El sector de la narrativa dibujada atraviesa un momento de sentimientos encontrados en todo el continente. Mientras las librerías españolas se llenan de propuestas que mezclan historia, biografía y denuncia social con una fuerza renovada, el mundo del arte y la literatura despide a una de sus figuras más influyentes y combativas de las últimas décadas, cuya obra marcó un antes y un después en la percepción del noveno arte.

La noticia del fallecimiento de la creadora iraní Marjane Satrapi ha causado una profunda conmoción en los círculos culturales europeos. Afincada en Francia desde mediados de los noventa, la autora de ‘Persépolis’ nos ha dejado a los 56 años de edad. Según han confirmado sus allegados, la artista no habría logrado superar la tristeza tras la pérdida de su marido, Mattias Ripa, ocurrida hace poco más de un año, dejando un vacío insustituible en el activismo gráfico mundial.

El legado imborrable de Marjane Satrapi

Satrapi no solo fue una dibujante, sino una voz esencial que utilizó el blanco y negro para narrar la complejidad de la Revolución Islámica desde los ojos de una niña. Su obra cumbre, ‘Persépolis’, se convirtió en un fenómeno literario y cinematográfico que permitió a millones de lectores comprender la realidad de Irán lejos de los prejuicios occidentales. Su compromiso con la libertad fue reconocido en España con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2024.

Además de su biografía más famosa, dejó títulos imprescindibles como ‘Bordados’, donde exploraba la intimidad de las mujeres en su país natal, o ‘Pollo con ciruelas’, una pieza maestra sobre la pasión y el desengaño que le valió el máximo reconocimiento en el Festival de Angoulême. Recientemente, había coordinado el volumen colectivo ‘Mujer vida libertad’, un grito gráfico contra la represión tras el asesinato de Mahsa Amini, demostrando que su lápiz nunca dejó de ser una herramienta política.

Ana Penyas y la expansión de la novela gráfica valenciana

Mientras se despide a una maestra, el talento nacional sigue abriendo nuevas puertas. La valenciana Ana Penyas, que ya hizo historia al ser la primera mujer en ganar el Premio Nacional del Cómic, verá cómo su obra ‘Todo bajo el sol’ cobra vida en la gran pantalla. La productora Sábado Time está preparando una adaptación animada bajo la dirección de Kike Maíllo, lo que supone un espaldarazo definitivo para la animación para adultos en nuestro país.

El proyecto cinematográfico plantea un viaje cronológico de cincuenta años, abarcando desde 1973 hasta 2023. A través de la historia de una familia levantina, la película denunciará el impacto del turismo de masas y la burbuja inmobiliaria en la costa mediterránea. La propia autora ha manifestado su entusiasmo por ver cómo sus trazos se transforman en movimiento, manteniendo esa estética tan particular que mezcla lo cotidiano con la crítica social más mordaz.

Novedades editoriales y memoria histórica

En el ámbito de las novedades en papel, el panorama nacional se muestra especialmente vibrante. El historiador Julián Casanova ha dado el salto al formato cómic con ‘España partida en dos’, una adaptación de su ensayo sobre la Guerra Civil. Colaborando estrechamente con el ilustrador Carles Esquembre, este trabajo busca acercar los rigores de la investigación histórica a un público más joven, utilizando metáforas visuales para explicar los conflictos que marcaron el siglo XX en España.

Por otro lado, los clásicos modernos también regresan a las estanterías. Se ha lanzado una edición especial por el vigésimo aniversario de ‘Fun Home’, la aclamada obra de Alison Bechdel. Esta novela gráfica, que disecciona con maestría la identidad sexual y las relaciones familiares disfuncionales, sigue siendo una lectura obligatoria para entender cómo el cómic puede alcanzar cotas de profundidad psicológica comparables a la mejor literatura contemporánea. Asimismo, sellos como Norma Editorial siguen apostando por el thriller con lanzamientos como ‘Vendetta’, un cruce de fronteras entre Cuba y Estados Unidos.

El cómic toma la calle en Cádiz y Cartagena

La vitalidad del sector no se limita a las librerías, sino que se traslada a la participación ciudadana. En Cádiz, la iniciativa ‘¡Comiqueando!’ ha logrado sacar los caballetes a la vía pública para fomentar la lectura entre los más jóvenes y dar visibilidad a los ilustradores locales. Es una forma estupenda de que el arte no se quede encerrado en las tiendas y llegue a quienes, quizás, aún no saben que el noveno arte es para todos, independientemente de la edad que tengan.

En la misma línea, el Ayuntamiento de Cartagena mantiene activo su taller de lectura especializado, donde se debaten obras de autores de la talla de Miguelanxo Prado, Santiago García o Antonio Altarriba. Estas sesiones permiten que los lectores profundicen en títulos como ‘El ala rota’ o ‘Cazador de sonrisas’, confirmando que existe un interés creciente por entender las narrativas visuales complejas y su capacidad para reflejar la historia reciente de Europa y el mundo.

La confluencia de estos eventos demuestra que el formato goza de una salud envidiable, consolidándose como un pilar fundamental de la cultura europea contemporánea. El paso de las viñetas al cine, la recuperación de grandes clásicos y el nacimiento de obras que revisitan nuestro pasado con rigor aseguran que el cómic siga siendo un espejo necesario de la sociedad, capaz de sobrevivir a sus referentes y de renovarse constantemente para emocionar a nuevas generaciones de lectores.

Si te dedicas a la edición de fotos o de vídeo, seguro que ya has comprobado que no vale cualquier portátil. Los programas creativos cada vez son más pesados, las cámaras generan archivos más grandes y trabajar con varias aplicaciones abiertas a la vez es el pan de cada día. Elegir bien el equipo ya no es un capricho, es casi una herramienta de trabajo tan importante como la propia cámara.

Además, hoy en día necesitamos una máquina portátil y potente que pueda acompañarnos a sesiones, viajes, rodajes o simplemente a la cafetería donde te inspiras mejor que en casa. Muchos fotógrafos siguen apostando por el sobremesa como equipo principal, pero un buen portátil para edición fotográfica y de vídeo te da una libertad brutal: puedes descargar tarjetas, respaldar el material, hacer ajustes rápidos e incluso entregar proyectos completos sin pisar el estudio.

Qué debe tener un buen portátil para editar fotos

Un equipo pensado para fotografía tiene que combinar potencia, buena pantalla y almacenamiento rápido. Aunque los requisitos oficiales de programas como Photoshop o Lightroom parezcan modestos, si quieres que todo vaya fluido y no quedarte obsoleto en pocos años, conviene ir bastante por encima de esos mínimos.

En este perfil de uso, hay varios componentes clave: CPU, memoria RAM, almacenamiento y pantalla. La tarjeta gráfica ayuda, pero en fotografía pura su peso es menor que en vídeo o 3D, así que es el primer sitio donde se puede ajustar presupuesto si vas justo.

Procesador (CPU): el motor de todo

La edición de fotos, sobre todo cuando trabajas con archivos RAW de alta resolución, tira mucho de procesador. Cada vez que aplicas un filtro, exportas un lote de imágenes o usas herramientas de IA para ampliar, eliminar objetos o reducir ruido, la CPU se pone a tope.

Lo ideal hoy es apostar, como mínimo, por un Intel Core i5 moderno o un AMD Ryzen 5 de última generación. Si das muchos encargos, manejas catálogos gigantes o además haces algo de vídeo, subir a un Core i7 o Ryzen 7 es muy recomendable. Cuantos más núcleos físicos y más hilos simultáneos (threads) soporte, mejor rendimiento notarás al exportar lotes o al hacer multitarea. Para elegir componentes, consulta nuestra guía de hardware para portátil.

En el terreno profesional o semiprofesional, muchos fabricantes recomiendan procesadores Intel Core i5/i7 o Ryzen 5/7 con al menos 4 núcleos y 8 hilos como base. Si el vídeo entra fuerte en tus proyectos (4K, multicámara, muchas capas), merece la pena irse a gamas aún más altas como Core i9 o Ryzen 9, o estaciones de trabajo móviles.

Memoria RAM: nunca es demasiada

Si hay un componente donde es difícil pasarse, es la memoria RAM. Los programas de edición gráfica son auténticos devoradores de RAM, y a poco que tengas un navegador con muchas pestañas, un catálogo de Lightroom y Photoshop abiertos, los 8 GB se quedan ridículos.

Para un uso fotográfico medio, se puede trabajar con 8 GB de RAM, pero la experiencia suele ser mejor a partir de 16 GB. Muchas guías ya consideran los 16 GB el punto razonable para trabajar con archivos voluminosos y varias apps abiertas sin caer en tirones constantes.

Si entras en terrenos más pesados como la edición de vídeo 4K, animación o 3D, lo sensato es dar el salto a 32 GB de RAM. Varios usuarios comentan casos reales: portátiles que hace 5 o 6 años parecían sobrados con 16 GB ahora empiezan a quedarse cortos porque el software actual recomienda ya 16 GB como mínimo y maneja proyectos muchísimo más pesados.

Muy importante: intenta escoger un portátil que permita ampliar RAM a futuro mediante módulos SO-DIMM accesibles. Así podrás alargar la vida útil del equipo añadiendo memoria dentro de unos años, en lugar de tener que cambiar de portátil entero.

Almacenamiento: SSD, capacidad y copias de seguridad

El almacenamiento condiciona tanto la rapidez al abrir programas y proyectos como la cantidad de fotos y vídeos que puedes tener “a mano” en el equipo. Aquí hay dos decisiones: el tipo de unidad y la capacidad total.

Hoy en día, es casi obligatorio contar con un SSD (unidad de estado sólido) como disco principal. Frente a un HDD mecánico clásico, un SSD reduce de forma brutal los tiempos de arranque del sistema, la apertura de Photoshop o Lightroom y el acceso a catálogos y previsualizaciones. Si es posible, que sea un SSD NVMe M.2, bastante más rápido que los antiguos SATA.

Una combinación muy equilibrada para fotografía y vídeo ligero es montar un SSD de 512 GB para sistema y programas y complementar con alguna solución de mayor capacidad (interno secundario o externo) para bibliotecas y proyectos finalizados. Para cargas pesadas, muchos equipos de gama alta ya integran SSD de 1 TB o incluso arreglos RAID 0 de SSD PCIe 4.0 para lograr tasas de lectura y escritura altísimas, y conviene además emplear herramientas para comprimir archivos sin perder calidad cuando sea necesario.

Eso sí, no olvides la parte aburrida pero crítica: las copias de seguridad. Conviene tener al menos un disco externo donde volcar trabajos terminados y proyectos en curso, y si puede ser una segunda copia en la nube, mejor. El portátil no deja de ser un aparato que se mueve, viaja y se puede caer o robar.

Tarjeta gráfica: cuándo importa y cuándo no tanto

En fotografía pura, la GPU tiene un peso moderado: algunos filtros y funciones aceleradas por hardware se benefician de una tarjeta gráfica dedicada, pero no es el componente principal. Sin embargo, en cuanto introduces edición de vídeo, 3D, VFX o animación, la historia cambia por completo.

Para vídeo, sobre todo si trabajas en 4K o con muchos efectos, interesa contar con una gráfica dedicada de cierta entidad: series como NVIDIA GeForce GTX y RTX, tarjetas profesionales NVIDIA Quadro o soluciones AMD Radeon y FirePro con, al menos, 4 GB de VRAM. Si dudas entre marcas, lee nuestra guía sobre qué GPU elegir. Adobe, por ejemplo, publica listados de GPUs compatibles con Premiere Pro y otras aplicaciones, y conviene echarles un ojo para asegurarte de que la tuya está soportada.

Muchos de los portátiles mejor valorados para tareas creativas montan GPUs dedicadas: desde modelos gaming reconvertidos a herramientas de trabajo hasta estaciones de trabajo móviles. El objetivo es que la GPU se encargue del procesamiento gráfico y libere a la CPU para otras tareas, mejorando así la fluidez general del flujo de trabajo.

Pantalla: el punto crítico en fotografía

Quizá el componente más delicado en un portátil para foto sea la pantalla. Necesitas buenos ángulos de visión, alta resolución y, sobre todo, una reproducción de color fiable. Muchos equipos potentes fallan precisamente aquí, obligando a conectarse a un monitor externo para trabajos de color más serios.

Como base, es muy recomendable apostar por un panel IPS en lugar de TN, ya que ofrece mejor gama de color y ángulos de visión mucho más amplios. Las pantallas gaming, por ejemplo, suelen priorizar frecuencia de refresco sobre fidelidad cromática, y a veces montan paneles que no son ideales para retoque fotográfico.

En cuanto a resolución, un panel Full HD todavía sirve para mucha gente, pero si tu presupuesto lo permite, un QHD (2.560 x 1.440) o incluso 4K te dan más espacio de trabajo y una nitidez fantástica para revisar detalle fino. Algunos modelos específicos para creadores incluyen además calibración de fábrica, cobertura amplia de espacios como sRGB, DCI-P3 o Adobe RGB y opciones de personalización y calibración muy finas.

Si pasas muchas horas editando, acabarás agradeciendo mucho una pantalla con buen brillo máximo, acabado mate o antirreflejos y perfiles de color fiables. Y si el portátil se te queda corto en ese apartado, siempre puedes conectarlo a un buen monitor externo o aprender a configurar dos monitores cuando trabajes en casa o en el estudio.

