Cuando hablamos de los auténticos cracks que han dado un giro de 180 grados a nuestra forma de entender las imágenes, el nombre de Seymour Chwast surge casi por instinto. Este artista, nacido en el Bronx en 1931, no es el típico diseñador que se limita a seguir el manual al pie de la letra; es más bien un camaleón creativo con una capacidad envidiable para saltar entre la tipografía, el dibujo y el diseño más puro.

Su camino ha sido una travesía fascinante por las entrañas de la estética estadounidense, dejando una marca que es sencillamente imposible de borrar. Tras formarse en la Cooper Union durante los años 50, donde se graduó en Bellas Artes en 1951, Chwast desarrolló una habilidad pasmosa para absorber influencias diversas y convertirlas en propuestas disruptivas, convirtiéndose en el gran abanderazado del diseño posmoderno.

La revolución del Push Pin Studios

En 1954, Chwast decidió unir fuerzas con otros visionarios como Milton Glaser, Edward Sorel y Reynold Ruffin para fundar Push Pin Studios. Lejos de ser una agencia convencional, este estudio fue una verdadera punta de lanza que buscaba renovar la estética de los años 60, mandando paseo los esquemas rígidos y, siendo sinceros, bastante aburridos del diseño moderno de aquella época.

Desde este hervidero de ideas lanzaron la revista Push Pin Graphic, que funcionó como el escaparate perfecto para sus innovaciones. Aunque Glaser dejó el proyecto en 1975, Seymour tomó las riendas del estudio y ha mantenido el timón hasta la actualidad, operando ahora bajo el nombre de The Pushpin Group Inc. en Nueva York.

El enfoque del grupo era tan rompedor que algunos críticos llegaron a decir que estaban sentenciando al modernismo. Sin embargo, la realidad es que estaban inventando un lenguaje nuevo, basado no en la copia ciega del pasado, sino en adaptar y renderizar elementos antiguos para que resultaran frescos y contemporáneos.

Un estilo ecléctico y multidisciplinar

Lo que hace que el trabajo de Chwast sea tan reconocible es su destreza para mezclar conceptos. Es un maestro absoluto del estilo ecléctico, rescatando piezas del Art Nouveau, el Art Deco y la época victoriana, a las que añade toda la energía vibrante del Pop Art. Esta amalgama no es fruto del azar, pues suele ir acompañada de una crítica social bastante afilada.

Su versatilidad es sencillamente brutal. Ha creado ilustraciones para libros, portadas de CDs y carteles que han definido la imagen de EE. UU. Su pluma ha pasado por medios de prestigio como The New Yorker, The New York Times, The Atlantic y Vanity Fair, demostrando que domina a la perfección tanto la elegancia como la cultura popular.

Además, Chwast ha utilizado su arte como una herramienta de combate. En sus trabajos editoriales, apoyó con garra el movimiento por los derechos civiles, empleando la yuxtaposición de imágenes para lanzar críticas feroces contra el racismo y la segregación, probando que el diseño puede ser un arma política poderosa.

Impacto en la publicidad y la tipografía

Si nos metemos en el terreno publicitario, hay un hito que es sencillamente histórico: en 1979, McDonald’s le encargó diseñar la primera caja de Happy Meal, un objeto que ya es parte del imaginario colectivo del consumo global. Su enfoque siempre ha sido hallar el equilibrio entre la funcionalidad comercial y una visión artística que rompa los moldes.

Pero el hombre no se quedó solo en el dibujo, sino que se lanzó de lleno al diseño de letras. Ha creado fuentes con una personalidad arrolladora, como Chwast Buffalo, Fofucha, Loose Caboose NF y Weedy Beasties NF, confirmando que estamos ante un artista total. Debido a su estilo tan singular, a menudo se le ha apodado como «el diseñador de la mano izquierda».

Vida personal y legado profesional

En el plano personal, compartió su vida con otra leyenda del diseño, Paula Scher, formando una de las parejas más influyentes del mundo creativo. Su pertenencia a la Alianza Gráfica Internacional (AGI) y el haber recibido la Medalla de AIGA lo sitúan en la élite absoluta del diseño mundial.

Desde que empezó a dibujar a los siete años, Chwast mantuvo una curiosidad insaciable. Se dejó influir por figuras como Picasso y Mondrian, e incluso por los cómics de Sunday Funnies, integrando el arte de museo con el arte callejero. Esta mezcla de dominio técnico y rebeldía conceptual es lo que ha permitido que su legado siga inspirando a creativos de todo el planeta.

La carrera de Seymour Chwast representa la síntesis perfecta entre la audacia y la capacidad de simplificar conceptos complejos de forma juguetona. Desde sus inicios en el Bronx hasta liderar The Pushpin Group, su capacidad para fusionar la ilustración publicitaria con el comentario social ha redefinido la cultura visual contemporánea, dejando un rastro de innovación en cada cartel, libro o fuente tipográfica creada.

La alianza entre Meta y Adobe trae consigo una funcionalidad que muchos usuarios llevaban tiempo esperando: abrir, visualizar, anotar y editar documentos sin tener que cambiar de ventana ni instalar programas adicionales. Todo el proceso se mantiene dentro del mismo hilo de chat, lo que agiliza los flujos de trabajo tanto personales como profesionales. La compañía ha explicado que esta decisión responde a la necesidad de llevar las capacidades de Acrobat allí donde los usuarios realmente trabajan, y WhatsApp es una de las plataformas de comunicación más utilizadas del mundo.

