Ciudad Cinefilia

83va entrega anual de aquel hombrecito

noreply@blogger.com (Carlos... uno más) — Sun, 06 Mar 2011 21:58:00 +0000

39 nuevos hombrecitos dorados fueron entregados a las personas que ganaron en alguna de las 24 categorías de la última ceremonia de los Premios de la Academia, los siempre inolvidables Óscars. Recordando todo esto a una semana del evento, gracias a un video de "los mejores momentos", puedo decir de entrada dos cosas: una buena y otra mala. La buena es que el escenario fue fantástico, las pantallas del Teatro Kodak nunca habían tenido tanta vida: me trajeron de vuelta la magia de películas clásicas (Lo quel Viento se Llevó) y no tan clásicas (Sherk); trajeron a la vida a un viejo presentador de los premios y con la magia digital lo hicieron decir lo que quisieron (Bob Hope); elevando la gigantesca pantalla del fondo, dieron paso a la orquesta tocando algunas de las partituras más recordadas; los colores iban desde un azul marino a un amarillo rojizo cambiando el ambiente; el video introductorio y el que proyectaron antes de premiar Mejor Película hicieron divertidos collages con las diez nominadas; realizaron bastantes chistes (inclusive un remix musical con fragmentos de las cintas nominadas); Obama declarando "As Times Goes By" la mejor canción de una película; el decorado para Mejor Actor y Actriz era una versión asiática de la estatua del Óscar; y, gracias a Dios, eliminaron a la gente que introduce las películas contendientes del máximo galardón con discursos idiotas (que fue lo que más odié de la ceremonia pasada). Todo comenzó muy dinámicamente, hasta el punto que parecía que la ceremonia no iba a durar nada, pero después bajaron el ritmo y dieron paso a la parte mala: esta fue una de las ceremonias más predecibles que recuerdo.

Vamos a explicar mi criterio personal para analizar los resultados: hace un tiempo que deseché basarme en la justicia en las premiaciones, no sólo porque es un terreno difícil y al final árido, sino porque las mayores injusticias de la Academia requieren de tiempo para ser apreciadas. Tampoco es que los Óscars tengan que ser impredecibles, porque eso sólo depende de lo que ocurre cada año; lo que sí hay que tomar en cuenta es que en EEUU junto a los Óscars, los Globos de Oro, los premios de los diferentes gremios y de las asociaciones de críticos premian casi las mismas películas en las mismas categorías cada año: es un terreno fértil para el debate pero los Óscar son el veredicto final. En cambio, la entrega de los premios es un espectáculo en sí (por eso ganan Emmys), pero un espectáculo que es la coronación de todos los esfuerzos publicitarios que emprende cada película. ¿Resultó la campaña emprendida para ganar el Óscar?, desde allí parte mi visión, porque además los premios son un sello de calidad, a partir de esa noche los ganadores dejaran de ser los simples mortales que son para convertirse en un "Academy Award Winner", que tiene un peso, independientemente de lo acertado o no de la decisión.

Desde este punto de vista a los 24 Óscar los podemos dividir en tres grupos. Están aquellos premios que cubren documentales, cortos y animaciones (5 premios), premios que tienen que estar allí porque la Academia debe premiarlos pero ante los cuales el público (aún más el público foráneo como nosotros) tienen casi un completo desconocimiento y por lo tanto no hace mella el que gane uno u otro. Sobre estos no hablaré. Excluyo también a Película Extranjera, porque es un premio difícil tomando en cuenta que premia ella sola al resto del globo. Luego tenemos los premios sobre aspectos de la producción como sonido, fotografía, guión, arte, edición, maquillaje, vestuario, efectos, música (14 en total), cosas con las que estamos más familiarizados sin llegarlas a entenderlas del todo. Con ellas interactuamos porque esperamos que nuestras películas preferidas ganen estos premios, es decir, nos sirven para ir animando la ceremonia mientras llegan los premios principales. Estos últimos son los que tocan guión, actuación protagonista, dirección y película (6). Así que mis criterios son estos: a.- número de nominadas contra número de ganadas, b.- ganar premios principales y premios sobre la producción y c.- correspondencia entre la crítica y los resultados en la ceremonia.

Ahora veamos como poner estos criterios en acción. Empecemos con las que más ganaron (4 premios). El Origen (Inception) tenía 8 nominaciones, dos premios principales (película y guión) y 6 sobre la producción, ganando sólo en este último renglón (los dos de sonido, fotografía y efectos). Cuando una película hace esto, es decir, gana premios por producción y ninguno de los principales, es una victoria amarga porque lo que la gente más recuerda (los actores, el director, etc.) no rindió sus frutos. Es decir, que Nolan y DiCaprio no brillaron mientras que su equipo de producción hizo muy bien su trabajo. The King's Speech (El Discurso del Rey), tenía 12 nominaciones (la cifra más alta), es lo contrario ya que sólo ganó premios principales (película, director, actor y guión), lo que es sumamente satisfactorio y compensa el número de pérdidas. Inclusive estuvo a un paso de lograr la máxima hazaña del Óscar, que es ganar los 5 principales, si hubiese tenido a alguien a quién postular para Mejor Actriz. Por lo tanto es la gran ganadora de la noche.

Seguimos con The Social Network (La Red Social) que ganó 3 y estaba nominada a 8. Edición, música y guión es poco para la tan aclamada "mejor película del año". No ganar película y dirección pese a haberlos ganado en los Globos de Oro debe de estar más que picando (molestando) a Fincher. Dentro de las que ganaron 2, Toy Story 3 con 5 nominaciones me causa dolor: ser nominada a Mejor Película y Mejor Película Animada, perder la primera y ganar la segunda, demuestra lo absurdo de esta categoría, y la convierte en un auténtico premio de consolación para esta bella película. De hecho en los videos donde mezclaban a las 10 nominadas a Mejor Película, le prestaban tan poca atención a Toy Story, que sin duda es una de las grandes injusticias de la noche. Ganó además por canción. The Fighter (El Luchador) de 7 ganó sin pena ni gloria (bien merecidas no obstante) las dos por actuación de reparto, lo que es un poco bochornoso para Wahlberg, que ni se notó. ¿Perdón esta era una película con Mark Wahlberg? Alice in Wonderland (Alicia en el País de las Maravillas) con 3, para mí una gran intrusa, se llevó dirección artística y vestuario. Perdió en los Globos de Oro y la Academia vino a su rescate. Al menos dieron con el clavo y la premiaron en lo que exactamente la película nos ofrece: mucha vistosidad, cero contenido (señores Alicia se trata de Alicia no de Johnny Depp y la guerra contra la Reina Roja).

Black Swan (El Cisne Negro) con 5 nominaciones, pese a ser también una de las favoritas de este año ganó solo por actriz gracias a Portman. Para mí está en el mismo renglón que The Social Network, se habló mucho de ellas, se esperó mucho de ellas, pero sus resultados fueron muy limitados, igual a una muy mala noche para ellas. Finalmente, Las grandes perdedoras fueron True Grit (Temple de Acero) con 10 nominaciones, 127 Hours (127 Horas) con 6, The Kids Are All Right (Los Chicos están Bien) y Winter's Bone con 4, que a pesar de su alto número de nominaciones no ganaron nada y esto sí que es un desastre. Voy a agregar que The Kids Are All Right corrió con muy mala suerte: su mejor apuesta era en Mejor Actriz, lo que no le daba mucho chance en un año donde todas las opiniones se volcaron por Portman.

Así pues, retomando la parte mala de la noche, durante este año no hubo grandes discrepancias entre los otros premios, la crítica y la Academia. Esto hizo de la ceremonia algo en exceso predecible y cuando llegamos a los premios principales, francamente aburrido. Debo decir que nunca conté con que Hooper ganara Mejor Director, sino que espera que lo hiciera Fincher, así que la Academia esta vez no favoreció al fenómeno generacional (punto fuerte de The Social Network), bien por eso. No vuelvan a invitar a James Franco a presentar un Óscar hasta que pase por rehabilitación, sería de mucho provecho. Me gustó la aparición de Kirk Douglas y Kevin Spacey rememorando Top Hat. Una sesión más del humor de Jude Law y voy a preferir revolcarme en el Cabriales (río muy contaminado), ya fue suficiente con verlo presentar un SNL. Cate Blanchett, pese a mi amor por los comentarios de Joan Rivers, estuviste bellísima. Malvados gringos hipócritas que todavía hacen un escándalo cuando alguien dice "fuck" (sépanlo, Melissa Leo fue el trending topic más importante durante la premiación por decirlo); me siento orgulloso de vivir en un país donde puedo decir abiertamente "coño" en una película. Dios, perdón Oprah: fue bueno verte pero no hiciste nada interesante. Halle Berry, ¿coño chica no te cansas de estar fuera de lugar? ¿Qué vaina fue esa después del In Memoriam? ¿Y por qué ignoraron a Tony Curtis en el In Memoriam? Nuestro próximo ciclo será de Tony Curtis para que aprendan.

El hombre dorado y su Historia

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Fri, 25 Feb 2011 04:50:00 +0000

Hace un tiempo hablando con una compañera de clases, debatiendo entre muchas cosas relacionadas con cine, hablamos de los Oscars, mi compañera expresó cierto descontento hacia la legendaria Academia (descontento el cual en gran parte comparto), pero en un punto de la conversación ella sostuvo que: “prefiero ganar una Palma de Oro que un Oscar”, yo inmediatamente le dije: “¡Mojonera!” (Mentirosa para los que no conocen la jerga coloquial venezolana), todos los que sueñan con hacer cine sueñan con ganar un Oscar, siempre he estado convencido de esto, esto no significa que no hayan ciertos idiotas con pseudo integridad punk, o complejos mentales anti-stablishment que opinen sobre la falsedad y el mercadeo de la Academia, opiniones las cuales comparto en su mayoría pero eso no quiere decir que me engañe a mí mismo con falsas pretensiones, por encima de cualquier otro premio de cine para mí el sueño máximo sería el Óscar.

Desde 1929, los premios de la Academia de han erigido como un ícono de la cultura cinematográfica y ciertamente desde un principio representó éxito comercial, la primera ganadora del Óscar como primer película Alas (Wings), habiendo ganado 2 millones en la taquilla antes de los premios (una fortuna para la época), luego de haberse llevado la estatuilla llegó a recaudar hasta 6 veces esa cifra. Pero antes los premios no tenían emoción, los ganadores eran anunciados a la prensa meses antes, luego eran anunciados unas pocas horas antes de la ceremonia de manera que los periódicos que en su mayoría imprimen a medianoche pudieran tener una lista de las ganadores completa en la edición matutina al día siguiente, hasta que se empezaron a filtrar algunos de los resultados antes de la ceremonia por lo cual se creó el famoso sobre sellado que ya todos conocemos. La autoría del nombre Óscar es una leyenda bastante debatida, algunos lo atribuyen a Margaret Herrick secretaria de la MGM que viendo la estatuilla dijo: “¡Vaya, se parece a mi tío Óscar!”, la revista TIME le atribuye el nombre de la estatuilla a Ms. Bette Davis que al recibir su Óscar por mejor actriz en 1936 hizo referencias a lo parecido del premio con su entonces esposo Harmon Oscar Nelson, esta historia es más probable debido a la presencia de la prensa y la validez de la revista TIME, pero la historia de la secretaria ha tenido mucho más difusión puesto que es mucho más fortuita y tiene una especia de magia y alegría clase obrera.

La primera transmisión televisada de los Óscar fue en 1953, y antes de ésto era transmitida la ceremonia incompleta por radio, y la primera vez que fue transmitida en color fue en 1967. Con todo esto no quiero ahogarlos en un mar de conocimiento que a la larga no les interese, sino demostrar lo rico y profundo de la historia de un patrimonio tan grande como lo es el Óscar, entonces bien es cierto que el Óscar premia a la industria antes que los méritos artísticos, en muchos casos es cierto, existen algunos ganadores de la estatuilla que no tienen sentido alguno: ¿cuántas veces no me he cansado de ver que premien a una estrella en vez de a un actor?, sólo de prueba está el año pasado cuando la terrible Sandra Bullock gano el galardón de la mejor actriz por su mediocre interpretación en la mediocre película “The Blind Side” y cuando la pésima Penélope Cruz ganó el premio por su terrible actuación en “Vicky Christina Barcelona”, se me ocurren muchos más, pero debido a que es un tema tan extenso lo dejaremos para otra entrada.

También tengo un problema con la categoría de Mejor Película de Lengua Extranjera: mucha gente critica la política de que sólo se puede nominar una película por país, países como España, Italia, Suecia y Francia, es decir, países con una producción cinematográfica ingente se ven perjudicados por esto puesto que se ven obligados a elegir entre una gran cantidad de filmes que tienen igual probabilidad de ganar, por ejemplo, en la 80va ceremonia de los premios el excelente filme “La Vie en Rose” no pudo ser nominada porque Francia optó por “Persépolis” un filme fantástico e igualmente aclamado por la crítica, pero a mí no me parece una mala política, creo que a ningún venezolano debería parecerle una mala política, porque da el chance a países con tradición de producción cinematográfica menos desarrolladas y más precarias la posibilidad de ser considerados en igualdad de condiciones con países que sí la tienen, por eso vemos frecuentemente países como Bosnia-Herzegovina o Islandia siendo nominadas. La crítica que si hago es referente al criterio de diferenciación de países, me acuerdo que el productor Humbert Balsam enlistó al maravilloso filme “Divine Intervention” a nombre de Palestina y fue rechazado porque Palestina no figura como Estado dentro de la lista de países de la Academia, esto desató un horda de protestas alegando que la Academia es mayormente judía, lo cual es en parte cierto gran parte del comité directivo es judío, aunque el plantel de votantes tiene pluralidad; y yo no quiero ponerme “Franja de Gaza” en este aspecto pero yo creo que hay algo de cierto en las protestas, puesto que en años anteriores películas habían sido nominadas en nombre de Puerto Rico o Hong Kong, las cuales tampoco califican como Estados bajo ningún concepto, entonces no había ninguna política coherente para haber rechazado a “Divine Intervention”, años después siguiendo la tradición de la Academia intentaron enmendar el error nominando a “Paradise Now”, un filme aún mejor, hubiera sido un crimen no haberlo nominado, sin embargo grupos pro-israel objetaron la nominación puesto que en la página oficial de la Academia la nominación salía a nombre de Palestina, pero en la ceremonia el presentador del premio Will Smith calmó la controversia presentando a Paradise Now como de “Territorios Palestinos”.

