No universo dos jogos online, especialmente os do tipo cassino, o design gráfico vai além do entretenimento. Ele envolve compreender o comportamento do jogador, planejar interações e criar ambientes visuais e sonoros que estimulam a participação contínua. A partir desse equilíbrio entre estética, tecnologia e usabilidade, surgem os grandes títulos que dominam o mercado digital.

Entre os exemplos populares destes jogos está o Crazy Time, um famoso jogo de cassino. Com visual colorido, ritmo dinâmico e interações em tempo real, ele mostra como o design pode transformar um simples jogo de roleta em uma experiência envolvente.

O que é Game Design

Game design é o processo de conceber, planejar e estruturar todas as partes de um jogo. Inclui desde a definição das regras e mecânicas até a criação da interface, dos gráficos e da ambientação sonora. Em outras palavras, é a etapa em que o conceito do jogo se transforma em algo jogável, visual e funcional.

Nos cassinos online, o design é fundamental para construir confiança e fluidez. Cada detalhe – do posicionamento dos botões à velocidade das rodadas – é pensado para que o jogador se sinta seguro e entenda o que está acontecendo na tela. É um equilíbrio entre clareza visual e estímulo emocional.

Tendências do design em cassinos online

Conhecer os jogos mais populares e tendências ajuda o designer a manter o foco em seus próximos projetos e também desenvolver novas habilidades. De acordo com dados recentes de uma das maiores bets do país, a roleta mantém a liderança entre os jogos de cassino online.

Na categoria de game shows, Crazy Time se destaca, com a maior popularidade do gênero e vários minigames, que tornam o jogo ainda mais desafiador. Esses números mostram uma tendência clara: o público busca experiências interativas e visuais, que unam estética e imprevisibilidade.

O design de jogos como Crazy Time ou Spin a Win Wild Brasileiro aposta em cores contrastantes, apresentadores carismáticos e animações sincronizadas com o áudio, criando uma sensação de espetáculo contínuo.

O foco não é apenas o resultado da rodada, mas o percurso que o jogador faz até chegar lá. Cada efeito visual ou pausa entre as etapas é planejado com o objetivo de prolongar o interesse e reforçar a percepção de controle.

Três formas de desenvolver jogos de cassino

O mercado de desenvolvimento de jogos de cassino oferece diferentes caminhos para quem deseja criar novas experiências. Três modelos se destacam entre os principais operadores.

Desenvolvimento personalizado (Custom Features)

O desenvolvimento personalizado permite construir o jogo do zero. Cada aspecto – desde o design até as integrações técnicas – é criado conforme os objetivos do projeto. Essa opção exige mais tempo e investimento, mas garante autonomia criativa e a possibilidade de oferecer uma experiência exclusiva.

Desenvolvimento de clones (Game Replica)

Os clones são versões inspiradas em jogos já existentes. Esse formato é indicado para quem deseja entender as estruturas que fazem um jogo funcionar antes de propor inovações. Além de reduzir custos, essa abordagem ajuda a aprender com os acertos do mercado, sem a necessidade de arriscar em um conceito completamente novo.

Jogos prontos para lançamento (Ready to Launch)

Essa opção é ideal para quem quer entrar rapidamente no mercado. Os jogos prontos permitem personalizar o front-end, ajustar elementos visuais e integrar ferramentas de terceiros. É um modelo que equilibra agilidade de produção e personalização de marca.

Cada uma dessas formas oferece uma perspectiva diferente sobre o processo de design. Todas, porém, dependem do mesmo princípio: entender o comportamento do jogador e oferecer uma experiência consistente.

Experiência do usuário e imersão

O game design aplicado ao cassinos também passa pela experiência do usuário (UX) e pela interface (UI). A clareza das informações, a fluidez das animações e o tempo de resposta dos comandos influenciam diretamente a percepção de qualidade.

Crazy Time é um bom exemplo dessa integração. A cada rodada, luzes, sons e movimentos são acionados em sincronia para criar uma sensação de expectativa. O jogador percebe cada detalhe de forma intuitiva, sem precisar de explicações complexas.

Esse é o papel do bom design: comunicar sem interromper a experiência.

Para quem quer se aprofundar na área, estudar princípios de UX e UI é essencial. A prática de testar interfaces, observar o comportamento do usuário e analisar dados de interação ajuda a construir jogos mais acessíveis e imersivos.

O game design no contexto dos cassinos online é um campo que une técnica e sensibilidade. Criar um jogo é mais do que programar mecânicas; é construir experiências. O público valoriza jogos dinâmicos, visuais e interativos, e é justamente isso que o design bem executado proporciona.

Mas o que faz um design ser bom? Quais são os elementos que tornam um design atraente e fácil de entender?

Para responder a essas perguntas, precisamos conhecer alguns princípios básicos do design gráfico. Esses princípios são como regras que ajudam os designers a criar composições visuais harmoniosas e mais bonitas.

Neste texto eu vou te ensinar alguns esses princípios de forma simples e prática, para que você consiga, mesmo sem experiência, construir projetos de design melhores.

Sem tempo agora?

Escute um resumo em uma conversa em áudio (gerado por I.A.):

Entendendo o básico

Aqui vamos explorar 6 princípios básicos de design, eles podem ser conceituados assim:

• Princípio de Alinhamento: O princípio de alinhamento fala sobre como os elementos são organizados em uma página. Quando os elementos estão bem alinhados, o design parece mais organizado e profissional. Pense em como os textos e imagens são alinhados em um jornal ou revista – tudo está em linha reta, criando uma sensação de ordem.
• Princípio de Proximidade: Este princípio trata de agrupar elementos relacionados. Quando itens que pertencem ao mesmo grupo estão próximos uns dos outros, fica mais fácil para o observador entender a relação entre eles. Por exemplo, em um cartão de visita, o nome, o cargo e o contato da pessoa estão próximos, facilitando a leitura.
• Princípio de Repetição: A repetição cria consistência e coesão em um design. Usar as mesmas cores, fontes e estilos em todo o projeto ajuda a unificar a aparência. Pense em um site onde todas as páginas têm o mesmo cabeçalho e rodapé – isso cria uma identidade visual forte.
• Princípio de Contraste: O contraste é usado para destacar elementos importantes. Ele pode ser criado através de cores, tamanhos e formas diferentes. Por exemplo, um botão de “comprar agora” em uma cor vibrante se destaca em um fundo neutro, chamando a atenção do usuário.
• Princípio de Hierarquia: A hierarquia visual organiza os elementos por ordem de importância. Isso ajuda o observador a saber onde olhar primeiro. Em um cartaz, o título geralmente é o maior elemento, seguido por subtítulos e, finalmente, o texto menor.
• Princípio de Equilíbrio: O equilíbrio pode ser simétrico ou assimétrico. O equilíbrio simétrico é quando os elementos são distribuídos de maneira igual em ambos os lados de um eixo central, criando uma sensação de estabilidade. O equilíbrio assimétrico, por outro lado, usa diferentes pesos visuais para criar uma composição mais dinâmica e interessante.

Entender esses princípios básicos é o primeiro passo para criar designs interessantes e atraentes. Mesmo que você não seja um designer profissional, aplicar essas regras simples pode fazer uma grande diferença na qualidade dos seus projetos visuais.

Existem vários elementos e princípios de design que você pode estudar e aprender, mas aqui vamos focar nos mais fundamentais, essenciais para você começar a criar projetos de design minimamente estruturados.

Princípio de Alinhamento

O princípio de design de alinhamento é um dos fundamentos mais importantes para criar uma composição visual harmoniosa e esteticamente agradável.

O alinhamento está relacionado à forma como os elementos de design são posicionados em relação uns aos outros e ao layout geral, criando uma aparência coesa e organizada.

No design, o alinhamento pode ser aplicado a diversos elementos, como texto, imagens, ícones e formas.

Quando os elementos são alinhados de forma eficaz, eles criam linhas invisíveis que conectam os elementos visualmente, facilitando a leitura e a compreensão do design pelo observador.

Observe, na imagem acima, como os ícones da sinalização estão alinhados uns com os outros verticalmente, e como eles criam uma linha invisível que os mantém perfeitamente conectados com a palavra RECEPÇÃO mais acima.

As palavras ao lado dos ícones também estão alinhadas entre si, mas elas criam um subconjunto, que obrigatoriamente está conectado com o ícone ao seu lado esquerdo.

Em seguida, observe como as setas posicionadas do lado direito, mais distantes do resto das informações, estão conectadas com o texto à sua esquerda. Você sabe exatamente para que lado fica Midway, as Salas de reunião ou os Elevadores.

Alinhamento é essencial não apenas para a estética, mas também para a funcionalidade e usabilidade de um design.

O alinhamento não deve estar presente apenas em placas indicativas de um ambiente chique, mas em todo e qualquer lugar onde se deseja organizar visualmente informações ou elementos.

Existem vários tipos de alinhamento, incluindo alinhamento à esquerda, à direita, centralizado e justificado.

Cada um tem suas próprias aplicações e pode ser escolhido com base no objetivo do design e no impacto visual desejado.

Por exemplo, o alinhamento à esquerda é frequentemente usado para textos, pois facilita a leitura em muitos idiomas que são escritos da esquerda para a direita.

O alinhamento centralizado é muitas vezes usado para títulos ou quando se deseja chamar a atenção para um elemento específico no centro de um layout.

Além disso, o alinhamento não se limita apenas ao posicionamento horizontal ou vertical dos elementos; ele também se refere ao alinhamento de elementos em diferentes planos e níveis, criando uma sensação de profundidade e dimensão.

No projeto de ambientação da Avenue, cada elemento de identificação possui uma posição predeterminada para portas de madeira e nas paredes de vidro, alinhando-se mesmo em ambientes diferentes.

Um bom alinhamento também leva em consideração o espaçamento entre os elementos, conhecido como espaço em branco.

Este espaço não é necessariamente branco; é simplesmente o espaço não preenchido que ajuda a definir e separar os elementos de design.

Observe que, apesar do título dos cartazes ficar acima, junto com a ilustração, ele está perfeitamente alinhado com as informações dentro da tarja preta, abaixo do cartaz.

Mesmo com o grande espaço vazio entre estes dois elementos, o alinhamento persiste e cria uma unidade visual de todo o cartaz.

Um uso eficaz do espaço em branco pode melhorar significativamente a clareza e a legibilidade de um design.

O princípio de alinhamento é crucial para criar designs que não apenas pareçam bons, mas que também funcionem bem e proporcionem uma experiência de usuário positiva.

Ele ajuda a estabelecer uma hierarquia visual, direciona o olhar do observador e contribui para a comunicação eficaz da mensagem pretendida.

Quando usado corretamente, o alinhamento pode transformar uma composição mediana em um projeto de design visualmente impactante e profissional.

Princípio de Proximidade

O princípio de design de proximidade é um dos fundamentos essenciais do design gráfico e da teoria da Gestalt, que se concentra na percepção humana e na psicologia visual.

Este princípio sugere que elementos visuais que estão próximos uns dos outros são percebidos como um grupo relacionado, enquanto que elementos que estão mais distantes parecem menos relacionados ou independentes.

É comum que pessoas inexperientes espalhem os objetos pela cena de forma arbitrária, procurando apenas preencher os espaços vazios, sem se preocupar com o agrupamento das informações ou como o espaço vazio é importante para o layout.

A aplicação do princípio de proximidade permite criar uma organização clara em suas composições, agrupando elementos que compartilham uma função ou relação e separando aqueles que não têm relação.

Isso ajuda a estabelecer uma hierarquia visual (qual informação é mais importante ou precisa ser lida primeiro), facilitando para o observador entender quais partes do design estão conectadas e quais são separadas.

Por exemplo, em um cartão de visitas, o nome da pessoa, o título e as informações de contato podem ser agrupados juntos para formar uma unidade visual clara.

A proximidade, assim como o alinhamento, criam uma hierarquia visual que guia o leitor pelo conteúdo do projeto.

Isso contrasta com o espaço em branco ou ‘espaço negativo’, que é intencionalmente deixado vazio para destacar ou separar grupos de informações e evitar uma aparência desordenada.

Além disso, o princípio de proximidade é frequentemente usado em conjunto com outros princípios de design, como alinhamento, contraste e repetição (que veremos adiante), para criar designs que são esteticamente agradáveis e funcionalmente sólidos.

O princípio de proximidade pode ser visto com bastante clareza em menus de restaurantes e em catálogos de produtos e serviços.

No exemplo acima, o Catálogo de cortes faz bom uso da proximidade por todas as suas páginas. A proximidade é usada para agrupar os serviços.

Na página acima, você pode ver a proximidade sendo usada para agrupar os estilos de barba, sua descrição e até a foto de famosos que usam aquele estilo.

A proximidade pode ser aplicada a qualquer tipo de elemento de design, incluindo texto, imagens, formas e até mesmo espaços em branco.

Princípio de Repetição

O princípio de design de repetição faz parte dos fundamentos essenciais para criar harmonia, coesão e consistência em uma composição visual.

Este princípio sugere que a repetição de certos elementos visuais dentro de um design ajuda a fortalecer a identidade visual e a unificar as partes separadas de um projeto.

O trabalho desenvolvido para a Orquestra Sinfônica o Estado de São Paulo é um bom exemplo de como o princípio de repetição cria uma conexão entre as diferentes peças de comunicação.

A repetição nem sempre é um aspecto óbvio, ela pode ser aplicada a diversos elementos, como cores, formas, texturas, padrões, linhas, e até mesmo conceitos.

Nos cartazes acima, você consegue identificar qual é o elemento de repetição? A ilustração principal tem um estilo próprio que, mesmo aplicada de diferentes formas, permite relacionar as peças entre si.

Em outro exemplo, a utilização de uma cor específica em diferentes partes de um design pode ajudar a criar uma conexão visual entre elas, facilitando o reconhecimento e a memorização da marca ou do conceito representado.

Da mesma forma, repetir uma forma geométrica ou um padrão em diferentes áreas de um layout pode contribuir para uma sensação de estabilidade e ordem.

Retomemos o exemplo do catálogo de cortes, veja , abaixo, como cada página possui uma faixa lateral, que muda de cor entre as seções do documento, além disso, o losango que recorta a imagem do busto masculino também é a mesma, e reforçando essa sensação de unidade.

Toda a estrutura deste catálogo pode ser vista como um padrão de repetição – Faixa colorida + Foto + Estilos de Texto + Famosos – cria um resultado de estrutura sólido e fácil de entender.

Além de reforçar a identidade visual, a repetição também serve para guiar o olhar do observador através do design.

Elementos repetidos podem criar ritmo e movimento, direcionando a atenção de forma estratégica para áreas de interesse ou informações importantes.

Isso é particularmente útil em designs complexos, onde a clareza e a facilidade de navegação são cruciais.

O relatório anual fiscal 22 da Comunitas repete linhas diagonais por todas as suas páginas, além de repetir cores específicas entre os seus capitulos para orientar o leitor pelas diferentes seções do documento.

No entanto, é importante notar que a repetição deve ser equilibrada com variação. Um excesso de repetição pode tornar um design monótono e desinteressante, enquanto a falta dela pode resultar em uma composição desorganizada e confusa.

O segredo é encontrar o equilíbrio, onde a repetição contribui para a unidade sem sacrificar o interesse visual. Combinar elementos repetidos com estilos tipográficos, cores e formas é um exercício criativo desafiador, mas que entrega bons resultados.

Um exemplo prático da aplicação do princípio de repetição pode ser visto em campanhas de marketing e materiais de comunicação de grandes marcas, como o banco Itaú, que utiliza consistentemente o laranja com azul royal em seus materiais, criando uma forte lembrança de marca através de sua identidade visual.

Princípio do Contraste

O princípio de design de contraste se refere à diferença significativa entre dois ou mais elementos em um design, com o objetivo de criar interesse visual e direcionar a atenção do observador para áreas específicas.

O contraste pode ser aplicado de diversas maneiras, incluindo cor, forma, tamanho, textura e direção.

Por exemplo, o contraste de cor é talvez o mais evidente, onde cores opostas no círculo cromático são usadas para criar um impacto visual forte.

Cores claras contra escuras, cores quentes contra frias, ou cores saturadas contra desaturadas são todos exemplos de como o contraste de cor pode ser utilizado.

Além da cor, o contraste de tamanho é outro método eficaz. Elementos grandes ao lado de pequenos naturalmente atraem mais atenção, criando um ponto focal.

Isso é frequentemente usado em tipografia, onde um título grande é acompanhado por texto menor para estabelecer uma hierarquia visual clara.

O contraste de forma envolve combinar formas diferentes ou inesperadas para chamar a atenção. Por exemplo, um círculo entre vários quadrados cria um ponto de interesse devido à sua forma única no contexto.

A textura também pode ser usada para criar contraste. Superfícies lisas contra texturizadas podem adicionar profundidade e dimensão a um design, especialmente quando iluminadas de maneira a destacar essas diferenças.

Por fim, o contraste de direção pode orientar o olhar do observador através do layout. Linhas que se movem em direções diferentes podem criar movimento e tensão, contribuindo para uma composição dinâmica.

Os posters desta coleção combinam conceitos de design com cor, alinhamento e proximidade para criar diferentes formas de contraste.

Princípio de Hierarquia

O princípio de design de hierarquia se refere à maneira como os elementos de design são organizados e apresentados em ordem de importância.

Este princípio é utilizado para guiar o olhar do observador através de um layout ou composição, assegurando que a informação mais importante receba a atenção primária e que haja um fluxo lógico e intuitivo que facilite a compreensão e a experiência do usuário.

A hierarquia visual pode ser estabelecida através de vários métodos, isso inclui alguns dos princípios que já mencionei anteriormente. Vejamos algumas maneiras de adicionar hierarquia em projetos de design:

Tamanho e Escala

Elementos maiores são percebidos como mais importantes. Aumentar o tamanho de um título, por exemplo, pode ajudar a garantir que ele seja visto primeiro.

Cor e Contraste

Cores vibrantes ou contrastantes podem chamar a atenção para um elemento específico, enquanto tons mais suaves podem fazer com que ele recue visualmente.

Tipografia

O uso de diferentes fontes, pesos e estilos pode criar uma distinção clara entre elementos hierárquicos, como títulos, subtítulos e corpo de texto.

Você já está experimentando isso enquanto lê este texto. Observe como os títulos e subtítulos de cada principio apresentado está com uma fonte maior, mais destacada, dividindo o conteúdo em várias partes menores.

Espaçamento e Densidade

Espaços vazios (ou espaço negativo) podem destacar elementos importantes, enquanto áreas mais densas podem indicar informações secundárias.

Isso é muito comum em anúncios de revistas, outdoor e campanhas publicitárias, que sempre tem letras menores agrupadas em um canto indicando a informação ali é menos relevante (apesar de nem sempre isso ser verdade).

Alinhamento e Localização

Elementos alinhados de forma estratégica podem criar uma estrutura visual que orienta o olhar do observador. A posição na página também influencia a percepção de importância.

No pôster acima, o alinhamento peculiar e a posição do texto fez você ler de cima para baixo, dando a volta em torno da boca, estou certo?

Já nos exemplos abaixo, observe como a combinação de alinhamento com um tamanho de texto maior guiam seu olhar através informações.

Repetição e Padrões

A repetição de elementos pode criar uma sensação de coesão e enfatizar a importância de um grupo de itens.

No exemplo abaixo, o verde da Revista Chorume está presente em todos os elementos de destaque. A cor vibrante se repete e cria um padrão, indicando que o que é verde, é importante.

Textura e Estilo

Diferentes texturas e estilos podem ser usados para diferenciar partes de um design e estabelecer uma hierarquia visual.

Imagens e Ícones

Imagens podem transmitir rapidamente informações e estabelecer uma hierarquia visual, especialmente quando combinadas com outros elementos como texto.

A aplicação eficaz da hierarquia visual não só melhora a estética de um design, mas também sua funcionalidade e eficiência na comunicação.

Designers utilizam esses princípios para garantir que os usuários possam navegar facilmente por um site, entender rapidamente um infográfico ou seguir uma apresentação sem esforço.

Princípio do design: Equilíbrio

O princípio de design de equilíbrio se refere à distribuição visual dos elementos em um espaço de design.

Este princípio é essencial para criar uma composição harmoniosa e esteticamente agradável, seja em design gráfico, design de interiores, arquitetura ou arte.

Existem dois tipos principais de equilíbrio no design: simétrico e assimétrico.

Equilíbrio Simétrico

Este tipo de equilíbrio ocorre quando os elementos são distribuídos igualmente em ambos os lados de um eixo central, criando uma imagem espelhada.

O equilíbrio simétrico transmite uma sensação de formalidade, ordem e estabilidade. Por exemplo, muitos edifícios clássicos e instituições governamentais utilizam o equilíbrio simétrico para expressar poder e formalidade.

Essa identidade para um centro de medicina oriental, Luna de Oriente, feita por Estudio Menta, usa bastante o equilíbrio simétrico para transmitir que eles são confiáveis, de alta qualidade e dignos de confiança. O próprio logo usa equilíbrio simétrico, assim como o layout geral utilizado em toda a papelaria.

Equilíbrio Assimétrico

Diferente do equilíbrio simétrico, o equilíbrio assimétrico utiliza uma distribuição desigual de elementos que ainda se equilibram visualmente.

Isso é alcançado através da consideração do peso visual dos elementos, que pode ser afetado por seu tamanho, cor, textura e forma.

O equilíbrio assimétrico é mais dinâmico e interessante, oferecendo uma sensação de movimento e espontaneidade.

No exemplo acima, o equilíbrio através da tensão é usado através da posição do texto forte alinhado à esquerda no topo da página, que contrasta com a imagem posicionada na parte inferior direita.

Além desses, existem outros conceitos relacionados ao equilíbrio no design:

• Equilíbrio Radial: Elementos são organizados em torno de um ponto central, como os raios de uma roda. Este tipo de equilíbrio é frequentemente usado em design floral e arte mandala.

• Equilíbrio de Cristalografia: Inspirado na natureza, este equilíbrio ocorre quando os elementos são distribuídos de forma irregular, mas ainda há uma sensação de equilíbrio e padrão.

O equilíbrio no design não se refere apenas à simetria física, mas também ao equilíbrio visual percebido.

Elementos com cores mais vibrantes, formas mais complexas ou tamanhos maiores terão mais peso visual e atrairão mais atenção.

Portanto, você deve considerar como equilibrar esses elementos para evitar que um lado da composição pareça mais pesado que o outro.

Perguntas e respostas sobre os princípios de design

Alinhamento

Como usar o princípio de alinhamento no design gráfico?

Resposta: Alinhe elementos para criar uma aparência coesa e organizada. Por exemplo, alinhe texto e imagens à esquerda, direita ou centro para manter a consistência. Evite posicionar elementos de forma aleatória, pois isso pode causar confusão visual.

Proximidade

Como a proximidade afeta a percepção visual em um design?

Resposta: Você pode agrupar elementos relacionados para criar uma hierarquia visual clara. Por exemplo, coloque legendas próximas às imagens correspondentes. Não espalhe objetos de forma arbitrária, pois isso pode dificultar a compreensão do conteúdo.

Repetição

Por que a repetição é importante em um design?

Resposta: Repetição ajuda a fortalecer a identidade visual e unificar o design. Por exemplo, repita cores, fontes e estilos de borda em todo o projeto. Evite excesso de repetição para não tornar o design monótono e cansativo.

Contraste

Como o contraste pode ser utilizado para destacar elementos em um design?

Resposta: Usar cores, tamanhos e formas contrastantes ajuda a criar pontos focais. Por exemplo, use uma cor vibrante para botões de chamada para ação em um fundo neutro. Evite combinações que dificultem a leitura, como texto claro em fundo claro.

Hierarquia

O que é hierarquia visual e como aplicá-la?

Resposta: A hierarquia permite organizar elementos por ordem de importância usando tamanho, cor e espaçamento. Por exemplo, use títulos maiores e em negrito para destacar seções principais. Não sobrecarregue o design com informações desorganizadas, pois isso pode confundir o leitor. Destacar tudo significa que nada será destacado.

Equilíbrio

Qual a diferença entre equilíbrio simétrico e assimétrico?

Resposta: Equilíbrio simétrico pode ser usado para formalidade e estabilidade, como em convites de casamento e identidades visuais delicadas. Use equilíbrio assimétrico para dinamismo e interesse visual, como em layouts de revistas. Evite desequilíbrio que cause desconforto visual, como elementos pesados em um lado e vazios no outro.

Concluindo

Você conseguiu compreender a importância de cada princípios fundamental de design e como ele pode ser usado em seus projetos? Tem alguma dúvida? Use a seção de comentários abaixo e vamos conversar.

Você também pode aprender ainda mais comigo através dos meus cursos no Clube do Design PRO. Te vejo lá1

Referências

• Os princípios do design e sua importância
• Quais são os Princípios do Design?

Depois disso, comecei a trabalhar em uma gráfica, aprendi sobre impressão, CorelDRAW, design editorial e como fazer fotolito (um tipo de filme usado para revelar as chapas de impressão).

Após alguns anos e graças a minha curiosidade, fui chamado para trabalhar em uma fabrica de alumínio multinacional, onde eu criava todo tipo de projeto de design gráfico, panfletos, cartazes, artes para redes sociais, revistas, informativos, campanhas de publicidade e outras coisas.

Só fiz faculdade depois dos 30 anos e nem foi na área de design. Me formei em marketing pela Estácio em um curso à distância. Isso me ajudou a arrumar um emprego melhor com um bom salário.

Isso nem faz muito tempo, tenho 36 anos e recentemente comecei uma pós-graduação em influência digital. Antes de ter um diploma, ganhei dinheiro fazendo arte, criando, imprimindo.

Pois é, você não precisa de faculdade pra fazer nada disso.

Eu não sou um criativo excepcional, não crio identidades visuais que ganham prêmios internacionais, mas sou bom o suficiente para trabalhar na área de comunicação de uma grande empresa e receber um bom salário, hoje, acima dos 10 mil reais por mês.

Talvez você queira aprender design para transformar isso na sua carreira. Talvez você só queira criar coisas legais para a sua igreja.

Não faz diferença, eu comecei lendo revistinhas e assistindo vídeos em uma época onde a internet ainda era novidade, pode ter certeza que hoje em dia qualquer pessoa pode aprender design, ou pelo menos aprender a criar coisas minimamente decentes.

Aprender design gráfico não é difícil! Eu considero mais fácil do que muitas outras coisas que eu tentei aprender e não consegui. Você pode aprender design apenas dedicando algumas horas do seu dia para estudar, ler e observar.

O objetivo deste texto é te dar um norte, te mostrar o que você precisa aprender e o que você precisa fazer para se tornar um profissional criativo, trabalhar em uma infinidade e profissões ou só editar uma foto sua com seus amigos no Photoshop.

E se você quiser aprender mais comigo, considere conhecer a minha escola de treinamentos online, o Clube do Design PRO.

Primeiro passo: Aprenda a observar

Uma das coisas que vai te fazer aprender design gráfico mais rápido é se tornar bom em observar. Observe os panfletos, cardápios, outdoors, as janelas das casas, os letreiros na tela da TV durante o jornal.

Observe um cartaz e tente entender como o criador organizou os elementos e as informações no papel, o formato das letras, as cores que usou para criar aquele resultado.

As redes sociais são um prato cheio! Veja os anúncios da sua timeline, os botões, as formas e as imagens. Siga perfis de designers ou influenciadores criativos que falem sobre design.

De nada adianta você ir direto para o Photoshop se não for capaz de construir ideias e imaginá-las na sua cabeça. Isso você consegue com repertório, repertório é o que você consegue observando, lendo, sentindo, memorizando, lembrando.

Observe esta página que você está lendo agora, como o logotipo do meu site esta posicionado, os menus, a faixa no topo que divide os elementos de navegação do resto do conteúdo, o espaço que há entre eles, a ordem em que foram posicionados.

Com o tempo, você vai fazer isso automaticamente, analisando e criticando tudo o que você vê ou toca. Este é o primeiro passo.

Segundo passo: Aprenda a rascunhar

Você não se torna um pintor simplesmente porque comprou pinceis. Assim, você também não será um designer só porque sabe usar o CorelDRAW.

Por isso, aprenda algumas noções básicas de desenho para que você se sinta confortável em fazer rascunhos e traçar suas ideias.

Não é necessário nada além disso, a menos que você queira ser um ilustrador (desenhista profissional).

Se um dia você quiser editar uma foto e precisar retocar alguns detalhes no Photoshop, entender de luz, sombra e geometria simples vai te ajudar a encontrar soluções mais fácil.

Não é necessário ir para uma sala de aula para isso, assista alguns tutoriais de desenho básico, pegue os livros Desenho para Leigos, Como desenhar de forma errada ou Técnicas de desenho e pratique meia hora por dia durante um mês. Pronto!

Existem carreiras que precisam de habilidades de desenho, como um designer de jogos que deve criar personagens ou cenários, mas para boa parte do que você vai criar no mercado de design gráfico, o desenho é dispensável.

Terceiro passo: Aprenda teoria do design gráfico

Leia o meu texto Princípios fundamentais do design gráfico. Leia também o livro Design para quem não é designer, ele vai te ensinar o primordial, os fundamentos de design essenciais para qualquer coisa que você for criar na sua vida.

Eu recomendo que compre o original, mas ele já foi bastante pirateado e pode ser encontrado facilmente buscando no Google.

Procure por livros de tipografia, que vão te ensinar como as letras e famílias tipográficas são usadas para dar voz aos projetos de design.

Leia o livro O essencial da cor no design. Este livro é muito útil para você entender como enxergamos as cores e como elas se formam, além do uso e importância durante toda a história da humanidade.

Leia o livro Layout, e também Grid: Construção e Desconstrução, e ainda Sistemas de Gralhas: Um manual para designers gráficos e descubra todo o universo de estruturas que regem o design gráfico e tipográfico (letras e textos).

Explore a história do design com o livro Design: História, Teoria e Prática do Design de Produtos, experimente outros assuntos que, de alguma maneira, despertem a sua criatividade como: fotografia, design de produto ou design editorial.

Eu tenho um guia de estudos que você pode baixar de graça aqui, nele você vai encontrar uma lista de assuntos e os livros onde pode estudar sobre cada um deles.

Apesar de livros serem uma das melhores maneiras de conseguir todo esse conhecimento, a internet é um mar de conteúdo onde você pode aprender de graça.

Procure no Google pelos assuntos mencionados e não perca tempo!

Quarto passo: Aprenda alguns conceitos de experiência de usuário (UX)

Quando você cria um design, está criando uma solução para um problema. A maioria das peças que você criar vai receber a interação de alguém, seja uma pessoa que vai ler o seu documento, visualizar o seu outdoor ou navegar pelo site que você construiu.

Quando uma pessoa precisa fazer um pedido num restaurante, ela vai interagir com o design do cardápio. O mesmo acontece se esse restaurante usa um aplicativo ou um site para receber os pedidos.

Por isso, é importante conhecer e aprender sobre experiência do usuário, também chamada de UX (User eXperience).

Por sorte, existem muitos sites legais que ensinam isso de graça, como o UX Colective. Este texto aqui do RockContente também é bastante útil. Leia também o texto da Liferay sobre o assunto.

Este tema pode parecer complicado para quem está começando, mas não desista, procure por textos que expliquem de forma mais básica e simples como a experiência dos usuários é importante para o seu projeto.

Recomendo os livros (em ordem de dificuldade) Enviesados, escrito pelo Rian Dutra, que posta dicas muito boas no seu perfil do Instagram. Leia os excelentes Não me faça pensar (tem uma versão mais antiga, que é mais barata), A Jornada do Usuário e Design do Dia a Dia (este é um livro obrigatório, mas é uma leitura mais densa).

Se você não tem como comprar um livro agora, o bom e velho Google pode te ajudar, faça buscas pelos termos “o que é experiência do usuário”, “fundamentos do design” ou “princípios de tipografia”, por exemplo.

Quinto passo: Aprenda a escrever

Metade das coisas que eu aprendi foi enquanto criava conteúdo para o meu blog pessoal (este que você está lendo agora). O Clube do Design já teve mais de 3 mil textos, eu trabalho nele desde 2011.

Em 2020 eu decidi recomeçar tudo do zero, sob uma perspectiva mais profissional e, veja só, estou aqui escrevendo este texto pra você.

Um sinal claro de um designer ruim é que os seus esboços de projetos estão cheios de textos sem sentido, apenas para marcar o lugar onde vai entrar o texto do cliente, o famoso Lorem Ipsum.

Um bom designer é um comunicador, ele pensa em toda a experiência, escolhendo cada palavra que vai usar no seu projeto com cuidado.

Mesmo que o seu cliente envie todos os textos que você vai usar em um cartaz, saber escrever te permite contribuir de forma significativa com o resultado final, aumentando o seu valor para o cliente.

Escreva suas ideias, escreva o que aprendeu, ensine. Uma excelente alternativa é tentar escrever algo que acabou de aprender como se estivesse explicando para outra pessoa.

Quer ver um exemplo disso? Consulte a minha série sobre HTML, onde eu estou aprendendo HTML e publicando o que aprendi aqui no blog.

Você pode usar aplicativos de anotações para guardar os seus textos, como o Notion que é grátis e funciona em todos os dispositivos e navegadores, One Note da Microsoft ou até mesmo o Google Docs.

Não é necessário mostrar seus textos ao mundo, mas se você fizer isso, vai dar um passo importante e começar uma jornada na internet que será muito útil no futuro.

Você pode publicar seus textos no Medium ou Substack (plataformas de compartilhamento de conteúdo profissional), pode criar um blog no wordpress.com e aprender enquanto compartilha com outras pessoas.

Leia o livro Ideias que colam, ele vai te ensinar como hipnotizar os seus leitores. Aprenda sobre os tons de voz ativa e passiva e também sobre como as marcas também tem voz.

Sexto passo: Aprenda a usar os aplicativos de design

Agora que você já tem uma base bastante sólida, tanto visual quanto de UX, está pronta(o) para aprender a usar o Photoshop, Illustrator, InDesign ou o que precisar.

Na verdade, eu recomendo que você aprenda primeiro o Illustrator ou CorelDRAW, que são os aplicativos mais versáteis usados para criar logotipos, panfletos e outros tipos de materiais para impressão e internet.

Depois, passe para o Photoshop ou outro editor de imagem, que vai te permitir editar fotos, recortar imagens e fazer montagens para usar em seus projetos.

Você também pode experimentar outros aplicativos mais acessíveis, como o Affinity Designer (equivalente ao Illustrator) Affinity Photo (equivalente ao Photoshop) ou Affinity Publisher (equivalente ao InDesign, para diagramação de livros e revistas).

Todos eles você pode aprender na minha escola de treinamentos online ou estudar de graça, comigo, lá no meu canal do Youtube.

Como aprender Illustrator

Você pode encontrar muito conteúdo gratuito na internet, você pode estudar com os tutoriais que eu publico no meu canal do YouTube, além disso, veja também os vídeos do canal do Walter Mattos.

Se quiser dar um passo adiante e aprender recursos profissionais, pode fazer este curso profissionalizante.

Como aprender Photoshop

Do mesmo modo, também há bastante conteúdo sobre o Photoshop, nesta playlist você pode aprender os recursos fundamentais do aplicativo para editar imagens.

O canal Photoshop Para iniciantes é um prato cheio para quem quer ser aprofundar na edição de imagens. Se você sabe inglês, pode acompanhar o conteúdo excepcional do PiXimperfect.

Eu também tenho um treinamento que vai te ensinar tudo o que você precisa saber para editar imagens e criar suas próprias montagens fotográficas.

Aprenda outros aplicativos

Existem vários aplicativos que te ajudam a criar todo tipo de resultado, e você pode aprender um ou vários, a depender do tipo de profissional que você quer ser.

Para criar projetos gráficos como logotipos, panfletos, cartazes você pode aprender os já mencionados Illustrator, CorelDRAW, Affinity Designer, ou o gratuito InkScape.

Para editar imagens, fazer retoques e também criar fusões baseadas em fotos, pode aprender Photoshop, Affinity Photo ou Gimp (que é gratuito).

Para construir revistas, livros, jornais, ebooks, design editorial de modo geral, pode aprender InDesign, Affinity Publisher ou Scribus (gratuito).

Para criar protótipos para sites, aplicativos e outros recursos de experiência de usuário você pode aprender Figma ou Adobe XD.

Para edição de vídeo e efeitos especiais, aprenda Adobe Premiere, Adobe After Effects, ou os gratuitos Davinci Resolve e Capcut.

Durante a sua jornada de aprendizado e pesquisa, você vai encontrar uma infinidade de aplicativos, ferramentas e recursos que podem ajudar no seu trabalho de alguma forma, não tenha medo de experimentar e, acima de tudo, não se limite.

Muita gente gosta de ditar o que você deve ou não deve usar para criar seus trabalhos, o jeito mais simples de decidir sobre isso é: se te ajuda a criar e ganhar dinheiro, vale a pena aprender.

Conheça algumas especialidades

Você quer criar sites, aplicativos para smartphone, logotipos, revistas? Explore todos eles e escolha o que você gosta mais. Você verá muita gente na internet ensinando como criar logotipos, mas isso não é 1% do que as empresas e clientes precisam.

Aprenda design de logotipos

Criar logotipos é uma excelente maneira de conseguir seus primeiros clientes e desenvolver o que você aprendeu. Leia o livro Design de Logotipos: Mais de 300 cases Internacionais Desconstruídos e Analisados.

Muito além de criar logotipos, aprenda a criar marcas. Aprenda o que é branding, leia este texto do Rocket Content e este outro da RD Station. Leia os livros Gestão Estratégica de Marca, A (r)evolução do Branding, Personal Branding: Construindo sua Marca Pessoal.

Aprenda design gráfico e design editorial

Criar projetos para impressão como panfletos, cartazes ou até posts para redes sociais são habilidades fundamentais que vão te ajudar a conseguir muitos clientes.

Leia o livro Curso de design gráfico e também o livro Do material ao digital para se aprofundar neste tema.

Outra habilidade que é pouco encontrada no mercado mas que é bastante valorizada é o design editorial, que atende a criação de revistas, livros, jornais e outros tipos de publicações que exigem grandes volumes de paginas combinadas a estruturas organizadas e sólidas.

O livro Design Editorial: Jornais e revistas, mídia impressa e digital é um excelente ponto de partida, foi a minha primeira leitura sobre o assunto. O já mencionado Layout também vai te ajudar com isso.

Aprenda design de aplicativos móveis

Explore o universo de UI e UX criando interfaces para aplicativos com Figma. Acompanhe as postagens de blogs como o UX Collective e descubra o que é preciso para criar seus próprios aplicativos. Leia o livro Design Centrado no Usuário e Padrões de Design para aplicativos móveis.

Lembra o que eu disse sobre ser bom em observar? Analise os aplicativos que você usa diariamente, o que pode melhorar? Quais decisões de design você tomaria para torná-lo mais fácil de usar?

Experimente recriar o design das telas destes aplicativos e fazer protótipos navegáveis no Figma.

Aprenda web design

Construir sites e soluções para a internet, é isso que faz um web designer. Muito do que aprendi sobre web design foi graças ao trabalho com meu blog.

Hoje em dia, tudo funciona na internet e precisa de um site para funcionar. Aprenda sobre como criar Blogs e como criar sites em WordPress.

Crie o seu próprio blog e coloque os seus textos nele.

Estude HTML e pratique diariamente como você pode construir páginas de internet apenas escrevendo no seu bloco de notas. Eu comecei uma série de textos aqui no Clube do Design que pode te ajudar com isso.

Procure no Google por dicas de como criar seu primeiro site usando WordPress ou outra plataforma que não exija aprender programação (no code).

Aprenda edição de vídeo

Não é segredo para ninguém que os vídeos dominaram as redes sociais. Muito além do que você vê no Instagram ou Tiktok, as empresas também usam vídeos para se comunicar e conquistar seus próprios clientes.

Estude sobre cinema e fotografia, aprenda aplicativos de edição de vídeo como Adobe Premiere, After Effects, Davinci Resolve e Capcut.

Leia o livro Vídeo Marketing, siga os canais Brainstorming Tutoriais, Cara da Foto, Casal REC, Ale Rodrigues, AV Makers e, acima de tudo, assista a esta playlist sobre Fotografia do canal Fundos da Porta.

Aprenda social media

Mesmo que seja apenas para compartilhar as suas próprias ideias, aprender sobre as mídias sociais é muito importante. As mídias sociais são uma plataforma poderosa para mostrar o seu trabalho para as outras pessoas, criar uma identidade on-line e chamar a atenção de clientes em potencial.

Você encontra muito conteúdo disponível nas próprias redes sociais, como o perfil do Paulo Cuenca, Agência de Bolso. Siga os já citados blogs de marketing digital como o Resultados Digitais e Rocket Content.

Leia o livro “Leia isto se quer ter muito sucesso no Instagram”, Liberdade Digital e Manual do Social Media.

Aprenda inglês (dica extra)

Este é o meu calcanhar de Aquiles, eu já perdi muitas boas vagas de emprego por não saber falar inglês. Se você quer aumentar significativamente as suas chances em qualquer profissão, aprenda inglês, é uma espécie de chave mestra para qualquer oportunidade de trabalho.