Batería, peso, tamaño y puertos: la parte práctica

Más allá de cifras de rendimiento, un portátil para edición de fotos tiene que ser usable en el día a día. Si pesa demasiado, es un engorro llevarlo a sesiones o de viaje. Si la batería dura un suspiro, te verás encadenado al enchufe en cuanto empieces a exportar archivos. Y si vas justo de puertos, acabarás frustrado cada vez que quieras conectar varios periféricos.

Respecto a la autonomía, es interesante que el equipo aguante varias horas de trabajo real con aplicaciones de edición y brillo razonable. No siempre vas a tener un enchufe a mano, y muchas veces agradecerás poder descargar tarjetas, hacer una preselección y unos retoques básicos sobre la marcha. Muchos portátiles permiten, además, cargar otros dispositivos por USB, algo muy útil cuando la batería de la cámara o del móvil está en las últimas.

En cuanto a tamaño, hay un equilibrio entre portabilidad y comodidad visual. Los 13 y 14 pulgadas son muy cómodos para moverse, pero pueden resultar pequeños para editar durante horas. Las pantallas de 15 y 16 pulgadas suelen ser el punto dulce para muchos fotógrafos y videógrafos, y los 17 pulgadas se reservan para quienes priorizan pantalla grande sobre ligereza.

Por último, vigila bien el apartado de conectividad. Para fotografía y vídeo, conviene contar con varios USB tipo A y/o C, salidas de vídeo como HDMI o DisplayPort, lector de tarjetas SD si es posible, y, en el mejor de los casos, puertos Thunderbolt o USB-C de alta velocidad para monitores y discos externos. Cuantos más recursos conectes (tableta gráfica, discos, monitores, capturadoras), más agradecerás tener buenos puertos desde el minuto uno.

Portátiles recomendados para edición de fotos y trabajo creativo

Con todo lo anterior en mente, es más fácil entender por qué muchos modelos que se recomiendan para edición de fotos, vídeo y creación de contenido comparten rasgos: procesadores potentes, buena cantidad de RAM, gráficas dedicadas y pantallas muy cuidadas en color. A partir de ahí, cada perfil y presupuesto puede encajar mejor con unos u otros.

Gama alta y estaciones de trabajo móviles

En el segmento más ambicioso encontramos máquinas que prácticamente son estaciones de trabajo portátiles, pensadas para fotógrafos profesionales, videógrafos exigentes o creadores que trabajan con 3D y VFX.

Un buen ejemplo es el Apple MacBook Pro Max de gama alta, un auténtico referente para muchos fotógrafos y diseñadores. Destaca por una pantalla con una precisión de color muy alta y opciones como el vidrio Nano‑texture para reducir reflejos, una autonomía sobresaliente y una integración muy afinada con programas y herramientas para Mac. Es una bestia para edición de foto y vídeo intensiva.

En el mundo Windows, una alternativa muy sólida para creadores avanzados es el Asus ROG Strix Scar en su configuración tope: monta procesadores Core Ultra 9 de última generación y una GPU NVIDIA GeForce RTX 5090, acompañados de 64 GB de RAM y 2 TB de SSD. Su pantalla mini‑LED QHD+ a 240 Hz alcanza un brillo muy alto, ofrece perfiles de color P3 y sRGB calibrados de fábrica y permite desactivar la atenuación local para trabajos de corrección de color finos.

Este tipo de máquina ofrece además excelentes opciones de ampliación futura, con dos ranuras SO‑DIMM para RAM y dos zócalos M.2 para SSD adicionales. A cambio, hay que aceptar un consumo de energía alto, ruido notable en los modos de mayor rendimiento, una autonomía justa y un acabado que tiende a ensuciarse con facilidad.

Otro clásico de gama alta en Windows es el Dell XPS 17, un portátil con una pantalla grande y muy cuidada, ideal para quienes necesitan mucho espacio de trabajo para edición fotográfica y otras tareas creativas como producción musical. Ofrece un rendimiento excelente y posibilidades de configuración muy variadas, aunque la duración de la batería puede obligarte a llevar el cargador más de lo que te gustaría.

Si trabajas en entornos Windows y valoras mucho la experiencia táctil y el dibujo directo sobre la pantalla, el Microsoft Surface Laptop Studio 2 también entra de lleno en este grupo. Su pantalla basculante puede colocarse en posición de tableta para dibujar o retocar con lápiz digital, ofrece muy buena reproducción de color y soporte HDR, y está claramente orientado a un uso creativo, aunque su precio se justifica más por el diseño y la ergonomía que por unas especificaciones puramente brutas.

Portátiles premium equilibrados para fotografía

Hay una gama muy interesante de modelos que combinan buen rendimiento, pantallas de calidad y diseño portátil sin llegar a los extremos (tanto en potencia como en precio) de las estaciones de trabajo.

Entre ellos destaca el ASUS ProArt P16, pensado específicamente para editores de foto y vídeo que usan herramientas como Photoshop y Lightroom. Ofrece una excelente relación calidad‑precio para quienes empiezan a profesionalizarse o buscan un equipo algo más ligero que los gigantes de 17 pulgadas, manteniendo una precisión de color notable en pantalla y potencia suficiente para manejar imágenes RAW de alta resolución.

Otro nombre habitual en este segmento es el Dell XPS 16, un portátil muy compacto y elegante con pantalla OLED InfiniteEdge. Esta combinación de panel OLED, brillo alto y excelente fidelidad cromática lo vuelve una opción especialmente atractiva para fotógrafos y creadores que valoran tanto la estética del equipo como la calidad visual. A pesar de su perfil premium, se mantiene más accesible que otras opciones tope de gama.

El Lenovo Yoga 9i Gen 8 es ideal para quienes trabajan con Windows y sacan partido a la suite de Adobe, Illustrator y otras herramientas de diseño. Ofrece muy buena velocidad, colores vivos, un sistema de sonido cuidado con barra giratoria y la comodidad añadida de poder usar el portátil como tableta gracias a su bisagra 2‑en‑1 y su lápiz óptico integrado.

Por su parte, el Gigabyte Aero 16 llama la atención con una pantalla OLED muy definida, perfecta para edición de imagen y vídeo, y un conjunto de hardware potente en un chasis relativamente fino. El panel táctil de cristal y el teclado sensible contribuyen a una experiencia de uso cómoda durante largas sesiones de edición.

Opciones más compactas y económicas

No todo el mundo necesita una estación de trabajo monstruosa ni quiere gastarse una fortuna. Hay portátiles más compactos y asequibles que ofrecen un rendimiento más que digno para fotografía y algo de vídeo, siempre que no te metas con proyectos demasiado pesados.

El HP Pavilion Aero 13 (2024) es un ejemplo claro: muy ligero y portátil, con una pantalla brillante y antirreflejos que se defiende bien incluso en exteriores, y un procesador de ocho núcleos capaz de mover con soltura aplicaciones de edición ligera y multimedia. Es una gran opción para estudiantes de fotografía o creadores que viajan mucho y priorizan portabilidad sin renunciar por completo al rendimiento.

En la línea de portátiles de precio contenido pero bien armados, también encontramos modelos como el Lenovo 21MS0044SP, que monta un Intel Core Ultra i5, 16 GB de RAM y 512 GB de SSD. Es un combo técnico que cubre sobrado las necesidades de quienes están empezando con la edición de fotos y vídeo, ofreciendo un buen margen de crecimiento antes de que se quede corto.

Un escalón por encima está el Medion 30038215, con procesador Intel Core i7, 16 GB de RAM, SSD de 1 TB y gráficos NVIDIA GeForce RTX 4060. Esta configuración lo convierte en una máquina muy capaz tanto para fotografía exigente como para vídeo 4K moderado, manteniéndose dentro de un rango de precio competitivo frente a alternativas de grandes marcas.

Para quien busca un formato muy versátil y no le importa pagar algo más por ello, el Asus Zenbook Duo 14 ofrece dos pantallas táctiles OLED que permiten tener herramientas, timelines y paneles secundarios visibles sin abarrotar la ventana principal. Esta idea es especialmente práctica para editores de vídeo, fotógrafos y creadores multitarea que quieran mantener varias vistas o aplicaciones abiertas a la vez.

Recomendaciones específicas para vídeo y trabajos mixtos

Si, además de fotos, te dedicas con frecuencia a la edición de vídeo y montaje, debes subir el listón en casi todos los componentes: procesador, RAM, GPU y almacenamiento. Un portátil que va sobrado para fotografía puede quedarse algo justo cuando empiezas a empujar con clips 4K, múltiples capas de corrección de color y efectos pesados.

Algunos equipos claramente pensados para este uso son, por ejemplo, el ASUS 90NB12U1‑M00CH0 (gama DUO), que combina un procesador Intel Core Ultra 9, 32 GB de RAM y 1 TB de SSD con doble pantalla OLED táctil. Este tipo de dispositivo te permite trabajar con archivos multimedia complejos, gestionar timelines y paneles de efectos en la segunda pantalla y aprovechar tanto el tacto como el teclado según la situación.

En la franja de estaciones de trabajo móviles, equipos como HP Workstation ZBook, Dell Precision 5510 o ciertas configuraciones de Lenovo ThinkPad P/ThinkPad T para creadores incluyen procesadores Core i7, grandes cantidades de RAM, SSD rápidos, gráficas profesionales NVIDIA Quadro y pantallas IPS o UHD 4K con buena fidelidad de color. Son máquinas pensadas para edición intensiva de vídeo, renderizado y tareas 3D, pero funcionan de maravilla para fotografía de alto nivel.

¿Portátil o sobremesa para edición de fotos?

La eterna duda: ¿es mejor invertir en un PC de sobremesa potente o en un portátil? Lo cierto es que cada formato tiene sus ventajas y depende mucho de tu forma de trabajar.

El sobremesa suele ofrecer más rendimiento por euro, mejores posibilidades de ampliación (más RAM, más almacenamiento, cambiar gráfica) y te permite usar monitores grandes y de alta calidad con mucha comodidad. Por unos 500 euros en torre tipo barebone más lo que cueste un buen monitor, puedes montarte un conjunto muy serio para edición estacionaria, especialmente si el espacio es limitado pero no necesitas movilidad.

Sin embargo, el portátil gana de calle en movilidad y flexibilidad. Para reportajes, bodas, viajes o sesiones en exteriores, poder llevar todo tu entorno de trabajo en la mochila es un cambio de juego. Además, sirve como “seguro” cuando las tarjetas de la cámara se llenan: puedes vaciar, respaldar y seguir disparando sin miedo a quedarte sin espacio.

Muchos fotógrafos terminan optando por una combinación: sobremesa potente en el estudio y portátil competente para el día a día fuera de casa. Si solo puedes permitirte uno, plantéate honestamente qué tipo de uso es más importante para ti y elige en consecuencia.

Al final, un buen portátil bien elegido puede ser tu mejor aliado creativo: te permitirá revelar, retocar, clasificar y entregar trabajos con soltura, tanto en la mesa del salón como en un hotel o un coche entre sesiones. Si cuidas especialmente procesador, RAM, SSD y pantalla, y dejas algo de margen para crecer con futuras ampliaciones, tendrás equipo para muchos años de batalla visual sin que se te quede corto a la primera de cambio.

Con la mirada puesta en el próximo gran evento futbolístico que paralizará el planeta, la moda ha decidido adelantarse por la banda para marcar un tanto espectacular. No importa si sigues la liga cada domingo o si el fuera de juego te parece un concepto de física cuántica, porque la nueva alianza entre el gigante alemán de las tres rayas y el diseñador del momento va mucho más allá de lo meramente deportivo. Se trata de una propuesta que reivindica el orgullo de las raíces y la cultura latina a través de una estética que mola lo que no está escrito, mezclando el lujo con el sentimiento de barrio.

El diseñador californiano, que ya nos dejó a todos con la boca abierta tras su reciente y exitosa colaboración con Zara, vuelve a la carga para demostrar por qué es una de las mentes más brillantes de la industria actual. Esta vez, se ha centrado en la identidad de la selección mexicana para dar vida a una cápsula bautizada como “Comienza con el sueño”. El resultado es un armario que respira nostalgia por los cuatro costados, con siluetas que parecen sacadas de un álbum de fotos de los noventa pero con ese aire fresco y renovado que solo Willy sabe imprimir a sus creaciones.

La estética retro que conquista las calles europeas

Lo que hace que esta colección sea un auténtico puntazo es cómo consigue que un chándal se sienta como un traje de sastre y viceversa. La identidad visual de Chavarria es inconfundible: cortes XXL, hombros caídos y una elegancia rebelde que ha redefinido el concepto de streetwear moderno. En esta ocasión, los elementos clásicos del fútbol se fusionan con rosas, tipografías góticas y esa sastrería sobredimensionada que tanto caracteriza la herencia chicana, logrando que cada prenda sea una pieza de coleccionista para los que buscan algo con alma.

En el viejo continente, donde el fútbol es casi una religión, este tipo de propuestas suelen volar de las estanterías en un abrir y cerrar de ojos. No es solo ropa para ir al estadio, es una forma de entender la comunidad y el respeto a través del diseño. El lema de la campaña deja claro que los grandes hitos no empiezan bajo los focos de un estadio de 80.000 personas, sino en los parques, en las calles de asfalto gastado y en el esfuerzo diario de quienes persiguen un objetivo con toda su alma.