También tengo problemas con la categoría de mejor película animada: me parece que es simplemente una excusa para no nominar el filme a mejor película, me parece muy injusto que desde el 2001 hayan decidido empezar a nominarlo, las únicas tres películas en ser nominadas a Mejor Película han sido “La Bella y la Bestia”, “Up” y “Toy Story 3”, de las cuales sólo tomo en serio la nominación de “La Bella y la Bestia”, no porque no tome en serio a Up o Toy Story sino que ahora que en la categoría de Mejor Película nominan a 10, meten un chorro de películas que uno está consciente que no tienen la menor posibilidad de ganar. Me parece que ha habido en el pasado millones de películas animadas que no sólo merecían ser nominadas sino ganar el renglón de Mejor Película tales como Blanca Nieves, Pinocho, Dumbo, Bambi, El Rey León, Mi Vecino Totoro, El Viaje de Chihiro, Wall-E y Up; películas superiores en calidad a una gran media de filmes “live action”, entonces la categoría de Mejor Película Animada me parece un premio de lástima como si te dieran un Óscar por Mejor Esfuerzo.

Pero todo esto no ha de importar, ganarse el Premio de la Academia es un evento que cambia tu epíteto, ya no eres cualquier persona ahora antes de presentarte te dicen: “Academy Award Winner…”, pasaste de ser un simple mortal a ser un ganador de la Academia ahora te reúnes en la historia con otros ganadores como Meryl Streep, Jack Nicholson, Bette Davis, Katharine Hepburn, Marlon Brando, James Stewart, John Ford, Michael Curtiz, William Wyler, Billy Wilder, etc… Ahora formas parte del legado más importante en el cine. Por lo tanto si bien yo respeto la Palma de Oro (Festival de Cannes), el Oso de Plata (Festival de Berlín) y el León de Oro (Festival de Venecia) ninguno equivale a ese pequeño hombre dorado, mi amiga se puede quedar con su integridad punk y antisistema, yo me sincero y sueño incesantemente con alguna maravillosa noche poder escuchar mi nombre luego de la frase: “And the Oscar goes to…”

¡¡¡Invasión de los Óscars!!!

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 21 Feb 2011 19:37:00 +0000

Al final de los años 20's del siglo pasado, la industria cinematográfica norteamericana radicada en California era lo suficientemente grande e importante como para que a alguien se le ocurriera que le hacía falta un poco una imagen institucional; "algo" que se encargara de darle un sentido a la producción masiva de películas; "eso" que nos dice cada cierto tiempo qué se está haciendo y qué se debe ver. Para una industria que hoy produce más de 500 cintas en un solo año, esto tiene sentido: es importante reducir ese número a unas pocas en las que centrar la atención. Es decir, había que pensar en el futuro, en las futuras películas y en los futuros realizadores, y esto sólo significaba una nueva forma de hacer relaciones públicas.

Pongámonos en contexto: el final de los años 20's es una fecha significativa por muchas razones, en especial 1927. En primer lugar se estrenó El Cantante de Jazz, lo que marcó el inicio de la Era Sonora del Cine y el fin de toda una forma de hacer cine. Ni siquiera la llegada del color al cine fue tan revolucionaria como la llegada del sonido. En segundo lugar, y más importante aún, Louis B. Mayer sentaba las bases de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (AMPAS por sus siglas en inglés) y para 1929 la primera entrega de los Premios de la Academia reconocía los méritos de los años 27-28. En tercer lugar, aunque no sea tan importante para muchos, este también es el inicio de la Era Dorada de Hollywood, que duraría hasta finales de los años 50's, dejándonos todos esos íconos en estrellas y el ícono que es el Óscar, la Alfombra Roja y los Discursos de Aceptación: toda la Ceremonia en sí. Todo lo que conocemos gracias a su trasmisión en tv, sin lo cual los Óscars no serían lo mismo.

¿Cómo se logró esto? Bien los Judíos hicieron Hollywood, y todos sabemos que todo lo que tocan se convierte en oro (no es que los ame pero esto es cierto). Sus padres ucranianos le pusieron el nombre de "Lazar", pero una vez emigrado a los EEUU lo cambió a "Louis", Louis B. Mayer (nunca olvidemos quel estilo estadounidense lleva una inicial en el medio) para ser exactos. Fundador de la Louis B. Mayer Pictures Corporation cuando Marcus Loew, compró la Metro Pictures Corporation de Richard A. Rowland (único no-judío en este post), la Goldwyn Pictures Corporation de Samuel Goldwyn y la de Mayer para crear la nueva MGM. Esto ocurría el 16 de abril de 1924, y Mayer quedó a cargo de los nuevos estudios (digo todo esto no por atorrancia sino para que se entienda el peso del personaje). Tres años más tarde cenando junto al actor Conrad Nagel, el director Fred Niblo y el productor Fred Beetson, expone su idea: crear un club abierto a los profesionales cinematográficos para impulsar su desarrollo. ¿Cómo? Haciendo de la mera producción un espectáculo. El primer banquete se celebra el 11 de enero de 1927 en el Hotel Embajador de Los Ángeles, convirtiéndose los 36 asistentes en los fundadores de la AMPAS. Para mediados de marzo ya toda a burocracia estaba lista y Douglas Fairbanks se convirtió en el primer presidente de la Academia. El 11 de mayo se daría el primer premio, honorífico por supuesto, a Thomas Edison, irónicamente el responsable de que la industria se mudara a Hollywood huyendo de sus abusivas patentes. El siguiente paso era lógico: "La mejor forma de manejarlos fue colocar medallas a todos ellos. Si yo les tengo copas y premios ellos se matarían por producir lo que quiero. Es por esto que el Premio de la Academia fue creado". Esta es la filosofía del Óscar explicada por su creador.

Mayer intentó despistarnos con el nombre de "Academia", que le confiere a la organización un aspecto más de "expertos trabajando", pero sus decisiones nos muestran otra realidad: el club que hay detrás de todo. Aquellos profesionales de la industria que son invitados por algún mérito pueden pertenecer a la Academia, engrosando cualquiera de las 15 “áreas generales” o “ramas” en la que dividen a todos los que tienen algo que ver en la realización de la película. Todos ellos votan (son más de 6.000 personas votando este año) y la Academia se escuda detrás de este concepto: los más calificados para calificar películas son los que las conocen por dentro. ¡Y Dios sabe que esto es falso! Pero de los errores hablaremos luego. Con o sin ellos, y quizás gracias a ellos, la Academia siempre reclama el derecho a tener razón, nosotros a veces a refutárselo. Nunca los premios serán definitivos hasta aprobar lo que el paso del tiempo tenga que decir. Pero año tras año la Ceremonia se repite, se hace un borrón y cuenta nueva y el sólo obtener una nominación lanza tu película a la palestra. En palabras sencillas cualquier cosa que tenga el rótulo "nominada" o "ganadora" produce el efecto de "hay que verla", independientemente de que nunca la termines viendo. Es mucho más efectivo una simple nominación que la mejor de las campañas publicitarias, porque el cine más visto en el mundo se está premiando a sí mismo y no podemos escapar de la atracción con que nos deja pegados al televisor, aún cuando no sea difícil saber quién va a ganar y la competencia no sea reñida. La palabra “Mejor” siempre será engañosa pero eso no nos preocupa, porque no sólo las películas sino también la entrega del premio es un espectáculo: todo puesto para que sigamos viendo, por eso Mayer entendió bien su negocio, se trata de que la mayor de las gentes te siga viendo.

Película Nro. 1: "Casablanca".

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Tue, 15 Feb 2011 03:52:00 +0000

Título Original: Casablanca.
País: EEUU.
Año: 1942.
Género: Drama, Romance.
Duración: 102 min.
Director: Michael Curtiz.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0034583/

Pareja: Rick Blaine (Humphrey Bogart) e Ilsa Lund (Ingrid Bergman).

Realmente no había posibilidad de que fuera otra aparte de Casablanca; más que una película un mito, es una de esas rarezas que parece ser más apreciada a medida que el tiempo transcurre, es decir, me he encontrado con personas que por lo general no saben nada de cine clásico o de cine en general, y aun así saben algo de Casablanca; es más una vez hablando con un profesor que no sabe demasiado de películas y vio que llevaba una carátula de "Cantando Bajo la Lluvia" (otro mega clásico entrañable), y me preguntó: "¿Te gustan las películas viejas? ¿Casablanca y esas vainas?"; por lo general odio que se refieran a los clásicos como "viejas", pero ese profesor incluso en su inhabilitante ignorancia reconoció a Casablanca como el clásico "par excellence".

¿Cómo no va a ser tan importante su fama?, si todos hemos visto Casablanca aunque sea una vez: si vieron la por mucho inferior "The Bodyguard" y la secuencia del avión, vieron Casablanca; si vieron "The Notebook" y vieron como la pareja principal tomaba caminos diferentes y se unieron sólo por la correspondencia, vieron Casablanca; si vieron el desencuentro amoroso de Meryl y Robert en "Out of Africa", vieron Casablanca. Hay millones de películas tratando de emular el encanto de Casablanca: cada película que vean de amor frustrado está en cierta forma basada en Casablanca; no lo digo por arrogancia lo digo porque es una influencia muy fuerte en la industria y una presencia de la cual es imposible huir o renegar.

Todos sabemos la trama, tras haberse conocido y enamorado en París durante la invasión de las tropas alemanas, Rick (Humphrey Bogart) es abandonado por Ilsa (Ingrid Bergman), Rick ahora un sínico residiendo en la zona franca de Casablanca se reencuentra con Ilsa pero esta vez de manos de su esposo Víctor Laszlo (Paul Henreid), el destino de Ilsa y Paul, está en las manos de Rick y todo esto lleva a uno de los más legendarios finales de la historia del cine.

Marruecos nunca se ha visto más esotérico que en los decorados de cartón y yeso de los estudios de la Warner en California, siempre cito un estudio universitario que menciona como las películas románticas arruinan nuestra vida amorosa real al establecernos estándares irreales, cuando leí ese estudio en lo primero que pensé fue en Casablanca, desde que la vi por primera vez en VHS, me recuerdo haberla comprado en argentina y como el sistema argentino es PAL al llegar aquí tuve que convertirla para poder verla en mi reproductor VHS, la primera vez que la vi no me gustó tanto, me pareció buena pero no me había gustado, unos días después la volví a ver y me pareció simplemente maravillosa, y entendí porque.

El cine de hoy en día te mete en la trama directamente, sin ningún digestivo: si es una película de terror adolescente, la película empieza cuando se montan en el carro hacia un sito rural, lo cual es una pésima idea, y en menos de 10 minutos ya se murió uno de los adolescentes (seguramente el negro); no es sólamente esto, aparte por una escena hay por lo menos 6 planos, entonces cada escena de la matanza del adolescente negro la ves desde 6 perspectivas visuales diferentes. El cine de antes no era así, evidentemente no había digitalización y la edición se hacía a mano, así que por lo general se hacen tres planos de cada escena (los estrictamente necesarios) y las escenas duran mucho más aprovechando al máximo los diálogos y las actuaciones. Por supuesto yo tenía 8 años y estaba acostumbrado a ver pura basura, cuando ví Casablanca por primera vez no es de sorprenderse que me pareciera chocante el cambio, hay una escena que toma lugar en un bar casi al inicio de la película que dura mas de 30 minutos, sin embargo no me sentí aburrido.

La escena a la que me refiero es una escena clave ya que establece la trama del filme y hoy en día me parece simplemente perfecta, por eso me dio asco enterarme que planeaban hacerle un remake a la película, porque sabía que la iban a arruinar, la escena del bar seguramente hubiera durado menos de 7 minutos, durante la conversación veríamos millones de close-ups innecesarios (a los labios, las lágrimas, el sudor) la película tendría violencia innecesaria y Rick sería un vampiro romántico que prefiere al amor antes de su sed de sangre, e Ilsa sería una Gossip Girl custionando su vida en ropa de moda y tratando de decidir si debe perder su virginidad por 5ta vez.

Luego pensé en todo lo demás que podían arruinar, el Rick's Café Americain, el Capitán Renault, el pianista Sam y su melodía hechicera "As Time Goes By", entre tantas otras cosas que sostengo cerca de mí como patrimonio personal. Casablanca para mí y supongo que para muchos otros, dejó de ser una película y pasó a ser un estado mental. En mi fallida relación con Juan siempre fantaseaba con parecerme un poco a Ilsa y Rick, incluso había veces que me comportaba distante para ver si reaccionaba de una manera grandilocuente como lo harían en la película, también fantaseaba ser mártir como Ilsa y esperar el sacrificio noble de Rick (en mi fantasía Juan), y una vez cuando Juan se fue de viaje a una competencia intenté llorar al estilo Ilsa en esa nublada pista de despegue, por supuesto fracasé en todas.

Ahora que lo pienso ese estudio universitario tiene mucho de cierto, es muy probable que mis relaciones fallen por mis expectativas irreales: nunca estaré atrapado con Juan en la rápida y excitante Buenos Aires (Happy Together), nunca cruzare el río Ulanga con el (The African Queen), nunca celebrare sobre un elefante (Moulin Rouge), jamás compartiré tiempo de calidad junto a él en nuestra celda de amor brasilera (Kiss of the Spider Woman), ni me hará sentir único y valioso en un crucero (Now, Voyager), pero esto sí, no importa lo que él haga, lo que pase con mi vida amorosa o lo que ningún estudio universitario diga, "Yo siempre tendré París".

