Artistas Cubistas que foram os principais campeões do movimento.

O cubismo é um movimento artístico do início do século XX que adotou uma nova abordagem revolucionária para representar a realidade.

Inventado por volta de 1907 pelos artistas Pablo Picasso e Georges Braque, a dupla reuniu diferentes visões de sujeitos, geralmente objetos ou figuras, na mesma imagem.

O resultado foram pinturas que pareciam fragmentadas e abstraídas.

O cubismo é considerado um dos estilos mais influentes do século XX e o nome parece ter derivado de um comentário do crítico Louis Vauxcelles que, ao ver algumas das pinturas de Braque exibidas em Paris em 1908, as descreveu como “contornos geométricos, para cubos”.

Ao dividir objetos e figuras em áreas distintas, ou planos, os artistas pretendiam mostrar diferentes pontos de vista ao mesmo tempo e no mesmo espaço e, portanto, sugeriam sua forma tridimensional.

Ao fazer isso, eles também enfatizaram o nivelamento bidimensional da tela, em vez de criar a ilusão de profundidade, que normalmente era a norma.

Essa foi uma ruptura marcante com a tradição europeia de criar a ilusão do espaço real a partir de um ponto de vista fixo, usando dispositivos como a perspectiva linear, que havia dominado a partir do Renascimento.

O movimento abriu novas possibilidades para o tratamento da realidade visual na arte e foi o ponto de partida para muitos estilos abstratos posteriores, incluindo o construtivismo e o neoplasticismo.

Artistas Cubistas que foram os principais campeões do movimento

Paul Cézanne

Dizem que Paul Cézanne formou a ponte entre o impressionismo do final do século XIX e o novo movimento artístico do início do século XX, o cubismo.

Através de suas pinturas, Cézanne parecia capturar coisas de pontos de vista ligeiramente diferentes, além de destilar objetos e paisagens em planos de cores.

Embora Cézanne estivesse tentando criar volume principalmente através de planos de cores, os futuros artistas cubistas viram uma tendência de representar a natureza com formas geométricas em seu trabalho, que é central para o desenvolvimento inicial do cubismo.

O trabalho do artista inspirou artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger , Albert Gleizes e Juan Gris a experimentar múltiplas visões cada vez mais complexas sobre o mesmo assunto e quebrar as regras tradicionais de perspectiva.

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Pablo Picasso

Além de inspirado por Cézanne, o artista cubista espanhol Pablo Picasso também foi influenciado pelas máscaras tribais africanas, que muitas vezes são altamente estilizadas e não naturalistas, mas ainda apresentam uma imagem humana vívida.

Famoso por aparentemente reorganizar as características faciais de seus súditos, Picasso disse uma vez: “A cabeça é uma questão de olhos, nariz, boca, que podem ser distribuídos da maneira que você quiser”.

O trabalho de Picasso passou por muitos períodos durante sua vida, e seus trabalhos cubistas tomaram forma de duas formas.

A primeira foi a era do cubismo analítico (1909–1912), que é um estilo de pintura que Picasso desenvolveu com Georges Braque, e os viu usando cores neutras e marrom acastanhadas.

Ambos os artistas desmontaram objetos e os “analisaram” em termos de suas formas.

O segundo foi o Cubismo Sintético (1912–1919), um desenvolvimento posterior do gênero Cubismo, no qual fragmentos de papel cortado – geralmente papel de parede ou partes de páginas de jornais – foram colados em composições, marcando o primeiro uso de colagem em obras de arte.

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Georges Braque

Georges Braque foi uma figura-chave no desenvolvimento do cubismo, na verdade o trabalho do artista entre 1908 e 1912 está tão intimamente associado ao de seu colega Picasso, que por muitos anos seus respectivos trabalhos cubistas eram indistinguíveis.

Infelizmente, devido à natureza tranquila de Braque, a fama e notoriedade de Picasso eclipsam parcialmente seu próprio trabalho.

Braque realizou um intenso estudo dos efeitos da luz e da perspectiva e os meios técnicos que os pintores usam para representar esses efeitos, parecendo questionar o mais padrão de convenções artísticas.

Nas cenas de sua aldeia, por exemplo, Braque frequentemente reduzia uma estrutura arquitetônica a uma forma geométrica aproximando-se de um cubo, mas fazia com que seu sombreamento fragmentasse a imagem, para que parecesse plana e tridimensional.

Em 1908, um crítico francês descreveu seu trabalho como “reduzindo tudo, lugares, figuras e casas, a esquemas geométricos, a cubos”.

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Juan Gris

Nascido em Madri, em 1906, o artista cubista Juan Gris se mudou para Paris e se tornou amigo de Henri Matisse , Georges Braque, Fernand Léger e Pablo Picasso.

Partindo dos desenhos satíricos pelos quais era conhecido, em 1910, Gris desenvolveu um estilo cubista pessoal e considerou a importância da matemática na pintura.

Gris pintou inicialmente no estilo do cubismo analítico, mas depois de 1913, ele começou a se inclinar para o cubismo sintético e estava usando colagens extensivamente.

Ao contrário de Picasso e Braque, que preferiam paletas monocromáticas, Gris pintou com cores harmoniosas e brilhantes em combinações contrastantes, inspiradas em Matisse.

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Fernand Léger

Em 1911, Fernand Léger foi um dos poucos artistas responsáveis ​​por revelar o cubismo ao público em geral pela primeira vez em um show organizado.

O estilo de cubismo de Léger era pessoal para ele e foi chamado por seus críticos, “Tubism”, que referenciava sua propensão a enfatizar formas cilíndricas.

Até 1914, as pinturas de Léger tornaram-se cada vez mais abstratas. Suas formas tubulares, cônicas e em cubos são renderizadas em manchas ásperas de cores primárias aumentadas em verde, preto e branco.

Após a guerra, as obras do artista tornaram-se mais mecânicas e seus elementos permaneceram presentes até que ele parou de pintar na década de 1950.

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Piet Mondrian

Em 1912, Piet Mondrian mudou-se para Paris para explorar o cubismo e seu trabalho rapidamente assumiu atributos do movimento.

Inicialmente, suas pinturas ecoavam o estilo analítico do cubismo, particularmente através do uso de beges, cinzas e ocres, bem como o uso de linhas retas e arcos.

Enquanto Picasso e Braque criaram retratos de naturezas-mortas, Mondrian foi atraído pela natureza e interpretou isso através de uma rede de ângulos e grades.

Esse uso do espaço e a abordagem organizada acabaram levando Mondrian a seguir um caminho em direção à arte abstrata e ele pretendia “articular uma concepção mística da harmonia cósmica que estava por trás das superfícies da realidade”.

De volta à Holanda, Mondrian trabalhou para destilar seu estilo de pintura, que viu o desenvolvimento da bem conhecida estética de eixos horizontais e verticais do artista com manchas de cores, que mais tarde se tornariam conhecidas como neoplasticismo.

Artistas Cubistas

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História da Arte da Pré-história ao Pós-impressionismo

Artistas Cubistas que foram os principais campeões do movimento

A Arte no Brasil da Pré-história ao Modernismo

Coronavírus na Visão de Artistas Plásticos pelo Mundo

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A Arte no Brasil, da Pré-história aos Tempos Modernos.

Enquanto a Europa apresenta muitas similaridades em suas várias escolas, o Brasil, assim como em diversos outros pontos de sua cultura, traz uma mistura diversa. E os resultados são, até hoje, magníficos.

Mas, para compreender a grandiosidade da arte no Brasil, primeiro é preciso conhecer sua história de maneira cronológica.

Atentar-se aos detalhes e às referências artísticas de cada período é essencial. Vejamos como a arte brasileira se desenvolveu ao longo dos séculos.

Arte no Brasil da Pré-história ao Modernismo

Pintura em Caverna na Serra da Capivara.

História da Arte no Brasil Pré-história

Ao contrário do que possa parecer, a arte do Brasil não começou com a chegada dos portugueses.

Existem diversas pinturas rupestres, datadas da época da pré-história, em regiões como Minas Gerais, Paraíba e Piauí.

Uma particularidade dessas pinturas é seu nível de detalhes, algo considerado incomum para a região e para a época em que foram datadas.

Outras esculturas, de argila, osso e pedra, datadas de mais de 2000 anos, também fazem parte da pré-história da arte no Brasil.

No Brasil, foram localizados centenas de sítios arqueológicos, espalhados pelo território nacional, que representam a arte da Pré-História brasileira.

São vestígios rupestres encontrados em cavernas e em locais de abrigo, pintados com pigmentos minerais e vegetais e com o sangue de animais.

As pinturas mais antigas, que têm cerca de 15.000 anos, foram encontradas no Piauí. Na Paraíba, foram encontradas pinturas com 11.000 anos.

Nessa época, utilizavam-se ossos, argila, pedras e chifres para produzir objetos utilitários e cerimoniais. Isso revela uma preocupação com a estética.

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Urna funerária decorada em relevo.

A arte indígena pré-descobrimento

Quando o Brasil foi descoberto, havia cerca de cinco milhões de indígenas vivendo no que veio a se tornar o território nacional. A maioria dos indígenas foi morta e grande parte de sua cultura foi perdida.

A arte indígena está mais presente na região amazônica, onde os indígenas fabricavam objetos de enfeite e de cerâmica.

Destacavam-se os vasos antropomorfos e zoomorfos e as estatuetas de terracota. Outras formas de arte indígena são: pintura corporal, arte plumária, trançados, mantos, máscaras e cocares.

Os indígenas pintam seus corpos não apenas para enfeitá-lo, mas também para defendê-lo contra o sol e os insetos e, conforme sua tradição, contra os espíritos maus.

Cada tribo e família indígena desenvolvia seu próprio padrão de pintura. Nos dias comuns, a pintura poderia ser simples.

Em ocasiões especiais, porém, como festas e combates, a pintura corporal costumava ser elegante, cobrindo também a face, a testa e o nariz. A pintura corporal costumava ser feita pelas mulheres. Estas pintavam o corpo de seu marido e filhos.

Diversas plantas podem ser utilizadas para o traçado. Assim, constroem-se casas, utensílios, cestos, armadilhas, roupas, redes, instrumentos musicais e muitos outros objetos.

A cerâmica era caracterizada por sua utilidade. Buscava-se sua forma, nas cores e na decoração exterior.

A Arquitetura varia entre as culturas indígenas. Os tupis, por exemplo, construíam ocas, que formaram aldeias. Uma taba (aldeia) é formada por ocas.

A oca é erguida com varas e coberta com folhas ou palha. Em cada oca habitam diversas famílias – cerca de 400 pessoas. As ocas se dividem internamente e o tamanho delas depende do tamanho da tribo. Ocas velhas são queimadas e outras são construídas em seu lugar.

Além do Amazonas, os litorais baiano e maranhense também tinham, como principais manifestações artísticas, as peças de cerâmica, além da arte plumária, cuja matéria-prima eram penas utilizadas como adornos no corpo.