Zapatillas y homenajes que rompen moldes

Si hablamos de calzado, la colección no se queda corta y presenta opciones que son, sencillamente, de locos. Los modelos Willy Mega Low y Megaride AG XL son los grandes protagonistas, apostando por proporciones exageradas y tonos rojizos que captan todas las miradas. Para los que prefieren algo que recuerde más a las botas de tacos de toda la vida pero para patear la ciudad, las Megaride Copa cierran el círculo con un diseño que es puro fútbol retro adaptado a las tendencias más actuales del asfalto.

Pero si hay una prenda que va a generar verdadera obsesión, esa es la camiseta tipo polo que rinde tributo a Jorge Campos. Aquel portero que se convirtió en un icono mundial no solo por sus paradas, sino por sus uniformes de colores imposibles, tiene ahora su réplica bajo la visión de Chavarria. En tonos verdes, amarillos y rosas, esta pieza es un guiño directo al Mundial del 94, recuperando ese espíritu festivo y atrevido que tanto echamos de menos en las equipaciones actuales, que a veces son un poco aburridas.

La trayectoria de Willy Chavarria, nacido en Fresno y con un ADN que mezcla lo mejor de varios mundos, ha servido para que las comunidades tradicionalmente menos representadas en la alta moda tengan por fin su sitio en el escaparate global. Su trabajo con la firma deportiva no es un simple intercambio de logos, sino una declaración social y cultural profunda que utiliza la moda como vehículo. Con el Mundial de 2026 en el horizonte, este lanzamiento se siente como el uniforme oficial de una generación que no tiene miedo a mostrar quién es ni de dónde viene, uniendo la pasión por el balón con el estilo más puntero del panorama internacional.

Si te han pedido lápices pastel para una clase de dibujo de figura y no los has usado en tu vida, es normal quedarse un poco a cuadros ante tanta marca, formato y tipo de mina. Los pasteles en barra, los lápices pastel, los lápices de colores tradicionales, los acuarelables… de primeras todo suena parecido, pero en realidad cada uno se comporta de una forma distinta sobre el papel y tiene sus trucos.

En las próximas líneas vamos a desgranar con calma qué son exactamente los lápices pastel, cómo se diferencian de otros lápices, qué graduaciones de mina existen, qué formatos de cuerpo puedes encontrar y, sobre todo, cómo elegir el material más adecuado para dibujo artístico, tanto si estás empezando como si ya tienes algo de rodaje. También verás consejos para cuidar tus lápices y que te duren más, así como una panorámica general de las marcas que más suenan en el mundo del arte.

Qué es el pastel y por qué engancha tanto a los artistas

El pastel es un medio pictórico seco con una carga de pigmento brutal, mucho mayor que la de la mayoría de pinturas. Por eso sus colores se ven tan luminosos e intensos. No necesitas pinceles, paletas ni disolventes: trabajas directamente con la barra o el lápiz sobre el soporte, lo que hace que la técnica sea muy directa y rápida.

Una de sus mayores ventajas es que, al ser una técnica seca, no tienes que esperar a que nada se seque para seguir trabajando. Puedes superponer capas, matizar tonos, hacer veladuras finas o empastes muy densos prácticamente sin interrupciones. Esto resulta ideal para quienes disfrutan de un proceso fluido, sin tiempos muertos.

El pastel también es extremadamente versátil: con él puedes dibujar trazos finísimos, líneas superpuestas, manchas amplias y zonas de color saturado. Si controlas bien la presión y el tipo de soporte, es posible ir desde un acabado muy suave, casi velado, hasta texturas muy expresivas y cargadas de pigmento.

Dentro de la gran familia del pastel, los lápices pastel ocupan un lugar muy cómodo porque aunan la intensidad del pastel seco en barra con la precisión del lápiz de madera. Ensucian menos, permiten detallar mejor y son más manejables para quienes vienen del grafito o del lápiz de color tradicional.

Diferencias entre lápices pastel, lápices de grafito y lápices de colores

Antes de elegir marca conviene tener muy claro en qué se distinguen los distintos tipos de lápices que puedes usar para dibujo artístico. No es lo mismo un HB de toda la vida que un lápiz pastel o un Prismacolor.

Los lápices de grafito son los que usamos para escribir y dibujar en blanco y negro. Su mina se compone de grafito mezclado con arcilla, y lo que cambia entre un grado y otro es la proporción de ambos componentes. Esto determina si el lápiz es más blando y oscuro o más duro y claro.

Los lápices de colores, en cambio, sustituyen el grafito por pigmentos de color integrados en una base de cera o aceite. Según la calidad de esos pigmentos y aglutinantes, el lápiz será más o menos cubriente, más resistente a la luz y más suave al trazo.

Los lápices pastel pertenecen a otra liga: son básicamente tiza pastel seca encapsulada en un cuerpo de madera. Su composición se parece mucho a la de los pasteles en barra, pero su formato permite trabajar zonas pequeñas y detalles sin llenar todo de polvo de pastel. El acabado es mate, aterciopelado y se difumina con extrema facilidad.

Por tanto, si buscas un material que te dé transiciones suaves, mezcla rápida de tonos y un color muy vivo, los lápices pastel son una gran elección. Si prefieres líneas muy definidas y capas finas, quizá te interese más un buen lápiz de color de base cera o aceite.

Un poco de historia: de la barra de grafito al lápiz moderno

Para entender por qué hoy tenemos tanta variedad de lápices, viene bien echar un vistazo rápido a su origen. Allá por 1500, en Inglaterra, se descubrió una gran beta de grafito en estado casi puro. Empezaron a cortar ese grafito en barras sólidas que se envolvían en cuerda o cuero de oveja para poder manejarlas mejor.

El material se hizo popular entre artistas y artesanos, pero también era muy útil como molde para fabricar balas de cañón. La Corona británica se guardó bien el secreto, controló las minas y limitó el suministro, lo que hizo que el grafito puro fuera un bien muy codiciado.

En 1560, una pareja en Italia dio un paso clave: encerró una barrita de grafito entre dos láminas de madera pegadas. Básicamente inventaron el lápiz tal y como lo conocemos hoy. Ese mismo proceso, con variaciones mínimas, sigue vigente en la fabricación moderna.

La auténtica revolución llegó en 1794 con Nicolas Jacques-Conté, oficial del ejército de Napoleón. Ante los bloqueos comerciales, Francia no podía importar grafito inglés, así que Conté ideó un método para mezclar grafito en polvo con arcilla, moldearlo en barras y cocerlo en horno. Ajustando la proporción de arcilla controlaba la dureza y el tono del trazo.

Poco después, Lothar von Faber, de la familia Faber (la futura Faber-Castell), tomó esta base y definió una escala estándar de durezas de mina que se convirtió en referencia internacional. Esa escala H-B es la que sigues viendo impresa en los lápices de grafito actuales.

Escala de durezas: cómo se clasifican los lápices de grafito

Si estás empezando en dibujo, te conviene saber que la dureza del lápiz marca una diferencia enorme en el resultado. Usar siempre el mismo grado por comodidad limita tu abanico de recursos y afecta a la calidad final del trabajo.

La escala establecida por Faber va desde los lápices más duros, marcados con H, hasta los más blandos, marcados con B. Cuanto mayor es el número que acompaña a la H, más duro es el lápiz (H, 2H, 3H… hasta 8H). A la inversa, cuanto mayor es el número que acompaña a la B, más blando (2B, 4B, 6B… hasta 8B).

Los lápices muy duros (del H al 8H) dejan una línea fina y clara, ideales para trazos de construcción, detalles técnicos y zonas donde no quieres manchas. Los muy blandos (del 2B al 8B) proporcionan sombras profundas, degradados rápidos y texturas ricas.

En medio están los grados F, HB y B, considerados intermedios. El F ofrece una mina resistente y línea fina, muy útil para escribir o dibujar con precisión. El HB es el típico lápiz escolar, ni muy duro ni muy blando, perfecto para uso cotidiano.

En muchos lápices escolares en lugar de la combinación de letras verás solo un número del 0 al 5. En esa escala, el 0 equivale aproximadamente a un 2B y el 5 a un 2H. El número 2, el más común en papelerías, se corresponde con el clásico HB. Si tu lista de materiales pide “lápiz número 2” y no lo encuentras, cualquier lápiz HB te hará el mismo servicio.

La idea general es no encariñarse solo con los blandos porque resultan más agradables al dibujar. Hay efectos que solo puedes lograr con un lápiz duro, como ciertas texturas finas, hachurados muy limpios o líneas de perspectiva que necesites que pasen más desapercibidas en el acabado.

Tipos de lápices de colores: tradicionales, acuarelables y pastel

Cuando nos metemos en el terreno del color aparecen varias familias de lápices, cada una con comportamientos distintos. Entenderlas te ayudará a combinar mejor tus materiales con los lápices pastel y a decidir con qué te sientes más cómodo.

El lápiz de color tradicional es el que la mayoría usamos de pequeños: mina de pigmento, agua y una base de cera o aceite. Según la calidad del pigmento y de esa base, el lápiz se comportará de forma más cremosa o más seca, con mayor o menor saturación de color. Las gamas profesionales suelen ofrecer cartas con decenas o incluso más de cien tonos.

Los lápices de colores acuarelables son una especie de híbrido entre lápiz y acuarela. Puedes colorear en seco como con un lápiz normal y, después, pasar un pincel con agua para activar el pigmento y crear un efecto de pintura aguada. Esto da mucho control: primero defines y luego decides qué quieres fundir con agua.

Además, los acuarelables se prestan a técnicas mixtas. Es habitual combinarlos con acuarela en pastilla o tubo, tinta o grafito para añadir detalles, texturas o contornos. Funcionan muy bien en ilustración y bocetos rápidos con toques de color.

Los lápices de colores pastel, que son los protagonistas aquí, no dejan de ser pastel seco en formato lápiz. Frente a las barras tradicionales, el cuerpo de madera hace que el trabajo sea más limpio y controlable, especialmente en zonas pequeñas o cuando quieres mantener un acabado pulcro en el papel.

Su gran baza es que permiten detallar con mucha más precisión que una barra de pastel, manteniendo ese acabado suave y fácilmente difuminable. Son ideales para rematar retratos al pastel, trabajar cabellos, rasgos faciales, detalles de ropa o pequeños elementos de un paisaje.

Formas del lápiz: hexagonal, redondo o triangular

Puede parecer un detalle menor, pero la sección del lápiz influye en la comodidad y en cómo se comporta sobre la mesa. En papelería artística vas a encontrarte sobre todo tres formatos.

El formato hexagonal es el más común en lápices escolares y de oficina. Sus caras planas hacen que el lápiz no ruede tan fácilmente hasta caerse de la mesa, lo que evita que se rompa la mina por golpes. Es un buen estándar para uso general.

Los lápices de cuerpo redondo suelen resultar muy cómodos para escribir durante largo rato. El agarre es suave y permite giros fluidos, por eso se ven mucho en entornos de trabajo, estudios y oficinas. La pega es que ruedan con facilidad y pueden acabar en el suelo si no tienes cuidado, algo a tener en cuenta si usas lápices caros o delicados.

El formato triangular, algo más reciente, está pensado sobre todo para manos pequeñas. Su sección facilita un agarre ergonómico y estable, perfecto para niños o personas con menos fuerza en la mano. Además, igual que el hexagonal, evita que el lápiz ruede por la mesa.

En el caso de los lápices pastel o de colores profesionales, muchas marcas apuestan por cuerpos hexagonales o redondos según el enfoque de uso. La clave es que elijas un formato con el que puedas pasar tiempo dibujando sin molestias y que no te esté cayendo todo el rato al suelo.

Qué hace que un lápiz (y un lápiz pastel) sea “bueno”

Cuando hablamos de los mejores lápices pastel o de color para dibujo artístico, no existe una única respuesta válida. Cada artista tiene sus manías, pero sí hay una serie de características objetivas que marcan la calidad de un lápiz.

En lápices de colores y pastel, la clave principal es la calidad y concentración del pigmento. Un buen pigmento da colores vivos, cubrientes y, sobre todo, resistentes a la luz. Esto último es importante si quieres que tus obras no se desvanezcan con el tiempo.

La base o aglutinante también influye. En los lápices de color tradicionales se usa cera o aceite; en los pastel, compuestos secos similares a los de la tiza pastel. De esa base dependen la suavidad al trazo, la facilidad para mezclar colores y la tendencia a producir o no brillos indeseados.

Otro punto clave es la resistencia de la mina. Un lápiz profesional bien diseñado soporta la presión al colorear y al afilar sin romperse a la mínima. Esto es especialmente importante en lápices blandos, acuarelables o pastel, donde la mina suele ser más frágil.

La carta de color es otro factor decisivo. Las gamas de gama alta ofrecen decenas de tonos cuidadosamente seleccionados y organizados, lo que facilita mezclar, sombrear y lograr matices precisos sin depender siempre del mezclado manual.

Finalmente, detalles como la forma del cuerpo, el tipo de madera, el acabado del barniz o la claridad del marcado del grado influyen en la experiencia de uso y en la durabilidad. En conjunto, todo esto es lo que hace que un lápiz pastel o de color merezca o no la pena para trabajo artístico serio.

Marcas y gamas de referencia en lápices de colores

Si miras foros y opiniones de artistas, verás que siempre salen las mismas marcas cuando se habla de “los mejores lápices de colores del mundo”. Aunque la lista no es cerrada, hay cuatro nombres que aparecen una y otra vez.