Película Nro. 2: "It Happened One Night"

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Sun, 13 Feb 2011 22:27:00 +0000

Título Original: It Happened One Night (Sucedió una Noche).
País: Brasil/EEUU.
Año: 1934.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 105 min.
Director: Frank Capra.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0025316/

Pareja: Peter Warne (Clark Gable) y Ellie Andrews (Claudette Colbert).

No sé realmente cual es el truco pero existen algunas películas que son simplemente perfectas, películas que adoras y colocas en un pedestal tanto que cuando oyes a alguien criticarla te enfureces y los empiezas a insultar, a mí me pasa esto con casi todas las películas de este ciclo de amor, pero esta realmente es algo singular, con excepción de la número 1, esta es la película con culto mas grande de nuestra lista.

¿Cómo no va a estar en nuestra lista? si es un sexual tour-du-force, un contrapunteo delicioso de insultos, halagos e insinuaciones tan poderoso que aun siendo niño viéndola por primera vez me di cuenta de lo extraordinario de lo que estaba presenciando, lo impresionante es la clase con que se tratan todas las implicaciones sexuales, tanto que la vi con mi madre que la había alquilado en el ya fallecido Video Club Kerdell que quedaba a sólo unos pasos de mi casa y ninguno de los dos se sentía incómodo al presenciar las indirectas que los personajes se lanzaban como granadas el uno al otro. Esto me parece sumamente difícil, es muy difícil lidiar con el sexo de una forma que luzca como el acto natural que es y no como un evento sórdido lleno de perversiones baratas y estereotipos.

Déjenme ver si me explico mejor, en la película vemos a Ellie Andrews (Claudette Colbert), una heredera de una gran fortuna que ha sido toda la vida controlada por su padre y comprometida con un gigoló (cazafortunas) sólo para molestar a su padre, ella escapa en autobús, donde conoce Peter Warne, un audaz y arrogante periodista en busca de su gran reportaje, al encontrarse con Ellie vislumbra la posiblidad de un reportaje por lo cual decide acompañarla en su fuga, mas bien casi la obliga a acompañarla. La película es una road movie mucho antes de que el término se pusiera de moda, los personajes principales recorren casi todo el país norteaméricano arreglándoselas con el poco dinero que tienen y quedándose a dormir en los típicos moteles de carretera que todos conocemos gracias al cine gringo, como el motel Bates de Psicosis, aunque el motel Bates hará que nunca se hospeden en uno, "Sucedió una Noche" hará que quieran ingresar en cuanto motelucho de carretera barato encuentren, aquí es que empieza el sexo.

Una vez que Peter y Ellie empiezan a convivir pareciera que sus diálogos fueran una revelación de todo lo referente al sexo, lo inútil del pudor, lo irresistible de las tentaciones, lo delicioso que puede ser una discusión de pareja, en fin, una celebración de las diferencias de los sexos. Sin embargo gracias al estricto código Hays de censura en ningún momento se siente uno amenazado por las alusiones a la palabra sucia de 4 letras (sexo para los que no captaron mi poco sútil indirecta).

No me considero un puritano o conservador, apoyo la eutanasia, el aborto, la libre adopción, etc. pero soy muy fanático del código de censura, puesto que hacía que los directores se tornaran más creativos, ponía en alerta a los escritores para realizar sus líneas de maneras mas sútiles e inteligentes, conducían a una mejor interpretación por parte de los actores para lograr que esos diálogos sútiles cobren vida de una manera impresionante, es cierto que en muchos casos la censura exageraba y hacía que muchos películas perdieran valor, pero también hay muchos casos como éste en que la película se hacía mejor gracias a la censura. Hoy en día sin censura los directores y escritores se ven en la libertad de realizar lo primero que se les venga en mente, que por lo general es lo mas obvio, y los actores cada vez menos talentosos e inteligentes no son elegidos por sus capacidades intelectuales y eróticas de decir diálogos y expresarse, sino por la capacidad erótica de sus cuerpos. Gracias a la liberación de la censura pasamos de la traviesa Jean Harlow, de la sublime Irene Dunne, de la bomba Mae West y de la enternecedora Katharine Hepburn (todas fantásticas actrices de comedias románticas cargadas de erotismo) a la sosa Cameron Díaz, la aburrida Kate Hudson, la terrible Jessica Alba y la fatal Jennifer Aniston (todas terribles estrellas de las comedias románticas mas estupidas creadas por el hombre). Lo mismo pasa con los hombres vendimos al sensual Gary Cooper, al elegante Cary Grant, al dulce James Stewart y al incorregible Clark Gable (no existen palabras para describir lo brillantes de sus personalidades), para obtener las insípidas actuaciones del cretino Matthew McCounaughey, el imbécil Ashton Kutcher, la marmota de Seth Rogen y el clásico idiota de Hugh Grant (no existen palabras para describir el cretinismo y letargo mental de estas piltrafas).

Por esto yo me quedo estancado en el tiempo, en los años donde Gable era el galán de preferencia y Marilyn incendiaba la pantalla con su sexualidad e inocencia, cuando los guionistas escribían de forma inteligente y los directores dirigían con clase y precisión, me quedo con "Sucedió una Noche" con su divertida perspectiva de todo lo que se ordene sexual y espero con ansias que se derrumben las Murallas de Jericó (los que vieron la película me entenderán).

Película Nro. 3: "Now Voyager".

noreply@blogger.com (Carlos... uno más) — Sat, 12 Feb 2011 23:03:00 +0000

Título Original: Now Voyager.
País: EEUU.
Año: 1942.
Género: Drama.
Duración: 117 min.
Director: Irving Rapper.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0035140/

Pareja: Jerry Durrance (Paul Henreid) y Charlotte Vale (Bette Davis).

No recuerdo bien pero creo que esta fue la tercera película con Bette Davis que vi. Las dos primeras me gustaron, pero esta hizo de mí un fanático. Nunca más pude ver el nombre de la actriz con indiferencia y para que quede en los anales de la historia, este blog, en su orígenes, estaba dedicado sólo a ella. Muy pocos de nosotros la conocemos, y creo que es muy poco recordada fuera del EEUU, pero ella es "la" estrella que brilla sobre los tejados de los estudios californianos. Ya no es necesario explicar cuanto me gustó la película.

Ahora bien, en todo amor nunca puede faltar la de la madre de él o de ella o de ambos. Todos tenemos una y en la mayoría de los casos nos duran más que nuestros padres. También suelen marcar mucho más nuestras vidas. Y por mucho que las amemos, nos sentimos en desventaja frente a ellas, porque siempre dirán que nos dieron la vida y nosotros que nunca pedimos que nos la dieran. Esta es exactamente la situación aquí, sólo que llevada al extremo en que la madre anula a su hija, y sus manifestaciones de amor se convierten en tiranía: porque las madres tienen dos componentes, mientras nos miman o mientras nos corrigen, y en este caso se exacerba el segundo. ¿Pero qué atractivo, pueden preguntar, puede tener la historia de una mujer sometida por su madre? Esta es una visión que no calza mucho en nuestra mentalidad: crecemos odiando a los sometidos y a medida que crecemos es una demostración de adultez no ser controlados por ninguno de nuestros padres. Bien, de todo hay en el mundo y dependiendo del temperamento o la inteligencia de ciertas madres, nuestra tan cacareada "independencia" pos 18 años sin mucho esfuerzo puede ser un mero cuento. Recuerden que las madres nunca pierden y menos delante de sus hijos, porque señores tenemos que admitir que se las saben todas. Y para hacer la historia un poco más familiar, a falta de una madre controladora bien puede haber una novia cuaima, es la misma naturaleza.

Pero de las madres no es lo único de lo que quería hablar, sino de la asombrosa demostración de fuerza que demuestra a veces el ser humano: pese a ser anulada como persona y haberse convertido en una tía solterona (lo único más malo que esto para una mujer es la frigidez, en un mundo donde es demasiado importante tener una pareja), Charlotte Vale encuentra un salvavidas, y casi de inmediato vuelve a ser una mujer de carne y hueso. Y como es de esperarse, sale a recorrer ese mundo del que tanto tiempo se ha perdido. No tarda en encontrar a un hombre apuesto y atento, Jerry Durrance; y no es ninguna sorpresa que sea así. Una buena forma de medir si un hombre es fiel, es buscando uno casado que tenga una hija: dependiendo de si es desvivido en atenciones con la pequeña, probablemente será un hombre fiel (aunque esto no asegura que sea un buen esposo, por lo cual se deben tomar las cosas con cuidado). ¿Dije casado? Sí que lo dije, bueno ya se imaginar por qué nuestra Charlotte no puede ser feliz con el primer hombre del que se enamora, y su solución para las cosas es bastante sabia: nunca más nos volveremos a ver a penas me suba en ese avión (con lo que se confirma mi teoría de los aviones y las películas).

Por supuesto que la madre regresa, porque las madres son nuestro primer matrimonio, pero en este caso no hay divorcio posible, sino hasta que la muerte nos separe. Por segunda vez Charlotte necesita ayuda, sólo que esta vez encontrará a alguien que se está en su misma condición pero muchos años más joven: la pequeña niña Tina, a la cual tomará bajo su cuidado y se divertirá con ella como pocas veces ambas han tenido la oportunidad de divertirse. La recuperación de ambas se acelera, pero para estar recobradas por completo necesitan de la ausencia de ciertas personas y el regreso de otras.

Esto fue bastante corto y divertido, conmovedor la mayoría de las veces. ¿Podríamos esperar más de sólo 14 películas para enamorarse? Hay un peligro latente en exigir demasiado. Entramos finalmente en nuestro top 3, si no te enamoras ahora, pierde cuidado, al fin y al cabo Jerry, para qué pedir la Luna si tenemos las Estrellas...

Película Nro. 4: "Kiss of the Spider Woman"

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Sat, 12 Feb 2011 00:08:00 +0000

Título Original: O Beijo da Mulher Aranha/Kiss of the Spider Woman.
País: Brasil/EEUU.
Año: 1985.
Género: Drama.
Duración: 120 min.
Director: Hector Babenco.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0089424/

Pareja: Luis Molina (William Hurt) y Valentín Arregui (Raul Julia).

Debo empezar diciendo que trato de ser lo menos gay que puedo con este post, le dije a mi compañero bloguero "Carlos, este post no lo quiero hacer gay" y mi compañero (que es heterosexual) molesto me dijo:"Cállate y hazlo más gay", con esto no quiero empezar ninguna forma de debate, sino que es que esta película me habla tan fuertemente, que preferí empezar con una especie de "Disclaimer" de que si la entrada se torna demasiado homosexual ya el lector estaba advertido y ya perdió todos sus derechos a reclamo. Así que ya están advertidos, ya perdieron sus derechos (coño que fácil es quitarnos nuestros derechos).

En la vida de todo hombre homosexual (vieron no me tomó ni 7 palabras y ya hice de esto algo gay) siempre existe al menos un hombre heterosexual del cual está enamorado o ha estado enamorado, yo me he enamorado de varios, 2 Luises, José, Juan, Francisco y 2 Ricardos, ojo no soy tan promiscuo estoy contando varios enamoramientos idiotas infantiles, realmente que valieran la pena por términos de duración e intensidad sólo fue el Juan, fue mi primer amor (una primera probada bien asquerosa debo agregar) y fue sumamente intenso, supongo que todos los primeros amores son vividos intensamente, bueno les servirá saber que yo no conozco con certeza la sexualidad del misterioso Juan no porque nuestra relación haya sido platónica sino porque siempre dejó espacio para la ambigüedad, así que digamos que es bisexual, nuestra relación de tira y encoge duró aproximadamente 2 años, y en todo ese tiempo nunca recibí una clara y concreta señal de su sexualidad o de la sinceridad de sus afectos por mí, debo aclarar que yo siempre como el idiota hice saber la genuinidad de mis afectos muy claramente desde un principio (siempre me he sentido un idiota por haberlo hecho) y por supuesto mi sexualidad estaba bastante clara también (no admitida pero si bastante clara), y obviamente siendo yo el más expuesto y vulnerable, salí con las tablas en la cabeza al final de la relación.

No quiero parecer que hablo de mí al azar (aunque debo admitir que amo hablar de mí) porque en realidad tengo un punto, la película gira en torno a 2 personajes condenados en una prisión brasilera, Luis está preso por homosexual y Valentín es un prisionero político, ambos son compañeros de celda, como es de esperarse Valentín es sumamente homofóbico y Luis es supremamente homosexual, calificar la estadía de ambos en la micro celda en la que están confinados como tensa sería un eufemismo. Aparte de esto, Luis le relata a Valentín las películas que el ha visto de forma de escapar de la realidad, mientras que Valentín prefiere mantenerse con los pies en la tierra por el bien suyo y el de su movimiento político (que a todas estas todavía no sé cual coño era el movimiento político de Valentín, digamos que era comunista), como se han de imaginar estando ésta película en un conteo de historias de amor, entre Luis y Valentín se desarrolla una especie de romance.

