Buenas (?) tardes,

Tal  y cómo están las cosas en el país y en el mundo en estos momentos, con recortes brutales que parecen puñetazos al estómago, pérdidas increíbles de derechos civiles por parte de los ciudadanos, desahucios sin compasión y miles de graves problemas “reales” más; quizás no sea el momento más adecuado para dedicar un artículo a un tema tan banal como el fútbol, ese circo para el pueblo tan sobrevalorado y sobreprotegido que nos alegra o trastorna en función de lo que unos clubs privilegiados económicamente y unos deportistas por encima del bien y del mal consigan hacer en un partido. No es de recibo perder el tiempo con esto en este momento, lo sé, pero aún así, no puedo evitarlo.

La impotencia del vencido

Ayer, mientras en el Congreso se debatian los Presupuestos Generales del Estado creados por el Gobierno del PP (los más austeros y polémicos de la historia) e Izquierda Unida de Andalucía daba un ejemplo de democracia de la de verdad al resto de país; en Barcelona, el actual campeón de casi todo, cayó eliminado en las semifinales de la Champions League ante el Chelsea. Solo 3 días antes había perdido toda opción por revalidar la Liga al caer derrotado en ese mismo estadio, su estadio, por el eterno rival. En una sola semana, en 3 partidos clave, el Barça ha dejado escapar los 2 títulos más importantes de la temporada.

Se puede achacar esta debacle al cansancio, a la falta de eficacia de cara a gol, la fragilidad defensiva, el buen hacer de los rivales, la dependencia absoluta del mejor jugador del mundo, los fallos tácticos y técnicos de jugadores y entrenador, la mala suerte, la justicia divina o a todo ello a la vez. Cada cual tendrá su opinión al respecto en función de sus ideas, intereses o sentimientos, y aquellos a quién corresponda deberán hacer las valoraciones y tomar las decisiones que crean necesario. Lo único incuestionable es el hecho en sí, la doble derrota del que, para muchos, es el mejor equipo de la historia. La vuelta a la realidad de muchos, quienes habían (habíamos) olvidado saborear la derrota, y que a esto del fútbol gana el que más goles mete, no el que más bonito lo hace.

Pero mi trabajo no es el de tomar decisiones, y mis sentimientos ya están más o menos aplacados tras unas horas de exaltación; así que hoy no es el día de romper con todo y clamar responsabilidades. Hoy no. Hoy más que nunca es el día de elogiar al Barça, de poner en valor todo lo conseguido, de estar a su lado, podría decirse, en la enfermedad, al igual que todo el mundo se sube al carro en la salud.

El Barcelona ha conseguido, en casi 4 temporadas con Pep Guardiola como entrenador, 13 títulos; y aún debe jugar la final de Copa del Rey ante el Athletic, con lo que podría convertirse en 14 títulos en 4 temporadas. Nadie ha conseguido eso nunca desde que el fútbol es tal y como lo conocemos. Entre esos 13 títulos hay que incluir un “sextete”, es decir, ganar todos los títulos en juego en un mismo año natural. Y no solo eso, sino que además lo ha hecho jugando un fútbol vistoso y estético que le ha reportado el reconocimiento de la práctica totalidad del mundo del fútbol como un equipo excelso y que será recordado para siempre. Y muchos de los que se han negado a reconocer esto, ya sea por intereses o por colores, no han tenido más remedio que reconocerlo de forma indirecta al alabar los éxitos de la Selección española. Porque sí, no solo el Barça se ha beneficiado de esta generación de futbolistas y de su filosofía de juego, sino que la selección ha conseguido ganar Eurocopa y Mundial con esos mismos principios básicos.

Celebración de la Champions 2011

Y esto no tapa los errores ni la decepción de lo que ha pasado esta temporada (no solo esta última semana), ni la sensación de muchos barcelonistas (y la esperanza de los que no lo son) de que estamos ante el final del ciclo victorioso y excelso de este equipo. No busco justificaciones ni alivios. Lo conseguido es pasado, y en esto del fútbol, como ayer nos recordó el Chelsea, no importa ni lo que has sido ni cómo quieres ser; simplemente importa lo que diga el marcador; en concreto el del último partido. Y eso es hoy incuestionable. Pero tampoco debemos perder la perspectiva del conjunto de lo realizado por este equipo, por este entrenador, por estos jugadores. Y no quiero basarme en belleza ni en “valores”, puesto que, al final, eso es totalmente subjetivo; sino en lo único que es tan importante como lo perdido esta semana, los títulos logrados hasta este momento. Y eso, con este equipo, es tan tajante como el resultado de ayer.

Al final, cada uno valorará los hechos como los conozca o le interese, pero el tiempo pondrá en valor lo logrado por este conjunto de jugadores. Mientras, unos seguiremos ilusionados pensando en que esta semana solo ha sido un tropezón sin consecuencias, otros desearán que haya sido la estocada definitiva del ciclo victorioso del Barça. No tardaremos en conocer la solución; pero sea cuál sea, no va a cambiar nada de lo ya sucedido; y en eso, sin lugar a dudas, ya ha ganado el Barça.

Se que he tenido un poco abandonado esto y ahora me da un poco de vértigo, no lo negaré, pero sinceramente estoy muy indignada. He hablado de algo parecido en otro post, pero intentaré no repetirme.

Hoy quiero hablar del DSM. Para quien no lo sepa, es el Manual Diagnóstico y Estadístico de los Trastornos Mentales creado por la APA (Asociación Americana de Psiquiatría) y, aunque este tema no os interese, convendría que leyeráis esto, porque es indignante.

Yo, estudiante de 4º de Psicología, estoy viendo cosas en mi futura profesión que no me están gustando nada, y que creo que deberían cambiar. Esta es una de ellas. Este manual del que os hablo se utiliza para categorizar a la gente dentro de unas enfermedades (concebidas como enfermedades físicas tales como la diabetes) que de ahora en adelante, si me lo permitis, preferiré llamar “problemas”. Para ser categorizado en estas enfermedades has de cumplir un número determinado de características, da igual cuales sean, y a partir de ahí ya eres “esquizofrénico”, “anoréxico” o tienes “TDAH”.

Visto así, no presenta gran problema, pero el gran problema surge cuando en todo esto están metidas hasta la cocina las empresas farmacéuticas. Un claro ejemplo, para entendernos: la fobia social. ¿Qué es la fobia social? TIMIDEZ. ¿Y por qué la medicamos? Para responder a esta pregunta tenemos que hablar de la  compañía farmacéutica Glaxo, quien contrató a una empresa publicitaria para lanzar un nuevo fármaco, el Paxil, pero lejos de anunciar el fármaco, lo que anunciaban era la enfermedad, y todo para que la gente “empezara a tenerla”. El resultado de ello es que donde antes se veía la timidez como una característica de la personalidad, ahora es una enfermedad.

No tenemos que entender esto como que una persona que tiene miedo de cualquier interacción social y no sale de casa, es tímido, pero desde luego, si tu hijo está solo en el recreo leyendo un cómic, no tiene fobia social. Así, la mayoría de los enfermedades que han ido surgiendo son, en realidad, porque se ha encontrado un fármaco para inhibir o estimular determinada área del cerebro.

Pero esto no se queda ahí, ahora estamos a la espera del DSM-V que pretende medicar el luto ante la muerte de un ser querido cuando los síntomas se extiendan más de dos semanas. ¿Perdona? ¡Pero si lo raro sería que a las dos semanas de morir tu marido estuvieras de parranda…! Y así todo señores, así todo. ¿Otro ejemplo? Este es muy fuerte: empezar a medicar un nuevo síndrome llamado “Síndrome de riesgo de psicosis o síndrome de síntomas psicóticos atenuados”. Esto sería algo así como que si eres joven y tienes algun comportamiento raro, alguna alucinación (que gracias a esto pensaremos que hasta creer que está lloviendo es una alucinación auditiva)… pues tienes riesgo de tener una psicosis. ¿Y que hacemos al respecto? Pues medicar, si señor. Pero lo mejor de todo es que se prevee que de estas personas que lo tengan, entre un 80 y un 90% serán falsos positivos y del 10% restante el 1 o 2% desarrollarán una psicosis, es decir, el 98% serán medicados para nada. Y mientras tanto, doña empresa farmacéutica frotándose las manos.

Estas son las cositas que nos quiere meter el futuro DSM, tales como aumentar la edad de diagnóstico del TDAH (Trastorno por Déficit de Atención con/sin Hiperactividad) de los 7 años a los 12-13 años, así la población a medicar aumenta. Porque, ¿quién no conoce al hijo de la prima de la vecina que no se está quieto? Tiene de eso de hiperactividad hombre… Un poco de seriedad por favor. Este es el futuro que nos espera y a lo mejor parece tremendista. ¿Queréis más datos? Tanto nos han “enfermado” que, en España, el consumo de antidepresivos se ha triplicado a cargo de la Seguridad Social, de 7 millones de envases a 21 millones. Y esto, en la sanidad pública, miedo me da la privada.

Este nuevo manual, el DSM-V, tendría que haber salido este año, y se ha retrasado hasta el año que viene gracias a, entre otros, la plataforma STOPDSM. Os invito a visitarlo en intenet.

Pinche aquí para ver el vídeo

Además de toda la medicación que conlleva este manual, categoriza y etiqueta a la gente y ya el hijo de la prima de la vecina es hiperactivo y todo se interpretará como que es hiperactivo. Y así todo. Esto que vemos en las pelis de las empresas que crean un virus y su antídoto, lo tenemos más cerca de lo que creemos.

Suerte.

¿Qué es una “serie de personajes”?

Se dijo de Lost cuando terminó que los enigmas que planteó la serie y sus consiguientes respuestas eran lo de menos. Que era una serie de personajes y que, por ende, lo importante eran sus historias y sus vidas, y no por qué la dichosa estatua tenía cuatro dedos.

Tonterías.

Una “serie de personajes” es una serie en la que el peso argumental recae completamente sobre los mismos. No trata sobre un departamento de policía resolviendo crímenes o sobre una isla extraña en la que se reúnen un montón de personas. Trataría exclusivamente de esas personas. El entorno es lo de menos. Nada debería haber más fundamental que la historia y evolución de los protagonistas.

Y en eso, amigos, In Treatment no tiene rival a la altura.

La psique humana, ese gran laberinto casi desconocido, es la protagonista etérea de esta serie encabezada por Gabriel Byrne. Los miedos de los personajes. Sus traumas de infancia. Las relaciones con sus padres o parejas… personas normales y corrientes que necesitan encontrarse o solucionar alguno de los problemas de su vida se dan cita en la consulta de Paul Weston (Byrne), un psicoterapeuta que, al mismo tiempo, se encuentra sumido también en una profunda crisis.

Cada temporada, Paul Weston tiene, entre otros varios pacientes, a los protagonistas que ocuparán el diván al que estaremos atentos día tras día.

Planteada por la HBO como una emisión diaria de lunes a viernes, cada día de la semana está asignado a un paciente en concreto, de modo que podemos disfrutar de la serie tanto en sentido horizontal como en sentido vertical. Esto es, cronológicamente (viendo la serie en el orden de emisión) o por paciente, asistiendo únicamente a las sesiones del personaje cuya historia nos haya llamado más la atención (o descartando la que menos nos haya seducido).

Cuando en una serie el único escenario es una simple habitación sin ningún tipo de artificio, está claro que todos los esfuerzos deben ir enfocados a los guiones y las actuaciones que les den vida.

Tan solo una linea muy fina separa a In Treatment del teatro. Cada capítulo de veinte minutos transcurre enteramente en la consulta de Byrne, donde presenciamos un fluido diálogo de recuerdos, sentimientos, miradas y silencios entre paciente y doctor que trata de encontrar las luces y sombras del subconsciente del primero.

¿Por qué esa fijación sexual de Laura con Paul? ¿Y los ataques de pánico de Walter? ¿Cómo ayudar a April, que se niega a aceptar una grave enfermedad?

No suelo recomendar In Treatment cuando hablo de series porque, aparte de ser intrínsecamente lenta, cualquiera que lea el último párrafo se preguntará: “¿y a mí qué me importan todas esas cosas?”; y mi cuota de miradas de “qué me estás contando, tío raro” ya es lo suficientemente alta.

Como decía, los esfuerzos de In Treatment van dirigidos en su totalidad a los guiones e interpretaciones de los mismos (terminantemente prohibido verla doblada). Lo que en un primer momento se presenta como indiferencia (“¿y a mí qué más me dan los ataques de pánico de Walter?”) se torna posteriormente en curiosidad y cariño para con cada paciente.

Los actores, maravillosos todos y cada uno de ellos, hacen que nos creamos al personaje y empaticemos con él desde la primera o segunda sesión a la que asistamos, y al final de cada capítulo, sentiremos verdadera ansiedad por saber sobre qué versará la sesión de la siguiente semana. Harán que nos preocupemos, literalmente, por un personaje ficticio.

Incluso el propio Gabriel Byrne, que acude a su vez a otro psicoanalista para tratar sus propios problemas (el capítulo de los viernes), se nos abrirá por completo de forma que podamos entender y comprender el por qué del comportamiento con su propia familia y pacientes.

Estos últimos años nos han acompañado grandes series tanto de drama como de entretenimiento (Lost, House, The Wire, Fringe, How I Met Your Mother, Los Soprano…), pero debo admitir que por complejidad y originalidad, In Treatment son palabras mayores.

Ninguna otra serie consigue hacernos sentir tan genuinamente, como lo hace In Treatment, la lástima por la soledad de Sunil, la pena por el comportamiento autodestructivo de Sophie o la repulsión de algunos de los comportamientos de Jesse.

Y aun así, después de todo, semana tras semana, querremos que la terapia les sirva de ayuda a todos ellos para que puedan, si no ser felices, al menos entender ciertos aspectos de su vida que se encontraban ocultos tras una densa niebla. Querremos que les vaya bien.

Y si eso no es una serie de personajes, no sé qué otra cosa podrá ser.

Buenas (?) noches,

Ayer España se paró durante dos horas para presenciar el debate de presidenciables. La discusión intelectual y acalorada de aquellos que optan a dirigir nuestras vidas durante los próximos 4 años. El encuentro de ideas totalmente opuestas, de ideales encontrados. El verbo grácil. La resurrección de la democracia.

Qué bonito hubiera sido, ¿verdad? Pues nada más lejos de la realidad. Lo que ayer presenciamos los españoles fue un nuevo capítulo de aquello en lo qué se ha convertido esta mal llamada democracia en la que vivimos. Un mero paripé.

Así nos luce el pelo...

Para empezar, ¿desde cuándo nuestro sistema político es bipartidista? Y pregunto por el párrafo concreto de la Constitución donde viene recogido este hecho, que igual me lo he saltado. Es muy descriptivo el hecho de que esto se haya hecho común y aceptado por todos. ¿Dónde estaban las demás opciones? ¿No tienen derecho a participar? ¿No existen? ¿Por qué?

Bueno, es cierto, mañana hay otro debate en TVE. Un debate con el resto de fuerzas políticas. ¡Ah, no! No es cierto. De entrada, no les han dejado interpelar directamente a ninguno de los candidatos de PP y PSOE, si no que tienen que conformarse con las migajas de segundos espadas. Vamos, cómo si fueran equipos de 2ªB en primera ronda de Copa ante un grande que viene con los suplentes; y encima juega fuera de casa. Para más inri, es un debate a 5, con lo que no me salen las cuentas. Participan PP y PSOE (por si ayer se les quedó alguna propuesta en el tintero -risas-), acompañados por PNV y CiU. El quinto lugar se lo tienen que jugar a pares o nones Izquierda Unida y ERC. A UPyD ni le han invitado. Los demás ni existen.

En cuanto al “cara a cara” de ayer, poco más que añadir. Cada personaje se autorretrató a sí mismo. Un Rubalcaba que sabiendose vencido optó por orientar el debate a un hipotético futuro con Rajoy de presidente para intentar desenmascarar las numerosas dudas y ambigüedades del programa popular; pasando así por alto sus fallos pasados. Un Rajoy que sabiendose vencedor optó por hacer hincapié en los evidentes errores socialistas que le han dado la victoria, obviando así sus propuestas para paliar estos errores.

Decía con buen tino anoche Mónica Marchante (una de las mejores periodistas deportivas del momento) que el debate le recordaba al Tour. Un Rajoy seguro de ganar y sin tensión como Andy Schleck, y un Rubalcaba atacando a tirones y sin piernas como Contador. Aquel Tour lo ganó Cadel Evans. Aquí a Evans ni le han dejado participar; dicen que iba dopado de Democracia, y eso es una sustancia prohibidísima en esta competición.

En fín, lo de siempre; nada nuevo bajo el sol. Bueno, bajo el sol precisamente si hay algo nuevo, y en sus alrededores; y para eso están las asambleas y Twitter, gran atractivo ayer durante el debate. Pero en el plató de la Academia de la Televisión, de nuevo, el uno por el otro, la casa sin barrer. Pero cómo les va a importar, si a los que nos come la mierda es al resto.

