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Hace ya alrededor de dos meses hice una convocatoria a través del artículo El mejor programa de audio ¿Cuál es?, y el cual tuvo excelentes resultados.

Como recordarás la idea fue invitar a los lectores a compartir sus experiencias con respecto al programa de audio que utilizan de modo que la comunidad visitante de este blog tuviese mejores elementos de decisión al elegir un programa.

En aquella ocasión me referí al hecho de que cuando necesitamos optar por algo así, ya sea porque somos nuevos en el audio, porque deseamos cambiar y mejorar nuestras herramientas, o  porque cambiamos de sistema operativo, surgen ante nosotros infinidad de interrogantes difíciles de resolver muchas veces.

Además, varias de nuestras decisiones se basan en necesidades objetivas pero otras serán siempre subjetivas.

 La interfaz de sonido adecuada

En el presente, tanto un programa como una interfaz son componentes esenciales para iniciar con el pie derecho nuestro estudio personal. Y es claro que todos buscamos hacer que nuestra inversión rinda.

En este blog he publicado infinidad de reportes sobre diferentes marcas y modelos de interfaces de modo que la gente tenga una mejor idea de lo que hay en el mercado.

Pero siempre falta la otra parte: la de quienes usamos estos dispositivos.

El intercambio de experiencias, además de enriquecer el diálogo, ayuda a muchos a entender mejor sus necesidades.

De modo que puede sernos útil si alguien como nosotros nos comparte su experiencia con respecto a lo que utiliza y para qué.

Para enfocarnos en información que sea realmente práctica he pensado que las siguientes preguntas resuelven las interrogantes más comunes.

• ¿Qué interfaz utilizas?
• ¿En qué la usas (por ejemplo: grabar voz y guitarra, batería, sólo voz, guitarra eléctrica, etc.)
• ¿Cuáles son las características en ella que te parecen originales y que no has visto en otras interfaces?
• ¿Cuáles son aquellas que no posee y que te gustaría se le incluyeran en su diseño?
• ¿Facilidad de uso o es complicada de configurar y usar?
• Otras características que te parezcan atractivas, como precio, diseño, etc.

Así que, adelante. Te invito nuevamente a participar dejando tu comentario aquí abajo.

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photo credit: HSmade

He escuchado esta pregunta infinidad de ocasiones. Y una vez más se le responde con infinidad de respuestas. Unos dicen que primero el ecualizador; otros que no, que al revés: “primero va el compresor”.

Además, se argumenta cada procedimiento con razones de todo tipo: científicas, musicales, estéticas, etc, etc, etc.

¿Quieres saber cuál es la correcta?

La respuesta a este dilema es:

Cualquiera de las dos.

Si estás pensando “me quedé en las mismas” a lo mejor no me estoy explicando.

Mejor analicemos el asunto de otro modo.

Lo primero que habría que preguntarse es:

 ¿Existe diferencia en el orden en que se conectan un ecualizador y un compresor al procesar una señal?

Sí.

Entonces, ¿qué hace difícil preferir un procedimiento del otro?

Es difícil asegurarlo al 100% pero pienso que se debe a la dificultad de percibir los cambios generados en los procesadores; es decir, la raíz del problema está en que muchos no detectan claramente qué está sucediendo en realidad.

Si éste es tu caso no te alarmes, no quiere decir que no funcionen bien tus orejitas, más bien sucede que no las has entrenado lo suficiente para detectar esos cambios.

De los dos procesadores involucrados, pareciera ser que, para la mayoría,  es más fácil percibir qué hace un ecualizador que un compresor.

Quizá porque estamos más acostumbrados a utilizarlo en la vida diaria -casi todos los equipos no profesionales,  de casa o del coche, o el reproductor mp3,  cuentan con algún tipo de ecualizador al cual le movemos aunque sea intuitivamente-.

