Crítica y Cine

INAUGURACIÓN DE EnCLAVE DE CINE

eloy_ds16@hotmail.com — Sat, 16 Oct 2010 03:10:00 +0000

NOS MUDAMOS A EnCLAVE DE CINE:

www.enclavedecine.com

Hermanos, el momento ha llegado. Llevo días enclaustrado, tecleando obsesivamente ftp's, html's, http's, css's y no sé cuántas siglas más para poder deciros exactamente hoy, 7 de octubre de 2010, que, al fin, he cumplido mi sueño de crear mi propia web de cine.

Llevaba mucho tiempo deseando dar este importante salto cualitativo y tras comprobar la excepcional acogida que ha tenido nuestro blog 'Crítica y Cine' en los últimos meses decidí poner toda la carne en el asador para poder inaugurar esta web precisamente el mismo día en que comienza la 43 edición del Festival de Sitges.

Hace justo un año que acudí por primera vez a este excepcional oasis para los incondicionales del cine fantástico y me impresionó la ilusión, entrega y entusiasmo que se vivió en la ciudad mediterránea durante todo el festival. Por eso ahora, doce meses más tarde, evoco aquel espíritu para aunar dos emocionantes celebraciones: el arranque de una nueva edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la inauguración de 'EnClave de Cine', un proyecto con el que deseo establecer un punto de encuentro íntimo, cordial y libre a todos los amantes del audiovisual. El propósito de esta experiencia es contribuir a que todos disfrutemos un poquito más hablando, leyendo y, sobre todo, viendo cine, cortometrajes y series.

No podría llevar a cabo esta aventura sin mi fiel aliado y escudero, Julio C. Piñeiro, inseparable amigo y compañero de 'Crítica y Cine' desde junio de 2008, que seguirá aportando sus sabios análisis de cine y, sobre todo, de series. Además, me hace enormemente feliz poder incorporar al equipo al genial ilustrador Antonio Poza, un excelente diseñador y mejor amigo que nos agasajará semanalmente con una de sus divertidas viñetas. No os perdáis la primera: 'Soy leyenda, que no es poco'.

Durante las próximas semanas iremos anunciando nuevas colaboraciones, como la del mítico cinefilocahierista Horacio Muñoz. Será un lujo y un placer tenerle con nosotros. En cuanto a mi, hoy mismo comenzaré a escribir mi 'Diario Zombi de un Gallego en Sitges'.

Como comprobaréis, 'EnClave de Cine' recupera todos los posts de 'Crítica y Cine' e incorpora nuevas secciones que comenzaremos a desarrollar y nutrir de información desde ya. Mantendremos paralelamente ambos blogs durante un período máximo de una o dos semanas, tras el cual enterraremos con honores nuestra querida 'Crítica y Cine' para volcarnos exclusivamente con la nueva web. Como supongo que advertiréis todavía queda mucho trabajo por hacer en la puesta a punto de 'EnClave de Cine', por lo que todavía incluiré muchas mejoras en cuanto a diseño y funcionalidad durante las próximas fechas. Sin ir más lejos, en un par de días tendremos una maravillosa cabecera que está preparando nuestro diseñador Antonio Poza. Por lo tanto, os pido disculpas por los numerosos errores y atrocidades con las que os podáis encontrar.

Con esto finalizo mi extensa introducción, por lo que sólo me queda decir tanto a quienes hayáis leído hasta aquí (gracias por ello) como a quienes no...

¡BIENVENIDOS A EnCLAVE DE CINE!

http://www.enclavedecine.com/

Un abrazo a todos

Eloy Domínguez Serén

II FESTIVAL DE SERIES DE MADRID: LA PREVIA

eloy_ds16@hotmail.com — Fri, 15 Oct 2010 19:00:00 +0000

LA PEQUEÑA PANTALLA,
A LO GRANDE

Julio C. Piñeiro

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

A estas alturas, no volveré a reincidir en la cuestión del auge de la ficción televisiva en el siglo XXI y su duelo directo en cuanto a calidad y aceptación con su hermana mayor, a la que no hace mucho miraba desde una distancia remota. Se trata de algo ya sabido, resabido, discutido y asimilado por todo hijo de vecino, experto o pagano, desde hace ya bastante tiempo. Lo que sí es cierto, y digno de recalcar, es la todavía escasa, e incomprensible, cantidad de festivales, eventos y demás lugares de encuentro y exhibición dedicados a las series de TV. Pese a que estas ya ocupan sin duda un lugar privilegiado en la industria del entretenimiento, en los hogares, en los medios, en la crítica, en la web y progresivamente en la investigación académica, el gran desfase entre los numerosos crecientes festivales de cine y los dedicados a las ficciones seriadas no se corresponde con la realidad del contexto actual.

Pese a que la industria sí se ha preocupado desde siempre en montar su propio e imprescindible calendario de ferias y convenciones en las que profesionales de todo el mundo se dan cita y tiene lugar todo el juego de la compraventa de productos y formatos, todavía se echa de menos lo más importante: los eventos por y para el público, quien realmente mantiene a flote este negocio. Si bien los festivales de cine se han dado cuenta de la importancia y la popularidad cada vez mayor de la ficción seriada, como demuestra la amplia sección dedicada a la TV en la 31º Mostra de Valencia, que en los últimos años ha pegado un cambio radical en cuanto a concepto y programación, apenas se pueden encontrar, al menos en Europa, certámenes dedicados exclusivamente a las series y pensados de cara a la audiencia, al margen de casos más bien aislados y puntuales como la Roma Fiction Fest, festival de modalidad competitiva iniciado en 2007.

Por suerte para todos, el año pasado Digital + inauguraba en el Círculo de Bellas Artes de Madrid el I Festival de Series, en el que teléfilos y demás fans de la capital y del resto de España, pudieron ver en primicia estrenos y pilotos de la nueva temporada, en ocasiones, acompañados por algunos de sus protagonistas o responsables, además de llamativos eventos y exposiciones. Organizado conjuntamente con la FNAC, Cinemanía, la Universidad Complutense de Madrid, la SER (todo queda en familia) y los diferentes canales de pago que ofrecen las series anglosajonas en España, este año vuelve con más fuerza y el triple de expectación. Del 21 al 24 de octubre, este festival, de modalidad no competitiva, tendrá ante sí el reto de consolidarse como plataforma de promoción de la parrilla de la nueva temporada, en la que los único protagonista serán los espectadores, hasta el punto de que las entradas serán gratuitas hasta completar aforo.

Será, junto a la SEMINCI, el último festival al que acudiremos con nuestro blog original, que, como ya sabéis, se está convirtiendo en un proyecto mayor. Algunos afortunados pudrieron abrir el apetito ayer jueves con la clase magistral de Carlton Cuse, mitad del tándem creativo de Perdidos, serie sonadamente finalizada el pasado mes de mayo, tras seis años de intriga (y frustraciones), a la que el festival realizará un espectacular homenaje el primer día. Un acto en el que estaba inicialmente prevista la asistencia de Damon Lindelof (la otra mitad), pero que finalmente contará con la presencia de Naveen Andrews, el actor que encarnó a Sayid, y Jack Bender, productor ejecutivo y director más recurrente, y en el que se proyectará material nunca visto, al menos, para aquellos que no se han comprado la edición definitiva en DVD.

Pero como se lleva diciendo desde aquel “fatídico” madrugón del 24 de mayo, no sólo de Lost vive el espectador, y menos ahora que se ha acabado. El festival se encargará de echar una mano a aquellos que todavía buscan una serie para cubrir el vacío dejado por la isla de marras, con la proyección en primicia, en pantalla de cine, de las season premiere en español de Mad Men, Los Tudor, Glee, The Big Bang theory, Bored to death (que vendrá acompañada de una conferencia de su mismísimo creador, Jonathan Ames) y muchas series más. Así como el estreno en España de nuevas series como la monumental Boardwalk Empire, Divina de la muerte (Drop death diva), Mejor contigo, Hawaii 5.0, Sullivan o Undercovers, y lo que se intuye como el plato más fuerte, el preestreno en exclusiva de la ansiada The walking dead, una semana antes de su anunciadísimo despegue en la AMC, en plena noche de Halloween.

Aunque parezca terreno vedado de la ficción anglosajona, también habrá sitio para las propuestas nacionales. Tendremos el privilegio de presenciar el piloto de ese estrafalario y llamativo proyecto que es ¿Qué fue de Jorge Sanz?, acompañados por su director, David Trueba, y su protagonista, el actor que le da título. Otra producción nacional que se presentará en el Círculo de Bellas Artes será Todas las mujeres, de TNT, con la presencia de Mariano Barroso (director) y Eduard Fernández (actor).

Por supuesto, no sería un festival redondo si todo fuese a base de proyecciones y presentaciones. Multitud de actividades paralelas tendrán lugar, empezando por una exposición que despertará la nostalgia de todos los telespectadores, de ayer y de hoy: “Expo series 1960-2010”, complementado a la perfección por “Las series de tu vida”, sección que nos ofrecerá visionados de clásicos catódicos de todos los tiempos, desde Bonanza y Embrujada hasta Los Soprano y El ala oeste de la casa blanca, pasando por MASH, Luz de luna o Doctor en Alaska. Poco a poco, ese sueño de ver las series en las salas de cine (y que hace poco expresaba de manera soberbia, como siempre, Alberto Rey) va tomando cuerpo.

Asimismo, diferentes eventos relacionados con las series llamarán la atención de la ciudad entera, y no es para menos. Qué mejor manera de presentar Treme en España que con el desfile de la Dixieland Jazz Band por las calles de Madrid. Qué mejor reclamo para Sons of anarchy que una concentración de moteros en el corazón de la capital. Las prestigiosas cheerleaders del Barça de baloncesto animarán el estreno de Hellcats. Podremos asistir a la academia de policía de Rookie blue en la plaza de Santa Ana y participar en la “Acción Final Castle” en la calle Serrano. Los más pequeños también contarán con su espacio propio en las diferentes actividades del Festival Junior. Y por si fuera poco, durante los días que dure el festival, se abrirá todo un museo del merchandising catódico, que hará la delicia de los espectadores más frikis (y la ruina a sus bolsillos), quienes podrán llevarse un recuerdo físico de sus series favoritas.

Como colofón, los aspirantes a “nuevo David Simon” o “nuevo J.J. Abrams” tendrán la oportunidad de recibir los mejores consejos de la mano de experimentados profesionales, en talleres y conferencias donde se tratarán aspectos muy diversos de la industria de la ficción televisiva. En las Jornadas Universitarias se hará un repaso de las apuestas para la nueva temporada de la mano de los editores, así como una ponencia acerca de las estrategias de promoción con representantes de los canales. TNT y Canal + organizarán un taller de animación adulta en el que hablarán de todo el desarrollo, desde el guión y la adaptación hasta el fenómeno fan y la experiencia 2.0. Un grupo de cómicos, entre los que sobresalen Ernesto Sevilla y Alex O'Dogherty, nos comentarán los recovecos del género humorístico con la Paramount Comedy como paradigma. Pero sin duda, la más jugosa de la conferencias la encabezará Fraser Robinson, jefe de desarrollo de la Universal, en la que nos intentará resumir, en poco tiempo, las peculiariades de todo el proceso creativo y de producción, desde la concepción del proyecto hasta la distribución internacional.

Así que ya sabéis. Si tenéis la oportunidad de acercaros a Madrid del 21 al 24 de octubre, no la desaprovechéis. Seguro lo único de lo que os arrepentiréis es de que no dure más tiempo.

Programación completa

LA RED SOCIAL / The social network (2010) de David Fincher

eloy_ds16@hotmail.com — Tue, 12 Oct 2010 16:24:00 +0000

FINCHER & SORKIN:

AGREGAR A MIS AMIGOS

Pablo Giraldo

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Si algo ha conseguido David Fincher en estos últimos años en los que se ha (o lo han) postulado como uno de los más reputados cineastas de su generación, es forzar la reconversión de un público palomitero que se acercó a él gracias a atractivos thrillers como Se7en o El club de la lucha a otro más refinado y exigente que, por fidelidad, se sintió en la bendita obligación de ver películas tan redondas como Zodiac o El curioso caso de Benjamin Button. Algo tuvo que pasarle a Fincher en el lapso de cinco años que va desde la prescindible La habitación del pánico a la ambiciosa Zodiac para perfeccionar tanto su discurso y su técnica, y viendo La red social –en donde todo se encamina hacia la excelencia– pareciera que esa filmografía anterior formara parte de un elaborado plan de calentamiento para alumbrar con cada nuevo estreno un “altius, citius, fortius”. Y digo esto porque en el film que nos ocupa, la combinación del veloz guión de un experto dialoguista como Aaron Sorkin (El ala oeste de la Casa Blanca) con la puesta en escena de un maestro de lo visual como Fincher hace pensar que este tándem de director y guionista va a ser lo mejor que le pase al cine este año.

Uno puede pensar que una historia sobre un nerd pegado a un ordenador no es el paradigma de lo trepidante, pero desde la primera secuencia el espectador sufre un encontronazo con cualquier idea preconcebida que pudiera tener acerca de La red social. No es esta la película sobre la autoría y los orígenes de Facebook ni un biopic sobre Mark Zuckerberg, como tanto se ha dicho; no al menos en un sentido estrictamente documental. Fincher habría dirigido una película sobre una empresa cosechadora de espárragos trigueros de saber que detrás de ella se esconde una suerte de Charles Foster Kane de 23 añitos, que ha sido capaz de posicionarla como un negocio de mil millones de dólares en un tiempo récord y que, en su camino hacia el éxito, ha demostrado una notable ausencia de escrúpulos pisoteando a amigos, traficando con información privilegiada, traicionando a inversores y hasta encarándose con la justicia.

¿Por qué? Porque lo que interesa del guión de Sorkin no es su correspondencia con la realidad, sino ver cómo recurre a una sociedad que da igual importancia al éxito precoz que a la iniciativa empresarial y convertirla en una historia poliédrica sobre dilemas morales tan atemporales como la traición, la ambición de poder, la envidia, la desconfianza, el arribismo o la deslealtad. Es más, de no haber sido así, los hechos que la inspiran son tan recientes que desafiarían su propia credibilidad y La red social podría incluso destilar cierto aire de improvisación. Pero no, en ese sentido, el libreto de Sorkin tiene algo de icónico que enlaza directamente con otro gran emblema de los setenta, Todos los hombres del presidente, en la medida en que las dos cintas son punta de lanza de una generación, abarcan episodios que sucedieron poco antes de su filmación –y de los que el espectador ya conoce el desenlace– y, en último término, han servido para definir su época. A ese intrincado guión de Sorkin hay que sumar la capacidad de Fincher para combinar el academicismo con las virguerías de autor, porque hay en este film las típicas maniobras prodigiosas de su director, pero enlazan con un clasicismo irreprochable, el mismo que convierte el sonido (atención a la secuencia de la discoteca), la banda sonora (¡oh, Trent Reznor!), las soberbias interpretaciones de sus protagonistas –sí, incluso Justin Timberlake– y la fotografía de Jeff Cronenweth (aun cuando esta es una película con exceso de interiores) en apuestas seguras para los Oscar.

Pasándola por un tamiz postadolescente –al fin y al cabo son un puñado de niñatos bien de Harvard que entre fiesta y fiesta juegan a ser empresarios– pero entendida de una manera casi shakesperiana, La red social es un completo entramado de saltos en el tiempo y testimonios enfrentados (un Rashomon moderno, como he leído en alguna parte) en el que ningún personaje es tan codicioso como parece ni tan bondadoso como pretende ser. Todos son víctimas del alto precio del éxito y ninguno sale indemne, en especial su protagonista, cuyo ascenso y caída quedan perfectamente reflejados en la última secuencia ("No eres un gilipollas, pero te esfuerzas mucho en parecerlo", le espeta una abogada) y más en concreto en su esclarecedor plano final, un momento de total soledad que revela la auténtica problemática del filme. Y es que no deja de resultar una macabra paradoja que alguien tan negado para las relaciones sociales haya sido el creador de la mayor comunidad virtual de las mismas. ¿Pobre Zuckerberg?

Ficha técnica

SITGES 2010 - 43 FESTIVAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA (I)

eloy_ds16@hotmail.com — Sat, 09 Oct 2010 03:09:00 +0000

DIARIO ZOMBI DE UN GALLEGO EN SITGES

Eloy Domínguez Serén

DÍAS I y II: UN ACUERDO TÁCITO (08/10/10)

Todo cinéfilo debe peregrinar a Sitges al menos una vez en la vida, independientemente del grado de devoción que sienta por el cine fantástico. De hecho, ¿qué es el cine fantástico? En los dos días que llevo en el festival he podido ver siete películas y ninguna de ellas se parecían entre sí. Es más, en siete película no he visto ni un sólo zombi, ni un vampiro, ni un alienígena... Tampoco hombres lobo, astronautas, monstruos horripilantes ni espectros. Y, sin embargo, sí, estoy en Sitges, en la 43ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Tal vez la mayor virtud del cine fantástico (sea lo que sea) es su invitación a rehusar cualquier tipo de prejuicio, alerta, reserva o sospecha. Lo que vas a ver no es real, ni pretende serlo, ni tan siquiera (en la mayoría de los casos) parecerlo. Esta premisa hace que te acomodes en tu butaca con el interruptor de la verosimilitud en posición de off, dispuesto a asimilar lo que te echen al cuerpo (y mente).

Puede gustarte o no lo que ves, parecerte bien o mal, pero al entrar en la sala firmas un acuerdo tácito con el film: todo vale. Eso no significa que no puedas estar en desacuerdo con la película, rechazarla o incluso ignorarla. Simplemente quiere decir que todo está permitido. La única regla es que no hay reglas. Sólo a través de este acuerdo podrían aceptarse films como Kaboom, de Gregg Araki, Confessions, de Tetsuya Nakashima o The door, de Anno Saul, por citar sólo tres de las cintas que he visto hasta ahora. ¡Bienvenidos a Sitges, amigos!

He esperado hasta el segundo día de festival para escribir porque la dosis de de ayer había sido insuficiente. Bastante leve, demasiado light. Esta edición me dio la bienvenida con Los ojos de Julia, la cinta seleccionada para la gala de inauguración. Yo ya había tenido suficiente con la gala del año pasado, Así que en esta ocasión opté por eludirla y acudir directamente al pase de prensa. Tal vez haya sido un error, ya que puede que al menos la ceremonia me habría entretenido, algo que no hizo la película de Guillem Morales. El único aliciente y alivio que hallé en esta insípida tentativa de 'giallo' fue el gran trabajo de fotografía de Óscar Faura, sobre el que focalicé toda mi atención tras perder todo interés en una historia tediosa, torpe y endeble, a la que se le ven todas las costuras. Pondré un ejemplo: no una, ni dos, ni tres, sino al menos en cuatro ocasiones el personaje de Lluís Homar deja sola a su esposa (Belén Rueda) con algún brillante pretexto como ir al baño, ir a aparcar el coche o ir a por una linterna. Estos momentos, por supuesto, son precisa y debidamente aprovechados por el tenebroso asesino o por cualquier otro lúgubre personaje para acechar a la desvalida Julia (Rueda), a la que una galopante enfermedad degenerativa va quitando progresivamente la visión. Evidentemente, como el marido está ocupado en sus indispensables quehaceres no hay testigos, por lo que nadie cree a la pobre Julia (ni a sus ojos, claro).

