não a de totalmente submissa à tradição, tanto que demonstra não se importar em casar com uma mulher que não seja virgem.

A sensibilidade do diretor e do fotógrafo em contar essa história através de imagens e planos é de extrema beleza, em um ritmo contido tal qual os sentimentos da protagonista, que, aliás, dá um banho de interpretação. Não é à toa que o filme ganhou o Festival de Gramado, Tóquio e todos os prêmios do México naquela época. Sendo considerado até hoje um marco do cinema latino. Há beleza cinematográfica em sua forma de contar. O enquadramento das cenas da cozinha, destacando os sentimentos com as sensações que a comida traz a quem a come. A cena do bolo sendo passado de mão em mão no casamento e todas as conseqüências. A morte de Nacha, o ataque mexicano, a crise de loucura de Tita, a fuga de Gertrudis. Tudo é composto de uma forma lúdica e bela que traz uma sensação agradável à trama.

Como água para chocolate é um belo filme, mas difícil para nós, espectadores que não vivenciam aquela cultura, aceitar e compreender algumas decisões que são o mote do filme. Ainda assim, é uma história bem contada, que nos encanta por toda sua construção técnica.

Como água para chocolate (Como agua para chocolate, 1992 / México)
Direção: Alfonso Arau
Roteiro: Laura Esquivel
Com: Marco Leonardi, Lumi Cavazos e Regina Torné
Duração: 105 min.

Promoção O Corvo

2012-05-21T14:38:00.000-03:00

PROMOÇÃO ENCERRADA
Veja resultado.

O Corvo, filme dirigido por James McTeigue, traz uma instigante história do escritor Edgar Allan Poe, em seus últimos dias de vida, perseguindo um serial killer que se inspira em suas obras para cometer assassinatos.

Então, quer ganhar um par de ingressos para assistir a esse filme*? Confira as regras abaixo.

Top Fãs (10 pares de ingressos):
Antes das regras, uma pausa para falar que quem é Top Fã do CinePipocaCult no Facebook sempre ganha prêmios e, portanto, 10 ingressos já vão para nossos Top Fãs automaticamente! E os que se mantém na liderança desse mês até hoje são:

Ricardo Ruman
Angelo Costa
Caio Costa
Dani Fuller
Naldemir Melo
Carla Assis
Louise Lago
Lidiane Camara
Milena Soares
Grace Gomes

Entrem em contato enviando o endereço por mensagem no Facebook ou e-mail para cinepipocacult@gmail.com para enviarmos seus ingressos.

E vamos a mais ingressos, agora pelo Twitter.

Twitter (5 pares de ingressos):
1 - Siga @cinepipocacult no Twitter.
2 - Clique no cartaz ao lado para acessar o Twitter, dê RT na mensagem e torça para ser sorteado.
3 - RTs Válidos até 23/05/2012.

Resultado dia 24/05**

Resultado do Twitter:
Sorteio

1. @Jungleneto
2. @Takashi_Edu
3. @soniajams
4. @thor_carlos
5. @zuforte

Parabéns, agora enviem e-mail para cinepipocacult@gmail.com com endereço completo com CEP até o dia 29 de maio para enviarmos seus prêmios.

*Convites válidos de segunda a quinta-feira, exceto feriados. Aceito em todas as salas onde o filme estiver em exibição, exceto os cinema Araújo, Cinemark Iguatemi (SP), Cidade Jardim (SP), Grupo Estação, Kinoplex Park Shopping Platinum (Brasília), Kinoplex Vila Olímpia Platinum (São Paulo), Salas IMAX, Sala UCI de Lux, Cine Recreio Cabo Frio e salas VIPs. Promoção não cumulativa. Ingresso sujeito a lotação das salas. Venda Proibida.

** O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam na Região Metropolitana de Salvador, Bahia.

De Volta para o Futuro

2012-05-21T08:30:00.000-03:00

Há filmes que se tornam ícones de uma geração e parecem que não envelhecem. A trilogia De Volta para o Futuro é uma delas, revendo recentemente o primeiro filme de 1985, foi como se realmente voltasse no tempo e me divertisse da mesma maneira com a família McFly e Dr. Emmett Brown. Deu vontade de rever os outros dois, que farei em breve e também comentarei aqui.

Acho que hoje é quase impossível alguém pelo menos não conhecer a trama do filme de Robert Zemeckis. Marty McFly (Michael J. Fox) é um garoto comum, com uma família atrapalhada de classe média, uma namorada apaixonada e que sonha em ser cantor de rock. Um dia é chamado por seu amigo cientista, Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd), para conhecer seu novo invento: uma máquina do tempo. Em meio a uma confusão e em fuga, Marty acaba embarcando e ficando preso no ano de 1955, atrapalhando o primeiro encontro de seus pais e colocando toda a sua existência em risco. Só resta pedir ajuda ao Dr. Brown de 1955 para conseguir resolver tudo e retornar ao seu tempo.

É impressionante como é uma aventura relativamente simples, bem amarrada, mas que deixa várias pistas para os próximos filmes. Aliás, o roteiro de De Volta para o Futuro é que mais chama a atenção, repleto de pistas e recompensas que não nos deixam nenhum gosto de engano quando tudo se encaixa perfeitamente. Basta observar que está tudo ali, desde a primeira cena. Há um frescor na composição das sucessões de confusões e desenlaces, um bom ritmo na aventura, principalmente nas cenas de Marty em seu skate ao som de The Power of Love.

A primeira cena já é bastante instigante, o laboratório do Dr. Brown sendo observado em detalhes, abandonado a uma semana, as fotos na parede, o prato de comida do cão Einstein com seu nome peculiar, a matéria na televisão sobre o roubo do plutônio e a caixa dele, embaixo de uma mesa, nada está ali de graça. Nem mesmo a piada de Marty chegando e ligando o amplificador que estoura, para ouvir depois a recomendação de que não deve tentar ligar, pois pode estar com uma pequena sobrecarga. Tudo isso ajuda a construir a personalidade do Dr. Brown e o invento estranho que estamos prestes a presenciar.

Claro que nem tudo é perfeito, há um exagero nas gags dos personagens, por exemplo. Ninguém pode ser tão tolo quanto George McFly com seu exagero de caras e bocas tanto quando não consegue enfrentar Biff, quanto quando assiste televisão rindo exageradamente. Assim como as caras e bocas do Dr. Brown lembram uma caricatura de Jim Carrey, fora que um cientista que só faz trapalhadas conseguir construir uma máquina do tempo em um Delorean é algo bem complexo de acreditar.

Outra coisa que fica sem explicação é a reação de Marty ao chegar no ano de 1955. Ele sabia que estava dentro de uma máquina no tempo, acabara de ouvir a explicação de que, ao chegar a velocidade de 88 mph, ou 142 Km/h, acionaria a máquina, porque é tão complicado de entender o que aconteceu ao se ver naquele tempo estranho? Ainda mais com todas as dicas do Dr. Brown de que ali antes era uma fazenda de Pinheiros. A data está gravada no painel do carro, porque ele precisa de um jornal jogado no lixo para saber onde está? Mas, tudo isso são detalhes que podem ser justificados com a própria descrença do garoto, que já presenciara diversos inventos que deram errado. E a gente desculpa, principalmente, porque há muito mais coisas que se encaixam do que pontas soltas nesse roteiro.

A situação da praça, o prefeito que é faxineiro, o relógio, o raio, o tombo do Dr. Brown e a visão do capacitor de fluxo, o primeiro encontro dos pais de Marty, o acidente, o baile, tudo é muito bem construído. Isso sem falar nas brincadeiras e piadas com a mudança de época como o presidente "ator", a reprise de um programa que na época era inédito, o refrigerante diet que ainda não existia, e claro, a piada com o Darth Vader Vulcano com direito até a saudação de "vida longa e próspera".

E no clima de unir pistas e recompensas, ainda temos uma cena marcante que é quando Marty canta Johnny B. Goode para a plateia de 1955. Além de realizar seu sonho de tocar no baile do colégio e ainda abre espaço para piadas como o líder do grupo ligando para o seu primo Chuck Berry, para muitos o inventor do rock'n'roll, para mostrar o som que ele estava procurando ou ele exagerando na performance no final dizendo que os filhos da plateia irão adorar.

De Volta para o Futuro é, então, daqueles filmes que não envelhecem. Uma boa história, bem contada, com boas interpretações e cenas memoráveis, que consagraram Michael J. Fox como estrela de Hollywood. Tudo leva a crer que os produtores sabiam exatamente o que estavam fazendo.

De Volta para o Futuro (Back to the Future. 1985 / EUA)
Direção: Robert Zemeckis
Roteiro: Robert Zemeckis, Bob Gale
Com: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson
Duração: 116 min.

Promoção O Que Eu Mais Desejo

2012-05-20T23:56:00.000-03:00

PROMOÇÃO ENCERRADA
Veja resultado.

O Que Eu Mais Desejo é o novo longa-metragem de Hirokazu Koreeda. Em Kagoshima, ao sul de Kyushu, um vulcão é um dos temores de Koichi, um menino que vive com a mãe e os avós e ressente-se da separação de seus pais. O irmão caçula, Ryunosuke, ﬁcou com o pai no norte da ilha. O que Koichi mais deseja é que sua família esteja junta novamente. Então, quando escuta uma lenda de que ao fazer um desejo no momento em que dois trens balas se cruzam, ele certamente se realizará, decide organizar uma viagem secreta até o ponto de intersecção dos trens, onde o milagre poderá acontecer.

