Crónicas de Valhalla

Freaks and Geeks, la gran comedia que te perdiste

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Mon, 06 Apr 2020 15:29:00 +0000

Hoy toca hablar de la que es para mi una de las mejores comedias de la televisión, Freaks and geeks, que probablemente haya pasado inadvertida por muchos durante demasiado tiempo. Gran parte de la culpa de haber estado fuera del radar de muchos serieadictos puede atribuirse a que en su época de estreno (1999) no se disponía de los recursos tecnológicos de los que contamos actualmente para la difusión de contenido audiovisual, y debido a su baja audiencia fue prematuramente cancelada, lo que le otorgó casi inmediatamente el estatus de serie de culto. Así que para darle un empujoncito a su divulgación aquí vengo a hablaros de ella.

Visualiza esa serie/película sobre una chica que quiere convertirse en animadora, llamar la atención del quarterback guaperas y ser popular. Cuantas veces hemos visto a ese patito feo quitarse las gafas, soltarse el pelo y convertirse en un cisne. O quizás esa otra donde la acción se desarrolla en torno a las tormentosas y melodramáticas relaciones amorosas de sus protagonistas... bien, esta no es ese tipo de serie. Freaks and Geeks es una serie de adolescentes en el instituto, sí, pero lo que la diferencia de la mayoría de integrantes de ese subgénero es que sus protagonistas son los marginados, los raros del instituto cuyas historias suelen pasar desapercibidas. Lo que da incluso mayor realismo al argumento de los capítulos es que para su trama el creador de la serie pidió a sus escritores que describieran sus miedos en el instituto, situaciones embarazosas que hubieran vivido, primer contacto sexual, y luego plasmaron esas historias reales en la pequeña pantalla, por lo que muchos de sus telespectadores podrían sentirse identificados por algunas de las situaciones que se relatan. Puede que las vivencias de los protagonistas no tengan una gran profundidad y a veces lleguen a ser absurdas e insustanciales pero ¿no son así las preocupaciones cotidianas de la vida en el instituto?.

La trama se desarrolla en el curso 80-81, donde Lindsay decide que está cansada de ser vista como la chica buena que siempre saca buenas notas. Esta pequeña crisis de identidad le lleva a aproximarse al grupo de los Freaks, los gamberros e inadaptados del instituto que pasan de estudiar y están todo el día fumados. Este grupo no lo forman actores cualquiera, sino que se trata de unos jóvenes James Franco (127 horas, The disaster artist, Spiderman), Seth Rogen (Superfumados) y Jason Segel (Cómo conocí a vuestra madre). Por otro lado se encuentra el grupo de geeks, los que se avergüenzan al hablar con chicas y que prefieren pasarse el tiempo jugando a Dragones y Mazmorras o ver por vigésima vez Star Wars. Sam, el hermano menor de Lindsay, forma este grupo junto a sus amigos Neal, un chico judío educado y siempre "bien vestido", y mi personaje favorito de la serie, Bill, interpretado por Martin Starr (Silicon Valley), cuyas expresiones, tono vocal, forma de moverse, todo lo que hace en general es siempre motivo de risas.

Desafortunadamente, al igual que en la vida de sus personajes, la serie fue una marginada de la cadena, emitiéndola en horarios que no facilitaron la audiencia que merecía, motivo que llevaría a su cancelación. A pesar de su escasa recepción, la crítica especializada sí que mostró su apoyo incondicional por la serie, y la labor del excelente elenco de actores incluso fue recompensada con la obtención de un Emmy a "mejor reparto de series de comedia". Otro elemento fundamental de la serie, casi un personaje más, es su banda sonora, repleta con canciones que no dejaban de sonar en la época y cuyos trascendentales artistas incluyen Janis Joplin, The Who, Lynyrd Skynyrd, Kiss, Queen, Led Zeppelin, The Who, Deep Purple y Pink Floyd. Música de primera calidad que provocó que gran parte del presupuesto de la serie fuera destinado a pagar los derechos de autor de las decenas de canciones que inundan sus episodios. La mejor muestra se puede encontrar en sus créditos de apertura, de esos que tienes que ver (y escuchar) cada episodio, que no dan ganas de pasar, y sin duda de mis favoritos de todas las series que he visto.

Freaks and geeks es una de esas series que cuando se acaba no puedes evitar sentir cierto vacío. Una injusticia televisiva que contara con una única temporada cuando hay muchas series de pésima calidad que se alargan interminablemente, aunque quizás la perfección con la que acaba el último episodio y la brevedad de su desternillante camino por televisión la hagan incluso más especial.

Juego de Tronos, Conquista y rebelión: Una historia animada de los Siete Reinos

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Sun, 12 Aug 2018 18:52:00 +0000

Hace más de un año que escribí algo por última vez, parecía que el blog había muerto y estaba condenado al olvido. Sin embargo, he decidido dar el paso para traeros una nueva recomendación, y al igual que hizo Fawkes en el despacho de Dumbledore, intentaremos que el blog resurja de sus cenizas, así quizás pueda inspirar a mis compañeros editores y ellos también volverán a la carga.

Qué mejor forma de volver al blog que con una de las series favoritas de muchos, Juego de Tronos. Hace unos años ya publiqué la existencia de un documental similar narrado en forma de storyboards, La historia de Poniente, y que si aún no habéis visto y os apasiona todo lo concerniente a Los Siete Reinos, os animo a que lo veáis. El pasado mes de diciembre se publicó la séptima temporada de la serie en formato Blu-ray, y como viene siendo habitual, este formato incluye material adicional en forma de cortos de animación expandiendo la historia y el universo de este maravilloso mundo creado por George R.R. Martin. En este caso esos cortometrajes se combinan para formar Conquista y Rebelión, donde se nos contará como Aegon el Conquistador tomó posesión de Los Siete Reinos y la decadencia de una dinastía de 300 años hasta su caída.

La historia está dividida en 10 capítulos de corta duración que conforman una historia de 45 minutos. El estilo de animación a mi parecer contiene un aspecto positivo y uno negativo, el positivo es que la historia se nos presenta mediante una serie de ilustraciones con buenas texturas e iluminación, de manera que da la impresión de estar navegando entre las páginas de una novela gráfica. La pega que le encuentro es la incorporación de algunos elementos 3D que parecen estar sacados de un videojuego de los 90, como la escena con los dragones en Valyria que abre la primera historia. Un aliciente añadido es que las historias están narradas por parte del elenco de actores de la serie, concretamente, los personajes que dan voz a esta historia animada son Viserys Targaryen, Varys, Euron Greyjoy, Jaime Lannister, Sansa Stark, and Petyr Baelish.

Descubre cómo Aegon conquistó uno a uno todos los reinos de Poniente mediante el lema de su casa Fuego y Sangre, la formación de Desembarco del Rey y el trono de hierro, y los sucesos que condujeron a la Guerra del Tridente donde Robert Baratheon derrotó a Rhaegar Targaryen para hacerse con el trono de hierro. De esta manera Conquista y Rebelión enlaza los sucesos pasados de los que tanto hemos oído hablar en la serie con el inicio de la primera temporada. Así que a disfrutar mientras esperamos a la octava y última temporada... prevista para 2019 :(

El arte en Nocturnal Animals

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 12 May 2017 21:46:00 +0000

Hace algunos años una amiga me dijo que las inauguraciones estaban muertas. Era una sentencia del tipo punk is dead, cruda pero real. Recientemente he visto una película que refleja esta idea, Nocturnal Animals, una producción de Focus Features.
El film comienza con el oppening de una exposición cuyas obras son enormes cuadros animados, al estilo de los que decoran el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería en Harry Potter. Glamurosas mujeres obesas muestran su desnudez mórbida mientras bailan de manera sensual. Pero el espectáculo carece de glamour y sensualidad, es una contradicción en la que el espectador queda atrapado de entrada.

Las bailarinas podrían parecer modernas Venus Esteatopigias si no estuviesen caracterizadas como mayorettes, con botas, guantes, sombreros y hombreras militares, haciendo twirling o agitando pompones como animadoras deportivas, ondeando banderas de Estados Unidos en un ambiente festivo de bengalas, purpurina y confeti. La cámara lenta recrea el desparpajo de la grasa flotando en el celuloide, nuestra mirada es capaz de percibir el descontrol del cuerpo abandonado a su suerte. Junto a los cuadros pantalla, en el centro de la sala, las modelos descansan sobre pedestales como animales abatidos después de una cacería. Es el culmen de la obra, la mujer objeto, arrojada a la jauría de miradas que buscan espectáculo.

El patetismo de las imágenes contrasta con el refinamiento y la elegancia del público, ajeno a lo que está sucediendo. Podría tratarse de un club nocturno en lugar de una sala de exposiciones, de una reunión de máscaras al estilo Eyes Wide Shut, o de cualquier escena de Saló o los 120 días de Sodoma. Un recurso nada novedoso, aunque su contexto sea el mundo del arte contemporáneo en una cosmopolita ciudad norteamericana. Homer Simpson lleva enseñándonos la barriga más de veinticinco años, y la aparente mordacidad de la serie de animación no es una crítica al american way of life, sino más bien una invitación a tomar hamburguesas delante de la tele. Eso es lo que muchas opiniones quieren ver en Animales Nocturnos, que el desencanto de Susan, la protagonista y próspera directora de la galería de arte, y los comentarios sobre las obras, son una reacción al “vacío de la sociedad contemporánea” y al arte del siglo XXI. “La obra tenía una fuerza increíble, era perfecta, con toda esa escoria de cultura en la que vivimos (…) Disfruta de lo absurdo de nuestro mundo, es mucho menos doloroso”, comenta uno de los personajes. Una declaración de principios.

Pero la misión del cine no es promover la crítica social, ni remover conciencias para cambiar la realidad, sino canalizar los impulsos del espectador hacia el lugar deseado. No en vano es uno de los más efectivos instrumentos de propaganda. Como se suele decir, el buen vendedor es quien te vende algo sin dar la sensación de haber querido vendértelo. Y es mejor aún el que además te hace creer que has elegido tú. Todo esto lo resume Avelina Lésper a propósito de “un colectivo de arte en Londres” que “hizo mil vaginas de papel para concientizar a las mujeres de que se sientan orgullosas de su cuerpo y no accedan a la mutilación femenina, en el colmo de la irresponsabilidad otra vez reducen a las mujeres a ser una vagina”. De eso se trata, de contestar reafirmando el discurso dominante. Pero se olvida generalmente que dicho discurso no está construido de abajo a arriba, sino en sentido contrario.

Captain Fantastic

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Tue, 07 Mar 2017 17:28:00 +0000

Existen contadas ocasiones en las que una película conecta completamente con tu forma de ser, de pensar, películas que brillan por sí mismas entre la marea de producciones que inundan nuestras salas de cine y televisiones, un brillo equiparable al de una pepita de oro entre la arena para quien se dedica al bateo de oro. Encontrar esa perla escondida, esa aguja en el pajar formado por películas mediocres, comerciales y guiones sin sentido, hace que merezca la pena tan afanada búsqueda. Por eso, al encontrar esa rara avis, gente como yo siente la necesidad de comunicarse con sus allegados para recomendar esa película, por si por algún casual es capaz de transmitir esas mismas sensaciones de manera similar al resto de congéneres. Ahí es donde entra en acción este magnífico blog que me permite divulgar mi palabra para hablaros de Captain Fantastic, que sea una recomendación errónea o acertada dependerá del tipo de persona que la vea, pero a mí personalmente me encantó.