Los PDF que nos llegan a WhatsApp

Cuando alguien comparte un archivo PDF en un chat, ahora es posible abrirlo al instante sin descargarlo. El visor integrado de Acrobat muestra el documento a pantalla completa, manteniendo su formato original con texto, tablas e imágenes. Además, si el archivo está protegido con contraseña, la propia aplicación solicitará la clave antes de mostrar su contenido. Todo ello sigue protegido por el cifrado de extremo a extremo de WhatsApp, de modo que solo los participantes de la conversación pueden acceder al PDF.

Según Abhigyan Modi, vicepresidente sénior de Creatividad y Productividad de Adobe, «Acrobat está diseñado para impulsar los flujos de trabajo con documentos allí donde tengan lugar». Llevar estas funcionalidades a WhatsApp Web y Windows amplía esa visión a una de las plataformas de comunicación más importantes del mundo, permitiendo que los usuarios puedan revisar facturas, contratos o diseños sin interrumpir la conversación.

Anotaciones y edición sin salir del chat

La integración no se limita a la visualización. Acrobat ha incorporado herramientas básicas de anotación directamente en WhatsApp, como resaltado, subrayado, tachado y trazos a mano alzada. Esto permite marcar cláusulas de un contrato, señalar cambios en un diseño o destacar información importante en una factura sin necesidad de exportar el archivo a otra aplicación. Todo el proceso de revisión se mantiene dentro del propio chat, facilitando la colaboración en tiempo real.

Para quienes necesiten funciones más avanzadas, existe la opción «Editar en Acrobat». Al pulsarla, el PDF se abre en la aplicación de escritorio de Acrobat con herramientas completas: edición de texto, reorganización de páginas, firma electrónica, protección con contraseña y conversión entre formatos. Una vez realizados los cambios, el archivo actualizado se puede devolver directamente al mismo chat de WhatsApp, sin tener que andar saltando entre ventanas. Eso sí, las funciones más avanzadas y el asistente de IA de Acrobat, que permite resumir documentos o hacer preguntas sobre su contenido, requieren una suscripción a Acrobat.

Disponibilidad y requisitos

La integración está disponible a nivel global en WhatsApp Web y en la aplicación de escritorio para Windows. Al tratarse de una funcionalidad que aprovecha las pantallas de mayor tamaño de los ordenadores, resulta especialmente útil para equipos que trabajan a distancia o para quienes gestionan documentos a diario. No es necesario instalar nada adicional: la experiencia se activa automáticamente al recibir un PDF en el chat. Los usuarios pueden dibujar, resaltar, subrayar y tachar contenido de forma gratuita, mientras que las capacidades avanzadas de edición y el asistente de IA están disponibles con una suscripción a Acrobat.

Con esta novedad, WhatsApp deja de ser solo un lugar para compartir PDFs y pasa a permitir trabajar con ellos de forma ágil. Desde la primera apertura hasta la versión final, todo permanece conectado en un mismo hilo de conversación, eliminando pasos intermedios y mejorando la productividad.

La integración de Adobe Acrobat en WhatsApp Web y Windows representa un paso adelante en la gestión documental dentro de la mensajería instantánea. Los usuarios pueden ahora abrir, revisar, anotar y devolver PDFs sin salir del chat, manteniendo la seguridad del cifrado de extremo a extremo. Aunque las funciones más potentes requieren suscripción, las herramientas básicas de visualización y anotación están al alcance de todos, lo que convierte a WhatsApp en una aplicación informática y sus ventajas de productividad mucho más completa.

La imagen de los jugadores de la Selección Argentina desplegando una bandera con la frase «Las Malvinas son argentinas» tras eliminar a Inglaterra en la semifinal del Mundial 2026 dio la vuelta al mundo. Lo que pocos imaginaban es que aquella inscripción improvisada sobre una sábana de hotel se convertiría en una tipografía digital que cualquiera puede descargar y usar. Se llama Malvinas Sans y, en apenas unos días, se ha convertido en uno de los fenómenos virales de este campeonato.

Detrás del proyecto está Juan Manuel Pelillo, director de arte y diseñador argentino afincado en Barcelona desde 2010. Al ver la foto del festejo, sintió que aquella letra no podía quedar en una simple imagen. «Me recordó mucho a la portada de Nunca Más y pensé: esta letra no puede morir en una foto», explicó en declaraciones a varios medios. Así nació la idea de reconstruir el abecedario completo, los números y los signos de puntuación a partir del trazo original de la bandera.

De una sábana a una herramienta cultural

Pelillo utilizó la herramienta Calligraphr para convertir las letras dibujadas a mano en una fuente digital funcional. El resultado es un archivo en formato OTF que respeta la caligrafía tosca y emocional de la pancarta. «Completé las letras que faltaban y respeté las que estaban. Al principio era un proyecto personal, pero la mamá de mi hijo me animó a compartirlo», recordó el diseñador. La publicación en su perfil de Instagram (@juanma_artwork) superó los 36.000 «me gusta» y miles de compartidos en pocos días.

El nombre elegido tampoco es casual. Pelillo quería que sonara como las tipografías más populares del día a día. «Helvética, Futura, Gill Sans… Malvinas Sans. Me gustaba esa mezcla entre algo cotidiano y una causa que para los argentinos tiene un peso enorme», señaló. Aunque bromeó con que técnicamente debería haberse llamado «Malvinas Brush», admitió que «Sans sonaba mejor». El objetivo, según explicó, es que la fuente deje de ser un archivo personal y se convierta en una herramienta cultural para afiches, remeras o mensajes de protesta.