Menos mal que tras este fiasco mis huesos fueron a parar a la proyección de Kaboom, una de esas atípicas extravagancias de las que comienzas a disfrutar cuando ya se han pasado de rosca. Durante un buen rato no puedes borrarte la expresión de “what the fuck?!” del rostro, mientras te preguntas si lo que ven tus ojos es una película o una broma pesada. Sin embargo, el caótico disparate que tienes delante logra seducirte y acabas por pasártelo en grande.

Tras una estilizada secuencia onírica premonitoria, la película de Gregg Araki (director de culto del queer cinema) comienza como una especie de fusión freaky-glam de Queer as folk, Porkys y Mentiras y gordas.Adolescentes divinos experimentando una sexualidad en ebullición en tonos pastel. La cosa comienza a ponerse inquietante cuando una especie de bruja sexy con extraño acento provoca un orgasmo a su pareja lesbiana sin apenas tocarla.

A partir de ese momento se suceden las delirantes chifladuras, idas de ollas y pajas mentales, incluyendo a una lyncheana secta de matones que atemoriza al promiscuo protagonista cubriéndose el rostro con dantescas máscaras de animales. Las majaderías crecen exponelcialmente a medida que se aproxima el grotesco desenlace del film. Para entonces ya estás de vuelta de todo y te lo pasas bomba, tanto que al final toda la sala hace, literalmente, ¡kaboom!

Cerré la primera jornada del festival con la francesa 8th Wonderland, una sorprendente, fresca e interesante película distópica rodada en más de diez idiomas en la que un país virtual formado por millones de internautas de todo el mundo decide poner solución a los problemas sociales a los que los gobiernos parecen no querer enfrentarse.

Tras una jornada inaugural no del todo convincente, la cosa ha ido bastante mejor hoy. Desayuné un plato fuerte: A woman, a gun and a noodle shop, el pintoresco remake chino de Sangre fácil dirigido por el afamado Zhang Yimou. A pesar de no resultar demasiado convincente a nivel de narración, esta versión tallarín-western de la ópera prima de los Coen es un suntuoso ejercicio estético, de notable plasticidad, tonalidad y dinamicidad. El director de Hero o La casa de las dagas voladoras demuestra una vez más su destreza como realizador con vistosas secuencias como el divertido prólogo en el que un comerciante persa negocia la venta de armas con los entusiasmados chinos, la impactante coreografía de la preparación de la masa de los tallarines o la espléndida lucha final.

Tuve una segunda ración de cine asiático con la hipnótica cinta japonesa Confessions, de Tetsuya Nakashima, un complejo thriller fragmentado en episodios en torno al asesinato de la hija de una profesora por parte de dos de sus alumnos. A pesar de mi escepticismo inicial (derivado de un primer episodio tan absurdo como descabellado), a medida que avanzaba la enmarañada y perturbada trama de esta iracunda historia de venganza me fui sumergiendo profunda y paulatinamente en su virtuoso y preciosista relato.

A continuación vi Life 2.0, un documental estadounidense que se adentra en el universo cibernético del fenómeno de masas Second Life. Su director, Jason Spingarn-Koff, se introduce en el popular metaverso creado por la compañía Linden Lab en 2003 para narrar la historia del conflicto de cuatro personas que ven cómo se difuminan los límites entre sus dos realidades: la de carne y hueso y la de su avatar en Second Life. Los protagonistas de este documental son una chica obesa que gana dinero desde su sótano como diseñadora de moda virtual, un hombre que se hace pasar por una niña en el mundo digital y una pareja que trata de trasladar a la vida real una historia de amor que hasta entonces sólo había existido en Second Life.

Por último, el punto y final a esta notable segunda jornada lo puso el asombroso thriller alemán The door, de Anno Saul, director de la exitosa Kebab Connection. Esta cinta narra la historia de un pintor que cae al abismo tras la accidental muerte de su pequeña hija y la separación de su mujer. Tras cinco años de calvario, el desconsolado hombre halla un misterioso túnel en el que una puerta secreta lo conduce al pasado al pasado, al instante previo a la muerte de su hija. Aunque en esta segunda ocasión el hombre logra salvar la vida de su pequeña, pronto comprobará las trascendentales consecuencias que encierra cada acto y el peligro que supone cambiar el futuro.

Aunque los universos paralelos y los viajes en el tiempo son un tema frecuente en el género fantástico, esta atractiva película alemana sabe explotar con gran acierto su mordaz tono tragicómico, haciendo gala de un incisivo sentido de la ironía y una notable pericia narrativa, a pesar de algunos excesos reprochables. Además, esta obra en la que abundan los buenos diálogos cuenta con un factor sorpresa: un hilarante y carismático personaje secundario que adquiere gran peso en el tramo final del film, haciendo las delicias del agradecido espectador.

15 FESTIVAL DE CINE INTERNACIONAL DE OURENSE - 18 COMIDAS (2010) de Jorge Coira

eloy_ds16@hotmail.com — Wed, 06 Oct 2010 15:09:00 +0000

AGRIDULCE CRASH CULINARIO

Julio C. Piñeiro

Muchas veces, la solución está más cerca de lo que podríamos pensar. Desde el pasado viernes, la ciudad de Ourense se viste de pasarela para la exhibición de una cuidada y minuciosa selección de cine independiente gallego, nacional e internacional. Una antología de miradas libres y comprometidas en la que tienen cabida desde largometrajes, cortos, animación, documentales y nuevos media, además de una oportuno homenaje a la figura del escritor y filósofo bengalí, Nobel de literatura, Rabindranath Tagore, en el 150º aniversario de su nacimiento, o el (obligado) ciclo de cine sobre el camino de Santiago, en el contexto del Xacobeo 2010.

Y para inaugurar la ya 15º edición del Festival Internacional de la ciudad gallega, nada mejor que 18 comidas, la última película de uno de los realizadores gallegos más consagrados, Jorge Coira (Entre bateas, El año de la garrapata), proyectada por primera vez en el Festival de Taormina el pasado mes de junio y que llegará a las pantallas convencionales en noviembre. El cineasta nos ofrece un mosaico de risas, y también algunas lágrimas, estructuradas a lo largo de un solo día, con Santiago de Compostela como escenario simbólico, particular a la vez que universal. Un guión en la mejor tradición de Robert Altman o Paul Thomas Anderson, que nos ofrece a modo de caramelo, con humor, ironía, desenfado, pasión y sentimiento, una versión rica y poliédrica del choque de culturas (se hablan hasta cuatro lenguas diferentes en la película) y de vivencias en una urbe pequeña y respirable pero por la que circula a diario todo tipo de gente de todos los rincones del mundo.

La gastronomía y el placer culinario, en sus diferentes formas, colores y funciones, funciona como un idóneo leit-motiv, desde lo sensorial de su disfrute hasta lo significativo de sus momentos, desde el desayuno más matinal hasta la cena prolongada hasta altas horas de la madrugada, pasando por reveladoras sobremesas. El devenir de la cotidianidad más pura y dura y el paso del tiempo queda perfectamente reflejado en las breves y silenciosas secuencias de un matrimonio octogenario, que sirven como pegamento a tramas maestras tan dispares y un como una inesperada muerte, cuentas pendientes del pasado, la supervivencia diaria, enfrentamientos familiares, la búsqueda de una existencia más apasionante, relaciones en crisis y otras que se resisten a arrancar.

Un total de dieciocho historias, y sus pertinentes y sutiles conexiones, que nos dan parte de la mayoría de sensaciones que tienen lugar en la vida humana pero concentradas en un corto tiempo y espacio, y en las que el espectador se verá reflejado a la fuerza de algún u otro modo. Lo que precisamente hace cercanas y sinceras a estas representaciones es el determinante factor de improvisación con el que han sido engendradas, que permite a los actores crear a sus personajes sin ataduras y huyendo de los clichés, moviéndose como peces en el agua y transmitiendo esas mismas sensaciones a una audiencia que se sentirá como en casa. Las particularidades técnicas naturalmente derivadas de esta forma de hacer cine, arriesgada pero finalmente lograda, como son una cámara por momentos inquieta y un montaje algo más acelerado de lo convencional, se embuten en la historia enseguida y por tanto no chirrían en ningún momento.

Todo ello no podría ser posible de ninguna manera sin un acertadísimo reparto coral. Luis Tosar está más natural que nunca con su personaje más bohemio, Sergio Peris-Mencheta y Víctor Clavijo se compenetran como novios incluso mejor de lo que lo habían hecho ya como hermanos en Al salir de clase, hace ya más de diez años, y el tándem Víctor Fábregas-Federico Pérez Rey como la enésima instancia de la sempiterna pareja cómica, sin que pueden evitar pasárselo bomba en cada segundo de metraje. Y todo un amplio abanico de seres humanos con el que disfrutaréis como en la mejor de las comilonas. ¡¡Buen provecho!!

Ficha técnica

DOMINGOS EN SERIE - 26/09/2010 (I)

eloy_ds16@hotmail.com — Tue, 05 Oct 2010 20:44:00 +0000

LA PECERA SE HACE AÑICOS

Julio C. Piñeiro

En primer lugar, debo retractarme de la tardanza en la publicación de estas reseñas, que por primera vez, ha llegado al punto de atropellarse con las que corresponderían para esta semana y sobre las que pretendo (jurar es muy peligroso) que os sean ofrecidas lo antes posible. Lo dicho, es fácil no dar abasto con tanto estreno y tanta serie, y ahora además se nos vienen encima los festivales. Pero bueno, basta de agachar la cabeza y al ajo. Si os sirve de compensación, el análisis de la penúltima entrega (la última ha llegado el pasado domingo) de Mad Men viene algo más extensa que de costumbre, y por ello, en una entrada exclusiva. Y es que se podrían derramar ríos de tinta escribiendo de cada uno de los episodios de esta magnífica serie, que empezó fuerte y no hace más que mejorar. Comprobadlo vosotros mismos.

Mad Men 4x10: Hands and Knees

Entramos en la recta final de esta cuarta y probablemente mejor temporada hasta el momento de esta magnífica serie, y eso que el listón ya estaba bien alto. Un volumen que, sin adquirir un formato estrictamente serial, ha sabido evolucionar, o mejor dicho, hacer evolucionar a sus personajes de una manera envidiable. En esta última curva, nada mejor que rescatar la mayoría de los difusos y no demasiado marcados arcos de trama que hemos tenido desde el inicio, heredando, por supuesto, los inevitables efectos de temporadas anteriores.

Una temporada que partió de la esfera más profesional de los hombres (y mujeres) locos para irse adentrando progresivamente, a un ritmo inmejorable, en sus tormentos y fobias más íntimas y profundas, aquellas que se nos resistían y se nos entregaban con cuentagotas en los volúmenes previos. Ante todo, no olvidemos que se trata de hombres de negocios, y como tal, el capítulo se centra en las desventuras de todos y cada uno de los miembros de la cúpula de SCDP y sus respectivos entornos personales, siempre en relación al procedimental contexto profesional, es decir, los clientes de turno y no tan de turno. De todos menos de uno, el viejo Cooper, que siempre queda relegado a un acertado segundo plano, a modo de un individualizado coro de tragedia griega, a la par que reflejo de lo viejo ante la eclosión y evolución de lo nuevo.

Por fin tiene lugar la tan reclamada y anhelada referencia a los Beatles (Casciari, ¿contento?), aunque lamento deciros que la clase de historia no van por ahí, ya que el concierto del cuarteto de Liverpool se queda en la mera anécdota, y el furor queda resumido en un largo y chirriante grito de Sally cuando su padre le confirma las entradas. No, los tiros van por un lado completamente diferente. La Guerra Fría está llegando a su punto más álgido, con un creciente conflicto de Vietnam del que todavía queda lo peor y poco antes de la nefasta llegada al poder de Nixon. Y aunque ya hayan pasado los peores años de las listas negras, los Comités de Actividades Antiamericanas y toda la ola del McCarthysmo, la caza de brujas y la lucha anticomunista perdura y sigue con fuerza, aunque ya no sea tema de actualidad. Y aquí entra al trapo aquello que ya se nos venía preguntando desde el 4x01: ¿quién es Don Draper?

Los espectadores, privilegiados, ya sabemos la respuesta desde hace bastante tiempo. Pero dentro de la serie, aparte de los malogrados Adam Whitman (su hermano) y Anna Draper (su amiga del alma y “viuda”), sólo Betty (su ex-mujer) conoce los detalles y Pete (su ambicioso subordinado y ahora socio) contempló la punta del iceberg. ¿A qué viene tanta preocupación? Pues cuando uno menos se lo espera, la inicialmente estupenda adquisición de la cuenta de North American Aviation, la imprudencia y la poca cautela con lo que se firma y se deja de firmar llevan al Departamento de Defensa a realizar una autorización de seguridad a Don Draper. Si su vida personal estaba no hace mucho en el fondo del limbo, ahora su entera existencia se tambalea. Su puesto, su posición, su prestigio, todavía intactos, penden de un hilo. Tanto es así que hasta encarga a su abogado de confianza un fideicomiso para sus hijos.

Si hace algunas entregas se nos rompían los esquemas al ver a Don romper a llorar, ahora lo vemos desesperado, más vulnerable que nunca, hasta el punto de debilitar a su salud y por momentos tener un amago de infarto. Su necesitada mano amiga en este delicado momento no podría ser otra que Faye, lo más parecido a un alma gemela que existe en su vida. Sabíamos que la historia de ambos camina hacia algo serio, pero me he quedado realmente boquiabierto que nuestro protagonista le haya contado tan pronto a la doctora la verdad sobre su identidad, la auténtica respuesta a la pregunta que abría la temporada, cuando a Betty se lo estuvo ocultando durante tantos años sin que ella sospechase ni una pizca. Ahora bien, esta pronta revelación no es tan sintomática de la importancia de Faye en el momento actual de Don como del profundo estado de debilidad, y sobre todo, de arrepentimiento, de culpa, en el que éste se encuentra. Una culpa que lo lleva acompañando desde el mismo momento en el que decidió usurpar la identidad de un difunto, y que había logrado mantener tanto tiempo en el fondo de sus entrañas. Pero finalmente ha salido a la superficie.

Con todo, cuando el mar amaina (tras una inesperada intervención de Pete) y llega el turno del habitual final conclusivo, el epílogo nos regala una enigmática mirada de Don, de intenciones difícilmente descifrable, hacia su secretaria, Megan, cuya falta de cautela y atención fue la causa inmediata de todos los problemas que le vinieron de golpe, y por tanto, de toda esa angustia y esa culpa, hasta el punto que incluso se afirmó merecedora del despido. La mira desde el otro lado de una puerta, que queda abierta (y no se cierra, como sí ocurría en el magistral plano final de El Padrino) sin que ella se percate, cuando se maquea para salir del edificio al acabar una dura y tensa jornada. Pero señor Draper, ¿no es un poco pronto para volver a las andadas?

Empezamos el off-Draper con los personajes a los que ha salpicado co-lateralmente el asunto de la autorización de seguridad. En primer lugar, e insólito, Pete Campbell, socio de la empresa aunque su apellido no forme parte del nombre. Un trepa descarado ya desde sus tiempos de ejecutivo junior, en la primera temporada ya vimos sus intentos de derrocar al “gran jefe” (aunque de aquella “sólo” era el ejecutivo más valioso) en cuanto descubre su secreto personal. Sabemos que si este hombre está donde está es por sus contactos, por su matrimonio con una ingenua niña bien y por su proveniencia de una familia en la que no le faltó de nada. De esta manera, las tornas se invierten, y ahora es Don quien está en posición de inferioridad con respecto a él. Campbell tiene contactos en todas partes, también en el Departamento de Defensa, y por ello, es el único que puede salvarle discretamente el pellejo.

Y a pesar de las ganas (y la envidia) que siempre le ha tenido a Draper, accede a ayudarlo. Aunque le acarree la pérdida de una cuenta por la que había luchado tanto tiempo y que iba a reportarle grandes beneficios a SCDP. Y aunque esta pérdida provoque la decepción de la junta y que él mismo se gane las descalificaciones más pérfidas del cabronazo de Sterling, el que siempre había sido su mayor valedor, y que ahora ningunea por completo su trabajo y su aportación a la empresa. Pete está irreconocible, ha dejado pasar la oportunidad de hundir a Don que tanto tiempo llevaba deseando. ¿Qué es lo que esconde? ¿Redención y conciencia? Lo dudo mucho: chantaje a la vista. Por cierto, se trata del primero de la oficina en saber, aunque de manera accidental, el idilio de Draper y la dra. Miller, un descubrimiento que lo hace sentirse todavía más incómodo.

En segundo lugar, estaba claro que Betty tendría algo que ver en este asunto, por las buenas o por las malas. La guerra de los Draper se toma una obligada tregua y se reserva para la recta final. Y es que Betty, por mucho resentimiento que albergue hacia su ex, sabe que intentando hundirle no conseguirá más que perjudicarse a sí misma, a sus hijos, y también, por qué no, a su actual marido. En cuanto los agentes de defensa acuden, sin previo aviso y de imprevisto, a su domicilio para interrogarle acerca de Don, la rubia salva la papeleta con la discreción que le caracteriza, sin permitir que su obvio nerviosismo la acabe delatando. Henry, que no logra deshacerse de la sombra de Draper ni a la de tres, pretende que su esposa le cuente de qué va el tinglado, pero Betty, sensata y prudente como ella sola, prefiere dejarlo cerrado con llave y no remover aguas pasadas. Quién sabe, es bastante probable el propio Henry esconda también sus propios trapos sucios; al fin y al cabo, está metido en política, ya sabemos lo que eso significa. Cuando las barbas de tu vecino veas cortar,...

También nos hablan de Pryce. El más soso y aséptico de toda la junta, al que pudimos ver desbocado, en el buen sentido, a principios de temporada. Sabemos por inducción que su vida personal ha tenido no pocas turbulencias en los últimos años. De hecho, esa fue la razón de haberse mudado de manera tan repentina de Londres a Nueva York. Y entonces llega su anciano padre, directamente a la agencia, dispuesto a llevárselo de vuelta a casa para que resuelva sus conflictos personales en vez de huir de ellos como un cobarde. Lo peor no es que se lo lleve de fiesta junto a un Don que no pinta nada en el asunto, ni tampoco que pague a una de las mujeres de compañía del local para que se haga pasar por su pareja. Mad Men no es especialmente pródiga en momentos WTF (no es su estilo), pero en este episodio nos espeta uno en toda la cara. En la última noche de la visita de papá, la call-girl los deja a solas para que hablen de sus asuntos. Está claro que a Pryce no se le de tan bien aparentar como a sus socios, su viejo lo huele y le da un señor bastonazo en la cabeza y le pisa con saña la mano hasta que acepte cumplir aquello para lo que su señor padre ha venido. Así, en la reunión de la junta Lane anuncia que se tomará una “excedencia” sin vacilar lo más mínimo a la hora de explicar los motivos. En definitiva, una subtrama algo inconexa pero muy intensa e interesante.

