Creepy Visions

Ubaldo Terzani Horror Show

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 26 Nov 2011 23:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Ubaldo Terzani Horror Show
REGISTA: Gabriele Albanesi
ANNO DI USCITA: 2010
DURATA: 83’
PAESE: Italia
VOTO: 70

Quando ho saputo che Albanesi stava lavorando ad un nuovo progetto cinematografico sono stato contento. Da una parte perché avevo apprezzato il debutto, Il Bosco Fuori, una delle prime opere qui recensite; dall’altra, perché è positivo ed incoraggiante che un giovane regista italiano abbia l’opportunità di tornare dietro la macchina da presa e proseguire il proprio percorso professionale.

Ancora una volta, il regista romano si avvale della produzione dei Manetti Bros e della collaborazione di Sergio Stivaletti, veterano degli effetti speciali che, dopo gli straordinari ai quali fu costretto nella sanguinosissima opera prima di Albanesi, sarà anche stavolta impegnato nel dar vita ad immagini cruente ed impeccabili. Un ulteriore parallelo rispetto al passato è il fatto che il film sia ideato, scritto e diretto dal regista stesso, elemento a mio avviso di particolare rilevanza.

La vicenda prende il via con un colloquio tra Alessio, un giovane aspirante regista, ed un produttore, che rifiuta la sua storia poiché ritenuta eccessivamente splatter. Nel tentativo di indirizzare il ragazzo nel migliore dei modi, gli suggerisce di lavorare ad un nuovo soggetto con la collaborazione del noto scrittore horror Ubaldo Terzani. Alessio si procura tutti i libri del romanziere e li divora assieme alla fidanzata Sara, rimanendo completamente invischiato nelle storie macabre e sanguinose frutto della fantasia dello scrittore torinese. Iniziano anche degli incubi, realistici e via via più frequenti. Il ragazzo si trasferisce a Torino presso l’abitazione di Terzani, dove farà la sua conoscenza: lo scrittore si rivelerà essere un uomo fascinoso e carismatico, reso magistralmente dal bravo Paolo Sassanelli. Ma ben presto inizierà a rivelare la sua natura viziosa ed istrionica…

Alessio è preda di una sorta di dipendenza/repulsione nei confronti di Terzani, un personaggio forte e pieno di cose da raccontare, di aneddoti, di storie. Il ragazzo lo considera un modello, un obiettivo da raggiungere, e diviene presto un burattino nelle sue mani, incapace di dire di no: lo seguirà nelle feste frequentate da attrici di quarta categoria, piccoli produttori, gente aspirante a far parte del mondo del cinema. E si lascerà trascinare dalla licenziosità dell’uomo, finendo per tradire la propria fidanzata. Chi di spada ferisce, di spada perisce. Infatti, il weekend successivo la ragazza va a Torino per trascorrere qualche giorno con Alessio, ospite anche lei nella casa dello scrittore, e tra i due sorgerà immediatamente una carnale alchimia, raccontata con grande perizia da un Albanesi efficacissimo nelle scelte visive e soniche, ed interpretata in maniera assai sensuale e provocante dalla bella Laura Gigante. Questa scintilla farà esplodere il putiferio finale, che scivolerà nel sangue e che rivelerà la folle natura dello scrittore horror.

Il film risente in grande misura dell’influenza del metalinguaggio, che esso sia cinematografico o letterario. Un po’ La Metà Oscura un po’ Il Seme Della Follia, la trama si snoda tra colpi inferi ai meccanismi sottobanco del mondo del cinema, tra personaggi di dubbio valore boriosi e pieni di sé, starlette arriviste e vincoli imposti. Ma non si limita a questo, provando anche la difficile e tortuosa strada del rapporto tra un maestro ed un giovane che si ritrova in una posizione di inferiorità ed imbarazzo, innestando meccaniche psicologiche interessanti e delicate, oltre che complesse, che tutto sommato vengono snodate in maniera dignitosa, con dialoghi non sempre brillanti ma generalmente solidi e focalizzati.

Il gran pregio di Ubaldo Terzani Horror Show, inoltre, è quello di riuscire ad essere interessante, tanto che fin dalle prime battute si lascia seguire con attenzione, non cedendo nemmeno nella concitata fase conclusiva, dove finalmente il gusto splatter di Albanesi misto al talento artigiano di Stivaletti potranno prendersi gli onori della ribalta tra gambe segate, cuori estratti e penne infilate negli occhi, in una morte da contrappasso dantesco. I difetti, di contro, sono una recitazione non sempre convincente da parte di Soleri nei panni di Alessio, ma soprattutto da parte di Laura Gigante, bella ed a tratti infinitamente sensuale, ma priva di qualsiasi espressività recitativa nelle sue battute. E pensare che erano anche poche… A parte ciò, anche stavolta l’opera di Albanesi lascia una certa impressione di amatorialità, nella qualità delle riprese, della pellicola, del montaggio, aspetto che si può imputare al budget sicuramente non altissimo. Interessante il fatto che per questo secondo film il regista si sia mosso in una direzione molto diversa dal primo, mantenendo una certa venerazione per il genere ed un citazionismo forse fin troppo eccessivo, sia nelle magliette indossate dai personaggi, sia nei riferimenti ad altre opere. Nel complesso, però, ancora una volta prova superata, in attesa del seguito de Il Bosco Fuori, attualmente in lavorazione, e che si spera possa segnare la definitiva maturazione artistica di un regista abile.

ALTRI FILM DI GABRIELE ALBANESI RECENSITI:

Il Bosco Fuori (2006)

Profondo Rosso

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 19 Nov 2011 23:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Profondo Rosso
REGISTA: Dario Argento
ANNO DI USCITA: 1975
DURATA: 126’
PAESE: Italia
VOTO: 95

Finalmente. Quando si intraprende un percorso come quello che abbiamo iniziato ormai quasi quattro anni fa con la realizzazione di questo sito, da appassionati di cinema di genere si pensa immediatamente al momento in cui si tratteranno le uscite fondamentali, quelle amate, quelle conosciute a menadito, quelle viste e riviste fino alla sfinimento, o quelle viste una volta sola ma che non sono mai uscite dalla nostra mente. Profondo Rosso, se mai doveste avere dubbi, appartiene senza il benché minimo dubbio al gotha del cinema horror, rappresentandone una delle vette non solo all’interno dei confini italici. Visto per la prima volta circa quindici anni fa, è uno di quei film che senti sotto pelle e che si piantano nel cervello, in virtù di una serie di elementi che lo hanno reso un autentico cult movie.

Partiamo dal prologo, ovviamente: una nenia infantile ipnotica e che finirete per non dimenticare più viene spezzata da un urlo, mentre la telecamera indugia sulle scarpe di un bimbo che ha assistito alla scena e che si china per raccogliere il coltello insanguinato. Tale episodio, mostrato totalmente fuori campo ad eccezione delle infantili calzature, è e rimarrà il motivo portante del film, poiché la ricostruzione di ciò che è accaduto muoverà i fili di una vicenda di sangue e di follia che vi tirerà dentro atmosfere ormai note al pubblico argentiano. Ambientazione italica ma universale, personaggi che si sostituiscono alle classiche forze dell’ordine nel corso delle indagini, atmosfere da giallo teso. Ma stavolta il regista romano non lesina particolari sanguinolenti in quantità ben superiori rispetto al passato, e dà vita a momenti tesissimi ove regna una palpabile inquietudine. Tutto questo non sarebbe però sufficiente ad elevarlo al rango di pietra miliare se non combaciassero tanti altri aspetti.

Marc Daly, pianista inglese che insegna jazz al conservatorio, è testimone di un feroce delitto ai danni di una medium che, nel corso di un seminario sulla parapsicologia, aveva percepito la presenza in sala di una mente folle, che a suo dire aveva già ucciso e che lo rifarà. Marc si intrufola nella casa della vittima e, mentre percorre il corridoio in un piano sequenza da annali del cinema, vedrà per una frazione di secondo il riflesso del volto dell’assassino, confuso in un quadro di volti mostruosi, ma tuttavia non riuscirà a fissare il ricordo e l’immagine, finendo per brancolare nel buio fino al risolutivo finale. Un gran colpo di classe per Argento, che non ha paura di svelare l’identità dell’assassino fin dalle battute iniziali ad un occhio attento.

L’uccisione della medium innescherà una serie di eventi che porteranno la polizia e lo stesso Marc, aiutato dalla giornalista Gianna Brezzi, ad indagare, provocando le reazioni furiose dell’assassino. A differenza del passato, Dario Argento indugia sui particolari macabri degli omicidi, mostrando le ferite da taglio, gli impatti ed il sangue in dignitose quantità. Non è ancora il regista efferato che si vedrà di lì a poco, ma rispetto alla “Trilogia degli animali” è palese un inasprimento della violenza e del contenuto visivo delle uccisioni. Al di là di ciò, la cosa che stupisce è la consapevolezza tecnica del regista, giunto nel giro di poche anno a padroneggiare lo strumento espressivo fino a formulare meccanismi che, dopo i tre precedenti rodaggi, si elevano a stato dell’arte. Profondo Rosso è la summa stilistica, il testamento artistico di un caposaldo del cinema horror italico, e deve questi altisonanti riconoscimenti ad una costruzione pressoché perfetta della sceneggiatura, una sorta di mosaico che si completerà tassello dopo tassello e che nemmeno la sequela di twist finali riuscirà a far calare in quantità. Individuare l’assassino non sarà facile fino al termine della pellicola, e questo nonostante il gruppo di personaggi sia costituito da pochi elementi, chiaro segno di una cura superiore al dettaglio mista alla capacità di saper raccontare la vicenda con i tempi giusti, rendendo concitate solo le sequenze conclusive, indice di avvenimenti rapidi ed impetuosi.

Dario Argento fa uso del suo vezzo di “interpretare” il ruolo dell’assassino nelle riprese strette sulla mano guantata di nero, elemento distintivo che il regista seguiterà ad utilizzare anche nelle seguenti opere. Il film, col suo taglio credibile e realistico, si colloca come ideale spartiacque tra la fase più puramente giallo/thriller degli esordi e quella horror che prenderà il via con Suspiria. Volendo citare elementi non all’altezza del film, sicuramente si potrebbe far cenno all’assenza pressoché assoluta delle forze dell’ordine nonostante i casi di omicidi siano più d’uno: polizia assente, civili che accedono alla scena dei delitti con facilità disarmante, porte che vengono aperte a Mark in maniera un po’ troppo superficiale. Ed altrettanto irrealistica è la capacità dell’assassino di pedinare gli individui di suo interesse – quelli cioè che stanno indagando alla ricerca di maggiori indizi – scoprendo dove si trovano e conoscendo le mosse successive. Tali carenze fanno sì che si tolgano quei punti che non permettono alla pellicola di guadagnarsi la cifra tonda. Sappiate però una cosa: la nenia infantile ed il contesto al quale è associata, difficilmente riuscirete a toglierlo dalla mente. Io, dopo quindici anni, continuo a sentirla di tanto in tanto affacciarsi alla mia mente, ricordandomi quanto mi piacque il film la prima volta che lo vidi e quanto continui a piacermi. Un must assoluto, non averlo mai visto è un vero delitto per qualsiasi appassionato del genere.

ALTRI FILM DI DARIO ARGENTO RECENSITI:

Il Rito

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 12 Nov 2011 23:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: The Rite
REGISTA: Mikael Håfström
ANNO DI USCITA: 2011
DURATA: 113’
PAESE: USA/Italia
VOTO: 65

Ricordo ancora con i brividi lungo la schiena – e non erano di terrore, credetemi – quando per le strade di Milano, ad inizio primavera del 2011, vidi dei tram decorati con la pubblicità de Il Rito, con tanto di volto di Anthony Hopkins in evidenza a sottolineare la bontà del prodotto. Chi segue con regolarità Creepy Visions conoscerà la mia generale sfiducia nei confronti delle pellicole di genere horror molto pubblicizzate e con pomposi lanci cinematografici, vuoi perché le delusioni in diversi casi sono state cocenti, vuoi perché continuo ad adorare un certo horror meno fruibile dalle masse alle quali sono dati in pasto i blockbuster. Comunque, pur con diversi mesi di ritardo, alla fine una visione al film in questione l’ho data, ed è quindi ora di capire la consistenza del prodotto.

La regia di Mikael Håfström è un primo bel segnale, in particolare dopo la convincente prova dietro la macchina da presa in occasione di 1408. Anche in quell’occasione il regista svedese aveva basato la sua pellicola su un libro, o meglio, un racconto; ed ora lo ritroviamo alle prese con un romanzo basato su esperienze reali relative al mondo dell’esorcismo. E questo va sottolineato subito, poiché il film è incentrato sulla filosofia dell’esorcismo più che sull’atto dell’esorcismo in sé, già visto ed affrontato in molteplici pellicole.