E depois de tudo isso?

Conhecer e explorar cada uma destas habilidades te torna um profissional generalista, que pode atuar em diversos segmentos diferentes, uma especie de canivete suíço ou “faz tudo”, o que aumenta as suas chances de sucesso em um mercado cada vez mais exigente de versatilidade.

Outra alternativa a se considerar é se tornar especialista em uma habilidade específica, o que reduz as suas opções de mercado mas também pode garantir bons rendimentos de nichos específicos.

Mas não se apresse, a maioria das coisas que eu citei são habilidades que, de uma forma ou de outra, serão necessárias e uteis para qualquer trabalho que você desempenhar.

Construa um portfólio

Não é necessário ter faculdade para começar a trabalhar com design mas você precisa ter um portfólio (catálogo com seus próprios trabalhos).

Mas como você pode ter um portfólio se ainda está começando? A resposta é bem simples: Crie seus próprios projetos.

Uma boa alternativa é criar redesigns de marcas famosas, reimaginando seus logotipos, embalagens, sites ou outros recursos que chamem atenção.

Procure na internet por sites mal projetados e faça a sua própria versão melhorada.

Crie modelos de camisetas, cartazes ou panfletos com ideias originais ou reimaginadas de algum outro profissional que você goste.

Procure por pequenos negócios na sua cidade e imagine como seria construir seus logotipos, fachadas, embalagens ou seus perfis profissionais nas redes sociais.

Siga perfis no Instagram e recrie suas postagens usando suas ideias.

Copie, roube, roube no início. Não se preocupe em fazer tudo original, isso você faz depois, quando estiver mais experiente.

Não há nada de errado em tocar as músicas de outros cantores até que você consiga fazer as suas próprias canções.

Leia o livro Roube como um Artista e aprenda como se inspirar em trabalhos de outros profissionais de um jeito inteligente.

O livro Mostre o Seu Trabalho, do mesmo autor, ensina a tornar o seu trabalho conhecido, e também o livro Siga em frente, para se manter criativo por mais tempo.

Os três livros podem ser comprados juntos no Box Criatividade de Ausin Kleon.

Mas onde você pode mostrar tudo isso?

Você pode criar um perfil no Behance, uma rede social da Adobe para profissionais criativos mostrarem o seu trabalho.

Tem também o Dribbble e o Artstation, que reúnem trabalhos de profissionais criativos do mundo todo.

Você também pode usar o seu perfil no Instagram ou, se quiser evitar a concorrência de outros perfis, criar um site próprio e exibir o seu portfólio.

Consiga um emprego como designer

Antes de trabalhar como designer eu tirava cópias, redigia currículos, recibos, contratos e editava fotos 3×4 para documentos.

Depois de algum tempo, eu tentei uma vaga em uma gráfica, disputando com outras pessoas que tinham mais experiência do que eu, mas eu tinha algumas vantagens:

• Eu sabia como trabalhar com clientes
• Eu tinha experiência com copiadoras e impressoras laser
• Eu era rápido em usar o computador e sabia usar o Photoshop
• Eu era curioso e aprendia tudo muito rápido, treinei CorelDRAW por algumas semanas antes de tentar a vaga

Se eu tivesse que disputar por uma vaga hoje, talvez eu focasse em aprender algo sobre web design ou desenvolvimento de aplicativos, para conseguir trabalhar ao lado de desenvolvedores.

Os designers da indústria de tecnologia (interação, web design, aplicativos) estão em alta e recebem um bom salário. As melhores vagas estão neste segmento. Saber trabalhar com desenvolvedores é a vantagem que você precisa hoje em dia.

Conheça o site Interaction Design Foundation e se mantenha atualizado sobre o que acontece no mundo do design de produtos.

Se o seu objetivo for trabalhar em grandes empresas, saiba que existe um universo imenso longe das agências de publicidade ou dos estúdios de design.

Eu sou Analista de Comunicação e trabalho em uma empresa de geração de energia. Desenvolvo todo tipo de campanha publicitária, peças criativas e soluções de comunicação que ajudam a minha empresa a falar com seus empregados, clientes e acionistas.

É o tipo de cargo generalista que eu mencionei anteriormente, onde dominar diferentes disciplinas é fundamental.

Nem sempre uma vaga de emprego está descrita como “designer”, quando buscar uma vaga, procure por termos como “assistente de comunicação”, “assistente criativo”, “assistente de criação”, “assistente de marketing”, “assistente de redes sociais” para cargos de nível médio.

Para os cargos de nível superior, é possível procurar por “analista de comunicação”, “analista de marketing”, “analista de conteúdo”, “diretor de arte”, “product designer”, “analista criativo” entre outros termos relacionados.

Aprenda sobre comunicação, marketing, jornalismo, análise de dados. Empresas como Vale, Petrobras, Alcoa e outros grandes nomes da indústria, investem pesado em profissionais que atuem na comunicação integrada, para resolver problemas que muitos designers nem sonham em criar.

Continue aprendendo, sempre

Não perca tempo com distrações, use as redes sociais para lazer, mas também para seguir perfis de profissionais que, de alguma forma, te ajudem a aprender mais. Mergulhe de cabeça no seu desenvolvimento profissional, leia livros, siga sites e blogs.

Você pode usar o Feedly para cadastrar sites e blogs e receber todas as novidades que publicarem em um só lugar.

Invista em treinamentos e cursos de capacitação, como os que eu tenho no Clube do Design PRO, participe de feiras, workshops presenciais ou online, assista lives de canais criativos no Youtube.

Sempre tem alguém fazendo lives e semanas de treinamento grátis, ainda que seja para tentar te vender algo, consuma o conteúdo grátis, ele vai te ajudar.

Eu trabalho em diversos projetos paralelos, todos relacionados a minha carreira e área de atuação. Eu tenho um Canal no Youtube, um Perfil no Instagram, um Canal no Telegram e também este blog que você está lendo aqui. Mais recentemente comecei uma comunidade no Reddit.

Continue sempre aprendendo, continue criando.

É o caso da Sulamoon, ilustradora que publicou em suas redes sociais que não usa mais nenhum software da Adobe.

Mesmo depois de 20 anos trabalhando com o Photoshop, ela abandonou o aplicativo e adotou o Clip Studio Paint como sua ferramenta de trabalho.

Diante disso tudo, resolvi criar este texto onde eu reuni 5 alternativas aos softwares de design gráfico da Adobe.

Mas não qualquer alternativa, eu separei uma lista de softwares totalmente grátis ou de código aberto, focando na tríade criativa: Photoshop, Illustrator e InDesign.

Essa lista serve para você que também está pensando em trocar a Adobe, ou simplesmente está procurando ferramentas que te ajudem no seu dia a dia de trabalho criativo, sem precisar gastar um dinheiro. Vem comigo!

Alternativa ao Adobe Photoshop: GIMP

Temos boas alternativas pagas ao Photoshop, como o Affinity Photo, mas quando se trata de uma alternativa totalmente de graça o GIMP acaba sendo o melhor substituto.

Ele é um editor de imagens de código aberto disponível para Linux, Mac, Windows e outros sistemas operacionais. Fornece uma série de ferramentas sofisticadas que facilitam o trabalho de designers gráficos e fotógrafos.

Da manipulação de imagens de alta qualidade à criação de artes para mídias sociais, o GIMP permite criar ícones, elementos de design gráfico, recursos de gerenciamento de cores etc., e as opções de personalização, juntamente com plugins de terceiros, deixam seu trabalho ainda mais fácil.

É bem provável que você já tenha o GIMP está instalado no seu computador. Se não, o link aqui na descrição vai te lavar para a página de download.

https://www.gimp.org

Uma segunda alternativa ao Photoshop: Photopea

Esse carinha aqui já me salvou várias vezes quando eu precisei editar uma imagem longe do meu computador de trabalho.

O Photopea é um editor de fotos baseado na web que roda diretamente no seu navegador de internet sem a necessidade de instalação. Ele foi criado para ser uma alternativa simples e acessível aos editores de fotos tradicionais.

Oferece uma opção rápida e sem custos para tarefas simples de edição de fotos, além de ser acessível em qualquer sistema operacional.

Tem suporte aos formatos de programas já utilizados profissionais, como PSD do Photoshop e XCF do GIMP, AI do Illustrator, CDR do CorelDRAW, PDF e SVG.

Se você ainda não conhecia, esse vale a pena experimentar.

https://www.photopea.com

Alternativa ao Adobe Illustrator: InkScape

A principal alternativa ao Illustrator, para muita gente, é o CorelDRAW, eu recomendo que conheçam o Affinity Designer, mas como o nosso lance aqui é GRÁTIS, o Inkscape é o cara!

Software de código aberto, é um excelente substituto para o Adobe Illustrator. Além de um poderoso editor vetorial, tem ferramentas de desenho flexíveis, compatibilidade de formatos, ferramentas de texto excelentes.

Permite criar gradientes e texturas complexas, agrupar, trabalhar com camadas e bloquear objetos, mantendo um fluxo de trabalho simplificado.

Se você já trabalha com o formato de arquivo SVG, o Inkscape oferece pacotes de gráficos vetoriais de código aberto. Além disso, ele é compatível com os sistemas operacionais Mac, Windows e Linux.

https://inkscape.org

Uma segunda alternativa ao Illustrator: Vectr

O Vectr é um editor de gráficos vetoriais gratuito que funciona no seu navegador de internet, simples e poderoso permite projetar e editar gráficos vetoriais em uma curva de aprendizado relativamente simples.

Ele integra algumas ferramentas de IA para remover fundos de fotos, e o já bastante comum recurso de texto para imagem generativa

Uma coisa bem interessante do Vectr é que ele possui um mecanismo de rastreio de imagens, que permite transformar imagens em gráficos vetoriais.

Tem ferramentas bem intuitivas e certamente é uma ótima alternativa para quem precisa fazer uma edição rápida sem precisar instalar nada no computador.

https://vectr.com

Alternativa ao Adobe InDesign: Scribus

Quando se trata de uma alternativa ao InDesign, o Scribus é o primeiro nome da lista, na verdade é o é o único, já que não temos outras opções grátis ou de código aberto. O Affinity Publisher é ótimo e barato, é pago, mas o preço da licença universal vale a pena.

O Scribus é um aplicativo gratuito e de código aberto disponível para todos os principais sistemas operacionais e é baseado framework gratuito Qt.

Além de ser pensado para o layout de páginas, ele também pode criar apresentações e formulários PDF animados e interativos. É o software ideal para design editorial, criação de jornais, revistas, folhetos, informativos, livros e até projetos de design como panfletos e cartazes.

https://scribus.net

Nivele as suas expectativas

Não dá para comparar um software comercial, como os da Adobe, que recebem milhões de dólares em desenvolvimento, com softwares grátis ou de código aberto.

Mas estamos caminhando para um cenário muito mais acessível no segmento de softwares criativos, e você pode ajudar apoiando estas iniciativas, usando estes aplicativos e participando dos fóruns e comunidades que existem em torno deles.

Temos ótimas alternativas pagas e que não dependem de uma assinatura, como os programas da Serif. Os softwares de código aberto podem alcançar os mesmos patamares, desde que a comunidade colabore.

O software 3D Blender é um exemplo disso, é uma das ferramentas 3D mais usadas atualmente. Outro exemplo é o WordPress, que domina o mundo de criação e gerenciamento de sites.

O que você achou destas alternativas? Conhecia alguma delas? Eu também posso fazer uma segunda lista contemplando outros softwares que ficaram de fora, o que acha? Conta aqui para mim nos comentários e vamos nos falando.

Até a próxima!

Quando se trata de imprimir imagens, entender a relação entre o tamanho de impressão e a resolução da imagem é fundamental para garantir que suas fotos saiam nítidas e com boa qualidade.

Nesse texto eu vou te ensinar o necessário para você nunca mais errar na hora de imprimir. Mas antes de colocar a mão na massa e aprender a calcular tamanho de imagem e resolução, tem dois conceitos fundamentais que você precisa entender primeiro.

Entendendo a resolução de imagem e resolução de saída

A resolução de imagem refere-se à quantidade de pixels contidos em uma imagem. É um fator crucial que afeta diretamente a qualidade da impressão.

Se você abrir uma imagem no Photoshop e aumentar o zoom o máximo possível, conseguirá enxergar os pixels que compõe a imagem.

São pequenos quadradinhos coloridos que, à distância, se misturam e formam a imagem na tela. Para determinar a resolução de uma imagem, você deve conhecer a quantidade de pixels em sua largura e altura.

A imagem acima possui 1280 pixels em sua largura, e 1707 pixels em sua altura (1280px x 1707px), esta é a resolução de imagem. Se você multiplicar estas dimensões, terá a resolução total de 2.184.960 pixels, ou 2.1 megapixels.

Por outro lado, a resolução de saída é a densidade desses pixels por unidade de medida, geralmente expressa em pontos por polegada (DPI), indicando quantos pontos de tinta são usados para formar uma imagem impressa.

Em monitores ou telas de celular, essa densidade geralmente é expressa em PPI, que significa Pixels Per Inch (Pixels Por Polegada) e representa quantos pixels do display estão agrupados em uma única polegada.

Quando falamos que uma imagem será impressa em uma resolução de 300dpi, significa que a impressora usará 300 pontos de tinta em uma área de uma polegada quadrada (o equivalente a 2,54 centímetros ao quadrado).

Existe uma infinidade de impressoras capazes de imprimir em diferentes resoluções, e cada resolução é adequada para um tipo de trabalho diferente, como veremos a diante.

Uma compreensão clara desses termos é essencial para calcular o tamanho de impressão adequado. No vídeo abaixo, eu trago uma explicação mais detalhada destes conceitos.

Como calcular o tamanho e a resolução de uma imagem

Uma das principais dúvidas de quem trabalha com material impresso, sejam panfletos, revistas ou mesmo outdoors e outros projetos de grande formato, é o tamanho máximo que uma imagem pode ser impressa sem perder qualidade, ou qual é a resolução de imagem ideal de acordo com o tamanho que será impressa.

Por sorte, é possível calcular estes valores. Para começar, você precisará de três informações essenciais:

• Resolução de imagem: O número de pixels na imagem em sua largura e altura.
• Qualidade de impressão: A resolução de saída desejada para a impressão.
• Tamanho da imagem impressa: As dimensões físicas que a imagem terá quando impressa.

Com esses dados em mãos, você pode aplicar uma regra simples para descobrir qualquer uma dessas informações se as outras duas forem conhecidas.

Calculando o tamanho de impressão da imagem

Eu criei uma planilha que permite calcular todos estes valores de forma automática. Ela está disponível na minha lojinha. Comprando a planilha, você ajuda o meu trabalho a continuar de graça aqui no Clube do Design. Mas não se sinta obrigada(o), eu ensino todas as fórmulas de cálculo logo abaixo e compartilhar este artigo com seus colegas já me ajuda muito. Obrigado pela sua contribuição!

Liute Cristian

Vamos supor que você tenha uma imagem com uma resolução de 3.000×2.000 pixels e deseja imprimir com uma qualidade de 300 DPI.

Qual tamanho máximo que esta imagem pode ser impressa?

Para calcular o tamanho de impressão, você deve usar a seguinte fórmula:

Resolução de saída (dpi) ÷ Resolução de imagem (pixels) = Tamanho de Impressão (polegadas)

Vamos fazer os cálculos na prática, primeiro, encontrando a largura.

Largura (polegadas): 3.000 ÷ 300 = 10 polegadas

Agora vamos calcular a altura, repetindo o mesmo cálculo, só que com o valor de pixels da largura.

Altura (polegadas): 2.000 ÷ 300 = 6,67 polegadas

Aplicando a fórmula, você descobriria que o tamanho máximo de impressão para manter a qualidade, seria de 10×6,67 polegadas.

Para transformar estas medidas em centímetros, basta multiplicar por 2,54, que é o tamanho equivalente de uma polegada. Sendo assim, a imagem poderia ser impressa em até 25,4×16,94cm sem perder qualidade.

Calculando a quantidade de pixels necessária da imagem

Se você estiver procurando um tamanho de impressão específico, é possível calcular a quantidade de pixels que a imagem precisa ter para garantir uma boa qualidade.

Por exemplo, para uma impressão de 8×10 polegadas (20,32×25,4cm) com uma qualidade de 300 DPI, você só precisaria ajustar a formula da seguinte maneira:

Tamanho de Impressão (polegadas) x Resolução de saída (dpi) = Resolução da imagem (pixels)

Vamos calcular na prática, exatamente como no exemplo anterior:

Largura (pixels): 8 x 300 = 2.400 pixels

Altura (pixels): 10 x 300 = 3.000 pixels

Sendo assim, você precisaria de uma imagem com pelo menos 2.400×3.000 pixels, que poderá ser impressa no tamanho 8×10 polegadas em uma qualidade de impressão de 300dpi.

Descobrindo a resolução de impressão usada em uma imagem impressa

Para descobrir a resolução de saída com base no tamanho e na resolução da imagem, você pode rearranjar a fórmula mencionada anteriormente.

Essa informação pode não representar a realidade, já que muitos designers e editores costumam redimensionar suas imagens dentro dos softwares de edição sem se preocuparem com a quantidade de pixels da imagem original.

De todo modo, é um bom exercício para entender como funciona. Então vamos considerar que a imagem foi impressa respeitando as suas dimensões e proporções de resolução reais.

Digamos que uma imagem de 1.000×1.800 pixels foi impressa em um tamanho de 12×21,6 polegadas (30,48 x 54,86 centímetros). Qual é a resolução de saída?

Nossa fórmula fiará assim:

Resolução da Imagem ÷ Tamanho de impressão (polegadas) = Resolução de saída (dpi)

Neste caso, basta descobrir a resolução de um dos lados, o resultado será a resolução de saída da imagem.

Resolução de saída com base na largura: 1.000 ÷ 12 = 83,33dpi

Da mesma forma, se você fizer com a altura; 1.800 ÷ 21,6 = 83,33dpi

No vídeo abaixo, eu demonstro cada um destes cálculos usando uma planilha simples:

Impressão em grandes formatos

Embora quase todos os exemplos que usamos anteriormente considerem 300dpi como qualidade de impressão, ela não é a única que existe. Na verdade, a qualidade de impressão mais comum está em torno de 150dpi. É o que você costuma ver em jornais e catálogos.

Se considerarmos impressões em grandes formatos, como outdoors e outras mídias, a resolução de saída de uma imagem pode ser ainda menor, algo em torno de 15dpi ou até menos.

Calcular o tamanho de uma imagem para projetos de impressão sempre deve considerar a resolução real da saída. Você pode descobrir isso perguntando para a gráfica que vai imprimir, mas as vezes, nem eles sabem! Quando isso acontece, você tem duas alternativas:

1. Usar 300dpis: é o mínimo exigido pela maioria das gráficas, serve extremamente bem para impressos que o leitor pegará à mão, como panfletos, livros, revistas, etc.
2. Calcular a resolução com base na distância de leitura: melhor alternativa para grandes formatos como outdoors e banners.

Na planilha que está disponível na minha lojinha, eu também inclui os cálculos para impressão de grandes formatos. Se não puder contribuir, não tem problema, a fórmula e a lógica de cálculo também estão explicados abaixo.

Liute Cristian

A arte de imprimir grande

Quando observamos um outdoor, não estamos vendo cada pixel individualmente, mas sim uma composição de cores que, à distância, se fundem em uma imagem coesa, exatamente como os pixels se juntando na tela, mostrado na imagem do cachorro no começo deste artigo.

Isso nos leva a um aspecto crucial da impressão em grande escala: a distância de visualização. A nitidez percebida de uma imagem depende de quão longe estamos dela.

Para outdoors, que são vistos a dezenas ou até centenas de metros de distância, a resolução necessária é muito baixa.

Calculando a resolução ideal para grandes formatos

Existe uma equação simples que nos ajuda a determinar a resolução ideal com base na distância de visualização:

2 ÷ Distância em polegadas x 0,000291 = Resolução de saída necessária (dpi)

Você pode ficar bastante curiosa(o) sobre o valor 0,000291. Ele tem relação com o cálculo de acuidade visual, que mede o desempenho de nossa visão. Como é um assunto que eu não domino, deixarei dois textos legais abaixo, se você quiser saber mais:

• Nossos olhos, câmeras e lentes – parte 2
• Tabela de Snellen: uma ferramenta de avaliação da acuidade visual

Voltando ao assunto!

Aplicando essa fórmula, descobrimos que, para um outdoor típico visto a 1800 polegadas de distância (45,72 metros), precisamos de apenas 3,8dpi (que pode ser arredondado para 4).

Isso significa que a quantidade de pixels necessária para uma impressão nítida é muito menor do que muitos designers ou fotógrafos imaginam.

Mas isso não diminui a qualidade da impressão?

Sim, a impressão em baixa qualidade faz parte do processo de grandes formatos, é por isso que calculamos a impressão com base na distância do observador e na capacidade do olho humano em perceber detalhes.

No vídeo abaixo, eu explico por que você não deve se preocupar com a qualidade da imagem, desde que entenda como a resolução de saída para grandes formato funciona.

Concluindo

Trabalhar com design gráfico ou fotografia vai muito além de saber mexer em softwares ou operar uma câmera poderosa. É importante entender como tecnologias de impressão funcionam, além de ter uma boa bagagem de conhecimento em conceitos como resolução de imagem e de saída.

Desta forma, você ser tornará um profissional qualificado para atuar em diferentes setores do mercado criativo, além de conseguir desempenhar o seu trabalho com qualidade.

Se você gostaria de aprender mais sobre tudo isso, considere conhecer os meus cursos do Clube do Design PRO, lá eu ensino como você pode usar ferramentas de design e combiná-las com a sua criatividade para ganhar dinheiro com a sua arte.

Se você tiver alguma dúvida, por favor, use os comentários aqui em baixo e vamos conversar. Até o próximo texto!

Referências:

• Qual maior tamanho para impressão de fotografia?
• How many megapixels do you need to print a billboard?

Sempre que você começar um novo documento HTML, ele deve começar com uma declaração do tipo de documento: <!DOCTYPE html>.

Depois disso, ele deve possuir uma tag <html>. Como em HTML você precisa fechar as tags que abre, o documento terminará com a tag </html>.

A parte que o usuário vê ou interage em um documento HTML fica entre as tags <body> e </body>.

Existem diversas tags usadas pelo navegador que não são mostradas ao usuário, elas geralmente incluem recursos do site, como um código para exibir anúncios ou identificar o nome da página para mecanismos de busca.

Quando você escreve um documento HTML, deve se preocupar com tudo isso, tanto o conteúdo que o usuário vê, quanto aquele que servirá para manter o seu site ou página funcionando corretamente.

Abaixo eu separei um exemplo de um documento HTML completo, incluindo a declaração do tipo de documento (doctype) e as tags HTML de abertura e de fechamento:

<!DOCTYPE html>
<html>
<body>

<h1>Meu primeiro cabeçalho</h1>
<p>Meu primeiro parágrafo.</p>

</body>
</html>

A declaração <!DOCTYPE>

A declaração <!DOCTYPE> representa o tipo de documento que estamos escrevendo e ajuda o navegador a exibir a página corretamente. Essa declaração deve aparecer apenas uma vez, no início da página (antes das tags HTML).

Essa declaração não faz distinção de letras maiúsculas ou minúsculas, isso quer dizer que escrever <!doctype>, com letras minúsculas, também está correto.

Além disso, por não ser uma tag comum, não é necessário fechá-la, basta incluir no começo do documento e pronto, está tudo certo.

<!DOCTYPE html>

Cabeçalhos HTML

Quando escrevemos um texto longo, como este que você está lendo agora, é comum que separemos ele com títulos para organizar melhor as ideias.

Este tipo de separação em HTML acontece através dos cabeçalhos, que são definidos pelas tags <h1> até o <H6> e são ordenadas pelo nível de importância dentro do documento.

Isso quer dizer que um texto que está entre as tags <h1> e </h1> é mais importante no documento do que um texto que está entre as tags <h3> e </h3>.

Podemos entender estes cabeçalhos como capítulos e subcapitulos dentro de um texto, onde o <h1> seria o capitulo principal, e os demais, de <h2> até <h6> , subcapítulos que ajudam a organizar o texto.

<h1>Este é um cabeçalho de nível 1</h1>
<h2>Este é um cabeçalho de nível 2</h2>
<h3>Este é um cabeçalho de nível 3</h3>

Este exemplo mostra que os cabeçalhos são usados para organizar o texto e destacar as partes mais importantes.

Parágrafos HTML

Os parágrafos em HTML são definidos pelas tags <p> e </p>.

<p>Este é um parágrafo.</p>
<p>Este é um outro parágrafo.</p>

Este parágrafo que você está lendo agora está entre as tags “<p>” e “</p>” nesta página, porém, o seu navegador lê e interpreta estas tags, escondendo elas no resultado final, mostrando para você apenas o conteúdo que você está lendo.

Veja abaixo como ele é construído:

<p>Este parágrafo que você está lendo agora está entre as tags "<p>" e "</p>" nesta página, porém, o seu navegador lê e interpreta estas tags, escondendo elas no resultado final, mostrando para você apenas o conteúdo que você está lendo..</p>

Cada novo parágrafo dentro do texto de uma página HTML deve começar e terminar com a tag <p>, dependendo das configurações do navegador, ele adicionará espaços maiores entre os parágrafos permitindo melhor leitura do texto.

Links em HTML

Nem só de títulos e textos se faz uma página HTML, na verdade, um dos seus principais recursos é a capacidade de criar vínculos (ou links) entre diferentes documentos, permitindo que o usuário possa clicar e chegar mais rápido a um destino.

Quando você precisa indicar a presença de um link em um texto HTML, deve usar as tags <a> e </a>. Entretanto, essa tag é um pouco diferente das demais, pois ela possui atributos:

<a href="https://clube.design/">Este é um link</a>

O caminho do link (destino) deve ser especificado com o atributo href, seguido pelo sinal de igual = e a URL (ou caminho) de destino entre aspas.

Os atributos são usados para incluir informações adicionais em elementos HTML. Veremos estes atributos com mais detalhes nos próximos textos.

A tag <a> pode possuir mais de um atributo, mas para evitar confusão, considere, por enquanto, apenas a seguinte estrutura:

<a atributo="dados_do_atributo">Texto que receberá o link</a>

Não tenho certeza se isso deixa as coisas mais fáceis, mas se você tiver alguma dúvida, pode usar a seção de comentários aqui em baixo.

Imagens em HTML

É possível exibir imagens dentro de páginas HTML. As imagens são definidas através da tag <img>.

Assim como a tag <a>, a tag <img> pode receber vários atributos, desde o caminho de onde a imagem deve ser carregada, seu tamanho na tela e outras informações.

<img src="clubedodesign.jpg" alt="Logotipo do Clube do Design" width="104" height="142">

No exemplo acima, o atributo “src” indica o caminho onde está armazenada a imagem a ser exibida.

O atributo “alt” indica um texto alternativo, que funciona como uma descrição da imagem para aplicativos de leitura de tela e também para os mecanismos de busca.

O atributo “width” define a largura da imagem na tela, enquanto que o atributo “height” define a sua altura.

Pode parecer complicado no começo, mas com o tempo e prática, escrever as tags e os atributos HTML será mais fácil.

Como visualizar o código HTML das paginas da internet

Uma ótima maneira de aprender mais sobre HTML é observar como as páginas que você navega diariamente foram construídas. Todo navegador de internet pode exibir o código de uma página, incluindo uma serie de outros recursos.

Você pode ver todo o código por trás desta página que você está lendo, veja abaixo como fazer isso:

Exibindo o código HTML

No seu navegador, clique com o botão direito em qualquer lugar vazio da tela e então escolha a opção “Exibir código fonte” (no Chrome) ou “Ver fonte” (no Edge), ou algo similar, dependendo do navegador que você está usando. Isso abrirá uma janela que contem o código HTML da página.

Inspecionando elemento HTML

Além de ver o código fonte de uma pagina inteira, também é possível analisar todos os atributos de um objeto especifico na tela.

Para isso, clique com o botão direito sobre a página e, em seguida, escolha a opção “Inspecionar” ou “Inspecionar Elemento”, para ver o código HTML e os atributos, bem como código CSS daquele objeto especifico.

Você pode até mesmo editar os códigos diretamente na tela clicando sobre o painel de Elementos ou de Estilos.

Você pode “brincar” com os elementos da página, editando e modificando seus atributos, nada disso afeta a página realmente, ela será restaurada se você clicar no botão para atualizar a página.

Um pequeno exercício

Abra o editor de texto no seu computador e vamos construir um documento HTML com um texto que nos leve até o grupo do Telegram do Clube do Design.

O desafio é o seguinte: O documento HTML deve possuir um título, um parágrafo e um link para o grupo do Telegram.

Primeiro, vamos iniciar o documento com a declaração de tipo de documento:

<!DOCTYPE html>

Em seguida, incluímos as tags <html> de início e fim do documento HTML. Colocando as duas de uma vez você não corre o risco de esquecer de fechá-la quando terminar.

<!DOCTYPE html>
<hmtl>
</hmtl>

Agora, vamos colocar as tags <head> de cabeçalho do documento. Esta tag delimita o conteúdo que só o navegador vai enxergar. Observe que eu já coloco a tag de abertura e de fechamento juntas, só para não esquecer.

<!DOCTYPE html>
<hmtl>
<head>
</head>
</hmtl>

Vamos incluir a tag <title>, ela serve para mostrar título da página que será exibido na janela do navegador. Ela deve ser inerida entre as tags <head> e </head>.

<!DOCTYPE html>
<hmtl>
<head>
<title>Entre para o Clube no Telegram</title>
</head>
</hmtl>

Se o código começar a ficar muito complicado de ler, você pode acrescentar alguns espaços vazios para facilitar a leitura:

<!DOCTYPE html>

<hmtl>

<head>
<title>Entre para o Clube no Telegram</title>
</head>

</hmtl>

Com as coisas melhor organizadas, agora precisamos inserir as tags que determinam onde começa a informação que o usuário vai realmente ler. Para isso, precisamos indicar a tag <body>.

<!DOCTYPE html>

<hmtl>

<head>
<title>Entre para o Clube no Telegram</title>
</head>

<body>
</body>

</hmtl>

Lembre-se, tudo o que estiver entre as tags <body> e </body> será mostrado ao usuário.

Agora, vamos desenhar o nosso capítulo da página, é o título que o usuário vai conseguir ler no nosso documento. Basta colocar a tag <h1> e o seu conteúdo.

<!DOCTYPE html>

<hmtl>

<head>
<title>Entre para o Clube no Telegram</title>
</head>

<body>
<h1>Participe do nosso grupo no Telegram</h1>
</body>

</hmtl>

Geralmente, usamos no título <h1> o mesmo texto colocado no <title> do documento, mas no exemplo acima fiz um texto diferente para evidenciar as tags em uso.

Agora vamos incluir o parágrafo <p> que convida o usuário a participar do grupo:

<!DOCTYPE html>

<hmtl>

<head>
<title>Entre para o Clube no Telegram</title>
</head>

<body>
<h1>Participe do nosso grupo no Telegram</h1>
<p>Clique aqui e entre agora.<p>
</body>

</hmtl>

Tudo certo, precisamos incluir um link para que o usuário possa clicar e acessar o grupo pelo navegador. Então vamos usar a tag <a>. O atributo href= da tag será o endereço do nosso Telegram: https://t.me/clubdodesign/

<!DOCTYPE html>

<hmtl>

<head>
<title>Entre para o Clube no Telegram</title>
</head>

<body>
<h1>Participe do nosso grupo no Telegram</h1>
<p><a href="<https://t.me/clubdodesign/>">Clique aqui e entre agora</a></p>
</body>

</hmtl>

Está feito, agora é só salvar o seu documento de texto no formato .html (eu usei Exercício.html) como eu mostrei no texto anterior, e ver o resultado.

Veja o resultado na imagem abaixo. Observe como a aba do navegador mostra o título “Entre para o Clube no Telegram” enquanto que o título <h1>, no corpo do documento, mostra o texto “Participe do nosso grupo no Telegram”.

Se você clicar no link do texto “Clique aqui e entre agora”, ele mostrará o resultado da nossa primeira página HTML funcionando.

Aliás, entre para o nosso grupo do Telegram pra não perder os próximos textos. Até logo!

Eu explico: com um contrato, você determina as condições, o prazo de pagamento, e pode cobrar uma parte do valor do projeto antes de colocar a mão na massa. Isso te ajuda a ter segurança, evitar prejuízo e garantir que o seu cliente não vai sumir do nada, te deixando na mão.

É sobre isso que você vai aprender a partir de agora!

O que é um contrato de serviços de design?

Um contrato de serviços de design é um documento que estabelece regras, direitos e deveres das partes envolvidas em uma relação comercial. Ele serve para proteger tanto você, designer, quanto o cliente, ajudando a evitar conflitos, mal-entendidos e prejuízo.

Além disso, quem usa contrato transmite profissionalismo e credibilidade, mostrando que leva o trabalho a sério.

• Como elaborar um contrato para prestação de serviços de design?
• Quais são os elementos essenciais que um contrato de design precisa ter?
• Como negociar com o cliente e fazer com que ele assine o contrato?

Essas são algumas das perguntas que eu vou responder neste texto. O meu objetivo é te ajudar a entender a importância de usar contratos nos seus trabalhos criativos, por mais simples que o projeto seja, e como você pode incorporá-los no seu fluxo de trabalho.

Importante: Este texto não deve ser usado como aconselhamento jurídico. Ele foi feito com base na minha experiência de mais de 15 anos trabalhando no mercado criativo. Meu objetivo é compartilhar com você minha visão sobre o assunto e explicar por que você precisa usar contratos no seu negócio criativo, além de te dar dicas sobre como construir um. Alternativamente, eu disponibilizei alguns modelos de contrato que eu uso para você baixar lá na minha lojinha.

Liute Cristian

Para que serve um contrato de serviços de design?

Muita gente não usa contrato por achar que é burocracia desnecessária ou perda de tempo. Mas não se engane, mesmo se você presta serviços comuns, como criar cartões de visita, usar um contrato vai te poupar muita dor de cabeça.

Grandes agências e profissionais que trabalham com projetos de marca, identidade visual ou até mesmo um único cartaz, usam contratos. Eles te protegem de situações que representam prejuízo, como:

• O cliente não quer pagar uma parte do valor antes de começar o trabalho;
• O cliente desistiu do trabalho depois que você já tinha começado;
• O cliente resolveu mudar completamente o tipo de projeto no meio do caminho;
• O cliente recebeu os arquivos do projeto e não pagou o restante do dinheiro;
• O cliente simplesmente sumiu enquanto você construía o projeto.

O contrato é um documento bilateral, que garante direitos a você e ao seu cliente, além de determinar suas obrigações. É um instrumento que ajuda garantir a boa relação de negócios e permite que ambos saibam o que devem ou não fazer durante a construção de um projeto de design.

Deve ser considerado uma parte do seu fluxo de trabalho, fazendo parte da estrutura padrão do seu negócio, como portfólio, ferramentas de atendimento e negociação, além de um bom relacionamento com clientes e fornecedores.

Por que você precisa de um contrato de serviços de design?

Qualquer profissional que valorize o seu trabalho e queira ser levado a sério deve usar contrato. Ao contrário do que muitos pensam, não são apenas grandes empresas que usam este tipo de documento, ele também é usado por profissionais independentes, principalmente freelancers.

Se até hoje você presta serviços sem usar contrato, certamente já passou por situações bem indesejáveis. Mas as coisas podem ser ainda pior, um dia você vai tomar um calote amargo, e o prejuízo vai ser gigante.

Certo, se eu ainda preciso te convencer do por quê é importante usar contratos para serviços de design, vamos listar alguns motivos fundamentais:

1. Garantia de receber pelo seu trabalho

É óbvio que você precisa receber pelo seu trabalho! Alguns clientes podem pagar facilmente, sem dificuldade, porém, o mais comum é que enrolem ao máximo antes de fazer qualquer pagamento.

Podemos considerar alguns clientes verdadeiros fantasmas, eles assombram o seu projeto com pedidos e alterações, e desaparecem de repente, depois que você entregou os arquivos finais.

Existem também aqueles que só pagam uma parte, e depois alegam que o serviço não ficou tão bom, só para ter uma justificativa de não pagar o restante.

Você encontra milhares de histórias assim nos grupos de discussão por aí, mas não importa a desculpa que o cliente use para não te pagar, o contrato vai te dar uma ferramenta legal para quando este tipo de situação acontecer.

2. Estabelece os direitos sobre a propriedade

Depois que você conclui o trabalho do cliente, quem tem direito sobre ele? O cliente tem acesso aos arquivos editáveis ou só os PDFs finais para impressão? O cliente pode fazer alterações por conta própria e reutilizar o trabalho no futuro? E você, pode usar o trabalho no seu portfólio?

Como designer gráfico ou profissional criativo, você deve pensar em todas estas situações e outras relacionadas aos direitos de propriedade intelectual.

Geralmente, quanto mais direitos você transferir para o seu cliente, maior deve ser o preço final do serviço. Você pode oferecer diferentes preços, cada um transferindo direitos específicos.

Se preferir, também pode definir um preço final mais elevado, já considerando que vai liberar todos os direitos e arquivos editáveis quando terminar o projeto.

Não existe regra sobre como você deve entregar os projetos para o seu cliente, é você quem decide em comum acordo com o que ele precisa e está disposto a pagar.

Pense um pouco sobre isso e leve em consideração quais as preferências dos seus clientes e quais benefícios você gostaria de oferecer como um diferencial competitivo no mercado criativo.

Vou te dar um exemplo pessoal: Quando eu elaboro orçamento para o projeto de um cliente, já considero que vou entregar todos os arquivos, incluindo os editáveis. Por isso, meu preço é mais alto que o da concorrência.

O diferencial é que eu garanto um trabalho bem acabado, além de manter todos os documentos dos meus clientes em um backup, que me permite cobrar uma taxa extra caso ele perca os arquivos e precise da minha cópia (isso tudo precisa estar claro no contrato).

3. Evita o desvio de escopo do projeto

Quando você fecha um contrato com o seu cliente, discute as necessidades e define qual será o produto ou serviço a ser entregue. Isso ajuda o cliente a saber o que vai receber, quando o trabalho terminar.

Infelizmente, é comum que alguns clientes solicitem alterações que não estavam previstos no projeto original. O desvio de escopo acontece quando o cliente pede que você faça algo que está fora do combinado.

No começo, a mudança pode ser algo pequeno, que esteja fora do escopo original. Por exemplo, o cliente pede uma revisão extra ou pede que você adicione uma página a mais em um livro.

Por ser uma mudança pequena, você pode considerar que não existe problema em adicionar ao projeto. Outra situação comum é você ter medo de negar, e acabar perdendo o cliente.

Isso é um erro!

Embora essas pequenas mudanças não levem muito tempo, elas são trabalho extra que você está fazendo sem receber. Isso pode virar rotina e você vai se ver num mar de “gentilezas” que não tem retorno financeiro.

Ajustes sutis e que sejam compatíveis ao projeto são compreensíveis e aceitáveis, mas desvios de escopo não são saudáveis para nenhum profissional.

Uma vez que você aceitou fazer uma mudança que está fora do escopo contratado, o cliente vai assumir que pode continuar solicitando trabalho extra sem custo.

Isso vai te levar ao esgotamento e aumento do estresse. Fazer trabalho de graça é um erro comum que muitos freelancers cometem. Não confunda flexibilidade e gentileza com trabalhar de graça, defina bem os seus limites.

O contrato vai te ajudar a evitar essa espiral do prejuízo emocional e financeiro. É importante incluir cláusulas que delimitem o número de alterações e em quais etapas elas podem acontecer (geralmente no rascunho e antes da entrega final).

Você também pode solicitar que o cliente solicite a alteração por escrito, ajudando a documentar todo o andamento do projeto e lhe permitindo contra-argumentar caso a alteração exija cobrança adicional.

Caso o pedido seja uma alteração muito grande, que desvie completamente do escopo original, renegocie os termos, redija um novo contrato e só continue depois que ele estiver assinado, desta forma você garante que você e seu cliente estão andando na mesma direção.

Se você decidir aceitar um trabalho fora do escopo porque é algo rápido e fácil, informe ao cliente que ele não faz parte do acordo inicial, mas que você fará isso uma vez como um gesto de boa vontade.

4. Estabelece datas limite

Alguns clientes acreditam que, depois que você entrega o trabalho, ficará à disposição para resolver qualquer tipo de problema no futuro.

Imagina entregar um projeto que até então estava tudo certo, e três meses depois o cliente volta te fazendo novos pedidos e solicitando alterações?

Um contrato pode evitar isso. É importante que você determine uma data de conclusão clara para o suporte que o cliente vai receber depois que o projeto for entregue.

Isso também pode incluir datas específicas para a entrega de arquivos ou quanto tempo uma cópia do projeto ficará em backup até que tudo seja apagado.

Isso pode ser útil ser você usa um serviço de armazenamento na nuvem e não quer deixar disponível para o cliente por tempo indeterminado.