Luis es una reina, bastante afeminado y con vestimentas estrafalarias, por lo cual puede resultar intimidante, pero realmente es una muy buena persona con un corazón cálido y deseoso de amar, por su lado Valentín es un hombre muy temperamental de un carácter, convicciones y convenciones sumamente fuertes, ha pasado mucho trabajo y es un hombre deseoso de ser amado, a pesar de la aparente incompatibilidad de carácteres son perfectos el uno para el otro. Capaz soy pretencioso o simplemente soñador, pero siempre me ha gustado hacer paralelismos entre esta pareja y mi relación con Juan, yo sería Luis Molina y Juan sería Valentín, claro Luis es mucho más afeminado que yo es una versión Hollywoodense mas grandilocuente de mí, ambos compartimos una obsesión por divas del cine de antaño como Marilyn, Bette Davis, Marlene Dietrich y Rita Hayworth entre otras, ambos percibimos la vida con una especie de realismo poético y recurrimos con mucha frecuencia al escapismo (¿Qué mas es el cine sino puro escapismo?) y Juan tambien comparte muchas cosas con Valentín, ambos son de fuertes convicciones, ambos suelen tener problemas por la fortaleza de sus convicciones, ambos utilizan una coraza que oculta su obvia sensibilidad y ambos poseen puntos de inflexión en sus sexualidades.

Por estas razones no puedo evitar hacer paralelos con esta película y mi vida, capaz Juan no se parece tanto a Valentín como yo quiero creer, capaz no estaba lleno de sensibilidad como me gusta presumir, capaz realmente su sexualidad no tenía curvas de ambigüedad y sólo estaba jugando conmigo, hay muchas cosas que pueden haber de diferencia, pero por mera poesía yo prefiero verlo de la manera en que lo veo y prefiero decir que en otro mundo y otro momento pudimos estar juntos en plenitud, quizás para mí este mundo sea "El Beso de la Mujer Araña" y sea justamente perfecto estar confinado de por vida en una celda con él, si bien el desenlace de la película es triste, mucho más triste (o carente de lirismo) fue el desenlace mío y el de Juan, desde que vi este filme siempre soñé que mi relación con el haya terminado así, o quizás no que haya terminado así, pero sí que lo hubieramos vivido con mayor plenitud o con una entrega total como lo hacen en la película, supongo que siempre desearé que me hayan amado y respetado con la plétora con la cual Luis es amado y respetado, el hecho es que las cosas para mí no se dieron como en la película y me uno a la larga fila de desdichados en el amor, pero siempre tendré en mi mente esa celda "sudaca" y la entrega de los amantes en su plenitud.

Película Nro. 5: "Ninotchka".

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 11 Feb 2011 01:27:00 +0000

Título Original: Ninotchka.
País: EEUU.
Año: 1939.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 110 min.
Director: Ernst Lubitsch.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0031725/

Pareja: Conde Leon D'Algout (Melvyn Douglas) y Camarada Ninotchka (Greta Garbo).

Hay muchas escenas que vienen a mi memoria con tan sólo el nombre de esta película. En primer lugar cuando una chica mecanizada pregunta datos exactos de lo que la rodea: el tiempo entre silbato y silbato para poder cruzar la calle, donde queda el norte sin tener una brújula o cuántos escalones tiene la Torre Eiffel y qué está incluido en el costo del boleto. Después cuando la misma chica se ríe de su galán en lugar de hacerlos de sus chistes, en un restaurante barato donde ha pedido un plato más basado en calorías que en comida. También me recuerda ese discurso de dos ebrios de champagne ante imaginarias masas en la suite real de un hotel. Y la carta que nunca pudimos leer porque estaba completamente censurada, a excepción del nombre del remitente, pero no obstante su sólo nombre es suficiente para revivir las esperanzas. Esta chica que demuestra una secillez, como cuando envidia a las golondrinas, por emigrar a otros países, dejándola a ella tan sólo el frío y oscuro invierno. En un sentido, a pesar de ser Ninotchka una mujer ya madura, es como si se estuviera aventurando recién en el paso de una niña a una mujer, cuando descubre toda la sensualidad de las cosas que la rodean y de ella misma. La recuerdo con su ridículo sombrero o con su vestido de baile blanco o con el camisón de seda que no se quitó en su huída de París.

No quiero decir lo obvio, basta con ver la película y entender todo el mensaje de la época y del lugar que ocupa cada personaje. Pero en un sentido más personal, algunos tienen a su Lady Eve, y otros, como yo, a su Ninotchka. Me explico: se me hace terriblemente fácil ser lo que llamarías una persona aburrida y mecanizada, es un refugio, y si bien nunca fui comunista (a pesar de que me llaman comunistoide) como en el caso de Ninotchka, en mí la religión y el ser un buen hijo me proveyó toda la mecanización que necesitaba: no tenía por qué pensar sino seguir las reglas; podía creer que al seguirlas seguía una causa y llenar la necesidad que todos tenemos de sentirnos importantes, esta vez por el cumplimiento de un deber; y podía pensar que así todo estaba bien. Ahora veo en la trasformación de este personaje la transformación que quiero para mí mismo.

Pero dejemos eso para después y centrémonos en el romance, que de eso es de lo que se trata todo esto. Todo comienza con romper ese hielo que nos entumece. Nosotros no estamos acostumbrados a eso, pero he visto que cuando se acaba el invierno hay flores que como que se sacuden la escarcha que las oprimía y florecen. Eso pasa con Ninotchka a medida que empieza a frecuentar a Leon, su presencia hace que se derrita la frialdad caracterizada maravillosamente y sin esfuerzo por Greta Garbo. No me sorprende que parte del mercadeo de la película haya consistido simplemente en que en una escena Garbo ríe. Y no es ella la única que se deshiela, también Leon, hombre acostumbrado a codearse con la superficialidad y el artificialismo del amor entre millonarios. Es como un baile de máscaras al que ha llegado el patito feo. Y esta es una de las cosas más mágicas de esta película: mezclar un ambiente tan festivo en otro de gran seriedad. Ambos están en los lados opuestos de la línea que separa a dos enemigos. Y ninguno de los dos puede renunciar voluntariamente a sus respectivos bandos.

No es Romeo y Julieta, en el sentido del odio, ni como la Cenicienta, en el caso de la envidia, es realmente un mundo de distancia lo que separa a ambos personajes o el amor entre dos mundos irreconciliables. El inicio de la película nos los deja bien en claro cuando nos dice: "Esta película tienen lugar en París en aquellos maravillosos días cuando una sirena era una chica de cabello castaño y no una alarma, y si un francés apagaba la luz no era como precaución a un ataque aéreo". Pero el humor de la película es tan delicado que trata todos esos temas terribles de una de las maneras más festivas posibles. Todo el encanto que el terror se llevó consigo, no lo retorna la franca simpleza de nuestros protagonistas. Ella escapa en un avión porque tiene que hacerlo, y me he dado cuenta que en el cine cuando un avión aparece es para algo malo, porque uno nunca espera que la otra persona te persiga hasta el fin del mundo en otro avión. Montarse en el avión es ya dar todo por concluido y dejar atrás cualquier esperanza. Sin embargo, una vez más siempre estará París, y cuando París falla, tenemos alguno de esos pequeños países desconocidos donde exiliarnos de nuestros perseguidores.

Película Nro. 6: "The Lady Eve"

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Thu, 10 Feb 2011 00:52:00 +0000

Título Original: The Lady Eve.
País: EEUU.
Año: 1941.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 94 min.
Director: Preston Sturges.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0033804/

Pareja: Jean Harrington (Barbara Stanwyck) y Charles "Hopsie" Pike (Henry Fonda).

"Verás Hopsie, tu no sabes mucho sobre chicas. Las mejores no son tan buenas como tu crees y las malas no son tan malas. Ni siquiera aproximadamente malas", no son estas unas de las palabras mas "cool" jamás juntadas, dichas por supuesto por Jean Harrington en "Las tres noches de Eva", amo este personaje al extremo de poder decir sus líneas en perfecta sincronización aún estando la película en "Mute".

La trama de la película oscila entre el romance y la comedia disparatada, inclusive en momentos ambas simultáneamente, Jean (Barbara Stanwyck) es una ex reclusa dedicada a estafar a millonarios o cualquiera que caiga, en conjunto de su padre, que por cierto es muy diestro jugando cartas, Charles (Henry Fonda) es ese millonario tonto y sensible, como se lo han de imaginar, Jean seduce a Charles (y de que manera lo seduce) pero intentando atraparlo en su red se da cuenta del hombre que es y se enamora perdidamente, esto es simplemente la sinopsis pero no tienen idea de la lujuria y tentación que emanan de cada centímetro de celuloide de esta película.

Todas las veces que he visto esta película me recuerdo de una amiga mía llamada Gaby, es lógico considerando la dinámica de la pareja de la película, es decir, Jean es una mujer seductora, experimentada (no estoy insinuando que mi amiga lo sea) y maliciosa, detrás de un hombre sano, tímido e ingenuo por sobre todas las cosas, lo que hoy en día con jerga moderna llamaríamos gallo y aparte de esto es millonario y es Henry Fonda, lo cual lo hace perfecto para mi amiga Gaby (si fuera judío no le molestaría tampoco) y también lo convierte en la presa perfecta para Jean, ahora en este aspecto no puedo hablar por mi amiga pero un hombre como Charles no me serviría de nada a mí, es decir, si el está muy ocupado siendo tímido ¿Qué coño va a pasar?

Siempre soy muy extrovertido y tímido no es una palabra que asocie con mi personalidad, eso al menos en mi vida social, pero en lo que vida romántica se refiere soy muy tímido, no en el momento de la relación e intimidad, sino en el momento del cortejo y el coqueteo, cuando tengo que coquetear y no conozco muy bien a la persona es como si succionaran de mi cuerpo toda la personalidad y me dejaran sólamente con el conocimiento para realizar mis funciones básicas, por eso es que una relación entre alguien como Charles y yo nunca despegaría, quizás por eso es que resueno mucho con el personaje de Jean Harrington. Una vez alguien me dijo que uno tiende a admirar a las personas con las cuales uno se identifica, yo no soy quien para contradecirlo pero por lo general yo siento repulsión por la gente con la cual me identifico y siento admiración por la gente con la cual me gustaría parecerme, eso creo yo es la explicación de mi fascinación con Jean.

No es de extrañarse que me quiera parecer a un personaje como Jean, ella es maliciosa, seductora, llena de deseo y sumamente sagaz, en la película va tras el personaje de Charles como un cazador tras su presa, incluso luego de que Charles le ha herido su orgullo aún admite que lo desea más que nunca, incluso en esa forma actuamos diferente, cuando yo veo mi orgullo herido lo único que hago es recogerlo del piso, cuantificar la pérdida y retirarme con el rabo entre las piernas, mientras que Jean perseguiría su fin aún con mas ahínco, al momento de conocer a Charles, Jean dice todas las líneas y hace todos los pasos (todos ellos las líneas y pasos correctos), yo estaría paralizado esperando a que el de el paso. Pase lo que pase Jean nunca se olvida de su propósito y lo persigue con tesón, creo que nunca en la historia del cine he visto a una mujer desear algo tan fervientemente, creo que es eso en fondo lo que realmente admiro, desear algo con tanto fervor y ser honesto respecto a tus deseos, por supuesto esto involucra tener seguridad en uno mismo y no tener miedo a ser vulnerable o estar expuesto, espero de verdad algún día llegar a ser como Jean, pero mientras no pase me queda ver esta grandiosa película buscando formas de imitarla.

Película Nro. 7: "Los Paraguas de Cherburgo"

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 09 Feb 2011 01:03:00 +0000

Título Original: Les Parapluies de Cherbourg (The Umbrellas of Cherbourg, en inglés).
País: Francia.
Año: 1964.
Duración: 91 min.
Género: Musical, Drama, Romance.
Director: Jacques Demy.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0058450/

Pareja: Guy Foucher (Nino Castelnuovo) y Geneviève Emery (Catherine Deneuve).

Tan sólo tres años antes de hacer la maravillosa película "Las Señoritas de Rochefort", también con Deneuve, Demy realiza esta fantástica obra. No puedo despegarme de ninguna de las dos ni decir cuál es mejor que la otra. Lo más que me animo a admitir es que mientras una es absolutamente feliz la otra es desconsoladamente triste.

El título es muy poco revelador, pocos de nosotros sabemos que Cherburgo es un puerto francés en el norte (del lado que da a Inglaterra), ni que los franceses en algún momento fueron dueños de Argelia y que allí sufrieron una de sus peores derrotas militares, el comienzo del fin de su imperio colonial. Pero si sabemos que el amor a distancia, es la peor de las distancias. Esta situación no nos es ajena, y en algún momento podemos vivirla: qué tal si la persona de la que nos enamoramos se muda a otra ciudad o se le ocurre la gran idea de estudiar en el extranjero. Es cierto que hoy tenemos muchas opciones para comunicarnos a través de la red, por decir algo, e inclusive con audio y video en tiempo real y gratis si usamos Skype, pero... lo siento mientras no podemos tener sexo o salir a un parque a pasear juntos a través de la red, la situación será siempre la misma que desde hace millones de años. En estos casos estamos expuestos a una de las mayores pruebas, y aún podemos hacer las cosas más difíciles: qué tal si no tenemos la opción de ver a la persona en un buen tiempo (cero vacaciones que puedan ser aprovechadas) ni que sepamos con certeza cuando se terminará el tiempo que tengamos que esperar. Y digo que seríamos puestos a prueba en un caso tal, porque de decidir abandonar el barco y cerrar las puertas a ese amor, ¿sería justo cargar con la cruz del que se rindió primero? ¿O con el malvado arrepentimiento del "que hubiese pasado si..."? Incluso lo peor que podría pasarnos es que nos acusaran de frialdad o falsedad o (algo que odio) falta de amor o cobardía. En fin, hay una gama de malas situaciones para escoger cuando esa persona no está cerca.

