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In-Edit 2013 - Parte 3

2013-05-23T13:30:00.000-03:00

Vai-Vai: 80 anos nas ruas

(Fernando Capuano. Brasil: 2011)

"Quem nunca viu o samba amanhecer vai no Bexiga pra ver, vai no Bexiga pra ver". Esses versos de Geraldo Filme são os mais cantarolados durante o documentário Vai-Vai: 80 anos nas ruas. Tanto que uma brincadeira no final a transforma em "vai no cinema pra ver". Mas, é uma pena que o que falte no filme seja exatamente música.

Tudo começa e termina muito bem, com imagens de observação da quadra, das pessoas, de reações durante a apuração das notas de mais um carnaval. As imagens vibram junto a Vai-Vai e sua história. Mas, o miolo do filme é muito verborrágico. É uma profusão de depoimentos diversos que acaba tornando tudo cansativo. Tem membros da escola, sambistas, pessoas da comunidade, a velha guarda e artistas diversos como Leci Brandão, Eliana, Maria Rita, entre outros. Alguns mangueirenses famosos como Beth Carvalho, Alcione e Ivo Meireles também. Aliás, o documentário gosta de fazer uma comparação direta entre as duas escolas em diversos momentos.

Mas, o samba fica em segundo plano. Apenas com 30 minutos de documentário vamos ouvir a primeira música. E depois só na parte final, teremos novamente. E são esses os melhores momentos. O ensaio da escola de samba, com as brincadeiras de um dos integrantes que se destaca. O clipe final. E a apresentação junto a orquestra comandada por João Carlos Martins, tocando a 5ª Sinfonia de Beethoven.

Claro que é interessante conhecer um pouco mais da escola. Da união de negros e italianos que gerou a boa mistura. Da força de ser uma escola que ainda permanece no centro de São Paulo e que faz seus ensaios nas ruas. Da representação para aquela comunidade como sua própria casa, religião e vida. Religião, por sinal, que também mistura católicos com praticantes de candomblé com a mesma euforia e respeito. Temos depoimentos ótimos como da dupla de crianças, principalmente o garotinho que tem ótimas falas. Ou de Dona Odete, da velha guarda que tem momentos marcantes e divertidos também.

Mas, tanta fala acaba cansando. Poderia ser melhor distribuído com um roteiro mais criativo. Ainda assim, é daqueles filmes que informam e envolvem pelo tema, pela curiosidade e claro, pelo samba. Que mesmo tímido e com pouco espaço bate forte no final, nos fazendo sair cantarolando.

From the Steppes to the city

(Tim Pearce, Sophie Lascelles e Marc Tiley, Reino Unido: 2011)

O que o documentário Vai-Vai: 80 anos nas ruas tem demais, From the Steppes to the city tem de menos. Ainda que a proposta do filme seja de observação no melhor estilo cinema direto, fica faltando informação. É uma cultura diferente da nossa, desconhecida. Então, apenas observar nos deixa com diversas perguntas não respondidas.

Tanto que, ao final do filme, vem uma explicação resumo em texto. From the Steppes to the city se trata de uma jornada de descoberta. Músicos da Mongólia, na China, saem por um trecho do país em busca de suas origens. Toda a projeção intercala a viagem, o acampamento, os locais por onde passam, com cenas nos palcos. Tornando a jornada bastante musical e estética.

Chama a atenção nos letterings finais uma determinada informação: 37 carneiros foram abatidos e consumidos durante esse filme. Existe durante o filme uma imagem forte de um carneiro sendo abatido, demonstrando os detalhes da sofrimento e morte do animal, ao mesmo tempo que há o cuidado dos seus "agressores" em cuidar do processo de maneira limpa e até carinhosa. O animal serve de alimento ao grupo e sua pele de matéria-prima para instrumentos. Por mais que entendamos a situação, da pena do bichinho.

De qualquer maneira, vamos acompanhando a jornada como observadores. Muita coisa interessante, mas também a sensação de repetição em muitos momentos, principalmente de uma determinada música. From the Steppes to the city acaba sendo um primeiro contato com uma cultura que pouco conhecemos e que não deixa de ser curiosa e interessante.

Sunset Strip

(Hans Fjellestad, EUA: 2012)

Na avenida Sunset Boulevard existe um trecho especial de 2,4 Km que é conhecido como Sunset Strip. É a rua que liga Hollywood ao bairro de Beverly Hills e por onde todos os sonhos artísticos passam.

O filme é todo construído com depoimentos de artistas diversos, imagens de arquivo e a ilustração de filmes e séries onde a rua é retratada, como o seriado I Love Lucy. As histórias vão sendo resgatadas destacando o clichê: sexo, drogas e rock n´roll. Mas, é que esse lema nunca se encaixou tão bem quanto na Sunset Strip. Ali estiveram grandes casas de show, hotéis e espaços alternativos culturais.

O filme começa, inclusive com um Festival no meio da rua, onde Slash (ex-Guns n´ Roses) e Fergie (The Black Eyed Peas) se apresentam. Aliás, como observação curiosa é uma boa oportunidade de ver o rosto do guitarrista nos depoimentos do filme, já que ele sempre faz questão de colocar o cabelo na frente.

É curioso ver uma reunião de tantos artistas contando suas experiências e tantos outros sendo citados e aparecendo em imagens de arquivo. Um verdadeiro desfile de constelações. Destaque para Sammy Davis Jr., considerado "o rei da strip". E o momento em que é recordado a morte de River Phoenix, com um depoimento emocionado de Johnny Depp.

Outro momento que chama a atenção é o relato da mudança de estilo, quando o heavy metal perde para o rock grunge do Nirvana. Uma espécie de quebra, marco novo no estilo de vida e costumes daquele grupo.

Sunset Strip acaba sendo um grande apanhado de casos e experiências, que nos trazem curiosidades, mas não refletem sobre a importância de tudo aquilo. Nem recria diante do apresentado. Talvez apenas nos créditos, onde uma animação muito boa resume tudo o que vimos em seus 99 minutos.

Searching for Sugar Man

2013-05-23T08:00:00.001-03:00

Vencedor do Oscar 2013 de Melhor Documentário, Searching for Sugar Man não chama a atenção em sua técnica visual. Ainda que tenha algumas brincadeiras na montagem, principalmente na abertura, e que a fotografia seja também correta, é apenas uma história bem contada. Porém, "A" história é que nos pega. Não apenas ela, mas a forma como o roteiro nos conta. Repito aqui a frase do Projeto DocTV: quando a vida parece ficção, melhor fazer um documentário.

Searching for Sugar Man é isso, uma história incrível, que parece mentira. Seu maior valor está no senso de oportunidade e investigação. Ou melhor, relato de uma investigação inusitada, a procura por um ídolo desconhecido. Rodriguez, o artista que vendeu meio milhão de cópias na África do Sul, despertando diversos jovens para o movimento anti-apartheid, na busca pela liberdade. Porém, que ninguém sabia além do que tinha nas capas dos LP´s. E em seu país de origem, os Estados Unidos, era apenas um ilustre desconhecido.

O filme parte dessa vontade, da busca por entender esse fenômeno. Um artista comparado a Beatles, Bob Dylan e Elvis Presley, que vendia mais do que os Rolling Stones. Mas, que ninguém tinha uma informação concreta sobre. Um verdadeiro mistério esperando para ser desvendado. Muitos boatos, alguns bizarros que envolviam suicídios no palco. Às vezes com um tiro na cabeça, outros com fogo no corpo. Mas, nada de fato.

O roteiro é muito feliz ao nos apresentar essa história aos poucos. Primeiro ficamos sabendo do talento de Rodriguez e da incompreensão de alguns empresários em relação ao não sucesso. Depois, somos apresentados ao sucesso estrondoso na África do Sul, na forma como suas músicas iam ao encontro do que aquela juventude reprimida sentia naquele governo ditatorial, na perseguição a sua música, nos discos riscados pela censura. Para enfim, vermos o movimento de busca, o caminho oposto sendo feito acompanhando o fluxo do dinheiro da venda dos discos, das poucas informações nos dois álbuns disponíveis e nas possíveis pistas nas letras das músicas.

A forma como eles observam cada detalhe da capa, como o fato de algumas músicas serem assinadas por Sixto Rodriguez e outras por Jesus Rodriguez. Seriam a mesma pessoa? Afinal, quem era ele, o que aconteceu? Porque sempre havia informações sobre outros artistas norte-americanos e dele não havia nada? Até em caixa de leite a foto do artista foi parar, um costume nos Estados Unidos para pessoas desaparecidas. É incrível como eles vão tentando encontrar endereços nas letras das músicas, também. Uma aula de investigação que nos encanta.

Um dos momentos mais incômodos do documentário é a entrevista com o empresário musical Clarence Avant, o antigo dono da gravadora que lançou os dois discos do artista. Todas as gravadoras da África do Sul disseram que enviaram o dinheiro da venda para ele. E ele acaba desdenhando a situação de uma maneira quase leviana. Inclusive se contradizendo. A princípio diz que não sabia de nada e que não recebeu dinheiro algum. Depois começa a querer desmerecer a quantidade de disco vendida, como se fosse um troco sem importância. "Quem se importa?". Se ele recebia o dinheiro sem se importar em repassar para Rodriguez nunca saberemos.

A revelação do que, de fato, aconteceu a Rodriguez e a condução do filme a partir daí é o mais incrível. O documentário procura demonstrar isso na conversa com a família e acompanhando o retorno à África do Sul, onde temos imagens de grande emoção. É mesmo incrível. E essa é a força maior do documentário, construir o efeito da investigação, nos envolver naquela história fantástica e nos fazer querer conhecer mais e mais dessa figura especial que é Rodriguez. Por seu talento, sua simplicidade, sua sensatez. É de deixar qualquer um impressionado e doido para correr atrás de suas músicas.

* Filme visto no In-Edit 2013.

Searching for Sugar Man, 2012 / EUA
Direção: Malik Bendjelloul
Roteiro: Malik Bendjelloul
Duração: 86 min.

In-Edit 2013 - Parte 2

2013-05-22T08:00:00.000-03:00

Sessão Dupla Dick Fontaine
Como homenageado da 5ª Edição do Festival In-Edit Brasil, Dick Fontaine teve sessões especiais com seus principais filmes. Pudemos acompanhar uma sessão dupla sobre sua maior paixão: o Jazz. E é interessante como os dois filmes se complementam de alguma forma.

Betty Carter: New All The Time (1994)

No curta-metragem sobre Betty Carter, Dick Fontaine nos mostra a paixão da cantora e a professora por sua música e por seus "alunos". A forma como ela conduz cada encontro, o seu carisma, sua capacidade de experimentação é cativante. E nos ajuda a identificar a própria essência do Jazz. O improviso, a brincadeira, mas tudo com embasamento, com noção perfeita de música.

O documentário intercala cenas na sala de aula com o palco, nos envolvendo no processo em um ritmo interessante. A montagem é fluida, sem cortes bruscos, tudo parece se encaixar perfeitamente, como se uma cena esperasse pela outra. Mesmo quem não gosta ou conhece muito sobre o Jazz acaba se envolvendo e entendendo a paixão daquela mulher.

Art Blakey - The Jazz Messenger (1987)

Já o longa-metragem sobre Art Blakey vai além da paixão inicial e da improvisação e nos mostra o Jazz como um estilo de vida. Uma escolha maior. O músico chega a declarar em um momento que vive para o palco, quando não mais puder estar ali, é porque morreu.

O filme nos mostra um lendário baterista com as diversas formações do The Jazz Messengers, mostrando que sua principal "luta" é para que o Jazz nunca morra. "Jazz é sentimento, sabemos o que estamos fazendo". Segundo o músico, a principal intenção era que o melhor Jazz não morresse.

Há uma reflexão interessante no documentário sobre o Jazz ser a única música americana e que os demais ritmos teriam vindo de outros países. Porém, como é uma música essencialmente negra, acaba gerando problemas. Faz parte da cultura norte-americana e não pode ser escondida.

Acompanhamos os diversos depoimentos e apresentações musicais conhecendo um pouco mais da história da música, dos músicos e, principalmente, de Art Blakey. A música permeia e envolve o filme, ainda que a repetição da fórmula o torne um pouco cansativo. Pois, não há um roteiro tão cadenciado que nos faça acompanhar uma história tão clara.

Ainda assim, o personagem é fascinante, sua paixão pela música, seu exemplo, a inspiração que desperta em músicos mais jovens, mesmo seu lado duro, como quando dá uma bronca em um dos músicos, é admirável. A montagem, assim como no filme de Betty Carter é bastante feliz, nos dando essa sensação de estar tudo no lugar certo. Uma verdadeira declaração de amor ao Jazz, ritmo que o diretor já assumiu ser o seu preferido.

Jards

(Eryk Rocha, 2012)

Se você está procurando um documentário convencional, esqueça. Jards é um registro poético de um momento único: o processo de criação artístico. Eryk Rocha leva ao pé da letra os princípios do cinema direto e fica como uma mosca na parede do estúdio de Jards Macalé enquanto este prepara o seu disco de comemoração dos seus 70 anos.

A alusão ao cinema direto, na verdade, é apenas para reforçar que a câmera não interfere diretamente no ambiente. Deixando que o processo corra enquanto ela apenas registra o momento. Mas, Eryk Rocha, na realidade, vai além. Sua câmera cria significados ao unir elementos distintos, desfocar imagens em alguns momentos, estourar a luz em outros e também na aproximação excessiva em cenas específicas como um zoom in na orelha de Jards.

Há no documentário muitas imagens sensoriais, principalmente para abrir e fechar o processo, que por sinal, acontece no mar nos dando sensações diversas. A observação nos deixa imersos na rotina do artista enquanto este compõe, discute arranjos, prepara as bases e grava as músicas. Um ponto importante é que as músicas são cantadas na íntegra, coisa rara mesmo em documentários musicais. E as participações dão um toque especial ao processo como Luiz Melodia, Frejat, Adriana Calcanhoto e Ava Rocha.

Além de belo e intenso, o documentário Jards acaba despertando nossa curiosidade para além daquelas imagens. Muito pouco é dito, quase nada é informado, perguntas inevitáveis surgem em nossa mente. Em relação ao artístico, ao processo, ao disco, às participações. Mas, isso, teremos que buscar, o que não é necessariamente um erro. O objetivo do filme é claro. Registrar o processo de criação de maneira criativa e poética. E com isso, ainda inclui conexões com o passado do artista através de imagens de arquivo que surgem de vez em quando. Ainda que as imagens do passado não fiquem tão claras a princípio, é possível fazer essas ligações, até porque o álbum é em homenagem aos seus setenta anos.