5. Projetos cancelados

Ninguém quer cancelar um projeto, mas às vezes acontece. De vez em quando surgem clientes que pedem para cancelar o trabalho.

O cliente pode passar por dificuldades financeiras ou mudanças no próprio negócio. Às vezes podem simplesmente querer ir por outro caminho com outro designer.

Por qualquer que seja o motivo, seu contrato deve indicar claramente o processo e as expectativas para o cancelamento do projeto, independentemente de quem pede para encerrá-lo.

Dessa forma, você pode cancelar o trabalho sem abalar a relação de confiança, garantindo que tudo foi feito de forma justa.

Quando você fecha um contrato, supõe-se que está dedicado a este cliente e, com isso, deixa de trabalhar em outros projetos que trariam retorno financeiro.

Portanto, esta seção do contrato deve conter as taxas e os valores que serão tomados como garantia caso o projeto seja cancelado, afinal, todo o trabalho e esforço dedicados até o cancelamento também precisam ser remunerados.

Por isso é importante receber uma parte do pagamento adiantado, garantindo alguma remuneração caso o cliente desapareça ou decida cancelar o projeto no meio do caminho. Deixe claro no contrato quanto deste valor será destinado para multas e cancelamentos.

Você também precisa incluir as penalidades que recairão sobre você, caso decida não continuar com o projeto, por qualquer motivo que seja.

Como criar um contrato de serviços de design?

Agora que você já sabe por quê precisa de um contrato de serviços de design, vamos nos aprofundar na sua construção e nos elementos que devem compor este tipo de documento.

Se você não quer se dar ao trabalho de criar os próprios contratos, deixei disponível lá na minha lojinha 6 modelos de contrato que você pode baixar e usar. É baratinho (menos que um pastel) e você ainda me ajuda a continuar trazendo esse conteúdo aqui para o blog, de graça.

Liute Cristian

Descrição básica do projeto

No início da maioria dos contratos, você encontrará uma visão geral rápida do projeto. Este é o lugar para documentar quais as partes que estão celebrando este acordo (geralmente duas, você e seu cliente) e um resumo do projeto.

Muitas vezes, você pode usar algumas das palavras da sua proposta comercial para ajudar a personalizar essa parte e incluir o que seria o objeto contratual. Veja um exemplo abaixo:

Sabemos o quanto documentos deste tipo podem ser cansativos, mas são importantes para que possamos prestar nossos serviços da melhor maneira possível. Além disso, vamos torná-lo o mais fácil de entender e não incluiremos nenhuma palavra difícil ou letras pequenas para te enganar. 

Queremos desenvolver um projeto consistente e que atenda as suas necessidades, por isso, vamos direto ao ponto e dizer o que nós você vai fazer, o que nós vamos fazer, quanto tempo vai levar e quanto isso vai lhe custar. 

Este contrato está sendo firmado entre [identifique os seus dados como nome, cpf/cnpj, endereço] (contratado ou nós) e [identifique os dados do seu cliente] (contratante ou cliente) e tem por objetivo a prestação de serviços de design gráfico (coloque uma descrição completa e abrangente), conforme estabelecem os termos abaixo. 

Descrição do escopo do projeto

Você não quer que seu contrato pare em uma visão geral básica. Você precisa indicar quais serviços estão incluídos no projeto.

Além disso, precisa descrever minuciosamente o que está sendo construído, quantas páginas, formato, tamanho, peso, recursos a serem usados, técnicas, etc.

Essa descrição ajuda a determinar o escopo do projeto. Você deve detalhar em cada contrato, para cada tipo de projeto, evitando que aconteça a mudança de escopo mencionada anteriormente. Veja um exemplo simples a seguir:

Os serviços que estamos prestando estão descritos abaixo e compreendem o escopo, objeto deste contrato:

- Criação de logotipo com símbolo e texto e respectivo manual de identidade visual

- Criação de itens de papelaria, sendo estes papel timbrado, cartão de visitas e envelope

- Criação de modelo de assinatura de e-mail

Os serviços serão desenvolvidos conforme informações cedidas por você (cliente) via briefing e terão o prazo de atendimento estimado conforme informações fornecidas.

Caso você decida acrescentar novas demandas ao escopo deste contrato, vamos apresentar orçamento separado que, se aprovado, será anexado a este contrato e considerado como um aditivo. 

Detalhes sobre as entregas

Você precisa incluir uma seção onde o cliente possa ver exatamente o que vai receber. É onde entram as especificações de todos os ativos do projeto, como informações sobre formato de arquivo (PDF, JPG, Editável), método de entrega (online? pendrive? impresso? post em uma rede social?)

Ao listar esses detalhes, você pode descrever precisamente o que está incluso e também o que não está incluído na entrega final.

Você também pode incluir um cronograma com todas as datas de entrega ou os prazos esperados para conclusão de cada etapa.

Se for um projeto maior, isso também pode incluir datas de marcos menores. Isso é útil pois ambos podem consultar a linha do tempo para garantir que o projeto esteja progredindo conforme programado.

Como mencionado anteriormente, você também deve incluir uma data de conclusão e um prazo de suporte e garantia, para seus clientes acessarem arquivos armazenados na nuvem ou solicitarem suporte para tirar dúvidas.

Nós vamos entregar a você os projetos e arquivos conforme cronograma e especificações descritos a seguir:

Apresentação da proposta do Logotipo: Até 60 dias após a aprovação do briefing. O projeto será entregue, inicialmente, em formato PDF e, após validação e ajustes, serão disponibilizados arquivos vetoriais .AI e .EPS para logotipo.

Manual de identidade visual: Até 30 dias após a aprovação da proposta. O projeto será entregue exclusivamente em formato PDF.

Itens de papelaria: Até 30 dias após aprovação da proposta de logotipo. Todos os projetos serão entregues exclusivamente em formato PDF.

Assinatura de e-mail: Até 30 dias após aprovação da proposta de logotipo. O projeto será entregue exclusivamente em formato PNG e/ou HTML. O padrão HTML só poderá ser entregue caso o cliente disponha de recursos para o envio (como um servidor de armazenamento de imagens e cliente de e-mail compatível com assinatura HTML).

Os projetos serão entregues por envio de link para download (Google Drive), exclusivamente por e-mail, e ficarão acessíveis pelo período de 60 dias. Após este período, os links serão removidos.

Se você precisar de um novo acesso ou um prazo maior, ficaremos felizes em cede-lo mediante o pagamento de taxa de acesso no valor de R$ XX (valor da taxa por extenso).

Você é o único responsável pelo acesso e armazenamento dos projetos finais, devendo indicar, em um período de até 30 dias após enviarmos o link, qualquer dificuldade de acesso para que possamos saná-la. se em até 30 dias você não se manifestar em relação a isso, vamos considerar que os links estão funcionando e você conseguiu baixar os seus arquivos. 

Responsabilidades do cliente

Até aqui o contrato se concentrou em você como designer e no que você vai fornecer. Mas o processo de design também depende de algumas informações do seu cliente.

Nesta parte do contrato, descreva exatamente o que você precisa do seu cliente. A lista pode conter senhas e nomes de usuário, imagens ou arquivos específicos.

Ao adicionar cada item, inclua quaisquer requisitos de tamanho ou formato e o prazo para que seja enviado a você.

Também é importante descrever o que acontece com os prazos se o cliente não enviar o que você precisa. Dessa forma, o cliente não pode dizer que você está atrasado com o projeto, sendo que ele nunca enviou as informações necessárias. Vera alguns exemplos:

Vamos desenvolver estritamente os projetos descritos no escopo deste contrato, mas para que isso seja possível, contamos com a sua ajuda em ceder informações e outros recursos importantes. Por isso, é de sua responsabilidade os seguintes itens:

- Fornecer as informações solicitadas via briefing de maneira detalhada e com o máximo de clareza;

- Fornecer quaisquer arquivos, logotipos, imagens ou outros recursos necessário à correta execução do projeto;

- Fornecer quaisquer informações textuais que necessitem ser incluídas no projeto, como textos para panfletos, cartões, cartazes, anúncios, entre outros;

- Caso seja necessário adquirir ativos de terceiros, como fontes, imagens de bancos de imagens ou ícones vetoriais, enviaremos um orçamento separado. Você deverá adquirir estes elementos para a continuidade do projeto. Se preferir, também podemos adquirir em seu nome, mas você terá de nos enviar os valores necessários antecipadamente. 

Se por algum motivo você não conseguir sanar qualquer pendência que impeça a continuidade do projeto, os prazos de entrega serão revistos.

Não nos responsabilizamos pela elaboração ou revisão dos textos necessários ao projeto. Dispomos de serviços de redator e revisor, caso o você decida utilizar estes serviços, enviaremos um orçamento separado que, se aprovado, será anexado a este contrato sendo considerado um aditivo.

Detalhes de pagamento

Você precisa ser pago pelo seu trabalho. E o cliente precisa saber quais são as suas condições de pagamento. Seu contrato deve incluir detalhes específicos para que ambos possam concordar com eles.

Nesta seção do contrato, inclua informações sobre:

• O preço do projeto;
• Pagamentos antecipados (depósitos) necessários (isso é importante!);
• Pagamentos de etapas específicas;
• O processo de faturamento, quando você enviará as faturas e os prazos de pagamento.
• Taxas de atraso;
• Taxas de alteração;
• Condições de mudança de escopo.

Pode parecer muito, mas cada parte desempenha um papel fundamental para que você receba em dia.

Para ajudar a facilitar o pagamento, você também deve incluir detalhes sobre suas formas de recebimento. Por exemplo, tem profissionais que aceitam pagamento apenas através de pix, outros preferem usar carteiras digitais, como o PayPal ou Mercado Pago.

Algumas pessoas tem empresas em seu nome e por isso aceitam vários métodos de pagamento, incluindo cartão de crédito. Aqui na minha empresa eu tenho uma conta no banco Inter Empresas, facinho de abrir direto no aplicativo.

Com os bancos digitais modernos, é possível emitir boletos e receber com cartão de crédito sem precisar ter um CNPJ.

Eu consigo fazer isso usando a minha conta do Mercado Pago, que me permite emitir boletos, receber com cartão de crédito e até criar um link de pagamento.

Não importa como sejam suas condições específicas de faturamento e pagamento, descreva em cada contrato que você enviar.

Pela execução dos nossos serviços descritos anteriormente, você nos pagará o valor total estimado de R$ XX (valor por extenso). O valor total é estimado pois o custo poderá sofrer alterações conforme serviços ou recursos extras que sejam contratados por você no andamento do projeto.

Para que possamos iniciar o seu projeto, você deverá efetuar o pagamento de caução em dinheiro no valor de 50% do total estimado, em até 5 dias úteis após a aprovação do briefing. Isso é necessário para que possamos cobrir alguns custos iniciais do projeto, além de servir como garantia pela alocação da equipe de trabalho para desenvolver o seu material.

Se por algum motivo você não conseguir efetuar o pagamento da caução em dinheiro, impedindo o início do projeto, não tem problema, aguardaremos até que o pagamento seja realizado e os prazos de entrega serão revistos após isso.

O valor restante deverá ser pago em até 5 dias úteis depois da aprovação da proposta de logotipo. Se por algum motivo você não conseguir efetuar o pagamento no prazo, o projeto ficará suspenso até que o pagamento total seja realizado.

Toda empresa tem suas despesas e impostos a pagar, e nossa saúde financeira depende que você cumpra com o combinado, por isso, caso você atrase o pagamento final do projeto, será cobrada multa no valor de 2% do total do projeto, além de juros mensais de 2%. 

Sabemos que dificuldades podem surgir, por isso, se você tiver qualquer problema em realizar um pagamento, nos avise antecipadamente e tentaremos chegar em um acordo amigável. 

Caso você decida, por algum motivo, mudar as informações fornecidas no briefing após a apresentação da proposta, implicando na mudança do conceito do projeto, vamos te apresentar um novo orçamento para cobrir os custos do projeto inicial bem como os custos do novo projeto.

Caso você decida, por algum motivo, cancelar a execução do projeto após o início da elaboração da proposta, o valor pago como calção será utilizado pra cobrir os custos de mão de obra empenhada. Isso significa que não vamos devolver o valor pago para que seja possível remunerar os profissionais pelo tempo dedicado à sua demanda.

Caso nós, por algum motivo, não apresentemos a proposta do projeto conforme o prazo estabelecido, poderemos negociar um novo prazo, desde que você concorde com isso. Caso contrário, devolveremos integralmente o valor pago como caução.

Termos de propriedade dos direitos autorais

Projetos de design são considerados propriedade intelectual, como criador(a), você possui direitos exclusivos sobre eles, a menos que você esteja em uma situação de contratado, como empregado de uma agência, por exemplo.

Como proprietário, você pode optar por vender ou doar alguns ou todos esses direitos. Se você não entende muito bem sobre direito autoral, recomendo começar pela Lei 9.610, a partir daí pode conversar com um advogado para tirar as dúvidas que achar necessário durante a criação do seu contrato.

Você e seu cliente devem saber quais direitos você está mantendo e abrindo mão. Ao incluir essas informações em seu contrato, você pode ajudar a evitar problemas de violação de direitos autorais no futuro.

É muito importante que você nos conceda informações legítimas durante a construção do seu projeto, por isso, você assume que qualquer texto, imagem, informação ou ideia apresentada por você através do briefing ou outros meios, não infringe nenhum direito autoral, de propriedade ou patente.

Nós também nos comprometemos em oferecer projetos autorais, exclusivos e inéditos. É claro que num mundo globalizado algumas ideias ou projetos podem ser semelhantes, faremos o possível para que seu projeto seja original, baseados nas informações extraídas do seu briefing.

Ao final deste contrato, desde que cumpridas todas as suas exigências, nós cederemos a você todos os direitos de uso dos projetos criados dentro dos termos. Nos reservamos o direito de usar o seu projeto como item de portfólio disponível publicamente, bem como em apresentações de nossos cases de clientes. 

Rascunhos, revisões e alterações

Depois de concluir o rascunho de um projeto, quantas rodadas de revisão ou pedidos de alteração o seu cliente pode solicitar? Ele pode pedir que você comece tudo de novo se decidir que não gosta do que você criou?

Seu contrato precisa incluir detalhes sobre seu processo de aprovação, revisão e alterações. Muitos designers oferecem até três rodadas de revisão. No entanto, você tem que decidir o que faz sentido para você e o seu negócio.

Considere que alterações também levam tempo, e inclua isso no cronograma do projeto. Quanto tempo depois de receber o rascunho inicial seu cliente tem para solicitar alterações? Quanto tempo o projeto precisará ser adiado caso hajam novas solicitações de mudança?

Pode ser uma boa estratégia dividir o cronograma em etapas, onde alguns prazos só começam a valer depois que o cliente fez a aprovação do rascunho inicial.

Inclua essas informações em seu contrato para que tudo fique claro antes de começar a desenvolver o projeto.

Não limitamos as suas opções de alteração enquanto estamos trabalhando na proposta inicial, você pode solicitar ajustes na proposta do projeto de logotipo desde que se mantenham dentro do razoável e, principalmente, das especificações apresentadas no briefing.

Após aprovação da proposta, não serão aceitos novos pedidos de revisão ou alteração, cabendo ajustes apenas nos demais itens do escopo contratual para que se adequem a proposta apresentada. Estes ajustes se limitam a modificações textuais (como nomes, telefones, e-mails, etc), tipográficas (tamanho ou estilo de fonte) ou ornamentais (planos de fundo, posição e tamanho de imagens, gráficos ornamentais, etc).

Caso tais mudanças impliquem em aumento dos prazos de execução em mais de 7 dias, lhe enviaremos um novo orçamento para revisão dos valores do projeto.

Aprovação e entrega final do projeto

Antes de receber o pagamento final e enviar o trabalho concluído, seu cliente precisa aprovar o que você fez. Quem toma essa decisão final?

Se você está trabalhando com uma pessoa individual, essa pergunta é fácil de responder. Fica mais complicado quando você está lidando com uma empresa maior.

É importante saber quem é o seu ponto de contato e quem tem a palavra final nesses casos. Como as empresas podem precisar passar por um processo de aprovação interno, o seu contrato deve incluir um cronograma que funcione para ambas as partes.

Defina quais pagamentos devem ser feitos antes da entrega final do projeto e se eles acontecem antes ou depois do envio dos arquivos finais.

Empresas maiores podem ter critérios de pagamento específicos e geralmente pagam depois da emissão de notas fiscais. Estes termos precisam ser esclarecidos antes do projeto começar e devem ser refletidos no seu contrato.

Nós sabemos o quanto aprovar uma ideia pode ser difícil, mas é fundamental que você entenda que nossa equipe está dedicada em fornecer a melhor solução para a sua demanda. Dispomos de profissionais com ampla experiência e conhecimento de mercado que vão avaliar o seu negócio e o mercado em que ele atua e desenvolver um projeto que atenda aos seus objetivos de comunicação e design.

Após apresentarmos a proposta inicial, você deverá aprová-la em até 3 dias úteis, isso é fundamental para que possamos cumprir com os prazos propostos. Além disso, você é a única pessoa habilitada para esta aprovação. 

O seu projeto será construído utilizando conhecimentos técnicos e exigimos que sua análise seja feita respeitando o espectro profissional adequado. Isso quer dizer que, nem sempre, a opinião de um parente ou colega de trabalho que não esteja envolvido no projeto, seja a escolha mais adequada.

Caso você não possa avaliar a proposta ou ela exija a aprovação de terceiros (como um gerente ou CEO da sua empresa) você deverá indicá-los e nomeá-los antecipadamente. Estas pessoas precisam estar presentes durante a apresentação da proposta para que tenham conhecimento das informações, conceitos, objetivos e aspectos de construção do projeto.

Os arquivos finais do projeto serão enviados conforme descritos anteriormente, mediante quitação total do saldo devedor do contrato. Concluídas todas as entregas e expirando os prazos de acesso aos links de download, este contrato será considerado concluído. 

Caso você necessite de suporte adicional, ficaremos felizes em fornecer ajuda para tirar dúvidas sobre o seu projeto, caso sejam necessárias edições ou revisão nos arquivos, apresentaremos um orçamento em separado que deverá ser quitado antes de qualquer nova entrega.

Acordo de confidencialidade

Como designer, você terá acesso a informações confidenciais das pessoas e das empresas com quem trabalha.

Um acordo de confidencialidade em seu contrato pode tranquilizar os seus clientes ao garantir que você manterá segredos comerciais, senhas e outros dados pessoais em segurança.

Nos comprometemos em manter qualquer informação sensível fornecida por você sobre o seu projeto ou seu negócio em absoluto sigilo.

Você também se compromete em não compartilhar, sob nenhuma hipótese, os documentos, briefings, orçamentos ou propostas comerciais que lhe enviarmos, para outros fornecedores, parceiros, clientes ou terceiros que não façam parte do quadro de funcionários da sua empresa.

Nossos orçamentos e propostas comerciais são elaborados de maneira personalizada, com base na análise do seu negócio, suas necessidades de comunicação e nas informações fornecidas no briefing. Não devem ser usados para barganhar preços ou prazos com outros fornecedores (isso é feio, hein).

Após a conclusão dos trabalhos, nos reservamos o direito de exibir o seu projeto em nosso portfólio, bem como em nossos cases de clientes. 

Rescisão contratual

Como mencionado acima, às vezes os clientes e designers gráficos precisam parar de trabalhar em um projeto. Ter uma cláusula de rescisão em seu contrato oferece proteção se isso acontecer.

Nesta seção, detalhe todas as taxas de eliminação, períodos de aviso prévio e outros aspectos do cancelamento que seu cliente precisa saber. Ao criar esta seção, trabalhe em estreita colaboração com seu advogado para garantir que a redação se sustente no tribunal.

Durante todo este contrato, apresentamos algumas condições fundamentais para que o escopo possa ser atendido. Se por qualquer motivo uma destas condições não puder ser atendida, este contrato poderá ser rescindido, sem prejuízo de suas obrigações, como pagamentos pendentes e ainda não realizados, ou entregas pendentes ainda não realizadas.

Se você decidir, por algum motivo, que não quer mais continuar trabalhando conosco durante as etapas inicias do desenvolvimento do seu projeto, rescindiremos este contrato imediatamente, desde que cumpridas as exigências estabelecidas anteriormente.

Caso você decida cancelar o contrato, por qualquer motivo, depois de aprovar a proposta do projeto, este contrato será rescindido mediante o pagamento do restante do valor integral do projeto. 

Se nós, por iniciativa própria, decidirmos que não vamos prosseguir com o contrato antes da apresentação da proposta do projeto, devolveremos qualquer valor pago como calção e rescindiremos este contrato imediatamente.

Local para assinatura e data

Um contrato não é juridicamente vinculativo até que você e a outra parte o assinem. No entanto, às vezes os designers estão tão ansiosos para começar que começam sem esperar pelas assinaturas.

Não cometa esse erro, pois significa que você está trabalhando sem proteção. Sempre espere receber a papelada na íntegra antes de começar a projetar.

A assinatura não precisa necessariamente ser física, hoje em dia existem muitas ferramentas de assinatura eletrônica que facilitam o seu trabalho.

Se você usa a Adobe Creative Cloud, por exemplo, possui acesso ao Adobe Crobat Sign, que permite assinar documentos digitalmente usando os serviços da Adobe.

Se você não possui estes recursos, pode contratar serviços especializados como o ClickSign ou DocuSign, por exemplo. Na pior das hipóteses, imprimir o documento e pedir para o cliente assinar também resolve.

Deu pra ver que um bom contrato precisa ser elaborado com cuidado, certo? Se você quiser adiantar o seu lado, considere conhecer os modelos de contrato que deixei disponíveis na minha lojinha. Assim você ajuda o meu trabalho e de quebra tem acesso a um conteúdo supimpa para a sua carreira profissional!

Liute Cristian

O contrato de serviços de design não precisa ser gigante e cansativo

Não existe um modelo único e definitivo de contrato para serviços de design. Cada projeto tem suas particularidades e demandas específicas que devem ser levadas em conta na hora de redigir o documento.

Se você trabalha com design gráfico, por exemplo, deve construir um contrato que contemple todas as etapas do projeto, como briefing, rascunho, aprovações e até mesmo como as alterações podem ser solicitadas.

Agora se você atua com social media, as regras podem ser diferentes e podem exigir um cronograma de postagem, calendário de ações entre outros pontos que são inerentes a este tipo de atividade.

Apesar da maior parte das agências e designers profissionais usarem contratos bem robustos, que cobrem os mais diversos aspectos e eventuais problemas que podem ocorrer pelo caminho, você não precisa ter um documento gigante para todo serviço que oferecer.

Você pode manter um documento mais simples, com obrigações e deveres mais comuns, que pode ser usado para projetos do dia-a-dia, como criar um cartão de visitas ou um post para rede social. Nele você garante pelo menos as condições de pagamento e as obrigações básicas suas e de seu cliente.

Um contrato mais robusto, detalhado, servirá para aqueles projetos maiores, de médio e longo prazo, que são mais complexos, mais caros e que exigem uma dose maior de responsabilidade.

Neste tipo de contrato, você estabelece critérios específicos de pagamento, evolução de projeto, etapas de entrega, alterações, subcontratações e assim por diante.

O contrato não precisa ser complexo e cheio de juridiqûes

O que acontece na prática, é que a maioria dos usuários não entende o que está escrito em documentos jurídicos. A maior prova é quando um documento jurídico chega na mão de um usuário, ele precisa ligar para um advogado para entender o que aquilo significa.

O contrato de um profissional criativo não precisa e nem deve ser complexo a ponto de o cliente não entender o que está escrito nele. Boa parte da aversão que as pessoas tem, se dá pela dificuldade de entender o documento.

Para resolver este problema, podemos usar um conceito chamado de legal design, uma abordagem focada no uso de recursos de experiência do usuário e de design para a criação de produtos jurídicos.

O legal design consiste em combinar técnicas multidisciplinares como design, direito, experiência do usuário (UX) bem como recursos de interface de usuário (UI) para construir documentos claros e que podem ser compreendidos por qualquer pessoa, independente da escolaridade.

Além disso, por se tratar de um documento criado por um profissional criativo, o legal design ajuda a torná-lo mais fácil de entender e muito mais bonito, organizado e estiloso, isso pra mim é a cereja do bolo.

Veja no exemplo abaixo, qual tipo de documento parece mais interessante de ler?

Como negociar um contrato de serviços de design com o cliente?

De nada adianta ter um contrato se ele não for lido e assinado pelo cliente. Por isso, é importante saber como negociar o documento com o seu contratante, buscando um acordo justo e satisfatório para ambos.

O primeiro grande desafio de quem nunca usou um contrato na vida é a burocracia que ele aparenta representar. Mas não se engane, a partir do momento que ele se torna parte do seu fluxo de trabalho, você nem vai se lembrar que não usava.

Isso porque ele deve fazer parte das negociações com o cliente, e estará presente logo nas etapas iniciais de apresentação da proposta e do orçamento.

Veja algumas dicas de como você pode integrar o contrato ao seu fluxo de trabalho de forma natural:

• Apresente o contrato logo no início da negociação, junto com a proposta comercial. Assim, você evita surpresas ou desentendimentos;
• Caso o cliente questione, explique os benefícios de usar um contrato, mostrando que ele também será protegido e respeitado pelo documento;
• Seja flexível e aberto ao diálogo. Ouça as dúvidas, sugestões e objeções do cliente e tente chegar a um consenso sobre os pontos mais sensíveis;
• Use uma linguagem clara, objetiva e cordial. Evite termos jurídicos complexos ou ambíguos que possam gerar confusão ou desconfiança;
• Peça ao cliente que leia o contrato com atenção e que assine todas as vias.
• Use recursos modernos de assinatura eletrônica que facilitam a assinatura do documento. Se você usa a Creative Cloud, da Adobe, pode solicitar assinaturas usando o Fill & Sign do Acrobat, já incluso no plano “Todos os apps”.
• Guarde uma cópia do documento para sua segurança;
• Só comece a prestar o serviço depois que o contrato for assinado e receber pelo menos uma parte do pagamento (sinal).
• Se o cliente se recusar a assinar o contrato por falta de tempo ou por ser longo demais, flexibilize a maneira como ele é apresentado. Você pode, por exemplo, redigir uma versão mais enxuta no corpo do próprio e-mail pedindo para que ele responda com o “de acordo”.
• Fique atento(a): Cliente que não quer assinar contrato pode ser problema. Garanta ao menos uma parte do pagamento antes de começar o trabalho.

Conclusão

Se você gostou deste texto, não deixe de conhecer os modelos de contrato que eu deixei disponível na minha loja.

Boa parte das pessoas que começa a trabalhar com design gráfico entra por conta própria, sem experiência ou o conhecimento dos processos de um fluxo de trabalho minimamente organizado.

Isso se torna um problema ainda maior a partir do momento em que encontram dificuldades para receber o pagamento pelo seu trabalho, tomando calotes e sendo desvalorizadas por clientes ruins.

Eu também comecei assim e tive que apanhar bastante até conseguir me posicionar como profissional e me tornar referência no mercado.

A partir do momento que você entende que precisa se proteger, proteger seus clientes e se comportar como um profissional sério, vai buscar esta evolução naturalmente.

O primeiro passo é adotar estratégias que te permitam prestar um serviço de qualidade, sem ficar se preocupando(a) se vai ou não receber pelo seu serviço.

Usar um contrato de serviços de design é a melhor maneira de fazer isso, e eu espero que a partir de agora você consiga implementá-lo em seu dia a dia de trabalho, aumentando a segurança de suas relações comerciais e atraindo cada vez mais clientes.

Curtiu o texto? Eu posso te ensinar muito mais coisas através dos meus cursos no Clube do Design.

Ficou com alguma dúvida? Use os comentários abaixo e vamos conversar.

Sabemos que para áreas que envolvem conhecimentos artísticos e criatividade, o portfólio tem um peso enorme. E por isso, o currículo pode ser deixado de lado ao concorrer este tipo de vaga.

De fato, desde cedo é bem importante que o estudante ou profissional de design comece a desenvolver um portfólio bem elaborado.

O foco principal deve ser demonstrar suas melhores habilidades e crescimento ao longo de sua carreira e/ou estudo.

Entretanto, por outro lado, para concorrer às vagas de design de forma efetiva, também é necessário ter um bom currículo, ferramenta indispensável em qualquer processo seletivo ou de contratação.

Nesse sentido, é importante pensar em cada detalhe deste documento, desde a melhor fonte para currículo criativo, modelo e quais informações são necessárias.

O que é preciso ter em um currículo criativo?

Para garantir um bom resultado ao se candidatar para vagas de design, você precisa reunir somente as informações mais importantes.

Esse é o momento de você começar a estruturar seu currículo, seja você um designer freelancer, iniciante ou em regime CLT. De modo geral, existe uma organização padrão que pode ser seguida na grande maioria dos casos.

Depois de saber quais dados incluir no seu currículo ao concorrer a vagas de design, o próximo passo é elaborar uma boa estrutura estética.

Afinal, por ser um profissional que atua constantemente na elaboração de peças visuais, espera-se muito da organização estética do seu currículo criativo.

Nesse sentido, é recomendável seguir um modelo de diagramação simples, mas que seja criativa e destaque seus conhecimentos.

Se você não sabe por onde começar, tente elencar esses tópicos:

• Cabeçalho.
• Objetivo ou resumo profissional.
• Experiência profissional.
• Formação acadêmica.
• Competências técnicas e habilidades.
• Cursos, idiomas e demais atividades.

Em seguida, confira em detalhes como se destacar em vagas de design com essa estrutura de currículo.

Cabeçalho

Nessa parte do currículo você vai incluir seus dados pessoais. Mas lembre-se de que não é preciso inserir informações como seu endereço completo, CPF ou RG.

Coloque seu nome completo, número de telefone, e-mail profissional e link para perfil nas redes sociais. Em especial, é bem interessante e um diferencial incluir seu contato do LinkedIn ou um perfil em sites de portfólio.

Objetivo ou resumo profissional

Em seguida, você deve elaborar uma boa apresentação visual, que chame a atenção do recrutador e possa te garantir bons resultados em vagas para design.

Como são enviados muitos currículos, os recrutadores não possuem muito tempo para avaliar por completo cada documento recebido.

Assim, se você não possuir uma apresentação que consiga expressar seu diferencial ou que seja dinâmica para a leitura do recrutador, suas chances de contratação vão a zero.

Nesse tópico, não é necessário escrever um texto muito longo ou detalhado. O ideal é priorizar sua capacidade de resumir em poucas palavras suas competências e os motivos que te levaram a trabalhar na área.

Experiência profissional

Ao descrever sua experiência profissional, recomenda-se usar um modelo de currículo cronológico inverso.

Ou seja, organize suas experiências das mais recentes para as mais antigas. Essa é uma forma de demonstrar para os avaliadores seu crescimento profissional ao longo dos anos.

Porém, evite colocar experiências que duraram menos de 3 meses. Ou inserir muitos trabalhos de curto período. Isto pode ser mal visto pelos recrutadores, que procuram consistência em suas experiências.

Também se lembre de incluir o nome da empresa e cargo exercido.

Formação acadêmica

Assim como na experiência profissional, coloque sua formação acadêmica na ordem cronológica inversa.

Essa é uma forma de também facilitar a leitura dos avaliadores entre as mais diversas vagas de design.

É preciso inserir o nome da instituição de ensino, do curso de graduação ou pós-graduação e o ano de realização.

Competências técnicas e habilidades

Nas competências técnicas e habilidades, você pode e deve incluir o nome de todos os programas que você domina no campo do design.

Também é interessante que você cite seu nível de conhecimento em cada um deles, ainda que seja um iniciante.

Ou seja, essa é a seção dedicada para as hard skills. Por isso, dedique-se em demonstrar por completo suas habilidades técnicas para conquistar mais vagas em design.

Cursos, idiomas e demais atividades

Outro ponto de hard skills que você pode destacar no seu currículo criativo para vagas de design é inserir sua proficiência em idiomas.

Ainda que inglês seja um dos idiomas mais requisitados, é bem interessante você incluir outras línguas que domine. Lembre-se de adicionar seu nível de conhecimento.

Pode-se também citar sua participação em palestras, eventos, cursos de extensão e até trabalhos de voluntariado que tenham relação com a sua área de atuação.

Um bom currículo criativo para vagas de design abre portas

Como você já sabe que um currículo é tão importante quanto a criação de um portfólio, suas chances em vagas de design podem aumentar!

Lembre-se que diferentemente do portfólio, seu currículo não precisa ser recheado de elementos gráficos. Mas sim, de criatividade e técnicas de organização que destaquem suas habilidades e competências.

Por isso, na hora de montar o seu currículo, leve em consideração todas essas dicas. Com dedicação, você vai criar um documento capaz de ter tanta relevância quanto o seu portfólio!

Como editar um currículo criativo?

Há um tempo eu publiquei um vídeo no canal do Youtube onde mostrei como editar um modelo de currículo criativo.

Além de você ter uma ideia de como esse tipo de documento funciona, pode te ajudar a ter ideias sobre como criar seus próprios documentos. Confere ai:

Muitos projetos sofrem incontáveis alterações, principalmente em sua fase inicial ou quando o cliente o vê pela primeira vez. Ele pode não gostar de algum aspecto ou simplesmente mudar de ideia em relação elementos do briefing.

Você já deve ter mudado um projeto para o cliente “ver como fica”, e depois teve que voltar ao estado anterior porque ele não gostou.

A melhor maneira de contornar este tipo de situação é fazer uma cópia dos arquivos do projeto antes de alterá-los.

Mas existem alguns recursos dentro dos principais aplicativos de design que ajudam a prevenir contratempos nas alterações, sem necessariamente precisar copiar o documento inteiro.

Veja abaixo algumas sugestões de como você pode fazer isso nos diferentes aplicativos que usamos diariamente.

Adobe Illustrator

Embora o Illustrator possua recursos de multiplas artboards, a melhor maneira de controlar as alterações em um projeto é organizando tudo em camadas.

Se você faz ilustrações de mascotes, logotipos etc, pode manter uma cópia intacta de todas as camadas originais do seu arquivo simplesmente duplicando-as e, em seguida, bloqueando e ocultando as camadas originais.

As alterações, principalmente de coloração e formas, podem ser feitas nas cópias destas camadas. Assim, caso o cliente queira retornar algum detalhe do projeto inicial basta acessar aquelas camadas.

Outra maneira é fazer uma cópia de toda a prancheta e trabalhá-la separadamente.

Adobe Photoshop

O Photoshop possui muitas formas de realizar alterações mantendo o arquivo original intacto.

Uma das práticas mais comuns é trabalhar todo o projeto usando camadas de ajustes. Isso já garante realizar qualquer alteração e desfazê-la a qualquer momento.

Objetos inteligentes também permitem um controle maior sobre seus projetos, estes objetos podem receber filtros e efeitos que podem ser modificados e ajustados a qualquer momento.

Usando a opção Duplicar (Duplicate) presente no menu Imagem (Image) você cria uma cópia completa de todo o projeto em uma nova janela e pode trabalhar à vontade suas alterações, o arquivo original continua aberto e à salvo na outra janela.

Outra opção é parecida com a do Illustrator, basta copiar todas as camadas e agrupá-las, assim você continua seu trabalho no mesmo arquivo, mas o tamanho do arquivo pode deixar seu computador mais lento.

Você também pode criar instantâneos frequentemente em seu painel de histórico para ter um ponto de retorno para alterações mau sucedidas.

Para criar instantâneos, é só usar o ícone de câmera que fica no rodapé o painel Histórico.

Adobe Indesign

O Indesign tráz opções limitadas, é preferível que você faça uma nova cópia do arquivo original para fazer alterações de tamanho de arquivo ou em layout.

Caso as alterações se limitem a tamanhos de texto, fontes ou cores, desenvolver seu projeto com estilos de parágrafo, de caractere e de objetos, facilita qualquer alteração. Ao alterar um estilo, todos os objetos que possuem o mesmo estilo são alterados automaticamente.

CorelDRAW

No CorelDRAW você pode criar uma cópia do projeto de folha simples em uma segunda página dentro do mesmo arquivo, é importante levar o tamanho do arquivo em conta.

Ele também possui recursos de camadas, é importante dominar esta vantagem para melhorar o processo de edição de seus projetos.

Outra alternativa é trabalhar com estilos de objeto, parágrafo e de caractere, principalmente se seu projeto for um layout de páginas com bastante texto.

Tomando os devidos cuidados você pode poupar muito tempo quando precisar fazer alterações em projetos.

A maioria dos aplicativos oferece o recurso de estilos – conjuntos de formatações pré-configuradas que são aplicados dentro do aplicativo. Qualquer alteração em um estilo refletirá em alteração de todos os objetos que o receberam.

Você pode, por exemplo, definir um estilo para os capítulos de um livro, para os subtítulos, etc. Depois, caso precise alterar o tamanho ou a fonte do texto, basta alterar o estilo e todos os itens que o receberam serão automaticamente atualizados.

Gostou desta dica? Tem alguma dúvida e gostaria de vê-ela respondida aqui? Use os comentários aí em baixo, será muito bom saber o que você tem a dizer.

Você vai aprender a precificar qualquer tipo de projeto de design, seja um logotipo profissional ou uma arte criada no Canva.

Eu não vou te dar uma fórmula pronta ou um preço fechado para cobrar dos seus clientes, isso não existe! Em vez disso, eu vou te ensinar como precificar qualquer tipo de projeto.

Eu já mostrei como calcular o valor da sua hora de trabalho para serviços de criação e design, levando em conta os seus custos, despesas, lucro e carga horária.

Construímos juntos uma planilha para calcular o valor justo da sua hora de trabalho, mas entendo que existem detalhes que dificultam na hora de fazer o orçamento de um projeto criativo.

Pensando nisso, resolvi construir este texto aqui, onde vou te mostrar como criar uma planilha para precificar cada projeto individualmente, com base no valor da sua hora de trabalho e nos recursos que você vai usar, como fontes, vetores, imagens, entre outros.

Deste modo, quando você terminar de ler, terá dois recursos importantíssimos que vão te ajudar a precificar qualquer tipo de projeto:

• Uma planilha para calcular o valor da sua mão de obra (criada no texto anterior);
• Uma planilha para precificar cada projeto individualmente (que vamos criar agora).

Com estas planilhas você será capaz de saber:

• Quanto cobrar pela criação de um logotipo;
• Quanto cobrar pela criação de uma arte no Canva;
• Quanto cobrar pela criação de um cartão de visita;
• Quanto cobrar por qualquer projeto de design.

A questão agora não é apenas custo, mas também tempo!

A precificação de qualquer produto ou serviço depende de custo, e saber quanto você gasta é fundamental para evitar cobrar barato demais e ficar no prejuízo.

Entretanto, mesmo sabendo o seu custo e quanto você pode cobrar por hora de trabalho, cada projeto possui particularidades que dificultam na hora de fazer o orçamento.

Precificar uma arte ou projeto de design, seja um logotipo profissional ou uma arte criada no Canva, pode ser um desafio para muita gente.

Afinal, como cobrar por um trabalho que envolve criatividade, originalidade e qualidade?

Cada projeto é único e o preço cobrado por um post simples não deve ser o mesmo cobrado para fazer um carrossel com 10 imagens, por exemplo.

Existem alguns fatores que podem ajudar a definir o valor de uma arte ou projeto de design, tais como:

• O tempo gasto na criação e na revisão do trabalho;
• A complexidade e o nível de detalhamento do trabalho;
• O público-alvo e o objetivo do trabalho;
• A experiência e o portfólio do profissional;
• A demanda e a concorrência do mercado.

Uma forma de precificar uma arte ou projeto de design é calcular o custo-hora, ou seja, quanto você ganha por hora trabalhada.

Para isso, é preciso considerar os custos fixos (como aluguel, internet, energia, impostos, etc.) e os custos variáveis (como materiais, cursos, softwares, etc.) que você tem para exercer sua atividade.

Além disso, é preciso definir uma margem de lucro que seja justa e compatível com o mercado.

Isso foi o que aprendemos no texto Quanto cobrar pela minha arte. Agora, com estas informações em mãos, temos o preço base que irá nortear toda a construção dos nossos orçamentos.

Tudo o que precisamos é construir uma planilha que vai nos ajudar a calcular o preço exato de cada projeto.

O valor de sua hora de trabalho

Com base no texto anterior, construa a sua planilha para chegar ao preço de sua hora de trabalho. Eu vou usar como exemplo o mesmo preço que encontramos naquele texto.

Sendo assim, meu preço por hora de trabalho é de R$ 69,80.

É importante que você calcule o preço de sua hora de trabalho corretamente, isso ajuda a evitar que você gaste mais do que ganha, o que representa prejuízo.

Construindo planilha de precificação

O próximo passo é inserir este valor de referência em uma planilha do Excel ou do Planilhas do Google. Ele será o ponto de partida para chegarmos ao preço de cada projeto.

Se você quiser facilitar a sua vida e ajudar o meu trabalho, eu disponibilizei a planilha que vamos construir na mina lojinha. Você não precisa comprar se não quiser, é só continuar lendo que eu vou te ensinar a fazer tudo do zero.