Foram esses detalhes que chamaram a atenção dos jesuítas na época do descobrimento.

Igreja do Divino Espírito Santo (Recife) Herança de Nassau.

Arte no Brasil Após a Colonização

Após a chegada de Pedro Álvares Cabral ao território que viria a ser o Brasil, Portugal tomou posse de tais terras, fazendo delas sua colônia.

Após a colonização, o Brasil foi influenciado por diversas nações além da portuguesa. Os holandeses, por exemplo, tiveram grande influência sobre a Arte na região de Pernambuco.

Os holandeses, que, a partir de 1624, se instalaram no nordeste do Brasil por quase 25 anos, trouxeram para o Nordeste uma nova cultura, artistas e cientistas. Os africanos, que foram trazidos ao Brasil como escravos, também influenciaram muito a cultura popular brasileira.

A administração do Conde Maurício de Nassau não apenas consolidou, temporariamente, a presença holandesa no Nordeste, mas também promoveu várias realizações que contribuíram para a modernização do Brasil.

Exemplificando: a vinda de artistas plásticos e poetas e a edificação da Cidade Maurícia, modelada em estilo batavo, que é o atual núcleo velho do Recife. Os tais chamados pintores de Nassau eram holandeses, flamengos e alemães.

Não eram católicos e, por esse motivo, podiam se dedicar a temas profanos (algo proibido para os portugueses). Tais artistas foram os primeiros a abordar, no Brasil e na América, a paisagem, a fauna e flora e os tipos étnicos, como temas de suas produções artísticas.

Estas eram livres de preconceitos e superstições, que costumavam se manifestar nas representações pictóricas que apresentavam temas americanos.

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A Última Ceia Colégio do Caraça | Mestre Athayde.

História da Arte no Brasil Barroco

Muitas das construções realizadas nos países da América pertencem à arte barroco. No Brasil, o Barroco se desenvolveu especialmente em Minas Gerais e no Nordeste. Suas principais produções foram a Arquitetura e a escultura sacra.

O Barroco também se manifestou na literatura, na música e no teatro do Brasil. Em algumas cidades brasileiras, ainda se encontram essas magníficas edificações, como em Ouro Preto, Minas Gerais. Na Bahia, há enormes igrejas cuja construção foi influenciada pela arte barroca.

O Barroco chegou ao Brasil por meio dos colonizadores, particularmente os missionários católicos, que vieram ao país no século XVII. O desenvolvimento pleno do Barroco no Brasil ocorreu no século XVIII, após seu surgimento na Europa. O Barroco se estendeu até as duas primeiras décadas do século XIX.

A Igreja desempenhou o importante papel de mecenas na arte colonial. O Barroco no Brasil está, portanto, muito associado ao catolicismo. Já que a Igreja financiava a Arte e já que a religião fazia parte do cotidiano, a maioria do legado barroco se deve à Igreja.

Na literatura, destacaram-se Gregório de Matos e Padre Antônio Vieira, e, nas artes plásticas, Aleijadinho e Mestre Ataíde.

Fachada da Igreja de São Francisco de Assis | Aleijadinho.

Em 1670, ouro foi descoberto em Minas Gerais. A partir de então, o Barroco ganhou todo o esplendor, desenvolvendo-se plenamente na região onde foi extraída a maior quantidade de ouro de todos os tempos: Vila Rica ou Ouro Preto.

Nas regiões beneficiadas pela mineração, encontram-se igrejas com trabalhos em relevo feitos em madeira (as talhas) recobertas por finas camadas de ouro e com janelas, cornijas e portas decoradas com detalhados trabalhos de escultura.

A descoberta do ouro em Minas Gerais resultou na construção de igrejas de estilo barroco ao longo do século XVIII. A versão do Barroco que se desenvolveu em Minas Gerais é denominada barroco mineiro.

Nas regiões onde não havia açúcar ou ouro, as igrejas apesentam talhas modestas. Os trabalhos foram realizados por artistas menos experientes e famosos do que os que vivam em regiões mais ricas.

O ápice da integração entre arquitetura, escultura, talha e pintura se manifestou em Minas Gerais por meio dos trabalhos de Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho. Aleijadinho é considerado o mais importante artista plástico do barroco mineiro.

Suas esculturas e as igrejas que ele projetou e decorou se encontram nas cidades histórias de Ouro Preto, São João del Rei, Congonhas (então denominada Congonhas do Campo), Sabará e localidades mineiras.

Uma das suas obras de Arquitetura mais renomadas é a primorosa fachada da Igreja de São Francisco de Assis, localizada em Ouro Preto.

Arte Barroca no Brasil | Aleijadinho.

Aleijadinho não foi apenas um extraordinário arquiteto e decorador de igrejas. Ele foi também um incomparável escultor. Suas esculturas, conhecidas por seus olhos penetrantes, caracterizam-se por sua expressividade e dramaticidade.

No Santuário do Bom Jesus de Matosinhos, em Congonhas do Campo, encontram-se suas esculturas dos 12 profetas bíblicos esculpidas em pedra-sabão: Isaías, Jeremias, Baruc, Ezequiel, Daniel, Oseias, Jonas, Joel, Abdias, Habakuk, Amos e Nahum – e 66 imagens de madeira que constituem uma via-sacra.

Cada um dos profetas foi esculpido em tamanho natural, em uma posição diferente, executando gestos que se coordenam. Dessa forma, Aleijadinho conseguiu fazer algo extraordinário: sugere ao observador que as figuras de pedra estão se movimento. Os gestos possuem equilíbrio e harmonia expressiva. A elaboração dessas esculturas levou cerca de cinco anos.

Apesar de ter produzido grandes obras de arte, Aleijadinho morreu pobre e doente e sua obra permaneceu esquecida por muitos anos.

Família Brasileira no Rio de Janeiro | Jean-Baptiste Debret.

Arte no Brasil Neoclassicismo

No início do século XIX, os exércitos de Napoleão Bonaparte invadiram Portugal. Isso obrigou o rei de Portugal, D. João VI, a fugir, com sua família e corte, para o Brasil. A vinda da família real ao Brasil mudou a história da Arte do nosso país.

A Corte se estabeleceu no Rio de Janeiro. Durante o século XIX, o Rio de Janeiro foi a capital, tanto política como cultural, do império português. O rei D. João governou o Brasil até 1822, quando o país se tornou independente. O Brasil foi a única monarquia nas Américas.

D. João VI criou no Brasil órgãos administrativos, uma Escola de Medicina, o Banco do Brasil, a Academia Real de Belas Artes, a Biblioteca Real, a Imprensa Régia e o Teatro Real de São João.

A Academia Real de Belas Artes, que mudou de nome diversas vezes desde que foi criada, foi a primeira instituição brasileira dedicada ao ensino da Arte.

Em 1816, veio ao Brasil a Missão Artística Francesa – um grupo de artistas franceses. A missão trazia, entre outros artistas, Jean-Baptiste Debret, Nicolas-Antoine Taunay, Félix-Émile Taunay, Auguste Taunay e Le Breton.

Esses artistas buscavam retratar o cotidiano da colônia de forma romântica ao idealizar a figura do indígena e ressaltar o nacionalismo e as paisagens naturais. Pintaram retratos da família real e imagens dos indígenas. Jean-Baptiste Debret (1768-1848), denominado “a alma da Missão Francesa”, retratou os costumes brasileiros.

Desenhista, aquarelista, pintor cenográfico, decorador e professor de pintura, ele organizou a primeira exposição de Arte no Brasil, em 1829. A Missão Artística Francesa foi contratada por D. João VI para instituir o ensino oficial das Artes no Brasil.

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A pintura “Independência ou Morte”, de Pedro Américo, é um exemplo dessas mudanças.

A chegada da Missão Artística Francesa ao Brasil deu início ao neoclassicismo – movimento que defende o retorno aos ideais clássicos. O neoclassicismo passou a ser ensinado de forma acadêmica na Academia Real de Belas Artes.

Com o Neoclassicismo, ressurgiu a simplicidade, que foi uma das principais características do movimento, em oposição aos exageros do Barroco.

O Neoclassicismo se baseou no renascimento do clássico, isto é, nos estilos artísticos de Grécia e Roma antigas. Com o surgimento do Neoclassicismo, a população começou a imitar ainda mais a cultura europeia.

Almeida Júnior | O Violeiro 1899 | Romantismo.

Romantismo, Realismo, Naturalismo e Simbolismo

De 1850 a 1920, predominaram as manifestações artísticas centradas na Academia Real de Belas Artes.

A academia transmitia as principais tendências de arte europeia nesse período: o Romantismo, o Realismo, o Naturalismo e o Simbolismo.

O romantismo foi um movimento artístico, político e filosófico surgido nas últimas décadas do século XVIII na Europa que durou por grande parte do século XIX.

Caracterizou-se como uma visão de mundo contrária ao racionalismo e ao iluminismo e buscou um nacionalismo que viria a consolidar os estados nacionais na Europa.

O Realismo procura descrever a sociedade de forma realista, para construir personagens que são fruto do seu meio.

O Naturalismo procura descrever os seres humanos de forma realista, incluindo o aspecto sexual como um fator biológico determinante na formação do caráter.

A outra grande diferença é que o Realismo usa personagens realistas para fazer críticas a sociedade burguesa.

Já o Naturalismo usa a patologia (o estudo das alterações) de seus personagens para analisar a natureza humana e a sociedade como um todo.

Simbolismo é um movimento literário da poesia e das outras artes que surgiu na França, no final do século XIX, como oposição ao realismo, ao naturalismo e ao positivismo da época.

Movido pelos ideais românticos, estendendo suas raízes à literatura, aos palcos teatrais, às artes plásticas.

O Homem Amarelo de Anita Malfatti.

Expressionismo na História da Arte no Brasil

Nesse período, dois artistas expressionistas se destacaram: Lasar Segall e Anita Malfatti. Lasar Segall realizou sua primeira exposição em São Paulo, em 1913: sua pintura era cheia de cores tropicais e repleta de cenas da realidade do Brasil.

Anita Malfatti chocou a sociedade tradicional com suas obras expressionistas, como O Homem Amarelo e O Japonês. Sua exposição polêmica, em 1917, foi um marco para a renovação das artes plásticas no Brasil.

Lasar Segall e Anita Malfatti introduziram a arte moderna para os brasileiros.

Duas Irmãs de Lasar Segall.

Obra A Cuca de Tarsila do Amaral.

O Modernismo no Brasil

O modernismo brasileiro, que surgiu graças a influência da Europa, foi um amplo movimento cultural que repercutiu fortemente sobre a cena artística e a sociedade brasileira na primeira metade do século XX, sobretudo no campo da literatura e das artes plásticas.

O Modernismo no Brasil foi desencadeado a partir da assimilação de tendências culturais e artísticas lançadas no continente europeu no período que antecedeu a Primeira Guerra Mundial. Essas tendências denominavam-se de vanguardas europeias, cujas principais delas foram o Cubismo, o Futurismo, o Dadaísmo, o Expressionismo e o Surrealismo.