Il taglio dell’opera è serio, intenso dal punto di vista emotivo, meno rivolto alla spettacolarizzazione dell’esorcismo ed ai suoi aspetti più ributtanti o blasfemi, tentazioni nelle quali Håfström cadrà fortunatamente in rarissime circostanze. Viene preferito un approccio rigoroso, che viene esaltato dalla presenza di un protagonista scettico e seminarista per forza più che per scelta. Michael viene inviato in una Roma fin troppo piovosa e che non riesce ad essere caratterizzata con molta forza, perdendo molta parte della propria identità. Sarà lì, comunque, che Michael entrerà in contatto con un anziano esorcista, padre Lucas, dai metodi poco ortodossi. Non mancherà il confronto ideologico tra chi crede sulla base della propria esperienza e chi invece non crede per scetticismo ed approccio scientifico alla materia. Tuttavia non si arriva al classico e scontato scontro tra un uomo di fede ed uno di scienza, poiché il padre esorcista non è il prete stereotipato che si riempie la bocca di frasi fate o di citazioni bibliche, ma anzi ha un atteggiamento disincantato e molto pragmatico.

La vicenda, dai toni oscuri a livello di immagine e dalle tinte non molto forti trattandosi di un prodotto volutamente fruibile da un largo pubblico, trae energia e spinta dal protagonista Michael, la cui storia personale verrà svelata con garbo attraverso episodi chiave che renderanno possibile conoscerlo e capirne comportamenti e reazioni. E la forza della pellicola sta praticamente tutta lì, la credibilità e la profondità emotiva e psicologica del personaggio che caratterizza per intero la vicenda. Sulla realizzazione tecnica c’è davvero poco da dire: giusto taglio e ritmo adeguato, fotografia accurata. E naturalmente la regia ricercata di Håfström, che si conferma un bravo manipolatore di immagini ed utilizzatore di luci ed ombre, grazie alle quali crea situazioni interessanti ed un clima talvolta malinconico ed altre volte inquietante e fortemente caratterizzato dal male.

A mancare, invece, sono la ricchezza e l’approfondimento sui casi di possessione affrontati: sebbene non rappresentino il focus del film, per come vengono presentati finiscono per essere dei puri escamotage per poter discutere di determinati temi e per portare Michael ad una certa naturale conclusione del proprio percorso. Il peccato è non aver avuto un alto livello di cura per il background, perdendo il giusto equilibrio tra le parti: ricchi e sfaccettati i protagonisti, abbozzati i personaggi secondari. La sensazione è che manchi una componente importante, che avrebbe reso più intrigante la vicenda. Per chiudere, una citazione per Hopkins che quando vuole essere cattivo riesce ad esserlo in modo meraviglioso. In definitiva, Il Rito non è la tipica super produzione povera di contenuti e banale, affatto: si tratta di un lavoro curato, opera di un regista molto capace, ma che a conti fatti rischia di essere né carne né pesce sia per chi si aspetta un horror puro sia per chi invece vuole approfondire la propria conoscenza su ciò che orbita intorno agli esorcismi. Ciò non vieta al film di mantenere una discreta presa sullo spettatore, ragione che, unita alla indubbia classe di Håfström ed all’approccio non stereotipato al tema, lo rende un prodotto apprezzabile.

ALTRI FILM DI MIKAEL HÅFSTRÖM RECENSITI:

1408 (2007)

Dylan Dog - Il Film

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 05 Nov 2011 23:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Dylan Dog: Dead Of The Night
REGISTA: Kevin Munroe
ANNO DI USCITA: 2011
DURATA: 103’
PAESE: USA
VOTO: 45

Una produzione americana ispirata ad un fumetto italianissimo è una bella gratificazione e rende anche piuttosto orgogliosi. Dylan Dog, vero e proprio fumetto di culto soprattutto negli anni ’90, arriva sul grande schermo dopo una prima comparsata nelle vesti non proprio consone di becchino in Dellamorte Dellamore. In realtà in quel caso non si trattava del personaggio Dylan Dog, ma di uno comunque immaginato dalla mente – all’epoca – fertile di Tiziano Sclavi, che successivamente rimodellò il protagonista che divenne il finale personaggio del fumetto. Stavolta invece ci troviamo di fronte ad una vera trasposizione su pellicola dell’indagatore dell’incubo ma, come non si tarderà a capire guardando il film, non si tratta neanche lontanamente di una riproposizione fedele né delle atmosfere della serie né del target delle storie che siamo stati abituati a leggere.

Dylan vive a New Orleans e di mestiere fa l’investigatore privato. Si, proprio quelli impegnati a pedinare mogli o mariti infedeli ed a fornire le prove dei tradimenti. Già immagino gli occhi strabuzzati che, chi tra voi è familiare col fumetto, avrà fatto. Ma come si diceva in apertura, non essendo il film una vera e propria ricostruzione fedele, è bene cercare di analizzarlo per ciò che è piuttosto che per quello che avrebbe dovuto – o avremmo sperato – essere. Se non siete disposti a questo “esercizio”, è bene chiudere subito questa recensione e non pensare nemmeno lontanamente di avvicinarsi al film. E’ bene dirlo subito infatti: per gli amanti della serie quest’opera di Kevin Munroe non può che rappresentare una totale delusione nonché, per certi versi, quasi un insulto alla serie. Dicevamo…scordiamoci Groucho, l’assistente ironico e vulcanico, qui sostituito da Marcus, personaggio che nel corso della trama si evolverà per diventare una simpatica spalla zombie. Una volta presentato l’attuale lavoro di Dylan ed i casi di cui si occupa, chiaramente la trama virerà su lidi più orrorifici proponendo il caso di una uccisione violenta che, a parere di Dylan stesso, è opera di un lupo mannaro. Inizialmente restio ad occuparsi del caso per via di oscuri riferimenti al passato, l’investigatore finirà per farsi coinvolgere nel momento in cui il suo amico ed assistente Marcus verrà anch’egli ucciso. Rispolverata la camicia rossa e la giacca nera d’ordinanza, Dylan si getterà alla ricerca dei motivi di quegli omicidi, svelando man mano un contesto di clan di vampiri rivali di clan di licantropi (Underworld?) e di gruppi di morti viventi stralunati e che si riuniscono in sedute sul modello degli alcolisti anonimi. In questo scenario Dylan pare muoversi benissimo, dimostrando di conoscerlo alla perfezione, e ben presto spiegherà qual era in passato il suo ruolo, ovvero quello di ispettore super partes volto a proteggere i cosiddetti mostri da sé stessi, nei casi in cui venivano meno al rispetto delle regole.

Come ben si può evincere da questa sommaria descrizione, il focus del film è quello di presentare un mondo in cui i mostri vivono e si confondono tra noi, e si combattono tra di loro in nome di antiche rivalità o di possesso di mitologici manufatti. Dylan è un personaggio fortemente nichilista e con una ferita enorme dentro, causata da un dramma avvenuto qualche anno prima. La sua psicologia è tagliata con l’accetta, ed è piuttosto monocorde nel suo essere sempre e comunque imperterrito e privo di emozioni. La qualità dei dialoghi è a tratti quasi imbarazzante, soprattutto quando si svolgono con i mostri. Alcuni momenti trash mica da ridere, giusto per rendere l’idea. Un vampiro viene bloccato ed interrogato da Dylan, e ad una sua domanda scomoda risponde “Mordimelo”. A Marcus zombie viene staccato un braccio e prende ad usarlo come oggetto contundente, portandoselo poi fieramente in spalla a mo’ di mazza da baseball. C’è una trovata che invece ho trovato divertente, quella del body shop, dove gli zombie vanno ad acquistare pezzi di ricambio quando alcune parti del loro corpo marciscono.

Dare un giudizio è quasi superfluo, poiché il film è inaccettabile dal punto di vista di chi conosce ed ama il fumetto, e mediocre per chi lo guarda senza avere idea del mondo a cui si ispira. E’ evidente il tentativo di elaborare il personaggio ed il mondo in cui si muove in modo da renderlo adatto ad una narrazione cinematografica, ma mi sento di dire che questo tentativo ha finito per produrre un risultato in cui a vincere è la mancanza di originalità ed un’americanità di contesto e dialoghi che finiscono per rendere ancora più banale una trama già di suo assai traballante. Occasione persa, insomma. A conclusione di questa recensione, mi sento di fare una considerazione personale. Il vero rimpianto è che un regista italiano non abbia pensato, o non abbia avuto modo, di girare un film su Dylan Dog nei primi anni Novanta, quando la serie era nel suo periodo di massimo splendore e Tiziano Sclavi – il suo creatore, peraltro omaggiato nel film – non era ancora entrato nel suo periodo di totale stasi creativa. Sono abbastanza certo del fatto che ne sarebbe uscito un film fedele e di tutt’altro spessore. Ma è inutile piangere sul sangue versato…

Saint Ange

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 29 Oct 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Saint Ange
REGISTA: Pascal Laugier
ANNO DI USCITA: 2004
DURATA: 94’
PAESE: Francia
VOTO: 70

La nouvelle vague del cinema horror francese mi piace. Alexandre Aja, Christophe Gans, Xavier Gens e Pascal Laugier sono autori di opera interessanti, in modo diverso ma spesso convincente. E di Laugier nello specifico ero rimasto folgorato circa tre anni fa, quando vidi il fortissimo Martyrs, film violento, fisico ma anche mistico nella sua ricerca del dolore, assimilabile ad estasi. Mi ero ripromesso sin dall’epoca di rispolverare la prima opera su lunga distanza del regista francese, e quest’oggi, con un ritardo importante, è finalmente arrivato il momento di parlare di Saint Ange.

Parlando della trama, non si può non pensare subito a diverse altre pellicole, ambientate negli stessi anni o in luoghi analoghi. Ci troviamo nel secondo dopoguerra in un orfanatrofio isolato. Tre flash istantanei: Session 9, The Orphanage, The Others. Boom! Rischio originalità latente? Apparentemente si, ma i punti di contatto, seppur esistenti con tutti e tre i succitati film, rimangono piuttosto marginali. Infatti l’opera di Laugier sposta il suo focus sull’interiorità della protagonista Anna, interiorità da intendersi come fisica e psichica, e su altre tre figure femminili, che compongono le uniche presenza materiali del film. Tuttavia, come accade spesso in storie di questo genere, è il luogo stesso a diventare elemento fondamentale della vicenda, esteriorizzazione di paure e traumi dei protagonisti.

L’orfanatrofio di Saint Ange rimane disabitato, poiché tutti i bambini vengono trasferiti presso un altro istituto. Al suo interno rimangono Helenka, un donnone che si occupa di governare l’edificio, Judith, ragazza che trasmette fin dallo sguardo un forte malessere psicologico, probabilmente dovuti a disturbi piuttosto gravi, ed Anna, una giovane chiamata per occuparsi delle pulizie. Di tanto in tanto apparirà suor Francard, donna di polso, dura e misteriosa. Per Anna l’esperienza nell’orfanatrofio si rivelerà via via distruttivo per il suo equilibrio psichico, a causa della sua curiosità su ciò che è accaduto nell’edificio in passato e della sua non accettazione della sua situazione. Infatti, la ragazza è incinta e, nel corso di alcune sequenze, in particolare di un suo incubo, si potrà cogliere come tale gravidanza, che cerca in tutti i modi di nascondere ricorrendo a strette fasciature, sia stata indesiderata. Un trauma, il suo, che va posto al centro dell’attenzione dello spettatore, poiché rappresenta una possibile chiave di lettura per interpretare il criptico finale.

Non verrà fornita una vera e propria spiegazione del film ed in particolare del suo finale, sia perché non necessariamente ne esiste una soltanto, sia perché la mia opinione personale tale è e potrebbe rivelarsi errata. Tuttavia è apprezzabile, coraggiosa e rischiosa la scelta di Laugier di raccontare una storia tutto sommato semplice, quasi banale nello svolgimento, eppure molto profonda dal punto di vista delle implicazioni psicologiche. Dal punto di vista visivo Saint Ange è ben diretto e gode di una ottima fotografia, con tocchi di classe assoluti quale, a titolo di esempio, la scena fondamentale del finale, che brilla per eleganza. Buone ed in alcuni casi ottime le prove recitative, con Anna, interpretata dalla brava Virginie Ledoyen, che spazza via gli stereotipi della protagonista femminile dei film horror, perennemente impacciata, urlante e terrorizzata sempre e comunque. Lei è invece un personaggio coraggioso, che affronta il suo incubo e lo guarda in faccia senza indietreggiare e senza patetici tentativi di fuggire dinanzi al suo stesso io.

Saint Ange non è ben catalogabile e questo è un suo pregio: non è un horror puro, non è un thriller psicologico. Ha elementi di entrambi i generi e l’amalgama funziona, con una presentissima traccia drammatica. Non aspettatevi dunque sobbalzi, le sequenze ad alto tasso adrenalinico e tensivo sono un paio, la prima delle quali dopo ben 50 minuti di pellicola. Provate ad aprire la mente ed a godervi il film per le sue virtù e per il suo essere diverso non forzato e ricco di classe. Non necessariamente questo significa che si tratta di un’opera perfetta o imperdibile, ed il voto che avete letto all’inizio della recensione lo dimostra, ma rappresenta un bell’esempio di come si possano raccontare infinite storie sempre diverse pur partendo da luoghi o situazioni comuni.