Cómo descargar e instalar Malvinas Sans

La tipografía está disponible de forma gratuita en el perfil de Instagram del creador. Para instalarla en un ordenador con Windows, basta con descargar el archivo MalvinasSans-Regular.otf, hacer clic derecho y seleccionar «Instalar». En Mac, se abre con Font Book y se pulsa el botón «Instalar fuente». Una vez instalada, se puede usar en programas como Word, Photoshop o Canva. También es posible cargarla en aplicaciones móviles de diseño, como Canva, mediante la opción de subir tipografías.

Además, el programador y periodista Maximiliano Firtman ha desarrollado una página web que permite a cualquier usuario crear su propia bandera personalizada utilizando la tipografía Malvinas Sans. La herramienta replica el mismo estilo gráfico de la pancarta original y ofrece la posibilidad de descargar el diseño en alta resolución. Esta iniciativa ha ampliado aún más el alcance del proyecto, que ya circula por redes sociales y ha sido compartido por miles de personas.

Polémica y significado: más allá del fútbol

El lanzamiento de Malvinas Sans no ha estado exento de controversia. La FIFA abrió una investigación disciplinaria contra la Asociación del Fútbol Argentino (AFA) después de que el gobierno británico reclamara por la exhibición del cartel durante los festejos. Pelillo enmarcó su creación como «una tipografía que nace de lo prohibido». En su publicación de Instagram escribió: «Dijeron que el fútbol no era político. Pero esta frase va mucho más allá del fútbol. Las Malvinas son Argentinas es memoria, identidad y una forma de volver a poner en discusión la soberanía de un país. No celebra una guerra absurda. Recuerda que la historia sigue abierta».

El diseñador insistió en que el proyecto no busca el lucro, sino preservar un gesto que emocionó a millones. «Si alguien la quiere usar para hacer una pancarta, una remera, una muestra o un cartel, que pueda hacerlo. Cuanta más gente la use, más sentido tiene», afirmó. Incluso los jugadores de la Selección, como Leandro Paredes y Lautaro Martínez, se refirieron al significado de la bandera, reafirmando que las islas «siempre serán argentinas».

La tipografía Malvinas Sans ya es mucho más que un archivo digital. Se ha convertido en un símbolo que trasciende el deporte y que, según su creador, ojalá «deje de ser mía y se convierta en una herramienta cultural». Con descarga gratuita, posibilidad de personalizar banderas y un mensaje que resuena en la memoria colectiva, esta fuente promete seguir dando que hablar mucho después de que termine el Mundial.

El pasado martes, el Consejo de Ministros dio luz verde al esperado Estatuto del Artista, una norma que actualiza la relación laboral de los profesionales de las artes escénicas, audiovisuales y musicales, así como del personal técnico y auxiliar que hace posible su trabajo. La vicepresidenta segunda y ministra de Trabajo, Yolanda Díaz, calificó la medida como “la reforma laboral de la gente de la cultura” y destacó que sustituye una regulación “vieja” que databa de 1985, todavía marcada por el “concepto franquista de espectáculo público”.

La reforma afecta a unas 771.000 personas, lo que representa el 3,6% del empleo total en España. Tras años de reivindicaciones del sector, el texto incorpora cambios sustanciales en la definición de la jornada laboral, la protección de los menores y la lucha contra el acoso, aunque deja fuera una de las cuestiones más polémicas: la regulación del uso de la inteligencia artificial generativa.

Novedades en la jornada laboral y las retribuciones

Una de las demandas históricas de los artistas era que los ensayos, la preproducción, la postproducción y las actividades promocionales se consideraran tiempo de trabajo efectivo. El nuevo decreto así lo recoge, de modo que ya no se limita la actividad solo a la actuación final. Además, se introducen reglas de descanso que equiparen a estos trabajadores con el resto de empleados del régimen común.

En materia de transparencia salarial, las empresas estarán obligadas a desglosar de forma individualizada todos los conceptos retributivos, tanto salariales como no salariales. Las retribuciones por derechos de autor deberán aparecer explícitamente en la nómina y diferenciadas de otras remuneraciones, algo que hasta ahora no era habitual y que permitirá a los artistas conocer con claridad lo que cobran por cada concepto.

Protección de menores y coordinación de intimidad

Por primera vez en la historia, se regula de manera específica la participación de menores de 16 años en actividades artísticas. El trabajo solo podrá realizarse por cuenta ajena, con contrato formal y autorización administrativa, y se fijan límites de jornada y horarios para garantizar la compatibilidad con la vida social y educativa. La ministra Díaz fue tajante: “Si les dijera que un menor trabaja sin contrato ni salario regulado, lo rechazarían porque dirían que es explotación infantil. Se acabó en el mundo de la cultura”. La medida afecta también a los menores que crean contenido en plataformas como Instagram o YouTube, que ya no podrán hacerlo bajo fórmulas de autoempleo.

Otra de las grandes novedades es la obligatoriedad de contar con una persona coordinadora de intimidad durante la filmación de escenas sexuales o íntimas. Su función es garantizar que todo se realice conforme a lo acordado y prevenir situaciones de abuso o acoso. Además, los protocolos contra el acoso deberán adaptarse a la intermitencia y brevedad de los contratos del sector, de forma que si una denuncia se produce durante un rodaje de diez semanas, la respuesta no pueda demorarse seis meses.