Essas novas linguagens modernas trazidas pelos movimentos artísticos e literários europeus foram sendo aos poucos assimiladas pelo contexto artístico brasileiro, mas colocando em enfoque elementos da cultura do país, pois havia uma necessidade de valorização do que era nacional.

A Semana de Arte Moderna, ocorrida em 1922, foi o marco inicial do Modernismo no Brasil: influenciou principalmente a Literatura e as Artes Plásticas.

Di Cavalcanti | Sonho de Carnaval.

Semana de Arte Moderna | 1922

A Semana de Arte Moderna ocorreu em São Paulo. Foi uma reunião de artistas e intelectuais. Esses artistas brasileiros, adeptos das estéticas modernistas, apresentaram-se no Teatro Municipal de São Paulo.

No saguão do teatro, aberto durante toda a semana, houve a exposição de artes plásticas de obras de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Victor Brecheret e outros artistas.

Na Literatura, houve a participação de Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Ronald de Carvalho, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Menotti Del Picchia e Paulo Prado.

Na Música, participaram Heitor Villa Lobos e Guiomar Novaes. Essa verdadeira revolução artística apresentou as seguintes propostas:

• antiacademicismo
• antitradicionalismo
• antipassadismo
• dessacralização da obra de arte
• humor, iconoclastia, irreverência
• liberdade de criação e expressão
• experimentalismo formal
• aproximação entre a língua escrita e a falada
• incorporação do coloquialismo
• predomínio absoluto do verso livre
• absorção das vanguardas europeias – dos ISMOS

Vários desses artistas receberam o apoio, inclusive financeiro, de alguns integrantes do Partido Republicano Paulista, do jornal Correio Paulistano e de membros da nova burguesia paulista e carioca, como Armando Álvares Penteado, Paulo Prado e Alfredo Pujol.

Os organizadores da Semana de Arte Moderna lançaram um manifesto modernista. Este defendia a liberdade de expressão e a adoção das “mais modernas formas de expressão do estrangeiro”. O objetivo não era copiá-las, e sim, recriá-las de maneira própria.

Essa expressão artística brasileira conteria elementos diferentes – característicos das diversas regiões, ambientes e épocas do Brasil – tanto o rural como o urbano, tanto o antigo como o moderno.

Após a Semana de Arte Moderna, vários artistas passaram a desenvolver um estilo próprio de pintura, que passou a ser mais valorizada no Brasil.

Grafite de Kobra Escritor Mario Quintana.

Concretismo e os Tempos Modernos

Se o começo do século XX foi marcado pelas mudanças radicais e disruptivas na arte brasileira, os anos 1960 e 1970 trouxeram estilos mais rígidos, direcionados a trazer mais informações e a engajar seu público, mesmo durante esse período conturbado da história brasileira.

A partir dos anos 1970, novas correntes, mais modernas e interligadas a tecnologia, passaram a fazer parte do cenário artístico do país. Entre elas, o grafite é uma das mais conhecidas, junto às pinturas da arte postal.

Desde os anos 1990, temos uma mistura enorme de estilos, ora prestando suas devidas homenagens às escolas clássicas, ora misturando os conceitos artísticos e tecnológicos atuais.

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Coronavírus na Visão de Vários Artistas pelo Mundo.

Este ano começou com uma crise sem precedentes, que rapidamente se espalhou pelo mundo inteiro, afetando muitos aspectos de nossas comunidades: saúde, economia, eventos culturais.

Até mesmo as relações sociais cotidianas estão sendo restringidas por razões de saúde pública, para evitar a expansão da pandemia e finalmente recuperar nossas vidas à normalidade.

Durante esse período de bloqueios no Brasil e no mundo, todos os setores econômicos são impactados até certo ponto e, após a crise da saúde, muito será necessário para reiniciar.

O mesmo vale para os artistas visuais, que devem perder grande parte de sua renda (já instável) este ano.

De fato, uma das primeiras medidas de distanciamento social adotadas pelos governos contra a disseminação do Covid-19 foi fechar museus, galerias de arte e casas de leilão, além de teatros, cinemas e shows.

Esses lugares são uma fonte fundamental de renda para a maioria dos artistas visuais, que agora vêem reduzir qualquer possibilidade de renda com a exibição de suas obras ou com a venda e revenda. 

Também perdem-se oportunidades de visibilidade de um mês para o seu repertório que as exposições normalmente trazem, piorando o impacto na renda já instável dos artistas visuais.

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Consequências do Covid-19 Para a Classe Artística

As consequências econômicas da crise do Covid-19 causarão danos sem precedentes ao meio de vida dos artistas visuais.

Muitos podem ser pressionados a abandonar sua ocupação artística e optar por diferentes setores econômicos, enquanto outros podem precisar rebaixar sua atividade artística para passatempos, com um grande dano subsequente ao número e diversidade de obras que estão circulando atualmente.

Portanto, é necessário que os formuladores de políticas de todos os níveis façam o que for necessário para evitar uma catástrofe cultural também nessa área.

Não faltam expressões artísticas em todo o mundo, pois muralistas, artistas, espectadores e criadores de travessuras tentam entender a pandemia do Covid-19.

Aqui estão alguns exemplos de arte fazendo uma declaração, e dando esperança a todos, nestes dias difíceis.

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Coronavírus na Visão de Vários Artistas pelo Mundo

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Artistas Cubistas que foram os principais campeões do movimento

A Arte no Brasil da Pré-história ao Modernismo

Coronavírus na Visão de Artistas Plásticos pelo Mundo

Artistas Plásticos Incríveis que Transformaram Lixo do Oceano em Arte

Obras de Arte Abstratas mais Famosas dos Últimos 100 Anos

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Artistas Plásticos Incríveis que Transformaram Lixo do Oceano em Arte.

Estudos sobre a questão de detritos marinhos chegaram a algumas conclusões terríveis.

A revista Science registrou (em 2016) 8 milhões de toneladas métricas de plástico nos oceanos a cada ano.

O Fórum Econômico Mundial previu que os oceanos do mundo serão preenchidos com mais massa plástica do que a massa de peixes até 2050.

O plástico marinho é uma ameaça especial, pois não se degrada totalmente, se decompõe em pedaços cada vez menores chamados microplásticos. 

Os habitantes do oceano, como tartarugas marinhas e peixes, podem confundir os restos com comida, levando a problemas digestivos e fome.

Artistas plásticos incríveis se deram conta, usando plástico marinho como meio, como tinta ou argila, para criar obras de arte. 

Embora muitas vezes esteticamente bonitas, os trabalhos apontam para a profusão preocupante desses plásticos em nosso ambiente.

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Artistas Plásticos Incríveis

Alejandro Durán

Alejandro Durán é um artista multimídia da Cidade do México, agora com sede no Brooklyn.

As fotografias meticulosamente arranjadas em sua série Washed Up visam revelam o impacto generalizado da cultura de consumo no mundo natural e as interseções preocupantes do homem e da natureza.

Em seu site, ele incentiva os fãs de seu trabalho a se manterem informados sobre a questão da poluição por plásticos e a fazer mudanças em suas vidas para reduzir o impacto no meio ambiente.

Mandy Barker

Mandy Barker é uma fotógrafa que cria trabalhos visualmente impressionantes sobre o impacto dos resíduos oceânicos.

Seu trabalho mostra objetos coletados em mais de 30 praias diferentes em Hong Kong, onde mais de 1.826 toneladas de lixo plástico são adicionadas a aterros todos os dias.

O panda no isqueiro em primeiro plano desta imagem, ela escreve, “representa espécies ameaçadas de extinção e se afasta do grupo, simbolizando a mãe natureza dando as costas à incapacidade do homem de se apropriar de seus resíduos”.

Max Liboiron

Max Liboion é um estudioso, ativista e artista baseado em Terra Nova.

Neste trabalho, criado para uma exposição no Museu de Anchorage intitulada Gyre: The Plastic Ocean , ela conecta o kitsch a uma dura realidade.

Os globos de “lembrança” são preenchidos com plásticos coletados no rio Hudson e as rochas são feitas de carvão betuminoso de um aterro fechado em Deadhorse Bay, ambos no sul do Brooklyn.

Judith e Richard Lang

Judith Selby Lang e Richard Lang coletaram todo o plástico que eles usam para suas assembléias a 1000 metros de Kehoe Beach, na Califórnia.

Seu objetivo com suas obras de arte é usar a beleza como um plano de ação. Eles escrevem: “Cada pedacinho de lixo tem uma história para contar em relação à vida humana.

Pode-se contar a história de uma cultura obcecada por conveniência. Outra, a mão de uma boneca Barbie, se abre para nos contar sobre nosso fetiche por um certo tipo de corpo.

Garrafas, brinquedos perdidos, pequenos objetos de todas as descrições são apresentados como objetos de desejo”.

John Dahlsen

John Dahlsen é um artista australiano prolífico que trata a areia da praia que ele recolhe como paleta de pintores.

Ele escreve: “literalmente me surpreende pensar quantas vezes eu me inclinei para pegar os milhares de pedaços de detritos de plástico que compunham esse aspecto da minha arte, cada peça empurrada por quem sabe quanto tempo pela areia, sol e oceano, sua forma desbotada e arredondada pelos elementos”.

Tuula Närhinen

Tuula Närhinen é uma artista visual sediada em Helsinque, Finlândia.

Para o Mar Báltico Plastique, ela criou nove esculturas feitas de materiais lavados à beira-mar na ilha de Harakka.

Ela então filmou as “criaturas” que criou nas águas ao redor da ilha e construiu uma exposição apresentando essas criaturas como se fossem espécimes científicos.

O projeto, ela escreve, “apresenta um mundo plástico de sensações em que formas sintéticas e orgânicas coexistem, interagem e criam artefatos naturais intrigantes”.

Steve McPherson: Plástico Marinho

Steve McPherson coleciona detritos plásticos da costa norte de Kent, no Reino Unido, há 15 anos.

Em Correlação, ele usa a jornada de Phileas Fogg em Around the World, de Jules Verne, em Oitenta Dias, como estrutura para organizar a peça.

As cores, aqui, correspondem à temperatura média anual baixa e alta anual de cada cidade que ele visita em sua jornada.

Como Phileas, essas peças de plástico também embarcaram em “uma aventura desconhecida ou incognoscível, cujos acontecimentos e incidentes são deixados como cicatrizes no objeto como lembrança da jornada passada”.

Angela Haseltine Pozzi

Angela Haseltine Pozzi é a diretora artística e executiva da Washed Ashore, “uma organização comunitária sem fins lucrativos com a missão de educar e criar conscientização sobre detritos marinhos e poluição plástica por meio da arte”.

Angela foi inspirada pelos detritos marinhos que viu acumulando-se nas praias de Oregon, sua terra natal.

