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A Beira do Abismo

2012-02-08T08:40:00.083-02:00

A promessa era boa, um suicida na beira de um prédio comercial no meio de Nova York, uma policial tentando convencê-lo a não pular, tudo isso para encobrir uma trama paralela mais complexa. Instigante, porém o roteiro de Pablo F. Fenjves e as escolhas do estreante Asger Leth tornam A Beira do Abismo nada mais do que uma Sessão da Tarde encorpada e divertida.

Nick Cassidy é um ex-policial condenado a mais de vinte anos de cadeia que foge da polícia e se hospeda em um hotel de luxo aparentemente para se matar. Sua única exigência é ser atendido por Lydia Mercer, que está de licença por um trauma recente. Mas, tudo isso apenas faz parte de um plano para provar a inocência de Nick e se vingar daqueles que o colocaram naquela situação.

Um dos maiores problemas do roteiro acontece logo no início do filme. As primeiras cenas são ótimas, com ele chegando ao hotel, pedindo a última refeição, pulando a janela e ficando no parapeito. Há tensão, há mistério, há um bom jogo com a platéia. Quando a história regressa um mês para mostrar Nick ainda na cadeia e a forma como ele fugiu dela indo parar ali, boa parte dessa tensão e mistério se dissipa com informações mastigadas. O roteirista, também estreante em cinema, Pablo F. Fenjves quase destrói toda a sua estrutura narrativa. Mas, que bom que os flashbacks terminam por aí e a trama ganha um fôlego interessante no paralelo da negociação no prédio e a ação do irmão e cunhada de Nick no prédio da frente. Ainda que o roteiro escorregue com diálogos tolos e clímax frouxo, a adrenalina nos conduz em um bom entretenimento.

Se o roteiro começa frouxo, a câmera de Asger Leth tenta compensar com planos diversos que constroem o suspense por trás do gesto aparentemente impensado do protagonista. Temos uma montagem eletrizante que tenta não nos fazer pensar, a tensão dos policiais, principalmente da agente Lydia Mercer, a adrenalina do casal invadindo o prédio. Por mais irônico que pareça, a única situação que não nos convence de perigo é o próprio Nick Cassidy pendurado no prédio. A sensação é de que ele está tranquilo arquitetando cada segundo em um plano bem elaborado. De fato, ele tem um plano, que nos parece coerente diante da confusão construída, porém, pensando um pouco mais fica uma dúvida sobre como de fato aquilo funcionou já que a ausência de testemunhas abriria espaço para diversas possibilidades. Mas, melhor não entregar a surpresa.

Outro ponto interessante é ver o ator Sam Worthington sem alguma fantasia futurista ou do passado. Um policial, é verdade, mas ainda assim um homem comum, nada de Avatares do filme de James Cameron, ou roupa de herói mitológico de Fúria de Titãs, isso sem falar do herói pós-apocalíptico Marcus Wright, de O Exterminador do Futuro - A Salvação. O ator se sai bem, se a intenção era nos dar a sensação de segurança do protagonista apesar do caos a sua volta. Ele está quase blasé pendurado naquele prédio e nem quando as coisas começam a complicar, ele demonstra alguma reação de medo ou desespero. Aliás, o elenco inteiro não tem grandes destaques. Nem mesmo o veterano Ed Harris, que está caricato como o empresário David Englander. É o tipo do filme conduzido pela ação.

A Beira do Abismo é isso. Você precisa embarcar na aventura, deixando-se levar pela adrenalina sem querer pensar muito no quebra-cabeças que te apresentam. Por mais incongruente que isso seja, afinal, o roteiro quer nos dar a aparência de um plano mirabolante genial. Só repito que não consigo achar um sentido lógico para aquilo, mas melhor não pensar muito e deixar a ação te levar. De qualquer forma, é um entretenimento leve, sem maiores problemas.

A Beira do Abismo (Man on a Ledge)
Lançamento: 2012 (EUA)
Direção: Asger Leth
Roteiro: Pablo F. Fenjves
Com: Sam Worthington, Elizabeth Banks, Jamie Bell, Anthony Mackie.
Duração: 102 min.

Toda Forma de Amor

2012-02-07T08:43:00.000-02:00

As premiações de Christopher Plummer, seja no Globo de Ouro, ou a boa cotação para o Oscar, pode resgatar do anonimato esse ótimo drama de Mike Mills. Lançado no país diretamente para o DVD, com o singelo nome de Toda Forma de Amor, Beginners chama a atenção por retratar bem um caso verídico do próprio diretor.

A trama é das mais inusitadas. Após a morte de sua mãe, Oliver Fields interpretado por Ewan McGregor ouve de seu pai a revelação de que é gay e que agora irá em busca do tempo perdido. Por cinco anos, ele vive intensamente, sofre, ama, conhece um bom companheiro e descobre que tem câncer, falecendo de suas complicações. O roteiro do próprio Mills, encontra seu protagonista nesse momento, pós perda do pai, totalmente deprimido, sem vontade de refazer a vida e tomando conta de Arthur, o inteligente cãozinho que lhe fica de herança e rende ótimos momentos, principalmente quando os dois conversam.

Aliás, o filme começa com Oliver literalmente apresentando a casa a Arthur, entrando em cada cômodo e explicando as coisas como se ele fosse realmente entender. O paralelo dele repetindo o ato com a personagem de Mélanie Laurent que conhecerá depois não deixa de ser interessante. Além de marcar uma das características da personalidade que Oliver que herdou do pai. O roteiro não-linear é bastante funcional nesse sentido, demonstrando todos hábitos, manias e trejeitos bizarros herdados do pai ou da mãe, em uma divisão bastante interessante. A mãe de Oliver é a sua lembrança da infância, quando o pai estava sempre ausente. Seu resgate com a figura paterna é mesmo nesses últimos cinco anos de vida do mesmo. Até por isso, é natural que o rapaz fique tão transtornado com a morte do mesmo.

Oliver é o típico solitário, que faz questão de afastar as pessoas, de não se expor emocionalmente. Por isso sente tanta necessidade de falar com as paredes, ou nesse caso com o cachorro. Não por acaso, ele escolheu ir a uma festa à fantasia vestido de Freud. E é lá que conhece Anna, a mulher que irá tentar abalar as estruturas pré-estabelecidas por ele. O problema é que a moça também tem suas complicações emocionais. Não deixa de ser um encontro de almas interessante. Curiosamente, há coisas nesse filme que me lembrou muito O Turista Acidental de Lawrence Kasdan. Arthur, com certeza, precisava de umas férias com a personagem de Geena Davis que iria curar sua carência. E a insistência de Anna em não atender o telefone lembrou também a família de William Hurt naquele filme.

As interpretações são outro ponto positivo da obra. Ewan McGregor está muito bem como o protagonista deprimido e nos conduzindo em seus dilemas de forma brilhante. Mélanie Laurent também convence como Anna e Goran Visnjic está convincente como o traumatizado Andy, namorado do pai de Oliver. Em poucas cenas ele consegue nos passar toda a sua personalidade amigável e medo de preconceito contra homossexuais. Já Christopher Plummer realmente chama a atenção como o velho Hall Fields. Há leveza e delicadeza em sua transformação. Ele revela-se homossexual de uma maneira bastante digna ao filho, assim como constrói a personalidade de Hall de uma maneira convincente. Somos capazes de entender aquele homem que casou e passou a maior parte da vida fingindo para si mesmo ser o que não era. E durante o processo da doença, tudo fica ainda mais emocionante.

Toda Forma de Amor é uma bela crônica familiar, que trata de assuntos delicados sem cair na caricatura. Tudo é muito cuidadoso e verdadeiro. Desde o texto, passando pelas interpretações até a direção de Mike Mills que procura costurar os pedaços da vida de Oliver como um emaranhado de lembranças e sentimentos. Isso nos ajuda a compreender sua trajetória e a embarcar em sua jornada de autodescobrimento e virada de vida. Na verdade, mais do que para o pai, esse é o seu recomeço, como indica o título original.

Toda Forma de Amor (Beginners: 2011 / EUA)
Direção: Mike Mills
Roteiro: Mike Mills
Com: Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent, Goran Visnjic.
Duração: 105 min.

Histórias Cruzadas

2012-02-06T08:40:00.081-02:00

Há vários fatores para explicar a paixão dos americanos pelo filme Histórias Cruzadas. Primeiro ele é baseado em um best seller que ficou por 103 semanas na lista do New York Times, seis delas no primeiro lugar. Segundo, fala de relações humanas, racismo e causas sociais, temas em voga em um mundo politicamente correto. Terceiro, tem uma excelente reconstituição de época e ótimas atuações. É de fato um filme que te conquista. Daqueles filmes feitos para ganhar o Oscar, e, talvez aí, esteja seu maior problema

A história se passa em um pequeno município do Estado do Mississipi na década de 60, onde a jornalista Eugenia Skeeter, vivida por Emma Stone, resolve entrevistar mulheres negras sobre como é ser empregada doméstica. O que elas sentem ao criar crianças brancas, enquanto seus próprios filhos estão em casa sozinhos? E como é ter que usar um banheiro separado, do lado de fora da casa? E ser discriminado por tudo, só por causa do tom de pele? O problema é que, nessa época, ainda mais no Estado do Mississipi, racismo era defendido por lei, contra a lei era exigir direitos iguais. Mesmo que já esteja se discutindo a questão com os discursos de Martin Luther King. É nessa situação que Aibileen Clark, a personagem de Viola Davis, aceita o desafio de contar de forma anônima sua história. Só que para o livro de Skeeter sair é preciso muito mais depoimentos.

A idéia de falar sobre racismo é sempre louvável. Por mais óbvia que pareça a questão, ainda existe muito preconceito no mundo e ainda lidamos com empregados domésticos como se fossem escravos. É uma situação delicada, onde pessoal e profissional se misturam e ainda há muita segregação, ainda que velada. Então, é sempre bom um tema como esse para nos fazer pensar. O problema é que a história acaba por nivelar seus personagens por baixo, tornando-os rasos e maniqueístas. Só tem duas opções: você é mau e preconceituoso ou é bom e defensor das causas raciais. Não tem meio termo. Outra coisa que incomoda está inclusive na voz da personagem de Octavia Spencer: "Por que você acha que pessoas de cor precisam de você?", ela pergunta a Skeeter. Pois é, por que uma branca precisa dar voz às negras como uma salvadora beneficente? O próprio Martin Luther King não já estava dando o exemplo de que era possível sonhar e ir em busca desse sonho? Isso acaba empobrecendo a história e a força da denúncia, por isso muitos tem acusado Histórias Cruzadas de ser apenas mais um caça-Oscar.

Mas, não há como negar que Tate Taylor constrói bem sua teia de informações, nos envolvendo nos dramas de Aibileen, Minny, Constantine, entre outras. É revoltante ver as atitudes de personagens como Hilly Holbrook, por exemplo. Mas, é revoltante ver não apenas seu preconceito racial e forma de tratar os negros, mas também seu preconceito social contra Celia Foote, personagem de Jessica Chastain. É fácil, ficar do lado dos bonzinhos, dos humilhados, dos segregados, ainda mais com cenas com tanto apelo emocional quanto uma prisão no meio da rua ou uma porta na cara de uma pessoa que conviveu anos com sua família, esse o momento mais apelativo do filme, sem dúvidas. A mim, pessoalmente emociona mais os momentos de conquista, como quando Skeeter chega à casa de Aibileen após determinado acontecimento marcante, ou a cena no supermercado em que Aibileen e Minny se escondem de sua própria glória, quase não acreditando. Momentos verdadeiros e emocionantes, que o filme também tem em boa quantidade.

Se tem uma coisa impecável em Histórias Cruzadas é mesmo a direção de arte e reconstituição de época. São detalhes que não passam desapercebidos, desde moradias, roupas, penteados, maquiagem, fardamento, ônibus coletivo, passando por pratos típicos, forma de arrumar os alimentos, até o sotaque sulista da época. Uma verdadeira viagem no tempo, bem realizada e funcional para a história já que a ambientação é fundamental para compreender e absorver a trama que está sendo contada. Não apenas no visual externo, mas no clima interno. Há um medo constante no ambiente. Uma urgência de leis contra o racismo, um jogo perigoso de classes.

As atuações também ajudam nessa reconstituição de época. E temos alguns destaques no bom elenco, como a própria Emma Stone com sua idealista Skeeter, ou Bryce Dallas Howard, como a irritante Hilly. Destaque ainda para Sissy Spacek como a divertida Missus Walters ou Allison Janney como a mãe de Skeeter. Mas, as que roubam a cena são mesmo as premiadas Octavia Spencer como a desbocada Minny Jackson e Viola Davis como a contida Aibileen Clark. É a partir delas que a história de Skeeter ganha vida. São as primeiras a criar coragem para abrir a boca. São elas que nos conduzem nessa trama de dor, medo e injustiça. Elas, de fato, valem o filme.

Histórias Cruzadas traz boas histórias, contadas de uma forma bem feita, mas que caem em ranços, clichês e estereótipos que as tornam menos reais e próximas. Preconceito não apenas existiu como ainda existe, é verdade, mas ninguém é completamente bom, nem completamente mau como o filme quer nos convencer. O próprio caso do roubo do anel, por exemplo, realmente existiu. Cenas antes, vemos ela pegando a jóia atrás do sofá e guardando para si. E o filme constrói de uma forma que você quase esquece esse detalhe, focando apenas no preconceito racial. É o tipo de coisa que enfraquece a trama, mas não perde totalmente seu valor. Entre prós e contras, temos mesmo um bom filme.

Histórias Cruzadas (The Help)
Lançamento: 2012 (Índia, Emirados Árabes, EUA)
Direção: Tate Taylor
Roteiro: Tate Taylor
Atores: Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Octavia Spencer.
Duração: 137 min.