La gama Polychromos de Faber-Castell es un clásico entre profesionales. Se trata de lápices de base aceite con minas especialmente resistentes, capaces de soportar bastante presión sin partirse. Destacan por su poder de mezcla, su solidez a la luz y una carta de 120 colores muy equilibrada.

Derwent ofrece varias gamas de lápices, pero una de las que más comentarios positivos recibe hoy en día es Chromaflow. Estos lápices se caracterizan por un trazo vibrante, muy pigmentado y suave, con buena capacidad de mezcla y una relación calidad-precio interesante para artistas que van avanzando.

La histórica marca Karisma, muy querida por ilustradores, se hizo famosa por sus minas especialmente cremosas y su excelente capacidad de mezcla. El problema es que dejaron de fabricarse sobre 2005, así que los sets que circulan hoy son de coleccionista y difíciles de conseguir.

Prismacolor, especialmente su línea Premier, es otra referencia ineludible. Son lápices con base de cera muy blanda, ideales para capas múltiples y degradados suaves. Casi por unanimidad, se les reconoce un gran potencial de mezclado. Eso sí, su suavidad los hace algo delicados, recomendándose afilarlos de forma manual para evitar roturas.

Su carta de color es muy generosa: en la gama Premier puedes encontrar hasta unos 150 tonos distintos, lo que abre muchas posibilidades en ilustración, retrato y dibujo artístico en general.

Dónde encajan los lápices pastel dentro de este panorama

Frente a todo este abanico de lápices de grafito y de color, los lápices pastel ocupan un punto muy concreto: son una herramienta perfecta para quienes quieren la expresividad del pastel con más control y limpieza. Se suelen usar en combinación con barras pastel o como medio principal sobre papeles de cierto grano.

Su composición, muy próxima a la del pastel seco, hace que el color se deposite con alta intensidad y se difumine con extrema facilidad. Puedes usar difuminos, los dedos o pinceles secos para suavizar transiciones y crear volúmenes sin esfuerzo.

A diferencia de muchos lápices de color a base de cera, el acabado del lápiz pastel es completamente mate, lo que ayuda a evitar brillos en las zonas oscuras y mantiene un aspecto más pictórico. Eso sí, son más sensibles al roce y requieren fijativo al finalizar la obra.

Si vienes del mundo del retrato a lápiz o color, los lápices pastel te van a permitir trabajar pieles, cabellos y telas con un aspecto muy suave, casi de pintura, pero sin tener que montar todo el despliegue de óleos o acrílicos.

Cómo cuidar tus lápices y lápices pastel

Una vez que inviertes en buenos lápices, conviene tratarlos con cariño. El afilado es un punto delicado, sobre todo en lápices blandos, acuarelables o pastel, donde la mina es más frágil. Hay varias formas de hacerlo y cada una tiene sus pros y contras.

El sacapuntas manual de toda la vida es práctico y rápido para uso diario. Sin embargo, en lápices profesionales puede provocar un desgaste menos uniforme de la mina y aumentan las posibilidades de que se rompa, especialmente si el sacapuntas está ya desgastado.

Los sacapuntas eléctricos o de mesa ofrecen un afilado más regular. El modelo eléctrico aporta rapidez y un acabado muy preciso y homogéneo, prolongando la vida útil de los lápices. El de manivela es una alternativa más económica, pero igualmente robusta, y te permite controlar hasta dónde quieres afilar.

El cúter es la opción preferida por muchos artistas profesionales. Usándolo con cuidado puedes dar a la mina la forma exacta que necesitas para cada técnica: punta finísima para líneas, bisel largo para sombrear, etc. Además, si se hace bien, el lápiz permanece útil durante más tiempo sin necesidad de afilarlo tan seguido.

Eso sí, trabajar con cúter exige algo de práctica y mucha precaución. No es en absoluto recomendable para niños y conviene usar una superficie de corte adecuada y siempre cortar alejando la hoja del cuerpo.

Además del afilado, es importante almacenar los lápices en estuches rígidos o fundas protectoras, evitar golpes fuertes y no exponerlos a calor extremo, ya que la cera o los aglutinantes podrían deteriorarse.

Aspectos medioambientales: materiales reciclados y certificaciones

Otro factor que empieza a pesar a la hora de elegir material de dibujo es su impacto ambiental. Algunos fabricantes incorporan maderas procedentes de bosques gestionados de forma responsable o materiales reciclados en el cuerpo de los lápices.

Hay productos que llegan a incluir al menos un 50 % de material reciclado y lo acreditan mediante sellos independientes. Un ejemplo es la certificación Global Recycled Standard (GRS), reconocida en el ámbito internacional.

El GRS verifica el contenido reciclado en cada etapa de la cadena de suministro, desde el origen del material hasta el producto final. Para lucir este sello, el artículo debe cumplir criterios sociales, ambientales y químicos específicos, lo que sirve como garantía adicional al usuario.

Algunos de estos productos certificados GRS entran dentro de iniciativas como Climate Pledge Friendly, que identifican artículos con menor impacto ambiental. No es algo que afecte directamente al trazo del lápiz, pero sí puede inclinar la balanza si te interesa que tu estudio de arte sea más sostenible.

Aprender a sacarles partido: formación y práctica

De poco sirve tener los mejores lápices pastel o de colores si luego no sabes cómo exprimir todo su potencial. Precisamente por eso cada vez hay más cursos y recursos centrados en técnicas específicas con lápices.

En el ámbito del color, por ejemplo, hay formaciones de retrato con lápices de colores donde se enseña a dominar volúmenes, luces y sombras, mezclar capas y controlar la saturación sin embarrar el papel. Muchos de estos cursos son online y permiten avanzar a tu ritmo, desde cualquier dispositivo.

Si te llama el pastel, un buen punto de partida es aprender a controlar la presión, la dirección del trazo, el tipo de papel y el uso de fijativos. Los lápices pastel facilitan mucho este aprendizaje, ya que son más precisos que las barras y menos intimidantes al inicio.

A la larga, cada artista acaba configurando su propia combinación de materiales. Lo habitual es que pruebes varias marcas, durezas y formatos hasta encontrar aquello con lo que te sientes más a gusto. No hay una única respuesta correcta: lo importante es que el material acompañe tu forma de trabajar en lugar de estorbarla.

En tiendas especializadas y papelerías artísticas puedes encontrar desde lápices sueltos hasta estuches muy completos, además de todo lo que los rodea: papeles, rotuladores, reglas, bolígrafos y un largo etcétera. Merece la pena dedicar un rato a explorar y comparar antes de lanzarte a una compra grande.

Con todo este contexto, elegir los mejores lápices pastel para dibujo artístico —así como combinarlos con grafitos y lápices de colores de calidad— pasa por conocer cómo está hecho cada lápiz, qué ofrece cada gama y cómo se adapta a tu forma de dibujar. Teniendo claras las diferencias entre grafito, color tradicional, acuarelable y pastel, sabiendo leer la escala de durezas y cuidando bien tus herramientas, estarás en una posición ideal para transformar tus ideas en dibujos y ilustraciones con personalidad propia.

El mundo del coleccionismo y la fantasía oscura ha recibido un duro golpe con la confirmación del fallecimiento del artista británico John Blanche a los 78 años. Esta noticia, que ha corrido como la pólvora por redes sociales, marca el final de una era para Games Workshop y para cualquiera que alguna vez haya sujetado un pincel para pintar una miniatura. Su muerte ha sido validada por figuras muy cercanas a su entorno, como la escultora Trish Carden y el diseñador Tuomas Pirinen, quienes han destacado que su pérdida deja un hueco imposible de llenar en la industria del entretenimiento.

No es ninguna exageración afirmar que Blanche fue el auténtico arquitecto de lo que hoy conocemos como Warhammer. A través de sus ilustraciones, fue capaz de engendrar el concepto visual del grimdark, esa atmósfera asfixiante, decadente y gótica que diferencia a esta franquicia de cualquier otra obra de ciencia ficción. Su estilo no solo se limitaba al papel, sino que caló tan hondo que su visión sobre personajes clave, como el Emperador de la Humanidad o las Hermanas de Batalla, se mantiene como la guía estética oficial hasta nuestros días, influyendo incluso en los tráileres cinematográficos más recientes de la undécima edición del juego.

Una trayectoria ligada a la identidad de Games Workshop

La relación de John Blanche con la famosa compañía británica comenzó allá por 1977, un momento en el que el hobby todavía estaba dando sus primeros pasos. Empezó realizando portadas para la mítica revista White Dwarf, pero su talento pronto le llevó a ocupar el cargo de director de arte. Fue en 1983 cuando dio un golpe sobre la mesa al diseñar la portada de Warhammer Fantasy, aunque su mayor contribución llegaría con el lanzamiento de Rogue Trader en 1987, sentando las bases de lo que hoy es un fenómeno global que incluye novelas, videojuegos y series.

Su forma de trabajar era muy particular, alejándose de los cánones de belleza tradicionales para centrarse en una paleta de colores muy concreta basada en ocres, marrones y negros. Este enfoque artístico era tan distintivo que incluso se comercializan sets de pinturas bajo su nombre, pensados para aquellos que buscan replicar esa suciedad y realismo gótico en sus propias figuras. Para muchos aficionados, entrar en este mundillo fue gracias al impacto visual de sus batallas épicas, cargadas de detalles infinitos que obligaban a quedarse mirando la imagen durante horas.

El fenómeno Blanchitsu y su huella en el heavy metal

Aparte de su curro oficial en las oficinas de Nottingham, Blanche ejerció una influencia brutal en la escena independiente. Es el padre espiritual del movimiento conocido como Blanchitsu, una corriente de pintura de miniaturas que huye de los colores chillones para centrarse en conversiones extrañas y aspectos desgastados. Esta filosofía ha creado una comunidad propia de artistas que consideran sus enseñanzas como el auténtico Santo Grial del modelismo, buscando siempre esa narrativa visual que habla de ruina y fanatismo en cada pincelada.

Pero su arte no se quedó encerrado entre ejércitos de plástico. John Blanche también fue una figura muy respetada dentro del mundo del heavy metal británico y europeo. Sus pinceles dieron vida a portadas de discos emblemáticos para bandas de la talla de Bolt Thrower, Sabbat o Cloven Hoof durante los años ochenta y noventa. Esta conexión entre la música extrema y su arte oscuro no es casualidad, ya que ambos compartían esa estética rebelde y transgresora que tanto gustaba en la época y que hoy en día se sigue reivindicando como un elemento cultural imprescindible.

Incluso tras su jubilación oficial en 2023, el artista no dejó de crear, participando en proyectos colaborativos de gran éxito como Trench Crusade. Su fallecimiento coincide paradójicamente con un momento de máxima popularidad para sus creaciones, demostrando que su imaginación gótica y punk seguirá viva en cada ilustración del Trono Dorado y en cada miniatura que un aficionado decida pintar siguiendo su estela. La huella que deja este hombre en la cultura popular es profunda, recordándonos que el arte puede ser incómodo, oscuro y maravillosamente complejo al mismo tiempo.

Trabajar como creativo hoy implica vivir pegado al móvil: lo usas para revisar referencias, mandar propuestas por WhatsApp, hacer videollamadas con clientes, grabar contenidos y, por supuesto, moverte por la ciudad mientras localizas sitios interesantes. Sin embargo, muchos profesionales siguen usando solo una parte mínima del potencial de su smartphone, sobre todo en lo que tiene que ver con conexiones móviles, seguridad y gestión de batería (consulta trucos de tecnología para creativos).

Esta guía básica sobre conexiones móviles está pensada para creativos de cualquier nivel, desde quien se acaba de comprar su primer smartphone hasta quien ya domina apps de diseño y edición pero quiere poner orden en ajustes, privacidad y rendimiento. Vamos a integrar nociones de uso básico del móvil, ahorro de batería, diseño de apps y seguridad, de forma práctica y con un lenguaje cercano, para que puedas personalizar tu dispositivo y exprimirlo en tu día a día profesional.

Uso básico del móvil para creativos: primeros pasos imprescindibles

Antes de ponerte a instalar apps y servicios de conexión a lo loco, es fundamental que controles lo más elemental del teléfono: cómo encenderlo, apagarlo, reiniciarlo y qué pasa cuando lo bloqueas o desbloqueas. Puede sonar obvio, pero en contexto profesional, saber reiniciar a tiempo o forzar un apagado puede librarte de un bloqueo en plena presentación.

Las opciones de inicio, reinicio y apagado suelen encontrarse manteniendo pulsado el botón de encendido, aunque cada fabricante añade matices; en iPhone, por ejemplo, consulta trucos iPhone. En general tendrás: apagado normal, reinicio, modo emergencia y, en algunos modelos, reinicio forzado si el sistema se queda colgado. Para un creativo que viaja o trabaja en movilidad, tener claro cómo reiniciar rápido es clave cuando el dispositivo se queda congelado justo antes de una reunión o mientras compartes pantalla.

El bloqueo y desbloqueo de pantalla son la primera barrera de seguridad. Puedes elegir PIN, patrón, contraseña, huella dactilar o reconocimiento facial, según el modelo. A nivel práctico, combina algo cómodo (huella o cara) con un PIN o contraseña seguros, evitando fechas obvias como tu cumpleaños o el 1234 de toda la vida. Si sueles enseñar tu móvil a clientes para mostrar diseños, conviene reducir el tiempo de bloqueo automático para que la pantalla no se quede encendida más de la cuenta.

