La 61º edición del Festival de Cannes se celebra estos días con esperadas presentaciones, más si cabe tras el decepcionante comienzo con Blindness, de Fernando Meirelles sobre el relato de José Saramago Ensayo sobre la ceguera. El canadiense Atom Egoyan acude con Adoration, el alemán Wim Wenders lo hace con The Palermo shooting, protagonizada por Dennis Hopper; los estadounidenses Clint Eastwood y Steven Soderbergh estrenan respectivamente un thriller con Angelina Jolie titulado Changeling y un largo retrato sobre el Che Guevara con Benicio del Toro (se proyectarán sus dos partes: Guerrilla y El argentino), mientras que los belgas hermanos Dardenne acuden con Le silence de Lorna. Todos esos cineastas han sido premiados en su momento por el festival, como también lo fue el turco Nuri Bilge Ceylan, que repite con Los tres monos.

Los franceses Arnaud Desplechin, con Un conte de Noël, con Catherine Deneuve esperando un trasplante, y Philippe Garrel (La frontière de l’aube) son también nombres habituales de los festivales, como el brasileño Walter Salles, que estrena Linha de passe. Y no son desconocidos, a pesar de su juventud, los argentinos Lucrecia Martel (La mujer sin cabeza) y Pablo Trapero (Leonera). Eso sí, a pesar de la producción de los hermanos Almodóvar en el filme de Martel, el cine español sigue ausente en Cannes.

Además de dos filmes italianos, un documental israelí de animación sobre las matanzas de Sabra y Chatila (Waltz with Bashir), y el inevitable capítulo asiático, la selección la completa otro estadounidense, el guionista Charlie Kaufman, que debuta como director con Synecdoche New York. A todos ellos les mide un jurado presidido por Sean Penn.

Fuera de concurso, Steven Spielberg presenta en la Croisette Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, mientras que Woody Allen descubre por fin Vicky Cristina Barcelona, con Javier Bardem, Penélope Cruz y Scarlett Johansson.

Prácticamente único capítulo a rescatar de la filmografía del irregular Guy Ritchie, más conocido por producir bodrios para el lucimiento de su querida Madonna, esta película es un violento y delirante thriller en forma de comedia negra de ritmo ágil, desarrollo vibrante y ciertamente no exenta de gracia. La película, cuya nota más característica en cuanto a las interpretaciones es el personaje de Brad Pitt como un gitano más que particular, muy alejado por lo tanto de sus habituales personajes-busto parlante, nos introduce en una atmósfera poblada por matones, boxeadores, ladrones, rateros, timadores de poca monta, esbirros, asesinos a sueldo y mafiosos de vía estrecha en la que todo gira en torno a la recuperación de un enorme diamante.

La acción comienza cuando Franky, ladrón de diamantes, en lugar de entregar una enorme pieza robada a su jefe se deja embaucar por un timador que le ofrece apostar sobre seguro en una pelea ilegal amañada, aunque no en el sentido que sospecha. Cuando Avi, el jefe, se entera, contrata a un matón para encontrarle a él y la piedra, tras la cual discurre un peregrinaje de matones y esbirros y en el que el engaño, la traición, el fraude, y la violencia se dan cita en una vertiginosa carrera por los bajos fondos de Londres.

Ritchie, autor también del guión, ofrece así una peculiar, contundente y ácida comedia, repleta de violencia física y verbal, en la que se combina la actuación de veteranos actores ingleses y americanos (como Dennis Farina) con sólidas promesas o realidades del star-system (Pitt o Benicio del Toro) y que, por suerte, no deja ni el más mínimo resquicio que recuerde para nada a Madonna.

FICHA TÉCNICA
Título: Snatch
Año: 2000
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Director: Guy Ritchie
Reparto: Brad Pitt, Dennis Farina, Benicio del Toro, Vinnie Jones, Rade Serbedzija, Stephen Graham, Ewen Bremner, Jason Statham, Sorcha Cusack, Sam Douglas, Austin Drage, Andy Beckwith, Jason Flemyng
Guión: Guy Ritchie
Música: John Murphy
Fotografía: Tim Maurice Jones
Producción: Columbia

Tras varios meses de trabajo ha llegado el momento de anunciar que ya está online la evolución de uno de nuestros proyectos. Se trata de Miss Compras. Aunque inicialmente Miss Compras era un blog dedicado a compras de todo tipo, la versión que hoy presentamos ha evolucionado para ser un portal dedicado a todo lo relacionado con las compras: búsqueda y valoración de productos, comentarios y análisis de los usuarios, etc. Aunque el principal objetivo de Miss Compras es el de promocionar a las cientos de tiendas online que hay en España.