Saliendo un poco de la hoja de ruta del blog, donde nos centramos básicamente en hablar de música, cine y videojuegos, traigo una receta de tiramisú que me enseñaron hace poco. Fácil, barata y, sobre todo, rica. Que de eso se trata. Que para comer basura a precio de oro ya tenemos el McDonalds.

Lo primero de todo. Los ingredientes. Porque una receta sin ingredientes es como un gorrino en un garaje de bicicletas; se muere. Por tanto, estas son las cosas que necesitaremos para hacer las delicias de nuestros invitados (el resultado final es para unas 4-6 personas) o las nuestras propias, en el caso de que seamos unas bolas de sebo:

- 2 huevos de los de gallina de toda la vida.

- 250g. de queso mascarpone.

- 100g. de azúcar glas.

- Bizcochitos.

- Galletas.

- Nesquik.

Antes de comenzar haré un par de puntualizaciones:

- La receta original utiliza queso mascarpone, pero si no tenemos a mano, o si nos da pereza salir a comprarlo, se puede sustituir perfectamente por queso Philadelphia. Si tampoco tienes de este, mejor coge el teléfono y pídete unas pizzas.

- El azúcar glas también se puede sustituir perfectamente por azúcar normal y corriente, pero como aquí somos unos pijoteros, nos decantamos por el primero.

- Sí, el tiramisú lleva café, pero a mí no me gusta el café, y como la receta la escribo yo, la pongo como me gusta a mí. Podéis usar café, como también podéis usar algún licor, pero como tampoco me gusta, tampoco lo he puesto.

Dicho esto, empecemos.

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1) Separamos las claras de las yemas con cuidado y las depositamos en dos recipientes limpios y secos.

2) Mezclamos en uno de los recipientes las dos yemas con el azúcar y lo removemos a mano hasta que quede una masa de color carne sólida a la par que cremosa y pegajosa, lo cual nos llevará, con una simple cuchara, no más de 1 o 2 minutos si nos damos brío.

3) En el otro recipiente, y procurando que no haya ningún resto de yema ni de cáscara, montamos las claras a punto de nieve, sin duda el paso más aburrido de todos, por lo que podemos optar por utilizar una batidora eléctrica con su utensilio de varillas correspondiente con la mínima velocidad seleccionada, lo cual nos llevará unos 5 – 10 minutos dependiendo de la maña que nos demos.

De no tener batidora eléctrica siempre se puede hacer a mano, con el único contratiempo de tardar un poco más y acabar con el brazo algo más cansado en caso de no tenerlo medianamente entrenado. También se puede echar una pizca de sal o bicarbonato para que monten mucho mejor.

¿Cómo saber cuándo están listas las claras? Cuando veamos que el asunto se empieza a poner espeso, la prueba irrefutable de que las claras estén totalmente montadas es que no se muevan en absoluto cuando pongamos el recipiente boca abajo, tal y como reza la siguiente fotografía.

4) Es preferible mezclar antes las yemas con el azúcar que montar las claras, porque si se dejan las claras montadas en reposo un par de minutos, empiezan a desmontarse de nuevo y luego da un poco de asquete. Nada que no se arregle volviendo a batirlas de nuevo otro par de minutos, pero ya que estamos, vamos a hacer las cosas bien.

5) Una vez tengamos las yemas+azúcar y las claras al punto de nieve, lo mezclamos a mano en un recipiente, grande a ser posible, hasta que obtengamos una masa homogénea y espesa, momento en el que empezaremos a añadir el queso para mezclarlo y removerlo nuevamente a mano.

Hay quien mezcla las yemas+azúcar, las claras y el queso a la vez. Yo soy un raro y prefiero hacerlo por etapas para facilitar la mezcla, que no todo ahí, venga a lo loco. Ídem a la hora de mezclar el queso con la masa, donde procuro dividir el queso en tres partes para ir haciéndolo poco a poco.

¿Resultado? Masa espesa, homogénea, color carne anaranjado y, en el caso de haber usado Philadelphia, puede que algún grumo sin importancia.

6) Con la masa del tiramisú ya confeccionada, solo nos falta coger el recipiente donde lo vayamos a preparar y tener a mano los bizcochos, las galletas y el Nesquik/café.

Mojamos los bizcochos en el Nesquik/café (no demasiado, simplemente para empaparlos un poco) y formamos una base con ellos en el fondo del recipiente. Base sobre la cual depositaremos la primera capa de nuestra masa enfurecida.

Con ayuda de un colador, espolvoreamos Nesquik por encima de la masa y sobre ella empezamos a colocar galletas bañadas en Nesquik/café hasta ocupar toda la superficie disponible. Superficie sobre la que volveremos a desparramar una nueva capa de masa, con su Nesquik espolvoreado posteriormente.

Así, hasta que nos quedemos sin masa, aunque obviamente lo normal y recomendable sea que la capa final de arriba del todo sea una capa de masa (con su consecuente y espolvoreado cacao en polvo).

La forma de distribuir las capas, los bizcochos y las galletas va en el gusto y cultura del estilo de cada uno. Yo debajo del todo pongo una capa de bizcochos para que tenga algo más de consistencia, pero se pueden usar barquillos azucarados o directa y simplemente galletas en toda la estructura repostera.

Al finalizar tendremos algo parecido a esto.

Lo metemos al frigorífico y lo dejamos reposar y enfriar durante… bastantes horas. Yo por lo general los he solido hacer por la mañana para comerlo por la noche en perfectas condiciones, pero si os puede la gula, supongo que el resultado será comestible en cualquier otro momento.

Recordad que esta receta es ampliamente modificable y que esta es tan solo la versión que a mí me gusta. Podéis mojar los bizcochos y galletas en café, añadirle algún tipo de licor, o incluso escupir con moco si va a ser un regalo para el jefe de la empresa que aún te debe 500 míseros euros.

Las posibilidades son infinitas. Casi tanto como la extensión de esta receta que en cualquier otro sitio no habría ocupado más que un par de párrafos.

¡Bzzzrrr! ¡Tañon! ¡Okidoki! ¡Brrlbrlbrlrbrr! ¡Jrñjrñjrñjrñ! ¡Bsssfloshh! ¡Ñiaoiaoiaouaua!

No. No me he vuelto loco. Es que estaba redactando la tercera parte de “La música de los videojuegos también es digna” y poco a poco he ido recordando también esos breves efectos de sonido que nos han acompañado a lo largo de tantos años de entretenimiento virtual.

Esos efectos de sonido de ínfima duración que suenan cada vez que disparamos un arma, cada vez que saltamos, o cada vez que cogemos algún ítem especial. Sonidos guturales. Exclamaciones. Zumbidos. Un par de palabras… alguno de estos sonidos han pasado a ser tan característicos de algunos juegos como sus propios protagonistas o sus bandas sonoras.

Vamos a recordar algunos de ellos.

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Pac Man (1980)

Waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka waka. ¿Puede ser este el sonido más reconocido de cualquier videojuego de los últimos 30 años?

Obviamente sí, así que pasaremos al deprimente sonido que oíamos cuando Pinky, Blinky, Inky o Clyde nos daban caza. Tan breve como deprimente. El sonido de ‘game over’ por excelencia. ¿Quién quiere la marcha fúnebre teniendo esto?

Super Mario Bros. (1985)

¿Hace falta decir algo del personaje más conocido de la historia de los videojuegos? ¿De la saga más trascendental de Shigeru Miyamoto? ¿De los dos fontaneros más famosos que haya conocido una persona cualesquiera?

Son tantos los efectos de sonido míticos de este juego que elegir uno se antojaba tarea imposible. Nos quedamos con el que sonaba al coger una seta, como podíamos haber elegido el que sonaba cada vez que dábamos un salto. El que sonaba cada vez que saltábamos encima de un enemigo. El que sonaba cada vez que…

Arkanoid (1986)

Ay el Arkanoid. El machacaladrillos por excelencia a pesar de que fuera una simple versión de los Breakout de Atari de los años 70. La música que sonaba antes de comenzar a jugar con las estrellas desplazándose a toda velocidad se quedó grabada en mi corazoncito. Quizás porque fuera la única tonadilla que tenía el juego.

Cada pantalla la jugábamos desde el silencio más absoluto, con el único sonido metálico de la bola chocando y rebotando entre los bloques de cada nivel. Bueno, con ese sonido, y con la tétrica explosión que tenía lugar cada vez que perdíamos una de las bolas.

The Legend of Zelda (1986)

Este Miyamoto lo mismo es un crack. Lo mismo te hace un juego de un fontanero que de un guerrero vestido de verde. Y siempre acierta, porque The Legend of Zelda y la saga que le continúa sigue siendo uno de los pilares sobre los que se asienta el entretenimiento videojueguil.

Rescatar a la princesa Zelda, derrotar a Ganondorf, salvar el reino de Hyrule… son misiones repletas de puzzles y aventuras que no le serán extrañas a cualquier amante de los videojuegos de los últimos 25 años. Y si la música del juego es extraordinaria, también lo eran los efectos de sonido que la acompañaban. Como por ejemplo, el que sonaba cada vez que encontrábamos un secreto.

Prince of Persia (1987)

Que no. Que no me he vuelto loco. La fecha está bien. De 1987 es la entrega original de esta saga de plataformas y aventuras ideada por Jordan Mechner, cuyo principal reclamo eran las animaciones totalmente realistas de su personaje principal.

Este, amigos, sí que era un juego complicado. Con esas estancias y pasajes laberínticos, y con solo una hora para poder salvar a nuestra querida princesa del malvado Jaffar. Y aunque al igual que las aventuras de LucasArts, Prince of Persia no tenía grandes efectos de sonido, recuerdo con cariño el arpegio que sonaba cada vez que tomábamos una vasija de las que te llenaban la vida a tope.

Golden Axe (1989)

Death Adder aterroriza a los habitantes de Yuria al tiempo que rapta al rey y a la princesa. Para acabar con su amenaza, deberemos elegir entre un humano, una amazona y un enano, cada uno con sus propias habilidades.

Qué bueno, y complicado, era el Golden Axe. Sin duda uno de los juegos más famosos de finales de los 80 y principios de los 90. Su conversión desde las salas de arcade a varias videoconsolas fue clave de su éxito. A pesar, hay que decir, del ridículo grito que proferían nuestros enemigos al darles muerte.

Sonic the Hedgehog (1991)

Lo reconozco. Yo siempre fui de Megadrive. Los de Nintendo eran unos mierders que no sabían lo que era bueno, y Mario un fontanero venido a menos. ¡Un fontanero! Por favor. ¿Se puede ser más cutre eligiendo un protagonista para un videojuego?

Sonic, el erizo azul que Sega creó para hacer frente al fontanero, luchó una encarnizada lucha con el del bigote hasta que, por desgracia, a Sega se le fue la pinza por completo tras Sonic 3. Pero oye, que eso no quite las horas de diversión que nos dio el bicho. O el alivio que nos daba al llevarnos una burbuja a la boca en los dichosos niveles de agua.

Street Fighter II (1991)

Dejaos de Tekken y de Final Fight. El juego de lucha por excelencia e iniciador del fenómeno de dicho género fue Street Fighter II. Esas peleas endiabladamente rápidas. Ese plantel de luchadores a cada cual más carismático. Esas canciones exclusivas de cada uno de ellos. Esa Chun-Li, icono sexual de tantos y tantos prepúberes.

Y, cómo no, esos efectos de sonido por doquier. Cada golpe especial tenía el suyo propio. El más conocido, obviamente, fue este.

Day of the Tentacle (1993)

De Day of the Tentacle hablamos largo y tendido en este otro post, así que poco nos queda por decir ya. Lo cierto es que las aventuras gráficas de LucasArts, a pesar de tener unas tramas, jugabilidad y bandas sonoras absolutamente excepcionales, nunca han gozado de unos efectos de sonido demasiado llamativos.

Al comenzar la aventura, el doctor Fred nos envía al pasado, presente y futuro con la ayuda de las Chron-O-Letrinas. Así es como suenan.

Pokémon (1996)

¡Pokéeemooon! !Hazte con tooodos! Ay dios. Pokémon. Qué locurón. Cuántas ansias. Cuánta tontería nos dio en aquella época con los dichosos bichos coleccionables. Que si Pikachu. Que si Charmander. Que si Mew. Pero qué narices… es que los juegos enviciaban de lo lindo.

Puede que Pokémon sea uno de los juegos con más efectos de sonido en su interior. Y es que cada Pocket Monster tenía su propio grito identificativo. Vale, en la Game Boy había que tener un oído fino fino para distinguirlos todos, así que mejor elijo el que sonaba cada vez que capturábamos satisfactoriamente a uno de ellos.

Tomb Raider (1996)

Estamos de aniversario. Tomb Raider cumple quince años. Lara Croft. Nuestra Lara. La protagonista de tantos sueños húmed… ¡qué bueno era Tomb Raider! Tremenda la mezcla de acción, aventura y puzzles en un entorno 3d pocas veces visto hasta el momento.

Con una banda sonora que nos mantenía en tensión cuando debía, y con un sonido ambiental que cumplía con creces, los efectos de sonido de Tomb Raider no iban más allá de los disparos de nuestras armas o los rugidos de los animales enemigos. Pero oye, ¿y el gustito que nos daba cada vez que llegábamos a una zona secreta y escuchábamos esto?

Commandos (1998)

Sin contar los juegos de la era dorada del software español, podemos estar más o menos de acuerdo en que Commandos ha sido el mayor éxito de los videgojuegos de este país de las últimas décadas. Con total libertad para plantear cómo resolver cada escenario de la Segunda Guerra Mundial, las posibilidades eran enormes.

Si bien en la versión inglesa del juego las voces eran más serias, en la edición española tenían un acento desenfadado mucho más marcado. Y hablando de las voces, recordemos el “ein versletza” que gritaban los nazis cada vez que veían a un compañero herido.

Metal Gear Solid (1998)

El videojuego de sigilo y espionaje por excelencia. Mira que tuvo repercusión. En todos los patios y recreos se hablaba de él. En todas las revistas se le dedicaban reportajes especiales. Todo ello, por qué no decirlo, sobradamente merecido.

Metidos en la piel de Solid Snake, debíamos infiltrarnos en una base militar para evitar que un bicharraco metálico lanzara cabezas nucleares donde su dueño le diera a entender. Y como buen videojuego de sigilo que era, obviamente podíamos ser descubiertos en cualquier momento, momento en el que sonaba esto.

Half-Life (1998)

La mejor saga de FPS de la historia. Ya está. Ya lo he dicho. Tremendos argumentos, tremendos personajes, tremendas armas y tremendas estancias. Tanto Half-Life, como Half-Life 2, como sus de momento dos expansiones ocupan, o deberían ocupar un lugar privilegiado en el corazón de cualquier jugón de pro.

¿Efectos de sonido remarcables de esta obra maestra? Desde los headcrabs que se movían por todas partes, hasta el que hemos seleccionado. El sonido con el que cargábamos la energía de nuestro traje HEV.

Age of Empires II (1999)

Nunca he sido un amante de los juegos de estrategia, más allá de algún Sim de Maxis. No le quito el mérito táctico e histórico a este género, pero simplemente no me atrae. El único que lo consiguió fue Age of Empires, y eso solo dice cosas buenas para el juego.

Si un juego de estrategia por lo general es aburrido, no hablemos ya de estrategia por turnos. ¡Horror! Menos mal que Age of Empires era en tiempo real y nos permitía escenificar el avance a lo largo de la Edad Media años de una civilización entre trece a elegir. ¿El sonido preferido de cualquiera que haya jugado a esta pequeña joya? Más que obvio.

Bioshock (2007)

Bioshock, la obra maestra de 2K, tiene el honor de disputarse con la saga Mass Effect y algún otro el título de mejor juego de la actual generación. Y es que aterrizar por accidente en una maravillosa y utópica ciudad submarina, e ir desvelando poco a poco qué nos ha llevado allí y por qué, es tan solo el esbozo de un argumento rico en detalles.

A lo largo del juego se encontraban unas máquinas expendedoras donde podíamos comprar munición, botiquines y demás elementos necesarios para llegar a buen puerto en la aventura. Esto era lo que sonaba cada vez que encontrábamos una.

Portal (2007)

El juego más revolucionario de la última década es Portal, y el que diga lo contrario es un miserable. Y es que unir un FPS con un juego de puzzles que hay que completar con la ayuda de un cacharro que crea portales espaciotemporales en las superficies de las estancias por las que vamos avanzando, solo se le podía ocurrir a VALVe.

Y claro, si el primer Portal, siendo básicamente una prueba de concepto ya era una maravilla, qué no sería su continuación, Portal 2, el que si el mundo es justo será el GOTY de 2011. ¿Sonido elegido para este título? Obviamente, el que oímos cada vez que abrimos un portal.

