Foto:Alex Posis

Una producción musical mal planeada ejemplifica a la perfección aquél refrán que dice “Árbol que nace torcido jamás su tronco endereza”.

Y uno de los aspectos más comunes de una mala planeación es restarle importancia al asunto del tempo.

Si el momento creativo es por lo general espontáneo, el momento de producir requiere orden y método.

En la edición, por ejemplo, una planeación previa, hará esta etapa fluída y altamente creativa, en vez de aburrida, larga y frustrante.

Inifinidad de casos se pueden citar de cómo, al no haberse establecido claramente el esquema del tempo en la pieza, se termina por hacer una sesión de producción efectivamente torcida y que se resiste a ser alineada.

Así que vale la pena que tomes en cuenta lo siguiente.

En la primera parte de este artículo hablé sobre la importancia de un manejo personal del tempo y di algunos consejos simples.

En esta parte te enlisto algunos procedimientos que le permitirán a tu producción mejores resultados.

Pero no pierdas de vista que se trata de conjugar ambos consejos: los del primer artículo con estos.

Maqueta midi primero, después grabación de audio

Si te estás preguntando: ¿pero para qué uso eso si no utilizo midi en mi música?

Créeme, el midi es una de las mejores herramientas a tu favor y no implica que suene al final.

Se trata de un recurso que te permitirá, aunque sea de una manera burda, comenzar a hacer audible tu idea de composición.

Algunas ventajas de esto son:

• Puedes ir construyendo uno o varios arreglos posibles de un modo rápido moviendo bloques de datos midi que bien cuantificados se cortan y pegan con mucha facilidad.
• Puedes bocetar algunos sonidos que te permitan ir vislumbrando el sonido final, en un proceso acumulativo y enriquecedor.
• Y lo más importante para el tema que nos ocupa: puedes modificar el tempo con toda libertad y sin complicaciones.

Los datos midi se adaptan rápidamente a esos cambios. Inclusive si quieres hacer cambios de tempo, a lo largo del tema, ya sea bruscos o por medio de “ralentandos” y “accelerandos”.

A diferencia de esto, con el audio se complica muchísimo.

Si, ya sé que me dirás: “Pero existen herramientas para modificar la duración”

Claro, pero tienen su alcance y en ocasiones el sonido se empobrece cuando los ajustes son muy drásticos.

Me ha tocado vivir en muchas ocasiones cómo una producción se detiene, ya en la mera grabación de instrumentos reales, porque aparecen dudas sobre el tempo: que si está muy rápido, que si está muy lento…

Y no pocas veces ese descuido a llevado a preferiblemente echar a la basura lo ya hecho sólo porque al productor se le ocurrió darle “tres puntitos más o tres menos” al tempo general.

¿Qué necesidad?

Mejor tener claro el asunto desde el principio.

Un opción un poquito diferente y muy utilizada en la actualidad es definir el “beat” de la pieza utilizando algún “loop”.

Aunque los “loops” o “bucles” casi siempre no son archivos midi, por su naturaleza son muy fáciles de modificar en tempo, y su utilidad termina siendo la misma.

Programación del metrónomo de la sesión

En muchas ocasiones los sonidos incluídos de muchos programas de audio no son muy prácticos.

En esos casos es mejor crear un “track midi” no sólo con sonidos midi que te funcionen mejor, sino con patrones rítmicos que realmente te apoyen.

Por ejemplo, hay ocasiones cuando el “click”, como también se le llama, está en valores de cuarto, que puede haber pasajes donde necesitamos doblar el valor a octavos, aunque sólo sean unos cuantos compases.

Con el metrónomo base no es posible, pero configurando tu propio “click track” sí.

Cuando se trabaja con compases irregulares llega a no servir de mucho que el metrónomo del programa te de referencias del mismo valor; a veces es más clara la guía haciendo grupos o patrones rítmicos en ese “track midi”.