Por meio de Washed Ashore, ela organiza voluntários para limpar praias e usar os detritos para construir esculturas maiores do que a vida dos animais mais afetados pela poluição plástica.

“Até ficarmos sem plástico na praia”, ela diz, “continuaremos fazendo nosso trabalho”.

Gilles Cenazandotti: Praia de plástico

Gilles Cenazandotti é um escultor francês que usa plástico marinho para criar esculturas de animais em tamanho natural, incluindo crocodilos, ursos polares, lobos e outros animais em extinção.

Seu trabalho imagina um futuro distópico no qual os animais evoluíram e se transformaram para se tornar um com o ambiente cheio de lixo.

Evelyn Rydz: Artefatos Flutuantes

Evelyn Rydz é uma artista de Boston que tira fotografias e cria ilustrações de objetos feitos pelo homem que chegaram à praia, apresentando esses artefatos como um arqueólogo da história contemporânea.

Através de suas fotos, podemos ver como a jornada pelo oceano mudou esses objetos.

Pam Longobardi: Derivantes

Pam Longobardi é uma artista conceitual interessada na colisão entre natureza e cultura global do consumidor.

Ela iniciou o Projeto Drifters em 2006, depois de descobrir as montanhas de detritos de plástico que estavam sendo levados às margens do Havaí.

Bounty, Pilfered é feito de mais de 1000 pedaços de plástico oceânico removidos das praias do Alasca, Grécia, Havaí, Costa Rica e Golfo do México.

Tess Felix: Herois Ecológicos do Oceano

Tess Felix usa detritos de plástico para criar retratos clássicos dos ativistas e líderes que estão trabalhando para limpar os oceanos do mundo.

Ela escreve: “O contraste entre a humanidade das figuras e os materiais plásticos de que são feitas sugere que somos parte e responsáveis ​​pelo problema que criamos”.

Este retrato mostra Bethe Terry, autor do livro My Plastic Free Life.

Nick Pumphrey: Oceânico

Nick Pumphrey é um fotógrafo de moda e estilo de vida, que também é embaixador do Take 3 , e uma organização sem fins lucrativos australiana que lida com o lixo oceânico.

Em um mergulho na costa de Nusa Lembongan, perto de Bali, ele capturou imagens de mantas nadando em um mar de lixo que havia sido jogado no mar pelas chuvas recentes.

Artistas Plásticos Incríveis

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Obras de arte abstratas mais famosas dos últimos 100 anos.

Desde suas origens no final do século 19, até hoje, a abstração se manifesta ao longo dos anos.

É um gênero incrivelmente versátil que permitiu sua vasta evolução e agora pode ser categorizado de centenas de maneiras diferentes e ainda assim ser classificado como arte abstrata.

Isso inclui gêneros como Expressionismo Abstrato, Abstração Lírica, Abstração Pós-pictórica e até Minimalismo, para citar alguns.

O poder da abstração também se infiltrou na arte contemporânea e ainda hoje detém um forte domínio do mercado em galerias comerciais e casas de leilão.

Desde a insurgência rápida do que é conhecido como criação abstrata, fica claro que esse gênero sobreviverá por muitos anos.

Neste artigo, compilamos essas 15 obras de arte que têm e continuam a causar impactos significativos no gênero da arte abstrata, aproveite!

Wassily Kandinsky | Composição X | 1939

Citado como um dos primeiros campeões da pintura abstrata, Wassily Kandinsky não era apenas um pintor russo, mas também um teórico da arte.

A influência que ele instigou e deixou no mundo da arte e na abstração foi imensa quando ele co-fundou o grupo de arte Phalanx e o The New Group of Artists, organizando exposições para seus contemporâneos ao longo de seus anos como artista.

Ele produziu mais de 600 obras ao longo de sua carreira, sendo que uma de suas pinturas, de 1913, atingiu seu preço recorde de leilão, US $ 41,6 milhões em 2017.

Apesar desse registro impressionante, seu trabalho mais significativo foi sem dúvida a “Composição X”.

Por último, em sua série de composições ao longo da vida, ele procurou culminar sua investigação sobre a pureza da forma e expressão através deste trabalho.

Tendo usado a cor preta com moderação em sua prática até esse ponto, criticou-se esse trabalho quanto a escuridão.

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Piet Mondrian | Composição II em Vermelho, Azul e Amarelo | 1930

Composição II em vermelho, azul e amarelo marcou um sutil ponto de virada para a prática de Piet Mondrian.

Esforçando-se para alcançar uma abstração completa, Mondrian acreditava que a pureza universal poderia ser expressa através do Neoplasticismo , também conhecido como De Stijl (O Estilo). 

Ele buscou equilíbrio através de suas obras e escreveu extensivamente sobre harmonia composicional, examinou a colocação de cores, tamanho de formas e qualidades de superfícies em suas obras, tudo com a esperança de alcançar uma “quietude” em suas obras.

Em algum momento de sua vida, você provavelmente já se deparou com este trabalho. Esta pintura estabeleceu-se como um status icônico na segunda metade do século XX e permeia os motivos da cultura pop atual. 

Essencialmente, Mondrian realizou uma certa execução do equilíbrio. Com as linhas largas em negrito contrastando o grande quadrado vermelho, o minúsculo retângulo amarelo emergindo da parte inferior da obra, o vermelho encontrando o azul, fica claro que há mais do que aparenta com essas formas simples e coloridas.

Joan Miro | Pintura (Etoile Bleue) | 1927

Embora conhecido como um artista surrealista, Pintura (Etoile Bleue) foi a transição de Miro entre arte figurativa e arte abstrata.

Em 2012, Peinture (Etoile Bleue) liderou a Venda Noturna de Arte Impressionista e Moderna de Sotheby’s em Londres e alcançou 23,5 milhões de libras, estabelecendo um recorde para o artista e também faturando mais de três vezes o preço alcançado há cinco anos.

Esta pintura é conhecida por ser uma das pinturas mais importantes da carreira de Miro.

Notavelmente, o azul abrasador usado pode ser visto em vários de seus trabalhos futuros e chegou a influenciar pintores como Mark Rothko e Yves Klein.

+ História da Arte, importância, principais conceitos, períodos e estudo.

Ben Nicholson OM | 1934 Relevo | 1934

Motivado pelas maneiras pelas quais as pinturas podem representar o espaço, Ben Nicholson desviou-se de suas obras figurativas e abstratas inspiradas no pós-impressionismo e no cubismo, passando a experimentar e produzir seus relevos abstratos.

Esses relevos esculturais geométricos abstratos incorporavam uma qualidade feita à mão que Nicholson então pintou de branco.

A importância de 1934 (Relief) vem de suas influências, sendo Piet Mondrian e a escultora Barbara Hepworth (que na época era sua amante).

A rápida transição de suas pinturas abstratas anteriores para esses relevos provavelmente foi creditada ao encontro com Mondrian no ano anterior à sua realização, além de ter sido fortemente inspirada por outros abstracionistas como Joan Miro e Alexander Calder.

Jackson Pollock | Convergência | 1952

Nos curtos 44 anos de sua vida, Jackson Pollock pintou impressionantes 363 pinturas.

Ele é mais conhecido por suas técnicas de gotejamento, e muitas dessas pinturas dinâmicas que ele produziu deixaram sua marca no mundo da arte e podem ser consideradas notáveis.

E, no entanto, Convergência se encontra subindo para o topo da lista. Ele exemplifica um desenvolvimento importante e inovador na história da pintura devido à sua personificação da liberdade de expressão e liberdade de expressão.

Pollock, através desta pintura, expressou pensamentos sobre a ameaça do comunismo e a guerra fria com a Rússia.

Foi descrito como “tudo o que a América representava, embrulhado em um pacote confuso, mas profundo”.

Em 1964, a empresa de quebra-cabeças lançou Convergence como um quebra-cabeça de 340 peças, promovendo-o como “o quebra-cabeça mais difícil do mundo”.

Milhares de americanos compraram isso, marcando ainda mais o impacto de Pollock no país.

Helen Frankenthaler | Montanhas e Mar | 1952

No interstício do expressionismo abstrato e da pintura do campo de cores, encontra-se “Montanhas e mar”, de Helen Frankenthaler.

Frankenthaler foi célebre por sua técnica de “imersão em manchas”, sendo este o primeiro trabalho criado com ela.

Nesta técnica, Frankenthaler afinou a tinta com aguarrás ou querosene, e o fluido resultante seria absorvido pelas telas não pintadas.

Essa mancha deixaria uma aura que dava às obras uma sensação de movimento perpétuo.

Frankenthaler encontrou as pinturas em preto e branco de Jackson Pollock em uma galeria em Nova York e, posteriormente, incorporou um processo mais liberado com sua prática.

Suas obras abstratas, inconstantes e com uma sensação quase translúcida, propõem ilusões aos espectadores.

Suas obras leves e fluidas contrastavam com as técnicas populares populares do momento, influenciando muitos artistas ao seu redor.

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Mark Rothko | Centro Branco, Amarelo, Rosa e Lavanda | 1950

Um nome familiar para o mundo da arte abstrata, Mark Rothko produziu muitas obras que alcançaram reconhecimento.

Sua fama e notoriedade vieram do White Center (Yellow, Pink e Lavender on Rose), quando foi vendido em maio de 2007 pela Sotheby’s em nome de David Rockefeller à família real do Qatar por US $ 72,84 milhões, estabelecendo o recorde da obra de arte mais cara do pós-guerra vendida em leilão.

1950 foi o ano em que Rothko começou a dividir suas telas em faixas horizontais de cores, fazendo com que aparecessem como se estivessem flutuando na frente do campo de cores em que foram colocadas.

Durante esse período, ele conseguiu, com variações sutis, uma ampla gama de movimentos e humores, com Centro Branco (Amarelo, Rosa e Lavanda em Rosa) exemplificando essas ambições.

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Gerhard Richter | Pintura Abstrata 599 | 1986

Gerhard Richter é um artista multidisciplinar que produziu não apenas arte abstrata , mas também pinturas fotorrealistas, fotografias e obras de vidro.

Considerado um dos artistas alemães contemporâneos mais importantes de nossa época, suas obras também estabeleceram vários preços recordes em leilão.

Ele começou a criar pinturas abstratas no final dos anos 70, afirmando-as como modelos fictícios, porque tornam visível uma realidade que não podemos ver nem descrever, mas cuja existência podemos postular.

Enquanto ele fez muitas dessas pinturas em sua carreira, Abstract Painting 599 é notável, pois é um dos favoritos de Richter.

Mais tarde, foi vendida por US$ 46 milhões a um comprador anônimo em 2015, tornando-se a pintura mais cara de Richter até agora.

Gerhard Richter | Pintura Abstrata 599 | 1986

Embora Robert Motherwell tivesse apenas 21 anos quando a Guerra Civil Espanhola estourou, suas atrocidades o afetaram bastante nos próximos anos.