En cambio, los compresores son herramientas que sólo encontramos en el estudio o en los equipos de sonorización, pero difícilmente en el autoestéreo o en el iPod.

Es decir, hemos tenido más oportunidades para experimentar con el primero.

Y es un hecho irrefutable: sólo se aprende experimentando.

De hecho, con demasiada frecuencia me encuentro con gente que no tiene la menor idea de qué hace un compresor.

No sólo eso, cuando les muestro algún ejemplo sencillo y les digo: “…¿escuchas cómo cambia?” sólo ponen una expresión de desconcierto, como si pensaran: ” O José Luis sólo me está vacilando, o yo estoy mal y no sirvo para esto, o estoy irremediablemente atrofiado..”

Ninguna de las tres. Lo que sucede es que en la mayoría de los casos toma tiempo entender y percibir cómo influye el compresor en el sonido.

Además, existen muchos tipos de compresión y unos funcionan mejor que otros para diferentes circunstancias y tipos de señal.

En las diferentes etapas del proceso de producción donde se ocupan estos procesos, -grabación, mezcla y masterización-, necesitamos definir al menos tres cosas:

•  Qué deseamos obtener.
• Con qué material estamos trabajando.
• Con qué herramientas contamos.

Y es muy diferente a qué se llega en cada una de las etapas que menciono.

Entonces, ¿cómo saber cuál usar primero?

Probando.

• Tómate tu tiempo.
• Enfócate en un sólo sonido.
• Lleva un orden y anota para no perder datos importantes.

¿Te suena difícil?

Para nada, es cuestión de dos cosas: primero entender, después hacer.

Y tu estudio personal es el lugar ideal para encontrar tu propia fórmula.

Si quieres una respuesta simple, aunque parcial, sólo te puedo decir que es más común encontrar esto: primero el ecualizador, después el compresor. 

Se trata de creatividad. En ella  todo se vale siempre y cuando logres algo que valga la pena.

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http://www.youtube.com/watch?v=TixKXPZimok

Si quieres rescatar del polvo y del olvido todos esos discos en vinilo y no sabes cómo hacer para resucitarlos, este videotutorial te dirá qué necesitas y cómo hacerlo.

Cuántos de nosotros hemos atesorado por años estos objetos que en otros años los cuidábamos con tanto esmero y pasión.

Quizá muchos los conservamos más por una razón afectiva, ya que en la actualidad es muy probable que encuentres las versiones en iTunes o en algún otro catálogo en linea.

Sin embargo, también es cierto que suenan distinto a la versión digital. Es un sonido que vale la pena volver a escuchar, claro, si es que tienes la paciencia para hacerlo.

Incluso, el sonido del vinilo tiene una cualidad tan propia que pareciera querer regresar a popularizarse de nuevo.

De modo que si estás dispuesto a recuperarlos, este videotutorial es todo lo que necesitas.

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foto: Jolalmo

Mezclar en una consola análoga clase premium y en un estudio cinco estrellas puede ser para muchos su sueño dorado. Seguramente porque han escuchado que los grandes hits se han producido de este modo.

Y es probable que escuchen con frecuencia que con la “compu” no se puede hacer mucho”; que lo que salga de esa “cajita” no será un sonido que despeine a las multitudes.

A decir verdad, nada es del todo cierto ni del todo falso. Ten presente que son dichos, ideas o creencias que no le constan a uno: no son conclusiones propias.

Pero si has escuchado tanto de las bondades del sonido análogo y quieres probar incorporándolo en tus mezclas, pero no cuentas con los recursos para vivir ese “sueño”, no necesitas frustrarte: existen otras posibilidades.

Los artículos publicados en este blog “Cómo hacer un tracking análogo y subirlo a la computadora” y “Cómo mezclar en consola análoga” buscan demostrarte que, efectivamente, si puede haber un claro beneficio en el uso de la tecnología análoga, pero que no es la panacea ni la condición innegociable de un buen sonido.

No pierdas de vista que tu creatividad juega un papel determinante.