Liute Cristian – O autor

Em uma planilha em branco, digite em qualquer célula o texto “Este é o valor da sua hora” e, ao lado, coloque o valor da sua hora de trabalho, como mostro abaixo:

Com a célula do valor selecionada, formate como Número, isso adiciona um visual mais fácil de trabalhar e exibe seus valores com duas casas decimais.

No exemplo, eu estou usando o Planilhas do Google para construir a tabela. Então eu já aproveito para dar um nome ao documento. Como ele fica salvo por padrão no meu Google Drive gratuito, facilita encontrar mais tarde.

Preparação

Nossa planilha será dividida em várias seções que representam cada uma das etapas de construção do projeto.

A primeira seção, que eu chamo de Preparação, é onde vamos reunir todos os itens que acontecem antes de começarmos o projeto do cliente.

Isso porque o tempo gasto com reuniões, briefings e alinhamentos também representa custo, e isso deve ser repassado ao cliente quando um trabalho é fechado.

Deixe o espaço de uma célula de onde você começou a planilha, e escreva os cabeçalhos da primeira seção do documento, como no exemplo abaixo:

• Na célula B5 escreva o título da seção “1. Preparação”. Nesta coluna vamos identificar cada item que compõe esta etapa do projeto.
• Na célula C5 escreva “Quant. Horas”, é onde nós vamos indicar quanto tempo gastamos em cada etapa.
• Na célula D5 escreva “Total”. É onde vamos calcular o custo e obter o valor de cada item.

Em seguida, liste as etapas que fazem parte do seu fluxo de trabalho e que antecedem a criação propriamente dita.

Os itens listados acima representam um exemplo das etapas que antecedem a criação de um logotipo. Você pode incluir mais ou menos itens, de acordo com a maneira que você costuma trabalhar e até prever outros itens que podem ser úteis em outros tipos de trabalho.

A reunião inicial, leitura e interpretação do briefing bem como outras reuniões realizadas com o cliente tomam tempo, e como sabemos, tempo custa dinheiro.

O cliente não vai saber destes custos pois eles não vão aparecer descritos no orçamento final, mas eles estarão embutidos no preço do serviço afim de evitar prejuízo.

A coluna “Quant. Horas” servirá para descrever quanto tempo levará cada etapa, você pode especificar alguns valores de exemplo, que serão úteis para fazer o cálculo da coluna “Total”.

Os valores do exemplo acima podem ser maiores ou menores de acordo com seus próprios métodos de trabalho.

Algumas pessoas não fazem uma reunião inicial e já partem direto pro briefing. Outras apenas anotam a demanda e já vão direto pra criação. Não importa! Você deve adequar a planilha conforme necessário.

Note que estou trabalhando com frações de hora, onde o menor tempo que costumo especificar é de 0,5 (meia hora), assim fica mais fácil para inserir os valores. O menor tempo que disponho para um possível cliente é de trinta minutos.

Depois de inserir os valores, você pode formatá-los como número, deixando a planilha sempre mais organizada.

Agora vamos transformar este tempo em dinheiro, descobrindo quanto cada uma destas etapas vai custar com base no valor da nossa hora.

O processo é bem simples: inserir uma fórmula matemática que irá multiplicar o tempo da coluna “Quant. Horas” pelo o valor da sua hora de trabalho.

Para isso selecione a primeira linha abaixo do Total e digite um sinal de igualdade (=). Isso indica para o Planilhas do Google que você irá realizar um cálculo.

Em seguida, clique sobre o valor que representa o tempo da “Reunião inicial”, que no meu exemplo está na célula C6.

Note que o próprio aplicativo já vai inserindo as informações que você precisa na célula onde você digitou o sinal de =.

Depois disso, insira o sinal asterisco (*), ele indica que faremos uma multiplicação. Em seguida, clique na célula que contém o valor da sua hora, no meu exemplo é a célula C3.

A fórmula deve ficar semelhante a mostrada acima =C6*C3, onde o tempo da Reunião inicial (C6) está sendo multiplicado (*) pelo valor da sua hora (C3).

Basta pressionar a tecla Enter para que o aplicativo realize a operação e exiba o resultado da multiplicação.

Caso ele pergunte se você gostaria de completar a sequência, repetindo os cálculos abaixo, apenas clique no X para ignorar.

O resultado exibido no meu exemplo é de R$ 34,90. Este é o preço para meia hora de reunião inicial neste projeto.

O aplicativo de planilha é capaz de repetir a mesma fórmula nas demais células abaixo para automatizar o cálculo.

Ele faz isso repetindo os mesmos operadores matemáticos, mas ajustando os endereços das células para corresponder a cada item da lista.

Entretanto, como temos uma única célula com o “Valor da sua hora”, ela deve ser a mesma referência em todas as multiplicações. Por isso, precisamos fazer um pequeno ajuste na fórmula antes de prosseguir.

Embora o aplicativo exiba o valor 34,9, ali dentro está a fórmula matemática que eu digitei. Ela pode ser editada facilmente dando dois cliques na célula que contém o valor.

Tudo o que precisamos fazer é deixar o cursor do mouse ao lado do nome da célula C3, e pressionar a tecla F4.

Isso vai adicionar dois cifrões ($), um ao lado da letra C e outro ao lado do número 3, que representam a célula. Você também pode digitar os $ manualmente se preferir.

Estes cifrões indicam que aquela célula é um valor absoluto, ou seja, a célula onde está o Valor da sua hora não pode mudar quando usarmos o preenchimento automático do aplicativo.

Após confirmar a alteração pressionando a tecla Enter. Selecione a célula novamente dando um único clique sobre ela.

Observe que apesar de exibir o resultado, é possível verificar a fórmula que digitamos na caixinha na parte superior da tela (Caixa de fórmulas).

Com a célula do cálculo selecionada, posicione o cursor do mouse na bolinha que fica no canto inferior direito da célula. Esta é a Alça de Preenchimento, ela serve para repetir um cálculo para as células abaixo.

O ponteiro do mouse se transformará em uma cruz preta, indicando que você pode clicar e arrastar a alça.

Ao clicar e arrastar a Alça de Preenchimento para baixo, o Planilhas do Google irá repetir o cálculo para as demais células, atualizando os valores correspondentes a cada linha. Apenas o valor da sua hora se manterá intacto, pois está bloqueado pelos $.

Formate os valores para números, mantendo nosso documento organizado.

Embora eu tenha usado apenas 4 itens nesta lista, você pode incluir quantos quiser, descrevendo cada uma das etapas que antecedem a criação do projeto.

Com este cálculo simples, obtemos o custo de cada etapa da Preparação do projeto, informações iniciais valiosas para precificar um projeto criativo.

No final da lista, precisamos incluir uma linha de Total, onde exibiremos a soma destes valores.

Nesta linha vamos usar uma Função para somar todos os valores que estão acima. Para isso, considerando o meu exemplo, selecione a célula C10 e digite o sinal de igual, seguido da palavra “soma” e um parêntese. Deve ficar assim =soma(

Esta função serve para somar os valores de várias células de uma vez. O que você coloca dentro do parêntese são as células a serem somadas.

Depois de abrir o parêntese, selecione todas as células que representam as Quant. Horas, clicando no primeiro valor e arrastando até o último.

Se preferir, pode digitar diretamente, a função completa é =soma(C6:C9), indicando que você irá somar os valores da célula C6 até a célula C9. Feche o parêntese e pressione o Enter para confirmar.

O resultado da soma de todos os valores será exibido, como no exemplo:

Agora é só repetir o mesmo processo abaixo da coluna de Total, somando os totais que foram calculados.

A função completa fica =soma(D6:D9). O resultado deve ficar semelhante ao exemplo:

Observe que para as etapas iniciais deste projeto eu levarei um total de 3 horas, considerando a reunião inicial, o briefing e outros atendimentos que vierem a ocorrer.

O valor total que isso representa é de R$ 209,40.

Para facilitar a construção das próximas etapas da planilha, podemos formatá-la incluindo cores, negritos e o formato Moeda nos totais calculados.

Este é o resultado:

Primeiras etapas do projeto

Agora você só precisa repetir o que aprendemos até aqui para criar as demais seções da planilha. Por isso, vou deixar o texto mais dinâmico para acelerar as coisas.

Deixe o espaço de uma linha da seção anterior e crie o que será a segunda seção, inserindo as informações como no exemplo abaixo.

Forneça os valores de quantidade de horas para cada uma das etapas, conforme seu fluxo de trabalho criativo.

Lembre-se: A lista e os valores apresentados na tabela são um exemplo. Acrescente quantas etapas for necessário ao seu processo criativo e indique o tempo necessário para cada uma delas.

Digite na coluna de totais a fórmula que irá multiplicar a “Quant. Horas” pelo “Valor da sua hora”.

Antes de concluir a digitação da fórmula, já pressione a tecla F4 para travar a célula que representa o valor da sua hora.

Como tomamos o cuidado de travar a célula antes de pressionar o Enter, o Planilhas do Google vai sugerir o preenchimento automático, que você pode confirmar, já que nossa fórmula foi digitada exatamente como precisamos.

Eu gosto de ser bastante didático para evitar qualquer confusão: Desta vez nós usamos o preenchimento automático pois tomamos o cuidado de travar a célula $C$3 logo de cara.

Sendo assim, os valores calculados estarão corretos e podem ser preenchidos automaticamente sem problemas.

Isso dispensa a necessidade de você editar a célula só para travar o valor, e depois usar a alça de preenchimento para preencher as células de baixo.

Apesar do preenchimento automático ter inserido uma fórmula na linha de total, você pode apagá-la pois ali vamos inserir a função de soma dos valores acima.

Agora, digite a função de soma na linha de total da coluna Quant. Horas, como no exemplo abaixo. A função ficou assim: =soma(C13:C18).

Repita o mesmo na coluna de Total. A função ficou =soma(D13:D18).

Agora é só formatar para deixar o documento mais organizado. Você pode usar o pincel de formatação para copiar o estilo de uma célula, e colocar em outra.

Para isso, selecione a linha cabeçalho da primeira seção que criamos, e então clique no rolo de pintura, que representa a ferramenta Pincel de Formatação.

Com a formatação copiada, selecione com cuidado os títulos da segunda seção da planilha. Isso irá aplicar a formatação no novo local selecionado.

Repita o processo para a linha de totais. Selecione toda a linha de Total da primeira seção, e clique no pincel de formatação para copiar a formatação.

Em seguida, selecione com cuidado toda a linha de Total da segunda seção. Isso aplicará a formatação copiada.

Agora é só formatar os números como no exemplo para deixar as coisas organizadas.

Olha que incrível está ficando a nossa planilha de precificação. Apenas com duas seções, e baseados em tempo, conseguimos descobrir quanto o projeto custaria até aqui.

Apresentação e entrega

Ainda estamos na metade do caminho e precisamos listar as etapas de finalização e entrega do projeto, que será a terceira seção da nossa planilha.

Repita todos os passos anteriores para construir a nova seção, conforme o exemplo abaixo.

Multiplique os valores de Quant. Horas pelo Valor da sua hora, travando a célula C3.

Confirme o preenchimento automático para repetir os cálculos abaixo.

Agora use a Função soma para calcular os toais. Primeiro da coluna Quant. Horas, a função ficou =soma(C22:C26).

E depois faça o mesmo para somar os totais. A função ficou =soma(D22:D26).

Pra fechar, repita a formatação usando o Pincel de Formatação e aplicando os formatos de número e moeda. Sua planilha deve ficar como o exemplo abaixo.

Analisando o custo de concepção do projeto

Estas três seções representam as etapas de Preparação, Construção do projeto e Entrega, e estão diretamente ligadas ao tempo que você gasta para desempenha-las.

Isso nos ajuda a chegar nos valores que podem ser cobrados do cliente para a construção de um projeto, já que estamos nos baseando no Valor de nossa hora de trabalho.

Todos os valores informados na planilha podem ser ajustados para que se adequem a qualquer trabalho, seja a construção de uma identidade visual, um cartaz, um panfleto ou cartão de visitas, não importa.

Identificando cada um dos itens que compõe seu processo criativo, mensurando o tempo gasto e dando um preço a cada um deles, você está construindo um orçamento ideal, que cobrirá os seus custos e trará lucro para o seu trabalho.

Entretanto, nem todo projeto se baseia apenas em tempo, alguns exigem a aquisição de recursos como fontes, imagens, vetores e outros itens que são incorporados ao trabalho, mas que precisam ser pagos pelo seu cliente.

Por isso, ainda precisamos incluir na nossa planilha a seção que reunirá os materiais adquiridos de forma avulsa em cada projeto que você criar.

Materiais e licenciamentos

Deixe o espaço de uma coluna ao lado da primeira seção da planilha, e crie a seção de Materiais e licenciamentos. Faça como no exemplo abaixo (você pode clicar na imagem para ampliar).

Eu inseri alguns valores de exemplo, indicando que para o projeto em questão, eu vou comprar 4 imagens e 1 fonte. É claro que você deve adequar à sua realidade e aos requisitos de cada trabalho.

A exemplo do que fizemos nas seções anteriores, na coluna Custo Total, vamos multiplicar a Quantidade pelo Preço unitário.

A diferença aqui é que todos os valores serão atualizados quando usarmos o preenchimento automático, não sendo necessário travar nenhuma célula. A fórmula deve ficar =G6*H6.

Depois de pressionar o Enter para concluir a fórmula, você pode usar o Preenchimento automático normalmente.

Agora é só incluir uma linha de Total e usar a função soma para somar os valores da coluna Custo Total. A função ficou =soma(I6:I10).

É só formatar e está tudo pronto.

Afinal quanto cobrar pela criação de um logotipo?

De posse de todas as informações que precisamos para precificar o nosso projeto, tudo o que temos a fazer é somar os valores para obter o preço final.

Pra isso, vamos criar uma seção especial na planilha para somar todos os valores que foram calculados. Deixei ela com uma linha de espaço em relação a seção de Materiais e licenciamento.

Na célula imediatamente abaixo, vamos criar uma fórmula que somará todos os totais espalhados pela planilha.

Comece com o sinal de =, e depois selecione o valor total da seção Preparação. Digite um sinal de + e então selecione o total da seção Primeiras etapas do projeto.

Coloque novamente um sinal de + e clique no total da seção Apresentação e Entrega. Depois, mais um sinal de + e selecione o total da seção Materiais e Licenciamento.

No meu exemplo, a fórmula ficou =D10+D19+D27+I11.

Ao pressionar a tecla Enter, o valor final será revelado. Eu formatei discretamente para enxergar melhor .

Orçamento final do projeto

Com base em todas as informações inseridas na planilha, tendo como referência o valor da minha hora e os materiais que precisarei comprar para concluir o projeto, o orçamento ficou no valor de R$ 2.455,50.

Observe que eu fui bastante modesto com relação ao tempo de brainstorming, moodboard e até na elaboração do projeto inicial.

Se eu precisar de mais tempo, é só alterar os valores da planilha, e tudo será calculado automaticamente.

Vejamos um ajuste nestes itens para ver a mudança de preço do projeto:

Subi o tempo de alguns itens da seção “2. Primeiras etapas do projeto” para você ver as mudanças na tabela. Como eu usei fórmulas para calcular, os valores se atualizam automaticamente.

Considere que alguns projetos podem não exigir todas as etapas, e algumas vezes pode ser necessário um tempo maior para mais alterações, você consegue estimar isso com segurança com o tempo.

Esta mesma planilha servirá para você precificar qualquer tipo de projeto, de logotipos a cartazes, de artes estáticas a carrosséis para Instagram.

Sabendo o valor final do projeto, você pode montar um orçamento ou uma proposta para o seu cliente em um documento separado.

O cliente não precisa saber como você está estimando estes valores, o importante agora é caprichar na proposta para garantir que você vai fechar um bom negócio.

Concluindo

Precificar melhor os seus projetos é o primeiro passo para que você possa se posicionar melhor no mercado de trabalho criativo.

Aliado a boas estratégias de captação de clientes, você estará no caminho certo para fechar projetos cada vez melhores, e crescer como designer.

Se você gostou do que viu aqui, considere adquirir esta planilha otimizada na minha lojinha. Ela está disponível no formato do Excel e pode ser importada para a sua conta do Google on-line sem problemas.

Caso você tenha alguma dúvida ou queira dar uma sugestão de conteúdo que gostaria de ver aqui no blog, por favor, use a seção de comentários aqui em baixo. Eu sempre respondo.

Até logo!

Porém no início de nossa carreira isso pode ser ainda mais difícil de conseguir afinal ainda não temos um portfólio consistente que ajude a transmitir confiança ao nosso futuro cliente.

Por isso nesse artigo eu vou te ensinar uma das minhas formas preferidas para conseguir clientes de design e te ajudar a conseguir um novo cliente HOJE MESMO!

Consiga novos clientes através de permuta

De todas as formas que já experimentei para conseguir novos clientes a permuta é uma das melhores e mais eficientes. Ela não só permite que você encontre alguém interessado em seus serviços como te ajuda a ter um projeto para adicionar em seu portfólio e você ainda é recompensado por isso.

Mas agora você pode estar se perguntando: o que é uma permuta?

O que é uma permuta?

A permuta nada mais é do que uma troca. Quando falamos de trabalho freelancer a permuta é quando você realiza um projeto para alguém em troca de um outro serviço ou produto que ela possa oferecer que tenha um valor proporcional.

Por exemplo, vamos supor que você é um web designer e trabalha com a criação de sites, e vamos supor também que você esteja precisando de uma nova cadeira para o seu escritório.

Nesse exemplo você poderia entrar em contato com uma loja que ofereça cadeiras para escritórios e oferecer à eles um projeto de criação do site da loja e como pagamento você receberia uma cadeira nova e de valor equivalente ao site que você ofereceu.

Embora não seja uma forma tradicional de fazer negócio, a permuta oferece todas as vantagens de trabalhar em um projeto de design com um cliente real.

Você vai ganhar experiência de trabalho e atendimento, vai ter um projeto real em seu portfólio e ampliará sua rede de contatos profissionais que pode abrir portas para futuros projetos que podem ser pagos em dinheiro.

As vezes acontece de o próprio cliente oferecer a permuta porém a ideia desse artigo é te mostrar ela como uma forma de prospecção ativa de clientes, ou seja, é você quem vai atrás dos clientes e oferecerá a eles uma permuta.

Quando devo trabalhar com permuta?

Embora seja uma maneira muito eficiente de conseguir clientes você deve usar a permuta com moderação afinal de contas você precisa manter o seu negócio funcionando e para isso é necessário que você seja pago em dinheiro pelos seus serviços.

Sendo assim, procure trabalhar com permuta quando estiver com tempo criativo disponível, ou seja, aquele período de baixa de clientes ou especialmente quando você não tiver nenhum projeto em andamento.

Evite priorizar um projeto em que você será pago com permuta quando tiver um projeto em que você será pago em dinheiro. Lembre-se que receber em dinheiro lhe abre mais possibilidades de investimentos e pagamento dos seus custos, coisa que é bem mais difícil de fazer com a permuta.

Qual a forma correta de fazer uma permuta?

Fazer uma permuta é algo simples mas você deve estar atento à algumas coisas para que ela traga benefícios para você e o seu negócio. Primeiramente a permuta deve ser por algo que você realmente precise, seja por motivos pessoais ou para melhorar o seu negócio.

Outra coisa extremamente importante para que a permuta seja vantajosa é que os serviços que serão utilizados como moeda de troca devem possuir um valor equivalente.

Ou seja, se você vai oferecer um projeto que custa, por exemplo, R$2000 , o serviço ou produto que você vai receber como pagamento também deve custar R$2000 ou pelo menos próximo disso.

Outro ponto importante que você deve lembrar ao trabalhar fazendo permuta é estabelecer um contrato. Lembre-se que na permuta a única coisa que muda é a forma de pagamento, no mais é um projeto como qualquer outro em que você deve cumprir prazos e um padrão de qualidade.

Deixe bem claro nesse contrato o que será entregue, quais os prazos para a entrega do projeto e, principalmente, deixe bem claro de que forma você será pago, ou seja, que será através dos serviços ou produtos do seu cliente.

Se você não tiver nenhum modelo de contrato eu te convido à conhecer o Freelancer Tool Kit que é um conjunto de planilhas que te ajudam a organizar e gerenciar melhor o seu negócio e lá você também encontra modelos de contrato.

Como oferecer uma permuta para o meu cliente?

Não existe certo ou errado quando se trata de oferecer uma permuta, porém com a minha experiência posso te dar algumas dicas práticas que vão te ajudar a saber como oferecer uma permuta para o seu cliente.

Em primeiro lugar ofereça a permuta como uma forma alternativa de pagamento para quando você sentir que o cliente não tem condições de pagar em dinheiro.

Ou seja, primeiro você oferece os seus serviços de forma tradicional e caso receba uma resposta negativa e perceba que o cliente não pode pagar com dinheiro então você oferece a permuta como uma alternativa de pagamento.

A segunda dica é a seguinte, procure sondar o seu cliente antes, siga a empresa dele nas redes sociais e procure identificar pontos em que você poderia ajudar para melhorar o negócio dele.

Isso é crucial pois você precisa oferecer algo que ele esteja realmente precisando. Veja se a empresa dele tem uma marca profissional, se tem um site eficiente ou se estão com suas redes sociais atualizadas.

Caso eles não tenham alguns desses elementos é isso que você deve oferecer para criar ou melhorar. As chances de ele se interessar por seus serviços vão aumentar muito mais.

Concluindo

Encontrar novos clientes é uma tarefa difícil, exige paciência, trabalho constante e conhecer um pouco de prospecção, por isso decidi te apresentar mais essa técnica que pode te ajudar bastante.

Oferecer permutas para possíveis clientes é uma das formas mais eficientes que já experimentei para conseguir novos clientes de forma rápida e fácil e posso garantir que se você seguir as dicas que te passei nesse artigo você também consegue.

E quando conseguir mostre ao seu cliente que você é um solucionador de problemas pois esperamos que esse seja apenas o primeiro contato com ele e que em breve ele lhe procure querendo mais soluções criativas através do design.

Você já ofereceu permuta para algum cliente? Como foi a experiência? Ele aceitou ou não? Compartilha sua resposta aí no campo de comentários e vamos aproveitar para trocar uma ideia.

A liberdade de ser seu próprio chefe, a flexibilidade de horários, a possibilidade de trabalhar em projetos diversificados e a oportunidade de expandir sua rede de contatos são apenas algumas das vantagens que atraem muitos talentos para esse estilo de vida profissional.

Neste artigo, vou te mostrar um checklist do designer abrangente para te ajudar a se preparar para embarcar na emocionante jornada como freelancer, abordando as etapas essenciais que você precisa seguir para garantir um começo sólido e bem-sucedido na carreira como designer freelancer.

1. Defina sua especialidade

Para se destacar como designer freelancer, é crucial que você defina sua especialização e se torne um especialista em uma área do design ou pelo menos um grupo de áreas dentro do design.

Embora possa ser tentador abranger uma ampla gama de habilidades, concentrar-se em uma especialidade permitirá que você se posicione como um profissional altamente competente e reconhecido em seu campo.

Considere suas paixões, habilidades e experiências anteriores para identificar a área em que você deseja se destacar.

Pode ser design gráfico, design de interface de usuário, design de logotipo ou qualquer outra subcategoria do design.

Aprofunde-se em pesquisas, cursos e práticas autodidatas para aprimorar suas habilidades nessa especialidade.

Uma excelente alternativa é estudar as principais ferramentas do mercado como Illustrator, Photoshop, InDesign, CorelDRAW e oferecer um portfólio de produtos diferenciado.

Quanto mais você se aperfeiçoar em uma área específica, mais valor agregado poderá oferecer aos seus clientes.

Além disso, ao se especializar, você também poderá desenvolver um portfólio mais coeso e direcionado, que demonstre seu domínio e experiência naquela área.

Lembre-se de que a especialização não impede que você trabalhe em projetos relacionados, mas concentre-se em se tornar referência em um campo específico, tornando-se uma escolha natural para clientes em busca de expertise e qualidade.

2. Construa um portfólio sólido

Um dos pilares fundamentais para o sucesso como designer freelancer é construir um portfólio sólido que mostre suas habilidades e experiências de forma convincente.

Seu portfólio é o seu cartão de visitas, uma vitrine que permite aos potenciais clientes conhecerem seu estilo, criatividade e competência como designer.

Ao criar seu portfólio, selecione cuidadosamente seus melhores trabalhos que demonstrem sua diversidade, habilidades técnicas e capacidade de resolver problemas de design.

Mostre uma variedade de projetos que reflitam sua especialização e atendam às necessidades do seu público-alvo.

Considere incluir estudos de caso que destacam os desafios enfrentados e as soluções criativas que você implementou.

Além disso, lembre-se de que a apresentação visual do seu portfólio é crucial. Utilize imagens de alta qualidade, organize seu trabalho de forma coerente e forneça descrições concisas que destaquem os objetivos, o processo e os resultados alcançados em cada projeto.

Considere criar um site profissional para hospedar seu portfólio, tornando-o acessível e fácil de ser compartilhado com potenciais clientes.

Lembre-se de atualizá-lo regularmente com novos projetos e aprimoramentos, à medida que você progride em sua carreira freelancer.

Um portfólio sólido é uma ferramenta poderosa para conquistar a confiança dos clientes e demonstrar sua expertise como designer.

3. Estabeleça seus preços e termos

Uma parte essencial de se tornar um designer freelancer bem-sucedido é estabelecer preços justos e termos claros para seus serviços.

Definir seus preços de forma adequada é fundamental para garantir que você seja devidamente remunerado pelo seu trabalho e que suas despesas e tempo sejam cobertos.

Pesquise o mercado para ter uma ideia dos valores praticados pelos profissionais em sua área e leve em consideração sua experiência, especialização e a demanda pelo seu trabalho. Considere diferentes opções de precificação, como taxas fixas por projeto, preços por hora ou pacotes de serviço.

Ao estabelecer seus termos, defina claramente as expectativas em relação ao escopo do trabalho, prazos de entrega, revisões, direitos autorais e formas de pagamento.

Utilize contratos ou acordos por escrito para formalizar esses termos e garantir uma compreensão mútua entre você e seus clientes.

Além disso, esteja preparado para negociar e adaptar seus preços e termos de acordo com as necessidades e orçamento de cada cliente.

Lembre-se de que, como freelancer, você é responsável por sua própria sustentabilidade financeira, portanto, estabelecer preços e termos justos é crucial para o sucesso de sua carreira independente como designer.

4. Identifique seu público-alvo

Identificar seu público-alvo é um passo estratégico para se tornar um designer freelancer bem-sucedido.

Em vez de tentar atingir um público amplo e genérico, focar em um mercado-alvo específico vai permitir que você direcione seus esforços de marketing e desenvolva uma marca mais relevante e atraente.

Comece analisando suas habilidades, experiências e interesses para identificar áreas específicas do design nas quais você deseja se especializar.

Em seguida, pesquise e compreenda as demandas e necessidades desse mercado específico. Considere fatores como setores industriais, tamanho das empresas, nichos de mercado ou até mesmo perfis de clientes ideais.

Ao definir seu mercado-alvo, você poderá adaptar sua mensagem de marketing, direcionar suas ações promocionais e construir um portfólio que conversa com esse público específico.

Além disso, ao concentrar seus esforços em um mercado-alvo, você terá a oportunidade de se posicionar como um especialista nessa área, aumentando suas chances de conquistar clientes e se destacar da concorrência.

Lembre-se de que a identificação de seu mercado-alvo é um processo contínuo, e você pode ajustar ou expandir seus focos conforme sua carreira freelancer evolui.

5. Crie um plano de marketing

Um plano de marketing eficaz é essencial para impulsionar sua carreira como designer freelancer e atrair os clientes certos.

Criar uma estratégia de marketing bem planejada ajudará a promover seus serviços, aumentar sua visibilidade e estabelecer sua marca pessoal.

Comece definindo seus objetivos de marketing, como aumentar o número de clientes, expandir sua rede de contatos ou conquistar projetos em um setor específico.

Em seguida, pesquise seu público-alvo e identifique os canais de comunicação que eles mais utilizam. Isso pode incluir a criação de um site profissional, a participação em redes sociais relevantes, a criação de conteúdo de qualidade como blogs ou vídeos, ou até mesmo a presença em eventos e conferências do setor.

Desenvolva uma identidade visual consistente e atraente para sua marca e utilize-a em todos os seus materiais de marketing.

Além disso, considere investir em técnicas de SEO (Search Engine Optimization) para melhorar a visibilidade do seu site nos mecanismos de busca.

Colaborar com outros profissionais ou empresas complementares também pode ser uma estratégia eficaz para expandir sua rede de contatos e obter indicações de clientes.

Lembre-se de acompanhar e analisar os resultados de suas ações de marketing para ajustar sua estratégia conforme necessário.

Um plano de marketing bem estruturado ajudará você a alcançar seu público-alvo, aumentar sua reputação e impulsionar sua carreira como designer freelancer.

6. Estabeleça uma rede de contatos

Construir uma sólida rede de contatos é essencial para o sucesso como designer freelancer. Conectar-se com outros profissionais da área, clientes em potencial e influenciadores pode abrir portas e trazer oportunidades valiosas.

Comece identificando eventos, conferências, workshops ou grupos de networking voltados para o design. Participar dessas atividades permitirá que você conheça outras pessoas da indústria, compartilhe experiências e aprenda com seus colegas.

Além disso, esteja presente nas redes sociais relevantes para o seu campo, como LinkedIn, Behance ou Dribbble, onde você pode interagir com outros profissionais, mostrar seu trabalho e receber feedback.

Considere também participar de fóruns online, grupos de discussão ou comunidades de design para se envolver em conversas relevantes e estabelecer conexões.

Não se limite apenas a designers, mas também busque relacionamentos com profissionais de áreas afins, como desenvolvedores, profissionais de marketing ou empresários.

Cultive relacionamentos genuínos, seja prestativo e esteja disposto a compartilhar conhecimento e colaborar com outros.

Lembre-se de que a construção de uma rede de contatos é um processo contínuo, e é importante manter e nutrir essas conexões ao longo do tempo.

Uma rede de contatos bem estabelecida pode levar a parcerias, indicações de clientes e oportunidades de crescimento profissional.

7. Defina seus processos de trabalho

Estabelecer processos de trabalho claros e eficientes é essencial para se tornar um designer freelancer organizado e produtivo.

Definir uma estrutura sólida ajudará a garantir que seus projetos sejam concluídos dentro do prazo, com qualidade e com uma abordagem consistente.

Comece por criar um fluxo de trabalho que se adapte às suas necessidades e estilo de trabalho. Isso pode incluir etapas como compreensão do briefing do cliente, pesquisa e referências, desenvolvimento de conceitos, revisões iterativas e entrega final.

Documente essas etapas em um processo passo a passo que possa ser seguido para cada projeto. Além disso, considere o uso de ferramentas e aplicativos que facilitem a gestão de projetos, como Trello, Asana ou Basecamp, para manter-se organizado, acompanhar tarefas e prazos, e colaborar com clientes e colegas.

Estabeleça um sistema de arquivamento para gerenciar seus arquivos digitais, como nomear consistentemente seus arquivos e organizar pastas para facilitar o acesso e a busca. Definir uma política de comunicação clara com os clientes também é fundamental.

Determine os canais de comunicação preferenciais, horários de disponibilidade e tempos de resposta esperados.

Ao definir e implementar processos de trabalho bem estruturados, você será capaz de otimizar sua produtividade, melhorar a comunicação com os clientes e fornecer resultados consistentes e de alta qualidade.

8. Prepare contratos e acordos

Quando se trata de trabalhar como designer freelancer, é crucial proteger seus interesses e estabelecer acordos claros com seus clientes.

Preparar contratos e acordos é uma prática recomendada para garantir que ambas as partes tenham uma compreensão mútua das expectativas, responsabilidades e condições de trabalho.

Um contrato bem redigido pode ajudar a evitar mal-entendidos, conflitos e até mesmo litígios futuros.

Ao criar contratos, certifique-se de incluir informações essenciais, como escopo do projeto, prazos, pagamentos, direitos autorais, propriedade intelectual e cláusulas de rescisão.

Se for possível considere a consulta de um advogado especializado em direito contratual para garantir que seus contratos sejam abrangentes e ofereçam proteção legal adequada.

Além disso, desenvolva uma proposta de projeto detalhada que descreva os objetivos, requisitos e valores envolvidos.

Essa proposta pode servir como um documento preliminar antes de se comprometer com um contrato formal.

Lembre-se de que cada projeto pode exigir ajustes específicos nos contratos e acordos, portanto, esteja aberto à personalização para atender às necessidades de cada cliente.

Ao estabelecer contratos e acordos sólidos, você estará protegendo seus direitos, estabelecendo expectativas claras e construindo relacionamentos profissionais baseados em confiança.

Um recurso que pode te ajudar bastante para concluir essa etapa com segurança é utilizar o Freelancer Tool Kit, que é um conjunto de planilhas que te ajudam a organizar e gerenciar melhor o seu negócio.

Além dessa planilhas o Freelancer Tool Kit também possui modelos de contrato, briefing, recibos e outros recursos que podem ser muito úteis pra você como profissional freelancer.

Se você quer essa facilidade aproveita e já vem conhecer todos os detalhes do Freelancer Tool Kit.

9. Reserve tempo para o aprimoramento contínuo

Como designer freelancer, é essencial reservar tempo regularmente para o aprimoramento contínuo de suas habilidades e conhecimentos.

A indústria do design está em constante evolução, e se manter atualizado com as tendências, tecnologias e melhores práticas é fundamental para oferecer serviços de alta qualidade e se destacar no mercado.

Dedique tempo para estudar e explorar novas técnicas, ferramentas e softwares relevantes para sua área de atuação.

Isso pode envolver a participação em cursos, workshops ou conferências relacionadas ao design. Além disso, acompanhe blogs, livros e publicações especializadas para se manter informado sobre as últimas novidades do setor.

Também é importante buscar feedback e críticas construtivas sobre seu trabalho. Esteja conectado com outros profissionais do design, participe de comunidades online ou encontre um mentor que possa orientá-lo e ajudá-lo a aprimorar suas habilidades.

Além disso, esteja aberto a experimentar diferentes estilos e abordagens em seus projetos para expandir sua criatividade e ampliar seu repertório.

Lembre-se de que o aprendizado contínuo é um investimento em sua carreira como freelancer, permitindo que você se mantenha competitivo, ofereça soluções inovadoras e forneça o melhor serviço possível aos seus clientes.

10. Prepare-se financeiramente

Antes de embarcar na carreira de designer freelancer, é essencial se preparar financeiramente para enfrentar os desafios e garantir a estabilidade financeira.

Como freelancer, você será responsável por gerenciar suas próprias finanças e garantir uma renda consistente.

Comece estabelecendo um plano financeiro sólido. Analise suas despesas pessoais e identifique o valor mínimo necessário para cobrir seus custos básicos mensais, como moradia, alimentação, transporte e contas.

Em seguida, determine uma meta de renda mensal realista e defina seus preços de acordo.

Considere também a necessidade de reservar fundos para emergências e períodos de menor demanda.

Para facilitar o controle financeiro, utilize ferramentas de gestão financeira, como planilhas ou aplicativos de orçamento, para acompanhar seus gastos, receitas e pagamentos.

Além disso, estabeleça uma política de faturamento clara, definindo prazos de pagamento e métodos de cobrança.

Considere a utilização de contratos que estabeleçam os termos de pagamento e penalidades por atrasos.

Também é importante separar suas finanças pessoais das profissionais, abrindo uma conta bancária específica para o seu negócio como freelancer.

Lembre-se de que a gestão financeira eficaz envolve o monitoramento regular de suas receitas e despesas, realizando ajustes conforme necessário.

Preparar-se financeiramente permitirá que você tenha tranquilidade e foco em sua carreira como designer freelancer, além de garantir uma base sólida para o crescimento e sucesso a longo prazo.

Concluindo

Construir uma carreira como designer freelancer requer planejamento, organização e dedicação.

Ao seguir um checklist estruturado, você estará melhor preparado para enfrentar os desafios e aproveitar as oportunidades que surgem nesse mercado em constante evolução.

Refine sua especialização, construa um portfólio sólido e estabeleça seus preços e termos para criar uma base sólida.

Identifique seu mercado-alvo e crie um plano de marketing eficaz para se destacar da concorrência. Estabeleça uma rede de contatos, conectando-se com outros profissionais e clientes em potencial. Defina processos de trabalho eficientes para manter-se organizado e produtivo.

Prepare contratos e acordos para proteger seus interesses e estabelecer expectativas claras.

Reserve tempo para o aprimoramento contínuo, mantendo-se atualizado com as tendências e técnicas mais recentes.

E, por fim, prepare-se financeiramente, estabelecendo um plano financeiro sólido e gerenciando suas finanças com prudência.

Lembre-se de que o caminho para o sucesso como designer freelancer pode ser desafiador, mas com perseverança, habilidades aprimoradas e uma abordagem profissional, você estará no caminho certo para alcançar seus objetivos e construir uma carreira gratificante e lucrativa.

Escrevi este texto sobre As características e classificação dos Produtos em 2014 quando cursava o primeiro ano de Marketing pela faculdade Estácio de Sá. O objetivo era compartilhar o meu aprendizado através de textos que faria depois de cada semana de aulas.

Claro que a rotina maluca, o trabalho excessivo e as semanas exaustivas de apenas 4 horas de sono diário me impediram.

O texto acabou sendo usado como referência por outros estudantes, por isso, resolvi trazer ele de volta ao blog e, quem sabe, eu consiga retomar este assunto e fazer novas contribuições.

Classificação dos produtos e as suas principais características

Decidi me profissionalizar em marketing e entender melhor as estratégias de venda e promoção de produtos aliados à minha experiência em design.

Em meus estudos diários, aprendi conceitos que são muito importantes e ao mesmo tempo interessantes ao profissional criativo.

Não poderia deixar de compartilhar esta experiência com você e repassar o que venho aprendendo, te ajudando a aprender também.

Neste texto eu falo sobre a classificação de produtos e as suas principais características como diferencial no mercado competitivo.

Estes conceitos podem ser transferidos facilmente para os seus projetos de design, e garantir um atrativo para seus clientes.

É comum as pessoas confundirem um produto com algo meramente físico, tangível, porém, um produto pode atingir um valor muito maior do que material.

Podemos dizer que um produto é tudo o que pode ser oferecido para satisfazer as necessidades ou desejos da sociedade.

Desta maneira podemos dizer que são produtos: os serviços, eventos, propriedades, objetos, experiências, ideias, informações, etc.

Um produto possui essencialmente 5 níveis de valor que são agregados pelo cliente. Estes níveis são chamados de “hierarquia de valor para o cliente”, sendo eles:

1. Benefício Central
2. Produto Básico
3. Produto Esperado
4. Produto Ampliado
5. Produto Potencial

Valor, para o cliente, é a satisfação que sente depois de fazer uma compra de bens ou serviços. Um consumidor não considera valor apenas em termos de dinheiro gasto, mas também pode considerar o tempo necessário para a obtenção de um produto comprado e interações com o pessoal de serviço ao cliente.

Valor, para o cliente, tem várias camadas e é melhor pensado como uma hierarquia. Esta hierarquia determina a importância dos serviços na mente do consumidor, em termos do que o consumidor espera e não espera a partir da experiência de compra.

Estes conceitos podem ser facilmente associados à nossa experiência com o design. O foco nestes níveis de valor no desenvolvimento de novos projetos ou produtos é importante para atingirmos e superarmos as expectativas de nossos clientes.

Cada nível de produto pode proporcionar uma experiência única para o consumidor e à medida que cada nível vai sendo ultrapassado, agrega-se valor, estabelece-se preferências, ele passa então a oferecer atrativos especiais e a produzir resultados mais eficientes.

Para entender melhor estes conceitos, vamos analisar o que cada um destes níveis de produto quer dizer.

Para Kotler e Keller (2006), quando se faz um planejamento da oferta de mercado, devem ser analisados cinco níveis de produtos. Sendo que cada nível agrega mais valor para o cliente, e a junção dos cinco constituem a hierarquia de valor para o cliente. Sendo que o nível mais fundamental é o benefício central, que identifica o que realmente o cliente esta comprando.

Monografias Brasil Escola

Produto Central

O Produto ou Benefício Central é o nível mais fundamental, é o serviço ou benefício que o cliente está realmente comprando.

Um hóspede de hotel está comprando “descanso e pernoite”. O comprador de uma furadeira está comprando “furos”. O comprador de um cartão de visitas está comprando “contatos”.

Produto Básico

No segundo nível da hierarquia, o profissional de marketing deve transformar o benefício central em um Produto Básico.

Assim um quarto de hotel inclui cama, banheiro, toalhas, escrivaninha, penteadeira e armário.

Um cartão de visitas deve incluir as informações básicas de contato, ser feito em papel adequado e ter o formato correto de corte.

Produto Esperado

Para o Produto Esperado, prepara-se uma série de atributos e condições que os compradores normalmente esperam ao comprar tal produto.