Cuidado con los sonido muy agudos

En la mayoría de los casos los metrónomos con sonidos de frecuencias más agudas son más fáciles de distinguir, pero, por lo mismo, es más fácil escucharlos a través de los audífonos y, por lo mismo, que el micrófono los capte.

En el medio a esto se le llama “leakage” o “goteo” y puede echar a perder la grabación porque por lo general es difícil de eliminar.

No quiere decir que no los utilices, pero toma en cuenta esto o baja significativamente el nivel en la mezcla de monitoreo y cerciórate primero de que no se filtra ese sonido al exterior de tus audífonos.

Como ves son cosas fáciles de tener presente e implementar: sólo es cuestión de planeación.

Los proyectos torcidos producen resultados torcidos; los proyectos bien cuidados producen frutos notables.

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Foto: SATOSHI TOMIYAMA

El tema de la latencia es ya de por sí confuso para mucha gente.

Si eres uno de ellos, de entrada te recomiendo leer el artículo “Cómo ajustar la latencia en grabación”.

Pero en ocasiones es necesario, dependiendo de la interfaz con la que se cuente y la configuración de los equipos en nuestro estudio,  manejar algunos criterios para hacer más fluído el trabajo.

Todo esto viene a cuento porque recientemente un lector visitante del blog me comentó que le hicieron algunas recomendaciones con respecto a los ajustes de latencia en grabación y en mezcla.

Sin embargo, los datos recomendados no pueden considerarse de uso universal. Cada situación requeriría valores diferentes.

Y he aquí la cuestión clave:

¿Qué criterio se emplea para determinar esos valores? Y yo agregaría además ¿En qué casos es necesario hacer esto?

Un poco de historia

Todavía alrededor del 2000, había muchas interfaces que no contaban claramente con una forma de monitoreo que permitiera evitar la latencia.

Sobre todo por los costos implícitos, era raro encontrar  una interfaz de precio medio que incorporara lo que se conoce actualmente como “DSP monitoring”,  “direct monitor”,  “zero latency monitor”, “cue mix monitor” o algo similar.

Y mucho menos las que trabajaban por firewire.

En mi caso, adquirí la primera versión de la Motu 828. Una de las primeras interfaces con ese tipo de conexión.

Si bien esta interfaz tenía capacidad de ocho canales análogos, solamente podías monitorear dos sin retraso alguno.

Es decir, contabas con algún procesador que gestionaba el monitoreo de esos dos canales, pero no más.

Si querías monitorear los ocho canales independientemente se hacía necesario que esa tarea la hiciera el mismo cpu de la computadora.

Y aquí venía el dilema.

Al ajustar lo que se conoce como “buffer size”, si tenías un valor muy pequeño efectivamente había una latencia prácticamente imperceptible, pero el cpu debía hacer más trabajo para entregar el audio sin retraso.

Si querías monitorear muchos canales de ese modo llegaba un momento en que la computadora no podía más y se comenzaba a comportar erráticamente afectando la grabación misma ya que lo único que uno hacía era “cargarle la chamba”.

El problema se solucionaba de otro modo: por medio de una mezcladora externa.

¿Porqué describo este proceso?

Para que te des cuenta cómo, en la actualidad, ya no es necesario hacer esto, ya que casi todos los modelos de interfaces actuales cuentan con una unidad “DSP” -digital signal processor- encargada de gestionar el monitoreo en tiempo real dejando libre al cpu para el proceso de grabación.

Entonces ¿Cuál es la primera recomendación que te hago?

Revisar primero si tu interfaz cuenta con este recurso.

De ser así, puedes trabajar con un ajuste de “buffer size” de 128 a 256 ó más, sin problemas. Y además le permitirás trabajar holgadamente a cualquier cpu de modelo reciente.

¿Qué sucede si trabajas con una interfaz muy vieja, que no cuenta con este recurso?

Dependerá de la cantidad de canales, y del tipo de sonido que estés grabando el valor de “buffer size” necesario.