No final, fica uma obra inventiva, envolvente e bela, que nos leva a buscar mais sobre o artista, o disco e todo aquele universo apresentado em 93 minutos.

Sing Your Song - Harry Belafonte

(Susanne Rostock, 2012)

Você pode não saber quem é Harry Belafonte, mas possivelmente já ouviu alguns acordes de "The Banana Boat Song". Mas, o filme não é sobre esse sucesso, esta é uma música que quase não aparece no documentário, por sinal. Sing your song é sobre esse homem e sua luta pela igualdade racial e pela justiça no mundo.

É interessante que a trajetória de Harry Belafonte tenha um ponto em comum com outra personagem já vista no In-Edit, Miriam Makeba. Ambos são negros, ativistas e importantes na história de luta de seus países. Tanto que, em determinado momento, a história dos dois se cruza e eles gravam um disco só com músicas africanas em dialetos originais. Porém, ambos acabaram conhecidos por músicas de letras simples e dançantes. Ele por pelo tema já citado, ela por Pata Pata.

Mas, este é apenas um adendo que chamou a atenção durante a projeção. O filme de Susanne Rostock não é criativo, nem mesmo busca uma linguagem inovadora. É um documentário muito próximo da linguagem televisiva, com informações cadenciadas em um roteiro linear. Porém, cumpre a função principal de nos apresentar a vida e a luta desse homem incrível.

Um artista que começou quase por acaso, quando ganhou por pagamento de um trabalho um ingresso para o teatro. Se apaixonou por aquilo e logo fazia parte do grupo como ator. De ator para cantor foi uma consequência, assim como o convite para a Broadway, depois Hollywood e a televisão. Porém, todo o sucesso não impediu o preconceito racial. Mas, ele nunca se deixou abater por isso.

Quando estava em Las Vegas mesmo, "se atreveu" a ir à piscina do hotel e acabou tirando fotos e dando autógrafos em vez de ser expulso do "espaço de brancos". Sempre buscou apresentar a miscigenação e teve filmes e programas televisivos proibidos. Nessa luta inicial por se impor, acabou conhecendo Martin Luther King e se engajou de vez no movimento pela igualdade racial para nunca mais parar.

Harry Belafonte visitou a África diversas vezes, ajudou a organizar manifestações pacificas nos Estados Unidos, esteve à frente do movimento USA for Africa, que ficou famoso pelo "We Are The World", protestou contra a guerra no Haiti, no Iraque e mesmo quando os negros pareciam estar inseridos na sociedade norte-americana continuou atento em sua luta de conscientização e educação. Tanto que até hoje está em busca de formas de melhorar o mundo onde vive.

Um exemplo, sem dúvidas. E por isso Sing Your Song se torna um filme importante. Não pelo formato que, como já foi dito, é formal ao extremo, mas pelo assunto que retrata de uma maneira tão intensa.

Giovanni Improtta

2013-05-21T08:00:00.000-03:00

Personagem secundário de uma telenovela que virou um livro e agora está nos cinemas, Giovanni Improtta conquistou o Brasil com seu jeito errado de falar e sua simpatia. O bicheiro, dono de uma escola de Samba que ficou com a protagonista Maria do Carmo no final, no entanto, não parece o mesmo que vemos no filme de estreia de José Wilker como diretor cinematográfico.

Giovanni Improtta, o homem do "felomenal". Se você vai em busca de mais um capítulo da telenovela Senhora do Destino, esqueça. Aliás, Maria do Carmo nem mesmo existe nessa realidade paralela, já que o roteiro só fala de uma primeira esposa do bicheiro e a atual, vivida por Andrea Beltrão. Mas, não se parecer com a novela não é exatamente uma qualidade, já que a trama se torna enfadonha ao tentar dar um embasamento maior ao mundo da contravenção. Zé Wilker e a roteirista Mariana Vielmond tentam aproximar a realidade de algo tipo a série Filhos do Carnaval, da HBO. Fica tudo muito impalpável e cansativo. Com o perdão da palavra, Giovanni Improtta é um filme chato.

É uma comédia onde não se dá risada. A tentativa é mais próxima de uma farsa, mas falta inteligência para lidar bem com isso. A ironia é tola, a crítica social é rasa, o jogo cênico não nos envolve. O filme acaba sendo um cansativo amontoado de nadas. Um bicheiro que quer viver na legalidade com um esquema estranho de uma cúpula que conseguirá abrir casinos sancionados pelo presidente da república. Seria o fim da contravenção. Mas, para isso, Giovanni Improtta precisa melhorar sua imagem, desligar-se do jogo do bicho. E, ao tentar fazer isso, ele acaba entrando em diversas complicações que o levam a ser preso por tráfico de órgãos.

E nessa história, vão aparecendo personagens e situações diversas que em vez de divertir cansam ainda mais o espectador. Como o filho do bicheiro sofrendo bullying na escola por causa de uma palestra que o pai deu. Ou o pastor cunhado do personagem que está sempre pregando em sua igreja. Ou ainda uma personagem vivida por Cristina Pereira que "ajuda" o esquema do bicho, sendo presa em batidas armadas. Isso sem falar em toda a situação envolvendo o triângulo amoroso de Giovanni, a esposa Marilene e a garota Patrícia vivida pela atriz, Julia Gorman. O pai da moça, Aureliano e toda a situação no clube, também é boba, principalmente pelo personagem de Jô Soares em uma participação sem graça.

Seguindo o tom farsesco que ajudam a compor o próprio personagem cafona que fala sempre errado, as caracterizações de cenas e figurinos são bastante estranhas e exageradas, como os cabelos de Milton Gonçalves e Othon Bastos, membros da tal cúpula que está armando a volta dos cassinos. Ou o colorido exagerado das roupas de Marilene que fazem a interpretação de Andrea Beltrão ficar ainda mais exagerada. Piadinhas soltas como os nomes dos seguranças de Giovanni ou sua situação dentro da cadeia, com uma cela que mais parece um hotel de luxo, não são suficientes para tornar o filme mais agradável.

Na realidade, Giovanni Improtta só ganha algum ritmo na parte final, quando a situação começa a se apresentar de fato, tendo algumas reviravoltas. Há inteligência em pontos como o Aureliano sambista, ou mesmo na situação que envolve o aparelho de mp3. Mas, ainda assim, falta carisma ao personagem. Falta uma história melhor embasada. Falta ritmo em toda a projeção. Falta humor. Tudo bem que uma crítica social não precisa ter humor pastelão, nem riso farto. Mas, precisa ter humor, mesmo que um humor ferino, irônico, inteligente.

Em sua estreia como diretor em cinema, José Wilker não chega a fazer um papel ruim. A técnica do filme, se não salta aos olhos, ao menos é correta. O filme não é mal feito, nesse sentido como outros que vemos por aí. Mas, ainda assim, a história não convence. Não é apenas o roteiro. São escolhas que fazem do filme algo complicado de digerir, como os "números" musicais por exemplo. Não é engraçado ouvir Luan e Vanessa em determinada cena, nem Zeca Pagodinho em outra. Fica uma foto legenda de mal gosto. Até o "felomenal" é dito de maneira gratuita, em uma cena forçada.

Não vou dizer que a escolha de colocar um personagem de uma telenovela em um filme seja um problema. Spin-offs podem funcionar muito bem, sem preconceitos. Não li o livro de Aguinaldo Silva que originou o filme, é verdade, mas o que pareceu é que o personagem não rendia uma trama só dele. A sua graça na época, talvez dependesse do contexto em que se inseria. Ao tirá-lo de lá, ficou vazio. Giovanni Improtta é isso, um filme vazio. Vamos torcer para que o filme de Crô, outro personagem de uma telenovela de Aguinaldo Silva, consiga algo mais interessante.

Giovanni Improtta (Giovanni Improtta, 2013 / Brasil)
Direção: José Wilker
Roteiro: Mariana Vielmond
Com: José Wilker, Andrea Beltrão, Thelmo Fernandes, André Mattos, Gillray Coutinho, Julia Gorman, Yago Machado, Norival Rizzo, Roney Villela, Paulo Mathias Jr, Thogun Teixeira, Cristina Pereira, Gregório Duvivier, Alcemar Vieira, Eduardo Galvão
Participações Especiais: Milton Gonçalves, Othon Bastos, Hugo Carvana, Guida Vianna, Paulo Goulart, Jô Soares
Duração: 101 min.

In-Edit 2013 - Parte 1

2013-05-20T08:00:00.001-03:00

Festival In-Edit Brasil chegou pela terceira vez em Salvador e estamos acompanhando o máximo possível das novidades e documentários musicais. O Festival In-Edit Brasil surgiu em Barcelona e há cinco anos acontece também no Brasil, sempre apresentando documentários que tenham alguma relação com música. São filmes sobre cantores, bandas, músicas, ritmos, etc. E esse ano, o homenageado Dick Fontaine veio ao Brasil para realizar Master Class em São Paulo e Salvador.

Master Class com Dick Fontaine

A Master Class com Dick Fontaine aconteceu na sexta-feira dia 17 de maio. O documentarista falou um pouco sobre a sua experiência, sua relação com os Beatles, a paixão pelo Jazz e a forma com começou a trabalhar com o Hip Hop. Para Fontaine, seus documentários tem que ter dois temas que trabalham em conjunto: política e música. Senão, para ele não tem sentido. Porque ele gosta de brincar com a música em seus filmes, inovando na montagem, onde pode, inclusive criar música com discursos, ou sons das ruas. E a política está em nossas vidas, pensar em algo, discutir assuntos, denunciar situações, são também suas preocupações.

Atualmente, também professor, Fontaine destacou que o documentarista tem sempre que encontrar o seu próprio estilo. Não há como ensinar ao aluno o que ele deve fazer, ele tem que descobrir, ouvir sua própria voz, encontrar o seu próprio método. Cada um é diferente do outro, então, o que funciona para um não é o que funciona para o outro. Segundo ele, sua função como professor é a de fazer as pessoas encontrarem seu viés criativo. Ser um guia nesse processo. Mas, ele deu dicas de que, em um documentário, o que funciona é um olhar diferente sobre o mundo. Algo de estranho, algo de curioso, mesmo que em situações aparentemente normais.

Dick Fontaine contou ainda algumas curiosidades sobre os seus primeiros encontros com os Beatles e sobre a primeira viagem aos Estados Unidos, onde acompanhou o filme dos irmãos Maysles. Nesse ponto mostrou um trecho inédito do filme What´s Happening! The Beatles in the USA, falando da sua questão com o Cinema Direto e que ele se incomoda com o fato de algumas regras, como não poder usar música extra-diegética (fora de cena).

Apesar de apenas uma palestra de uma hora e pouco, foi mesmo uma boa experiência ouvir esse cineasta e conhecer um pouco melhor suas ideias e métodos de trabalho. Que bom que o In-Edit trouxe para Salvador também o essa atração. Não ficando apenas nos filmes, como nos demais anos. Que venham mais.

Pernamcubanos: O caribe que nos une

(Nilton Pereira. Brasil / Cuba - 2012)

Uma das coisas mais incríveis do filme de Nilton Pereira já está no título. A mistura de Cuba e Pernambuco é criativa e pertinente, saímos da sessão cantando a música Pernamcubanos, pelo ritmo gostoso e envolvente do Caribe. Porque, como é dito no filme, o Caribe não é apenas um conceito geográfico, mas sim, um conceito cultural.

O filme é guiado pela atriz e diretora de teatro cubana, Fatima Patterson e pela artista e mãe de santo pernambucana Bete de Oxum. Ambas vão mostrando as aproximações e distanciamentos da Ilha cubana e o estado de Pernambuco. Assim, vão discutindo costumes, culturas populares, religiosidade e a própria história de seus povos.

É curioso acompanhar toda aquela profusão de força cultural em tela. O roteiro aparentemente anárquico vai nos guiando nas escolhas, nos fazendo concordar que aquela mistura é mesmo clara. Até pela origem colonial (ainda que de países diferentes, mas com o mesmo intuito) e pela influência africana. A presença da música, em festas profanas ou religiosas, é o guia maior. E é mesmo impossível ficar parado ao som daqueles batuques.

Pernamcubanos não é um documentário inovador, mas traz um olhar curioso e envolvente para um tema que está aí, porém poucos se deram ao trabalho de falar. Agora, funciona mais, exatamente pela presença de Fatima Patterson, sua simpatia e forma como vai curtindo cada encontro e descoberta. Não por acaso, ela acaba ganhando mais força na parte final.

Jason Becker: Not Dead Yet

(Jesse Vile. Reino Unido / EUA - 2012)

Jason Becker não está morto ainda. Esse filme de Jesse Vile é uma verdadeira montanha russa de emoções. Ainda que sejamos avisados no início do filme que veremos a história de um homem e uma doença, a condução do documentário nos faz quase esquecer isso em sua primeira parte.

Somos apresentados a Jason Becker, o garoto prodígio da guitarra. Aos três anos ele ganhou o seu primeiro instrumento e aos cinco já tocava algo. Com 14 anos, impressionou seu pai tocando Eric Clapton e este percebeu que o filho não era um músico comum. Ainda adolescente já se apresentava em público impressionando as pessoas e logo veio a carreira profissional. Ficamos vendo aquelas imagens, sua excursão no Japão, sua capacidade de lidar com as notas e somos convencidos de que aquele homem é um gênio.

Com apenas 20 anos de idade, ele foi convidado para assumir o lugar de Steve Vai na banda de David Lee Roth. Era o auge, a grande chance, e era apenas um menino com uma vida pela frente. Mas, aí veio a doença. Jason foi diagnosticado com ELA (esclerose lateral amiotrófica), doença degenerativa, sem cura e viu seus sonhos minarem.

O documentário é bastante feliz ao construir essa virada de maneira eficiente. Ainda que apenas com depoimentos e imagens de arquivo, ele nos faz embarcar na história de uma maneira intensa. Nos tornando íntimos de Jason e sofrendo com ele e sua família a angústia de ir perdendo os movimentos do corpo. Chega a ser sufocante, e a forma como o filme faz um certo suspense sobre o que aconteceria depois, deixa a nova virada ainda mais eficaz.

Mostrar a luta de Jason Becker para viver, e mais do que isso, continuar com a música é incrível. Faz pensar e nos inspira. Mexendo apenas os olhos, ele conseguiu continuar compondo e lançou até mesmo um disco: Perspective. E o mais impressionante, que o filme não mostra, é que esse foi apenas o primeiro. Uma verdadeira lição de vida, de amor e de persistência.