La inteligencia artificial, la gran ausente

A pesar del amplio consenso que ha generado el Estatuto, la regulación de la inteligencia artificial generativa se ha quedado fuera del texto final. El borrador inicial sí contemplaba medidas para impedir que la generación con IA sustituyera o eliminara la participación de artistas humanos, pero el Consejo de Estado emitió un informe desfavorable al considerar que esta materia afecta a derechos fundamentales como la propia imagen o la voz, y que no puede articularse mediante un real decreto, sino que requiere una ley orgánica.

Los sindicatos CCOO, UGT, la Unión de Actores y Actrices y CONARTE han mostrado su apoyo al Estatuto, pero lamentan que se haya “perdido una oportunidad” para poner límites a una tecnología que consideran una amenaza existencial para el sector. En un comunicado conjunto advierten de que dejar la IA a la negociación individual coloca a los trabajadores en una posición vulnerable, y se comprometen a “seguir defendiendo modelos de protección claros y transparentes” con las herramientas disponibles. El Gobierno, por su parte, se ha comprometido a crear comisiones técnicas para estudiar futuras medidas sobre recualificación profesional y el impacto de las nuevas tecnologías.

Con esta reforma, el sector cultural español deja atrás una regulación de cuatro décadas y gana derechos concretos en contratos, rodajes más seguros, protección para los menores y nóminas más transparentes. Sin embargo, la gran disputa tecnológica sigue abierta. La inteligencia artificial ya forma parte del presente de la creación, pero su regulación tendrá que esperar a una norma de mayor rango. El siglo XXI entra por fin en la legislación laboral de la cultura, aunque una de sus amenazas principales todavía queda fuera del texto aprobado.

Cuando hablamos de auténticos cracks que dieron un vuelco total a la estética de nuestra época, el nombre de Seymour Chwast aparece casi por instinto. Este artista, que vio la luz en el Bronx en 1931, no es el típico diseñador que se queda tranquilo siguiendo el libro de reglas; es más bien un espíritu disruptivo que ha sabido jugar con las formas para crear un lenguaje visual único.

Su huella es imborrable y se extiende por todas partes, desde portadas de CDs y carteles hasta ilustraciones en libros y revistas. Chwast no solo diseñó imágenes, sino que influyó profundamente en la cultura visual, especialmente en la americana, rescatando la alegría y la complejidad frente a la rigidez de otros estilos más fríos.

La era de Push Pin Studios y el diseño posmoderno

En 1954, Chwast decidió emprender un camino innovador y fundó, junto a Milton Glaser, Edward Sorel y Reynold Ruffin, el mítico estudio Push Pin Studios. Desde este bastión creativo lanzaron la revista Push Pin Graphic, convirtiéndose en un referente absoluto. Mientras que en aquellos años mandaba el diseño suizo, extremadamente limpio y objetivo, Chwast y su equipo propusieron una alternativa radical y ecléctica que recuperaba la esencia de la ilustración.

Su enfoque no se basaba en inventar algo desde cero, sino en beber de fuentes del pasado. Así, integró elementos del Art Nouveau, el Art Deco, la estética victoriana y, por supuesto, el Arte Pop. Esta mezcla heterogénea le permitió crear un estilo basado en el eclecticismo en la ilustración publicitaria que acabó protagonizando las páginas de medios tan potentes como The New Yorker, el New York Times, Vanity Fair o The Wall Street Journal.

Tras la salida de Milton Glaser en 1975, Seymour tomó las riendas del estudio, liderándolo hasta la actualidad bajo el nombre de The Pushpin Group Inc. en Nueva York. Se le conoce como el «diseñador de la mano izquierda», una etiqueta que refleja esa capacidad de hacer las cosas de forma distinta, fusionando la crítica social con un dibujo muy característico.

Versatilidad: desde el packaging hasta la tipografía

Chwast es un bicho raro en el mejor sentido de la palabra: prolífico y extremadamente versátil. Es capaz de saltar de un proyecto a otro con una soltura envidiable, aportando siempre un toque de humorismo visual que evita que sus obras caigan en la nostalgia barata o el sentimentalismo.

• Cartelería: Ha creado cerca de un centenar de carteles, muchos de ellos con un fuerte compromiso político, como sus piezas contra la Guerra de Vietnam entre 1968 y 1969.
• Publicidad y Packaging: Un hito curioso en su carrera fue el encargo de McDonalds en 1979, donde diseñó la primera caja para los Happy Meals.
• Editorial: Su trabajo abarca desde portadas de la revista Time hasta libros infantiles y packaging diverso.

Pero su genialidad no se detuvo en el dibujo. También se adentró en el mundo de las letras, creando fuentes tipográficas con mucha personalidad como Chwast Buffalo, Fofucha, Loose Caboose NF y Weedy Beasties NF. Esta capacidad de dominar tanto el trazo como la letra es lo que permitió cerrar la brecha entre el diseño gráfico puro y la ilustración publicitaria y su legado tradicional.

Un legado reconocido mundialmente

La trayectoria de este artista es tan vasta que sus obras forman parte de las colecciones permanentes de instituciones de primer nivel, destacando especialmente el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Su capacidad para mezclar el comentario social con una estética atractiva lo ha llevado a recibir innumerables premios y a ser miembro de la prestigiosa Alianza Gráfica Internacional (AGI).

Además de su faceta profesional, comparte su vida con otra eminencia del diseño, la reconocida diseñadora Paula Scher. Juntos representan una parte fundamental de la vanguardia visual estadounidense, manteniendo vivo un espíritu experimental que sigue inspirando a nuevas generaciones de creativos.