ALTRI FILM DI PASCAL LAUGIER RECENSITI:

Martyrs (2008)

4 Mosche Di Velluto Grigio

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 22 Oct 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: 4 Mosche Di Velluto Grigio
REGISTA: Dario Argento
ANNO DI USCITA: 1971
DURATA: 102’
PAESE: Italia/Francia
VOTO: 70

Giungiamo alla conclusione della cosiddetta “Trilogia degli animali” di Dario Argento, così denominata per via della presenza del nome di un animale all’interno del titolo. Dopo l’uccello del primo film ed il gatto del secondo, è ora il turno delle mosche, sebbene il titolo poco riveli del contenuto della pellicola. La verve cinematografica di Argento sta per raggiungere il suo culmine, ma manca ancora un elemento fondamentale, vale a dire l’estetica del delitto che tanto verrà perfezionata e sublimata col successivo Profondo Rosso.

4 Mosche Di Velluto Grigio, al di là del bizzarro accostamento “animalesco”, spartisce coi precedenti due film di Argento il genere, giallo teso ed a tinte forti, con assassino spinto da nevrosi e da traumi irrisolti provenienti dal proprio passato. Stavolta il protagonista è Robert, un giovane batterista che nota di essere pedinato da qualche tempo. Una sera, vedendo l’uomo che lo attende al termine delle prove con la band, il ragazzo decide di risolvere una volta per tutte la questione e lo insegue. Lo scontro si conclude in tragedia, con la morte del pedinatore ed uno strano pupazzo da teatro che scatta foto dell’intera sequenza dell’omicidio. Inizierà dunque il ricatto ai danni del giovane, che subirà avvertimenti mentre è in casa e che inizierà ad affrontare il terrore di delitti che avvengono intorno a lui, di sogni premonitori e di incursioni notturne nella casa in cui vive. A nulla servono le preghiere da parte della moglie di andar via e di lasciare il luogo che sembra ormai essere il terreno di caccia dell’assassino.

Per cercare aiuto, Robert si reca da Diomede, detto Dio, interpretato – udite udite – da Bud Spencer. Il burbero Dio darà consigli al ragazzo, che ingaggia uno strambo tipo detto il Professore affinché controlli la casa, e l’altrettanto curioso, per motivi diversi, investigatore privato Arrosio. Personaggi coloriti e sopra le righe, volutamente scelti per spezzare una vicenda dai toni noir. Non mancherà neanche l’elemento investigativo/scientifico, con la futuribile, quanto ormai esclusa, teoria che la retina della vittima conservi per diverse ore l’ultima immagine vista prima di morire. Sarà quella la chiave per giungere alla conclusione del rompicapo e capire chi ha ordito tutta quella farsa ai danni di Robert, in un finale sorprendente seppure leggermente debole.

Le componenti del film, che a volte percorrono direttrici diversissime dal punto di vista umorale, riescono a creare un’amalgama unitaria credibile e solida. I personaggi più coloriti, come Dio, il Professore interpretato da Oreste Lionello e l’investigatore omosessuale Gianni Arrosio, rappresentano un punto di rottura netto rispetto agli stilemi più neri e “seri” del primissimo Argento, e fanno da contrasto netto all’interno di una vicenda tesissima, con una costante minaccia che aleggia e con protagonisti problematici e/o terrorizzati. Viene introdotto anche un ulteriore elemento che verrà ripreso poco tempo dopo dal regista romano: il pupazzo. In questo film svolge il ruolo di copertura per chi sta scattando le foto a Robert durante la sequenza dell’omicidio di cui si macchia, e lo ritroveremo anche nel capolavoro Profondo Rosso per altri motivi e con altre finalità.

Eccezion fatta per alcune debolezze – una su tutte, la sequenza nel parco, che sfiora il non-sense per realizzazione grossolana e priva di riferimenti temporali – 4 Mosche Di Velluto Grigio riesce a funzionare ed a raggiungere il suo scopo per via di alcuni buoni momenti, rivelandosi un buon thriller che cerca di investigare i recessi della mente umana e le conseguenze che gli eventi adolescenziali possono portare nei disguidi comportamentali dell’età adulta. Visione godibile che segna una crescita per l’Argento regista e per le sue tecniche, che approfondiremo con la prossima recensione dedicata alla sua retrospettiva.

ALTRI FILM DI DARIO ARGENTO RECENSITI:

Body Bags - Corpi Estranei

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 15 Oct 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Body Bags
REGISTA: John Carpenter, Tobe Hooper, Larry Sulkis
ANNO DI USCITA: 1993
DURATA: 88’
PAESE: USA
VOTO: 70

Body Bags aveva tutta l’aria di essere una di quelle chicche imperdibili: registi importanti, camei da parte di figure fondamentali nella storia del cinema horror, una struttura episodica col collante offerto dall’obitorio il cui mastro cerimoniere è John Carpenter in persona. Insomma, talmente tanta carne sanguinolenta al fuoco che non ho saputo resistere e mi sono fiondato nella visione subito dopo aver scoperto della sua esistenza.

Partiamo dalle note storiche: uscito nel 1993 e prodotto per il mercato televisivo, il film è una collaborazione tra John Carpenter, Tobe Hooper e Larry Sulkis, il quale, seppure non accreditato, diresse il secondo dei tre episodi. Oltre ai tre registi, coinvolti nel progetto ci sono una serie di personaggi di assoluto spicco quali Wes Craven, Sam Raimi, Roger Corman, il truccatore Greg Nicotero. L’idea di partenza è semplice e funzionale: John Carpenter, nei panni – apparenti – di un medico operante in un obitorio, si aggira tra i corpi mettendo subito in mostra il suo spirito e la sua simpatica follia. Tra un bicchiere di formaldeide ed una sfilza di cadaveri disposti sui lettini in attesa di essere esaminati, presenta alcuni casi di morte violenta, i famosi tre episodi che compongono il film.

Il primo, diretto dallo stesso Carpenter, è piuttosto debole a dirla tutta: racconta la vicenda di una ragazza alle prese con la prima notte di lavoro presso una stazione di rifornimento, che ben presto si trasformerà nel teatro delle gesta di un violento serial killer decisissimo a farla fuori. Oltre alla trama banale, l’episodio è assai piatto come svolgimento e la ragazza è talmente indisponente che si finisce per parteggiare per l’assassino.

Il secondo episodio, accreditato nuovamente a Carpenter ma in realtà diretto da Sulkis, è spassoso. Narra di un uomo ossessionato dal fatto che sta perdendo i capelli: dopo aver tentato inutilmente varie, ridicole strade, si rivolge ad un medico dopo aver visto la pubblicità su un canale televisivo. Il giorno dopo il trattamento si sveglia con una folta e lunga chioma corvina ed è all’apice della felicità, ma ovviamente il rimedio si rivelerà essere latore di guai assurdi. Nel suo essere demenziale, probabilmente si segnala come episodio migliore e maggiormente godibile del lotto.

L’episodio conclusivo è affidato invece alla regia di Tobe Hooper, che si cimenta con un tema successivamente sviscerato a più riprese dal cinema di genere: l’occhio e la sua capacità di mantenere impresse le immagini. Un promettente giocatore di baseball perde un occhio a causa di un incidente automobilistico ed in ospedale un medico gli propone un trapianto sperimentale: gli verrà innestato l’occhio appartenuto ad un uomo deceduto. Il giovane accetta con la speranza di poter tornare a giocare, e l’intervento si rivela un successo dal punto di vista chirurgico. Tuttavia, una volta rientrato a casa inizieranno dei violenti mal di testa ed una sequela di visioni che porteranno l’uomo alla follia, non prima però di aver scoperto a chi era appartenuto l’occhio che gli era stato impiantato.

Oltre ai tre episodi descritti, ci sono le parti ambientate nell’obitorio e col timoniere John Carpenter assai spigliato di fronte alle telecamere: gustosissimi gli intermezzi e divertente anche il finale, che va ad impacchettare una proposta simpatica ed irriverente. Gli episodi, eccezion fatta per quello di Carpenter che sembra diretto senza la minima voglia e verve, risultano piacevoli da guardare e regalano un’oretta e mezza orrorifica e spensierata. Considerando le premesse, era esattamente quello che ci si poteva aspettare.

ALTRI FILM DI JOHN CARPENTER RECENSITI:

ALTRI FILM DI TOBE HOOPER RECENSITI:

The Skeleton Key

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 08 Oct 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: The Skeleton Key
REGISTA: Iain Softley
ANNO DI USCITA: 2005
DURATA: 104’
PAESE: USA
VOTO: 80

I buoni, vecchi film sulle case maledette o con storie cariche di dolore e morte che ne permeano le mura. Se una grande, grandissima parte della fortuna dell’horror letterario e cinematografico è sorto proprio tra le mura domestiche, un motivo ci sarà, e quando qualche coraggioso si cimenta nuovamente con le inquietanti magioni abitate da spiriti inquieti, a volte può scapparci anche il bottino grosso. E The Skeleton Key, per larghi tratti, rischia proprio di raccogliere la posta piena e di fare il botto. Ma procediamo con ordine.

Uscito nelle sale cinematografiche in sordina nel 2005 e diretto dal britannico Iain Softley, il film affonda le radici della sua storia nei bayou dell’entroterra di New Orleans, nel Louisiana. La location, interessante e fortemente caratteristica per via di taluni elementi religiosi/magici, assurge, se non a protagonista assoluta, quantomeno a vigorosa spalla, poiché caratterizza totalmente lo svolgimento della trama, gli eventi e le motivazioni che li muovono. D’altronde, dove sarebbe stato possibile ambientare una vicenda che trattasse di hoodoo, se non proprio nel sud degli Stati Uniti d’America? Avete letto bene, nessun typo: hoodoo, non voodoo. Come viene spiegato nel film, il voodoo è una religione portata dall’Africa ad Haiti, dove prese piede, mentre l’hoodoo è magia. Si batte molto su un punto: tale magia ha potere solo su chi ci crede realmente.

Contesto: Caroline è una ragazza che lavora come assistente degli anziani, ed accetta un lavoro presso una villa dove vivono Ben e Violet. L’uomo è stato recentemente colpito da un ictus che lo ha paralizzato e gli impedisce di parlare. La permanenza di Caroline nella casa rivela subito elementi curiosi: sente Violet parlare con Luke, il notaio di famiglia, del fatto che la ragazza non capirà, non essendo del luogo; la sente altresì dire che tutte le precedenti assistenti erano andate via; infine, è il comportamento dello stesso Ben a farle porre interrogativi, dal momento che legge nei suoi occhi una richiesta d’aiuto ed addirittura prova a trascinarsi per fuggire di casa durante una notte. A questi elementi si aggiunge la scoperta di una stanza in soffitta che contiene oggetti appartenenti alla tradizione hoodoo cui si accennava in precedenza. Messa alle strette, Violet racconterà a Caroline la storia della casa in cui vive, dove un tempo avevano vissuto come servitori papa Justify e mama Cecile, una coppia di colore nota per essere fortemente addentrata nei rituali della magia hoodoo, e la cui fine fu tragica. Da questo punto in poi eviteremo qualsiasi riferimento alla trama onde evitare di svelare gli snodi che renderanno sorprendente il finale.

The Skeleton Key funziona in maniera egregia per buona parte della sua durata: tempi giusti, rivelazioni ben dosate ed intriganti, l’atmosfera afosa ed umida dei bayou ad accompagnare una storia fortemente tradizionale e legata al folklore locale, elemento che la rende originale ed interessante. Qualche passaggio inferiore si evidenzia nelle vicende che precedono il finale, che denotano un certo appiattimento verso il classico buoni contro cattivi, inseguimenti ed elementi stereotipati, ma il twist conclusivo riuscirà a spazzar via anche questi ultimi dubbi, lasciando l’impressione di una pellicola ben scritta e svolta, con recitazione solida ed il tocco sovrannaturale che nel finale si impossessa della vicenda, poiché, come viene ricordato nella tagline, “Quando inizi a credere inizia la paura”.

ESP - Fenomeni Paranormali

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 01 Oct 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Grave Encounters
REGISTA: The Vicious Brothers
ANNO DI USCITA: 2011
DURATA: 93’
PAESE: Canada
VOTO: 65

Tendenzialmente, quando vedo trailer di film horror passare spesso in tv mi viene l’orticaria. Saranno le frequenti delusioni cinematografiche passate, sarà sfiducia nel mainstream, fatto sta che ogni volta mi avvicino al film in questione con una discreta dose di sfiducia ma soprattutto con aspettative assai basse. Questa premessa si rivela essere d’obbligo per mettere in chiaro i motivi di alcune delle valutazioni che seguiranno.

Proveniente dal Canada, ESP – Fenomeni Paranormali giunge in maniera evidente fin dal titolo sull’onda lunga del successo planetario di Paranormal Activity, non facendo neanche più di tanto per nascondere le analogie tematiche e stilistiche. La differenza di fondo, che rende gustosa la prima parte di ESP, è l’idea del programma televisivo che dà il nome al film stesso: trattasi di un programma che vede un gruppo di persone passare una notte in un luogo infestato secondo le leggende popolari, filmando tutto ciò che accade e riportando la loro testimonianza. Interessante e criticamente puntuale tutta la parte relativa alla preparazione della trasmissione, con interviste false e personaggi che recitano un ruolo, secondo il tipico modo di fare televisione di serie B tanto frequente ai giorni nostri. Ovviamente però poi ci si aspetta che la situazione prenda il volo, ed in effetti per un bel tratto l’impressione è che il decollo avvenga.