Jason Becker: Not Dead Yet é um filme forte emocionalmente e que ajuda a divulgar ainda mais esse ser especial que pode não ter mais uma guitarra nas mãos, mas continua impressionando com a sua música.

2 mais 2

2013-05-19T08:00:00.000-03:00

Cuidado com o que deseja, pois pode se tornar realidade. Essa pode ser uma boa definição para 2 mais 2, uma comédia irônica que envolve troca de casais, muitas piadas visuais e uma confusão divertida de acompanhar, mas que no final, deixa a sua mensagem para o espectador pensar.

Diego e Emilia são casados há 16 anos. Têm um filho de quatorze e estão naquela rotina onde o sexo é quase mais uma obrigação semanal. Já os seus melhores amigos, Betina e Ricardo parecem eternos namorados. O segredo do casal é revelado em um jantar: eles praticam swing. Segundo ambos, esse é o tempero para se manter apaixonados e vão propor que Diego e Emilia também experimentem. Emilia logo se anima, mas Diego tem várias restrições. A partir daí, muitas confusões ainda vão se desenrolar.

Mas, o mais interessante de 2 mais 2 não é exatamente a história, mas a cadência da trama que vai se desenvolvendo de uma maneira muito gostosa, envolvente e divertida. Há diversas piadas visuais que dão um tempero a mais ao filme, a começar pela apresentação dos personagens. Diego e Ricardo são médicos cardiologistas e sócios de uma clínica de sucesso. Quando vão receber um prêmio, Diego faz o discurso e quando Ricardo vai se aproximar do microfone, o apresentador o corta, demonstrando quem é o líder e famoso na dupla. Durante o jantar, quando Ricardo e Betina se beijam apaixonadamente, Diego e Betina olham admirados e Diego dá um beijinho tímido no ombro de Betina, demonstrando a diferença dos casais.

Diversos outros detalhes visuais vão ajudando a compor a história, chegando até a um detalhe da porta da sala de cirurgia em determinado momento da trama que mostra bem como estão Diego e Ricardo àquela altura. Mas, uma sacada bem divertida é a utilização de metáforas com o trabalho de Emilia, que é a mulher do tempo em um telejornal local. As previsões de tempo de seu programa são uma clara alusão aos acontecimentos da trama. Chuvas fortes são problemas. Barreira arrebentada, Diego cedendo. Sol, alegria e paz entre as famílias, nova chuva e tormenta, mais problemas, e assim por diante. E a maneira irônica como tudo isso é inserido, não deixa de ser uma boa construção.

Lidar com sexo é sempre um assunto delicado, ainda mais com swing e orgias. E Diego Kaplan consegue conduzir isso com muita sensibilidade e bom humor. A festa na casa de um amigo de Ricardo e Betina mesmo é um ponto alto. É tudo muito estranho para casais monogâmicos conservadores. E exagerado também. Todos os personagens se comportam como cães no cio, que vão simplesmente agarrando quem vêem pela frente. É interessante como somos colocados na visão do personagem Diego que está sempre muito incomodado com tudo aquilo. E a sua conversão vai sendo quase a nossa conversão de que, tudo bem, não deve ser algo tão problemático assim, nós que somos caretas. Até por isso, a virada na trama é tão bem-vinda. Não chega a ser uma resolução conservadora, mas uma espécie de conscientização.

Pois é interessante, ao se tocar em um tema como esse, não falar em culpas, pecados, proibições, mas de limites. 2 mais 2 acaba conseguindo se sair bem nessa questão. E um grande trunfo para isso é o elenco, que se entrega de uma maneira muito natural aos acontecimentos, criando química entre os casais e cumplicidade com a plateia. Há verdade nas cenas e lembrar que existem sentimentos envolvidos e que tudo não é apenas instinto é importante, deixa a trama mais próxima da realidade do espectador. Porque no fundo somos seres possessivos e precisamos de coisas básicas como fidelidade e envolvimento emocional. Mesmo os homens que parecem sempre encarar o sexo de uma maneira mais aberta que as mulheres em geral.

2 mais 2 não chega a ser um tratado sexual, nem tem a pretensão de discussões mais profundas. Mas, consegue falar de maneira divertida do tema e de pontos polêmicos nele. Tem origem em uma série de televisão famosa na Argentina e foi grande sucesso de bilheteria por lá, ficando três semanas no topo do ranking, só para ter uma ideia. É envolvente, inteligente e divertida como uma boa comédia deve ser. Mas, também, não vai além disso.

2 mais 2 (Dos más dos, 2013 / Argentina)
Direção: Diego Kaplan
Roteiro: Daniel Cúparo, Juan Vera
Com: Adrián Suar, Carla Peterson, Julieta Díaz e Juan Minujín
Duração: 103 min.

Terapia de Risco

2013-05-18T08:00:00.000-03:00

Enquanto muitos reclamaram da construção impessoal de Contágio, eu defendi. Afinal, o objetivo ali era simular o início de uma epidemia, o espectador não precisava se envolver emocionalmente com algum personagem, mas acompanhar um emaranhado de acontecimentos. Porém, Soderbergh volta a nos apresentar um filme frio e dessa vez, era preciso um maior envolvimento para que Terapia de Risco funcionasse tão bem quanto deveria. Ainda assim, é um filme, no mínimo, curioso.

A trama gira em torno de Emily Taylor (Rooney Mara), uma designer bem sucedida que enfrenta um problema pessoal. Seu marido, vivido por Channing Tatum, está preso e assim que é solto ainda tem dificuldades de se recolocar no mercado. Emily, então, começa a entrar em uma depressão profunda chegando ao ponto de tentar contra a própria vida. É quanto começa a ser tratada pelo psiquiatra Dr. Jonathan Banks, vivido por Jude Law. Sem grandes avanços, Banks vai trocar ideias com a antiga médica de Emily, a Dra. Victoria Siebert que lhe apresenta uma droga nova que pode fazer milagres. Mas, os efeitos colaterais são mais devastadores do que qualquer um poderia esperar.

Como sempre, Steven Soderbergh reúne um grande elenco para uma história cheia de reviravoltas. E os quatro principais estão bem em seus papéis, Rooney Mara prova que Lisbeth Salander não foi um golpe de sorte, e desenvolve bem o estado emocional de Emily. Assim como, Jude Law, em mais uma parceria com o diretor, consegue construir todas as nuanças de seu personagem. Channing Tatum é menos exigido, mas também consegue se sair bem em cenas-chaves, assim como Catherine Zeta-Jones que dá sempre um ar de mistério à sua personagem.

Porém, mesmo com um bom desempenho dos atores e personagens bem desenvolvidos, a trama de Terapia de Risco não consegue nos envolver como deveria. Acompanhamos tudo como um caso distante, sem maiores consequências, ou seja, não conseguimos nos importar com eles a ponto de torcer e vibrar com as reviravoltas. É tudo muito racional, frio, sem construção de conexões e identificações. A depressão não parece real, o medo não parece real, o processo não parece real. Mesmo a primeira reviravolta é quase um susto, sem maiores consequências para o espectador que simplesmente acompanha.

E, claro, um roteiro que tem reviravoltas demais, acaba correndo esse tipo de risco. Deixa o espectador perdido, e perdido ele não se agarra emocionalmente a nada. De qualquer maneira, não é daqueles filmes que nos fazem sentir enganados no final. Há surpresas, mas todas elas estavam bem implantadas desde o início, pistas nos ajudariam a desconfiar da verdade, mesmo que inconscientemente. Sempre há uma sensação de que há algo a mais, como uma história mal contada. E no final, com tudo revelado, faz mesmo sentido aquelas sensações.

Ainda assim, não podemos dizer que Terapia de Risco seja um filme mal feito. É uma escolha do diretor. Um filme distante, mas ainda assim que constrói sensações. Há tensão em toda a questão emocional de Emily, o jogo de sucessões e consequências é bem orquestrado. Há cenas fortes, como a da cozinha, que nos dão apenas um susto, é verdade, mas o susto é eficiente. A fotografia com tons sempre frios e a trilha sem grandes variações também ajudam a construir a estética desejada por Steven Soderbergh. Talvez sejamos latinos demais e por isso, a emoção nos faça tanta falta.

De qualquer maneira, Terapia de Risco é um filme curioso. Frio, sem grande envolvimento, mas bem executado. Cada detalhe é construído para indicar as intenções do diretor e as pistas para as diversas reviravoltas que vamos acompanhando. Como observadores passivos, é verdade, mas ainda assim, percebendo a orquestra funcionando.

Terapia de Risco (Side Effects, 2013 / EUA)
Direção: Steven Soderbergh
Roteiro: Scott Z. Burns
Com: Rooney Mara, Channing Tatum, Jude Law e Catherine Zeta-Jones
Duração: 106 min.

A semana no Cinema

2013-05-17T08:00:00.000-03:00

Começou essa semana o Festival de Cannes, principal festival do cinema mundial. Esse ano, a programação está bastante eclética, assim como o júri presidido por Steven Spielberg. Infelizmente, temos que ficar daqui, observando as notícias e acompanhando as expectativas em relação a Palma de Ouro. A abertura foi com o filme O Grande Gatsby, nova versão do clássico de F. Scott Fitzgerald, dirigido por Baz Luhrmann, com Leonardo DiCaprio encabeçando o elenco que tem ainda Carey Mulligan e Tobey Maguire como destaques. Mas, o filme não está na competição oficial, que tem na disputa trabalhos dos irmãos Coen, Roman Polanski e Steven Soderbergh. Já na Mostra Um Certo Olhar, o grande destaque é o novo filme de Sofia Coppola, com Emma Watson no elenco.

Dois bons sites para acompanhar as novidades: o oficial e o Adoro Cinema que está prometendo uma cobertura completa direto da cidade francesa. A cerimônia de abertura, inclusive, pode ser vista no Site do Festival. A mestre de cerimônias foi Audrey Tautou que comentou, olhando para o presidente do júri, que tinha cinco anos quando E.T. foi lançado e sentenciou que "o cinema nunca deixa você sair como chegou". Spielberg, por sua vez, comentou que "Esta é a sua 66ª edição e eu tenho 66 anos!"

Notícias Rápidas

Promoção Billy Bottons
No dia 25/05 é comemorado o Dia do Orgulho Nerd. E para lembrar a data, o CinePipocaCult em parceria com a Billy Bottons, vai sortear oito cartelas com quatro bottons cada com motivos relacionados ao tema. Para participar é muito simples e pode ser de duas maneiras. Quatro bottons pelo Facebook e quatro pelo Twitter. Para participar pelo Twitter é só seguir o @cinepipocacult e o @billybottons, clicar na imagem ao lado, dar RT na mensagem que vai aparecer e torcer para ser sorteado. Para participar pelo Facebook, é só visitar a página da promoção e seguir as regras. Veja abaixo as imagens das cartelas com quatro bottons cada. Clique para ampliar.

In-Edit em Salvador
Após abertura oficial ontem, começa hoje para o público a edição de Salvador do In-Edit Brasil, Festival de documentários musicais que já está se tornando tradição no Brasil. Criado em Barcelona, o Festival vem acontecendo no Brasil há cinco anos. O grande homenageado dessa edição é o diretor e produtor Dick Fontaine, um dos documentaristas mais prolíficos, e mais respeitados, em todo o mundo. Atualmente, ele é diretor do departamento de Documentário na National Film and Television School (NFTS) em Beaconsfield, Inglaterra. Há quatro programas especiais no festival com suas principais obras e ainda um Master Class ministrado por ele que ocorre hoje à noite.

Cinema do Shopping Barra - Salvador (BA)
Mudanças no cenário de salas de Salvador. A partir de hoje, dia 17 de maio, as duas salas de cinema localizadas no Shopping Barra não estarão mais em funcionamento. Mas, isso não quer dizer que o shopping ficará muito tempo sem essa opção, a Orient Cinemas informa que em breve será inaugurado o "UCI Orient Shopping Barra que contará com oito salas equipadas com o que há de mais moderno no mercado mundial de exibição de filmes, além de diferenciais como três salas Delux, as primeiras do Estado". Maiores informações no site da rede.

Tabu
Considerado como um dos 10 melhores filmes de 2012 pela revista francesa Cahiers Du Cinéma, o longa “Tabu”, de Miguel Gomes, lançou essa semana o trailer oficial para o Brasil. “Tabu” retrata uma história de amor e crime passada em meio ao cenário africano há 50 anos, pouco antes do início da Guerra Colonial portuguesa.

Istambul Agora 2013
Realizado pelo SESC São Paulo (SESC-SP), o festival “Istambul Agora 2013” traz em sua programação uma mostra especial de filmes de três cultuados diretores turcos contemporâneos: Nuri Bilge Ceylan, Fatih Akin e Semih Kaplanoglu. A mostra acontece entre os dias 17 e 23 de maio no CineSESC, com ingressos que vão de R$ 2 a R$ 8. A seleção dos longas-metragens contempla as obras mais expressivas da carreira de cada um dos diretores, com filmes que ganharam prêmios em diversos festivais pelo mundo. O grande destaque fica por conta do lançamento no Brasil “Era uma Vez em Anatólia”, de Ceylan, que levou o Grande Prêmio do Júri no Festival de Cannes de 2011 e foi exibido com sucesso na 35ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Maiores informações veja no site.

Estreias da Semana

Estreias para todos gostos essa semana. Tem a comédia argentina 2 mais 2 de Diego Kaplan, que conta a história de dois casais amigos. Diego e Emília têm um filho de 14 anos e uma vida familiar organizada. Já Richard e Betina não têm filhos e aproveitam a vida de forma diferente. Numa conversa, Richard e Betina, que são praticantes de swing, sugerem uma troca de casais.

Tem também a estreia de José Wilker na direção cinematográfica com o filme Giovanni Improtta. Personagem interpretado por ele mesmo na telenovela Senhora do Destino, em uma trama baseada no livro de Aguinaldo Silva, Matem Giovanni Improtta.

Tem ainda a animação Reino Escondido de Chris Wedge, onde uma garota diminui de tamanho e se vê em uma guerra entre o bem e o mal para salvar a vida na floresta após a morte da rainha. Chama a atenção a parte técnica do filme.

Outro filme que estreia é essa semana é Terapia de Risco de Steven Soderbergh. Para conter a ansiedade pela saída de seu marido da prisão, uma mulher começa a se tratar com um psiquiatra respeitado. Mas a terapia tem efeitos inesperados. No elenco, Jude Law, Rooney Mara, Chaning Tatum, Catherine Zeta-Jones.