En muchos caso, incluso un valor de 128 permite grabar la voz sin mayor dificultad.

En sonidos percutivos quizá sea necesario reducirlo a 64, pero no es regla.

Sólo recuerda: entre más reduzcas el valor, el cpu trabajará más.

¿Porqué hay que ajustar el “buffer size” en mezcla?

Por el tipo de DAW -”Estación de Audio Digital”- que tienes, el cual es, en la mayoría de las veces, nativo. Esto quiere decir que utiliza el mismo cpu para todas las tareas que deben hacerse.

Y una de las más demandantes en la mezcla es el procesamiento. Sobre todo porque debe hacerse en tiempo real.

Muchos plugins funcionando implica mucho trabajo para el cpu, de modo que debes darle margen para gestionar toda esa información. Y eso se logra aumentando el valor del “buffer size”.

Dependiendo de la cantidad de pistas en tu mezcla, de la cantidad de procesamiento de plugins configurados, de la cantidad de “instruments” habilitados, de la cantidad de ajustes de automatización, etc. será el valor más adecuado.

Por lo tanto es imposible usar valores generales porque, como te puedes dar cuenta, cada situación es diferente.

Adquiriendo el criterio correcto, sólo resta entrarle al “ensayo-error” hasta encontrar los valores correctos, pero sabiendo claramente qué estás moviendo y para qué.

Hasta el próximo artículo y felices grabación y mezcla.

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Si te perdiste ayer sábado el Seminario: “Naturaleza Física del Sonido”, nada impide que puedas ingresar a la clase en cualquier momento y aprender este interesantísimo tema.

Ya sea que te hayas dado de alta pero no pudiste asistir, o que en este momento te estés enterando, la oportunidad sigue vigente.

Ayer fue la sesión en  vivo, pero de cualquier modo puedes ingresar al Aula Virtual y tomar la clase.

¿Qué tienes qué hacer?

• Darte de alta en WiZiQ, la plataforma para enseñanza-aprendizaje en linea. Este trámite es sin costo alguno.
• El paso siguiente es dar click en esta liga: Naturaleza Física del Sonido, el cual te llevará a la página de ingreso a la clase grabada.
• Te recomiendo revisar antes tus conexiones de audio para que tu estadía en el Aula Virtual no comience con algún contratiempo.
• Cuaderno y lapiz o bolígrafo serán muy útiles para que tomes algunas notas.

Este seminario es gratuito y puedes revisarlo en WiZiQ las veces que necesites para fijar bien los conceptos.

Algunos comentarios de quienes asistieron:

“Muy bueno todo Jose Luis !! Genial Idea ! Muy buena Experiencia !”

“Muchas gracias profesor, espero haga más seminarios en línea, porque son muy claras sus explicaciones”

“Muchas gracias por la clase profesor, me ayudó mucho!”

Aprovecha la oportunidad.

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Foto: Jolalmo

Un buen manejo del audio comienza inevitablemente por un conocimiento aunque sea básico del sonido, de su naturaleza y características.

La clave para lograr el manejo de los equipos y paulatinamente incrementar las habilidades de la producción de audio, hasta su dominio, parte de la comprensión de lo que manejan, o sea: el sonido.

Sin embargo, muchos músicos, compositores, arreglistas y productores, tanto de música como de otras actividades relacionadas con el audio, se enfrentan al dilema de aprender a manejar un lenguaje teórico que sienten confuso, árido y demasiado vasto como para las necesidades concretas que tienen.

Debido a esto, inicié este blog hace ya más de dos años: para hacer más accesible la ingeniería de audio y la producción a quienes no tienen necesariamente la intención de hacer una carrera de ingeniería, porque su prioridad es la actividad artística o el ámbito creativo.

Pues bien, te invito este próximo sábado 12 de Mayo al seminario en linea Naturaleza física del sonido.

Asiste a esta primera clase que impartiré y que será totalmente gratis.