Trágica semana la que recientemente le ha tocado vivir al mundo de la informática. Dos importantísimas figuras del gremio como son Steve Jobs y Dennis Ritchie han fallecido tristemente jóvenes (56 y 70 años respectivamente) a causa de severas enfermedades. Los méritos del primero ya han sido bien explicados en este homenaje que mi compañero JMVT le rindió al creativo de Apple. Los del segundo, aunque mucho menos conocidos, son igual de importantes. Co-creador del lenguaje de programación C y del núcleo de UNIX, gracias a su mente privilegiada podemos disfrutar de la informática tal y como la conocemos hoy en día. Lo dicho, semana triste para la informática. O debería serlo, sin embargo está resultado ser una semana absurdamente polémica.

Se han escrito ríos de tinta sobre la muerte de Steve Jobs, siendo principal noticia en periódicos y telediarios de todo el mundo. La muerte de Dennis Ritchie ha pasado mucho más desapercibida. Teniendo siempre en cuenta que estamos hablando de dos personajes brillantes, el hecho de que Steve haya sido un personaje público tremendamente influyente y Dennis un “trabajador en la sombra” parece ser la única causa de que un fallecimiento haya sido mucho más comentado a todos los niveles que el otro. Pero muchos de mis colegas informáticos no parecen entenderlo así, y ven como una ofensa gigantesca el hecho de que no se reconozcan los méritos de Ritchie por encima de los de Jobs.

Siempre me ha sorprendido el odio que puede llegar a causar una simple manzana entre los de mi profesión. Uno puede entender los prejuicios externos: comprar un producto más caro te convierte en un pijo sin humildad. Son los típicos prejuicios del que señala por la calle al que va montado en un Mercedes. Pero al igual que los entendidos en mecánica y motor saben que un Mercedes ofrece prestaciones que no te ofrece un coche barato, los informáticos sabemos que un Mac te ofrece prestaciones que otros no pueden ofrecer (se pueden debatir si existen ofertas mejores a menor precio, pero el hecho de que estás adquiriendo un producto de calidad es innegable).

Clasica payasada hater

Entre los informáticos se puede encontrar un gran porcentaje de gente friki. Esto es así, sólo hace faltar pasarse por las facultades para comprobarlo. Yo mismo lo soy. Y hay una característica que define a un amplio número de frikis: en cuanto algún género/tema que aprecian se vuelve conocido, cargan contra el “culpable” como si no hubiera un mañana. Los fans de la ciencia ficción que ya etiquetaban a Avatar como la mierda del siglo antes de haberla visto son los mismos que etiquetan como basura los productos de Apple antes de haberlos probado.  A esto hay que sumar el clásico odio que siente el friki a todo aquello que huele ligeramente a pijo. Y además brillan, oiga. A la hoguera. El fenónemo hater es algo que por desgracia caracteriza al colectivo friki como tal, y me repugna.

Son esta clase de comportamientos los que convierten al friki en un objeto de mofas entre la sociedad. Los que disfrutamos de hobbies frikies pero nos comportamos como personas normales tenemos que sufrirlo día a día. Ahora, en lugar de sentirse deprimidos por la muerte de dos visionarios de la profesión, los frikis de la informática trasladan su odio hacia lo pijo/mainstream a los funerales. ¿Se puede ser más mezquino?.  Desde luego puedes simpatizar hacia uno, otro, u ambos, pero aprovechar el fallecimiento de alguien para atacarle es de miserables. Al empezar la semana tenía dos motivos para sentirme triste, pero ahora ya tengo un tercero: esta asquerosa actitud por parte de algunos.

Siempre he tenido la tentación de llenar el blog de análisis de videojuegos, puesto que son una de mis grandes aficiones. Pero son una lectura dura para un sitio de temática general como este, y nuestra sección de “Juegos con historia” cumple de sobra cuando queremos alabar algo. Sin embargo cuando me topé con el formato de crítica que usa Sr.A en su blog vi la luz. Críticas sencillas, directas al grano, y hasta diría que muchísimo más efectivas que los análisis largos (al menos para obtener una primera impresión sin spoilearse demasiado). Así que, con su permiso, voy a hacer lo mismo. Esto es a lo que jugué desde julio hasta ahora:

Majin and The Forsaken Kingdom (PS3)

Juego de plataformas y acción en el que resolveremos puzzles acompañados de una critura a la que podremos dar diversas órdenes. La verdad es que se echan bastante de menos más juegos de este género en PS3.

Los parajes que se recorren son bastante bellos, lástima que no haya demasiada variedad. Al compañero Majin (el bicho grande de la portada) se le puede acabar cogiendo un poco de manía, ya que a veces no está donde tiene que estar o tarda una eternidad en cumplir algunas órdenes. Los puzzles están muy equilibrados, no nos harán tirarnos de los pelos pero tampoco  resultan triviales. Hacen que el juego merezca la pena por sí solos. Los combates, por contra, son simples y cuando hay muchos enemigos pueden resultar frustrantes. Los jefes finales no están mal, pero tampoco son reseñables. Alguna que otra habilidad  más no le habría venido mal al Majin, y la verdad es que en combate todas sirven más o menos para lo mismo. Y un poco de guión también hubiera estado bien, porque lo que hay es poco más que una excusa.

Madworld (Wii)

Beat’em up para Wii, cuyos niveles se basan en una sencilla premisa. Mata todo lo que puedas hasta que tengas puntos suficientes para matar al jefe.

El peculiar estilo gráfico en blanco y negro (sin grises, sólo blanco y negro) pretende ser una de sus bazas, pero la verdad es que molesta más que cautiva. Muchas veces cuesta reparar en los elementos de los escenarios, ya que tal y como están hechos no son fáciles de captar al primer vistazo (o al menos a mí me cuesta). Esto repercute en la jugabilidad directamente, ya que para hacer las mejores muertes (que dan más puntos y desbloquean cosas) tienen que intervenir cuantos más elementos mejor. Muchas muertes originales y desafíos sangrientos muy divertidos. El juego es lo suficientemente corto para que su propuesta no acabe por aburrir. Los jefes finales son bastante molones, y la dificultad está bastante bien calibrada. Los comentaristas son la leche.  Divertido, pero sin más, su simple propuesta es algo que está muy visto y nunca llega a destacar. Aunque por los 5 euros que me costó no se puede pedirle más.

9 doors 9 hours 9 persons (NDS)Si no te gusta leer (ya no leer en los videojuegos, sino leer libros en general) este no es tu juego. Mezcla de novela gráfica y resolución de puzzles, sus defectos no son capaces de empañar a la mejor historia que yo he vivido en una videoconsola.

Más información en este otro artículo.

Infamous (PS3)

Sandbox en el que controlaremos a un tipo con poderes eléctricos, descargable gratis si sufristeis aquella epopeya de Sony vs Hackers.

A Infamous el sandbox le viene un poco grande. Lo único que se puede hacer por la ciudad es subir edificios y freir a la gente. Un hack’n'slash o cualquier tipo de juego más lineal creo que habría sido mucho más apropiado. Para tratarse únicamente de electricidad hay que admitir que consiguen recrear bastante variedad de habilidades. A veces al escalar edificios Cole no cae donde le mandas, es bastante incordio. El sistema de karma es muy simple, pero cumple con lo poco que pretende así que no se puede decir que sea algo malo. El guión me parece que quería llegar más alto de lo que en realidad consigue, pero cumple. No tanta variedad de misiones como cabría esperar, pero lo cierto es que salvo alguna excepción todas son bastante entretenidas, sobre todo las de avanzar linealmente matando malignidades.

Little Big Planet (PS3)

Juego de plataformas desarrollado en exclusiva para la sobremesa de Sony. También fue un regalo del Welcome Back de PSN.

LBP se apoya en tres pilares: juega, crea y comparte. La parte de creación es sin duda su punto más destacable. Gracias a un editor bastante sencillo cualquiera está al alcance de crear verdaderas maravillas (con muchas horas de esfuerzo, eso sí). La parte de compartir tus creaciones no está mal, pudiendo buscar los niveles según varios parámetros, aunque una mejor organización no le habría venido mal (escoger nivel con esa interfaz de planeta Tierra es un asquete). El gameplay en sí es donde la cosa empieza a flaquear. Estamos hablando de un plataformas para una sobremesa de nueva generación en el que solo podemos hacer tres cosas: movernos, saltar y agarrarnos a cosas. Ni power-ups, ni movimientos especiales, ni nada remotamente fuera de lo común. Supongo que añadir estas cosas complicaría bastante el editor, pero yo juraría haber adquirido un videojuego y no una herramienta. Además, las físicas no parecen estar del todo bien implementadas, la inercia en ocasiones se hace demasiado rara. Encontrarse un enemigo que haga la cosa un poco más emocionante es algo demasiado infrecuente. Hay niveles bastante bien diseñados (aunque el mundo chino es el horror), y en internet se puede alargar bastante la vida del juego gracias a las joyas que algunos usuarios se han molestado en crear. Sin duda explorar esa faceta es lo que lo ha encumbrado.

Patapon 2 (PSP)

Combinación de juego musical con otros bastantes géneros en el que controlaremos a golpe de tambor a unas criaturas cuyo único fin en la vida es encontrar la tierra prometida. Patapon 2 ofrece un estilo de gameplay verdaderamente único (sin contar otras entregas de la misma saga, evidentemente). Desde que lo empecé hasta semanas después de acabarlo tuve esos ritmillos pegados en la cabeza.

Conseguir el ritmo perfecto en cada combinación es harto complicado (en nivel medio, en difícil no quiero ni pensarlo). Resultó muy agradable que las unidades fueran tan variadas y equilibradas. Afrontar las misiones con un equipo por defecto es un error, existen múltiples estrategias a seguir. Casi todas las unidades se me hicieron indispesables para alguna misión en concreto. A pesar de lo repetitivo que pueda parecer, lo cierto es que cada misión nueva se disfruta  mucho y tardas en cansarte de jugar. La principal pega es que como te atasques en algún punto (y lo harás) tendrás que farmear por niveles anteriores. Y además bastante. Un glosario de localización de los objetos para saber a qué nivel ir habría estado de fábula, y así me evitaría tener que mirar la patapedia cada vez que quiera algo. Los minijuegos son bastante pestosos, la verdad, ahí se podría haber mejorado bastante. En ocasiones puede resultar frustrante, pero superar los desafíos que te propone es realmente satisfactorio.

Heavy Rain (PS3)

Otro juego de género difícilmente etiquetable de la mano de los creadores de Fahrenheit. Controlaremos a cuatro personajes con motivos diferentes para resolver el mismo caso de asesinato.

Jugar a Heavy Rain es algo así como vivir una película interactiva. Moveremos a los personajes por los escenarios tomando decisiones de mayor/menor relevancia para la trama. Podremos oir sus pensamientos y también hablar con la gente. Cuándo te hablan, si pasas un rato sin contestar el juego interpreta que prefieres quedarte callado. Lo cual no estaría mal si las opciones de diálogo no estuvieran orbitando a gran velocidad alrededor de la cabeza del personaje. Si no atisbas a ver rápido que opción quieres estás fastidiado, es muy muy frustrante y un claro ejemplo de cómo no siempre las cosas vistosas son funcionales. Las escenas de acción son todas a través de QTEs, y hay que decir que mantienen la tensión. La sensación que te deja el gameplay es de potencial desaprovechado, ya que al final todo se reduce a apretar el botón que te mandan. Su punto fuerte se supone que es la historia, aunque tras saber el final deja bastante mal sabor de boca. La conclusión no es coherente con los pensamientos de los personajes a lo largo de sus vivencias, y la sorpresa se basa más en una omisión de información flagrante que en un giro verdaderamente sorprendente.

No More Heroees 2: Desperate Struggle (Wii)

El siempre sorprendente Suda 51 nos trae la segunda entrega de este Beat’em up para la sobremesa de Nintendo.

Mejora en gran medida los defectos de la primera parte. Recorrer la ciudad en moto ya no será posible, ahora iremos de un sitio a otro escogiendo el destino en un menú. Además, para ganar dinero se han añadido estupendos minijuegos estilo 8 bits que harán las delicias de los más retro. Meten 4 tipos de katanas, aunque al hacer una sumamente más poderosa que el resto pues como que pierde un poco la gracia. Controlar a Henry es un pasote, lástima que dure tan poco. Controlar a Shinobu es infernal, pero por suerte tampoco dura mucho. Los jefes finales tan hilarantes como los primeros. Creo que esta es la saga con más momentos WTF que yo haya jugado. Nunca se sabe qué te puedes esperar, literalmente. La historia tiene tan poco sentido como la anterior (hecha así a propósito, y en mi opinión para bien). Muchos de los diálogos nos harán levantar una sonrisa. Los controles no siempre responden como debieran, y la dificultad se ha reducido drásticamente, creo que solo me mató el último jefe. La mecánica minijuego-jefe podría dar algo más de sí. En los últimos combates ya hasta te quitan el minijuego, y les maldices bastante.

Ghost Trick: Detective Fantasma (NDS)

Aventura para Nintendo DS en la que controlaremos a un espíritu que trata de recuperar sus recuerdos mientras intenta evitar la muerte de las personas relacionadas con ellos.

Los dos mejores juegos que he disfrutado este verano son para la portátil de Nintendo. La historia de este Ghost Trick es una delicia. Mucho más simplista que 999, por supuesto, pero aún así con capacidad no sólo para entretener, sino para sorpredernos con cliffhangers colosales entre capítulo y capítulo. El final es bastasnte bueno y en ningún momento decepciona. El gameplay es muy original. Nos moveremos entre los objetos como espíritus que somos, interactuando con ellos para tratar de evitar la muerte de quienes atesoran nuestros recuerdos. Los personajes están sensacionalmente puestos en escena. Destaca sobre todo el perro Missile, que alcanza directamente la categoría de memorable. Los puzzles encuentran el equilibrio perfecto entre insustancial y desquiciante. Tras varios intentos podremos obtener la respuesta a todos ellos, pero casi nunca a la primera. No le encuentro ninguna pega a esta obra maestra de las aventuras.

Syberia (PC)

Aventura gráfica de las de toda la vida en la que una abogada tratará de conseguir la compra de una fábrica de robots.

Prometía bastante y la verdad es que se quedó en nada. La historia al principio resulta interesante, pero con el paso de los capítulos se va diluyendo cada vez más y más hasta que acaba por perder el interés definitivamente. El juego en sí es demasiado fácil para tratarse de un point & click, salvo cuando te encuentras con algún puzzle que directamente es incoherente (¿Por qué esa combinación de palancas para hacer la pierna del autómata? Nadie lo sabe). El término medio no existe, o incoherente o trivial. Creo que es la aventura gráfica con los personajes más olvidables que yo haya visto. A Oscar el autómata directamente dan ganas de meterle la cabeza en un tanque de ácido, que asco de tío. Pasar de un escenario a otro es leeeento. A los creadores de Syberia nadie les enseñó que si das doble click avanzas AUTOMÁTICAMENTE al siguiente escenario, no te tienes que tragar como la tía va corriendo hasta él (y no es que sea Ussain Bolt precisamente). Un bug que me obligaba a rejugar unos 10 minutos para continuar fue la gota que colmó el vaso. No entiendo qué le ve la gente a esto, de verdad.

P.D: Sí, tuve un verano bastante apacible

Lo más difícil de escribir de este post ha resultado ser el título. Y es que el humor que practica Álvaro Carmona es algo muy difícil de describir con un sólo adjetivo. En uno de los comentarios de sus vídeos alguien lo definió como “un humor que no te hace reir, sino sonreir”, y lo cierto es que me pareció una primera aproximación acertadísima. Lo que hace Carmona no es tronchante, pero sí sumamente original y creativo. El tío es capaz de buscarle la gracia a prácticamente cualquier cosa. Desde asociar los capuchones de los bolígrafos con las diferentes inclinaciones sexuales, buscar anagramas graciosos en las palabras, dibujar cosas que no son lo que parecen,…

Melodía de un balonazo en la entrepierna

El principal lugar donde poder disfrutar de los atípicos desvaríos de Carmona es su blog: nimiascosasminimas (que pensándolo bien es  también una descripción acertada de lo que nos espera allí). Una vez dentro nos encontraremos con múltiples imágenes como la anterior, aunque también con entradas más largas como este curioso diseño de los 18 hoyos de un campo de golf o esta representación de un duelo con una curiosa moraleja. Es habitual también encontrar alguna que otra canción estupidilla  (recordemos que es el compositor del ya famoso “Me lo tiro”) y algunos vídeos que en mi opinión son su mejor material (podeis verlos todos en su cuenta de vimeo).

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También lo podemos seguir en su twitter. Como todos sabreis, los 140 caracteres limitan la creatividad bastante, más aún si tenemos en cuenta el tipo de humor que Carmona practica. Pero eso no le impide buscar nuevas interpretaciones a caracteres Ascii, hacer chistes de la propia estructura Twitter o tener conversaciones consigo mismo. Y también chistes de los de toda la vida, por supuesto.