Seymour Chwast ha logrado transformar la ilustración publicitaria en una herramienta de expresión artística y social. A través de su trabajo en Push Pin y sus creaciones tipográficas, dejó atrás el rigor del diseño objetivo para abrazar un estilo historicista y vibrante que hoy sigue siendo un pilar fundamental de la comunicación visual contemporánea.

La Sociedad Española para la Transformación Tecnológica (SETT) ha destinado 6,4 millones de euros a la creación de Amuse Labs, un nuevo estudio de animación digital con sede en Las Palmas de Gran Canaria. Esta inversión, que representa el 48% de un capital total de 13,2 millones, se enmarca en la segunda fase del Plan Spain Audiovisual Hub, financiado con fondos Next Generation de la Unión Europea. La operación combina capital público y privado, con Amuse Studios como segundo socio mayoritario.

Amuse Labs nace con un enfoque diferencial: será propietaria de la propiedad intelectual de todas sus obras, controlando así toda la cadena de valor, desde el guion y la producción hasta la explotación comercial, incluyendo licencias y merchandising. La compañía se especializará en contenidos infantiles para televisión y plataformas digitales, con ambición de llegar a mercados de Norteamérica, Asia, Unión Europea y Reino Unido.

Una apuesta por la propiedad intelectual y la internacionalización

Según ha informado la SETT, la nueva empresa no se limitará a fabricar animación para terceros, sino que desarrollará sus propias franquicias audiovisuales. Esto le permitirá explotar las obras en múltiples formatos y canales, desde juguetes hasta grupos editoriales. Entre sus clientes potenciales se encuentran tanto televisiones y plataformas de streaming como fabricantes de juguetes y editoriales, lo que amplía su horizonte comercial más allá del sector audiovisual tradicional.

La operación se enmarca en la segunda fase del Plan Spain Audiovisual Hub, una iniciativa del Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública que busca potenciar la competitividad de la animación española en el mercado global>. La SETT, que gestiona este plan, ha recibido múltiples propuestas de animación, un sector con procesos de producción muy industrializados y de largo recorrido comercial.

Compromiso social y sostenibilidad

Amuse Labs ha asumido un fuerte compromiso con la igualdad y el medio ambiente. La compañía funciona con energía 100% renovable y defiende una paridad real en todos los niveles de la plantilla, tanto en puestos intermedios como en cargos de alta responsabilidad. Además, se prevé la creación de 40 empleos directos y unos 150 indirectos en la región, gracias a la contratación de proveedores canarios en áreas como postproducción, sonido, traducción y servicios legales.

La empresa también fomentará la colaboración con el ecosistema universitario y de formación profesional de Canarias, facilitando prácticas y desarrollo de talento. Este impacto local es uno de los objetivos del Plan Spain Audiovisual Hub, que busca fortalecer la cadena de valor en el territorio y generar oportunidades para los profesionales formados en la región.

Innovación tecnológica e inteligencia artificial

En el apartado técnico, la ampliación de capital permitirá a Amuse Labs integrar herramientas de inteligencia artificial en los procesos de animación 2D y CGI (imágenes generadas por ordenador). Estas tecnologías agilizarán tareas concretas de producción, localización y gestión, manteniendo el respeto a la propiedad intelectual y la protección de la infancia, principios que guían al sector.

Con esta inversión, la SETT reafirma su apuesta por la animación española como industria estratégica. Amuse Labs se presenta como un proyecto que combina innovación, sostenibilidad y control creativo, con la vista puesta en los mercados internacionales y un impacto positivo en el empleo local. La operación, enmarcada en los fondos europeos Next Generation, demuestra que la animación canaria tiene potencial para competir a nivel global.

¿Cómo se rediseña una marca que puede reconocerse con apenas una curva blanca, un fragmento de tipografía o un bloque de color rojo? Coca-Cola ha optado por la respuesta menos espectacular y, probablemente, la más inteligente: no sustituir sus símbolos, sino devolverles el protagonismo. La compañía ha presentado una evolución de su identidad visual global bajo una idea estratégica directa: hacer que Coca-Cola sea todavía más Coca-Cola.

El proyecto, desarrollado junto con la agencia Jones Knowles Ritchie, busca construir una experiencia coherente en más de 200 mercados, desde envases, refrigeradores y establecimientos comerciales hasta publicidad digital, fotografía, animación y plataformas que todavía no existen. En un contexto donde muchas marcas optan por cambios radicales, Coca-Cola ha preferido depurar su sistema visual sin romper con su legado.

Un rebranding que se negó a rediseñar el logotipo

La actualización conserva los activos que han convertido a la marca en un código cultural: la escritura Spencerian, la combinación de rojo y blanco, la cinta dinámica y el Arden Square. No aparece un nuevo logotipo ni una ruptura estética diseñada para generar titulares; existe, en cambio, una depuración del sistema para que cada elemento sea más visible, expresivo y reconocible en cualquier formato. La decisión contiene una lección para una industria acostumbrada a confundir transformación con sustitución. Cuando una marca posee símbolos reconocidos durante generaciones, cambiar por cambiar puede destruir valor acumulado.