Aprenderás cosas realmente útiles sobre el audio y además tendrás oportunidad de participar en la ronda de preguntas y respuestas, al final la exposición de los temas.

Para aprovechar esta oportunidad sólo necesitas realizar los siguiente pasos

• Dar click a la siguiente liga: Seminario en linea “Naturaleza física del sonido”.
• Darte de alta en WiZiQ, una plataforma para enseñanza en linea.
• Después de llenar los datos de registro que se te piden únete a la clase haciendo click en el botón que dice “join this class” unos minutos antes de iniciar.
• También te recomiendo que, con suficiente tiempo antes de ingresar al “Aula Virtual”, donde se llevará a cabo este seminario, revises las características y configuración de tu computadora haciendo click en “System & Device Check”, esto te permitirá, entre otras cosas, asegurarte de que tanto tus bocinas o audífonos y micrófono estén funcionando perfectamente.

Recuerda: 

Fecha: 12 de Mayo de 2012

Hora: 10:30 A.M. (Hora de la Ciudad de México)

Duración: 90 minutos.

Precio: Gratis.

Inscríbete ya. Cupo limitado.

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Foto: Paco Vila

Tengo muy presente aquella vez, hace muchos años, al iniciar la primera sesión de grabación, cómo los integrantes de un ensamble querían comenzar a tocar sin un click de referencia, pero intentando grabar por partes.

Les pregunté porqué no lo hacían contando con una referencia de tempo que les permitiese agregar poco a poco los instrumentos sin complicaciones.

Entonces me respondieron: “Es que el metrónomo limita nuestra interpretación y queremos tocar con más libertad”.

¡Ups!

Intenté disuadirlos de esa decisión pero no hubo modo.

Dos horas después cayeron en la cuenta de estar, efectivamente, metiéndose en un laberinto sin salida y aceptaron corregir el rumbo.

Entonces definimos el tempo del tema que llevábamos rato intentando grabar.

Ahora sí, todo podría comenzar a caminar mucho mejor.

Pero ¡Oh Sorpresa! no lograban mantener ni cuatro compases a tiempo. Tendían inevitablemente a correr.

Después de otra hora de intentos fallidos decidimos interrumpir la sesión y retomar otro día el asunto.

Se fueron tremendamente desconcertados y heridos en su orgullo: “¿Cómo era posible que ellos, auténticos músicos profesionales, no pudieran grabar bien ni cuatro compases?

Esta pequeña anécdota no es algo excepcional. Es una historia que se repite con triste insistencia infinidad de veces en las grabaciones.

El estudio de grabación es como una enorme lente de aumento: agranda todo espectacularmente.

Y el asunto del tempo es algo que le encanta delatar.

Yo mismo tuve que pasar por la experiencia de aceptar ser más cuidadoso en esos detalles, en ocasiones aparentemente insignificantes, pero que pueden hacerte toda tu vida revivir esa pequeña omisión, escuchando el o los mismos errores cada vez que escuchas esa grabación que quedó indeleble, para la posteridad.

Ni modo, así se aprende.

Muchas fallas en el tempo, entendidos como errores de interpretación, también tienen su origen en una deficiente formación, al no haberse acostumbrado a trabajar siempre con metrónomo: en los ejercicios, en los ensayos, etc.

Sin embargo, es algo que, con voluntad, se puede remediar muy rápido.

Una de las formas que se manifiesta seguido ese descuido en el tempo es en los pasajes aparentemente “rápidos”.

Muchos músicos caen en la trampa de interpretar una sucesión de notas de menor duración como si fuera más rápido.

Debajo de ese pasaje existe un pulso, un “beat” que  se debe mantener, porque es el “el alma rítmica” de la pieza.

El resultado es un “jaloneo” del tempo que sólo empobrece el tema.