Grandes Cenas: Advogado do Diabo

2012-02-05T09:07:00.078-02:00

Advogado do Diabo é daqueles filmes marcantes, que nos fazem sair pensativos do cinema. Mais do que a direção de Taylor Hackford, que é muito boa, é verdade, o filme tem dois grandes trunfos: o roteiro de Jonathan Lemkin e Tony Gilroy, baseados em livro de Andrew Neiderman e a interpretação magistral de Al Pacino. Eles ganham o filme e nos envolvem completamente.

Um exemplo cabal desses dois quesitos é a cena escolhida de hoje. O discurso de John Milton para Kevin Lomax, o personagem de Keanu Reeves sobre sua visão de mundo. O texto é forte, irônico, desconstruindo os valores enraizados em nossa sociedade sobre Deus e o Diabo. Mas, nada disso teria tanta força se não fosse a atuação entregue de Al Pacino. Ele incorpora tudo aquilo de uma forma incrível. E nos impacta.

A direção de cena é razoavelmente simples. Os personagens organizados em cada canto da sala, a montagem alternando entre plano geral e closes de cada um, destaque ainda para o plano onde temos Al Pacino ao fundo com Keanu Reeves em primeiro plano, já que estamos colados ao seu personagem, olhando de maneira distante a princípio, aquele homem cruel discursar. Percebam que a medida que ele fala, os planos de Al Pacino vão ficando mais próximos. Ele está começando a convencer Keanu Reeves e, assim, a nós também.

(SPOILER ON) Basta lembrar que esta é uma cena próximo do final do filme. Após ela Keanu Reeves dá um tiro na cabeça e volta toda a história. Ele se arrependeu de se envolver naquilo e tem uma nova chance. Nesse ponto, o roteiro nos dará a última puxada de tapete com a repetição da cena do banheiro, mas enfim, ainda estamos na cena do discurso. E é interessante perceber como a câmera vai narrando o sentimento do personagem com essa aproximação e afastamento do diabo discursando. (SPOILER OFF)

Outra coisa interessante que observei nessa cena ao procurá-la no Youtube foi a prova final de dublagem em live action: tira boa parte da beleza do filme. A voz de um ator faz parte de sua interpretação, o tom com que diz as palavras, o timbre de voz, as pausas. Tudo é extremamente importante. Aí, retiram essa parte de um grande ator como Al Pacino e colocam um dublador, competente, de fato, mas que não é Al Pacino. A cena então, perde muito de sua beleza, vejam bem a cena citada, dublada:

Não deixa de ser uma boa cena, a dublagem não destruiu o texto, nem a expressão corporal do ator, pois, como eu disse, é um dublador competente fazendo a voz em português. Mas, sintam a diferença ao ouvir o som original:

A cena ganha em ritmo, em emoção e potência. Definitivamente não há nada como ver o filme em sua versão original. Como as pessoas hoje em dia podem preferir filmes dublados?

Viagem 2: A Ilha Misteriosa

2012-02-04T09:01:00.075-02:00

Os livros de Júlio Verne são um mistério para a humanidade, pura ficção científica ou alguma ciência visionária? Afinal, falar de viagens à Lua e submarinas em uma época em que isso era impossível chama a atenção. Alguns começam, então, a deixar a imaginação viajar em realizar outras aventuras impossíveis como o Centro da Terra ou Ilhas Misteriosas. Em 1959, Viagem ao Centro da Terra foi inspiração para um filme, ainda com orçamentos e tecnologias aquém da imaginação de Verne. Em 2008, Eric Brevig investiu em uma aventura cheia de efeitos especiais (hoje datados) e com Brendan Fraser no elenco. A continuação não tem o astro, mas mantêm o mesmo estilo divertido, com momentos de vexame total e outros bem interessantes.

Viagem ao Centro da Terra terminou em 2008 com um gancho para uma possível continuação. Após a jornada vivida por ambos, o tio Trevor Anderson presenteia o sobrinho Sean com outro livro dessa vez de Ignatius Donnelly, "Atlântida, um mundo antediluviano". Os produtores da continuação preferiram, no entanto, manter a aventura nas obras de Júlio Verne, o que não impediu de incluir a Atlântida e diversas outras obras literárias seja de Verne ou não, a exemplo de A Ilha do Tesouro de Robert Louis Stevenson e As Viagens de Gulliver de Jonathan Swift. O problema é que nessa adaptação e continuação, o tio que era o centro da história anterior simplesmente tomou chá de sumiço. Não é sequer citado no filme, que traz Sean mais velho, mais crente nas histórias de Verne, com um padrasto fortão e um avô que não foi citado em nenhum momento no filme anterior, o que também não deixa de ser estranho.

Passando as comparações e exigências de continuidade entre os dois filmes, Viagem 2: A Ilha Misteriosa pode ser uma aventura divertida. A começar, tem base mesmo nas obras de Júlio Verne, então, já traz bons momentos por si só, depois, tem efeitos especiais convincentes e personagens caricatos, mas coerentes que conduzem a jornada de uma forma fácil. Há momentos de vexame total como a cena do peitoral de Dwayne Johnson jogando bolinhas em nossa cara ou ele dando um soco no lagarto. Mas, há também boas piadas e sacadas como a música Three Little Birds de Bob Marley quando eles estão embarcando ou a versão de What a Wonderful World com situações da ilha.

A Ilha por si só, também já é um grande destaque para o filme. As criaturas são bem feitas e as proporções de elefantes pequenos e insetos gigantes também funciona visualmente. Todo o cenário é bem construído como o vulcão de ouro ou a própria cidade de Atlântida. Isso sem falar nos efeitos especiais das cenas de ação, principalmente em projeção 3D com várias camadas de profundidade e ainda com objetos brincando fora da tela. Aliás é isso que Viagem 2 é, uma grande brincadeira, sem maiores compromissos. O filme é feito para divertir, a Ilha Misteriosa criada para ser um sonho infantil e as piadas forçam o riso fácil em vários momentos, com situações bobas, mas funcionais.

O garoto Josh Hutcherson consegue se sustentar como protagonista da trama e Vanessa Hudgens forma um bom par com ele. Dwayne Johnson também convence no papel de comédia, principalmente nas disputas tolas com o personagem de Michael Caine que faz o avô. Só não consigo achar graça dos exageros de caras e bocas de Luis Guzmán, mas ele cumpre sua função no filme e deve divertir as crianças.

A Viagem 2: A Ilha Misteriosa segue a mesma linha do primeiro filme. A história de Júlio Verne como pano de fundo para uma aventura cheia de piadas, por vezes tolas e exageradas, mas com bons momentos de diversão para todos. Não dá mesmo para exigir muito mais dele.

A Viagem 2: A Ilha Misteriosa (Journey 2: The Mysterious Island)
Lançamento: 2012 (EUA)
Direção: Brad Peyton
Roteiro: Brian Gunn e Mark Gunn
Com: Josh Hutcherson, Dwayne Johnson, Michael Caine, Vanessa Hudgens.
Duração: 94 min.

A semana no Cinema

2012-02-03T08:30:00.174-02:00

A semana começou com novos ares para os apostadores do Oscar após o resultado da SAG Awards (Screen Actors Guild Awards 2012) e da DGA Awars (The Directors Guild of America Awards), deles sagraram-se vencedores O Artista e Histórias Cruzadas, dando indícios de que podem ser os principais vencedores da noite do dia 26 de fevereiro. Claro que ninguém saiu do páreo ainda, mas as duas premiações tem se confirmado a cada dia bons termômetros para a escolha da Academia. A escolha de Michel Hazanavicius como melhor diretor e de Jean Dujardin para melhor ator, demonstra que O Artista é mesmo a sensação do ano, um filme mudo e preto&branco, estamos com saudades dos tempos antigos onde o que importava eram as histórias e sua forma de contar, não os efeitos especiais? Quem sabe? Já a vitória de Viola Davis, criando risco real para o terceiro Oscar de Meryl Streep, de Octavia Spencer para melhor atriz coadjuvante e o melhor elenco para Histórias Cruzadas, demonstra que o filme de Tate Taylor, mesmo com o resultado do Globo de Ouro, ainda tem fôlego. Agora, de certo mesmo, parece que só temos Christopher Plummer como melhor ator coadjuvante por Toda Forma de Amor, filme que estreou no Brasil direto para home vídeo.

Notícias Rápidas

O Canal Brasil lançou uma idéia bastante interessante: No Amor - O primeiro filme colaborativo do país. O projeto é bem simples, a equipe da Dona Rosa Filmes criou uma história de suspense e postou a primeira parte A Pizza com seis minutos. Agora qualquer pessoa no país tem até 15 de março para enviar vídeos com 2 a 4 minutos continuando a história. O melhor leva mil reais e ainda entra para a história final, que terá ainda mais quatro capítulos, porém o sexto e último será feito pela própria Dona Rosa Filmes. No site oficial do programa, você ainda encontra dicas de como filmar, músicas que poderão ser utilizadas e curiosidades diversas sobre o projeto. Está aí uma boa chance para produtores de todo o Brasil.

Falando em oportunidades

E falando em chances e oportunidades, quero apenas abrir espaço aqui para um grupo de Campo Largo-PR e região (Curitiba) que está tentando levar a frente um projeto de incentivo à cultura e a produção de filmes independentes. Chama-se Curitiba's horror movie project. Maiores informações vocês podem encontrar na FanPage deles no Facebook.

Formação de Cinema no Inspiratorium
E já que o tema da semana é projetos e incentivo à produção audiovisual, para quem mora em São Paulo estão abertas as matrículas do Curso de 2 anos de Cinema que reúne uma equipe de profissionais de peso do mercado como orientadores. O curso contempla um ensino teórico-reflexivo acerca do universo da sétima arte e a realização de aulas práticas por meio de produções de filmes, usando equipamentos profissionais digitais exclusivos como a câmera RED ONE. Alguns dos professores: Alziro Barbosa, em Fotografia; Cristina Amaral, em Montagem; Luiz Adelmo, em Som; Renata Rugai, em Arte; Sérgio Alpendre em História e Crítica; Renata Saraceni, em Produção e Joel Yamaji, em Direção e Roteiro. Maiores informações no site da instituição.

Estreias da Semana

Semana recheada de estreias. Finalmente chega ao Brasil, Histórias Cruzadas, um dos fortes candidatos ao Oscar, dirigido por Tate Taylor. Um drama forte sobre a questão racial nos Estados Unidos da década de 60, com interpretações que chamam mesmo a atenção, principalmente de Viola Davis e Octavia Spencer, a desbocada Minny. Outro no rastro do Oscar dessa semana é A Separação, filme iraniano cotado a melhor filme estrangeiro que estreia em boa parte do país, depois de ter estreado no eixo Rio-São Paulo semana passada.

Chega aos cinemas também a A Beira do Abismo de Asger Leth, com Sam Worthington, Elizabeth Banks e Jamie Bell no elenco. O filme usa uma falsa tentativa de suicídio para um plano maior, mas esbarra nos mesmo clichês de filmes de ação em geral. Tem ainda Viagem 2 – A Ilha Misteriosa, continuação de Viagem ao Centro da Terra, dessa vez sem Brendan Fraser e com a presença de Dwayne Johnson, ex- The Rock, em uma jornada pelos livros de Júlio Verne. Possui um tom infantil , mas é divertido para todos. A semana traz ainda Filha do Mal e a versão em 3D para o clássico da Disney A Bela e a Fera.

Humor

Esta semana estreamos mais uma coluna aqui: Thomas, o Rato de Cinema. Toda semana vocês vão acompanhar os pensamentos desse ratinho tímido e muito crítico que vive em uma toca dentro de uma sala de cinema. Thomas não tem preconceitos com relação a gêneros, assiste a todo tipo de filme, sempre melhorando o seu repertório e se tornando cada vez mais cinéfilo. O que o deixa irritado mesmo é a bagunça e desrespeito durante a projeção e, mesmo sendo um rato, fica chateado com a quantidade de lixo que as pessoas deixam dentro das salas.

Espero que gostem. Cliquem para ampliar.

Fica a Dica

Infelizmente, Rio não foi indicado ao Oscar de melhor animação, mas está representado em canção original com Real Rio de Sergio Mendes e Carlinhos Brown. Para os que ainda não conferiram a animação de Carlos Saldanha, ela estreia essa semana no TeleCine:
Dia 4/02, sábado, às 22h - TeleCine Premium
Dia 5/02, domingo, às 20h - TeleCine Pipoca

A Separação

2012-02-02T08:15:00.065-02:00

Muito tem se falado no cinema iraniano, ainda mais depois da prisão de Jafar Panahi, diretor de Isto não é um filme. Muito tem se falado de A Separação, filme iraniano que venceu três ursos no Festival de Berlim (feito inédito), além do prêmio no Globo de Ouro e o favoritismo no Oscar. E nunca tanta propaganda de boca a boca valeu tanto a pena. A Separação é mesmo um primor de filme. E acredite, você vai ficar um bom tempo depois da sessão pensando nele.

Tudo começa de forma quase banal, um casal que se ama, mas quer se separar. Os motivos, ela não quer permanecer naquele país e pretende dar um futuro melhor para sua filha de onze anos e ele não quer deixar seu lar, principalmente por causa de seu pai que sofre do mal de Alzheimer. Desse impasse, vem o impulso inicial da trama que enconde e desenrola dramas ainda mais profundos. A começar pela pequena Termeh, que sofre com a separação dos pais e sonha em conseguir uní-los novamente. Depois pelo cruzamento com a história de Razieh e sua família, uma mulher grávida, com uma filha pequena e um marido desempregado que é contratada para cuidar do senhor doente. Tudo se desenrola a partir dessa relação, com camadas diversas de um drama profundo.