E chega também essa semana O Massacre da Serra Elétrica 3D – A lenda continua de John Luessenhop. Na trama, uma jovem recebe herança da avó, de quem ela nunca soube da existência.

Além de Raça de Joel Zito Araújo e Megan Mylan, Irmãs Jamais de Marco Bellocchio, O homem que ri de Jean-Pierre Améris , Finalmente 18! de Jon Lucas e Scott Moore e Confissões de um jovem apaixonado de Sylvie Verheyde.

Humor

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Fica a Dica

A dica de hoje é para quem gosta de comprar pela internet e, claro, quer sempre os menores preços e ainda descontos. O site CupoNation, como eles próprios anunciam, "disponibiliza aos seus usuários as últimas e melhores ofertas das marcas líderes de mercado e das mais procuradas lojas". É interessante que tem um pouco de comparadores de preços com compra coletiva, sem precisar ser de fato uma compra coletiva. O site agrega as promoções existentes na internet e ainda tem cupons exclusivos em diversas lojas. O site ainda é organizado com sessões como as vinte melhores ofertas, por lojas ou sessões. A variedade é mesmo muito boa, desde cosméticos, roupas, DVDs, eletrônicos até viagens. E a pessoa que é cadastrada ainda pode receber as últimas ofertas por e-mail. Ou seja, é mesmo um bom espaço para quem quer comprar na internet. Vale uma visita.

Reino Escondido

2013-05-16T08:00:00.000-03:00

Não canso de dizer, a Pixar nos acostumou mal. Ficamos mais exigentes com animações e chegamos a esquecer que filmes infantis são para crianças. Mas, mesmo para crianças, um bom roteiro não faz mal a ninguém, né? Aliás, é isso que diferencia as animações inesquecíveis de mais uma no ano. E apesar de cinco cabeças pensantes, o roteiro de Reino Escondido carece de maior embasamento.

A premissa é interessante, um mundo pequenino escondido nas floresta onde forças do bem e do mal lutam silenciosamente para manter o equilíbrio da flora, e consequentemente, da fauna. Em um dia-chave onde a rainha da floresta irá escolher sua sucessora, um plano macabro das trevas, personificado nas asquerosas criaturas Boggans, entra em andamento. Só que dois elementos irão interferir nessa história: o cientista Bomba e sua filha Maria Catarina. Bomba dedicou a sua vida à provar que essas criaturinhas existiam, mas será sua filha que irá ter o primeiro contato com eles ao ser diminuída e ficar responsável pela proteção do botão de rosa que a rainha escolheu para passar seus poderes.

Não tem como não lembrar de Querida, encolhi as crianças. A caracterização do cientista Bomba, inclusive, se assemelha ao personagem de Rick Moranis. Claro, a caricatura de um cientista em comédias é um abobalhado atrapalhado, mas até os aparatos e tiques dos dois personagens se assemelham. E Murilo Benício, na versão em português, acentua bastante esses tiques que ele já usa em diversos personagens em novelas da Globo. Já a Maria Catarina tem problemas em sua construção. É apresentada como uma adolescente típica da cidade grande, com sérios problemas de relacionamento com o pai. Mas, mal fica pequenina e já embarca nas aventuras com uma facilidade de dar inveja a Lara Croft.

Curiosamente, apesar do roteiro seguir com diversos furos e soluções infantilizadas, a resolução da trama é um ponto forte. Não há Deus Ex-Machina, as pistas são bem construídas durante a apresentação dos personagens. E há uma certa quebra do clichê, apesar de ter algo também previsível. É tudo coerente e bem resolvido, ao contrário de algumas passagens vergonhosas como um número musical inserido em determinado momento da trama. Não faz o menor sentido, não é emocionante, nem divertido, porque é fora de contexto. Provavelmente só entrou porque quem dubla originalmente o personagem Nim Galuu é o conhecido Steven Tyler, vocalista do Aerosmith.

O didatismo também pode incomodar ao público não infantil. Tudo é muito bem explicado e reforçado, algumas vezes até de maneira sutil, como no início, quando MC diz ao taxista que está indo ver um estranho, que não era estranho antes, mas que talvez tenha mudado. Aí, enquanto o carro se aproxima da casa, toca uma canção que diz: Strangers change. Ou quando o cãozinho de três pernas corre com uma agilidade incrível, e MC tem que reforçar se perguntando isso: como consegue correr com apenas três patas?

De qualquer maneira, a construção visual da animação é de encher os olhos. Tudo é muito bem feito, com um grau de realismo impressionante. As paisagens são quase reais em alguns momentos. Os detalhes dos pelos, das ramificações das plantas, da poeira, da água. O 3D também traz uma boa profundidade de campo, dando até vertigem em alguns momentos onde entra o fator altura. Isso sem falar em alguns insetos que são construídos em detalhes, como as lesmas que é possível sentir a composição gelatinosa.

O ritmo das cenas de ação também é outro ponto positivo. São bem orquestradas e alguns movimentos impressionam como a batalha inicial, onde homens-folhas e Boggans disputam mais um terreno na floresta. Os homens-folhas tentando defendê-la e os Boggans tentando destruí-la, claro. A cena em que a rainha sai de sua casa para escolher o botão de rosa também é rica em detalhes. Todas as criaturas da floresta observando a caravana, a movimentação das plantas a cada toque da rainha, a forma como ela desliza nos espaços. É um visual bonito.

Reino Escondido acaba ganhando muito no visual, mas fica aquém no desenvolvimento da história. Não traz grande criatividade na condução da trama, nem na composição dos personagens, todos bastante rasos e típicos, nos dando uma história igualmente rasa. Ainda assim, tem sua coerência e deve divertir bastante os pequenos. Pelo menos, traz o tema ecológico tão importante para nós nesse planeta.

Reino Escondido (Epic, 2013 / EUA)
Direção: Chris Wedge
Roteiro: Tom J. Astle, Matt Ember, James V. Hart, William Joyce e Daniel Shere.
Duração: 102 min.

Recife Frio

2013-05-15T08:00:00.000-03:00

Depois do sucesso de MPB: a história que o Brasil não conhece, resolvi trazer aqui outro mockumentary brasileiro que segue o mesmo viés crítico e irônico do filme de André Moraes: Recife Frio. O falso documentário de Kleber Mendonça Filho é mais fácil de identificar como falso, afinal, fala de uma mudança climática na cidade de Recife, que de fato não aconteceu. Mas, a forma como constrói diversas críticas sociais nas entrelinhas, é muito bem feito.

O filme simula uma reportagem de um programa de televisão latino, que retrata um acontecimento estranho na capital pernambucana. Recife não é mais uma cidade tropical, passa oito meses do ano debaixo de chuva, em uma temperatura que varia entre 20 e 5 graus celsius. Isso, claro, cria confusões diversas. Mas, a ironia com a qual Kleber Mendonça Filho constrói o seu texto é que mais chama a atenção.

A começar pelos créditos. Cada ator é "um" alguma coisa. Um narrador, um artesão, um papai noel, uma empregada doméstica, um francês do sol. São todos "um" qualquer que compõe aquele cenário exótico. Onde o frio modifica a sociedade e faz Recife perder os seus atrativos turísticos. Isso sem falar nos moradores de rua que morrem por causa do frio.

Kleber Mendonça Filho não poupa ninguém em sua crítica irônica, nem os repórteres do tempo que aparecem em um programa jornalístico qualquer. A forma como o personagem é construído, a nuvem de chuva inexplicável em cima da cidade, os detalhes de composição de cenário. Tudo chama a atenção. Aliás, cada situação descrita no falso documentário tem uma intenção crítica bem clara.

O francês do sol é a caricatura do estrangeiro que vem para o Brasil explorar as riquezas naturais daqui. A pousada que "vende" sol, mesmo quando está chovendo. A forma como ele lamenta que a notícia virou uma reportagem internacional e por isso ele não pode mais "enganar" seus clientes, é ótima.

Nossas tradições de copiar o estrangeiro também estão representadas na figura do Papai Noel, única pessoa que ficou feliz com o frio. Agora no Natal, ele não precisa mais passar mal com o calor escaldante enquanto está vestido com aquelas roupas quentes. A ironia que é construída nesse depoimento é muito boa. Inclusive com os vídeos de arquivo que o ator mostra com ele pingando de suor em natais passados.

Mas, a crítica social mais incrível é mesmo o da família de classe alta e sua empregada doméstica. Um contraponto interessante com o novo filme de Gabriel Mascaro que quer nos convencer de que elas são "como da família". Temos aqui duas questões, uma o fato de o imóvel à beira mar ser um trambolho nesse cenário frio, quando era a área mais valorizada em épocas de sol. O outro, ainda mais ferino, é o fato de os quartos de empregada serem sempre os mais quentes da casa, e por isso, o filho da família se mudou para lá, colocando a empregada em seu quarto frio. "Ela não está acostumada com uma suíte", diz a dona da casa.

O curta metragem brasileiro mais premiado desde Ilha das Flores (1989), de Jorge Furtado, Recife Frio é mesmo um achado. Uma construção criativa e muito bem realizada de uma crítica social contundente. Não por acaso fez tanto sucesso. E que bom que a produção de Kleber Mendonça Filho disponibilizou na íntegra para quem quiser conhecer. Vejam abaixo.

Prêmios:
Melhor Diretor no Cine PE em 2010
Melhor Diretor no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro em 2009
Melhor Ficção no Curta Cinema - Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro em 2010
Melhor Filme no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro em 2009
Melhor Filme no Festival Internacional de Cinema e Vídeo Ambiental - GO em 2010
Melhor Filme no Festival Luso-Brasileiro de Santa Maria da Feira em 2009
Melhor Filme no Mostra de Cinema de Tiradentes em 2010
Melhor Filme - Júri Jovem no Curta Cinema - Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro em 2010
Melhor Filme - Júri Popular no Curta Cinema - Festival Internacional de Curtas do Rio de Janeiro em 2010
Melhor Roteiro no Cine PE em 2010
Melhor Roteiro no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro em 2009

Recife Frio (Recife Frio, 2009 / Brasil)
Direção: Kleber Mendonça Filho
Roteiro: Kleber Mendonça Filho
Duração: 24 min.

Elena

2013-05-14T08:00:00.000-03:00

A voz over no cinema sempre gerou controvérsias. Um recurso fácil e pouco criativo. Uma redundância. Cinema é imagem. São alguns dos argumentos. Em um documentário, então. É quase sacrilégio. Nos remete logo à Discovery Channel ou algo parecido. Porém, mesmo os maiores críticos ao recurso têm que reconhecer que há filmes em que a narração é a essência da obra. Como conceber um Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo, sem ela? O mesmo pode-se dizer de Elena, documentário de Petra Costa. Porque mais do que um filme, a obra é uma carta de uma irmã para outra. E é esse tom de intimidade que nos permite embarcar junto com elas em emoções diversas.

Elena é um filme de procura e descoberta através de lembranças. Remexendo os vídeos de família, as fotos e fitas K7 que sua irmã deixou, a diretora Petra Costa embarca na reconstrução dos passos dela que foi para os Estados Unidos com um sonho: ser atriz de cinema. Aqui no Brasil estávamos em pleno governo Collor que fechou a Embrafilmes levando a produção do nosso cinema a quase zero. Lá, tinha Hollywood e todos os sonhos possíveis. Mas, claro que tudo não poderia ser tão fácil, ainda que em uma saída ao bar, Elena tenha conhecido Coppola e este a convidou para assistir às filmagens de O Poderoso Chefão 3.

Refazendo os passos de Elena, Petra nos conta sua história. Ou melhor, relembra à Elena com quem conversa em sua narrativa, todos os passos daquela saga. Desde que seus pais se conheceram e só se livraram de ir para o Araguaia e possivelmente morrer nas mãos da ditadura porque Elena já estava na barriga da mãe. Essa menina que já nasceu dançando e filmando sua vida. Diversas imagens de arquivo da pequena Elena embalando a bebezinha Petra nos encanta. Há conexões e desconexões que nos fazem embarcar naquela jornada de uma maneira única. Mesmo sem nunca ter conhecido Elena Andrade. Porque Petra nos conduz.

E nessa conexão há algumas simbologias muito boas como quando Petra fala que passeia pelas ruas de Nova York ouvindo a voz da irmã. Ao mesmo tempo que há o simbólico de estar reconstruindo os passos de Elena e vivenciando aquilo de uma maneira metafórica. Há o real das fitas K7 que Elena gravava para contar seu dia-a-dia na cidade, porque não gostava de escrever cartas. Então, ela literalmente poderia andar pelas ruas ouvindo Elena conversar com ela, enquanto que nós, revíamos aquilo, ouvindo Petra conversar simbolicamente com Elena em pensamento.

Tudo muito forte, talvez por isso, case tão bem as imagens com um filtro que deixe quase tudo desfocado, como um sonho. Porque foi com um sonho que tudo começou. Assim, a carta filmada se inicia: sonhei com você. Petra sonhou com Elena e nos faz sonhar também com aquela profusão de imagens oníricas em meio à cidade de Nova York que já é um símbolo de sonhos. Sonhos realizados e sonhos desfeitos.

Da mesma maneira que o elemento água entra de uma maneira bastante especial. A água que limpa, que transforma. A água que é capaz de ser maleável e se adaptar. Símbolo de vida e morte em diversos aspectos e que faz com que Petra possa morrer e renascer, quase como um novo batismo diante de tudo que vivencia. De certa maneira, ela tem que matar a Elena dentro dela, para que a essência de Petra possa renascer. E por isso uma determinada cena boiando na água seja tão forte e bela.

Porque o mais interessante desse documentário é que ele vai além de documentar. Ele recria em cima de fatos sem ficcionar. Ou pelo menos, sem encenar o que quer que seja. O trabalho de imagens de arquivo, passeios por Nova York e efeitos de luz no envolve de uma maneira única. Mesmo os depoimentos são inseridos de uma maneira especial, como quando Petra caminha por uma ponte e vozes a comparam a Elena, as vezes dizendo que elas se parecem, outras que não tem nada a ver. Essa busca descontinua pelos elos do passado, mas com o medo da repetição.

Elena é isso. Um filme que esconde diversos outros filmes. Sensações, emoções, lembranças, receios, traumas. A eterna redescoberta e aprendizado da vida. Os sonhos, as frustrações, a perseverança. Elena tanto quis ser atriz de cinema, que acabou concretizando seu sonho de uma maneira torta, pelas mãos de sua irmã caçula. A pequena Petra que ela ensinou a dançar e a interpretar. E que com essa carta filmada fez mais do que uma declaração de amor. Provou que aprendeu as lições. Mesmo aquelas que ficaram nas estrelinhas.