Consejos esenciales para mejorar tus grabaciones

• Si te acostumbras a incorporar el metrónomo en tus prácticas cotidianas lograrás en la grabación fluir sin ansiedad y con mejores resultados.
• Trabajar con metrónomo te permite desarrollar esa “doble atención”: en tí, en tu instrumento, y en lo otro, primero en el metrónomo y posteriormente en el ensamble, de modo que, en el momento de la ejecución, ya sea en grabación o en vivo, sonarás más integrado a él.
• Los pasajes difíciles mejorarán significactivamente si los ensayas previamente con el esquema lento-a tempo-rápido-, pero con metrónomo.
• No hay que obsesionarse con él, pero sí tenerlo muy en cuenta.
• Si lo sabes utilizar no hará tu interpretación necesariamente “mecánica”; al contrario, podrás jugar con más libertad algunas técnicas, como el retrasar sutilmente la ejecución. Esto le agrega un “toque especial” a la música.

Un pulso firme y seguro siempre se sentirá, siempre sobresaldrá. Está ligado íntimamente a una buena interpretación, que ninguna tecnología es capáz de sustituir.

En la segunda parte de daré algunas recomendaciones sencillas para configurar más eficazmente el metrónomo en tus sesiones de producción. No te la pierdas.

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Foto: WilkiDotMe

Ésta es una de esas preguntas recurrentes en muchos que visitan este blog, una de las más populares.

Y siempre que me lo formulan de este modo termino con la misma conclusión: no es práctico plantear las cosas de ese modo.

También comprendo que todos preferiríamos hacer el gasto en aquel equipo que resuelva definitivamente nuestras necesidades.

Este artículo, por tanto, tiene la intención de aportar un enfoque práctico para resolver este dilema.

Tres aspectos básicos para elegir una interfaz

• Las especificaciones técnicas. La calidad del producto, capacidad y funcionalidades.
• Las necesidades personales específicas.
• Las razones subjetivas.

Analicémoslo por partes.

Especificaciones técnicas

Definitivamente sí es importante tomarlas en cuenta.

Primero habrá que dividirlas en diferentes rubros: respuesta en audio, las características de digitalización y otras, como el midi.

En cuanto al audio podemos incluir: 

• Respuesta de frecuencias.
• Rango dinámico.
• Distorsión armónica total.
• EIN -en caso de contar con preamplificadores para micrófono-.
• Phantom power.
• Tipos de conexiones analógicas de entrada y de salida.

entre muchas otras.

En cuanto al aspecto digital:

• Cuántas opciones de frecuencia de muestreo y profundidad en bits.
• Si incluye conexiones digitales y de qué tipo.
• Conexión para word clock.
• Tipo de puerto de conexión -usb, firewire o pci-.
• Compatibilidad con tu sistema operativo.
• Compatibilidad con los programas que utilizas.
• Capacidad de cero o casi cero latencia.
• Si incluye algún tipo de monitoreo directo.

Midi:

• Si cuenta con conexión midi y de qué tipo.
• Vía usb, DIN o ambas.
• Cuantas entradas y salidas midi.

Necesidades personales específicas

• Es crucial tener claro para qué utilizaremos la interfaz, y definitivamente no basta con decir “para grabar o hacer música”. Se necesitan tener datos más específicos.
• Cuántos micrófonos piensas utilizar simultáneamente. Incluso, saber si realmente utilizas micrófonos en tu producción.
• Cuántas señales de linea utilizarás simultáneamente tanto de entrada como de salida.
• Si piensas usar tus equipos con conexiones balanceadas o no. También qué tipo de conexiones: plug, rca o xlr.
• ¿Tocas guitarra eléctrica, bajo eléctrico o guitarra clásica -con pastilla o sin pastilla-.
• También, idealmente deberías considerar no sólo las necesidades actuales sino las futuras. Qué tanto piensas expandir tus opciones en tu estudio personal.
• Movilidad. ¿Piensas tener tu equipo conectado de manera fija o preferirías tener la capacidad de llevarlo a cualquier parte.
• ¿Necesita que la interfaz sea enracable -ajustada a un rack-, o no importa si el tamaño no es estándar?
• ¿Se distribuye en tu país y además tiene soporte técnico?
• ¿Basta con monitorearte tú sólo o necesitas, al menos, una salida extra de audífonos?