Então, quer ganhar um par de ingressos para assistir a esse filme*? Confira as regras abaixo. Mas, atenção, como o filme tem distribuição menor que a maioria dos blockbusters, verifique se está passando ou se têm previsão de chegar em sua cidade.

Top Fãs (3 pares de ingressos):
Antes das regras, uma pausa para falar que quem é Top Fã do CinePipocaCult no Facebook sempre ganha prêmios e, portanto, 3 ingressos já vão para nossos Top Fãs automaticamente! E os que se mantém na liderança desse mês até hoje são:

Ricardo Ruman
Angelo Costa
Caio Costa

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Twitter (3 pares de ingressos):
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3 - RTs Válidos até 23/05/2012.

Resultado dia 24/05**

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1. @Francivania_
2. @NeidsonCruz
3. @hhelena_

Parabéns, agora enviem e-mail para cinepipocacult@gmail.com com endereço completo com CEP até o dia 29 de maio para enviarmos seus prêmios.

*Convites válidos de segunda a quinta-feira, exceto feriados. Aceito em todas as salas onde o filme estiver em exibição, exceto Cinemark Iguatemi, Circuito Araújo e Grupo Estação. Promoção não cumulativa. Ingresso sujeito a lotação das salas. Venda Proibida.

** O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam na Região Metropolitana de Salvador, Bahia.

A arte de documentar a ficção*

2012-05-20T09:30:00.000-03:00

Desde que John Greison assistiu a Nanook, o Esquimó (Nanook of the North) de Robert J. Flaherty, criando o termo documentário, a teoria cinematográfica constrói e reconstrói essa definição. Há até aqueles menos esclarecidos que não consideram um documentário um filme. Tolos eles que não sabem que o cinema nasceu documental, seja nas experiências de estúdio de Thomas Edison ou nos registros diários dos irmãos Lumière. Onde termina o real, onde começa a ficção? Questões que nunca saberemos ao certo como serão respondidas.

Provavelmente com esses questionamentos em mente, Eduardo Coutinho colocou um anúncio no jornal procurando mulheres com histórias interessantes. Diversas apareceram e ele as entrevistou em um teatro vazio. Depois, convidou atrizes, dentre elas, três famosas: Andréa Beltrão, Fernanda Torres e Marília Pêra; e fez uma brincadeira de montagem, misturando ficção e realidade para expor sentimentos e contradições da alma feminina. Assim nasceu “Jogo de Cena”, seu sexto longametragem.

Eduardo Coutinho é o maior nome do cinema documentário do país. Não apenas pelo seu talento para contar histórias reais, mas pelo grande número de bons filmes que já fez. Começando por “Cabra Marcado para Morrer”, que, a princípio, seria uma ficção, passando por “Boca de Lixo”, “Edifício Master” e “Peões”. Sua capacidade de construir e descobrir situações interessantes fez com que fosse capaz de propor ir para o Nordeste filmar à procura de um tema interessante e ter total apoio para isso. Assim, surgiu “O Fim e o Princípio”, um belo documentário sobre uma família em um vilarejo nordestino.

Com “Jogo de Cena”, ele começou uma série de experimentos que já passou por “Moscou”, filme sobre os ensaios de uma peça de teatro, e sua obra mais recente, “As Canções”, em que dezoito pessoas contam quais canções marcaram as suas vidas, construindo uma espécie de musicoterapia em tela. Assim também é “Jogo de Cena”, onde atrizes e pessoas reais abrem suas vidas para as câmeras em um jogo fascinante.

Apesar de alguns detalhes de entrevistadas subindo as escadas e chegando ao palco, a maior parte do filme tem apenas um enquadramento. Em plano médio, uma mulher, sentada em uma cadeira, com a pláteia do teatro vazia ao fundo. Por vezes, fecha o plano em um close, ou abre um pouco mais. Porém, sem muita alteração. A questão em “Jogo de Cena” é saber o que é verdade e o que é encenação. Mas, o que é realmente verdade quando estamos na frente de uma câmera? Este, talvez, seja o maior questionamento. Principalmente, quando as atrizes expõem um pouco da própria experiência, mesmo que seja na preparação da cena, na preocupação do colírio de Marília Pêra, na dificuldade de Fernanda Torres que pede para repetir várias vezes (e tudo permanece no filme) ou a revolta de Andréa Beltrão por ter chorado.

A proposta do filme parece ser mesmo essa e apenas pelos rostos famosos fica um pouco mais fácil identificar mulheres verdadeiras, porém outras atrizes estão ali e muitas vezes o público passa sem perceber o engano. É, então, que volta a questão principal. Não é a toa que ele escolheu um palco de um teatro. O limiar do real sempre foi uma questão em seus filmes. Pois ao estar diante de uma câmera, qualquer pessoa, comum ou atriz, assume um papel. Estamos sempre encenando a nossa própria vida para os outros. Mesmo sendo verdadeiros, assumimos uma postura. E isso é que torna “Jogo de Cena” genial. Ouvir aquelas histórias nos faz viajar em nossas próprias, independente de ser real ou encenação.

Com “Jogo de Cena”, Eduardo Coutinho experimenta os limites dos gêneros, questionando e teorizando sem uma só fala a esse respeito. Ele constrói sua teoria apenas com imagens e montagem, deixando para o espectador o questionamento sobre o que está assistindo. Ou não. Porque por vezes não precisa exatamente ter uma definição acadêmica, mas ser um simples exercício do fazer. Não chega a ser um filme de ficção, nem pode ser considerado um documentário. Coutinho conseguiu expor algo que pode não ter uma definição exata, tal qual fez Wim Wenders em “O Quarto 666”, mas não deixou de marcar mais uma vez a história do cinema brasileiro.

*Esta crítica ficou em terceiro lugar no Concurso Estadual de Estímulo à Crítica de Artes, na categoria Audiovisual, promovido pela Fundação Cultural do Estado da Bahia (Funceb) em 2011.

Jogo de Cena (Jogo de Cena, 2006 / Brasil)
Direção: Eduardo Coutinho
Duração: 105 min.

O Sobrevivente

2012-05-19T11:16:00.000-03:00

Desde que conheci Jogos Vorazes tinha vontade de rever um filme dos anos 80 baseado no livro "O Concorrente" (The Running Man, no original) de Stephen King. Estrelado por Arnold Schwarzenegger, o filme O Sobrevivente de 1987 é uma Sessão da Tarde datada, é verdade, mas ainda tem alguma coisa interessante naquela crítica à televisão e a sociedade mundial.

Em um futuro distante, os Estados Unidos estão divididos por zonas e a televisão é controlada pelo governo. A arte é censurada e o programa de maior sucesso se chama "The Running Man", onde prisioneiros fogem de "caçadores" em uma corrida mortal. Nesse mundo, encontra-se Ben Richards (Arnold Schwarzenegger), um ex-soldado piloto de uma missão de massacre que se recusa a matar inocentes e, com isso, é preso e utilizado como bode expiatório do ocorrido para a população. Assim, ele acaba sendo enviado para o programa de televisão junto a dois companheiros de cadeia William Laughlin (Yaphet Kotto) e Harold Weiss (Marvin J. McIntyre), se envolvendo ainda com a garota Amber Mendez (Maria Conchita Alonso), e juntos, terão que sobreviver a vários caçadores e às manipulações da mídia.

Tem um pouco de tudo aqui. A base parece mesmo ser 1984 de George Orwell, mas é possível comparar com histórias como Jogos Vorazes, Gladiador e Gamer, por exemplo. Há aqui uma crítica clara à sociedade e a manipulação da televisão. Tão clara que chega a ser didática em alguns pontos, como na conversa dos integrantes da "resistência", falando da alienação dos dias atuais, do câncer que é a televisão. Isso sem falar dos estereótipos como o apresentador Damon Killian (Richard Dawson), sem escrúpulos e sem coração, sempre visando a alta audiência e o lucro.

A manipulação da televisão também é maximizada, beirando ao ridículo. Tudo soa falso, desde as reações da plateia até os vídeos encenados. Mas, é interessante a forma como o filme de Paul Michael Glaser demonstra a visão completamente entregue daquele público crente, que facilmente está torcendo pelo caçador e de repente se irrita porque ele não foi morto. Ou que vibra com determinadas derrotas no jogo sem raciocinar o que de fato aconteceu. Serão sempre massa de manobra, não importa o que aconteça.

Agora, apesar de os elementos estarem ali, o filme possui várias falhas técnicas, a começar pelo roteiro onde nada flui naturalmente, as etapas da jornada de Ben Richards são todas manipulações baratas, principalmente pela forma como a direção trabalha esse texto. A cena no helicóptero é teatral, a situação na cadeia é até bem realizada, mas demora muito e não justifica tanto, as primeiras cenas de Ben com a garota Amber é pastelão, tudo parece apenas desculpas para juntar os dois e os outros companheiros naquele jogo televisivo. A própria construção das motivações e mudanças de pensamentos de Amber são mal feitas, assim como as mudanças de reações da platéia. A virada do jogo de Ben não é tão bem construída quanto a da garota de Jogos Vorazes, por exemplo. Além disso, o filme tem uma montagem pouco funcional e a trilha sonora é das mais irritantes, com um som techno dos anos 80 que quebra o clima de várias cenas.