Isso resultou na criação de uma série de mais de 200 pinturas em resposta a ela. A série Elegia para a República Espanhola serve como uma multiplicidade de comemorações do sofrimento humano, além de “símbolos poéticos abstratos para o ciclo inexorável da vida e da morte”.

Sobre as Elegias, Motherwell afirmou que: “depois de um período de pintura, descobri o Preto como um dos meus assuntos – e com o preto, o branco contrastante, uma sensação de vida e morte que para mim é bastante espanhola”.

Eles são essencialmente o negro espanhol da morte, contrastando com o brilho de uma luz solar semelhante a Matisse.

Cy Twombly | Leda e o Cisne | 1962

Invisível por mais de 30 anos, Leda and the Swan veio a leilão como a imagem mais esperada da temporada em 2017 e foi vendida por mais de US $ 52 milhões.

Profundamente inspirado durante seu tempo em Roma e com uma afinidade geral por eventos da antiguidade clássica, Cy Twombly criou pinturas associadas à mitologia romana.

O título deste trabalho aponta para o mito romano em que Júpiter, transformado em cisne, tenta seduzir Leda, que mais tarde daria à luz Helena de Tróia.

Em vez de retratar a figura feminina convencional enredada em um cisne (como foi executado por artistas como Leonardo e Michelangelo), Twombly se armou de um arsenal de mídia mista e se debateu em torno de sua tela.

Twombly encarna Júpiter aqui, em vez de retratá-lo, levando sua prática para a tela para produzir esse trabalho totalmente encapsulado.

Zao Wou-Ki | Juin-Octobre 1985 | 1985

Um dos poucos artistas chineses cuja carreira subiu para níveis globais, nas últimas décadas – houve uma insurgência de popularidade pelas obras abstratas de Zao Wou-Ki.

Na venda da noite de arte moderna da Sotheby’s em 30 de setembro de 2018, o ‘Juin-Octobre 1985’ de Zao foi estimado em US $ 45 milhões e, posteriormente, superou-o drasticamente com um preço de US $ 65 milhões.

Este tríptico monumental foi extremamente raro, tendo sido encomendado pelo célebre arquiteto IM Pei para Raffles City, em Cingapura.

Zao e Pei eram amigos íntimos e desenvolveram uma amizade que duraria mais de 60 anos.

No Raffles Place, essa pintura foi exibida ao lado de obras de artistas notáveis ​​como Ellsworth Kelly e Kenneth Nolan.

Chu Teh-Chun | Outono 1º de Maio | 1978

‘Autumn May 1’ de Chu Teh-Chun é classificado como um trabalho seminal, pois mostra todo o movimento do artista no reino da abstração.

Equilibrando brilhantemente o contraste entre a escuridão e a luz, é através desse trabalho que Chu transmitiu elementos fortes da estética chinesa.

Chu, junto com Zao Wou-Ki e Wu Guanzhong, foi considerado um dos “três mosqueteiros” que trouxeram com sucesso a arte chinesa para a era moderna, conquistando reconhecimento internacional.

Chu mudou-se para Paris na década de 1950, onde transformou seu estilo de figuração em abstração.

Durante essa transição, ele integrou traços clássicos da caligrafia chinesa à paleta de cores ocidental.

Essa evolução artística trouxe sucesso, fazendo dele o primeiro chinês étnico a ser convidado a ingressar na Academia de Belas Artes da França.

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Christine Ay Tjoe | Moscas Pequenas e Outras Asas | 2013

Christine Ay Tjoe mantém-se fortemente contra seus contemporâneos indonésios como I Nyoman Masriadi e Handiwirman Saputra.

‘Moscas pequenas e outras asas’ teve uma estimativa alta de US $ 154.120 na venda da noite do século XX e arte contemporânea e design de Phillip em 2017.

Foi então realizada em mais de 700% dessa estimativa com um preço de martelo de US$ 1,25 milhão.

Um dos artistas mais proeminentes da Indonésia, as obras de Ay Tjoe exalam os traços da abstração.

Isso inclui seu mundo interno de pensamentos, luta melancólica, dor e felicidade que se manifesta através de sua prática e em suas telas dinâmicas.

Tomoo Gokita | Escárnio | 2011

Os trabalhos abstratos de Tomoo Gokita estão perfeitamente fundidos com o figurativo.

Em sua impressionante primeira exposição individual de museu no Museu de Arte Kawamura Memorial DIC em Chiba em 2014, ‘Scorn’ foi citado por muitos por ter se destacado como a pintura mais forte do show.

Esta pintura equilibra perfeitamente a melancolia sedução das gradações suaves de cinza, lembrando uma fotografia fora de foco, com um rosto obscuro (uma imagem recorrente em suas pinturas).

Em outra pintura abstrata realizada no programa intitulada ‘Reunião de Classe Kushiyaki’, notamos como ele evita expressões genéricas de abstração.

Ele chega a explicar como “a abstração direta seria embaraçosa”.  A presença de Gokita como artista abstrata permanece forte no mercado de leilões contemporâneo hoje.

Hilma Af Klint | Retábulo nº 1-3 | 1915

Embora este post seja sobre a obra de arte mais famosa dos últimos 100 anos, sentimos que nossa lista estará incompleta sem mencionar esta série de Hilma Af Klint.

Vindo da Suécia, Hilma Af Klint nunca se atreveu a mostrar seu trabalho a seus contemporâneos e até solicitou que eles fossem mantidos em segredo por pelo menos 20 anos após sua morte.

Como resultado, ela não era conhecida como artista abstrata durante o seu tempo – mas é agora, com muitos a atestando como pioneira ao lado de contemporâneos como Wassily Kandinsky.

Ao longo de seus anos como artista, Af Klint produziu mais de 1200 pinturas, juntamente com 150 cadernos, com seus pensamentos e estudos sobre abstração, espiritual e suas idéias filosóficas.

A série Retábulo foi produzida apropriadamente como peça final das Pinturas do Templo.

Seguindo consistentemente temas de espiritualidade em sua prática, esses trabalhos são quase diagramas e abstrações de suas idéias, representando as interpretações de Af Klint de um mundo invisível e de suas forças invisíveis.

A retrospectiva há muito esperada de Af Klint no Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York de 2018 a 2019, destacou adequadamente esta série, juntamente com seu corpo de trabalho de 1906 a 1920.

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Tente Outra Vez Raul Seixas (Raulzito) Como Você Nunca Ouviu

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Tente Outra Vez Rau Seixas (Raulzito) como você nunca ouviu.

Raul Santos Seixas (Salvador, 28 de junho de 1945 | São Paulo, 21 de agosto de 1989) foi um cantor, compositor, produtor e multi-instrumentista brasileiro, frequentemente considerado um dos pioneiros do rock brasileiro.

Também foi produtor musical da CBS, durante sua estada na cidade do Rio de Janeiro, por vezes, é chamado de Pai do Rock Brasileiro e Maluco Beleza. Sua obra musical é composta por dezessete discos lançados durante 26 anos de carreira. 

Seu estilo musical é tradicionalmente classificado como rock e baião, e de fato conseguiu unir ambos os gêneros em músicas como Let me Sing, Let me Sing. 

Seu álbum de estreia, Raulzito e os Panteras (1968) foi produzido quando integrava o grupo Raulzito e os Panteras, mas só ganhou notoriedade crítica e de público com músicas como Ouro de Tolo, Mosca na Sopa e Metamorfose Ambulante, do álbum Krig-ha, Bandolo, de 1973. 

Raul Seixas tinha um estilo musical que era chamado de “contestador e místico”. Isso se deve aos ideais que defendia, como a Sociedade Alternativa apresentada no álbum Gita, lançado em 1974, influenciado por figuras como o ocultista britânico Aleister Crowley.

Cético e agnóstico, Raul se interessava por filosofia (principalmente metafísica e ontologia), psicologia, história, literatura e latim. Algumas ideias dessas correntes foram muito aproveitadas em sua obra, que possuía uma recepção boa ou de curiosidade por conta disso.

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O Maluco Beleza mais amado do Brasil

Ele conseguiu gozar de uma audiência relativamente alta durante sua vida. Nos anos 80, continuou produzindo álbuns que venderam bem, como Abre-te Sésamo (1980), Raul Seixas (1983), Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum! (1987) e A Panela do Diabo (1989), esse último em parceria com o também baiano e amigo Marcelo Nova.

Sua obra musical tem aumentado continuamente de tamanho, na medida em que seus discos (principalmente álbuns póstumos) continuam a ser vendidos, tornando-o um símbolo do rock do país e um dos artistas mais cultuados e queridos entre os fãs nos últimos anos. 

Em outubro de 2008, a revista Rolling Stone promoveu a Lista dos Cem Maiores Artistas da Música Brasileira, cujo resultado colocou Raul Seixas na 19.ª posição, superando nomes como Milton Nascimento, Maria Bethânia, Heitor Villa-Lobos e outros.

No ano anterior, a mesma revista promoveu a Lista dos Cem Maiores Discos da Música Brasileira, onde dois de seus álbuns apareceram: Krig-ha, Bandolo!, na 12.ª posição e Novo Aeon, na 53.ª posição.

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Confira uma versão diferente de Tente Outra Vez

Essa versão de Tente Outra Vez de Raul Seixas (Raulzito) é uma homenagem a esse grande artista.

Tente Outra Vez Raul Seixas (Raulzito)

Veja!
Não diga que a canção
Está perdida
Tenha fé em Deus
Tenha fé na vida
Tente outra vez!

Beba! (Beba!)
Pois a água viva
Ainda tá na fonte
(Tente outra vez!)
Você tem dois pés
Para cruzar a ponte
Nada acabou!
Não! Não! Não!

Oh! Oh! Oh! Oh!
Tente!
Levante sua mão sedenta
E recomece a andar
Não pense
Que a cabeça aguenta
Se você parar
Não! Não! Não!
Não! Não! Não!

Há uma voz que canta
Uma voz que dança
Uma voz que gira
(Gira!)
Bailando no ar
Uh! Uh! Uh!

Queira! (Queira!)
Basta ser sincero
E desejar profundo
Você será capaz
De sacudir o mundo
Vai!
Tente outra vez!
Humrum!

Tente! (Tente!)
E não diga
Que a vitória está perdida
Se é de batalhas
Que se vive a vida
Han!
Tente outra vez!

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História da Arte, importância, principais conceitos, períodos e estudo.

A história da arte, assim como os fatos históricos, ajudam a compor a história das sociedades.

Muitos pesquisadores de diversas áreas tentam desvendar as origens da humanidade e dentre tantas pesquisas, a conclusão que se obtém é a de que o aparecimento do homem está diretamente associado ao aparecimento de formas simbólicas, que ajudam a construir possíveis depoimentos sobre a origem e evolução do ser humano.

Desta forma, a história da arte geralmente é organizada em períodos que acompanham o próprio desenvolvimento das civilizações e é um processo contínuo, que nunca chega ao fim, pois está sendo vivida a cada dia.