Como todo humorista que se precie, pasa parte de su vida deambulando por teatros presentando algún que otro monólogo (por desgracia nunca he podido asistir a ninguno) y se le puede ver de vez en cuando en la televisión. En concreto es bastante asiduo al tristemente extinto programa de Andreu Buenafuente, donde ha tenido numerosas actuaciones. Siempre fiel a su estilo, eso sí. Estas frases que nunca nadie ha dicho antes son para mí su mejor aparición:

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Por desgracia este genio contemporáneo del humor no es tan conocido como debiera. Espero haber solucionado eso aunque solo sea un poquito.

Qué divertido es hacer ránkings. Hacerlos y leer los que hacen otros. Cómo mola ver que lo que nosotros valoramos es amado por alguien, y cómo jode ver que en lugar de ser amado es denostado (lo segundo suele impactar más que lo primero). En este tercer top de la década quiero entrar a valorar un mundo en el que me estoy sumergiendo mucho últimamente, al igual que otros muchos ciudadanos españoles. Estoy hablando de la literatura televisada, las series, que tan de moda están ahora gracias a las benditas virtudes de internet.

Antes de que me echeis a los perros encima por no encontrar en el top obras como The Wire, Breaking Bad o Mad Men; he de decir en mi defensa que gracias a Dios mi vida no gira en torno a la carpeta de descargas del PC. Tengo otras ocupaciones y obligaciones. Cuando las vea (esas y otras) probablemente quiera arrojar este ranking a la basura. O quizás no. A día de hoy, las que están son estas:

10. How I Met Your Mother

La que muchos tildan como sucesora espiritual de Friends (la cual no está incluida por desarrollarse su mitad buena en los 90). La sitcom de los que en 2004, tristes y errantes tras contemplar como su amado Central Perk cerraba las puertas, tuvieron que buscar otro garito en el que pasar las noches para echar unas risas. No tuvieron que deambular mucho, ya que felizmente un año más tarde el McLaren’s abría sus puertas. Una de las grandes claves del éxito de HIMYM es esa, la gran cantidad de fans que se mudaron desde Friends y encontraron aquí algo bastante similar. Pero el don de la ubicuidad temporal no es la única de sus virtudes.

Otro de sus grandes aciertos fue el planteamiento. Como sin duda todos sabreis, la serie se situa en 2030, con un padre contándole a sus hijos la historia de cómo conoció a su madre, empezando 25 años antes. A día de hoy (6 años después) la identidad de la madre sigue siendo una incógnita, y el motivo por el que muchos continuan viendo la serie. Esa idea inicial propicia la peculiar estructura narrativa que hace de esta serie algo especial. Los hechos ocurren en el presente, pero son narrados como recuerdos por alguien 25 años más tarde. En un solo capítulo podemos estar viendo los hechos de una fecha, pero saltar al instante a 3 semanas después, volver 1 día atrás, avanzar 3 años… Maravilloso.

A pesar de que todas las virtudes que he enunciado han ayudado a impulsar el éxito de la serie, es evidente que el factor más determinante de su éxito ha sido Barney Stinson. Mujeriego, manipulador, siempre elegante y con muchas ganas de fiesta; cualidades que han hecho que se convierta casi automáticamente en el ídolo de una generación. Frases que pasarán a los anales de la historia como “Legend… wait for it…. dary!!” son parte de nuestras conversaciones diarias.

Por desgracia, la serie no está sabiendo envejecer como se merece. Alargando la historia principal de forma exasperante (podría empezar a llamarse “Cómo conocí al tobillo de vuestra madre”) y obligando a los personajes a una evolución forzada que no les sienta nada bien. Sus creadores han sabido elegir muy bien cuándo iniciar la serie, pero no han sabido escoger el momento de terminarla.

9. Modern Family

Apenas acaba de empezar y ya se ha ganado un puesto por derecho propio en este ranking. Estamos, en mi opinión, ante la comedia más refrescante y revolucionaria de la última década (hay quien dice que ese lugar lo ocupa Community, pero ¡mecachis!, esa es de las que no he visto todavía). Su ingrediente innovador no es el tapiz de falso documental sobre el que se desarrolla (detalle que empieza ya a repetirse en demasiados lugares), sino la forma que tiene de alejarse de las comedias convencionales, huyendo de las risas enlatadas y los planos estáticos, y dejando el 100% del peso de la serie en los personajes.

Y es que Modern Family es probablemente la comedia con el índice más alto de personajes memorables. Ojo, no he dicho “buenos” o “graciosos”, sino directamente memorables. Cada uno tiene su(s) favorito(s), pero dudo bastante que alguien deje fuera de la lista de memorables a Phil, Luke, Gloria o Cameron. Esto es algo muy descatable, ya que la ausencia de un personaje que se imponga a los demás es algo bastante poco frecuente (en Friends eran Phoebe/Joey, en HIMYM Barney, en The Big Bang Theory Sheldon,…). Esta igualdad se consigue dotando a todos los personajes de alguna peculiaridad muy específica, pero haciéndolos a la vez muy normales y naturales.

De esa naturalidad es de la que mana eso que hace a Modern Family especial. Aquí no veremos esas situaciones surrealistas o absurdas que caracterizan al género, sino a gente graciosa en situaciones totalmente cotidianas que sin duda en muchas ocasiones nos resultarán familiares. Es probable que todos hayamos asistido a la presentación de un bebé en sociedad. Ahora, igual no todos lo hemos presenciado simulando al Rey León…

8.  Battlestar Galactica

Este remake del clásico de los 70 ha conseguido elevar a nuevas cotas la ciencia ficción televisada. Todas las características propias de una serie del estilo sumadas a una producción y dirección exquisitas. La historia de la aniquilación nuclear humana a manos de los Cylon ha logrado congregar tras de sí una legión de seguidores de todas las categorías (por si alguien se pensaba que esto era una de esas cosas exclusivamente frikis).

Porque no, esta no es la típica serie que solo unos pocos pueden disfrutar. Aquí lo importante no son los robots ni la tecnología, son las personas. Galactica es una serie tremendamente visceral que nos muestra los sentimientos más profundos y primivitos del ser humano, catalizados todos ellos por el reciente holocausto y sus terribles consecuencias. Es especialmente imponente la imagen que suele acompañar a las escenas iniciales de cada capítulo, en la que una pizarra situada en el salón presidencial muestra cuantos seres humanos quedan vivos en todo el universo.  Cifra que por más que se esfuercen no hace otra cosa que disminuir.

El otro pilar fundamental por el que esta serie me acabó de enamorar fue el gran entramado político puesto en escena. Luchas de poder, disputas entre el gobierno y el ejército, golpes de estado, congresos, leyes polémicas… Todo lo que se suele ver en las noticias aderezado con una pizca de componente aniquilador. Es especialmente encomiable la actuación de la presidenta (para mí el mejor personaje de la serie) y sus discusiones con el comandante Adama.

Podría seguir alabando la serie hasta aburrirme: los cylons y su organización, la mitología, el sorprendente final… Pero entonces este post no acabaría nunca.

7. House

“Greg, qué bien te veo”, decía hace no mucho en este otro post tras acabar de ver la séptima temporada y estar maravillado. En el post mencionado ya analicé las bondades de esta grandísima serie, y repetirse es de monos, Mourinhos y políticos. Pero resumirse no:

Bondades, decía, de esta gran serie. La sorprendente capacidad de llevar 7 temporadas completas emitidas y mantener un nivel escandalosamente alto en el que sigue siendo capaz de sorprendernos. Esto es más notable teniendo en cuenta el género detectivesco-médico en el que se mueve, donde siempre parece que está ya todo dicho.

La casi total ausencia de capítulos desechables. Los hay que forman parte de la trama de House, los hay que plantean dilemas aparte en los que los personajes se ven involucrados y los hay que buscan experimentar los límites de las estructuras y formas narrativas. Todos los tipos suelen ser condenadamente buenos.

Y, como no, el protagonista de la serie, el médico cabrón al que todos conocemos y que es capaz de las locuras más descabelladas cuando se le tuerce la neurona.

6. CSI (Las Vegas)

Hace ya mucho que me he desencantado con esta serie. Mucho antes incluso de llegara Morfeo a repartir leches mientras recoge huellas digitales perdidas. Tienes una 4 primeras temporadas que son muy buenas (o al menos en su momento me lo parecieron). A partir de ahí la fuerza de la costumbre le fue haciendo mucho daño, hasta que llegada la octava temporada me resultó imposible de seguir. Pero creo que es de justicia situarla en un puesto alto de la tabla.

¿Por qué? Porque es un hecho totalmente innegable que ha sido la madre de otras muchas series. Antes de CSI las series de policías consistían en persecuciones, tiroteos y acción espolvoreadas con alguna que otra trama interesante. Pero tras CSI las fuerzas del orden sustituyeron las pistolas por lupas, las persecuciones por inteligentes interrogatorios y la acción por una gran dosis de inverosímil ciencia. Me gusta pensar que en ese sentido CSI influyó en la sociedad de un modo positivo, reemplazando la adrenalina por conocimiento.

Después de CSI todas las series de policías transcurrían en un laboratorio. Hubo innumerables “copias”: Bones, Numbers, Crossing Jordan, Navy, Lie To Me… Tuvo dos spin-offs (que son aproxidamente dos más de los que necesitaba). ¡Hasta las copias tuvieron spin-offs!. Todo un fenómeno que sin duda cambió la forma de realizar la televisión tanto en EEUU como fuera.

Mención especial y aparte merece Gil Grissom, personaje principal de la serie y bandera emblemática de la nueva policía científica. La típica rata de laboratorio con pocos dotes para las relaciones sociales y mucho para los experimentos, pero con un matiz del que todas sus copias carecen. El carisma de Grissom precisamente consistía en su total ausencia de carisma. A su bola, en su laboratorio, disfrutando de sus insectos y sus cerdos formolizados. Como un buen friki de la ciencia debe ser, y como todos los demás no supieron ser nunca.

5. Los Soprano

¡Herejía!. ¡Traición!. ¡Ahorcadlo con sus propios intestinos!. Eso es lo que muchos estareis pensando a estas alturas. La que para muchos es la mejor serie de la historia en un digno aunque sin duda ofensivo quinto puesto (más ofensivo si cabe al ver por quienes es superada). Machos, es lo que hay.

Evidentemente estamos ante una obra maestra de la televisión contemporánea, fundamental para cualquier aficionado a las series y visita obligadísimante para los amantes del tema mafioso. La sensación de que no estamos viendo una serie sino algo así como un reportaje desde dentro o una adaptación de hechos reales es increible. Todo es maravillosamente realista. No es por querer cavarme una segunda tumba, pero el Padrino sería un aprendiz de ficción mafiosa al lado de esta sublime serie. Enseña mejor que nadie cómo es en realidad el mundo del crimen organizado actual. Hay incluso quien se refirió a ella no como ficción, sino directamente como “cultura popular”. Dirección y guión contribuyen mucho a este maravilloso efecto, pero hay que mencionar las interpretaciones aparte. James Gandolfini (Tony) y Eddie Falco (Carmela) se llevan la palma en ese tema. Están siempre sobresalientes, directamente lo bordan. Mención aparte para Paulie, entrañable y cabronazo al mismo tiempo.

Esas son de lejos sus grandes virtudes (amén de otras muchas que seguro que mis ignorantes ojos no han sabido captar), pero me es inevitable hablar de las que considero sus debilidades, para justificarme ante las pedradas. Cómo he dicho la ambientación es deliciosa, lo más realista que podría ser, pero para ello paga un precio en velocidad de desarrollo bastante alto. Compensa, y mucho, pero sigue estando ahí. Los Soprano es una serie lenta. Además, y aunque se haga lo posible por esquivarlo, a lo largo de la serie se cae en inevitables repeticiones. Y, como no, su final, inaceptable en mi opinión. Eso de que cada uno decida lo que quiera es un recurso muy barato, no va a acorde a la grandiosidad de la serie.

4. Doctor Who

Si estuviera siendo completamente objetivo y analizara las series desde un punto de vista rígido y metódico, probablemente nuestro amigo el Doctor no haría acto de presencia. Desde luego no en un puesto tan alto. Pero el ranking lo hago yo y yo soy subjetivo (hay quien dice que la objetividad no existe). Doctor Who es una serie a la que se le ven mucho sus carencias. Se notan a la legua. Es evidente que no cuenta con valores de producción, dirección, etc. que otras de las mencionadas sí que disfrutan. Ni siquiera se puede decir que posea un guión especialmente brillante. Pero el Doctor ejerce ese inefable magnetismo. Inevitablemente acabas amándolo.

Es más que probable que el frikismo que destila por los cuatro costados haya tenido su influencia. Esta ciencia ficción siíes casi exclusiva para gente ligeramente friki, al contrario que la presentada en Galactica. El propio protagosnita de la serie, el Doctor, es probablemente bastante más friki que tú. Y eso te engancha. Los viajes en el tiempo, personajes históricos, planetas imposibles o referencias a todo tipo de cultura popular también ayudan, claro.

Pero el éxito de esta continuación de la mítica serie de los 80 se le puede achacar casi completamente a un actor: David Tennant. Aunque los otros doctores hagan un papel más que notable, de ninguno se puede decir que tenga ese carisma natural que tiene Tennant. Esa sonrisa de hombre ajeno a la cordura, esa combinación de traje-corbata-converse, ese comportamiento juvenil… Y sus ayudantes, en general favorecen su labor más que desmerecerla. Sobre todo Amy Pond. Loca, imposible Amy Pond. Una vez que la conoces enamorarse no es una opción a escoger. Es obligatorio.

El gran lastre de la serie es el infinito salto de calidad que hay entre sus capítulos buenos y malos, mayor que en cualquier otra que yo haya visto. Aún así, cuando los acabas siempre quieres más.

3. Lost

Aquí está. La sensación de la década y culpable en gran medida del masivo seguimiento de las series en nuestra sociedad. Su horrenda y última sexta temporada no debe emborronar el apasionante viaje que nos lleva hasta ella. Jamás una serie ha generado tantísimas teorías y confabulaciones como Lost. Todo en esa isla era misterioso, todo podía suceder, y esa sensación era alucinante.

Creo que se puede afirmar sin temor a equivocarse que lo que ha hecho grande a Lost son sus cliffhangers. No es que cada capítulo te deje con ganas de más, es que si no lo ves te da algo. Y no algo bueno. Ya desde el primer capítulo, y así siempre hasta el último, cada respuesta a una pregunta plantea varias preguntas más. Preguntas fascinantes, en la mayoría de las ocasiones con respuestas triviales, pero creo que las respuestas casi son lo de menos. Quieres saber lo que pasa, y aunque al final lo que ocurre no cumpla tus espectativas, esa sensación de estar ante un misterio incontestable no te la quita nadie. Cuando uno ve Lost nunca deja de prestar atención. Sospechas de todo y de todos. El temor a que se te escape algo es demasiado grande.

El elenco de personajes otra de sus grandes bazas. Portan todos los clichés posibles, eso es cierto, pero aún con esa carga hay que admitir que están muy logrados. Todos son misteriosos, casi tanto como la propia isla. Nunca jamás te fías de ninguno, pues en cualquier momento te la pueden jugar. A destacar entre ellos al gran Benjamin Linus. Dios, cuánto nos ha hecho sufrir ese pequeño bastardo. Nunca sabías qué esperar de él, nunca revelaba sus intenciones. Ni aún cuando las llevaba a cabo.

Lástima de esa ida de pinza gigantesca que es su última temporada y parte de la quinta, sino estaría en el primer puesto del ránking sin dudarlo. Porque aún con todas las taras que tiene, Lost siempre era la serie más esperada de la semana.

2. Hermanos de sangre

No es que yo sea un gran fan de la ficción bélica, la verdad. Siempre encontré que ese tipo de obras intentaban ocultar más de lo que mostraban, que buscaban justificarse a sí mismas de algún modo. Quizás por eso el efecto que tuvo esta serie en mí se vio amplificado, no lo sé. Lo único que sé es que jamás vi una representación de la guerra como esta.

La gran virtud de Hermanos De Sangre es la misma que la de Los Soprano y la misma que todas las series de HBO en general. Es tremendamente realista. Con el tema mafia resultaba impactante, pero ver la crueldad de la guerra desde ese enfoque, alejado de las heroicidades típicas que esconden mejor que enseñan, es tremendante sobrecogedor. Ya desde el primer capítulo en el que se relataba la instrucción de la compañía Easy uno se encabronaba bastante. Pero a medida que avanzan los capítulos no puedes evitar sentir una pena profunda y amarga por lo que tuvieron que pasar aquellos hombres.