Captain Fantastic cuenta la historia de la familia Cash, encabezada por Ben (Viggo Mortensen) quien junto a su esposa decidió, tras el nacimiento de su primer hijo, alejarse de la civilización para vivir una vida tranquila en el bosque. Ben cuenta ahora con 6 vástagos de entre 7 y 18 años a los que enseña a ejercitar cuerpo y mente por igual, ya sea mediante entrenamiento matutino, cazando su propia comida o leyendo literatura avanzada y manteniendo conversaciones filosóficas a la luz de la hoguera. Así, los jóvenes Cash no solamente aprenden sobre cultura, historia, matemáticas, filosofía, idiomas y política, sino que más importante aún, aprenden a pensar por sí mismos, su padre les obliga (o invita) a debatir sus opiniones sobre los libros que leen, impartiendo un método de aprendizaje a través del razonamiento.

Por ciertas circunstancias, la familia debe abandonar su aislado estilo de vida y volver a la civilización tal y como la conocemos, lo cual provocará cierto impacto en ciertos miembros de la familia que únicamente conocen la vida en el bosque. De esta manera, el director Matt Ross (a quien algunos conoceréis por su papel en Silicon Valley), plantea un enfrentamiento entre esta particular forma de educación y la que el sistema es capaz de proveer. Pero la crítica social que presenta la película no acaba ahí, Ben también expresa su desdén por las comidas procesadas ofertadas en la mayoría de restaurantes, su rechazo a las religiones organizadas, la sobreprotección de la infancia y su desconfianza hacia un sistema brutalmente comercializado, hipócrita e intelectualmente vago. Sin embargo, uno de los atractivos de la cinta es que, aunque Ross tiende a posicionarse a favor de la mentalidad de su protagonista, no lo hace de manera tajante, y presenta también ciertos inconvenientes transmitidos principalmente a través del suegro de Ben. De esta manera, poco a poco vamos viendo pequeñas grietas en lo que parecía una forma de vida ideal, tales como su estilo de vida peligroso, la marginación social autoimpuesta o la falta de entendimiento real que los niños tienen sobre el mundo exterior. Así, el espectador se encuentra ante una historia reflexiva y él mismo es el encargado de analizar las situaciones que presenta y juzgar si Ben es el mejor padre del mundo o el peor. Su personaje es sin duda una figura fascinante, que se muestra como héroe y villano a partes iguales, exhibiendo características de ambas caras, idealista y atento a la par que obcecado y un tanto dictatorial en ciertas ocasiones.

Captain Fantastic es un astuto retrato de la vida moderna, sus hipocresías y limitaciones, manda un claro mensaje de crítica y denuncia social hacia una sociedad donde prima el consumismo, capitalismo y un control tecnológico que nos aísla de lo realmente importante, alzando los valores de unión familiar y respeto hacia el prójimo. Su estilo provocador e inteligente y el carisma de cada uno de los miembros de la familia Cash realmente enamora e invita a reflexionar. Ben puede no ser un superhéroe, pero en cuanto a imaginación se refiere, este capitán realmente puede volar, dejando a los espectadores con la conmovedora imagen de un padre cuyos superpoderes yacen simplemente en hacer lo mejor que puede para criar a sus hijos. Como cierre os dejo esta imagen que representa bastante bien el mensaje que la película quiere transmitir al sistema de vida de la sociedad actual. Un saludo y que la disfrutéis.

Múltiple (2017)

noreply@blogger.com (SrRorschach) — Sun, 29 Jan 2017 19:04:00 +0000

El Trastorno de Identidad Disociativo es un síndrome que presentan personas que se encuentran bajo el control de dos o más identidades distintas de forma alternativa. El individuo puede llegar a no tener recuerdos de los momentos en los que éstas toman poder de su mente. Estas identidades pueden ser muy diferentes entre sí, en cuanto a coeficiente intelectual, sexo, gustos... incluso edad mental. Así que, chicas, si algunas veces notais a vuestro novio un poco infantil, no os engañeis, no tiene este trastorno, simplemente es un hombre. Pero Kevin, protagonista de la película de la que os vengo a hablar hoy, tiene un ligero problema relacionado con esto...

Múltiple (Split) nos presenta inicialmente a un hombre que rapta a tres jóvenes en el aparcamiento de un centro comercial, y las encierra en un lugar recóndito donde al parecer pretende abusar de ellas. Pero esa sería la versión sencilla, ya que en realidad no va a tocarles un pelo...porque ella misma se lo prohíbe a sí mismo. No, no estoy fumado (ojalá) mientras escribo, lo que he dicho tiene todo el sentido de mundo. El secuestrador (Dennis) es una de las personalidades de Kevin, y otra de las personalidades (Patricia) le prohibe que abuse de ellas porque son las elegidas para un cometido mucho más trascendental, que la personalidad de nueve años (Edwing) les confiesa, y ETCÉTERA...

Y estas son solo tres de las muchas personalidades (23) que Kevin guarda en su interior. Paralelamente a la trama en ese lugar recóndito, sigue asistiendo a la terapia semanal con la Doctora Fletcher, con la que guarda una estrecha relación, casi familiar, ya que la doctora llega a preocuparse por su paciente más allá de lo meramente profesional. Es ella la que ha ayudado durante los últimos años a controlar su trastorno y convivir con la multitud que copa su mente y que batalla por tener el control, y es por eso que la primera en darse cuenta de que algo no va como es debido.

La película es un relato de cómo el abuso, ya sea físico, sexual o emocional, puede afectar a una persona, y de que si se sufre en una edad temprana, puede dejar secuelas graves e imborrables. Con tintes de ciencia-ficción, retrata de forma muy interesante el sindrome de personalidad múltiple. Para ello se ayuda del inconfundible cuidado de puesta en escena que tiene Shyamalan, sobre todo en lo tocante a la composición de planos, transmitiendo la agonía, el miedo y la desesperación de estar preso contra tu voluntad, o con esa serie de tomas en las que la imagen no está centrada en la acción, si no que intentan captar además el entorno para envolver al espectador en la trama. Pero sobre todo, esta película es un festival del amplio repertorio que puede dar de sí James McAvoy. El actor escocés copa la pantalla en los 116 minutos de metraje, incluso en los momentos en los que no aparece. Sin dejar de lado el humor, representa las diferentes personalidades de Kevin con gran pulcritud, sirviendo un simple fruncido de ceño para cambiar por completo un rostro y una personalidad. Ir al cine a verla merece la pena solo por él.

Y como último regalo, los que conozcan la trayectoría cinematográfica de M. Night Shyamalan descubrirán un guiño final (o cliffhanger, ahora que todo el mundo quiere hacerse el guay con los anglicismos) a una de sus creaciones anteriores, que promete quizá una continuación en las que ambas historias se unan en un mismo universo. Los que no conozcais más películas de este señor, no os preocupeis, os dejo la lista, y a ver si la descubris.

SrRorschach para Crónicas de Valhalla, Madrid.

Rogue One: Una historia de Star Wars

noreply@blogger.com (SrRorschach) — Sun, 22 Jan 2017 19:21:00 +0000

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana... existía un blog en el que un equipo de aficionados al cine, las series y los libros escribía acerca de su mayor vicio. Cada dos días (tres como mucho) aparecía un artículo sobre el último estreno en la gran pantalla, sobre una gran obra literaria que te podía atrapar entre sus hojas y cuya única salida era por la contraportada habiendo leído cada palabra, o sobre el último grito en series de televisión. Este grupo de amateurs en el mundo de la crítica consiguió lo impensable: en un un sólo año se convirtió en una referencia nacional en crítica y recomendación de cine y, por qué no decirlo, de cultura...Ahora solo quedan viejos vestigios de esa gran época, cenizas de lo que fue. Pero como cuenta la leyenda del ave Fénix, de ellas volverá a resurgir. Este post es el inicio de una rebelión contra la desidia y el abandono. Puede que lo creáis o no, pero nunca hay que perder la fe, y como bien os voy a enseñar en las siguientes lineas, "todas las rebeliones se basan en la esperanza".

Mucho tiempo hace también que no venía por estas lindes para comentar lo que fuese acerca de alguna novedad. Y ciertamente esto ya no es una novedad. Rogue One se estrenó hace prácticamente un mes en el cine, y es tiempo más que de sobra para que los entusiastas de Star Wars hayan podido ir al cine a verla, y haber arrastrado a sus parejas, hijos (y nietos, en algunos casos) para que las buenas costumbres se vayan heredando generación tras generación. Los más críticos opinan que la gallina de los huevos de oro ya está más que exhausta: 7 películas, con ese famoso salto temporal que las caracteriza (a ver si me queda claro, episodios 4-5-6-1-2-3-7, y ahora esta es algo así como el episodio 3.5, ¿que coño...?), con las inevitables contradicciones en algunos puntos de la historia, por no hablar de la última película, el episodio 7, que es un calco milimétrico de el episodio 4. En definitiva, muchas variables que hacían que no tuviera muchas expectativas en el momento en el que estaba entrando en la sala (encima sin palomitas, la cola para comprarlas podría haber dado la vuelta a Jabba el Hutt dos veces). ¿Pero sabéis qué? No se si fue gracias a esas bajas expectativas, pero salí del cine 2 horas después con la firme idea de que fue la mejor película de toda la saga.

Rogue One nos cuenta una historia aparte del eje central de la saga. Aquí los personajes de Darth Vader, la princesa Leia, Luke Skywalker son secundarios e incluso inexistentes. El argumento se centra en un grupo de rebeldes que desafía al Imperio con mínimos recursos e intenta robar los planos de la Estrella de la Muerte, elemento de gran importancia en el siguiente episodio. Para ello nos cuentan la vida de Jyn Erso, protagonista principal y personaje fundamental en el desarrollo de esta historia; de su padre, héroe anónimo sin el cual nada de esto hubiera sido posible; y de otra serie de personajes que en mayor o menor medida influyen en el devenir de los acontecimientos.

Riz Ahmed, Cassian Andor, Jyn Erso, Chirrut Imwe y Baze Malbus

No quiero entrar mucho en detalle por si aún no la habéis visto, pero os puedo decir con seguridad que no es como las demás películas. El hecho de que ya sepamos como va a acabar no significa que no nos acabe sorprendiendo, e incluso embaucando. En Rogue One vemos que el Imperio no solo se rige por el miedo a un poderoso Lord Sith, si no que también lo mueve el orgullo y la ambición de aquellos que aspiran el poder y el control sobre los demás. Vemos por primera vez a la Estrella de la Muerte en todo su esplendor, ya que mientras que en las demás películas es un arma poderosísima pero con un punto débil al que poder atacar, aquí aún no se sabe cual es, y puedes sentir la desesperanza y abandono que siente todo un planeta cuando ve aparecer por el horizonte una luna con un cañón láser dispuesto a reducir tu mundo a polvo estelar. El film consigue que te sientas dentro de la pantalla, como miembro de ese grupo de locos que, con certeza de muerte y mínima esperanza de éxito, se decidieron a desafiar al poder establecido. No faltan puntazos de humor, ni momentos pseudo-románticos, aunque lo que si siguen faltando son Stormtroopers capaces de acertarle al centro de una diana desde medio metro de distancia.