Las razones subjetivas

Aunque no lo parezca es uno de los elementos de decisión más común.

• Porque has adquirido otros equipos de esa marca y te dan confianza.
• Porque, a pesar de opiniones en contra, te la recomendaron.
• Porque te gusta la cantidad de “foquitos” que tiene.
• Porque tu estudio se verá muy “pro”.
• Porque tu artista favorito la usa.

Como verás, viéndolo de esa manera resulta imposible decir cuál es la mejor interfaz, o al menos, si equis es mejor que ye.

Es como los coches, las cámaras fotográficas, los teléfonos móviles, las computadoras, los antros, las películas, etc.

Procedimiento simple y práctico para saber qué interfaz de audio te conviene

• Comienza por resolver completamente el punto 2. Es lo máááás importante. Si no tienes claro eso comenzarás a fallar en la elección.
• Sigue con el punto 1, pero ni te abrumes con las especificaciones, ya que es muy probable que las entiendas parcialmente o no entiendas ni jota. Mejor busca escuchar varias interfaces que te interesan con tus amigos o conocidos, en las tiendas, o hasta en YouTube. Y claro, también está la cantidad de artículos publicados en Arte Sonoro, pero partiendo idealmente de las conclusiones a las que hayas llegado al resolver el punto 2.
• Si a estas alturas todavía tienes dudas, entonces aborda el punto 3. Pero de preferencia nunca empieces por ahí.

Al final de todo existe un cuarto factor aún más subjetivo e impredecible, y que casi todo mundo olvida.

Lo importante es qué harás con ella; qué tanto te involucrarás con tus equipos para hacer algo realmente notable.

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En algunos casos un estudio personal pueden comenzar a crecer y ya no tener necesidades tan personales de producción: frecuentes grabaciones de bases -batería, bajo, teclados y voz guía, por ejemplo-, secciones de metales, percusiones, etc.

En esos casos lo imperativo es tener la capacidad de grabar varios canales simultaneos, y desde diferentes fuentes: instrumentos microfoneados, guitarras eléctricas, bajos eléctricos, teclados, …en fin.

Esta situación casi siempre se acompaña de la necesidad de contar con diferentes mezclas de monitor para los diferentes participantes de la sesión.

De modo que se necesita, al final, una interfaz que pueda cubrir adecuadamente estos requerimientos, no importa si recibe las señales desde un mezcladora, o si debe gestionarlas directamente.

ProFire 2626

Se trata de una interfaz fabricada por M-Audio con capacidad de sobra.

26 entradas y 26 salidas simultaneas en un módulo del tamaño de un espacio en rack.

¿Cómo maneja la ProFire 2626 las señales?

• Tiene 8 entradas análogas, vía conector combo -entrada XLR y plug en el mismo conector-, además los canales 1 y 2 tienen entrada de linea para señal de instrumento -guitarra eléctrica, bajo eléctrico-.
• 2 puertos digitales  de entrada y salida tipo ADAT, cada uno con capacidad de 8 canales independientes funcionando a 24 bits y 44.1 ó 48 KHz. Lo cual ofrece un total de 16 entradas y 16 salidas totalmente independientes.
• 2 entradas y salidas digitales vía conexión coaxial S/PDIF

Total: 26 entradas y salidas.

Además cuenta con un mezcladora virtual DSP integrada que flexibiliza significativamente las mezclas y ruteos para monitoreo durante la grabación.

Incluye dos salidas para audífonos totalmente independientes. 

Otras mezclas para audífonos las puedes hacer vía un distribuidor de audífonos conectado a las salidas análogas.