Nos queda el más cínico y viperino de todos los jefes, Roger Sterling, que en este capítulo comienza a caminar en la cuerda floja, y la verdad es que se lo merece. El suelo sobre el que caminaba con tanta arrogancia, despotismo y vanidad resulta no ser tan estable como él creía. Lucky Strike, la cuenta estrella de SCDP desde hace mucho tiempo (que ni siquiera él consiguió), y cuyo mantenimiento le ha servido para mantener su amplia cuota de poder en la agencia pese a ser cada día más inoperante y acomodaticio, puede tener los días contados. Así se lo hace saber el niño de papá, Lee Garner Jr.. Al parecer, ante el delicado estado de salud del jefe, cuya muerte se nos confirma hacia el final del capítulo, la junta decide reubicar la cuenta en una compañía de mayor renombre. Nunca vimos a un Sterling tan arrastrado y cepillón como en este momento. Su posición pende de un hilo, y sólo suplicando como un niño lloroso es capaz de ganarse el tiempo necesario para intentar enderezar el asunto. A todo cerdo le acaba llegando su San Martín. Encima, comete la indignante osadía de reír a modo de mofa en el momento en que Pryce anuncia que Joan se encargará de sus funciones durante su ausencia.

Efectivamente, hablar de Sterling implica asimismo hablar de Joan, de la que también hemos tenido que esperar bastante para descubrir su lado más vulnerable, más humano. Su sempiterno idilio secreto ha vuelto a las andadas, justo cuando parecía que estaba más que superado. Roger tiene un debilidad, de pelo rojo y muchas curvas. Y al mismo tiempo, en plena soledad tras la partida de su marido hacia un frente muy lejano, ella no se puede resistir. Tanto que el pollo se acaba quemando y la marea roja de La Secretaria se ha ido de viaje una temporada. Aunque Sterling manifiesta unas dudosas intenciones de mantener al niño y que ella lo críe con su legítimo esposo como si fuese concebido “en los términos del Señor”, a la tercera todavía no va la vencida y Joan decide someterse al que será ya su tercer aborto.

En la clínica de turno (desconozco hasta qué punto eran legales este tipo de prácticas y cómo funcionaba esa clandestinidad) se encuentra con un caso que la deja helada, mucho más preocupante que el suyo, aunque algo más comprensible de cara a una galería ya denostada de por sí. Antes que ella le llega el turno a una adolescente de apenas 17 años, concebida a su vez a una edad muy temprana por una madre convencida de que Joan está allí no por ella sino por “su hija”, algo que la pelirroja no vacila en negar. Una manera sobresaliente de mostrar el reverso más oculto e indecoroso de la “América de los valores” sin caer en la sordidez y el patetismo y manteniendo la elegancia que caracteriza a esta serie, que precisamente tiene en el juego de las apariencias uno de sus mayores avatares temáticos y narrativos. Otro sensacional capítulo, esta vez salido directamente de la pluma de Matthew Weiner.

FESTIVAL DE SITGES 2010: Programación

eloy_ds16@hotmail.com — Mon, 04 Oct 2010 10:13:00 +0000

¡QUE COMIENCE EL

BAÑO DE SANGRE!

Eloy Domínguez Serén

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Takeshi Kitano, John Carpenter, Yimou Zhang, Brad Anderson, Takashi Miike, Apichatpong Weerasethakul... Nombres propios de peso para la 43 edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Festival de Sitges para los amigos), de la que podremos disfrutar del 7 al 17 de octubre.

Tras una larga y expectante espera, la organización del evento ha dado a conocer la programación completa de la presente edición, de la que habíamos avanzado algunos títulos el pasado 26 de agosto, y que inaugurará Los ojos de Julia, un thriller de terror dirigido por Guillem Morales y protagonizado por Belén Rueda y Lluís Homar. Esta producción española toma el relevo de [•REC]², que había sido la encargada de dar el pistoletazo de salida a la edición del pasado año.

La Sección Oficial Fantàstic Competición (Sitges 43) estará finalmente compuesta por veinticuatro películas, entre las que se incluyen, además de las ya anunciadas Outrage (Takeshi Kitano) y A woman, a gun and a noodle shop (Yimou Zhang), cintas como Monsters (Gareth Edwards), The Last Exorcism (Daniel Stamm), Black Death (Christopher Smith) o La casa muda (Gustavo Hernández), de la que se habló mucho en su presentación en la Quincena de los Realizadores de Cannes, ya que es la primera película de terror grabada en una única secuencia (78 minutos) y primera rodada con una cámara fotográfica (una Canon Mark II).

Personalmente, me llevé una grata sorpresa al comprobar que también habían sido incluidas en esta sección las asiáticas 13 assassins (Takashi Miike) y Legend of the Fist: The Return of Chen Zhen (Andrew Lau), dos películas que no pude ver en la Mostra de Venecia por incompatibilidad de horarios. Además, también han entrado dos cintas españolas en la categoría reina del festival: el drama 14 días con Victor, de Román Parrado, y Secuestrados, un thriller de terror dirigido por Miguel Ángel Vivas y producida por Vaca Films, principal responsable de Celda 211 (una película que, por cierto, también fue estrenada en Sitges el pasado año). Completa la representación española de esta sección la producción americana The New Daughter (La otra hija), debut en la dirección de largometrajes del donostiarra Luis Berdejo, coguionista de [REC] y Quarantine.

Por su parte, la Sección Oficial Fantàstic Panorama tendrá por primera vez una subsección competitiva, en la que todas las miradas estarán puestas en la Outrage y A serbian film. La primera es el retorno de Takeshi Kitano al cine de yakuzas, en la que narra la encarnizada lucha de poder entre dos secciones de un mismo clan. La segunda, por su parte, es una auténtica y soberana bizarrada que ha dinamitado las salas allá donde se ha exhibido. La cinta de Srdjan Spasojevi parte de la premisa de una vieja gloria del porno que trata desesperadamente de relanzar su carrera. En su intento por resurgir de sus cenizas, el actor se involucra en un excéntrico proyecto porno que desemboca en una brutal barbarie que incluye pedofilia, necrofilia y cine snuff. Otro de los films destacados de esta sección es el canadiense Les 7 jours du talion, de Daniel Grou.

En cuanto a la subsección no competitiva de la SOF Panorama (denominada Panorama Especiales), llama la atención la inclusión de una segunda película de Takashi Miike en la programación del festival, ya que repite con Zebraman 2: Attack of Zebra City, secuela de la película homónima de 2004. También en esta categoría llama la atención la terrorífica Frozen, de Adam Green, que narra la historia de tres jóvenes que se quedan (literalmente) colgados... ¡en la telesilla de una estación de esquí vacía!

Buenos títulos también en la sección Oficial Fantàstic Galas, en la que se proyectan “títulos de máxima actualidad, tanto nacionales como internacionales, que han estado galardonados en otros festivales”. Para empezar, la vencedora de la última Palma de Oro en Cannes: Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Long Boonmee Raleuk Chat), del tailandés Apichatpong Weerasethakul. Por si esto fuese poco, seremos testigos del ansiado retorno de John Carpenter, que presenta The ward, una película de terror psicológico ambientada en un institución mental y protagonizada por Amber Heard, actriz a la que ya vimos el pasado año en Zombieland.

Además, podremos ver Let me in, de Matt Reeves, remake americano de la magnífica Déjame entrar (Låt den rätte komma in), ganadora en Sitges del Meliés de Oro en 2008. La joven pareja protagonista del remake son Chloe Moretz (la Hit Girl de Kick-Ass) y Kodi Smit-McPhee, el niño de La carretera (The road), también presentada en Sitges el pasado año.

Otro de los títulos más sugerentes de esta sección es Vanishing on 7th Street, de Brad Anderson, un director que ya sabe lo que es ser galardonado en Sitges, ya que en 2001 recibió el premio al mejor director por Session 9. Además, su película El maquinista se llevó en 2004 el premio al mejor actor, que recayó en manos de Christian Bale. Por último, esta sección también incluirá tres films españoles: Agnosia, de Eugenio Mira, I Want To Be A Soldier (De mayor quiero ser soldado), de Christian Molina (con la participación de Robert Englund y Danny Glover), y Carne de neón, de Paco Cabeza, remake en formato de largometraje de su exitoso cortometraje homónimo.

La mala noticia, sin embargo, es que finalmente no serán proyectadas ni Regreso al futuro (Back to the future) ni Psicosis, de las que se celebran este año su veinticinco y cincuenta aniversario, respectivamente. En un comunicado de prensa la organización del festival explica los motivos: “finalmente no se proyectará Regreso al futuro por razones ajenas al Festival y relacionadas con la distribuidora de la película, ni Psicosis, porque ya está en el mercado la edición especial del aniversario de la película.”

Lo que sí habrá, por supuesto, es una nueva celebración de la clásica Zombie Walk, que se llevará a cabo el sábado día 9 y partirá del edificio Miramar a las 20.30 horas. Para despedirme, os dejo un puñado de trailers de algunas de las películas que veremos en Sitges.

BURIED / ENTERRADO (2010) de Rodrigo Cortés

eloy_ds16@hotmail.com — Sun, 03 Oct 2010 22:38:00 +0000

TRIPLE MORTAL EN

ARENAS MOVEDIZAS

Eloy Domínguez Serén

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Sin rodeos: Buried es un thriller de suspense magistral, de lo mejor que ha dado el género en años. La película de Rodrigo Cortés me vence, me convence, me conmueve, me obliga a repetir. La veo de nuevo: me fascina, me impresiona, me inquieta, me perturba, me entusiasma... incluso con un mayor efecto que la primera vez. ¿Buscas una experiencia demoledora? Buried. ¿Un guión extraordinario? Buried. ¿Una interpretación sobrecogedora? Buried. ¿Una lección de lenguaje cinematográfico? Buried. Qué demonios, ¿buscas una obra redonda? Todos a una: Buried, Buried, Buried.

Al fin, el ansiado estreno en España. La bola de nieve que echó a rodar el pasado mes de enero en Sundance vuelve a casa antes de navidad, como la pesadilla, como la apisonadora que arrasó Toronto, Deauville y San Sebastián. La insólita y extravagante insensatez de Cortés y Chris Sparling completa un triple mortal para arrojarse de cabeza en arenas movedizas. Tira de pico y pala, cava un hoyo en la nada y saca a la superficie lo sublime. Algo nuevo bajo el sol. Algo bueno, muy bueno, demasiado bueno.

Se suele decir que sin riesgo no hay beneficio. ¿Riesgo? Suicidio. ¿Beneficio? Tesoro. El ataúd de Buried es el puto cofre del tesoro y Rodrigo Cortés es el pirata, el bucanero al que no sólo le sobran huevos, sino que rebosa talento. Añadamos un cazo de osada, desenfrenada e incisiva creatividad. ¿Resultado? Un volcán, una olla a presión, una obra de culto capaz de repartir estopa a diestro y siniestro desde un féretro: a las grandes corporaciones, a las compañías aseguradoras, a la guerra de Irak, al poder ejecutivo, a la patética burocracia...

El cineasta ourensano es un genio del montaje, como ya había demostrado en 15 días y Concursante, y halla un perfecto cómplice en Eduard Grau, un joven mago de la fotografía que ya me había cautivado con su exquisito trabajo en Finisterrae y, sobre todo, en Un hombre soltero. La cámara del catalán explora cada recoveco del ataúd con la misma minuciosidad, obstinación y angustia que la mirada afligida de Ryan Reynolds, un actor que atraviesa en noventa y cinco minutos todos los estados límite de la condición humana sin siquiera moverse de una caja: pánico, esperanza, ira, desesperación, dolor, enajenación... Todo ello ante los aterrorizados y compasivos ojos de un público impotente.

La radical puesta en escena de Buried ausculta el instinto de supervivencia del ser humano sobre el exhausto rostro de Reynolds, creando un expresivo e hipnótico juego de texturas en primerísimos planos, llegando en ocasiones a derivar hacia una hechizada abstracción... Cada escena es un perfecto resorte en el que encuadre, iluminación, interpretación, sonido directo y banda sonora se funden en una intensa y macabra armonía claustrofóbica. Todo ello cohesionado por un montaje arrollador, que nos arrastra tortuosamente hasta al frenético, desesperado, estremecedor, soberbio desenlace, un sobresaliente ejemplo de cómo aprisionar al espectador en un sofocante pulso narrativo y una asfixiante tensión atmosférica.

MACHETE (2010) de Robert Rodríguez & Ethan Maniquis

eloy_ds16@hotmail.com — Fri, 01 Oct 2010 00:19:00 +0000

YOU JUST F*CKED WITH

THE WRONG MEXICAN

Eloy Domínguez Serén

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Cada vez que veía el falso trailer de Machete (exhibido en el proyecto Grindhouse, del tándem Tarantino-Rodríguez) me lamentaba de que esa exquisita salvajada no fuese el vídeo promocional de una película real. Por lo tanto, podéis imaginar mi alegría y expectación cuando la vi en la reciente edición de la Mostra de Venecia. De hecho, fue la primera película que vi allí. Tras comprobar el resultado, puedo decir que Machete es deliciosamente demencial, admirablemente inverosímil, asombrosamente gamberra, sabiamente irreverente, hilarantemente perversa, incondicionalmente populista, excesivamente extrema y extremamente excesiva, además de socarrona, sangrienta e infinitamente tronchante…

Robert Rodríguez y su copiloto Ethan Maniquis han pisado el acelerador a fondo y han derrumbado todas las barreras: humanas, morales, éticas o físicas. Haber podido ver una locura como esta en un festival como el de Venecia ha sido un espectáculo grotescamente dantesco, al mismo tiempo que encantadoramente prodigioso. Desde sus primeros fotogramas, este film es una explosión en cadena de secuencias memorables, anárquicas, brutales, dementes…

Cuando crees que ese trepidante ritmo es insostenible y que la sangría tiene que cesar sí o sí de un momento a otro, Rodríguez y Maniquis te asestan un nuevo y certero puñetazo en la boca del estómago. Como decimos en mi tierra: "non queres caldo, pois toma dúas cuncas". Si la cara que se te queda con el prólogo es ya un auténtico poema (cabeza rodantes, brazos amputados, tías en pelotas que se quitan móviles de la vagina...), la mandíbula acaba por desencajársete del todo cuando ves los créditos iniciales: Danny Trejo, Steven Seagal, Jeff Fahey, Don Jonhson, Robert de Niro, Michelle Rodríguez, Jessica Alba, Lindsay Lohan… Todos ellos desternillantes caricaturizándose a sí mismos.

Siempre me ha encantado Danny Trejo. De hecho, siempre ha sido para mi uno de esos secundarios entrañables que te arrancan una sonrisa cuando aparecen en pantalla. Sin embargo, en Machete, Trello es el 'prota' absoluto, el tipo más duro de la ciudad (incluso más duro que en Desperado y Con Air). Machete es feroz, letal, incorruptible e inexplicablemente irresistible para las mujeres (Y vaya mujeres: Jessica Alba y Michelle Rodríguez, ¿qué más se puede pedir?).

Esta locura es una orgía de carne, sangre y vísceras en la que un buen puñado de fascinantes psicópatas sueltan joyitas gloriosas a diestro y siniestro: “Machete don't text”, “You just fucked with the wrong Mexican”, “Machete improvise” (no sé cómo las habrán doblado al castellano).

Todo en esta película es extremo, insensato, fanático, sanguinario, neurótico, bestial... Contemplé cada segundo del film con una sonrisa alucinada y maliciosa en el rostro. Disfruté como pocas veces con todo aquello que mis ojos veían y mis oídos escuchaban (incluida una banda sonora impresionante, demoledora). Como colofón (y última gamberrada) al final del film se nos muestra un pseudoanuncio que promete dos nuevas entregas: Machete Kills y Machete Kills Again (para partirse).

(Crítica escrita el pasado 2 de septiembre en la Mostra de Venecia)

Series de TV - Vuelve BORED TO DEATH

eloy_ds16@hotmail.com — Thu, 30 Sep 2010 16:58:00 +0000

SADOMASOS DE LA RISA

Julio C. Piñeiro

Por muchas telecomedias que se hayan estrenado este año (de las cuales aún tendremos que hablar) y del flamante regreso de otras ya consolidadas y de muy buena calidad, ninguna suple, ni de lejos, el efecto que nos produce esta pequeña joya de la HBO. Se trata de una vuelta que esperábamos con mucha ansia, debido a la sensación de querer más y más que nos dejó su primera temporada, la cual constaba únicamente de ocho episodios. Por desgracia para nuestros paladares y nuestra ansia de humor, este segundo volumen contará con la misma duración. Ya se sabe, los canales de cable van por libre y juegan sus propias reglas, y aunque se pueden identificar fácilmente sus políticas de producción y emisión, estas nunca serán una ciencia exacta. Pues eso, ocho capítulos (siete descontando el que nos ocupa) que habrá que saborear al máximo.

El episodio cuenta con la misma fórmula narrativa que en toda la primera temporada: un esquema procedimental, algo atípico, en el que cada caso es sólo la excusa, el contexto, para las situaciones más delirantes, pero un procedimental, al fin y al cabo. Si muchos reconocen en House la virtud de ofrecer un drama médico como si de un relato policial-detectivesco se tratase, aquí este recurso supone toda una seña de identidad. Así, el atípico y paródico relato detectivesco funciona, de manera explícita, como el vehículo para los diferentes gags, tanto momentáneos como más durativos, y en general, para historias del humor más absurdo y catastrófico, cercano en tono y espíritu, y sin exagerar, al de Seinfeld, la serie que cambió para siempre el concepto de telecomedia.

El caso de la semana se vuelve a introducir en las perversiones más secretas e íntimas de la clase media-alta neoyorquina, ofreciéndonos, siempre de la manera más divertida posible, un informal retrato de la hipocresía, la doble moral y el cinismo de estos individuos, muchas veces representados en la propia figura de George (Ted Danson). Si ya nos habíamos partido la caja con prostitutas chantajistas, adolescentes promiscuas hijas de psicólogos dominantes y opresores, o el contrabando a media escala de semen para inseminación artificial, no podía faltar una razonable dosis de sadomasoquismo.

Como acabo de decir, al burgués medio y asentado le gusta disfrutar de sus perversiones pero en secreto, sin que salgan a la luz y denigren su imagen pública. Así, nos encontramos con un oficial de la policía montada que quiere su nombre fuera del registro de clientes de una mazmorra de sado, dada la cercanía de una importante redada. Para ello, contrata los servicios de nuestro entrañable Jonathan, que, con la torpe pero lograda naturalidad que le caracteriza, consigue hacerse pasar por un cliente y borrar el disco duro de “la mazmorra”, que así se llama este paraje, no clandestino, pero sí bastante discreto. Muy acertado el cameo de Kristen Johnston (Cosas de marcianos), bastante desaparecida últimamente, como la “practicante”. En medio de gracietas con la palabra de seguridad (“eunuco”), llega la inevitable redada y los coge en plena faena.

Un Jonathan embutido en cuero de los pies a la cabeza (con la oportuna cremallera en el trasero) logra escapar y se da de bruces con su cliente, que participa en la redada, pero que no lo ayuda a marchar de allí, ante la atención de sus compañeros. Sin teléfono, sin cartera, nuestro protagonista echa a correr por los parajes más reconocibles de Nueva York en esa guisa, llamando la atención de todo hijo de vecino, como no podría ser de otra manera. Puede que sea el lío más embarazoso en el que se ha metido hasta ahora el detective, más que nada, por su “audiencia” multitudinaria. Aún así y todo, salvado por la máscara. Buscando una cabina con algo de calderilla, acaba llamando a cobro revertido a Ray pero éste se encuentra “indispuesto”. La única salida, por tanto, es acudir a la oficina de su excéntrico jefe, al que pilla en plena junta. Por una vez, se invierten las tornas, y es George quien tiene que sacar del apuro a Jonathan.