Elena (Elena, 2012 / Brasil)
Direção: Petra Costa
Roteiro: Petra Costa e Carolina Ziskind
Com: Elena Andrade, Li an e Petra Costa
Duração: 82 min.

Uma Ladra Sem Limites

2013-05-13T08:00:00.000-03:00

Depois da interessante comédia Quero Matar Meu Chefe, Seth Gordon nos apresenta um besteirol sem compromisso que centra em uma certa caricatura da atriz Melissa McCarthy. A gordinha, atrapalhada e trambiqueira que não tem escrúpulos. E no final, se perde.

Jason Bateman é Sandy Patterson, um exemplar pai de família. Já tem duas filhas e sua esposa está grávida de mais uma criança. Consegue uma oportunidade única de trabalho e acredita que finalmente vai se dar bem. Até que descobre que uma mulher na Flórida está usando sua identidade para gastar o que ele não tem e ainda cometer delitos que envolvem até drogas. Claro que, nessa situação, o filme nunca perde a oportunidade de fazer uma piada com o nome Sandy que seria de mulher, ou unissex, como insiste o personagem. De qualquer maneira, ele começa sua jornada para caçar essa mulher e limpar seu nome.

Só na premissa já começam os incômodos. Afinal, não existem advogados na América? E aquela máxima de você é inocente até que prove o contrário? Como um homem que mora do outro lado do país, pode estar cometendo furtos na Flórida? E como mesmo depois de ver a foto de Melissa McCarthy descabelada segurando a plaquinha de Sandy Patterson, o policial continua duvidando do pobre homem em sua frente. Isso sem falar nessa burocracia policial onde um distrito não se comunica com outro e incentiva um cidadão comum a ir à caça da ladra.

Relevando tudo isso. Ainda assim, o roteiro de Craig Mazin carece de ritmo. As piadas não são engraçadas como poderiam, as situações dão mais vergonha que vontade de rir. Os clichês são manjados e até as possíveis surpresas são óbvias e previsíveis. Fora que em determinado momento, a trama muda, e temos um déjà vu de Um Parto de Viagem, outra comédia que se aproveitou de um hit (Se Beber. Não Case), para tentar emplacar outra aventura divertida. Mas, tal qual o exemplo, Uma Ladra Sem Limites está longe de um Quero Matar Meu Chefe ou Missão Madrinha de Casamento.

O exagero é o tom do filme. A começar pela construção da personagem de Melissa McCarthy, a Diana, ou sabe-se lá que nome a personagem tenha. A golpista é completamente sem noção, faz coisas tão absurdas que não podem ser de um ser humano. Ela realmente não tem limites. A única explicação para alguém tão sem escrúpulos e noção seria mesmo ser uma sociopata. Porém, esse diagnóstico cai por terra em determinado momento, quando a trama vira e nos vemos em um quase melodrama barato.

Como se não bastasse, o filme ainda cria outras complicações para a dupla Sandy. Como Diana dá seus golpes clonando cartões de crédito, ela tinha vendido alguns para os traficantes e o chefão deles acabou sendo preso por isso. A dupla interpretada por Genesis Rodriguez e T.I. segue na cola dos dois, assim como o caçador de recompensas vivido por Robert Patrick. E claro, que mais confusões vão surgir a partir daí.

De qualquer maneira, nada que salva o ritmo e a graça do filme que adora expor seus personagens ao ridículo. Uma comédia que deve ser facilmente esquecida. Uma pena, já que seus realizadores já demonstraram ter talento para coisas melhores.

Uma Ladra Sem Limites (Identity Thief, 2013 / EUA)
Direção: Seth Gordon
Roteiro: Craig Mazin
Com: Jason Bateman, Melissa McCarthy, Amanda Peet, Robert Patrick, Genesis Rodriguez, Jon Favreau
Duração: 111 min.

Promoção Elena

2013-05-12T20:16:00.000-03:00

PROMOÇÃO ENCERRADA
Veja resultado.

Elena, de Petra Costa, tem arrebatado os Festivais por onde passa. E agora, estreia oficialmente no Brasil. Dia 10 de maio chegou nas cidades de São Paulo, Cotia, Sorocaba, Rio de Janeiro, Salvador e Belo Horizonte. A partir do dia 17 de maio, estreia também em Brasília, Curitiba e Porto Alegre. Não tem previsão ainda de outras cidades, infelizmente.

Então, se você está em uma dessas cidades contempladas e quer ganhar um par de ingressos para conferir o filme, veja regras abaixo.

Regras
Facebook (1 kit especial*)
1 - Faça login no Facebook, visite a página da promoção e siga as regras. Clique na imagem abaixo para ir direto.
2 - Sorteio dia 15/05/2013.

Regras Twitter (5 pares de ingressos*):
1 - Siga @cinepipocacult no Twitter.
2 - Clique no cartaz ao lado para acessar o Twitter, dê RT na mensagem e torça para ser sorteado.
3 - RTs Válidos até 15/05/2013.

Top Fãs e Top Leitores:
Pensou que íamos esquecer dos nossos leitores mais assíduos? Não. Mas, vamos seguir novamente aquele esquema de quem disser primeiro que quer. Temos quatro pares separados para premiá-los. Se você está entre os cinco primeiros Top Leitores da nossa barrinha do Cat-Us ou entre os cinco primeiros dos nossos Top Fãs na página do Facebook, comente abaixo dizendo que quer o seu par de ingressos. Os quatro primeiros comentários levam.

Resultado do Twitter:
Sorteio
1. @marciosmelo
2. @srtavenancio
3. @zugoboss
4. @Ilmaralina
5. @binformata

Resultado do Top Fã e Top Leitor:
1. Gustavo Luís Rios Abdala
2. Maria Helena Dóro
3. Gustavo Magno
4. Milena Soares

Resultado do Facebook:
Sorteio
Gustavo Magno

Parabéns a todos! Enviem endereço completo para cinepipocacult@gmail.com até dia 20/05/2013.

* Kit contendo 1 camiseta feminina, 1 adesivo, uma sacola e um adesivo. Convites válidos de segunda a quinta-feira, exceto feriados. Aceito em todas as salas onde o filme estiver em exibição, consulte roteiro. Ingresso sujeito a lotação das salas. Venda Proibida. Verifique a classificação indicativa do filme.

** Se alguém ganhar de duas formas, sortearemos de novo para dar chance a mais pessoas ganharem. O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. Os convites serão enviados via correios, por carta simples, sendo de responsabilidade dos correios qualquer extravio. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam no Brasil. Esta promoção não tem qualquer vínculo ou responsabilidade cabida às marcas Facebook e Twitter.

O Abismo Prateado

2013-05-12T08:30:00.000-03:00

Baseado na letra de Olhos nos Olhos, canção de Chico Buarque de Holanda, O Abismo Prateado retrata a dor do abandono. É mesmo um susto, um desespero ser pego de surpresa com um "eu não te amo mais". Mas, interessante que enquanto que a música de Chico foca em trabalhar a volta por cima, o filme de Karim fica na primeira parte do desespero. E um acaba complementando o outro.

Violeta, interpretada por Alessandra Negrini é uma dentista, bem resolvida, casada, com um filho de catorze anos que tem uma rotina ativa. Acorda cedo, vai para o trabalho de bicicleta, malha no horário livre, cuida da casa, do filho. Mas, um dia, sem mais nem menos, recebe uma mensagem em seu celular. É seu marido dizendo que vai viajar e não volta, pois não a ama mais. Qualquer um enlouqueceria, é verdade. Até porque terminar uma relação de mais de catorze anos através de uma mensagem em celular, é cruel.

Mas, mesmo sem saber que o filme se baseia em Olhos nos Olhos, é possível perceber que o casamento não vai bem. Pelo menos pelas reações e expressões de Djalma, interpretado por Otto Jr. São pequenos detalhes que demonstram o seu desconforto, mesmo quando estão tendo relações sexuais. Parece que falta ar a Djalma. Ao acordar no dia seguinte, está monossilábico, evita olhar a esposa nos olhos. Não sai da cama para tomar café com ela, como pediu. Parece ansioso em olhar para o filho, como se fosse mesmo uma despedida. Aquilo não estava bem mesmo.

Djalma sai de cena e Alessandra Negrini toma conta do filme de Karim Aïnouz com o arrebatamento emocional que o texto pede. São reações irracionais em cadência, construídas em imagens que ajudam a compor o sentimento. Como a construção em que a personagem vai procurar uma pessoa que não fica claro quem seja. Podemos interpretar como uma amiga, mas pelas poucas palavras, ela parece mais íntima de Djalma que dela, ao dizer coisas como "ele esperou demais".

Mas, o que chama a atenção nessa sequência é mesmo a forma como Karim constrói as sensações. A confusão na construção, os barulhos, o vai-e-vem de pessoas nos dá um vislumbre da própria confusão em que a personagem se encontra. Sem eixo, sem se entender, perdida em meio ao caos. A inquietação demonstrada fisicamente também é visível. Ela não consegue ficar parada. Entra e sai de quadro, desesperada de uma maneira muito instigante.

Violeta está tão confusa que chega a deixar o filho adolescente sozinho em casa dizendo que vai para Porto Alegre encontrar o marido. E acompanhamos sua jornada madrugada a dentro, enquanto espera o próximo voo que só sai às seis horas da manhã. Ela passeia de táxi sem rumo, toma banho em um motel, dança freneticamente em uma boate ao som de um dos hits de Flashdance com direito a repetição de passos e tudo, passeia por Copacabana e aí, sua sina começa a encontrar prumo.

É interessante essa jornada interna e externa construída por Karim Ainouz. O que não é surpresa em sua filmografia já que fez o mesmo em obras como Madame Satã ou em Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo. Embarcamos junto a Violeta na revolta do abandono, principalmente por ser por celular. E nessa busca por um novo sentido. Nos colocamos juntos de certas peças-chaves e da forma como tudo vai se encaminhando para a resolução. Só incomoda um pouco a forma como a própria música se insere na trama. Um jogo que acaba sendo um pouco forçado, mesmo que tenha uma deixa ainda na praia. "Acho que meu marido me abandonou". A versão gravada por Bárbara Eugênia também parece carecer de emoção, não traz o impacto que deveria.

Porém, a simbologia dela ali, acaba sendo um complemento essencial para aquilo, como já é costume nas obras do diretor. As possibilidades de futuro após aquela madrugada traumática. Nada está definido, nada é mesmo definitivo. Mas, Violeta está lá com uma vida pela frente, encarando a dor em sua jornada e seguindo em frente. Pouco importa a história linear, a narrativa. O que vale aqui é a experiência vivida. As sensações passadas. A construção do não-dito. Aquilo que só os olhos podem mesmo revelar, já que são eles a janela de nossa alma.

O Abismo Prateado (O Abismo Prateado, 2011 / Brasil)
Direção: Karim Aïnouz
Roteiro: Beatriz Bracher
Com: Alessandra Negrini, Thiago Martins, Gabriela Pereira, Carla Ribas, Alice Borges, João Vitor da Silva, Rebecca Orenstein
Duração: 83 min.

O Último Exorcismo - Parte 2

2013-05-11T08:30:00.000-03:00

Não tem como começar uma crítica sobre este filme sem falar no nome. Acho que a situação mais sem sentido que já presenciamos no cinema. Afinal, O Último Exorcismo ter continuação é piada pronta. Então, o filme original teria que mudar de nome? O Penúltimo Exorcismo talvez.

O fato é que Ed Gass-Donnelly pega o gancho do primeiro filme e nos faz acompanhar uma trajetória insólita da garota Nell em tentar retomar sua vida após os acontecimentos. Mas, ela não é mais apenas uma perseguida pelas trevas, o demônio se apaixonou por ela, vejam só. E ela não vai conseguir fugir com tanta facilidade. Mesmo com amigas novas, que na primeira oportunidade vão fazer bullying com ela por causa de vídeos no Youtube, uma nova figura paterna e até um namoradinho colega de trabalho.

O filme de Ed Gass-Donnelly só não é um desperdício completo porque possui um time interessante em sua primeira parte. Temos um suspense, com uma construção de ambiente propício para pequenos sustos e algumas curiosidades. Ainda que mal explicadas como o casal do início da projeção. Temos alguns momentos de contemplação, silêncios e sombras que são explorados de maneira envolvente, criando um certo clima na plateia. Tem até, uma referência a Os Pássaros de Hitchcock em uma cena sinistra em uma Igreja.

O próprio roteiro traz em seu início uma premissa interessante de revés da situação. Como se tudo o que aconteceu fosse alucinação de Nell e que não passasse de fantasia. Claro, estamos em um filme de terror e logo teremos as confirmações de que o sobrenatural existe e que o jogo ali é outro. Mas, diante de tantos filmes de exorcismo, remakes, continuações ou originais, fiquei imaginando se não seria interessante algo que trouxesse esse contraponto. A loucura, em vez da possessão. Mas, foram apenas pensamentos que surgiram, enquanto a trama ainda não emplacava.

E tudo piora com o surgimento da Seita da Mão Direita. Tudo que envolve essa tal seita é tão absurdo que fica até difícil de analisar de uma maneira mais sóbria. Principalmente, a parte que envolve uma galinha. Sim, uma galinha preta e não tem nada a ver com as tradições africanas, antes que alguém pense. O que tinha um certo tom sério e até com pequena tensão se torna risível. E isso é um problema, por que o riso não é uma construção proposital do filme como outros exemplares trash.

Chama a atenção também a economia de Ed Gass-Donnelly em efeitos especiais. Todas as cenas que envolvem violência são apenas sugeridas. A câmera chega a literalmente sair de cena e focar a fachada da casa enquanto acontece uma determinada situação, nos deixando apenas com os sons e uma manchinha ou outra na janela, além de uma referência a Carrie - A Estranha que enriquece a sequência. Da mesma forma que uma porta se fecha e só ouvimos sons, ou vemos um corpo sendo jogado contra uma outra porta de vidro. Isso sem falar em um certo corte de pescoço que nos dá um corte na imagem para o contracampo e depois volta já com uma mão em cima da ferida.

Não podemos dizer que não fomos avisados. No título já dá para perceber que a produção não se leva a sério e é apenas mais um caça-níquel. O Último Exorcismo - Parte 2 é daqueles filmes que serão rapidamente esquecidos. Ou, quem sabe, cultuados pelas futuras gerações por ser tão trash.

O Último Exorcismo - Parte 2 (The Last Exorcism Part II, 2013 / EUA)
Direção: Ed Gass-Donnelly
Roteiro: Damien Chazelle e Ed Gass-Donnelly
Com: Ashley Bell, Julia Garner, Spencer Treat Clark
Duração: 88 min.