Interfaz midi 1X1. Lo que te permite gestionar un sólo grupo de 16 canales midi, pero suficiente para las necesidades actuales aprovechando los instrumentos virtuales dentro de una Estación de Audio Digital.

Las conexiones digitales vía protocolo ADAT permiten, vía dispositivos extras, poder manejar ampliamente infinidad de procesadores externos, desde preamplificadores y tiras de canal hasta compresores, ecualizadores y efectos diversos.

Un plus muy interesante es su capacidad de funcionar en modo independiente -stand alone-. De modo que tu interfaz ProFire 2626 puede funcionarte como un convertidor análogo-digital, por ejemplo, sin necesidad de conectarlo a la computadora y, de ese modo, aprovechar los 8 preamplificadores multipremiados con tecnología Octane™.

Una excelente opción para aquellos cuyos requerimientos de grabación en estudio son mucho mayores y constantes. Y que además buscan invertir en algo que les permita irse expandiendo poco a poco sin la preocupación de quedar rápidamente limitados.

Precio de lista: $899.95 dólares de Estados Unidos.

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Foto: mockstar

Existen varios tipos de comprador, entre ellos, hay quienes se basan en recomendaciones directas; otros escuchan, comparan y deciden; y también hay quienes parten de un sesudo análisis de las especificaciones técnicas.

Sin embargo, con frecuencia estos últimos viven una experiencia desconcertante, porque al final puede que se encuentren con dos aparatos con desempeños aparentemente similares, salvo que uno tiene un precio adecuado a su presupuesto y el otro cuesta el equivalente a un pasaje de avión en primera clase para viajar alrededor del mundo.

¿Porqué?

Además, están todos esos datos confusos e inentendibles para muchos: rango dinámico, respuesta de frecuencias, distorsión armónica, EIN, THD, Crosstalk.

¿Qué es todo eso y para qué, si al final pareciera que casi todos son buenos pero con diferencias en precio abismales?

¿En qué estriba la calidad de un equipo de audio?

Lo más relevante es tomar en cuenta estos tres aspectos:

• Diseño. Dentro de un aparato de audio existen muchas formas de hacer lo mismo, y muchos ingenieros han llegado a resultados interesante buscando y probando nuevos modos para el mismo proceso. Pero esa búsqueda, al llevar tiempo y mucho esfuerzo tiene un costo que eleva sensiblemente el valor del producto en el mercado: la originalidad cuesta.
• Calidad de los componentes. Éste es uno de los aspectos menos conocidos por muchos pero las partes integrantes de un circuito, por ejemplo, son elementos clave. Existen resistencias, condensadores, cables y conectores de diferentes calidades.

Y si de transformadores se trata, hay de transformadores a TRANSFORMADORES. En aquellos equipos que los incorporan, nunca será lo mismo el resultado que ofrece uno hecho por una máquina que produce 100 por hora, que aquel cuyas bobinas fueron totalmente hechas a mano, un promedio de 4 horas cada una.

Cuando un fabricante decide utilizar lo mejor de los mejor, y además cuenta con un buen diseño, los resultados son notables.

• Prestigio de la marca. Quien se ha gandado un lugar, una reputación, y además sus equipos tienen buen diseño y buenos componentes le apuesta a incorporarle ese costo en sus productos.

Los equipos profesionales de audio no están excentos de las fuerzas del mercado, de la moda, de las necesidades creadas.

Pero eso sí, no es condición absoluta invertir una cantidad imposible creyendo que así, y sólo así, lograrás el sonido que deseas.

La verdad es que siempre será más práctico conciliar varios factores:

1.  Las especificaciones técnicas. Sí hay que tomarlas muy en cuenta, pero no lo son todo.
2. El contexto importa. Dependiendo del tipo de proyecto serán más acordes ciertos equipos que otros. Lo importante es que suene a lo que tú te imaginas.
3. El gusto personal. Ese es determinante.

La historia del audio también está llena de anécdotas donde se han producido cosas originales y que aportan un sello único, a veces con los recursos más inverosímiles y baratos.