Aún recuerdo especialmente el capítulo del doctor en Bastogne, con todo nevado. El nudo que se formó en mi estómago al acabar el capítulo me dejó totalmente fuera de lugar. No me lo esperaba. Estaba viendo algo por pura diversión, y sin embargo me sentía sumido en la más amarga tristeza. Puedo sonar exagerado, pero creo que sería de insensibles acabar ese capítulo y no notar nada. Por lo que sé no soy el único, así que no seré tan raro al fin y al cabo.

Cuando la serie llega al final sientes compasión por todos y cada uno de los protagonistas. Apenas te sabes sus nombres, pues son muchos y la serie sólamente tiene 10 capítulos, pero sabes por lo que han pasado. Sientes una mezcla de alivio, simpatía y hasta agradecimiento. Merece mucho la pena pasar por esto. De verdad.

1. Dexter

El asesino de asesinos. Sin duda lo mejor que yo he visto en la última década. No es un flechazo instáneo como el Doctor, no me deja esa sensación de querer más y más como Lost. Dexter es totalmente diferente a todo. Ver la serie suele producir cierta incomodidad. Y aún así la ves, sientes que tienes que hacerlo.

Hay que tener en cuenta que no estamos lidiando con cualquier cosa. El protagonista absoluto de la serie es un asesino. Y no uno cualquiera, uno retorcido y despiadado. Sí, sólo mata a gente mala, pero eso no lo convierte a él en alguien bueno. Simpatizar con él está prohibido. Y sin embargo lo acabas haciendo. Y ahí es cuando te sientes incómodo. Pero es inevitable sentir cierta empatía hacia él. Es una sensación única que no creo que pueda encontrar jamás viendo otra cosa.

Además del propio Dexter están los malvados de cada temporada. Todos y cada uno de ellos son inolvidables, tan profundos como sólo un loco podría serlo. Dedicar a ellos tantos capítulos es el mayor acierto de la serie. Si tengo que destacar a uno me quedo claramente con Trinity y la  magistral interpretación de John Lithgow. Y si tengo que quedarme con un momento, sin duda elijo este .

¿Defectos de Dexter?. Espera que pienso…

Fanboyismos aparte, el futuro no será tan futuro sin Steve Jobs, un tipo que fue capaz de revolucionar la industria (y por ende, el negocio) del entretenimiento como mínimo en cinco ocasiones.

Macintosh, iPod, iTunes, iPhone y iPad son ya cinco de las palabras que han cambiado nuestra forma de concebir la tecnología y el entretenimiento. Con énfasis en el “cambiaron”. Jobs no inventó ni el ordenador, ni el reproductor de música, ni el teléfono, pero supo mejorarlos y evolucionarlos marcando siempre las pautas y los ritmos del mercado y la competencia. Solo por eso, ya es una gran pérdida para toda una generación que aupó al status de rockstars a estos visionarios tecnológicos que, y no es por exagerar, cambiaron el mundo en mayor o menor medida.

Mi primer producto Apple fue un iPod Video que compré después de una experiencia más o menos aceptable con un reproductor mp3 de Creative, y ante la disyuntiva de comprar una PSP o un iPod, y dado que para mí la música siempre fue más importante que el resto, me acabé decantando por el reproductor de Apple.

Tenía razón anoche Bill Gates en sus palabras de recuerdo a Steve Jobs cuando decía que su espíritu perfeccionista y apasionado estaba siempre presente en todos sus productos.

Ha habido siempre una guerra de números entre las especificaciones de la competencia y los productos de Apple, pero es ese espíritu que impregnó e impregna las ideas y productos de Jobs, y que se nota en toda su etereidad en el ecosistema de los mismos, lo que nos lleva a muchos a comprarlos y adquirirlos. Ya no tanto por lo que representan, si no por lo que son.

Y es que en esa guerra de números, los megahercios y los megabytes no son siempre tan importantes como la experiencia que resulte del uso que se haga de ellos.

Sin desmerecer a la competencia, tener un iPhone en las manos es distinto a tener un HTC o un Samsung. No mejor ni peor. Distinto. No hace falta que nadie se percate de ello. Ni siquiera es necesario. Para mucha gente, un teléfono es solamente un artilugio con el que hacer llamadas, y un ordenador una cosa con la que leer el correo. Para otros, estos aparatos cambiaron nuestra forma de ver y entender la tecnología, y simplemente por ello los queremos.

Con la estupenda experiencia del iPod, años después acabé cambiándolo por un iPhone, y mi antiguo ordenador por un Macbook; que cambiaré consecuentemente por otros productos de la manzanita cuando llegue el momento.

Si eso me convierte en fanboy, bienvenido sea el calificativo. Unos van a comer todos los días al mismo restaurante, agradecidos por el trato. Otros compran siempre la misma marca de cereales, porque son los que les gustan. Y otros compramos productos de la misma empresa por la comodidad y la experiencia que nos ofrece.

Gracias, pero no hace falta que venga nadie a decirnos lo idiotas que somos gastándonos nuestro dinero en dichos cacharros.

Se va un hombre al que muchos no entenderán por qué a algunos nos entristece su marcha. Bastaba ver una de sus muchas keynotes para saber que Steve Jobs era una persona que disfrutaba con lo que hacía, y que mostraba con pasión y con la emoción de un niño cada nuevo adelanto que sacaba a la venta. Una pasión que se sentía consecuentemente correspondida por millones de personas poco después.

Pinche aquí para ver el vídeo

Miles de sitios y personas enlazarán hoy el sentido discurso que dio hace unos años en la Universidad de Stanford. El discurso donde Jobs hablaba de la vida y la muerte, sobre el trabajo y las pasiones, y que deja tantas frases memorables que se le podría dedicar un artículo completamente aparte.

Yo no voy a ser menos. Si sirve para que lo escuche una persona que lo desconocía, habrá merecido la pena.

Agradezcamos, por tanto, la inmensa mayoría de las ideas que salieron de la cabeza de Steve Jobs. Gracias a él nos emocionamos viendo películas como Toy Story o Up. Y gracias a él, probablemente, estemos leyendo esto desde nuestros ordenadores o teléfonos móviles.

Que no es poco.

(escrito originalmente el 23 de junio de 2011)

Propicias noches,

La protagonista de la entrada de hoy va a ser la polémica Rebecca Black, a la que, vayan afilando sus lanzas y espadas para empezar su ataque contra mi persona, voy a defender. Sí, habéis leído bien, defender. Y lo haré de la siguiente manera, estas son las 10 razones que delatan que Rebecca Black lo parte:

1. No sé si alguien de vosotros conoce el origen del videoclip , pero ya estoy yo aquí para aclarároslo. Resulta que los padres de Rebecca, que deben ser gente de pasta, quisieron que su hija grabara un videoclip, como regalo de cumpleaños, que era algo que ella siempre había querido hacer. ¿Es o no es de los regalos más originales que hayáis visto jamás? Si no es así, que baje Murphy y lo vea. Y como regalo de cumpleaños, no se merece que sea chafado por nadie.
2. Rebecca Black nunca ha perdido la compostura frente a todas las críticas que le han hecho. Como diría el párroco de cualquier barrio, hay que poner la otra mejilla. Muchos cantantes, que no cantan mucho mejor que ella (si es que de verdad cantan mejor que ella) y gozan de prestigio con música de calidad similar, se lo creen y empiezan a faltar al respeto a gente creyéndose superior que los demás. Rebecca, por contra, afronta con alegría el alubión de abucheos y críticas que le han llegado desde que apareció el video en cuestión.
3. La cantante no ha generado algo que a mí, personalmente, me irrita mucho: el fenómeno fan. Esto es una opinión personal así que puede que este punto no cuente para vosotros, pero la verdad es que odio el fenómeno fan. Miles de niñas, gritando como unas histéricas, como si se acabase el mundo. Argh, es una cosa que me pone de los nervios, las espabilaba yo a todas a base de bofetones. Y luego las habrá que se atreven a llamar friki a gente que le gusta Star Wars o cosas por el estilo. Háyase visto, valiente mierda de niñas. El día que me ponga a gritar como un energúmeno cuando vea a George Lucas y su prominente papada por ahí, que me digan algo, hasta entonces, la friki eres tú, niñata.
4. La tía es una cachonda (en el sentido de que es graciosa). En un twit, le preguntaron si no se consideraba la Justin Bieber chica, a lo que respondió si Justin Bieber no era ya la Justin Bieber chica. Eso se merece un aplauso. En mi mente, cuando leí esto, se reprodujo la escena de 8 Millas, cuando los raperos empiezan a descojonarse ante el corte monumental que le acaba de pegar el uno al otro, en plan “¡Esa ha sido buena, hermano!”. Luego si investigas un poco más te encuentras con que aparece diciendo que le encantaría hacer un dueto con Justin Bieber. La verdad es que es una cagada, después de haberle dejado mal, pero la frase de su twitter es insuperable.
5. La tía es una cachonda de la leche. ¿Habéis visto el último video de Kate Perry? Bueno, pues ahí sale, dándolo todo con otra tía que me cae muy bien (aunque no me guste su música), porque le da un poquito igual todo lo que digan de ella. Un video divertido (♪ fun fun fun fun♪) que podéis ver si no tenéis otra cosa que hacer:
   http://www.youtube.com/watch?v=KlyXNRrsk4A
6. La tía es una cachonda de campeonato. Rebecca SABE que su canción es un truño. Es más, si investigáis, encontraréis un video en el que habla de su propio videoclip, defendiendo mensajes escondidos: el valor simbólico y metafórico que la letra de la canción tiene para con distintos aspectos de la vida. Vedlo, eso sí, está en inglés (quizás, y si alguien me lo pide amablemente, lo subtitule):
   http://www.youtube.com/watch?v=6DYi8fmLYSQ
7. Su amiga Benni Cinkle, una de las que va en el asiento de atrás del coche mientras baila y de la que se han burlado muuuuucho, ha hecho más o menos lo que Rebecca, pasar de todas las mofas. Pero va más allá; hay un paso del baile del que se han burlado especialmente (el del acordeón), y basado en ése hizo un baile, y un video, con el que querían reunir fondos para los damnificados por el desastre en Japón. Vamos, que parecen un grupo de amigas con bastante buen rollo, buena gente.
8. Su canción Friday, es una canción desenfadada que no hace apología de la violencia, el machismo o las drogas, por citar algunos temas que se pueden considerar “nocivos” que podemos encontar en algunas canciones  sin mayor esfuerzo.  Esto es algo que estamos acostumbrados a ver en el reggae-ton. Podría escribir 14 millones de entradas desprestigiando al Reggaeton, de lo poco que me gusta, y de las horribles canciones que se atreven a sacar, pero me tengo que reducir a este espacio. Diré que la gente que se atreve a decir que “Friday es la peor canción de la historia” debería analizar de forma igual de crítica toda la industria reguetoniana. Y no sólo eso, recordemos exitazos que han triunfado de forma vergonzosamente asombrosa como “Un limón y medio limón” o el aserejé. Seamos justos, señores.
9. Es una canción asquerosamente pegadiza, que se te mete en el cerebro y le cuesta salir; incluso me he sorprendido a mí mismo tatareándola. Creo que dentro de diez años estaré contando esto en un grupo de terapia colectiva reconociendo tal trauma: -Hola, me llamo Óscar, y he llegado a cantar Friday de R. Black (Todos: -Hola, Óscar). En fin, lo que esto quiere decir que, muy a nuestro pesar, es una canción con la que alguna parte de nuestro subconsciente disfruta.
10. No ha sido una bajada de pantalones y una vendida de la industria discográfica, como ha ocurrido con Disgusting Bieber, que ha arrasado en los premios MTV. No quiero decir que Rebecca también se merezca esos galardones, sino que ambos estilos musicales son muy similares, y desde mi punto de vista, ninguno de los dos se merecen esos premios. Sin embargo, parece que Justin es la actual gallina de los huevos de oro, aunque también sea un futuro juguete roto. Rebecca no genera tanto dinero y, disponiendo del mismo talento musical, uno tiene grandes ganancias y un ejército de fans que le defiende, mientras que la otra no tiene nada. Eso sí, ambos reciben críticas más o menos justificadas.

Resumiendo, Rebecca es sólo una chica que intenta cumplir un sueño. De una manera creativa, haciendo música, y con optimismo. No creo que merezca todo lo que se le ha venido encima. Eso sí, chapó por seguir siendo igual de natural.

Ahora os toca a vosotros condenarme al infierno de los blogueros, y rebatir lo que yo he dicho. Hagamos lo siguiente, si me dais (entre todos los que comentáis) el mismo número de razones válidas que yo he dado, es decir, diez, quizás me hagáis cambiar de opinión al respecto. Hasta entonces, seré un férreo defensor de Rebecca Black y su obra. Sin más…

Namaste y buena suerte

Buenas (?) tardes:

Este verano han ocurrido muchas cosas más o menos interesantes de las que me hubiera gustado hablar; pero por h o por b, no he podido hacerlo en su momento, y ahora ya me resultan tan lejanas que me da una pereza enorme ponerme a escribir sobre ellas. La unión entre la velocidad del mundo actual y mi vagancia natural es inexorable, supongo.

Pero hace un par de semanas una noticia me ha hecho replantearme de nuevo teorías y críticas olvidadas sobre la sociedad en la que vivimos. La noticia en cuestión es esa de que la red social Twitter ha denegado la “petición” del Ministerio de Sanidad para que ésta cancelara las cuentas de aquellos usuarios que escriban comentarios realzando las bondades de la anorexia y/o bulimia.

Vivimos en una sociedad que, como todas, posee sus propios códigos, ideas y errores. Cuando me llegan noticias como ésta o como otras muchas similares, siempre aparece en mi cabeza retumbando la horda de personas de bien preocupadas por el bienestar social y moral del resto de la sociedad. Algunas de ellas se amparan en esos entes indefinidos llamados “asociaciones”; ya sean a favor de una cosa x o en contra de otra y.

Estas asociaciones suelen estar compuestas por padres preocupados por lo que este mundo puede hacerle a sus pobres vástagos, ingenuos y desamparados entre los fuegos del infierno en que nos ha tocado vivir. Sentencian por doquier bajo la razón que les otorga el amor y la protección que profesan a sus hijos y, por añadidura, por los hijos de aquellos que, al contrario que ellos, no son consciente del daño que causan con su dejadez. Seguro que llegados a este punto del artículo, todos habreis recordado alguna noticia más al hilo de mis comentarios; o estareis pensando en alguien que conozcais que se atenga a la descripción que he realizado. Quizás vuestros padres, o quizás vosotros mismos.

De esas personas es de quién quiero hablaros, de esos padres abnegados que solo buscan la forma de crear un mejor mundo para sus hijos a costa de la sobreprotección de ellos y de todo el resto de los mortales. De esos buenos padres… ¿o no?

Pues no, para mi no lo son. Para mi no es un buen padre alguien que se desvive porque su trabajo lo hagan otros. No caso con aquellos que profesan el, llamémoslo, “comunismo proteccionista”; esto es, pensar que todo el mundo ha de preocuparse de proteger a tus hijos de las maldades del exterior. Algo así como que los basureros fueran casa por casa, habitación por habitación, limpiando y recogiendo nuestra basura. “Señora, su mierda se la limpia usted”.

Si no quieres que tus hijos se conviertan en autómatas irreverentes por culpa de la TV, no pidas con agresividad un “horario de protección infantil”, simplemente no dejes que tu hijo vea lo que no creas conveniente que vea; pudiendo hasta ser aconsejable no ponerle a tu lado mientras ves esos programas tan interesantes sobre las vidas de gente sin oficio ni beneficio aparente.

Si consideras que Internet es una mala influencia, igual no hace falta apelar a leyes absurdas y “consejos” o “peticiones” como la que incita este artículo. Igual solo hace falta que limites los contenidos y horarios del uso de Internet de tu hijo, incluso que uses ese tiempo para compartirlo con él.

En definitiva, considero que dejar una de las funciones más importante de tu labor como padre en manos del resto del mundo (como también sucede con la educación y los profesores; tema que daría, no para un artículo, si no para una tesis doctoral), nunca te va a hacer mejor padre, si no más bien al contrario, ni aunque el tiempo que deberías dedicar a esa tarea lo emplees en agitar a la sociedad para que lo haga ella. Pero dada mi inclinación a sopesar en demasía las cosas, el resto del artículo quiero emplearlo en intentar “comprender” o “justficar” este comportamiendo de, para mi desgracia, demasiada gente en este país.

Vamos a suponer que los padres que componen este grupo de agitadores proteccionistas pertenecen ya a dos generaciones, los que en este momento son padres y los que ya han sido abuelos. En el caso de estos últimos, podemos tomar en consideración la sociedad en la que han vivido. En plena dictadura, el Estado era el encargado de ejercer una protección estricta de las almas de todos los españoles (aquello de la “Reserva Espiritual de Occidente”, ya sabeis); por tanto, la preocupación de la gente era nula con respecto a este tema, todos sabían que el filtro de protección ya venía aplicado de serie. A la hora de ser padres, esta primera generación por tanto no tuvo que preocuparse de ejercer personalmente esa parte de la profesión de padre. Sus hijos, es decir, nuestra segunda generación de agitadores, crecieron en un país que estaba en proceso de apertura y liberación. Un proceso tan deseado por muchos que, posiblemente, se produjo demasiado deprisa. Aquellos que ahora son padres, crecieron en constante comparación de la libertad de que disponían (o creían disponer) con los años de oscuridad que les precedian; por tanto, la sola necesidad de necesitar protección era absurda “¿Protegernos de la libertad?”.