La location scelta per la sesta puntata di ESP è il Collingwood Psychiatric Hospital, un manicomio ormai in disuso da qualche decennio. La troupe che lavora al programma si fa chiudere all’interno dell’edificio dal custode, e lo fa davvero, in maniera del tutto inspiegabile poiché sarebbe bastato filmare la scena e poi lasciare il portone aperto. Inoltre, l’edificio è progettato a mo’ di carcere, quindi con finestre sbarrate che non permettono in alcun modo la fuga. Dal momento in cui la prima porta sbatte, l’escalation di manifestazioni paranormali è costante e si raggiunge l’aggressione vera e propria, in una rappresentazione degli spettri che appare un tantino troppo fisica.

Il buon pregio della pellicola è la tensione che ricrea lentamente, virando dal clima caciarone e scettico dettato dal conduttore al panico assoluto che si impossessa dell’intero gruppo man mano che gli eventi sfuggono completamente di mano. Fin qui tutto nella media di un onesto horror insomma, ma la chicca che permette ai Vicious Brothers di guadagnarsi cinque punti in più è il tentativo di fuga dei superstiti e la sorpresa che li attende non appena sfondano il portone d’ingresso. Di contro, ciò che non permette al film di emergere in maniera decisa nel panorama horror contemporaneo è una parte finale che mischia banalità, esasperazioni e soprattutto una sequenza conclusiva totalmente nonsense e che viene utilizzata per giustificare un elemento disseminato sul percorso della trama, in un’intervista iniziale. In definitiva, film non imprescindibile, ma che non fa rimpiangere la serata dedicata alla sua visione, per un tocco di ironia che non guasta e per qualche buono spunto. A voi la scelta.

Ho Sposato Un Mostro Venuto Dallo Spazio

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 24 Sep 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: I Married A Monster From Outer Space
REGISTA: Gene Fowler Jr.
ANNO DI USCITA: 1958
DURATA: 78’
PAESE: USA
VOTO: 60

Di tanto in tanto è curioso quanto divertente addentrarsi nei meandri dei generi fino risalire a film ormai considerabili d’epoca, i quali, visti col disincantato sguardo dello spettatore moderno, spesso risultano essere banali ed assai ingenui. Pur tuttavia, alcune sperimentazioni meritano attenzione non foss’altro per le finestre aperte su mondi inesplorati ed affascinanti. Il titolo del film che analizzeremo oggi non lascia presagire nulla di buono, ammettiamolo, eppure a dispetto dei suoi 53 anni suonati è risultato essere gradevole e realizzato anche con una discreta dose di mestiere.

Poggiando sulla granitica interpretazione di Tom Tryon e sulla convincente prova di Gloria Talbott, Ho Sposato Un Mostro Venuto Dallo Spazio è ambientato nella tranquilla provincia americana, dove una giovane coppia convola a nozze e rivela di essere in crisi sin dalle prime fasi del matrimonio. Bill è freddo, apatico e rigido, e ben presto Marge inizierà a soffrire di questo suo atteggiamento, assai diverso da quello gioioso ed energico dell’uomo del quale si era innamorata. Una sera decide di pedinarlo e scopre la verità: l’uomo sembra essere vittima di un’entità aliena che lo possiede, mantenendolo, almeno in apparenza, in uno stato semivegetativo e controllando ogni sua mossa. Da qui si innesca l’ovvia reazione della donna, che informa degli eventi diverse persone per far sì che si giunga alla risoluzione dei misteriosi accadimenti.

Gene Fowler Jr., con mezzi tecnici scarsi ed effetti speciali risibili, mette su una pellicola strutturata che nel complesso ricrea piuttosto bene la situazione di tensione provata da Marge, vera protagonista della vicenda dal cui punto di vista viene narrata e vissuta. L’arrivo degli alieni, le loro motivazioni ed il loro comportamento sono assai banali, però è interessante notare come venga percorsa la strada dell’incrocio tra fantascienza ed horror, con risultati non sempre incoraggianti ma che in ogni caso hanno aperto, assieme ad altre pellicole più o meno contemporanee quali ad esempio L’Invasione Degli Ultracorpi e Gli Invasori Spaziali, la strada ad un intero filone.

Come si diceva nel cappello introduttivo, la visione di un film del genere al giorno d’oggi non è in grado di stuzzicare né interesse né alcuna forma di tensione, ragion per cui la visione è consigliabile solo a chi vuole scavare nel passato del genere o a chi è particolarmente aperto di vedute da riuscire a calarsi bene nello spirito di una pellicola che va presa per quel che è, nella sua semplicità e coi suoi inevitabili difetti. Amarcord.

1408

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 17 Sep 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: 1408
REGISTA: Mikael Håfström
ANNO DI USCITA: 2007
DURATA: 100’
PAESE: USA
VOTO: 65

Tratto da un romanzo breve di Stephen King contenuto nell’antologia Tutto E’ Fatidico, 1408 è giunto nelle sale italiane a fine 2007 senza eccessivo clamore, dopo aver ottenuto riscontri positivi in termini di incasso ai botteghini e di critica dall’altra parte dell’oceano Atlantico. Avendo letto il racconto, ero un po’ scettico ma allo stesso tempo curioso nei confronti della sua trasposizione cinematografica: scettico perché a mio modo di vedere nel racconto non c’era materiale sufficiente per sostenere in maniera solida l’impianto di un film di un’ora e quaranta minuti di durata; curioso per lo stesso motivo, ovvero capire in che modo gli sceneggiatori fossero riusciti a colmare le inevitabili lacune di un romanzo breve riuscendo allo stesso tempo a rendere la trama interessante e tesa fino all’ultimo minuto.

Il protagonista è Mike Enslin, uno scrittore di romanzi di poco valore che fanno leva su esperienze dirette dell’autore in luoghi, secondo dicerie e leggende locali, infestati dai fantasmi. La sua fama non è esattamente quella di un autore di best sellers, e nelle battute iniziali viene dipinto come insoddisfatto, frettoloso in ciò che fa e, soprattutto, assai scettico. Tra le cartoline ed i depliant che riceve quotidianamente da parte di alberghi che millantano storie sanguinolente e terrificanti e che lo invitano a soggiornare presso di loro convinti di guadagnarsi facile pubblicità, un giorno viene colpito dalla cartolina del Dolphin Hotel di New York. Sulla cartolina c’è scritto un messaggio brevissimo e sibillino: “Non entrare nella 1408”. Entra subito in ballo l’elemento legato ai numeri ed in particolare al numero 13, somma delle cifre della stanza e che ritornerà in vari momenti e sotto varie forme e combinazioni nel corso della vicenda. Fatto sta che Mike decide di trascorrere una notte nella stanza in questione, ma al primo contatto telefonico col direttore dell’hotel gli viene chiaramente detto che la stanza non è disponibile. A seguito di alcune forzature ad opera della sua casa editrice, riesce ad effettuare la prenotazione e giunge infine all’elegante ma desueto Dolphin Hotel.

Viene accolto da Gerald Olin, direttore dell’albergo interpretato da Samuel L. Jackson, il quale tenta in tutti i modi di far desistere Mike dal suo intento, parlandogli di ciò che è accaduto nella stanza in maniera molto schietta, non dando l’idea di voler impressionare lo scrittore né di essere uno sciocco credulone. Naturalmente non riesce a convincerlo, e dopo una chiacchierata lo accompagna al piano etichettato come 14 ma che è in realtà il tredicesimo dell’albergo, che seguendo la scaramanzia evita di avere un piano 13. Dal momento in cui Mike entra nella stanza, inizierà una ridda di visioni, allucinazioni e strani eventi che lo porteranno ben presto sull’orlo della follia. Per non rovinare nemmeno in piccola parte la sorpresa, eviteremo di citare gli episodi nello specifico, dal momento che molti di essi vanno a toccare corde molto personali e facenti parte del triste passato di Enslin. Tuttavia, un aspetto che va sottolineato e che fa storcere il naso è la rapidità con cui lo stesso Mike passa dal totale scetticismo misto a sarcasmo per tutto ciò che è paranormale, alla perdita totale del controllo ed al panico che scaturisce sostanzialmente pochissimo dopo il suo ingresso nella stanza 1408.

Le dinamiche del film sono giuste, garantendo l’assenza di tempi morti e regalando momenti di sobbalzo – non riuscitissimi in verità, anche piuttosto scontati – misti ad attimi intimisti e sofferenti quando si va ad affrontare i demoni del passato di Mike. Nonostante sia ambientato per buona parte della sua durata all’interno della stanza, con la trovata delle visioni e del disaccorpamento corpo/luoghi si riesce a non trovare mai piatta o ripetitiva l’ambientazione. Non manca nemmeno il tentativo di offrire colpo di scena e contro-colpo di scena, sebbene non riescano più di tanto nel loro intento. Insomma, una struttura formalmente apprezzabile e ben riuscita, eppure a mancare all’intera pellicola è la sensazione del malvagio, quella sottile percezione, quell’aura che il luogo dovrebbe emanare e che invece non evoca mai per tutta la durata della permanenza di Mike all’interno della camera. In tal senso, a saltare immediatamente alla mente è il confronto, non del tutto insensato, con Shining, pellicola in cui si riesce ad avvertire in maniera netta la vibrazione del male che le pareti dell’Overlook Hotel emanano. Ma appunto, parliamo di un capolavoro che è inutile scomodare qui. 1408 rimane un prodotto apprezzabile, e soprattutto una pellicola che riesce a reggersi sulle sue gambe, pur incespicando. Non era semplice mantenere alto l’interesse dello spettatore con una trama di partenza spoglia e semplice, ma l’esame per Håfström ed il suo team di sceneggiatori si può considerare superato in virtù di qualche sprazzo di eleganza, cosa non così comune nell’horror contemporaneo: mi si permetta di citare, in tal senso, le sequenze del tentativo di fuga di Mike lungo il cornicione, con la sua sconfortante scoperta di non poter fuggire nell'oscurità priva di finestre, e del personaggio al quale chiede aiuto, che si scopre essere una sorta di immagine riflessa nello specchio.

ALTRI FILM DI MIKAEL HÅFSTRÖM RECENSITI:

Il Rito (2011)

Rogue

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 10 Sep 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Rogue
REGISTA: Greg McLean
ANNO DI USCITA: 2007
DURATA: 95’
PAESE: Australia
VOTO: 65

Sul fatto che Greg McLean avesse talento, non avevamo dubbi già dai tempi di Wolf Creek. Il problema, almeno per quanto riguarda quel film, è che le maggiori qualità del regista australiano si erano manifestate nell’ambito delle riprese naturalistiche, mentre dal punto di vista delle tecniche registiche e dell’aspetto horror in particolare ben più di qualche perplessità aveva suscitato. E con Rogue era atteso al varco per capire quali fossero le sue reali potenzialità.

Dopo il brullo e sconfinato deserto australiano ed un predatore implacabile ed onnipresente, McLean ritorna sui maxi-schermi con un gigantesco coccodrillo d’acqua salata che rende un tranquillo e piacevole tour organizzato a bordo di una barca un incubo per i turisti accorsi. Ancora una volta, l’Australia ed i suoi paesaggi naturali fanno non solo da sfondo alle pellicole di McLean, ma diventano personaggi aggiunti se non addirittura protagonisti, comparendo svariate volte e dimostrando il grande amore del regista per la sua terra d’origine, resa in maniera sensibile e con buon gusto visivo. Il momento chiave del film, quello che comporta l’isolamento dei turisti, braccati dal terribile e voracissimo coccodrillo, giunge in maniera assai pretestuosa, ma viene accolta positivamente poiché spezza una pressoché assoluta banalità che aveva animato la prima parte del film. Da quel punto in poi invece vengono fuori vari aspetti positivi, a partire dalle reazioni dei personaggi, tutte ben collegate alla psicologia tracciata e che riescono anche a dare un quadro piuttosto realistico dei vari modi in cui le persone comuni reagiscono in situazioni di estremo pericolo e di lotta per la sopravvivenza.

La tensione viene costruita con sapienza: il gruppo di turisti e la guida subiscono un attacco ad opera dell’animale, che danneggia seriamente l’imbarcazione. Quest’ultima finisce su una lingua di terra in mezzo all’acqua, costringendo il gruppo a rimanere bloccato lì, con la consapevolezza di essere alla mercé di eventuali attacchi da parte del coccodrillo. Non solo: di lì a poco, col calare del buio, dovranno iniziare a preoccuparsi anche della marea, che nel corso della notte coprirà completamente l’isolotto lasciandoli dunque in acqua ed in assoluta balia della famelica creatura. Inizieranno quindi proposte, piani, crisi isteriche e tentativi di sfuggire a quello che ha tutta l’aria di essere un destino ormai segnato.