He aquí una tercera opción para combinar el audio análogo con el digital

•  Es una opción intermedia pero quizá más accesible.
• Se parece al procedimiento descrito en el artículo de cómo mezclar en consola análoga, la diferencia es que aquí, el centro del sistema es la mezcladora interna, no la mezcladora análoga.
• Consiste en incorporar equipo externo de buena calidad, el cual puedes conseguir prestado o rentado -compresores, ecualizadores, reverberadores, efectos varios-.
• El acceso a tu sistema es vía las entradas análogas de tu interfaz, aunque las digitales también pueden servir.

Considera las cuestiones siguientes para que tu producción camine sin tropiezos

• El proceso de mezcla es mucho más lento que el hecho con plugins.
• Posibles inconvenientes como ruidos, falsos contactos, descomposturas, inducciones.
• Requiere mucho más cableado.
• Requiere más espacio.
• Necesitas contar con una interfaz que tenga suficientes entradas y salidas, o encadenar otra u otras que sean compatibles.

Si este modelo de producción te llama la atención prueba y diviértete un rato. Verás que es mucho lo que se puede hacer añadiéndole tu creatividad.

Para que tengas una idea de cómo conectar los equipos a tu sistema, revisa los artículos:

• “Cómo configurar un efecto para compartirlo entre varios canales”
• “Cómo insertar un procesador externo en un canal en Logic”

Como lo expresó un amigo colega hace muchos años:

No es el equipo, sino el chavo que mueve los botones

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No sé si te sucede, pero por lo menos lo has visto en otros. El momento de grabar, el momento de dejar registrado algo, provoca por lo general reacciones nerviosas muy variadas en mucha gente.

Lo común es mostrar inseguridad, falta de concentración. Pero en otros, sobre todo en quienes tienen su primera experiencia con la grabación, pueden llegar a darse situaciones reales de parálisis, o casi de pánico.

Es algo similar a lo que muchos viven como “pánico escénico”

Es probable que mientras lees estas lineas digas: “A mi no me sucede, tengo nervios de acero”.

De acuerdo, pero si estás involucrado en una producción donde hay quienes no tienen la seguridad que a ti te sobra sería bueno que tomaras eso en cuenta, porque seguramente incidirá en el resultado, y eso sí te concierne.

Quizá también pienses que estas son discusiones frívolas, reflexiones inútiles, pero el tema de este blog es el Arte y Ciencia de la Grabación, y algo que está implícito en él es eso que llamamos producción, y la Producción también es un Arte y una Técnica.

¿Qué permite saber producir? 

Lograr un resultado de calidad, competente: profesional.

Así que vale la pena aprenderla ¿no crees?

Una ejemplo muy común

Te encuentras ensayando previamente la pieza, o la sección que deseas corregir.

Ya le diste varias “vueltas” y finalmente te sientes seguro: ya no hay errores que ensuciarían la grabación: “pifias” “dedazos”, etc.

Hay intención en la toma, con interpretación, etc.

Dices: listo.

Y el ingeniero, o tu amigo, o tu mismo anuncian: “grabando” y entonces…

Para el cuarto compás aquello es un desastre, naufragio total, descarrilamiento desde apenas el primer cuarto del primer compás.

Todo lo contrario a lo que habías logrado en el ensayo.

¿Porqué sucede esto? 

Porque la grabación provoca generalmente ansiedad.

Como si el” foquito rojo con la R” nos dijera: “llegó tu momento de la verdad”

Y entonces reaccionamos con actitudes que reflejan esa ansiedad. Como: “Quiero salir de esto lo más rápido posible” .

Así que comienzas a tocar más rápido que el tempo al que está la música y, claro, para el segundo compás tú vas ya en el octavo.

Éste es sólo uno de una infinidad de ejemplos.

¿Por qué es importante tomarlo en cuenta?

Porque es fácil que se transmita en lo que queda grabado.