Ahora, años despues, esas dos generaciones se encuentran de nuevo ante el reto del proteccionismo de las nuevas; en un mundo diferente en mayor o menor medida al que cualquiera de ellos ha vivido. Unos porque nunca tuvieron que hacerlo y los otros porque desecharon su sola presencia, no tienen ni la más minima idea de cómo o qué hay que hacer; así que necesitan apelar a un ente superior, global, que les ayude en esta tarea.

Para finalizar, antes de que empeceis a pegarme palos indiscriminados (o a ensalzarme como poseedor del carnet del “comunismo proteccionista”), dejar claro que esto no es ni un estudio ni una valoración objetiva; es simplemente mi forma de intentar ver a esos padres que comento con buenos ojos; en lugar de pensar que lo que se merecen es que se metan sus ideas y consejos por el tercero de ellos.

Hablábamos hace apenas tres meses de las canciones más efímeras de Pink Floyd en un post en el que hacíamos un repaso a esos temas cuya breve duración no era obstáculo alguno para convertirlas en grandes creaciones. A fin de cuentas, lo bueno, si breve, dos veces bueno. Aun así, como en toda recopilación que se precie, siempre se queda algún ejemplo en el tintero esperando a ser rescatado en algún momento posterior.

El momento ha llegado, aunque esta vez el filtro no será de tiempo, si no de popularidad.

Si bien Pink Floyd ha parido grandes himnos desde hace décadas como Money, Wish You Were Here o Another Brick on the Wall pt. 2, nos centraremos hoy en esas canciones más desconocidas para el gran público en general que no se haya adentrado en exceso en la discografía del grupo británico.

Ojito, que no son pocas.

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The Piper at the Gates of Dawn – Bike

Hay que reconocer que los primeros discos de Pink Floyd, con este The Piper at the Gates of Dawn (1967) a la cabeza como opera prima, no son fáciles de escuchar para todos aquellos que simplemente conozcan al grupo a partir de su época más progresiva de The Dark Side of the Moon en adelante.

Sus comienzos fueron una de las banderas del movimiento underground a la par que psicodélico de la Inglaterra de finales de los años 60, de lo que habida cuenta da este primer trabajo, con los pasajes infinitos e inconexos de Interstellar Overdrive o las letras de significado vaya-usted-a-saber-qué de la conocida Astronomy Domine.

Bike cerraba el disco. Mitad descripción lírica de una bicicleta que Syd Barrett cogió prestada, mitad musique concrète, el resultado es, como mínimo, digno de ser escuchado.

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A Saucerful of Secrets – See Saw / Jugband Blues

En este segundo disco de Pink Floyd (1968) se empezaba a vislumbrar ya la transición que supuso la salida de Barrett del grupo y la entrada de Gilmour, con un tono decididamente más progresivo que psicodélico gracias a temas como Let There Be More Light o A Saucerful of Secrets.

See Saw es una de las canciones más tranquilas y agradables del álbum, y fue, después de Remember a Day, la segunda canción compuesta por el ya desaparecido Richard Wright. A su vez, Jugband Blues cerraba tanto el disco como las contribuciones de Syd Barret al grupo, pasaje psicotrópico a media canción incluido.

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More – Cymbaline

Fácilmente uno de los dos discos más desconocidos de Pink Floyd, More (1969) fue el tercer álbum del grupo, que a su vez fue la banda sonora de la película homónima de Barbet Schroeder.

Aunque no es ni mucho menos uno de sus mejores trabajos, y a medio camino entre los sonidos de A Saucerful of Secrets y un sonido más campestre, More tenía temas interesantes como Ibiza Bar, aunque el que más destacaba era Cymbaline, con un ritmo y una lírica mucho más equilibrados que el resto del disco.

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Obscured by Clouds – Mudmen

El segundo de los discos desconocidos del grupo es de nuevo una banda sonora. Obscured by Clouds (1972) fue la música para La Vallée, otra película de Barbet Schroeder.

Después de Atom Heart Mother (1970) y Meddle (1971), la mezcla de sonido progresivo y espacial iba tomando definitivamente forma en el grupo, y este Obscured by Clouds, grabado en tan solo dos semanas, fue el puente lógico entre la fantástica suite Echoes del Meddle y el que sería el siguiente trabajo del grupo: The Dark Side of the Moon.

Aunque el disco suena bastante parecido a lo largo de todas sus pistas, por alguna razón siempre he preferido Mudmen al resto. Sobre gustos…

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The Dark Side of the Moon – Us & Them

Cualquiera diría que qué pinta una canción del DSOTM (1973) en un post sobre canciones de Pink Floyd poco conocidas, pero claro, teniendo en cuenta que la fama de todo el disco se la llevó sobre todo Money (y quizás Time en menor medida), me parece de recibo rescatar mi tema preferido del disco, y nunca lo suficientemente valorado.

Us & Them marca los ritmos como pocas canciones en la discografía del grupo, y se agradece sin duda la mano de Alan Parsons en la producción, dejando esos espacios en blanco en los que retumban las últimas palabras de cada verso.

Y además, por qué no decirlo, tiene uno de los mejores estribillos de la banda (¡ay, la VERSIONAZA en directo del PULSE!).

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The Wall – Goodbye Blue Sky

Con The Wall (1979) pasa igual que con The Dark Side of the Moon, que es uno de los discos bandera del grupo y sin embargo es conocido básicamente por una sola canción, la archirrepetida Another Brick on the Wall pt 2.

A lo largo del doble CD de esta opera rock que supuso el inicio de los macroconciertos, aparecen muchos temas ocultos injustamente bajo la sombra de ABOTW: Don’t Leave me Now, Goodbye Cruel World, Is There Anybody Out There?, The Trial…

En esta ocasión repetimos tema (aunque esta vez en directo). Goodbye Blue Sky es una de mis favoritas del disco. Breve, concisa y con una demoledora letra antibelicista y una guitarra acústica que desola nota a nota.

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A Momentary Lapse of Reason – One Slip

Tras la marcha de Roger Waters, en 1985 David Gilmour comenzó a componer en vistas a publicar el que sería su tercer disco en solitario, aunque poco tiempo después decidió usar todo el material del que disponía y llamar a sus antiguos compañeros y nuevos colaboradores para volver a poner en marcha la maquinaria de Pink Floyd.

A Momentary Lapse of Reason (1987) peca en ocasiones de un sonido demasiado ochentero, lo cual no quita que tenga maravillosos temas como Signs of Life, On the Turning Away, Yet Another Movie o Sorrow. Y todo ello a pesar de ser un disco irregular y sin un tema como nexo de unión entre las canciones del disco.

One Slip es sin duda uno de los temas que menos le pega al sonido pinkfloydiano, pero en esta macedonia de AMLOR todo está permitido (bueno, todo menos Dogs of War). Aun así, siempre fue de las que más me gustaron de este álbum, quizás por ser, junto con Learning to Fly, el contraste alegre entre la tónica oscura del resto del disco.

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The Division Bell – Marooned

Aunque parezca que fue ayer, el último disco de Pink Floyd tiene ya la friolera de 17 años. Diecisiete años que, a diferencia de a AMLOR, le han sentado divinamente a The Division Bell (1994), con un sonido mucho más cercano a lo que fueron en su día las grandes composiciones de la banda.

Con la comunicación y el lenguaje como hilo conductor, The Division Bell cerraba la trayectoria del grupo con grandes temas como Cluster One, What Do You Want From Me, Coming Back to Life, Keep Talking o, por supuesto, la que suponía el broche final perfecto a una carrera de más de cuarenta años: High Hopes.

De esta última ya hablé en uno de mis primeros posts en este blog, por lo que el espacio a estas pequeñas desconocidas se lo dedicaremos a Marooned, sin duda la mejor composición instrumental del grupo.

Puede que Gilmour no sea ni mucho menos el guitarrista más rápido ni habilidoso haciendo virguerías, pero a la hora de sacarnos a la luz sentimientos tocando tan solo un par de notas, no hay otro igual.

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En ocasiones la nostalgia es mala consejera. Sobre todo a la hora de sentarnos a hablar sobre cosas que nos recuerdan a otras cosas que disfrutamos de pequeños. Como ese libro que se parece a aquel que leímos en el colegio. O aquel disco que sonaba como ese otro que escuchábamos casi a escondidas. O como Super 8, la película que ha aparecido este verano y que ha recibido hostias como panes simplemente por parecerse a la bandera de toda la generación nocillesca: Los Goonies.

Que oigas que Steven Spielberg y JJ Abrams van a hacer juntos una película ya es motivo de hype, a menos que seas un indie amargado que solo ve cine iraní de la posguerra; por lo que cuando uno se entera de que va a existir algo llamado Super 8 lo mínimo que puede hacer es mostrar un poco de emoción. Pero como el hype es aún peor consejero que la nostalgia, decidí acudir a la sala de cine sin haber leído ni visto nada sobre la producción que nos ocupa.

Super 8 me gustó. Bastante. No muchísimo. Pero bastante. No es la película del año ni mucho menos. Se limita a ser como sus creadores la describieron: una película-homenaje al cine juvenil de aventuras de los años ochenta, cuyo obvio referente se centra en Los Goonies (no, Los Bicivoladores no cuenta), película que ya produjo el propio Spielberg y con la que probablemente Abrams se pajeara en más de una ocasión.

Con esas premisas, normal que Super 8 se parezca al film de Richard Donner. Un grupo de chavales de un pequeño pueblo americano vive una gran aventura. Pues vale.

Es injusto para Super 8 mirarla con un filtro distinto con el que vimos Los Goonies en su día. No vale decir que los personajes son planos y que la historia no va a ninguna parte y al mismo tiempo rememorar los tiempos en los que los Fratelli falsificaban dinero y el odioso de Sean Astin daba el coñazo a todo el mundo para buscar el dichoso tesoro de Willy el Tuerto.

Si vamos a hablar de Super 8, hagámoslo con la visión infantil con la que vimos Los Goonies. Con esa inocencia e inmersión a la que nos enfrentábamos durante el metraje y en el que al final del mismo soñábamos con seguir los pasos de los protagonistas de la cinta. No intentemos debatir sobre Super 8 con la mirada del crítico treinteañerocuarentón que ya olvidó lo que es ser un prepúber.

Los Goonies no han soportado bien el paso del tiempo. Volví a verla después de Super 8 para ver si las comparaciones debían ser tan odiosas, y vista ahora con ojos de adulto, la película no es para nada una maravilla. Ni falta que hace. Es una película para ver con ojos de niño. A ello debe su éxito. A la chavalería que la vio y la aupó años más tarde a los altares del cine de culto.

Si hace 25 años se creó una generación que se dedicó a formar grupitos cazadores de tesoros que iba (íbamos) haciendo el monger por la calle intentando de paso cazar criminales, Super 8 hará lo propio creando una generación de minicineastas que verán que hay diversión más allá de una videoconsola. En la calle. Con la ayuda de una cámara. Grabando las historias que se le ocurran al creativo de la pandilla.

Me juego la cola a que dentro de otros 25 años veremos entrevistas a directores noveles diciendo que cogieron una cámara por primera vez después de ver la superproducción de Abrams y Spielberg. Y que por entonces se hablará de Super 8 en los términos en los que se habla hoy de Los Goonies. Con la lagrimita en los ojos recordando lo que significó en esa breve infancia rodeada de Pringles sabor Oreo.

O de las mierdas que coman los niños de ahora. Qué se yo.

Este fin de semana he podido asistir por primera vez a la festividad de las Guerras Cantabras, celebrada en la localidad de Los Corrales De Buelna. He de sonrojarme al confesar que antes de llegar a Los Corrales, mis expectativas sobre la celebración no eran demasiado altas. Pensaba que me iba a encontrar con el típico mercadillo con gente disfrazada y poco más. Sin embargo, la sorpresa que me llevé al contemplar la magnitud del evento fue mayúscula. Mis amigos y yo salimos de allí encantados, tanto que propusieron hacer de la visita una tradición. El objetivo de este post es conseguir ilustrar la calidad de esta fiesta declarada de interés nacional y conseguir nuevos visitantes para el año que viene. Para ello lo mejor es empezar con un poco de historia.

Con Hispania ya dominada casi totalmente por los romanos, sólamente una pequeña parcela de tierra situada al norte de la Península permanecía independiente a la soberanía imperial. Los pueblos cántabros y astures convivieron en relativa paz con los conquistadores durante aproximadamente 20 años, hasta que se decidió que la ocupación debía ser total. Se decidió invadir el territorio cántabro en una serie de invasiones y batallas que se extendieron a lo largo de 10 años, entre 29 a.C y 19 a.C.

El pueblo cántabro luchó con una ferocidad a la que jamás se había enfrentado antes la legión romana. Tanto es así que para conquistar a apenas 50000 guerreros se tuvieron que destacar hasta 5 legiones principales para combatir. La increible habilidad de los cántabros con armas cortas sumada a la utilización del veneno del tejo y de la guerra de guerrillas diezmaron en gran cantidad al ejército romano. Aunque al final la inmensa superioridad numérica declinara la balanza hacia el resultado obvio, el pueblo cántabro dejó una huella imborrable en el imperio romano debido a su tenacidad y fuerza.

En una población de apenas 13000 habitantes, un total de 2000 personas participan disfrazadas en esta festividad cuyo objetivo es rememorar el honor del pueblo cántabro en la lucha contra el imperio. La acción principal de los festejos se desarrolla fundamentalmente en dos escenarios:

En el “campamento” se puede pasear por el asentamiento de todos los clanes cántabros y de todas las legiones romanas. Dentro de la parte cántabra podremos entrar en cabañas fielmente construidas, contemplar los diferentes utensilios utilizados tanto para la lucha como para la vida diaria, ver a algún que otro romano encadenado, acariciar a algunos ponys, etc. En la parte romana encontraremos lo mismo, las tiendas de los romanos, alguna construcción representativa, etc. En el campamento hay un montón de actividades planeadas, desde actividades para los más pequeños (como lanzamiento de sandalia), hasta peleas improvisadas entre los dos bandos.

El circo, el otro emplazamiento principal de los festejos, es un teatro montado en la calle donde se representan los momentos más importantes de las guerras cántabras. A lo largo de 4 noches de funciones, los habitantes del pueblo nos contarán los hechos tanto desde un punto de vista histórico como mitológico, representando en el proceso batallas, marchas militares, consejos del senado o grandilocuentes discursos del espíritu de la tierra cántabra.

Para culminar las festividades, el último día los participantes nos deleitaran con un desfile. Además de todo esto podremos disfrutar del tradicional mercado en el que podremos adquirir todo tipo de productos artesanales, y de las típicas casetas españolas de tapas (que a pesar de no ser muy habituales en la etapa del imperio romano, en la actualidad las agradecemos y mucho). Ojalá pudiera haber acudido más de un día, ya que los festejos se extienden a lo largo de dos fines de semana completos (el último de agosto y el primero de septiembre). El año que viene repetiré.

Si quereis conocer con más detalle los entresijos de estas actividades os insto a visitar la página oficial de las mismas, www.guerrascantabras.net . A continuación os dejo con alguna foto más.

Después de tirarnos años criticando la telemierda y los programas cancerígenos que se extendían a lo largo de la zarzaparrilla de televisión, apareció allá por 2009 un nuevo programa con el que callarle la boca a todos los hombres que le echaban en cara a sus parejas lo de ver a la Esteban a la hora de la siesta.

Vamos a hablar un rato de Punto Pelota.

Para empezar a hablar de Punto Pelota, deberíamos hablar de sus inicios y de cómo se formó, aunque tampoco tenga especial interés o misterio. Simplemente, y tras su etapa de casi quince años en Canal+ y un periodo no demasiado productivo en Punto Radio, Josep Pedrerol juntó a algunos amigotes de su última etapa radiofónica y montaron un programa de debate y tertulia deportiva que se acabaría retransmitiendo en Intereconomía.

Debate y tertulia que, salvo un par de excepciones, ya sabemos lo que quieren decir ambas palabras cuando se juntan en la descripción de un programa cualesquiera de televisión: amarillismo y griterío.

El concepto del programa es sencillo. Si Sálvame tiene enormes audiencias por contar entre gritos si la Pantoja se ha afeitado o no las patillas, en Punto Pelota los derroteros se desvían principalmente a la actualidad futbolística del Barça y el Real Madrid. La presencia de otros equipos o deportes es puramente anecdótica. Ponerse a berrear en un plató de televisión sobre el último fichaje del Sporting de Gijón no vende.