Pese a respetar el esquema procedimental, el capítulo funciona asimismo como una correcta season premiere, ofreciéndonos componentes seriales para la nueva temporada. Empezando por el propio protagonista, a quién la crisis creativa le ha pasado factura y el fracaso de su segunda novela (más bien, proyecto de) se ha hecho por fin patente. No habiendo entregado ni una mísera página, no le queda otra que devolver el adelanto de la editora. Por tanto, y pese a los trabajos para George y las ganancias, más bien exiguas, de su actividad detectivesca, se ve obligado a impartir un taller de escritura para llegar a fin de mes (la vida del freelance es muy dura, en serio). En ese taller, además de inspiración para una nueva novela que acabará llegando, tendremos una ración de perlas verbales y delirios de un manojo de alumnos a cada cual más variopinto. Os ilustro con un ejemplo: “Quiero escribir una novela sobre un hombre que sea o un mensajero ciclista o un mago espástico. O un mensajero espástico. Aún no lo he decidido.”

Al mismo tiempo, vemos que la relación de Jonathan con Stella, la ecologista porroadicta, ha trascendido el “polvo de unos días”, aunque todavía no se le puede colgar la etiqueta de seria o estable. En cuanto a George, me da que esta temporada va a tener que estar algo menos desbocado, al menos en los primeros episodios. Resulta que un grupo empresarial llevado por una junta profundamente conservadora y religiosa ha adquirido su revista. En consecuencia, no le queda otra que moderar sus instintos y deseos más gamberros si quiere preservar su posición, previo recorte de sus lujosas dietas. Pero no os alarméis, no es una pena en absoluto: las situaciones pueden ser incluso más tronchantes que con el George más suelto. De hecho, en este mismo capítulo, su oficina es la última etapa de la trama procedimental, y en medio de una junta de católicos cerrados, tiene que socorrer a un espontáneo que irrumpe en la oficina con indumentaria de sado y gritando su nombre. Qué casualidad que es su “empleado” favorito y amigo más fiel, el que acostumbraba a resolverle los marrones, suministrarle hierba y demás menesteres.

Y nos queda el enorme Ray, quizás el más auténtico de este trío calavera. La relación con su novia, que en la primera temporada empezó en algo delicada y sólo iba a peor, termina de romperse. Y la ruptura no podría haber sido más tajante y sin anestesia, en medio de un paseo por el parque. El barbudo gordinflón entra en una espiral de amargura y derrotismo (por eso no va a socorrer a su necesitado amigo cuando lo llamó) de la que tardará un tiempo en recuperarse. Pero lo mejor de todo es que, en cuanto empiece a salir de esa fase, se desatará el Ray que llevábamos tiempo esperando: una oronda sex machine al acecho de todas las nenitas que se presten (o no), el terror de la nenas, el antigalán de libro. Ya pudimos ver alguno de sus trazos futuros al inicio del episodio, cuando ve salir a la alumna más apetecible (la única apeticible, más bien) del curso de Jonathan, una jovencita que le hace soltar un enmarcable “Hello, Nabokov”. ¿Existe en algún otro sitio una manera tan fresca, impredecible y provechosa de colar una referencia cultural?

BERLÍN, SINFONÍA DE UNA GRAN CIUDAD – Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt (1927) de Walter Ruttman

eloy_ds16@hotmail.com — Wed, 29 Sep 2010 13:39:00 +0000

LA METRÓPOLI IMPONE

SU RITMO

Eloy Domínguez Serén

En la década de 1920 numerosos pintores ligados a diversas corrientes vanguardistas hallaron en el cinematógrafo un excelente tapiz sobre el que proyectar y desarrollar nuevas manifestaciones cubistas (Fernand Léger), surrealistas (Man Ray) o incluso dadaístas (Hans Richter y Viking Eggeling).

Estos artistas, tal y como explica Erik Barnouw, “tendían a concebir el cine como un arte pictórico, en el que la luz era el medio y que comprendía fascinantes problemas de composición”.

Piezas experimentales como Ballet mécanique (1925), Sinfonía de las carreras (Rennsymphonie, 1928) o La raya (Le pieuvre) comenzaron a exhibirse y debatirse en los recién creados cineclubes (el primero de ellos se fundó en París en 1924), que habían nacido como un instrumento de protesta contra el carácter comercial del cinematógrafo.

Uno de los artistas que mayor influencia ejerció sobre el desarrollo pictórico del cine fue el alemán Walter Ruttman (Frankfurt, 1887- Berlín, 1941), un polifacético creador que había estudiado pintura, arquitectura y música e incluso había llegado a ser un exitoso diseñador de pósters y que se mostró entusiasmado acerca de las nuevas posibilidades que ofrecía el invento de los hermanos Lumière:

“No hablo de un estilo nuevo ni de nada parecido, sino de una posibilidad de expresión totalmente diferente a todas las artes conocidas, dándole forma artística a una nueva forma de sentir la vida, «pintando con el tiempo» (...) Apenas ahora he logrado superar las dificultades técnicas que se oponían a la ejecución y hoy sé que el nuevo arte existe y que vivirá - porque se trata de un organismo con raíces y no de algo construido”.

La fascinación de Ruttman por este nuevo arte se cristalizó en una colaboración con el maestro Fritz Lang en Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1924), para la que creó una admirable secuencia onírica de pesadilla con temibles halcones negros.

Sólo tres años después el artista teutón se erigió como referente mundial gracias a la obra maestra Berlín: Sinfonía de una ciudad (Berlin: Die Symphonie der Großstadt, 1927), un proyecto que nació de una idea original del escritor Carl Mayer, guionista de El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1920), quien había concebido el film sobre la ciudad alemana tras manifestarse “cansado de imponer argumentos a la materia”.

Tras Ruttman y Mayer se incorporaría también al proyecto el prestigioso operador de cámara Karl Freund, célebre director de fotografía de Metrópolis (1927), cuyo impresionante trabajo se demostró imprescindible para el sobresaliente resultado del film.

A pesar de precedentes de proyectos similares como Nueva York (Julius Jaenzon, 1911), Manhatta (Charles Sheeler y Paul Strand, 1921) Moscú (Mikhail Kaufman y Ilya Kopalin, 1927), Rien que les heures (Alberto Cavalcanti, 1925) o Twenty-Four Dollar Island (Robert Flaherty, 1925-1927), “ninguna de estas obras engendró un legado pictórico ni ninguna suscitó tantas imitaciones como Berlín...” (Barnouw). De este modo, la película de Walter Ruttman inició una serie de “sinfonías de ciudades” al que él mismo contribuyó posteriormente con filmes sobre Düsseldorf, Stuttgart y Hamburgo, y a la que podemos añadir obras como Autumn Fire y A City Symphony (Herman Weinberg, 1929 y 1930, respectivamente), El hombre con la cámara (Dziga Vertov, 1929), À propos de Nice (Jean Vigo, 1930), A Bronx Morning (Jay Leyda, 1931) o City of con- trasts (Irving Browning, 1931).

Citando a Vicente Sánchez-Biosca, estas películas eran “sinfonías en las que la metrópoli imponía su ritmo, su fascinante trazado y daba cobijo a la muchedumbre hormigueante, la masa, una de las acuciantes preocupaciones de los filósofos de la época (...) la ciudad se convertía en una auténtica cadena de montaje, de velocidad, y la música sinfónica garantizaba un estilo de orquestación que afinara los distintos instrumentos en su diapasón”.

La acción diegética de Berlín: Sinfonía de una gran ciudad se desarrolla en menos de veinticuatro horas, “desde el alba hasta el ocaso del día” (Barnouw), tiempo en el que Ruttman, Mayer y Freund no sólo trazan un ambicioso retrato del estilo de vida de la capital de la República de Weimar, sino que también muestran “la abigarrada complejidad de la gran concentración humana” (José Ignacio Lorente Bilbao).

Sin embargo, al mismo tiempo, algunas de las secuencias más memorables de esta película se caracterizan por una ausencia absoluta de contenido humano. Este es el caso del poderoso primer acto del film, en el que “un tren a gran velocidad parte de los extrarradios para precipitarse sobre la urbe todavía desperezándose” (Sánchez-Biosca). Esta secuencia alcanza admirables cotas de fascinante abstracción, a través de un montaje vigoroso, hipnótico y subversivo, compuesto de “líneas telefónicas que se agitan a lo largo del recorrido, de configuraciones cónicas de las vigas de un puente ferroviario, de rieles que se dividen y bifurcan para volver luego a unirse (...) movimientos de arriba hacia abajo, de abajo hacia arriba, de un lado a otro, de los enganches... todas estas cosas intercaladas con vistas del cambiante paisaje, que pasa de su carácter rural al metropolitano e industrial” (Barnouw)

En el segundo acto la ciudad despierta. Se abren persianas, ventanas y puertas. Los berlineses abarrotan las calles y comienza una ininterrumpida procesión de obreros y tranvías. Ruttman desvela la esencia de su “sinfonía”: su éxtasis por el movimiento, los ritmos y las configuraciones. Las correas, bielas y engranajes impulsan el ritmo de la narración, que va en aumento hasta que se interrumpe durante el descanso para comer. El realizador aprovecha este respiro para representar una metáfora de la desigualdad de clases a través de la comida.

Tras la pausa, la ciudad vuelve al trabajo, la muchedumbre reanuda su faena y el caos se apodera de nuevo de Berlín. La vorágine permanece tras el fin de la jornada laboral, con la invasión de tabernas y cabarets, la seducción de las piernas de las bailarinas y los carteles luminosos. El día se acerca a su ocaso en Berlín, y con él finaliza “un canto, una prosopopeya, a la ciudad viva” (Sánchez-Biosca) .

Os dejo el archivo de la película completa:

BIBLIOGRAFÍA

BARNOUW, Erik. El documental. Historia y estilo. Barcelona: Gedisa, 2005.
LORENTE BILBAO, José Ignacio. Miradas sobre la ciudad. La sinfonía
como representación de la urbe. Leioa: Universidad del País Vasco, 2002
SÁNCHEZ-BIOSCA, Vicente. Fantasías urbanas en el cine de los años veinte. Lars, cultura y ciudad nº 7, Primavera 2007.

Entrevista radiofónica a RODRIGO CORTÉS, director de BURIED

eloy_ds16@hotmail.com — Tue, 28 Sep 2010 14:18:00 +0000

RODRIGO CORTÉS: “AGRADEZCO A LOS

OTROS DIRECTORES SU COBARDÍA”

Eloy Domínguez Serén

(El archivo sonoro de la entrevista está al final de este artículo)

En cuanto me enteré de que mis compañeros del programa 'A tarde' de Radio Galega iban a entrevistar a Rodrigo Cortés me fui directamente a pedirles que me dejasen participar. Son muchos los motivos por los que siento un especial afecto por el director ourensano. En primer lugar, porque fue el primer cineasta al que entrevisté en mi breve carrera de pseudocrítico, y ya sabéis lo que se dice de la primera vez... Además, ambos somos gallegos estrechamente vinculados a Salamanca. Él vivió en la ciudad charra casi toda su vida y yo estudié allí parte de mi carrera universitaria, donde escuché a menudo el nombre de Rodrigo en boca de profesores como Michi Huerta y Tomás Hijo. Además, ambos tenemos en Salamanca amigos en común, como el propio (y mítico) Tomás o la actriz Maribel Iglesias.

Además de un excepcional cineasta, Rodrigo Cortés es un magnífico comunicador. Tanto en la entrevista que le hice para Tribuna Universitaria como en esta para Radio Galega, así como las veces que lo he escuchado en radio y televisión, me ha impresionado su elocuencia y locuacidad, su sensatez y su retórica.

En la entrevista que podréis escuchar a continuación Rodrigo nos habla de los entresijos de la producción de Buried, desde cómo cayó en sus manos el guión Chris Sparling tras entrar en una 'Black List' de Hollywood (los mejores guiones no producidos), hasta los siete ataúdes diferentes que fueron construidos para posibilitar encuadres y movimientos de cámara radicales, pasando por las condiciones extremas en las que se desarrolló el rodaje de diecisiete días en Barcelona, incluyendo las secuelas físicas y emocionales que padeció el protagonista, Ryan Reynolds, al que llega a comparar con un vampiro por culpa del insomnio que sufrió durante aquellos días: “era una especie de ente que pasaba toda la noche en blanco esperando el día para volver al ataúd, es decir, lo más parecido a un vampiro”.

El director, que define su obra con la ingeniosa metáfora de “Indiana Jones dentro de una caja”, explica que su intención era la de “llevar un universo entero” dentro del ataúd y “hacer una película sobre aquello donde otras películas acaban, o donde otras películas están durante dos minutos o siete minutos” (¿alusión a Kill Bill: Vol. 2 y el capítulo de CSI Grave Danger, de Tarantino?).

Cuando le preguntamos por la inusitada expectación que esta película ha suscitado a lo largo de los últimos meses, desde su triunfal estreno en Sundance, el realizador señaló que aunque “nadie sabe nada y no existen fórmulas”, tal vez en este caso la clave radica en que la historia “trasciende lo que la premisa te dice que crees que vas a ver y se convierte en una experiencia completamente diferente a todo lo que te esperas”. Además, afirma Cortés, el público siente por este tipo de situaciones extremas y claustrofóbicas una “atracción atávica que también nos da un pánico absolutamente primario, que atenaza al ser humano desde el principio de los días y seguramente por eso nos atrae también”.

Por último, en relación a próximos proyectos y a la posibilidad de trabajar en Hollywood, el cineasta aseguró que “lo importante nunca es dónde ruedas sino qué ruedas y en qué condiciones ruedas”, sentenciando que lo importante para él es “tener absoluto control creativo” sobre sus proyectos.

Creo que lo más adecuado es escuchar las palabras del propio Rodrigo así que os dejo aquí el archivo sonoro de la entrevista. No os preocupeis quienes no habléis gallego, ya que aunque las preguntas son el gallego las respuestas de Rodrigo (que es lo que importa) son en castellano.

Para finalizar, me gustaría expresar mi profundo agradecimiento a Pepe Carreira, Cristina García y la gente de 'A tarde' por permitirme participar en esta entrevista. Ha sido una experiencia fantástica. Moitas grazas!

Series de TV - Vuelve DEXTER

eloy_ds16@hotmail.com — Mon, 27 Sep 2010 19:59:00 +0000

UN LUTO MUY PELIGROSO

Julio C. Piñeiro

Muchos habréis dejado por fin de comeros las uñas en el día de hoy. Y es que ha vuelto por fin uno de los personajes más carismáticos, controvertidos y atormentados de la televisión moderna. Y ahora más que nunca, su heterodoxa e intrincada moral estará más en el candelero que nunca, ya que ha pasado de lleno al otro lado del espejo. En buena manera, podemos entender esta season premiere como la fuerte resaca del apabullante season finale que nos dejó helado el aliento el pasado diciembre. La quinta temporada del America's favorite serial-killer estará marcada, en todo momento y siempre en primer lugar, por el luto ante la brutal muerte de su querida esposa, a manos de la peor de sus némesis, Trinity Killer, una proyección del propio Dexter Morgan entrada en años y con diferentes matices de fe.

Nuestro protagonista recuerda el mismo momento en el que nacieron todas las fobias que han cristalizado de manera tan tajante en su edad adulta, cuando contempló, con los ingenuos y desnudos ojos de un bebé, el brutal asesinato de su madre. Un macabro déjà vu de la escena actual, con su pequeño Harrison ocupando el sitio. Dexter se encuentra poseído por un profundo sentimiento de culpabilidad, inevitable e irreversible, que le hace plantearse a cada segundo toda su existencia desde los mismísimos cimientos. El “pude haberlo evitado”, “pude haber parado cuando tuve la ocasión”,... se vuelve muy significativo cada vez que recuerda el mismo momento en que conoció a su ahora difunta esposa. Fragmentos analépticos en los que se comprueba enseguida su inherente naturaleza asesina, una situación que nunca cambió y que probablemente nunca cambiará. El mismo momento en el que, por mucho que luchase por evitarlo, acabó llevando a aquella mujer al destino fatal que acaba de sufrir.

Por otro lado, se ve totalmente incapaz de cuidar de su familia. Encomienda el cuidado y la tutela de su vástago a una Deb muy afectada y más entregada que nunca. Sus hijastros se salvaron de la inmediatez del mal trago al estar de viaje con sus abuelos; pero en cuanto no les queda otra que conocer la noticia, la primogénita, la ya algo rebelde Astor, le da la espalda por completo a su dolido padrastro. Dexter se refugia en la única figura que puede llegar a comprenderlo, y no es otra que la presencia de su padre desde ultratumba, más recurrente cuanto más avanza la serie. Con él habla de la profunda carga de culpa, de la gran incertidumbre en la que ahora se encuentra y de la que difícilmente podrá salir adelante, de la impotencia que siente al haber sido incapaz de llevar una vida normal. Finalmente, nadie puede olvidar de dónde viene, ni mucho menos con qué pasta está fabricado.

Y así, guiado por el instinto más salvaje y no por su mente fría y calculadora, la acaba pagando con un altivo e impertinente parroquiano de una pordiosera tasca en la bahía. Más desbocado e incontrolado que nunca, chapucero y desmedido, nunca lo habíamos visto desahogarse de esa manera en algo tan natural para él como una matanza. Su difunto padre no hace más que felicitarlo, precisamente por eso, por expresar lo que sentía sin más mediación, por desquitarse de su ira acumulada. Todo ello, justo antes de acudir al funeral de Rita, donde todo el mundo lo espera con impaciencia, con el desconcierto muy fresco y las aureolas de sospecha flotando en el aire.

De todas formas, aquel pobre hombre era solo una pequeña china en el camino, los tiros no irán por ahí. Ni tampoco por las sospechas del receloso Quinn (cuya relación con Deb será el tira y afloja de la temporada, en la que ya hemos visto un espontáneo y inesperado “encuentro”) en cuanto conoce la “anécdota” de Elliot y Rita. Y en general, incluso sin conocer todavía con exactitud el perfil y la relevancia del personaje que intepretará Julia Stiles, podemos anticipar que esta vez no se tratará del sádico y meticuloso criminal de turno al que dar caza, no. El peor enemigo de Dexter Morgan no será otro que el propio Dexter Morgan.

Previa del estreno de BURIED / ENTERRADO (2010) de Rodrigo Cortés

eloy_ds16@hotmail.com — Fri, 24 Sep 2010 20:55:00 +0000

UN DELEITE

CLAUSTROFÓBICO

Eloy Domínguez Serén

Paciencia, ya falta poco, muy poco para el ansiado estreno de Buried, el insólito thriller que ha asombrado a todo aquel que ya ha tenido la fortuna de verlo, desde Sundance hasta San Sebastián, pasando por Toronto y Deauville. Al fin, el próximo 1 de octubre llegará a nuestras carteleras.

Han pasado ya ocho meses desde que entrevistamos a Rodrigo Cortés tras el furor que provocó la cinta en el festival de Sundance (donde fue adquirida por la distribuidora Lionsgate por 3,2 millones de dólares) y los éxitos y elogios al director ourensano no han dejado de multiplicarse desde entonces.

La inusitada expectación que ha provocado esta película independiente ha desembocado en una difusión sin precedentes, ya que la cinta se estrenará en todo el mundo con 8000 copias, convirtiéndola en la producción íntegramente española con mayor distribución de la historia.Lo más asombroso es el contraste entre las colosales cifras de distribución y sus modestas cifras de producción: un presupuesto reducido, un actor, un ataúd, apenas diecisiete días de rodaje y seis semanas de montaje.