Tutta questa fase risulta funzionare, segnando un netto salto di qualità sia rispetto a Wolf Creek sia rispetto alla prima, piatta parte del film. Tuttavia, la parte conclusiva finisce per essere invece molto al di sotto delle aspettative che ormai si erano create: sequenze da action movie, atti eroici stucchevoli quanto inutili ed un finale poco realistico e credibile lasciano l’amaro in bocca e fanno sì che l’impressione complessiva lasciata dal film sia inferiore a quella che, almeno da un certo punto in poi, si sperava. Al di là di ciò, tuttavia, c’è da dire che è evidente la crescita di McLean, che finalmente raggiunge un equilibrio tra riprese paesaggistiche e tensione generata, e che riesce ad offrire scorci di talento che ci auguriamo possano dar vita a prodotti superiori, anche di molto, a Rogue. Per ora, sufficienza piena in virtù di una parte centrale assolutamente riuscita.

La pellicola, a fronte di una certa abilità da parte del regista di generare tensione, soffre di una sceneggiatura piena di buchi, che non spiega fondamentalmente nulla di ciò che accade né delle motivazioni dei due anziani. Queste carenze, miste a qualche dubbio sulla effettiva credibilità dei meccanismi e delle azioni dei personaggi, fanno sì che inevitabilmente cali la qualità complessiva di un film che, come già sottolineato, ha dalla sua la capacità di tenere lo spettatore sulle spine con una vicenda a tratti davvero surreale ma carica di palpabile tensione. Staremo a vedere se arriverà dalle nostre parti, tuttavia qualora ne abbiate l’opportunità, non negategli una visione, potrebbe sorprendervi.

ALTRI FILM DI GREG McLEAN RECENSITI:

Wolf Creek (2005)

Sudor Frio

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 03 Sep 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Sudor Frio
REGISTA: Adrián García Bogliano
ANNO DI USCITA: 2010
DURATA: 75’
PAESE: Argentina
VOTO: 65

Una pellicola argentina già stuzzicherebbe la mia curiosità a prescindere, per via della provenienza, ma nel caso di Sudor Frio l’interesse è stato dettato da quei pochi frammenti di trama letti prima di procedere con la visione. Idea particolarmente originale? Nemmeno per sogno, ma qualcosa mi ha attirato al punto di scegliere questo film in mezzo ad un mucchio di altra roba. Andiamo a scoprire se ho avuto occhio lungo o meno.

La vicenda di partenza è molto semplice e quotidiana: un ragazzo è stato lasciato dalla sua fidanzata, che ha perso la testa per un altro conosciuto in chat. Roman però non si dà per vinto e cerca in tutti i modi di rintracciare la sua ex, con l’aiuto di un’amica. La sua indagine lo porta a scoprire il posto in cui vive il fantomatico nuovo amore di lei, ma da subito si capisce che in realtà la ragazza è caduta in una trappola ordita da due anziani folli e torturatori in nomi di strampalati ideali. Il meccanismo può apparire quindi già visto ed abusato, tuttavia l’elemento curioso è dato dai metodi adoperati dai due vecchi per torturare le proprie vittime. Tali metodi, infatti, si basano sull’utilizzo di sostanze chimiche come acidi e nitroglicerina, ed in particolare su quest’ultima è basata molta della tensione che il film è in grado di creare nello spettatore. Infatti, la ragazza viene bagnata nel liquido e viene tenuta bloccata con la minaccia che se una goccia di nitro cadrà a terra, provocherà un’esplosione. Ed è proprio su questo dettaglio che Bogliano riesce a costruire notevoli situazioni ansiogene, in particolare con inquadrature strettissime sulla pelle umida o sui capelli lungo i quali scivola una goccia della pericolosissima sostanza.

La pellicola, a fronte di una certa abilità da parte del regista di generare tensione, soffre di una sceneggiatura piena di buchi, che non spiega fondamentalmente nulla di ciò che accade né delle motivazioni dei due anziani. Queste carenze, miste a qualche dubbio sulla effettiva credibilità dei meccanismi e delle azioni dei personaggi, fanno sì che inevitabilmente cali la qualità complessiva di un film che, come già sottolineato, ha dalla sua la capacità di tenere lo spettatore sulle spine con una vicenda a tratti davvero surreale ma carica di palpabile tensione. Staremo a vedere se arriverà dalle nostre parti, tuttavia qualora ne abbiate l’opportunità, non negategli una visione, potrebbe sorprendervi.

Vanishing On 7th Street

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 27 Aug 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Vanishing On 7th Street
REGISTA: Brad Anderson
ANNO DI USCITA: 2010
DURATA: 91’
PAESE: USA
VOTO: 50

Da Brad Anderson, dopo la sorprendente chicca rappresentata da Session 9, mi attendevo molto. Si sa, partire con aspettative elevate spesso è il modo migliore per rimanere delusi ed il caso in esame, purtroppo, non fa eccezione. Attesa troppo alta o film mediocre? Propendo per la seconda ipotesi, ma prima di entrare nel dettaglio dei giudizi, vediamo di cosa parla questo Vanishing On 7th Street.

Il punto di partenza della pellicola è intrigante: a Detroit un blackout dell’energia elettrica porta alla completa sparizione dell’intera popolazione, della quale restano solo gli abiti che indossavano al momento della loro scomparsa. E’ come se i loro corsi si smaterializzassero, facendo sì che i vestiti cadano a terra, ormai vuoti. Tale sorte non tocca ad un manipolo di superstiti, che riescono a salvarsi in virtù di fortuite coincidenze: Paul, proiezionista in un cinema, ha una torcia con sé; la fisioterapista Rosemary ha un accendino, mentre il reporter televisivo Luke sta dormendo circondato da candele. Vagando per la città, i tre si incontrano in un bar illuminato per via di un generatore, e che per loro è l’unico rifugio possibile. Lì incontrano un ragazzino di nome James e provano a sopravvivere ed a programmare una fuga. Nel frattempo le giornate diventano sempre più corte e le notti lunghissime e minacciose, mentre il generatore inizia ad esaurire la sua energia rendendo indispensabile una soluzione.

L’inizio della pellicola è particolarmente promettente, per via di un’idea dotata di un buon grado di interesse per lo spettatore. La curiosità viene stuzzicata e la voglia di capire cosa accadrà ed in che modo si svilupperà la vicenda. Eppure, nonostante il buon impatto iniziale, pian piano l’entusiasmo scema per trasformarsi, col passare dei minuti in vera e propria noia, corredata da plateali sbadigli. Dal punto di vista registico Anderson conferma i suoi ritmi bassi ed i pochi movimenti di camera, stile che ben si adatta alle atmosfere notturne e cariche di ombre che fanno da perno all’intero svolgimento del film. Quel che invece si perde completamente è la profondità ed il pathos, con personaggi vuotissimi nei confronti di quale non si viene a creare il minimo contatto emotivo. La trama stessa, al di là dello spunto di partenza, non si sviluppa mai e rimane una sorta di pretesto per bloccare in un luogo chiuso ed in un mondo desolato i protagonisti, senza però dar adito ad una spiegazione, ad un arricchimento, ad elementi che espandano il focus della vicenda o che facciano in modo che si vada in una direzione ben precisa. Tutto è lasciato un po’ così, per la serie: “Abbiamo avuto un’idea figa, partiamo da lì e poi vediamo che succede”. Ecco, non succede un bel niente, solo tanta noia ed un prodotto complessivamente mediocre, non adatto nemmeno ad una sonnolenta domenica sera di fine estate.

ALTRI FILM DI BRAD ANDERSON RECENSITI:

Session 9 (2001)

The Walking Dead - 1x06 - TS-19

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Tue, 02 Aug 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: TS-19

REGISTA: Guy Ferland

PRIMA TV ITALIANA: 06/12/2010

DURATA: 43’

PAESE: USA

L'intento degli articoli dedicati agli episodi della serie vuole essere informativo, ma non si potrà sempre garantire l'assoluta mancanza di spoiler, e per questa ragione l'invito è a leggere le recensioni solo dopo aver visto l'episodio onde evitare di rovinarsi qualche sorpresa.

Giunge l’ora del season finale per The Walking Dead, momento in cui è dunque possibile tirare le somme di questa prima stagione, in attesa della già annunciata seconda che sarà composta da tredici episodi e che arriverà probabilmente a fine 2011. Quando si affronta la visione di un episodio conclusivo di una stagione, la domanda che ci si pone di solito è: come lo faranno finire? Lasciando col fiato sospeso o concludendo un filone narrativo?

Nel caso di The Walking Dead, non c’erano dei filoni di trama da sviluppare o da portare a compimento, poiché per sua stessa natura il serial è caratterizzato da un divenire di trama, da un viaggio verso la salvezza che può avere una fine drammatica o positiva, quindi non ci si poteva aspettare nulla da questo punto di vista. Tuttavia, il finale lascia sorpresi per via della velocità con la quale gli autori si sono disfatti del centro di ricerche e dell’ultimo medico superstite, in una sequenza conclusiva che fa letteralmente il botto.

I nostri superstiti, una volta raggiunto il centro, fanno la conoscenza con Edwin, ultimo rimasto dell’equipe di ricercatori. Dopo i convenevoli ed una serata all’insegna del vino e dell’assenza dei pensieri – rovinata in realtà da uno Shane sempre più imprevedibile quando si tratta di Lori e fin troppo lucido in tutto il resto – Edwin inizia a raccontare ciò che è avvenuto lì e mostra al gruppo di ospiti una sua ricerca sul cosiddetto soggetto sperimentale 19, che si è prestato a farsi analizzare lungo tutto il decorso del contagio, della morte e del seguente risveglio. Nonostante gli studi, però, il medico non è riuscito ad arrivare a nulla di concreto ed utile per sconfiggere il batterio, parassita, virus o quel che sia, ma anzi si dimostra rassegnato ed ormai in attesa esclusivamente della morte, occasione tra l’altro che si presenterà molto presto.

A quel punto si innesca uno scontro di pensiero tra chi è ormai rassegnato al fatto che tutti finiranno in quella orribile maniera, e preferisce dunque finire prima con maggiore dignità e per scelta, e chi invece nutre ancora delle residue speranze e vuole continuare a lottare fino a quando sarà possibile. Il finale non lascia punti in sospeso, ma naturalmente i nostri non hanno ancora alcuna stabilità e dovranno continuare a muoversi ed a cercare un rifugio o un’ancora di salvezza da quel delirio, il tutto complicato da riserve di carburante ormai ridotte al lumicino.

Deludente o soddisfacente, questo finale di stagione? Non lascia l’amaro in bocca per scelte discutibili, il gruppo è ben assestato ormai con pochi elementi di contrasto, le dinamiche sembrano solide e l’unico fuori controllo, paradossalmente, è divenuto proprio il personaggio che sembrava deputato a proteggere gli altri. Non nego che mi attendevo di più da questo fantomatico centro di ricerche, che dura invece un solo episodio, e che avrei sperato in un finale più thrilling, di quelli in grado di far vivere con ansia l’idea di dover aspettare mesi per conoscere gli sviluppi. Invece la situazione in cui lasciamo i protagonisti del serial è piuttosto tranquilla, per quanto possa esserlo in un contesto apocalittico come quello di un mondo apparentemente in mano agli zombi. La seconda stagione, che come detto sarà composta da tredici episodi, potrebbe garantire un deciso salto di qualità all’intero impianto narrativo dell’opera, che raggiunge la fine di questa prima, breve stagione con ottimi risultati e con una qualità media assolutamente soddisfacente. Le premesse per un seguito interessante ci sono tutte, non resta che pazientare per qualche mese. Ovviamente, noi saremo pronti ad occuparcene non appena verrà trasmesso negli Stati Uniti.

TUTTI GLI ALTRI EPISODI DI "THE WALKING DEAD" RECENSITI SONO DISPONIBILI NELLA PAGINA DEDICATA ALLE SERIE TV

La Casa Sull'Abisso [romanzo]

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 30 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: The House On The Borderland
AUTORE: William Hope Hodgson
ANNO DI USCITA: 1908

PAGINE: 108

EDITORE: Public Domain Books
PAESE: Gran Bretagna
VOTO: 75

Approfittando dell’acquisto del Kindle e del fornitissimo archivio di Amazon in fatto di ebook, mi sono avvicinato a The House On the Borderland col preciso intento di iniziare un percorso volto ad approfondire la letteratura horror/fantastica inedita in Italia o, se edita, complicatissima da recuperare. Grande è stata la mia sorpresa nel vedere che l’edizione digitale del romanzo di William Hope Hodgson era addirittura gratuita, ulteriore ragione per tuffarsi a capofitto nella lettura del testo, rigorosamente in lingua originale.

La vicenda è allo stesso tempo semplice ed impossibile da riassumere e ricostruire: sebbene poggi su una manciata di avvenimenti cruciali, ha una ricchezza intrinseca dovuta alla visionarietà che la permea ed ai frequenti sbalzi dimensionali ed apparenti salti temporali, che fanno sì che rendere concretamente l’idea di ciò che sia la storia sia impresa ardua oltre che, a giudizio di chi scrive, anche piuttosto inutile, poiché finirebbe per svilire buona parte della atmosfere. Per tali motivi, si è ritenuto che la strada migliore per tratteggiare ciò che proverete leggendo questo romanzo sia quella di descrivere i suoi elementi salienti, più che riassumerne la trama.