Os hóspedes de hotel esperam cama arrumada, toalhas limpas, lâmpadas que funcionem e um relativo grau de tranquilidade. Como a maioria dos hotéis pode oferecer estes atributos, o viajante então terá de decidir pelo que for mais conveniente ou mais barato.

O mesmo ocorre quando um cliente, ao comprar um cartão de visitas, espera que ele tenha um bom design, papel rígido, acabamento adequado e não esteja sujo ou amassado.

A partir do produto esperado, o fornecedor poderá decidir se o seu cartão vale a pena, ou o da concorrência. Se o seu cartão sai com um corte torto? Ou você o entrega embrulhado em um papelote sem graça?

Produto Ampliado

Para exceder estas expectativas, o Produto Ampliado apresenta diferenciais com base na experiência e preferência de cada consumidor.

Na maioria dos países em desenvolvimento, a competição ocorre à nível de Produto Esperado, enquanto que em países desenvolvidos esta competição acontece no nível Ampliado.

Isto acontece em volta do que a empresa agrega ao seu produto em questões de embalagem, serviços, propaganda, sugestões do próprio cliente, financiamento, entrega, armazenagem e outros fatores que as pessoas valorizam.

Neste nível, algumas alternativas a se considerar seriam entregar os cartões de visita dentro de uma caixinha especial e não apenas embalá-los em um papel barato.

Você pode garantir entrega imediata, um design exclusivo ou até mesmo a possibilidade de tiragens menores mantendo os preços de mercado.

Há algumas observações a respeito da estratégia de ampliação de produto.

• Primeiro, cada ampliação agrega custo.
• Segundo, os benefícios ampliados logo se tornam benefícios esperados.

Os hospedes de hoje esperam um aparelho de TV com controle remoto, acesso à internet banda larga, lavanderia, café da manhã.

É bastante comum que gráficas oferecem laminação (revestimento plástico) ou aplicação de verniz por padrão em todos os seus cartões de visita.

Isso significa que a concorrência deverá buscar outras vantagens e benefícios.

• Terceiro, à media que as empresas elevam o preço de seu produto ampliado, alguns concorrentes podem oferecer uma versão mais simples, e um preço mais baixo.

Assim, ao mesmo tempo que cresce o número de bons hotéis, vemos o aparecimento de hotéis de custo mais baixo que atendem clientes interessados apenas no produto básico.

Ao mesmo tempo que surgem designers que oferecem serviços e projetos mais complexos e especializados, existem os que atendem as necessidades mais comuns e atuam em um espectro mais generalista.

É uma espécie de escada rolante onde enquanto você está subindo e atendendo a um outro “degrau”, outros estão entrando um degrau abaixo de você.

Produto Potencial

No quinto nível está o Produto Potencial, que abrange todas as ampliações e transformações a que o produto deve ser submetido no futuro.

É nessa esfera que as empresas procuram novas maneiras de satisfazer os clientes e diferenciar sua oferta.

Por exemplo, em uma época em que os clientes estão exigindo acesso à internet cada vez mais rápido e conexões sem fio, uma empresa pode investir seu capital na criação de diversos produtos potenciais, como a instalação de fibra ótica e equipamentos sem fio.

Um cartão de visitas pode receber um QRcode que aponte para um vCard, já existem cartões digitais e até os que funcionam por aproximação usando tecnologia NFC.

É interessante observar as tendências em oferecer produtos e serviços customizados, onde cada cliente pode literalmente escolher o que quer comprar de acordo com suas preferências pessoais.

Um exemplo bem comum são os sites de montadoras de carros, que permitem ao cliente customizar o seu veículo antes de realizar o pedido. No site da Tesla é possível escolher a configuração do seu carro elétrico.

Dentro do nosso campo de atuação, podemos observar o que a gráfica Pinti faz no seu site.

Ao tentar imprimir um simples flyer, você pode enviar a sua arte ou solicitar os serviços de um designer, pode escolher entre opções mais vendidas, econômicas ou premium, além de poder baixar um gabarito com instruções detalhadas de como aplicar o seu projeto para impressão e acabamento.

Estes conceitos são fundamentais na diferenciação de produtos e a sua promoção no mercado. Sua aplicação encaixa-se perfeitamente nos serviços criativos e projetos de design que desenvolvemos diariamente, podendo tornar-se o diferencial para conquistar novos clientes.

Algumas referências deste texto foram retiradas do livro de Kotler e Keller, Administração de Marketing, 12ª edição.

Até a próxima!

As páginas podem ser criadas e modificadas usando um editor HTML profissional, de todo modo, para aprender HTML, você também pode usar editores de texto simples, como o Bloco de Notas (Windows) ou o Notas (Mac). Usar um editor mais simples é uma das formas mais proveitosas para aprender HTML, já que você precisará digitar todas as tags e elementos HTML.

Como eu não uso Mac, a maioria das referências e instruções nos meus artigos usa o sistema Windows. Se você está familiarizado com os recursos do seu Mac, não terá dificuldade em encontrar a equivalência dos comandos no seu computador.

Liute Cristian

Salvando documentos HTML

Abra o bloco de notas no seu computador e escreva o código abaixo como exemplo. Recomendo que você escreva manualmente para treinar, em vez de copiar e colar.

<!DOCTYPE html>
<html>
<head>
<title>Título da página</title>
</head>
<body>

<h1>Isto é um cabeçalho</h1>
<p>Isto é um parágrafo.</p>

</body>
</html>

Depois de escrever um código HTML, tudo o que você precisa fazer é salvar este documento no seu computador, incluindo no nome do arquivo a extensão que indicará o tipo de documento.

Então, na hora de salvar, inclua no final do nome do arquivo a extensão .html. A extensão do arquivo indica para o sistema do seu computador qual é o tipo de documento e qual aplicativo deve ser usado para exibi-lo.

Pode ser necessário mudar a codificação do texto usada no documento. Esta codificação é responsável pelo conjunto de caracteres (letras, números e símbolos) que será usado no texto.

Algumas codificações não possuem alguns caracteres acentuados, o que pode gerar erros e a substituição dos caracteres com acento no documento (chamados de caracteres especiais).

Exibindo documentos HTML

Depois de salvar um documento com a extensão .html no seu computador, quando abri-lo, ele será exibido no seu navegador web padrão.

Caso prefira abrir o documento em outro navegador, você pode clicar com o botão direito sobre ele e escolher a opção Abrir com…

Se o seu objetivo é editar o documento salvo no bloco de notas, além do comando Abrir com… também é possível executar a ação de abrir direto no Bloco de Notas. Para isso, basta ir em Arquivo> Abrir.

Editores HTML online

Além dos editores de texto comuns, você pode usar editores online, eles possuem recursos que auxiliam na visualização do resultado antes mesmo de salvá-lo. Veja alguns exemplos.

W3 Try It Yourself

Com este editor você consegue escrever o seu código HTML enquanto visualiza o resultado simultaneamente em um painel lateral. É um editor bastante prático e o meu preferido para quem está começando.

Programiz Online HTML Editor

Semelhante ao Try It Yourself, o Programiz permite escrever o código e visualizar o resultado ao mesmo tempo. Ele possui recursos mais robustos, incluindo um editor de CSS, editor de Javascript, além de exibir o código em linhas numeradas, o que facilita na identificação de erros.

Existem outras alternativas, mas estas duas devem atender bem as suas necessidades quando quiser explorar novos recursos.

Editores WYSIWYG

Editores WYSIWYG mostram o resultado final do que você está editando em tempo real, dispensando o conhecimento prévio de linguagens como o HTML.

A expressão WYSIWYG (lê-se “wiz-zee-wig”) é uma sigla para a expressão em inglês “What You See Is What You Get”, que em português significa “o que você vê é o que você recebe”. Ela é usada para identificar editores, geralmente de texto para a internet, que mostram o resultado final de uma publicação ou impressão em tempo real.

O principal propósito de um editor WYSIWYG é permitir que qualquer um possa publicar conteúdo na internet sem depender de conhecimentos em HTML.

O editor de textos do WordPress é um bom exemplo de editor WYSIWYG. Eu consigo formatar o texto apenas selecionando e clicando em controles de formatação.

Ele aplica a formatação automaticamente, sem que eu precise editar nenhum código, semelhante ao que você faz no Microsoft Word, por exemplo.

Eu recomendo que você evite usar editores do tipo WYSIWYG para aprender HTML, usar editores muito robustos pode impedir que você desenvolva o seu aprendizado.

Eles são úteis dentro do contexto para o qual foram criados, visando facilitar a vida do usuário final, mas para o nosso aprendizado, vamos aprender a escrever tudo do zero. Beleza?

Criar uma página de internet usando HTML é tão simples quanto abrir o bloco de notas no seu computador, escrever algumas linhas de texto e salvar. É o que vamos fazer até o final deste texto, mas antes, precisamos conhecer um pouco sobre como a HTML funciona.

A sigla HTML significa Hyper Text Markup Language (Linguagem de Marcação de Hypertexto) e é usada como linguagem padrão de marcação para criar páginas de internet.

Ela descreve a estrutura de páginas e consiste em uma série de elementos que dizem ao navegador como exibir o conteúdo.

Os elementos HTML rotulam as partes do conteúdo como “isto é um título”, “isto é um parágrafo”, “isto é um link”, e assim por diante.

Criando um documento HTML Simples

No exemplo abaixo você pode ver como uma página HTML é construída.

<!DOCTYPE html>
<html>

<head>
<title>Título da página</title>
</head>

<body>
<h1>Meu primeiro cabeçalho</h1>
<p>Meu primeiro parágrafo.</p>
</body>

</html>

Isso é basicamente o que o seu navegador de internet lê, interpreta e então monta a página para que você consiga entendê-la. Cada parte do texto mostrado acima é o que chamamos de elemento HTML.

Elementos da página HTML explicados

Vejamos o que cada parte do exemplo mostrado acima significa:

• O elemento <!DOCTYPE html> define que este documento é um arquivo HTML5. É sempre o primeiro elemento do documento;
• O elemento <html> é usado para indicar a raiz (ou o começo) de uma página HTML;
• O elemento <head> contém informações sobre a página HTML que ficam disponíveis apenas para o navegador e outros mecanismos, mas não são exibidos para o usuário;
• O elemento <title> especifica o título do documento HTML, este título é mostrado na barra de título ou guia do navegador;
• O elemento <body> define o corpo do documento, é ele que conterá todo o conteúdo visível para o usuário, como títulos, parágrafos, imagens, tabelas, listas, etc;
• O elemento <h1> define um título dentro do conteúdo exibido para o usuário;
• O elemento <p> define um parágrafo no conteúdo.

O que é um elemento HTML?

Um elemento HTML é formado por uma tag (etiqueta) de abertura, seu conteúdo, e uma tag de fechamento. A estrutura fica mais ou menos assim:

<nome_da_tag>Conteúdo da tag aqui.</nome_da_tag>

O elemento HTML consiste em todo o conjunto de informações, desde a tag de abertura até a tag de fechamento.

<h1>Meu primeiro cabeçalho</h1> 
<p>Meu primeiro parágrafo.</p>

No código acima temos dois elementos HTML completos. Eu coloquei alguns elementos HTML na tabela abaixo, para ficar mais fácil entender a sua estrutura, vejamos:

Alguns elementos HTML não têm conteúdo (como o elemento <br>). Estes elementos são chamados de elementos vazios. Elementos vazios não têm uma tag de fechamento.

Navegadores web

Para que seja possível visualizar um documento HTML você precisa de um navegador de internet, o mesmo que você está usando para ler esta página.

O objetivo do navegador , como o Google Chrome, Microsoft Edge, Mozilla Firefox, Opera, Safari, etc. é ler documentos HTML e exibi-los corretamente.

O navegador não exibe as Tags HTML, mas usa estas para determinar como o conteúdo será mostrado para o usuário.

Observe o título aqui abaixo deste parágrafo. Ele está formatado com as tags HTML <h2>. Isso faz com que ele fique maior e mais vistoso, separando o meu texto em subcapítulos, deixando mais fácil de ler.

Você não vê as tags <h2> nem </h2>, mas vê o texto formatado por elas porque o navegador as interpreta e mostra apenas o resultado.

Estrutura de páginas HTML

Abaixo temos uma visualização de como é a estrutura de uma página HTML.

O conteúdo dentro da seção <body> (a área branca acima) será mostrado para o usuário no navegador web. O conteúdo dentro do elemento <title> será mostrando na barra de título ou aba do navegador. Pode parecer confuso por enquanto, mas logo você vai se acostumar, fique sussa!

Um pouco sobre a historia do HTML

Eu fiquei um tanto relutante sobre acrescentar este trecho sobre a história do HTML no texto, mas resolvi incluir pois considero importante conhecer as origens e objetivos por trás do HTML. Por favor, leia com atenção, não tem muito da parte prática, mas é bastante interessante.

A história do HTML começa no final da década de 1980, quando a Internet começava a se popularizar. Na época, as páginas da web eram basicamente texto simples com alguns links, e a maioria das pessoas as criava manualmente, digitando código em um editor de texto.

Em 1989, o físico nuclear britânico Tim Berners-Lee, que trabalhava no CERN (Organização Europeia para a Pesquisa Nuclear), propôs a criação de uma linguagem de marcação para facilitar a criação de páginas da web. Ele chamou essa linguagem de HTML, que é a sigla para Hypertext Markup Language, ou Linguagem de Marcação de Hipertexto.

Em 1991, Berners-Lee lançou a primeira versão do HTML, que consistia em apenas uma dúzia de tags. Com o passar do tempo, o HTML evoluiu e novas versões foram lançadas, incluindo o HTML 2.0 em 1995, o HTML 3.2 em 1997, o HTML 4.01 em 1999 e o HTML 5 em 2014.

A importância do HTML para o desenvolvimento da internet é incalculável, pois é ele que dá estrutura e significado ao conteúdo das páginas da web. Sem ele, as páginas seriam apenas blocos de texto sem formatação, e a navegação seria muito mais difícil. Além disso, o HTML permite que as páginas da web sejam acessadas por diferentes dispositivos, como computadores, smartphones e tablets.

Hoje em dia, o HTML é ainda mais importante, pois a maioria das pessoas acessa a internet diariamente, seja para trabalhar, estudar ou se divertir. O HTML é usado não apenas para criar sites, mas também para criar aplicativos móveis, e-mails marketing e até mesmo jogos.

Por isso, aprender HTML é importante para qualquer pessoa interessada em desenvolvimento web, marketing digital e outras áreas relacionadas. Ele é a base para a construção de todas as páginas da web e permite que você crie seu próprio site ou personalize um já existente.

Além disso, saber HTML permite que você entenda como as páginas da web funcionam e como os navegadores web interpretam o conteúdo, o que pode ser útil em muitas áreas diferentes. Aprender HTML pode ser um grande passo para entrar no mundo do desenvolvimento web e abrir portas para uma carreira emocionante e bem remunerada.

Como escrever uma página em HTML

Agora que você entendeu a estrutura básica do HTML, veremos na prática como escrever nossa primeira página de internet usando HTML.

Passo 1. Abra o bloco de notas no seu computador.

Passo 2. Escreva o código de exemplo (o mesmo que vimos acima) dentro do seu documento.

<!DOCTYPE html>
<html>

<head>
<title>Título da página</title>
</head>

<body>
<h1>Meu primeiro cabeçalho</h1>
<p>Meu primeiro parágrafo.</p>
</body>

</html>

O resultado deve ficar mais ou menos assim:

Passo 3. Vá em Arquivo> Salvar como, e dê um nome ao seu documento. Você deve colocar no final do nome do arquivo o .html para indicar que é um documento HTML. Mude a codificação do texto para UTF8.

Passo 4. Salve o documento e pronto. Você terá a sua primeira página escrita em HTML.

Ao abrir este documento, o navegador padrão do seu computador irá exibir uma página com o conteúdo.

Você deve estar pensando “puxa, mas eu escrevi tudo aquilo de código pra mostrar apenas duas linhas de texto?”. Compreensível, mas considere a quantidade de informações, imagens, textos e outros elementos que compõem uma página de internet.

Estruturar, organizar e formatar tudo isso só é possível graças ao HTML, que é capaz de manter tudo no seu devido lugar, padronizado, para que qualquer navegador consiga exibir as informações corretamente.

É claro que boa tarde disso ainda depende do CSS, que é algo que ainda vamos precisar estudar e aprender, mas por enquanto, o HTML servirá para construirmos nossos projetos iniciais para internet, até que sejamos capazes de seguir a diante e dar mais um passo rumo a um mundo de possibilidades.

Te vejo no próximo texto!

Estou convencido que está na hora de aprender uma nova habilidade, e uma das áreas que mais me interessam é a de desenvolvimento de soluções para internet, sites e aplicativos.

Em algumas pesquisas, eu descobri que existe uma trilha que podemos seguir para chegar ao nível de escrever código, estruturar dados e criar interfaces para construir sistemas e aplicativos completos.

Comecei a usar o Twitter com mais frequência e seguir alguns perfis gringos em busca de dicas e inspiração pra começar esta empreitada. O tweet abaixo me fez ter uma noção do que eu precisaria para conseguir chegar onde quero.

Se tudo der certo, e isso depende da minha dedicação, estarei no caminho para me tornar um desenvolvedor full-stack.

Desenvolvedor full-stack é o profissional capaz de trabalhar em todas as camadas de desenvolvimento de um aplicativo ou sistema, incluindo o front-end (interfaces do usuário), back-end (servidores e bancos de dados) e também conhece sobre infraestrutura. Também desenvolve e mantém aplicações completas, desde o planejamento até o lançamento e manutenção.

Totvs – O que é desenvolvedor full stack, o que faz, salário, habilidades e muito mais!

Não foi a primeira vez que me deparei com este tipo de lista, existem vários exemplos nos perfis que eu sigo que falam também sobre o desenvolvedor front-end.

Desenvolvedor front-end trabalha com a criação da interface do usuário (UI) de um aplicativo ou sistema. Isso inclui a criação de elementos visuais como botões, menus, formulários e outros elementos interativos, bem como a implementação de design responsivo para garantir que o aplicativo seja visualmente atraente e fácil de usar em diferentes tamanhos de tela. Desenvolvedores front-end geralmente usam linguagens como HTML, CSS e JavaScript para criar interfaces do usuário.

Treinaweb – O que é front-end e back-end?

Não estou dizendo que é simples, nem que uma carreira inteira se resume em uma lista que achei no Twitter. Isso é mais uma maneira de mostrar o gatilho que me fez decidir mergulhar de cabeça nesse mundo.

Como bom moço que sou, também fiz outras pesquisas e procurei fontes diversas sobre o assunto. Neste texto, da Alura, você pode conhecer um pouco mais sobre o que um desenvolvedor full-stack faz. No final tem um podcast sobre o assunto que você pode ouvir.

Os termos usados tanto no texto quanto no podcast podem parecer estranhos e dar um nó na sua cabeça, mas não se prenda a isso agora, depois as coisas começam a fazer mais sentido e você vai esquecer que não sabia do que se tratava.

Em ambos os exemplos mostrados acima (full-stack e front end), a jornada começa em aprender HTML, que é a linguagem que você “enxerga” em todas as paginas da internet.

Esta página aqui (que você está lendo agora), por exemplo, apesar de necessitar de uma série de outros recursos para ser criada e existir, é basicamente um documento de texto escrito em HTML exibido pelo seu navegador. Mas vamos entender isso com mais detalhes no decorrer do aprendizado.

Por que eu resolvi aprender sobre desenvolvimento?

Como trabalhei com design gráfico a vida toda (estou com 34 anos), sempre tive muito apreço por aprender outras disciplinas que tivessem ligação com este ramo. Tentei aprender 3D, Desenho, Animação, Motion Design, infelizmente nunca tive muito sucesso.

Do mesmo modo, sempre precisei trabalhar com ferramentas para criar conteúdo para internet, e foi justamente onde eu desenvolvi a maior parte das habilidades que me permitem estar aqui hoje, escrevendo este texto.

Aprendi, com muito custo, sobre hospedagem de sites, WordPress, noções básicas de construção de páginas usando HTML e CSS, entre outras coisas que um blogueiro precisa para alcançar alguma audiência.

Eu aprendi tudo isso por pura necessidade, desde quando o conteúdo era criado usando o Blogger (plataforma gratuita e antiga do Google) até chegar no WordPress (Gerenciador de conteúdo hospedado). Porque não ir adiante e aprender a construir meus próprios projetos de sites ou aplicativos do zero e ganhar dinheiro com uma nova profissão?

Estou convencido que não levo jeito para o desenho ou para animações. Se eu insistisse um pouco mais talvez conseguisse, mas estou animado o bastante para escolher este novo segmento que, ainda por cima, está entre as profissões que mais tem oportunidades e pagam bons salários atualmente.

Por que você deveria aprender HTML?

Aprender HTML é a porta de entrada para “drogas mais pesadas”, digo, outras linguagens. É o pontapé inicial para você que quer desenvolver sites ou aplicativos do zero, sem precisar de plugins ou softwares que entregam tudo pronto.

Você terá bases para criar sistemas e aplicativos. Apesar de não ser uma linguagem de programação, HTML é uma linguagem de marcação, o HTML vai te dar noções para entender como as linguagens de programação funcionam.

Ele expande as suas possibilidades de atuação em diversos segmentos, mesmo que você trabalhe com design gráfico, poderá usar o que aprendeu para criar outros tipos de projeto, como interfaces para aplicativos ou páginas de internet muito mais consistentes. Para tudo isso, vamos precisar aprender CSS também, além de outras disciplinas, mas vamos dar um passo de cada vez.

Concluindo

O jeito mais fácil que eu encontrei na vida para aprender alguma coisa é: estudar e depois escrever o que aprendi, como se eu estivesse ensinando alguém. Foi assim que surgiu o Clube do Design, inclusive.

Depois de ler um texto eu penso: “Como eu escreveria sobre isso, se eu fosse ensinar para alguém?”, então repasso o que aprendi com as minhas palavras. No final, tenho um texto que pode ser publicado, e que vai ajudar outras pessoas a aprender também.

Todo o conteúdo que eu vou começar a escrever a partir de agora, estou lendo, aprendendo, traduzindo e reescrevendo a partir do site gratuito W3 Schools. Caso outras fontes sejam usadas para compor algum conteúdo, incluirei nas referencias no final de cada artigo.

Para deixar tudo muito bem organizado, eu criei uma marcação especial que você pode usar para ler todos os textos. Você pode clicar em Aprendendo HTML sempre que quiser ir para o sumário e ver todos os textos já publicados.

Então vamos em frente, dar os primeiros passos nesta nova jornada de aprendizado. Eu estou muito empolgado com o que posso fazer. Você consegue se ver assim também?

O que é mesa digitalizadora?

Mesa digitalizadora é um dispositivo portátil, geralmente usado conectado a um computador, que serve essencialmente para substituir as funções do mouse por ações que podem ser executadas com uma caneta.

Podem ser encontradas em diferentes tipos, tamanhos, com funções e recursos de conectividade variados.

Apesar da maioria das mesas digitalizadoras depender de um computador para funcionar, existem modelos robustos com vídeo e até mesmo processador integrados, permitindo o uso de forma independente, sem a necessidade de computador.

A maioria das mesas digitalizadoras têm o formato de um tablet, uma pequena prancheta de plástico, borracha e componentes eletrônicos, que recebe a informação do usuário através de desenhos feitos com uma caneta, e transfere esta informação para o computador.

Podem possuir botões que têm diferentes funções, ativam ferramentas ou acionam atalhos de teclado durante o uso de softwares criativos de desenho e edição.

Como funciona a mesa digitalizadora?

O funcionamento básico da mesa digitalizadora consiste em conectá-la ao computador através de um cabo USB ou bluetooth e, com a caneta, executar movimentos e toques sobre ela, para comandos que normalmente seriam realizados com o mouse.

O cabo USB, além de transferir as informações da mesa para o computador, funciona como fonte de energia para a mesa, que não precisa de tomada elétrica para funcionar.

Se a conexão for por bluethooth, a mesa deve possuir uma bateria que a manterá funcionando por um período de tempo, até ser necessário conecta-la à uma porta USB para recarregar.

A mesa digitalizadora possui sensores que detectam a posição da caneta que pode ser movimentada sobre a mesa sem tocá-la. Isso fará com que o cursor do mouse se mova na tela do seu computador.

A caneta, também conhecida como Stylus, não precisa tocar na superfície da mesa para mover o cursor do mouse, basta que a ponta esteja próxima da superfície para que o equipamento reconheça a sua posição e mova o cursor na tela.

A posição da caneta sobre a área útil da mesa é relativa a posição do cursor do mouse na tela do computador.

Ao tocar com a ponta da caneta sobre a tela, a ação de clique com o botão esquerdo do mouse é executada.

O toque da ponta da caneta sobre a mesa só acontece quando o usuário deseja clicar, arrastar ou executar uma ação direta com o cursor do mouse ou qualquer ferramenta que esteja usando dentro de algum software.

A mesa digitalizadora reconhece apenas o toque da ponta da caneta, isso quer dizer que você pode apoiar ou arrastar as costas das mãos sobre ela sem que isso execute comandos involuntários.

Alguns modelos possuem recurso toque (touch screen), que permite executar comandos com as pontas dos dedos, como os que fazemos no smartphone.

Quando tocar com a caneta sobre a mesa digitalizadora?

Ao tocar com a ponta da caneta sobre a superfície da mesa digitalizadora, você executa o mesmo comando do botão esquerdo do mouse. Se você der apenas um toque, seleciona um objeto ou ativa uma ferramenta ou recurso com o cursor. Ao tocar com a ponta da caneta rapidamente duas vezes, é o mesmo que dar dois cliques com o mouse.

Da mesma maneira, se você tocar com a ponta da caneta sobre a superfície da mesa digitalizadora e arrastar para alguma direção, terá exatamente o resultado de clicar e arrastar com o mouse.

Quais os tipos de mesa digitalizadora disponíveis no mercado?

Existem diversos modelos de mesas digitalizadoras, quanto mais recursos, acessórios e funções, mais caras tendem a ser.

Assim também são as diversas marcas disponíveis no mercado, vejamos algumas das mais conhecidas:

1. Wacom: é uma das marcas mais conhecidas e respeitadas no mercado de mesas digitalizadoras e oferece uma ampla gama de mesas digitalizadoras para usuários de todos os níveis, desde iniciantes até profissionais.
2. Huion: é uma marca de mesas digitalizadoras conhecida por seus preços acessíveis e recursos avançados, oferecendo uma ampla gama de opções para usuários de todos os níveis.
3. XP-Pen: é uma marca de mesas digitalizadoras que oferece uma ampla gama de opções para usuários de todos os níveis, desde iniciantes até profissionais.
4. GAOMON: é uma marca de mesas digitalizadoras conhecida por seus preços acessíveis e recursos avançados, oferecendo opções para usuários de todos os níveis.
5. Parblo: é uma marca de mesas digitalizadoras que oferece opções para usuários de todos os níveis, desde iniciantes até profissionais.
6. Artsul: Esteve presente no Brasil por um curto período de tempo mas ainda é possível importá-las, tem preço bem acessível e equipamentos de boa qualidade.

Separei uma lista de modelos que recomendo e que você também pode se interessar na minha página da Amazon.

Com relação aos diversos tipos de mesas digitalizadoras, tentarei classificá-las com base nos recursos mais comuns em cada categoria.

Isso não significa que é uma lista final de recursos, como a tecnologia muda constantemente, este texto pode ficar obsoleto com o tempo (cuidarei para mantê-lo sempre atualizado)

Mesas digitalizadoras (prancha)

São o tipo mais usado de mesas digitalizadoras porque são baratas, leves e podem ser encontradas de diversos tamanhos.

• São pensadas para serem portáteis, mesmo as mesas maiores podem ser facilmente transportadas em mochilas e bolsas;
• Possuem uma área útil dentro da prancheta, ou seja, você não usa a mesa inteira para desenhar, mas uma pequena área demarcada;
• Podem ser conectadas com cabo USB ou bluethoot, dependendo do tamanho e modelo, o que influencia no preço;
• Você precisa de um computador para usá-la, já que a mesa funciona apenas como uma interface entre você e o computador;
• Você desenha sobre a mesa, mas deve olhar para a tela do computador para ver o resultado do que está fazendo.

Monitores interativos (mesas com tela)

Este tipo de mesa é um pouco mais robusto e tem se tornado mais popular por causa da sua principal vantagem: você pode ver e desenhar diretamente sobre uma tela.

Isso permite traços mais precisos e maior comodidade ao desenhar, entretanto, podem não ser tão portáteis quanto os modelos mais simples, já que, dependendo do tamanho, exigem um suporte para serem apoiadas.

• Além da conexão USB, exigem uma conexão de vídeo no computador pois exibem as imagens a partir dele;
• Precisam de conexão de vídeo por cabo (HDMI, Display Port, etc) não tendo opções sem fio;
• Se o seu computador só tem uma saída de vídeo, você não vai conseguir ligar a mesa e o monitor do computador ao mesmo tempo;
• Para computadores mais antigos, pode exigir a compra de cabos, adaptadores, conversores de conexão ou até mesmo uma placa de vídeo dedicada para conectar a mesa junto com o monitor do computador;
• Existem modelos leves que podem ser apoiados no colo e outros maiores e mais pesados que vêm com um suporte de apoio para mesa
• Tendem a ser mais caras que as mesas digitalizadoras comuns, mas existem alguns modelos bem acessíveis.

Abaixo você pode acompanhar um vídeo de apresentação do modelo Cintq PRO da Wacom, é um modelo mais robusto que é usado geralmente sobre uma mesa.

Computadores com caneta

Este tipo de mesa é muito mais caro já que vem embarcada com processador, memória e HD. São basicamente computadores que possuem a tecnologia de tela aprimorada para o uso com a caneta, isso permite que você tenha um equipamento tudo em um, não sendo necessário um computador conectado.

Não confunda este tipo de equipamento com computadores comuns com tela touch. Este tipo de mesa digitalizadora é planejado para ter resposta rápida e uso otimizado com caneta para um ótimo desempenho para profissionais criativos.

• São muito versáteis pois podem rodar o mesmo sistema operacional do seu computador;
• Portáteis, você pode carregar em uma bolsa e trabalhar de qualquer lugar;
• Não tem necessidade de cabos, fios ou conexão com um computador;
• Podem até mesmo serem conectadas a um segundo monitor para expandir ainda mais a produtividade,
• São muito caros, custando até mais do que um computador mais potente.

Veja um vídeo de demonstração da Wacom Mobile Studio:

Quais recursos você encontra em uma mesa digitalizadora?

Independente do tipo de mesa, existem recursos que são encontrados entre todas as categorias e influenciam no preço final do equipamento, mesmo para as mesas do tipo mais simples (prancha).

Estes recursos estão diretamente relacionados à sua produtividade ao usar a mesa digitalizadora, já que o principal objetivo da mesa é imitar o desenho à mão livre, que você faria com um lápis, caneta ou pincel.

Por isso, alguns recursos podem ser importantes, como inclinação da caneta, maiores níveis de pressão, entre outros. Escolher a mesa com base nos recursos disponíveis pode te ajudar a ter um equipamento robusto e que atenda as suas necessidades criativas.

Tamanho

O tamanho da mesa pode variar bastante entre os modelos, de modo geral, as mesas menores tendem a ser mais portáteis e permitem maior mobilidade, mas este não deve ser o único fator de decisão quando você for escolher um equipamento para trabalhar.

Quanto menor a mesa, menor será a área útil de desenho, o que implica em movimentos menos precisos quando você estiver trabalhando. Isso quer dizer que mover a caneta 1mm sobre a mesa, pode representar um movimento muito grande na tela do computador.

Mesas maiores são mais precisas pois você tem uma área útil relativamente maior, isso implica em movimentos maiores para percorrer um espaço menor na tela do computador se comparado às mesas de tamanho pequeno.

Isso também vale para as mesas que você desenha direto na tela. Entretanto, leve em consideração que, em ambos os casos, você pode usar o zoom de aplicativos de desenho ou edição, isso ajuda a ter um controle maior de precisão em detalhes pequenos durante o trabalho.

Botões

A maioria das mesas digitalizadoras possuem botões que podem ser personalizados através do softwares que acomapanha a mesa e é instalado no computador.

Os botões podem estar posicionados nas laterais ou acima da área útil da mesa, em alguns modelos, podem até mesmo ficar na parte de trás, na posição de apoio das mãos.

Como as mesas tem um formato retangular com a área útil simétrica, a maioria dos modelos permite girar a mesa e usar de cabeça para baixo, posicionando os botões do lado direito ou esquerdo para pessoas destras e canhotas.

Os softwares que acompanham estes equipamentos possuem diversas opções de configuração, mapeamento dos botões, definição de atalhos de ferramentas dependendo do software aberto, ajustes para pessoas destras e canhotas, entre outras opções.

Os botões funcionam como atalhos que permitem acessar uma ferramenta ou recurso mais rapidamente, podendo ser configurados através do software que acompanha a mesa digitalizadora.

Ao editar uma imagem no Photoshop, por exemplo, você pode configurar um botão para ativar a ferramenta Pincel, outro para a Borracha e até mesmo atalhos de teclado como Desfazer (Ctrl+Z) e Refazer (Ctrl+Alt+Z).

Alguns modelos possuem um botão giratório (dial), que permite modificar o tamanho de pincéis, aumentar ou diminuir zoom, avançar ou voltar a reprodução de um vídeo ou desfazer/refazer várias ações rapidamente.

Mesas mais robustas trazem interfaces inteiras dedicadas as funções do botão giratório. No vídeo abaixo, a Huion deu um destaque especial para as funções do dial disponíveis no modelo Inspiroy Dial Q620M.

Sensibilidade ao toque

Os modelos mais comuns funcionam apenas com o movimento e toque da ponta da caneta sobre a superfície, entretanto, existem mesas que possuem sensibilidade ao toque das mãos (touch).

Tanto as mesas do tipo prancha quanto as telas interativas e computadores com tela podem possuir este recurso. Geralmente possuem um botão de atalho para ativar ou desativar o toque, evitando movimentos involuntários.

Com o recurso, você pode combinar movimentos da caneta com ações usando as pontas dos dedos, aproximar ou afastar o zoom através do movimento de pinça, desfazer ações tocando com dois ou mais dedos na tela e assim por diante, algo muito semelhante ao que encontramos em tablets, como o iPad.

Inclinação

Mesas mais modernas podem possuir recursos que permitem usar a inclinação da tela para criar efeitos artísticos.

Este recurso pode parecer incrível, mas não se engane, você dificilmente precisa disso, a menos que seja um profissional muito específico que precisa criar trabalhos bem específicos. Os recursos mais básicos atendem a maioria dos artistas, sendo o diferencial mais importante os recursos que acompanham a caneta.

Recursos da caneta

A principal ferramenta que você vai usar para interagir com a mesa é a caneta (também conhecida como stylus). Ela possui diferentes formatos, tamanhos e recursos que vão te auxiliar durante o trabalho com a mesa digitalizadora.

Botões

A maioria das canetas possui dois botões no corpo que permitem usar as funções dos botões do mouse, como o botão direito (geralmente o botão de cima na caneta) ou clicar e segurar com o botão esquerdo (geralmente o botão de baixo na caneta).

Pontas

Como as pontas da caneta desgastam com o tempo, é comum virem diversas pontas na caixa do produto, que podem ser trocadas facilmente puxando e colocando outra no lugar.

As pontas da caneta também podem ser um recurso à parte, com tamanho, largura e até aspereza distintos para criar diferentes experiências de desenho.

No vídeo a seguir você pode ver a demonstração das canetas que acompanham o modelo Deco 01 V2 da XP-Pen:

Níveis de pressão

Todas as mesas digitalizadoras modernas possuem níveis de sensibilidade da pressão da caneta, isso quer dizer que elas podem desenhar traços mais finos ou mais grossos dependendo da força que você aplica com a caneta sobre a mesa.

A quantidade de níveis de pressão é um recurso geralmente destacado na publicidade das mesas, pois quanto maiores forem o níveis de pressão, mais sensíveis e mais precisos serão os traçados.

Inclinação e rotação

Um dos recursos mais requisitados por designers e ilustradores atualmente é a sensibilidade à inclinação e rotação da caneta, que expande ainda mais as possibilidades criativas com as mesas digitalizadoras.

A inclinação da caneta permite simular o desenho com o lápis deitado, ou mudar a inclinação das cerdas de um pincel em aplicativos como o Photoshop.

Não é um recurso comum e geralmente só é encontrado em mesas profissionais de topo de linha, que custam mais caro que as mesas mais simples.

Borracha (ponta inversa da caneta)

As canetas mais robustas oferecem o recurso de borracha, que pode ser acionado virando a caneta ao contrario. Este tipo de recurso não depende apenas da caneta, mas a mesa digitalizadora precisa ser compatível e oferecer suporte as diferentes formas de usar a caneta.

É claro que o software de desenho usado precisa possuir alguma ferramenta que tenha a função de apagar.

O recurso não se limita a apagar um desenho, na verdade, também pode ser usado para desenhar, borrar ou usar outra ferramenta de sua preferência.

Conectividade

Mesas do tipo prancha

Por ultimo mas não menos importante está a conectividade. A maioria das mesas digitalizadoras exige uma conexão por cabo USB que pode ser do tipo Mini USB, Micro USB ou USB-C.

O cabo é responsável por enviar as informações da mesa para o computador e também pelo fornecimento de energia, já que ela não precisa de uma tomada elétrica para funcionar.

As mesas do tipo prancha podem ter conexão bluetooth, dispensando o uso do cabo que, neste caso, servirá apenas para recarregar a bateria após um longo período de uso.

Mesas com tela interativa

O mesmo não pode ser dito das mesas com tela interativa, que necessitam obrigatoriamente de um cabo Display Port, HDMI ou Mini-HDMI para receber a imagem do computador.

Sem mencionar que o seu computador precisa de uma saída de vídeo compatível, caso contrário, você vai precisar comprar um cabo adaptado, com conversor ou até mesmo investir em uma placa de vídeo dedicada.

Se quiser usar o seu monitor comum e a mesa digitalizadora ao mesmo tempo, seu computador precisa ter pelo menos duas saídas de vídeo disponíveis.

Além do cabo de vídeo, você também precisa conectar um cabo USB para que a mesa receba a energia elétrica para funcionar e envie os comandos ao computador, logo, serão dois cabos conectados o tempo inteiro para o equipamento funcionar.

Mesas mais modernas podem ter uma única interface USB-C, tanto para video quanto para fornecimento de energia.

Veja a seguir um video de exemplo com a configuração de conexões de uma mesa digitalizadora com tela interativa modelo One By Wacom:

Apesar de trazer a comodidade de poder desenhar sobre a tela, a quantidade de conexões via cabo pode ser um incomodo. Se o seu objetivo é ter portabilidade, pense bem antes de escolher este modelo.

Computadores como caneta

Quando nos referimos aos computadores com caneta, o funcionamento é muito semelhante ao de um notebook. Estes equipamentos podem usar a bateria interna por um tempo, permitindo serem portáteis e, quando necessário recarregar a bateria, podem ser conectados a uma tomada de energia.

Usar powerbanks (baterias portáteis) pode ser uma ótima alternativa para aumentar o tempo de uso longe das tomadas.

Como se trata de um computador tudo-em-um, você encontra modelos com entradas USB, leitor de cartão de memória e uma saída de vídeo para conexão com um segundo monitor.

O exemplo mais claro disso é o Mobile Studio da Wacom, que possui configurações que incluem processador Intel Core i7, SSD de 512GB, 16GB de memória RAM DDR 3, placa de vídeo dedicada NVIDIA Quadro M1000M com 4GB de memória RAM DDR 5 e conta com câmera 3D integrada para você digitalizar os seus rascunhos ou objetos com profundidade tridimensional.

Estes equipamentos estão preparados para receber teclado e mouse com ou sem fio, além de vários acessórios que podem ser ligados diretamente a ele, como uma impressora, por exemplo.

Abaixo você confere um vídeo com as principais funções do modelo Mobile Studio da Wacom:

Qual o melhor modelo de mesa digitalizadora? Qual escolher?

Depois de conhecer todos os recursos disponíveis neste tipo de equipamento, sua principal dúvida deve ser “qual modelo é o ideal de acordo com o seu tipo de trabalho”, certo?

Não dá pra dizer qual é o “melhor modelo” sem avaliar suas reais necessidades, cada equipamento tem uma série de recursos e ferramentas que podem ser úteis para profissionais específicos, e serem inúteis para outros.

A maioria das pessoas que trabalha com design gráfico nunca vai precisar de uma mesa digitalizadora.

Se você nunca teve uma mesa digitalizadora e não faz ideia de como ela vai se encaixar no seu fluxo de trabalho, eu recomendo começar com um modelo básico primeiro, focado em portabilidade e praticidade.

Assim você poderá se adaptar ao equipamento e poderá escolher um mais robusto com mais segurança, se a troca for realmente necessária.

Isso vai te ajudar a economizar dinheiro caso perceba que a mesa digitalizadora não é tão útil no seu fluxo de trabalho.