Arnold Schwarzenegger era estrela em plena ascensão aqui, após filmes como Conan, Exterminador do Futuro e O Predador, mas sua atuação é tão caricata quanto o resto do texto e personagens. Agora há de se fazer justiça que a responsabilidade não é apenas de sua frágil atuação. Chega a ser irritante em alguns momentos, principalmente pela construção do seu personagem completamente típico, um soldado justo e bondoso que se torna o vilão aos olhos da população manipulada, mas vai provar seu valor. Interessante perceber que, até quando parece interessante, a construção de Paul Michael Glaser parece seguir uma cartilha. Em determinado momento, o personagem de Schwarzenegger precisa falar com os manipuladores através de uma câmera que está presa na parede, ou seja, eles o veriam em um ângulo inclinado de cima para baixo, diminuindo o personagem. Ele, então, arranca a câmera e a coloca na altura da cintura para poder falar sendo gravado em um ângulo de baixo para cima, ou seja, superior. Uma forma cartilhar de demonstrar que o jogo estava sendo virado, mas ainda assim, um movimento interessante.

O Sobrevivente é isso, um filme datado, com vários problemas técnicos, mas que esconde dentro dele uma história interessante que poderia ser melhor explorada. O que de certa forma foi, em todos os outros filmes que o sucederam. Atualmente, funciona mais como curiosidade.

O Sobrevivente (The Running Man, 1987 / EUA)
Direção: Paul Michael Glaser
Roteiro: Steven E. de Souza
Com: Arnold Schwarznegger, Maria Conchita Alonso e Yaphet Kotto.
Duração: 101 min.

Promoção Slovenian Girl

2012-05-18T14:32:00.000-03:00

PROMOÇÃO ENCERRADA
Veja resultado.

Apenas para moradores de Salvador

Considerado o melhor filme europeu de 2010 pela European Film Academy, Slovenian Girl é um filme com ritmo próprio. Aleksandra é uma garota comum que nasceu em uma pequena cidade da Eslovênia e faz faculdade na capital do país, Ljubljana. Sua rotina entre estudos, sala de aula e visitas ao pai amoroso são construídas em paralelo à sua atividade clandestina. Veja crítica completa.

Então, quer ganhar um par de ingressos para assistir a esse filme? Confira as regras abaixo. Mas, atenção, só é válido para moradores de Salvador. Veja onde o filme está em cartaz aqui.

Twitter (3 pares de ingressos):
1 - Siga @cinepipocacult no Twitter.
2 - Clique no cartaz ao lado para acessar o Twitter, dê RT na mensagem e torça para ser sorteado.
3 - RTs Válidos até 20/05/2012, às 20h.

Resultado dia 20/05**

Resultado do Twitter:
Sorteio

1. @CINEMOVIES2006
2. @sensiibleheart
3. @somentelana

Parabéns, agora enviem e-mail para cinepipocacult@gmail.com até o dia 23 de maio para enviarmos seus prêmios.

** O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam na Região Metropolitana de Salvador, Bahia.

A semana no Cinema

2012-05-18T00:31:00.000-03:00

Começou essa semana o 65º Festival de Cinema de Cannes. Até o dia 27 de maio, a França irá respirar cinema e, com isso, o mundo inteiro estará de olho no que acontece no Festival mais charmoso e valorizado do cinema mundial. Tomara que seja um ano mais tranquilo que as polêmicas do ano anterior, nessa edição em que o Brasil é destaque, como já havia comentado nessa mesma sessão. A noite de abertura foi marcada pela Avant Premiere de Moonrise Kingdom, filme do diretor americano Wes Anderson que estava presente junto com todo elenco: Edward Norton, Bruce Willis, Bill Murray, Tilda Swinton e Jason Schwartzman, além das crianças Kara Hayward e Jared Gilman. Moonrise Kingdom é um dos concorrentes à Palma de Ouro deste ano, junto a mais 21 concorrentes, entre eles Na Estrada, do brasileiro Walter Salles, todos filmes de diretores homens, como observou a jurada Andrea Arnold, ao lamentar que as diretoras estejam quase em extinção no cenário mundial. Agora é só ficar de olho e acompanhar as notícias que vem do outro lado do oceano.

Notícias Rápidas

Festival da Sala de Arte
Enquanto não podemos ir a Cannes, aqui em Salvador começa hoje o Festival Avant-Premiere, com exibição de 8 filmes inéditos entre os dia 18 e 24 de maio no Cine Vivo, do Circuito Sala de Arte. São sessões exclusivas diariamente às 18:30 e 21:00 com os filmes O que eu mais desejo, A delicadeza do amor, Apenas uma noite, A arte da conquista, Kaboom, A velha dos fundos, À espera de turistas e O moinho e a cruz. Uma boa oportunidade para conferir filmes de diversas nacionalidades. Maiores informações no blog do circuito.

“O Invasor”, de Beto Brant
A Escola de Cinema Darcy Ribeiro exibe neste sábado, dia 19, às 18h, o filme “O Invasor” (2001), de Beto Brant, como parte da programação de seu Cineclube. Após a exibição, haverá um debate com o professor de roteiro Sérgio Almeida. As sessões do Cineclube têm entrada franca e são realizadas todos os sábados, às 18h. Uma adaptação do livro homônimo de Marçal Aquino, O Invasor é a estreia do Titã Paulo Miklos no cinema, que assinou também a trilha sonora do filme. Um filme forte que narra a história de três amigos, companheiros desde os tempos de faculdade de engenharia, que são sócios em uma construtora há mais de 15 anos até que um desentendimento os envolve em um crime quase perfeito.

Festival Cinema pela verdade
Durante os meses de maio e junho, as principais universidades do país serão palco para o primeiro festival “Cinema pela Verdade”, realizado pelo Instituto Cultura em Movimento (ICEM) em parceria com o Ministério da Justiça, via Comissão de Anistia. O projeto vai levar para os quatro cantos do Brasil, filmes nacionais que têm como tema o período da ditadura militar e suas conseqüências. Ao todo, o festival vai percorrer todas as 27 capitais federativas e passar por 81 universidades, promovendo exibições gratuitas, seguidas de debate com a presença de convidados e diretores/realizadores de cada obra. A primeira cidade a receber o evento será Recife, entre os dias 16 e 18 de maio. Após cada exibição, será promovido um debate com acadêmicos, pesquisadores, integrantes de movimentos sociais e culturais, além dos próprios diretores ou equipe de produção dos filmes, onde estudantes e debatedores terão a chance de trocar conhecimento e experiências, fomentando assim a discussão. Entre os dias 21 e 25 de maior será a vez das cidades no Pará (Universidade Federal), Roraima (Universidade Estadual), Alagoas (Universidade Integrada), Maranhão (Universidade Estadual), João Pessoa (Universidade Federal de Campina Grande), Goias (PUC-GO e UFG), Brasília (Centro Universitario de Brasília), Rio de Janeiro (UERJ e UFRJ), Espírito Santo (UFES e UNIVIX) e Sergipe (UFS).

Homem de Ferro
Os fãs de Robert Downey Jr., Tony Stark e o Homem de Ferro ainda não têm nada com o que se preocupar, por enquanto são apenas boatos e suposições, mas como onde há fumaça há fogo, já começam pequenas notícias e declarações de uma possível continuação dos filmes do Homem de Ferro sem a presença de Downey Jr., o que seria uma pena, já que o ator encarnou perfeitamente o papel, ajudando no sucesso da franquia. "Homem de Ferro 3" chegará às salas de cinema dos Estados Unidos em 3 de maio de 2013, mas já existem planos para novos filmes, assim como para o segundo de Os Vingadores, e é sempre possível que um ator como Downey Jr. se canse de repetir o mesmo papel sempre. Kevin Feige, presidente da Marvel Studios, declarou que caso o ator saísse, a série não seria reiniciada: "Minha esperança é que ele faça vários filmes como Stark. Mas, se isso não acontecer, e se continuarmos com os filmes, não seria feito nenhum reboot", esclareceu, para depois acrescentar que seguiriam "o modelo James Bond". Tomara que ele ainda tenha fôlego para muitas aventuras. (fonte).

Estreias da Semana

Semana com três estreias bem diversas, o suspense O Corvo de James McTeigue que traz uma instigante história de Edgar Allan Poe perseguindo um serial killer que se inspira em suas obras para cometer assassinatos. O drama japonês O que eu mais desejo de Hirokazu Kore-Eda, sobre a esperança de um garoto em reunir novamente sua família a partir do anúncio da construção de uma linha de trem bala ligando duas cidades. E o novo filme de ação de Adrian Grunberg com Mel Gibson no elenco, Plano de fuga fala de um criminoso que aprende a dura realidade de uma prisão mexicana com a ajuda de um garoto de 9 anos.

Humor

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Fica a Dica

Operação Titanic
Acontece nesta quinta-feira, dia 24 de maio, o evento Operação Titanic, dos alunos da Faculdade de Comunicação da UFBa. Será exibido o filme "Somente Deus por Testemunha" em memória ao centenário do naufrágio do Titanic. Essa versão de 1958, respeitadíssima no meio cinematográfico, tem como foco a tragédia, de modo que é tratado quase como um documentário. Com roteiro e produção bem elaborados para época, é uma trama aclamada pela crítica e pelo público. A entrada é franca e ainda tem pipoca grátis. Para maiores informações, visitem a página do evento no Facebook.
Dia: 24/05
Horário: 11h (manhã)
Local: Auditório da Facom (Ondina) - Salvador - Ba

A magia do cinema

2012-05-16T08:30:00.000-03:00

Inspirada no texto de ontem, resolvi resgatar aqui uma lista de filmes que valorizam o cinema. Uma verdadeira metalinguagem, muito bem realizada e inesquecível. Por que filmes que envolvam o cinema, existem vários, mas poucos traduzem completamente a emoção cinéfila da sétima arte. Não digo com isso, que esses dez são os únicos, nem os melhores, mas o que elejo para representá-los, por ter visto mais, gostar mais ou me emocionar mais em algum momento da vida.