En cuanto a ajustes de pantalla, el brillo y el tiempo de espera marcan directamente la autonomía. Un brillo muy alto hace que la batería vuele, y en exteriores tendemos a subirlo al máximo. Lo ideal es usar brillo automático y solo forzarlo en situaciones puntuales. Además, configura un tiempo de apagado de pantalla razonable: lo bastante largo para no molestarte mientras enseñas un portfolio, pero lo bastante corto para que no se quede encendida sola en el bolsillo.

La pantalla de inicio es tu mesa de trabajo creativa. Reorganiza los iconos por proyectos o por tipo de tarea: comunicación (WhatsApp, email, apps de videollamada), creatividad (editores de foto, vídeo, dibujo), productividad (notas, calendarios, gestores de tareas). Agrupar en carpetas y añadir accesos directos te ahorra tiempo y reduce distracciones cada vez que desbloqueas el móvil.

Cambiar el fondo de pantalla y personalizar las pantallas de inicio y bloqueo también tiene un impacto en cómo percibes el dispositivo. Un fondo demasiado recargado puede dificultar la lectura de iconos y notificaciones. Elige imágenes claras, con poco contraste fuerte en las zonas donde se muestran los textos, especialmente si trabajas mucho al aire libre o en pantallas grandes; y si necesitas optimizarlas, usa el convertidor de imágenes por lotes.

Conexiones móviles, datos y videollamadas: la base del trabajo en remoto

La conexión móvil es la columna vertebral de tu flujo de trabajo creativo fuera de la oficina. Dominar cómo se conecta tu teléfono a redes móviles, WiFi y otros dispositivos te permitirá subir archivos pesados, compartir diseños o hacer reuniones por vídeo sin sobresaltos (para más contexto, lee sobre la comunicación en Internet).

Los datos móviles son la conexión que te ofrece tu operador a través de la red celular. En los ajustes de «Redes móviles» o similares puedes activar o desactivar los datos, elegir el tipo de red preferida (4G, 5G, etc.) y ver el consumo mensual. Si trabajas mucho en movilidad, controla los gigas que gastas subiendo vídeos, descargando referencias o usando apps de mapas; más de un creativo se ha llevado un susto al final del mes por no vigilar esto.

Cuando uses WiFi, revisa siempre el tipo de red a la que te conectas. Las redes públicas abiertas (cafeterías, aeropuertos, coworkings) pueden ser un riesgo para tu información, sobre todo si manejas contratos, facturas o bocetos de proyectos confidenciales. Siempre que puedas, prioriza redes conocidas y protegidas con contraseña, y evita hacer operaciones sensibles (banca, pagos, envío de documentos delicados) en redes abiertas sin protección adicional. Consulta nuestra guía básica de WiFi para entender canales y bandas.

En el entorno creativo, las videollamadas con WhatsApp se han convertido en una herramienta básica para hacer reuniones ágiles, revisar propuestas con clientes o tener reuniones de equipo. Desde la propia app puedes iniciar una videollamada desde un chat individual o de grupo tocando el icono de cámara. Asegúrate de tener permisos de cámara y micrófono activados, y comprueba que la conexión de datos o WiFi es estable antes de empezar para no transmitir una imagen poco profesional.

Para mejorar la experiencia en videollamadas, cuida el entorno visual y sonoro: ten a mano unos auriculares con micrófono decente, procura buena iluminación y revisa que las notificaciones no te estén interrumpiendo cada dos minutos. El móvil puede gestionar todo esto si configuras los modos «No molestar» y las notificaciones por app, de manera que durante una reunión importante solo se cuelen avisos críticos; y si quieres mejorar el sonido, aprende a usar el móvil como micrófono.

Personalización de pantalla y uso de apps creativas

La personalización de tu smartphone va mucho más allá de cambiar el fondo y el tono de llamada. Para un creativo, el teléfono es casi una extensión del escritorio de trabajo, así que conviene que la disposición de iconos, widgets y accesos directos esté pensada para el día a día profesional.

Juega con los widgets en la pantalla principal para tener a mano lo que realmente necesitas: el calendario con tus próximos plazos, una lista de tareas del proyecto activo, el control de tu reproductor de música o un acceso directo a tus notas de ideas. Cuantos menos pasos tengas que dar para llegar a lo que usas a diario, más fluido será tu flujo de trabajo.

En cuanto a aplicaciones de ocio, como música o vídeo, pueden ser aliadas de tu proceso creativo. Apps de streaming de audio te dan bandas sonoras para concentrarte mientras bocetas o editas, y los servicios de vídeo se convierten en fuentes de inspiración visual. Eso sí, conviene configurar bien sus notificaciones para que no te bombardeen con avisos irrelevantes cuando estás centrado en un proyecto.

El buscador de ajustes del teléfono es uno de los grandes olvidados y, sin embargo, es clave para encontrar rápidamente parámetros avanzados sin perderte en menús infinitos. Si quieres cambiar algo de conectividad, seguridad o pantalla, escribe una palabra clave (por ejemplo «datos», «bloqueo», «brillo», «batería») y accede directamente a la sección adecuada. Esto es especialmente útil cuando saltas entre diferentes modelos de móvil y las rutas de menús cambian.

Para creativos que usan mucho el móvil para presentaciones o demos, merece la pena configurar accesos rápidos (gestos, doble toque, botones laterales) para funciones clave como la linterna, la captura de pantalla o la grabación de pantalla. Son pequeños atajos que marcan la diferencia cuando tienes a un cliente delante y necesitas reaccionar con agilidad.

Seguridad y privacidad: protege tus ideas y proyectos

La seguridad en el móvil ya no es opcional si trabajas con clientes, marcas o información sensible. El smartphone almacena correos, documentos, presupuestos, fotos de proyectos en marcha y, por supuesto, acceso a tus redes sociales profesionales. Todo esto es muy apetecible para ciberdelincuentes.

Tanto en Android como en iOS existen guías de «ciclo de vida seguro del dispositivo» que proponen buenas prácticas desde que estrenas el móvil hasta que lo dejas de usar. La idea es que en cada fase (configuración, uso diario, actualizaciones, reciclaje o venta) tomes medidas específicas para reducir riesgos, como usar contraseñas robustas, cifrado y copias de seguridad.

Empieza por configurar un método de bloqueo sólido y activar, si existe, la opción de cifrado del dispositivo. En muchos modelos recientes viene activado por defecto, pero conviene comprobarlo. El cifrado hace que, aunque alguien acceda físicamente al móvil, no pueda leer tus datos sin la clave. Acompaña esto con un PIN o contraseña que no sea evidente y evita compartirla incluso con personas de confianza.

La gestión de permisos de las aplicaciones es otro pilar de la privacidad. Muchas apps piden acceso a cámara, micrófono, ubicación, contactos o almacenamiento sin necesitarlo realmente para su función principal. Revisa cada cierto tiempo qué permisos tiene cada app y desactiva los que no sean imprescindibles. Como creativo, piensa qué puede pasar si una app con excesivos permisos sufre una brecha de seguridad: podrían exponerse archivos, ubicaciones de trabajo o datos de tus clientes. Si manejas información sensible, considera usar VPN y aprende qué ve tu ISP con una VPN.

Las cookies y tecnologías similares también influyen en cómo se trata tu información, especialmente cuando accedes a páginas web desde el móvil. Los sitios suelen clasificar las cookies como necesarias (para que la web funcione) y de terceros (para análisis y publicidad). Tienes derecho a aceptar solo lo imprescindible y rechazar o limitar las de terceros, sabiendo que eso puede modificar la experiencia de navegación. Para perfiles creativos que investigan webs y recursos continuamente, ajustar estas preferencias ayuda a controlar cuánta información se recopila sobre tus hábitos.

Uno de los problemas más habituales es el olvido de la contraseña de desbloqueo. En lugar de usar claves obvias, apoyarte en gestores de contraseñas puede ser una solución equilibrada. Además, tanto Android como iOS ofrecen mecanismos de recuperación o reseteo del dispositivo asociados a tu cuenta principal, aunque normalmente implican borrar los datos. Por eso es clave tener copias de seguridad periódicas si no quieres perder tus trabajos.

No olvides activar las funciones de localización y borrado remoto que permiten rastrear el móvil si se pierde o te lo roban, e incluso borrar la información a distancia. Para un creativo, perder el teléfono no solo es un disgusto económico; también supone la posible exposición de materiales sensibles y conversaciones con clientes. Estas funciones reducen el impacto de un incidente.

Ahorro de batería y autonomía en smartphones modernos

Las baterías de los móviles de hoy no duran como las de los teléfonos «tontos» de principios de los 2000, básicamente porque ahora llevas en el bolsillo una pantalla enorme y un miniordenador que lo hace todo. Aun así, con una configuración adecuada puedes alargar bastante la autonomía, algo clave cuando pasas el día entre reuniones, grabaciones y desplazamientos.

La pantalla es el gran devorador de batería. Mantener un brillo medio o automático es una de las decisiones más eficaces. Además, usar fondos oscuros o temas en modo oscuro, sobre todo en pantallas OLED, reduce el consumo. Si pasas muchas horas consultando referencias o maquetando desde el móvil, notarás la diferencia al final del día.

Las conexiones también influyen mucho en la autonomía. Tener simultáneamente activados Bluetooth, WiFi, datos móviles y GPS drena la batería aunque no los estés usando intensivamente. Desactiva lo que no necesites en cada momento: por ejemplo, deja el Bluetooth apagado si no estás con auriculares o dispositivos externos; apaga el GPS cuando no uses mapas ni apps de geolocalización. Si trabajas desde casa, también conviene optimizar la red WiFi en casa para evitar reconexiones.

Muchos fabricantes, como Samsung en el caso de la firma coreana, incluyen modos de ahorro de energía que ajustan automáticamente el rendimiento, el brillo e incluso limitan algunas apps en segundo plano. Para jornadas largas fuera del estudio, activar un modo de ahorro equilibrado puede ser la diferencia entre llegar al final del día con batería o buscar enchufes desesperadamente.

Gestionar las aplicaciones en segundo plano es esencial. Algunas apps de redes sociales, correo o mensajería se mantienen despiertas constantemente, consumiendo batería y datos. Desde los ajustes de batería o de aplicaciones puedes restringir su actividad en segundo plano, permitiendo que se actualicen solo cuando las abras. En un entorno creativo, donde quizá tengas muchas apps instaladas, este control es especialmente importante.

Cuidar la batería también pasa por buenos hábitos de carga. Evitar que el móvil se descargue por completo con mucha frecuencia, no dejarlo siempre al 100 % enchufado durante horas y usar cargadores de calidad ayuda a prolongar la vida útil de la batería. Si trabajas mucho fuera, un buen power bank se convierte en una herramienta tan básica como tu cuaderno de bocetos.

Qué deben saber los creativos sobre diseño y desarrollo de apps móviles

Si además de usar apps te planteas crear la tuya para tu estudio, tu marca personal o un proyecto creativo, conviene entender algunas nociones sobre tipos de aplicaciones, diseño de experiencia de usuario y costes aproximados. La experiencia de creadores de apps reales muestra que la teoría se queda corta frente a lo que implica lanzar un producto pulido.

Podemos distinguir dos grandes tipos de apps móviles (simplificando un poco): las apps «de paso» y las apps basadas en la experiencia. Las primeras se usan para hacer una gestión rápida en la vida real, como buscar sitio donde comer, reservar alojamiento o comprar un billete. Nadie entra en ellas para «disfrutar»; lo que importa es que la tarea se complete rápido, con una UX clara, aunque la interfaz no sea espectacular.

Las apps experienciales, en cambio, son aquellas donde el usuario disfruta del propio uso de la app: juegos, experiencias de realidad virtual o aumentada, apps de aprendizaje gamificado, proyectos interactivos como Zonder (un juego de exploración de lugares reales donde vas ganando experiencia al visitar sitios). En este tipo de apps, la exigencia de diseño es mucho más alta, tanto visualmente como en fluidez y detalle, porque el usuario pasa mucho tiempo dentro.

En el terreno B2B (apps para empresas que usan sus empleados), el listón de diseño suele ser algo más permisivo, porque la motivación para usar la app viene del trabajo en sí. Puedes cometer algún fallo de UI o UX y la gente seguirá usándola porque forma parte de su jornada laboral. En cambio, si tu app está pensada para el público general y es «divertida», cualquier error o fricción puede hacer que el usuario la cierre y la desinstale al momento.

Un punto clave que se repite en la experiencia de muchos creadores es que la idea inicial, por muy brillante que parezca, vale poco sin una ejecución excelente. Millones de personas tienen buenas ideas; solo una mínima parte consigue llevarlas a un producto que funcione, guste y se sostenga en el tiempo. Si cualquiera puede copiar lo que haces y lograr el mismo resultado sin esfuerzo, no tienes una ventaja competitiva real.

Además, nadie más tiene la visión exacta que tú tienes en la cabeza. Por eso, si vas a colaborar con diseñadores o desarrolladores, necesitas preparar conceptos iniciales lo más detallados posible: bocetos, flujos de pantallas, referencias visuales, ejemplos de interacción. Cuantos más detalles les des, más fácil será que el resultado se acerque a lo que imaginas.