Sí señores, es así, no tienen que pensarlo mucho, lo mejor es cortar, esperar que la siguiente mejor opción no sea un desastre y preguntarle a Dios (entre las muchas cosas que tenemos que preguntarle) por qué a mí me pasan estas cosas (este es un pensamiento muy católico, por cierto). Pero como el cine no se trata de la vida, porque la vida la puedes ver transcurrir delante de tus ojos en este mismo instante, sino de hacer la vida un poco más maravillosa, cuando una pareja fantástica se despedaza por las cosas menos maravillosas de la vida cotidiana sentimos una rabia tan personal como si tuviésemos parte en la tragedia. Esto es lo que más me gusta de esta película. ¿Por qué maldita sea todo tenía que terminar así? Pero miento, sí lo sé. Si hubiese sido Geneviève hubiese hecho lo mismo, y aún mucho más rápido. ¿Alguien recuerda el Clon original? Yo solamente una parte, cuando el sabio tío musulmán dice que no es necesario casarse por amor, sino casarse bien, y el amor viene después naturalmente. Bien no es el tipo de amor que nos convence del todo, pero todo amor es una apuesta, y debe pasar la prueba del tiempo, la costumbre y el aburrimiento, entonces por qué no podría nacer el amor también de la costumbre. Aún en nuestros tiempos modernos, el matrimonio es una forma de ganarse la vida. Del otro lado, del de Guy, qué puedo decir, una segunda mejor opción es mejor que una mejor opción imposible.

Me gusta creer que al final todos ganamos y somos felices, aunque veas que la otra persona de todas maneras tuvo el hijo que pudo haber tenido contigo. Que tonto de mí.

Película Nro. 8: "Cuando Harry encontró a Sally".

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 07 Feb 2011 13:36:00 +0000

Título Original: When Harry Met Sally.
País: EEUU.
Año: 1989.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 96 min.
Director: Rob Reiner.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0098635/

Pareja: Harry Burns (Billy Crystal) y Sally Albright (Meg Ryan).

Al igual que con Casablanca, mucho tiempo antes de ver esta película, ya mi amigo se había encargado de darme un spoiler, contándome casi toda la película. Bien, un tiempo después la vi, y a la conclusión a la que pude llegar es que mi amigo es muy malo dando spoilers, porque aunque ya sabía gran parte del argumento, decir que la experiencia fue poco menos que maravillosa es decirlo de manera mediocre.

Esta película comienza con un tema favorito de las discusiones tontas sobre parejas: ¿pueden existir la amistad entre un hombre y una mujer? Supongamos que esta pregunta va dirigida a dos personas heterosexuales, o también estaríamos hablando de lo mismo si fuesen dos personas homosexuales. Inicialmente creemos que no es posible, porque el sexo siempre se interpondrá en el camino. Al menos nunca podemos estar seguros, la carne es débil y la atracción una fuerza casi matemática. El problema de Harry y Sally es una curiosa paradoja: él cree que nunca podrá ser amigo de una mujer porque siempre se acostará con ella, y ella piensa que nadie va a acostarse con ella sólo por arrogancia. Y hay más, Harry trata de entablar una conversación de hombres con Sally (quizás la única forma de no acostarse con una mujer es pensando en ella como en otro hombre), tratando de que ella comente con él sus aventuras sexuales. Ambos desarrollan una amistad que en un principio creían imposible: como cualquier persona, sus fracasos amorosos los dejan por el suelo, y la única persona a la que pueden recurrir en esos momentos es curiosamente aquella del sexo opuesto. Habiendo sacado la atracción de la ecuación, ambos se encuentran pasando más tiempo el uno con el otro de lo que pasan con otras personas, siendo realmente amigos.

¿Y qué podría significar más amistad que concretar una cita a ciegas doble para borrar los malos ratos del pasado? Es simple, yo conozco a alguien con quién puedes salir y tú también, así que ¿por qué no juntarlos? Ahora que lo pienso me hubiese gustado vivir esa experiencia, hubiese sido divertido, aunque creo que demasiadas cosas pueden salir mal en una cita a ciegas como para hacerla doble, ¿no les parece? De todas formas la amistad se convierte en un gran problema entre Harry y Sally, un problema en el que no hay que ser muy inteligente para haber visto: son increíblemente compatibles, pero por no arruinar la amistad no son capaces de darse una oportunidad. La vieja regla de que polos opuestos se atraen se cumple a la perfección: Harry es arrogante y sexista, confía demasiado en su talento sexual, es feo, le gustan los deporte y es el tipo de persona que las mujeres llaman básico, pero en el fondo es un hombre de buenos sentimientos; Sally es una mujer muy independiente, anti sexista, pero que sueña con el día en que llegue a casarse, es extraordinariamente complicada hasta el punto de llegar a ser maniática, y aunque no lo crea es alguien muy vulnerable. ¿No son acaso dos estereotipos de hombre y de mujer?

La oportunidad de estar juntos finalmente llegará y pondrá a ambos ante la trampa que la amistad les había creado: toda mujer como Sally, y cualquier persona en realidad, al tener sexo en un momento de debilidad arriesga demasiado. Creer que estás en un lugar seguro y recibir una bofetada a cambio sólo te deja el sentimiento de no poder creer tu estupidez. Ese lugar seguro era su "amistad" con Harry. Pero él ha conseguido encasillar tanto sus sentimientos hacia Sally que ve la situación como un haberse aprovechado de, y su reacción instintiva es refugiarse en la indiferencia e huir. Es aquí cuando se produce el click, y para qué están las películas sino es para mostrarnos ese mundo tan maravilloso que no siempre tenemos la oportunidad de vivir.

Cuando Harry encontró a Sally es la película para ver si llevas mucho tiempo detrás de ese alguien especial y vez que no se terminan de definirse las cosas. Todos debemos tener una buena historia de cómo conocimos a... el amor de nuestras vidas.

Película Nro. 9: "Swing Time"

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Sun, 06 Feb 2011 23:06:00 +0000

Título Original: Swing Time.
País: EEUU.
Año: 1937.
Género: Musical , Comedia, Romance.
Duración: 103 min.
Director: George Stevens.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0028333/

Pareja: Lucky Garnett (Fred Astaire) y Penny Carroll (Ginger Rogers).

A veces la vida nos bendice emparejando ciertas cosas, de forma tal que luego los asociamos eternamente, muchas veces es producto de la suerte o producto de una mente genial, por ejemplo, a quién se le ocurrió juntar la arepa y el queso deberían darle un premio honorífico, quien concibió juntar el chocolate con nueces debería estar por siempre ensalzado en gloria, lo mismo puedo decir de muchas otras duplas, mantequilla de maní y mermelada; arroz y granos; hamburguesas y papas fritas; etc. Esto aparte de darme hambre, me sirve para sugerir cosas que pertenecen juntas, no sólo cosas que van bien juntas, sino cosas que luego de haberlas probado juntas nunca mas las concibes por separado. Una de estas cosas es la pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers.

La primera vez que vi una película protagonizada por ellos dos estaba enamorado de alguien, esto fua hace ya un tiempo considerando que la película la vi en VHS, y solía pensar que la persona de la que estaba enamorado y yo, hacíamos una pareja tan perfecta que hacíamos que el resto de las parejas se avergonzaran, luego de que ví la película en cuestión, que por cierto era Top Hat, me di cuenta que el que se tenía que avergonzar era yo por pensar que cualquier pareja formada por mí y la piltrafa de mierda de la que estaba enamorado le podríamos llegar a los talones a una combinación tan acertada como la de Astaire y Rogers.

Muchos años después, muy cerca de la actualidad considerando que fue por Twitter, leí un estudio de esos que te amargan la vida, elaborado por una de esas universidades decididas a joderte la paciencia, que afirmaba que ver películas románticas especialmente las del antiguo Hollywood, frustraban las capacidades amorosas de esa persona en un futuro, puesto que elevan los estándares de lo que pueden esperar de una relación de pareja. Cuando leí esto grité "¡¡¡Coño!!!", que tal si fueron Fred Astaire y Ginger Rogers los que frustraron mis posibilidades amorosas con la piltrafa de mierda que antes les mencioné.

¿Cómo no van arruinar mis futuras relaciones? si ellos conforman una pareja tan sólida, juguetona, pícara y fluída, que cualquier comparación con la vida real palidecería terriblemente, por lo menos en esta película, Lucky (Fred Astaire) un bailarín de folletín y apostador empedernido, comprometido desde su juventud con una chica nula cuyo padre lo detesta, hace un trato con su futuro suegro en el cual si logra ganar 25.000 dólares (una cifra gigantísima para la época) el suegro debe aceptar el matrimonio, cuando llega a Nueva York donde espera ganarse el dinero se encuentra con la hermosa Penny (Ginger Rogers) y ya el resto se lo deben de imaginar, esto no es lo importante, ahora que lo pienso en ninguna de sus películas la trama es lo más importante, es la ligereza, los diálogos, los maravillosos y seductores números de baile, y por supuesto la rampante química entre ellos, en ninguna película han estado más brillantes, de hecho en las películas que he visto de ellos por separado hay momentos en que suelo pensar que están cometiendo adulterio.

Fred siempre pícaro, inteligente, gentil, caballeroso y sensible; y Ginger siempre bella, jovial, testaruda y llena de ternura, es sorprendente ver la magia que ambos crean al bailar, muchos alegan que hay algo de sexista en la pareja, es decir, una chica que le piden que sea linda y siga los pasos de un hombre (pero enfrentémoslo ¿no es eso todo lo que siempre se les pide a las chicas?), pero si el sexismo es así denme sexismo siempre. Y si bien puede que hayan arruinado mi futura vida en pareja (ellos y muchas otras películas mas), ya estoy jodido, así que sólo me queda ver sus películas repetidamente y esperar conseguir aunque sea un cuarto de la química de ellos en mi vida real.

Película Nro. 10 "City Lights"

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 05 Feb 2011 13:55:00 +0000

Título Original: City Lights.
País: EEUU.
Año: 1931.
Género: Comedia, Romance.
Duración: 87 min.
Director: Charlie Chaplin.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0021749/

Pareja: Un Vagabundo (Charlie Chaplin) y Una Chica Ciega (Virginia Cherrill).

Esta es una adición provacativa, porque pocos tienen todavía la voluntad de ver el cine sin el sonido de los diálogos y del ambiente. Pero las películas de Charlie Chaplin son una excepción: tienen una magia que hace que este detalle de la falta de audio se convierta en un componente más de su estética. Ninguna película muda es tan fácil de ver y causa tan grande disfrute como esta, la película tiene algo que nos permite conectarnos inmediatamente con ella, y mantener esa conexión hasta el final; es un poco comparable a lo que hacía Disney con sus películas.

Dejando eso de lado, el personaje al que Chaplin ya nos tiene acostumbrados comienza su deambular de vagabundo nuevamente, sólo que esta vez tropieza a la vuelta de una esquina con una vendedora de flores que le ofrece su mercancía, y Chaplin, que se caracteriza por su sencillo entendimiento parecido al de un niño, se enamora inmediatamente de la flor y de la vendedora. Ésta es ciega y por lo tanto no puede ver a quién le está ofreciendo sus flores. Esto es importante porque la vendedora no sabrá la procedencia de este peculiar cliente hasta el final, y mientras tanto, delante de ella Chaplin aparecerá con la falsa identidad de una persona adinerada, posición que las ocurrencias y los vaivenes del humor de la película le proveen. La buena y mala fortuna se suceden una detrás de otra en la vida de Chaplin pero su amada vendedora sólo conoce la primera de ellas. Él la acompaña hasta su apartamento sólo para descubrir lo pobre que es, y sus inalcanzables esperanzas de poder pagar una operación que le devuelva la vista. El enamorado ahora tiene una misión.

A Chaplin, sin embargo, lo acompaña el clavel que le regala la vendedora a lo largo de todas sus aventuras. Lo vemos suspirar por ella en un banco cerca a un muelle; lo vemos tomar varios trabajos y fracasar en todos; y lo vemos con un millonario que sólo es su amigo mientras se encuentra ebrio. Al final nuestro pequeño vagabundo hará el mayor sacrificio por su amada: su infortunio a cambio de la fortuna de ella. Sólo Chaplin con su figura inocente y cándida, insisto en esto, muy parecida a la de un infante (o a lo que estaba en nuestras mentes de lo que era una niño, ya la realidad está pareciendo otra), puede hacer esto sin que parezca trillado, ridículo y un gran lugar común para las cursilerías. Lo hace con un encogimiento de hombros ante la vida, sin todas esas martirizaciones de la mayoría de los otros amantes sacrificados que conocemos. El reencuentro de ambos amantes es poco menos que maravilloso, y es una de las escenas que recordaré siempre y que no podrá ser igualada.

Película Nro. 11: "Howl's Moving Castle"

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 04 Feb 2011 17:30:00 +0000

Título Original: Hauru no ugoku shiro (ハウルの動く城),.
Título en Inglés: Howl's Moving Castle.
País: Japón.
Año: 2004.
Género: Romance.
Duración: 119 min.
Director: Hayao Miyazaki.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0347149/

Pareja: Hauru (Takuya Kimura, voz) y Sofi (Chieko Baishou, voz).

Por supuesto no podía faltar una adición animada a esta lista, pero Uds. se preguntarán por qué no están viendo a La Bella y La Bestia o a La Cenicienta, y no les miento, lo consideramos en un principio. Sin embargo, decidimos hacer algo diferente y traer a uno de los nipones que más felicidad me han causado con todas y cada una de sus películas: hablo de Hayao Miyazaki y los Estudios Gibli (que por cierto son distribuidos a nivel mundial por Disney). La magia de esta película es sorprendente acompañada de una música relajante y cándida. Pero la magia de la que estamos hablando es diferente a la que nos tiene acostumbrados Disney. Los japoneses suelen ser un poco más realistas (entiéndanme no me refiero a ser pragmático sino a ser crudo) y, quizás debido a ello, un poco más descabellados en sus fantasías, al menos para mis estándares; se mueven entre esos extremos. Y ya verán por qué lo digo.