Coca-Cola no necesita parecer contemporánea mediante una tipografía geométrica o un minimalismo intercambiable; necesita garantizar que sus códigos históricos funcionen con la misma fuerza en una lata, una aplicación, una pantalla urbana o una experiencia inmersiva. El nuevo sistema también busca ordenar la familia de productos. Coca-Cola Zero Sugar, por ejemplo, tendrá una denominación más visible, una cinta dinámica negra y una tapa del mismo color, reforzando su diferenciación sin abandonar la arquitectura central de la marca.

Una identidad preparada para escalar con inteligencia artificial

La consistencia global ya no depende únicamente de un manual de identidad. Coca-Cola ha desarrollado herramientas de inteligencia de diseño como Fizzion, creada con Adobe para convertir las reglas visuales en activos adaptables y legibles por sistemas de inteligencia artificial. El objetivo es acelerar la producción de contenidos localizados sin permitir que la automatización desfigure la marca. Ahí se encuentra el verdadero alcance del proyecto: Coca-Cola no está cambiando su apariencia para seguir una tendencia gráfica; está construyendo una infraestructura capaz de proteger su identidad cuando las campañas deban multiplicarse en cientos de mercados, formatos y versiones.

El movimiento puede llamarse rebranding, aunque funciona mejor como una reafirmación. La marca no pretende sorprender al consumidor con algo desconocido, sino conseguir que cada contacto produzca una reacción inmediata: esto solo puede ser Coca-Cola. En tiempos donde muchas identidades terminan pareciéndose entre sí, la compañía apuesta por una ventaja que no puede fabricarse de un día para otro: ser inconfundible.

El término vibe coding, acuñado por el cofundador de OpenAI Andrej Karpathy, está transformando la forma en que se crean aplicaciones. Ya no hace falta ser un desarrollador experto para lanzar un producto digital: basta con describir la idea en lenguaje natural y dejar que la inteligencia artificial genere el código. Lo que empezó como una curiosidad técnica se ha convertido en un movimiento que mueve millones de visitas y atrae inversiones millonarias.

Plataformas como Lovable, la sueca que lidera este segmento, registran 600 millones de visitas mensuales y albergan 50 millones de productos, según reveló su cofundador Fabian Hedin durante la conferencia Code with Claude de Anthropic en Londres. Cada día se añaden 200.000 nuevos proyectos, muchos de ellos creados por personas que nunca habían escrito una línea de código. El fenómeno no se limita a Europa: en Estados Unidos, la startup Danger Testing ha lanzado más de 50 aplicaciones en menos de un año y ha captado 2,6 millones de dólares de inversores como Long Journey Ventures y Alexis Ohanian, cofundador de Reddit.

El auge del ‘vibe coding’ en la industria tecnológica

La adopción del vibe coding crece a un ritmo imparable. Según datos publicados por The Information, Apple registró un aumento del 84% en nuevas aplicaciones en su App Store durante el primer trimestre de 2026. Este incremento se atribuye en gran medida a la facilidad con la que ahora cualquiera puede prototipar y publicar una app. Empresas como Lovable, Replit, Base44 y Bolt compiten por atraer a ese 99% de la población que no sabe programar pero tiene ideas.

Danger Testing, fundada por Carlos Mayers (conocido como Los Touré) y Marc Mueller, ejemplifica el nuevo perfil de creador: ellos mismos se autodenominan ‘appstars’, una mezcla de artista y desarrollador que trata las aplicaciones como un medio de expresión. Su modelo de negocio se apoya en acuerdos de marca y en la viralidad social, más que en descargas o retención. «Cada app debe tener un momento de pantallazo que haga que la gente quiera compartirlo», explica Mueller. La empresa ha facturado ya varios acuerdos con marcas como Superwhisper y cuenta con seis empleados a tiempo completo.

Meta también ha puesto el ojo en este mercado. La compañía contrató al equipo de Gizmo, una red social de contenido interactivo generado con vibe coding, y prepara el lanzamiento de su propia aplicación llamada Pocket. Mientras tanto, inversores como Alexis Ohanian respaldan startups como Vibecode, convencidos de que «las próximas plataformas multimillonarias serán aquellas que permitan a la gente publicar creaciones digitales con la misma facilidad que un tuit».

Los desafíos del último 10% y cómo se están superando

A pesar del entusiasmo, el vibe coding no está exento de problemas. El principal escollo es lo que los desarrolladores llaman el «último 10%»: la fase de pulido y corrección de errores que consume la mayor parte del tiempo. Fabian Hedin lo resumió con una broma: «El último 10% del código lleva el 90% del tiempo, y el primer 90% también lleva el 90% del tiempo, así que acabas con un 180%». Para los no programadores, ese tramo final puede ser frustrante, ya que no pueden abrir el código y arreglarlo manualmente.

Lovable ha desarrollado una solución llamada Lovable Overflow, un sistema que almacena problemas y sus soluciones para reutilizarlos automáticamente. Cuando un usuario se queda atascado pidiendo lo mismo tres veces seguidas, la plataforma asume que está bloqueado y activa un asistente ligero que busca la respuesta en su base de datos. Además, el propio agente de IA puede reportar sus dificultades a un canal de Slack, donde otro agente filtra duplicados y abre propuestas de código. Gracias a este sistema, la tasa de bloqueo ha caído un 5% y la satisfacción de los usuarios que publican su app ha subido un 2%.

El reto del último 10% también lo experimentó Jacob Landry, un desarrollador que creó un juego de hacker usando Claude. «La IA fue genial para el primer prototipo, pero luego necesité mucho trabajo manual para pulirlo», cuenta. Landry invirtió dos semanas en el proyecto, con un 95% de asistencia de IA, pero tuvo que resolver por su cuenta problemas de equilibrio, interfaz y gestión de errores. «La IA no piensa en el mantenimiento ni en la escalabilidad», concluye.