Al final, la creatividad es un factor decisivo.

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Si bien apenas estamos ingresando en este nuevo momento de la era digital, es un hecho que ya no tiene marcha atrás y que este tipo de dispositivos poco a poco irán cubriendo buena parte de nuestras necesidades.

En este sentido, las tabletas irrumpieron de tal modo que incluso están redefiniendo el uso que les dábamos a los teléfonos inteligentes.

Son dispositivos sumamente versátiles que, al menos en este momento, constituyen un eslabón excelente entre la creatividad inmediata y nuestro sistema DAW o Estación de Trabajo Digital.

Y si bien falta muchísimo por ver, una propuesta interesante es la que ha presentado Alesis

iO Dock

Se trata de una interfaz de audio y midi especialmente diseñada para el iPad y que se integra a éste de tal modo que se convierten en un sólo dispositivo.

Características principales:

• 2 Entradas para micrófono y 2 entradas para linea balanceada TRS,  en un conector tipo Combo.
• Contro individual de ganancia.
• Phantom power.
• Interruptor en la entrada 2 para conectar señales de alta impedancia, como la de las guitarras y bajos eléctricos.
• 2 Salidas principales balancedas
• Conexión para audífonos con control independiente.
• Conexión midi tanto por conexión tradicional como por usb.

Una característica poco común y muy práctica es la salida tipo RCA de video para poder conectar el iPad a un monitor externo o proyector.

Precio de lista: $399.00 dólares de Estados Unidos.

Aunque últimamente se ha estado ofreciendo en muchas tiendas con un descuento muy significativo.

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Photo Credit: Rob Boudon via Compfight

Desde su aparición, los discos duros no han dejado de evolucionar, mejorando constantemente su desempeño, velocidad de lectura y escritura, estabilidad, seguridad, etc.

Pero esta tecnología, la de los discos duros magnéticos, tiene sus días contados. De hecho el sucesor ya está aquí y operando en muchos sistemas mucho más cercanos a tí de lo que crees.

¿Cuál es?

De hecho no es propiamente un “disco duro”; o no lo que entendemos como tal, pero sí es una unidad de memoria.

Se llama SSD, que significa “Solid State Drive” que se traduciría como: Unidad de Estado Sólido, ya que utiliza chips,  o circuitos semiconductores almacenadores de datos,  en vez de discos magnéticos escritos y leídos por medio de cabezas que recorren el disco.

De hecho esta tecnología es, variantes aparte, la misma que utilizan las “memorias flash”.

La tabletas actuales están basadas esencialmente es estos sistemas de memoria.

Y si bien la mayoría de las computadoras de escritorio y laptops continúan utilzando discos duros magnéticos, las nuevas versiones traerán este tipo de tecnología.

De hecho, como ejemplo, la MacBook Air, de Apple ya la trae incorporada.

Ventajas de las SSD frente al disco duro magnético:

• Velocidad de acceso mucho mayor.
• No existen partes mecánicas y por lo tanto son extremadamente silenciosas.
• No hay fragmentación de la información o es irrelevante, ya que el acceso a ella es casi instantáneo.
• Por lo anterior, la latencia es mínima, casi imperceptible.
• Mucho más pequeñas y ligeras.
• Menor consumo de energía y menor calor generado.

Desventajas de las SSD frente al disco duro magnético:

• Muchos más caras actualmente.
• Las versiones actuales tienen poca capacidad de almacenamiento comparativamente.
• Vida útil menor aparentemente. Aunque esta característica se está resolviendo satisfactoriamente.
• Aunque son muy robustas, un daño físico importante acaba con toda la información, la hace irrecuperable.

Estos son sólo unos cuantos datos. Mi intención es que estés enterado del rumbo que está tomando la tecnología y cómo, al saberlo, esto te pueda ser de utilidad para tomar decisiones más acertadas con respecto a tus equipos.

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