História da arte é uma área de estudo que aborda as diversas manifestações artísticas produzidas pelo homem com o propósito estético ou comunicativo para expressar ideias, emoções e formas de ver o mundo.

História da Arte

A história da arte é vista como uma área do conhecimento que aborda as diversas manifestações artísticas do ser humano ao longo de sua trajetória no planeta.

Podemos dizer que tais manifestações se dão por meio da dança, música, teatro, artes visuais e outras expressões que têm a intenção de transmitir emoções, ideias e visões de mundo.

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Arte na Pré-História

A Pré-História foi o primeiro período da evolução humana a deixar vestígios das primeiras formas simbólicas da humanidade.

As formas pioneiras de expressão artística desta época são as pinturas rupestres, onde os homens daquela época deixava desenhado nas paredes das cavernas onde viviam, sua forma de viver e ver o mundo e através destas pinturas rústicas, registrou suas crenças e a maneira como percebia a natureza. 

Os vários locais onde foram descobertas estas pinturas são chamados de sítios arqueológicos.

Outros elementos que também revelam a maneira de viver do homem pré-histórico, e que podem ser considerados importantes vestígios históricos, são as esculturas e artefatos feitos em osso, pedra ou madeira.

Arte na Antiguidade

Este período foi marcado pela descoberta da escrita e os egípcios foram os mais influenciados por esta evolução.

A criação de símbolos e sinais hieróglifos são os destaques desta época.

Suas habilidades foram manifestadas através dos túmulos de faraós, estátuas de divindades, e outros artefatos de seu cotidiano.

Os gregos também desenvolveram a aptidão por meio das pinturas, monumentos e edificações, que tinham o homem como principal referencial, por ser considerado o centro da perfeição.

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Arte na Idade Média

Este período é marcado pela influência religiosa. Destacam-se as expressões artísticas celta, gótica e romana.

O povo romano também teve importante destaque para as atividades artísticas da época, com célebres construções que impactaram a arquitetura e também por meio da arte paleocristã, que baseava-se nos ensinamentos de Cristo e através da Arte Bizantina.

Arte na Idade Moderna

A Idade Moderna foi marcada por um período de intensa expansão, devido às descobertas geográficas.

As obras artísticas da época fundamentavam-se sobretudo na natureza. Tiveram grandes destaques:

Renascimento

Ressurgiu a arte greco-romana e destacou-se a pintura.

Barroco

Valorizou sentimentos e emoções. O estilo sofreu influência da Reforma Protestante e contrarreforma.

Rococó

Fase de valorização dos traços decorativos. O ponto de destaque era decoração e ornamentação dos ambientes.

Arte na Idade Contemporânea

Também chamado de arte contemporânea, este período foi de grandes conflitos, como a Revolução Francesa, a Primeira e a Segunda Guerra Mundial e a Guerra Fria.

As expressões artísticas da época manifestavam-se através de movimentos como o neoclassicismo, o romantismo, o realismo e o impressionismo, que revolucionaram a arte do século XX.

+ História da Arte Online – Da pré-história ao Pós-impressionismo

Arte do século XX

Este período é marcado pelo surgimento de grandes tendências artísticas como o expressionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, abstracionismo, dadaísmo e surrealismo, movimentos que representam muito para o mundo das artes.

No decorrer de cada uma destas expressões, grandes artistas surpreenderam e obras notórias foram criadas.

História da arte no Brasil

A história da arte no Brasil surgiu da mistura de outros estilos e tem início desde o período da Pré-História, com vários sítios arqueológicos espalhados pelo território. 

Também destaca-se a arte indígena, que é notada desde a época do descobrimento do Brasil, com expressões artísticas muito características das tribos, como danças, rituais, objetos, etc.

A chegada dos portugueses e dos europeus também trouxeram com eles grandes transformações, como o estilo barroco, ligado ao catolicismo.

A pintura acadêmica, também no século XIX, na arte brasileira, retrata a riqueza clássica, sendo que era refletido um padrão de beleza ideal (padrões propostos pela Academia de Belas Artes).

Já no início do século XX, presenciamos o Modernismo Brasileiro, marcado inicialmente pela Semana de Arte Moderna. 

E, antes disso, o Expressionismo já começa a chegar ao Brasil e fazer história com Lasar Segall (1891-1957) que contribui para o Modernismo.

Curso de História da Arte com Dante Velloni

Qual o melhor curso de história da arte?

Esta é uma resposta fácil quando olhamos o currículos e os conteúdos do Curso de História da Arte Online de Dante Velloni.

Dante Velloni já ajudou centenas de pessoas a terem uma experiência inesquecível com a arte. É graduado pela Faculdade de Belas Artes de São Paulo, fez Mestrado na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo – USP (SP) e frequentou o curso de Doutorado na Escola de Comunicações e Arte – USP (SP).

Como professor, Dante Velloni já ocupou a docência na Faculdade de Belas Artes de São Paulo, na Universidade Federal de Uberlândia, na Fundação Armando Alvarez Penteado (FAAP) e na Universidade de Ribeirão Preto.

Como Professor convidado, ministrou aulas na Accademia di Belle Arti di Brera de Milão para os cursos de Arte e de Arte-Terapia. Realizou várias Intervenções artísticas, sendo que estas lhe renderam citação rara para um artista vivo no Verbete do conceito “Intervenção” da Enciclopédia Itaú Cultural de Artes Visuais .

E porque ele é Melhor curso de História da Arte?

O Curso de História da Arte Online de Dante Velloni não é o melhor por acaso.

Você terá todo o conteúdo que precisa, em módulos criativos sobre as diversas etapas da História da Arte.

Clique nos módulos abaixo para ver em detalhes todo o conteúdo do curso.

MÓDULO 1 – Pré-História

MÓDULO 2 – Mesopotâmia

MÓDULO 3 – Egito

MÓDULO 4 – Grécia

MÓDULO 5 – Roma

MÓDULO 6 – Arte Bizantina

MÓDULO 7 – Arte Gótica

MÓDULO 8 – Renascimento

MÓDULO 9 – Barroco

MÓDULO 10 – Rococó e Neoclassicismo

MÓDULO 11 – Romantismo

MÓDULO 12 – Realismo

MÓDULO 13 – Impressionismo

MÓDULO 14 – Simbolismo

MÓDULO 15 – Pós-impressionismo

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10 mil anos História da Arte, o Guia

BÔNUS 1 – Caderno Virtual

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BÔNUS 2 – Notre Dame antes e depois do incêndio

Uma das mais antigas catedrais francesas em estilo gótico. Iniciada sua construção no ano de 1163, é dedicada à Virgem Maria, mãe de Jesus, e situa-se na Île de la Cité em Paris, rodeada pelas águas do rio Sena.

BÔNUS 3 – Certificado

Para alguns é só uma questão formal, mas para outros pode ajudar na comprovação dos seus estudos para fins pessoais ou profissionais. Por isso, o aluno que conclui o curso é certificado com 30 horas de estudo pelo Programa História da Arte Online, com Dante Velloni.

BÔNUS 4 – Comunidade

Você é a média das pessoas que você mais convive. E caminhar com as pessoas certas, com os mesmos gostos que você, é a melhor maneira de você conseguir atingir o que precisa. Por isso os alunos do Curso de História da Arte Online caminham juntos. Para ajudar e serem ajudados. Para trocarem informação, experiência e ampliarem a paixão e o conhecimento pela história da arte de forma definitiva e sem se perder no meio deste processo.

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Como escolher a cor certa de esmalte, aprenda duas maneiras!

Duas são as maneiras de escolher a cor de esmalte: uma delas é experimentando a maior variedade possível, a outra é começar reduzindo o círculo de possibilidades, analisando o tom natural da pele e buscando as cores que o complemente.

A regra claro claro, escuro escuro: as peles claras vão com tons claros, e as peles escuras, com tons escuros.

Este ponto de partida funciona quase sempre, especialmente se você busca um look clássico onde a paleta de cores é mais limitada: nudes, brancos, rosas, beges.

São tons neutros que, apesar de similares, podem ter intensidades distintas.

Eleja a que você mais gosta provando primeiro com a regra do claro-claro, escuro-escuro.

Leia: A arte de Decorar Unhas, Tendência como Fonte de Renda

Como escolher a cor certa de esmalte

O tom da pele da sua cliente é fundamental para escolher bases e corretores de maquiagem, e também se aplica à cor das unhas.

Quase todos os tons de pele podem ser divididos em três tipo:

• Neutras
  
• Quentes
  
• Frias

Existem várias maneiras de confirmar a qual grupo pertence a pele.

A mais comum é observar as partes do corpo onde a pele é mais fina, como por exemplo na parte interior do pulso.

Se, à luz natural, as veias têm um tom esverdeado, a cliente tem um tom de pele quente. 

Se são azuladas, a pele é fria.

Se o tom das veias é intermediário, a pele é neutra (e isso é ótimo, porque todas as cores de esmalte ficam bem!).

O tom da pele também se revela ao combiná-lo com outras cores frias e quentes. 

Por exemplo, se em você fica melhor usar joias douradas e um suéter laranja, sua pele é quente. 

Enquanto se o melhor são joias prateadas e a cor rosa, sua pele é fria. 

Se tudo fica bem em você (ou na sua cliente), já sabe, seu tom de pele é neutro e combina tudo.

Voltando às unhas: quando escolhe uma cor em função do tipo de pele, tem que seguir uma regra similar à anterior.

Se a pele é quente, as unhas ficarão mais bonitas com cores quentes, como vermelhos, laranjas, amarelos e marrons. Se é fria, experimente tons de azul, roxo e verde.

Álcool em Gel nas Unhas Facilita as Lascas e a Perda do Brilho

Escolha a cor do esmalte pela cor da pele

A regra do +2 tons funciona principalmente na hora de escolher um tom dentro da paleta de cor.

Existem dezenas de tons e é possível que precise de vários tons diferentes se sua pele muda de uma estação para outra.

Por exemplo, se é morena e a pele produz muita melanina no verão, ou se tem a pele muito pálida que apenas muda com os efeitos do sol.

Na hora de escolher a cor perfeita opte por uma tonalidade que esteja dois tons acima da cor da pele, assim cria contraste.

Um bom esmalte para unhas sempre cai bem

Seja para as unhas postiças ou para as unhas naturais, muitas mulheres gostam de decorar as mãos com um bom esmalte.

No entanto, cada tom de pele acaba tendo determinadas cores de esmaltes que tornam a combinação mais harmônica.

Para as mulheres que utilizam a unha pintada e possuem pele clara, não é muito difícil escolher a esmaltação, uma vez que muitas cores de esmalte combinam com o tom de pele.

Algumas dessas cores se destacam e combinam mais com esse tom de pele, como o vermelho vivo, diferentes tons de rosa, preto e cores mais claras, para quem gosta de uma maior discrição.

Além disso, é possível encontrar e comprar esmaltes com efeito flocado, glitter e duocromáticos, alternativas interessantes que se mostram muito divertidas na hora de pintar a unha.