Aun así, las cifras demuestran que el vibe coding ha llegado para quedarse. Lovable integra alrededor de diez correcciones diarias en producción gracias a los informes automáticos de sus agentes. Y mientras gigantes como Meta apuestan por el formato, la pregunta ya no es si el vibe coding funcionará, sino qué nuevas ideas surgirán de quienes nunca antes pudieron programar. La barrera de entrada ha desaparecido; ahora el límite lo pone la imaginación.

Si alguna vez has sentido que te quedas en blanco justo cuando empiezas a grabar un Reel o te has pasado horas repitiendo la misma frase para que suene natural, no estás solo. La mayoría de los creadores hemos sufrido ese estrés de memorizar guiones palabra por palabra para no parecer un robot ni cometer errores garrafales frente a la cámara.

La buena noticia es que Meta ha dado un golpe sobre la mesa lanzando Edits, su aplicación independiente de edición de vídeo. Esta herramienta no solo busca optimizar el flujo de trabajo, sino que introduce funciones que antes solo veíamos en programas de montaje complejos o en estudios de televisión, permitiéndonos grabar con una soltura increíble sin tener que depender de aplicaciones externas como CapCut.

¿Qué es exactamente el teleprompter de Edits y para qué sirve?

Para quienes no estén familiarizados con el término, un teleprompter es básicamente un sistema que desplaza el texto frente al objetivo de la cámara. Esto permite que el locutor lea sus notas mientras mantiene el contacto visual directo con la audiencia, evitando que se note que está leyendo o que tenga que desviar la mirada hacia un papel o una nota adhesiva pegada en el móvil.

En el caso de Instagram Edits, se trata de un teleprompter digital integrado. Es una funcionalidad diseñada para democratizar la producción de contenidos, haciendo que cualquier persona, desde un emprendedor hasta un influencer, pueda lograr una dicción impecable y un ritmo fluido sin necesidad de invertir en equipos costosos o pasar tardes enteras puliendo la interpretación.

Guía paso a paso para usar el teleprompter en tus vídeos

Ponerse manos a la obra con esta herramienta es sencillísimo y no requiere de grandes conocimientos técnicos. Una vez que tienes instalada la app de Edits, solo tienes que acceder a la sección de la cámara. En la parte izquierda de la pantalla, verás un icono con forma de guion que es el que activa la función de lectura.

Al pulsar ahí, se abrirá un espacio donde puedes redactar tu propio texto o simplemente pegar el guion que ya tengas preparado en tu bloc de notas. Una vez cargado el contenido, el texto aparecerá superpuesto en la pantalla y se moverá automáticamente mientras grabas, simulando el comportamiento de un equipo profesional. Si quieres mejorar tus resultados, puedes aprender cómo usar el teleprompter de Instagram Edits para optimizar tus tomas.

Lo mejor de todo es que no es un sistema rígido. Tienes la posibilidad de ajustar el tamaño de la letra y, sobre todo, modificar la velocidad de desplazamiento. Esto es fundamental para que el texto se adapte a tu ritmo natural de habla y no sientas que vas corriendo o que el texto se adelanta a tu voz. Además, puedes cambiar la posición del recuadro de texto para que no tape ninguna parte importante del encuadre.

Ventajas competitivas para marcas y creadores

El uso de esta herramienta supone un cambio radical en la productividad. En primer lugar, permite centralizar todo el proceso creativo: desde la grabación con guion hasta la edición final y la publicación en Instagram, sin tener que saltar entre aplicaciones.

• Adiós a los errores constantes: Al tener el hilo conductor siempre visible, se evitan los cortes innecesarios y las repeticiones infinitas, logrando un vídeo mucho más dinámico.
• Mayor seguridad personal: Cuando no tienes el miedo a olvidarte de algo, puedes centrarte en mejorar tu lenguaje corporal y transmitir el mensaje con mucha más convicción.
• Ahorro masivo de tiempo: El tiempo que antes dedicabas a memorizar líneas ahora puedes invertirlo en optimizar la estrategia de tus contenidos o en grabar más cantidad de material.
• Acabados de alta calidad: Los vídeos resultantes son más limpios y profesionales, lo que ayuda enormemente a retener la atención del usuario y frenar el scroll infinito.

Más allá del teleprompter: otras joyas de Instagram Edits

Aunque el teleprompter es la estrella, la aplicación Edits ofrece un ecosistema completo para quienes buscan un resultado premium. Una de las adiciones más potentes es el panel de Insights, que permite analizar el ranking de los últimos diez Reels según sus visualizaciones, ayudándote a entender qué es lo que realmente funciona con tu audiencia.

Para darle ese toque extra de creatividad, también disponemos de superposiciones personalizables, donde podemos añadir imágenes o textos ajustando la opacidad y el color. Asimismo, la app cuenta con una variedad ampliada de fuentes y efectos de voz en off que enriquecen la narrativa del vídeo.

Una función que nos salva la vida es la opción de «Aplicar todo». Con un solo clic, puedes extender los filtros, transiciones y ajustes de color a todos los clips del proyecto, evitando la tediosa tarea de repetir la misma configuración clip por clip. Todo esto, sumado a la edición multipista y la sincronización de audio, convierte a Edits en un competidor serio para los editores de vídeo móviles más populares.