Una insignificante fabricante de sombreros es usada por una bruja como carnada para atrapar al famoso mago Hauru (Howl en inglés), un despreciable metrosexual cobarde sin corazón que lleva escondiéndose mucho tiempo. Y cuando digo sin corazón hablo en serio: resulta que en Japón existe la opción de venderle tu corazón al demonio en lugar de tu alma (el demonio Karushifaa que por lo demás es una de las cosas más bellas de ese filme). Y así es como Sofi (la insignificante fabricante de sombreros) se enamora del tipo ególatra que no sabemos si es que sólo es egoísta, pero sí bastante superficial e indiferente. En serio, ¿cuantas veces no nos hemos enamorado de un(a) idiota? Además la buena bruja tuvo la decencia de quitarle a Sofi su belleza, que no recuperará sino que se transformará en algo ligeramente diferente al final.

Al lado de Hauru, Sofi vive la experiencia de estar enamorada sin atreverse a manifestarlo y por lo tanto sin esperar el reconocimiento de él. Oculta en su aspecto transformado, hace todo lo que una esposa ama de casa haría, e inclusive puede decirse que tiene un hijo, ya que cuida del pequeño aprendiz de mago Marukuru. Ella trae un cambio al castillo de Hauru, peor lo defiende ciegamente en todas sus actitudes, inclusive en las malas. Se aferra a él de una manera que pretende que siga huyendo y siendo el mismo gran cobarde que siempre ha sabido ser. Pero el impacto de Sofi logra muchas más cosas de las que ella acierta a darse cuenta: el castillo no es lo único que cambia, también lo hace Hauru, el resto de los personajes e inclusive nosotros mismos. A medida que los dos protagonistas van construyendo un hogar, que no es más que ese lugar cálido y seguro donde el afuera no tienen ninguna importancia. No en vano el castillo no permite la entrada de todos sus enemigos y es incluso inmune a las bombas, además tiene salidas que nos permiten evadir todos los recuerdos tristes. No hay nada más cercano que este castillo a mi ideal de hogar. Y precisamente una de las cosas que más me gusta de esta película es la formación de una familia con extraños que nos acompañan en un viaje.

No será como los cuentos de las princesas de Disney, pero es más bien para aquellos que crecimos con las fantasías de Disney y vemos que la fantasía puede continuar aún a una edad más crecida.

Por último, no puede dejar de mencionar a lo mejor de ese film, el inigualable Sr. Nabo, nombre con el que después bautizamos al primer carro del otro autor de este blog.

Película Nro. 12: "Moulin Rouge"

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Fri, 04 Feb 2011 04:33:00 +0000

Título Original:Moulin Rouge.
País: EEUU y Australia.
Año: 2001.
Género: Musical, Romance.
Duración: 127 min.
Director: Baz Luhrmann.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0203009/

Pareja: Christian (Ewan McGregor) y Satine (Nicole Kidman).

Como puede faltar esta película en este conteo, si no existen palabras que describan mi obsesión por ella, todavía recuerdo la primera vez que la vi, fue en el cine (tuve el privilegio de verla en el cine) debía tener unos 12 años, y a partir de ese momento la película ha sido casi una compañera en mi subconsciente.

Quizás la película más reconocible de la lista, puesto que es bastante reciente, bueno ni tanto ya pasaron 10 años, (odio caer en cuenta que envejezco) y gracias a su enorme éxito, sin embargo, existen raros casos en que la película le va bien o normal en taquilla pero arrasan en ventas de DVD's o en television, Moulin Rouge fue uno de esos casos, al menos en Latinoamérica, gracias a FOX que repetía el film incesantemente es que la película logró ese sitial de reconocimiento que hoy tiene, aunque muchos apuntan hacia Chicago, fue Moulin Rouge el mejor musical de la década.

Baz Luhrmann revive el género musical, poblandolo de canciones conocidas por todos y patrimonio de cultura POP tales como Like a Virgin, Diamonds are a Girls Best Friend, Roxanne, All You Need is Love, Heroes y muchas otras, y aparte Baz cambió el ritmo del musical y lo hizo rápido, burbujeante, efervescente, decadente y muchas veces cruel, es decir, Luhrmann cambió el musical de ser una historia interrumpida por canciones, a ser canciones interrumpidas por una historia.

Pero me enfoco demasiado en la película y poco en el romance, la pareja de tórtolos está conformada por Christian un escritor ingenuo y soñador, y por Satine una exquisita cortesana en el famoso antro Moulin Rouge, a causa de una confusión de identidades, se conocen se enamoran, pero el trabajo de ella se interpone, los celos de él y un deliciosamente amanerado Duque, convierten a esta historia de amor en una tragedia.

Una vez una amiga llamada Valeria que la vio no hace mucho, me dijo haberle gustado pero también dijo que le pareció que la historia no era muy original, y hasta cierto punto la entiendo, pero eso no creo que deba importar porque con esta película sucede igual que con las películas del Disney Clásico, Cenicienta, Blanca Nieves, Bella Durmiente, etc... Es decir todos sabemos de antemano como va a terminar la historia, princesa en apuros, villano amenazante, príncipe al rescate y BUM... fueron felices para siempre, sin embargo, yo nunca me canso de ver las películas de Disney una y otra vez, porque el cine no es sólo sobre la historia sino la forma de relatarlas.

Al igual que en las películas de Disney, poco me importaba saber a donde toda la lloradera de Cenicienta, o porque la Bruja quería matar a Blanca Nieves, lo que recuerdo eran los tiernos que eran los ratoncitos y los enanos cantando. Y como no mencionar cuando los animales limpian la casa con Blanca Nieves, se me ocurren pocos momentos mas tiernos e inolvidables que estos,

Exactamente lo mismo ocurre con Moulin Rouge, como puedo olvidar cuando Christian y Satine bailan sobre las nubes alrededor de la punta de la Torre Eiffel si cada vez que mi papá peleaba con mi mamá, ponía el VHS, veía esta escena y era como si el mundo y todos sus problemas pararan para observar el mágico cortejo de Christian y Satine, siempre soñé ser como ellos eternamente enamorados en una idílica París, lo cual es curioso porque la película no fue grabada en Francia sino en Australia, lo cual es mucho mejor porque siempre me ha parecido que París luce mucho más hermosa en las mentes de sus admiradores.

El romance de Christian y Satine no es nada cotidiano o realista, parece más bien las imágenes creadas por nuestra imaginación antes de un muy anticipado encuentro erótico, o una primera cita en que uno espera ese tipo de química y romance que generan fuegos artificiales, es ese tipo de romance que nunca obtendremos en la vida real pero que siempre lo hemos tenido en nuestras cabezas, bailar en la torre Eiffel, hacer el amor sobre un elefante, que tu amante secreto muera de celos al verte con otro, si bien son cosas que pueden parecer subidas de tono permancen siendo solamente una aventura infantil, en la vida real nunca podrán pasar, probablemente las cañerías y el smog parisino interrumpan nuestras ilusiones, pero en el universo privado de Christian y Satine, nada es muy cursi, o extravagante, nada es demasiado, de niño crecí queriendo ser amado como en su universo, ahora de adulto sigo queriendo, quizás aún mas.

Película Nro. 13: "The African Queen"

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 02 Feb 2011 18:06:00 +0000

Título Original: The African Queen.
País: Reino Unido.
Año: 1951.
Género: Romance.
Duración: 105 min.
Director: John Huston.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0043265/

Pareja: Charles Allnut (Humphey Bogart) y Rose Sayer (Katharine Hepburn).

Antes de ver la película me imaginaba que La Reina Africana era una mujer, y como ya sabía que en la película había un romance, supuse que se trataba de la mujer amada, pero nada más lejos de la realidad. Estaba confundiendo esta película con otra, más en el estilo de lo primero que asocio con la palabra África: al menos esto lo acerté en parte, porque allí están los animales, las chozas, las iglesias de los misioneros y los hombres blancos de los ejércitos colonizadores, pero no había ninguna aventura en las sabanas, sino más bien un viaje a través de un río. De hecho la película estuvo muy lejos de todo lo que me esperaba, y, he de decirlo, fue mucho mejor así: me sorprendió al mismo tiempo que me conmovió y difícilmente puedo imaginar una mejor película para enamorarse... excepto por el número uno de esta lista.

Pero si hay algo que esta película tiene como trademark es la ternura y la inocencia, y diciéndolo de otra forma la sencillez de la historia de amor representada. Es fresca y agradable, como podría serlo el recuerdo de nuestra madre contándonos algún cuento allá en lo más remoto de nuestra infancia; con lo que puedo decir que es el tipo de cursilerías o de romanticismo que me agrada. Siendo sincero, cuando mi amigo vino por primera vez con la idea de hacer una lista de películas para ver hasta el 14 de febrero, lo primero que pensé fue en todas aquellas comedias románticas que he visto, y que he de ver. Pero no tenía por qué tener miedo. Mi buen amigo estaba pensando con un claridad excepcional (y en realidad no sé si lo sabe pero hace eso muchas veces) y me enseñó algo: hay al menos dos formas de ser románticos: cuando realmente estamos enamorados sin esperarlo, e inclusive resistiéndonos a ello, o cuando sólo pretendemos serlo por vivir la experiencia. La primera correspondería a la vida cotidiana y la segunda a toda esa religión en torno a San Valentín.

Cómo comienza el amor no puede ser más idílico: los personajes celebrando su victoria accidentalmente se dan un beso, luego se dan cuenta de que ni siquiera conocen sus nombres, y que hasta ahora simplemente han sido el sudado marinero Sr. Allnut y la bien educada Srta. Sayer; ambos, tanto en la vida real como en el filme, personas ya adultas y maduras, es decir, un terreno normalmente estéril para las pasiones de los jóvenes. ¿Hace cuanto tiempo que no veíamos un acontecimeinto así? Ahora son Charlie y Rosie, y toman té de la misma tasa. Están confinados en La Reina Africana, que a propósito es un barco, la única vía de escape que tienen, su vivienda y su lecho. Es también la unica cosa feliz que, a manera de una isla, se encuentra rodeada de todo tipo de adversidades. De esta manera la metáfora no puede ser mejor.

Este es todo el objeto de enamorarse. Nada de sentir maripositas en el estómago ni que el mundo se detenga, sino más bien ir navegando a través del desconsuelo con aquella persona que nadie puede igualar, y que a esa persona nadie la pueda igualar sólo por tenerte a ti (estoy tomando citas de la película). De otra forma no tiene objeto enamorarse. Es algo tan cotidiano y tan del día a día, que poco cuentan los aniversarios. Es tanto así que cuando ya no se siente esa isla en común y esa meta en común abandonamos el barco.

No hay nadie como Bogart y Hepburn para hacernos sentir enamorados.

Película Nro. 14: "Happy Together"

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Wed, 02 Feb 2011 01:32:00 +0000

Título Original: Happy Together.
País: China (Hong Kong).
Año: 1997.
Género: Romance.
Duración: 96 min.
Director: Wong Kar Wai.
Ficha: http://www.imdb.com/title/tt0118845/

Pareja: Lai You Fai (Tony Leung) y Ho Po Wing (Leslie Cheung).

Ustedes los lectores ya deben saber que este blog es un trabajo en equipo, por eso cuando decidimos hacer una lista de películas para ver en el día de los enamorados, nos sentamos y elegimos las películas que se iban a colocar, obviamente Happy Together fue anotada como una definitiva adición a la lista, una vez que ya estaba estructurada y completa, nos tocó repartirnos quién iba a escribir cuál, una tarea muy ardua considerando que nos gustan todas, mi compañero ni se le ocurrió reclamar ésta, porque era muy obvio que yo la iba a querer escribir.

Las personas que me conocen nunca me describirían como un romántico, realmente creo que yo no me describiría como un romántico, no cuando hay tantas otras cosas más evidentes a la vista que ciertamente eclipsan mis capacidades idílicas, mi carácter ácido, mi sarcasmo, el cinismo, etc. Pero Happy Together es una película que cada vez que la veo hace un sobrehumano esfuerzo por tratar de hacerme sentir romántico, y creo que lo logra.

Debo aclarar que Happy Together no es una historia de amor, es una historia de desamor, es una mirada en elegía hacia el fin de una relación, la pareja en cuestión son el tierno Lai You Fai (interpretado magistralmente por Tony Leung) y el sórdido Ho Po Wing (Leslie Cheung).

Como deben haber caído en cuenta se trata de una pareja homosexual, las parejas homosexuales se rigen por un código estricto basados en activos y pasivos, pero no es tan sencillo (bueno ¿que dinámica de pareja es sencilla?), en cuanto a la relación sexual el activo es el sujeto que penetra y el pasivo es el sujeto penetrado, es decir, en una pareja heterosexual el activo sería equiparable al hombre y el pasivo sería equiparable a la mujer, pero esto es sólo un rol sexual. También existen estos roles en la dinámica de pareja, el activo es quién cuida, protege y provee, mientras que el pasivo cuida, nutre, da placer, otorga y cede, pudiera seguir con esto pero no quiero que se torne en una clase magistral.

Lai You Fai es el activo en la relación y Ho Po Wing es el pasivo, Lai You Fai cumple con su rol de activo en toda cabalidad, es atento, protector, en cierta forma quizás un poco paternal,le gusta encargarse de todo y trabaja para proveer al hogar. El punto de quiebre entre Lai You Fai y Ho Po Wing se encuentra en que Wing ya no quiere formar parte de la pareja, por lo cual se va anulando a sí mismo de la relación y de las funciones de su rol como pasivo, Lai You Fai se desespera y ve su orgullo herido por la única persona que ama, aparte de esto ambos son chinos y se hallan en vacaciones en Buenos Aires sin un centavo, y por supuesto sin hablar el idioma, la situación es bastante desesperante puesto que ambos colapsan en un lugar donde no pueden darse el lujo de hacerlo, la verdadera tristeza del filme es que ambos se desechan justo en el momento en que más se necesitan, también lidia sobre como cada uno de ellos soportan su soledad.