Templo de Angkor Wat (Camboya), utilizado como ambientación en el planeta de Yavin

Cabe destacar la aparición póstuma de Peter Cushing, actor que encarnó en el episodio IV al almirante Wilhuff Tarkin, y que en esta película, gracias al CGI, vuelve a aparecer encarnado por el mismo rostro. Es difícil darse cuenta de que no es un actor de verdad si no sabes que este hombre murió en 1994, está realmente muy bien conseguido. Este y otros detalles son quizá imperceptibles si no conoces las demás películas de la saga, pero en general no es necesario haber visto las demás para no perder el hilo y entender toda la trama. El paisajismo de los diferentes enclaves en los que se desarrolla, como los efectos especiales son espectaculares vistos en una sala de cine, merece realmente la pena. El único inconveniente que le encuentro a la película, por sacarle un pero, es que Darth Vader ya no tiene la voz del genial Constantino Romero, lo que hace que el malo no parezca tan malo. Esto no pasa si has visto la saga completa en versión original (mis respetos si es así), ya que en ese caso han mantenido al mismo actor que le pone voz (James Earl Jones).

Playa de las islas Maldivas, utilizada para la ambientación del planeta Scarif

Una película que aparte de querer ser un revulsivo a lo que ha sido Star Wars hasta ahora, e intentar seguir un camino diferente a las entregas anteriores, pretende conectar con todo tipo de público, ya sean fans acérrimos o nuevas incorporaciones, de todas las edades. 100% recomendable.

SrRorschach para Crónicas de Valhalla, Madrid.

Westworld, ¿la serie del año?

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Thu, 06 Oct 2016 16:28:00 +0000

La reputación de la cadena HBO es indiscutible, no en vano en sus oficinas se han gestado series míticas tales como Los Soparano, The Wire, True Detective (quedémonos con la primera temporada) o la que se ha convertido en la serie más premiada de la historia de la televisión al arrasar en las categorías técnicas en los pasados Emmys, amasando un total de 38 estatuillas, obviamente estamos hablando de Juego de Tronos. Sin embargo, la gallina de los huevos de oro está llegando al fin de su ciclo vital, y la cadena busca otro bombazo que la mantenga en lo alto de las discusiones entre seriéfilos. La confianza se depositó en Westworld, la que se espera que sea la sucesora, tanto en calidad como en éxito, de la serie basada en las novelas de George R.R. Martin. Esta confianza es tal, que a su primera temporada se le ha asignado un presupuesto de 100 millones de dólares, digno de una superproducción de Hollywood. Ésto, unido a el retraso que sufrió por problemas internos (su estreno estaba previsto para finales de 2015), ha provocado que las expectativas depositadas en la serie se hayan elevado hasta niveles inesperados. Su primer capítulo se estrenó el 2 de Octubre en Estados Unidos, aunque desafortunadamente no hay fecha para su estreno en España debido a la indecisión sobre la que será la distribuidora escogida.

Últimamente nos estamos acostumbrando a ver grandes nombres del séptimo arte dando el salto de la gran pantalla a la pequeña, y esta producción está avalada por nombres como Ed Harris (El show de Truman, La Roca) y Anthony Hopkins (El hombre elefante, Hannibal) en el apartado interpretativo, y para completar la quíntupla de grandes nombres, la serie está producida por J.J. Abrams (Star Wars Ep.VII, Star Trek: En la oscuridad), creada por Jonathan Nolan (El caballero Oscuro, Interstellar) y está basada en la historia de un grande de la ciencia ficción, Michael Crichton (Parque Jurásico, La amenaza Andrómeda) quien ya escribió y dirigió una película basada en esta obra allá por 1973. Tras ver su primer capítulo la verdad es que no hay nada que reprochar, tanto respecto a sus actuaciones como a su aspecto técnico; ambientación, escenarios, fotografía, vestuario, banda sonora y efectos especiales, de momento todo destaca en esta primera dosis que ha sido su capítulo piloto.

Entrando en materia con respecto a su argumento, la serie está ambientada en un futuro no muy lejano, donde el Dr. Ford (Anthony Hopkins) ha creado un parque temático ambientado en el salvaje oeste, donde gente adinerada (huéspedes) paga por sumergirse en este mundo digital donde poder experimentar la sensación de ser todo un cowboy. Para dotar a esta experiencia de un mayor realismo, la simulación está provista de una amplia gama de entidades impulsadas por Inteligencia Artificial (anfitriones), cuyos recuerdos se resetean diariamente de manera que viven el mismo día una y otra vez, solamente sujetos a las variaciones que los huéspedes puedan crear al interactuar con ellos.

Ya desde el primer episodio queda claro que durante la serie se plantearán dilemas éticos en cuanto al trato hacia la Inteligencia Artificial y las repercusiones que esto puede provocar en el comportamiento humano, ¿hasta donde estarías dispuesto a llegar sabiendo que tus actos no acarrearían ningún tipo de consecuencia? En toda película de ciencia ficción que incluye el uso de inteligencia artificial se suelen aplicar las tres leyes de la robótica creadas por Asimov, pero todo fan del género sabe que esto tiende a torcerse de una forma u otra (hola Skynet), y Westworld no parece ser menos.

En conclusión, me ha parecido un buen capítulo piloto, no tan genial apuntaba a ser debido al hype que la rodea, pero aún así quedé muy satisfecho, y Westworld ha pasado directamente a mi parrilla de series a seguir. Para finalizar, os dejo el trailer de la serie para que juzguéis vosotros mismos. Un saludo Valhallos.

P.D. Para aquellos que quieran experimentar un salto temporal como el que se muestra en la serie, les recomiendo un viaje a Oasys Mini Hollywood en el desierto de Tabernas, donde seguro que ningún robot se saltará su programación (un poco de publicidad de mi tierra nunca viene mal xD).

El Jardinero Fiel

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 Sep 2016 17:46:00 +0000

“Los ingleses aman sus jardines, los libros de jardinería, los programas de jardinería en la televisión. En el jardín inglés todo está controlado pero no se quiere dejar notar.”

El jardín paisajístico, el jardín inglés. Edgar Neville.

The Constant Gardener (El Jardinero Fiel, 2005), es una adaptación cinematográfica de la novela homónima escrita por John le Carré, publicada en 2001.

David Cornwell, verdadero nombre del escritor, nació en Poole, Inglaterra, en 1931. Novelista y ex miembro del servicio secreto británico, trabajó en el MI6, o Servicio de Inteligencia Secreto (SIS), encargado de las actividades de espionaje británico en las antiguas colonias repartidas por el mundo. La misma agencia para la que trabaja el inefable personaje creado por Ian Fleming, James Bond, entre otros productos de Hollywood.

La película está dedicada a Yvette Pierpaoli, activista por los derechos de los refugiados y miembro de Refugees International, que murió en 1999 en un accidente de tráfico en Albania, del que se dice pudo ser un atentado. Fue la propia Yvette quien animó a Cornwell a escribir sobre la situación en África, y quien le inspiró el personaje de Tessa.

Simon Channing Williams, productor inglés que fundó con Mike Leigh Thin Man Films en 1988, se interesó por la novela y negoció con Le Carré un posible rodaje. Jeffrey Caine, guionista de GoldenEye e Inside I´m Dancing, sería el responsable de la adaptación, y el realizador brasileño Fernando Meirelles se encargaría del rodaje.

Meirelles comenzó su trabajo como realizador en los noventa, década que supone el afianzamiento de la posmodernidad. En un contexto político conservador generalizado, con Ronald Reagan y Margaret Tatcher implantando, tanto en sus propios países como en otros de su influencia, las teorías neoliberales de Milton Friedman y la Escuela de Chicago, las características generales del cine de la posmodernidad son la ruptura de la estructura clásica, con la utilización de flash-backs, la mezcla de géneros, la deconstrucción de los esquemas narrativos y el predominio de la imagen sobre el contenido. El trabajo de Meirelles tiene influencias del Cinema Novo, que se desarrolló en Brasil y al que pertenecen autores de los años 50 y 60. Posee algo del compromiso propio de este movimiento, que recogía expresiones populares “próximas al sentir de las etnias y los grupos sociales más pobres.”

El tema del film, los procedimientos de la Gran Farmacia y África como su enorme banco de pruebas, podría ser un ejemplo más de denuncia del sistema corporativo y mercantil en el mundo moderno, sin embargo hay varios aspectos que van más allá y en los cuales vale la pena detenerse. Cuando miramos hacia el lado donde el mal se construye nos quedamos con su imagen domesticada, el aspecto sólo visible. ¿Quiénes están detrás de las empresas farmacéuticas? Esta pregunta encuentra una respuesta lógica, asumible incluso, en el desarrollo de la historia. Pero existen otras cuestiones de fondo que pasan desapercibidas.

En la actualidad hay suficientes casos documentados, reportajes de prensa, investigaciones, campañas, incluso acciones judiciales contra grandes empresas, donde se denuncian hechos semejantes a los que el film presenta. El fármaco Dypraxa no existe pero Trovan sí, e hizo que el gobierno nigeriano denunciase a Pfizer por sus experimentos con personas en 1996.
Focus Features, creada en 1999, pertenece al grupo mediático NBC Universal, propiedad de General Electric (80%) y Vivendi (20%). Focus es la productora del llamado cine “independiente” de Universal Studios.

Su director lo fue de Paramount Pictures durante diez años, después presidió Fox Inc, y en la actualidad es el director de IAC/InterActiveCorp, empresa bajo la cual operan, entre otras, ask.com, Red de las compras caseras (HSN), match.com y Ticketmaster, dedicadas a la venta de productos a través de internet.

¿Qué interés puede tener Focus en películas como The Constant Gardener, donde se denuncian prácticas asesinas de multinacionales farmacéuticas?, ¿tal vez controlar la producción para evitar que sea realmente “independiente”? Si observamos los proyectos de esta productora podríamos cuestionar hasta qué punto lo son. Son historias que hablan de temas sensibles para la sociedad, como la homosexualidad (Harvey Milk y Brokeback Mountain), la lucha revolucionaria (Diarios de Motocicleta), el apartheid sudafricano (Catch a fire reproduciendo un título de Bob Marley) o medios de comunicación alternativos (Pirate Radio), que establecen una dialéctica de “buenos” y “malos” y un discurso en apariencia revolucionario pero que bien mirado no cuestiona otros aspectos esenciales de la realidad.

Lo mismo ocurre en el caso que nos ocupa, la historia puede servir a los fines del establishment, mostrando ciertos hechos como inevitables, sucesos que se justifican por el bien de la sociedad, el progreso, pero corrigiendo algunos “defectos” en la praxis, agentes que se saltan la legalidad, casos aislados de corrupción y cargos con responsabilidades que se exceden puntualmente en sus decisiones. Todo ello sin apuntar a la raíz del problema, el colonialismo dirigido a través de multinacionales y Organizaciones No Gubernamentales, dictadores controlados por los centros de poder y “señores de la guerra” que mantienen a los países africanos sumidos en la pobreza y en una guerra constante.

¿Es África un “jardín domesticado” a la medida de los intereses de las oligarquías occidentales?

La película narra la historia de una activista por los derechos humanos en su lucha para denunciar la corrupción de diferentes organismos oficiales y empresas privadas, que utilizan a la población de Kenia como cobaya para el ensayo de un medicamento. Se trata de una trama en apariencia compleja donde intervienen espías, servicios secretos, agencias de inteligencia, mercenarios y empresarios, donde nada es lo que parece, pero que responde a una estructura sencilla dentro de lo que podríamos denominar thriller político y romance. Mediante el suspense y la continua utilización de flash-backs, la película avanza manteniendo el interés del espectador, mezclando hábilmente la intriga con la historia de amor de los protagonistas.