Asghar Farhadi, que já tinha encantado o mundo com Procurando Elly, já começa o filme com um desafio para o seu público: a cena simples do casal Nader e Simin explicando ao juiz o porquê da separação. O interessante é como a câmera se coloca, de frente para o casal, em uma subjetiva do juiz, só ouvimos sua voz questionando. Os dois olham diretamente para câmera dando seus argumentos. Ou seja, nós estamos na posição do juiz, é para nós que o casal se explica e é de nós que ele quer o veredito. Inevitavelmente nos pegamos julgando a um e a outro em diversos pontos da história. Assim como julgamos o outro casal, a cunhada, a tutora e até a pequena filha de Razieh. E Farhadi é muito habilidoso em seu roteiro, que também concorre ao Oscar, ao ir nos respondendo aos poucos todos esses julgamentos, principalmente na figura de Termeh e sua situação que nos fará pensar ao final da projeção.

Há várias camadas, vários temas em um simples cruzamento de suas famílias. Primeiro a mais óbvia situação do Irã, principalmente das mulheres que ali vivem, as questões religiosas, as questões políticas, a incapacidade, por vezes, de raciocinar direito até como quando Razieh liga para consultar se é pecado trocar a roupa suja do paciente doente. Ou a sua própria situação de miséria e submissão ao trabalhar sem contar ao marido. É um jogo de honra e medo que nos leva em cada cena. Isso sem falar em uma visão egoísta de cada parte da situação, vide a reação de Nader ao saber que o homem não foi trabalhar porque foi preso e tudo que ele diz é: "Eu precisava ser avisado antes que ele não viria". Como se alguém soubesse antes que seria preso por causa de dívidas.

Na verdade, Nader é um homem bom e íntegro, mas também orgulhoso e egoísta. Suas reações acabam desencadeando todos os problemas do filme. Ele é orgulhoso demais para pedir que a esposa não vá embora, assim como é orgulhoso demais para não lhe dar o divórcio, uma espécie de reação para provar que não precisa dela, quando na realidade sente a sua falta. Assim como é egoísta demais em seu problema paterno em não ver o que lhe cerca. Não vê a situação de Razieh e seu esposo Hodjat. Não vê a situação de sua esposa, desesperada por um futuro melhor para filha. Não vê a situação de sua própria filha, com apenas onze anos, passando por tanta situação de estresse.

A câmera de Asghar Farhadi passeia por esses dramas familiares como uma amiga preocupada. Com a maioria dos planos feito na mão, somos levados para intimidade dos personagens, ficamos próximos a eles, seguimos seus passos, e às vezes, olhamos apenas de fora, como o quarto do pai de Nader, que a maior parte das vezes é enquadrado depois da porta, como uma moldura distante que apenas assistimos. Somos levados para dentro do quarto sempre por outro personagem, alguém de fora que observa a situação delicada do velho senhor quase com curiosidade. É impressionante como o mal de Alzheimer não é um dos temas do filme, apesar de estar lá, com sua presença incômoda. Farhadi não foca nos problemas da doença, como o filme argentino O Filho da Noiva, por exemplo. É apenas o pretexto para a situação de Nader.

A Separação é daqueles filmes que te conquistam. Mesmo em sua longa duração e ritmo lento, ele te prende ao drama daquelas famílias. É íntimo, incômodo, belo. Um filme que a gente não assiste passivamente, participa, de fato, daquela história doída.

A Separação (Jodaeiye Nader az Simin)
Lançamento: 2012 (Irã)
Direção: Asghar Farhadi
Roteiro: Asghar Farhadi
Com: Peyman Moaadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Shahab Hosseini.
Duração: 123 min

A Fera

2012-02-01T08:10:00.091-02:00

Contos de Fadas em versões live action modernas, esta é a moda em Hollywood. Começou com Cinderela, veio Chapeuzinho Vermelho, em 2012 tem duas Brancas de Neves e ainda vem João e Maria, além de João e o Pé de Feijão. Há dois anos, os cinemas brasileiros são bombardeados com o trailer de outro deles: A Fera, inspirado em A Bela e a Fera, que volta aos cinemas essa semana em 3D, e no livro de Alex Flinn. Demorou tanto que parecia ser algo desastroso, não chega a tanto, apesar de não passar de uma história clichê com vários problemas e pequenas doses de boa intenção.

A história é a conhecida. Rapaz metido a besta, bonito e rico que se acha superior a todos por isso. Encontra uma bruxa que o enfeitiça e o transforma em uma fera medonha. Para quebrar o encanto só encontrando o amor verdadeiro antes do prazo de um ano. E aí, entra aquela menina doce, sensível e quase escondida diante dos populares do colégio. Na tentativa de tornar a história de A Bela e a Fera mais palpável e próxima da realidade, o garoto traz outras características, não é um príncipe em um castelo encantado, mas é o que se assemelha a isso, com um pai famoso e rico, empregados para lhe servir e uma mansão escondida, onde ninguém possa ver no que ele se transformou. E cá entre nós, ele nem ficou esse monstro todo, né? Ficou careca, com cortes no rosto e vários piercings e tatuagens, é verdade, mas está longe de ser um monstro deformado e abominável. Lindy tem toda razão: "Já vi piores".

A Bela e a Fera, assim como esta versão de A Fera na verdade é uma fábula sobre o império da beleza. Todos queremos ser belos, admiramos quem é bonito e torcemos por eles. É verdade. Todos os dias as propagandas, a mídia, o próprio cinema nos dão exemplos a ser seguidos de beleza, elegância e moda. Queremos ser aceitos e somos "educados" para entender que os mais bonitos são os melhores aceitos. Mesmo em vaga de emprego a frase está lá, exigido boa aparência. E o que é boa aparência? É aquilo que nos dizem ser belo.

O clichê aqui é óbvio, o rapaz arrogante fica "feio" para compreender que beleza não é fundamental, mas no final, provavelmente voltará a ser belo. Quase como um prêmio e quase como uma incongruência. O reverso já foi visto em Shrek, mas a regra continua sendo a junção de iguais. Afinal, Fiona vira uma ogra no final, um ogro com uma princesa também não seria aceitável. Então, a mocinha simpática e sensível merece que o rapaz volte a ser o belo príncipe de outrora. É interessante que apesar de saber de tudo, de compreender que a beleza não é fundamental, que o que importa é a essência interior, ficamos todos torcendo para que Lindy diga "eu te amo" antes do fim do prazo e quebre o encanto. Irônico, não? Aqui lembro de O Amor É Cego, um filme bem mais honesto nesse quesito, já que Gwyneth Paltrow não fica magrinha no final para agradar ninguém. Ali a gente entende que, de fato, beleza não é fundamental.

Mas, voltando A Fera só por suscitar todos esses questionamentos já é um filme válido, apesar de frágil em sua maior parte. A começar pela junção de realidade e fantasia. A forma como a personagem de Mary-Kate Olsen é inserida na trama é muito superficial. Ela surgindo como uma visagem apenas para o personagem Kyle seria mais interessante. Agora, ela ser uma aluna estranha, chamada de bruxa e tudo mais, soou falso em uma narrativa que se diz realista. Isso sem falar na piadinha final, que é absolutamente irritante. Irritante também é a justificativa tola de colocar a culpa de tudo nos pais. Kyle é esse garoto metido por causa do pai que tem. No fundo, ele é um bom garoto. Assim como Lindy é esquisita e introvertida porque tem que se preocupar demais com o pai que sempre faz besteira.

O roteiro ainda apela em outros pontos como a justificativa para ela ir morar na casa dele. Ou em detalhes de cena como eles quase se beijando e o telefone toca trazendo uma notícia ruim. Além da inserção dos problemas dos empregados de Kyle e suas soluções condicionadas a ele ter sucesso na jornada. Em contrapartida, a fotografia é bem aplicada, ainda que também clichê. Enquanto ele era belo, o cenário era sempre clean, bastante claro e vivo. Com a maldição, os espaços ficaram sujos, com pichações em todos os muros que passava, além de uma fotografia sempre na penumbra. Mas claro que há a justificativa dele estar se escondendo.

No que diz respeito às interpretações, Vanessa Hudgens só não canta, mas está bem próxima de sua personagem em High School Musical e Alex Pettyfer quando se torna a fera, consegue demonstrar uma capacidade melhor de expor suas emoções que no recente Eu sou o número 4. Ainda assim, o casal tem uma certa química que pode agradar as platéias. Mas, a estrela do dia é mesmo Mary-Kate Olsen que chama a atenção com sua misteriosa, ainda que irreal, Kendra.

A Fera é um típico Sessão da Tarde, com vários problemas, clichês aos montes, mas que pode agradar ao público que sempre torce por uma boa história de amor que só os contos de fadas podem nos dar.

P.S. Pra quem já viu o filme, ele tem um final alternativo.

A Fera (Beastly: 2011 / EUA)
Direção: Daniel Barnz
Roteiro: Daniel Barnz
Com: Alex Pettyfer, Vanessa Hudgens, Mary-Kate Olsen, Dakota Johnson.
Duração: 86 min.

Promoção A Separação

2012-01-31T11:17:00.004-02:00

PROMOÇÃO ENCERRADA
Veja resultado.

O Irã sempre nos brinda com grandes pérolas cinematográficas e esse ano é a vez de A Separação. O filme de Asghar Farhadi já ganhou Urso de Ouro de Melhor Filme em Berlim, o Globo de Ouro de Melhor Filme em língua estrangeira e é o mais forte indicado ao Oscar de Filme Estrangeiro. A força do filme é tanta que ele ganhou uma surpreendente indicação ao Oscar de melhor roteiro original.

Então, quer ganhar um par de ingressos para assistir a esse filme? Confira as regras abaixo. Mas, atenção, como o filme tem distribuição menor que a maioria dos blockbusters, verifique se está passando ou se têm previsão de chegar em sua cidade.

Facebook (5 ingressos duplos)
1 - Faça login no Facebook, visite a página da promoção e siga as regras. Clique no cartaz para ir direto.
2 - Sorteio dia 05/02/2012

Resultado:
Sorteio

- Vanessa Lima
- Carolina Guimarães Ribeiro
- Viviane Lima
- Aninha Carneiro
- Juliana Augusta

Parabéns, enviem o endereço completo (incluindo CEP) para cinepipocacult@gmail.com até o dia 11 de fevereiro ou enviem e-mail agendando a retirada de seu prêmio.

*Convites válidos de segunda a quinta-feira, exceto feriados, nos cinemas que estiverem exibindo o filme. Exceto Cinemark Iguatemi, Circuito Araújo e Grupo Estação.

** O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 5 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento.

[Meme] Minha Vida em 3 sequências

2012-01-31T08:39:00.036-02:00

Chegamos ao final do Meme, foi divertido participar dessa jornada e compartilhar um pouco de minhas lembranças, gostos e interesses com vocês. Agradeço a Silvano pelo convite e a todos os comentários, concordando, discordando ou relembrando outras preferências. Foi mesmo gostoso passar por isso.

Aí chegamos ao último ítem, e que ítem, né? Minha Vida em 3 sequências. Pensei em fazer algo como início meio e fim, mas ela ainda não acabou e com certeza daqui a alguns anos terão milhares de outras sequências para definir a vida. É difícil me definir dessa maneira, mas escolhi três sequências que podem representar um pouco do que sou, fui e continuarei sendo nessa vida, ou em outras.

O Cão e a Raposa

Já é a terceira vez que cito esse filme no meme, de fato marcou a minha infância, acho que ganhei o disquinho (daqueles coloridos) com a história quando tinha apenas 2 anos de idade, adorei, depois veio o filme em VHS e mesmo adulta comprei o DVD para guardar e mostrar um dia a meus filhos. Eu sou filha única e sempre me senti um pouco só, tal qual Dodó, a raposinha, em busca de amigos. Aqueles que a gente possa levar para vida inteira, que o tempo afasta, mas que sempre ficam em nossa memória e coração. Aprendi com eles que amizade para sempre não é necessariamente sempre igual. Por isso, essa sequência ingênua de "Meu melhor amigo" seria a representação da minha infância, que foi marcada também pelas música da Turma do Balão Mágico, sempre com mensagens de amizade.

Sociedade dos Poetas Mortos

Como uma boa filha única, sempre fui tímida, é nesse ponto que me assemelho a Toddy, o personagem de Ethan Hawke em Sociedade dos Poetas Mortos. E como ele, tive alguns Neils e Capitans para me ajudar a criar coragem e enfrentar o mundo. Por isso, escolho aqui a sequência final desse filme, onde ele enfrenta até o diretor geral daquele colégio ditatorial para mostrar que cresceu. Ela seria a representação da minha mudança principal de menina assustada para adulto mais consciente.

A Árvore da Vida

Fiquei absolutamente tentada a colocar novamente algo de E o Vento Levou, afinal é o filme da minha vida e assim como Scarlett sempre penso diante de um problema que "amanhã será um novo dia". Mas, queria ir além disso, demonstrar um pouco do que é essencial em mim que é a minha consciência de uma espiritualidade, além até de religião, por isso, a sequência final de A Árvore da Vida me veio tão forte à mente. O ponto em que memórias do personagem de Sean Penn e seu sentimento de paz se unem à luz, simbolizando o mistério da vida. Uma espécie de transcendência que buscamos em nosso dia a dia. Achei apenas um pedaço dela.

É isso, então, nesse momento essas três sequências representariam minha vida.