A semana no Cinema

2013-05-10T07:58:00.000-03:00

Estreia hoje o documentário Elena, de Petra Costa que tem arrebatado os Festivais por onde passa. Já foram o Tribeca Latin American Film Fund, 45º Festival de Brasília do Cinema Nacional - Melhor direção, melhor direção de arte, melhor montagem e melhor filme (júri popular), na categoria documentário. 28º Festival Internacional de Cinema de Guadalajara – menção especial. 9º Festival Internacional de Documentários ZagrebDox – menção especial e o Films de Femmes 2013 – melhor documentário. Quarta-feira teve pré-estreia no Espaço Itaú Unibanco aqui em Salvador e depois da sessão, o público pode acompanhar um bate-papo com a própria diretora, além do professor doutor José Serafim, especialista em documentários, e a professora psicanalista Marcela Antero, que falou do viés psicológico da trama.

O filme é mesmo impactante em sua profusão de imagens e emoções que Petra coloca em tela ao fazer o caminho de busca de reconhecimento de sua irmã Elena. Quem foi essa mulher, atriz, dançarina que já nasceu com a "carga", como ressaltou alguém na plateia, de salvar a vida dos pais e sempre teve uma câmera nas mãos? Seu sonho: ser atriz de cinema. E como, no início dos anos 90, cinema no Brasil era impossível, ela foi para Nova York tentando realizar seu sonho. Serafim ressaltou o fato de Elena ser um documentário que segue a nova tendência de filmes em primeira pessoa, onde a diretora Petra se coloca completamente em tela para falar de algo pessoal, mas que se torna universal em sua condução. E o que a torna universal é o que Marcela Antero chamou a atenção em sua fala. Segundo a psicanalista, o filme tem buracos, lacunas não explicadas que nos permitem entrar e participar da trama. Nas diversas referências citadas por ela, chama a atenção a clara utilização da água. Água que matou Ofélia, mas que também traz a fluidez e a tranquilidade para a limpeza e recomeço. Marcela lembrou que diversas outras personagens símbolos também escolheram a água para dar fim à vida como Virgínia Woolf. Lembrou ainda uma curiosidade de um sonho de Freud que se assemelhou a uma passagem do filme, o que fez a diretora Petra Costa relembrar que o filme Elena surgiu a partir de um sonho que ela teve com a irmã.

Como podem perceber, foi um bate-papo bastante rico, assim como o filme que tem possibilidades de milhares de outras análises e vertentes. Em breve, crítica completa aqui no site.

Notícias Rápidas

Se Beber, Não Case! - Parte III
O diretor Todd Phillips, e os atores Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Ken Jeong e Heather Graham virão ao Rio de Janeiro para divulgar a terceira parte de Se Beber, Não Case. “Nós estamos muito animados em viajar ao Rio de Janeiro para apresentar o filme para os brasileiros. É nossa última parada, do nosso último filme, e nós não conseguimos pensar em um lugar mais especial que o Rio para encerrar os trabalhos”, afirma Phillips. Lembrando que o terceiro filme da franquia que está sendo anunciado como épico não tem casamento, um problema de erro de tradução de título já que em inglês ele se chama The Hangover (A Ressaca). O filme chega aos cinemas brasileiros no dia 30 de maio.

III Festival de Cinema Baiano
Com o tema: O que é cinema baiano?, o Festival de Cinema Baiano que acontece em Ilhéus, sul do estado já tem data definida: 07 e 13 de junho. Quatorze curtas-metragens foram selecionados para a mostra competitiva com filmes de diversos gêneros. O melhor curta eleito pelo júri popular será premiado com R$ 3 mil, enquanto o melhor filme escolhido pelo júri técnico recebe R$ 2 mil. Serão contemplados com troféus os vencedores nas categorias (júri técnico): direção, fotografia, direção de arte, montagem, trilha sonora, ator e atriz. Os concorrentes contam ainda com o prêmio da Associação Baiana de Cinema e Vídeo / Associação Brasileira de Documentaristas da Bahia (ABCV/ABD-BA). As mostras competitivas têm acesso gratuito e as sessões acontecerão diariamente. A programação inclui ainda a exibição de longas–metragens com ingressos a preços populares. Maiores informações no site do evento.

Somos Tão Jovens é recorde de bilheteria
Renato Russo está vivo, pelo menos no coração dos fãs, é o que mostra o fenômeno que está sendo sua cinebiografia. “Somos Tão Jovens” é o filme brasileiro mais assistido do ano no fim de semana de estreia. Quatrocentos e setenta mil espectadores foram aos cinemas assistir ao filme dirigido por Antonio Carlos da Fontoura e estrelada por Thiago Mendonça. A adesão do público garantiu também ao filme a sexta posição entre todas as aberturas de filmes nacionais desde a chamada Retomada do Cinema Brasileiro. Vamos ver se o boca a boca e repercussão da trama irão manter esse bons números.

Big Hero 6
Nova animação da Disney já foi anunciada. Big Hero 6 é uma comédia de ação e aventura sobre o prodígio Hiro Hamada, brilhante em robótica, que se vê envolvido em uma trama criminosa que ameaça destruir a cidade de San Fransokyo, um local com ritmo de vida acelerado e altamente tecnológico. Com a ajuda de seu companheiro mais próximo — um robô chamado Baymax— Hiro une forças com uma relutante equipe iniciante de combate ao crime em uma missão para salvar a cidade. Inspirado nas revistas em quadrinhos da Marvel de mesmo nome, e apresentando estilo de ação dos gibis bem como toda a emoção e o humor que o público espera dos Estúdios Walt Disney Animation, o longa com animação por computação gráfica Big Hero 6 chega aos cinemas em 2014. Vamos ficar de olho.

Estreias da Semana

E além de Elena, outras estreias marcam a semana. Entre elas, o terror O Último Exorcismo – Parte 2 que no título já traz uma ironia. Continuando de onde termina o primeiro filme, nos mostra a trajetória da garota Nell tentando retomar uma vida normal, mas o demo não irá deixar. Uma pena que os produtores não cumpriram a promessa do primeiro filme e deixaram mesmo ele como último exorcismo.

Tem também a comédia Uma Ladra Sem Limites de Seth Gordon com Melissa McCarthy e Jason Bateman, em uma atrapalhada comédia sobre troca de identidades e golpes financeiros. Daquelas comédias cheias de situações que forçam o riso, mas acaba divertindo aos que só querem um entretenimento sem compromisso.

Tem ainda Amor Profundo de Terence Davies. Amorosa Soledad de Martín Carranza e Victoria Galardi. Beije-me Outra Vez de Gabriele Muccino. O Que Se Move de Caetano Gotardo. O Que Traz Boas Novas de Philippe Falardeau. E Cores de Francisco Garcia.

Isso sem falar em Reality – A grande ilusão de Matteo Garrone que chega a novas praças essa semana depois de estrear no Rio de Janeiro. E O Sonho de Wadjda de Haifaa Al-Mansour, que chega ao Rio de Janeiro depois de estrear em outras praças semana passada.

Humor

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Fica a Dica

Especial Tom Hanks
E para quem é fã do ator Tom Hanks, o Telecine Cult apresenta hoje, 10 de maio, três comédias em sequência protagonizadas pelo ator e reprisa a programação no dia 12 (domingo), a partir das 15h45. Mas, não espere os filmes que o levaram ao Oscar, por exemplo. A ideia é mais uma nostalgia no estilo "clássicos da Sessão da Tarde".

São eles:
Às 20h: A Última Festa de Solteiro (Bachelor Party)
Direção: Neal Israel.
Elenco: Tom Hanks, Tawny Kitaen e Adrian Zmed.
EUA, 1984. Comédia. 120 min. 12 anos.

Às 22h: Splash – Uma Sereia em Minha Vida (Splash)
Direção: Ron Howard.
Elenco: Tom Hanks, Daryl Hannah e Eugene Levy.
EUA, 1984. Comédia. 111 min. Livre.

À 0h05: Quero Ser Grande (Big)
Direção: Penny Marshall.
Elenco: Tom Hanks, Elizabeth Perkins e Jared Rushton.
EUA, 1988. Comédia. 104 min. Livre.

Dia 10 de maio, sexta-feira, no Telecine Cult.
Reprise no dia 12 de maio, domingo, no Telecine Cult.

Walter da Silveira e o cinema de rua

2013-05-09T15:16:00.000-03:00

Já falei duas vezes na Semana no Cinema, mas acho que vale um post especial sobre a Sala Walter da Silveira. Uma espécie de xodó baiano que foi muito importante na década de oitenta para os cinéfilos da terra e que está em processo de recuperação de público e prestígio.

O nome da sala é em homenagem ao crítico baiano Walter da Silveira, importante para a formação dos primeiros estudos sobre cinema por aqui e que ajudou a fomentar o ciclo baiano de cinema que começou com o filme Redenção de Roberto Pires. Reformada e com uma nova safra de filmes inéditos, a Walter da Silveira começa a criar um diferencial para a cidade. Diversos filmes inéditos, alguns, realmente inéditos no país, começam a ser lançados em sessões diárias a preços populares e que ainda traz uma promoção: Amigos da Walter.

O Amigos da Walter é bem simples. O espectador ganha uma cartela de fidelidade. Com cincos carimbos, ele tem direito a um cartaz de filme. Com dez, pode trocar por uma camisa de um filme baiano que fez história como Super Outro de Edgard Navarro, considerados por muitos o melhor filme baiano de todos os tempos. A promoção dura até o dia 30 de julho, então, é bom correr para completar os dez acessos, ou quem sabe até, mais de uma vez para levar as três camisas disponíveis.

Além dos filmes inéditos e a promoção Amigos da Walter, a sala também está buscando diversificar a programação com eventos como o recente Cinema Expandido, uma mistura de cinema e música que teve até a exibição de À Propos de Nice, de Jean Vigo, com acompanhamento musical ao vivo. Trechos de filmes da Nouvelle Vague Japonesa foram exibidos na fachada do prédio da Biblioteca Pública dos Barris, onde fica a sala, e diversas outras atrações movimentaram o fim de semana, que teve um ótimo público.

Uma pena, no entanto, que com todas essas ações, o público ainda não seja dos mais atrativos. Assisti Mãe e Filha em um sábado a noite, acompanhada de apenas mais seis pessoas. As pessoas reclamam que o cinema de rua está morrendo, que não tem oportunidade de ver filmes fora do circuito blockbuster, mas, quando têm oportunidade, acabam deixando passar. Por isso, é preciso ajudar a divulgar cada vez mais essas possibilidades.

É verdade que as instalações ainda não são ideais, mas o grupo tem procurado melhorar a cada dia. Um novo projetor já está em fase de teste e novidades são prometidas. Mas, o melhor mesmo é essa janela que se abre para filmes de arte, independentes, e que talvez nunca tivessem a oportunidade de chegar por aqui. Agora, só falta voltar a exibir filmes em 35 mm.

Promoção O Sonho de Wadjda

2013-05-09T14:25:00.000-03:00

PROMOÇÃO ENCERRADA
Veja resultado.

Primeiro filme inteiramente filmado na Arábia Saudita, O Sonho de Wadjda retrata a opressão feminina no país. Protagonista, Wadjda, é uma garota de 12 anos que sofre preconceito na escola, por desafiar as tradições de seu país com coisas simples como usar tênis e querer uma bicicleta, por exemplo. O mais instigante nesse filme é o fato de ser dirigido e roteirizado por uma mulher, Haifaa al Mansour, em um país onde elas não podem dirigir nem um automóvel, e mais curioso, onde não existe uma única sala de cinema oficial. Não deixa de ser um marco na história.

E aí, quer ganhar um par de ingressos para esse filme? É só seguir as regras abaixo e boa sorte.

Regras:

Regras Twitter (4 pares de ingressos*):
1 - Siga @cinepipocacult no Twitter.
2 - Clique no cartaz ao lado para acessar o Twitter, dê RT na mensagem e torça para ser sorteado.
3 - RTs Válidos até 12/05/2013.

Top Fãs e Top Leitores:
Pensou que íamos esquecer dos nossos leitores mais assíduos? Não. Mas, vamos seguir novamente aquele esquema de quem disser primeiro que quer. Temos seis pares separados para premiá-los. Se você está entre os dez primeiros Top Leitores da nossa barrinha do Cat-Us ou entre os cinco primeiros dos nossos Top Fãs na página do Facebook, comente abaixo dizendo que quer o seu par de ingresso. Os seis primeiros comentários levam.

Resultado do Twitter:
Sorteio
1. @jurupiraca
2. @cristmir1970
3. @AmoMarta
4. @BolaCaramuri

Resultado do Top Fã e Top Leitor:
1. Maria Helena Dóro
2. Aline Aparecida Vanini
3. Alfredo de Medeiros
4. Gustavo Magno
5. Milena Soares
6. Raíssa Rossi

Parabéns a todos! Enviem endereço completo para cinepipocacult@gmail.com até dia 16/05/2013.

* Convites válidos de segunda a quinta-feira, exceto feriados. Aceito em todas as salas onde o filme estiver em exibição, exceto Circuito Araújo, Grupo Estação, Cinemark Iguatemi. Promoção não cumulativa. Ingresso sujeito a lotação das salas. Venda Proibida. Verifique a classificação indicativa do filme.

** O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. Os convites serão enviados via correios, por carta simples, sendo de responsabilidade dos correios qualquer extravio. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam no Brasil. Esta promoção não tem qualquer vínculo ou responsabilidade cabida às marcas Facebook e Twitter.

A Lista de Schindler

2013-05-08T08:30:00.000-03:00

08 de maio de 1945 é considerado o Dia da Vitória, foi nesse dia em que o exército alemão se rendeu na Segunda Guerra Mundial. Aproveito a data histórica para lembrar um filme que há muito queria falar por aqui: A Lista de Schindler.

Baseado no livro de Thomas Keneally, que narrou a história real de Oskar Schindler, esse filme de Steven Spielberg é uma verdadeira pérola que finalmente lhe rendeu um Oscar. Filmado em preto e branco, a trama narra a trajetória desse homem que, com a desculpa de criar uma fábrica para ganhar dinheiro, acabou salvando mais de mil judeus do holocausto. É emocionante acompanhar as artimanhas dele e seu contador Itzhak Stern, vivido por Ben Kingsley, para subornar e enganar os alemães em um jogo de estratégia muito bem realizado.