Dificultad de la UI/UX móvil, plataformas y costes aproximados

Diseñar para móvil suele ser bastante más complejo de lo que se piensa al principio. En una pantalla pequeña no puedes permitirte textos larguísimos ni menús complicados. El usuario tiene una atención limitada; si se siente perdido o abrumado, abandona. Esto hace que la UI/UX móvil requiera un nivel de refinamiento muy alto, especialmente en apps experienciales.

Para alcanzar al público general, es casi imprescindible lanzar en iOS y Android a la vez. Hoy en día existen tecnologías multiplataforma, como React Native, que facilitan crear una misma base de código para ambos sistemas. Limitarte a una sola plataforma reduce tu audiencia y, en muchos casos, la viabilidad del proyecto, salvo que tengas una razón estratégica muy clara.

En el mundo de las apps de consumo hay dos grandes umbrales de calidad. El primero es que la app sea «usable»: la gente puede utilizarla para lo que está pensada sin demasiadas quejas. El segundo es que la gente la adore tanto que la recomiende a sus amigos sin que tú se lo pidas. Para tener un crecimiento sano, necesitas alcanzar este segundo nivel, porque de lo contrario dependerás siempre de pagar publicidad en plataformas como Facebook o Google para conseguir usuarios nuevos.

Buscar inspiración copiando a gigantes como Facebook, Google o Airbnb puede ser un arma de doble filo. Sus diseños no siempre representan el estado del arte de la experiencia de usuario; muchas veces se apoyan en presupuestos de marketing enormes que compensan un producto simplemente correcto. Si tú no puedes invertir millones en promoción, tu app necesita destacar por sí misma, verse más atractiva y funcionar mejor que la de esos gigantes.

En cuanto a la forma de desarrollar, contratar una empresa externa no siempre es la mejor solución, sobre todo si tu proyecto es una app experiencial exigente. Estas empresas suelen cumplir técnicamente con las especificaciones, pero rara vez van más allá para crear algo excepcional; es más probable que alcances solo el primer umbral de calidad. Contar con un equipo propio, más alineado con tu visión y preparado para iterar rápido, suele dar mejor resultado a largo plazo.

Respecto a costes, hay ciertas referencias que ayudan a poner los pies en la tierra. Una app sencilla de tipo B2B, con hasta cinco pantallas y funcionalidades básicas, puede situarse alrededor de los 20 000 euros, siempre que tú participes activamente en diseño y definición. A medida que se incrementan el número de pantallas, el cuidado del diseño, la complejidad técnica (integración con redes sociales, sistemas de reseñas, chat, gráficos, etc.), el presupuesto puede elevarse mucho, llegando fácilmente a rangos de 200 000-300 000 euros para apps de experiencia compleja dirigidas a consumidores.

Si decides trabajar con una empresa de desarrollo, es habitual que el coste suba alrededor de un 50 %. La razón es doble: por un lado, el margen comercial de la propia empresa; por otro, que tu participación directa suele ser menor, lo que genera más malentendidos, revisiones y cambios de alcance. Todo esto supone más horas de trabajo que acaban repercutiendo en el presupuesto final.

Muchos creadores que vienen de un entorno no técnico demuestran que es posible aprender desde cero y acabar lanzando una app sólida, siempre que exista paciencia, capacidad de iteración y una visión clara. No hace falta formación formal en desarrollo para entender los fundamentos de diseño, experiencia de usuario y negocio alrededor de una aplicación.

Para un creativo, entender todo este contexto de conexiones móviles, uso básico, seguridad, batería y diseño de apps no solo mejora cómo utilizas tu propio smartphone en el día a día; también abre la puerta a plantear proyectos digitales más ambiciosos, tomar mejores decisiones al contratar servicios y evitar errores caros. Con unos cuantos ajustes bien pensados y un poco de curiosidad técnica, tu móvil puede convertirse en una herramienta mucho más poderosa y segura para tu trabajo creativo.

Elegir entre una GPU AMD o Nvidia se ha convertido en una de las decisiones más importantes cuando montas un PC para diseño, creatividad o gaming serio. Sobre todo si estás en una situación típica: presupuesto ajustado, muchas opiniones contradictorias y dudas sobre si una RX 9070 XT es buena idea o “hay que ir sí o sí a Nvidia”.

Si tu tope ronda entre 400 y 600 euros para la tarjeta gráfica (o dólares, la lógica es la misma) y quieres una máquina que responda bien tanto en juegos como en edición de vídeo, 3D o herramientas con IA, necesitas entender qué hace realmente distinta a cada marca: no solo potencia bruta, también software, consumo, VRAM, ray tracing, IA y estabilidad a largo plazo.

AMD vs Nvidia: en qué se diferencian de verdad

A nivel general, se podría decir que Nvidia domina la gama alta con las tarjetas más rápidas y con mejor ray tracing, mientras que AMD suele ofrecer mejor relación rendimiento/precio, especialmente en la gama media y baja, y con más memoria de vídeo en muchos modelos.

Las dos compañías llevan años en una especie de batalla continua por la corona de las GPU. Eso ha derivado en catálogos muy amplios donde hay opciones para casi cualquier presupuesto, resoluciones desde 1080p hasta 4K, y diferentes tipos de usuarios: jugadores competitivos, creadores de contenido, profesionales 3D, fotógrafos o editores que tiran de Premiere, DaVinci o similares.

En las gamas más potentes, la distancia pura de FPS se ha ido estrechando, pero el enfoque de cada marca es distinto: Nvidia tira fuertísimo de IA y software (DLSS, Reflex, NVENC, etc.), mientras que AMD apuesta por un hardware muy competente y abierto, con tecnologías como FSR 4 pensadas para funcionar incluso fuera de su propio ecosistema.

Si miras solo gama económica y media, AMD suele ganar en calidad-precio; en gama alta y en escenarios muy exigentes (4K, ray tracing al máximo, cargas de IA intensivas), Nvidia es la referencia. La clave es ver en qué rango vas a moverte tú y qué priorizas: más FPS por euro, mejor software creativo, o el ray tracing más avanzado.

Arquitecturas actuales: RDNA 4 vs Blackwell

La generación actual enfrenta las GPUs AMD Radeon RX 9000 (arquitectura RDNA 4) contra las Nvidia GeForce RTX 50 (arquitectura Blackwell). Más allá de los nombres, aquí está el “cerebro” que marca rendimiento, consumo y capacidades de IA o ray tracing.

Con RDNA 4, AMD ha dado un giro interesante: ha pasado de su apuesta por el chiplet en generaciones anteriores a un diseño monolítico en 4 nm para estas GPU gaming. Uno de los modelos estrella es la RX 9070 XT, especialmente pensada para jugar en 4K con buena experiencia, pero también muy capaz en 1440p de alto refresco.

Las principales mejoras de RDNA 4 se centran en varios puntos: ray tracing de 3ª generación, un sistema de caché muy trabajado (Infinity Cache + L2 + caché en cada CU), un procesador de comandos mejorado para gestionar mejor las colas de trabajo, un doble motor multimedia para codificar y decodificar (AV1, H.264, H.265) con más eficiencia y menos latencia, y una 3ª generación de aceleradores matriciales para potenciar el Machine Learning y tecnologías como FSR.

En memoria, RDNA 4 apuesta por GDDR6 a 20 Gbps con bus de 256 bits en modelos clave, acompañada por un motor de salida Radiance Display compatible con HDMI 2.1b y DisplayPort 2.1a. El objetivo de todo esto es claro: más FPS a altas resoluciones, mejor ray tracing y codificación competitiva para creadores, sin disparar los costes tanto como Nvidia.

Por el otro lado, Nvidia con Blackwell se ha marcado cuatro metas claras: optimizar cargas de IA modernas, reducir la huella de memoria (hacer más con menos VRAM efectiva), mejorar la eficiencia energética y dar un salto en lo que llaman capacidades de servicio, es decir, todo el ecosistema de software y servicios alrededor de la GPU.

Las novedades clave de Blackwell son potentes: Tensor Cores de 5ª generación con un enfoque brutal en IA, RT Cores de 4ª generación para ray tracing avanzado (incluida la llamada “mega geometría”), un nuevo procesador de gestión de IA capaz de manejar varios modelos simultáneos, y nuevos SM (Streaming Multiprocessors) pensados para sombreadores neuronales, algo muy ligado al futuro de los gráficos híbridos IA + rasterizado.

Además, Nvidia ha mejorado su línea Max-Q para portátiles, duplicando eficiencia en movilidad, y adopta memoria GDDR7 a hasta 30 Gbps en modelos como RTX 5080 y 5090. Todo ello convierte a Blackwell en una arquitectura muy orientada a IA y ray tracing de élite, aprovechando que Nvidia comparte muchas bases entre sus GeForce y su gama profesional de centros de datos.

Especificaciones por gamas: baja, media y alta

Para aclarar el panorama, conviene ver cómo se posicionan las distintas gamas de AMD y Nvidia, porque ahí es donde se juega el partido de relación calidad-precio y de elegir bien según tu presupuesto.

En gama baja, hablamos de modelos como RTX 5050, RTX 5060 y RX 9060 XT (8 y 16 GB). Aquí lo más interesante es que AMD suele ofrecer más VRAM y bus PCIe x16 frente a Nvidia, que a veces recorta a PCIe x8. Las cifras típicas son TGPs bastante contenidos (130-160 W), lo que significa buenas temperaturas y fuentes de alimentación modestas, perfectas para equipos compactos o económicos.

La RTX 5050, sinceramente, se queda algo corta por ir demasiado capada a nivel de hardware; el punto mínimo sensato suele ser la RTX 5060. En paralelo, AMD planta la RX 9060 XT de 16 GB como gran baza: más VRAM, PCIe 5.0 x16 y frecuencias muy altas que superan los 3 GHz, a costa de algo más de consumo pero con un rendimiento estupendo en 1080p y 1440p ajustando detalles.

En la gama media entra el terreno caliente: RTX 5060 Ti (8 y 16 GB), RX 9070 y RTX 5070. Las RTX 5060 Ti de 8 GB se han criticado bastante porque los 8 GB se quedan justos para 1440p y más aún para 4K con texturas altas, sobre todo si activas ray tracing. El modelo de 16 GB mejora mucho la situación, pero también sube precio.

La RX 9070 y la RTX 5070 juegan en una liga superior dentro de la gama media-alta. Nvidia saca músculo con más CUDA Cores y memoria GDDR7 a alta velocidad, mientras que AMD responde con 16 GB GDDR6, bus de 256 bits, un consumo moderado y un rendimiento muy serio en 2K y 4K, aunque con temperaturas algo elevadas en algunos ensambladores.

En gama alta, el duelo se pone serio: RX 9070 XT, RTX 5070 Ti, RTX 5080 y RTX 5090. Aquí AMD se centra sobre todo en competir en la parte baja de la gama alta (RX 9070 XT vs RTX 5070 Ti), ofreciendo una tarjeta muy potente por debajo de los 1000 € y muy atractiva en calidad-precio. Nvidia, por su parte, pone a la RTX 5080 en un escalón propio y deja la RTX 5090 como la absoluta bestia de la generación, aunque con un coste y consumo que tiran para atrás.

Hay que tener en cuenta que AMD no tiene una respuesta directa para RTX 5080 y 5090 en potencia bruta; su estrategia es ofrecer una gama alta sólida hasta cierto punto de precio, y dejar que Nvidia gobierne la franja más extrema, donde los usuarios están dispuestos a pagar casi lo que sea por unos cuantos FPS extra en 4K con ray tracing al máximo.

Precio, disponibilidad y calidad-precio

Uno de los puntos donde AMD está jugando mejor sus cartas es en precios y disponibilidad. Históricamente, Nvidia ha tenido más problemas de stock en lanzamientos clave, con modelos volando en minutos y precios inflados. AMD, en cambio, suele mantener un stock más estable y una vida útil de sus productos algo más larga antes de descatalogarlos.

Si miramos precios de lanzamiento de la serie RX 9000 y RTX 50, vemos cosas como: RTX 5050 en torno a 280 €, RTX 5060 sobre 299 €, RX 9060 XT desde 330-399 € según VRAM, RTX 5060 Ti entre 374 y 460 €, RX 9070 cerca de 720 €, RTX 5070 a unos 649 €, RX 9070 XT en torno a 780 €, RTX 5070 Ti casi 889 €, RTX 5080 alrededor de 1190 € y la RTX 5090 a unos 2369 €.

La jugada clave de AMD ha sido bajar el precio de modelos como la RX 9070 hasta los 600 €, haciendo que resulte difícil justificar una RTX 5070 si, por el mismo dinero, tienes una 9070 XT con más VRAM y muy buen rendimiento en 1440p/4K sin llegar a los extremos de la gama más top.

Nvidia, por su parte, marca los precios en la gama alta sin apenas competencia. La RTX 5090 sube bastante frente a lo que costó la 4090 en su lanzamiento, y la política de recortar VRAM en gama media (seguir con 8 GB en ciertas tarjetas) no ayuda precisamente a su percepción de valor, aunque a cambio ofrece un software que es, hoy por hoy, superior.

En la práctica, si lo que buscas es máxima calidad-precio, las mejores ofertas suelen estar en la franja de RTX 5060 / RX 9060 XT / RX 9070, mientras que la parte más prohibitiva se la lleva siempre Nvidia con sus modelos tope de gama.

Rendimiento en juegos, ray tracing y reescalado (DLSS vs FSR)

En rasterizado puro (sin ray tracing), las últimas generaciones de AMD y Nvidia están muy cerca dependiendo de la resolución y del juego concreto. Hay títulos que favorecen a una marca u otra, pero si eliges bien por rango de precio, no vas a notar un abismo.