[Meme] Porrada, Quente e úmido, Saída pela esquerda e Nunca mais

2012-01-30T08:16:00.005-02:00

Porrada (melhor cena de violência)

Violência em filme é fácil de encontrar, ainda mais em filme de ação. É possível lembrar de várias em todos os níveis. Desde Pulp Fiction em suas diversas cenas de tiro, passando por guerras como o início de O Resgate do Soldado Ryan, ou até violências mais pesadas como a cena do extintor em Irreversível. Aí, a gente fica se perguntando, como escolher uma cena? Resolvi, então, ir contra as expectativas e escolher uma cena que é mais violenta pelo que ela representa que pelos estragos em si. A violência contra si próprio em Clube da Luta.

O filme já tem vários exemplos de violência, afinal, homens se reunirem em um clube para bater e esquecer os problemas já não é algo pacífico. Mas, nada é mais forte do que a cena em que o personagem de Edward Norton é chamado pelo chefe em sua sala. Sozinhos ali, ele começa a se espancar sem dó, nem piedade apenas para culpar o outro homem e ganhar uma boa promoção. E David Fincher não poupa sangue, socos e quedas nessa cena que impressiona. Chega a ser louco pensar em algo assim, não?

Quente e Úmido (melhor sequência de sexo)

Boas cenas de sexo também não faltam em filmes, e claro, não estou falando de gênero pornô. Podemos lembrar de filmes inteiros com ótimas cenas de sexo como Nove e Meia Semanas de Amor, Os Sonhadores, O Último Tango em Paris, Lua de Fel, A insustentável Leveza do Ser, entre tantos outros. Se você for mais puro, até mesmo a descoberta do sexo em A Lagoa Azul pode valer. Ari sugeriu até uma cena entre Neve Campbell, Denise Richards e Matt Dillon em Garotas Selvagens. De fato, uma cena quente, e bem construída. Quem não viu e ficou curioso, está aqui. Isso me lembrou também da cena de Naomi Watts e Laura Harring em Cidade dos Sonhos.

Cenas e referências não faltam. Mas, como uma boa menina (hehe), resolvi destacar aqui uma cena que deve ter povoado os sonhos de muitas mulheres, graças ao belo abdômen de Brad Pitt, ainda um quase desconhecido, em Thelma e Louise. Ridley Scott foi "cruel" ao começar a sequência com aquele pan vertical, depois o detalhe dele puxando Geena Davis para perto de si. Pena que a cena está cortada aqui, mas o principal, vocês podem conferir.

Saída pela Esquerda (melhor sequência de perseguição)

Cenas de perseguição, ainda mais de carro, parecem todas iguais. Algumas com um balé melhor, outras com muitos cortes para dar a sensação de urgência. Por isso, ao falar em cena de perseguição lembrei logo de cenas de correria a pé. A princípio de Matrix, quando Neo foge do agente Smith. Mas, aí veio outra que é muito melhor, uma das primeiras cenas de B13 - 13º Distrito. O filme produzido por Luc Besson e dirigido por Pierre Morel é pura adrenalina, com uma boa história.

Se passa em um futuro alternativo, onde a França foi dividida através de muros em distritos para controlar a violência. Logo no início o personagem Leito, de David Belle está em seu apartamento quando os capangas de Taha, chefão local, invadem o prédio em busca da cocaína que ele está escondendo. Começa então, uma perseguição fenomenal, com base principalmente na técnica do Parkour, primeiro dentro do próprio prédio, depois nos telhados dos arredores. Eletrizante e muito bom. Assista e veja se não tenho razão.

Nunca mais (Filme mais traumático)

Muitos filmes eu não gostaria de rever nunca. É verdade. Irreversível, por exemplo, ou Anti-Cristo são filmes traumáticos. Outros porque são ruins mesmo. Já pensou rever Federal, por exemplo? Mas, se tem um que me traumatizou profundamente, fazendo terminar a sessão soluçando de tanto chorar foi mesmo Dançando no Escuro. Já citei ele no Filme Cebola, mas tenho que repetir aqui.

Selma Jezkova é a personagem mais irritante e sofrida que já conheci na vida. Entendo perfeitamente o amor e abnegação de uma mãe que não quer ver seu filho passar pelo mesmo sofrimento que ela. Admiro sua coragem de, completamente cega, fingir enxergar para não gerar pena, nem ser considerada incapaz, assim ela pode trabalhar e juntar dinheiro para a tão sonhada operação do filho. Entendo também a questão de não querer direcionar o dinheiro da operação para seu julgamento. Mas, o que não entendo é como ela pode ser fiel a uma criatura que a apunhalou pelas costas como o personagem de David Morse.

A produção do filme é incrivelmente bela, com a mistura de realidade e fantasia, sempre que Selma canta. É ótimo ver Björk cantando e atuando com tanta verdade. É sempre bom ver Lars Von Trier em ação, sempre detalhista e sutil. Mas, Dançando no Escuro é daqueles filmes que nunca mais quero ver. Doeu muito. Aquela cena final nos traz um trauma. Aquilo irrita muito, nos dá uma sensação de impotência, de descrença na humanidade, de dor profunda. Triste ao extremo. Mas porque me traumatizou tanto?

Talvez o tema que me assusta, talvez a interpretação visceral de Björk, talvez a capacidade de Lars Von Trier de nos dilacerar com sequências aparentemente simples. Não sei de fato. Mas, é angustiante esse paradoxo de ter adorado um filme e ao mesmo tempo criar horror por ele. Porque é de fato um grande filme. Mas, é daqueles que não quero rever jamais.

Sinopse oficial: Selma Jezkova (Björk) é uma mãe-solteira tcheca que foi morar nos Estados Unidos. Ela tem uma doença hereditária que a faz perder a visão, algo que também deverá acontecer um dia a seu filho Gene (Vladan Kostig), um garoto de doze anos. Entretanto, em virtude de saber que existem médicos nos Estados Unidos que podem operar seu filho isto foi o suficiente para fazê-la imigrar para o país. Ela trabalha muito duro e guarda tudo o que ganha para a cirurgia do filho. Bill (David Morse) e Linda (Cara Seymour), seus vizinhos, juntamente com Kathy (Catherine Deneuve), uma colega de fábrica, a ajudam no que é possível, mas quando Bill se vê em dificuldades financeiras rouba o dinheiro que Selma tinha economizado duramente. Este roubo é o ponto de partida para trágicos acontecimentos.

Dançando no Escuro (Dancer In The Dark: 2000 / França)
Direção: Lars Von Trier
Roteiro: Lars Von Trier
Com: Björk, Catherine Deneuve, Jean-Marc Barr, Peter Stormare, David Morse.
Duração: 100 min.

[Meme] Melhor DR, par romântico, vilão e unha e carne

2012-01-29T08:15:00.001-02:00

Melhor DR

Outro filme que não tive dúvidas na escolha. Antes do Pôr do Sol não tem uma cena que é a melhor DR, o filme inteiro é uma DR. Jesse (Ethan Hawke) e Celine (Julie Delpy) se conheceram em Antes do Amanhecer, em um trem de Budapeste a Viena. Terminaram o filme marcando de se rever em seis meses no mesmo lugar, mas isso nunca aconteceu. O casal foi se reencontrar nove anos depois em Paris, e essa é a história do segundo filme. O encontro dos dois, quase por acaso novamente, servirá apenas para discutirem como está a vida de ambos e o porquê de não terem dado certo. Não é tão bom quanto o primeiro, que é mais simples e gostoso de acompanhar, mas ainda assim, mantêm o bom diálogo e tem ótimos momentos.

Antes do Pôr do Sol (Before Sunset: 2004 / EUA)
Direção: Richard Linklater
Roteiro: Richard Linklater, Julie Delpy e Ethan Hawke,
Com: Ethan Hawke, Julie Delpy, Diabolo, Louise Lemoine Torres.
Duração: 80 min.

Melhor par romântico

Pares românticos inesquecíveis não faltam na história do cinema. Seja qual for o estilo, principalmente em Hollywood sempre tem um casal se formando. Seria difícil escolher um, mas a Pixar, sempre ela, acabou me mostrando uma relação perfeita que muitos gostariam de ter: Carl e Ellie, de UP. É um amor perfeito, porque não é idealizado, tem seus problemas, suas dificuldades, a rotina, os sonhos esquecidos, as frustrações. Mas, o amor está ali, sempre presente e eterno. Mesmo depois da morte de um deles. Falo melhor dele aqui.

Meu Vilão Favorito nos Filmes

Não sou daqueles que adora os vilões, por mais bem construídos que sejam. Mas, tenho que admitir que em Batman, Cavaleiro das Trevas um vilão tomou conta do filme: Coringa. A interpretação de Heath Ledger foi ovacionada por todos, dando um Oscar póstumo. E ele estava esplêndido, é verdade, mas, muito de sua interpretação vem da bela construção do personagem Coringa, sua loucura, suas nuanças. É doentio, de fato, mas não deixa de ser um excelente personagem. "Why so serious?"

Batman - O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight: 2008 / EUA)
Direção: Christopher Nolan
Roteiro: Jonathan Nolan e Christopher Nolan
Com: Christian Bale, Michael Caine, Heath Ledger, Gary Oldman.
Duração: 142 min.

Unha e Carne (Melhor Amizade)

Bom, quem leu minha animação preferida já deve imaginar a resposta para esse item. Toby e Dodó de O Cão e a Raposa, é sem dúvidas a melhor amizade que vi no cinema. É pura, bela, bem construída e emocionante de acompanhar. Porque independente da quantidade de pessoas que passam em nossas vidas, os melhores amigos são o da infância. É o que fica marcado em nossos corações.

O Cão e a Raposa (The Fox and the Hound: 1981/ EUA)
Direção: Ted Berman, Richard Rich
Roteiro: Ted Berman
Duração: 83 min.

J. Edgar

2012-01-28T08:46:00.089-02:00

Clint Eastwood se consagrou como diretor, sua mão firme para construir bons melodramas chamou a atenção do mundo em filmes como As Pontes de Madison, Sobre Meninos e Lobos, Menina de Ouro, A Troca, Além da Vida, entre tantos outros. Não por acaso Leonardo DiCaprio aceitou menos de 90% do seu cachê habitual para trabalhar nesse filme. Pena que a junção do grande diretor com o excelente ator deu apenas um filme morno, interessante pela figura que representa, mas que poderia render muito mais.

John Edgar Hoover pode ser um nome pouco conhecido para nós brasileiros, mas nos Estados Unidos ele representa muito, para o bem e para o mal. Ele foi o homem por trás da transformação do FBI (Federal Bureau of Investigation) de um Bureau desqualificado e desacreditado em um exemplo de coorporação investigativa. Foi ele também o responsável pela caça as bruxas que perseguiu, deportou e prendeu diversos comunistas no país. E foi o inimigo número um dos gângsters durante a Lei Seca. J. Edgar Hoover mudou os Estados Unidos em vários aspectos. Dustin Lance Black já tem experiência com figuras políticas e públicas por ter assinado o roteiro de Milk e seu roteiro busca conhecer o homem por trás do mito, humanizando-o, mas ao mesmo tempo demonstrando o quão cruel e irritante ele deveria ser.

O filme já é válido só por nos apresentar essa figura histórica desde o início de sua carreira quando tinha apenas 24 anos e presenciou os primeiros ataques de radicais comunistas ao senado norte-americano até o fim dos seus dias. Clint Eastwood opta por não construir uma narrativa baseada em um fato específico, ou mesmo construir um clímax em especial. É mesmo uma cinebiografia que vai pincelando os fatos principais da vida do agente mais poderoso do país. E consegue passar, mesmo para os que estão completamente por fora da história dos Estados Unidos uma trama coerente e instigante. Para os amantes do passado político, vai ser ótimo ver casos como a vida dos Kennedy, sua preocupação com os comunistas, o período da Lei Seca com Al Capone sendo perseguido e, nos cinemas, sendo lançado Inimigo do Estado, a preocupação de Richard Nixon com os possíveis dossiês de Hoover, que nos faz lembrar o caso de Watergate. Mas, há também omissões de questões mais delicadas do passado de J. Edgar, como sua homofobia, machismo e racismo que ficam apenas subentendidas em algumas cenas.

Mas, mais interessante do que a figura pública, as referências históricas e os acontecimentos mundiais é a característica que Clint Eastwood sabe fazer como ninguém, nos aproximar dessa figura exótica tentando entendê-lo por dentro. Aí, entra a figura fundamental na história: Anne Marie Hoover, a mãe de J.Edgar. Sua postura autoritária, sempre controlando o filho, até na cor da gravata que irá usar, é fundamental para formação do seu caráter. A dependência emocional dele a ela é visível desde os primeiros minutos de filme e quase o redime de suas ações condenáveis, o que também é perigoso ao lembrar que Clint Eastwood é um republicano conservador. É o típico homem sufocado pela dominância materna, incapaz de agir normalmente diante do sexo oposto, por exemplo, vide a cena na biblioteca. E, claro, é atribuída a ela também, além da posição de destaque que ele ocupava, a nunca confirmação de sua homossexualidade. Aliás, a relação entre J. Edgar e Clyde Tolson é outra construção delicada de Eastwood, que gera os melhores momentos do filme.

A tarefa de encarnar esse homem contraditório não era fácil, mas Leonardo DiCaprio já demonstrou em diversos momentos sua capacidade e talento. Uma pena que aqui sua interpretação seja um pouco instável. Enquanto é jovem, DiCaprio consegue transmitir as hesitações, dilemas, medos e certezas de J. Edgar como ninguém. Impressiona e convence. O problema é a fase mais velha do personagem, quando a maquiagem o transforma em um senhor gordo, careca e rabugento, mas seus trejeitos e cacoetes tornam algo falso naquela figura em tela. Não conseguimos ver o velho J. Edgar, mas sim, o jovem DiCaprio fazendo um velho. E o pior é que a narração em voz over que nos conduz na história é desse homem. Uma pena. Já Armie Hammer consegue ser melhor sucedido como Clyde Tolson na fase final da vida, principalmente depois do AVC. Naomi Watts também está bem como a secretária Helen Gandy. Mas, a atuação que chama a atenção mesmo é a de Judi Dench como Anne Marie Hoover, incrível a emoção e força que transmite à personagem.