10 - O Último Grande Herói
Não é piada, começo com esse porque não deixa de ser um clássico da Sessão da Tarde que valoriza a paixão de uma criança por filmes. Filmes de ação, de entretenimento puro, mas que o faz entrar nesse mundo imaginário que tanto nos encanta. O filme de John McTiernan, estrelado por Arnold Schwarzenegger é uma metalinguagem perfeita. Danny Madigan é um garoto que fã incondicional do personagem Jack Slater (Arnold Schwarzenegger) que ganha um ingresso mágico capaz de o levar para dentro das telas do cinema. Mas, há um problema. Com o mesmo ingresso, os vilões do filme vão parar no mundo real. Um filme de ação, que valoriza os filmes de ação e demonstra que ele pode ser uma porta de entrada para esse mundo mágico da paixão pelo cinema.

09 - Cine Majestic
O filme de Frank Darabont, estrelado por Jim Carrey, não é perfeito. Mas, é uma bela e envolvente história de amor à sétima arte. Peter Appleton é um roteirista de filmes B confundido com comunista que acaba sofrendo um acidente de carro e parando desmemoriado em uma pequena cidade na Califórnia. Lá, ele é confundido com Luke Trimble, o filho do dono do cinema local e acaba aceitando sua nova identidade. A reconstrução do Cine Majestic e a forma como Peter se envolve com os moradores locais é bonita e envolvente. Torcemos para que ele descubra que é Luke de fato. Vibramos com as luzes do cinema acendendo.

08 - Ed Wood, o pior cineasta do mundo
Outro que não é piada. Além do filme de Tim Burton ser muito bom e a atuação de Johhny Depp ser incrível, Ed Wood pode ser chamado de tudo, menos de não-amante da sétima arte. Ele realmente amava aquilo que fazia. Enlouquecia a todos, inventada mecanismos trashs, mas sem perder a ternura. Sempre relembro aquela cena da Lula Gigante sem o mecanismo que a movimentaria. Wood era a improvisação do menino que faz uma experiência. Merece sempre nosso destaque.

07 - 8 1/2
Só Fellini para transformar sua falta de inspiração em uma ode ao fazer cinematográfico. 8 1/2 conta a história de Guido, um cineasta prestes a rodar sua próxima obra, que não tem a menor ideia do que fazer. Mergulhado em uma crise existencial e pressionado pelo produtor, pela mulher, pela amante e pelos amigos, ele se interna em uma estação de águas e passa a misturar o passado com o presente, ficção com realidade. O nome é porque esta seria a nona obra do diretor italiano, mas como ele não considerou um filme completo, colocou esse nome auto-explicativo, para ele apenas um meio filme, para nós uma obra-prima do cinema.

06 - Cantando na Chuva
Este musical de Gene Kelly é outro ícone cinematográfico. A cena dele literalmente cantando e dançando na chuva está entre as mais exibidas, lembradas e imitadas. Mas, Cantando na Chuva vai além disso, retrata um momento de mudança no cinema, a chegada do som, as dificuldades de algumas estrelas em falar, a oportunidade da música de prosperar. Um clássico que retrata bem a magia do cinema pela visão da indústria de Hollywood.

05 - O Artista
Outro lado da mesma moeda, O Artista que encantou o mundo ano passado e levou o Oscar desse ano, também nos traz esse momento em que o filme sonoro começa a ser feito. Mas, ao contrário de Cantando na Chuva que só demonstrou o lado bom disso, deixando para a personagem chata interpretada por Jean Hagen as dificuldades de adaptação, o filme do francês Michel Hazanavicius mostra o embate do filme de arte com a indústria. George Valentin é essa voz silenciosa que luta pelo que acredita e não se deixa abater mesmo com a falência. Mas, não deixa de ser interessante perceber que mesmo tão diferentes, os dois filmes encontram a mesma solução para os problemas.

04 - A Rosa Púrpura do Cairo
A declaração de amor de Woody Allen é das mais inteligentes. Porque A Rosa Púrpura do Cairo não é uma paixão cega pela sétima arte, há ali também a crítica à indústria de Hollywood, até mesmo em uma citação implícita a Anjo Exterminador de Luis Buñuel. É a jornada da doce Cecília, interpretada por Mia Farrow, que tem na sala de cinema seu único prazer e vê sua vida e da pequena cidade onde vive virar de cabeça para baixo quando um personagem sai da tela, apaixonado por ela. A Rosa Púrpura do Cairo é daqueles clássicos de que nunca nos cansamos de ver.

03 - A Invenção de Hugo Cabret
Há quem o chame de Deus do cinema, e de fato Scorsese é um mestre em todos os sentidos. Não poderia ser menos genial nessa fábula inspirada no livro de mesmo nome que já se tornou clássico nos Estados Unidos. E A Invenção de Hugo Cabret tem o plus de homenagear um verdadeiro pai do cinema, Georges Méliès. As cenas que contam a sua história e principalmente aqueles momentos finais são de pura emoção e ode à sétima arte, capaz de trazer de volta os sonhos perdidos.

02 - Crepúsculo dos Deuses
“Eu sou grande, os filmes é que ficaram pequenos”, diria Norma Desmond. É o Crepúsculo, é a mudança, é um thriller, mas antes de tudo é cinema. Na alma, na essência, na estrutura. Esse filme de Billy Wilder que não me canso de ver, rever e agora feliz por ter comprado uma edição especial em DVD é o cinema em sua eterna construção e desconstrução. A crueldade com as antigas estrelas hoje esquecidas, a dificuldade de um roteirista que pena para ser respeitado, a rotina dos grandes estúdios, os diretores que também foram ficando para trás. Uma mulher que vive no passado, um roteirista que precisa se esconder. E está tudo certo, ou não.

01 - Cinema Paradiso
Finalmente, uma ode à sétima arte e ao prazer de produzir, exibir e assistir a filmes. A obra-prima de Giuseppe Tornatore com seu garotinho Totó e o projetista Alfredo em uma amizade incrível embalada por muitos negativos. Não há como não se encantar pela fascinação de Totó pela tela grande, com as cenas engraçadas dentro do cinema, com o rapaz que passeia de uma cidade a outra trocando o rolo de filme, pela dedicação de Alfredo. Cinema Paradiso é um símbolo de um tempo que não volta mais. Mas, sempre nos emociona, até, ou principalmente, a última cena.

Geração Plim Plim

2012-05-15T08:30:00.000-03:00

Semana passada recebi uma newsletter do Telecine informando que "seis meses após aderir à dublagem, o Telecine Action ganhou 47% de audiência e subiu seis posições no ranking do horário nobre". Isso confirmou uma constatação que vem sendo rotina a cada dia nas salas de cinema, o público de filmes dublados no país aumentou consideravelmente. Já é possível ouvir da bilheteria o 'aviso' de que o filme escolhido é 'legendado, viu?'". Há um tempo isso era quase impossível, aliás, filme dublado no cinema ou nos canais pagos eram raridade.

Assim como o amigo Hugo do Cinema - Filmes e Seriados, fico assustada com as mudanças de preferência do público. Sou mesmo de uma outra geração que se acostumou a assistir filmes com seu som original e isso não é chatice de cinéfila metida a intelectual. É, principalmente, costume. Sim, a banda sonora que vai aberta para o mercado internacional é reduzida, sendo assim, por melhor que seja a dublagem, nossos técnicos têm limitação, isso sem falar na interpretação dos atores, como já demonstrei na análise da cena de Advogado do Diabo. Mas, independente das melhorias ou perdas, ver um filme dublado ou legendado é mesmo uma questão de educação visual e sonora. E a geração que enche as salas de cinema dos diversos shoppings espalhados pelo país foi educada vendo filmes na televisão aberta.

E isso não é uma crítica, apenas uma constatação. O público que está preferindo filme dublado não é apenas o povo menos favorecido econômica ou culturalmente. Como disse o próprio newsletter: "O alto desempenho não contou apenas com a contribuição da classe C, que cresceu 61%, mas também com a da classe AB, que registrou um aumento de 37% na mesma faixa de horário. É dela a maior participação na audiência do canal, com 53%". Observando essa crescente demanda e o comportamento do público nas salas de cinema é mesmo fácil constatar que o principal responsável por isso seja a televisão.

Afinal, o que é ver um filme na televisão aberta? Seja na Globo, SBT, Record, BAND? Primeiro, claro, um filme dublado (quem não se lembra da famosa "versão brasileira Herbert Richers"). Depois um filme com vários comerciais, onde é possível se levantar para ir ao banheiro, conversar, comer algo, etc. Além claro, de estar em casa e poder fazer o barulho ou movimento que se queira sem precisar se concentrar apenas no filme. Por último, não se importar com quem fez o filme, é apenas mais uma história para passar o tempo, ou alguém já viu créditos de filmes na televisão aberta? Basta observar o comportamento nas salas de cinema, com cada vez menos educação em ver o filme, os barulhos, as luzes que incomodam o vizinho, sem falar no movimento quase desesperado de se levantar antes mesmo do primeiro crédito subir na tela. É a verdadeira Geração Plim Plim, poderíamos dizer.