El filme me conmueve de varias formas y hace reaccionar tanto fibras románticas como humanas, una relación con la que cualquiera que haya estado enamorado puede identificarse, y aparte hermosamente relatada y dirigida por el maravilloso Wong Kar Wai, no cabe duda que Happy Together es una candidata excelente para verla este San Valentín.

14 días de Amour...

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Tue, 01 Feb 2011 02:24:00 +0000

En este mes de Febrero, Ciudad Cinefilia hará una lista de películas para ver en San Valentín, 14 peliculas de las cual enamorarse, juntas representan una amplia gama de las formas del amor, pero realmente cual es el sentido de hacer películas de amor si siempre se hacen, y esta es la razón:

Para los que asisten a talleres de cualquier tipo de escritura de ficción, siempre existe un consejo en común, bien ya sea poesía, novelas, obras de teatro, guiones cinematográficos, etc. Todos se rigen por el principio de la universalidad, es decir, sea cual sea el tema debe ser algo con lo cual todos se identifiquen, por ejemplo, en el cine no puedes solamente hacer una película sobre crecer en tu urbanización y esperar que todos simpaticen con el concepto.

Ahora veamos, en el cine hay multiplicidad de temas, y más allá de esto, hay multiplicidad de géneros, existen los westerns, musicales, melodramas, film noir, policiales, road movie, acción, gangsters, terror, erotismo, etc. Cada persona, repercute en particular con algún género en específico, yo por mi parte gravito hacia los musicales, los melodramas y el film noir, aparte todos asociamos un género con un perfil de persona.

Por ejemplo, si pensamos en alguien, digamos un hombre, y planteemos que le guste el cine de acción, instantáneamente pensamos en alguien muy masculino, no muy intelectual, con déficit de atención, mentepollo y con gran posibilidades de ser machista (ojo: esto es sólo un estereotipo superfluo). Ahora pensemos en una chica, que le gusta ir a todas las comedias románticas, de forma inmediata, yo pienso que es rubia tonta (no importa el color del cabello es un estado mental), poco intelectual, increíblemente femenina y esperando que un hombre la rescate para ser felices por siempre. De nuevo estos son sólo estereotipos y clichés, yo no encajo en ninguno de los anteriores perfiles, pero me gustan películas de acción como Kill Bill o La Hora Cero, y me gustan comedias románticas, como Pretty Woman y Annie Hall.

Lo mismo ocurre de la forma contraria, si tu observas a una persona también puedes presuponer que géneros le atrae, yo tengo un amigo llamado Roberto, el escucha todo tipo de Metal, viste de negro y usa su pelo largo, yo asumí que le gustaban películas de terror gore y acción, tipo Masacre de Texas y Rambo respectivamente, pero un día en un video club en remate, confiesa ser fanático de The Notebook (El diario de una Pasión), un film el cual en mi opinión es uno de los mas románticos y cursis de la historia del cine, entonces como Roberto puede saltar la talanquera y salir de su perfil superflúo, la respuesta es muy sencilla, porque es humano y desde el Génesis del mundo el amor ha sido un tópico universal.

Y si lo vinculamos con el consejo dado a todos los escritores habidos y por haber, obtendremos respuesta al porque existen tantas historias de amor, posiblemente el asunto más universal de todos, y es porque no importa si es en Asia, si es homosexual, si es familiar, si es madre hijo, si es enfermo u obsesivo, todos nos identificamos con el amor y con la acción de amar.

Bien hayas sido abandonada en la ardiente Atlanta por Clark Gable, siempre tengas París en el Bar de Rick, no pidas la luna pero te conformas con las estrellas o te reunas con tu enclosetado amante en Brokeback Mountain, el amor es algo que todos pueden entender en todas sus formas, entonces aquí en Ciudad Cinefilia celebramos el amor en todas sus facetas, y hacemos esta lista de películas para ver en San Valentín, empezando desde el 1 hasta el 14 de Febrero, serán 14 días y 14 películas para ver, tratamos de elegir una buena variedad, hay finales felices y finales miserables, deliciosas comedias y pecaminosos melodramas, trepidante acción y espectaculares musicales, pero todos llenos de amor.

Celebrando el cine, celebrando la vida, celebrando l'amour...

114 años... el triunfo del triunfalismo

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 29 Jan 2011 03:13:00 +0000

El cine comienza con la primera proyección, al igual que las películas se terminan una vez que son estrenadas; si nadie las vio, no existen, aunque ya hayan demandado un trabajo y un costo enorme, nunca se puede dejar de lado el espectáculo. Así tenemos que el cine comenzó con aquella primera proyección de los Lunière en 1895, mientras que aquí, en nuestro querido monte, ocurrió que dos años después en el Teatro Baralt de Maracaibo se exhibieron dos cortos un 28 de enero. Alguien tuvo la idea, muchos años después, de colocar ése día como el Día del Cine Nacional, lo cual está muy bien, supongo que es parte del lenguaje oficial que lleva la cuenta de un montón de aniversarios (¡Dios, cómo se pondrá esto con otro Bicentenario de Bolívar!), pero, hay algo realmente molesto en decir que van 114 años de cine venezolano: una euforia del tipo que nos lleva a imaginar grandes éxitos. Creo que nuestra moneda no es lo único que sufre golpes inflacionarios, también nuestro ego, y de la misma manera nuestra conciencia nos es lo único devaluado aquí. Es el sentimiento de estar caminando sobre un puente muy endeble, que en cualquier momento podría ceder, pero sostener el orgullo de que resistirá por haber sido hecho por mano propia, de allí la analogía. Hay algo de el discurso mental de la dependencia que nos hace gritar: ¡También tenemos un cine que no es malo, hecho por nosotros! Estaba pensando en esto a propósito de la frase: "es buena la película, no parece venezolana".

Nuestra primera proyección contó con todas las de la ley: fue llevada a cabo por un empresario venezolano, en un teatro nacional, se cobró la entrada (en bolívares) y ambos cortos se realzaron en Venezuela sobre Venezuela (generalmente atribuidos a Manuel Trujillo Durán), al final que aquel 28 de enero indiscutiblemente nació el cine hecho por nosotros mismo. Tuvinos que esperar hasta 1916 para realizar nuestro primer largometraje de ficción (La Dama de las Cayenas o pasión y muerte de Margarita Gutiérrez de Enrique Zimmerman), los últimos años de los 20's para ver nacer las primeras productoras (Bolívar Films, fundada en 1940, debe de ser la productora más antigua que todavía se mantiene en pié), 1938 para escuchar nuestra primera cinta sonora (el corto Taboga y el largometraje El Rompimiento), 1965 para una cinta de ciencia ficción (EFPEUM de Mauricio Odremán Nieto), los 80's para ver récords de audiencia (Homicidio Culposo, de 1984, sigue siendo la película nacional más vista en salas de cine) y el 2010 para que todo el mundo lo considerara uno de los mejores años para nuestro cine, aún más que el 2008, año en que estrenamos la mayor cantidad de películas de nuestra historia (32 en total). Y este último juicio muy apalancado por lograr premios en festivales internacionales y por la cantidad de comentarios en redes sociales. ¿Entonces el asunto del resurgir de nuestro cine es una cuestión de visibilidad?

La idea de tener un cine nacional es tener un medio creativo que hable en nuestro propio idioma y muestre los tópicos de la manera en cómo nosotros nos contamos las historias, un medio de expresión que nos toque íntimamente por la manera muy personal en cómo está compuesto. Eso es lo importante. Más que tener que tener un cine por estar montados en el vagón de lo moderno. En este sentido pienso en el cine francés, cuya producción es mayoritariamente de consumo doméstico. Más importante que la catalogación geográfica, es la base del idioma; la Academia norteamericana premia sobre una base de las producciones angloparlantes, y esto puede no ser un aspecto despreciable. Quiero un cine hablado en mi propio idioma que me ofrezca una historia que nadie más pueda contar porque sencillamente ningún otro me puede ofrecer eso, para todo lo demás ya está bastante cubierta la oferta. Quiero películas que me hablen en español, y ni siquiera en español, sino en la variante del español que hablamos aquí (groserías incluidas). Y no es sólo un tema de lenguaje side de afinidad cultural y de representatividad.

Pero nuestro cine posee unas grandes barreras, no sólo materiales sino también a nivel del discurso, mucho más asfixiantes. Los costos de hacer una película aquí, que nuestro cine tenga un transfondo muy gubernamental, lo costoso y tortuoso que puede ser llegar a ser profesional del área, todo eso es sobrellevable. Lo terrible es qué se exige que se muestre en la pantalla. Pese a la tan cacareada democratización de los espacios queda mucho por hacer. De las películas nacionales que he visto, algunas me han parecido que tienen guines huecos (Habana Eva), que puedo decir este es un proceso de aprendizaje y somos todavía muy amateurs, pero el énfasis en las producciones dramáticas, del cual ya estoy arto, y el acento en un realismo social, más sacado de la paranoia por la seguridad tipo clase media, es agotador. Parece que somos tan buenos haciendo documentales que no queremos ni hacer el intento de no ser... ¿realistas? Hemos caído en un gran lugar común en torno a la temática del malandro, la delincuencia, del barrio visto desde los ojos de la urbanización... Sicario, Soy un Delincuente, Secuestro Express, Hermano, La Hora Cero, Las Caras del Diablo, me da ladilla nombrarlas todas. ¿Será que Venezuela son sólo atracos? Si es así no tengo que ir al cine, gracias, puedo comprar un Carabobeño. Y no se engañen hijos míos, el cine de ficción (que es casi todo el cine que vemos) por muy de la vida real que sea la temática, nunca es la realidad, porque alguien tuvo que recrearla para escribir el guión. Es hora de escuchar un llamado personal y expandirse hacia otras áreas. Hacer más películas como El Tinte de la Fama y Cheila. Una Casa Pa'Maita, por favor, por el amor a Dios y a todas las Vírgenes, santos, José Gregorios, María Leonzas, brujos, ánima en pena, espantos y Bolívars en los que tengamos devoción. Sirva este espacio no perdonar lo contrario.

El tiempo mata con cariño I

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 23 Jan 2011 01:44:00 +0000

Si bien es cierto que nunca he podido ver una muestra en la Cinemateca completa, muchas veces lo he intentado. Hay veces en que sin saberlo llegamos a la película buena, uno de esos raros momentos en que tu tiempo de sobra coincide con la función adecuada, y después unas cuantas coincidencias más te ayudan a sacarle más y más provecho a la película. Tal es la magia, y el objetivo que toda producción debería potenciar.

Este mes en la sala del Celarg, de la Cinemateca, se volvieron realmente locos: 44 largometrajes y 13 entre mediometrajes y cortometrajes. ¡Dios mío, qué tiempo puede tener uno para ver todo eso! Y lo peor de todo es que este mes realmente quisieron demandar tu atención, y además con la universidad y en plena temporada de premios, realmente esto es estresante. Hay tanto que ver y tan poco tiempo… parecería que dormir es un crimen. Sólo pensar que mientras duermes otros se te están adelantando del otro lado del mundo es aterrador. Quedarse atrás y rezagado es la nueva imagen del infierno en medio de nuestra Globalización. Y he aquí la cuestión, sabemos que el tiempo corre y no perdona, que el dinero no duerme y que cada año que pasa envejecemos más temprano. Ahora llegar a los 30 es viejo; sí, estamos retrocediendo en el tiempo, sólo que en la época de Cervantes la gente vivía hasta los 45, así que es lógico que a los 30 seas viejo. Pero ahora vivimos hasta más de 100 años (mi abuelo pensaba que las hormonas del pollo tienen algo que ver en esto, que viejito tan lindo, vivió 95 años) y sin embargo la fama empieza temprano. Es muy difícil no pensar esto cuando lees en las biografías que los prodigios comenzaron temprano, todo temprano: las niñas que no aprenden ballet de niña no sirven; los pianistas que no tocan desde los 6 no llegan a grandes; y que puede quedar para alguien que no termina de terminar una carrera rápida de apenas cuatro años.

El tiempo, es una cosa más a la que le tengo terror. De repente me veo a mí mismo como lleno de muchos terrores, y quienes me conocen deben notarlo, ¿o no? Algún día me lo dirán. Sobre mí he puesto una muralla y eso me hace una persona complicada y estresante, y sólo a punta de paciencia se me puede conocer bien. Me gusta el cine porque me da la oportunidad de ver sin ser visto, de ahí el nombre algo más que voyeurismo que usamos al principio, soy un flâneur. Y no quiero ser más sólo eso, entrar a una función y pensar en lo fabuloso que sería haber hecho eso que escudriño en la oscuridad. Me siento como el James Stewart de La Ventana Indiscreta, anhelante pero inválido. Ahora sé por qué Liz Lemon me habla, al igual que ella lo quiero todo, pero todo no viene gratis; maldición, por qué habrán inventado esa estupidez de ganarse la vida. Un nuevo curso de la Escuela Nacional del Cine empezará este febrero, se ve completo, apasionante y retador, pero no estaré en él, antes debo primero graduarme de mi carrera original, lo que implica esperar todo un año para poder aplicar; que horror más tiempo todavía… pero no importa. Un año es tiempo necesario para estar listo y prepararse; por desgracia el tiempo tiene también su burocracia. Lo importante es salir de la cobija de la vida pasiva; sentirse como una linterna de día o una fuga de gas sin ninguna chispa que la prenda, es sentirse sin ninguna importancia, un alto precio a pagar por no haber cometido ningún crimen en esta vida. Y no tengo por qué vivir una condena, no sin haber pecado primero.

Una estatuilla más a las 29 que ya tenemos en casa: el Cecil B. DeMille para Robert De Niro

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 15 Jan 2011 20:43:00 +0000

Después de que el año pasado Martin Scorsese ganara el premio, es hasta lógico que este año se lo llevara Robert De Niro: director y actor que se han juntado para hacer algunas de sus mejores películas. Juntos, al mejor estilo de la Pequeña Italia, estos dos italoamericanos se dieron a conocer en los 70’s y nos mostraron que no sólo había música de niños pendencieros y desadaptados (es decir el punk), sino que habían películas de personajes sombríos, recorriendo calles oscuras y siempre del lado de la ley de los que no llevan uniforme.