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Eduardo Serra es uno de los más reputados profesiones de la fotografía del cine actual. Nacido en Lisboa pero francés de adopción, combina en su prolífica carrera de más de veinte años trabajos minimalistas en el cine europeo, sobre todo en Francia, con grandes derroches plásticos en producciones de Hollywood. Entre sus primeros trabajos en Europa destaca sobre todo su estupenda labor para Patrice Leconte en El marido de la peluquera (1990), La maté porque era mía (1993) o El perfume de Ivonne (1994) y para Michael Winterbottom en Jude (1996) o el gran Claude Chabrol en No va más, de 1997, año de su desembarco en Hollywood.

En Estados Unidos debuta con Las alas de la paloma, pero es con Más allá de los sueños (Vincent Ward, 1998) donde realiza una creación grandiosa gracias a los espectaculares efectos especiales manipulados digitalmente, una magistral paleta llena de colores vivos y de ambientes sórdidos y lúgubres (en el mejor estilo de la imaginería de Dante en La Divina Comedia) que traspasan la pantalla. A partir de ese punto, ha seguido combinando las labores de fotografía en los más recientes trabajos en Europa para Leconte o Chabrol (Borrachera de poder, Una chica cortada en dos) con producciones norteamericanas como El protegido (de M. Night Shyamalan, 2000), Beyond the sea (Kevin Spacey, 2004) o Diamante de sangre (Edward Zwick, 2006).

Por su trabajo en la producción europea La joven de la perla (Peter Webber, 2003) obtuvo el premio a la mejor fotografía en el Festival de Cine de San Sebastián.

Un terrible y devastador accidente ferroviario, en el que vagones enteros han saltado hechos añicos o han sido aplastados, cuesta la vida a más de un centenar de personas, y entre ellas, un único superviviente: David Dunn (Bruce Willis), sin un rasguño, incrédulo tanto él como quien le rodea de que haya tenido tanta suerte. Elijah (Samuel L. Jackson), un siniestro y misterioso personaje que padece una grave enfermedad le ofrece una inverosímil y absurda explicación de por qué ha salvado la vida, una explicación según la cual David no sería quien cree.

Tras debutar con la exitosa El sexto sentido, la expectación por el siguiente trabajo del realizador de origen indio M. Night Shyamalan era enorme, y respondió con creces con este thriller sobrenatural en el que da buena muestra de uno de sus puntos más fuertes, la puesta en escena. Una historia arriesgada pero muy original y meticulosamente rodada en la que el universo del cómic invade la vida real, o viceversa, despertó división de opiniones pero, frente a la manera de rodar algo fría, burocrática, de piloto automático que una parte de la crítica achaca al director, cabe oponer un ritmo calculado, una minuciosidad hipnótica que poco a poco encauza al espectador hacia el sorprendente desenlace.

Sin duda otra prueba del gusto de Shyamalan por la forma de trabajar según el cine clásico (es uno de los directores que dibuja a mano personalmente cada uno de los bocetos de los planos que luego compondrán la película y sigue el viejo hábito hitchcockiano de dejarse ver en sus films) y de su intención de, a través de una cuidada planificación, buscar siempre la sorpresa a través de unas imágenes poderosas que cautiven al espectador.

FICHA TÉCNICA
Título: Umbreakable
Año: 2000
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Director: M. Night Shyamalan
Reparto: Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Robin Wright Penn, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Eamon Walker, Leslie Stefanson, Johnny Hiram Jamison, M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Música: James Newton Howard
Fotografía: Eduardo Serra
Producción: Touchstone

Acostumbrados a las listas y rankings de actores y actrices de corte hollywoodiense, estamos demasiado acostumbrados a que el baremo de medida para establecer las diferentes escalas tenga que ver con datos superfluos como la belleza, la fortuna personal, el caché por rodaje o la recaudación de las películas en las que se ha intervenido. Rara vez en estas escalas se valora el talento, caso en el que probablemente quedarían reducidas a la mínima expresión o con enormes variantes, pero con toda seguridad Michelle Pfeiffer aparecería en sus fenomenales 50 años en cualquiera de estas listas por sus distintos y variados méritos.