A medida que va desarrollándose la trama no podemos evitar plantear una pregunta, ¿qué está haciendo toda esa gente en Kenia? En la respuesta a esta cuestión se encuentra a nuestro parecer el tema principal de El jardinero fiel, el Neocolonialismo.
La película no cuestionará en ningún momento la presencia del gobierno británico en el país africano, ni su implicación en la toma de decisiones que, en última instancia, debería ser responsabilidad de sus habitantes, ni la presencia de multinacionales europeas y otras organizaciones encargadas de administrar sus recursos. Dejando todo eso de lado se centrará en un asunto concreto de malversación de pruebas clínicas y asesinato. Se trata de corregir las formas pero no los contenidos, de criticar los efectos pero no las causas. Este sería el posicionamiento ideológico principal de la película, que está expresado en una metáfora repetida constantemente, la jardinería. El protagonista aparece en numerosas escenas dedicado al cuidado de plantas, a las que riega y cuida con esmero. De esta manera se enfatiza la relación entre el oprimido y el opresor, entre el controlado y el controlador.

Otro tema destacable y estrechamente relacionado con el anterior, sería el de la creciente medicalización de la vida en los países occidentales y su extensión al resto del planeta. Un serio problema que enfrentan las sociedades consideradas avanzadas, donde la dependencia a fármacos es creciente y los límites entre la administración de la salud y las empresas farmacéuticas no están muy claros. Este modelo, al igual que el Neocolonialismo, se nos presenta como algo normalizado, un punto de partida asumido y nunca puesto en cuestión.

La película comentada supone un claro ejemplo del discurso asumido por las producciones de Hollywood. Perteneciente al denominado cine independiente, algo contradictorio, si analizamos de cerca la propia industria que lo mantiene, está dirigida a un sector de la población cuyas posiciones son más críticas con la realidad que las del espectador medio. Pero una vez analizada detenidamente, observamos en ella temas y mensajes similares a los presentes en otras películas más comerciales.

Los recursos cinematográficos habituales en las superproducciones, abundancia de efectos especiales, persecuciones, muertes violentas, ausencia de crítica, entre otros, son eliminados o dosificados para llegar con mayor eficacia a un público diferente. La estrategia está bien elaborada. Estas películas hablan de temas sociales desde un punto de vista crítico, buscando la implicación del espectador, pero con una ideología de fondo evidente. En el caso de El Jardinero Fiel, rodada en los poblados de Kibera y Lokichokio, y en campos de refugiados del sur de Sudán, el resultado es doblemente eficaz. Al mostrar la pobreza y las desigualdades sociales, la identificación del público será mayor. En lo que aparenta ser una propuesta solidaria y humanitaria, cuya intención es denunciar una injusticia, se esconde una clara reafirmación del propio sistema opresor.

Para un público desprevenido, el final de la película podría ser esperanzador, a pesar de todo queda la sensación de que se ha hecho justicia, los hechos se hacen públicos y los culpables son señalados. Sin embargo en ningún momento se han cuestionado otros hechos mucho más graves por su alcance.

El Jardinero Fiel es una obra con un claro mensaje imperialista y neoliberal, además de un lavado de cara a las potencias colonialistas y a las empresas farmacéuticas, todo ello presentado como si fuese una obra alternativa, crítica y humanitaria.

EPSTEIN, Edward Jay. La gran Ilusión. Dinero y poder en Hollywood. Tusquets, 2007.
GOODMAN, Amy, John le Carré: Calling out the traitors. Artículo aparecido en la web www.truthdig.com, 12-10-2010.
GOMEZ, Lourdes, Entrevista a John le Carré. Diario El País, 24-07-2005.
HONRUBIA, Pedro Antonio. Manipulación de las emociones y medios de comunicación. Artículo aparecido en el diario digital www.rebelión.org , 13-01-2011.
KLEIN, Naomi. La doctrina del Shock. Paidós, 2007.
RAMONET, Ignacio. La tiranía de la comunicación. Debate, 1986.

Salad Fingers, una animación perturbadora

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Sat, 02 Jul 2016 19:53:00 +0000

Hola a todos, antes de nada me gustaría pedir disculpas de parte de todo el equipo de Crónicas de Valhalla por este paréntesis editorial por el que estamos pasando, últimamente resulta complicado encontrar momentos para escribir o simplemente encontrar algo que merezca la pena recomendar. Dicho esto, hoy me gustaría compartir una miniserie de youtube que sin duda no será del gusto de todos. Salad Fingers es una webiserie creada en 2004, es perturbadora y puede que incluso macabra, que provocará rechazo a la mayoría de espectadores, pero que sin embargo, aún ante la sensación de malestar que puede provocar su visionado, yo no pude dejar de seguir las desventuras de este personajillo hasta acabar su metraje.

Salad Fingers consta de 10 capítulos de diversa duración, comenzando con 1-2 minutos para ir alargando su duración progresivamente hasta abarcar 10 minutos en los últimos capítulos, comprendiendo un total de 52 minutos. Su creador, David Firth, asegura haber captado su inspiración en figuras como Tim Burton o David Lynch, como se puede percibir en la atmósfera oscura y tenebrosa que usa para su animación, así como por la estructura onírica y surrealista de la narrativa de su obra. La historia se nos presenta en un mundo post-apocalíptico, en un paraje desolado escasamente habitado por criaturas deformes, y que aparte de Salad Fingers presentan un comportamiento autómata y errático. Nuestro protagonista es sorprendentemente elocuente dadas las circunstancias, y debido a la imposibilidad de comunicarse con nadie más, ha desarrollado una personalidad psicótica y esquizofrénica que le lleva a mantener conversaciones con objetos inanimados, principalmente sus marionetas para los dedos, e imaginar conversaciones inexistentes.

Tras los dos primeros episodios introductorios (si se llega más allá de ellos), y tras dejar atrás el pensamiento de "¿pero qué @#&$ acabo de ver?", comienza a desarrollarse una especie de historia donde se dan pistas del pasado de Salad Fingers, aunque nunca se llegue a explicar abiertamente. Tras un número de episodios se comienza a empatizar con el personaje, y se alternan momentos macabros y enfermizos con otros de lástima y compasión, o incluso un amasijo de ambos sentimientos encontrados simultáneamente.

Como ya he dicho no se trata de un producto para estómagos débiles, ya que presenta escenas bastante perturbadoras y violentas, pero yo encuentro a Salad Fingers un personaje fascinante y digno de conocer. La serie en su versión original cuenta con los diálogos sobrescritos en la animación, la cual podéis encontrar aquí, pero para los que no vayan muy bien con el inglés os dejo la serie completa subtitulada al español, que la disfrutéis (si podéis).

La chica del tren

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 17 Jun 2016 17:00:00 +0000

Recientemente me he leído una novela catalogada como "bestseller": La chica del tren, de Paula Hawkins. Leyendo la contraportada y todas las críticas sobre la misma, parece que no se ha hecho nada mejor desde El Quijote. Además resulta que un amigo lo recomendó como regalo en grupo para un cumpleaños (junto con otros magníficos regalos como las multiusos pispolla). Si esto no fuera poco, también se lo regalamos a mi madre por su cumpleaños (la novela, no la pispolla). En ambos casos, el comentario fue el siguiente: pues tampoco es tan buena. Henchido de contradicción y orgullo al mismo tiempo, decidí leérmelo para sacar mis propias conclusiones. Mi opinión tras acabarlo: pues tampoco es tan bueno.

Pero vayamos por partes, como dijo Jack Bauer, o Jack el Destripador, no recuerdo exactamente. La novela entretiene, no se puede tampoco decir que sea mala. Mantiene cierta intriga, aunque no es del todo difícil intuir la verdad. Es una novela más bien para chicas. Escrita por una mujer y protagonizada por 3 mujeres. En ocasiones resulta refrescante, pero en este caso para los que tenemos colgajo podemos no sentirnos identificados con los personajes.

El argumento se basa en el asesinato de una mujer que reside en un barrio residencial al pie de una vía de tren. Los capítulos se alternan entre 3 mujeres: la mujer asesinada (viendo hechos pasados para ir enlazando sucesos), una atractiva rubia casada con un apuesto hombre que a ojos de desconocidos parecen la pareja perfecta; una mujer divorciada en pleno estado de depresión, con problemas de alcohol y laborales todo en uno (nuestra viajera del tren); y finalmente la actual esposa del antiguo marido de la segunda mujer mentada, harta de que la exmujer de su marido no los deje en paz.

El desarrollo no es malo. Se manejan bien los tiempos y las intrigas, aunque siempre tienes esa sensación de que te ponen un sospechoso delante con todo a su favor para ser culpable y precisamente por eso se intuye que es inocente. Demasiado obvio para ser el asesino. Los saltos temporales y el cambio de protagonista le da un buen toque, aunque tampoco es algo novedoso ni mucho menos.

Me gusta lo reales de las protagonistas y demás elenco de personajes, tan llenos de defectos e imperfecciones que le dan un toque de realismo, aunque con tendencia al estereotipo. Eso sí, hay momentos o frases que me parecen ajjjquerosos, como por ejemplo en un par de ocasiones en que la chica del tren (principal protagonista) dice en voz alta y como con orgullo "soy la chica del tren", o "solo soy una chica del tren", como si eso significara algo, como si perteneciera a una hermandad de viajeros de tren y el compartir trayecto generara compañerismo. Yo voy al trabajo todos los días en tren y estoy hasta mis dos mismísimas bolas del dragón y mi Shenron de tanto viaje.

Resumiendo: ¿Novela entretenida? Un poco. ¿Recomendaría su lectura? No.

Gotham

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 22 Apr 2016 17:00:00 +0000

Son muchas las producciones que se han realizado basadas en los cómics de Batman. Desde películas, series y obras de animación, hasta videojuegos. De muy diversas calidades y estilos. Pero hoy me centraré en la nueva serie de Batman con el título Gotham, de la que ya se habló en Valhalla, y cuya trama se desarrolla a modo de precuela de las andanzas del hombre murciélago. Y es que el inicio de la serie nos sitúa en el día de la muerte de los padres de Bruce Wayne. Veremos a un joven Bruce que sufre el terrible trance de ver asesinar a sus padres delante de sus narices. Por otra parte, veremos los inicios de la carrera del futuro comisario Gordon en el departamento de policía de Gotham, que formará pareja con el detective Harvey Bullock. También irán apareciendo los orígenes de importantes personajes de la fauna de Gotham, como la niña/adolescente que se convertirá en Catwoman, la futura Hiedra Venenosa, el Pingüino, Enigma y muchos más. Todo ello en una ciudad dirigida principalmente por dos bandas mafiosas que tratan de mantener un equilibrio para evitar una guerra a gran escala. Tras ver la primera temporada y el inicio de la segunda, pienso que no es una serie de Batman cualquiera, sino que es "La Serie". Ya pasó la época del Batman gordo (Adam West) y sus onomatopeyas. Por fin hay una serie que tiene tal calidad que seas o no fan del murciélago, casi seguro te gustará. Una prueba de ello es el magnífico elenco de personajes/actores que a continuación listo.