Ter uma mesa digitalizadora pode parecer uma ideia empolgante, mas usar uma caneta não é a solução para a maioria dos problemas de criatividade ou produtividade se você é um profissional criativo.

A maior parte dos recursos da mesa digitalizadora é útil para profissionais que passam efetivamente muito tempo retocando ou editando imagens, modelando em 3D ou desenhando.

Quando digo “muito tempo”, não é como editar uma foto aqui e outra ali para colocar em um cartaz, estou falando de horas e mais horas dedicadas em um único projeto de edição de imagem, principalmente editores que trabalham com mattepaint para publicidade ou pintura digital por exemplo.

Se você cria cartões de visita ou panfletos, pode não ser tão útil quanto você imagina, nestes casos usar o teclado e o mouse é muito mais prático e ágil, dada a necessidade de criar formas e misturá-las com texto digitando no teclado.

Vou tentar descrever os melhores usos com base nas atividades que mais me perguntam sobre o uso de mesa digitalizadora, você pode tirar suas próprias conclusões com o tempo, mas pra isso é importante testar o equipamento, poupando um investimento pesado que depois pode ser inútil.

Qual a melhor mesa digitalizadora para designer gráfico?

Eu sou um designer generalista, isso quer dizer que eu crio todo tipo de projeto gráfico, hoje, principalmente para o setor corporativo. Isso envolve muito texto e formas geométricas.

Meu processo de edição de imagens é simples, com retoques e alguns ajustes de cor, apesar de ter uma mesa digitalizadora no trabalho, raramente compensa conectá-la ao computador para a edição. Usar o mouse e o teclado resolve muito rapidamente o que eu preciso fazer.

O modelo do tipo prancha de tamanho pequeno é o ideal, pois é simples, barato, fácil de conectar ao computador e está sempre à mão para integrar o fluxo de trabalho sem eu precisar mudar tudo o que tenho em cima da mesa.

Em casa também tenho uma prancheta pequena, além de um monitor interativo que ganhei para fazer um review. Você pode vê-las em minhas lives onde tento aprender a desenhar. Mas eu literalmente só uso quando estou produzindo conteúdo sobre isso.

Qual a melhor mesa digitalizadora para desenho e ilustração?

Para este tipo de atividade você pode literalmente usar qualquer um dos modelos apresentados. O que vai fazer diferença é o tipo de recurso extra que você gostaria de ter e quanto está disposta(o) a gastar.

Os monitores interativos e computadores com caneta são mais práticos e entregam resultados muito mais eficientes, mas você precisa ter uma grana extra para conseguir bancar.

Isso porque para ilustradores e desenhistas, ter precisão é muito mais importante para criar traços com mais firmeza, acabamentos de luz e sombra além de facilidade para se mover pelo desenho na tela.

Canetas com mais recursos, mesas maiores, tudo isso vai potencializar os resultados.

Agora se você está pensando em começar, aprender a desenhar, vá devagar, se não puder comprar um monitor interativo, vá mesmo para uma mesa do tipo prancha e dê os primeiros passos antes de gastar mais.

Além disso, considere a possibilidade de comprar um iPad, que é bem prático para quem quer desenhar, além de ser muito portátil, ter o sistema operacional dedicado e um mundo de softwares disponíveis, não só para desenho, mas produtividade, redes sociais e consumo de conteúdo.

Qual a melhor mesa digitalizadora para quem trabalha com 3D?

Convenhamos, apesar de ser possível modelar em 3D usando mouse e teclado, não vai ser fácil atingir bons resultados dependendo do tipo de projeto que você constrói, principalmente se trabalha com aplicativos como o ZBrush, onde modela como faria com massa ou argila.

Projetos arquitetônicos, desenhos baseados em CAD, para este tipo de trabalho a mesa digitalizadora é dispensável e às vezes até inútil, mas se você precisa criar personagens para um jogo, a história é outra.

Monitores interativos são uma excelente alternativa, já que computadores usados para modelagem 3D são muito mais robustos do que um computador com caneta.

Para este tipo de trabalho, o equipamento precisa suportar grandes cargas de processamento, principalmente na hora do render, então um monitor interativo seria uma extensão da máquina que você já usa para o trabalho pesado.

As mesas do tipo prancha também podem ser úteis se você não se importa com o formato de desenhar sobre ela enquanto olha para a tela, além de serem uma alternativa mais barata se você quer um tamanho maior com uma área útil de desenho mais generosa.

Qual a melhor mesa digitalizadora para arquitetos, professores, engenheiros e tudo mais?

Você já percebeu que conhecer os recursos da mesa digitalizadora é muito mais importante do que simplesmente chegar na loja e perguntar “qual a melhor mesa para escrever na sala de aula?”.

Por isso, tudo o que escrevi até aqui serve justamente para te ajudar a escolher o melhor equipamento de acordo com os seus objetivos e necessidades.

Ao procurar no site das marcas que mencionei anteriormente, você será capaz de identificar os recursos importantes do equipamento e como eles podem ser úteis pra você.

Você não precisa se preocupar em comprar o modelo ideal de mesa digitalizadora se ainda não teve a chance de conhecê-lo.

No final das contas, se você está em dúvida de qual mesa comprar, a escolha mais segura é um modelo simples, do tipo prancha, de tamanho pequeno. São os modelos mais baratos.

Onde aprender a usar uma mesa digitalizadora?

Se você trabalha com design gráfico e não tem ideia de como empregar uma mesa digitalizadora no seu fluxo de trabalho, eu tenho um módulo de desenho e ilustração no meu curso de Illustrator.

Nele você vai aprender a criar logotipos, ícones e ilustrações básicas de personagens usando mesas digitalizadoras dentro da interface do Illustrator.

Você aprenderá como criar pincéis que reagem a pressão da caneta para criar efeitos criativos interessantes e um trabalho mais atraente.

Neste link você pode saber mais e se matricular se tiver interesse.

Espero que este texto tenha te ajudado a aprender mais sobre mesas digitalizadoras. Se você tiver alguma dúvida, use a seção de comentários aqui em baixo.

Até logo!

Referências

Pra construir este artigo, eu usei imagens extraídas de vídeos sobre mesa digitalizadora no Youtube.

• https://www.youtube.com/watch?v=OFw4jcBjQKs
• https://www.youtube.com/watch?v=E_9Fnjj5Ybc
• https://www.youtube.com/watch?v=NkSnGofgIDU
• https://www.youtube.com/watch?v=6V1p1wq4iWI
• https://www.youtube.com/watch?v=eMs-RligWvY

Com essa necessidade inerente e muita dificuldade de ter que realizar esse aprendizado por conta própria, listei abaixo algumas ferramentas que são consideradas essenciais para os empreendedores, confira:

Agenda Online

Auxilia no controle de seus compromisso e gerencia o tempo onde quer que esteja, basta acessar a agenda do computador, notebook ou smartphone;

Existem inúmeras alternativas no mercado, a maioria já faz parte do seu dia-a-dia e você pode nem perceber. Isso por que tanto smartphones Android quanto iOS possuem agendas nativas.

O aplicativo Agendas disponível no Android conecta suas atividades fornecidas em um calendário à sua conta Google gratuita e permite integrar outas funções, como o Google Keep, para listas de tarefas.

Já no iPhone, o Calendário tem a mesma função, que permite marcar compromissos, consultar tarefas e adicionar lembretes rápidos.

Uma das principais vantagens tanto da Agenda do Google quanto do Calendário do iOS é que você tem acesso à sua agenda tanto no smartphone quanto online.

Além disso, esse recurso permite que você acesse seu calendário dentro do ecossistema da Apple, visualizando entre os seus dispositivos com iOS, iPad OS ou Mac, bastando configurá-los com a sua Apple ID. No caso do Google, entre todos os dispositivos Android onde a sua conta estiver configurada, até mesmo nos da Apple.

Automatização de Pagamentos

Para que a sua demanda de funções básicas não atrapalhe o crescimento, é importante contar com alternativas que permita que realize os pagamentos e cobranças de forma automatizada.

Não é necessário ter um grande negócio para ter uma maquininha de cartões, por exemplo, e com soluções digitais você pode cobrar por seus serviços de forma facilitada.

Um exemplo que eu mesmo uso diariamente é o Mercado Pago, que além de possuir os serviços comuns de maquininhas de cartão, também oferece a possibilidade cobrança através de links de pagamento, ou até a montagem de um catálogo de produtos que podem ser compartilhados com facilidade.

Esse, inclusive, é o serviço que eu mais uso. Quando um cliente quer bater um papo comigo para falar sobre um projeto gráfico, eu ofereço a minha consultoria e mando esse link.

Depois que ele paga, eu uso a minha agenda online (que mencionei aí em cima) para criar uma reunião no Google Meeting e fazer o atendimento.

Até mesmo o Whatsapp já oferece soluções de cobrança que podem agilizar o seu atendimento. No Whatsapp Business, por exemplo, é possível configurar um catálogo de produtos com links.

Imagina a combinação dos recursos do Whatsapp com os do Mercado pago, você terá uma loja virtual grátis e sem nem precisar de um site pra isso.

Plano de Negócios

Qualquer curso mais básico sobre empreendedorismo aborda o plano de negócios, pois se trata de uma questão vital para a sua jornada, por isso, disponha de uma ferramenta que facilite a sobrevivência da empresa neste aspecto.

Se você não faz ideia de como isso funciona ou por onde começar, eu recomendo que você conheça o Portal do Sebrae. Ele está repleto de conteúdo voltado para negócios com foco especial em empreendedores e micro e pequenos empresários.

O portal tem uma área de cursos onde você encontra oportunidades de aprendizado on-line ou separados por estado. Existem os cursos pagos, mas eu te recomendo conhecer as várias opções gratuitas.

Fica aqui a minha recomendação: Curso grátis Aprender e Empreender do SEBRAE.

Não se limite ao site e procure o atendimento presencial na sua cidade. O Sebrae organiza uma série de workshops e eventos gratuitos para ajudar as pessoas a começarem novos negócios.

Controle de Orçamento

Gerenciar o caixa é uma das tarefas mais complicadas de um novo empreendimento, isso por que se trata de uma relação direta da sua capacidade de investimento, ou seja, contar com uma planilha que facilite esse controle também é indispensável.

Eu já chamei bastante atenção para os problemas que envolvem a precificação de produtos e serviços, um dos principais fatores de prejuízo de quem está começando.

Saber quanto cobrar, como cobrar e, principalmente, ter um controle de tudo o que entre e sai de dinheiro no seu negócio é muito importante.

Você pode ter uma boa ideia de como isso funciona acessar o meu texto Quanto cobrar pela minha arte, tenho certeza que vai te ajudar bastante.

Gerenciamento de tarefas

Saber onde e quando priorizar o tempo assegura que você disponha de mais energia onde ela é realmente necessária, considerando que você deve se desdobrar sobre uma série de questões, por isso, conte com uma ferramenta para gerenciamento do tempo.

Eu uso diariamente o Microsoft To Do, que antigamente era conhecido como Wunderlist. É um aplicativo de lista de tarefas simples e fácil de usar que me permite anotar tudo o que preciso, incluindo data de entrega, lembretes, anexos, anotações entre outros.

Ele também se integra com algumas funções do Outlook (aplicativo de e-mail), o que pode facilitar a sua vida se você já usa as ferramentas do Office.

Além dele, eu te recomendo a conhecer o Trello, que usa a metodologia Kanban para gerenciar projetos com quadros que podem ser arrastados e reorganizados. Ele exige um pouco mais de organização mas pode ser útil para projetos mais complexos.

Você pode dar uma olhada em como ele funciona na prática neste vídeo que fiz para o canal. É um pouco antigo e a ferramenta mudou um pouco as telas inicias, mas seu princípio de funcionamento ainda é exatamente o mesmo.

Gestão de Projetos

Acompanhar a demanda do que precisa ser realizado, do que foi entregue e adicionar novas questões também é importante, uma ferramenta que atua como um gerenciador de projetos também pode facilitar essas tarefas.

O Trello também se encaixa nesta categoria, já que possibilita a criação de áreas de trabalho e o compartilhamento das tarefas entre equipes. Entretanto existem diversas outras alternativas que cumprem bem este papel, além de serem gratuitas.

Usei o Monday por um tempo, mas tinha recursos de mais para o que eu precisava gerenciar. Por isso, vale a pena avaliar se a ferramenta vai te dar mais trabalho para organizar tudo, ou se usar uma simples agenda e caneta é mais prático.

Equipamento faz a diferença

É importante salientar que para dispor das soluções das ferramentas citadas acima, o empreendedor também deve contar com um bom equipamento.

Você já tem em mãos uma das mais poderosas ferramentas, que é o seu smartphone, mas ele ainda não substitui a maior parte das tarefas que exigem um computador.

Considerando que você precisa estar em constante movimento, ter uma estação de trabalho fixa nem sempre vai ser útil.

Por isso, eu separei algumas dicas para que você consiga escolher o melhor notebook possível para realizar essas tarefas, algo que nem sempre é tão simples, devido a falta de conhecimento técnico na hora de julgar as configurações.

Ao escolher este tipo de equipamento, não se preocupe em avaliar a marca. O que importa mesmo são os componentes que estão instalados dentro dele. Pensando nisso, leve em consideração os seguintes itens:

• Processador – Esse chip é o cérebro do notebook, responsável por direcionar e gerenciar todas as funções do equipamento, no entanto, as tecnologias não param de avançar, por isso, talvez seja interessante optar por um processador da geração mais atual em demérito de alguns núcleos;
• Memória RAM – É a sua mesa de trabalho, ou seja, todos os processamentos de curto prazo são gerenciados pela memória RAM, por isso, se você é multi-tarefas e abre mais de um programa simultaneamente, atenção a este ponto;
• Armazenamento – Ainda que a tecnologia SSD seja a nova sensação em processamento, devido a sua velocidade superior ao HD, o armazenamento é o seu almoxarifado, onde as coisas ficam guardadas e muitas vezes, sequer são acessadas com tanta frequência.

• Placa de vídeo: Este componente é especialmente útil se você pretende usar o notebook para criar projetos gráficos. Notebooks comuns possuem placa de vídeo integrada à placa mãe, o que acaba sobrecarregando o processador em tarefas mais pesadas. Ter uma placa de vídeo dedicada alivia isso e libera o processador para as suas funções principais.

Agora que você já sabe quais são as ferramentas consideradas essenciais para os empreendedores, assim como possui dicas relevantes sobre o que considerar ao adquirir um notebook que seja robusto o suficiente para assegurar que todos os programas consigam desempenhar as suas funções, você dispõe de um pouco mais de conhecimento que irá facilitar a sua jornada.

Estes fenômenos estão relacionados à maneira como os parágrafos se agrupam na página, gerando linhas indesejadas e até mesmo pequenas palavras soltas no fim de um texto.

O que são Linhas Órfãs?

Linha órfã é a primeira linha de um parágrafo que fica sozinha na parte inferior de uma página.

Veja, no exemplo abaixo, como uma única linha do parágrafo ficou posicionada no fim da página e o restante foi empurrado para a página seguinte.

Uma alternativa para memorizar o que são as órfãs é lembrar que ela está no começo da vida (começo do parágrafo) e ficou sozinha quando seus pais se foram (foram para a página seguinte).

O que são linhas viúvas?

De modo semelhante à linha órfã, a linha viúva é a última linha de um parágrafo, que é impressa sozinha no começo da página, como mostro no exemplo abaixo.

Eu costumo memorizar da seguinte forma: a viúva está no final da vida (é o final do parágrafo) depois que seus entes ficaram para trás (estão na página anterior).

O que são Forcas?

Além dos casos onde ocorrem linhas órfãs ou viúvas, podem acontecer as denominadas forcas, que são sílabas de palavras hifenizadas, que ficam soltas no final ou no inicio de uma coluna ou página.

No exemplo abaixo, você pode ver que apenas uma parte da palavra hifenizada ficou isolada no final do parágrafo.

Embora estes fenômenos também sejam empregados de forma proposital em alguns projetos, a sua inobservância pode deixar o resultado feio, esquisito e com um ar de que “está faltando alguma coisa”.

Sabe quando você olha para um projeto e não consegue perceber o que está errado? Podem ser as linhas viúvas, órfãs ou as forcas.

Como evitar as linhas viúvas, órfãs e as forcas?

A maioria dos aplicativos de edição de texto ou de layout de páginas possui recursos para evitar que estes fenômenos aconteçam.

Geralmente posicionados junto aos recursos de formatação de parágrafo, são comumente identificados como “equilibrar parágrafos” ou “otimizar parágrafos”.

Você também pode utilizar outros recursos para ajudar a contornar este tipo de problema, como por exemplo, habilitar a hifenização ou explorar as opções de construção de texto do aplicativo que estiver usando.

Usar o alinhamento justificado também ajuda a reduzir o efeito na maioria das vezes, mas eu recomendo que ele seja usado em conjunto com a hifenização, para evitar os “caminhos de rato”, que são espaços em excesso no meio do texto.

Na pior das hipóteses, quando os recursos automáticos e de hifenização não derem certo, pode ser uma boa alternativa revisar o texto para aumentar ou diminuir o número de palavras ou até mesmo trocar algumas por sinônimos.

Onde aprender mais sobre isso?

Os conceitos que você acabou de aprender são muito utilizados em projetos de design editorial, aquele onde o designer desenvolve projetos gráficos para jornais, livros, revistas, pranchas de arquitetura entre outros.

A principal ferramenta de design editorial da atualidade é o Adobe InDesign, um software poderoso usado por designers do mundo todo.

Se você quer aprender mais sobre estes conceitos, termos e técnicas para a construção de projetos de design editorial, eu te convido a conhecer o meu curso de InDesign.

Nele, além de criar projetos gráficos de verdade, você vai desenvolver uma habilidade que é valorizada no mercado criativo, e que pode te garantir ótimas oportunidades de faturar uma grana com a sua arte.

O curso é feito tanto para quem nunca viu o InDesign na vida quanto para quem já trabalha no ramo e gostaria de aprender novos recursos e abordagens.

Com foco no mercado de trabalho, a gente vai aprender aula a aula, módulo a módulo, as técnicas e boas práticas para construir projetos de design inovadores.

Como corrigir linhas viúvas, órfãs e forcas no InDesign?

Se você quiser saber como corrigir estes fenômenos usando o InDesign, eu fiz um tutorial sobre isso que você pode conferir abaixo.

Espero que tenha gostado das dicas e que elas lhe sirvam para aprimorar seus futuros projetos.

A sangria é um espaço extra do plano de fundo colorido, usado para evitar bordas brancas em projetos feitos para a impressão e que passarão por acabamento de corte.

Margem ou área de segurança é o espaço entre a borda da página e as informações contidas nela, comumente conhecida apenas como margem.

O que é margem de segurança e como utilizá-la

Para melhor entendimento de como a margem de segurança deve ser empregada e a sua importância na construção de projetos de design, vamos adotar como exemplo um cartão de visita.

Observe no exemplo acima como os elementos de texto e até mesmo o logotipo da empresa estão muito próximos da borda do cartão.

Cartões de visita geralmente têm tamanho de 9×5 centímetros e são impressos em conjunto em uma mesma folha de papel, que depois é refilada (cortada).

O corte não é preciso e é provável que as informações muito próximas da borda sejam cortadas. Veja um exemplo:

Com uma variação de apenas 1mm no corte, as informações do cartão de visita são cortadas, comprometendo o resultado.

Muito além do corte, um cartão de visita sem margem de segurança é esteticamente desagradável, transmitindo aspecto desorganizado e amador.

A margem de segurança pode ser adicionada não apenas para impedir que informações importantes se percam, mas para garantir melhor organização e estrutura do projeto.

A margem de segurança pode ser delimitada utilizando recursos como linhas guia na maioria dos softwares de design gráfico.

No exemplo abaixo adicionei linhas guia a uma distância de 5mm de cada lado do cartão de visita, criando o que chamamos de margem ou área de segurança.

Após delimitar a área segura do projeto, ele deve ser ajustado para que todos os elementos importantes como textos, logotipos ou imagens estejam dentro dos limites estabelecidos pelas linhas guia.

Perceba que foi necessário ajustar também o tamanho e posição dos elementos na faixa inferior, onde está o site da empresa, na parte frontal do cartão.

O que é sangria e como utilizá-la

A exemplo da margem de segurança, a sangria também é um recurso muito útil em projetos impressos que passarão por acabamento de corte.

Entretanto, a sangria é utilizada apenas nos casos onde o projeto tenha um fundo colorido ou elementos que se estendam até as bordas do documento.

Observe novamente o projeto de cartão de visita apresentado anteriormente. Ele possui duas linhas horizontais ao lado do logotipo que vão até a borda do cartão.

O seu verso é colorido e embora a frente não possua fundo, há uma faixa na parte inferior que se estende até as bordas do projeto.

O plano de fundo do cartão de visita tem exatamente o seu tamanho final, 9x5cm, e qualquer variação no corte pode causar um efeito de linhas brancas nas bordas.

Como vimos, o corte não é preciso e ocorrerem variações na hora do acabamento, que podem ser tanto um deslocamento para dentro da área do cartão, quanto para fora.

Como o papel é branco, um deslocamento de menos de 1mm já causa o efeito de bordas brancas no projeto, obrigando a gráfica a cortar ainda mais, deixando o tamanho do cartão menor do que o planejado.

É aí que entra a sangria

A sangria é adicionada aumentando a área do plano de fundo, fazendo com que elementos coloridos que se estendam até as bordas do projeto tenham um espaço que será “sacrificado” para garantir o aspecto do fundo no momento do corte.

Em aplicativos de design gráfico, a sangria geralmente é adicionada dimensionando os elementos de fundo até a parte externa da página ou prancheta de desenho.

Na imagem abaixo, a linha vermelha indica o tamanho da página ou prancheta do projeto. Tudo o que está além desta linha pode ser chamado de sangria.

Neste exemplo, os elementos de fundo foram aumentados em 5mm para a área externa do cartão, garantindo que após o corte, ele não terá bordas brancas.

Preparando o projeto para impressão com sangria e margem de segurança

É comum que haja confusão entre sangria e margem de segurança, já que na maioria das vezes eles são usados em conjunto nos projetos para impressão.

Por isso, delimitar sangria e área de segurança nas etapas inicias do trabalho podem garantir o sucesso do projeto, evitando desperdício e prejuízo.

A maioria dos aplicativos de design gráfico oferecem ajustes de sangria logo na tela de criação do documento, permitindo que sejam exibidas guias específicas para que os elementos de fundo sejam posicionados considerando o tamanho extra.

Para que você tenha uma ideia do aspecto geral de como um projeto com sangria e margem de segurança se parece no início de um projeto, vou exemplificar usando o Adobe Illustrator como referência.

Se você quiser ver mais detalhes sobre isso na prática, pode conferir o vídeo Sangria e Margem de Segurança no Illustrator, onde mostrei as configuração no aplicativo.

Entretanto, mesmo que você use outro software, estes conceitos são universais e até na ausência de recursos específicos, linhas guia podem ser usadas para delimitar tanto a sangria quanto a área de segurança.

Na tela de novo documento do Illustrator é possível escolher o tamanho do documento e, logo abaixo, especificar o espaço reservado para a sangria.

Após indicar o tamanho da sangria e confirmar a criação do novo documento, o Illustrator vai exibir o espaço dedicado para a sangria através de linhas guia vermelhas, posicionadas na área externa da prancheta de desenho.

Se as guias não forem exibidas, verifique se elas estão ativadas no menu Exibir> Guias> Mostrar Guias.

Após a criação do documento, você pode usar linhas guia para delimitar a área de segurança, que deverão ser posicionadas na área interna do documento.

Dentro de um fluxo de trabalho ideal e utilizando os conceitos mostrados aqui, espera-se que o aspecto geral do documento seja como o mostrado na imagem abaixo.

A seguir uma representação visual de todos os limites dentro do projeto de um cartão de visita contendo sangria e margem de segurança.

Dúvidas mais frequentes

Qual o tamanho ideal de margem de segurança?

Um distanciamento mínimo das informações em relação a borda da página já evitam que estas se percam em caso de corte.

Entretanto, não existe uma regra que especifique um padrão para margens de segurança, o seu tamanho geralmente está associado as próprias preferências e objetivos do designer.

Em projetos menores, como um cartão de visitas, por exemplo, espaços a partir de 5mm são praticados, sendo as margens de 1cm as mais comuns para a maioria dos materiais impressos de tamanho pequeno, como panfletos, flyers e cartazes A4.

As margens também são um elemento importante de documentos como relatórios, livros, revistas, entre outros, podendo, inclusive, ter tamanhos diferentes em cada um dos quatro lados do projeto.

Cabe a escolha com bom senso, evitando deixar as informações muito próximas das bordas e também equilibrando para que haja um bom espaço para o conteúdo.

Qual o tamanho ideal de sangria?

O tamanho mais comum praticado pelas gráficas brasileiras é a sangria de 5mm. De todo modo, também não há consenso quanto a isso, haja vista que sangrias a partir de 3mm também podem ser úteis em projetos com acabamento mais preciso.

Em qualquer projeto gráfico para impressão, é imprescindível consultar o prestador de serviços sobre o melhor formato e as configurações de sangria para o fechamento do projeto.

Apenas a gráfica poderá lhe fornecer informações precisas e que estejam de acordo com o fluxo de trabalho praticado, que pode variar de região para região.

Preciso usar sangria em todos os meus projetos?

Uma dúvida recorrente é se a sangria deve ser usada em projetos de comunicação visual, como banners, outdoors e outros grandes formatos.

A resposta para esta pergunta é não. Sangria é um recurso útil quando estamos falando de projetos menores, como cartões, convites, panfletos, revistas e até cartazes.

Materiais de pequeno porte, que são impressos em série e recebem acabamento por corte em quantidades, usando guilhotinas.

Outdoors e outras peças não precisam de sangria pois não recebem este tipo de acabamento, além de serem observados de longe.

A própria impressora já deixa uma boa margem de papel branco como rebarba para a colagem das partes externas.

Preciso usar margem de segurança em todos os meus projetos?

Com relação ao uso de margem de segurança, estamos falando de um recurso que deve ser empregado independente do projeto, já que além de garantir a segurança de informações em projetos menores, também é um importante recurso estético para qualquer outro tipo de projeto.

Como aprender mais sobre tudo isso

A maneira mais eficiente de aprender sobre estes conceitos e o uso de ferramentas de design na construção de projetos para impressão é a prática.

Por isso eu fiz um curso de Illustrator focado no mercado de trabalho, onde você vai aprender a usar o aplicativo enquanto cria projetos de verdade.

O melhor de tudo é que o curso não te ensina apenas o Illustrator, mas conceitos e fundamentos de design que são úteis durante todo o curso, criando projetos para impressão, logotipos, ilustrações e material para a internet.

Se você tiver interesse e quiser aprender de verdade sobre tudo isso, conheça o meu curso e vem estudar comigo.

O que você achou deste texto? Curtiu? Conhece alguém que pode gostar? A seção de comentários aqui em baixo pode ser útil para tirar dúvidas, e você sempre pode ajudar o meu trabalho compartilhando este texto com seus amigos.

O resto do curso você passa discutindo sobre como você deve odiá-la e como fará para expressar esse ódio.

Certo, talvez eu esteja exagerando. Embora isso não seja 100% verdade, é quase assim que as coisas acontecem. 

Muita gente odeia esta família de fontes da Microsoft simplesmente por que viu ou leu alguém dizendo que a odeia, ou por que odiar a fonte é “cool”, tá na moda e, se todo mundo odeia, por que você também não deveria?

Você já parou para se perguntar por que todo mundo odeia Comic Sans?

Antes de discutirmos sobre isso, vamos conhecer um pouco da história desta polêmica família de fontes. Então, poderemos entender como surgiu todo este ódio, que coleciona movimentos eufóricos e se sustenta por tantos anos.

Como surgiu a fonte Comic Sans?

Vincent Connare era um carinha maroto, até então funcionário da Microsoft, que em 1994 iniciou o projeto da fonte Comic Sans para ser utilizada em um aplicativo da empresa chamado Microsoft Bob.

O aplicativo de histórias em quadrinhos tinha como personagem o cão Rover, com o objetivo entreter e ensinar crianças utilizava em seus balões de diálogo a fonte Times New Roman, obviamente nada apropriada para o contexto.

Infelizmente (ou felizmente, vai saber) a Comic Sans não ficou pronta a tempo e acabou sendo incluída posteriormente nos pacotes de fontes para Windows 95.

A fonte foi projetada para ser visualizada nas telas dos computadores e por ter uma aparência informal e divertida acabou ganhando a simpatia de todo mundo.

Foi então que seu uso bombou e ela começou a ser utilizada nas mais variadas situações, como em documentos impressos, sites, cardápios de restaurante, avisos de perigo e até em lápides.

Ela foi projetada baseando-se nas letras de gibis, passa-tempo favorito de Connare, especificamente inspirada nas histórias de Watchmen (fontes desenhadas por Dave Gibbons) e The Dark Knight Returns (fontes desenhadas por John Costanza).

Um detalhe interessante é que Vincente Connare também é o criador da fonte Trebuchet e de alguns dos Wingdings.

Comic Sans foi projetada porque quando eu trabalhava na Microsoft, recebi uma versão beta do Microsoft Bob. Um pacote de software de quadrinhos que tinha um cão chamado Rover na tela inicial com um balão de mensagens utilizando Times New Roman.

Vincente Connare

Connare comentou certa vez em uma entrevista sobre o fenômeno social de sua fonte. Ele nunca viu a fonte como uma grande conquista, nem um grande fracasso.

Ele ficou realmente surpreso com seu sucesso inicial, bem como pela reação negativa posterior.

Se você a ama (a Comic Sans), você não sabe muito sobre tipografia.

Vincente Connare

Disse Connare, que também acrescentou:

Se você a odeia, você realmente não sabe muito sobre tipografia, também, e você deve procurar outro hobby.

Vincente Connare

Os programadores do Microsoft 3D Movie Maker também começaram a usar a Comic Sans em seus guias de desenhos animados e balões de fala.

Depois do Windows 95, tornou-se padrão no Microsoft Publisher e Internet Explorer. Quase três décadas depois, a fonte com traços e uma aparência infantil é uma das mais reconhecidas no mundo.

Por que as pessoas usam Comic Sans?

Se partirmos do conceito de que cada fonte deve ser usada de acordo com o objetivo e o contexto da mensagem, poderíamos substituir a fonte Comic Sans por qualquer outra mais atraente em diversas situações. Acredito que era disso que Connare falava.

Porém, até mesmo a fonte mais bem projetada não se encaixa em tudo, não pode ser usada de maneira universal. 

Quer um exemplo? A fonte Zapfino é linda, fluida, curvilínea. Mas será que você poderia usar esta fonte em qualquer tipo de documento? Eu creio que não.

Talvez nos títulos de cardápios de restaurantes chiques, ou em uma carta romântica pessoal. Mas dificilmente ficaria bem em um contrato ou uma proposta comercial corporativa.

É fato que até mesmo as fontes mais bonitas e bem projetadas não são tão duráveis. A fonte Times New Ronam, como Connare apontou, não era adequada para o aplicativo lançado na década de 90.

A Comic Sans foi criada para preencher o vazio que fonte a Times New Roman não conseguia  preencher. Connare prefere muito mais ser conhecido por suas criações mais recentes de fontes, como Magpie, por exemplo.

Então por que a Comic Sans começou a ser usada por todo mundo? É simples, diz Connare, as pessoas gostam dela.

Comic Sans não é complicada, não é sofisticada, não é o mesmo tipo de fonte antiga vista em jornais. É divertida. E é por isso que as pessoas gostam dela.

Connare em entrevista ao Fonts.com

Empresas como TY, criadora dos Beanie Babies, é uma das muitas empresas que usam Comic Sans para representar sua marca.

A EA Games projetou The Sims e todo o seu leque de expansões usando esta fonte.

A Apple criou, em 2000, cartões eletrônicos gratuitos chamados iCards e a fonte padrão era Comic Sans. Além disso a Apple também criou sua própria versão da fonte Comic Sans, chamada Chalkboard.

Hoje, há uma infinidade de fontes que se assemelham à Comic Sans, como Captain Comic ou Cartoon Script.

Carta de despedida

Em 2010, o jogador de basquete LeBron James deixou o Cleveland Cavaliers para ir para o Miami Heat.

Muitas pessoas não gostaram da ideia de James ter deixado a equipe de sua cidade natal, mas quem ficou mais “p” da vida foi o proprietário Dan Gilbert Cavaliers, que escreveu uma longa carta no site da equipe “descendo o cacete” em James.

O conteúdo da carta foi viral, e não apenas pelo assunto, os fãs ficaram em polvorosa com a escolha da fonte por Gilbert: Comic Sans. (Leia mais sobre esta história esquisita aqui e  aqui).

Descoberta científica

A partícula Bóson de Higgs, descoberta em 2011, tornou-se rapidamente um trending topic no Twitter.

O anúncio foi tão popular pois os cientistas do CERN revelaram suas descobertas em Comic Sans.

Você pode ver uma pequena discussão sobre isso aqui. Tá, essa também saiu em português no Gizmodo (colher de chá pra você, que usa translator, como eu. :D)

A comunidade designer ficou indignada e os usuários do Twitter se divertiram com o assunto da escolha da tipografia. Alguns animadores taiwaneses do NMA criaram um vídeo zoado recapitulando o anúncio.

Claro que o motivo principal é novamente o contexto, usar uma fonte informal em um anúncio científico tão importante é no mínimo estranho.

Jonatan Gracia criou um vídeo bem interessante e engraçado sobre as “vozes” de cada família de fontes que pode te ajudar a entender do que estou falando.

Você pode ver mais exemplos do uso da Comic Sans aqui. Acredite, até a moeda do Canadá já usou Comic Sans.

O artigo fala também sobre a trajetória da fonte, desde a sua criação aos dias atuais, de certo muito interessante se você chegou até aqui e pretende continuar lendo o meu artigo.

Por que tantas pessoas odeiam a Comic Sans?

Como pudemos ver até agora, não existe um motivo óbvio para o ódio massivo contra a fonte de Vincent Connare.

Eu gosto de pensar que a fonte é odiada porque foi usada demais e em situações a qual o seu uso definitivamente não era aconselhado.

Talvez a fonte tenha sido tão usada e colocada tão em evidência que começou a ser cansativa, sem graça e irritante.

É como dizem, “tudo demais enjoa”. O site Sabotage Times fala sem muitos detalhes que a fonte foi mau projetada, não possui uma estrutura consistente e que é de difícil leitura.

O artigo defende que fontes do estilo quadrinhos foram feitas para serem usadas todas em maiúsculas ou em frases curtas, apenas para chamar a atenção do leitor.

Um ponto interessante e que também concordo é que a fonte foi criada para um fim específico e acabou inundando o mundo todo com publicações diversas.

Isso foi tudo de interessante que consegui retirar do artigo, já que o seu autor parece ter um ódio doentio pela fonte, e xinga e ameaça de morte quem a usa.

Porém, devo mencionar que, ao contrário do que o Sabotage Times diz, a fonte é extremamente legível em tamanhos pequenos e é também muito eficiente em projetos infantis.

Em 1999 sugriu o “Ban Comic Sans“, movimento iniciado por dois designers gráficos de Indianapolis, Dave e Holly Combs.

A campanha tinha como objetivo evidenciar o design gráfico amador e o desrespeito pela tipografia adequada em projetos, especificamente aqueles com um tom formal, profissional.

Tudo começou como uma piada de trabalho e um pequeno site, mas se transformou no movimento anti-fonte mais forte existente.

Como algo tão simples como uma fonte poderia deixar os designers indignados?

Enquanto podemos considerar que Comic Sans é perfeitamente adequada para projetos para crianças ou projetos relacionados a histórias em quadrinhos ou desenhos animados, designers acreditam que não há lugar para ela no mundo dos negócios ou sequer para uso em trabalhos profissionais.

Ela também é pouco adequada para corpo de texto em grandes volumes de conteúdo, o que significa que é melhor usada em títulos ou citações curtas, em outras palavras, uma história em quadrinhos.

Embora Dave e Holly Combs tenham idealizado o movimento “Ban Comic Sans”, atualmente estão se concentrando em uma nova campanha, mais positiva, do Department of Public Words, que se dedica à criação e divulgação de mensagens positivas em espaços públicos.

Outro movimento sério contra o uso de Comic Sans é o Comic Sans Criminal. O site traz uma apresentação de página única explicando que o movimento não é apenas contra a Comic Sans, mas contra o seu uso inadequado, que mesmo que esteja dentro do contexto usá-la, o resultado é menos atraente em comparação com as alternativas mais recentes para uso.

O site fornece ainda uma lista de fontes alternativas ao estilo.

Apesar de existirem muitos movimentos contra a fonte, também há os que a defendem com unhas e dentes. Como é o caso do Comic Sans Project.

Criado pelos designers franceses Thomas Blanc e Florian Amoneau procura desencadear um movimento, tentar re-imaginar a família de fontes muito criticada colocando uma questão estética simples: E se os logos mais famosos do mundo usassem Comic Sans?

Até que não ficaram tão ruins assim, não é mesmo? O Gunarolla criou a The Comic Sans Song, uma canção que apresenta ao mundo a Comic Sans Nation (Nação Comic Sans).

O hit tem até um remix irado.

Concluindo

Então, já no final deste artigo podemos perceber que não conseguimos concluir muita coisa sobre esse ódio que as pessoas tem contra a Comic Sans.

O que pudemos perceber foi uma fonte projetada para um fim específico, feita especialmente para as telas dos computadores, com boa leitura e com um desenho cômico e infantil.

O fato de a fonte ser usada em contextos inadequados pode ter sido o fator estimulante para que a aversão à ela se desencadeasse.

Mas isto não chega a ser um problema “não solucionável”. O site Casey Marketing Services traz uma matéria interessante intitulada “Comic Sans, Love It or Hate It” que dá conselhos sobre o uso correto e incorreto da fonte.

David Kadavy, autor de um dos Best Sellers da Amazon, publicou um artigo bem aprofundado sobre o assunto.

Por que você odeia a Comic Sans traz uma análise meticulosa da estrutura da fonte e é o único até agora que conseguiu me mostrar uma justificativa para o desprezo à família Comic Sans.

Mais uma vez, o contexto é colocado em evidência, o uso da fonte, onde, e de um jeito nada apropriado.

Palavras finais

Fiquei realmente impressionado com a quantidade de informação sobre esse assunto disponível na internet.

Encontrei artigos muito interessantes e que me fizeram entender muito além desta rixa entre designers e Comic Sans, e conhecer mais sobre a história da tipografia e a sua influencia na sociedade.

Abaixo deixo alguns links que usei como referência, e outros que eu simplesmente fui encontrando enquanto abria diversas abas no meu navegador pesquisando sobre o assunto.

Eu também não falo inglês, mas o Google Tradutor ajuda bastante.

• Not My Type: Why the Web Hates Comic Sans
• A Defense of Comic Sans

Qual a sua opinião sobre o assunto? Você também odeia a Comic Sans? Mas será que você realmente sabe o motivo pelo qual a odeia tanto assim? Comente e vamos debater!

Se você começou a usar ele agora, deve ter notado que a Seleção no Illustrator funciona de um jeito peculiar.

Caso tenha vindo de outros aplicativos, como o CorelDRAW, pode se sentir frustrado(a), já que a seleção é um pouco diferente.

Observe a imagem abaixo e imagine que eu precise selecionar apenas os olhos e as sobrancelhas do monstro ao mesmo tempo.

Se eu simplesmente clicar e arrastar para tentar selecionar os objetos, eu vou acabar movendo outros elementos que estão no fundo.

Mesmo arrastando a seleção a partir da parte externa da prancheta, o fundo do desenho seria selecionado em conjunto com outros objetos.

Eu poderia fazer uma seleção simples, clicando e mantendo a tecla Shift para selecionar um objeto de cada vez, o que não é nada prático.

Por sorte existe uma forma de controlar isso e tornar a seleção mais prática, principalmente em projetos mais complexos e com vários objetos.

Seleção no Illustrator: Fazendo do jeito certo

É possível controlar a maneira como a ferramenta de seleção do Illustrator funciona, otimizando o seu fluxo de trabalho em projetos com muitos objetos.

É só acessar o menu Editar> Preferências e clicar na opção Seleção e exibição de âncora… Você também pode abrir a janela usando o atalho Ctrl+K e clicando no painel lateral.

Na janela de preferências, habilite a opção Seleção de objeto somente por caminho.

A partir de agora você deve clicar nas bordas dos objetos para selecioná-los.

Isso permite que você possa clicar e arrastar, mesmo sobre outros objetos, selecionando apenas aqueles em que a caixa de seleção tocar nas bordas.

Se você quiser voltar ao padrão de seleção antigo, basta repetir a configuração, desmarcando a opção na janela de preferências.

Como aprender Illustrator de verdade

Uma das maneiras mais simples de aprender Illustrator é combinar o estudo de suas ferramentas a conceitos de design criando projetos de verdade.

Por isso eu fiz um curso onde eu mostro como construir trabalhos reais enquanto aprendemos a usar o Illustrator.