Si hablamos de música ejecutada en grupo, la reacción que cada quien ante esta experiencia es diferente, y muchos pierden la  seguridad al sentirse grabados.

Pero como estamos hablando de un “ensamble” lo que uno haga incidirá en el resultado, así que necesitamos que todos entreguen el mejor trabajo.

Consejos simples para superar el pánico al botón rojo

• Paciencia, contigo y con los otros.
• Genera un clima que haga a la persona no pensar que está grabando. Inclusive utiliza trucos. Es común que cuando alguien está revisando un pasaje que le cuesta mucho trabajo y alguien lo está grabando diga: “no grabes, sólo quiero darle unas vueltas”. Sin embargo, tú te pones “a la cacería” de alguna buena toma. Sin que el otro se entere, grabas y grabas, ya sea que te quedes con todas los intentos o vayas haciendo “undo” al final de cada una hasta que atrapes algo bueno. Este truco funciona muchas veces.
• Evita todo aquello que dificulte la concentración. En una sesión de grabación no es ideal que haya espectadores, ¿o acaso conoces estudios de grabación con sección de butacas y dulcería? Tener público en una sesión de grabación sólo distrae por mucho que queramos impresionar a las chicas o a los amigos.
• Ten una actitud de comprensión para el otro y mejor facilítale las cosas: es mejor ayudar que descalificar.
• Disfrútalo y haz lo que los involucrados lo disfruten también. Se trata de hacer música y “el ambiente en el que se genera queda impreso”.
• Utiliza los recursos que faciliten hacer varias tomas y aseguren un buen resultado -multitakes, etc.-.
• Respeta, hasta donde sea posible, la opinión del músico sobre su interpretación. Busca negociar en vez de caer fácilmente en la confrontación.
• Si después de varias tomas no sólo no estás logrando algo satisfactorio, sino más bien sientes estar retrocediendo, mejor detente. Haz un receso, salte un rato, vete a caminar, tómate un café, ponte a platicar afuera del estudio de cualquier otra cosa; es decir, rompe con la situación, con la obsesión: toma distancia. Después regresas, lo haces y verás que logras algo mucho mejor y en menos intentos.

La clave es generar un estado de enfoque sin tensión

Los mejores productores son aquellos que piensan en resultados sobresalientes y buscan cómo lograrlos de la mejor manera.

Y si tienes alguna experiencia interesante qué mencionar al respecto aquí abajo está la sección de comentarios. Muchos apreciaremos el haber compartido tu experiencia.

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photo credit: Broken Chord

A lo largo de muchos años siempre he notado lo complicado que resulta acomodar los aparatos y los controles en el estudio personal a modo de poder trabajar lo más relajados posible.

Unas veces unas cosas no quedan muy cerca y otras muy lejos.

Tomando en cuenta que, por lo general, en el estudio personal se trabaja solo -por eso se llama estudio personal-, necesitamos disponer los equipos de tal forma que nuestra atención esté más dirigida hacia el proceso creativo -componiendo o interpretando- que al aspecto técnico.

Generar un entorno de trabajo que estimule la creatividad

Las superficies de control son, en sí mismas, interfaces. Y como ya ha sido mencionado en otro momento, nos permiten interaccionar con ciertos equipos, y actualmente lo más común es con los programas.

Quizá una de las superficies de control que más tiempo lleva con nosotros desde que apareció el midi es, precisamente, el teclado midi.

Y actualmente es seguramente la interfaz más popular cuando se trata de audio digital y midi.

No importa que no seas tecladista, lo común es que, para interaccionar con el lenguaje midi te sea más fácil utilizar un teclado que otro tipo de interfaz, que las hay y hablaremos de ellas en otro momento.

Cuáles son los otros controles que más utilizamos en el entorno digital. Pienso que aquellos que tienen qué ver con el manejo de la mezcladora interna y los controles de transporte del programa.