El dective Jim Gordon puede considerarse como el principal protagonista de la serie. En el primer capítulo se incorpora al departamento de policía de Gotham, donde pasa a formar equipo con el agente Harvey Bullock. Defensor de la justicia y la legalidad, lucha tanto contra los criminales como contra la corrupción que invade las fuerzas de la ley. Esto le lleva a no ser precisamente querido por sus nuevos compañeros, lo que le acarrea muchos problemas. Uno de sus arrebatos justicieros le lleva a hacer la promesa al joven Bruce Wayne de que descubrirá la identidad del asesino de sus padres. (Desde mi punto de vista, creo que el actor Ben McKenzie hace un papel muy digno. Viejo conocido mío de la serie The OC donde su repertorio interpretativo consistía en abrir un poco más o un poco menos los ojos, en Gotham se nota que tiene un registro mucho mayor, lo que no esperaba cuando vi quién hacía el papel. Una grata sorpresa.)

El agente Harvey Bullock se puede considerar la antítesis del detective Gordon. Marrullero, desvergonzado y realista, tiene contactos con los bajos fondos a fin de mantener un equilibrio beneficioso para todos. Esto deriva en ocasionales discusiones y peleas con su compañero de equipo. Sin embargo se muestra como un agente competente y mejor compañero de lo esperado. Una vez creada confianza entre ambos, no se resiste a gastar bromas a costa de Gordon, con la ironía siempre por delante. (Probablemente mi personaje favorito. A pesar de identificarme más con el carácter de Gordon, me encanta ver en acción a Donal Logue interpretando a Bullock, ya que siempre consigue una reacción sobre mi estado de ánimo al verlo, generalmente aumentando mi buen humor.)

El joven Bruce Wayne sufrirá una rápida evolución. Pasará de estar lógicamente destrozado tras el asesinato de sus padres a decidir volverse fuerte, tanto personalmente como tomando las riendas de Wayne enterprises. También iniciará su propia investigación sobre la muerte de sus padres. Sin embargo lo que demuestra su madurez es que su objetivo no es la venganza, sino entender el porqué, como ya hiciera Mourinho en su día. (Generalmente me repatean los niños actores, ya que me suelen parecen sobreactuados y repelentes. Sin embargo David Malouz logra una gran inmersión encarnando al joven Bruce Wayne, y salvo alguna escena aislada en la que me parece sobreinterpretado y teniendo en cuenta que estoy viendo la serie doblada al castellano, me parece que un papel tan difícil está siendo excelentemente bien cubierto por el también joven actor.)

En todas sus empresas el joven Bruce contará con el apoyo de su fiel mayordomo Alfred Pennyworth, que hará funciones de mentor, pero también tratará de llenar el espacio dejado por el fallecido matrimonio Wayne. Siempre está para proteger a Bruce, pero se pondrá serio cuando sea necesario a fin de educar como es debido a su protegido. (Aunque en ocasiones el personaje parece tener mayores talentos de lo esperado, especialmente en algunas escenas con algo de acción, Sean Pertwee logra ese toque entrañable y protector a la par que duro cuando hace falta, para que le tomemos cariño, siempre manteniendo la imagen de caballero británico. Y escribo esto mientras sujeto con una mano un puro y con la otra una copa de coñac, no me preguntéis cómo.)

Entrando ya en materia de villanos, es más que digna de mención la aparición en la serie de Oswald Cobblepot, el Pingüino. En la serie lo veremos inicialmente como un mero "masilla", apenas el portador del paraguas de la villana Fish Mooney, quien a su vez es subalterna del mafioso Carmine Falcone. Sin embargo, buscará ascender en el escalafón, traicionando a quien haga falta, y sin el más mínimo escrúpulo. Esto le lleva a situaciones peligrosas, pero parece que no teme apostar fuerte para lograr sus objetivos. Presume de ver la situación de los bajos fondos con la mayor claridad, sabiendo lo que va a pasar y sabiendo cómo aprovecharse de ello. (Probablemente el papel realizado por Robin Lord Taylor sea el mejor de toda la serie. Toda la gente con la que he hablado de Gotham destaca a este personaje. Yo añadiré que siempre que he leído cómics y he visto películas de Batman, o videojuegos, el Pingüino nunca me ha entusiasmado, y sin embargo en la serie me parece de lo más interesante. ¡Quiero unos zapatos como los suyos!)

Ya puestos con los villanos, en cuanto a mafiosos se refiere, mencionaré en primer al más poderoso de la ciudad, el ya veterano Carmine Falcone. Tiene un amplio séquito de subalternos, entre los que destaca Fish Mooney, la que más dinero le produce. Es un hombre educado y de mucho temple, un hombre de honor, con un carácter muy tranquilo. Sin embargo, si tiene que asesinar a sangre fría para dar una lección no dudará en hacerlo. Tiene que vigilar a su principal rival, Salvatore Maroni, al mismo tiempo que debe asegurarse de evitar traiciones dentro de su propio grupo. (John Doman hace una interpretación excelente, convenciéndonos rápidamente de ser un personaje de la vieja escuela curtido en mil batallas. Nada que achacar a su participación en la serie.)

Como contrapunto a Falcone, nos encontramos con su rival directo Salvatore Maroni, quien está tratando por todos los medios de ganar reputación y poder a costa de Falcone, pero siempre de un modo prudente, evitando un enfrentamiento directo que sería perjudicial para sus intereses. Es el clásico mafioso italoamericano estereotipado de las películas, con ese toque campechano pero duro, y con el restaurante en propiedad de rigor. (El personaje no cae simpático, ya que a diferencia de Falcone que me crea cierta simpatía, Maroni lo que me provoca es antipatía y rechazo. Pero es que el personaje está pensado a tal fin. Por ello, podemos alabar el trabajo realizado por David Zayas.)

A pesar de tratarse de una subalterna, María Mercedes Mooney, más conocida como Fish Mooney, tendrá mayor protagonismo en la serie que los dos líderes mafiosos previamente mencionados. A la sombra de Falcone, quiere derrocar y ocupar el lugar de su jefe, al que a pesar de respetar, piensa que ha terminado su momento. Tendrá al Pingüino como uno de sus secuaces, sin saber que éste al igual que ella, tiene una gran ambición por progresar en el mundo criminal. Tiene muchos contactos en la policía, siendo el propio Bullock uno de estos contactos, con el que parece tener algo más que una mera relación mutuamente provechosa. (Jada Pinkett Smith tiene un gran carisma. Cuando aparece por pantalla, enseguida atrapa el interés del observador. Su interpretación es soberbia. Solo me parece fuera de lugar en el comienzo de la segunda temporada, donde debe mostrar su liderazgo para salvar la vida, pero de una forma que me parece un tanto forzada. Pero no tanto por culpa de ella como por el guión. Me enteré después de empezar la serie de que es la mujer de Will Smith. A diferencia del hijo que nos lo quieren meter hasta en la sopa, ella pienso que bien merece su cota de pantalla.)

Y ya que hemos mencionado a la primera chica, vamos a seguir con más chicas que tienen un importante papel en la serie. Nada mejor que empezar con la joven Selina "Cat" Kyle. La que de mayor se convertirá en la exuberante y embutida en cuero Catwoman, Selina es una jovencita que vive en las calles, conociendo los entresijos de los bajos fondos y que roba para sobrevivir. Será testigo del asesinato del matrimonio Wayne, lo que querrá aprovechar en su beneficio y que la hará relacionarse tanto con Gordon como con Bruce. (Camren Bicondova encarnará a Selina, personificando la rebeldía y la picardía. Sin embargo, el personaje sufre de un capítulo a otro mutaciones, pasando de parecer una niña pequeña a una adulta casi mujer, para a continuación parecer de nuevo una niña. Pero a grandes rasgos, cumple perfectamente el papel.)

Pasemos ahora con Bárbara Kean, que será la novia de Gordon desde el comienzo de la serie. Sin embargo, veremos que a pesar de su atractivo, tendrá un carácter problemático y bastante bipolar, lo que complicará la existencia de Gordon. A lo largo de los capítulos, y en especial en la segunda temporada, sufrirá una importante evolución, que no explicaré para no destripar el argumento. Tendrá una extraña relación que también se desvelará con el avance de la trama con una agente de asuntos internos que parece tener a Gordon entre ceja y ceja. (Erin Richards aportará el toque femenino que en los inicios de la serie echaríamos de menos de no estar ella. El complicado carácter del personaje nos lo cuela como si fuera su personalidad auténtica. Excelente.)

En contraposición con el bipolar carácter de Bárbara, pondrá el punto sosegado la doctora Leslie Thompkins, especializada en psiquiatría, que tendrá que lidiar con la flor y la nata de los más chalados de Gotham, por lo menos de los que se han dejado atrapar. Leslie tendrá importancia en el afortunadamente no excesivo pasteleo de la serie. ¿Pero será realmente tan sosegada y tan buena como parece? ¿Esconderá una cara oculta? La respuesta la tendréis viendo la serie. (Desde el primer minuto la doctora parece un trozo de pan. Un oasis entre tanta corrupción y tanta locura. Estoy deseando seguir viendo la evolución de este personaje. La interpretación de Morena Baccari es magnífica. Vieja conocida de la magnífica e inacabada serie Firefly, y posteriormente de la serie reversionada "V", con su atractivo ya gana muchos puntos, a lo que debemos añadir que es una gran actriz. Gran incorporación para la serie.)

Podría seguir con la lista, pero no quiero ser aburrido...eso y que es un peñazo hablar de tantos personajes. Lo mejor es que veáis la serie y os dejéis de tonterías. Destacaré al ayudante de forense Eduard Nigma, que ya va tomando visos de lo que un día será; y la aparición en la serie del actor Cameron Monaghan, que en la serie Shameless (US) interpreta al hermano gay de la familia, y que en Gotham interpretará un joven llamado Jerome, que actúa prácticamente igual que el Joker. Sin embargo no podemos afirmar que se trate del futuro Joker. Yo prefiero que el origen del mejor villano de la serie siga siendo un misterio.

Spotlight

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 18 Apr 2016 17:16:00 +0000

Muy poco se ha hablado de Spotlight, a pesar de ser la ganadora a de los Oscar este año. Cosa extraña. Pero claro, eso es sólo una opinión más. Habrá gente que piense que, todo lo contrario, se ha hablado demasiado. Sea como sea, es una película que hay que ver. Uno de esos "must" de los que tanto se habla (mal) hoy en día.

Oscar a la mejor película de 2015 y al mejor guión. Ahí es nada. Se dice pronto, pero cuesta mucho trabajo conseguir una película de semejante calidad; algo más de dos horas de cine de ese que te deja pegado a la silla; 128 minutos de actuaciones brillantes y una realidad que, además de conmover, aterroriza al espectador.

La historia, y esto es lo realmente duro, está basada en un caso real; un caso que sacudió los cimientos de la Iglesia; una historia que desnudó una trama horrible, una verdadera red de pederastia dentro de la Iglesia Católica (la película se ciñe a los casi 90 casos que se destaparon en Boston), aceptados y ocultados por la Iglesia y gran parte de la sociedad. Una verdad que, a pesar de los encomiables esfuerzos de víctimas y abogados que pretendían mostrar al mundo los hechos, era continuamente sepultada, una y otra vez, bajo un manto de poder terrible y extenso. Los largos dedos de la Iglesia llegan hasta el último rincón del sistema judicial; hasta la última puerta; hasta el sótano más oscuro y frío.

Spotlight es el nombre de una publicación que pertenece al periódico local Boston Globe. Su labor fundamental es investigar los casos que ellos mismos consideran importantes. Pero nunca antes habían tenido que investigar una trama de abusos sexuales en la Iglesia, consentidos por los cargos más altos de la misma.