O curso é feito tanto para quem nunca usou o illustrator quanto para quem já tem experiência e quer aprender coisas novas.

Se você tiver interesse e quiser aprender comigo como o Illustrator pode ser usado para ganhar dinheiro com design gráfico, dá uma olhada no meu curso clicando aqui.

Espero que este dica te ajude a usar a ferramenta seleção do Illustrator de um jeito mais prático.

Daí a importância do conhecimento de algumas unidades de medidas específicas da área tipográfica. 

Medidas tipográficas absolutas

A unidade de medida absoluta mais importante é o ponto tipográfico ou ponto americano. 

O ponto já existia há centenas de anos, quando, em 1883, nos Estados Unidos, a entidade U.S. Type Founders Association estabeleceu e regulamentou sua medida igual a 0,0138 polegadas, o que equivale a aproximadamente 1/72 polegadas.

Como uma forma de facilitar os cálculos e permitir uma melhor correspondência entre unidades tipográficas e medidas inglesas, a Adobe definiu nos anos 1980 o que passou a ser conhecido como ponto PostScript.

Nessa definição, o tamanho do ponto foi arredondado para exatamente 1/72 polegadas. A unidade acima do ponto é a paica (pica). Cada 12 pontos perfazem 1 paica e 6 paicas equivalem a 1 polegada.

A paica é uma unidade usada para medição de dimensões maiores que incluem páginas e elementos de páginas, como comprimento de uma linha de texto, margens e mancha de texto, principalmente em países de língua inglesa que ainda não aderiram ao sistema métrico.

Na figura abaixo temos uma régua graduada em paicas com a subdivisão em pontos PostScript. Ao centro, sua equivalência em polegadas.

As linhas em azul abaixo foram dispostas com uma distância de 12 pontos entre elas e formam uma grade com medida absoluta de 60 pontos. Observe que o tipo de 60 pontos se acomoda dentro destas linhas, mas não tem exatamente a mesma media.

O tamanho de um tipo é medido a partir da linha das ascendentes (topo da haste ascendente mais alta), até a linha das descendentes (pé da descendente mais baixa).

O sistema de pontos foi criado para os tipos de metal. Quando fundidos, esses blocos deixam um espaço vago para que haja uma distância entre as linhas ao sere compostas.

O tamanho do corpo de uma fonte, medido em pontos, é o tamanho do bloco de metal, e não da letra gravada sobre ele.

Na imagem abaixo você pode ver o tamanho (corpo) de uma família tipográfica construída em tipos móveis metálicos. Perceba que há um espaço entre a linha de base das letras minúsculas e o limite do tamanho da peça metálica.

Este limite é inexistente nas letras com ascendentes ou descendentes (vejas por exemplo as letras b, d, g, j, p, q e y), algo característico desta família de fontes, mas que pode variar entre famílias tipográficas distintas.

Embora as medias em pontos sejam absolutas, por causa da construção e do desenho de cada tipo, o tamanho real de cada um é diferente. 

Observe que os tipos da imagem abaixo possuem exatamente o mesmo tamanho, 18 pontos (tamanho da altura do bloco de metal), mas cada um parece ser maior ou menor, dependendo de seu desenho no bloco metálico.

Medias tipográficas relativas

Algumas medias tipográficas são relativas ao tamanho do tipo que está sendo composto. Um quadrantim, ou eme, de um tipo com 60pt mede 60 pontos. O meio quadrantim, ou ene, é igual à metade de um quadrantim.

Essas duas medidas são usadas para definir os traços, as frações e o espaçamento, e são muito úteis, uma vez que a medição está diretamente ligada ao tipo, conforme o tipo aumenta, o mesmo acontece com o espaçamento.

Eme ou quadrantim

O eme ou quadrantim é uma unidade de medida derivada da largura do corpo quadrado de um M de caixa-alta fundido.

O eme pode ser definido com a unidade de medida que é sempre equivalente ao valor definido para o ponto do tipo, numa determinada configuração.

Se temos o ponto do tipo estabelecido em 10, o eme também será de 10. Se ajustarmos o ponto para 14, o eme passa para 14, ou seja, a unidade relativa está ancorada à unidade absoluta.

Um eme é igual ao tamanho de um tipo em determinado corpo, ou seja, o eme de um tipo com 60 pontos é 60 pontos.

Nos estados Unidos, o travessão, que tem a largura de um eme, é usado para recuos de parágrafo e para denotar cláusulas aninhadas.

Ene ou meio quadrantim

O ene ou meio-quadrantim é uma unidade de medida igual à metade de um eme. O traço com esta medida é usado na Europa para designar as clásulas aninhadas.

Também pode ser usado para significar “até” em expressões como “Capítulos 10-11” e “1975-1981”. Um traço ene também é utilizado para significar “e”, por exemplo, entre dois sobrenomes na lombada de um livro.

Hífen

O hífen tem, geralmente, um terço do comprimento de um eme. Ele é usado para separar as partes de palavras compostas, para ligar as palavras de uma frase na hifenização adjetiva e para conectar as sílabas de uma palavra que foi dividida em linhas separadas.

Aplicações para medidas tipográficas relativas

Uma das medidas que é expressa em emes é a largura dos glifos. Dentro de uma fonte, esta medida é estabelecida em frações de emes, que podem alcançar a casa dos milhares.

Se a unidade empregada fosse absoluta e desejássemos, por exemplo, digitar um texto, necessitaríamos de uma lista com as larguras absolutas de cada caractere para cada tamanho de tipo que utilizássemos.

No entanto, com as medidas relativas, é necessário apenas uma lista de larguras incluindo todos os caracteres em uma fonte. Na figura abaixo aparece parte da lista de um arquivo de medidas de uma fonte digital, contendo instruções para as letras minúsculas de a até f.

As medidas relativas simplificam o processo de armazenamento de dados em uma fonte. Uma única linha contém o código correspondente a um caractere específico seguido de sua largura relativa e da área que o seu glifo correspondente ocupa em coordenadas cartesianas.

Assim, quando um usuário digita um texto e define o tamanho da fonte para 12 pontos, o sistema operacional do computador irá acessar esta lista e calcular a proporção entre o tamanho do ponto utilizado e a fração de emes definida para cada letra.

Os diversos ajustes do espaço entre as letras também seguem esta regra, isto é, são medidos em frações de eme. E desta forma também o espaço ene definido como a metade do espaço eme, e o espaço fino, que em geral é de 1/4 do eme.

O espaço de palavra é mais um a ser estabelecido em frações de eme, mas pode ser alterado, isto é, comprimido ou expandido no momento da composição de um texto, no processo conhecido como justificação.

Por último, faz parte desta lista o quadrado eme, que é a área na qual todos os glifos de uma fonte são criados e subsistem (o tamanho do bloco de metal, lembra?).

Conforme a imagem abaixo, dentro deste espaço situam-se cinco linhas de referência fundamentais.

Estas linhas formam o que denominamos de pauta tipográfica, sendo a linha de base aquela em que as letras irão se assentar (para mais detalhes, leia o texto sobre a anatomia dos tipos).

A linha média passa pelo topo da letra x minúscula e a distância entre a linha de base e o topo desta letra recebe o nome de altura x, sendo referência de altura para construção das demais letras minúsculas.

A altura da ascendente e a profundidade da descendente marcam respectivamente até onde alcançam as ascendentes e descendentes das letras minúsculas.

Para um mesmo tamanho de ponto, as distâncias das linhas podem variar de face para face. Na imagem, o exemplo de cima, a face SIL Gentium tem uma grande distância entre a linha das ascendentes (item 5) e a linha das maiúsculas (item 4).

O mesmo não ocorre no exemplo de baixo, na face Bitstream Vera Sans Roman. A altura x é maior em relação à altura das ascendentes, na face Vera. Já a altura das ascendentes é expressivamente maior na Gentium.

Entrelinhas

Ao digitarmos um texto, a entrelinha é calculada na unidade absoluta de pontos. Conforme a imagem acima, a entrelinha se mede a partir da linha de base de uma linha de texto em relação à linha de base da linha que a precede.

Todo esse conjunto de medidas pode parecer numeroso e complexo, mas, na verdade, sua compreensão deriva diretamente do entendimento de como operam apenas duas medidas: o ponto (medida absoluta) e o eme (medida relativa).

Uma vez aprendidos seus conceitos, os demais termos que advêm deles podem ser vistos como desdobramentos em múltiplos e submúltiplos, que permitem simplificar as medições e os cálculos em escalas maiores e menores.

Para a construção deste artigo, foi de extrema relevância a dissertação de mestrado de Sergio Luciano da Silva, disponível neste link. Fiz o upload de uma cópia neste link caso o original fique indisponível.

No entanto, deste modo há uma limitação das possibilidades de clientes, o que te restringe a uma área que te deixa profissionalmente engessado.

Outra dificuldade está no seu início profissional, tendo em vista que, para conseguir que as indicações se sustentem referente a demanda de trabalhos, é importante que você já tenha concluído um número significativo de projetos.

Para sanar essas duas questões, confira a lista com algumas alternativas para você divulgar o seu trabalho através da internet e dispor de um número maior de clientes das mais distintas áreas:

Invista na divulgação de vídeos

Uma excelente alternativa para quem precisa divulgar o seu trabalho na internet é apostar na criação de conteúdo audiovisual, que pode ir de algo como criar video com fotos, utilizando o seu portfólio, ou até mesmo dispondo de ações que fazem mais sucesso nas redes sociais.

Uma dica interessante é criar um vídeo seguindo a linha speed art dos seus projetos e publicá-los nas redes sociais, principalmente abordando temas em alta no momento, para contar com um número maior de visualizações.

Segundo um levantamento da OptinMonster, os vídeos aumentam em até 54% o alcance da marca, ou seja, se trata do formato ideal para dar um up nos seus negócios.

Seja mais proativo(a)

Outro ponto interessante da criação é que muitas empresas não se dão conta da necessidade inerente de repensar a sua identidade visual, algo que é realizado periodicamente por grandes empresas, que vão desde a Rede Globo até as Casas Bahia.

Por isso, é importante que elas sejam informadas dessa necessidade, logo, uma estratégia efetiva é atuar de maneira ativa abordando essas empresas e ofertando os seus serviços.

Utilizando como exemplo um concurso cultural para desenvolver uma nova caneta de luxo da marca italiana Montegrappa em parceira com o site Jovem Nerd, um artista que não ganhou a ação entrou em contato com a empresa para ter um feedback do seu projeto.

Como a sua caneta chegou a figurar entre uma das opções finalistas, e apenas por ter entrado em contato, o designer foi contratado pela empresa para desenvolver artes de outras ações.

Melhore a experiência do seu cliente

Por fim, a dica que nos leva ao primeiro ponto abordado no texto, as recomendações. Por experiência própria posso afirmar que um cliente satisfeito consegue fazer boas recomendações, agora um cliente surpreendido positivamente pode fazer muito mais pelo seu negócio.

Para isso, busque sempre criar alternativas que surpreendam o seu cliente a cada entrega, desde um projeto extra como brinde, oferecendo algum tipo de presente, ou qualquer outra ação que saia do esperado.

Deste modo você irá criar uma surpresa, um grande impacto, o que pode provocar uma série de ações positivas, que vão desde recomendações mais acaloradas até a divulgação espontânea em suas redes sociais.

Agora que você já sabe como atrair mais clientes e começar a fechar projetos através da internet, coloque as dicas listadas acima em prática e não se esqueça de conferir também a nossa publicação sobre quanto cobrar pela sua arte para não perder dinheiro ou clientes nessa nova empreitada.

Quando você decide trabalhar por conta própria, enfrentar o mercado de trabalho e gerir o seu próprio negócio, vai esbarrar numa parte chata e burocrática, mas extremamente necessária: contabilidade, impostos, etc.

Quando você está trabalhando no seu bairro, atendendo um ou outro cliente só nos freelas, nem precisa se preocupar com tudo isso. É só fazer o serviço e receber o seu pagamento, não é mesmo?

Mas a partir do momento que você decide mergulhar de cabeça no mercado e tornar o seu trabalho mais sério, não tem como escapar, você precisa se legalizar.

Isso não é necessário só para andar na lei, mas também para se posicionar como profissional sério e oferecer segurança aos seus clientes.

Além disso, você terá à sua disposição uma parcela muito maior do mercado, que exige que você tenha um CNPJ e emita notas fiscais.

O primeiro passo para começar a organizar a parte burocrática é entrar em contato com um contador. Você pode ficar relutante nesse sentido, mas é com a ajuda de um contador que você vai resolver todas as questões que são complicadas para a maioria das pessoas.

O contador vai te ajudar a entender as questões que envolvem ter um CNPJ, decidir qual a melhor opção de empresa para você de acordo com a sua necessidade, além de se responsabilizar por todo o processo.

Você só vai precisar entregar os documentos necessários e pagar as contas.

Por que você deve emitir notas fiscais

Em qualquer transação de compra, venda ou prestação de serviços, para ficar dentro da lei, você precisa emitir um documento fiscal, que vai garantir que você está pagando os impostos necessários para a operação acontecer (é duro, eu sei, mas é assim que funciona).

Não emitir documento fiscal é muito comum, todos nós fazemos isso por um bom tempo, mas é considerado ilegal do ponto de vista tributário.

Você não precisa abrir firma para começar a emitir notas fiscais. No Brasil, é possível emitir notas fiscais avulsas como pessoa física sem a necessidade de ter um CNPJ, já que sendo um freelancer você é um trabalhador autônomo.

Estatísticas mostram que muitos dos trabalhadores brasileiros viram autônomos por necessidade, e não por vontade. Um dado do IBGE (Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística) permite fazer essa suposição. Em uma época de crise, o número de pessoas que trabalha por conta própria aumenta.

De 17,9% da população ocupada em janeiro de 2013, os autônomos passaram a 19,8% em novembro de 2015, segundo cálculos do Ipea (Instituto de Pesquisa Econômica Aplicada), baseados na Pesquisa Mensal de Emprego (PME) do IBGE. – Conta Azul

Mas como um freelancer pode prestar serviço e ainda emitir notas fiscais sem ter uma empresa? isso é muito simples.

Recibo de Pagamento Autônomo (RPA)

O Recibo de Pagamento Autônomo – RPA é um documento que pode ser comprado em qualquer papelaria e pode ser usado para comprovar uma transação. Assim, quando você prestar serviços como autônomo para uma empresa, por exemplo, ela pode emitir um RPA para formalizar a operação.

O RPA deve ser emitido pela fonte pagadora, ou seja, quem contratou o serviço de algum profissional pessoa física e que não esteja regido pelo sistema CLT – Consolidação das Leis Trabalhistas.

Este profissional não poderá ter vínculo empregatício com a empresa durante o trabalho que originará a necessidade deste documento. Entretanto nada impede que futuramente a empresa o contrate de outra forma.

O RPA também pode ser emitido de pessoa física para pessoa física, assim, se alguém que não é uma firma te contratar, também deverá emitir um RPA para formalizar o negócio. Mas a obrigação de emissão do RPA é sempre de quem está contratando/pagando pelo serviço.

Por mais que a obrigação de emissão do RPA seja de quem está pagando, os valores de impostos serão descontados do total do serviços prestados. Desta forma, você deve prever sempre a incidência dos impostos na hora de cobrar pelo seu serviço, eles costumam comer uma boa fatia do valor que seria pago a você.

Quando você for cobrar do seu cliente, digamos, R$ 3.500 pelo desenvolvimento de um logotipo, deve ter em mente que você não vai receber os R$ 3.500 reais, mas o valor líquido: os R$ 3.500 menos os impostos.

Até aqui um contador pode te ajudar, pois as alíquotas do imposto variam de acordo com o valor cobrado pelo serviço e até mesmo a cidade onde você prestou o serviço. Imposto de renda, INSS, ISS entre outros, serão descontados e vão consumir uma boa parte da sua grana.

Para entender mais sobre o RPA, como ele é emitido e como os impostos devem ser pagos, visite o artigo RPA – Instruções e práticas do portal Contábeis. Recomendo também este outro artigo sobre RPA do site BSoft.

Nota fiscal avulsa

Infelizmente o RPA pode não ser muito prático além de nem todas as empresas aceitarem contratar os serviços de alguém que só emita RPA, preferem a emissão de notas fiscais.

Você pode emitir notas fiscais como freelancer autônomo, para isso precisará apenas ir até a prefeitura da sua cidade e se informar sobre o procedimento.

Na maioria dos casos, para emitir uma nota fiscal avulsa, você deverá pegar os dados do seu cliente, como RG, CPF, Nome completo e Endereço, e ir até a prefeitura da sua cidade ou à secretaria de finanças para fazer a emissão pessoalmente.

Em alguns estados/cidades o sistema é totalmente on-line e você só precisa entrar no site da prefeitura. Infelizmente não existe um consenso, então você realmente precisa ir na prefeitura da sua cidade para saber como fazer.

MEI – Microempreendedor Individual

Quando você se torna um freelancer, o seu objetivo é viver disso, logo, RPA e Nota Fiscal Avulsa não são a melhor opção se você vai precisar trabalhar diariamente com clientes pessoa física ou jurídica (empresas).

Por isso, você vai precisar abrir uma firma, ter um CNPJ e garantir mais autonomia para controlar todos os assuntos burocráticos do seu novo negócio.

O Brasil andava uma bagunça há um tempo atrás (não que hoje seja diferente), muita gente trabalhando como autônoma sem poder abrir firma por causa dos processos extremamente burocráticos e caros.

Por isso, em 2009 o governo criou o MEI (Microempreendedor Individual), que facilitou a emissão de CNPJ e permite que praticamente qualquer pessoa possa ter a sua firma pagando muito pouco.

MEI (Microempreendedor Individual) é a pessoa que trabalha por conta própria e que se legaliza como pequeno empresário.

Para ser um microempreendedor individual, você pode faturar no máximo até R$ 81.000,00 (oitenta e um mil reais) por ano e não ter participação em outra empresa como sócio ou titular. Este valor é atualizado todo ano e a previsão para 2022 é de R$ 130.000,00 (cento e trinta mil reais).

O MEI também pode ter um empregado contratado que receba o salário mínimo ou o piso da categoria.

Entre as vantagens oferecidas para quem é MEI está o registro no Cadastro Nacional de Pessoas Jurídicas (CNPJ), o que facilita a abertura de conta bancária, o pedido de empréstimos e a emissão de notas fiscais.

Além disso, o MEI será enquadrado no Simples Nacional e ficará isento dos tributos federais (Imposto de Renda, PIS, Cofins, IPI e CSLL). O MEI só precisa pagar uma cota única todos os meses, e nada mais. Veja a lista dos valores de 2021:

• R$56,00 para Comércio ou Indústria (R$55,00 de INSS + R$1,00 de ICMS);
• R$60,00 para Prestação de Serviços (R$55,00 de INSS + R$5,00 de ISS);
• R$61,00 para Comércio e Serviços (R$55,00 de INSS + R$1,00 de ICMS + R$5,00 de ISS).

Essas quantias também são atualizadas anualmente, de acordo com o salário mínimo. Este texto explica melhor sobre o pagamento mensal do MEI.

Com essas contribuições, o Microempreendedor Individual tem acesso a benefícios como auxílio maternidade, auxílio doença, aposentadoria, entre outros. Veja neste texto quais os direitos e obrigações do MEI.

Você pode abrir uma Microempresa ou se tornar MEI, isso depende do tipo de negócio que você pretende tocar e das regras específicas para cada categoria. Novamente, conversar com um contador vai te ajudar a decidir.

Abrir uma firma é muito fácil, o problema é fechá-la, caso isso seja necessário no futuro, já que a burocracia engole todo o processo. O MEI torna este processo mais fácil, mas você tem regras a seguir.

Portanto, preste muita atenção, trace todos os seus planos para o futuro, converse com um bom contador e só então tome uma decisão. Se você já estiver decidido(a), então eu vou tentar te ajudar a entender melhor como tudo funciona.

Através do Portal do MEI, você tem acesso a toda informação necessária para saber como funciona, como se formalizar e todas as ferramentas que precisa para exercer atividades como MEI.

Eu vou explicar abaixo os principais pontos e trazer algumas informações novas, mas é muito importante que você leia tudo o que está disponível no portal do Empreendedor também, já que eles costumam atualizar com certa frequência.

O que eu preciso saber antes de ser MEI?

Muita gente prega a máxima de que “se você vai começar um negócio, então tem logo que abrir um MEI”. Isso é um problema e pode ser muito perigoso, já que nem todo mundo pode ser MEI.

Existem regras que precisam ser cumpridas para atuar como MEI. Não é toda profissão que pode ser exercida como MEI, e não é qualquer negócio que vai encontrar no MEI os recursos necessários para atuar no mercado.

Veja alguns pontos de atenção antes de se formalizar como MEI:

• Verificar se recebe algum benefício previdenciário (Exemplo: Aposentadoria por invalidez, Auxílio Doença, Seguro Desemprego, etc).
• Procurar a prefeitura para verificar se a atividade pode ser exercida no local desejado.
• Verificar se as atividades escolhidas podem ser registradas como MEI.

Situações que não permitem a formalização como MEI:

• Pensionista e Servidor Público Federal em atividade. Servidores públicos estaduais e municipais devem observar os critérios da respectiva legislação, que podem variar conforme o estado ou município.
• Estrangeiro com visto provisório (formalizar apenas mediante apresentação do RNE – Registro Nacional de Estrangeiros, pois este é o “visto permanente”).
• Pessoa que seja titular, sócio ou administrador de outra empresa.

Outros pontos importantes são:

• Quem trabalha de carteira assinada pode ter MEI sem nenhum problema, porém, se for demitido, não poderá receber seguro desemprego.
• O MEI não é e nem pode ser um empregado formal de uma empresa, portanto, situações que comprovem vinculo empregatício são proibidas.
• Não é toda atividade que pode ser MEI, você deve consultar a lista de ocupações permitidas para MEI antes de decidir.

Eu recomendo que você visite as páginas da lista abaixo, todas disponíveis no portal oficinal do MEI, do Governo Federal:

• O que é ser MEI
• O que você precisa saber antes de se tornar um MEI
• Verifique se atende as condições para ser MEI

Quais atividades podem ser enquadradas no MEI?

As Atividades Permitidas ao MEI são aquelas determinadas segundo o Comitê Gestor do Simples Nacional – CGSN. Aqui você pode ler a resolução, e aqui você pode ver a lista de atividades permitidas.

Designer gráfico freelancer pode ser MEI?

Agora vamos ao que interessa: a nossa atividade pode ser exercida como MEI? A atividade de designer gráfico não faz parte da lista de atividades permitidas, pois é considerada uma atividade intelectual.

Segundo o Simples Nacional, a atividade de design é tributada com base no Anexo V da LCP 155/2016.

§ 5º-I. Sem prejuízo do disposto no § 1o do art. 17 desta Lei Complementar, as seguintes atividades de prestação de serviços serão tributadas na forma do Anexo V desta Lei Complementar:

[…]

VI – engenharia, medição, cartografia, topografia, geologia, geodésia, testes, suporte e análises técnicas e tecnológicas, pesquisa, design, desenho e agronomia;

Lei Complementar n 155 de 27 de outubro de 2016

Abaixo eu mostro um print que fiz do Anexo V, disponível na página da Lei Complementar, que mostram as alíquotas do Simples Nacional relativas a atividade de design.

Apesar de o termo “design” sem bastante abrangente e até mesmo difícil de limitar em se tratando de atividade profissional, não existe nada na lista do MEI para as atividades de design.

Entretanto, o design gráfico é um campo de atividade mais específico e existem diversas atividades que são diretamente ligadas a esta profissão, o que permite ao designer gráfico ou profissional criativo o enquadramento no MEI.

Quando você faz o seu cadastro no MEI, pode escolher uma atividade principal e 15 atividades secundárias. Então o MEI pode atuar em 16 atividades de trabalho diferentes.

Abaixo eu vou listar as atividades que você pode usar quando for registrar o seu MEI. Definir qual delas será a atividade principal fica a seu critério, o importante é que todas podem ser usadas sem impedimento.

A lista está ordenada considerando ordem alfabética e os meus comentários estarão em itálico, além disso, eu vou tentar ser o mais específico possível, prevendo categorias de atividades de segmentos criativos.

Vamos focar na prestação de serviços criativos, se você vende algum produto, dá uma conferida na lista original para ver o que você pode vender.

Lista de atividades de prestação de serviço para profissionais criativos

6399-2/00 – APURADOR(A), COLETOR(A) E FORNECEDOR(A) DE RECORTES DE MATÉRIAS PUBLICADAS EM JORNAIS E REVISTAS – Esta categoria pode ser usada se você oferece serviços de clipping de notícias, por exemplo.

1749-4/00 – ARTESÃO(Ã) EM PAPEL – FABRICAÇÃO DE PRODUTOS DE PASTAS CELULÓSICAS, PAPEL, CARTOLINA, PAPEL-CARTÃO E PAPELÃO ONDULADO NÃO ESPECIFICADOS ANTERIORMENTE – Não só esta, mas todas as demais categorias de artesanato podem ser usadas por quem presta serviços de design gráfico e também trabalha com impressos ou outros produtos manuais. O pessoal que faz personalizados pra festas, biscuit, etc. Você pode usar as categorias que mais se adequarem a sua atividade. 

8299-7/99 – CARTAZISTA, PINTOR DE FAIXAS PUBLICITÁRIAS E DE LETRAS – OUTRAS ATIVIDADES DE SERVIÇOS PRESTADOS PRINCIPALMENTE ÀS EMPRESAS NÃO ESPECIFICADAS ANTERIORMENTE – Pra quem trabalha com tipografia, lettering, cartazes, adesivamento e envelopamento.

1821-1/00 – CLICHERISTA – SERVIÇOS DE PRÉ-IMPRESSÃO – Praticamente tudo o que um designer gráfico faz está situado na pré-impressão.

8219-9/99 – DIGITADOR(A) – PREPARAÇÃO DE DOCUMENTOS E SERVIÇOS ESPECIALIZADOS DE APOIO ADMINISTRATIVO NÃO ESPECIFICADOS ANTERIORMENTE – Envolve a preparação de qualquer tipo de documento. Serve para diagramadores e quem trabalha com editoração eletrônica.

5812-3/01 – EDITOR(A) DE JORNAIS DIÁRIOS (Incluído pela Resolução CGSN nº 117/2014) – EDITOR DE JORNAIS DIÁRIOS – Pra quem trabalha com edição de jornais ou periódicos (edição de texto, diagramação, editoração).

5812-3/02 – EDITOR(A) DE JORNAIS NÃO DIÁRIOS (Incluído pela Resolução CGSN nº 117/2014) – EDITOR DE JORNAIS NÃO DIÁRIOS – Mesmo caso acima.

5819-1/00 – EDITOR(A) DE LISTA DE DADOS E DE OUTRAS INFORMAÇÕES – EDIÇÃO DE CADASTROS, LISTAS E DE OUTROS PRODUTOS GRÁFICOS – Esta descrição dá margem para praticamente todos os demais produtos gráficos que desenvolvemos, mas eu gosto de pensar que diga respeito a dados variáveis e listas do tipo.

5811-5/00 – EDITOR(A) DE LIVROS  – EDIÇÃO DE LIVROS – Layout, diagramação, editoração.

5813-1/00 – EDITOR(A) DE REVISTAS  – EDIÇÃO DE REVISTAS  – Layout, diagramação, editoração.

5912-0/99 – EDITOR(A) DE VÍDEO – ATIVIDADES DE PÓS-PRODUÇÃO CINEMATOGRÁFICA, DE VÍDEOS E DE PROGRAMAS DE TELEVISÃO NÃO ESPECIFICADAS ANTERIORMENTE – Se você é videomaker, aqui você encontra refúgio.

3299-0/03 – FABRICANTE DE LETREIROS, PLACAS E PAINÉIS NÃO LUMINOSOS, SOB ENCOMENDA OU NÃO INDEPENDENTE – Se você trabalha com pintura letrista, placas, lonas ou comunicação visual, etc. Há categorias para fabricação de embalagens de todo tipo também, vale dar uma olhada na lista original.

3299-0/04 – FABRICANTE DE PAINÉIS E LETREIROS LUMINOSOS – FABRICAÇÃO DE PAINÉIS E LETREIROS LUMINOSOS – Mesma situação acima.

7420-0/04 – FILMADOR(A) INDEPENDENTE – Pro pessoal que faz foto/filmagem.

8219-9/01 – FOTOCOPIADOR(A) – FOTOCÓPIAS – Pra quem trabalha com CV, plotagem, impressão, etc.

7420-0/01 – FOTÓGRAFO(A) – ATIVIDADES DE PRODUÇÃO DE FOTOGRAFIAS, EXCETO AÉREA E SUBMARINA – Dispensa explicações. 

7420-0/02  – FOTÓGRAFO(A) AÉREO – ATIVIDADES DE PRODUÇÃO DE FOTOGRAFIAS AÉREAS E SUBMARINAS

7420-0/02 – FOTÓGRAFO(A) SUBMARINO – ATIVIDADES DE PRODUÇÃO DE FOTOGRAFIAS AÉREAS E SUBMARINAS

8299-7/03 – GRAVADOR(A) DE CARIMBOS INDEPENDENTE

4329-1/01 – INSTALADOR(A) DE PAINÉIS PUBLICITÁRIOS – INSTALAÇÃO DE PAINÉIS PUBLICITÁRIOS – Continuando com o pessoal de comunicação visual.

8599-6/05 – INSTRUTOR(A) DE CURSOS PREPARATÓRIOS – CURSOS PREPARATÓRIOS PARA CONCURSOS – Se você também faz freelas em feiras, workshops e cursos.

8599-6/03 – INSTRUTOR(A) DE INFORMÁTICA – TREINAMENTO EM INFORMÁTICA – Mesmo caso acima, afinal, Illustrator, Photoshop, InDesign é tudo aplicativo de computador.

7739-0/03 – LOCADOR(A) DE PALCOS, COBERTURAS E OUTRAS ESTRUTURAS DE USO TEMPORÁRIO, EXCETO ANDAIMES – ALUGUEL DE PALCOS, COBERTURAS E OUTRAS ESTRUTURAS DE USO TEMPORÁRIO, EXCETO ANDAIMES – Pra quem trabalha com PP, promoções e pro pessoal de comunicação visual também.

4329-1/04 – MONTADOR(A) E INSTALADOR DE SISTEMAS E EQUIPAMENTOS DE ILUMINAÇÃO E SINALIZAÇÃO EM VIAS PÚBLICAS, PORTOS E AEROPORTOS – MONTAGEM E INSTALAÇÃO DE SISTEMAS E EQUIPAMENTOS DE ILUMINAÇÃO E SINALIZAÇÃO EM VIAS PÚBLICAS, PORTOS E AEROPORTOS – Mais uma pra quem trabalha com CV.

8599-6/99 – PROFESSOR(A) PARTICULAR – OUTRAS ATIVIDADES DE ENSINO NÃO ESPECIFICADAS ANTERIORMENTE – Pra quem leciona também no particular.

8230-0/01 – PROMOTOR(A) DE EVENTOS – SERVIÇOS DE ORGANIZAÇÃO DE FEIRAS, CONGRESSOS, EXPOSIÇÕES E FESTAS – Mais um para quem trabalha com Publicidade, Propaganda e comunicação visual. Também é útil pra quem trabalha com personalizados e de quebra organiza festas

7420-0/03 – REVELADOR(A) FOTOGRÁFICO – LABORATÓRIOS FOTOGRÁFICOS – Alguém ainda revela fotos hoje em dia? Creio que sirva para o pessoal de foto/filmagem.

1813-0/99 – SERIGRAFISTA – IMPRESSÃO DE MATERIAL PARA OUTROS USOS – Para quem trabalha com impressão em geral. Cartões, cardápios, diplomas, convites e todo resto.

1813-0/01 – SERIGRAFISTA PUBLICITÁRIO – IMPRESSÃO DE MATERIAL PARA USO PUBLICITÁRIO – Todos os tipos de projeto publicitário para impressão que um designer faz se enquadram aqui.

9001-9/06 – TÉCNICO(A) DE SONORIZAÇÃO E DE ILUMINAÇÃO – ATIVIDADES DE SONORIZAÇÃO E DE ILUMINAÇÃO – Pra quem trabalha com PP e organização de eventos.

O pulo do gato: e as atividades que eu preciso desempenhar?

Você pode estar se perguntando: onde estão as atividades de editor de fotos, desenho vetorial, ilustrador, criador de panfletos, e outras coisas que o designer gráfico faz?

São atividades correlatas e fundamentais para o desempenho das principais atividades mencionadas acima. A descrição disponível na lista do MEI é simplificada, e serve apenas para você encontrar a atividade econômica desejada.

O pulo do gato está em consultar o site do IBGE na página do CONCLA (Comissão Nacional de Classificação) e ver a descrição detalhada de cada atividade utilizando o CNAE (Código que eu coloquei antes de cada atividade na lista.

Vamos a um exemplo: Acesse o site e pesquise pelo CNAE do Serigrafista Publicitário: 1813-0/01

Basta digitar o CNAE no campo “busca por palavra chave ou código”

Veja que a atividade Serigrafista Publicitário engloba uma série de outras atividades, que vão desde a confecção de brindes, calendários, cartazes, catálogos, faixas e produtos gráficos, outroors, banners e no finalzinho, serigrafia.

Consulte cada uma das atividades para escolher as que te parecerem melhores. Não esqueça de que a consultoria de um contador é fundamental para garantir as melhores alternativas para o seu negócio.

Afinal, quanto cobrar por uma arte?

O primeiro desafio de quem começa como designer freelancer é decidir quanto cobrar pelos seus serviços. Se você se perde quando vai passar um orçamento ou não sabe quanto vale o seu tempo investido em um projeto, esse texto é pra você.

Aqui eu vou abordar tudo o que você precisa saber para cobrar um valor justo pelo seu trabalho, cobrindo todas as etapas, do levantamento das despesas até a definição do seu lucro. 

Um guia completo para você nunca mais perder dinheiro e cobrar um preço justo pelo seu trabalho, independente do tipo de projeto que desenvolva.

Procurar por uma resposta pronta para esta pergunta não é o melhor caminho, pois existem muitas variáveis que influenciam no preço de um produto ou serviço.

Você até pode usar tabelas prontas, como a da Adegraf, mas os preços levam em conta um cenário distante da realidade da maioria dos profissionais criativos. 

Por isso, ao invés de simplesmente te dar um preço qualquer, sem nenhuma referência, eu vou te ensinar como calcular o preço ideal pelo seu serviço.

Assim você pode equilibrar o que ganha e o que gasta com as suas expectativas de lucro, adequados à realidade em que trabalha.

Sem tempo agora?

Escute um resumo em uma conversa em áudio (gerado por I.A.):

É tudo uma questão de custo

A precificação de qualquer produto ou serviço é baseada em custo. Isso significa que antes de determinar quanto você vai lucrar, você precisa saber quanto gasta.

O processo é simples, você deve listar todas as suas despesas, equipamentos e investimentos para descobrir quanto gasta todo mês.

Internet, telefone, aluguel, transporte, equipamentos, softwares, tudo isso precisa ser listado para você saber quanto precisa ganhar, no mínimo, só para ficar disponível para os seus clientes.

Um exemplo: Se você paga mil reais de aluguel, precisa ganhar, pelo menos, mil reais no mês para cobrir esta despesa. 

Claro que você não gasta só com aluguel e ainda precisa tirar o seu lucro, então vamos um pouco além e organizar tudo para fazer os cálculos necessários. 

Reúna todas as despesas

A melhor maneira de fazer isso é em uma planilha, por isso, abra o Excel ou o Planilhas do Google e vamos começar a montar a nossa lista.

Se você quiser facilitar a sua vida e, de quebra, ajudar o meu trabalho, eu disponibilizei esta planilha otimizada na mina lojinha. Você não precisa comprar se não quiser, é só continuar que eu vou te ensinar a fazer tudo do zero.

Liute Cristian

O primeiro passo é separar os custos em duas partes: Equipamentos e Despesas mensais.

Lista de equipamentos

Na tabela de equipamentos, você deve listar todo e qualquer equipamento que utilize para trabalhar. Computadores, impressoras, scanners, monitores, mouse e teclado. Se você gastou dinheiro para comprar, tem de estar listado aqui.

Precisamos separar equipamentos de outros custos pois os equipamentos têm vida útil, ou seja, precisam ser trocados, seja por que ficam obsoletos ou por que quebram.

Então a primeira parte da sua tabela deve ficar mais ou menos assim (Você pode clicar na imagem para ampliar):

No meu exemplo estou usando o Planilhas do Google para construir a tabela. Se quiser economizar tempo, pode baixar a planilha neste link e ainda ajudar o meu trabalho.

Lembre-se: Você deve incluir nesta primeira lista todos os equipamentos que utiliza para o trabalho. Se tem de comprar um grampeador, ele deve estar na sua lista.

Você pode colocar uma linha específica para material de escritório, se preferir, assim você deixa um valor fixo para a compra deste tipo de material.

A sua lista pode mudar com o tempo, então não se preocupe, você poderá adicionar novos equipamentos e materiais à medida que for necessário. Apenas tome cuidado de organizar a planilha para evitar retrabalhos.

Preço

O próximo passo agora é colocar o preço de cada material. Coloque o valor total que você pagou por cada um deles, incluindo frete, impostos, qualquer quantia que tenha sido gasta para a compra. Veja o meu exemplo abaixo:

Você pode usar a formatação de Número do seu aplicativo de planilha só pra deixar as coisas mais bonitinhas.

Nossa tabelinha está começando a ganhar forma.

Vida útil

Todo equipamento ou material tem uma vida útil. Isso quer dizer que ele é um recurso finito, que vai desgastando com o tempo e precisa ser trocado.

O computador envelhece, as peças dão defeito, equipamentos quebram e assim por diante. A Vida útil nos diz em quanto tempo este equipamento precisa ser trocado.

Para fins de simplificação, vamos considerar que trocaremos nosso equipamento a cada X meses, levando em conta que o equipamento novo ou substituto terá exatamente o mesmo preço do anterior.

Isso nem sempre é verdade, mas você pode estimar valores maiores na sua lista de equipamentos se achar que isso é necessário.

Então vamos estabelecer, em meses, em quanto tempo o nosso equipamento vai ser trocado. Veja o exemplo a seguir.

No exemplo acima, meu computador precisará ser trocado em 60 meses, ou seja, 5 anos. Pode parecer difícil estimar estes prazos inicialmente, mas você pode fazer buscas na internet ou até mesmo consultar colegas para ter uma noção de quanto tempo duram os equipamentos que você precisa.

Com o Preço e a Vida útil listados fica muito mais fácil descobrir quanto cada equipamento vai custar mensalmente.

Custo mensal

O Custo mensal dos equipamentos é a primeira parte do nosso levantamento de custos, e isso vai nos ajudar a evitar prejuízo quando estivermos precificando o nosso trabalho.

Agora precisamos de um pouco daquele conhecimento que aprendemos nos cursinhos de informática e usar a planilha para fazer cálculos sobre os valores que listamos.

Isso é bem simples. Na coluna ao lado da Vida útil vamos descobrir o Custo mensal.

Para fazer o cálculo, na célula referente ao computador, digite um sinal de igualdade = para que o aplicativo entenda que você vai fazer um cálculo.

Depois é só clicar sobre o Preço do equipamento, digitar uma barra /, indicando que é uma divisão e, em seguida, clicar sobre o valor da Vida útil.

O aplicativo deve exibir a fórmula dentro da célula, no meu caso, =C4/D4. Veja o exemplo abaixo.

Depois é só confirmar a edição da fórmula dando um Enter. A tabela deve exibir o resultado do cálculo.

Se você estiver usando o Planilhas do Google, como eu, ele vai sugerir repetir a operação em todas as células que estão abaixo, terminando o trabalho pra você.

Outra forma de repetir o cálculo é selecionando a célula onde o valor foi calculado pela primeira vez e puxar o pontinho no canto inferior direito (alça de preenchimento) até o final da lista.

Depois é só aplicar a formatação de Número, como fizemos no preço, para os valores ficarem mais redondos.

Total

Pra terminar, vamos incluir uma linha de Total, somando todos os valores. Faça isso na última linha da tabela, como no exemplo abaixo.

Abaixo do Custo mensal nós vamos fazer um cálculo somando todos os valores que estão ali. Para isso, comece a função Soma digitando na célula =soma(.

Depois de abrir o parêntese, basta selecionar os valores que estão na coluna de custo mensal, tomando cuidado para não selecionar a própria célula onde estamos trabalhando. A função completa, no meu caso, ficou assim =soma(E4:E15).

Depois, é só pressionar o Enter para confirmar e exibir o valor total calculado.

Você pode colocar uma cor na linha dos totais pra dar um destaque e ficar mais fácil de identificar.

Nossa primeira tabelinha de custos está pronta e descobrimos que o meu custo mensal com equipamentos é de R$ 488,61.

Pode parecer pouco, mas lembre-se que estes custos são diluídos por vários meses. O peso estará realmente nos nossos compromissos mensais, que é o que vamos listar a partir de agora.