Antes, o cinema era um ritual. As famílias se reuniam, colocavam suas melhores roupas e iam ao cinema como um passeio único, um acontecimento. Havia um respeito pelo espaço, pela arte em si, pela reunião de pessoas que ali se envolviam com as mágicas imagens em movimento. Claro que não precisa nem deve ser um bando de robôs em silêncio profundo, vide o exemplo das cenas que são mostradas em Cinema Paradiso. Sempre houve brincadeiras, barulhos diversos, mas tudo fazia parte do ato coletivo. As pessoas estavam juntas naquele movimento de curtir o momento, o filme, a comunidade. E existia também a figura do Lanterninha, profissional responsável por equilibrar o limite entre a diversão coletiva e a arruaça que atrapalha a apreciação do filme, desrespeitando o próximo. Ele fiscalizava a sessão, retirando os que passavam da conta, preservando o espaço, que sim, sempre foi sagrado.

A função do cinema também era essa. O entretenimento coletivo, a desculpa para se encontrar com os amigos. Lembrando que ele reinou absoluto por muitos anos, antes da popularização da televisão. Mesmo as notícias eram vistas na sala de cinema, os gols da rodada, as informações das guerras, as imagens do outro lado do mundo. Os cinemas de rua tinham sua aura própria. O glamour da indústria de sonhos, os grandes artistas, o fascínio da tela grande. Lembro bem que mesmo na década de oitenta, quando comecei a frequentar as salas, ainda era um acontecimento ir ao cinema, uma ansiedade por algo que só poderíamos ver ali.

Hoje muita coisa mudou. A explosão dos shoppings centers e a indústria do entretenimento crescente dá opções de rapidez e comodidade com muito mais facilidade. As pessoas tem se tornando cada vez mais egocêntricas. Elas podem ter seu próprio cinema dentro de casa com um projetor, uma televisão de alta qualidade, um aparelho de blu-ray e claro, um home theater. O cinema não lhes oferece mais nada de inédito. Nem mesmo o filme, que ao mesmo tempo que está em cartaz já pode ser encontrado em algum link pirata na internet. E cada vez mais pessoas gostam de filmes, cada vez menos pessoas gostam de Cinema.

Assim, ir ao cinema é apenas mais um ritual rotineiro, como rodar pelo shopping para passar o tempo. E se é assim, para que o trabalho de ler legendas que traduzem falas ditas em uma língua estrangeira? Não é necessário o primor de um efeito sonoro que nem será percebido a maioria das vezes pelo ouvido leigo, e pouco importa se a voz não é do ator que vemos em tela. Interpretação também não precisa ser a melhor, afinal, basta entender e acompanhar a história em tela. Eles sempre viram filmes na televisão dessa forma e sempre foi bom, não é? Não podemos culpá-los. Nem mesmo julgá-los. Afinal, é mesmo possível ver um filme dublado e ter uma experiência medianamente satisfatória.

Os defensores do dublado ainda argumentam que é uma defesa de mercado, uma valorização da própria língua, que na Europa todos os filmes são dublados na língua nativa, como se copiar algo da Europa fosse auto-afirmação de alguma coisa. É verdade, a Europa dubla os filmes americanos, como os Estados Unidos sempre dublaram os filmes europeus. Há questões de mercado envolvidas nisso, não sejamos ingênuos. Mas, no Brasil, isso não quer dizer exatamente que somos mais abertos ao imperialismo yankee. Afinal, os filmes europeus ou asiáticos não são dublados para o inglês, por exemplo. É mesmo a defesa e preservação do som original do filme.

E o que nos deixa mais tristes não é exatamente essa mudança de postura e preferência do público que está indo aos cinemas ou comprando canais pagos, mas, sobretudo a falta de opção. Com a televisão digital isso é cada vez mais fácil, basta colocar uma possibilidade de escolha no canal. Assim como as salas de cinema podem reservar um horário que seja para os filmes legendados. Mesmo que minoria, ainda existe um público acostumado e educado a ver filmes com seu som original. Deixemos que a Geração Plim Plim tenha a sua escolha, mas que também nós, dinossauros de uma época, pelo visto, esquecida, possamos não perder o prazer de ir a um cinema ver filmes como sempre vimos. Então, por favor, Dublado sem opção, não, esse eu já vejo de graça na Globo, no SBT, na Record...

Slovenian Girl

2012-05-14T08:30:00.000-03:00

Considerado o melhor filme europeu de 2010 pela European Film Academy, Slovenian Girl é um filme com ritmo próprio. A tradução de uma rotina com um tratamento bastante realista que poderia acontecer em qualquer esquina. Não há peripécias mirabolantes, nem ação sobre humana, tudo é muito verdadeiro e, talvez por isso, ainda mais assustador.

Aleksandra é uma garota comum que nasceu em uma pequena cidade da Eslovênia e faz faculdade na capital do país, Ljubljana. Sua rotina entre estudos, sala de aula e visitas ao pai amoroso são construídas em paralelo à sua atividade clandestina. Para se manter e realizar o seu futuro, Sasha é uma prostituta que utiliza o codinome Slovenian Girl. E como toda garota que se aventura nesse mundo há perigos diversos que poderá enfrentar e o maior deles já nos é apresentado nas primeiras cenas.

A estrutura do roteiro de Damjan Kozole e Ognjen Svilicic é interessante exatamente por quebrar o padrão norte-americano. Não temos uma apresentação da personagem, um plot e uma aventura a ser enfrentada para um clímax redentor. Já somos apresentadas a Aleksandra com o seu "plot", um cliente que exagera no Viagra e morre em sua frente. Uma cena curiosa, onde ainda não sabemos quem seja aquela moça e o que possa resultar essa incursão trágica. É interessante também como a investigação em paralelo da polícia nos é mostrada apenas por veículos de comunicação como televisão, revista ou jornal.

O filme de Damjan Kozole vai muito além de uma trama linear de uma garota de programa que presencia um acidente e tem sua vida revirada. O foco, na realidade, é a própria Aleksandra, sua rotina, seus talentos, sua capacidade de dissimulação, seu amor pelo pai, sua raiva da mãe, sua relação com uma amiga da faculdade e um ex-namorado casado. O que seria a apresentação, se transforma no filme em si. Vamos acompanhando o dia a dia da garota eslovena e suas dificuldades.

Claro que o crime repercutiu de alguma forma em seu "negócio", já que seu codinome passa a ser procurado por todo o país. Ela tem que tomar mais cuidado com os possíveis clientes e nessa, acaba cruzando seu caminho com dois cafetões perigosos. Mas, isso não transforma sua rotina em um caminho único de esconderijo e perseguições. Curioso também que nem mesmo o sexo é um foco na direção de Damjan Kozole. Apenas uma cena é mostrada com maiores detalhes e a maioria das seguintes nos dá apenas o antes e o depois do ato.

O foco é essa garota Aleksandra, e é impressionante como a atriz Nina Ivanisin nos apresenta essa moça. Não há maniqueísmo, ela não é uma pessoa de má índole, mas em algumas cenas temos a noção exata do quão perigosa é a sua dissimulação, principalmente nas cenas onde envolve o professor na universidade e a gerente no banco. Sua atitude simples, quase ingênua engana aos mais distraídos e torna a história ainda mais interessante.

O tratamento do filme como um todo procura seguir esse clima do real. A fotografia é crua, sem muitos filtros, o ritmo é lento, com planos longos e muitos detalhes. A composição é quase documental, em uma direção que segue a garota como um cão fiel que observa sua vida, pronto para retratar cada momento importante. Nem por isso, deixa de haver um cuidado nos planos, destaque para uma em que o ex-namorado atende o celular da moça enquanto esta dorme. Uma composição cênica muito boa, que passa toda a mensagem.

Slovenian Girl é um belo retrato então, não apenas de Aleksandra, mas de milhares de moças espalhadas pelo mundo que se vêem na situação de vender seu corpo como uma maneira ilusória da facilidade de se manter e conseguir galgar um futuro melhor. Mas, só Deus sabe as dificuldades e dores que essa escolha lhes reserva. Sem julgamentos, sem preconceitos, sem maniqueísmo, Damjan Kozole nos apresenta a sua versão da situação e é bastante feliz nela.

Slovenian Girl (Slovenka, 2009, Sérvia, Croácia, Alemanha , Eslovênia)
Direção: Damjan Kozole
Roteiro: Damjan Kozole e Ognjen Svilicic
Com: Nina Ivanisin, Peter Musevski e Primoz Pirnat
Duração: 90 min

O Exótico Hotel Marigold

2012-05-13T08:30:00.000-03:00

"Tudo vai dar certo no final. Então, se não estiver tudo certo, é porque ainda não é o final". Acreditando piamente nesse ditado, o jovem Sonny Kapoor, vivido por Dev Patel (Quem quer ser um milionário), toca o seu "Exótico" Hotel Marigold, especialmente para hóspedes ingleses, na Índia. O problema é que o local está quase sucateado e quando os sete primeiros hóspedes desembarcam ali, tudo começa a mudar.

O roteiro de Ol Parker, baseado no livro "These Foolish Things", de Deborah Moggach, começa de uma maneira bastante inteligente, apresentando cada um dos sete integrantes dessa viagem de redescoberta interior. Sete pessoas idosas em momentos críticos da vida, resolvem por motivos diversos embarcar para a Índia. Recomeço, reencontro, novos horizontes, tudo parece possível naquele anúncio de hotel. E é interessante ver que a quebra da expectativa com ausência de serviços básicos como torneira, telefone e até uma porta em um dos quartos se transforma em oportunidades de reinventar a si mesmos e o próprio local.