Como he dicho antes, una película tan dura como real. Una interpretación espectacular; una ambientación ideal que nos lleva al año 2001, cuanto los periódicos en papel estaban en lo más alto... Todavía no se vislumbraba, por aquella época, la caída que estaba por llegar. Cierto toque nostálgico, por qué no.

Para mí, una película excepcional, con una vertiente fundamental: la trama de abusos sexuales destapada por Spotlight. Pero también con una segunda trama algo más sutil, la que cuenta la importancia de un periodismo de calidad, de investigación, valiente y atrevido, objetivo y veraz, y la necesidad casi imperiosa de existir en cualquier sociedad avanzada.

Una película que merece la pena ser vista. Un Oscar merecido, merecidísimo. Bravo. Os la recomiendo, de verdad. Tengo que reconocer que últimamente se me viene haciendo pesado aguantar más de dos horas pegado a una silla para ver una película, pero este fin de semana tuve un reencuentro personal de lo más gratificante con el séptimo arte. Esta, Spotlight, fue una de las causantes de mi reencuentro con el cine. La otra... Bueno, de la otra película ya hablaremos otro día... De momento, tenéis deberes que hacer... ;) ;) ;)

Crossover TV: Las series se dan cita en Lucena

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 14 Apr 2016 21:03:00 +0000

Si os gustan las series de televisión (lo más probable si estáis leyendo este blog) y andáis por el sur, este fin de semana tenéis una cita obligada en Lucena (Córdoba). Nos referimos, por supuesto, a las Jornadas de Ficción Televisiva Crossover TV, organizadas por la Asociación Cultural DeLorean, capitaneada por los blogueros Vicente Cabeza y Raúl Domingo, y que nos presenta un programa tan atractivo como variado, además de contar con unos invitados de lujo. ¿Queréis saber más? Pues pasad, pasad, que os cuento...

Como su propio nombre indica, las jornadas están dedicadas íntegramente a las series de televisión. Y, como todo buen crossover, va a tocar géneros muy, muy dispares. Aquí os resumo un poco el programa:

El viernes día 15, tras su inauguración a las 21:00, se llevará a cabo la proyección del primer episodio de la segunda temporada de Fear the Walking Dead, tan sólo tres días después de sus estreno mundial, y cedido por AMC Network Iberia. A ello le seguirá el estreno del corto "Múltiplos de 3" y de un espectáculo de improvisación en el tres actores interpretarán una serie de sketches que irán improvisando como respuesta a las peticiones del público asistente.

Pero por si fuera poco, el sábado 16 el programa viene aún más cargado. La tarde comenzará con un espectacular debate sobre la serie de moda en España, El Ministerio del Tiempo, en el que participarán especialistas en televisión como Concepción Cascajosa (editora del libro "Dentro del Ministerio"), Javier Olivares (co-creador de la serie, además de ser el creador de otros títulos tan conocidos como Isabel o Víctor Ros), Carlos José Navas (director del podcast "Fuera de Series"), y actores de la propia serie como Ángel Ruiz (que interpretó a Federico García Lorca) o Miguel Ángel Somé (quien encarnó al hijo de Alonso de Enterríos).

La cosa no queda ahí: un nuevo estreno (el de la webserie MemE) y la proyección del episodio piloto de 11.22.63 (la miniserie de J.J.Abrams basada en la obra homónima de Stephen King y protagonizada por James Franco) continuarán una intensa tarde que culminará con una edición especial de BirraSeries Lucena, con un interesante debate sobre series de televisión en el que participarán como invitados algunos blogueros conocidos como el anteriormente mencionado C.J. Navas, Saida Guerrero ("La Casa de EL"), Antonia Nieto ("TV Spoiler Alert" y coordinadora de "Córdoba en Serie") o la que escribe estas líneas (representando a nuestro querido "Crónicas de Valhalla" y a "TodoSeries").

¡Casi nada! Poco más queda por decir aquí, excepto que esperamos con ansias el evento... ¡y que espero veros por allí!

Room (2015)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 08 Apr 2016 09:35:00 +0000

Pasada ya la fiebre de los Óscar de este año, hoy venimos a hablar de una de las cintas más recomendables de entre las nominadas a mejor película. Nos referimos, por supuesto, a Room, un largometraje que ha podido pasar desapercibido en medio del ruido generado por otras con más pretensiones como The Revenant (¡por fin premio para DiCaprio!) o Mad Max: Fury Road, pero que no por eso merece menos que hablemos de ella.

Room es una extraña joya dentro del panorama actual. Así, todos los años aparecen películas que parecen haber sido diseñadas para atraer nominaciones, ya sea por su espectacularidad, sus medios o el cast que lo protagoniza. Y otras, sin embargo -mucho más escasas-, atraen la atención sin hacer demasiado ruido, aferrándose únicamente (y no es poco) a su calidad.

De hecho, de no haber sido por su nominación a mejor película, estoy segura de que nunca la habría visto. Sin apenas promoción (en comparación, claro está, con otras películas de este año como las que hemos mencionado antes), ha sido capaz de encontrar su nombre entre las más destacadas y de otorgar un merecido reconocimiento a su actriz principal, la -recién- oscarizada Brie Larson. Y eso dice mucho de ella.

Ahora bien, ¿de qué trata Room? La respuesta, señores, me la guardaré para otro momento. Room es una de esas películas de las que es mejor no saber nada antes de empezar. Es mejor sumergirse en ella y dejarse llevar por el desconcierto, por la manera en la que la propia narración te engancha y te hace ser consciente, muy poco a poco, del drama de la historia.

Porque eso sí puedo decirlo: la película tiene una fuerte carga emocional, no por ello exenta de un mensaje esperanzador. Y a pesar de esto, no da la sensación de ser una película densa o difícil de ver. Más bien al contrario, la película transcurre en un suspiro: el que emites una vez acabada, cuando lo que has visto da paso a la reflexión. Sólo entonces te das cuenta de hasta qué punto te ha impactado.

Resulta muy difícil hablar de manera tan críptica, pero os prometo que es mejor que no revele nada más de ella. Si os animáis a verla, me lo agradeceréis. De modo que, resumiendo:

¿Lo mejor? Las interpretaciones de los actores principales, Brie Larson (merecedora clara de su Óscar) y el jovencísimo Jacob Tremblay (y os lo digo yo, que soy muy crítica con los pequeñajos del cine).

¿Lo peor? Su tráiler, sin duda. Dolorosamente spoileante. Si habéis llegado hasta aquí sin saber nada más de la película, os pido que no lo veáis. Confiad y pasad directamente a la cinta. Ya me contaréis si ha merecido la pena.

Crítica: Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Wed, 06 Apr 2016 15:52:00 +0000

Al fin llegó uno de los estrenos más esperados del año, la película que consigue unir a los dos héroes más populares de DC, el hijo de Gotham y el hijo de Krypton. Mucha era la expectación puesta en la que supone la segunda entrega de lo que será el Universo cinematográfico DC comenzado por El hombre de acero en 2013, y ya sabéis lo que pasa, que cuanto más alto se sube, más fuerte es la caída. Puede que por tanta expectación, o porque las comparaciones con El Caballero Oscuro de Nolan son inevitables, la mayoría de la crítica ha destrozado la película sin compasión, lo que ha entristecido a Ben Affleck como se aprecia en el divertido vídeo viral de una entrevista para la película. Antes de nada, me gustaría dejar claro que para mí no es ni de lejos tan mala como la pintan. Entonces, ¿me gustó o no me gustó? Entremos en detalle...

¿Me gustó...

Algo que me gustó de la película y que se pasa de alto entre tantas escenas de acción, es contemplar el punto de vista de un ciudadano común de la pelea de seres superpoderosos en una concurrida metrópolis. Así, podemos contemplar la destrucción y el caos desatado durante la batalla de los dos kryptonianos que acontece en El hombre de acero, y el impacto que genera tanto en las víctimas que pueden ser consideradas como daños colaterales, como, y principalemente, en la personalidad de Bruce Wayne, ya que en este momento se planta la semilla del rencor en el corazón del magnate de Gotham que germinará hasta convertirse en un intenso desprecio por el Hombre de Acero, en el que ve una amenaza donde muchos ven a un dios salvador.

Aunque la elección de Ben Affleck para el papel de Batman fue muy criticada, la verdad es que está mejor de lo que esperaba, pero en mi opinión no llega al nivel de Bale, pero claro, yo soy ferviente seguidor de la trilogía de Nolan, así que para mí va a ser muy raro superar eso. Henry Cavill también me gusta mucho como Superman, lo veo muy creíble en su rol, y el hecho de que se nos presente un ser mundano, con dudas y preocupaciones que pueden llegar a despistes fatales, esa humanización de la divinidad me gustó mucho también.

En un principio no entendí la visión/sueño futurístico-apocalíptica que tiene Bruce, es normal para los que no hemos leído nada de DC, y tras esto se nos presenta una imagen de quien parece ser Flash que aparece para advertir a Bruce de algo. Estos momentos probablemente son los más confusos de la película, ya que que no aportan nada a la trama y parece que simplemente son cabos sueltos que al final quedan sin atar. Sin embargo, con una investigación mínima llegué a entender que este escenario podría plantearse con la aparición del que probablemente será el villano en La Liga de la Justicia. Parte 1, programada para noviembre de 2017, y si esa escena con Flash es incluída desde su punto de vista en su propia película programada para 2018 o en alguna otra entrega futura, me parecería un punto muy interesante el hecho de que vayan incluyendo pequeños detalles de las películas venideras. A esto último también hay que añadir el primer vistazo de lo que será la futura Liga de la Justicia, con algunas imágenes de Flash, Aquaman, Cyborg y la más activa presencia de Wonder Woman.

... o no me gustó?

Un detalle, que no es que no me gustara pero que me resultó un poco chocante, fue ver con qué soltura Batman daba rienda suelta a su furia y artillería para acabar impunemente con la vida de sus adversarios, estando acostumbrados al cruzado que castiga pero que no arrebata la vida a los criminales. Si nos ponemos a contar probablemente concluyamos que Batman ha matado a más gente en esta cinta que en las últimas 7 ediciones del detective por excelencia de DC cómics. Por lo que tengo entendido, en entregas más recientes de cómics, ya se presenta este carácter furibundo, así que no es algo a reprochar, simplemente digo que resulta extraño.

Por otro lado, la trama me pareció un poco forzada. La inclusión de ese versus en el título daba a entender una confrontación entre los dos personajes principales que ya se daba a entrever en el trailer oficial de la película. Sin embargo, a la hora de la verdad ese duelo me pareció un poco metido con calzador y su desenlace me parece prematuro y un tanto incoherente.

Pero, definitivamente, lo peor de “Batman v Superman” es Jesse Eisenberg en el papel de Lex Luthor. La inclusión de esos tics continuos y excesivamente extravagantes conduce irrevocablemente a un sentimiento de sobreactuación por su parte. Personalmente me dio la sensación de estar presenciando un forzado intento de captar el espíritu del Joker de Ledger, pero que fracasa estrepitósamente hasta tal punto que su presencia resulta extremandamente tediosa y molesta. Por otro lado, da la impresión de no tener un cometido para sus planes, sus acciones carecen de propósito y simplemente por ser Lex Luthor tiene que ser malo, de nuevo ese intento de personificar el "agente del caos" magistralmente encarnado por el Joker de Nolan.

Curiosidades y sinsentidos

A continuación comparto tres curiosidades o Easter Eggs (utilizando el anglicismo ampliamente empleado) que pude avistar durante la película, así como un par de situaciones que me parecieron un poco absurdas.