Lo del ataúd tiene truco, ya que en realidad fueron construidos para el rodaje (que se realizó en Barcelona) un total de siete ataúdes diferentes (con paredes portátiles, giratorios, verticales...), que posibilitaron la ejecución de ingeniosos encuadres y movimientos de cámara, tan arriesgados y extravagantes como portentosos.

Esta prodigiosa puesta en escena refuerza la atmósfera claustrofóbica de una obra que, recordémoslo, tiene como único escenario el interior de las seis paredes de un féretro, sin valerse de efectistas recursos clásicos como flashbacks o secuencias oníricas.

El principal aliado de Rodrigo Cortés durante la ejecución de este osado proyecto fue el actor estadounidense Ryan Reynolds, quien fue sometido a un plan de rodaje extenuante. El cineasta español elogia el sacrificio y compromiso del actor antes de sentenciar: “lo devolvimos a Los Ángeles con rasguños, los dedos quemados y destrozado físicamente, pero sobre todo emocionalmente”.

En el proyecto, cuyo guión pertenece a Chris Sparling, también se involucraron el prometedor director de fotografía catalán Eduard Grau, el compositor Víctor Reyes o incluso el humorista maño Miki Nadal, productor asociado del film.

PREESTRENO EN LOS CINES VAN DYCK

Tanto Rodrigo Cortés como el también salmantino Víctor Reyes participarán este jueves día 30 en el preestreno de la película en los cines Van Dyck de Salamanca, en los que el director adquirió gran parte de su bagaje cinematográfico. La presentación de la cinta en Salamanca, a la acudirán también familiares y amigos del realizador, se celebrará a las 20.30 horas y con una proyección en versión original subtitulada.

Series de TV - FRINGE - Season Premiere

eloy_ds16@hotmail.com — Fri, 24 Sep 2010 18:21:00 +0000

OTHERSIDE DRIFT BY
MY WINDOW

Nicolás Ruiz

En un reciente seminario sobre series nos comentaba el profesor que el aburrimiento es esencialmente un proceso físico. Todo sistema tiende a ahorra energía a medida que se usa, por lo que el tiempo hace que nuestra atención deba dedicar menos esfuerzo a los estímulos audiovisuales. Lo que conocemos arrincona la sorpresa, y con ella, las ganas de conocer qué aguarda el minuto siguiente a la propuesta, y este hecho en un panorama televisivo plagado de series de gran nivel significa estar firmando la última temporada.

Fringe se tomó la primera temporada para esbozar una trama horizontal mientras las verticales, articuladas por capítulos, iban creando el universo destinado a fidelizar. La segunda nos adentró más en el largo recorrido de la historia sobre universos paralelos, sin abandonar una trama capitular con los fringe eventos que habían captado la atención de sus seguidores; el habitual “más y mejor” que se le pide a toda secuela. Pero la tercera temporada siempre se antoja complicada en toda serie, empezando a considerarse un veterano en la parrilla televisiva todo producto que alcanza dicha cifra. No basta con extender la apuesta, ni hormonarla, pero tampoco se puede traicionar la esencia vertebral de las dos temporadas anteriores, por lo que procede recurrir al giro que desvirtúa lo visto hasta el momento, convertirse en el reflejo que hay al otro lado del espejo, el opuesto. Y en Fringe han seguido al pie de la letra esta idea.

Arranca la tercera temporada en el universo paralelo donde Olivia quedó atrapada, sometida a una evaluación psicológica pensada para situar al espectador con respecto a la bicefalia de personajes presentes. Pronto cambia nuestra percepción al hacernos entender Walternate que dicho proceso sólo sirve para implantar en nuestra Olivia primigenia los recuerdos de su versión alternativa, dejando claro que ella es la pieza clave para ganar la guerra abierta entre ambos universos. Dicho comienzo se aleja del habitual intento para captar rápidamente nuestra atención a través de una trama impactante para intentar hacer que empatizemos más que nunca con Olivia, tanto que incluso nos brindarán un momento donde la podremos ver llorando al verse sola en el mundo… alternativo.

Pero si algo destaca del universo Abrams y se ha convertido en algo habitual son las referencias al imaginario colectivo de los seguidores de Fringe, perfectamente conocido por los guionistas. En este caso no se queda en una referencia a Star Wars, sino que la soledad de Olivia será consolada por la presencia de un taxista que acabará siendo su único apoyo en el universo paralelo, y que no es otro que Andre Royo, el Bubbles de The Wire. Si la serie de David Simon ya tenía su cuota en Fringe con Lance Reddick, la presencia de Andre Royo lleva al pensamiento habitual de que The Wire hace más grandes otras series, cual Cid Campeador.

Pero volviendo al capítulo, vemos a una Olivia perdida, buscando escapatorias a un mundo al que no pertenece pero encontrando tantas puertas cerradas como recuerdos ajenos. Olivia muere a cada minuto, sus recuerdos desaparecen como las hojas de otoño caen de los árboles en el hermoso Autumn leaves que escuchamos en el capítulo, y en dicho proceso estamos abandonando la trama de ciencia-ficción propuesta como base de la serie para entrar en la introspección de un personaje al que vamos desconociendo para (supuestamente) conocer de nuevo más adelante. El giro en Fringe está servido, las cartas sobre la mesa, los personajes situados, y lo que nos depara no será una trama capitaneada por una Anna Torv envuelta en extraños casos, sino que la trama misma va a ser Olivia. Y por si no quedara claro, el capítulo acaba mostrando como en el universo original todo sigue igual, con una Olivia alternativa encaja perfectamente en el rol que Walter y Peter tenían asignado a nuestra Olivia. No busquen el impacto sensorial en la premiere de la tercera temporada de Fringe, porque a través del espejo sólo se perciben emociones.

DOMINGOS EN SERIE - 19/09/2010 (II)

eloy_ds16@hotmail.com — Fri, 24 Sep 2010 18:14:00 +0000

LA PASIÓN Y EL KARMA

Julio C. Piñeiro

Me reitero en lo que dije en la última entrega. El aluvión de prometedores estrenos y esperados regresos no debe apartarnos del disfrute de las series que han tenido el detalle de animarnos el verano. Y en Crítica y Cine seguimos siendo fieles en nuestro análisis semanal de los episodios. En cuanto a Rubicon, una entrega algo atípica ahonda por fin en la dimensión relacional y Will Travers tiene por fin una agradable distracción, mientras que la incertidumbre es más fuerte que nunca a medida que se van atando los cabos. Por otra parte, los responsables de Weeds callan todas esas bocas que acusaban a la serie de agotamiento y nos ofrecen uno de los mejores capítulos de la joya de la Showtime, en la que el karma, en su versión negativa (y vengativa) se establece como principio organizador de los acontecimientos.

Rubicon 1x09: No honesty in Men

Sólo quedan tres capítulos, las emociones están a flor de piel y se da la vuelta a muchos planteamientos anteriores que creíamos asentados. Por fin hemos podido lado más humano, más carnal, más pasional de nuestros personajes, y especialmente del frío e introvertido Will Travers. El miedo y la angustia lo lleva a una situación muy atípica en la que acaba desatando sus instintos, en el buen sentido. Y descubrimos que podemos fiarnos de algunos personajes, que no todos tienen que estar necesariamente metidos en el ajo, por mucho que el título del episodio rece lo contrario. Así, se revela por fin el “enigma” de la vecina de al lado, en cuya magnética expresión no se ocultaba para nada una infiltrada de alguno de tantos cabos de esta compleja conspiración.

Andy, que así se llama, no es más que un espíritu libre, una soñadora que sobrevive como puede, intentando siempre hacer lo que le encanta: pintar. El señor Travers, contra todo pronóstico, rompe el hielo y se presenta en su puerta con un tomate para cenar, así tal cual. A la chica enseguida le hace tilín el rarito de Will, aunque éste no puede mentir durante demasiado tiempo y no tarda en revelarle su complicada profesión, su peliaguda situación y el auténtico motivo por el que improvisó esa cita: en cualquier momento, alguien iba a entrar en su piso para reponer los micros que se había cargado a sabiendas. No podía estar en su piso, y desde el de ella podría ver al intruso. En plena noche, un viejo conocido irrumpe en su apartamento y prepara de nuevo el tinglado. ¿Quién? Pues el mismo Donald Bloom, aquel sobre el que Kale Ingram le recomendó disuadirse.

La cuestión es que Andy acaba descubriendo la pistola en el bolso de Will, y en vez de asustarse, parece que le alimentó el morbo tanto como para lanzarse de lleno, y Travers, que tampoco es de piedra, aunque a veces lo parezca, no se resiste. Por fin Rubicon nos ofrece un momento pasional, incluso más tórrido de lo que cabría esperar en un relato de personajes tan fríos y desapasionados. Enseguida crece entre ellos el cariño y, lo que es más importante, la confianza, en una serie caracterizada precisamente por su total ausencia en cualquier ámbito. Por cierto, Maggie realiza una breve aparición, pero parece que se le ha dado carpetazo definitivo a su asunto, y no creo que la volvamos a ver.

Por otro lado, Kale Ingram, aquel del que tanto dudamos y tanto nos cuesta adivinar para dónde va a tirar, pasa también, hasta cierto punto, al lado de las víctimas, de los perseguidos, desde un Spangler que lo aborda a una hora y en un lugar no demasiado pertinentes, hasta la presencia del “hombre de la gabardina” de turno, del que Ingram enseguida se percata. Se lo comenta a Will, quizás para ganarse su comprensión y apoyo, pero lo único que consigue es ser increpado por ese doble juego que se está marcando, cada vez más explícito, y que lo está empezando a pagar. La gran incógnita sobre la identidad del cerebro principal, el principal articulador del complot, está más abierta que nunca, y se aparta bastante de Kale, que parece más bien un eslabón muy valioso, y se acerca cada vez más a un Spangler al que no tardaremos en ver actuar. Al margen de todo eso, la información que Ingram le proporciona a Will en este episodio será fundamental para lo que queda de temporada, ya que acelera algo que estaba tardando demasiado en suceder por “casualidad”. Efectivamente, le da a conocer el caso de Tom Rhumor. Las dos líneas de investigación están a punto de encontrarse, y entonces acabaremos sabiendo toda la verdad, o al menos, una parte suficiente.

Mientras tanto, en la trama de Katherine, durante una visita a la viuda de Bradley, se nos confirma que todos esos hombres de la foto se conocían desde muy pequeños, y que esta fue tomada en una de tantas reuniones en Fisher's Island. En ella, además de sus respectivos difuntos, Lady Rhumor reconoce a James Wheeler (del que, dada su ausencia, podemos deducir el destino fatal que nos sugirió el capítulo anterior) y la señora Bradley a un compañero de su marido en Atlas McDowell: el mismísimo Truxton Spangler, quién si no. Un nombre que a Katherine le suena pero no es capaz de recordar exactamente de qué (sí, de aquella fiesta en su casa, en la que vimos los primeros retazos de “la compañía” así como un breve y casual encuentro entre ella y Will, todavía desconocidos). La señora Bradley le menciona entonces el API, y esa misma noche, nuestra protagonista merodea afuera de sus instalaciones con la cautela suficiente, sin dar ningún paso sospechoso y reconociendo el terreno.

Por último, ya queda cada vez más claro el auténtico objetivo de la trama procedimental secundaria, que de “relleno” no tiene absolutamente nada. Se trata realmente de aquello que para muchos es el espíritu de Rubicon: ilustrar al detalle mostrar la ardua y erizada experiencia cotidiana en el ámbito de la inteligencia, sobre todo en cuanto a los elevados obstáculos que el desempeño de esta labor supone para la vida personal e íntima. Algo que describió con mucho acierto en una entrevista el actor principal, James Badge Dale: “De alguna manera, es la antítesis de la experiencia humana”. Primero, con el siempre seco y arisco Grant Test, del que por fin conocemos algo de su vida cuando su mujer lo va a visitar al trabajo tras haber sido despedida. Asimismo, Miles parece por fin querer superar su separación y mueve ficha con Julia (otra más sobre la que podemos descartar las sospechas), que casualmente, sustituirá a Tanya en el equipo durante su ausencia temporal.

Todavía no sabemos nada acerca de la renovación de Rubicon, así que habrá que estar muy atentos, porque los próximos tres episodios pueden ser las últimas etapas de este breve pero placentero viaje.

Weeds 6x05: Boomerang

Justo cuando acabamos de saber que la Showtime confirma la renovación de esta serie y de la debutante The Big C para la próxima temporada, va y nos cae este episodio para cuya descripción bastan cinco sílabas con la misma métrica: CA-PI-TU-LA-ZO. Para saltar de alegría como un bellaco. El boomerang del karma, el deus ex machina a lo bestia, la teoría del caos, una maliciosa voluntad divina,... todos intentos siempre parciales de explicar el rocambolesco, aleatorio e impredecible efecto de la coincidencia. Y cuándo esto se junta con el humor negro tan propio de Weeds, el resultado es un tercer acto espectacular y frenético, el “que más puede pasar”, que nos deja en un estado de tensión ideal para las entregas venideras.

Ese orgiástico cliffhanger no es más que el resultado final de una colisión múltiple que recoge restos de los capítulos anteriores. Y atención, que no tiene nada que ver con toda esa cantidad de hierba que le compraron a Linda antes de tener un inesperado encontronazo con la policía, no. De eso salen bastante bien. Si en el episodio anterior era el móvil de Andy la pista que llevó a César, secuaz y Doug a Seattle, los “arreglos” en el papeleo del monovolumen dejan cabos suelto (lo que buscaban realmente los policías) que sirven a aquellos, como maná caído del cielo, para dar con el paradero exacto de los Botwin. Con qué habilidad han sabido explotar un recurso tan sencillo y concreto como es un maldito terminal telefónico.

Por otro lado, estaba claro que Shane iba a complicar las cosas. Aunque se zafa con una admirable maestría de la encerrona en la que lo metieron sus amiguitas, diciéndoles de todo con la suficiente elegancia como para que no se indignasen, estas acaban por personarse en el cuarto de motel donde se hospedan los “Newman”, que visto lo visto, no les ha durado nada la nueva vida. Primero van ellas solas para conocer el cotarro, y se dan cuenta de que la familia es aún más disfuncional de lo que pensaban. Luego vienen acompañadas por el sheriff, una asistente social sordomuda y su intérprete, encontrándose a un Andy en pelota picada, recién salido de la ducha, con el bebé en brazos. Pero esto todavía no es el colmo.

Esa iniciática red de trapicheo que Nancy se había montado en el hotel ha hecho aguas en menos de nada. ¿La culpable? Esa otra doncella que ya le había descubierto el pastel en la lavandería, que por cierto, os sonará de haberla visto como la bruja curandera en la primera temporada de True Blood. Pues bien, del chantaje se llega a las manos. Y justo cuando Nancy pensaba que le había dado esquinazo, aparece también en el motel, poco antes de que entrase en escena el variopinto grupo antes mencionado, sedienta de venganza, acompañada por un maromo de 3x3 que mete pánico. Entonces se da la enésima casualidad, que este gigantón está en búsqueda y captura. Así, el cuarto de motel se va convierte en el camarote de los hermanos Marx, todos huyen de alguien o buscan a alguien. El colmo de la desesperación para Nancy llega cuando Shane llama y confirma sus peores sospechas: ha sido atrapado por César, y los vemos yendo en coche a alguna parte. El espectador no puede parar de reír, y Nancy está punto de romper a llorar.

Para llorar sí que son los derroteros del pobre de Silas, aquel que buscaba con más afán la redención y la estabilidad; parecía haber encontrado sus sitio perfecto, de infiltrado en la universidad y con una novia sexualmente muy concesiva. Pero como todo lo bueno, no podía durar, y aunque hasta el último momento pensó en quedarse y desmarcarse de esa eterna espiral de huida de sus familia, se da cuenta de que no le queda otra. No sólo deja la vida con la que siempre había soñado, sino que también se ve obligado a robar una vez más, y esta vez, a su propia querida.

Como siempre, las situaciones tensas sirven de entrada a los movimientos y revelaciones más sinceros en las relaciones de los personajes. El sempiterno tira y afloja entre Nancy y Andy alcanza el inmediato pre-clímax, un punto de no retorno. Ella siempre ha sabido que su cuñado estaba coladito, y él, que su cuñada lo utilizaba, en cierta manera, para que siempre estuviese a su lado, porque aunque ella le diga que nunca van a estar juntos, reconoce que lo necesita a su lado. Cuestionamientos de los acontecimientos desde el mismísimo inicio, dentro de esa manera tan original y elegante de tratar el rencor que sólo esta serie sabe hacer. Andy se da cuenta por fin de su posición privilegiada, y de ser el eterno pagafantas, parece que finalmente asumirá los avatares del liderazgo, que ya era hora. Lo mejor es la respuesta que le da a Nancy cuando ella afirma que todas sus parejas han muerto: “Your pussy is a death sentence”.

Aparte del rumbo global del episodio y esa sensacional secuencia final, el episodio nos ofrece momentos cómicos para enmarcar. El mejor, cuando una de las madres solteras, muy feminista y todo eso pero necesitada como la que más, encuentra en Andy a un “padre de alquiler” perfecto para engendrar un nuevo retoño, y se lo va devorando mientras confirma que no tiene una serie de enfermedades raras. O también, cuando el siempre jocoso César perdona la vida al patán de Doug por “voluntad divina” (por una oportuna llamada de móvil, todo un deus ex-machina, pero permisible) aunque en el fondo deseaba cargárselo, y luego increpa a su secuaz por “pronunciar el nombre de Dios en vano” por la misma razón.

Por último, no podría pasar una reseña más sin dedicar una mención de honor a las siempre originales cabeceras. Weeds, desde que abandonaron la intro permanente en la cuarta temporada, sólo son igualados por Los Simpson en cuanto a las cabeceras variables. La de este episodio, para mayor aliciente, realiza un calco casi íntegro de un plano que se puede ver más adelante en la propia diégesis, cambiándole sólo lo necesario.

EL AMERICANO - The American (2010) de Anton Corbijn

eloy_ds16@hotmail.com — Fri, 24 Sep 2010 06:14:00 +0000

LA SENDA DEL SAMURAI

Eloy Domínguez Serén

Pocas veces una película tan irregular como El americano ha logrado un resultado tan convincente. Convincente y exquisito, pese a su débil trama, su obvia simbología (el cura, la puta y la mariposa) y su desatinado desenlace.

Convincente al constatar que la incursión del prestigioso fotógrafo y director de videoclips holandés Anton Corbijn en el largometraje de ficción no era un farol. Convincente al evidenciar la casta interpretativa de George Clooney. Y, afortunadamente, convincente al acreditar que las obras intimistas, contemplativas y minimalistas pueden hallar todavía su nicho en la voraz industria hollywoodiense.

El fotógrafo que inmortalizó el rostro de Miles Davis, Tom Waits o David Bowie filma ahora con idéntica lucidez, elegancia y meticulosidad el ascetismo de un samurai contemporáneo, proporcionando “una mirada distinta, pausada y meditada sobre la figura arquetípica del asesino a sueldo” (Sergi Sánchez).

La naturaleza del orfebre del crimen encarnado por Clooney evoca la artesanía y el hermetismo del Harry Caul de La Conversación (1974) y la inmutabilidad y hechizo del Jef Costello de El silencio de un hombre (1967), a quien toma como inasequible modelo.