A montagem é outro destaque no filme, tendo bons momentos de fusão entre o jovem e o velho J. Edgar, com cortes que misturam as situações, construindo bons efeitos. Aliás, a direção de arte chama a atenção pelos detalhes das diversas épocas pelas quais o filme passeia, principalmente quando é o mesmo cenário e detalhes como janela, poltrona e objetos são modificados retratando bem a situação vivida. Temos ainda os figurinos e tudo mais relacionado a cada época retratada, assim como a reconstrução de eventos históricos nos mínimos detalhes. Clint Eastwood que assina ainda a trilha sonora do filme, nos conduz com temas leves e bons momentos, apesar de se tornar uma viagem cansativa devido a longa duração.

J. Edgar é, então, um bom filme. Bem feito, realizado e interpretado, mas, poderia ser melhor. Principalmente pelo talento dos envolvidos, que já demonstraram poder muito mais. Tem falhas, perde o ritmo em vários momentos, se torna cansativo e não convence por completo. Ainda assim é um instigante retrato de um homem que foi amado e odiado pelo seu povo, indo as últimas consequências para defender o país do que acreditava ser uma praga.

J. Edgar (J. Edgar: 2012 / EUA)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Dustin Lance Black
Com: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench, Josh Lucas.
Duração: 137 min.

A semana no Cinema

2012-01-27T08:06:00.176-02:00

A semana foi marcada pelo anúncio dos indicados ao Oscar 2012, festa maior do cinema hollywoodiano que terá seus vencedores anunciados no dia 26 de fevereiro de 2012 no Kodak Theatre. Aos poucos, os indicados começam a ser lançados aqui no Brasil e, até o dia do anúncio, já poderemos ter uma opinião formada sobre todas as categorias. Por enquanto, ainda nos resta observar as previsões, prognósticos e algumas análises.

De imediato, é possível perceber algumas surpresas como a ausência da animação As Aventuras de Tintim de Steven Spielberg na categoria, dando lugar a filmes europeus como Um Gato em Paris (francês) e Chico & Rita (espanhol). Isso dá esperanças para que Rango tenha seu prêmio merecido, os outros candidatos são Gato de Botas e Kung Fu Panda 2, pelo menos Carros 2 não foi indicado, demonstrando que a força da Pixar não chega a tanto. Mas, o grande destaque das indicações é mesmo Martin Scorsese e o seu A Invenção de Hugo Cabret com 11 indicações. Após ser ignorado na edição anterior com Ilha do Medo, o mestre tem ótimas chances de sair vitorioso no dia 26, vamos torcer.

Como era esperado, O Artista também teve uma boa colocação nas indicações do ano, foram um total de 10 indicações e continua forte na disputa das principais categorias. Forte também, continua George Clooney em sua interpretação de Os Descendentes, mesmo vendo seu ótimo filme Tudo Pelo Poder de fora da disputa, apenas com a indicação para melhor roteiro adaptado, ele segue favorito na categoria de ator. Com sua 17ª indicação, Meryl Streep ainda é a favorita de muitos para levar sua tão esperada 3ª estatueta. Vamos torcer para não ser o ano de Viola Davis. Missão Madrinha de Casamento, que surpreendeu no Globo de Ouro também teve sua vez aqui como melhor roteiro e atriz coadjuvante.

Apesar de não ter Tropa de Elite 2, o Brasil está representado no Oscar com a música de Sergio Mendes e Carlinhos Brown que concorre a melhor canção original com "Real in Rio" da trilha do filme Rio. Entre as ausências, além das já citadas Tintim e Tudo Pelo Poder, está o já esperado Melancolia, de Lars Von Trier, depois das declarações em Cannes, era mesmo passível de ser ignorado pela Academia e seus financiadores judeus. Pena que, com isso, ele levou um belo filme e duas grandes interpretações para o quase esquecimento. Outro ignorado foi Clint Eastwood com seu J. Edgar, assim como Leonardo DiCaprio que deve estar tendo a certeza de que é mesmo persona non grata na Academia. Em compensação, o Oscar não ignorou a beleza de A Árvore da Vida, indicando filme e diretor, além claro da excelente fotografia de Emmanuel Lubezki.

Por fim, a maior expectativa na lista dos indicados era quantos filmes estariam na categoria principal, já que esse ano a Academia decretou que seriam no mínimo 5 e no máximo 10, sendo que os indicados deveriam obter pelo menos 5% da preferência dos votantes. Ficaram então, nove contemplados, e nenhum que possa ser considerado uma grande surpresa. Destes, apenas 4 já estrearam no Brasil, mas até a noite do Oscar, a previsão é de que todos estejam contemplados.

A lista completa dos indicados, você pode conferir na nossa página do Facebook.

Notícias rápidas:

Revista do Cinema Brasileiro

Pra quem gosta de conhecer um pouco mais sobre tecnologia, o Revista do Cinema Brasileiro deste sábado vai falar quais são as últimas em tecnologia no setor audiovisual. Andre Horta vai falar sobre a câmera Alexa, da empresa alemã Arri, enquanto o diretor Paulo Morelli vai explicar como funciona o software Story Touch. O programa ainda traz um bate-papo sobre efeitos especiais com Claudio Peralta, e Gabriela Agustini vai explicar o que é a exibição digital em 4K.
O programa vai ao ar às 20h30, pela TV Brasil.

Theo Angelopoulos

A nota triste fica por conta do falecimento do diretor grego Theo Angelopoulos. Angelopoulos estava atravessando uma avenida no bairro de Drapetsona, nos arredores da capital grega e foi atropelado por uma motocicleta. O cineasta estava no local buscando locações para seu novo filme, "The Other Sea". Conhecido por seus famosos plano-sequências, Theo Angelopoulos começou a ter fama internacional com "A viagem dos comediantes", de 1975, dirigiu ainda sucessos como filmes como "Uma Eternidade e Um Dia" (Palma de Ouro de Cannes, em 1998) e "Um Olhar a Cada Dia".

Chico e Rita

E aqui o trailer da animação Chico e Rita, indicada ao Oscar de melhor animação e ainda sem previsão de estreia no Brasil.

Estreias da semana

E como a onda é o Oscar e seus indicados, essa semana estreia três filmes que estão entre os contemplados com alguma indicação. A começar por aquele que se tornou um dos favoritos, Os Descendentes que tem seu maior destaque na interpretação de George Clooney, mas após levar o Globo de Ouro, segue forte com 5 indicações. Estreia também o thriller Millenium, Os Homens que não Amavam as Mulheres, de David Fincher. Apesar de não ter muitas indicações, o filme marca presença com a indicação de melhor atriz para Rooney Mara e prêmios técnicos como fotografia, montagem, montagem e mixagem de som. Um belo filme, que é fiel a atmosfera do livro sueco e tem muitos méritos em todos os quesitos. Por fim, estreia também outro ignorado no Oscar, o filme J. Edgar de Clint Eastwood, com Leonardo DiCaprio no papel principal, a trajetória do ex-chefe do FBI é bem construída, gerando interesse por sua figura, mas a interpretação de DiCaprio é instável. Quando está transformado em velho Edgar, tudo soa artificial.

Fica a Dica

A Trilogia Millenium – os livros

Aproveitando a estreia do filme de David Fincher, a dica é conferir os livros de Stieg Larsson, onde o filme se baseia. Aqui vocês poderão conhecer melhor a hacker Lisbeth Salander, seu passado e toda a sua trajetória que está apenas começando em Os Homens que não Amavam as Mulheres.

Os Homens que não Amavam as Mulheres
Direção: Niels Arden Oplev (2009)

E como é sempre bom comparar, indico que assistam também a versão sueca para os cinemas dessa obra instigante. Aqui a crítica do filme.

Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres

2012-01-26T08:16:00.094-02:00

Costumo condenar essa mania de Hollywood ignorar os filmes do resto do mundo, fazendo remakes de obras diversas com uma diferença mínima de tempo do original tal qual foi com Deixe ela entrar, Operação Valquíria, entre outros. Mas, quando foi anunciado que David Fincher varia uma nova adaptação da Trilogia Millennium, fiquei empolgada. Não apenas por David Fincher ser o excelente diretor que é, mas, principalmente porque sempre achei os livros de Stieg Larsson a obra sueca mais americana que já vi. Se tem uma coisa que americano sabe fazer bem é história de gênero, ainda mais thriller e suspense. A Trilogia Millennium é, em sua base, assim e é impossível deixar as páginas do livro em seus últimos capítulos devido a tensão e ansiedade para entender onde aquilo irá nos levar. E foi essa sensação que o filme de Niels Arden Oplev não conseguiu me dar e no filme de David Fincher teve de sobra.

A história de Os Homens Que Não Amavam as Mulheres se baseia na investigação sobre o paradeiro de Harriet Vanger, jovem provavelmente morta, quarenta anos antes na ilha onde morava. Seu tio, e chefe da família, parece ser o único que ainda se preocupa com ela, tendo a certeza de que o assassino encontra-se dentro do clã dos Vanger. O plot do filme, então, se dá quando ele contrata o jornalista Mikael Bomkvist para investigar o caso. Bomkvist está passando por uma delicada situação em sua carreira após acusar sem provas um empresário poderoso na Suécia e essas férias forçadas na pequena ilha familiar acabam sendo interessantes para ele. Nessa trajetória, seu destino irá se cruzar com o da jovem Lisbeth Salander, uma hacker antissocial, que é a verdadeira protagonista da Trilogia Millennium. Basta lembrar que o título original é “A garota da tatuagem de dragão”.

A atriz Rooney Mara personifica essa estranha garota que é construída aos poucos aos nossos olhos e desde o princípio já gera curiosidade. Seu passado aqui não é explicado, e nem precisa, já que será mais importante nos livros seguintes. Sua essência está ali, desde a apresentação cuidadosamente exagerada, com o dono da firma de investigação preparando o assessor de Henrik Vanger e o seu primeiro surgimento na tela, um ser exótico, quase assustador, passando para a sua relação com os dois tutores (o quase pai e o padrasto), para finalmente, chegar ao relacionamento profissional e emocional com Mikael Bomkvist. Lisbeth Salander é encantadora a cada momento que conhecemos um pouco mais de sua situação, seu sofrimento, seus talentos, seu senso de justiça, por mais paradoxal que isso pareça.

O roteiro é feliz ao construir em paralelo os três plots principais da história do livro: a crise na Revista Millennium com a condenação de Mikael, a vida de Lisbeth com os tutores, a investigação da família Vanger. E a forma como as três tramas se entrelaçam e dão ritmo ao filme é especialmente boa. A princípio, o mistério total, aos poucos, as pontas vão sendo ligadas e as informações transmitidas, tais quais as palavras de Stieg Larsson. David Fincher disse que não quis ser fiel demais ao livro, de fato, ele mudou alguns detalhes, mas mesmo não sendo fiel a todas as palavras e acontecimentos, ele foi fiel ao extremo a história. Ele a compreendeu acima de tudo e nos passou a mesma sensação de urgência.

Independente da adaptação, Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres é um ótimo filme por construir a partir de um roteiro complexo uma sucessão de imagens e ações concisas, envolventes, bem traçadas. David Fincher nos mantêm presos à cadeira mesmo com três horas de projeção. Há ritmo e a montagem é essencial para que o filme funcione, não apenas na ligação das tramas paralelas, como nos sutis flashbacks que não nos deixam perder o fio da história nem a curva dramática, principalmente no clímax em determinado porão. Aliás, na parte final do filme, David Fincher e Rooney Mara são bastante sensíveis ao dar indícios do passado e da personalidade de Lisbeth Salander, sem serem muito didáticos.

O elenco todo transporta bem o clima da história, o 007, Daniel Craig, encarna Mikael Bomkvist com delicadeza, dando a dimensão íntegra do personagem, mesmo parecendo tão fácil em conquistar o sexo oposto. Robin Wright também traz dignidade a Erika Berger, sua sócia e amante fiel, sempre um ponto de apoio importante do personagem. Christopher Plummer nos dá um ótimo Henrik Vanger, em toda a sua dor e desespero para compreender o passado de sua família, destaque para sua emoção na parte final. E Stellan Skarsgard cai como uma luva na pele de Martin Vanger. Isso sem falar na já citada Rooney Mara.

É verdade que americano odeia ler legenda e que precisa refazer todas as boas histórias que encontramos pelo mundo. Mas, Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres parece mesmo feito para Hollywood, sem querer desmerecer em nada o excelente cinema sueco. Agora é torcer para que David Fincher e o elenco fechem contrato para continuar a trilogia. Até porque a versão sueca para os dois outros livros nem chegou a estrear aqui no Brasil.

Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tattoo: 2012 / Alemanha, Suécia, Reino Unido, Estados Unidos)
Direção: David Fincher
Roteiro: Steven Zaillian
Com: Daniel Craig, Rooney Mara, Stellan Skarsgard, Robin Wright.
Duração: 158 min.

Os Descendentes

2012-01-25T08:14:00.002-02:00

Uma questão sempre em voga é o que faz um filme ser considerado o melhor? Nem sempre é a inovação, a genialidade diante de um impasse, uma interpretação arrebatadora. Às vezes, está na simplicidade da história, da técnica, do prazer de simplesmente fazer bem feito. Nessa categoria se encaixa Os Descendentes, um filme certo, que não enche os olhos, mas é extremamente competente em todos os quesitos.