Un plató de televisión que hace las veces de vestuario deportivo. Con sus bancos, sus paneles de cartón, su tele de plasma y sus miniporterías. No son grandes medios, pero no olvidemos que estamos hablando de Intereconomía. No pidamos tampoco el plató de American Idol.

Total, que Josep Pedrerol se sitúa en el centro como “moderador”, con cuatro tertulianos a su izquierda y cuatro a su derecha. Entrecomillado porque moderar, modera más bien poco, haciendo en su lugar gala de forma encomiable de una bordería y unas malas formas al pasar de un tema a otro que harían temblar a cualquier profesor de comunicación.

Y los tertulianos. ¡Ay los tertulianos! Qué decir de semejante caterva de energúmenos. A veces cuesta pensar cómo gente tan capaz como el Lobo Carrasco o Iñaki Cano han accedido a ser partícipes de semejante circo. E incluso el enorme Gaby Ruiz, que hace callar a todo el mundo cuando tiene la palabra y al que, en vez de rebatir, preguntan para saber más cosas de lo que cuenta.

El Gandalf de Punto Pelota

Con una editorial marcadamente madridista, por el programa van pasando, alternándose unos a otros en diferentes días, colaboradores de la talla de Álvaro Benito, Elías Israel, Gonzalo Miró, Joaquín Ramos Marcos, Jorge D’Alessandro (crack), José Antonio Martín Petón, José Antonio Luque, Paco Buyo o Pedro Pablo San Martín.

Después, y con nómina más o menos fija, tenemos a la diferenciada masa tanto madridista como culé.

Por parte de los blancos resulta dramático que el único con cierto criterio y sentido crítico sea José Damián González, destacado periodista deportivo desde hace ya varias décadas. El resto del percal se reparte entre las tonterías de Frederic Hermel, las constantes demagogias de Siro López o los berridos de Tomás Roncero.

Roncero que, sabiéndose la mascota del programa como la Esteban lo es de Sálvame, no pierde la oportunidad para hacer el paripé con sus bochornosos monólogos a la cámara y proclamas conspiranoicas en cuanto puede.

Tomás VI El Bufón

En el cuadro culé el panorama tampoco es demasiado halagüeño. Con Lobo Carrasco como estandarte de filosofía y buenas maneras, a su alrededor se dan cita, sobre todo, José Luis Carazo y Cristina Cubero y Carme Chacó como representantes femeninas.

Entre Carazo con su talibanismo made in Sport y Cubero, que con la tontería que lleva encima dan ganas de soltarle una bofetada en la boca para que se calle, hacen buena a Carme Chacó, extremista culé pero al menos con cerebro (y encima esta temporada han fichado a Mascaró, ¡socorro!). Y con mención especial, eso sí, para Quim Domènech, la voz mesurada del barcelonismo al que claramente se le ve sufrir mitad desesperado mitad decepcionado entre los gritos y el teatrillo del resto de compañeros.

Quim I El Compungido

Teatrillo porque es de lo que, a fin de cuentas, se trata todo esto. Un sainete por el que circulan amiguetes desde hace varios años con el único ánimo de crispar la opinión pública. Lo de tirarse dos horas y media entre berreos para luego irse a tomarse una cerveza tan contentos después del programa está muy bien, pero lo que al final queda a la vista son los posos de mierda y sensacionalismo que rodean constantemente al programa. ¿De qué vale que diga Chacó que Roncero fuera de cámara es una persona excepcional si delante de ella el efecto incendiario y las faltas de respeto que movilizan al personal ya están hechas?

Cuando el debate no se centra en si los jugadores del Barcelona son unos tramposos, se centra en si Mourinho es la segunda venida de Jesucristo. O en si a Vicente del Bosque le ha salido una cana en el bigote con todas las marrullerías de los últimos clásicos.

Aunque para absurdeces al borde de la saturación tenemos al inefable Nacho Peña. El tipo con permanente cara de dormido que pasa a ser el protagonista de su sección y de las noticias que comenta, en vista de que los truños que escribe no le importan ni siquiera a él.

Nacho Peña: la puta de Florentino

Con Nacho Peña podremos disfrutar fácilmente de una imagen de apenas cinco segundos como es la de Higuaín bebiendo agua antes de entrar al campo, repetida unas veinte o treinta veces analizando cada sorbo hasta llenar los cinco o diez minutos de la sección.

O la no menos interesante historia de los abrazos y saludos que le dedicaba Florentino Pérez a Peña cada vez que le veía en los actos institucionales. Abrazos y saludos que, por supuesto, veremos repetidos consecutivamente otras veinte o treinta veces.

Pido aquí un paréntesis personal:

Nacho Peña, vete a tu casa y deja de perpetrar el oficio de periodista de una vez.

Esto no tendría mayor valor si no fuera por las constantes autofelaciones que se hacen tanto Pedrerol como el resto del programa en sí.

Hay que reconocer que alguna vez ha sonado la campana y han podido disfrutar de alguna exclusiva interesante gracias a alguno de sus colaboradores. Desde luego un buen trabajo. Pero el hecho de que el programa consiga algo de tal calibre al final acaba significando que el hecho de tener la exclusiva se convierta en algo más importante que la exclusiva en sí, por lo que no faltarán en los días siguientes los reportajes de autobombo contando cómo se consiguió la gesta que terminará quemando lo que fue noticia en primer lugar.

Y es que existen en el mundo dos tipos de tontos: los que saben que lo son y se hacen a un lado, y los que no lo saben y encima se creen listos.

Punto Pelota se destaca por lo segundo: con unos medios ínfimos y siendo la opción más vulgar de esa franja horaria (quizás junto con Futboleros, el programa-plagio de MarcaTV), se tienen, ilusamente, por los reyes del mambo.

¡Ay Pedrerol! ¡Quién te ha visto y quién te ve!

Pero claro, qué les vas a decir si al final nos pasa igual que con Sálvame o el Partido Popular en Madrid. A todo aquel que preguntes ni lo ve ni les vota, y sin embargo ahí están, liderando sus respectivas carreras.

Alguno dirá que yo mismo he ayudado a eso viéndolo algún día que otro. No lloren por mí (ya estoy muerto). Mi relación de televidente con Punto Pelota finalizó al comienzo de esta nueva temporada, tras comprobar que las palabras de Pedrerol anunciando un cambio de rumbo y de contenidos quedaban, qué duda cabía, en saco roto.

Y es que, llega la hora en la vida de todo espectador, en la que se pregunta si merece la pena perder un rato frente al televisor o la pantalla del portátil viendo bilis prefabricada con la única finalidad de encabronar al televidente.

Yo ya me la hice, y ahora vivo más tranquilo.

Les animo a hacer lo mismo. Total, para ver a Irene Junquera ya tenemos su twitter.

Hugh Everett, Niels Bohr, Von Neumann, Stephen Hawking, Richard Feynman… no son pocos los científicos que han teorizado sobre la existencia de universos paralelos al nuestro. Ni tampoco son pocas las series y películas donde se nos ha mostrado el juego que da poner todas esas teorías en práctica: Star Trek, Regreso al Futuro, Futurama, Fringe…

Para la gente normal y corriente, todas ellas son puertas a otros mundos que nos hacen imaginar cosas que creemos imposibles; pero hay un sector de la sociedad que no necesita de agentes externos para poder vivir esa experiencia: los forofos del Real Madrid ya viven en su particular universo alternativo.

De las series actuales que versan sobre ciencia ficción, Fringe es la puta ama, con unos personajes carismáticos y una trama enrevesada que nos hace olvidar, al menos momentáneamente, que Lost terminó hace ya un tiempo.

No spoilearía demasiado si dijera que Fringe va de una guerra entre nuestro universo y uno alternativo donde todo se parece pero no es igual. Las Torres Gemelas siguen en pie, Gaudí tiene un edificio en pleno Manhattan, e incluso Eric Stoltz protagonizó en su día Regreso al Futuro.

Si nuestros personajes pueden ver y viajar a ese universo alternativo es sin duda gracias a Walter Bishop, el personaje que se come la serie. Un científico chiflado cuya cabeza desarrolla las teorías científicas más enrevesadas para dar con la solución a los casos más inexplicables del FBI.

Metidos en harina, los madridistas tienen en Mourinho su Walter Bishop particular.

¿4-4-2? ¿4-3-2-1? Pero eso a ti QUÉ MÁS TE DA, JAJAJAJA

Su viaje hacia el universo alternativo se ha ido fraguando durante estos últimos meses sobre todo gracias a los extravagantes experimentos de Mou Bishop en las ruedas de prensa, que supo encontrar en AS y Marca su cortexiphan particular.

En el universo paralelo donde Mourinho consiguió trasladar a su hinchada, nadie en el equipo tiene nunca la culpa de nada, y los árbitros forman un círculo oscuro cuyo cometido consiste en hacerle la vida imposible al club blanco, donde todos sus jugadores son hermanas de la caridad perseguidos por el círculo malvado.

Después de un descanso estival (más bien escaso) de fútbol, volvíamos hace un par de días al runrún de la rueda mediática gracias a la Supercopa de España, que enfrentaba de nuevo a Madrid y Barça. ¿Les dio lo suficiente el sol a los forofos en la cabeza como para dilucidar que se trataba todo de una ensoñación y que nada de lo vivido la temporada pasada fue real?

Al final resultó que no.

A pesar del más que buen partido del equipo blanco, la gradería se limitó a reciclar las viejas consignas del universo alternativo, en el que los árbitros les roban a mansalva.

Un jugador golpeando el pie de Pepe con la espalda.

Si el árbitro dejó sin pitar un penalti claro de Valdés sobre Ronaldo, desaparecían en ese mismo instante del plano existencial las entradas macabras de Khedira o Xabi y dejaría de constar en acta el penalti de Marcelo sobre Pedro pocos minutos después. ¡Incluso una más que execrable entrada de Pepe se convierte en un debate de si Alves fingía o no! ¡Te queremos, Universo’!

“Es que si se llega a pitar el penalti sobre Ronaldo no habría tenido lugar el penalti sobre Pedro”. Ah, ahora si nos conviene usar este argumento, ¿no? ¡Comed spam de otro post mío sobre ese asunto, comed!

Total, que el partido fue, obviamente, un robo.

El humor fino de la masa madridista

En el universo alternativo, si la temporada pasada el Barcelona controlaba el balón de forma insultante y el Madrid metía los goles como churros, el juego del equipo catalán era aburrido y poco eficaz, puesto que lo importante en esto del fútbol eran los goles. ¡Los goles! Que esto es fútbol, amigo. No el baile de fin de curso.

Pero no. Ahora que el equipo madrileño saldó por fin un partido en condiciones y jugando la pelota sin encerrarse atrás, lo importante es el juego y tener el balón. De todos es sabido que los goles sin juego no son justos. Siempre fue así en el universo alternativo. Siempre lo dijimos.

Al menos desde hace unas horas. ¿Y por qué no? En el universo paralelo se puede cambiar de discurso siempre que le favorezca a uno sin que suponga problema alguno. Al pasar de un mundo a otro, el cerebro ignora esas inconsistencias y las elimina sistemáticamente como si se tratase de un juego de agudeza visual.

¡Kalise para todos!

De momento parece que, si ya desde el primer día empezamos con discursos infames, el resto de la temporada los tiros irán por el mismo camino. Medios cansinos, conversaciones de bar repitiendo los mismo mantras una y otra vez… habrá que armarse de paciencia porque el asunto tiene visos de ser para largo.

La aborregada masa madridista merece hacer un mejor uso de sus facultades mentales, así que esperemos que un año de estos llegue un Peter Bishop al club blanco que fusione ambas realidades para que todos podamos disfrutar de un ambiente normalizado donde no haga falta tergiversar ni mentir reiteradamente para llevarnos al otro al huerto (¿Pellegrini? ¿Del Bosque? ¿Pero usted QUÉ DICE?).

Y no, ahora no estoy hablando de Fringe. Aunque debería. ¿La habéis visto? ¿No? Pues corred, corred. Y dejad de leer tonterías de blogs intrancesdentes.

Desde su llegada, el iPhone ha revolucionado bastantes facetas de nuestras vidas y quehaceres diarios, aunque si una de ellas ha sufrido un cambio de 180º esa es la de pasar por fin un rato entretenido mientras cagamos o volvemos a casa en tren.

Para esos jueguecillos con los que pasar el rato no más de 10 o 15 minutos, el ecosistema de iOS es perfecto, y los mejores ejemplos los tenemos en títulos como Doodle Jump, Minigore, Labyrinth, Piyo Blocks, Dark Nebula, Angry Birds, Cut the Rope, Tiny Wings, Fruit Ninja, Mr. Ninja y un largo etcétera más.

Representantes de un tipo de juego más pausado y más enfocado a la aventura gráfica hay más bien pocos, y los que hay no pasan de ser meras conversiones de clásicos como Myst, Broken Sword, Monkey Island, Beneath a Steel Sky o Simon the Sorcerer a la pantalla táctil de nuestro teléfono.

Superbrothers Sword & Sworcery EP es el primer y único representante original de una estirpe de videojuegos cuyo cometido es hacernos pensar y disfrutar frente a la pantalla del móvil del mismo modo que con todas aquellas aventuras de antaño.

Bueno, quizás no lo sea. Quizás haya otras pequeñas creaciones en la App Store cortadas por el mismo patrón. Pero si existen, desde luego no se han hecho querer tanto como esta.

Desde que apareció en iPad y posteriormente en iPhone y iPod, muchos se han aventurado a clasificar a SB:S&S EP directamente como una obra de arte, de esas que reabren de vez en cuando el eterno debate de si los videojuegos deberían ser considerados como una más de dichas disciplinas.

Jugar a SB:S&S EP es, desde luego, una experiencia completa que pocas veces se tiene a la hora de jugar a un videojuego. Desde el cuidado diseño en pixel-art que rezuma por cada poro, hasta el mismo concepto de dividir el juego en sesiones de un vinilo que nos va marcando los tiempos de cada partida.

Con todo ello, SB:S&S bebe de muchas y variadas fuentes. Desde libros de filosofía a películas de Miyazaki, pasando por clásicos del videojuego como Zelda. Referencias que nos perderemos si no disponemos de un inglés medio-avanzado, pero bueno. Nadie dijo que fuese fácil.

Aun así, no son pocas las veces que he leído que SB:S&S EP es un juego de los que le cambian a uno la vida. Que sea uno de los cinco juegos más interesantes para la plataforma de Apple que hay en estos momentos no lo vamos a discutir, pero debido al subidón de la experiencia videojueguil, el hype nos puede hacer escribir y decir cosas un tanto exageradas.

SB:S&S EP atrapa de principio a fin, aunque lo consigue mayormente gracias a la música de Jim Guthrie. Y es que para jugar a SB:S&S EP es indispensable hacerlo con unos auriculares, y buenos, a ser posible. Y tirarse en la cama a disfrutar del point and click, de los pequeños puzzles, de los remozados gráficos ochobiteros, de las peleas con escudo y espada al ritmo de la música, y de las melodías que nos animan a subir el volumen hasta que duela un poquito.

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¿Te cambia SB:S&S EP la vida? No demasiado. Si acaso lo suficiente como para sentir algo especial por él y tener ganas de plasmarlo para que lo sepan los demás.

Que no es poco.

A lo largo de mis veintiséis años de existencia, muchos de ellos acompañados por un ordenador o videoconsola, me he tenido que comer, un poco como todos, enormes mierdas en forma de disquete, cartucho o cederrón.

Bueno, puede que no tantas como el Angry Video Game Nerd, pero que he tenido que jugar a juegos insufribles que todavía me persiguen cada noche lo firmo ya. Desde el primer Populous al que todavía no entiendo cómo se juega, hasta el reciente Duke Nukem Forever, con el que mi paciencia no aguantó más de hora y media.

Pero en agosto de 1991 (cumple ahora veinte años el mamotreto) salió a la venta uno de los juegos que más me ha desesperado desde que tengo uso de razón: Prehistorik.

Tenía que ser Titus Software la responsable de dar a luz a esta infamia. Fundada en Francia en 1985, comenzó lanzando títulos en aquellos lejanos tiempos de convivencia entre el Amiga, el Amstrad y el PC. Títulos como Crazy Cars, Titan, Knight Force o el plataformas basado en la película de Blues Brothers (otro juego literalmente imposible, dicho sea de paso).

Tras la época de sobremesas, Titus se fue desplazando al mercado de las videoconsolas, con títulos en la mayoría de ellas, ya sea desarrollando o publicando; desde Super Nintendo a Xbox pasando por Game Boy, Dreamcast, Nintendo 64, PlayStation 2 o GameCube.

Incluso llegó a comprar en la década de los 90 otras desarrolladoras de éxito como BlueSky e Interplay. Compañías que habían parido juegos del calibre de Ninja Gaiden, MDK, Fallout, Descent o Earthworm Jim. ¿Y qué consiguió Titus con ello? Supongo que basta con decir que los Carmaggedon o Superman de Nintendo 64 fueron culpa suya.