Si el Corbijn-fotógrafo se revela en la perfección de sus encuadres, el Corbijn-director de videoclips se manifiesta en el admirable talento con el que crea una atmósfera tan seductora como desasosegante y atemorizadora. El esteta holandés suple las deficiencias de la estructura narrativa con una hipnótica armonía narrativa y una magnética puesta en escena, de las que son corresponsables el director de fotografía Martin Ruhe y el músico Herbert Grönemeyer, que repiten con Corbijn tras el éxito de Control, el biopic sobre Ian Curtis (líder de Joy Division) con el que el neerlandés había realizado su debut cinematográfico en 2007.

La fascinación visual de El americano se acentúa en las secuencias nocturnas de persecución por las estrechas y laberínsticas calles de Castel del Monte, el pueblo medieval (de la región italiana de Abruzzo) en el que Jack/Clooney se refugia tras sufrir un intento de asesinato durante un “trabajo” en Suecia.

El empeño que Corbijn dedica a las deslumbrantes tomas del paisaje abruzzese es, sin embargo, inversamente proporcional al que destina a la construcción de los personajes secundarios, tan atrayentes en apariencia como vacuos en esencia. El buen pastor (Paolo Bonacelli), la prostituta redentora (Violante Placido), el capo sombrío (Johan Leysen) o la asesina seductora (Thekla Reuten) resultan recursos un tanto arquetípicos, planos y simplones en el guión firmado por Rowan Joffe (hijo de Roland Joffe, director de La misión o La letra escarlata) y basado en la novela A Very Private Gentleman, del británico Martin Booth.

Series de TV - GLEE - Season Premiere

eloy_ds16@hotmail.com — Thu, 23 Sep 2010 21:10:00 +0000

NUEVOS RETOS PARA

NEW DIRECTIONS

Julio C. Piñeiro

Probablemente esta sea una de las series que mejor puede ejemplificar ese difuso, controvertido y muchas veces cínico concepto de “placer culpable”. Pero a estas alturas, nadie se debe sentir avergonzado por disfrutar viendo un producto que ha sabido trascender hábilmente esas prejuiciosas y denigrantes etiquetas que lo equiparaban con High School Musical. Críticos y académicos se han dado un gustazo con este relato de personajes que nacen en el cliché más reconocible y acartonado para luego ir liberando en adecuadas dosis su interesante jugo dramático en un escenario primordialmente cómico y paródico.

Los chicos del coro son ya un año mayores. Sus situaciones personales y colectivas son muy diferentes a como estaban hace justo un año. Pero el glee club sigue teniendo ese aroma a loser que siempre desprendió, tal como queda resumido perfectamente en la gran secuencia de apertura en la que el odioso Jacob repasa en un reportaje el “qué ha sido de” ante el inicio del curso. Aunque evidentemente hayan ganado en popularidad, seguridad y autoestima, no tienen demasiadas esperanzas de que nuevos miembros se unan al club. Por cierto, Matt (Shaft) es baja: la opción de savia nueva se convierte en una urgencia.

Al menos en los primeros capítulos, contaremos con la presencia de dos nuevos personajes. En primer lugar, la nueva entrenadora del equipo, la señorita Beastie (apellidos siempre con segundas), que viene a sustituir al perjudicado Ken Tanaka con una ilustre hoja de servicios. Una marimacho de 3x3 que mete miedo a leguas, oportunamente encarnada por Dot Jones, campeona mundial de pulsos. Su prestigio le hace llevarse un buen pellizco del presupuesto del coro y las animadoras, logrando así lo que parecía imposible: que Will y Shue cooperen por un fin común, intentando hacerle la vida imposible a la recién llegada. Tengamos en cuenta que en este tipo de series, con fórmulas episódicas sin evitar algún que otro desarrollo serial, se da casi una especie de reset al principio de cada temporada. Esa Sue más reflexiva y concesiva, herida en su orgullo, que vimos en la season finale, regresa a su lado más cruel y destructivo, lo que la caracteriza.

Tras las primeras perradas, Will se da cuenta de que están yendo demasiado de lejos y de que él no está hecho de la misma pasta que su habitual némesis, mientras descubre que la entrenadora también lo ha tenido difícil en la vida, que no deja de ser, a su manera, lo que él y sus chicos son, unos freaks. Los guionistas recurren de nuevo a un procedimiento, quizás demasiado maniqueo, pero sin duda eficaz, y más oportuno en el género de comedia. Un recurso consistente en mostrarnos el lado más infame y mezquino de un personaje para luego traspasar poco a poco su armadura y conocer sus propias debilidades y fantasmas. Así lo hemos visto hasta el momento con con Quinn, con Puck, e incluso a ratos con Sue. Pero en esta ocasión, se deja ver bastante al producirse en un solo capítulo.

La otra incorporación, de la que conocemos todavía poco, es el chico nuevo del instituto, el rubio y algo reservado Sam Evans. Su descubrimiento por parte de Finn es un déja vu del momento en el que el propio Finn fue descubierto por el señor Schuester: cantando en las duchas sin nadie alrededor. Pero aunque su audición convenza con creces, de momento el chico no se atreve. A su obstáculo de “novato” no puede añadirle el de “chico del coro”. Al mismo tiempo, se hace con el puesto de quarterback que Finn pierde cuando, al intenta introducir a un desesperado Artie en el equipo, la entrenadora, crispada por el acoso de Sue y Will, piensa que se la está jugando y lo parta del equipo. Ahora el pobre de Finn ha perdido su “estatus” y sólo le queda el coro para aferrarse... y Rachel, con la que parece que ha conseguido una relación medianamente estable.

En cuanto a Rachel, qué decir. Sigue tan repelente y egocéntrica como siempre. Lo notamos cuando entra en escena la estrella invitada del capítulo, la exótica y canija Charice, cuya historia particular es tan insólita que merece ser reseñada aparte (ver vínculo). Aunque no aparezca en los próximos episodios, acabará convirtiéndose en un personaje fijo. Se trata de Sunshine Corazón (los padres quedaron descansados), una chica filipina, estudiante de intercambio (de las pocas “especies” del subgénero estudiantil que faltaba en Glee) tímida pero muy talentosa, con una voz maravillosa que enseguida hace temer a Rachel por su posición de estrellato. Sus continuas perradas para mantenerla alejada del club acaban con este pequeño gran talento en manos de la competencia, Vocal Adrenaline. Como si estuviese el horno para bollos. Rachel, lógicamente, es sometida a una reprobación por parte de sus compañeros, de la que seguramente saldrá adelante. A ver si esta lección le sirve para dejar ese narcisismo y afán de superioridad aparte. Como todos, tendrá que madurar.

Asimismo, las pautas de los personajes secundarios quedan bien marcadas. Quinn, tal cual ave fénix que resurge de sus cenizas, se dispone a recuperar su gloria, a volver a donde estaba, a rescatar toda la reputación echada a perder en una noche loca con Puck, con tanto convicción que le logra sin demasiado sacrificio. En el otro extremo encontramos a Santana, a la que una aumento de pecho (momento WTF) le ha hecho perder su elevado estatus dentro de las animadores, y queda relegada al puesto más bajo, en el sentido figurado y el literal (en la pirámide humana). Se avecina un duelo de gatas del que ya hemos tenido su primer asalto; esperemos que no degenere en un Sálvame deluxe.

En cuanto a Brittany, su personaje sigue siendo un bonito maniquí, pero en el siguiente capítulo, tendrá por fin el protagonismo y la interioridad que hasta ahora le ha faltado. La rubita compartirá tablas con el cameo más esperado de esta temporada, anunciado a bombo y a platillo: su casi-tocalla, la siempre controvertida y omnipresente Britney Spears. La presencia de estrellas invitadas es uno de los fuertes de esta serie, y para esta edición no han escatimado ni una pizca: veremos merodear por el McKinley High nada más y nada menos que a Gwyneth Paltrow y Javier Bardem, ambos poseedores del Oscar, casi nada.

Más cambios tras el verano. El cuadrángulo amoroso de la primera temporada (Finn, Rachel, Puck y Quinn), ya superado, deja paso a un trébol, aunque muy asimétrico. Tina sale ahora con Mike Chang (“other Asian”), que ya es oficialmente el nuevo “chico de los abdominales”. El pobre Artie, destrozado e impotente, ya no sabe qué intentar. La ocurrencia de intentar entrar el fútbol será solo el primero de una larga lista de tentativas a la desesperada. Y es que, al contrario que el resto de sus compañeros, su condición de bicho raro, de excluido potencial, no es mutable ni mucho menos reversible. Pero si hay algo que siempre prima en esta serie es la voluntad de los individuos por superar los prejuicios y los obstáculos y conseguir lo que quieren, por mucho que tengan que luchar contra viento y marea.

Para acabar, decir simplemente que los números musicales han resultado algo más rancios que de costumbre, y sin demasiada intensidad, a excepción de las vibrantes intervenciones de Charice. Ese Empire State of Mind en el patio hace pensar que estamos viendo Un paso adelante, y las baladas country de Sam (Choird Overwood) tampoco han elevado demasiado el nivel. Pero bueno, así dejamos el estómago vacío para el empache de Britney la próxima semana.

Series de TV - Vuelve CÓMO CONOCÍ A VUESTRA MADRE (How I met your mother)

eloy_ds16@hotmail.com — Wed, 22 Sep 2010 15:09:00 +0000

¿CUÁNDO CONOCEREMOS
A VUESTRA MADRE?

Ian Lipper

Todos hemos echado de menos este verano Cómo conocí a vuestra madre, ya que, a pesar de que los guionistas siguen mareando la perdiz, nos hacen disfrutar esos veinte minutos que seguimos religiosamente cada martes. Ted y amigos vuelven a la carga.

Big Days, primer capítulo de la sexta temporada, comienza en una futura boda en la que se nos presenta a un Ted nervioso tomando una cerveza antes de entrar en la capilla con su amigo Marshall. ¿De quién es la boda? no lo sabemos, lo que genera un suspense general durante todo el episodio sobre si conoceremos de una maldita vez a su futura esposa. Retrocedemos en el tiempo al McLaren's, con un Ted igualmente nervioso por una chica de la barra que le ha llamado la atención, la cual también nos genera cierto suspense al pensar que es la compañera de piso de Cindy, y un Barney, como siempre pletórico marcándose un monólogo sobre las mujeres en verano y los derechos que se tienen con las chicas de los bares.

Ya se nos había descubierto en la quinta temporada que Lily y Marshall intentarán tener un bebé. Encuentro aquí bastante similitudes con alguna de las últimas temporadas de Friends, en las que Monica y Chandler buscaban tener hijos. Puede que las comparaciones sean odiosas, pero parece que la búsqueda de la paternidad es un tema a tratar en casi todos las sitcom como recurso de evolución de los personajes.

Como puntos destacables del capítulo, me ha encantado ver a Robin desaliñada y destrozada por el fin de una relación, algo que pareció no afectarle nunca como mujer fuerte que es, y que soluciona a base de Cheetos. Y también el high six de Ted y Barney.

La sensación que me genera este primer capítulo es que, aunque divertido, parece que han decidido seguir metiendo relleno en vez de comenzar a solventar el asunto de la madre de cara a una temporada más o dos. Aún es pronto para decir que los chistes empiezan a ser algo más forzados y que no sabemos si se repetirán capítulos como The naked man. El caso es ¿hasta dónde se puede seguir estirando el chicle?

DOMINGOS EN SERIE - 19/09/2010 (I)

eloy_ds16@hotmail.com — Wed, 22 Sep 2010 15:06:00 +0000

LA HORA DE LAS CHICAS

Julio C. Piñeiro

En una semana donde estrenos, regresos, así como otras noticias sorprendentes y esperanzadores copan nuestro tiempo y atención, tuvimos que sacar tiempo de debajo de las piedras para poder ofreceros las reseñas semanales de las series que llevamos siguiendo desde el verano. Por primera vez en esta sección, una de las entregas contendrá una única serie. Y esa no es otra que la referencia del momento, Mad Men (Boardwalk Empire acaba de empezar y por Breaking Bad habrá que esperar mucho). El comentario de su último episodio me ha quedado un poco más largo de lo habitual, por lo que me he visto obligado a ponerlo en una entrada por sí solo, para así facilitar la lectura. Pero tranquilos los fans de Rubicon y Weeds: mañana tendréis lo que os corresponde. Dentro crítica.

Mad Men 4x09: The Beautiful Girls

Definitivamente, la segunda mitad de esta excelente temporada (de la que no exageraría si dijese que puede ser la mejor de la serie) está centrada en los dramas más íntimos y personales, por contraposición a las tramas de índole profesional que dominaban los primeros episodios. Y el título del que nos ocupa no lleva al engaño en ningún momento: todos y cada uno de los personajes femeninos (entendido como los personajes medianamente relevantes) tienen su fragmento de protagonismo, conformando un mosaico en el que se diluyen las tramas de los hombres.

Todas estas mujeres, caracterizadas, a su modo, por una singular belleza, a excepción de aquella que marca el punto de inflexión del episodio con su macabra “intervención”, ofreciéndonos de paso el momento más rematadamente humorístico de toda Mad Men. La menos agraciada de las mujeres, la avinagrada y cascarrabias Miss Blankenship, veterana secretaria de Don, se va al otro barrio en su misma mesa. La consternación entre los empleados se hace notar, su frialdad y frivolidad también tiene un límite. Lo mejor de todo es que sucede en pleno transcurso de una importante presentación. Con el mayor sigilo posible, envuelven el cadáver en una lujosa alfombra de Crane (para su indignación) y se la llevan con cuidado, mientras los clientes de turno siguen a lo suyo en una presentación continuamente interrumpida. Ese humor tan macabro se desarrolla tan hábilmente en el segundo plano que nos llega a recordar a los mejores gags del maestro Jacques Tati. Pese a que vemos varios pucheros entre las secretarias, el más afectado sin duda es Cooper, también cercano al umbral de la vida: cuando las barbas de tu vecino veas cortar...

Pero la teoría del caos se hace todavía más compleja, ya que al mismo tiempo, la pequeña Sally llega inesperadamente a las oficinas de SCDP , acompañada por un anciana desconocida que la cogió escondida en el tren, viajando sola y sin billete. Necesita ver a su padre, cada vez más desencantada con su situación familiar actual (¿habrán estando viendo los guionistas La gran familia o algún otro españolada clásica por el estilo?). Ya habíamos dicho que Sally iba a ser el más peliagudo escenario de confrontación entre los Draper. Don ya no sabe cómo hacer para encargarse de la presentación, la niña y encima lo de la difunta.

En esta cuestión entra en escena Faye. Resuelta ya la tensión sexual, en el sentido estricto del término, durante los primeros compases del episodio, ahora Don toma con respecto a ella una determinación que afectará firmemente a su recentísima relación. Draper se acelera más que nunca, pero no en el sentido más evidente, sino con respecto al momento en el que le pide que se encargue de su hija mientras se arregla todo. Las dos hacen muy buenas migas, pese a la reticencia inicial de la psicóloga, que reconoce su gran inexperiencia en el ámbito infantil. El solitario de Don se ha atrevido, de un instante a otro, a experimentar un prototipo de nueva familia con su hija incomprendida y problemática y la mujer que de verdad le gusta.

Pese a que se trate de una decisión repentina y poco meditada, tomada en frío, a nuestro protagonista parece que le complace la idea. Incluso se lo reconoce a su niña, cuando ésta le pregunta acerca de Faye como hacía cada vez que conocía al ligue de turno de su mujeriego papá. La diferencia es que, en el resto de las ocasiones, las únicas respuestas posibles eran el silencio o una desentendida negación. El tiempo que padre e hija consumen en esta ocasión, accidental e improvisada, les sirve a ambos para conocerse mejor y acercarse más, creando una confianza mutua anteriormente inimaginable. Hasta podemos observar en Sally atisbos de un incipiente madurez, cuando, ni corta ni perezosa, prepara el desayuno para ambos.

Volviendo a Faye, lo cierto es que, aunque ha salido bien parada de la experiencia, ella tiene todavía más miedo y escepticismo que Don en cuanto a las relaciones de pareja y, sobre todo, los niños y la familia. Por ello, le pide a Don que contenga sus pretensiones, que vaya más despacio en una relación que aspira a seria y estable. ¿Quién podría imaginar que se diese esta situación hace tan sólo algunos episodios? Por último, no podría faltar la confrontación cara a cara con Betty, pese a que tenga lugar únicamente al final y de una manera más fría y contenida de lo que se podría esperar. Ambos poseen emociones sumamente crispadas hacia el otro, y desearían tirarse los trastos a la cabeza y decirse de todo. Así lo hacen primero por teléfono, con la niña escuchándolo todo, donde por cierto, se advierte un notable e imprevisible pasotismo e irresponsabilidad de Betty cuando decide dedicarse a lo suyo dejarle a su ex el marrón. Pero en el lugar de trabajo, hay que guardar las apariencias. El resentimiento mutuo queda perfectamente patente en un gélido, acusador y rencoroso cruce de miradas. Si hay una virtud que Betty ha aprendido después de tantos años a la sombra de Don, esa no es otro que la discreción.

En cuanto a Joan, se agradece que por fin, durante esta temporada, estemos viendo su lado más humano, más débil, lejos de esa mandona frívola y manipuladora que contorneaba sus caderas en los pasillos de Sterling Cooper para marcar su territorio. La angustia por la marcha de su marido a Vietnam es cada vez más latente, hasta el punto de que el siempre cínico y egocéntrico Sterling se da cuenta. Obviamente, ninguno puede olvidar la relación que ambos mantuvieron tanto tiempo en la sombra, y que parecía haberse disipado para siempre. Pero Roger, cuya única ocupación parace ser la redacción de sus memorias y su venta al mejor postor, decide tener un detalle con su tentación pelirroja, para alegrarle un poco ese mal momento, y se la lleva a cenar.

Para nuestra sorpresa, después de la velada, un individuo les asalta y se lleva sus pertenencias más valiosas: no estamos en ese mundo ideal que la publicidad nos pinta y nos vende. La cuestión es que se lleva el anillo de boda de Joan, el señuelo del hombre que se fue a la guerra y que la tiene en vilo día y noche. Más debilitada que nunca, necesitada de protección y cariño, se lanza con decisión a los brazos de Sterling a la luz de la noche, en plena calle. La mañana siguiente, la réplica de una Joannie, algo más calmada, ante el “I'm sorry” de Roger, lo dice todo: “I'm not sorry, but I'm married”. Sin duda, dos personajes que siempre han permanecido en un segundo plano, pero sin los cuales esta serie no sería la misma.
Por último está Peggy. Oh, Peggy, qué más podremos decir de ella. Regresa el personaje de Joyce, su amiga, la fotógrafa liberal y comprometida. Pese a que esos guiños a la bisexualidad de Miss Olson dejen trastocado al macarra de Rizzo, los tiros van por otra parte, si bien, se trata de un aspecto que sería interesante abordar en entregas venideras. Realmente quien importa para esta subtrama es Abe Drexler, amigo de Joyce también introducido en The rejected, donde aprovechó para acercar posiciones con Peggy. Como buen activista y militante, le insiste para que intente vetar la cuenta que SCDP intenta llevarse en este capítulo, Fillmore, una casa de recambios sureña que en sus políticas de empresa prohíbe, bajo cualquier término, la contratación de afroamericanos.

Al margen de la habitual clase de historia y sociedad, esta vez bajo un referente más difuso, está el hecho de que Peggy es la imagen del cambio social y cultural dentro de la serie. Aunque inicialmente reticente a obedecer a su conciencia y seguir el consejo de Abe, en una reunión creativa lo deja caer, con un calculado tacto, a lo que Don le responde que eso no les debe incumbir. En otras palabras, le sugiere, con toda naturalidad y serenidad, aceptar sin más el hecho de que la industria publicitaria es inmoral, escapista y mercenaria per se, y que no tendria razón de ser si fuese de otra manera. Así es la vida en Madison Avenue.