Tras el poco prometedor inicio en Grease 2, dio al año siguiente el gran salto de calidad junto a De Palma y Al Pacino en Scarface (1983), y a partir de ahí ha encadenado trabajos como Lady Halcón (1985), Casada con todos, Conexión Tequila o Las amistades peligrosas (1988), ésta dirigida por Stephen Frears, La casa Rusia (1990), Frankie & Johnnie (1991), Batman vuelve (1992), La edad de la inocencia, a las órdenes de Scorsese (1993), Mentes peligrosas (1995), Heredarás la tierra (1997), El sueño de una noche de verano (1999), Yo soy Sam (2001) o Stardust (2007).

Uno de sus más recordados papeles es el de Susie Diamond para Los fabulosos Baker Boys (Steven Kloves, 1989), donde hacía sus pinitos en la canción de una manera muy solvente junto a los hermanos Bridges (Beau y Jeff), personaje que le valió un Globo de Oro y la nominación al Oscar como actriz principal (ya fue nominada como actriz de reparto por Las amistades peligrosas).

Pfeiffer huye de la exposición pública de su vida privada y suele mostrarse contraria al escaparatismo de la fama. Partiendo de un físico muy especial ha sabido superar las limitaciones que suelen derivarse de esta circunstancia con un talento superior al de las barbies que Hollywood escupe continuamente en su ansia de hallar una nueva Marilyn.

Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián de 2004, esta película de Bahman Ghobadi rompe todos los prejuicios que muchos espectadores suelen tener con el cine iraní, recelos basados en la a veces excesiva e infundada predilección de los críticos por cineastas y películas de aquellas latitudes y en una educación cinéfila que en gran parte del público se sustenta únicamente en el modelo hollywoodiense. Sin embargo, Las tortugas también vuelan excede lo que habitualmente puede esperarse del cine iraní y ofrece grandes atractivos para espectadores de cualquier prodecencia.

Además de la cuidada fotografía, los hermosos exteriores y el retrato socio-antropológico de la realidad de las gentes del Kurdistán iraquí, la película cuenta con un guión magníficamente construido y con unas interpretaciones soberbias a cargo de actores en su mayoría sin experiencia para contarnos la historia de una pequeña aldea de las montañas en la que sus habitantes buscan desesperadamente una antena parabólica. ¿Para ver el mundial de fútbol? Ojalá la película se hubiese tenido que ceñir a eso por falta de base real. En realidad la antena es la única forma en que los pacíficos habitantes de aquellas montañas pueden enterarse del próximo ataque norteamericano contra Iraq. Un joven mutilado, acompañado de su hermana y su sobrino, presiente que apenas quedan unos días para el ataque, y así se lo dice a los vecinos.

Cinta escalofriante no tanto por lo que muestra sino porque cuenta con el bagaje posterior de imágenes de crueldad y guerra que los noticiarios han incrustado en la retina del espectador, oscila entre los momentos de comedia, el retrato de vida cotidiana y la tensión creciente ante una incertidumbre que se abre, una perspectiva de cambio que puede traer un futuro mejor y también la ausencia de cualquier tipo de futuro, como así ha sido para más de medio millón de iraquíes y unos pocos miles de militares norteamericanos.

FICHA TÉCNICA
Título: Turtles can fly
Año: 2004
Duración: 95 minutos
País: Irán
Director: Bahman Ghobadi
Reparto: Avaz Latif, Soran Ebrahim, Hirsh Feyssal, Saddam Hossein Feysal, Abdol Rahman Karim
Guión: Bahman Ghobadi
Música: Housein Alizadeh
Fotografía: Shahriar Assadi
Producción: Bahman Ghobadi Mij Films

El Festival de Cannes volverá a proyectar como acto de desagravio en su edición de 2008 una decena de películas que no fueron estrenadas en la truncada edición celebrada en mayo de 1968 ante la clausura anticipada del certamen, entre ellas, con presencia del director aragonés Carlos Saura, Peppermint Frappé, proyección durante la cual estalló la protesta en el festival con Truffaut, Godard, Louis Malle y el propio Saura llamando a la interrupción de la proyección desde delante de la pantalla en una histórica y reivindicativa jornada festivalera, en la que un pequeño grupo de artistas logró la clausura de un festival oficialista, burocrático y politizado en solidaridad con las protestas estudiantiles del mayo francés.