De modo que si estás pensando en una superficie de control para tu estudio, quizá te convenga fijarte en aquellas que combinan ambas cosas: la interfaz musical y la de audio estrictamente.

La idea es tener todos los controles más a la mano y de una manera más centralizada.

Serie Axiom de M-Audio

Este tipo de superficies me resultan muy atractivas. En esta ocasión sólo hablaré de esta serie y en otros artículos abordaré otras marcas y modelos que hacen cosas realmente interesantes.

A diferencia de otros años, cuando la mayoría de los teclados midi eran de cinco octavas, o modulares, ahora es común encontrar inclusive de sólo dos octavas: para lo estrictamente necesario.

Son tres versiones que comienzan en la Axiom 25 -dos octavas- hasta la Axiom 61, de 5 octavas.

Cuentan con ocho perillas y ocho pads asignables, más control de transporte completo y totalmente compatible con la mayoría de los programas de grabación. Además de los controles clásicos del sintetizador.

Las versiones 49 y 61 cuentan con 9 faders también totalmente asignables; la 25 sólo cuenta con un fader.

Finalmente algo muy interesante de este tipo de dispositivos es que están diseñados para “reconocer” inmediatamente la configuración de los controles de casi cualquier programa de audio, de modo que son de “enchufa y toca”.

Date una vuelta por el sitio de M-Audio y conócelos más a fondo.

Y más adelante citaré otros modelos. Mantente atento al blog.

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http://www.youtube.com/watch?v=cBq-1SmcNOg

Siempre que se hace una  sonorización en vivo es necesario ajustar el sistema de sonido que utilizaremos a las características acústicas del espacio en el que se realizará el evento, espectáculo, show, etc.

La práctica común en todo sistema de sonido, sea del tamaño que sea, es generar una curva de ecualización para compensar las desviaciones naturales a una respuesta plana del “cuarto”.

Para tal fin la herramienta común es el ecualizador gráfico.

Esta ecualización es diferente a la que se hace en cada canal individual de una mezcladora.

Es un ajuste que se hace, generalmente, sólo una vez y se deja fijo a lo largo de todo el evento.

Otro aspecto importante es que afecta a todo nuestro sistema. Por tanto se necesita colocar al final de toda la mezcla pero antes de la etapa de amplificación.

El ecualizador gráfico que ajusta un sistema va a la salida del master o salida principal de la consola. Sólo de esa forma afectará a todo el sistema de parlantes que tengamos conectados, salvo los monitores de escenario, ya que ellos requieren otro ajuste.

Pero hay una forma más adecuada de conectar este procesador de modo que tengamos un buen control de nuestra salida y evitemos desajustes que pueden deteriorar la señal, como saturación o sobrecompresión cuando añadimos también al master un control de dinámica.

En este videotutorial podrás conocer a detalle:

• En qué consiste este procedimiento.

• La forma correcta de hacerlo.

• Qué necesitas para llevarlo a cabo exitosamente.

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photo credit: jvidhee

Infinidad de opciones pueden hacerte la vida más fácil. Y si de composición y producción se trata, la lista no es nada pequeña.

Hace no muchos años era todavía difícil contar con una superficie de control adecuada a las necesidades del estudio personal.

El interés de las grandes marcas estaba reservado más bien para las necesidades de los estudios medianos y grandes, con algunas excepciones.

El problema no era la compatibilidad sino el costo de la inversión.

En un estudio personal lo común era ver sólo la computadora acompañada de su correspondiente ratón y teclado, más algún sintetizador, que de hecho se podría considerar una superficie de control, sólo que con una aplicación más específica.

Desde que el protocolo midi existe es posible configurar alguno de estos teclados para que realicen otras funciones, además de las estrictamente musicales, pero el proceso nunca fue sencillo, de modo que no eran del estilo “enchufa y toca” (plug and play)

Muchos han sido los factores que han hecho que la producción musical se haya mudado a casa. Y ahora el panorama es muy diferente. Al grado tal que actualmente para nadie es sorpresa poder controlar las funciones de algún programa sólo con el teléfono móvil.