La diferencia grande aparece cuando metes en la ecuación ray tracing y tecnologías de reescalado. Nvidia sigue claramente por delante gracias a su ecosistema DLSS, ahora ya en DLSS 4/4.5 con funciones como Ray Reconstruction, Multi Frame Generation y Dynamic Multi Frame Generation. Esto le permite ofrecer una mezcla de calidad de imagen y FPS muy difícil de igualar cuando activas RT en serio.

AMD ha evolucionado bien con FSR 4, mejorando mucho el ghosting y los artefactos respecto a versiones anteriores, y ofrece una calidad de imagen muy digna. Pero la realidad es que hoy DLSS sigue teniendo ventaja en integración en juegos, estabilidad y calidad fina cuando comparas cuadro a cuadro, especialmente en escenas complejas con iluminación y reflejos muy exigentes.

Si tu prioridad es ray tracing al máximo en 1440p o 4K, y quieres además aprovechar lo último en IA aplicada a juegos, Nvidia se mantiene como la opción más fuerte. AMD ha recortado distancias, sobre todo con sus mejoras de hardware RT de 3ª generación, pero todavía no ha conseguido superar al “equipo verde” en este terreno.

Software, IA y ecosistema creativo

Donde Nvidia mete un golpe sobre la mesa es en la pila de software. No hablamos solo de DLSS: también están tecnologías como Reflex 2 para latencias bajísimas en eSports, herramientas de creación como RTX Remix, funciones de IA de vídeo y streaming en Nvidia Broadcast, y todo el ecosistema de IA (NeMo, ACE, Video RTX, etc.).

Para creadores, un punto clave es NVENC, el codificador de vídeo de Nvidia. En la generación actual soporta hasta profundidades de color avanzadas como 4:2:2, y se ha convertido en un estándar de facto para streamers, editores de vídeo y filmmakers que necesitan codificar o retransmitir con calidad y sin saturar la CPU.

AMD ha mejorado bastante su parte de codecs con el doble motor multimedia de RDNA 4, que minimiza latencia y da mejor rendimiento en códecs habituales, pero aún está por detrás del conjunto de soluciones de Nvidia para vídeo y streaming profesional.

En terreno puramente gaming competitivo, AMD ofrece HYPR-RX (que agrupa Anti-Lag, Super Resolution y Fluid Motion Frames) como paquete para mejorar respuesta y FPS, pero todavía necesita refinar algunos aspectos como un Anti-Lag plenamente estable y compatible con todos los títulos competitivos. Reflex sigue siendo la referencia en este sentido, tanto por madurez como por presencia en los juegos más usados en eSports.

Si, además de jugar, te dedicas a diseño, edición de vídeo, motion graphics o IA creativa, una RTX 5070 Ti, 5080 o 5090 funciona prácticamente como un 2×1: GPU muy potente para juegos y estación de trabajo de IA y vídeo. Es en este uso mixto gaming + creativo donde Nvidia marca mayor distancia hoy.

Overclock, consumo y temperaturas

En las generaciones recientes, tanto AMD como Nvidia están exprimiendo bastante sus GPU de fábrica, por lo que el margen real de overclock para rascar muchos FPS suele ser pequeño, salvo que te metas en refrigeración líquida seria y VBIOS agresivas.

Las tarjetas AMD suelen venir ya muy subidas de frecuencia, de modo que es complicado sacarles mucho más salvo que vayas a un montaje con waterblock dedicado. En la práctica, para la mayoría de usuarios, lo mejor es apostar por un modelo custom con buen disipador y olvidarse de exprimir hasta el último MHz.

En el caso de Nvidia, algunas GPUs tienen algo más de margen, especialmente si usas VBIOS no oficiales que aumentan el power limit. Sin embargo, incluso con eso, las ganancias de FPS rara vez justifican el aumento de consumo, ruido y calor, salvo que te guste el overclock extremo como hobby.

En cuanto a consumos, ambas marcas han tenido modelos bastante tragones en la gama alta. La RTX 5090 es el mejor ejemplo, pidiendo fuentes de hasta 1000 W y generando una barbaridad de calor. AMD también ha tenido problemas de consumo elevado en tarjetas como las RX 9070 y RX 9070 XT, en parte por sus altísimas frecuencias y por la velocidad de sus módulos GDDR6.

Para un usuario normal que quiere montar un PC equilibrado, lo sensato es mirar bien TGP y recomendación de fuente antes de decidir, y no obsesionarse con el overclock: es mejor invertir en una GPU un peldaño por encima con un buen disipador de serie que en una más barata intentando exprimirla a base de voltaje.

Sincronización adaptativa: G-Sync vs FreeSync

En el terreno de la sincronización adaptativa, AMD y Nvidia están muy cerca en experiencia global, aunque con enfoques y costes diferentes. Nvidia tiene G-Sync, que suele ofrecer una calidad ligeramente superior y menor latencia, pero necesita monitores específicos (o compatibles G-Sync) que normalmente son más caros.

AMD, por su parte, impulsa FreeSync, que se ha extendido muchísimo y se integra en una gran cantidad de monitores a precio muy contenido. La contra es que en algunos modelos puede aparecer algo de ghosting, aunque en general la experiencia es muy buena para la mayoría de usuarios.

Si ya tienes un monitor G-Sync o compatible, una GPU Nvidia encaja perfecto. Si estás comprando todo desde cero y quieres ajustar presupuesto, es muy probable que un monitor FreeSync + GPU AMD sea el combo más económico con muy buena experiencia de juego fluida.

GPU en portátiles y ecosistemas cerrados

En el mundo de los portátiles gaming y creativos, Nvidia es la clara dominadora. La mayoría de equipos vienen con GPU GeForce (desde una sencilla GTX/RTX 1650 hasta 3080 Ti, 4080 o equivalentes de la serie 50 móvil), en parte porque su línea Max-Q ofrece muy buena eficiencia en chasis delgados.

AMD sí tiene presencia con GPUs como Radeon RX 6800 o series móviles equivalentes, pero es menos frecuente encontrarlas en portátiles de gama alta para creadores. Además, Nvidia ha mimado mucho su ecosistema Studio (drivers, certificaciones, optimizaciones para software creativo), algo que atrae a profesionales que necesitan máxima estabilidad.

En el caso de Apple, la compañía ha migrado casi toda su gama MacBook a Apple Silicon con GPU propia integrada en sus SoC. Siguen existiendo modelos antiguos con GPUs de terceros, pero para quien usa Mac hoy y quiere jugar o trabajar con gráficos pesados, lo lógico es comprobar qué GPU lleva su equipo y qué tal rinde en los programas que necesita, haciendo benchmarks o pruebas prácticas.

Qué es exactamente una GPU y por qué importa tanto

Una GPU (unidad de procesamiento gráfico) es básicamente el motor que se encarga de renderizar todo lo que ves en pantalla en juegos, edición de vídeo, 3D, etc. Está diseñada para manejar muchas operaciones en paralelo, lo que la hace perfecta para gráficos, aprendizaje automático y cálculos masivos.

Dentro de la GPU hay miles de núcleos (CUDA en Nvidia, Stream Processors en AMD), memoria de vídeo dedicada (VRAM), unidades para ray tracing, motores multimedia, caché y un buen número de componentes especializados. Todo eso se coordina para transformar modelos 3D, texturas y efectos en imágenes a 60, 120 o 240 FPS, según tu equipo y configuración.

Aunque tengas una CPU potente y un sistema bien optimizado, si tu tarjeta gráfica es floja no podrás jugar con alta calidad ni trabajar cómodo con proyectos de vídeo o 3D exigentes. Por eso es fundamental mirar bien qué GPU compras, si encaja con tu presupuesto y si no hace cuello de botella con el resto del PC.

Qué ofrece AMD como marca de GPU

Desde que AMD compró ATI en 2006, sus tarjetas gráficas han ido ganando terreno poco a poco. Su estrategia ha sido apostar por una muy buena calidad-precio, mucho foco en el rasterizado (FPS puros en juegos) y una filosofía bastante abierta en sus tecnologías, como se ve en FSR.

Las GPUs de AMD, como las Radeon RX 9060 XT, 9070 y 9070 XT, destacan por ofrecer mucha VRAM en comparación con Nvidia al mismo rango de precio, rendir de maravilla en 1080p y 1440p, y contar con un panel de control bastante amigable para hacer ajustes, aplicar perfiles o incluso toquetear el overclock con relativa facilidad.

Además, la insistencia de AMD en mantener tecnología de código más abierto en cosas como FSR ha permitido que sus soluciones de reescalado funcionen también en hardware de otras marcas, algo muy bien visto tanto por usuarios como por desarrolladores.

Qué ofrece Nvidia como marca de GPU

Las GPUs de Nvidia se consideran desde hace años la referencia absoluta en gama alta y en ray tracing. Con la llegada de las RTX, abrió la puerta al trazado de rayos en tiempo real en juegos, y generación tras generación ha ido puliendo esta ventaja.

No todo son tarjetas de más de mil euros: hay modelos más asequibles como la RTX 2060 o RTX 5060 que para muchos jugadores y creadores resultan más que suficientes, y en plataformas como Steam la mayoría de usuarios siguen usando GPUs Nvidia de distintas generaciones.

Sin embargo, el punto diferencial actual son sus capacidades de IA y codificación de vídeo. Entre DLSS, NVENC, Reflex, Broadcast y todo su ecosistema Studio, Nvidia ha creado una oferta que no solo se centra en juegos, sino en productividad creativa y profesional.

Ventajas y desventajas generales de AMD y Nvidia

Si tuviéramos que condensar en pocas ideas las fortalezas de cada marca en esta generación, quedaría algo así: AMD ofrece una relación calidad-precio brutal en 1080p y 1440p, mejoras muy importantes en ray tracing respecto a generaciones anteriores y un FSR 4 que por fin se siente maduro. Nvidia, en cambio, sigue mandando en 4K, eSports de máximo nivel, ray tracing extremo y software de IA.

Entre las ventajas evidentes de AMD tenemos su precio más ajustado por FPS, mucha VRAM en la mayoría de modelos y un rendimiento muy competitivo en resoluciones medias. El lado negativo está en que todavía le falta un pelín en potencia para 4K puro frente a las RTX tope, sus consumos en modelos potentes pueden ser altos y su software (anti-lag, ecosistema IA) aún no alcanza el nivel de pulido de Nvidia.

Por el lado de Nvidia, los puntos fuertes son claros: mejor ray tracing del mercado, un catálogo muy amplio que abarca casi todos los precios, un software avanzado y un rendimiento excelente en cualquier escenario. Sus pegas: VRAM algo justa en gama media, consumos muy altos en los modelos más gordos y una política de descatalogar y mover precios que genera bastante volatilidad en el mercado.

Para alguien que se monta un PC con un presupuesto máximo de unos 600 € para la GPU y menos de 1200 € para todo el equipo, el equilibrio suele estar en las gamas media y medio-alta: RX 9060 XT de 16 GB, RX 9070, RTX 5060 Ti 16 GB o incluso estirar a una RX 9070 XT si encuentras buena oferta. Ahí es donde más partido vas a sacar a tu dinero y donde AMD brilla especialmente.

Con todo lo visto, se puede decir que AMD es una elección fantástica si quieres jugar a 1080p/1440p con muchos FPS, aprovechar bien tu presupuesto y contar con bastante VRAM, mientras que Nvidia resulta especialmente interesante si te obsesionan el ray tracing, los eSports con la menor latencia posible, el 4K o el trabajo intensivo con IA y vídeo. Entender estos matices es lo que realmente te ayuda a decidir si en tu caso encaja más una RX 9070 XT o una RTX de gama equivalente.

El panorama cultural se encuentra en un momento de gran ebullición para los amantes de las cámaras y la edición. En los últimos meses, diversos ayuntamientos y entidades han lanzado sus propuestas para atraer el talento tanto de profesionales como de aficionados que buscan hacerse un hueco en el mundillo a través de certámenes de fotografía nacional e internacional. Estas citas no solo son una oportunidad para ganar un pellizco económico, sino también para que el trabajo de muchos artistas termine expuesto en galerías de renombre o forme parte de archivos históricos municipales.

Participar en estos eventos requiere estar muy atento a las bases, ya que cada rincón de nuestra geografía busca resaltar un aspecto distinto, desde la recreación histórica hasta la belleza de los paisajes naturales. Lo bueno de esta variedad de convocatorias actuales es que hay espacio para casi cualquier estilo, permitiendo que fotógrafos con sensibilidades muy distintas puedan probar suerte y mostrar su visión particular del entorno que les rodea.

La proyección internacional de los certámenes en Tomelloso

Uno de los platos fuertes llega desde Castilla-La Mancha, donde el Ayuntamiento de Tomelloso ha puesto toda la carne en el asador con sus certámenes artísticos. En esta ocasión, la fotografía cobra un protagonismo especial dentro de un fondo de adquisición que busca enriquecer el patrimonio cultural local con obras de alta calidad. Es una convocatoria abierta a creadores de cualquier nacionalidad, lo que eleva el nivel de la competición y atrae miradas de todas partes del mundo, consolidando a la ciudad como un referente en la promoción del arte contemporáneo.