Mean Streats (1973) una película sobre el pecado en mafiosos italianos; Taxi Driver (1976) sobre la alienación y la conflictividad con el mundo exterior; New York, New York (1977), junto a Liza Minnelli, de un matrimonio cada vez más dividido; Raging Bull (1980) acerca de la personalidad de un campeón de boxeo; The King of Comedy (1982) que nos muestra la obsesión de un comediante por alcanzar la gloria; Goodfellas (1990) mostrando la amistad y los negocios entre tres mafiosos; Cape Fear (1991), remake que habla de la venganza de un ex presidiario; y Casino (1995) del glamour y la brutalidad en los casinos de Las Vegas; fueron las películas que hicieron juntos.

Pero De Niro hizo mucho más. Fue el famosísimo mafioso Vito Corleone, pero joven, en The Godfather, Part II (1974), el soldado Michael Vronsky en la película sobre los efectos de Vietnam en los pequeños pueblos norteamericanos en The Deer Hunter (1978), un paciente catatónico llamado Leonard Lowe que es sacado de su coma por un nuevo químico en Awakenings (1990), y que junto al taxista Travis Bickle, el boxeador Jake La Motta, los mafiosas Jimmy Conway y Sam "Ace" Rothstein, y el ex convicto Max Cady, son sus personajes más recordados.

Se labró una carrera con personajes neuróticos, duros, la mayoría de los casos egoístas y agresivos. Suyo siembre será el monólogo frente al espejo de “¿Me hablas a mí?”. Parte de su legado es también su extrema dedicación al momento de encarar sus personajes: nació zurdo pero aprendió como ser diestro cuando el personaje lo requiere, aprendió a boxear y a tocar el saxofón para dos de sus papeles, también pasó un tiempo en Sicilia para poder hablar el acento siciliano y estuvo unas cuatro semanas de taxista para ver como era la experiencia. Pero lo más impresionante ocurrió cuando le pagó 5.000 dólares a un dentista para que hiciera de sus dientes un desastre para interpretar a Max Cady, que nunca en su vida tuvo para pagar unos frenillos, y terminado el rodaje pagó 20.000 más para que se los dejaran como estaban antes.

En algún punto decidió que no era bueno encasillarse y decidió empezar a hacer comedia, muestra de lo cual es el ex agente de la CIA Jack Byrnes en la hasta ahora trilogía de los Fockers. Que si lo vemos bien es el chico rudo y neurótico típico de los personajes de De Niro, solo que reducido a un gracioso padre gruñón.

Este medio italiano, con ascendencia irlandesa, es, en definitiva, un nombre ligado a la industria de Hollywood.

Cecil B. DeMille, el premio

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 15 Jan 2011 20:42:00 +0000

En ninguna otra industria del entretenimiento en el mundo, los premios son otorgados de una manera tan compleja, llena de pasos y pre ceremonias, donde las expectativas de un premio incluso son medidas con el termómetro de otro, donde los premios compiten entre sí por el prestigio de su premiación, donde incluso hay tanta gente premiando, y donde incluso la nominación es utilizada como un medio publicitario. Donde la premiación en sí es un espectáculo a veces más grande que las mismas películas. Sólo el tamaño y la sindicalización de la industria Hollywoodense hace posible esto: una auténtica fiebre de premios que viene por temporadas, la temporada de premios que abarca más o menos de noviembre a febrero de cada año. De esta forma hay premios entregados por asociaciones de críticos, por sindicatos de actores o guionistas, por institutos, por festivales, por la votación del público, y los más importantes de todos: el concedido por Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood y por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. El Globo de Oro y el Óscar respectivamente.

Ambos premios tiene categorías que reconocen la trayectoria de toda una vida y un legado en la industria cinematográfica. Sin embargo, en el caso de los Óscar, este premio viene más a intentar corregir los numerosos errores o, dicho de mejor forma, “omisiones” que ha cometido en su larga historia. El Cecil B. DeMille, responsable de premiar los logros de una carrera dentro de la ceremonia de los Globos de Oro, en cambio, ha tenido mucha mayor fortuna, y su desarrollo ha sido realmente impecable (léase: se lo han ganado los duros de los duros de la industria norteamericana del entretenimiento).

Hay dos cosas que me gustan de este premio: la primera, es una categoría a parte dentro de los Globos de Oro, lo cuales premian las realizaciones del año inmediatamente anterior, lo cual tiene sentido si el DeMille va a premiar una carrera completa, de tal forma que tiene su nombre propio y peso propio, dándole un carácter de verdadero reconocimiento al mérito; la segunda, es más preciso en su dinámica de premiación, de tal forma que los premiados comparten algo en común que es tangible, es decir, el premio sigue una lógica, cosa a la que no nos tienen acostumbrados los Óscar.

La idea surgió en 1952, y se llamó de esta manera en honor a uno de los más exitosos directores de todos los tiempos, y cofundador de la Paramount, que así se llevó el primer premio que lleva su nombre durante la 9na entrega de los Globos de Oro. De los que siguieron me gustaría destacar a Walt Disney, Jack Warner y Samuel Goldwyn, verdaderos creadores de una industria; de entre los actores puedo destacar, porque me gustan y los he visto, a James Stewart, Frank Sinatra, Henry Fonda, Gene Kelly, Robert Mitchum y Jack Nicholson; dentro de las actrices (aunque me parece que hay muy pocas mujeres premiadas) las fantásticas Judy Garland, Joan Crawford, Audrey Hepburn, Barbra Streisand y las aún más fantásticas Bette Davis, Lucille Ball y Bárbara Stanwyck.

Este año va al veterano Robert De Niro y como siempre el mundo observa con impaciencia y admiración.

Robert De Niro To Receive 2011 Cecil B. Demille Award
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Predicciones Doradas

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Fri, 14 Jan 2011 23:17:00 +0000

Como ya mencionamos los Golden Globes están ya encima de nosotros, y para ser cliché por supuesto que tienen que haber predicciones:

Mejor Película (Drama):

"Black Swan"
"The Fighter"
"Inception"
"The King's Speech"
"The Social Network"

Los críticos apuntan a que la verdadera guerra se encuentra entre entre "Black Swan" y "The Social Network", aunque la clara favorita del público es "Inception" (considerando de la sobredimensión de la afición de la gente por Christopher Nolan"), personalmente me gustaría ver a "Black Swan" llevándose el trofeo.

Mejor actriz (Drama):

Halle Berry - "Frankie and Alice"
Nicole Kidman - "Rabbit Hole"
Jennifer Lawrence - "Winter's bone"
Natalie Portman - "Black Swan"
Michelle Williams - "Blue Valentine"

De nuevo la guerra en la categoría se halla reducida entre la veterana Kidman y la debutante Portman (aunque no es su primer papel, ni su primera nominación, si es su primer personaje verdaderamente digno para ser considerada una actriz de carácter) y está bastante reñida, ambas actrices interpretan a personajes cuyas distintas situaciones las llevan a una especie de depresión surrealista.

Esta situación me recuerda mucho a los Oscars de 1951 cuando Gloria Swanson y Bette Davis eran contendientes por "Sunset Boulevard" y "All About Eve" respectivamente, ambas interpretaban a actrices en decadencia con serios problemas lidiando con su madurez y el proceso de envejecer, para el que ha visto estas películas es casi unánime el veredicto que "Sunset Boulevard" es mejor que "All About Eve" (una decisión bastante difícil considerando que ambas son clásicos eternos del cine), pero a su vez todos tambien coinciden en que la interpretación de Bette Davis es mucho superior a la de Gloria Swanson (es considerada la mejor actuación femenina en la historia del cine según Premiere Magazine). Esto es porque la actuación de Bette es humana, personalizable, carnal, vulnerable y llena de vigor, mientras que la de Gloria, si bien es excelente, palidece en comparación.

Lo mismo me parece que ocurre en esta ocasión, Natalie Portman es la Gloria Swanson de este caso, dando una interpretación maravillosa, llena de técnica, esfuerzo, precisión y exactitud. Mientras que Nicole Kidman es la Bette Davis de este escenario (salvando las diferencias) si actuación está llena de vitalidad, emoción, sensibilidad, frialdad para luego encontrar cálidez, lo hace magistralmente, aun cuando es un torrente de emociones siempre se halla comedida nunca exagerando, nunca la van a sorprender "actuando". Verdaderamente fantástica.

Si bien presiento que va a ser Portman quien lo gane, mi admiración se decanta por Kidman.

Mejor Actor (Drama):

Jesse Eisenberg - "The Social Network"
Colin Firth - "The King's Speech"
James Franco - "127 Hours"
Ryan Gosling - "Blue Valentine"
Mark Wahlberg - "The Fighter"

Esto no tiene sentido discutirlo, definitivamente va a ser Jesse Eisenberg, ya se había perfilado ganador desde Octubre del año pasado, aunque en lo personal me gustaría que se lo llevase Colin Firth.

Mejor Director:

Christopher Nolan - "Inception"
Darren Aronofsky - "Black Swan"
Tom Hooper - "The King's Speech"
David Fincher - "The Social Network"
David O. Russell - "The Fighter"

Esta tampoco tiene mucho chiste predecirlo, muy probablemente (y muy a mi pesar) el premio irá para Christopher Nolan todo Hollywood alaba su trabajo en esta cinta, yo personalmente me gustaría ver que un director más redondo y consistente como Aronofsky se llevara la torta.

En la vía a los Golden

noreply@blogger.com (Cástor, no ese el otro) — Thu, 13 Jan 2011 16:13:00 +0000

Quien conoce a mi compañero bloguero y a mí, sabrá que somos fanáticos de las premiaciones, los Critics Choice, los SAG, los Grammy, los Golden Globes y por supuesto los Oscars, pero considerando que los Critics que son los mas cercanos no tienen el peso mediático (por lo menos en nuestro país), debemos empezar por los Golden (que ya los tenemos encima).

Debemos empezar con un poco de historia de los Golden, desde 1944 la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood se dispone a premiar lo mejor del cine y la televisión, tanto estadounidense como extranjero, algo discutible considerando que la cantidad de nominaciones fuera de USA es casi inexistente, pero obviando esto, el hecho es que los Golden marcan para muchos el inicio de la temporada de premiaciones, es un momento anual en el cual el Beverly Hilton Hotel se pone en la mira del mundo para celebrar lo mejor del cine y la televisión del pasado año.

Por lo tanto durante estos días, haremos muchas entradas dedicadas a estos premios, datos curiosos, predicciones, controversias, chismes, errores de las premiaciones, omisiones, etc.

Así que estén atentos para verlo todo Golden.

"La computadora de mi mamá no es la mejor, pero es una computadora al fin"

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 13 Jan 2011 03:50:00 +0000

Decía el maestro del suspenso que citarse a sí mismo era estilo, así que decidí seguir su ejemplo, y tengo una excusa para ello: cierto, fuera de su contexto esta frase no tiene mayor sentido (fue exactamente lo que dije antes de sentarme a escribir), sin embargo, la tarea del escritor tiene su lugar en los sitios más incómodos y rodeado de las mayores dudas (¿Valdrá la pena lo que estoy haciendo?), pero ser escritor, al igual que artista, y en realidad al igual que cualquier otra cosa en la vida, consiste en esencia en no interponer excusas. Puede sonar elemental, o lo que diría en un manual barato de autoayuda (lo sé bastante bien porque los detesto), pero al mismo tiempo como reza una canción que no sé por qué me gusta: "Lo más terrible se aprende enseguida / y lo hermoso nos cuesta la vida.

Pero basta de citas sin sentido, basta de dar vueltas sobre uno mismo como en un espiral descendente o ascendente que no nos llevan a nada. ¡Basta! Trent Reznor y Jim Morrison, mis héroes, ¡cómo los odio! ¡Los detesto! ¡Ya no quiero ser uno más de ustedes! Cierto que tienen un talento, el de ser completamente anodinos, el consumir un arrebato de ira y mostrarlo como arte. Les diré cual es mi definición del arte, y Dios me perdone por haber olvidado el nombre de quién acuñó la expresión y permitirme cometer un plagio, pero "el arte es convertir algo inútil e innecesario en algo útil y necesario". Sencillo, coherente y personal. Uno se da cuenta que detrás de la obra del artista hay un ser humano real encerrado en sus luchas diarias, de lo contrario la obra carece de total sentido.

Y es en ese momento del batallar diario del hombre real, cuando esa lucha se convierte en una necesidad comunicacional hacia sus iguales, de los que espera ser comprendido. Uno puede preveer que en algún punto causará oposición, pero nunca debería desearla, no es el sentido de la expresión. Causar sensación es volverse un poco más hipócrita y desvalorizarse en demasía. Uno hace todo lo que hace en la vida buscando siempre ser comprendido.

Escribí esta introducción por dos motivos: el primero, para reconciliarme conmigo mismo por haber abandonado todas las cosas que he empezado, y segundo, romper el silencio es necesario porque sólo en la medida en que tenemos algo que decir, vale la pena ser tomados en cuenta.

Para no quedarme tan en lo abstracto: este blog es el esfuerzo conjunto de dos amigos que en un momento todavía joven de sus vidas se dieron cuenta que tenían algo que decir y que valía la pena decirlo. Si se interrumpió fue porque no sirve la labor de uno sin la del otro. Es también la razón por la que en el cine tenemos nuestras esperanzas: queremos decir algo y queremos que hallas pagado por escucharnos. En esas ligas se mueven las personas que admiramos: todas tienen algo que decir, y necesitan decirlo de manera que al mismo tiempo que escuches estás mirando.

Cástor, tú que me has enseñado tantas cosas, eres una de esas personas que más admiro, arriba puedes leer las características del cargo.