Basato sul classico ritrovamento di un manoscritto, The House On The Borderland, che grande influenza ebbe su H.P. Lovecraft, narra gli accadimenti capitati ad un uomo di mezza età che viveva in una dimora isolata assieme alla sorella e ad un cane. Fortissima è la sensazione d’isolamento della vita dell’uomo, al quale possiamo riferirci come il recluso, e che diventa protagonista di un soprannaturale viaggio al di fuori del proprio corpo, un’esperienza mistica di difficile collocazione e spiegazione. Rientrato nella sua “consueta” dimensione, tuttavia, si ritroverà ad affrontare dapprima degli assalti alla sua casa ad opera di mostruose creature dalle sembianze di maiali, e poi, in un salto davvero onirico e visionario, assisterà dalla finestra del suo salotto al susseguirsi furioso e velocissimo del giorno e della notte, col tempo che inizierà a trascorrere a ritmi vorticosi provocando il disfacimento della sua stessa casa, e portandolo ad assistere alla morte del sole ed alla fine del sistema solare. Incredibilmente dirompente è la forza dell’intera, lunga sequenza, che si impone nettamente come la parte più affascinante ed immaginifica dell’opera.

Hodgson, col suo stile classico ma mai pomposo o magniloquente, mette in piedi un romanzo che non poggia su una vera e propria trama e che non fa del susseguirsi degli eventi e della costruzione narrativa i suoi pezzi forti. Anzi, il dissolvimento delle regole letterarie legate alla struttura del romanzo è il reale fondamento del suo lavoro, trasportato, almeno in apparenza, più dall’irruenza e dalla forza creativa che da un’attenta analisi dei meccanismi di causa/effetto o dei legami logici. E questo è anche il limite principale del libro, a causa della mancanza di punti di riferimento netti e del buio lasciato a proposito di tanti aspetti, citati ma mai realmente compiuti o portati a termine. Tuttavia, essendo questo lo scopo dell’autore, non è detto che per tutti i lettori sia ragione di delusione, anzi, potrebbe garantire quell’ulteriore passo verso il totale distacco della realtà. Hodgson vuole raccontare le sensazioni più che le vicende, e lo fa in maniera vivida, rendendo il recluso il personaggio unico, narratore ed osservatore di avvenimenti che non può in alcun modo controllare. Non è contemplata via di fuga o richiesta di aiuto nel suo mondo perfettamente isolato e scollegato da qualsiasi forma di esistenza terrena. Se il lettore riuscirà a farsi trasportare da quest’onda, allora godrà al massimo il valore di un’opera più fantastica che tipicamente horror, ma che non mancherà di offrire spunti interessanti.

N.B.: l’edizione digitale del libro, in lingua inglese, è disponibile per il download gratuito al seguente indirizzo: download. Si ricorda che l’ebook può essere letto col Kindle o con una delle applicazioni Kindle, disponibili per varie piattaforme.

The Walking Dead - 1x05 - Esperimenti

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Tue, 26 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Wildfire

REGISTA: Ernest Dickerson

PRIMA TV ITALIANA: 29/11/2010

DURATA: 43’

PAESE: USA

L'intento degli articoli dedicati agli episodi della serie vuole essere informativo, ma non si potrà sempre garantire l'assoluta mancanza di spoiler, e per questa ragione l'invito è a leggere le recensioni solo dopo aver visto l'episodio onde evitare di rovinarsi qualche sorpresa.

Ci si avvia con passo deciso al finale della prima stagione di The Walking Dead, che dopo episodi sostanzialmente stabili per quanto riguarda gli spostamenti, eccezion fatta per alcune brevi trasferte dal campo dei superstiti ad Atlanta, ormai totalmente in mano ai walkers, ritorna on the road proponendo un viaggio in carovana verso la speranza, per molti versi simile al viaggio intrapreso da Rick Grimes nel primo episodio.

Non sorprende il fatto che sia ancora una volta lui a proporre questo spostamento, ed a suo modo di vedere la sola speranza può essere rappresentata dal centro di ricerche mediche, ultimo baluardo. L’idea nasce nel momento in cui si scopre che Jim è stato morso nel corso dell’attacco della notte precedente, ragion per cui presto morirà e si risveglierà come walker. Piuttosto che ucciderlo da vivo o attendere l’ineffabile destino, Rick vuole credere alla possibilità di salvarlo e riesce a convincere tutto il gruppo che quella sia la cosa giusta da fare.

Nel frattempo un certo peso viene dato alla triste fine di Amy ed al dolore di sua sorella Andrea, che la coccolerà fino al suo risveglio per poi agire nel modo più razionale possibile. Ma non sono solo questi gli ingredienti del quinto episodio del serial: infatti, emerge con forza l’astio che Shane nutre nei confronti di Rick, e quando di mezzo c’è una donna, si sa, spesso si dimenticano tanti altri aspetti, anche l’amicizia esistente da anni.

La ricerca ed il tentativo di salvezza che animano Rick ed il gruppo in quest’episodio vengono resi con buona intensità, il tutto condito ed arricchito da un contorno di vicende interpersonali che per fortuna non sviliscono il concept del serial ma che favoriscono un maggiore grado di dettaglio all’intera vicenda. Rimangono purtroppo delle perplessità sulla effettiva personalità dei personaggi, tuttora non in grado di innescare nello spettatore un autentico imprinting emotivo. Ciononostante, l’interesse si mantiene sempre alto ed altrettanto alta rimane la qualità realizzativa, con delle sequenze maestose di assalti di zombi, con un livello di splatter mai risparmiato ed un trucco eccellente, elementi che fanno sì che il realismo di The Walking Dead sia decisamente al di sopra della media. Ora non resta che attendere il gran finale della prima stagione, per capire cosa troveranno i nostri superstiti al termine del loro viaggio carico di speranza e paura. Appuntamento tra sette giorni, siete tutti avvisati.

TUTTI GLI ALTRI EPISODI DI "THE WALKING DEAD" RECENSITI SONO DISPONIBILI NELLA PAGINA DEDICATA ALLE SERIE TV

Alone

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 23 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Fad
REGISTA: Banjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom
ANNO DI USCITA: 2007
DURATA: 90’
PAESE: Thailandia
VOTO: 80

I nomi dei registi di Alone, per quanto lunghissimi, mi sono entrati in mente quando vidi, ormai tre anni or sono, Shutter, pellicola discreta nel concetto ma penalizzata da una regia non sempre condivisibile per taglio e scelte. A distanza di qualche tempo, però, Pisanthanakun e Wongpoom ritornano sulle scene con una pellicola che, stavolta, è riuscita a conquistarmi in ogni sua componente, lasciandomi una ottima sensazione durante e dopo la visione.

Il tema portante del film non dista moltissimo da quello del già citato Shutter: anche in questo caso, infatti, i protagonisti hanno a che fare con il ritorno in forma spiritica e di manifestazioni paranormali di una persona importante del proprio passato, vittima di una scelta o di una grave ingiustizia da parte di colui/colei che inizieranno a perseguitare. E’ questo ciò che accade a Pim, una bella ragazza che intrattiene una storia d’amore con Wee. Costretti a trasferirsi temporaneamente a causa di un ictus occorso alla madre di lei, Pim inizierà ad essere perseguitata da incubi ed allucinazioni sempre più agghiaccianti e reali, che col passare del tempo diventeranno vere e proprie minacce materiali, anche ai danni di Wee. Nel frattempo, oltre al susseguirsi di tali terrificanti avvenimenti, viene svelata l’infanzia di Pim, che aveva una gemella siamese di nome Ploy, dalla quale fu separata mediante un intervento chirurgico. E pian piano il mosaico verrà scoperto parte dopo parte, per mostrare nella sua interezza una vicenda dai forti connotati psicologici e drammatici.

La coppia di registi thailandesi, tre anni dopo l’ultima fatica cinematografica, rientra in pompa magna mettendo in mostra un’accresciuta confidenza con la macchina da presa e con le proprie abilità: a sorprendere sono la perfetta scelta dei campi, del ritmo del montaggio, dello storyboard, il tutto arricchito da una trama solida e credibile a dispetto dell’elevata presenza di elementi soprannaturali. E, merito non da poco, riesce nell’intento primario di un film horror: fa paura. Alone ha dei momenti che regalano balzi sulla sedia, e dei picchi di tensione ben costruiti. Insomma, ogni pezzo è al suo posto, recitazione dei due protagonisti e colonna sonora comprese.

Ovviamente, non è tutto oro quello che luccica, altrimenti ci ritroveremmo a che fare con un capolavoro assoluto. La vicenda narrata calca in grande misura le più classiche ghost stories fatte di vendetta, e nel cinema orientale abbondano gli esempi di storie di tal genere. Altra sbavatura è il fatto che da un certo punto in poi del film inizia ad essere sempre più prevedibile il twist finale. Tutto questo, però, non toglie merito ad una produzione validissima formalmente e dai contenuti molto apprezzabili, che non mancherà di soddisfare anche qualche palato più raffinato. Da sottolineare come ulteriore elemento positivo è l’assoluta assenza di quello che è il marchio di fabbrica delle produzioni orientali, ovvero la lentezza. Il ritmo non è spedito ma è giusto per il tipo di storia narrata, favorendo la creazione di un’atmosfera a tratti davvero tesa e palpitante. Bella sorpresa, e pollice alto per i registi dai nomi lunghissimi ed un po’ buffi: bravi!

ALTRI FILM DI BANJONG PISANTHANAKUN E DI PARKPOOM WONGPOOM RECENSITI:

Shutter (2004)

The Walking Dead - 1x04 - Vatos

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Tue, 19 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Vatos

REGISTA: Johan Renck

PRIMA TV ITALIANA: 22/11/2010

DURATA: 43’

PAESE: USA

L'intento degli articoli dedicati agli episodi della serie vuole essere informativo, ma non si potrà sempre garantire l'assoluta mancanza di spoiler, e per questa ragione l'invito è a leggere le recensioni solo dopo aver visto l'episodio onde evitare di rovinarsi qualche sorpresa.

Dopo un episodio che aveva lasciato qualche dubbio sui potenziali sviluppi della trama, con la quarta puntata The Walking Dead torna ampiamente in carreggiata e riesce ad offrire un buon mix di azione e di sviluppo di personaggi e dinamiche. Persiste anche qualche perplessità delle quali parleremo nel corso della recensione.

Lo sceriffo Rick Grimes, Daryl Dixon, T-Dog e Glen raggiungono il tetto del supermercato, dove era stato abbandonato, ammanettato ad un tubo metallico, Merle, fratello di Daryl. Non c’è traccia dell’uomo, ma in compenso ritrovano una sua mano, del sangue ed una sega, chiaro segnale del modo utilizzato da Merle per sfuggire all’orda di walkers che stavano per raggiungerlo. Inizia così il tentativo di seguire le sue tracce, non prima però di aver recuperato le armi di Rick, che era stato costretto a lasciare per strada per salvarsi mentre era accerchiato dai morti viventi, al termine del primo episodio. Tuttavia il tentativo non andrà come previsto a causa dell’intromissione di alcuni sconosciuti che rapiscono Glen. Condotti all’accampamento della banda, Rick e soci fanno la conoscenza con Guillermo, il loro capo, che si pone in maniera molto dura ed autoritaria pretendendo che Rick gli ceda tutte le armi di cui dispone. Alla fine, però, si scoprirà la vera natura di quel gruppo, e cosa nasconde e protegge, dando dei connotati morali – ma per fortuna non buonisti – a questa linea di sviluppo dell’episodio.

La seconda linea riguarda invece il campo di Shane, dove si ha modo di fare maggior conoscenza con alcuni personaggi: Jim emerge a causa del suo insensato, continuo e nevrotico scavare, azione per la quale adduce come motivazione un sogno di cui non si ricorda ma che gli tornerà in mente dopo il terribile avvenimento alle porte; Dale, il più anziano del gruppo, protettivo ed apparentemente razionale e profondo; le sorelle Amy ed Andrea, che rievocano il ricordo del padre mentre pescano. Il quadro verrà tragicamente interrotto quando, durante la sera, il campo viene assalito da un’orda di walkers, dal cui attacco non tutti usciranno indenni.

L’episodio, giocato su due vicende che avvengono parallelamente, offre un discreto approfondimento sui personaggi principali della serie, aspetto positivo ed encomiabile se non fosse per il semplice fatto che i protagonisti di The Walking Dead soffrono di una tremenda anonimite acuta. Eppure a dispetto di questo elemento negativo, si innesca una situazione di empatia nei confronti del serial grazie agli avvenimenti ed al taglio dato alla storia, coinvolgente e ben congegnato. Con dei personaggi più interessanti e dotati di maggiore personalità, ci troveremmo con ottime probabilità al cospetto di una perla. Altra cosa che mi ha fatto storcere il naso è una frase di Rick, che afferma di aver passato un inferno prima di ritrovare la propria famiglia: eppure, a giudicare dal ritmo della narrazione e dalle sequenze temporali, dal risveglio dal coma al momento in cui riabbraccia Lori e Carl sembrano passare un paio di giorni sì e no, un po’ poco per poter parlare di inferno.

Il finale dell’episodio, nonostante avvenga in un momento ormai successivo al boato degli eventi e quindi non lasci nulla in sospeso, ci lascia con la curiosità di scoprire i nuovi sviluppi, ben consci della minaccia continua dei walkers e di due mine vaganti che potrebbero risultare variabili impazzite: Merle Dixon e Ed, marito e padre violento e manesco malmenato ed umiliato da Shane nel corso del terzo episodio. Fuochi d’artificio in vista, ed episodio incoraggiante, ancora una volta.