Los interesados en este concurso deben saber que el plazo suele ser bastante ajustado, cerrándose a principios de junio. Se admiten trabajos tanto en color como en blanco y negro, con una libertad temática que permite a los autores dar rienda suelta a su creatividad sin restricciones. Además, las obras que resulten seleccionadas tendrán el honor de formar parte de una exposición oficial durante las fiestas de la localidad, lo que supone un escaparate magnífico para cualquier fotógrafo que quiera que su obra sea vista por miles de personas.

Lugo y la memoria visual del Arde Lucus

Si nos desplazamos al norte, la ciudad de Lugo propone un reto muy diferente pero igual de apasionante. El concurso vinculado a la fiesta del Arde Lucus se centra en capturar la magia de la recreación histórica romana. Aquí, lo que se busca es esa captura perfecta del espíritu antiguo que inunda las calles gallegas cada año. Los premios, aunque algo más modestos que en otras grandes citas, cuentan con el aliciente de que las mejores fotos integrarán una muestra que coincide con el aniversario de la Muralla de Lugo como Patrimonio de la Humanidad.

Para los que quieran presentarse, el margen para entregar los trabajos es mucho más amplio, extendiéndose hasta finales de septiembre. Esto permite a los participantes revisar sus archivos con calma y seleccionar esas cinco imágenes que mejor representen la esencia de una fiesta que ya es de interés turístico internacional. Es una forma fantástica de que el legado romano de la ciudad se mantenga vivo a través de la mirada de quienes lo viven en primera persona, convirtiendo cada instantánea en un documento histórico de gran valor.

Naturaleza y raíces en las islas y el centro peninsular

No todo son grandes eventos de masas; el cuidado por el detalle y el entorno natural también tiene su premio. En las Islas Canarias, concretamente en Santa Brígida, se ha lanzado una iniciativa que vincula la fotografía con la botánica y el paisaje urbano. Con categorías que van desde los patios y jardines hasta los balcones floridos, se premia la capacidad de captar la belleza cotidiana y el esmero de los vecinos por mantener su entorno. Es una propuesta que demuestra que no hace hace falta irse muy lejos para encontrar un motivo digno de ser fotografiado.

Por otro lado, la recuperación de la memoria es el eje central en municipios como Colmenar Viejo, donde se apuesta por un formato distinto: el concurso de fotografía antigua. Aquí no se trata de salir a disparar con el último modelo de cámara, sino de bucear en los álbumes familiares para rescatar imágenes de antes de que acabara el siglo XX. El objetivo es salvaguardar la evolución del lugar, permitiendo que las nuevas generaciones comprendan cómo era la vida de sus antepasados a través de documentos visuales que, de otro modo, podrían perderse en el olvido.

Tener la oportunidad de participar en estos certámenes supone un incentivo brutal para seguir mejorando la técnica y la narrativa visual. Ya sea buscando la internacionalización en concursos de técnica libre o centrándose en la protección del patrimonio local, la fotografía sigue demostrando que es una herramienta fundamental para entender el mundo y conectar con los demás. Al final, lo que queda de todas estas convocatorias es un mosaico increíble de imágenes que nos cuentan quiénes somos y cómo vemos lo que nos rodea, animando a cualquiera que tenga un ojo curioso a no dejar pasar estas oportunidades y presentar sus mejores fotos antes de que cierren los plazos.

Sumergirse en el mundo del modelado y la animación tridimensional puede parecer al principio un auténtico laberinto. Entre tantas extensiones y siglas, es normal que uno se quede un poco pillado al intentar decidir cómo guardar un proyecto para que no se pierda ni un solo detalle al abrirlo en otro programa.

La clave para no volverse loco está en entender que cada formato tiene un propósito muy concreto. No es lo mismo querer que una pieza salga perfecta de una impresora 3D que buscar que un personaje se mueva con naturalidad en un motor de videojuegos o en una película de cine.

Formatos estrella para la Impresión 3D

Cuando hablamos de fabricación aditiva, el flujo de trabajo es bastante exigente. No basta con tener la máquina; necesitas un archivo que el software de corte, o el famoso slicer, pueda interpretar para convertirlo en instrucciones legibles (G-code) que la impresora ejecute paso a paso.

El formato STL es, sin duda, el veterano del grupo. Desde finales de los 80, se ha mantenido como el estándar gracias a su sencillez, aunque tiene sus migas. Básicamente, convierte la superficie en una malla de triángulos (teselación). Cuanto más pequeños sean estos triángulos, más detalle tendrá la pieza, pero ojo, que el archivo puede volverse pesadísimo y a veces se ven los polígonos en la pieza final.

Si necesitas algo más versátil, el OBJ es tu mejor aliado. A diferencia del STL, este permite incluir colores y texturas a través de un archivo complementario llamado .MTL. Además, no se limita a los triángulos, pudiendo usar polígonos y cuadriláteros, lo que lo hace ideal para geometrías más complejas.

Para quienes buscan una precisión quirúrgica, existen el AMF y el 3MF. El AMF utiliza lenguaje XML para ser más flexible y permite manejar múltiples colores y materiales en un solo archivo. Por su parte, el 3MF es la evolución lógica; optimiza el almacenamiento y permite mover objetos individuales sin tener que tocar la malla, lo que ahorra un montón de tiempo y recursos.

No podemos olvidar el formato STEP, que es la norma ISO para el intercambio de datos técnicos. Es la opción predilecta en el entorno CAD profesional porque es independiente del fabricante y permite gestionar la información en módulos separados, facilitando enormemente la colaboración entre ingenieros y diseñadores.

Animación y Flujos de Trabajo Dinámicos

Cuando pasamos de objetos estáticos a animaciones, la cosa se pone más interesante. Aquí es donde entran en juego conceptos como los fotogramas clave, que funcionan como anclas temporales, y las jerarquías de huesos o rigging, que definen cómo se dobla un brazo o una pierna sin que el modelo se deforme de manera extraña.

El formato FBX es el rey absoluto en la industria del cine y los videojuegos. Es una herramienta potentísima porque soporta animaciones esqueléticas y morphs, permitiendo que la geometría y la apariencia se trasladen fielmente entre software como Maya, 3ds Max o Fusion 360. No obstante, al intentar abarcarlo todo, puede resultar un formato bastante complejo de gestionar.

Para entornos web, el GLB es la opción más inteligente ya que ofrece un almacenamiento compacto sin sacrificar demasiada calidad. Por otro lado, tenemos formatos propietarios como .BLEND de Blender, que es como una caja de herramientas completa: guarda escenas, sonidos, iluminación y todos los parámetros de la interfaz, aunque solo puede ser abierto por el propio Blender.

Existen también otros formatos más específicos como el 3DS, que guarda datos básicos de escena, o el SLDPRT de SolidWorks, especializado en piezas individuales que luego se ensamblan en archivos .SLDASM. Incluso el formato SKP de SketchUp es muy común para bocetos arquitectónicos donde los wireframes y efectos de borde son fundamentales.

Recursos y Herramientas Útiles

Si no te sientes con ganas de empezar un diseño desde cero, hay comunidades increíbles donde puedes encontrar objetos 3D gratis ya listos. Repositorios como Thingiverse, Cults3D, Yeggi o MyMiniFactory son minas de oro donde los autores comparten sus creaciones gratuitamente o por unos pocos euros.

Para los que prefieren el modelado paramétrico o basado en código, OpenSCAD ofrece el formato .SCAD, mientras que AutoCAD sigue dominando el terreno vectorial con los archivos .DWG. A veces, para mover estos archivos pesados, lo más sencillo es recurrir a un .RAR para comprimir la información y facilitar la transferencia.

La elección del formato dependerá siempre de si priorizas la precisión técnica del CAD, la fluidez de una animación compleja o la compatibilidad con una impresora 3D. Lo ideal es dominar un par de opciones estándar como OBJ o FBX para no tener problemas de compatibilidad al intercambiar escenas entre diferentes aplicaciones de modelado.

Si te das un paseo por cualquier tienda de electrónica buscando una tele de gama alta, lo más normal es que acabes con la cabeza como un bombo. Entre el OLED, el Mini LED y esos MicroLED que cuestan un ojo de la cara, ahora nos toca familiarizarnos con el término Micro RGB, una tecnología que promete cambiar las reglas del juego en los paneles LED tradicionales. No es solo una cuestión de nombres raros, sino de cómo se gestiona la luz para que ver una película en casa sea lo más parecido posible a estar en una sala de cine.

El mercado español acaba de recibir con los brazos abiertos la propuesta de LG con su familia Micro RGB Evo AI, que llega para plantar cara a lo que Samsung ya venía asomando con modelos como el R95H. La idea es sencilla pero potente: aprovechar todo el conocimiento en procesado de imagen que las grandes marcas han pulido con sus famosos OLED para aplicarlo ahora a una retroiluminación mucho más sofisticada. Se acabó eso de conformarse con pantallas grandes que solo brillan; ahora lo que se busca es un control milimétrico de cada tono para que la experiencia sea redonda.

¿Qué es exactamente el Micro RGB y por qué LG apuesta por ello?

Para no andarnos por las ramas, conviene explicar que el Micro RGB no funciona como un OLED donde cada píxel se apaga del todo. Sigue habiendo una fuente de luz trasera, pero la diferencia es que en lugar de usar luces blancas estándar, se utiliza una combinación de LEDs rojos, verdes y azules controlados de forma independiente. Esto es un salto de gigante respecto a los Mini LED que conocíamos hasta ahora, ya que permite que los colores nazcan directamente desde la fuente de luz, logrando una viveza que antes era impensable en este tipo de paneles.

La marca coreana ha querido sacar pecho con su procesador α11 de tercera generación, una bestia del silicio que se encarga de que esos miles de diodos independientes trabajen al unísono. La intención es clara: heredar esa «precisión OLED» que tanto gusta a los cinéfilos pero llevándola al terreno de los paneles LED de gran formato. Al final, lo que el usuario va a notar es que los negros son mucho más profundos y que los colores no se lavan aunque la habitación esté iluminada a plena luz del día.

Un despliegue técnico para dominar el color y el brillo

Si hablamos de cifras, la cosa se pone seria. Estos nuevos modelos cuentan con nada menos que 13.104 Micro LEDs y más de cinco mil zonas de control independiente. Esto significa que el televisor es capaz de gestionar el brillo con una exactitud asombrosa, evitando ese molesto efecto de halo que a veces se ve alrededor de los subtítulos o de objetos brillantes en fondos oscuros. Además, alcanzar picos de 3.000 nits es una auténtica barbaridad que garantiza que el contenido en HDR luzca con una pegada impresionante.

Pero donde realmente sacan músculo es en la fidelidad cromática. LG presume de haber conseguido la primera triple certificación del mundo que asegura una cobertura del 100% en los espacios de color BT.2020, DCI-P3 y Adobe RGB. Para el que no domine estos términos, básicamente significa que la tele es capaz de mostrar todos los colores que el ojo humano puede distinguir en una producción profesional, algo que hasta ahora estaba reservado a monitores de edición de vídeo muy específicos.

Inteligencia artificial y un ecosistema pensado para el salón

No todo es hardware puro y duro en esta nueva generación. El sistema operativo webOS sigue siendo el centro de mando, pero ahora viene dopado con funciones de inteligencia artificial como Gemini y Copilot. Esto permite que el televisor no solo nos recomiende series, sino que actúe como un verdadero asistente personal al que podemos pedirle información o que gestione la seguridad de nuestros datos mediante el sistema Shield. Además, el mítico mando Magic Pointer sigue presente, lo cual es de agradecer porque moverse por los menús con el puntero es una gozada.

La marca ha puesto mucho énfasis en que la experiencia sea duradera, prometiendo actualizaciones de software que se estirarán hasta el año 2031. Esto es un punto muy a favor para quienes ven la compra de un televisor como una inversión a largo plazo y no quieren que se quede obsoleto a las primeras de cambio. También han incluido un sistema de inteligencia que analiza la imagen en tiempo real para reescalar contenidos de baja resolución, haciendo que incluso un vídeo antiguo parezca grabado ayer mismo.

El paraíso de los jugadores con 165 Hz y Motion Booster

Los amantes de los videojuegos también tienen motivos para estar contentos. La compatibilidad con VRR a 165 Hz es ya de por sí una cifra excelente para conectar una consola de última generación o un PC potente, pero la cosa no queda ahí. Gracias a la tecnología Motion Booster, el panel es capaz de emular una fluidez de hasta 330 Hz, eliminando cualquier rastro de desenfoque en los juegos más frenéticos. Es una de esas funciones que, una vez que las pruebas, hacen que volver a una tele normal sea un camino difícil.

Por si fuera poco, el soporte para AMD FreeSync Premium y la integración de servicios como GeForce NOW aseguran que no haya tirones ni cortes en la imagen durante las partidas. Todo este paquete tecnológico se presenta en tamaños que arrancan en las 75 pulgadas y llegan hasta las 100, confirmando que la tendencia actual es ir a por pantallas cada vez más grandes para convertir el salón en un auténtico centro de ocio total.

Esta nueva apuesta por el Micro RGB supone un paso adelante fundamental para LG y Samsung en su intento de dominar el segmento más exclusivo del mercado de televisores en España. Con una combinación de brillo extremo, colores certificados y funciones inteligentes de última hornada, estas pantallas se posicionan como la opción ideal para quienes buscan lo mejor de dos mundos: la potencia lumínica del LED y la precisión cromática de las gamas profesionales, todo ello bajo un ecosistema conectado que garantiza entretenimiento y seguridad durante muchos años.