Claro que, como um homem inteligente e astuto, Schindler teve uma trajetória construída aos poucos. Ele queria se dar bem? Provavelmente. Seu começo é de um estrategista esperto, que com um presente ali e uma participação aqui, vai ganhando status no partido nazista. Depois, ele procura os judeus, que estão proibidos de manter comércios, e faz uma proposta indecorosa, mas que ao mesmo tempo é a única solução para aquele povo. Dar dinheiro para que Schindler monte sua fábrica, recebendo panelas em troca.

É interessante como Steven Spielberg vai nos mostrando a situação dos judeus se complicando aos poucos. Primeiro, eles não podiam ter comércio e tinham que andar com a faixa de estrela no braço, depois, foram perdendo suas casas, até que tiveram que se mudar para guetos murados e, por fim, os campos de concentração. Ver aquelas pessoas sem compreender o que está acontecendo com suas vidas, a esperança ainda de pequenas privações e o desespero a cada morte ou piora de suas condições de prisioneiros é tocante. E Spielberg sabe como ninguém como construir o melodrama que nos envolve e emociona.

Assim como o paralelo entre Oskar Schindler, interpretado com delicadeza por Liam Neeson, e Amon Goeth, interpretado por Ralph Fiennes com resquícios de crueldade. Os dois personagens são o extremo daquela situação, o humano e o desumano, o que se importa e o que não liga a mínima. O que salva e o que mata. Diversos momentos são construídos com montagens paralelas como os dois fazendo a barba, ou dançando com mulheres. E é interessante como, de certa forma, Schindler acaba domando Amon, manipulando-o sobre o que é o verdadeiro poder.

Mas, o que emocionou mesmo o mundo nesse filme foi a forma delicada e, ao mesmo tempo, crua de mostrar a realidade dos judeus durante a Segunda Guerra. Desde pequenos gestos como o operário maneta que agradece a Schindler para depois ser executado, há planos de revelações cruéis como as malas dos prisioneiros que vão para os campos sendo desfeitas e separadas por bens de valores. E isso sendo feito por próprios judeus. É um dos momentos simbólicos fortes do filme.

Diversos outros são tensos e sofridos, como a destruição do gueto ou as mulheres que vão por engano para Auschwitz. Mas, outro detalhe simbólico impresso por Spielberg foi que ficou mais famoso e comentado por todos. A garotinha de vestido vermelho. Claro, em um filme preto e branco, aquele elemento colorido, e ainda por cima, vermelho, só poderia trazer algo. É o elo emocional diante de milhares de judeus executados. É para nos marcar, nos fazer reconhecer e compreender o reconhecimento do personagem quando o vê na pilha dos mortos. Não foi a única criança a morrer, vide outra cena onde um caminhão de crianças é retirado do gueto, mas foi um marco para nos emocionar ainda mais.

A Lista de Schindler é daqueles filmes feitos para que não esqueçamos um dos maiores crimes da humanidade. Mas também para que saibamos que, diante do caos, teve um homem que fez a diferença para muitos, ainda que chorasse no final achando que poderia ter feito mais. Claro que essa cena pode ter sido o golpe de misericórdia de Steven Spielberg e que nunca tenha acontecido, mas não deixa de conseguir nos levar às lágrimas e pensar sobre o que realmente importa nessa vida.

A Lista de Schindler (Schindler's List, 1993 / EUA)
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Steven Zaillian
Com: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes
Duração: 195 min.

Mãe e Filha

2013-05-07T08:30:00.000-03:00

Grande vencedor do Cine Ceará de 2011, onde levou cinco prêmios, inclusive melhor filme e roteiro, Mãe e Filha foi ainda contemplado no Festival do Rio e Festival de Cuiabá com os prêmios de melhor fotografia. Sua estrutura porém, acaba assustando boa parte do público.

De fato, se fosse um curta-metragem, poderia ser mais palatável. Porém, os oitenta minutos construídos por Petrus Cariry não deixa de ser uma viagem imagética e simbólica extremamente prazerosa aos que se deixaram fazer conexões. Sem isso, fica mesmo uma história estranha no fim do mundo. Ou melhor, na cidade fantasma de Cococi no vale do Inhamuns no Ceará. Quando uma filha retorna depois de anos distante para a casa onde a mãe vive sozinha, levando com ela um filho morto para a genitora abençoar e com isso, enterrar. Mas, a genitora não deixará que isso aconteça tão facilmente.

A interpretação mais rasa e simples, nos mostra essa mãe, arcaica, solitária e quase enlouquecida, contrastando com essa filha prática e quase insensível, já que consegue carregar um filho morto sem maiores problemas emocionais. Tem a questão da pobreza, do abandono, das ruínas daquela cidade. E dessa negação da avó em querer enterrar o neto, ou melhor, que sequer admite que ele está morto. Ninando-o e conversando sobre o seu futuro. Enquanto essa mãe, aparentemente prática, vai deixando a vida correr, sem uma atitude mais enérgica em relação à demora do ato.

Mas, Petrus Cariry nos dá alguns indícios de que sua história não pode ser vista apenas com esses olhos práticos. O simbolismo permeia toda a trama, envolvendo religião, os conceitos de Deus, de Jesus Cristo e dos caminhos da humanidade. Um filho morto que a avó insiste em tratar como vivo. Essa mesma avó que vive em uma cidade fantasma, onde apenas ruínas a cercam e que, de certa maneira, assumiu o papel de tudo. Não por acaso, ela leva o neto Antonio até o que restou da igreja local e o batiza com os dizeres "pelo poder por mim investido". Essa mesma senhora, que se tornou a própria Igreja Católica, ao ser questionada pela filha se acredita em Deus, pergunta "Que Deus?". E em outro momento diz que não acredita que o marido "desencarnou".

Mais contundente ainda é a presença dos quatro "vaqueiros do apocalipse", que surgem pela primeira vez, exatamente após o batismo do Antonio Neto morto. Ventos e uma trilha pomposa os deixam em tela de uma maneira poderosa. E eles passam apenas a espreitar a humanidade, ou melhor, a jovem Maria de Fátima em sua jornada de tentar enterrar o filho morto. Em nenhum momento, parecem de fato uma ameaça, ou têm alguma atitude agressiva. Nem mesmo quando Fátima se liberta e vai de encontro a eles.

Mãe e Filha seria, então, quase que uma jornada interna de valores arcaicos e necessidade de progresso. Da forma como, a cada passo que damos em evolução, nos afastássemos da religião e dos símbolos que nos ligam a Deus. Mas, não da verdadeira essência de Deus, e sim, do Deus apresentado por essa religião, um Deus que já está morto, tal qual Antonio Neto. A busca de Fátima a leva a um Deus interno que não a prende, e sim, liberta de pecados, culpas e sofrimento.

Claro, que essa é apenas uma das possíveis interpretações que o filme nos apresenta. Mas, qualquer que seja a simbologia, nos dá um norte do que Petrus Cariry constrói, que vai além do simplesmente visto. Ainda que esse visto já seja belo e repleto de prazer estético. A fotografia tão premiada é precisa não apenas por beleza, mas pelos enquadramentos construídos em cada plano contemplado que enriquece as interpretações. A velocidade das imagens é outro ponto a ser notado, já que Petrus utiliza o slow motion em diversos momentos, inclusive em uma cena onde um lado da janela está em uma velocidade (com Fátima saindo) e o outro, em uma rotação mais lenta (onde um boi passa). Toda a narrativa é lenta, contrastando com a sequência final que acelera e nos dá o estranhamento necessário para deixar a resolução ainda mais impactante.

Com quase nenhum diálogo, poucas explicações e muitas possibilidades, Mãe e Filha é daqueles filmes feitos para quem embarca no universo simbólico e interpretativo. Não esperem uma trama padrão, com começo, meio e fim bem definidos que nos conduzem em sua narrativa sem precisar de muito esforço nosso para acompanhar. O filme de Petrus Cariry quer a nossa participação ativa, construindo, com os elementos que ele nos oferece, a nossa própria história.

Mãe e Filha (Mãe e Filha, 2011 / Brasil)
Direção: Petrus Cariry
Roteiro: Petrus Cariry, Rosemberg Cariry e Firmino Holanda
Com: Juliana Carvalho, Zezita Matos
Duração: 80 min.

Adeus, Minha Rainha

2013-05-06T08:30:00.001-03:00

Adeus, Minha Rainha, filme de Benoît Jacquot,não é sobre a Revolução Francesa, nem exatamente sobre os bastidores do Palácio de Versalhes, apesar da trama se centrar ali. É uma história de amor platônico de uma serviçal por sua majestade Maria Antonieta. Só que Benoît Jacquot não tem a coragem de realmente investir em sua escolha e fica nos cozinhando em banho-maria, nos fazendo sentir como os serviçais, ouvindo por trás das portas e acreditando apenas em boatos.

A trama se passa em apenas quatro dias, mas quatro dias cruciais para a França, começando pela Queda da Bastilha que foi tomada por revoltosos em 14 de julho de 1789, iniciando a conhecida Revolução Francesa. Não vemos os revoltosos, mal vemos Luís XVI. Benoît Jacquot se concentra mesmo em Maria Antonieta e seus vassalos. Entre eles, a leitora oficial, Sidonie Laborde vivida por Léa Seydoux, uma moça simples que ama os livros e a sua rainha vivida por Diane Kruger. A tensão pelas notícias de Paris, junto com os boatos da vida pessoal da rainha vão conduzindo a vida de Sidonie que só tem como desejo ser útil àquela que ama incondicionalmente.

Bela e sedutora, Maria Antonieta é também temperamental e tem um amor secreto, a duquesa Gabrielle de Polignac, vivida por Virginie Ledoyen. Mas essa relação nunca chega a ser desenvolvida a contento. O próprio temperamento da duquesa é estranho, como diz Antonieta em seu momento de confissão a Sidonie, que ela parece fugir da rainha, mas quando aparece no castelo tem uma postura decidida que parece nunca tê-la feito titubear. Mas, a própria forma como as duas se comportam e como a câmera nos mostra isso, nos coloca no lugar de Sidonie e Madame Campan espiando por detrás da porta.

Nisso, o filme tem algo de interessante, a ironia. Muitas são as situações tragicômicas presentes na trama, como a própria figura atrapalhada de Sidonie, que sempre cai quando vai correndo ao encontro da rainha. São pequenos detalhes em meio ao caos, como o velhinho que desmaia ao ver seu nome na lista das 365 cabeças que os revoltosos pedem. Ou Jacob-Nicolas Moreau bêbado no meio da balbúrdia. Ou ainda quando a Duquesa chega ao Palácio e abraça a rainha, enquanto a corte observa enfileirada com "cara de paisagem".

Porém, o ritmo não se mantem, construindo uma narrativa arrastada que nunca chega a se apresentar por completo. A visão de Sidonie da trama é interessante, nos deixa no lugar daquela moça simples, testemunhando de certa forma uma história muito conhecida por outro viés. Que não necessariamente é real, claro, mas não deixa de ser um lugar interessante para observar o já visto. Porém, o não aprofundamento dos sentimentos daquelas mulheres deixa tudo muito artificial e tolo. Tão tolo como as legendas pontuando cada dia, como se fosse essencial compreender o dia exato em que aconteceu cada coisa. A primeira legenda vem no dia 15 de julho de 1789, precisávamos daquela informação para saber que o que acordou o rei na madrugada foi a Queda da Bastilha. Mas, para que marcar que o dia seguinte foi o dia 16 de julho de 1789? Ou mesmo que o outro amanhecer era 17 de julho de 1789?

Cansa também a constante trilha sonora que quase não nos deixa ouvir o som ambiente. As cenas não conseguem fluir naturalmente. Não há um respiro, uma contemplação real, uma intimidade com aqueles personagens. É tudo muito armada, ensaiado, teatralizado. Mesmo a beleza das atrizes que constroem o triângulo não é explorada de uma maneira natural. Vide a cena em que Sidonie observa Gabrielle dormindo nua. Ou mesmo a cena em que a rainha passa um remédio para coceira no braço de Sidonie e a câmera nos induz a entender que ela observa os seios da moça. A cena em que a serva é despida, no entanto, tem um bom ritmo, é sensível e triste. Léa Seydoux constrói a sutileza da vergonha e do desejo ao mesmo tempo, quando esconde suas partes íntimas, mas logo depois as expõe.

Porque o mais interessante de Adeus, Minha Rainha é exatamente a exploração desse sentimento escondido, desse desejo reprimido, mesmo que diante de algo tão mais urgente, como a salvação da própria vida. É o revés da moeda, o que está por trás da caricatura. Pena que não seja tão bem explorado quanto poderia. De qualquer maneira, é um filme curioso, que já tinha aberto o Festival de Berlim, e agora abre o Festival Varilux falando de uma França conhecida, por um olhar desconhecido. Assim como a temperamental Maria Antonieta, não deixa de ser teus encantos.

* Filme visto no Festival Varilux 2013

Adeus, Minha Rainha (Les adieux à la reine, 2012 / França)
Direção: Benoît Jacquot
Roteiro: Benoît Jacquot, Gilles Taurand
Com: Léa Seydoux, Diane Kruger, Virginie Ledoyen
Duração: 100 min.

MPB: A história que o Brasil não conhece

2013-05-05T08:30:00.000-03:00

A Música Popular Brasileira acabou. E a responsável por isso é uma Corporação Secreta norte-americana incomodada com o sucesso que nossos artistas vinham fazendo lá fora. Aos poucos, eles foram infiltrando agentes secretos no meio musical brasileiro que foram minando a nossa criatividade e capacidade de criar obras eternas. Neil Jackman escreveu um livro polêmico onde denunciava o esquema em detalhes, o quase desconhecido “Firewood Operation”. Pouca gente deu importância, mas André Moraes resgatou essa história para que a "verdade" viesse à tona.

Claro que o parágrafo acima é uma ironia. Na realidade, MPB: A história que o Brasil não conhece é um mockumentary, um falso documentário que simula a revelação da conspiração através de depoimentos de artistas diversos sempre em tom irônico e sarcástico. Destaque para o crítico cinematográfico e musical João Carlos Sampaio que é o principal comentarista do curta-metragem e nos traz momentos impagáveis como a defesa do artista Toninho Swingue e sua belíssima letra "ê papai, ê papai, ê papai, ê papai, mainha". Ou ainda quando ele nos revela aquilo que não está no livro, a tentativa da Nike de patrocinar Luiz Caldas, e por isso, o artista só canta descalço em protesto e sinal de integridade.