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Isolation - La Fattoria Del Terrore

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 16 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Isolation
REGISTA: Billy O'Brien
ANNO DI USCITA: 2005
DURATA: 90’
PAESE: Irlanda
VOTO: 50

Di pellicole provenienti dall’Irlanda, finora, non me ne sono capitate molte. Anzi, a giudicare dalle recensioni presenti in archivio, direi soltanto una, vale a dire la non entusiasmante Shrooms – Trip Senza Ritorno. E chi è Billy O’Brien per convincermi che in realtà gli irlandesi sono dei maestri del cinema dell’orrore? La risposta l’avete immaginata tutti nel momento in cui avete letto il nome e, giustamente, non vi ha detto nulla. Tuttavia, una chance la si concede a tutti ed ogni film che capita sotto mano va trattato con la medesima cura ed attenzione, ragion per cui sgattaioliamo in questa fattoria e cerchiamo di capire cosa diavolo sta accadendo di così terribile.

Isolation è legato al tema degli esperimenti genetici volti a fecondare artificialmente gli animali in modo da aumentare la natalità e la velocità della crescita. Tali prove vengono effettuate da un tale di nome John presso la fattoria di Dan, un povero e perennemente triste allevatore di bovini. Durante una visita di controllo da parte di una veterinaria ad una mucca incinta (per inciso, scopro per la prima volta quali siano o fossero i metodi, piuttosto rustici e pittoreschi), la donna ricava una ferita al dito, a suo dire dovuto ad un morso, che John archivia come contrazione muscolare dell’animale. Al momento del parto, tuttavia, viene allo scoperto l’orrendo risultato degli esperimenti svolti: la neonata vitellina viene abbattuta per eccesso di aggressività e durante l’autopsia emergono dei feti contenenti creature oscene, con degli esoscheletri e già capaci di muoversi ed aggredire nonostante le piccole dimensioni. Si scoprirà che si tratta di organismi parassitari che si nutrono del corpo ospite per poi uscire e continuare la caccia, il tutto accompagnato da un elevatissimo ritmo di crescita. Mucche modificate geneticamente con esoscheletro e con tendenze parassitarie? Ebbene si, avete centrato alla perfezione il concetto terrificante che sta alla base della trama del film, a voi giudicare se interessante o meno.

Il taglio dell’opera è serio, quindi ben lontano dai toni parodistici o da black comedy – si pensi a Black Sheep ed alle sue favolose pecore mannare – e ciò diventa un motivo di debolezza della pellicola, in quanto non sorretta da una trama solida. Infatti, oltre ad un abbozzo quasi imbarazzante dei personaggi e delle loro relazioni interpersonali, inizialmente tenute in alta considerazione ma poi mai più riprese, spiegate, giustificate o approfondite, Isolation crolla sotto il peso di uno sviluppo prevedibile e della mancanza di effettivo coinvolgimento, aspetto che limita di molto l’impatto che alcune buone sequenze hanno. Queste ultime si segnalano in particolar modo in alcune fasi caratterizzate da un livello di tensione che O’Brien è bravo a ricreare con delle inquadrature strettissime e con un montaggio rapido ed accompagnato da colonna sonora minimale e capace di dettare il tempo del respiro. Il merito in questo caso è totalmente del regista, visto che le sequenze dal punto di vista del contenuto non erano tali da giustificare un alto livello di agitazione, quindi lode alle buone qualità espresse. Tuttavia, il livello di recitazione bassino, un doppiaggio penoso ed una trama troppo tirata via e scopiazzata a destra e a manca fanno sì che Isolation non riesca ad evidenziarsi per alcun elemento tale da giustificare il tempo da dedicargli per una visione.

Il Messaggero - The Haunting In Connecticut

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 09 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: The Haunting In Connecticut
REGISTA: Peter Cornwell
ANNO DI USCITA: 2009
DURATA: 98’
PAESE: USA
VOTO: 60

Gli strilli pubblicitari relativi ai film basati su presunte storie vere lasciano ormai il tempo che trovano, abbiamo visto e sentito usare la formuletta tante di quelle volte che ormai il nostro cervello la scarta automaticamente. Dovrebbe spaventarmi di più sapere che è avvenuto realmente? Immagino che il motivo per cui si spinga in quella direzione sia proprio quello, ma siccome nel momento in cui guardo un film horror cerco invariabilmente di calarmi nella storia il più possibile, immaginando che sia reale, non ho bisogno di ulteriori stimoli. Tuttavia, per dovere di cronaca, i fatti ai quali Il Messaggero sembrerebbe ispirarsi sono quelli della famiglia Snedeker, avvenuti a Southington, nel Connecticut.

Matt Campbell è un ragazzo malato di tumore e si sta sottoponendo a cure speciali per tentare di sconfiggere la terribile malattia. L’ospedale presso cui è in cura non dista tantissimo dal luogo in cui vive con i genitori ed il resto della famiglia, ma i rientri dopo le visite e le cure diventano via via più difficili a causa delle sue condizioni di salute, che gli causano frequente vomito e forti dolori. Così i suoi genitori decidono di trasferirsi in un’abitazione più vicina all’ospedale, in modo da rendere le cose più agevoli possibili per il sofferente ragazzo. La casa che prendono in affitto è molto grande e viene fittata ad un prezzo vantaggioso per via del suo uso passato, che era quello di camera mortuaria. Il lettore potrà subito intuire che i fenomeni malvagi e paranormali all’interno dell’abitazione non tarderanno a verificarsi, seminando il terrore nella famiglia.

Matt è il più ricettivo, probabilmente per via del suo essere prossimo alla morte, come afferma il reverendo Popescu, anch’egli malato terminale e testimone di eventi inquietanti. I ritrovamenti di Matt in una stanza della casa confermeranno non solo ciò che in quella casa avveniva in passato, ma in virtù di alcune allucinazioni/visioni di cui il ragazzo è vittima verrà alla luce anche il tragico incidente avvenuto tra quelle mura in occasione di una seduta spiritica che vide la tragica fine di diverse persone e del giovanissimo sensitivo, punito da una entità oscura e maligna. Emerge inoltre la figura del dottor Aickman, che usava il giovane Jonah per le sedute e che praticava con insistenza trafugamenti di cadaveri, ai quali asportava le palpebre. In uno scenario di questo tipo, tra manifestazioni paranormali inspiegabili e visioni del passato, la situazione di Matt non farà che peggiorare, portando il resto della famiglia ad essere impauriti da lui.

Il ritmo della pellicola è lento per buona parte della sua durata, come da tradizione classicamente gotica. L’abitazione vetusta ed oscura è uno scenario ideale, ma la vicenda fatica a conquistare per via di un decollo emotivo che sembra spesso essere dietro l’angolo e che invece non avviene. Nella fase conclusiva, più concitata ed inquietante, il ritmo aumenta d’intensità e favorisce la buona riuscita complessiva della pellicola, fino a quel punto piuttosto sonnolenta. Ciò che però non riesce ad essere dissipata è la sensazione che la trama sia confusionaria e priva di alcune connessioni logiche, tanto nella fase passata quanto in quella presente, nella quale la malattia ed il ciclo di cura di Matt si intersecano in maniera farraginosa con ciò che di inconsueto si verifica nella casa. Forzato anche il tentativo di dare una profondità psicologica alla vita ed alla situazione familiare, aspetti realizzati in maniera troppo superficiale per convincere e dare un taglio più intimo e sofferto alla vicenda, e che a tratti sembrano gettati lì con irritante demagogia.

Come detto, il film si trascina in maniera lenta e poco incisiva per buona parte della sua durata, per poi avere una risalita nella parte finale, che fa sì che la baracca non crolli sotto il proprio stesso peso. La produzione è di buon livello così come le singole recitazioni, ma manca la scintilla e la freschezza per renderlo un film davvero meritevole di una visione. Così com’è resta un prodotto degnamente confezionato e che potrà regalare qualche sobbalzo ai meno avvezzi al genere.

Priest

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 02 Jul 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Priest
REGISTA: Scott Stewart
ANNO DI USCITA: 2011
DURATA: 83’
PAESE: USA
VOTO: 70

Le buone sorprese esistono. E sebbene Priest non si possa certo annoverare nella cerchia dei film imprescindibili, di sicuro si è dimostrato ben più valido rispetto a quelle che erano le mie personali aspettative, che a dirla tutta erano prossime allo zero assoluto. Le cause della mia sfiducia erano essenzialmente due: produzione reclamizzata e cinematografica, quindi tendenzialmente un film per le masse, e soprattutto la regia di Scott Stewart, che solo un anno fa mi aveva regalato un’ora e mezza di noia con il pessimo Legion. Ma com’è giusto che sia, stavolta ha mosso i pasti nella giusta direzione, quel tanto che basta per rendere la formula più interessante.

Ci troviamo sulla Terra, ma non quella che conosciamo. In passato è stata funestata da furibondi scontri tra uomini e vampiri, al termine dei quali le creature della notte sono state sconfitte grazie ad una casta di sacerdoti scelti. Non pensate però che abbiano lottato contro i vampiri con la Bibbia in mano, con le croci o pregando, perché i preti in questione sono in realtà degli straordinari ed addestratissimi combattenti. Ora la situazione sembra tranquilla, gli uomini vivono in giganteschi agglomerati urbani che tanto ricordano la Los Angeles vista in Blade Runner, mentre al di fuori delle città vi è terra brulla e villaggi ormai in buona parte disabitati. In questo scenario, è forte la dominazione della Chiesa, che a mo’ di mantra ricorda ai suoi fedeli che andare contro di essa equivale ad andare contro Dio. E sarà la Chiesa stessa a negare con tutte le sue forze la notizia riguardante il ritorno dei vampiri, scomunicando un prete che afferma di aver notizie certe su un attacco perpetrato dalle sinistre creature. Sarà questo prete, interpretato da Paul Bettany, a guidare un piccolo gruppo sulle tracce della minaccia tornata dal passato, pronto a combattere anche per motivi personali che via via verranno allo scoperto.

L’impianto del film è piuttosto classico, caratterizzato da una netta contrapposizione tra Bene e Male. Tuttavia, stavolta Stewart lo caratterizza in maniera più sfaccettata e ricca, oltre a riuscire a far parteggiare lo spettatore in maniera netta, cosa che ad esempio non avveniva minimamente in Legion a causa di una partecipazione emotiva prossima allo zero assoluto. L’ambientazione è curata, uno scenario che miscela elementi post-apocalittici, classica fantascienza, robuste dosi di action e, udite udite, western. E’ proprio quest’ultimo elemento, a parere di chi scrive, uno dei punti di maggior forza di Priest: in particolare, ho apprezzato parecchio l’arrivo del gruppo di combattenti in un villaggio nel quale vi è una folla riunita in piazza, intenta ad ascoltare un uomo che descrive le minacciose creature che assalgono gli uomini uccidendoli brutalmente e proponendo come rimedio una sorta di pozione che, naturalmente, è pronto a vendere per aiutarli. Una rievocazione in puro stile western dei fantasiosi venditori dei prodotti più bizzarri.

La caratterizzazione dei vampiri ricorda in parte i crawlers di The Descent – Discesa Nelle Tenebre, recentemente trattato proprio su queste pagine: esseri grigi, quasi sempre rannicchiati, viscidi e privi di sembianze facciali ben definite. Dal punto di vista tecnico e realizzativo la pellicola si difende bene, non brillando particolarmente nella recitazione ma mantenendo uno standard minimo accettabile. La sceneggiatura utilizza parecchi elementi molto classici e non fa nulla per sorprendere, ragion per cui è bene specificare che i grandi film e gli spartiacque sono da tutt’altra parte, ma nel novero dei prodotti “commerciali” Priest riesce a meritarsi delle lodi per via delle chicche di cui è disseminato, come il già citato flavour western, le buone fasi action e la sequenza della confessione, particolarmente gustosa ed ironica. Insomma, una serata al cinema la merita, evitando accuratamente il 3D, applicato in post-produzione e particolarmente inutile.

ALTRI FILM DI SCOTT STEWART RECENSITI:

Legion (2010)

Jennifer's Body

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 25 Jun 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Jennifer's Body
REGISTA: Karyn Kusama
ANNO DI USCITA: 2009
DURATA: 102'
PAESE: USA
VOTO: 45

Diciamocelo chiaro e tondo, non è che ci fosse poi molto da aspettarsi da un film del genere. Preconcetti? No, semplicemente bastano pochi elementi per capire il target al quale un prodotto viene indirizzato, e chiaramente questo Jennifer’s Body non è orientato verso i fan dell’horror, quanto verso un pubblico mainstream facilmente impressionabile. Con l’aggiunta di un elemento innovativo e davvero interessante: una strafiga spaziale il cui scopo è solo quello di attirare orde di ragazzini in esplosione ormonale o uomini particolarmente sensibili al suo indiscutibile fascino. Trama da teen horror, qualche elemento tipico della commedia nera, e Megan Fox: agitare con cura unendo a piacimento con banalità e dialoghi osceni, ed il gioco è fatto, film pronto per le sale cinematografiche di tutto il mondo siori e siore.