Series de TV - Llega THE EVENT

eloy_ds16@hotmail.com — Tue, 21 Sep 2010 19:37:00 +0000

CONSPIRACIÓN PLANETARIA
A LO PULP FICTION

Julio C. Piñeiro

Seguimos con la semana grande de los estrenos catódicos. Que no os alarme el título, no me estoy emocionando de más, para nada, pero enseguida os expongo la razón. Lo cierto es que este piloto, ante el que no contemplaba grandes expectativas, me ha dejado buenas impresiones, y no parece tender tanto a ese destino efímero que muchos le auguraban, a que enseguida se agotase y entrase en un espiral de embrollo y tedio. El sambenito de “nueva FlashForward” se le empieza a desprender.

La principal baza reside en que el gran misterio, la gran incógnita, adquiere una dimensión mucho más compleja a partir de un sensacional e inesperado cliffhanger. Ese evento de marras que bautiza a la serie no es aquello que parece ser en un principio: la aparente predictabilidad no es más que un gran mcguffin, una manera de relajar a los espectadores más ambiciosos y analíticos para luego espetarles en toda la boca un mayúsculo WTF (en el buen sentido del término).

El misterio ya empieza a adquirir tono, dimensión y estilo en esa confusa primera secuencia, presentada a modo de vídeo viral (no, no está Abrams detrás para nada, al menos en esta serie no). Aunque sin duda, lo más atractivo de esta intriga serial, o al menos del piloto, es su intrincada fórmula narrativa, como he dicho, al estilo y semejanza de Pulp Fiction, pero llevado a un escenario global y disperso, a diferencia de esa espacio más reducido y cercano de la obra maestra de Tarantino. En otras palabras, el argumento se muestra ampliamente fragmentado. Por un lado, con diferentes historias de personajes, aparentemente sin conexión directa, que se cruzan en algún momento (todavía no sabemos si es que estaban destinadas a cruzarse) y convergen hacia un mismo destino fatal, e idas y venidas en la línea temporal. Simultáneamente, esas diferentes tramas se presentan a su vez temporalmente dispersas, con numerosas idas y venidas en sus respectivas líneas temporales.

Podemos clasificar lo que llevamos visto en dos grandes megatramas. Una más amplia, desarrollada en un lapso de 13 meses, en el que diferentes elementos del tejido político y la inteligencia confidencial toman parte, cada uno a su moda, en una conspiración que, aparentemente, parece encaminarse a un único fin, directamente relacionado con la figura del presidente. Y una más reducida, de naturaleza más “terrenal” y cotidiana, a lo largo de un periodo de 11 días (me refiero siempre hasta el momento del cliffhanger), la de los individuos anónimos e inocentes que acaban atrapados sin remedio en las zarpas de ese gran complot. Es en esta última donde tiene lugar la historia de nuestro principal protagonista, Sean Walker (Jason Ritter) un tipo corriente, en un momento muy feliz de su vida que se le viene abajo de un instante a otro, cuando su novia desaparece de manera repentina e inexplicable y su familia política recibe una visita inesperada, con un imprevisible y chocante resultado.

Desde este momento nos inundan las preguntas, los enigmas, las necesidad de encontrar todas las piezas que aún faltan del puzzle. ¿Estas personas, aparentemente corrientes, han sido atrapadas en este tinglado de manera casual o realmente hay algo oculto con respecto a ellos o su entorno más cercano? ¿Quién es y qué esconde esa enigmática Sophia (Laura Innes) que el presidente saca de ese secretísimo complejo carcelario de Alaska? ¿Qué circunstancias y motivos han rodeado a la desparición de Leila (Sarah Roehmer), la novia de Sean? ¿Quiénes eran esos hombres que irrumpieron en casa de los padres de Leila? ¿Cómo acabó el padre donde acabó? Aún es pronto, pero creo que esta serie nos hará teorizar bastante, aunque no creo que tanto como aquella que nos dejó allá por el mes de mayo pero de cuya sombra no nos damos desprendido ni de lejos.

Afirmo esto último porque lo mejor aún está por llegar. En una ficción serial, el ingrediente indispensable de un buen piloto es un cliffhanger medianamente logrado. Pues bien, en este caso, The Event ha hecho los deberes a conciencia, ofreciéndonos un giro final sobrenatural que, como ya he dicho, redimensiona el alcance y la naturaleza de la intriga y el misterio, y prácticamente echa por tierra todo lo que hemos podido ver hasta entonces. Esa conspiración de marras y su inminente efecto final, algo ya bastante complejo de por sí, y lo que nos ha tenido en vilo durante todo el episodio, parece no ser más que el detonante de algo mucho mayor, el auténtico “evento”, de lo que hasta ahora sólo hemos podido ver una milésima parte. Pero esa tal Sophia sabe lo que se está cociendo, ella tendrá las claves.

A modo de anécdota, destacar la huella tan exagerada de la obamamanía, al presentarnos a un presidente hispano, más concretamente cubano, Elías Martínez, encarnado por el afroamericano Blair Underwood (Sexy money). Ese tiene de hispano lo que Scarlett Johansson de saharaui.

Ficha técnica

Entrevista a DANIEL MONZÓN y EMMA LUSTRES, director y productora de CELDA 211

eloy_ds16@hotmail.com — Mon, 20 Sep 2010 23:14:00 +0000

DANIEL MONZÓN:

"LA PRESELECCIÓN HA

SIDO UN REGALO"

Eloy Domínguez Serén

El pasado 15 de septiembre la Academia del cine español anunció la inclusión de Celda 211 en la terna de títulos preseleccionados para representar a España en la próxima edición de los premios Oscar. El film dirigido por Daniel Monzón disputará a Lope, de Andrucha Waddington, y También la lluvia, de Iciar Bollaín, la plaza que permite optar a una de las candidaturas a la mejor película de habla no inglesa. Esta preselección es el último reconocimiento a una excepcional trayectoria, en la que sobresalen las ochos estatuillas que obtuvo en la última edición de los premios Goya. A continuación reproduciré la entrevista que hice para Radio Galega al propio Daniel Monzón y a Emma Lustres, directora de Vaca Films y principal responsable de la producción de esta cinta.

Tanto Lope (presentada el pasado 3 de septiembre) como También la lluvia (que inaugurará la Seminci de este año) son películas recientes. Sin embargo, Celda 211 se estrenó hace ya diez meses el 6 de noviembre. ¿Creíais que este factor temporal podía ser un handicap para entrar en la preselección para los Oscar?

DANIEL MONZÓN: En realidad ninguno de los miembros del equipo contaba con que fuera a salir preseleccionada. De hecho, yo ni siquiera sabía la fecha en la que se daban a conocer los preseleccionados. Me llamaron a lo largo de la mañana la propia Emma, Antonio Resines, el director de arte o incluso Luis Tosar. Ninguno de nosotros creíamos que la película tuviese esta posibilidad así que fue una sorpresa estupenda. Sólo el hecho de estar en la preselección es un regalo, ya que esto significa que la película ha permanecido en la memoria de los académicos.

EMMA LUSTRES: Estamos muy agradecidos a los académicos por haber valorado Celda 211 como una posible candidata a representar a España los premios Oscar, pero la verdad es que no contábamos con ello porque se trata de una cinta que hizo todo su recorrido a finales del pasado año y principios de este. Además, entendíamos que la Academia nos había demostrado ya un gran apoyo con los ocho premios Goya.

Imagino que una posible candidatura al Oscar sería un importante impulso para la distribución de la película en los Estados Unidos, donde, a pesar de no haber sido estrenada en salas comerciales, sí ha participado en varios festivales.

DANIEL MONZÓN: La película tiene distribuidora en los Estados Unidos, la misma que se encargó de la distribución de películas como Anticristo, de Lars von Trier, o Y tú mamá también, de Alfonso Cuarón. Allá ha tenido ya una buena acogida, por ejemplo cuando inauguró el ciclo 'Spanish Cinema Now' en Centro Lincoln de Nueva York. También en Nueva York los críticos latinoamericanos otorgaron el premio (ACE: Asociación de Cronistas del Espectáculo) al mejor actor protagonista a Luis Tosar y a Carlos Bardem el de mejor actor de reparto. Luis también ganó el premio al mejor actor en el Festival Internacional de Seattle. Por otra parte, varias majors han demostrado interés en realizar un remake americano de esta película.

¿Qué me dirías de una posible nominación de Luis Tosar al Oscar al mejor actor?

DANIEL MONZÓN: Luis no sólo tendría que ser nominado al premio mejor actor, sino que debería de llevárselo (risas) Sin embargo, es difícil llegar a eso con una producción europea si no viene precedida de un premio en festivales como Venecia o Cannes. Sería maravilloso, aunque es muy pronto para pensar en eso, ya que ni siquiera hemos sido propuestos por la Academia Española a los Oscar. De todos modos, creo que la interpretación de Luis en Celda 211 ha sido de lo mejor que ha habido en el año. Luis ha hecho un trabajo excepcional, un gran regalo para esta película y, por supuesto, para mi.

¿Cuáles son los próximos proyectos de Vaca Films?

EMMA LUSTRES: Tenemos dos obras a punto de estrenarse. Una de ellas es Retornos, una película dirigida por Luis Avilés. La película está rodada en Galicia por un equipo mayoritariamente gallego, y está rodada en ambos idiomas: gallego y castellano. Esta película se estrenará en la Seminci y su estreno comercial será el 29 de octubre en salas de toda España. Además, también estuvo en el festival de Montreal e irá al de Sao Paulo. Se trata de un thriller ambientado en la Galicia rural, en el que se investiga el asesinato de una prostituta que aparece muerta en la carretera de una pequeña aldea.

La otra película es Secuestrados, un thriller psicológico con tintes de terror dirigido por Miguel Ángel Vivas en el que se narra el secuestro de una familia en su propia casa. Este film participará en la sección Oficial Fantàstic de Sitges y se estrenará en salas a principios del próximo año.

La entrevista se realizó, por separado, el pasado viernes 17 de septiembre para el programa Somos Quen, de Radio Galega.

Series de TV - BOARDWALK EMPIRE: Episodio Piloto (2010) de Martin Scorsese

eloy_ds16@hotmail.com — Mon, 20 Sep 2010 21:10:00 +0000

DUELOS DE RATAS

AL BORDE DEL MAR

Julio C. Piñeiro

(También puedes leer este artículo en EnClave de Cine)

Vuelve la más grande, y como no podría ser de otra manera, lo hace por todo lo alto. La nueva serie de la HBO se ha puesto el listón muy alto nada más empezar. Y atención, que nunca ha habido hasta ahora una serie a la que no le viniese grande el siempre desacertado apelativo de “sucesora de”, en este caso, Los Soprano, por mucho que su creador y showrunner, Terence Winter, haya salido directamente de aquella serie, en la que siempre fue una de las principales almas creativas. Pero las primeras impresiones que nos deja el visionado del piloto no podrían haber sido mejores, y eso que la expectación estaba por las nubes, lo que siempre resulta un lastre y un obstáculo al fin y al cabo.

Ante la arriesgada afirmación que acabo de hacer en el párrafo anterior, no me estaba refiriendo a la esfera relacional y psicológica que elevó a los altares a la familia mafiosa del siglo XXI por excelencia, ni mucho menos. Lo que sí es cierto es que Boardwalk Empire tiene todas las papeletas para recoger el testigo de la serie de David Chase en cuanto a la indiscutible referencia en el macrouniverso ficticio de los relatos del crimen organizado en esta nueva década. Sin duda, desde Tony Soprano y compañía, el imaginario colectivo se ha movido del cine a la televisión en cuanto se buscaba la mejor representación actual de ese gran género de la ficción.

Con tales expectativas, la producción ha dado en el clavo con la elección de un inmejorable maestro de ceremonias: Martin Scorsese, el nombre propio al que inmediatamente se le atribuye el concepto de mafia en el cine, así como el mayor gurú del género, con permiso de Coppola, la otra gran referencia. El cineasta italoamericano ha dado con la clave, encontrando la intersección exacta entre su reconocible y poliédrico universo autoral y la nueva era del drama gangsteril, con la que, por otra parte, estaba condenado o destinado a encontrarse tarde o temprano. Sus marcas personales enseguida se hacen patentes, si bien el guión ya se presta de por sí a ello con toda claridad: los largos e intrincados travellings descriptivos en localizaciones multitudinarias, la atmósfera sórdida, la aureola rematadamente soez de los personajes, la violencia ensañada y espontánea o el logrado contrapunto con el que intercala las secuencias de matanzas. Esperemos que la inercia de su sello se mantenga y en los siguientes episodios la esperable excelencia narrativa venga acompañada de la genialidad visual.

Insisto en que esta serie está destinada a ser el nuevo estandarte de calidad de la HBO, cuyo reinado, por suerte para los televidentes golosos, ha tenido por fin una importante contestación en los últimos años. Por ello, la cadena no ha escatimado en recursos y nos ha vuelto a dar una lección de diseño de producción, ambientación y factura escenográfica de lujo. El argumento trascurre con mucha más fluidez en un escenario tan logrado como la Atlantic City de los años '20, en los inicios de la Ley Seca, y en especial, ese paseo marítimo en el que se construye día tras día el imperio del crimen. Así como una sociedad (si así se le puede llamar) sumida en el miedo y la inopia, por un lado, y la depravación más desbocada, por el otro, en manos de criminales, mercenarios y mangantes varios, y con abismales diferencias sociales: lo más parecido a Sodoma y Gomorra que ha podido parir el siglo XX. La deliciosa guinda son esas inevitables y perfectamente diegéticas referencias culturales e históricas, como marcadas ilustraciones de la era del jazz o el homenaje directo al cine mudo, tanto por una sala de cine en la que los espectadores ríen las gracias de “Fatty” Arbuckle como por los cachés que abren y cierran el capítulo.

Las pautas narrativas y conceptuales quedan perfectamente marcadas, como debe suceder en un buen piloto. Al margen de las dialécticas de poder, corrupción, traición, venganza, temor y respeto, habituales y reconocibles en todo relato criminal, la serie ofrece otras dos vertientes, que la definen como única y que servirán para encauzar los acontecimientos. Por un lado, esa doble cara, esa doble moral de la alta sociedad, en la que el mayor peligro para el pueblo son aquellos que precisamente están obligados a protegerlo. Esto queda perfectamente personificado en la figura del cínico y poderoso Nucky Thompson, en la piel de un siempre genial Steve Buscemi, que estará en su salsa. De una cara, un respetado cargo político en quien el pueblo confía, sobre todo de cara a la correcta ejecución de la recién implantada Ley Seca. De la otra, en la sombra y el exclusivo circuito de casinos, burdeles y salas de fiesta, mueve el contrabando de licores que de día tanto dice querer erradicar. Una alegoría directa a la naturaleza más perra e infame de la política. La propia dualidad ética pasa a un nivel más íntimo, a la fuerte dicotomía entre la facilidad con la que ordena matanzas y demás actos delictivos, a la piedad con la que ayuda a una pobre mujer (Kelly McDonald) que acude a pedirle protección y a la que acaba rescatando de los brazos de su maltratador, jugador y borracho marido, esa misma clase de persona de la que su imperio criminal se lucra.

El que se intuye como el otro gran principio organizador de esta ficción es la perspicacia de los ratones para destruir a las águilas, es decir, insignificantes secuaces que, poco a poco, y para su lucro y escalada personal, van destrozando desde dentro (o apoderándose) de las estructuras criminales, hasta la mismísima cúpula, que no sospecharía lo más mínimo de estas ratas trepadores. A través de una compleja partida de traición, chantaje, influencias y, por supuesto, doble juego, el otro gran personaje de la serie, Jimmy Darmody (Michael Pitt), joven veterano de guerra y hombre de confianza de Nucky Thompson, aprovecha su accidental condición de “doble agente” con los federales (los orígenes de la DEA) para burlar a unos y otros y llevarse el botín, no sin antes hacer gala de honor y gratitud (volvemos al concepto de la dualidad) con su “mentor”, al que le entrega un porcentaje. Su principal compinche en este arduo y temerario menester no es otro que un novel y emergente Al Capone, la mayor referencia histórico-cultural de la serie hasta el momento.

No tiene sentido que os siga hablando, ahora os toca disfrutar. Os dejo con la pegadiza y lograda cabecera. Tampoco en este aspecto esperaba menos de la HBO.

Ficha técnica

DOMINGOS EN SERIE - 12/09/2010

eloy_ds16@hotmail.com — Mon, 20 Sep 2010 01:41:00 +0000

DESPECHOS, MANIPULACIÓN

Y MUCHO ACEITE

Julio C. Piñeiro

Por poco nos pilla el toro de lleno. Os traemos las reseñas pendientes de las series que nos llevan acompañando desde el verano. Y procuraremos que no ocurra lo mismo con las de esta semana, aunque el aluvión de estrenos y regresos nos vaya a quitar bastantes horas de sueños. A lo mejor habrá que considerar la necesidad de redimensionar esta sección, que puede volverse demasiado inabarcable.

Que no os alarme este título tan surrealista: cada uno de esos grupos nominales tiene sentido a su modo, en relación a sus respectivos capítulos. La entrega semanal de Mad Men rompe la dialéctica general de la cuarta temporada y nos trae un episodio atípico y más intimista que de costumbre. En Rubicon, se empiezan a ver ya las manos que mueven los títeres, aunque sea muy difícil predecir sus próximos movimientos. En cuanto a Weeds, la sucesión de acontecimientos nos lleva a la posición que estábamos esperando, y el aceite, a su manera, tiene mucho que ver.

Mad Men 4x08: The summer man

De nuevo, la mejor serie del momento nada a contracorriente en el río cronológico. Aquí con pena acabamos de despedir el verano, mientras que en la Nueva York de los años '60 la temporada estival se acerca. Y con ella, el calor y la modorra que la suelen acompañar cuando las obligaciones no permiten distenderse. Tenemos un capítulo alejado de la intensidad y la exuberancia que caracteriza a las entregas de esta cuarta temporada. Pero ni mucho menos se ha alcanzado el vacío o el conformismo, sino que más bien se rescata la esencia de la primera temporada: en líneas generales, parece que no está pasado nada, pero en breves y chocantes lances nos damos cuenta de que por debajo de esa aséptica superficie está ocurriendo mucho.

Esta suspensión la observamos sobre todo en Don. Muy debilitado todavía por la muerte de Anna, inicia una especie de proceso de redescubrimiento interior. No sólo por los solitarios largos en la piscina deportiva. Ni por ese monólogo interior, esa inédita voz en off en la que el protagonista intenta hacer un balance de sus entrañas, algo así como lo que vimos recientemente hacer a Sterling, pero respondiendo a una motivación completamente opuesta. También en situaciones de la esfera profesional a las que responde de manera inusual, atípica, haciendo lo contrario a lo que haría habitualmente. Me refiero a la indolencia con la que actúa ante las continuas impertinencias de Joey, actuando con un inesperado pasotismo y dejando la resolución del peliagudo conflicto en manos de Peggy, la que ya es oficialmente su protegida.