Tener una herramienta que integre la lectura de guiones, la analítica de rendimiento y una edición avanzada en un solo lugar permite que cualquier usuario logre vídeos impactantes. La integración del teleprompter en Edits elimina la barrera de la memorización, optimiza los tiempos de grabación y garantiza que el mensaje llegue con total claridad y profesionalismo.

Google ha puesto en marcha el desarrollo de un procesador para centros de datos diseñado específicamente para su modelo de inteligencia artificial Gemini. El proyecto, conocido internamente como Frozen v2, busca integrar parte de la arquitectura del modelo directamente en el silicio, lo que permitiría reducir drásticamente el consumo energético y aumentar el rendimiento por cada consulta.

Según informaciones publicadas por The Information y recogidas por varios medios, los ingenieros de la compañía estiman que este chip podría ser entre seis y diez veces más eficiente que las actuales Tensor Processing Units (TPU) de Google en términos de tokens generados por vatio de energía. El despliegue de Frozen v2 no se espera antes de 2028, aunque el proyecto ya ha provocado un repunte en la cotización de Alphabet.

Un chip hecho a medida para Gemini

A diferencia de las TPU, que están diseñadas para ejecutar una amplia variedad de modelos de inteligencia artificial, Frozen v2 se concibe como un acelerador hiperespecializado. La idea es fijar en el hardware determinadas decisiones estructurales propias de Gemini, de modo que el chip no tenga que adaptarse constantemente a diferentes cargas de trabajo. Esto elimina pasos intermedios de procesamiento y reduce el movimiento de datos entre la memoria y el procesador, dos de los principales focos de consumo energético en los centros de datos actuales.

Google ha descartado, no obstante, grabar los pesos completos del modelo en el silicio. En su lugar, la compañía ha optado por mantener actualizables los pesos y fijar solo la arquitectura base. De esta forma, Frozen v2 podrá seguir funcionando con futuras versiones de Gemini siempre que compartan una estructura común, alargando así la vida útil del hardware sin perder la especialización que lo hace tan eficiente.

Eficiencia que se traduce en ahorro

La mejora de eficiencia proyectada no es marginal. Si las estimaciones se cumplen, Frozen v2 podría procesar entre seis y diez veces más tokens por unidad de potencia que la generación más reciente de TPU. En términos prácticos, esto significa que Google podría atender muchas más consultas con el mismo consumo eléctrico, o bien reducir el coste operativo de servicios como Gemini, AI Overviews o las herramientas de inteligencia artificial integradas en Google Workspace.

El ahorro energético se ha convertido en una prioridad para todas las grandes tecnológicas. A medida que los modelos de lenguaje crecen en tamaño y complejidad, también lo hace el coste de mantenerlos en funcionamiento. Diseñar chips específicos para cada arquitectura es una de las estrategias que están siguiendo empresas como Google, Amazon, Microsoft o Meta para contener ese gasto y, al mismo tiempo, reducir su dependencia de proveedores externos como Nvidia.

La presión sobre la infraestructura de Google Cloud

El desarrollo de Frozen v2 responde también a un problema interno de capacidad. Según las informaciones, Google Cloud ha llegado a rechazar contratos con clientes externos por falta de recursos de cómputo disponibles. La demanda interna de los propios productos de Google, sumada a la externa, ha creado un cuello de botella que el nuevo chip pretende aliviar sin necesidad de ampliar el número de servidores en la misma proporción.

Con una mayor eficiencia, Google podría liberar capacidad útil en sus centros de datos y atender más solicitudes con el mismo hardware. Esto no solo beneficia a la compañía, sino también a las empresas que utilizan Google Cloud para ejecutar sus propias cargas de inteligencia artificial, que podrían ver mejoras en disponibilidad y potencialmente en costes a medio plazo.

Una apuesta estratégica con vistas a 2028

Frozen v2 no sustituirá a la familia TPU, sino que convivirá con ella como una línea de chips más especializada. Google planea una producción inicial mucho menor que la de sus TPU actuales, y considera este proyecto como una prueba para evaluar hasta qué punto merece la pena avanzar hacia chips estrechamente vinculados a modelos concretos. Si los resultados son positivos, podría marcar un cambio de rumbo en la forma de diseñar hardware para inteligencia artificial.

La reacción del mercado no se ha hecho esperar. Las acciones de Alphabet subieron entre un 1,15% y un 3% tras conocerse la noticia, lo que refleja el interés de los inversores por esta apuesta de hardware personalizado. Sin embargo, la compañía se ha mostrado cautelosa y ha recordado que no todas las líneas de investigación terminan convertidas en productos comerciales.

El panorama competitivo también juega un papel importante. Mientras Nvidia sigue dominando el mercado de aceleradores para IA con sus GPU, otras grandes tecnológicas como Amazon, Microsoft y Meta llevan años diseñando sus propios chips. Google, con Frozen v2, refuerza su estrategia de integración vertical: al controlar tanto el modelo como el hardware que lo ejecuta, puede optimizar ambos elementos de forma conjunta y obtener ventajas de eficiencia que sus competidores aún no pueden igualar.

Frozen v2 representa un paso más en la carrera por la inteligencia artificial, donde la batalla ya no se libra solo en el software, sino también en la infraestructura que lo hace posible. Si el chip llega a producción en 2028 y cumple las expectativas, Google podría consolidar su posición frente a rivales como OpenAI, Microsoft o Meta, al tiempo que ofrece a sus clientes de cloud una alternativa más eficiente y económica para ejecutar modelos de lenguaje.