Il prologo ci presenta una ragazza di nome Needy, internata ina clinica psichiatrica dove parrebbe stia scontando una pena. E’ una ragazza dura e combattiva, che non fatica ad aggredire gli infermieri al minimo battibecco. La sua voce narrante torna però indietro nel tempo, quando era una scolaretta sfigata e dall’aspetto ben diverso da quello attuale. All’epoca, coi suoi occhiali da vista con lenti spesse ed il suo abbigliamento datato, era solo l’amica “scorfano” di Jennifer, star della scuola per via della sua bellezza mozzafiato. Oltre all’indubbio, splendido aspetto fisico, quest’ultima è caratterizzata da una sfrontata sicurezza in sé stessa e dall’uso dei ragazzi a proprio piacimento, rivelando un’indole libertina e trasgressiva. Al concerto di una giovane band rock si prefigge l’obiettivo di portare a letto il cantante, ma le cose non vanno come vorrebbe: dapprima il locale prende fuoco causando diverse vittime ed ustionati, e subito dopo viene convinta dai ragazzi del gruppo musicale a seguirli nel loro furgone. Needy cerca di convincerla invano a non andare, e dopo poche ore se la ritrova in casa ricoperta di sangue, mentre cerca cibo nel frigo. Appena addenta il pollo, vomita un’incredibile quantità di una sostanza bluastra e gelatinosa, dopodiché esce di casa.

Per Needy inizia un incubo: si convince che l’amica non è più umana, la osserva e nota come alterni periodi in cui è particolarmente bella ed energica ad altri in cui invece ha occhiaie, capelli smorti ed un aspetto debole e malaticcio. Prova a parlarne col fidanzato Chip, che non le crederà fino alla tragica fine di morte e vendetta, in un turbine di scene adolescenziali e di dialoghi alle soglie del ridicolo. Il problema di fondo è che l’impostazione del film è piuttosto seria, l’unico momento comico lo offre un siparietto tra i membri della band in seguito all’incendio, ma per il resto ci troviamo di fronte ad un tentativo di horror commerciale che non riesce a trovare salvezza in nessun suo aspetto.

Megan Fox, in un ruolo che serve solo ad esaltare la sua bellezza, è particolarmente a suo agio nei panni della ragazza splendida e desiderata da tutti, e riesce ad essere sensuale e provocante in maniera quasi imbarazzante. Peccato che sia imbarazzante, e stavolta non in senso buono, anche nelle scene in cui è truccata, non tanto per colpa sua quanto per alcuni “poteri” di cui gode e che strappano solo risate o mani sul viso. Adatto ad una serata di relax senza impegno? Nemmeno, esistono film commerciali che perlomeno valgono l’ora e mezza trascorsa a mangiucchiare ed a bere guardandoli. Solo per fan sfrenati della Fox, o per chi vuole godersela in una versione che le sembra particolarmente consona, quella della ragazza irresistibile e maliziosa. Per tutti gli altri, circolare.

The Ward - Il Reparto

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 18 Jun 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: The Ward
REGISTA: John Carpenter
ANNO DI USCITA: 2010
DURATA: 88’
PAESE: USA
VOTO: 65

Quasi dieci anni. Non sono uno scherzo, dieci anni. Più o meno tanto è stato il lasso di tempo intercorso tra l’uscita di Fantasmi Da Marte e questo nuovo The Ward. Ed in questo decennio Carpenter è stato uno dei grandi assenti nel panorama horror, specialmente considerando che i grandi maestri come Romero, in parte Craven, Dario Argento sono stati piuttosto prolifici, ed addirittura abbiamo avuto la fortuna di assistere al ritorno in pompa magna sulle scene truculente da parte di Sam Raimi con Drag Me To Hell. L’esplosione di alcuni nuovi talenti – Eli Roth, James Wan, Alexandre Aja – ha rinvigorito il panorama, ma l’assenza dai grandi schermi di mister John Carpenter si è fatta sentire, e già questa ragione è più che sufficiente per benedire il suo ritorno. Per qualunque neofita del genere, che magari essendosi avvicinato da poco non ha ancora avuto modo di scoprire i suoi lavori, consiglio di leggere le recensioni già pubblicate, elencate in fondo all’articolo.

Kristen si ritrova in un ospedale psichiatrico dopo aver dato alle fiamme una fattoria. E’ una ragazza apparentemente normale, eppure viene internata in un reparto in cui sono presenti altre pazienti, tutte donne. Durante la notte avverte una presenza nei corridoi, e tale minaccia si paleserà mentre sta facendo una doccia. Le altre ragazze sembrano nascondere qualcosa, ma nonostante domande dirette non lasciano trapelare granché, ma inizia a farsi largo il nome di una certa Alice Hudson, che parrebbe essere una ex paziente dell’ospedale psichiatrico con qualche conto da saldare…

Raccontata così, la trama del film, scritta da Michael e Shawn Rasmussen, non sembra godere di particolare originalità né motivi di interesse in senso assoluto. Ed in realtà è esattamente così: poca empatia, ritmo che fatica a decollare e vicenda che appare scialba per un buon pezzo della durata complessiva della pellicola. Tuttavia, il fatto che dietro la macchina da presa ci sia un navigato regista che dell’horror ha fatto la sua fortuna, è motivo sufficiente per far sì che alcuni punti di forza vengano inaspettatamente alla ribalta. In particolare, nel corso di due tentativi di fuga da parte di Kristen è possibile percepire una tensione molto alta grazie all’uso della camera, ai piani sequenza nei corridoi, ed alla costante duplice minaccia: da una parte gli infermieri che per forza di cose potrebbero spuntare da un momento all’altro per immobilizzare la ragazza, dall’altro la misteriosa e sovrannaturale minaccia. Momenti carichissimi dunque, resi tale esclusivamente dal talento di Carpenter più che dalla situazione in sé.

Inaspettatamente, però, The Ward riserva il meglio per il finale, con un colpo di scena ad effetto che probabilmente lascia qualche dubbio sullo sviluppo della trama in tutta la fase precedente del film, ma dall’altro lato regala un picco di interesse e curiosità che ormai pareva impossibile suscitare. Ed ancora una volta il tocco di classe di Carpenter regalerà una scena conclusiva che, nella sua semplicità se non addirittura banalità, provocherà un balzo sulla sedia a parecchi di voi.

Il ritorno di Carpenter non è indimenticabile, poco ma sicuro. The Ward fallisce in alcune dinamiche, ha una trama che si trascina per un’oretta e che nell’ultimo quarto d’ora rende tutto fin troppo concitato, oltre a sollevare dubbi sulla coesione e sulla coerenza delle parti. Tuttavia, se dimentichiamo per un attimo i capolavori passati, non si può negare che la realizzazione sia di gran livello: colonna sonora ed effetti azzeccati e d’atmosfera, recitazione discreta, ottima gestione delle luci, e la curiosità di scoprire chi diavolo sia la Alice Hudson che da un certo punto in poi viene nominata con sempre maggiore frequenza. Insomma, gli elementi singoli sono di qualità, impreziositi dalla regia snella, essenziale ed efficacissima ad opera di John Carpenter. Tutto questo non rende il film imperdibile, ma dà la consapevolezza che il maestro dell’horror ha ancora un gusto eccellente nel girare film. Non resta che da attendere che gli venga assegnata una grande sceneggiatura, ed allora ci sarà da divertirsi.

ALTRI FILM DI JOHN CARPENTER RECENSITI:

Antropophagus

noreply@blogger.com (Luca Trifilio) — Sat, 11 Jun 2011 22:00:00 +0000

TITOLO ORIGINALE: Antropophagus
REGISTA: Joe D'Amato
ANNO DI USCITA: 1980
DURATA: 87’
PAESE: Italia
VOTO: 90

Alcuni titoli per anni hanno girato nella mia mente, tanto da diventare col passare del tempo leggendari, irraggiungibili, impossibili da ottenere. Superato il periodo in cui potevo guardare solo gli horror che passavano in tv o quelli che riuscivo a racimolare in VHS presso il videonoleggio del mio paese, sfruttando internet e gli ordini online ho finalmente avuto modo di iniziare a recuperare uno dopo l’altro tutti quei titoli sui quali a lungo avevo solo potuto fantasticare, magari per una citazione su una rivista o su un dizionario del cinema di genere. Antropophagus ed il nome di Joe D’Amato rientrano di diritto nel novero di quei film ardentemente desiderati, in grado di accendere in me una curiosità morbosa che, finalmente, sono riuscito a saziare.

Il contesto storico è palese: in Italia è esplosa la mania dei cannibal movie, portati in auge dai primi, seminali lavori di Umberto Lenzi e di Ruggero Deodato, oltre che a quelli di Sergio Martino e di Marino Girolami. Aristide Massaccesi, vero nome di Joe D’Amato, da sempre instancabile sperimentatore di generi e prolifico regista, coglie al volo l’opportunità e nel 1980 diresse Antropophagus, realizzato in circa un mese di riprese tra Atene, Nepi, Sperlonga e Sutri. Il film, manco a dirlo, provocò violente reazioni e censure implacabili, oltre ad essere sospettato di essere uno snuff movie per via di una scena di cannibalismo. Inutile dire che, come nel caso di Cannibal Holocaust, tale accusa si rivelò immotivata e contribuì anzi a creare un alone di leggenda attorno al film, elevandolo allo status di cult che continua a mantenere a trent’anni di distanza.

Il prologo mostra una coppia di fidanzati che passeggia per le viuzze di un paesino arroccato, composto da case semplici completamente bianche, che rimandano subito la mente alla Grecia. Ed è proprio di un’isola greca che si tratta, infatti. I ragazzi si avviano verso la spiaggia, e mentre lei fa il bagno, lui si stende a prendere il sole ascoltando musica in cuffia. La colonna sonora, un respiro affannoso e le inquadrature dalla visuale della minacciosa presenza fanno intendere che qualcuno li sta spiando e che sta per aggredirli. L’azione si sposta su un gruppo di amici pronti a dare il via ad una vacanza in un arcipelago greco a bordo della nave di un altro amico di nome Alan. A loro si aggrega Julie, una ragazza conosciuta per caso e diretta presso un’isola per passare le vacanze con una famiglia francese. Nasce così l’idea, condivisa da tutto il gruppo, di accompagnarla e di visitare l’isola, descritta da Julie come un paradiso, nonostante Carol, da sempre appassionata della lettura delle carte e dotata di un animo particolarmente sensibile, cerchi di avvertire gli altri che recarsi in quel luogo non è una buona idea. Leggendo le carte a Maggie, la donna incinta interpretata da Serena Grandi (qui accreditata con lo pseudonimo Vanessa Steiger), che chiede previsioni sul futuro del bimbo che sta per nascere, Carol si rifiuta di parlarne, dicendo in seguito che non vede un futuro per quella creatura.

L’arrivo sull’isola è seguito dall’immediata scoperta che il caratteristico villaggio, già visto nel prologo, è completamente abbandonato, eccezion fatta per una donna che fa perdere le proprie tracce non appena viene avvistata. La situazione è inspiegabile, ed anche la coppia francese presso la quale Julie doveva recarsi sembra sparita nel nulla. Il clima di crescente tensione è costruito con grande maestria da D’Amato, che con pazienza e con tutti gli elementi al posto giusto fa sì che fin da subito lo spettatore viva uno stato d’inquietudine che si mantiene costante, e che raggiunge i picchi con le apparizioni del “mostro”, un cannibale dall’imponente stazza e dal confuso ed abbozzato passato che cercherà di far fuori, uno dopo l’altro, i membri della sfortunata comitiva. Indimenticabili le crudissime sequenze in cui il cannibale, interpretato da George Eastman – altro pseudonimo – estrae il feto dal corpo della donna incinta e lo addenta, e quella in cui divora le proprie stesse viscere, in un atto di autocannibalismo.

La sensazione che si ha guardando Antropophagus è quella di una marcia funebre verso l’ineluttabile morte. L’atmosfera è greve, quasi sempre diurna ma di grande effetto. La presenza del “mostro” è incombente e la sua avanzata inarrestabile; inoltre, la sua aura è costruita con alcune fugaci scoperte riguardanti il suo passato, che lo legano anche alla donna intravista in paese. Un flashback narra l’arrivo sull’isola da parte dell’uomo e tenta di dare una motivazione al suo agire folle, adducendo tuttavia motivazioni poco credibili alle sue azioni efferate e fuori controllo. Una piccola menzione la merita la presenza della scrittrice Margaret Mazzantini, sotto pseudonimo e nei panni della giovane figlia della coppia francese, sopravvissuta alla mattanza e terrorizzata. Antropophagus è un cult movie a pieno titolo, degno di fregiarsi della definizione di film leggendario non solo per l’alone quasi mistico che porta con sé, ma in virtù di una realizzazione impeccabile. Gli effetti sono praticamente nulli e limitati alle scene splatter, che sono nel complesso meno di quante se ne potrebbero immaginare. Il film è girato con gusto estetico e con grande intuito sia dal punto di vista delle inquadrature che del setting, imponendosi senza dubbio come uno dei più riusciti e macabri esperimenti di D’Amato, che mischia un po’ di elementi slasher al nascente filone dei cannibal movie dando vita ad un risultato di grande impatto.