Pero quiero empezar por lo que considero profesionalmente mínimo para ser más productivo y creativo en el estudio casero.

Korg nanoSERIES2

Korg es una de las marcas más legendarias de sintetizadores. Esta serie consiste en 3 componentes que puedes adquirir por separado, dependiendo de tu estilo de producción.

Conexión al puerto USB, y sin necesidad de fuente de poder extra.

nanoKEY2

• Teclado midi de 25 teclas con velocity y 4 curvas de velocidad.
• Control de pitch
• Control para cambiar de octava
• Botón de modulación
• Botón de sustain

nanoKONTROL2

• 8 perillas rotatorias para control de paneo.
• 8 faders para control de volumen
• Cada uno de estos 8 controles acompañado de interruptores para solear o aislar, apagar y grabar (solo/mute/record).
• Control de transporte.
• Interruptor para generar reproducción por ciclos.
• Interruptor para marcadores.
• Interruptor para selección de canal.

nanoPAD2

• 16 teclas tipo pad con velocity y 4 curvas de velocidad.

más 7 controles para diversas funciones.

3 dispositivos compactos y económicos para producir de un modo más simple e intuitivo en la comodidad de tu estudo personal o home studio.

Precios de lista en dólares de Estados Unidos:

• nanoKEY: $65.00
• nanoPAD: $75.00
• nanoKONTROL: $72.00

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photo credit: Antwaanmusic

No importa que tengas un estudio grande, chico, mediano; no importa que sea un espacio diseñado especialmente o hayas adaptado un rincón de tu dormitorio, tu estudio personal se caracteriza por ser ese lugar donde pasas muchas horas frente a una computadora grabando, editando, mezclando, etc.

A diferencia de otros tiempos donde lo que tenías en frente era más bien una consola -mediana o grande, con muchos botones, muchos controles, con mucho espacio y utilizando ambas manos-

ahora nuestras acciones, nuestros movimientos, se concentran en un espacio muy reducido y con mucho menos controles disponibles.

Es decir, ahora el estudio quedó encapsulado dentro de la “compu” y para poderte comunicar con él sólo cuentas con un teclado y un ratón.

Y la verdad mover las perillas del ecualizador, de los auxiliares, subir y bajar faders, uno por uno, sólo con un ratón en tu mano es algo bastante estresaste y muchas veces frustrante.

Los movimientos a veces son torpes, o lentos, sin continuidad. Y eso de estarlos haciendo canal por canal hace al trabajo tedioso, mecánico.

Algo muy diferente a un momento creativo estimulante.

Se puede compensar un poco esta situación con recursos como los atajos de teclado, pero quizá no nos resuelva todo el asunto.

Es decir, la diferencia con la época análoga es que la nuestra era actual digital se caracteriza por construir escenarios virtuales que no puedes “tocar directamente”.

De modo que se antoja contar con una interfaz física que nos permita interactuar con nuestras herramientas de trabajo de una manera más flexible y sobre todo más relajada.

Para eso existen en el audio, al igual que en otras áreas, las “superficies de control”

¿Qué es un superficie de control?

• Es una interfaz física (hardware) que nos permite controlar un programa o aplicación (software).
• Tiene la ventaja de estar diseñado a partir de nuestra anatomía, de nuestros movimientos, para nuestras necesidades específicas.
• Sería así como contar con un súper-ratón, en vez del típico dispositivo de sólo tres botoncitos y que te deja a veces con el brazo todo adolorido por tanta tensión.

¿Que debes tomar en cuenta para elegir una superficie de control?