Lista de despesas

A maior parte dos nossos custos está nos serviços que precisam ser pagos mensalmente, como as despesas com água, luz, internet, aluguel, etc.

Estes são compromissos que têm uma data de vencimento e precisam ser honrados a qualquer custo.

É por isso que é muito importante listá-los todos com cuidado para não deixar nada de fora. Já pensou chegar no final do mês e não ter dinheiro para pagar a sua conta de luz?

Na nossa planilha, vamos iniciar uma nova lista para as despesas mensais. Como você já está familiarizado com o processo, vou ser mais direto para que possamos avançar com mais fluidez a partir daqui.

O primeiro passo é listar as suas despesas fixas, como no exemplo abaixo.

Note que na minha lista eu adicionei também despesas com faculdade, seminários e treinamentos. Estes também fazem parte dos seus custos, pois serão empregados diretamente no serviço oferecido para meus clientes.

Você pode adicionar nesta lista quaisquer outros custos que você tenha para executar o seu trabalho.

Ela pode receber ou perder alguns itens com o passar do tempo, então fique ciente de que o seu custo mensal pode variar, o que pode refletir no seu preço final, de acordo com seus próprios objetivos.

Custo mensal

Como estes custos já são mensais, não precisamos fazer cálculos em cima deles. Basta colocar ao lado o preço de cada item listado.

Não esqueça de formatar os valores digitados para números, assim a tabela fica mais organizada.

Total

Seguindo a mesma lógica da nossa Lista de Equipamentos, vamos adicionar uma linha de totais e somar todos os nossos Custos mensais.

Como você pode notar, a maior parte do meu custo está nas despesas mensais. Com estas duas tabelas prontas, temos uma boa ideia de quanto eu preciso ganhar apenas para pagar as minhas dívidas mensalmente.

A partir daqui temos tudo o que precisamos para fazer mais alguns cálculos e chegar ao resultado que precisamos: quanto cobrar pelo nosso trabalho.

Total de custos

Antes disso, vamos primeiro somar as nossas despesas, unindo os nossos custos com Equipamentos e Despesas mensais. Para isso, vamos digitar em uma nova coluna o Total de custos, como no exemplo abaixo.

Em seguida, vamos apenas somar os valores totais que já havíamos calculado. Para isso, comece digitando o sinal de = e depois selecionando o Total dos equipamentos.

Em seguida, adicione o sinal de + para somar os valores, e clique no Total de custos mensais.

No meu exemplo, a fórmula para o cálculo é =E16+H19, ao pressionar o Enter, o Planilhas do Google exibe o resultado da soma das despesas com equipamentos e custos mensais.

O meu total de custos é de R$ 4.468,30, uma senhora conta que eu preciso pagar todos os meses sem falta.

Isso significa que este é o valor mínimo que eu preciso ganhar todos os meses apenas para pagar as minhas despesas.

Você pode se assustar com este valor, mas ele está usando custos que estão presentes na minha realidade.

Você pode ter custos maiores ou menores, e é justamente este o objetivo desta primeira parte da nossa tabela.

Definindo a carga de trabalho

O próximo passo é fornecer informações que nos permitirão calcular quanto vale a nossa hora de trabalho e por quanto ela pode ser ofertada para os nossos futuros clientes.

Para isso, vamos estabelecer qual vai ser a nossa jornada de trabalho, ou seja, quantos dias no mês estaremos efetivamente trabalhando e por quantas horas por dia.

Você pode seguir o exemplo abaixo e preencher a sua tabela com os valores que desejar.

Observe que, no meu exemplo, eu indiquei que vou trabalhar durante 20 dias no mês, o que é o mais comum se considerarmos o trabalho de segunda à sexta-feira.

É claro que você pode ajustar isso a seu critério, você pode preferir trabalhar um dia a mais ou um dia a menos, isso influencia diretamente no custo que a sua hora final pode valer.

Eu também adicionei uma carga horária diária de 8 horas de trabalho. O que seria iniciar as atividades às 8h da manhã e trabalhar até as 12h, retornando ás 14h e encerrando a minha jornada diária ás 18h. Mais uma vez, você pode ajustar estes valores conforme a sua realidade.

Calculando a carga de trabalho mensal

Com estas informações em nossa tabela, vamos calcular o total de nossas horas de trabalho no mês inteiro, para isso, adicione um novo campo para o Total de horas no mês, como no exemplo abaixo.

Então, basta calcularmos o resultado multiplicando os Dias de trabalho no mês pelas Horas de trabalho por dia, usando o sinal de =, depois selecionando o valor de dias, digitando em seguida o símbolo *, multiplicamos pelas horas de trabalho.

No meu exemplo, a fórmula ficou =J7*J10, ao pressionar o Enter, o resultado da multiplicação é exibido.

De acordo com os valores que eu forneci, eu trabalharia 160 horas por mês. Se você alterar os valores de Dias de trabalho no mês ou Horas de trabalho no dia, o Total de horas no mês será atualizado automaticamente sem precisar repetir a digitação da fórmula.

Calculando o custo por hora de trabalho

Agora podemos seguir para calcular quanto cada uma das minhas horas vale, considerando o meu total de custos.

Isso é muito simples, adicione um novo campo para o Custo por hora de trabalho e divida seus Custos totais pelo Total de horas de trabalho no mês.

Deixa eu explicar direitinho. Este valor é baseado nos meus custos, isso quer dizer que se eu trabalhar 20 dias por mês, 8 horas por dia, gastaria R$ 27,93 por hora.

Este é o valor que eu gasto por hora para manter todos os meus equipamentos e despesas fixas mensais.

As coisas estão ficando mais claras pra você?

Como toda a nossa tabela é baseada em fórmulas e funções matemáticas, qualquer alteração nos preços dos equipamentos, despesas mensais ou até mesmo na jornada de trabalho faz com que a tabela atualize os cálculos e você tenha sempre os valores atualizados.

Agora você tem uma das informações mais importantes para saber quanto cobrar pela sua arte.

Conhecendo o seu custo, você pode precificar o seu trabalho a fim de arcar com todas as suas despesas e pode estabelecer qual será o seu lucro real sobre o seu trabalho.

Quanto cobrar pela sua arte?

De posse de todas as informações de custo e carga de trabalho, vamos descobrir finalmente quanto podemos cobrar de nossos clientes por hora de trabalho.

Não, você não vai cobrar do seu cliente apenas o seu custo por hora. Assim você estaria trabalhando apenas para pagar contas.

Todo trabalho precisa de lucro, e o lucro é o que sobra depois que você pagou todos os seus custos e despesas.

Vamos adicionar alguns campos em nossa tabela para chegarmos ao objetivo final. Para isso, reproduza as informações como no exemplo abaixo.

Veja que eu sempre deixo um espaço entre cada campo para que a minha tabela fique mais organizada.

Definindo o percentual de lucro

No campo Percentual de lucro, nós vamos digitar um valor percentual que será o nosso objetivo de lucro.

Ele deve conter as suas expectativas de lucro sobre o valor do seu custo por hora de trabalho, além de considerar uma margem para negociação e até o pagamento de impostos.

No meu exemplo eu indiquei que terei um lucro de 150% sobre o valor do meu Custo de hora de trabalho.

Este percentual é uma das variáveis que mais pode mudar, pois influencia diretamente em quanto você vai ganhar pelo seu trabalho.

Valores maiores indicam que o seu lucro vai ser maior e, consequentemente, o seu trabalho será mais caro para o seu cliente.

Valores menores tem o efeito oposto, você lucra menos e a sua mão de obra fica mais barata para o seu cliente.

O ideal, no meu ponto de vista, é que você explore valores entre 80% e 150%, valores menores ou maiores que isso devem ser avaliados com cuidado para você não ter prejuízo ou acabar tornando o seu custo inviável de acordo com o perfil do seu público alvo.

Leve em consideração que você tem um custo fixo por hora mas que dificilmente você vai aproveitar 100% de suas horas de trabalho.

Você pode ficar um ou vários dias sem nenhum trabalho remunerado, mas os seus custos estarão lá, e precisarão ser pagos no final do mês.

Isso faz com que o seu percentual de lucro tenha tendência em ser o maior possível para cobrir as suas despesas mesmo se você ficar alguns dias sem trabalho.

Se isso acontecer com frequência, considere revisar os seus custos e a sua jornada mensal de trabalho, vale também redobrar seus esforços para conseguir novos clientes.

Outra alternativa seria inserir um campo separado na sua tabela, anotando quantas horas você trabalhou de fato e assim medir quanto realmente gastou e lucrou naquele mês.

Calculando o valor comercial por hora

Finalmente, para calcularmos o nosso Valor comercial por hora, basta descobrir quanto valem os 150% de lucro e somá-los aos nossos custos.

Para isso, vamos fazer uma fórmula um pouco diferente, que deve começar com os primeiros valores entre parênteses, assim a gente faz um cálculo antes do outro, evitando erros no resultado.

Primeiro comesse digitando o sinal de = seguido de um parêntese, fica assim =(.

Depois é só clicar no valor do Custo por hora de trabalho e multiplicar pelo Percentual de lucro, como na imagem abaixo.

Depois de indicar a multiplicação destes dois valores, feche o parêntese ) e adicione o sinal de mais +, selecionando o Custo por hora de trabalho em seguida, como no exemplo abaixo.

No meu exemplo, a fórmula ficou assim =(J16*J19)+J16. Isso quer dizer que o Planilhas do Google vai primeiro resolver o que está dentro do parêntese, para depois somar com o que está fora do parêntese.

O que fizemos foi multiplicar o Custo por hora de trabalho pelo nosso Percentual de lucro, transformando o percentual em um valor real, depois que o resultado foi obtido, somamos ele ao nosso Custo por hora de trabalho.

Ao pressionar o Enter o resultado exibido será o Valor comercial por hora de trabalho.

A partir deste ponto, se você decidir mudar o Percentual de lucro, o Valor comercial por hora será atualizado automaticamente. Isso permite que você faça testes com percentuais diferentes e veja quanto isso vai refletir no seu Valor comercial por hora.

O Valor comercial por hora é quanto você deve cobrar por hora de trabalho dos seus clientes. Este é o preço que te permitirá cobrir os seus custos e ter lucro.

De acordo com todos os cálculos que fizemos até aqui, eu devo cobrar R$ 69,80 por cada hora de trabalho que eu gastar no projeto de um cliente.

O que você está achando deste texto até aqui? Curtiu? Se quiser ajudar o meu trabalho, pode contribuir comprando esta planilha lá na minha Lojinha. É muito importante contar com o seu apoio para escrever textos ainda melhores.

Liute Cristian

Como precificar um projeto?

Descobrir quanto cobrar por hora pode te dar uma bela visão sobre como precificar os seus trabalhos. Isso não significa que esta é a resposta definitiva para dar o preço exato por cada trabalho que você fará.

Este tipo de cálculo serve para que você possa conhecer as suas despesas e qual é o valor mínimo que você deve cobrar por uma hora de trabalho sem que isso represente prejuízo.

Entretanto, criar um projeto criativo exige diversas etapas que podem consumir boas horas do seu dia sem necessariamente significar que você vai fechar o trabalho com um novo cliente.

Para concluir um projeto criativo, um designer geralmente passa pelas etapas de conversa inicial com o cliente, briefing, brainstorming, pesquisas, rascunhos, aprovações e revisões.

Não tem como saber exatamente quanto cada trabalho vai levar em horas, mas conhecendo os seus custos e com tempo e experiência, você será capaz de precificar o seu trabalho quase que automaticamente, de acordo com o seu próprio fluxo de trabalho.

Pensando nisso eu escrevi um outro texto onde te mostro como precificar cada projeto especificamente, usando como referência o valor que descobrimos aqui e dividindo o seu projeto em etapas. Confira o texto Quanto cobrar pela criação de um logotipo.

Exemplo: quanto cobrar por um projeto de flyer

Eu já tenho um artigo mais detalhado sobre precificação por projeto, mas para que você possa terminar este texto com uma boa noção de como fazer isso, vamos a um exemplo prático para a precificação de um projeto para um flyer.

Considere que o tempo e os preços mencionados aqui são apenas exemplos, e você pode ajustá-los conforme sua necessidade. Então vamos lá.

1. Um projeto criativo precisa de algum tempo inicial para reunir com o cliente, receber a demanda e fazer ao menos um pequeno briefing. Vamos considerar que para isso você vai gastar cerca de 1 hora.
2. Você vai precisar interpretar este briefing, fazer algumas pesquisas e buscar algumas referências antes mesmo de começar a colocar a mão na massa. Digamos que você leve meia hora para fazer isso.
3. Você vai precisar comprar uma imagem ou baixar uma de um banco que você já paga mensalmente. Digamos que esta imagem custe R$ 30,00, preço médio por uma imagem licenciada no Shutterstock.
4. De posse de tudo o que você precisa, você começa a trabalhar efetivamente no design do flyer, abrindo o Illustrator, Corel ou Affinity Designer, montando o layout, textos, imagens, ícones, etc. Digamos que aqui você levou mais 1 hora até concluir o trabalho.
5. Com o trabalho pronto e sendo otimistas, o seu cliente aprovou de primeira e você só precisa fechar o arquivo e enviar pra ele por e-mail. Vamos adicionar aqui mais meia hora só pra arredondar.

Nos 5 passos acima temos um esquema simples do passo-a-passo para a construção de um flyer que vai usar uma imagem de um banco de imagens.

Agora tudo o que precisamos fazer é colocar isso em valores, baseados na nossa tabela de cálculo de valor de trabalho.

1. Somando todo o tempo gasto, temos um total de 3 horas de trabalho. Multiplicando pelo meu valor comercial, aquele que descobrimos na nossa tabela, fica 3 x 69,82 = 209,45.
2. Eu tive que licenciar uma imagem no valor de R$ 30,00 para o meu cliente, então o valor desta imagem deve ser repassada no preço do trabalho. Logo, eu pego os 209,45 + 30,00 = 239,45.
3. O valor final para a construção deste flyer é de R$ 239,45.

Viu que, com este simples cálculo, eu fui capaz de dimensionar um bom valor para a construção de um flyer com uma imagem licenciada?

Por quê não arredondar este valor para R$ 240 ou R$ 250 e fixar este valor para qualquer trabalho igual a este que eu fizer de agora em diante?

Achou muito caro? Não se esqueça que eu usei o meu Valor comercial por hora para calcular. Este valor pode ser maior ou menor de acordo com os seus custos.

Além disso, o trabalho teve um custo adicional com uma imagem, que precisou ser paga à parte e que eu não previ nos meus custos com equipamentos ou serviços.

Considere, ainda, que você pode não conseguir trabalhos para preencher todas as suas horas do dia, o que pode te deixar ocioso(a) por algumas horas ou até mesmo dias.

Quanto mais você potencializar os seus lucros, melhor, pois você será capaz de suprir suas necessidades e cobrir seus custos até mesmo se ficar sem trabalho por um tempo.

Concluindo

Assim, nós voltamos ao primeiro tópico deste artigo, é tudo uma questão de custo.

Identificando corretamente quanto você gasta para se manter e ficar disponível para o mercado, você será capaz de encontrar o valor justo para a sua mão de obra.

Vou deixar aqui uma versão otimizada da tabela que construímos para você baixar, editar e usar como quiser. Você pode baixar para o seu computador e editar no Excel, ou subir para o Google Drive e editar direto nele pelo Planilhas do google.

Liute Cristian

Eu espero de coração que este texto tenha te ajudado de alguma forma a entender melhor quanto cobrar pela sua arte, ou pelo menos te dar um norte para você precificar seus produtos sem ter prejuízos.

Ainda existe muita coisa legal que eu posso falar sobre precificação e até trazer alguns exemplos mais cabeludos e difíceis de calcular. Neste texto, por exemplo, você pode descobrir como precificar projetos por etapas.

Então, se você curtiu este texto e quer que eu traga mais coisas sobre este assunto, deixa um comentário aqui em baixo me contando o que achou e deixando as suas dúvidas ou sugestões para um próximo artigo.

Até logo!

Neste artigo você vai aprender sobre a anatomia dos tipos, conhecer seus elementos básicos, construção e conceitos.

Vou usar como referência para a apresentação dos elementos da anatomia dos tipos a obra de Gavin Ambrose e Paul Harris, Tipografia, da série Design Básico, e o trabalho publicado pela Joana Lessa, da Escola Superior de Educação e Comunicação, Universidade do Algarve. Fiz o upload de uma cópia neste link caso o original saia do ar.

A anatomia é o ramo da biologia no qual se estudam a estrutura e organização dos seres vivos, tanto externa quanto internamente. No nosso caso, a anatomia dos tipos servirá para estudar a estrutura e a organização dos tipos.

O que é uma serifa? O que é um ascendente? Um descendente? Termos comuns na tipografia e que passarão a ter um significado claro a partir de agora.

Com base no livro, construí um cartaz apresentando a estrutura dos tipos, denominando cada uma das partes que os compõe. Abaixo deixo uma cópia em imagem de alta qualidade para você baixar.

Você pode baixar a versão em PDF e editável deste cartaz clicando aqui.

A definição dos termos aplicados numa área implicam um esforço de sistematização, tendo em vista a adequação, a coerência, e melhor relação objeto-palavra dentro de uma língua. 

Os termos utilizados aqui não são uma lista definitiva e são resultado de pesquisa e levantamento feito através de investigações desde 1999 aos dias atuais.

Foram colhidos a partir de manuais de tipografia, que são reconhecidos através de editoras, de autores, e são ensinados em universidades e cursos especializados.

Foram reunidos termos originais nas línguas inglesa, francesa, e castelhana, principalmente, e convertidos numa linguagem que consideramos adequada ao contexto e ao uso.

Considera-se que, até o momento, conseguimos estabilizar um conjunto fundamental e útil para a identificação, comunicação e trabalho em questões tipográficas. Sendo esta, como outras áreas do conhecimento, alvo de atualizações contínuas.

Traço: Refere-se especificamente à parte diagonal de letras como N, M ou Y.  Hastes, barras, braços, bojos, etc. são chamados coletivamente de traços de letra.

Filete: O traço mais fino de um tipo que tem várias espessuras. Pode ser claramente identificado em um v ou a.

Laço: Traço que encerra, ou encerra parcialmente, a contraforma em uma romana. Às vezes é usado para descrever as partes cursivas do p e b.

Apoio: A parte curva da serifa, que se conecta com o traço.

Estresse: Direção na qual um traço curvo muda de peso.

Queixo: A parte angular terminal do G.

Ápice: Ponto formado na parte superior de um caractere, como A, onde o traço da direita e o da esquerda se encontram.

Ombro ou Corpo: Arco presente em h ou n.

Terminal: Descreve o acabamento de um traço. Arial tem terminais retos, sem decoração; já Times New Roman tem terminais agudos. Outras variações incluem teminais alargados, convexos, côncavos e arredondados. Esse últimos têm acabamentos circulares, também conhecidos como “remates”.

Vértice: Ângulo formado na parte inferior de uma letra onde o traço da esquerda e o da direita se encontram, como no V.

Ascendentes e descendentes: O ascendente é a parte de uma letra que se estende acima da altura-x; um descendente avança abaixo da linha de base.

Perna: O traço mais baixo inclinado em direção à linha de base de K, k e R. Às vezes é usado para a cauda do Q.

Serifa: Pequeno traço no final de um traço principal vertical ou horizontal.

Espinha: O traço curvo da esquerda para a direita em S e s.

Braço: Traço horizontal que é aberto em uma ou ambas as extremidades,
como visto em T, F, E e também o traço ascendente do K

Cauda: O traço descendente de Q, K ou R. Os descendentes de g, j, p, q e y também podem ser chamados de cauda, assim como o laço do g.

Ligação: A parte que junta os dois bojos do g com dois andares.

Orelha: O lado direito do bojo do g, e o final de um r ou f, por exemplo.

Haste: O traço principal vertical ou diagonal de uma letra.

Travessa: O traço horizontal em A, H, T, e, f e t.  Às vezes é chamado de trave. Uma travessa cruza uma única haste.

Bojo: A contraforma é o espaço vazio dentro dos traços de uma letra, e está rodeada por um bojo. A contraforma pode ser chamada de olho no caso da letra e.

Trave: O traço horizontal em A e H. Uma trave une duas hastes.

Forquilha: O local onde a perna e o braço de K e k se encontram.

Altura-x (ou altura de x)

Um termo muito comum utilizado no meio criativo quando falamos em tipografia é a altura-x ou altura de x. Uma espécie de “unidade de medida” que serve como referência para o tamanho de alguns caracteres.

A altura-x é o termo aplicado à distância entre a linha de base e alinha média de caracteres não ascendentes e também de letras minúsculas.

A observação da altura-x é importante para solucionar problemas de legibilidade tipográfica no estágio projetual de um família tipográfica.

Comparada com a altura do M maiúsculo, mostra o tamanho relativo do tipo, ou a proporção entre o tamanho do corpo e dos ascendentes.

Dessa maneira, letras com uma maior altura de x possuem os caracteres maiores em relação a outras com o mesmo corpo. Em contrapartida, quanto maior for a altura x de uma família de tipos, mais prejudicada é a sua legibilidade.

A letra x serve como um indicador, pois é plana no topo e na base, a altura-x é muito usada como referência também em layouts para o posicionamento de imagens e blocos de texto, embora muitas vezes sua referência seja baseada em outro caractere, caso o x não esteja presente.

No exemplo acima, a medida x foi determinada com base na letra n da palavra Senac.

É claro que existe um limite a partir do qual a legibilidade é prejudicada por falta de distinção entre os caracteres, por exemplo entre o “n” e o “h” e entre o i e o l.

Além disso, a forma das palavras, causada pelos ascendentes e descendentes, é um fator importante no reconhecimento das palavras e na leitura eficiente, de modo que descendentes menores prejudicam a compreensão da forma geral.

No século XIV, alguns estudiosos chegaram a propor tipos sem ascendentes, que ocupassem todo corpo, para otimizar o espaço impresso, mas essas experiências não provaram ser melhores do que utilizar um tamanho menor correspondente.

Seguem algumas referências para você continuar a sua leitura.

• Anatomia do tipo – Joana Lessa
• Anatomia tipográfica
• Anatomia das letras
• Altura de x

Uma das coisas mais importantes para se ter em mente ao olhar para uma face ou uma família de tipos, é que cada variação foi originalmente criada para uma função específica.

Assim como negritos são úteis para destacar textos, as faces de tipos são importantes na construção da maneira com que o texto será lido.

O modo como o olho e o cérebro humanos percebem, processam e interpretam a informação visual proporciona uma base sólida para os fundamentos do design de tipos.

Por esta razão, os designers de tipos tradicionais exploram e compreendem os limites tanto estéticos como tecnológicos quando desenham ou alteram o design de uma fonte.

Blocos de texto são considerados mais fáceis de ler quando compostos em romanas, ou seja, em uma combinação de caracteres maiúsculos (caixa-alta) e minúsculos (caixa-baixa).

Isso acontece porque o olho humano “varre” o texto usando as hastes mais altas (ascendentes) das letras para reconhecer palavras em vez de ler construtivamente cada palavra.

As maiúsculas têm a mesma altura e apresentam menos atalhos visuais do que as minúsculas, que têm hastes ascendentes ou descendentes que auxiliam a varredura.

Texto todo em maiúsculas

ESTE BLOCO DE TEXTO SERÁ MUITO MAIS DIFÍCIL DE LER, UMA VEZ QUE VOCÊ PRECISA LER CADA CARACTERE DE UMA PALAVRA INTEIRA PARA CONSEGUIR ENTENDÊ-LA.

LETRAS MAIÚSCULAS SÃO MAIS COMUMENTE USADAS EM CABEÇALHOS, TÍTULOS OU APENAS NO COMEÇO DE FRASES, PARÁGRAFOS, NOMES PRÓPRIOS, ETC. ESTE TEXTO TORNA A SUA LEITURA LENTA E CANSATIVA.

Texto em maiúsculas e minúsculas

Já a facilidade que você tem em ler este bloco de texto se dá justamente ao desenho que cada letra tem, com suas ascendentes (hastes mais altas,) e descendentes (hastes mais baixas) que permitem identificar mais facilmente o começo e fim de cada palavra. Você não precisará ler cada caractere individualmente.

Duas descobertas do começo do século se encontram entre os resultados de testes de leitura mais importantes. A primeira é que o ser humano lê palavras inteiras, como blocos, e não um caractere por vez. E a segunda é que o movimento dos olhos acontece através de pulos ao longo da linha, com pausas em intervalos regulares.

Com isso, pode-se calcular a duração dessas paradas, o número de regressões (quando se lê de novo uma mesma palavra ou até a linha inteira) ou quando se pula uma linha sem querer.

Alguns idiomas podem parecer desconfortáveis quando compostos em romanas. O alemão, por exemplo, usa maiúsculas no início dos substantivos, o que atrapalha o movimento de varredura dos olhos.

Versaletes

São caracteres maiúsculos com as mesmas dimensões de caracteres minúsculos. O versalete é utilizado em texto como um método de dar ênfase a determinada palavra ou expressão, em alternativa ao itálico ou quando o negrito é inapropriado, e o tamanho reduzido previne que palavras em letra maiúscula se destaquem por serem muito grandes, quando comparadas com o resto do texto.

O versalete pode ser utilizado para chamar a atenção à linha, ou expressão de abertura, no início do texto, e é também muito utilizado em entradas de dicionários e enciclopédias, em que muitas partes constituintes devem ser tipograficamente diferenciadas para assegurar uma maior clareza do conteúdo.

Também conhecidos como Small Caps, os versaletes oferecem ao designer um modo sutil de ressaltar um trecho de texto, sem que ele se destaque demais ou domine o corpo do texto circundante.

Títulos, nomes e referências podem assim ser enfatizados sem “gritar”, como fariam se fossem compostos em MAIÚSCULAS.

Um versalete fica muito mais harmonioso com o corpo do texto por que foi especificamente desenhado para ter a mesma espessura de traço dos caracteres regulares.

Então, não é o caso dos versaletes artificiais, que têm traços mais finos e dão a impressão de que os caracteres foram alongados.

Você pode ver como o emprego do versalete torna a construção de blocos de textos e de páginas inteiras mais harmoniosa observando as páginas de uma bíblia (as de estudo, principalmente), como na página 42 da imagem mais acima neste texto.

Algumas referências para você continuar a leitura:

• Versalete
• Caixa alta e caixa baixa
• Glossário anatomia das letras

Os estilos tipográficos

Acredito que o seu primeiro contato com estilos tipográficos tenha sido em algum aplicativo de edição de textos, como o Word, e de cara já soube que negrito e itálico podem ser muito úteis para dar ênfase e destacar alguma informação em um documento de texto.

Uma família tipográfica possui variações de estilos de caracteres que podem ser aplicados ao que chamamos de “tipo romano básico”.

O romano é o corte básico e o estilo tipográfico em que a maior parte do corpo do texto será composto.

Termos comuns da tipografia – Design On

Você pode entender como “corte”, a moldura, a forma padrão que serve como referência para a construção dos tipos básicos de uma família tipográfica, e então, a partir daí, podemos identificar com base em mudanças nas características dos tipos, os estilos.

Vou ilustrar abaixo estas variações de estilos, que dão ao designer a flexibilidade para definir variação e ênfase, como achar necessário, e quando achar conveniente, para produzir um design mais interessante e útil sem deixar de preservar as características chave do tipo.

Você já fazia isso quando colocava os títulos do seu documento em destaque e com o texto em tamanho maior em um trabalho do colégio.

O Romano tem como origem inscrições encontradas em monumentos romanos. Algumas famílias também têm uma versão um pouco mais leve, chamada de Book (livro).

O estilo Itálico é a versão do corte romano que se inclina para a direita. A maioria dos tipos tem uma versão itálica, embora exista uma certa confusão.

O itálico apresenta variações de estilo que modificam levemente a forma do tipo (ele é desenhado para ser inclinado), diferente do Oblíquo, que corresponde em um “itálico falso”, apenas inclinando o desenho romano, sem mudança no estilo (veremos mais à frente).

O Condensado é uma versão mais estreita do corte romano. Tal como o itálico, não deve-se apenas considerar que o tipo foi “achatado”, existem mudanças de kerning e traking que garantem ao estilo visibilidade e melhor aparência.

O estilo Estendido é uma versão alargada do corte romano, obviamente, isso não quer dizer que o tipo foi simplesmente esticado, ele foi desenhando seguindo os mesmos critérios mostrados na versão condensada.

Dica: Nunca estique ou achate o seu texto a fim de criar uma aparência estendida ou condensada. Os tipos que possuem estes estilos foram desenhados para que parecessem assim.

Com traços mais espessos do que o romano, o Negrito também é chamado de Bold, e pode apresentar variações de espessura em uma mesma família tipográfica, como Medium, Seminegrito (Semibold), Preto (Black), Super, Ultra, Cartaz ou Pôster.

O estilo Claro ou Fino é uma variação do corte romano com traços mais leves. Também pode apresentar mais variações, como o Ultra fino, por exemplo.

Itálico ou oblíquo?

Itálico: Um itálico verdadeiro é uma face desenhada com base em um eixo de inclinação entre 7 e 20 graus.

Os itálicos têm estilo caligráfico, e podem ser compostos de forma compacta, em parte devido ao uso de muitas ligaduras, normalmente baseiam-se em faces serifadas.

Observe a diferença entre os caracteres romanos e itálicos mostrados na imagem abaixo.

Esta face apresenta tipos itálicos verdadeiros. Note a mudança nas características, principalmente do “e” e “a”, indicando que seus caracteres foram desenhados com base em um eixo com inclinação entre 7 e 20 graus.

Oblíquo: No século XX, os tipógrafos começaram a desenvolver versões inclinadas de caracteres romanos (especialmente para faces sem serifa), chamados oblíquos, porque os itálicos eram considerados inapropriados para o design industrial e não caligráfico dos tipos sem serifa.

As faces oblíquas também são criadas e projetadas, mas o desenho de suas letras é, essencialmente, uma versão inclinada de suas equivalentes romanas.

A confusão surge porque faces oblíquas são, muitas vezes, incorretamente apresentadas como itálicas, como é o caso da Helvética Neue Lt Std 55 Italic.

Embora haja diferenças entre tipos itálicos e oblíquos, não existe o certo ou o errado na escolha entre os dois.

Como em todos os aspectos do design, a seleção do estilo tipográfico deverá basear-se em uma opinião bem formada sobre o que funciona melhor em um projeto específico para a finalidade pretendida.

Tipografia Básica – Gavin Ambrose e Paul Harris

Como de costume, consulte os links a seguir para continuar expandindo os seus estudos.

• Ligaduras tipográficas
• Serifa
• Guia sobre Tipografia [Parte 02] – Escolhendo a fonte certa
• Guia de tipos – Tipografia
• Classificação tipográfica
• Termos Comuns da Tipografia
• «Família tipográfica», «tipo de letra» e «fonte tipográfica»

Se você tiver uma dúvida ou sugestão, use os comentários aqui em baixo, será muito bom poder te ler. Até o próximo texto.

Mesmo sem saber a resposta para esta pergunta, você lida com tipos o tempo todo, seja ajustando a fonte em um editor de textos como o word, seja lendo um jornal ou um blog online.

Não dá pra imaginar um cartaz sem letras, um website sem textos, assim como não dá pra imaginar a comunicação sem a linguagem escrita e o uso dos tipos.

Diante disso, compreender como os tipos funcionam, sua história, sua função e significados é fundamental para qualquer profissional criativo.

Mesmo que você não pretenda exercer uma função no campo do design, das artes, etc, conhecer sobre tipografia é, sem dúvidas, obrigatório.

O que é tipografia

A tipografia é o processo de criação e composição de textos, seja física ou digitalmente. Como no design, a tipografia deve ser trabalhada levando em consideração diversos fatores que influenciam no resultado final de um projeto. Através da tipografia é possível criar expressão e dar voz a um projeto gráfico.

Tamanho, classificação, família, espaçamento, posição, em conjunto com outros conceitos básicos do design são aplicados igualmente á tipografia para dar consistência a um trabalho e atingir da maneira mais satisfatória o seu objetivo.

O termo tipografia era originalmente empregado para designar a técnica de impressão a partir de matrizes de madeira ou de metal fundido em alto relevo, cujos caracteres e imagens são compostos um a um, manualmente ou em linhas, por linotipia; imprensa.

A tipografia tem origem etimológica na implantação da impressão por tipos móveis na Europa, a partir do século XV.

Com a evolução da tecnologia e a mudança dos processos de impressão e da construção de projetos que envolvam tipos, o termo acabou sendo adotado também no trabalho em meios digitais, como consequência, muitos termos utilizados para designar processos físicos hoje são utilizados no meio digital.

Conheceremos sobre estas terminologias logo em seguida, mas é importante você conhecer pelo menos dois termos neste momento.

Tipo: É o conjunto de caracteres (letras, números, símbolos, pontuações) que tem um design comum e distinto. Tipo pode ser confundido com Fonte, mas não são a mesma coisa. 

Fonte: É o meio físico utilizado para criar o tipo, seja ele código de computador, fotolito, metal ou gravação em madeira.

Um exemplo para deixar estas definições bem claras: Estes caracteres que você está lendo agora, sua forma, suas curvas, suas linhas, é o que chamamos de Tipo. O arquivo de computador que eu usei para que estes tipos pudessem aparecer no seu computador, é o que chamamos de fonte.

Um segundo exemplo para esclarecer ainda mais: Pense em um carimbo. Os tipos estão representados nas letras que estão desenhadas em sua borracha. A borracha no qual o tipo está desenhado, assumindo os seus contornos fisicamente, é a fonte.

Como usar tipografia

As fontes tipográficas variam bastante e devem ser empregadas de acordo com o objetivo geral do projeto. Existem aquelas que são fluidas e são facilmente percebidas pelos olhos, proporcionando uma leitura agradável em textos muito longos.

Há outras bem largas que causam um impacto visual instantâneo, muito comuns em manchetes de jornais e revistas, assim como há também as fontes tipográficas que tentam imitar a escrita humana, com letras cursivas e com ligações e curvas que lembram a escrita à mão.

Saber escolher o tipo certo para cada voz ou expressão que se pretende dar a um projeto, é uma das coisas que você será capaz de fazer ao se aprofundar no estudo da tipografia.

Perceba que isto vai além de estética, é um conjunto de elementos que transmite emoções a partir dos tamanhos, formas e disposição do texto sobre uma folha de papel, uma placa, um pedaço de madeira ou sobre uma tela, capaz de despertar diferentes reações em quem os observa, seja para melhorar a leitura de um texto, seja para chamar a atenção e acentuar uma ideia.

Para que você entenda de forma prática o que denomino por voz e sobre a expressão que a tipografia pode implicar em um projeto, observe as duas placas abaixo:

Sem a necessidade de um conhecimento técnico prévio, qual dos dois tipos empregados nas placas seria o mais adequado ao sentido que a mensagem pretende transmitir?

A maneira como as letras são formadas e apresentadas altera a nossa percepção das ideias que elas estão retratando. Você não é a única pessoa a sentir que tem algo errado com a primeira placa!

A mensagem apresentada requer ser compreendida instantaneamente e remete a um aviso sério, que alerta sobre um perigo. O tipo reto, com linhas grossas e de leitura mais fácil é o mais adequado, neste caso.

Veja a seguir alguns links úteis para você se aprofundar um pouco mais no assunto.

• Tipografia básica para web
• Conceitos básicos de tipografia
• Introdução básica a tipografia
• Tipografia básica
• Tipografia: Noções básicas
• Fonte tipográfica
• Caractere, fonte, tipo, família… é o quê??
• Família tipográfica, tipo de letra e fonte tipográfica
• Glossário Tipógrafos

O que são tipos?

É comum existir uma certa confusão quando tentamos conceituar o que são tipos. Isto porque o termo foi criado para designar originalmente os tipos móveis de metal ou madeira utilizados nas prensas mecânicas.

Porém, hoje em dia, com o uso extensivo dos computadores, este termo passou a ser utilizado para designar tipografias digitais específicas ou como sinônimo de família tipográfica.

Tipos móveis

Quando a impressão como conhecemos hoje não existia, os livros eram escritos à mão em um processo que tomava bastante tempo.

Graças a Johanes Gutenberg, um ourives que aprendeu a construir moldes de ouro e prata, surgiram os tipos móveis, letras feitas em metal que revolucionariam a maneira com que produzimos livros e qualquer material impresso.

Obter letras estampadas por cunho de caracteres feitos em metal só foi possível por que Gutenberg inventou um processo para fundir uma quantidade sem limite de letras a partir de moldes, a partir das letras-mãe, chamadas matrizes.

Você pode conhecer este fantástico processo em um artigo publicado no Tipógrafos.

Eu trabalhei como arte-finalista em uma gráfica onde pude ter contato com algumas peças de tipos móveis. Elas ficavam guardadas em algumas gavetas e já não eram mais usadas desde que o dono investiu em impressoras offset.

Sempre fiquei curioso sobre como eram utilizados e ficava imaginando quanto trabalho daria para imprimir um jornal, revista ou livro.

A prensa de tipos móveis é um dispositivo que aplica pressão numa superfície com tinta, transferindo-a para uma superfície de impressão, geralmente papel ou tecido, imagine como um carimbo funciona, é mais ou menos isso.

Ela é normalmente utilizada para imprimir textos, mas também foi adaptada para impressão em larga escala de imagens, mapas, diagramas e tabelas matemáticas.

No vídeo abaixo você pode ver a prensa em funcionamento. O vídeo está em inglês, mas você pode apenas acompanhar o processo em execução.

Da mesma maneira, a xilogravura, criada na Idade Média, e a litografia, do século XIX, fazem reprodução em massa de imagens, mas com técnicas um pouco diferentes da utilizada pela prensa móvel.

O vídeo abaixo conta um pouco da história de Gutemberg e a invenção da prensa móvel (abaixe o volume, o som fica alto depois da introdução).

O canal Nerdologia também abordou o tema com uma visão sobre o futuro da impressão.

O pesquisador Átila Iamarino fez um excelente vídeo que explica como os tipos móveis surgiram e suas influencias históricas. Confira clicando aqui.

Dando significado aos tipos

O tipógrafo Eric Gill certa vez observou que “letras são coisas, não imagens de coisas”. Letras isoladas, quando dispostas de forma especial, representam os sons de uma língua falada, e expressam ideias visualmente de modo que outra pessoa possa entendê-las da forma pretendida.

Muito além do significado de cada palavra, a forma dos tipos pode dizer muito mais do que o conteúdo do texto o qual apresenta.

A tipografia diz respeito à disposição das letras em um projeto, normalmente para fins de impressão.

A variedade de faces tipográficas e os diferentes modos como os tipos podem ser usados em um projeto podem intensificar ou alterar o significado das próprias palavras criadas com os tipos.

A maneira como as letras são formadas e apresentadas altera a nossa percepção das ideias que elas estão retratando, como demonstrei no exemplo com a placa de alerta.

Veja mais alguns exemplos na imagem abaixo, retirada do livro Tipografia de Gavin Ambrose e Paul Harris.

Os tipos móveis estão praticamente em desuso, dando lugar às tecnologias computacionais e de impressão digital. Apenas alguns estabelecimentos gráficos ainda os mantém como uma forma de oferecer um produto diferenciado de impressão.

Entretanto, todos os conceitos e fundamentos empregados para a fabricação dos tipos móveis são usados até hoje, seja para a criação de novas fontes que serão usadas nos aplicativos de computador, seja para a construção de projetos de design consistentes.

Veja a seguir, uma lista de links para você ler e expandir mais sobre o assunto:

• Guia sobre tipografia – Parte 1– Chief of Design
• Prensa móvel – Wikipedia
• Fundição de tipos – Tipógrafos
• Tipos Móveis – Printi
• Como funcionava a prensa de Gutemberg – Mundo Estranho

Eu sou Liute Cristian e costumava publicar bastante coisa por aqui, incluindo textos e tutoriais que deixaram de fazer sentido com o passar do tempo.

Então, em vez de simplesmente deixar tudo do jeito que estava, eu resolvi que já era hora de abandonar velhos hábitos e trazer conteúdo mais relevante para o aprendizado.

A maior parte das pessoas chegava até nós através do Google, via uma ou duas páginas e nunca mais voltava. Isso me fez pensar que talvez o nosso conteúdo não estivesse cumprindo o seu real papel: ajudar as pessoas a aprenderem e permitir que elas encontrem aqui algo útil e consistente.

Por isso eu resolvi fazer diferente. Eu realmente precisava me desfazer de toda aquela pilha de tralhas que estava me incomodando, e começar de novo.

Agora você está está aqui, e quase não tem conteúdo. ?

Mas não se preocupe, isso é temporário. Estou trabalhando duro para que o novo conteúdo esteja disponível o quanto antes.

Você ainda pode ver nossos milhares de vídeos lá no Canal do Youtube, que recebe e vai continuar recebendo conteúdo todo dia.

Eu acho que você pode gostar de como as coisas serão a partir de agora, mas se você precisar muito de algo que não está mais aqui, pode nos mandar um e-mail para equipe@clube.design.

Conte com a gente.