Aqui conhecemos Matt King, um cara comum que vive no Havaí e se irrita com as pessoas que acham que, por isso, ele vive no paraíso, bebendo Mai Tais, rebolando e surfando. Isso me lembrou muito a realidade baiana e todos aqueles que acreditam que vivemos em um eterno Carnaval ou deitados em uma rede, bebendo água de côco e comendo acarajé. A diferença de Matt King para os seres humanos comuns é que ele é descendente da nobreza havaiana e de missionários e, com isso, um dos herdeiros dos últimos hectares de praia virgem local. Enquanto está em plena negociação familiar para decidir se vendem as terras e para quem, a esposa de Matt sofre um acidente de lancha e fica em coma. Para completar, ele descobre que ela o estava traindo. Em meio a um turbilhão de emoções, Matt terá que repensar sua vida, reconquistar suas filhas e decidir o futuro da herança de seus ancestrais.

Antes de tudo, Os Descendentes é curioso. Afinal, utilizar uma ilha vista pelo mundo com o estereótipo que o protagonista começa o filme reclamando, para falar de decisões tão particulares já traz vigor e novidade ao filme de Alexander Payne, que, além de dirigir, assina o roteiro com mais duas pessoas. E foi esse clima exótico que chamou a atenção do diretor no livro de Kaui Hart Hemmings. Tanto que a direção de arte é caprichosa em colocar elementos teoricamente estereotipados no filme, como colares havaianos, ou o figurino de George Clooney que está sempre com uma camisa florida. Ainda assim, o tratamento é bastante cotidiano, simples, intimista, mesmo ao retratar uma reunião familiar com diversos parentes de uma herança nobre.

Mas, o que chama a atenção mesmo no filme é a interpretação de George Clooney. Sempre um ótimo ator, mas nunca fenomenal, aqui ele está indiscutivelmente extraordinário. Volto às explicações do primeiro parágrafo. Nem sempre uma boa interpretação vem de rompantes emocionais chaves, mas de detalhes simples que tornam o personagem próximo de nós. Clooney consegue aqui uma emoção contida de um homem que se vê em meio a um turbilhão de emoções. É forte, sincero, sofrido, encantador. O resto do elenco o acompanha em bons desempenhos, mas nada que se destaque tanto.

O roteiro fluído, com boas viradas e a voz over de George Clooney ajuda na construção do personagem e empatia com o mesmo. Tudo se torna mais fácil ao nos colocarmos no lugar de Matt King. Amamos e odiamos cada personagem que se aproxima dele a partir de suas emoções. A montagem também é bastante feliz, dando ritmo ao drama e não nos deixando ver o tempo passar. E a direção de Alexander Payne é consistente. É bom, ainda, ver as belas praias do Havaí, e ter a sensação de ainda existe lugar para se aproveitar a natureza virgem, apesar desse ponto ser apenas o pano de fundo do drama do protagonista.

Outro trunfo do filme é a busca de Matt King pelo amante de sua esposa. Seria improvável tudo o que se desenrola nesse caso, mas pela empatia, embarcamos na jornada de Matt sem questionar muito. Tudo parece fazer sentido, mesmo envolver sua filha de apenas dezessete anos. Este é o plus do filme para que não seja apenas mais uma história. As coisas inusitadas, coincidências e outras situações não tão coincidentes assim é que tornam a trajetória do personagem, suas escolhas e decisões mais consistentes. E o filme mais encantador em vários aspectos, inclusive na tradução da natureza humana.

Os Descendentes é daqueles filmes que a gente termina de ver tendo a certeza de que viu uma obra de qualidade. Ainda que não tenha um rompante de genialidade, nem status de obra prima. É gostoso de assistir, envolvente, encantador. Agora, se merece prêmios ou entrar na lista dos dez mais, já é outra história.

Os Descendentes (The Descendants: 2012 / Estados Unidos)
Direção: Alexander Payne
Roteiro: Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash
Com: George Clooney, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges.
Duração: 115 min.

[Meme] Comédia romântica , Noir e Musical

2012-01-24T08:46:00.001-02:00

Melhor comédia romântica

Comédias românticas existem aos montes. Umas ótimas, outras repetitivas. Minha escolha vai por aquele filme que mais me divertiu ver e rever, trata-se de Sintonia de Amor. Se Tarde Demais para esquecer foi meu filme mais romântico, esse tinha que ser a melhor comédia romântica, afinal, um é inspirado no outro. A personagem de Meg Ryan é apaixonada pelo filme, adora ver e rever com a amiga, chorando e citando cada frase que sabe de cor. Quando vai marcar um encontro com o personagem de Tom Hanks, ela, então, não tem dúvidas, escolhe o Empire State. É um jogo divertido e emotivo, abrilhantado pela performance do garotinho Jonah, vivido por Ross Malinger. Sem ele, não teríamos história, afinal, foi o garoto quem ligou para rádio dizendo que seu pai precisava de uma nova esposa e foi ele também quem respondeu a carta a Annie, personagem de Meg Ryan. Daquelas histórias divertidas que nos fazem sonhar com o amor perfeito.

Sintonia de Amor (Sleepless in Seattle: 1993 / EUA)
Direção: Nora Ephron
Roteiro: Nora Ephron, Jeff Arch e David S. Ward,
Com: Tom Hanks, Meg Ryan, Bill Pullman, Ross Malinger.
Duração: 100 min.

Preto no Branco (Melhor Noir)

Filmes noir sempre me encantaram. Gosto daquela atmosfera de submundo, da voz do detetive nos guiando, das femme-fatales, do jogo de câmeras, das lente grande-angulares, do preto e branco, enfim, gosto do estilo. Há filmes clássicos como Relíquia Macabra, Pacto Sinistro, A Dama de Xangai, A marca da maldade e sua sequência inicial incrível, À Beira do Abismo, entre tantos outros.

Mas, o filme que sempre tive como de cabeceira foi Crepúsculo dos Deuses. Já é genial termos um morto no início do filme e ele ser o narrador do mesmo. E a história de ascenção e queda de Norma Desmond em seu mundo particular me encanta. Joe não é um detetive, é verdade, é um roteirista decadente de Hollywood, sem dinheiro, sem oportunidades, fugindo de tudo e de todos vai se envolver com essa mulher fascinante. A cadência do filme é incrivelmente bem desenvolvida, gostosa de acompanhar. Além, claro do final apoteótico que já citei nesse Meme.

Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard: 1950 / EUA)
Direção: Billy Wilder
Roteiro: Charles Brackett, D.M. Marshman Jr. e Billy Wilder
Com: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson.
Duração: 110 min.

So you think you can dance (melhor musical)

Nessa categoria não tive dúvidas. Claro que existem ótimos filmes musicais, tanto na época clássica de Hollywood, onde eles eram moda, quanto nos clássicos modernos dos anos 80. Mas, falando em musical, a primeira coisa que me vem a mente é Julie Andrews de braços abertos nos Alpes suiços cantando The Sound of Music.

A Noviça Rebelde é um filme gostoso de acompanhar, divertido, bem escrito e com músicas eternas. Perdi as contas de quantas vezes assisti ao filme, está próximo da quantidade de E O vento Levou. Só que aqui, mais do que o filme inteiro, eu pulava apenas para as partes musicais. Sabia de cor cada uma delas e até dedilhava algumas no teclado. A minha parte preferida, claro, já comentei aqui no Grandes Cenas, que é a sequência em que Maria ensina as crianças a cantar.

De fato, um clássico inesquecível.

A Noviça Rebelde (The Sound of Music: 1965 / EUA)
Direção: Robert Wise
Roteiro: Ernest Lehman
Com: Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor Parker, Richard Haydn.
Duração: 172 min.

[Meme] Brasileirão, Animação e Faroeste

2012-01-23T08:19:00.000-02:00

Brasileirão

Sou fã confessa do cinema brasileiro, sempre gostei, admirei, levantei bandeiras. A primeira coisa me passou pela cabeça foi escolher aqui Cidade de Deus, filme que trouxe algo novo à chamada retomada e se tornou fenômeno mundial. Lembrei também de O Pagador de Promessas, que antes de tudo é um excelente texto de Dias Gomes e nos deu a Palma de Ouro em Cannes. Claro que não esqueci de Tropa de Elite e sua performance nas bilheterias, se tornando outro fenômeno. Esse ano, Selton Mello ainda me emocionou com O Palhaço. São tantos filmes que gostaria de citar, mas aí, resolvi retroceder e escolher Deus e o Diabo na Terra do Sol. Antes de tudo, não sou uma das viúvas de Gláuber Rocha. Aliás, acho até que o diretor baiano é melhor teórico do que prático, adoro ler seus textos e suas idéias.

Mas, escolho esta pequena ópera nordestina pela força que o filme teve e ainda tem quando exibido. A genialidade de retratar o sertão como um verdadeiro campo de batalhas intelectuais, onde o povo representado por Manuel se vê entre as filosofias do cangaço, representado por Corisco, e da religião, representado pelo santo Sebastião, além, claro da lei governamental em Antonio das Mortes e a repressão inicial do coronel. Deus e o Diabo na Terra do Sol é a representação máxima da mente de Gláuber, sua efervescência intelectual, suas angústias, suas dores. Tudo isso ainda com a música de Heitor Villa-Lobos e as boas atuações de Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães, Othon Bastos, Maurício do Valle, Sonia dos Humildes e Lídio Silva. É o símbolo maior do cinema novo e da cultura nordestina.

"Eu parti do texto poético. A origem de Deus e o Diabo é uma língua metafórica, a literatura de cordel. No Nordeste, os cegos, nos circos, nas feiras, nos teatros populares, começam uma história cantando: eu vou lhes contar uma história, que é de verdade e de imaginação, ou então, que é imaginação verdadeira. Toda minha formação foi feita nesse clima. A idéia do filme me veio espontaneamente." - Gláuber Rocha

Deus e o Diabo na Terra do Sol (Deus e o Diabo na Terra do Sol: 1964 / Brasil)
Direção: Gláuber Rocha
Roteiro: Gláuber Rocha
Atores: Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães, Maurício do Valle, Othon Bastos.
Duração: 125 min.

Melhor Animação

Outro item quase impossível de escolher. Lembrei logo dos clássicos Branca de Neve, A Bela e a Fera, O Rei Leão. Também dos novos clássicos da Pixar como a série Toy Story. Além de filmes de animação mais adultos como Persepolis ou Valsa com Bashir ou ainda as animações japonesas como Túmulo dos Vagalumes, A Viagem de Chihiro, entre tantos outros. Todos são excelentes, únicos, dignos de citação.

Mas, aí, o coração falou mais alto. E voltei ao meu filme preferido da infância. O Cão e a Raposa. Não é o melhor roteiro, não é a melhor técnica, é um filme simples até, mas me atinge profundamente pelo tema de amizade. Adoro a ligação entre os dois, as músicas, a curva dramática do cachorro se tornando cão de caça e inimigo do amigo de infância, da reconciliação, apesar da distância. Enfim, é o filme que fica em minha mente, que não canso de assistir ainda hoje. E por isso, e só por isso, escolho como melhor animação. Apesar de tantas outras obras mais fortes, profundas e bem realizadas.

O Cão e a Raposa (The Fox and the Hound: 1981/ EUA)
Direção: Ted Berman, Richard Rich
Roteiro: Ted Berman
Duração: 83 min.

O melhor Faroeste

Faroeste não é o meu forte, confesso, mas gosto de alguns clássicos e dentre eles escolho Rastros de Ódio. Como já disse aqui, o filme de 1956 impressiona não apenas pelo bom andamento do roteiro e imagens, mas principalmente pela mudança na construção do protagonista. Distante de um herói americano típico, o personagem de John Wayne é um dos mais complexos já vistos no gênero. Um marco, que merece sempre destaque.

Rastros de Ódio (The Searchers: 1956 / EUA)
Direção: John Ford
Roteiro: Frank S. Nugent
Com: John Wayne, Vera Miles, Natalie Wood, John Qualen, Jeffrey Hunter, Olive Carey.
Duração: 119 min.

Pré-estreia de 2 Coelhos com presença de elenco

2012-01-22T08:25:00.092-02:00

No dia 19 de janeiro, Salvador recebeu a equipe de 2 Coelhos em uma pré-estreia concorrida, com direito a duas salas cheias no UCI Iguatemi. Estiveram por lá o diretor Afonso Poyart e os atores Caco Ciocler, Marat Descartes e Thogun, todos empolgados com o resultado do filme, as primeiras repercussões e disponíveis para conversar com imprensa e convidados.

2 Coelhos é um filme diferente, com uso de diversas técnicas de animação, efeitos especiais e ação, mas que não esquece o conteúdo. A base do filme é o roteiro e os três atores presentes foram unânimes em concordar que ali tinha um conteúdo diferenciado. Na trama, temos o protagonista Edgar articulando um plano misterioso envolvendo criminosos e vários níveis e políticos corruptos. E só aos poucos vamos descobrindo onde ele pretende chegar. E o mais impressionante é que tudo ali faz sentido, é bem construído e impressiona.

Vindo da publicidade, Afonso Poyart estreia em longametragens com o pé direito. O diretor já tinha dirigido um curta de ficção (Eu te darei o céu), que foi premiado no Festival de Gramado e do Rio em 2005 e demonstrado talento versátil. A julgar pelo que vimos no Iguatemi na última quinta-feira, o sucesso na bilheteria é esperado e merecido. Vejam abaixo o bate-papo com o diretor e atores.