Cores mais frias, como carbono e azul também são opções interessantes para as pessoas que possuem a pele clara. No caso de cores de esmalte fortes, como amarelo e dourado, utilize apenas para fazer detalhes do desenho na unha.

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Melhor cor de esmalte para pele morena-clara

Para esse tom de pele, é necessário eleger um pouco melhor as marcas de esmaltes que você vai escolher. 

Cores como vermelho escuro, café, preto e alguns tons de nude são algumas sugestões para decoração de unhas. 

Outra dica importante para manter a unha postiça sempre bonita, é escolher também as cores vibrantes, como o laranja e o azul Royal.

Entretanto, os tons cintilantes, frios e prateados devem ser utilizados com cautela. 

Assim como a pele clara, os tons de amarelo e dourado podem acabar não caindo bem nas unhas decoradas.

Prefira cores de esmalte cremosas, sem nenhum efeito ou cintilância, além de esmaltes com fundo branco, como as unhas francesinhas. 

Uma opção para utilizar esses esmaltes é fazer a aposta em fazer uma filha única.

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Cor do esmalte para peles mais escuras

No caso das moças de pele negra, as cores mais interessantes são os tons mais quentes, como vinho, café, preto ou marrom escuro. 

Cores vibrantes proporcionam um contraste ideal para as épocas mais quentes do ano, como cores com laranja, caramelo e amarelo.

Cores de esmalte diferentes, como um prateado, esmalte com glitter ou até os modelos holográficos não valorizam a pele morena, devendo ser evitados.

Outros tons de unhas pintadas que precisam ser evitados são os tons frios, principalmente os que possuem um toque de branco. 

Por não caírem bem com o tom de pele, escolha sempre decorar suas unhas de gel com esmaltes de cor quente.

Vale ressaltar também que nenhuma dessas dicas é uma regra escrita em pedra. 

Claro que é possível encontrar uma série de exceções para deixar sua unha bonita em todos os tipos de pele.

Sempre é preciso lembrar que o melhor termômetro para saber se um esmalte vai ficar bem nas suas unhas é testando. 

É possível que, mesmo um tom de esmalte indicado para sua pele não fique bem em você, assim como um que você não gosta muito consiga ficar muito melhor.

O que vale é experimentar e utilizar a criatividade na hora de deixar o desenho de unhas todo colorido. 

E para encontrar os melhores esmaltes e materiais para unha de gel, conte sempre com a Casa das Unhas.

Somente no site você pode encontrar os diferentes modelos perfeitos para a sua necessidade.

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Marketing Digital – Coronavirus estimula mercado e cursos online.

A declaração da Organização Mundial da Saúde (OMS) de que a proliferação do novo coronavírus (covid-19) foi elevada para pandemia interferiu drasticamente no mercado financeiro e já afeta a rotina das economias locais.

O Brasil, por sua vez, deve se preparar para administrar a situação de aumento dos casos da doença e tentar reduzir os prejuízos que podem ser gerados.

As incertezas relacionadas à disseminação do Covid-19 estão afetando o comportamento dos consumidores.

Nos Estados Unidos, quase metade (47%) dos consumidores consultados no fim de fevereiro disseram que estão evitando fazer compras em shoppings, e 32% estão evitando lojas físicas de rua, fora dos shoppings.

Se o surto se agravar, 74% disseram que se afastariam completamente dos shoppings, e pouco mais da metade (52%) deixaria de fazer compras em lojas de rua, segundo dados da pesquisa feita pela Coresight Research.

De acordo com a pesquisa, as pessoas estão se voltando ao e-commerce como um meio para obter suprimentos básicos.

Essa cautela em relação às lojas físicas não quer dizer que o consumo diminuiu. Pelo contrário, pode até aumentar, com muitos procurando estocar suprimentos.

O fato de os consumidores estarem evitando as compras em lojas físicas não quer dizer que o consumo diminuiu, ele apenas migrou para o e-commerce.

Para estimular as pessoas a ficarem em casa, assinantes da banda larga fixa terão a velocidade aumentada gradativamente.

Além disso, os canais de TV por assinatura serão liberados sem custo, incluindo canais jornalísticos, de filmes, esportes e outros. 

Já a rede Wi-Fi pública #NET-CLARO-WIFI também foi liberada.

Essa ação vale também para quem não é cliente da empresa. Para ter acesso a rede, basta assistir aos vídeos informativos do Ministério da Saúde/SUS sobre Coronavírus. 

O cliente pré-pago que consumir toda a franquia de internet poderá ganhar bônus diário de 100MB para continuar navegando. Também é só assistir aos vídeos informativos do Ministério da Saúde/SUS.

Os serviços de streaming já estavam em crescente expansão, no entanto, agora ganham mais destaque uma vez que estão se tornando a principal fonte de entretenimento doméstico. 

Apesar do mercado sofrer com quedas na bolsa, as ações da Netflix continuaram subindo – 5%, á medida que o mercado geral caiu 5%.

O número de assinaturas segue crescendo, com previsão de novos assinantes em todo mundo, chegando a marca de 7,5 milhões de novos clientes.

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Marketing Digital – Coronavirus estimula mercado e cursos online

Estudar pela Internet é um método de ensino que permite ao aluno estudar sem precisar sair de casa, a partir de tecnologias cada vez mais modernas, auxiliadas principalmente pela internet.

Ao aluno é necessário apenas um computador e uma conexão com a internet.

Esse modelo de ensino é muito indicado àquelas pessoas que tem pouco tempo livre, mas desejam adquirir conhecimento, se especializar, qualificar, conquistar uma renda extra ou uma mudança de vida.

Por se tratar de um método de ensino em que o aluno pode estudar em casa, é necessário que este tenha muito mais dedicação e esforço, mas há também uma série de benefícios, os quais vamos falar abaixo.

Como o tempo é um dos fatores mais importantes na escolha de um curso online, não se pode esquecer dele, pois permite uma flexibilidade incrível ao aluno de escolher a melhor hora disponível daquele dia para estudar, sem ficar preso a um horário fixo, permitindo que o estudante possa conciliar o trabalho com os estudos.

Ritmo de estudo:

Você define seu próprio ritmo de estudo; se você tem dificuldade pode assistir a aula novamente, ler mais uma vez o livro sem se preocupar e se você tem mais facilidade pode tranquilamente fazer outras aulas no mesmo dia.

Concentração:

Não pode-se deixar de falar do fator concentração, do foco. Muitas pessoas tem dificuldade de prestar atenção em uma aula caso haja alguma conversa ou algum barulho próximo a ela, por isso, ao ingressar em um curso EAD você pode estudar no ambiente mais silencioso e o qual você se sente mais a vontade. Além de ter um conforto e uma comodidade muito maior, afinal você esta na sua própria casa.

Independência:

Algo comumente encontrado em um aluno de um curso pela Internet é a independência e isso é muito procurado nas empresas atualmente, o aluno se torna mais responsável e tende a correr mais atrás das respostas por estar sozinho.

Cursos Online são uma tendência tentadora

A competitividade no mercado de trabalho está cada vez mais acirrada.

Para obter sucesso na busca por melhores oportunidades é necessário se manter atualizado e sempre buscar novos conhecimentos para se tornar um profissional qualificado.

Neste caso, os cursos online são uma tendência tentadora.

Os cursos online têm sido uma ferramenta muito utilizada pelos brasileiros por diversos fatores, como a facilidade de se estudar em qualquer lugar, a qualquer momento, com baixo custo de inscrição e mensalidades.

Além do fato de que estudar em casa permite evitar problemas como o trânsito nas grandes cidades.

O ensino à distância e online permite complementar o aprendizado, seja para alcançar novos objetivos ou investir em uma nova carreira, além claro, de ampliar o horizonte de conhecimentos, porque é possível acessar vídeo-aulas do mundo inteiro, conhecer diversos professores e linhas de pensamento.

A escolha dos cursos é outra tarefa árdua para quem decide estudar online.

As opções entre plataformas e conteúdos são diversas e isso pode complicar a construção da sua carreira. 

No entanto, lembre-se da primeira dica: se um objetivo foi traçado, então as decisões seguintes devem suportar a ideia principal.

Leia com bastante atenção a matriz curricular de cada curso para que, ao escolher os próximos, você saiba exatamente como irá complementar a sua formação. 

Procure pesquisar sobre o instrutor para conhecer melhor a experiência dele e como isso pode ajudar na condução das aulas.

Além disso, certifique-se que o instrutor do curso oferecerá materiais complementares, como lista de exercícios, livros, vídeos, palestras, entre outros, que podem ajudar bastante no processo de aprendizado.

Qual o melhor curso online de Marketing Digital

Muita gente, depois de ter quebrado tanto a cara gastando dinheiro e tempo com vários cursos, hoje sabem que o Formula Negócio Online é o treinamento mais viável e mais adequado para quem quer começar um negócio sério pela internet.

O mesmo vale para quem já começou mas ainda não tem resultados satisfatórios. Este é, de longe, um dos maiores investimentos que você fará por você mesmo.

O motivo pelo qual o fórmula negócio online funciona tão bem, é que ele ensina o que realmente funciona no marketing digital. Além disso, o curso segue a tendência do mercado, por isso ele é atualizado constantemente.

O Alex Vargas, criador do curso, ensina a construir negócios sérios, e não a perder tempo na internet fingindo trabalhar. Ele não ensina amadorismo, não ensina você a praticar spam, e muito menos a ser um vendedor chato.

Se você estiver afim de entrar para um grupo de pessoas serias e construir um trabalho, uma carreira, um negócio de verdade, este é o treinamento certo. Comece certo e evite perda de tempo.

Fazendo o curso formula negócio online você será capaz de ganhar dinheiro de várias formas na internet. Veja o que você vai aprender:

• Mini-sites – Dentro do curso você vai aprender a construir e trabalhar com mini-sites. Estes são pequenos sites, voltados só para vendas, usando artigo de conversão.
• Blogs – Dentro do curso você vai aprender a construir e trabalhar com blogs. Estes são mais robustos do que mini-sites.
• Youtube – Você vai aprender a vender no youtube de forma correta, construindo ao mesmo tempo, audiência.
• Instagram – Você vai aprender a vender no Instagram, trabalhando de forma profissional.
• Facebook/Fanpage/Grupos – Você vai aprender a construir e trabalhar nesses espaços do facebook de forma profissional.
• Facebook Ads – Sim, apesar do foco do curso ser em estratégias orgânicas, ou seja, construir tráfego sem desembolsar grana, você também vai aprender a trabalhar com anúncios dentro do Facebook.
• Email Marketing – Essa é outra ferramenta importante que você precisa dominar em sua estratégia de marketing.
• Lista de WhatsApp – Outra ferramenta super importante no marketing digital que você vai aprender a trabalhar da maneira correta.
• Chatbot – Nem todos os afiliados estão usando, mas é uma tendência para os próximos anos, e você vai aprender tudo isso no curso.