Cuando Clark Kent estando en la editorial del Daily Planet, discute con su jefe Morfeo sobre la necesidad de investigar sobre el enmascarado Hombre Murciélago, el cual está tomando la justicia por su mano, en lugar de cubrir un partido de fútbol como le es encargado, Perry White (Lawrence Fishburn) le contesta diciendole “ya no estamos en 1938”, sugiriendo que la gente tiene otros intereses en nuestra época. Esta fecha no está escogida al azar, sino que es el año en que Superman hizo su primera aparición en Detective Comics.

Cuando el empleado de Wayne Enterprises que ha perdido sus piernas está en su casa rodeado de recortes incriminando las "heróicas" actuaciones de Superman, podemos ver un retrato en tinta negra y roja que hace referencia a la famosa portada del primer cómic de Superman, que como ya he dicho, se publicó en 1938.

En una de las escenas en las que vemos a Batman en su guarida, uno de los objetos que decoran el lugar es el traje de Robin con la inscripción "Hahaha, joke's on you Batman" frase característica del Joker que da a entender que fue él quien acabó con la vida de Robin, razón por la cual está ausente en este Universo DC. La falta de Robin podría explicar el caracter taciturno e iracundo del cruzado enmascarado en esta entrega, además esta escena es un guiño al villano más popular y psicópata de la compañía DC, de manera que aunque no está presente físicamente, su presencia se nota en el aire. Otra referencia al Joker se realiza durante la fiesta de Lex. Cuando Clark y Bruce están hablando y el primero trata de justificar las acciones de Superman, Bruce contesta algo así como "Gotham tiene malas experiencias con raritos vestidos de payaso".

Ahora un par de detalles que me parecieron absurdos: el primero tiene lugar en la fiesta de Luthor, a la que Bruce es invitado y de la cual quiere substraer ciertos archivos pertenecientes a su anfitrión. Uno podría pensar que ciertos archivos incriminatorios, conteniendo los maléficos planes del maquiavélico villano estarían bien seguros con puertas blindadas, guardias de seguridad o códigos secretos; sin embargo, el bueno de Bruce, todo lo que tiene que hacer es bajar a la planta de abajo, y al lado de la cocina (la cual se ve en la escena), pasando una puerta de cristal que ni siquiera está cerrada, llega al recinto donde se hallan unos cuantos superordenadores, ahí coloca uno de sus aparatos lujosos en la pared y descarga toda la información de Lex.

El segundo detalle absurdo tiene lugar al final de la esperada batalla entre los dos superhéroes. Cuando el murciélago está a punto de ensartar al Hombre de Acero y convertirlo en pinchito kryptoniano, su mano se detiene ante la pronunciación del nombre de su madre (ambas madres comparten el mismo nombre). Cuando Batman comienza a repetir literalmente "¿por qué has pronunciado ese nombre?", Lois aparece en escena y sin saber de qué iba la conversación porque no ha escuchado nada de ella, ésta revela a Batman que es nombre de la madre de Clark. Esta acción de clarividencia o superoído por parte de la periodista me provocó una expresión confusa y patidifusa.

Conclusión

En general, me pareció una buena película de acción, muy comparable a Los Vengadores, Iron Man 3, Thor, y muchas otras películas tan alabadas de Marvel. Hay mucha acción, efectos especiales (especialmente en la parte final), y un guión un poco cogido con pinzas, pero aún así es muy entretenida de ver. Con suerte, este joven Universo cinematográfico DC (del cual podéis comprobar su calendario de estrenos aquí) nos traerá obras destacables como ya ha ocurrido en la compañía rival con títulos como la divertida Deadpool, y guiones más trabajados e intrigantes como Guardianes de la Galaxia o Capitán America: El Soldado de Invierno.

También habría que tener en cuenta que ambas compañías tienen un diferenciado estilo para sus películas, con Marvel produciendo productos más luminosos y humorísticos, mientras que DC ha apostado por una atmósfera más oscura, seria y melancólica. Esta clara distinción puede provocar que la línea de películas de DC calen en el espectador de forma distinta a las de Marvel, lo que aumentará las disputas entre defensores de Marvel vs DC.

¿Tienes un punto de vista distinto en cuanto a la película? Déjalo respetuosamente en los comentarios para contrastar opiniones. La próxima cita será Suicide Squad, hasta entonces, seguid disfrutando del cine.

Mr. Robot, la serie revelación de 2015

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Fri, 11 Mar 2016 18:21:00 +0000

Saludos lectores, hoy mostraremos la receta para preparar nuestra propia serie ganadora de un Globo de Oro y un Premio de la Crítica: para empezar batimos intensamente 225 g de conocimientos de informática y 150 g de crítica sociopolítica hasta obtener una mezcla homogénea. Una vez mezclados, añadimos 50 ml de influencia de El club de la lucha y 80 ml de influencia de Anonymous (también pueden ser reemplazados por 80 ml de V de Vendetta); esto generará una consistencia y una textura exquisita para nuestra serie. Sin dejar de remover, añadimos 1 protagonista enigmático, preferiblemente que sea fresco, porque evitando el toque de madurez seriéfila dará un mejor aspecto a nuestro producto. Horneamos a 200ºC durante 40 minutos, una vez pasado este tiempo dejamos enfriar. Para darle un toque final podemos aderezar con un poco psicosis y carisma, así conseguiremos también otros premios como el Globo de Oro a actor de reparto y Premios de la Crítica a actores principal y de reparto.

Mr. Robot ha sido una de las series revelación del año, ya desde su episodio piloto prometía que sería una gran serie, con un personaje principal protagonizado por Rami Malek que parece que el papel haya sido escrito para él, esos ojos saltones le dan un aspecto de perturbado mental que va de lujo con su rol. Aunque ha sido acusada de perder intensidad con el transcurrir de los capítulos, no creo que sea así desde mi punto de vista, ya que aunque esa crítica social que tanto elevó el estatus de su capítulo piloto se diluya ligeramente, ésto se contrarresta con la aparición de ciertas situaciones atractivas en otros frentes.

Mr. Robot cuenta la historia de Eliot, por el día programador informático trabajando para una empresa de seguridad cibernética, por la noche vigilante trabajando desde la comodidad de su hogar para desenmascarar personas u organizaciones dañinas para la sociedad, como por ejemplo redes de pedofília. Eliot tiene ciertos problemas para relacionarse con otras personas debido a su personalidad asocial, casi autísta, por lo que intenta pasar por la vida de una manera lo más desapercibida posible, oculto bajo su capucha por la calle e intentando no destacar mucho en el trabajo (cosa difícil cuando eres uno de los mejores programadores de la empresa), puede que por esta razón sienta la necesidad de escarbar en la vida de otras personas, hackeando sus emails o sus cuentas de Facebook, para así rellenar el vacío y la soledad que siente en su interior.

Debido a su talento y a su posición en esta empresa de seguridad informática, un misterioso individuo bajo el pseudónimo de Mr. Robot contactará con él para llevar a cabo una empresa cuasi utópica: reiniciar un sistema que cree injusto y desequilibrado, para lo cual deberán presentar una cibernética batalla contra la más poderosa megacorporación de EE.UU., E-Corp, a la cual Eliot denomina como Evil Corp., y sus razones tiene para ello. Este objetivo es básicamente como saltarse la parte de las tortas de El club de la lucha e ir directamente a la trama del Proyecto Mayhem. Este grupo reivindicativo será conocido como Fsociety, derivación de Fuck Society por su cometido primordial, y el uso de máscaras en sus comunicados transmite esa más que clara influencia del grupo Anonymous. Otra reminiscencia de la obra de David Fincher es la voz en off del personaje, que más de una vez recuerda a la del personaje de Edward Norton, "soy el deseo de venganza de Jack".

Otro aspecto muy alabado de la serie es su fidelidad en lo que a lenguaje informático se refiere, personalmente no entiendo nada del tema, pero por lo visto hablar de ataques DDOS, rootkits, GNOME o DNS ha gustado mucho a la comunidad que maneja ese mundillo. Y por supuesto se acabó lo de hackear la seguridad de las oficinas centrales del FBI probando dos contraseñas al azar como hemos visto en muchas series y películas, aquí hackear requiere su tiempo.

En definitiva, Mr. Robot es una serie de suspense que muestra lo podrida que está la sociedad en la que vivimos y propone una solución al problema. El papel que hace Malek me parece soberbio, hasta el punto que me llevó a plantearme si el actor era en realidad así en la vida real o es que lo hacía de lujo, trabajo que se vio recompensado en la temporada de premios con sus nominaciones y galardones, y que está muy bien acompañado por sus compañeros de reparto, especialmente Christian Slater que también se vio premiado por su papel en la serie. Debido a su tremendo éxito, una segunda temporada ya está en proceso, donde el tema principal será cerrar los interrogantes creados al final de la primera temporada, así como rellenar los huecos que quedan en el pasado del protagonista. Personalmente estoy deseando que llegue el momento de su estreno porque el último capítulo deja con ganas de más.

El mundo es un lugar peligroso Eliot, no por aquellos que hacen el mal, sino por los que miran y no hacen nada. (Mr. Robot)

Medio rey, de Joe Abercrombie (Trilogía El mar quebrado)

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 26 Feb 2016 17:30:00 +0000

¿Cansado de un trabajo de oficina monótono y aburrido? ¿De ejercer como nini y no hacer nada emocionante? ¡Lánzate a la lectura de una buena novela de aventuras!

Es lo que yo hice, con eróticos resultados. Y es que di con un título magnífico de casualidad. En la biblioteca de mi ciudad ponen un expositor con las novedades en novelas. Me puse a mirar las portadas y una de ellas me llamó enormemente la atención. El título: Medio mundo. El autor: Joe Abercrombie. Agarré el móvil con acceso a internet que solo uso en casos de emergencia como este y busqué información. Descubrí que era el segundo título de una trilogía. El siguiente paso lógico fue buscar el primer título de la saga: Medio rey.

Afortunadamente estaba disponible en los estantes. Y al leer la sinopsis, supe que era el elegido. Resumiré el tema, recomendando no leer la contraportada en caso de haceros con la novela, ya que desvela más de lo que creo conveniente.

El principal protagonista es Yarvi, el segundo hijo de la familia real de Gettlandia, que está estudiando para clérigo, con la idea de pasar la prueba final y formar parte de la Clerecía. Ello supondría que renunciaría a su familia y por tanto a cualquier posibilidad de convertirse en heredero de la corona. Esto haría felices a todos, a su padre, a su hermano (el primero en la sucesión), y sobretodo a él mismo. ¿El motivo? Tiene una malformación en su mano izquierda, en la que solo tiene el dedo pulgar y otro dedo, que le da aspecto de ala de pollo (yo lo llamo para mis adentros "el patapollo") y por eso su padre no lo considera digno y su hermano lo mira por encima del hombro. Además, a él le encanta el estudio, el conocimiento y la vida reposada.

Todo parece marchar a la perfección hasta que su padre y su hermano mueren en una emboscada y debe renunciar a su vida como clérigo para convertirse en rey. De estar considerado como "medio hombre" pasa a ser "medio rey". En su coronación jura vengarse de los asesinos de su padre.

Juré,... ..., vengarme de los asesinos de mi padre. Seré medio hombre, pero pronuncié un juramento entero.