Por otro lado, en este capítulo Draper tiene dos encuentros románticos sumamente diferentes entre sí, sobre todo, en cuanto a su significado. En primer lugar, con la dulce y no tan ingenua Bettany van Nuys (Anna Camp, una actriz a la que ya hemos podido ver en True Blood y Glee), una aventura superficial, un distracción momentánea. Ella, que sí se había hecho algunas ilusiones, se hace consciente de ello y Don no pretende que piense lo contrario. La culminación de su encuentro en el taxi supone un nuevo acto de “provocación retardada”: Mad Men es una serie que en el momento histórico que representa nadie se atrevería a hacer ni por asomo, aunque todos supiesen en el fondo que aquel sí era el mundo en el que vivían y no el que el sistema les pretendía hacer creer. Una nueva medallita (y van ya unas cuantas) para una producción excelente.

En segundo lugar, aquello que todos estábamos esperando y deseando, aunque bien es cierto que parecía que se iba a demorar algo más de tiempo. Era evidente que la TSNR entre los dos mayores erizos de la serie, Don y Faye (dejemos de llamarla Dra. Miller, ya hay confianza), se hacía cada vez más explícita y crecía a bastante velocidad. Primero la vemos a ella manteniendo, en la oficina, una fuerte discusión telefónica con alguien que enseguida se intuye como una ex-pareja. Un Draper muy perdido y desorientado busca un nuevo estímulo para su vida, y éste llega en forma de rubia tenaz. Obviamente, él lleva la iniciativa, y tras muchas largas, ella acepta una cita. Al final de la velada, tras un cena repleta de rebuscadas indirectas, por fin rompen el hielo. Eso sí, el señor Draper nos vuelve a dar otra gran sorpresa cuando él mismo, y no ella, opta por el “esta noche no”.

Si hay un argumento serial para esta temporada, ese no es otro que la guerra de los Draper, que se está desarrollando de una manera mucho menos previsible y aturrullada de lo que cabría esperar. Tras encontrarse, por pura y sarcástica casualidad, en un mismo restaurante, los Francis con Don y su cita de turno (Bettany), Henry no puede soportar el excesivo resentimiento de Betty, que no puede responder más que a un profundo (y pueril) sentimiento de despecho. Esas cajas con pertenencias de Don en el garaje de villa Draper, en la que ahora viven (de alquilados, recordemos) Betty y los niños con Henry, funcionan a la perfección como una metáfora de los restos de Don que quedan todavía en la vida de Betty, que para aquel, como podemos comprobar más tarde, cuando las recoge para después tirarlas al contenedor, son solo residuos, estorbos insignificantes. Draper es, ante todo, un nómada de la existencia, y sigue adelante. Así y todo, el encuentro (y probable inicio de relación) con Faye resulta muy constructivo y reflexivo en su vida, por lo que sí decide finalmente presentarse en el cumpleaños de su hijo pequeño (que apenas lo reconoce), cuando sabe a ciencia cierta que no era bien recibido ni se le esperaba.

Pasamos a la zona off-Draper. En este episodio vemos lado más débil, en todos los aspectos, de la habitualmente frívola y impasible Joan. En una estado de preocupación continua por la inminente partida de su marido a la guerra, lo que colma el vaso son las persistentes impertinencias de Joey (ya adelanté que el “trío calavera” la iba a montar tarde o temprano), en una subtrama que ha devuelto al ruedo, de golpe y sin prolegómenos, el machismo más tajante y explícito. Paralelamente, Peggy sigue ese proceso de transformación en algo-muy-parecido-a-Don. Sintiéndose entre ofendida por las acciones de su inmaduro e irrespetuoso subordinado y solidaria con una mujer que siempre la ha apoyado y enseñado, toma cartas en el asunto, y tras recibir la correspondiente delegación de su superior y mentor, despide a Joey, enseñándonos su lado más severo e imperturbable.

Eso sí, lo mejor de esta parte está por llegar: al final del día, Peggy y Joan se encuentran en el ascensor. La frialdad seriedad de la pelirroja es sepulcral ante una Miss Olson que, sin especial egolatría, espera un gesto de agradecimiento por su parte. En cambio, lo que obtiene, para el espasmo suyo y del espectador, es una malévola y reveladora reprimenda verbal de Joan. Emulando la voz del espectador más retorcido y malpensado, le recuerda a Peggy, y a nosotros mismos, lo que es ella realmente, lo que todos sabíamos que era desde el principio: un trepa, vale que honrada y nada viperina, pero una trepa al fin y al cabo, que está viendo cumplidas sus pretensiones a pasos agigantados, hasta el punto de convertirse en la mano derecha del cerebro y alma de la agencia. Menuda machada de la pelirroja, aunque tenga toda la razón. Justo ahora que le habíamos cogido tanto cariño a Miss Olson...

Rubicon 1x08: Caught in the Suck

Hace algunos posts indicábamos la importancia que iba a tener ese doble juego que se estaba marcando Kale Ingram con respecto a Will y a la investigación del complot. Unos movimientos cada vez más inciertos, de motivación más enigmática incluso que la propia conspiración en sí misma. Pues bien, en este episodio adquiere toda su dimensión y parece marcar el cauce por el que trascurrirán muchos acontecimientos a partir de ahora. Lo más importante de este episodio no son los movimientos de Will, sino los cambios en su manera de tratar a otros personajes, cambios inducidos directa y exclusivamente por el propio Ingram. Las revelaciones hacia el pasado no se encaminan esta vez hacia los restos de la conspiración, pero resultan igualmente importantes para el desarrollo de la serie y la esfera de los personajes.

En primer lugar, Maggie. Decíamos en el último capítulo, con la oportuna trama procedimental del descubrimiento de un topo, que la buena de Maggie parecía esconder algo. Pues bien, no era aquel topo, ni mucho menos una parte de la conspiración. Pero lo que ahora sí sabemos que el primer momento fue contratada por Ingram para inspeccionar a Will en todo lo que pudiese, rebuscando en su oficina cada día. Ahora se entiende esa actitud paternalista de Kale hacia ella, y su incómoda reacción cada vez que Will le preguntaba algo acerca de Kale. No dudamos que sean reales y verdaderos los evidentes sentimientos que han germinado hacia su compañero, al mismo tiempo que la espiaba (de hecho, acaba abandonando la nave), pero esta nueva revelación no hace más que patentar la teoría principal e hilo conductor de la serie: nadie se salva de la sospecha, todos ocultan algo. Maggie es, en definitiva, un peón de Ingram, que la seleccionó por su perfil ideal para aceptar un acometido de tal calibre, éticamente hablando: emocionalmente débil, con problemas familiares y dificultades financieras para la correcto manutención de su hija.

Ahora bien, ¿qué posición tiene a su vez Ingram en todo ese entramado que Travers investiga? No parece tener demasiada conexión con la(s) compañía(s) y sus cabezas visibles, más allá de su relación con Donald Bloom, que parece meramente circunstancial. En este punto, también toma partido Ed Bancroft. Como cabía esperar, se conocen bastante bien, lo que no quiere decir que tengan una gran relación. Ingram parece empeñado en involucrarlo de lleno en la investigación de Travers, jugando en ambas direcciones con ellos dos, y dándoles pistas que a saber donde conducen (o de dónde les apartan). Por otra parte, con respecto al tema de Maggie, es él, y no ella, quien le revela a Will la realidad. ¿Qué esconde realmente Ingram? ¿Para dónde tira? ¿A dónde pretende llevar realmente a Travers y a Bancroft? ¿Será él aquel séptimo hombre de la lista de David, el único cuyo identidad no se pudo descubrir?

Entre los hallazgos propios del protagonista, destaca el descubrimiento del emplazamiento físico donde operan las diferentes compañías: Atlas McDowell, Garzon (agencia de Edward Roy) y el Citizen's Institute de Spangler. Aparece todo en el mismo lugar, un mismo bloque de oficinas, en lo que parece ser un conglomerado empresarial en el que manda también Spangler. Al margen de eso, vemos por fin a “la compañía” reunida, a todos esos hombres que estuvimos viendo en diferentes episodios. Sabemos que su entramado tiene que ver con las operaciones confidenciales, el terrorismo y el tráfico de armas. Se nos confirma su responsabilidad en la irrupción en villa Rhumor, centrándose ahora en la figura de Katherine, sobre la que el propio James Wheeler parece descartar cualquier posible sospecha. Se sugiere también el motivo de la repentina decisión de Tom Rhumor, que parece no ser otra que la amenaza de sus compañeros por haber puesto en peligro la integridad de “la operación” en cuestión.

Más tarde, en el despacho de Wheeler, vemos aquella misma foto que vio Katherine tanto en las pertenencias de su difunto marido como en las del igualmente malogrado en misteriosas circunstancias Gerald Bradley. Una foto antigua de siete niños cogidos de los brazos. Algo me dice (y no he tenido que pensar mucho) que esos niños acabarían fundando la compañía/hermandad/loquesea de marras. Ahora bien, si dos de esos hombres son los ya fallecidos Rhumor y Bradley, quedarían aún otros cinco. Como cinco son los comensales de la compañía: Spangler, Wheeler, Gilbert y otros dos cuyo nombre desconocemos. Rubicon empieza a engendrar su propia mitología.

De ahí pasamos a unos momentos íntimos de Wheeler en su casa, algo muy inusual e inesperado para un personaje tan secundario hasta ahora, en lo que parece ser un déjà vu, una reedición de aquella todavía desconocida sucesión de acontecimientos que llevaron a Rhumor a suicidarse. Pues todo indica que a Wheeler le aguarda el mismo destino. En un momento se da cuenta de que está siendo espiado desde una ventana contigua: la espiral de traiciones y desconfianza parece infinita. Habiendo ya apartado a los demás de la persecución de Katherine, o al menos, creyendo haberlo hecho, le deja un mensaje en su contestador, una disculpa con un fuerte aroma a despedida, para luego enviarle una señal, un indicio que le permita seguir la pista: la misma foto de marras con un trébol de cuatro hojas dibujado en el reverso. ¿Os suena? Ese mismo signo que provocó la drástica decisión de Tom Rhumor en la primerísima secuencia de la serie. Ahora ya sabemos, sin lugar a dudas, que se trata de una marca, un testimonio fatal, sin saber qué anuncia realmente, pero sí que se trata de algo terrible. De alguna manera, podemos constatar que Wheeler será a Katherine lo que David a Will, aunque en el primer caso, la interpretación de los diferentes códigos tendrá que hacerse de modo mucho más intuitivo y “pagano”.

Por último, no podría faltar la subtrama procedimental de turno, que en este episodio se hace más intensa, aunque quizás demasiado extensa con respecto a su, creemos que poca, relevancia. El personal del API al completo tiene que pasar un control de orina. Todos sabemos de qué pie cojea Tanya, pero en primer lugar, los tiros no van por aquí. Muy nerviosa ante los resultados, Tanya, junto con Miles, es enviada en una mini-misión junto a la CIA. Su acometido no es otro que la supervisión de unos interrogatorios en una cárcel clandestina, directamente relacionado con todo el tinglado de Tanaz que ellos estaban investigando. Y más que establecer remotas conexiones con la trama principal (que a estas alturas de temporada, ya no creo que surjan), este segmento, al que fácilmente le puede caer el calificativo de “relleno”, parece tener su objetivo principal en mostrarnos las barbaries que los agentes de inteligencia están obligados a contemplar en el día a día de su vida profesional, así como la frivolidad e impasibilidad con la que, a la fuerza, acaban manejándolas. Algo ya presente de manera más verbal que visual en los primeros episodios. Así y todo, el reset procedimental no es completo. Al final, con los resultados de los análisis en mano, Spangler le da un voto de confianza a Tanya, le da la oportunidad de tratar su adicción y le ofrece todo su apoyo. Perdónenme, pero todo esto apunta a que Tanya será un nuevo peón del tablero de Truxton, que aprovechará su debilidad tal como Ingram hizo con Maggie. Entre manipuladores anda el juego.

Weeds 6x04: Bliss

La caravana de los Newman se ha asentado por fin, al menos provisionalmente. De California pasamos a Tijuana y ahora a Seattle. Allí, los personajes parecen haber encontrado cada uno su sitio, su propia comodidad. Así de rápido. Y por supuesto, como no podría ser de otra manera, Nancy ya se ha montado su propia red de distribución de la mercancía. Todavía muy precaria, y no todo lo lucrativa que podría ser, pero funciona, que es lo importante. Qué pronto le ha llegado la dicha a los Botwin en su nueva vida.

Nancy consigue lo que le hacía falta: un intermediario. ¿Que quién es? Pues un viperino e intrépido conserje, todo un trepa del mundo de la hostelería de lujo. De tan bien curtido que está, y avalado por su amplia cartera de contactos, detecta el estado de inferioridad en el que se encuentra ahora mismo nuestra protagonista, que empieza desde cero, y así le saca más tajada de la que debería. Pero la veteranía y la astucia de Nancy no tardarán en aparecer y seguro que este pimpollo muerde el polvo más pronto que tarde.

La mercancía se vende como lo seda y hace falta ir a por más. Volvemos a Linda Hamilton, a quien ya podemos calificar de proveedora oficial, tal como ocurría con Heylia en las primeras temporadas. Pero el efectivo sigue siendo un imperativo, así que a Lady Botwin no lo queda otra que improvisar en cuanto su familia le reclama la paga semanal. En este punto llega uno de los momentos más irreverentes de toda la serie, en el que Nancy llega su versión más arrastrada jamás vista y ofrece pagar la materia prima “en especies”,... cromosomas Y, conténganse: no habrá escena calentorra entre milfs. Linda (que así se llama también el personaje) es una tía dura y no se le convence con eso, lo que no quiere decir que le deje de resultar apetecible en algún momento.

La salida llega por otro lado. Las armas de mujer muchas veces residen en la astucia, y así Nancy encuentra la solución. La clave está en el aceite. No, malpensados, abandonad ya los pensamientos calenturientos. Como ya dije en el episodio anterior, la casa de Linda es de todo menos normal. Pues eso, que el coche de su hija funciona con biodiesel, lo que reducido a lo absurdo y a lo burdo viene a decir que necesita aceite usado en cantidades para poder arrancar. Aquí se le enciende la bombilla. Acaba recurriendo, por no variar, al bueno de Andy, que acaba accediendo a darle el aceite de la cocina, muy a riesgo de poner en serio peligro su nuevo puesto como ayudante del chef. El flirteo de ambos es demasiado llamativo, así que apuesto que de esta temporada no pasan sin romper el hielo de una maldita vez.

La carretera es demasiado apasionante como para dejarla de lado. Así, mientras unos ya se han asentado en su parada, otros van en camino. César y su lacayo, con Doug de rehén, empiezan la búsqueda siguiendo el rastro del móvil de Andy. Con estos tres chalaos sobre ruedas, los momentos cómicos se multiplican. Las continuas amenazas de muerte de los secuestradores y la desesperadamente cómica autodefensa del rehén crean un genial contrapunto humorístico. Así, el culmen del cachondeo se presenta cuando llegan a Seattle y localizan al poseedor del teléfono: un pobre mendigo que no quiere saber nada del asunto. Al más puro estilo de aquel grandioso momento de Pulp Fiction en el que a Travolta se le disparaba la pistola tras pasar por un bache, aquí es la fugaz irrupción de un gato callejero lo que precipita el gatillo, llevándose por el medio al pobre mendigo. Ahora los sicarios tendrán algo más de lo que preocuparse mientras buscan a Nancy.

Volviendo a los Botwin, como ya he dicho, cada uno parece alcanzar la felicidad a su manera. Silas se infiltra en la vida universitaria y enseguida descubre su lado más ocioso y hedonista. Andy logra colar una de sus elaboraciones más preciadas en el menú, y viendo el éxito, el excéntrico chef (un papel a la medida del gran Peter Stormare) decide darle el puesto de ayudante, no sin antes hacerle pasar por un castigo tan clásico como el pasillo. Veremos lo que hará cuando se entere de que falta aceite. Sus líneas argumentales parecen quedarse en lo personal, sin interferir en la trama serial.

Algo que sí ocurre con Shane. El chaval ya la montó y ahora la vuelve a montar. Muy involucrado en la tarea de cuidar al pequeño Avi, conoce "por casualidad" a tres madres solteras (todos conocemos su pasión por las milfs, incluso si es la propia) mientras lo pasea. Con el único fin de crear un importante lazo afectivo que llegue a sus consecuencias más deseadas, se crea una historia, más rocambolesca imposible, en la que la supuesta madre del niño, que sería suyo, murió en la guerra de Irak, dando incluso el dato de la batalla concreta. Lo que pasa es que estas madres de hoy en día están en todo, y detectan una importante incongruencia en esa historia, y amenazan con tomar cartas en el asunto. Lo del cochecito robado era una pequeñez, pero esto ya no. Los jueguecitos de Shane le volverán a traer problemas a su familia, a no ser que vuelve a tirar de ingenio para salir del embrollo (lo que es posible).

El cliffhanger se hace inmejorable. Andy y Nancy son cazados in fraganti por una pareja de policías cuando salen de casa de Linda con la mercancía. La dicha se marcha tan rápido como llegó. Empiezan los problemas, es decir, se avecina mucha diversión. Con César al acecho, y Shane en un fregao de tres pares, las siguientes entregas se intuyen frenéticas y apasionantes. Y atención, que aún están pendientes las apariciones de Richard Dreyfuss y Mark-Paul “Zack Morris” Gosselaar, así como los regresos de Audra y la tía Jill.

SALVANDO LAS DISTANCIAS - Going the Distance (2010) de Nanette Burstein

eloy_ds16@hotmail.com — Sun, 19 Sep 2010 18:18:00 +0000

LOS DERROTEROS DE

LA NUEVA COMEDIA AMERICANA

Eloy Domínguez Serén

Las fórmulas agotadas, trilladas e inamovibles comienzan a ser atractivas cuando se las considera un fértil caldo del cultivo para la reinvención. Esta reinvención puede realizarse desde la superación, la mutación, la ruptura o la reinterpretación, pero en todos los casos encierra un meditado análisis de los parámetros que han establecido una determinada convención.

Uno de los cineastas que más y mejor ha sabido adulterar los códigos de la maquinaria hollywoodiense durante los últimos años ha sido el neoyorkino Judd Apatow, considerado por parte de la crítica como uno de los principales impulsores de la “nueva comedia americana”.

Sin embargo, el responsable de éxitos como Supersalidos, Paso de ti o Lío embarazoso es sólo la punta de un voluble iceberg, en el que representa sólo una de las múltiples vertientes generadas por la renovación de la comedia romántica estadounidense.

Pequeñas joyas como (500) días juntos, Lars y una chica de verdad, ¡Olvídate de mí! o Buscando un beso a medianoche son ejemplos representativos de una nueva exploración de un género fosilizado, del que parecen comenzar a brotar ciertos indicios de renacimiento.

Salvando las distancias, debut en el largometraje de ficción de la documentalista Nanette Burstein (codirectora de El chico que conquistó Hollywood), trata también de desenmarcarse de los clichés del género aportando una mirada desvergonzada y adulta sobre las relaciones a distancia (en este caso, los separa 4700 km, desde San Francisco a Nueva York).

Sin embargo, a pesar de apuntarse varios tantos mofándose de ciertos tópicos de las cintas “chico-conoce-chica”, el guión de Geoff LaTulippe acaba por sucumbir a la mayoría de los convencionalismos de este tipo de películas.

Afortunadamente, la palpable química de su pareja protagonista (Drew Barrymore y Justin Long), la jovial excentricidad de sus secundarios y un puñado de agudas e ingeniosas escenas cómicas hacen de Salvando las distancias un agradable y entretenido film.