El próximo 18 de mayo se cumplen 40 años de tan recordado suceso en el que los cineastas se sumaron al clima generalizado de protesta al considerar una frivolidad continuar como si nada con una muestra de películas mientras el país bullía de tensión, violencia y crispación. En palabras de François Truffaut, uno de los líderes de la protesta “Francia echaba el cierre y, por lo tanto, Cannes también tenía que cerrar. Era lógico (…).”Por primera vez en su historia, esta institución artístico-comercial llamada Festival de Cine fue brutalmente interrumpida por un auténtico ‘grupúsculo’ de realizadores que estimaban que, en plena crisis de Francia, no era muy decente que productores, distribuidores, gacetilleros y estrellitas prosiguieran su desfile soleado”.

Las motivaciones que movían a cada participante en la revuelta eran diversas. Truffaut ansiaba poner en jaque al gobierno, Godard acababa de rodar imágenes de las barricadas parisinas, y el prestigioso Louis Malle, miembro del jurado oficial de aquella edición, acababa de volver de India y comprobar el clima de miseria y desigualdad; él se encargó de dinamitar el jurado arrastrando en su dimisión a otros miembros como Roman Polanski o, la por entonces musa de Antonioni, Monica Vitti.

La edición de 2008 rescatará aquel momento para la historia, como siempre, desde su altar de banalidades, escaparates y oropeles, pero con la conciencia secreta de que, por una vez, gracias a los artistas que durante mucho tiempo condenó, dio una imagen a la altura de su presunta grandeza.

Clásico de culto para los fans del cine de terror, especialmente del de bajo presupuesto, la segunda película de Wes Craven mantiene la apariencia de film cutre, improvisado, paródico, caricaturesco y de insulto a la inteligencia y al buen gusto, aunque contiene lecturas interesantes bajo su fachada de mediocridad y demencia enlatada. Cuenta la historia de una familia que va camino de Los Ángeles que se desvía de ruta a través del desierto del suroeste americano en busca de una mina de plata que una tía les ha dejado en herencia. Ello les hará caer en manos de un grupo de seres extraños, una familia excluida de la sociedad, una panda de mutantes caníbales dirigidos por el padre, un tipo grandullón y patético llamado Júpiter que está ayudado por sus hijos, todos con nombres planetarios.

Más allá de la penosa estética, las interpretaciones de traca, el nulo carisma de los actores y la ausencia del mínimo gusto, la película cuenta con virtudes reales como por ejemplo la mezcla de géneros (terror, road movie, western) el montaje rápido, el uso de la cámara subjetiva, el rodaje de escenas cámara en mano, especialmente las de violencia (fenomenal el asalto a la caravana, la violación de la hija menor y los asesinatos de su hermana y su madre), y lo bien fotografiadas que están las escenas nocturnas, todo lo cual le da un ritmo vertiginoso muy adecuado a la película.

Pero como mucho cine de terror, la película esconde además una lectura más actual y mundana. En el fondo nos está mostrando el enfrentamiento entre dos familias, una de clase media acomodada portadora de valores aceptados y reconocidos y otra de excluidos, de personas fuera de sistema, que representa a los grupos minoritarios del carácter que sean. La película nos habla del choque inevitable entre ambas tendencias y la brutalidad consiguiente que puede desencadenarse, con una simbología que nos advierte claramente de la brutalidad (la crucifixión del padre o el apuñalamiento final) a la que puede conducir una sociedad injusta que establece sus reglas dejando al margen a grupos humanos representativos.

FICHA TÉCNICA
Título: The hills have eyes
Año: 1977
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Director: Wes Craven
Reparto: Susan Lanier, Robert Houston, Martin Speer, Dee Wallace-Stone, Virginia Vincent, Lance Gordon, Michael Berryman
Guión: Wes Craven
Música: Don Peake
Fotografía: Eric Saarinen
Producción: Blood Relations