Por suerte, acabó saliendo a bolsa y en 2005 acabó cerrando por problemas financieros y legales.

Total, que allá por 1991, en pleno apogeo plataformil (el éxito de Super Mario en Europa se remontaba solo a un par de años atrás y Sonic the Hedgehog había salido a la venta unos meses antes) se produjo el típico boom de género que provoca una avalancha de clones con ganas de comerse un buen pedazo del mercado, y cuya mayoría, huelga decir, acaba siendo una solemne porquería.

Enmarcado en tal paisaje se encuentra Prehistorik.

Supongo que le podríamos dar el beneficio de la duda de que los gráficos tampoco eran TAN malos para lo que se estilaba en el año 91, pero es que recuerdo que el juego era tan complicado que le quitaba a uno las ganas de volver a intentar enfrentarse a él.

La mecánica no era nada del otro mundo para lo que venía siendo un plataformas normal y corriente. Somos un hombre de neanderthal con un palo, y tendremos que repartir hostias a todos los dinosaurios, osos, pingüinos y demás bichos prehistóricos que vayan apareciendo por la pantalla. Y también a unos enanos hechos de fuego que escupen bolas de ídem; supongo, la típica licencia histórica que se puede permitir uno en un producto de este calibre.

Total, que para pasar de pantalla, deberemos reunir la suficiente cantidad de comida que estime la barra situada en la parte superior, para lo cual podremos hacer dos cosas: o bien sacudir a los bichos como ya hemos comentado, o bien entrar en las cuevas repartidas por cada nivel para recolectar comida inofensiva en forma de (sic) fruta, helados de cono, pizzas y gintonics.

Una vez que esté llena la barra de comida, podremos pasar de nivel. Literalmente. Porque puedes llegar al final de la pantalla con la barra por la mitad, que el juego te dirá que te vayas a dar una vuelta, pero que por ahí no pasas, por lo que tocará dar media vuelta para buscar más alimentos con los que poder avanzar.

Lo bueno de Prehistorik es que solo tiene siete niveles, de los cuales, los pares (2, 4 y 6) son pseudojefes que podremos derrotar en un par de minutos. Y ahí acaba todo lo positivo. Porque a pesar de que solo haya cuatro niveles realmente jugables, pasar del primero ya será toda una hazaña.

Empezamos con cuatro vidas, que se irán por el retrete ya sea porque al pasar de una estancia a otra (no hay scrolling como en Mario o Sonic; al llegar al final de la “pantalla” la nueva estancia aparece de golpe desplazando a la anterior) aparezca de repente un dinosaurio que nos haga perder un par de puntos de salud. O porque al entrar en una cueva haya una hoguera que nos joderá si no la saltamos perfectamente. O mejor aún, dos hogueras que son imposibles de saltar si no tenemos un muelle que puede aparecer, o no, por arte de magia, en algún momento del juego.

Aunque para qué perder dos o tres puntos de salud pudiendo perder una vida entera porque al saltar sobre unas plataformas móviles que suben y bajan sobre el agua, da lo mismo que memorices los movimientos: si te quieren follar y ahogarte, lo van a hacer. O morir porque hemos saltado desde una de las plataformas sin que todos los píxeles de nuestro pie caigan con gracejo y soltura sobre tierra firme.

Son tantas las formas en las que el juego te putea que intentar pasar de nivel se convierte en un acto de orgullo, honor y memorización. Porque habrá que memorizar por qué partes podemos pasar y por cuales no. Que para colmo hay límite de tiempo, y puede ser que estemos al final del todo con toda nuestra barra de comida a rebosar, y nos metamos en una cueva que nos lleve al principio de la pantalla. O porque haya partes del nivel en las que aparece un ¿hechicero? durante unos breves segundos durante los cuales podemos obtener un pequeño power-up, como algo de tiempo extra, un escudo defensivo, el mencionado muelle o un hacha con la que podremos dejar KO a nuestros enemigos de un golpe. Que tampoco es que nos vayan a valer de nada, porque si perdemos una vida, cosa que ocurrirá casi con total seguridad, perderemos cualquiera de estos objetos.

Al menos cuando palmemos continuaremos desde el mismo punto. Que en vista de lo que disfrutaron los programadores para hacernos sufrir, es de agradecer.

A pesar de todo, recuerdo al juego con cierto cariño, porque fue uno de los primeros que jugué en mi Amstrad CPC, así que por complicado que fuera, siempre le tendré que guardar obligatoriamente un hueco en mi corazón, motivo por el cual decidí hace un par de días volver a bajarlo para comprobar desde la distancia y desde la experiencia que me han dado los años, si el juego era realmente un horror, o si tan solo fui víctima por haberlo jugado a tan temprana edad.

Los resultados fueron concluyentes. Sigo sin ser capaz de pasar del tercer nivel, así que mandé al juego a tomar por culo y empecé a escribir el texto que te ocupa en estos momentos.

Lo peor de todo es que, por si acaso un solo Prehistorik no fuera suficiente para la raza humana, Titus lanzó una segunda parte en 1993 (no sé si peor, nunca me he atrevido a probarla) y sendas versiones para Game Boy, Game Boy Advance, Super Nintendo, o incluso como juego descargable en DSiWare.

No voy a decir que lo juguéis. El ser humano es morboso, y como tal seguro que hay alguien que, aunque solo sea por tocar los huevos o por ser masoca, va a buscar el juego para bajarlo. Allá vosotros. Pero que no se diga que no he avisado.

Mikel Wulff y Anders Morgenthaler no se comieron demasiado el tarro a la hora de ponerle nombre a una de las tiras cómicas que más años lleva por estos lares interneteros.

Y es que Wulffmorgenthaler es, junto con Cyanide and Happiness, uno de los mejores y más irreverentes webcomics que pueblan la Red.

Wulff, un comediante danés que empezó a aparecer en programas de humor en la televisión nacional. Morgenthaler, también humorista, además de escritor de libros infantiles y director de cine.

Se conocieron ambas mentes creativas, y en 2001 decidieron presentarse a última hora a un concurso de tiras cómicas que posteriormente ganaron, lo cual otorgaba la posibilidad de trabajar durante un mes en el periódico Politiken, el segundo de mayor tirada en Dinamarca.

En los dos años siguientes, sus tiras empezaron a colgarse en portales daneses de cultura, al mismo tiempo que consiguieron hacerse con un hueco en forma de tira diaria en el Politiken, hecho que le valió al periódico una campaña para cancelar la suscripciones al mismo, debido a la naturaleza adulta y polémica de las tiras de Wulffmorgenthaler.

¿Era para tanto?

Bueno, si en Cyanide and Happiness lo normal es encontrarse con chistes sobre minusválidos, necrofilia, mutilaciones o asesinatos, en Wulffmorgenthaler lo irreverente pasa más o menos por los mismos terrenos pantanosos. Y es que destacan sobre todo la abundancia de sangre, las referencias sexuales y las imágenes grotescas, en pos de la búsqueda constante de la blasfemia y la provocación. Ningún tema es tabú.

Aunque, al igual que C&H, no solo de ofensas vive Wulffmorgenthaler, porque son capaces de hacer un chiste de abortos y al día siguiente hacer uno de humor blanco, sutil e inofensivo.

Siguiendo, ya que estamos, en comparaciones con Cyanide & Happiness, el diseño de Wulffmorgenthaler es muchísimo más vistoso, colorido y desarrollado, con un diseño desenfadado y estrafalario que podría encajar perfectamente en cualquier serie animada de MTV o Nickelodeon (y que de hecho así lo hizo en la cadena musical, con un show centrado en alguno de los personajes de la tira cómica).

Y todo eso sin respetar la tradicional tira cómica basada en viñetas, ya que la mayoría, por no decir todas, de las tiras que nos regalan, suelen estar encuadradas en un único frame en el que se nos muestra una imagen con un subtítulo describiendo o explicando lo que vemos.

Desde luego en Dinamarca Mikel y Anders son tremendamente famosos, hasta el punto de tener programas en radio y televisión derivados de sus creaciones en Wulffmorgenthaler, a la vez que siguen con el webcomic, las tiras en periódicos, y la publicación anual de libros y calendarios relacionados con todo el universo que han creado.

Dicho lo cual, si tenéis unas miras humorísticas amplias y no sois muy mojigatos, Wulffmorgenthaler es uno de los webcomics que seguramente os encandile. Al menos por ejemplos que haya puesto no será.

Y llegamos al último día de la tercera edición del Amstel Música en Grande. En esta ocasión llegó el concierto más caro del cartel y el de público con media de edad más alta. Fue el día de Raphael.

La actuación de Raphael fue seguida por 4.100 personas, la entrada más baja del festival. Además, debido a la peculiaridad del concierto y su público, se instalaron unas gradas que albergaron a unas 500 personas además de una población de sillas que habitaban toda la explanada de la Campa de La Magdalena.

El concierto arrancó con el tema ‘Ahora’ seguido de un repaso por su último disco ‘Te llevo en el corazón’. Con una actuación plagada de guiños a la nostalgia y a la música de siempre, Raphael nos llevó por un camino de boleros, tangos y rancheras. Con todo, 36 canciones entre clásicos y nuevos temas, además de más de dos horas de actuación, culminaron esta edición. Con ‘Yo soy aquel’ se puso punto y final al espectáculo.

Según palabras del artista, fue “un placer estar de vuelta en Cantabria” donde no regresaba desde su actuación en 2006 en el Palacio de Festivales.

La espera terminó. Después de un año de exclusividad en Xbox 360, uno de los títulos más aclamados del universo indie ha visto finalmente la luz en PC, apenas dos semanas después de que lo hiciera en Playstation 3.

Toca hablar de LIMBO.

Supe de la existencia de LIMBO al poco de su publicación, el 21 de julio de 2010, y me llamó poderosamente la atención su diseño a lo film noir. Juego en blanco y negro, una evocadora capa de granulado, desenfoques de perspectivas, sobreexposiciones a la luz, y todo ello con un movimiento y unas físicas muy fluidas, casi indispensable para cualquier puzzle plataformero que se precie.

En vista de que no me iba a comprar una Xbox solo para poder jugar a LIMBO, y dado que mis allegados son más de Sony, decidí mentalizarme de que no podría jugar a esta pequeña joyita en un plazo de tiempo más bien eterno.

Hasta hace algo más de un mes, cuando se filtró la noticia de que el juego de Arnt Jensen llegaría finalmente a Steam el 2 de agosto.

Ahora que, salvo los dueños de una Wii, todos los jugópteros de esta generación  tenemos acceso al juego, nos preguntamos: ¿merecía LIMBO todas las loas que se le dedicaron durante estos doce meses anteriores?

Vaya por delante que me encantan los juegos indie. Me parecen la revolución más notoria de los últimos años, por encima de las superproducciones de las grandes desarrolladoras. La máxima de que menos es más se cumple en trabajos como Braid, LIMBO, Machinarium, World of Goo o VVVVVV; tan solo unos pocos títulos que pasarán a la historia de los videojuegos, del mismo modo que pasarán los Uncharted, los Mario Galaxy o los HALO.

LIMBO es un juego de plataformas dividido en pequeñas pantallas-puzzle que conforman una no-historia entre sí. La única información que se nos da en la descripción del juego es: “desconociendo el destino de su hermana, un niño se adentra en el limbo”. Y nada más. Es todo lo que sabremos del juego, del protagonista y del mundo que nos rodea. Criticado y alabado a partes iguales, en nuestras manos y cerebro estará la llave para darle forma y explicación a todo lo que contemplemos a lo largo de la aventura.

No puede evitarse cierta comparación con Braid, uno de los videojuegos indie de mayor éxito, que igualmente mezclaba plataformas con puzzles con los que devanarnos los sesos.

La mecánica no deja de ser ligeramente similar: nos encontramos en una pantalla y para superarla deberemos resolver un puzzle con los elementos que se nos ofrecen. Puede ser una caja. Puede ser un cepo. Puede ser un enemigo al que debamos derrotar. O puede ser la disposición del escenario en sí.

Todos los puzzles tienen una única solución lógica, que deberemos pensar brevemente o, mucho más entretenido, averiguar mediante el método de ensayo y muerte. Porque en LIMBO moriremos unas cuantas decenas de veces (y de las formas más horribles que podamos imaginar) intentando descubrir la solución al enigma que se oculta tras cada estancia. Aunque gracias al sistema de autoguardado, nunca llegaremos a tener que repetir un reto que ya hubiésemos resuelto.

Aunque la mecánica de LIMBO cumple de forma soberbia, es difícil imaginar el juego sin la compañía y conjunción de esa atmósfera tan intensa, bizarra y espeluznante;  ese ambiente tan oscuro que no se despega del monitor, lo cual, cabe decir, debe mucho al espléndido trabajo de sonido que hay detrás de él.

Martin Stig Andersen, a quien hay que agradecer un amplio porcentaje de ese ambiente opresivo, da a luz una música minimalista, tan breve como intensa, que suena en contadas ocasiones, y a un sonido ambiental que cobra vida por sí mismo según nos vayamos adentrando en los bosques y demás escenarios metálicos del juego. En LIMBO, el silencio cobra tanto protagonismo como la música.

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Aun así, y después de tanto fervor, ¿tiene LIMBO alguna tara?

Pues probablemente una importante: que es demasiado corto. Mientras Braid me tomó unas 6 horas de juego, la duración de LIMBO se reduce a la mitad, razón que podría echar atrás a más de un comprador para pagar los 10€ que de momento cuesta.

LIMBO es entretenido y absorbente como pocos. E incluso nos hará desesperar en uno o dos puzzles concretos. Pero cuando la curva de dificultad está en su máximo nivel y nos empezamos a ver capaces de resolver las estancias más complicadas, llegamos al final del juego sin aviso ninguno, acompañado de un cierto bajón por esperar quizás algo más del mismo.

Aun así, y a posteriori, los pensamientos que afloran tras terminar la odisea son muy positivos, y a pesar de la brevedad nos deja con un buen sabor de boca. Por lo que la respuesta final es sí. LIMBO es un juego único, y por tanto merecía todas las loas que se le brindaron en su época de Xbox, del mismo modo que las merecerá de ahora en adelante.

No intenten esconderse de él. Dará (de nuevo) que hablar. Al menos aquí ya hemos aportado nuestro granito de arena.

Para terminar no faltaron la foto de grupo ni los baños de alcohol entre los miembros de la banda. Eran prácticamente las tres y media de la madrugada y las cinco horas que habían transcurrido desde el comienzo el espectáculo habían pasado volando. Las caras de la gente reflejaban que la noche se había consumido en un suspiro y eso sólo puede ser un buen síntoma.

El cuarto día de conciertos del Amstel Música en Grande comenzó con un grupo llamado Mäbu (nombre que estaba mal escrito en todas partes poniendo Mabü), quien declaró que ya había sido telonero de Luz Casal en otras ocasiones y que fue ésta quien se lo propuso. Desde mi punto de vista, una buena propuesta.

Aunque al principio la asistencia se resistió, a la Campa de la Magdalena asistieron más de 10.000 personas en este día de concierto solidario, pues la mitad de lo recaudado se destinaba a la lucha contra el cáncer, lo cual hizo de la noche una noche llena de referencias por parte de Luz Casal a la situación que ella vivió e intentando apoyar a quien la hubiera o estuviera viviendo. La gente, en general, se mostró realmente cariñosa con la cantante, al igual que lo hizo con Mäbu.

La vocalista del grupo telonero cantó con una sonrisa durante toda su actuación, con una voz muy dulce y un estilo realmente acorde con el público que asistía. Aunque en algún momento se vio que tenía los nervios a flor de piel, deleitó a la gente con canciones de su primer disco llamado Buenos Días que recibieron numerosos aplausos. Al final de su actuación tocaron la canción Hallo, de la cual se sentían muy orgullosos, pues nos recomendaron buscarla en YouTube. Aquí os la dejamos, merece la pena escucharla:

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Tras una hora larga de concierto y siempre con una sonrisa, Mäbu se despidió para dar paso a Luz Casal quien comenzó a la hora prevista y con una energía envidiable. Cantó para su público desde sus canciones más actuales hasta aquellas que todos conocemos y no podemos dejar de cantar.

La cantante nos sorprendió con tres looks diferentes acordes al estilo de sus canciones, al igual que lo hizo interpretando una canción que nunca había cantado llamada “un ramo de rosas”. Del mismo modo sorprendió con la duración de su concierto, pues todos esperábamos que estuviera en el escenario una hora y media, pero su gran energía y ganas de cantar duraron más de dos horas, para gusto de sus fans quienes no se cansaban de escucharla.

Así termina este gran día para dar paso al quinto día con De Acero, Txarrena y Rulo y la Contrabanda, que promete ser un día rockero en toda regla.