Afonso Poyart

Como surgiu essa idéia de fazer o 2 Coelhos?
AP - Eu trabalho com publicidade há um tempo e eu sempre quis fazer um filme. Eu já tinha uma idéia antiga de fazer um filme sobre um cara, um cara comum que representa o povo brasileiro, fazendo justiça contra a classe corrupta e os criminosos. Esse foi o mote inicial: um cara que faz justiça com as próprias mãos. Mas, conforme eu fui escrevendo, a coisa foi ficando maior que isso. As idéias foram aparecendo e a trama foi ficando mais complexa e esse conceito inicial se tornou apenas um ponto de partida. O que esse cara busca é uma coisa muito além que só vendo o filme para descobrir.

Além de dirigir, você escreveu o roteiro, produziu e participou da montagem. É uma forma de ter o controle de todo o processo?
AP - Eu comecei com pós-produção, comecei na animação, então é natural me envolver em todas as etapas, fiz um monte de coisa. Mas, também tinha pouco dinheiro para segmentar demais, além de ser o primeiro filme também, não dá para deixar de lado, tem que fazer tudo.

E a escolha do elenco? Você já tinha os atores em mente?
AP - Não, a gente fez uns quatro meses de seleção do elenco de apoio. Os personagens principais eu fiz convites, a Alessandra mesmo eu convidei e achei que ela não ia aceitar, mas ela aceitou de cara, foi muito bacana.

Você vem da publicidade, o que trouxe dela para esse trabalho? Essa linguagem rápida, essas inserções gráficas, montagem, quais foram suas referências?
AP - Como eu disse, eu sou um cara da pós-produção, então, acho que veio um pouco de minha bagagem , é muito natural mexer com isso. Acho que na publicidade a gente aprende a fazer filmes, com a prática mesmo, a gente está toda hora fazendo algo, convivendo com pessoas criativas, referências que ajudam no final. Mas, tenho vários diretores como referência, tipo Tarantino, Christopher Nolan, Alejandro González Iñárritu, Guy Ritchie, Danny Boyle, Fernando Meirelles , todos esses caras me influenciaram.

Já tem projetos pros próximos filmes?
AP - Eu tenho um projeto de um filme de MMA/ UFC, do José Aldo que é o campeão de peso pena do UFC. Vamos começar a filmar agora em agosto com o Malvino Salvador no papel principal . E continuo fazendo publicidade também.

Marat Descartes

Como foi o convite para fazer 2 Coelhos?
MD - O Afonso já me conhecia do teatro, a produtora dele é lá de São Paulo e aí me chamou para ler o roteiro e eu curti. Achei o roteiro muito bem escrito, mais do que ser essa novidade de um filme de ação, um gênero não tão feito no Brasil, mais do que participar disso, dessa coisa inovadora, eu gostei muito do roteiro.

Como você definiria o Maicon?
MD - Bom, ele é um líder de um bando de crime organizado, então, é uma pessoa assim sem muito caráter. Mas ao mesmo tempo, o que deu um toque interessante no personagem, é que ele não é um personagem totalmente mau, perverso, tem um toque de humor. Então, é um bandido legal.

Você acha que é mais interessante fazer um vilão?
MD - Olha, eu acho que gosto mais de fazer vilão. Eu lembro que na época da novela de Odete Roitman (Vale Tudo) eu ficava torcendo pra ela. Então, eu acho que eu gosto mais dos vilões, acho mais interessante fazer.

E o Afonso como diretor? Você gostou de trabalhar com ele?
MD - Eu adorei, foi muito legal. Eu acho que o fato dele ser um diretor estreante em longametragem foi muito bom, porque tinha um frescor, às vezes uma ingenuidade mesmo na hora de fazer, que nos deixava muito livres para experimentar, criar. Então, foi uma experiência muito bacana.

E quais são os seus projetos futuros?
MD - Eu vou rodar o filme do Jayme Monjardim , O Tempo e o Vento. Em julho, vou fazer outro longa que é um road movie, Minas Brasília, que é de um jovem diretor de Brasília Gustavo Galvão. Vou fazer um curta de uma turma de São Paulo em Fevereiro. Então, estou mais engajado em cinema mesmo. Apesar de estar com saudades do teatro e louco para voltar para ele.

Thogun

Como foi a experiência de fazer o 2 Coelhos?
T - A experiência foi bem vinda, porque é o Afonso estreando e a gente também estreando nessa linguagem totalmente diferente, uma linguagem de filme de ação, intenso, com vibração, com roteiro realmente digno. E uma parceria muito grande entre direção e ator. Eu vim de Tropa de Elite que tinha essa mesma experiência de diretor que permite que o ator atue e realmente até a linguagem de direção é diferente. Então, valeu muito a pena, atores incríveis, momentos incríveis. Muita boa sorte para a estreia. Só louros.

E o seu personagem, Bolinha, como definiria?
T - É engraçado, né? Normalmente fazer bandido é o meu negócio, mas eu estou procurando fazer outras coisas. O legal é você pegar o personagem, mesmo que seja um bandido e criar um diferencial, o Afonso permitiu isso, aí eu consegui fazer o malandro agulha. Aquele cara que tá lá, tá presente pra fazer o papel dele enquanto bandido, mas não causa antipatia, pelo contrário. O Bolinha é alegre, sarcástico, tem um humor sutil que tá funcionando pra caramba na trama.

Caco Ciocler

Como foi o convite para fazer 2 Coelhos?
CC - Recebi um telefonema, depois o Afonso marcou um almoço e me mostrou o roteiro. Eu curti. Era um roteiro que exigia de mim uma atenção, saída de estado de passividade, pensei, "opa, esse roteiro exige alguma coisa de quem está assistindo".

Como você definia o Walter?
CC - Todos os personagens nesse filme não são o que parecem ser. E o Walter é o mais radical nesse sentido. Você não pode entender qual é do Walter até a última cena. Ele é todo construído no contra-fluxo. Geralmente você se esforça para o público entender o que o personagem está sentindo. Aqui foi o contrário. Tem que entender que ele está sentindo alguma coisa, não pode ser vazio, mas não pode entender nunca o que é.

É mais difícil?
CC - Sim, tem pouca cena, tem pouca fala, é tudo no silêncio, no mistério.

E como foi trabalhar com o Afonso?
CC - Foi tranqüilo, porque ele é um cara de trabalha com publicidade, a equipe é a que ele trabalha sempre , o equipamento ele domina , a linguagem da câmera ele domina. A novidade para ele, éramos nós, os atores, como ele iria lidar com a gente, pedir as coisas. Então, ele foi muito aberto, deixou a gente muito à vontade. Pediu muito a nossa ajuda para reconstruir os diálogos. Chamou a gente para contribuir com o filme, dando uma liberdade muito legal.

Fotos gentilmente cedidas por João do Salada Cultural.

Um Dia

2012-01-21T08:03:00.000-02:00

Um dia, o que pode ser feito em 24 horas? Amores podem começar e terminar em um piscar de olhos, pessoas nascem e morrem a cada dia, a vida pode ser traduzida nessa pequena janela de tempo. Pensando assim, David Nicholls criou o seu livro, onde acompanhamos a vida de duas pessoas apenas a partir do que lhes acontece em determinado dia do ano, mais precisamente o dia 15 de julho.

Através dessa janela de tempo, durante duas décadas, vemos Emma e Dexter se conhecerem, quase transarem, tornarem-se amigos, brigarem, se separarem, fazem as pazes e diversas outras coisas. É interessante como, mesmo pulando de ano em ano naquele mesmo dia, conseguimos ter uma idéia geral do que lhes acontece. A narrativa é bastante realista, com um ritmo lento até, não fica a sensação de ser picotada. O dia acaba e lá estamos nós no ano seguinte, quando a vida deles pode ter mudado completamente, mas eles continuam ligados por algum motivo extra.

Os diálogos são um ponto forte do roteiro, também escrito por David Nicholls. São rápidos, com sacadas inteligentes e conseguem traduzir perfeitamente a personalidade de cada personagem e suas relações um com os outros. Mesmo com piadas bobas, como a mãe de Dexter em Paris falando para o filho, "olha ali, Alain Delon" ... ou não, é seu pai", demonstrando o quão apaixonada é pelo marido. Tem cenas engraçadas também, como quando Dexter encena para sua filha a cena mais famosa de Spartacus com os bonecos. Mas, nenhum personagem é melhor traduzido pelos diálogos que Emma, a garota tímida, mas extremamente inteligente e sagaz. Cada fala dela é um pouco do seu temperamento, sentimento, espontaneidade. E é graças a ela que nos encantamos e nos envolvemos com o filme.

Não apenas por Emma e sua personalidade fascinante, mas também pelo talento e carisma de Anne Hathaway, que rouba o filme. Não por acaso, Emma vai melhorando a cada ano, tornando-se mais bonita, mais segura, mais atraente em todos os aspectos. Enquanto que Dexter vai definhando, perdendo o rumo. Ele que era o garotão da faculdade, enquanto que ela era a tímida CDF que ninguém notava. Dexter se envolve em um emprego fútil que lhe dá aparente fama e dinheiro, mas logo se demonstra um desvio de vida. Enquanto que Emma começa como garçonete de um restaurante mexicano e vai melhorando sua situação aos poucos.

Como casal eles funcionam, o problema é que o roteiro não ajuda nisso. Há sempre uma sensação de não pertencimento a eles, um estranhamento que não os faz viver nem paixão, nem amor, nem desejo. Por mais que Emma demonstre no olhar que sempre foi louca por Dexter, suas atitudes acabam minando qualquer tentativa do garoto fútil que vive trocando de namorada. Um Dia é o conto sobre o amor que poderia ter sido em sua maior parte do tempo. Aquele amor que nasceu predestinado, mas faltou algo, coragem talvez, para se realizar plenamente. Ficamos acompanhando dois amigos que deveriam ser amantes, até que nos sentimos enganados pelo destino.

Não podemos, no entanto, dizer que o filme não seja romântico. Tem seus momentos, ainda que nos prepare as lágrimas de uma maneira tão óbvia e tão breve. Logo já estaremos no ano seguinte, e no depois dele, esquecendo a dor e seguindo em frente. Mas, isso não nos impede de viver o momento. São breves, é verdade, mas verdadeiros e bem construídos. Principalmente no ato final, onde queremos voltar desesperadamente ao início, como uma tentativa de refazer a história, ou pelo menos enganar nossa mente com aquele encontro singelo no meio da rua e um beijo sela a história de amor que deveria ter sido.

A diretora dinamarquesa Lone Scherfig conseguiu trazer delicadeza à história de Emma e Dexter, fazendo de Um Dia um filme sensível. Uma história de amor construída sem recursos comuns a filmes dessa natureza. Tudo é quase realista e medroso como a vida. Pena que, quando a situação engata, ela nos tire o tapete, com uma situação clichê, anunciada, feita apenas para nos fazer chorar. E nem assim conseguiu. Ainda assim, um bom filme.

Um Dia (One Day: 2011 / Estados Unidos)
Direção: Lone Scherfig
Roteiro: David Nicholls
Com: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Tom Mison.
Duração: 108 min.

2 Coelhos

2012-01-20T08:30:00.000-02:00

O estreante Afonso Poyart conseguiu, com 3,5 milhões, criatividade e força de vontade, trazer às telas de cinema o filme nacional mais inovador em termos de linguagem desde Cidade de Deus. Não estou dizendo aqui que esse seja o melhor filme brasileiro dos últimos tempos, é bom deixar claro. Mas, sem dúvidas, chama a atenção o bom roteiro, a construção estética e todas as misturas feitas pelo cineasta que também assina o roteiro e a produção, além de participar da montagem de 2 Coelhos.

Aqui conhecemos Edgar, interpretado por Fernando Alves Pinto, um rapaz sarcástico e observador que nos narra a história em primeira pessoa, nos conduzindo em um plano elaborado por ele para algo que não sabemos bem do que se trata. A linguagem didática irônica lembra muito Ilha das Flores de Jorge Furtado. E é necessária, pois o roteiro não nos dá muitas pistas do que está acontecendo. É preciso entrar no jogo. Edgar nos apresenta bandidos de diversos níveis, políticos corruptos, um casal de advogado e promotora, mas sem muitas explicações sobre seu plano. Não há uma idéia exata de onde tudo isso irá parar e somos surpreendidos por diversas reviravoltas na trama.

E para nos surpreender, Poyart se utiliza de todos os recursos possíveis, desde um roteiro não-linear, que nos revela coisas do passado no futuro, até efeitos especiais diversos para simular pensamentos, sonhos, alucinações ou realidade. É mesmo um show de pirotecnia. Tem até uma referência bastante próxima a Sucker Punch nos momentos de pânico da personagem de Alessandra Negrini, efeitos tirados de O Passageiro do Futuro e diversas outras referências e inspirações de filmes de ação em geral.

E o melhor de tudo, 2 Coelhos consegue êxito em todos os quesitos. O filme é bastante feliz em sua condução ágil, envolvendo os espectadores naquela trama pouco explicada, mas bastante instigante. Afinal, o que pretende Edgar com tudo aquilo? Quem são seus aliados e seus inimigos? O que seu pai tem a ver com aquela história? E o personagem de Caco Ciocler, o professor arrasado que trabalha agora para seu pai? Ele parece tão deslocado de tudo aquilo e, de repente vamos sendo surpreendidos. Isso é que o filme de Afonso Poyart mais produz na gente: um efeito de constante surpresa. E isso é muito bom.

A trilha sonora também merece seu destaque. André Abujamra constrói momentos empolgantes, mesmo quando faz uma piadinha infame com o hit "Sou foda", do grupo Avassaladores. O som só é ponto negativo no início do filme, algum problema de mixagem torna a música muito alta e a voz de Fernando Alves Pinto quase inaudível, mas isso é consertado mais à frente, tornando todo o desenho de som harmônico e envolvente.