Você vai entender todo o conceito por trás das vendas online, e vai aprender como tudo isso funciona. Você será capaz de construir negócios sólidos e de sucesso; não só fazer vendas!

>> Conheça agora o Melhor Curso de Marketing Digital!

Cursos Online não exigem experiência para começar

Se você está começando agora, saiba que o formula negócio online é um dos melhores investimentos que você irá fazer no seu processo de aprendizado.

Além disso estará começando do jeito certo.

Começando através dele, você estará poupando seu tempo, dinheiro e evitando dor de cabeça.

Simplesmente porque o curso do Alex Vargas é perfeito para quem quer construir um negócio sólido a partir do zero.

O fórmula negócio online funciona como um guia que te levará passo a passo, clique a clique, do começo ao fim e do básico ao avançado.

O Alex te acompanhará desde o início até que você tenha toda estrutura do seu negócio pronta.

O curso é dividido em vários módulos com mais de 250 aulas atualizadas constantemente e vários materiais de apoio. São aulas práticas, você estuda enquanto vê seu negócio sendo construído.

Conheça bem o curso antes de investir seu dinheiro

O curso foi desenhado para que você não gaste dinheiro no inicio!

Só pra você ter ideia, tem um treinamento lá dentro do FNO que te ensina a ter resultado rápido sem gastar um tostão. 

O Alex Vargas sempre vai te dar opções gratuitas pra quase tudo.

É claro que depois que você começar a ganhar dinheiro, será preciso investir pra que seu negócio cresça. Porém, no começo não será necessário.

O fórmula negócio online funciona tanto, que mesmo se você tiver pouco ou nenhum dinheiro pra investir, você terá ótimos resultados, se pôr em prática tudo o que ele ensina.

Você vai se tornar um Expert no assunto e vai entender de uma vez por todas qual é a regra do jogo. Você também irá aprender a:

• Como se tornar um afiliado de sucesso.
• Os 5 passos para criar a estrutura do seu negócio.
• Como gerar tráfego sem depender de anúncio.
• Como instalar sites.
• Como trabalhar com Email marketing.
• Como construir sua audiência.
• Como construir lista de email.
• Como produzir conteúdo de qualidade.
• O segredo para criar negócios sem nunca aparecer e muito mais!

A quantidade de coisas que você vai aprender é tão grande que não dá pra escrever tudo aqui.

Aproveite Acesso Vitálicio, 20 Bônus e Garantia 7 Dias

O Alex Vargas te dá 07 dias para testar o método e tudo é com certificado de segurança, a compra é feita na maior plataforma de distribuição de conteúdos digitais do Brasil, a Hotmart.

Seu acesso ao treinamento será através de uma área de membros exclusiva (login e senha), tudo é liberado imediatamente após a confirmação do pagamento no seu e-mail pela plataforma Hotmart.

Não existe “cupom de desconto” para o FNO, mas o valor está com desconto máximo para quem comprar hoje.

Todo treinamento é online em vídeo aulas, com download do material de apoio em PDF e pode ser acessado de qualquer dispositivo com acesso à internet.

O Alex é muito simples e sincero! Em nenhum momento ele tentar se passar por um grande guru ou dono da verdade, ele mostra seus resultados reais e ensina a obter lucros nos negócios digitais da mesma forma que ele faz.

Bônus para alunos do Fórmula Negócio Online

SUPER BÔNUS ESPECIAL 01
Aulas Ao Vivo com Alex Vargas e Equipe

SUPER BÔNUS ESPECIAL 02
Grupo Privado De Membros De Sucesso/Alunos

SUPER BÔNUS ESPECIAL 03
MÉTODO VENDA RÁPIDA

SUPER BÔNUS ESPECIAL 04
MÉTODO COPY EXPERT

SUPER BÔNUS ESPECIAL 05
MÉTODO CHATBOT EXPERT

SUPER BÔNUS ESPECIAL 06
EMAIL MARKETING GRATUITO

SUPER BÔNUS ESPECIAL 07
INSTAGRAM PARA AFILIADOS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 08
YOUTUBE PARA AFILIADOS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 09
AFILIADO COM YOUTUBE SEM APARECER

SUPER BÔNUS ESPECIAL 10
FACEBOOK ADS PARA AFILIADOS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 11
GOOGLE ADS PARA AFILIADOS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 12
REMARKETING PARA AFILIADOS

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MINISITES PARA AFILIADOS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 14
FUTURO DOS AFILIADOS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 15
DESAFIO – PLANO DE 60 DIAS

SUPER BÔNUS ESPECIAL 16
MÉTODO DE LANÇAMENTO COMPLETO

SUPER BÔNUS ESPECIAL 17
MARKETING DIGITAL PARA PRODUTOS FÍSICOS E SERVIÇOS

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Dieta low carb, receitas para emagrecer com saúde e rápido.

Emagrecer rápido: essa é a promessa da dieta low carb, que reduz, significativamente, o consumo de carboidrato.

Existem inúmeros perfis em redes sociais de pessoas que são adeptas do estilo de vida.

O objetivo é compartilhar experiências de sucesso no emagrecimento e dividir receitas, já que é um desafio compor um cardápio sem o macronutriente.

A nutróloga Ana Luísa Vilela ressalta que a maior parte da alimentação que existe contém carboidrato. “Não há nada de ruim diminuir um pouco do consumo do carboidrato, visto que quase 60% da nossa alimentação tem carboidrato. Então, acabar com o carboidrato é praticamente impossível. Por outro lado, tudo em excesso é ruim, não só os carboidratos”, ressalta.

O médico José Carlos Souto, presidente da Associação Brasileira Low Carb, explica como funciona a dieta. “Ela é caracterizada pelo consumo de comida de verdade – alimentos ricos do ponto de vista nutricional – com prioridade para vegetais de baixo amido, carnes (boi, porco, peixe, frango), frutas menos doces, oleaginosas, derivados do leite, gorduras boas. Evita-se ao máximo o consumo de alimentos industrializados e ultraprocessados”, diz.

A maior parte dos especialistas defende que é preciso equilibrar as fontes de energia a serem consumidas para quem quer perder peso.

Diminuir carboidrato na alimentação é válido, mas é preciso balancear com outros nutrientes.

Os adeptos do estilo de vida normalmente compensam com aumento do consumo de proteína e gordura.

Se tudo que é exagerado pode fazer mal, a ausência do macronutriente causa prejuízos à saúde?

CONHEÇA A DIETA 21 DIAS

Opinião de especialistas sobre a dieta

“Tem pesquisas que mostram que o baixo consumo de carboidrato pode ser maléfico, mas para algumas pessoas, diabéticos e hipertensos que têm muito problema com obesidade, pode ser necessário. O baixo consumo pode variar entre 40 e 60% da alimentação normal. Por isso que é preciso dosar a dieta para cada um”, aconselha a nutróloga.

O endocrinologista Rodrigo Bomeny de Paulo acrescenta que pessoas com diabete tipo 2, que apresentam diminuição da produção de insulina, devem comer menos carboidrato: “Isso possibilita uma melhora do controle glicêmico e uma diminuição do uso de medicamentos. Sabemos que no último ano, por exemplo, o gasto apenas com o tratamento medicamentoso da diabete nos Estados Unidos ultrapassa US$ 30 bilhões. Não é apenas uma questão de melhora do controle da diabete, mas de reduzir custos e poupar recursos em um sistema de saúde já limitado em termos de recursos financeiros”, avalia.

De acordo com o especialista, hormônios, como os produzidos pela tireoide, podem ser influenciados pela dieta low carb. “Mesmo quando a adesão à estratégia low carb não leva a perda de peso, esse tipo de dieta mostra-se associada a níveis mais baixos do hormônio T3 no sangue. Essa redução do T3 pode ser considerada uma evidência de que a restrição de carboidratos prejudica a função da tireoide. Mas a diminuição desse hormônio pode residir no fato que ele também é utilizado para metabolizar a glicose no sangue”, afirma de Paulo.

EU QUERO RECEITAS PARA EMAGRECER!

Deixar de consumir carboidrato

Deixar de consumir carboidrato parece impossível diante de tanta oferta de pães, bolachas, açúcares e industrializados.

Mas o endocrinologista Rodrigo Bomeny de Paulo faz algumas orientações:

– No início, é importante estabelecer pequenas metas – preferencialmente específicas – tais como: caminhar 20 minutos, mudar o café da manhã, dormir 1 hora mais cedo.

– Sempre que possível estabeleça um prazo e se comprometa com alguém – isso evita a procrastinação.

– Comece pelo que lhe dá mais prazer. Um passo de cada vez. Às vezes, a mudança de apenas um hábito desencadeia uma mudança em série.

– Recaídas fazem parte do processo. O excesso de perfeccionismo – achar que não ocorrerão furos – é um forte inimigo da motivação.

– O acompanhamento multidisciplinar – com nutricionista, educador físico, psicólogo e médico – é um importante aliado para a mudança do estilo de vida.

Acompanhamento com nutricionista, educador físico, psicólogo e médico é fundamental para a saúde daqueles que pretendem fazer a dieta low carb.

ESTOU PRECISANDO PERDER UNS QUILINHOS

Combinações para cardápio low carb

As combinações para cardápio low carb são inúmeras, mas você pode começar seguindo as orientações no preparo dos seus alimentos:

 

– Cortar o açúcar: sem refrigerantes, doces, sucos ou sorvete;

– Eliminar grãos: pães, bolos, biscoitos, macarrão;

– Evitar raízes: em especial batatas;

– Investir em comida de verdade: alimentos de fontes naturais e minimamente industrializados.

 

A dieta low carb conquista cada vez mais adeptos pelo mundo.

Informações sobre o estilo de vida com baixo consumo de carboidrato são tão procuradas que alguns especialistas decidiram criar uma associação para reunir dados científicos a respeito do tema.

QUERO EMAGRECER COM QUALIDADE DE VIDA!

Dieta low carb, receitas para emagrecer com saúde e rápido

Descubra como emagrecer até 7kg em 17 dias com receitas testadas e aprovadas por nutricionistas.

Cada vez mais pesquisas comprovam que a dieta Low Carb emagrece de forma saudável e melhora os índices de glicose, colesterol, triglicérides e outros marcadores da saúde.

A dieta Low Carb tem tudo pra você emagrecer de forma saudável e definitiva.

Você pode desfrutar dos mais diferentes e deliciosos tipos de pratos sem ter que se privar de uma alimentação saborosa.

A dieta Low Carb é mundialmente reconhecida pela ciência e pela medicina com resultados comprovados!

 

• Receitas práticas e fáceis para você fazer em casa.
• Mesmo que você não tenha muito tempo ou não saiba nada sobre alimentação saudável.
• Opções deliciosas para você não ficar comendo a mesma coisa todos os dias.
• Receitas fitness que potencializam o seu emagrecimento.

COMECE A PERDER PESO AGORA

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