A execução do mockumentary é bastante simples. Apenas depoimentos, com cortes secos e alguma inserções pontuais. Mas, o texto irônico é o grande diferencial. A forma como, através de uma história absurda, a crítica à atual situação da nossa música vai sendo formada é muito bem realizada. As sutilezas nas citações das traduções, da forma como os grupos vão sendo formados e pessoas que não são cantores vão gravando discos é muito boa. Afinal, é uma piada mesmo que um Pelé, por exemplo, já tenha feito música infantil. "ABC, ABC, toda criança tem que ler e escrever". Alguém lembra?

Claro, que como toda crítica sarcástica há o exagero. Ainda que não sejam artistas que me encantem comparar Humberto Gessinger e Oswaldo Montenegro a Cumpadre Washington é mesmo complicado. E as músicas do grupo Balão Mágico não deixam de ser elaboradas e grandes artistas como Djavan já fizeram participações nelas. Mas, é na sutileza das piadas que a coisa ganha significado. Principalmente nos entrevistados. O depoimento de Sérgio Mallandro mesmo, é muito bom. E ainda tem os detalhes, como Jairzinho falando vestido com uma camisa que traz a foto de seu pai, Jair Rodrigues. Ou o sumido Toninho Swingue (do ê papai) com uma camisa de O Destino de Miguel, outra grande brincadeira.

MPB: A história que o Brasil não conhece é daqueles filmes que fazem rir, mas também fazem pensar. Pensar em nossos valores, em nossos caminhos, em nossas escolhas. Não sou crítica musical, e também não acho que o país só produz lixo atualmente. Há letras e letras. Mas, a Música Popular Brasileira, ou seja, aquela que mais tocava nas rádios e mais vendia discos, independente da classificação da indústria, já teve mesmo, muito mais poesia.

Aqui o filme disponibilizado pelo próprio diretor na íntegra (agradeço à dica de Wicttor Picanço). São apenas 17 minutos, divirtam-se. E pensem...

MPB: A história que o Brasil não conhece
Diretor: André Moraes
Roteiro: André Moraes, Luciano Santanna
Argumento: André Moraes e Rafael Greyck
Produção: André Moraes

Em Transe

2013-05-04T15:02:00.000-03:00

Antes mesmo de ser um diretor cinematográfico, Danny Boyle é um diretor de arte. Não tem como não ficar encantado com os detalhes construídos por suas imagens. O visual imagético de Em Transe nos deixa envolvidos e encantados. Uma pena que o roteiro não conseguiu acompanhar com o mesmo talento aquele mundo imaginado. Há um limiar muito tênue entre a boa sensação de se surpreender no final e o incômodo de ter sido enganado. Em Transe bambeia nesse limiar.

A história é sobre Simon, vivido por James McAvoy, um rapaz que trabalha na segurança de leilões de obras de arte. Um famoso quadro de Goya (Bruxas no ar) está sendo leiloado e uma tentativa de roubo acaba dando errado e levando Simon ao coma. Ao acordar com uma amnésia, Simon é ameaçado pelo grupo de ladrões liderados por Franck, personagem de Vincent Cassel. Mas, onde está o quadro? O que realmente aconteceu? Aí que entra a personagem de Rosario Dawson, uma terapeuta especialista em hipnose e começa um jogo perigoso de indução, lembranças e realidade.

Porém, para nos conduzir nesse jogo tão cheio de nuanças é preciso muito talento. E a dupla de roteiristas Joe Ahearne e John Hodge acaba confundindo alguns preceitos e deixando o espectador tão perdido em alguns momentos que não é possível construir a catarse. É difícil até criar alguma empatia com um dos personagens, pois ninguém diz de fato a que veio. Vamos sempre sendo levados de reviravolta em reviravolta. Só que no meio dessas reviravoltas algumas pistas ainda frustam uma parte do mistério, como a cena em que a personagem de Rosario Dawson chora vendo a notícia do acidente de Simon, ou quando Simon entra na casa de Franck e vemos por três vezes o mesmo gol na televisão.

Como se não bastasse isso, o roteiro sonega informações cruciais que se tornam quase Deus Ex-Machina no terceiro ato. Pequenos absurdos que não fazem sentido diante do que havia sido apresentado. Mudar as regras no meio da história nunca é mesmo um bom caminho. O espectador se sente traído. E ainda desperta para diversas perguntas que fazem questionar o pacto ficcional e as regras daquele mundo que fazem a verossimilhança nos deixar embarcar em tramas, por vezes, absurdas.

Ainda assim, Em Transe tem seus méritos. Principalmente na direção e na já citada concepção artística. A sequência inicial, por exemplo, é um primor. A apresentação das regras do leilão, a movimentação do ensaio, a situação em si, o roubo, o desfecho. O ritmo da cena, a trilha sonora, a montagem dinâmica, tudo nos envolve, nos deixa curiosos e impactados. Desde aí, o filme já nos apresenta sua espécie de tese: nenhuma obra de arte vale uma vida. E o irônico é que todo o filme irá ser uma demonstração exatamente de que os personagens não parecem perceber ou concordar com isso.

Se a apresentação dos primeiros personagens é muito boa, o mesmo não podemos dizer da apresentação de Elizabeth, a terapeuta vivida por Rosario Dawson. O recurso de fazer um apanhado de diversos momentos de pacientes sendo hipnotizados acaba sendo bobo, uma apresentação desnecessária do que a hipnose pode fazer, que acaba não contribuindo para a trama. É quase uma piada deslocada. Por mais que o filme queira demonstrar que a técnica é perigosa e capaz de deixar qualquer um nas mãos da hipnotizadora, aquilo não nos leva a nada, diversas outras cenas seguintes farão essa função de uma maneira muito mais eficaz.

Aliás, esse é um tema polêmico dentro de Em Transe. Aposto que muita gente já vai sair do filme querendo procurar o curso de hipnose mais próximo. Porque o poder que Elizabeth parece ter é extremamente assustador. Quase uma paranormal com poderes de indução que nenhum Jedi colocaria defeito. Definitivamente, ela tem a todos em suas mãos. Só não tem o poder de nos convencer, espectadores, de que tudo aquilo é tão empolgante quanto aparenta ser.

Em Transe é um filme que nos deixa em transe, com o perdão do trocadilho. Ficamos confusos, perdidos em meio a reviravoltas e personagens dúbios. Não temos definições de regras, não temos mocinhos, nem bandidos, não temos o lado para o qual torcer. Se por um lado, isso é bom, já que quebra paradigmas e clichês, fica no tal limiar que citei no início do texto. Para se quebrar regras é preciso ser extremamente competente nisso. Surpreender o espectador não é enganá-lo. E o filme de Danny Boyle deixa questionamentos sobre de que lado está. Tendo a dizer que pende mais para o lado negativo, apesar de não ser um desastre completo.

Em Transe (Trance, 2013 / EUA)
Direção: Danny Boyle
Roteiro: Joe Ahearne, John Hodge
com: James McAvoy, Vincent Cassel, Rosario Dawson e Danny Sapani
Duração: 101 min.

Promoção DVD Detona Ralph

2013-05-04T13:02:00.001-03:00

Ele não levou o Oscar, mas ainda assim detonou o coração de muita gente. Afinal, Ralph é um vilão de videogame que está disposto a provar que também pode ser um mocinho e ser tão adorado quanto o Félix, e para isso conta com a ajuda da encrenqueira Vanellope.

Pois é, a animação Detona Ralph acaba de chegar ao DVD e você pode levá-lo para casa. Veja como abaixo.

Regras
1 - Faça login no Facebook, visite a página da promoção e siga as regras. Clique na imagem para ir direto.
2 - Sorteio dia 26/05/2013

Resultado: 26/05/2013*

* O resultado será divulgado nesta mesma página. O participante deverá entrar em contato para reclamar o prêmio dentro do prazo de 3 (dias) dias úteis, a contar da data da divulgação do resultado, não se responsabilizando, o CinePipocaCult, pela entrega do presente após a aludida data, nem pelo filme ainda estar em cartaz. Caso os mesmos não forem retirados no prazo, o ganhador não terá direito a outro presente em substituição. É de responsabilidade dos participantes acessar o site e conferir se estão entre os contemplados, não cabendo ao CinePipocaCult a responsabilidade de comunicar o resultado a cada ganhador individualmente. A simples participação na presente promoção implica no conhecimento e na aceitação do regulamento. Promoção válida apenas para participantes que residam no Brasil. Esta promoção não tem qualquer vínculo ou responsabilidade cabida às marcas Facebook e Twitter.

A semana no Cinema

2013-05-03T08:30:00.000-03:00

Começou ontem o Festival Varilux, festival de cinema francês que já se tornou tradição por aqui. Neste ano, o festival chega a 45 cidades e 80 salas de cinema, um aumento de mais de 50% em relação ao ano passado que faz desse evento o maior festival de cinema digital do Brasil. Uma novidade dessa edição é que o evento será dividido em duas fases, de 3 a 10 de maio em algumas cidades e de 10 a 16 em outras, facilitando assim a logística das cópias, a programação completa de cada cidade participante já está no site do Festival. Além da segunda edição do curso de roteiro, esse ano o festival ainda traz duas novidades na cidade do Rio de Janeiro: a realização gratuita de Master Classes com os diretores, voltadas para estudantes de cinema da cidade do Rio de Janeiro, e exibições gratuitas no cinema Odeon dedicada aos estudantes do fundamental e do ensino médio. A abertura aqui em Salvador foi ontem no Itaú Glauber Rocha, com o filme Adeus, Minha Rainha, crítica em breve.

Notícias Rápidas

Somos tão Jovens
Antes mesmo de estrear, o filme Somos Tão Jovens já tem um recorde para acumular, é o filme nacional de maior alcance no Facebook. A página do filme na rede social já tem 265 mil curtidores e tem mais de 60% de engajamento entre os fãs, um recorde na história do site em se tratando de cinema nacional. Uma prova de que Renato Russo e o Legião Urbana ainda tem uma força muito grande no país. Tanto que os maiores atrativos da página, estão relacionados a essa memória afetiva como o álbum Uma Legião de Fãs com fotos dos fãs do filme quando jovens e o álbum Memorabilia vem reunindo ingressos de shows e autógrafos da Legião Urbana ou de Renato Russo enviados pelos fãs. E viva à Legião.

Circuito Inffinito de Festivais
Desde o dia 30 de abril, está acontecendo o Cine Fest Brasil-Canudos, ponto de partida do Circuito Inffinito de Festivais, que chega a sua 6ª edição levando para a cidade histórica do sertão baiano o que há de melhor na recente produção audiovisual brasileira. Nessa primeira fase acontece o início das aulas em oficinas gratuitas para os jovens, que seguem até o dia 10 de maio. Já a mostra competitiva acontece do dia 15 até 19 de maio. Ao todo, serão exibidos 11 filmes (cinco longas e seis curtas), entre eles, dois curta-metragens inéditos produzidos pelos alunos das oficinas. Para saber mais, visite o site do festival.

Círculo de Fogo
Novo trailer de Círculo de Fogo (Pacific Rim) saiu essa semana e promete um filme realmente eletrizante. Aqui podemos ver um pouco mais dos robôs e da ligação entre eles e os humanos que os controlam, dando ainda mais a sensação de semelhança com o Anime Evangelion. Vamos torcer para ser mesmo um belo filme.

Nova Cinderela
Após desistência de Emma Watson, finalmente a Disney anuncia a nova Cinderela para a aventura live action que deve chegar aos cinemas em 2014. A gata borralheira da vez será a atriz Lily James. Segundo o site The Hollywood Reporter, a contratação da jovem foi confirmada pelo estúdio nesta terça-feira (30). A madrasta da moça será Cate Blanchett, mas o príncipe ainda está em negociação. Vamos aguardar e torcer para ser um bom filme, ao contrário da maioria das adaptações dos contos de fadas que vem sendo apresentados em tela grande.

Nerd Of The Dead
Lembra da série independente que divulgamos aqui, falando sobre sua campanha para arrecadar fundos para o último episódio? Então, eles ainda não conseguiram a verba lá no Catarse, mas essa semana lançaram o primeiro episódio na net e já está fazendo um sucesso razoável. Com um roteiro claramente inspirado em Shaun of the Dead, tem também semelhanças com Zumbilândia. A produção chama a atenção, principalmente a direção de arte que traz ótimos easter eggs espalhados pelo cenário. Vamos continuar torcendo para eles conseguirem completar a série.

Novo filme de Woody Allen
Ao contrário das expectativas sobre a vinda do cineasta para o Rio de Janeiro, o novo filme de Woody Allen será na França. No elenco, Emma Stone e Colin Firth, é tudo o que foi informado até o momento. O filme começa a ser filmado no verão (de lá, claro). Enquanto isso, ainda esse ano chega aos cinemas "Blue Jasmine" rodado em São Francisco, que traz no elenco Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard, Michael Emerson.

Estreias da Semana

Chega aos cinema Somos Tão Jovens, a cinebiografia de Renato Russo dirigida por Antonio Carlos da Fontoura. Quer dizer, o filme centra apenas na juventude do líder da Legião Urbana, não podendo ser classificado exatamente como uma biografia do mesmo, mas não deixa de trazer algumas curiosidades. Uma pena que não desenvolve melhor o roteiro. Ainda assim, emocionará muitos fãs da banda. No elenco, Thiago Mendonça, Sandra Corveloni, Marcos Breda, Laila Zaid.

Novo filme de Danny Boyle, Em transe é a outra estreia de destaque da semana. Na trama, um leiloeiro de obras de arte, envolvido com um grupo de criminosos, recorre a um hipnoterapeuta para encontrar uma pintura perdida. Um roteiro confuso, com muitas reviravoltas, mas com uma direção de arte que se destaca. Com James McAvoy, Rosario Dawson e Vincent Cassel.

Tem ainda O Sonho de Wadjda de de Haifaa Al-Mansour. Filme que traz a história de uma menina, na Arábia Saudita, desafia as tradições de seu país. Primeiro filme totalmente rodado no país.

E por fim, o documentário Paulo Moura – Alma Brasileira de Eduardo Escorel, que reúne vestígios filmados e gravados ao longo de quatro décadas formando um retrato da carreira musical e da personalidade de Paulo Moura.

Humor

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Fica a Dica

Festival de Cannes
O Festival de Cannes está vindo aí e a Stella Artois está com uma boa promoção para quem é criativo e quer curtir o festival ao vivo. Para concorrer a uma viagem exclusiva, basta criar um cartaz de cinema e escrever uma sinopse criativa. O vencedor viajará, com um acompanhante, e ficará hospedado no iate exclusivo Stella Artois, em Cannes, na França, de 24/05 a 27/05/2013.