• Compatibilidad de conexión: midi, usb, firewire, ethernet.
• Compatibilidad con tu programa de audio: existen muchos protocolos y cada vez más la mayoría de las marcas y modelos incorporan más protocolos pero sería muy sensato que revisaras primero este aspecto.
• Cuántos faders, botones, perillas serían ideales para tu Estación de Audio Digital. Existen de 1, 8, 16, 40, etc. pero toma en cuenta que, al ser controles virtuales son multifuncionales; es decir, no significa que cada control esté destinado a un sólo canal exclusivo.
• El espacio con el que cuentas: recuerda, se trata de hacer más funcional tu entorno de trabajo, tu ambiente creativo.
• Presupuesto.

Existen infinidad de marcas y modelos. A partir de ahora iré publicando en este blog diversas propuestas para diferentes necesidades y presupuestos, de modo que cuentes con mejores elementos de decisión.

Sólo recuerda que una superficie de control puede mejorar significativamente tu productividad y creatividad en tu estudio. Por lo tanto una opción que  vale la pena considerar.

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photo credit: Nam2@7676

La mayoría de los programas de audio actuales cuentan con un buen arsenal de plugins, pero siempre será posible mejorar tus recursos de producción contando con un juego extra de herramientas más fino y preciso.

En esta ocasión te hablaré de una tira de canal (channel strip) que personalmente es una de mis preferidas. Es uno de los recursos más prácticos en entorno digital para el momento de la mezcla.

De todos los tipos de plugins que existen, siempre me han parecido muy prácticos aquellos que incluyen varias funciones en un mismo dispositivo.

Ahorras tiempo y además es muy probable que éste sea más eficiente en el manejo de los recursos que le demanda al procesador.

Tiras de Canal

Las tiras de canal generalmente nos permiten el control de dos de las características que más recurrentemente modificamos en el sonido: la frecuencia y la dinámica.

He hablado con anterioridad de las versiones análogas de estas herramientas tan importantes del audio, e incluso están publicados en este blog revisiones de algunos modelos interesantes.

SSL channel

Actualmente, existen en el mercado tres versiones de un mismo modelo de channel strip que se volvió un clásico en los estudios de grabación desde finales de los setenta.

Esta tira de canal fue uno de los componentes esenciales de una de las consolas más finas, aclamadas, idolatradas y que más discos exitosos han creado.

Se trata de las serie E y posteriormente la serie G de Solid State Logic.

Esta marca inglesa, junto con algunas otras, viene siendo como el Ferrari de las consolas análogas y algunas otras digitales, que dominaron y en cierto modo siguen dominando la producción en los estudios cinco estrellas alrededor del mundo.

Pero gracias a la tecnología digital ahora es posible contar con un recurso tan fino dentro de tu computadora.

Es importante tener presente que, al menos hasta ahora, estos plugins no se comparan al sonido que producen sus originales análogos: no suenan igual, pero se acercan…y cada vez más.

Pero si tomas en cuenta la diferencia abismal en precio de una tira de canal análoga contra el precio de su versión en plugin, resulta que la segunda opción está más cerca de las posibilidades de un estudio personal, o home studio.

Componentes característicos de la tira de canal SSL

1. Ecualización de 4 bandas, dos tipo shelving y dos paramétricas.
2. Filtro pasa alta y pasa baja con ajuste de frecuencia de corte variable.
3. Sección dinámica con: compresor typo “Over easy”/limitador, y compuerta/expander.
4. Control de cadena lateral (side-chain) para dinámica, independiente para compresión y para compuerta/expander.
5. Infinidad de controles extra que le dan su versatilidad característica.
6. El sonido clásico que ha hecho famoso a este procesador.

Las tres versiones que conozco en plugin son las siguientes:

•  Classic SSL Console Channel Strip, de la serie Duende Native Channel, de la misma Solid State Logic.
•  SSL E Series Channel Strip plugin de UAD.
•  SSL E-Channel y SSL G-Channel de Waves.

Si te llama la atención, revisa los sitios de los plugins, pruébalos (algunos ofrecen versión demo) y decide.

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