O elenco também tem seus méritos, ao contrário de Nosso Lar, aqui Fernando Alves Pinto nos convence com seu personagem enigmático. Assim como Alessandra Negrini e Caco Ciocler nas diversas facetas de seus personagens. Marat Descartes é outro destaque como o bandido Maicon que beira o caricato, mas o personagem pedia algo assim. Faz parte do jogo que Afonso Poyart cria, assim como o deputado corrupto vivido por Roberto Marchese. Ambos conseguem criar no estereótipo de forma interessante. Destaque ainda para Thogun que dosa bem o tom de comédia de seu personagem Bolinha. Isso sem falar na forma como Poyart conduz a construção dos personagens, apresentação e referências, que, pra começar, tem uma bela sacada na eleição do personagem de Zacarias.

Aliás, 2 Coelhos está repleto de referências estéticas ou diretas a diversos problemas do nosso país. É um filme crítico, ainda que aparente superficialidade em um jogo de culpa, redenção e egoísmo. Possui diversas camadas e é feito, antes de tudo, para entreter. Mas, com inteligência. Afonso Poyart chega em boa hora, com um filme maduro que marca mais uma vez a história do cinema brasileiro. Conseguimos, enfim, fazer um bom filme de ação, com pitadas de suspense e, claro, romance.

2 Coelhos (2 Coelhos: 2012 / Brasil)
Direção: Afonso Poyart
Roteiro: Afonso Poyart
Com: Fernando Alves Pinto, Alessandra Negrini, Caco Ciocler, Aldine Muller, Marat Descartes, Roberto Marchese, Thaíde, Thogun.
Duração: 108 min.

As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne

2012-01-19T08:41:00.077-02:00

Criado pelo belga Hergé, em 1929, o jornalista metido a detetive, Tintim é o herói de muita gente. Dos quadrinhos para o desenho animado foi um pulo, tanto a série da televisão como alguns longametragens, mas faltava uma aventura digna para a grande tela. Assim, Steven Spielberg uniu-se a Peter Jackson para nos brindar com uma das técnicas mais impressionantes de animação 3D. Tudo em As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne é bem realizado, nos mínimos detalhes. Pena que o roteiro a três mãos não atingiu o mesmo primor, ainda que seja bastante fiel à obra original.

O roteiro mistura elementos de três aventuras de Tintim: Os Caranguejos das Tenazes de Ouro, O Segredo do Licorne e O Tesouro de Rackham, O Terrível. No filme, o jovem jornalista começa a se envolver em um mistério ao comprar uma réplica de um antigo navio. Parece que todos querem aquele artefato, mas Tintim insiste em levá-lo para casa. Por isso, seu apartamento será roubado, sua carteira afanada e ele ainda será sequestrado, entrando de vez na aventura que envolve um segredo do antigo navio Licorne, um tesouro perdido e um homem misterioso, Sakharine. É nessa aventura também que Tintim conhecerá o Capitão Haddock, seu amigo de diversas aventuras, ao lado do seu inseparável cãozinho Milu. E claro, não poderia faltar os atrapalhados investigadores Dupont e Dupond.

Apesar de se manter fiel a obra original, o roteiro acaba sendo o único senão para As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne entrar para o hall de obras primas da animação cinematográfica. Com diálogos extremamente infantis, costuras frouxas e excesso de cenas pastelão, a narrativa pode até mesmo cansar alguns. Mas, não deixa de ter um certo brilho em tom de aventura. Quando critico o roteiro, não quer dizer que ele seja ruim, apenas frágil, confuso até, e com potencial para muito mais. E principalmente, não fica a altura da técnica exposta por Steven Spielberg e Peter Jackson em tela.

A começar, esta não é uma animação comum, mas criada a partir de captura de movimento (motion capture - mocap). Ou seja, os atores não apenas emprestaram as vozes para os desenhos, mas toda a sua interpretação corporal e expressões faciais. O resultado na mão desses dois gênios é incrível. Os bonecos parecem reais, nos convencem e encantam. Há movimentos realistas, há brilho nos olhos dos personagens. Aliás, toda a construção de cenário, objetos de cena e figurino também é impressionante. Fora o jogo de profundidade dentro de tela, não apenas pela tecnologia de projeção em 3D, mas por todos os cuidados de organização de cena e enquadramentos que Spielberg imprime ao filme.

O diretor de clássicos, como E.T., demonstra aqui todo seu talento na construção de detalhes. Há montagens de cenas incríveis como os dois personagens diminuindo e um pé chegando para pisar em uma poça, dando além de um ótimo efeito visual, um significado a mais do inimigo pisoteando os heróis perdidos. Ou quando uma mão se abre e um novo cenário surge. Isso sem falar na montagem em paralelo do flashback com a alucinação do Capitão Haddock, sempre construída de forma criativa e engraçada.

Outro ponto positivo no filme é a sequência de abertura em 2D, dando um resumo do personagem e ambientando o público no ambiente retratado. Isso sem falar na trilha sonora muito bem empregada de John Williams. Tintim, de fato, ganha vida aqui, e é homenageado em diversos aspectos e detalhes, como quando o retratista mostra para ele o desenho que acabou de fazer e é exatamente um desenho de Hergé. Isso sem falar na clássica imagem dele e Milu correndo com uma luz ao fundo. São vários detalhes que os fãs vão adorar observar e descobrir.

Então, Steven Spielberg construiu seu filme para agradar a todos. Apesar das falhas no roteiro, As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne é um belo filme. Admirável em vários aspectos e diversão garantida para todos, principalmente para os fãs do jovem jornalista.

As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne (The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn): 2012 / Bélgica, Nova Zelândia, Estados Unidos)
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Steven Moffat, Edgar Wright e Joe Cornish
Com: Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis, Nick Frost.
Duração: 107 min.

[Meme] Batendo Papo e outros

2012-01-18T10:37:00.003-02:00

Batendo Papo (melhor diálogo)

Claro que existem diversos diálogos inesquecíveis no cinema, não tenho como lembrar de todos agora. Mas, falou em diálogo, lembro logo de Tarantino. O diretor e roteirista consegue usar as palavras de uma forma muito peculiar, nos envolvendo. O que dizer da sequência inicial de Cães de Aluguel? Aquela conversa no bar, tão simples, cotidiana, falando de amenidades, nos apresenta todos os personagens de uma forma ímpar. Ou o diálogo de Bill com a Noiva, tanto na Igreja quanto no confronto final. Ou ainda John Travolta e Samuel L. Jackson em Pulp Fiction. Mas, como melhor diálogo escolhi o do primeiro capítulo de Bastardos Inglórios. A conversa entre o coronel nazista Hans Landa, vivido por Christoph Waltz e o fazendeiro francês LaPadite, vivido por Denis Menochet, é um primor em todos os sentidos. O duelo, a tensão, os símbolos, a resolução. A cena possui uma curva dramática perfeita com começo, meio e fim, além de nos apresentar o vilão da história e o ator que roubou a cena no filme. Aqui apenas um trechinho da cena.

Melhor Horizonte (Fotografia inesquecível)

Fotografia inesquecível, temos algumas, a de E O Vento Levou mesmo é primorosa. Mas, depois de 2011 vai ser difícil lembrar de fotografia e não citar A Árvore da Vida. É importante lembrar que melhor fotografia não é exatamente paisagem mais bonita, mas o que fazer com a câmera para mostrar o que é narrado. E Terrence Malick é um mestre nisso, todos os seus filmes tem fotografias inesquecíveis. Além da Linha Vermelha, O Novo Mundo, Dias de Paraíso. Em A Árvore da Vida ele se superou, há uma mistura de imagens, de luzes, de cores, em enquadramentos e movimentos perfeitos, nos dando sensações ímpares. É um deleite para os olhos, ainda mais para quem conseguiu apreciar no cinema.

Melhor-Durão-Que-No-Fundo-É-Coração-Mole

Esse parecia difícil, mas quando lembrei do meu candidato ficou fácil. Quer um Durão-Que-No-Fundo-É-Coração-Mole melhor que Darth Vader? Ele surgiu em 1977 como o maior vilão da história do cinema. Frio, cruel, incapaz de demonstrar qualquer tipo de sentimento, quase uma máquina. Aí, em 1980, ficamos sabendo que ele tem um filho. Ou melhor que ele é o pai do herói da série, Luke Skywalker. E em 1983, conhecemos um pouco melhor esse homem por trás da máscara, ele se redime, salva o filho e ainda é o Jedi a retornar a sua antiga morada. Para completar, a nova trilogia nos mostrou sua verdadeira história, desde menino esperto e ingênuo até o momento em que sucumbe ao lado sombrio da força. Sem dúvidas, Darth Vader é a melhor escolha para esta categoria.

[Meme] Melhor Ano da História do Cinema

2012-01-17T08:46:00.041-02:00

Está aí um item cruel. Melhor ano da história do cinema, qual o critério para isso? Eu fui por um bem particular, o filme da minha vida foi E o Vento Levou, então, vejamos o que estreou no ano dele. Foi pouca coisa (mode ironia on), segue a lista com alguns:

- Adeus, Mr. Chips - Direção: Sam Wood
- Vitória Amarga - Direção: Edmund Goulding
- Ninotchka - Direção: Ernst Lubitsch
- O Morro dos Ventos Uivantes - Direção: William Wyler
- No Tempo das Diligências - Direção: John Ford
- A Mulher Faz o Homem - Direção: Frank Capra

- Carícia Fatal - Direção: Lewis Milestone
- Duas Vidas - Direção: Leo McCarey
- O Mágico de Oz - Direção: Victor Fleming, Richard Thorpe, King Vidor
- Beau Geste - Direção: William A. Wellman
- O Corcunda de Notre Dame - Direção: William Dieterle
- As Viagens de Gulliver - Direção: Dave Fleischer
- Meu Reino Por Um Amor - Direção: Michael Curtiz
- Paraíso Infernal - Direção: Howard Hawks
- Ao Rufar dos Tambores - Direção: John Ford
- Meu Reino Por Um Amor - Direção: Michael Curtiz
- A Mocidade de Lincoln - Direção: John Ford
- A regra do jogo - Direção: Jean Renoir
- A Morte Me Persegue - Direção: William Keighley
- Balalaika - Direção: Reinhold Schünzel

Só de ter E o Vento Levou, O Mágico de Oz e No Tempo das Diligências no meio, já vale o meu voto. Então, 1939 é o melhor ano da história do cinema.

Maior roubada cinematográfica

E já que tivemos o melhor ano, coloco no mesmo post a maior roubada cinematográfica. Olha, temos milhares de filmes ruins, milhares de más idéias. Coisas inexplicáveis aos montes. Mas, a maior roubada cinematográfica para mim é aquela que não aconteceu até hoje: o filme Chatô. Porque não é possível uma criatura pegar tanto dinheiro na mão do governo, pedir renegociação, mais dinheiro, empréstimos e nunca entregar o filme pronto. E o pior, ficar por isso mesmo. Lamentável.

Globo de Ouro 2012

2012-01-16T09:58:00.066-02:00

E ontem foi a noite da 69ª cerimônia do Globo de Ouro, o prêmio organizado pela Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood - HFPA. Como sempre, uma cerimônia bastante direta, sem muitas atrações, clipes ou firulas. Momento de emoção só na entrega do Prêmio Cecil B. DeMille para Morgan Freeman pelo conjunto da obra.

É difícil comentar os vencedores quando a maioria dos filmes simplesmente ainda não estreou no Brasil, mas as previsões que chegam a nós parecem mesmo indicar os filmes favoritos da temporada. Apesar de todo o sucesso de O Artista, que aqui venceu melhor filme comédia ou musical, além de ator e trilha sonora, a premiação foi bem equilibrada. Os Descendentes levou melhor filme drama e melhor ator. Scorsese levou diretor, o iraniano foi o melhor filme de língua estrangeira e cada filme principal parece ter sido citado e levado alguma coisa na noite de ontem.

Infelizmente minha animação preferida, Rango, ficou para trás por causa da força de Steven Spielberg e seu Tintim. Já Meryl Streep levou o de melhor atriz quando eu já estava quase convencida que Viola Davis levaria, mesmo não tendo visto ainda nenhum dos dois filmes. E Madonna, pelo menos, levou apenas um prêmio na categoria que ela já demonstrou talento: melhor canção original. Enquanto que Angelina Jolie esbanjou charme em seu vestido branco de seda, mas ficou nisso mesmo. Pena que não houve muito espaço para Leonardo DiCaprio, que pareceu abalado com o prêmio de Clooney, nem para Brad Pitt, que estava bem cotado. Agora só nos resta aguardar e assistir aos filmes para chegar no Oscar com opiniões mais bem formadas.

Vencedores de cinema:
Melhor ator coadjuvante: Christopher Plummer - Toda Forma de Amor
Melhor atriz coadjuvante: Octavia Spencer por Histórias Cruzadas
Melhor trilha sonora: Ludovic Bource - O Artista
Melhor canção original: "Masterpiece" - W.E. (Madonna)
Melhor roteiro: Woody Allen - Meia noite em Paris
Melhor filme de língua estrangeira: A Separação (Irã)
Melhor atriz em comédia ou musical: Michelle Williams - Sete dias com Marilyn
Melhor ator em comédia ou musical: Jean Dujardin - O Artista
Melhor Filme Animação: As Aventuras de Tintim
Melhor diretor: Martin Scorsese - A Invenção de Hugo Cabret
Melhor atriz em drama: Meryl Streep - A Dama de Ferro
Melhor ator em drama: George Clooney - Os Descendentes
Melhor filme de comédia ou musical: O Artista
Melhor filme drama: Os Descendentes