De forma direta e inteligente, vamos conhecendo a situação de cada um. A personagem de Judi Dench, por exemplo, nos é apresentada de maneira profunda em uma conversa de telemarketing, conversa essa que vai reverberar no futuro de uma forma surpreendente. O roteiro está repleto dessas pistas e recompensas. Temos, então, essa senhora recém viúva, herdeira de uma dívida do esposo, uma dona de casa mal-humorada que precisa fazer uma cirurgia no quadril, um homem em busca de seu passado, um casal que emprestou suas economias à filha e precisa lidar com a nova situação, um homem e uma mulher solteiros em busca de um novo relacionamento, ela atrás de um homem rico, ele atrás de uma boa companhia.

Sete pessoas diferentes são unidas de uma forma quase esdrúxula, mas que funciona perfeitamente. Inclusive visualmente. John Madden constrói uma excelente cena no aeroporto, com eles se aglomerando aos poucos nas cadeiras e a câmera se afastando para enquadrar suas situações inusitadas. A chegada à Índia é outro bom momento, com todos divididos entre os famosos Tuk Tuks pelo trânsito caótico do país. Um bom ritmo em uma estrutura divertida e envolvente, já que já estamos familiarizados com aqueles simpáticos personagens.

A grande jornada na Índia será, então, de adaptação. Adaptação de uma nova vida, de uma nova situação, a um país estranho com línguas e pessoas igualmente diversas. Claro que ser em um país que já foi colônia inglesa facilita a questão da comunicação, mas nem todos falam inglês por ali. Adaptação até para o jovem Sonny que já estava habituado a não ter ninguém e tem que começar a se movimentar com a presença de hóspedes. Até a placa do hotel ganha uma brincadeira "agora com hóspedes", e o rapaz tem seus próprios fantasmas e dificuldades a superar com uma mãe possessiva e comparação com irmãos.

O filme ganha ainda um tom reflexivo a partir do blog da personagem Evelyn Greenslade, de Judi Dench. Ela constrói uma espécie de diário de viagem falando das dificuldades, adaptações e aprendizados que conseguiu naqueles quase dois meses de convivência. É gostoso acompanhar todo o processo e ver o crescimento de todos, principalmente com um elenco tão recheado de bons atores. Só de ver Judi Dench, Maggie Smith, Tom Wilkinson e Bill Nighy em uma mesma cena já é um deleite. Juntos, os sete atores veteranos constroem emoções e momentos ímpares.

O Exótico Hotel Marigold é uma aventura de vida. Experiência e juventude unidos em uma reflexão sobre caminhos, escolhas, novas descobertas, que mudanças não tem idade, nem momento. Tudo é sempre possível, basta sonhar e ir em busca de seus desejos. Afinal, tudo só acaba, quando está bem.

O Exótico Hotel Marigold (The Best Exotic Marigold Hotel, 2012 / EUA)
Direção: John Madden
Roteiro: Ol Parker
Com: Judi Dench, Tom Wilkinson, Bill Nighy, Penelope Wilton, Maggie Smith, Celia Imrie, Ronald Pickup e Dev Patel
Duração: 124 min.

Battleship – A Batalha dos Mares

2012-05-12T08:30:00.001-03:00

Quem nunca jogou Batalha Naval? O joguinho simples criado nos anos 30 que já deve algumas versões, inclusive online, sempre foi uma diversão interessante. Descobrir as coordenadas dos navios inimigos para conseguir atingi-los antes que ele atinja os seus podia nos entreter por horas. Quando o capitão Yugi Nagata dá a ideia de localização que os radares não estavam conseguindo, temos um vislumbre daquele jogo. São apenas alguns minutos dentro de um filme longo, que servem como inspiração e ponto de partida de uma aventura tola.

O mote é esse, uma justificativa para uma batalha no mar. Para isso, os roteiristas Erich Hoeber e Jon Hoeber encontraram um motivo para reunir toda a frota da marinha mundial em um evento especial e trouxe a eles alienígenas estranhos que desabam em nosso Oceano Pacífico e não possuem naves capazes de voar. Suas máquinas, no máximo, saltam entre as águas e comandam uma batalha, primeiro privada, em uma área protegida por um enorme campo de força, depois ampla, pelo domínio da Terra. Pelo menos isso é o que os humanos subentendem, já que os alienígenas se resumem a atirar e tentar telefonar para casa a exemplo do famoso E.T. de Spielberg.

Mas, claro que uma batalha assim não poderia ser tão impessoal. Então, temos o nosso protagonista interpretado por Taylor Kitsch, o mesmo herói que encarnou John Carter no recente filme da Disney. O tenente Alex Hopper possui duas apresentações quase desnecessárias para demonstrar sua personalidade rasa e sua motivação futura de tomar as rédeas da situação e se tornar o comandante da batalha. Um rapaz irresponsável, que nunca conseguiu um trabalho e não tinha perspectiva de futuro, após uma situação onde deveria ser preso por vandalismo acaba sendo arrastado pelo irmão para a Marinha. Lá, continua com um gênio forte e é considerado um desperdício de talento, mas tudo poderá mudar com o início da batalha. Engraçado são as escolhas para nos demonstrar tudo isso, principalmente com a partida de futebol em pleno mar.

Sim, porque estamos em pleno mar, apesar de nada se assemelhar com a profundidade das palavras de Castro Alves. A Marinha reunida, o mocinho, a mocinha que é filha do almirante vivido por Liam Neeson, o irmão responsável, os jovens destemidos, e claro, os alienígenas que foram convidados para a festa em um radar apresentado entre uma cena ou outra durante o primeiro ato e que, ao chegarem, perceberam humanos aparentemente despreparados, mas com muita vontade de defender seu planeta.

Uma coisa que chama a atenção em Battleship – A Batalha dos Mares é a mudança de paradigma norte-americano, se Independence Day era todo centralizado nos Estados Unidos, e claro, no dia 04 de julho. Aqui temos uma aventura mundial melhor distribuída. A batalha é no Oceano Pacífico, a cidade destruída no impacto inicial é Hong Kong e, apesar de os heróis continuarem a ser norte-americanos, há uma cúpula mundial que busca decidir os caminhos da humanidade. Pode parecer besteira, mas é um indício que de a filosofia de dominação difundida em todos os filmes hollywoodianos começa a ter que ser repaginada com um ar de mundial, afinal, os Estados Unidos não são mais o centro do mundo.

No mais, é tudo uma grande oportunidade para testar belos efeitos especiais e muita cena de ação. E Peter Berg consegue realizar um bom trabalho. Tudo é bastante tenso, com muita adrenalina e um ótimo ritmo para atrair multidões. A tecnologia evoluiu a um nível tal que fica até difícil existir filmes assim mal realizados. A roupagem engana bem, disfarçando a falta de conteúdo, e parece ditar a nova onda dos filmes entretenimento com maestria. E não deixa de ser surpreendente um filme assim não ter aderido a última tecnologia caça-níqueis do cinema, a projeção em 3D. De qualquer forma, é um visual que impressiona.

Battleship – A Batalha dos Mares é aquilo que se esperava dele, não podemos criticar o que não nos engana. Uma grande desculpa para criar mais batalhas mirabolantes entre terráqueos e alienígenas, demonstrando a força de nosso povo guerreiro que não deixará de defender o próprio planeta. Só que agora é a vez de ver como homens da água demonstram seu valor.

Battleship – A Batalha dos Mares (Battleship, 2011 / EUA)
Direção: Peter Berg
Roteiro: Erich Hoeber e Jon Hoeber
Com: Taylor Kitsch, Liam Neeson, Alexander Skarsgard, Rihanna.
Duração: 113 min.

A semana no Cinema

2012-05-11T08:30:00.000-03:00

Dia das Mães chegando e começam as homenagens, a mais comum é uma lista das grandes mães do cinema, e existem mesmo ótimos exemplos de mães no cinema, como também existem péssimos. Mães ideais, mães perfeitas, mães super protetoras, mães amigas, mães madrastas, mães inimigas, mães indiferentes. Mas, acho que tem um filme que traduz muito bem esse sentimento de mãe e filho, essa sensação única que teremos sempre de que ninguém estará lá por nós mais do que ela, só que às vezes temos que nos adaptar aos desígnios da vida. Lado a Lado, filme de 1998, dirigido por Chris Columbus, com Susan Sarandon e Julia Roberts, a mãe verdadeira e a mãe postiça respectivamente de duas crianças que tem que aprender a lidar com a separação dos pais, a chegada da madrasta e a perda da mãe, tudo isso em um tempo bastante curto. Mas, eles tem o suporte das mães, em cada momento, e acredito que a música Ain't No Mountain High Enough é a maior tradução dessa ligação, como mostram as duas cenas. "Se você precisar de mim, me chame, não importa onde você esteja". Afinal, "não há montanha alta o suficiente, não há vale profundo o suficiente, não há rio largo o suficiente" que impeça uma mãe de alcançar seu filho.

Notícias Rápidas

O Membro Decaído
Mais um curta-metragem está prestes a ser lançado, desta vez é de Lucas Sá, diretor maranhense que estuda Cinema e Audiovisual da Universidade Federal de Pelotas, no Rio Grande do Sul. Com um trailer instigante e uma descrição mais curiosa ainda, o filme já começa o burburinho na internet, em sua página no Facebook. “Essa história já permeia em mim há algum tempo, quando meu tio de Salvador, me contou a um ano atrás sobre um caso de extrema violência urbana. Eu anotei essa história bizarra e a partir daí comecei a criar a minha versão do ocorrido, colocando fatos que me interessavam tanto esteticamente quanto narrativamente, além de ser uma invenção do que poderia ter ocorrido pela mente de outro autor. Não sei se esse fato ocorreu realmente ou se foi só mais uma das mentiras que espalham por ai, mas está 'mentira' me interessou muito.”, afirma Lucas. O Membro Decaído deve estrear no final de Junho, no Cineclube Zero 3 e no cinema comercial da cidade de Pelotas. Mas, Lucas já informou que pretende correr os festivais por todo o país, para em um futuro próximo disponibilizar o vídeo na internet. O caminho de todo curta-metragem, sem dúvidas. Apesar de não conhecer ainda o trabalho do diretor, torço para que essa e outras iniciativas ganhem mundo.

Na Estrada
O novo filme de Walter Salles já tem um site brasileiro para divulgação, curiosidades e notícias do filme. Não é um diário de bordo como costuma fazer Fernando Meirelles, “o site não vai só falar dos bastidores da adaptação, da seleção de atores ou da filmagem de Na Estrada. Vai, sobretudo, procurar dividir a nossa admiração pelo universo criado por Jack Kerouac e pelos poetas da geração ‘beat’”, explica Walter Salles. Mas, já tem bastante informação interessante para nos ajudar a matar a curiosidade dessa obra baseada em On the Road, o romance cult de Jack Kerouac que lançou as bases da geração Beat. O filme está na Mostra Competitiva do Festival de Cannes desse ano e estreia no brasil em 15 de junho.

Diretores para exportação
Mais um diretor brasileiro fecha acordo para filmar em Hollywood. Depois de Meirelles, Walter Salles, José Padilha e Heitor Dhalia, agora é a vez de Afonso Poyart, diretor de 2 Coelhos. Na verdade, o diretor foi além, vendendo o direito de seu filme para um remake na terra do tio Sam. A versão americana será produzida pela Tango Pictures e, por opção própria, Poyart será apenas o produtor executivo deste projeto. Mas, em paralelo a essas negociações, o diretor começou a abrir portas para seu trabalho. Visitou a Fox, Paramount, Dreamworks, Warner Bros, New Line e recebeu dezenas de roteiros. Entre eles, o longa-metragem para a série "24 Horas" e a adaptação para o cinema do jogo "Need for Speed". Poyart fez mistério sobre o filme escolhido, dizendo que "No momento, estou praticamente fechado num projeto para rodar no ano que vem. É um filme com visual, não é ação explícita, uma mistura com coisas surreais. Tem um orçamento gigante, com um ator muito conhecido." Apesar do segredo à primeira vista, já foi divulgado que ele vai dirigir Solace, um suspense em que Anthony Hopkins interpretará um médico paranormal que ajuda a polícia a caçar um criminoso. Só nos resta aguardar. (fonte e fonte)

ACIE - O Globo de Ouro Brasileiro
Associação dos Correspondentes de Imprensa Estrangeira no Brasil (ACIE) realizada na segunda-feira consagrou o filme "Elvis& Madona" como o grande vencedor da noite. Apesar de O Palhaço, belo filme de Selton Mello ter levado o prêmio de melhor filme, o longa-metragem de Marcelo Laffitte ficou com quatro estatuetas: melhor diretor, melhor atriz (Simone Spoladore), mehor ator (Igor Cotrim) e prêmio do júri popular. O que não deixa de ser merecido já que é um ótimo filme. Agora, o inusitado da noite foi o prêmio de Blockbuster Brasil, para O Palhaço, por seus 1,4 milhão espectadores. É uma categoria controversa que o jornalista Marcelo Cajueiro, correspondente da revista "Variety" no Brasil e diretor-geral do prêmio ACIE, explica: "Resolvemos incorporar os filmes mais comerciais porque muitas vezes eles não se credenciam para prêmios, mas têm importância artística". (fonte)

Festival de Filmes Curtíssimos
Vai até amanhã em Brasília o 5º Festival Internacional de Filmes Curtíssimos, que faz parte da programação do Festival International des Très Courts, originalmente criado na França como vitrine da produção audiovisual mundial de filmes de até 3 minutos com exibições simultâneas em 15 países. Dentre os 44 selecionados para a mostra competitiva está o documentário “A Vida É Um Rio Selvagem”, de Gabriela Egito concorrendo a três prêmios: Melhor Filme, Originalidade, e Prêmio do Júri Popular. O filme aborda através de imagens, sem narração ou falas quais a tragédia ocorrida na cidade de Rio Largo com a enchente do rio Mundaú que deixou 300 famílias sem suas cadas. Mas, o interessante é que as imagens constroem a dimensão dessa catástrofe, mas dando destaque as pessoas que estão buscando se ajudar em meio ao caos, encontrando forças para superar o ocorrido. Três minutos de imagens impressionantes e sentimentos diversos. Gabriela disponibilizou o filme para imprensa, pena que ainda não posso disponibilizar para vocês, mas os que forem ao Festival terão oportunidade de conferir.

Estreias da Semana

Battleship - A Batalha dos Mares - O blockbuster de Peter Berg chega aos cinemas com a carga de mais um filme catástrofe com foco em efeitos especiais. De fato, é uma grande aventura com roteiro fraco para justificar a Batalha Naval, que em determinado momento simula mesmo o jogo de tabuleiro dos anos 30 que já teve várias versões inclusive online. A história, no entanto, é uma espécie de "Independence Day" da Marinha, já que os roteiristas resolveram inserir alienígenas nessa luta, como inimigo comum mundial. Não deixa de ser divertido, apesar dos clichês e fraco desenvolvimento.

Piratas Pirados! - A nova animação da Sony, criada pelos mesmo produtores de Wallace e Gromit e Fuga das Galinhas, é uma divertida aventura pirata em stop motion muito bem feito. Buscando reconhecimento no meio, o Capitão Pirata e sua tripulação se envolvem com a Rainha Vitória, Charles Darwin e algumas outras figuras engraçadas em um roteiro ágil e com muitas referências. Daqueles filmes para toda a família.

O Exótico Hotel Marigold - Com a força de um elenco estelar, John Madden, diretor de filmes como Shakespeare Apaixonado, nos apresenta uma emocionante aventura de redescoberta em um hotel na Índia. Setes pessoas no ocaso de suas vidas, com problemas financeiros e psicológicos diversos encontram no Hotel Marigold uma oportunidade de repensar suas atitudes e recomeçar, aprendendo a se adaptar às situações e pessoas novas que o destino lhe reserva.

Slovenian Girl - Finalmente chega a Salvador o filme de Damjan Kozole considerado o melhor filme europeu de 2010 pela European Film Academy. A trama gira em torno de Alexandra, uma jovem universitária que nas horas vagas trabalha como prostituta para juntar dinheiro. Longe de ser um "Bruna Surfistinha Esloveno", como alguns tem brincado na net, o filme é um retrato mais realista da rotina cruel de uma mulher que tem que simular sentimentos para conseguir o que quer. Porém, não há muitas cenas sexuais chocantes, muito menos apelativas. O filme todo é um vir a ser, um sentimento, uma rotina que o padrão americano, possivelmente, consideraria sem motivação. Mas, é uma história muito bem contada.

Humor

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Fica a Dica

Para quem gosta de livros, a Submarino está com uma boa promoção de coleções. Tem Jogos Vorazes por R$ 89,90 (os três livros), Coleção Mochileiro das Galáxias por R$ 29,90 (os cinco livros), a trilogia Millennium por R$ 69,90, entre outros. Destaque para as Crônicas de Gelo e Fogo que além de boxes especiais com os três ou os quatro primeiros livros da série, já está em pré-venda de A Dança dos Dragões, o quinto e aguardado volume dessa aventura de fantasia medieval que conquistou o mundo.

Piratas Pirados!

2012-05-10T08:45:00.000-03:00

Após sucessos como Wallace e Gromit e Fuga das Galinhas, chega aos cinemas mais uma aventura em stop motion: Piratas Pirados. Baseado no primeiro volume da série de livros “The Pirates!”, escrita por Gideon Defoe, traz uma divertida história sobre o Capitão Pirata e sua trupe atrapalhada buscando provar seu valor em alto mar.

Em uma linguagem fácil, Piratas Pirados brinca com sonhos, desejos e valores diversos como amizade e lealdade. É interessante ver o jogo feito em relação à honra dos piratas, por exemplo. Longe de ser uma distorção maléfica, quebra o maniqueísmo de que pirata é mau, ladrão e traiçoeiro, como se dentro da lógica deles, existisse também seus códigos de honra. E nada decepciona mais do que a traição de um amigo, por exemplo. Mas, sem querer filosofar muito sobre o tema, Gideon Defoe nos apresenta apenas uma aventura lúdica e engraçada, do sonho de navegar pelos sete mares enfrentando inimigos e provando o próprio valor. Que criança nunca sonhou ou brincou com isso?

Usando muito bem a técnica de stop motion, com uma incrível modelagem de personagens, Peter Lord impõe o ritmo da trama, sempre com muitas gags, referências e trapalhadas que geram ações para entreter todas as idades. Ver Charles Darwin, por exemplo, apaixonado pela rainha Vitória da Inglaterra, tentando enganar os piratas é hilário. A forma como o filme utiliza figura históricas para construir as situações enriquece o que poderia ser apenas uma aventura divertida em pleno mar.

A caracterização dos piratas e sua competição também é outra boa sacada. Aos poucos vamos conhecendo cada um dos competidores, um querendo ser maior que o outro que vai diminuindo nosso protagonista. São criativos em cada apresentação, dando a sensação de avanço na narrativa, sem parecer um pouco mais de enrolação até chegar a aventura propriamente dita do resgate da honra pirata daquele grupo. Interessante também como as pistas para a simpática ave Dodô já vão sendo dadas desde a sua primeira aparição.

Por mais que tenha uma história simples e com poucas peripécias reais, o roteiro consegue construir bons resumos de situações como as primeiras investidas a navios diversos que frustam a busca por ouro com pragas, estudantes, naturistas, fantasmas e cientistas. O jeito tolo e ingênuo do Capitão Pirata o faz embarcar naquele que ele imagina ser a solução para sua glória, sem perceber que só complica a sua situação a cada dia. É, de fato, um personagem crente, que não possui uma auto-crítica e simplesmente embarca na busca por seus objetivos. Quem somos nós para pará-lo?

As referências são outro atrativo do longa-metragem, principalmente na apresentação na feira de ciências que possui uma brincadeira inteligente com evolução das espécies e 2001. São detalhes que constroem o clima da animação enriquecendo a experiência fílmica e nos dando bons motivos para risadas. Essa é a tal construção em camadas que ajuda a atingir diversos públicos. As crianças, por exemplo, nesta cena terão pouca compreensão das referências, mas provavelmente rirão do mise en scène bem orquestrado da apresentação.

Com personagens carismáticos, uma boa construção da aventura, referências e piadas inteligentes, Piratas Pirados reforça o time das animações que divertem e satisfazem a toda a família. Um filme simpático nesses tempos de reciclagem de ideias.

Piratas Pirados (The Pirates! Band of Misfits, 2012 / EUA)
Direção: Peter Lord, Jeff Newitt
Roteiro: Gideon Defoe
Duração: 88 min.

Ginger e Fred

2012-05-09T08:30:00.000-03:00

Federico Fellini, ícone do cinema, autor de clássicos como Roma de Fellini, Oito e Meio e Amarcord, construiu nesta obra de 1985 uma das sátiras mais contundentes à televisão ao mesmo tempo em que deu um tom nostálgico ao cinema de sua época.

Ginger e Fred foi seu penúltimo filme produzido, não é uma obra-prima, mas tem seus momentos. Inteligente e com boas sacadas nos mostra a saga de dois antigos parceiros que se reúnem trinta anos depois para uma exibição na televisão. Pippo Botticella e Amelia Bonetti, interpretados por Marcello Mastroianni e Giulietta Masina, eram dois bailarinos que passaram a juventude imitando Ginger Rogers e Fred Astaire, ícones do cinema musical de Hollywood. Bem mais velhos, cansados e sem se ver há anos, o reencontro mexe com as emoções de ambos, mas se transforma em uma missão quase ingrata pela companhia não muito agradável de criaturas estranhas que compartilharão com ele o mesmo programa.

Fellini é ferino em sua construção do mundo dos horrores que se tornou a década de 80. A começar pelos cenários que envolvem a cidade, com propagandas grotescas, exageradas, em tons berrantes e exagerando na exposição e visão capitalista. Desde uma ação na estação de trem onde Amélia / Ginger chega, passando por outdoors até os breaks da própria televisão. E o veículo é mesmo o maior alvo de sua crítica. Uma frase irônica perto do final define o programa que mata "a sede cultural do país".

Seria uma espécie de programa de auditório bem parecido com o que vemos por aí, que explora todo tipo de bobagem sensacionalista. Junto ao velho casal vemos atrações como um grupo de anões, um transexual, um almirante que não explica a que veio e diversos sósias de figuras famosas como Kafka, Proust, Clark Gable e Woody Allen. Quando eles começam a se amontoar no hotel, a pobre Amélia começa a se perguntar porque se meteu naquela encrenca. E a simpática velhinha ainda se justifica dizendo que aceitou o convite para agradar a neta.

O humor ácido de Fellini não perde oportunidade para piadas. A começar pelos funcionários do hotel que só querem assistir ao jogo de futebol na televisão e não dão atenção aos hóspedes. Quando um de má vontade, leva as malas de Amélia para o quarto, reclama dos jogadores dizendo que hoje em dia eles não são mais profissionais, só pensam na fama. Enquanto que ele próprio só está pensando no futebol e na gorjeta, não se preocupando com o seu próprio trabalho.

Nos bastidores do estúdio de televisão, o circo dos horrores aumenta, deixando Amélia cada vez mais nervosa, e Pippo mais rebelde. A construção dos dois personagens, no entanto, é pouco desenvolvida. Ficamos com vários hiatos em suas personalidades e nos verdadeiros propósitos deles ali. Apenas quando estão no palco, há um vislumbre, por causa de um detalhe que atrasa sua apresentação e nos dá tempo de conhecer algo do passado. A própria relação dos dois não estava clara até então. Mas, não deixa de ser o elemento nostálgico, representação do cinema que foi "engolido" pela cultural fácil da televisão e que provavelmente tirava o sono do diretor.

Mas, nada impede que Marcello Mastroianni brilhe, demonstrando todo o seu talento. Ele está à vontade no papel de Pippo e da sombra decadente de Fred Astaire. Sua expressão, seus movimentos corporais, até os passos de sapateado que arrisca, imitando o mestre da dança. Envelhecido para a época, inclusive com uma peruca, o ator nos passa muito do seu personagem. Ao contrário de Giulietta Masina que nos dá a impressão apenas de uma senhorinha simpática, há pouca expressões e até mesmo passos de dança. Tanto que Fellini usa muito recurso do plano fechado para não entregar sua dificuldade.

Ginger e Fred é um misto do medo do futuro e uma saudade do passado. Um desabafo de um diretor que amava a película, o circo, sua arte e que estava no ocaso da vida. É belo, exótico e emocionante em vários aspectos. Ainda que não seja genial, como sempre esperamos que o mestre o seja.

Ginger e Fred (Ginger & Fred, 1986 / Itália)
Direção: Federico Fellini
Roteiro: Federico Fellini e Tonino Guerra
Com: Marcello Mastroianni, Giulietta Masina e Franco Fabrizi
Duração: 125 min.

Grandes Cenas: Piratas do Caribe

2012-05-08T08:30:00.000-03:00

Inspirada em um parque temático da Disney, a série de filmes Piratas do Caribe tem um nome para justificar o seu sucesso: Capitão Jack Sparrow. O personagem interpretado por Johnny Depp deu o tom das aventuras a bordo do Pérola Negra, ou pelo menos na busca por ele. Apesar de o casal William e Elizabeth serem apresentados como protagonistas, é do pirata atrapalhado a glória, tanto que o quarto filme é totalmente dele.

O Capitão Jack Sparrow é complexo e completamente inesperado. A começar, foge do estereótipo de qualquer pirata. Aparentemente atrapalhado, azarado e peculiar, sempre tem tramas mirabolantes para conseguir o que quer. A todo momento, nos perguntamos se ele faz isso de forma calculada ou por sorte. Mas, o fato é que tudo sempre acaba dando certo para ele. E o melhor, ele só cresce a cada filme, sendo sempre apresentada uma nova característica ao personagem.

Então, nada melhor do que lembrar e analisar nosso primeiro contato com esse exótico personagem. Além de criativa e muito bem realizada, é uma das apresentações de personagens mais coerentes e engraçadas já vistas. Uma sequência de pouco mais de um minuto que nos diz tudo sobre esse capitão engraçado, atrapalhado, mas que acaba conseguindo tudo o que quer. A começar pela trilha imponente de Klaus Badelt. Quem ouve apenas o som, acredita que está chegando um grande homem. E essa é a parte mais divertida da ironia do personagem.

O primeiro take é mesmo imponente, o vento batendo em seu rosto. Ele em cima do mastro, com uma pose de herói, a câmera se aproximando de seu rosto até o close, que coincide com um barulho que o faz olhar para baixo. Só aí, o furo no barco é revelado, e Sparrow tenta tirar a água com um balde. É engraçado, atrapalhado, mas não perde a pose, tanto que, quando passa por um local onde são vistos piratas enforcados, ele os cumprimenta em respeito, tirando o chapéu e fazendo uma reverência.

Neste momento, a câmera de Gore Verbinski nos dá a visão de Sparrow em uma câmera subjetiva. Mostrando a movimentação dos outros barcos, os homens o olham com surpresa. A expressão pode ser interpretada como respeito por aquele que está vindo, com uma espécie de medo ou assombro por o ver ali. Mas, quando a próxima tomada nos mostra seu barco se aproximando do cais entendemos o que era aquela expressão de admiração.

Gore Verbinski é extremamente feliz ao colocar primeiro um plano fechado onde só mostra Jack Sparrow em sua pose imponente em cima do mastro, para só depois ir afastando a câmera e abrindo o plano para revelar que aquele barco está literalmente afundando e que só tem fôlego para o fazer chegar até o cais. Ou seja, uma metáfora perfeita do que é o personagem. Atrapalhado com ar imponente, que confunde a sua platéia, não sabendo que se deve rir ou se admirar com ele. Mas, que sempre consegue atingir o seu objetivo.

Como uma piada final que complementa seu caráter, ainda engana o cobrador de impostos que quer cobrar pela "permanência" de seu barco no cais. Um plano-detalhe do mastro afundado ajuda na piada. Sparrow finge pagar uma quantia, mas rouba a uma quantia maior na saída. Um bom exemplo de uma cena divertida, criativa, inesquecível e que traduz perfeitamente o personagem.