La novela está llena de emoción, acción y traición, con un ritmo desenfrenado y unos personajes carismáticos. Me ventilé la lectura en menos tiempo del que tarda una choni delante de un espejo en hacerse un selfi. Aunque está catalogada como novela juvenil, me parece adecuada para el público adulto entre el que me encuentro, y tiene ese toque de Joe Abercrombie que hace que ni los malos sean tan malos, ni los buenos caguen oro. Aviso a navegantes, si estáis de exámenes, no lo empecéis, que no podréis parar hasta acabarlo. Lo dice la voz de la experiencia.

También me leí la segunda novela de la trilogía (anteriormente mencionada), otro pedazo de obra, tan adictiva como la primera. Y lo mejor es que aunque los protagonistas principales de la primera novela pierden peso, siguen teniendo bastante repercusión, haciendo diversos guiños al primer título. Pero no os quiero adelantar más información. Dejaré que asimiléis lo dicho sobre Medio rey, y ya escribiré a no mucho tardar de la segunda novela, si nada me lo impide.

Como curiosidad que me llamó la atención, quiero destacar un recurso literario que emplea Abercrombie tanto en esta trilogía del Mar Quebrado como en otras de sus obras (estoy leyendo ahora mismo "La mejor vengaza") consistente en realizar una breve descripción de personajes secundarios (generalmente enemigos) destacando algún detalle característico de su aspecto, detalle que le dará nombre a la hora de referirse a estos personajes masilla. Por ejemplo, tal personaje se encuentra cara a cara con un soldado de anchos hombros con el cuello como un toro, y le acompaña otro soldado regordete con cara de cerdo. Cuellodetoro y Caracerdo desenfundan sus espadas. Este es un ejemplo de mi cosecha, pero creo que queda clara la idea.

Y como postre, unos extractos de la novela:

***
Tenía todo el aspecto de un terrón de barro, pero Yarvi había aprendido a reconocerla.
—Raíz de lenguanegra.
—¿Y para qué podría necesitarla un clérigo, mi príncipe?
—Un clérigo espera no necesitarla nunca. Hervida en agua no se distingue a la vista ni cambia el sabor de esta, pero es un veneno letal.
La madre Gundring dejó la raíz a un lado.
—A veces los clérigos deben valerse de artes oscuras.
—Los clérigos deben aspirar al mal menor —replicó Yarvi.
—Y sopesar el bien mayor.

***
—¿Esta es nuestra venganza, Odem? —Abarcó el pueblo en llamas con un gesto de su mano buena—. ¿Contra mujeres, niños y viejos granjeros?
La voz de su tío fue suave, como siempre. Suave como la lluvia en primavera.
—La venganza se cobra por partes. Pero ahora no tienes que preocuparte de eso.
—¿Acaso no hice un juramento? —rugió Yarvi. Llevaba dos días aborreciendo la expresión «mi rey» cada vez que alguien la pronunciaba, pero descubrió que aborrecía más que no se dijera.

***
Siempre que Ankran pasaba cerca, Rulf escupía con particular repugnancia.
—¿Para qué querrá el dinero ese cabrón embaucador?
—A algunos hombres les gusta el dinero, no hay más —dijo Jaud sin levantar la voz.
—¿Hasta a los esclavos?
—Los esclavos tienen las mismas apetencias que otros hombres. Lo que les falta es poder satisfacerlas.
—Muy cierto —respondió Rulf, con una mirada melancólica hacia Sumael.

***
—¿Qué os trae a vosotros cinco a Vansterlandia?
—Somos viajeros —respondió Yarvi, viendo como un guerrero zarandeaba su fardo para vaciar su exiguo contenido—, de camino a Vulsgard.
El arquero enarcó las cejas mirando la pira.
—¿Viajeros que queman cadáveres?
—¿Adónde ha ido a parar el mundo si un hombre honrado ya no puede ni quemar cadáveres sin que sospechen de él? —dijo Nada.

Walking Dead 6x09 y más

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 22 Feb 2016 13:04:00 +0000

¡Hola, amigos de Valhalla!

De nuevo estoy aquí para hablaros de esas cosas que nos gustan: cine, series... Y, cómo no, para hablaros de The Walking Dead. Supongo que a estas alturas ya habréis visto el primer capítulo de la segunda parte de la sexta temporada (6x09). Si aún no lo habéis visto, ya estáis perdiendo el tiempo. Tened en cuenta que esta noche se emite el 6x10 en la Fox, y os aseguro que no queréis ver lo que ocurra esta noche sin saber lo que ocurrió en el capítulo del lunes pasado. Así que, si aún no has visto el 6x09, deja de leer y vete a verlo ya.

Si sigues leyendo este post, amigo "valhallo", es porque ya viste el capítulo 6x09, y por tanto podemos hablar sin tapujos... ¡CA-PI-TU-LA-ZO! No me digáis que no os gustó el capítulo. ¿Y qué me decís de que se zamparan al niño pesado, al traumatizado y a su madre? ¿No sentisteis cierta alegría cuando visteis al niño pequeño devorado por los zombis? Será que yo soy muy mal tipo, pero me alegré un montonazo :) . No soporto a esos personajes endebles y lloricas. Como bien dice Rick, no deberían estar vivos.

Que muriera la madre (conocida por "la rubia" en todos los ámbitos), no me dio tampoco demasiada pena. Lo que sí que hay que reconocer es que chica en la que se fija Rick, chica que muere... Vaya puntería tiene el amigo :) .

Ahora en serio, me pareció un capítulo trascendental dentro de la temporada. El momento en el que salen todos de las casas para ayudar a Rick es la viva imagen de un cambio de actitud: no podemos quedarnos detrás estas paredes; hay que luchar para sobrevivir. Rick, con su ejemplo, les enseñó el camino. La única manera de sobrevivir en un mundo apocalíptico es luchando y adaptándose. ¿Cómo se adaptarán a partir de ahora? Deberán reconstruir el pueblo, volver a edificar, proteger las fronteras, arreglar los muros. Pero todo eso lo harán con el conocimiento que da la experiencia. Ahora ya saben que pueden luchar. Y saben que deben luchar. ¿Serán capaces de hacer realidad el sueño de Deanna?

Para mí está resultando una de las mejores temporadas de la serie. Los guionistas están dando con la tecla correcta una y otra vez. Sólo espero que esta segunda parte esté al mismo nivel que la primera. Puede ser un final apoteósico.

En otro orden de cosas, sólo quiero advertiros de que ya hay fecha para la segunda temporada de Fear The Walking Dead, el spin off del que ya hablamos aquí hace meses. El estreno será el 10 de abril en USA, 11 de abril en España. Así que, según acabe The Walking Dead, seguiremos disfrutando del género zombi. ¡Bien!

Aquí van un par de "teasers" de Fear The Walking Dead. ¡Qué ganas!

Outlander

noreply@blogger.com (Soulie) — Thu, 18 Feb 2016 17:00:00 +0000

Allí donde la leyenda se confunde con la Historia y donde habitan (o se dice que habitan) criaturas fantásticas, no es de extrañar que se desarrolle el relato sobrenatural de Outlander. Rodeados de los embaucadores paisajes de las Highlands y con el halo de misterio que proporciona el cielo gris escocés, es más fácil creer que una zona recóndita del bosque tenga el poder de hacer viajar en el tiempo.

Nos situamos al final de la Segunda Guerra mundial. Tras el acuerdo de paz, ya liberados de sus responsabilidades, el matrimonio formado por Claire, enfermera, y Frank, historiador, puede reencontrarse por fin. La pareja inglesa decide entonces pasar una segunda luna de miel en Escocia para, de alguna manera, recuperar el tiempo perdido y comenzar de nuevo.

Durante este viaje a las tierras altas escocesas, los esposos se van empapando de las crónicas históricas de la región y visitan distintos lugares para disfrutar del encanto del lugar. Esta curiosidad por saborear la cultura local les lleva a presenciar a escondidas un ritual conservado desde antaño por las gentes del pueblo de Inverness: una evocación a las reuniones que los druidas del medievo celebraban alrededor de un círculo de piedras.

Lo que podría resultar jocoso e incluso ridículo, se convierte en un evento inquietante gracias a la elegancia y calidez de la escena junto a la deliciosa narración de la protagonista.

Al terminar esa peculiar asamblea, Claire repara en unas flores que llaman su atención y que permanecen en su memoria incluso después de volver al hotel. Decide entonces regresar al lugar al día siguiente para volver a inspeccionar la planta y determinar la especie. Durante esta segunda visita, la enfermera se siente tentada de posar las manos sobre una de las piedras del círculo y, tras caer rendida, despierta sorprendentemente en una nueva época, en el siglo XXVIII y... hasta aquí voy a contar.

Outlander (forastero/a) no responde al formato de relato fantástico de intrépida acción y poderosos efectos visuales, en cambio cuenta con una permanente atmósfera enigmática y una protagonista con magnetismo, con una cualidad al estilo de la sonrisa de la Gioconda que, sin saber por qué, resulta intrigante y atractiva.

Además si te atrae Escocia, tienes el añadido de disfrutar del despliegue de iconos culturales como el kilt o los clanes y deleitarte con sus bellos paisajes. Un disfrute visual con clase para transportarnos a otro tiempo y espacio. Cheerio!

Primeras imágenes de la sexta temporada de Juego de Tronos

noreply@blogger.com (Jabba) — Tue, 16 Feb 2016 18:54:00 +0000

Ya queda menos. El primer capítulo de la sexta temporada de Juego de Tronos se estrenará la madrugada del 24 al 25 de abril (Canal + Series lo emitirá en nuestro país en versión original subtitulada a la vez que HBO lo haga en Estados Unidos) y, para ir calentando motores, los responsables de la serie han difundido algunas fotografías de lo que podremos ver en los próximos episodios.

Si os habéis fijado, en ellas aparecen personajes como Arya, Sansa o Bran Stark (este último ha pegado un señor estirón, dicho sea de paso). También Tyrion, Jaime y Cersei Lannister e incluso Greyjoy y Bolton. Sin embargo... ¡ni rastro de Jon Snow en las imágenes que HBO ha difundido!

Nada raro si atendemos a cómo termina el último capítulo de la quinta temporada donde, como bien recordaréis -SPOILER VA-, Jon moría. ¿O no? Desde luego se mantiene el suspense hasta el 24 de abril... ¡Qué ganas!

Winter is coming.

Making a Murderer: ¿realidad ficticia o ficción realista?

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 12 Feb 2016 01:28:00 +0000

¿Habéis oído hablar de Making a Murderer? Qué digo... Si tenéis conexión a Internet (imagino que sí, si estáis leyendo esto) habéis oído hablar de ella. ¡Qué demonios! Si vivís en el planeta Tierra tenéis que haber estado presentes en más de una conversación en la que se haya mencionado este título. Y es que desde que Netflix la lanzó al público el pasado 18 de diciembre, este documental de diez episodios se ha convertido en la obsesión favorita del público en general y de la sociedad americana en particular. Tanto, que hasta el propio Obama se ha visto en la incómoda (aunque acertada) situación de tener que eludir preguntas al respecto. Imaginad la magnitud de su repercusión.

¿En qué consiste Making a Murderer? Como comentaba antes, se trata de un documental dividido en diez partes, elaborado con material recogido a lo largo de más de una década por Laura Ricciardi y Moira Demos. Su argumento gira en torno al caso de un hombre acusado de un delito que afirma no haber cometido. El documental servirá, poco a poco, para ir desvelando las inconsistencias de un sistema judicial que cada vez se nos irá mostrando menos fiable. No es, desde luego, la primera vez que se realiza este tipo de crítica (productos de gran calidad como The Jinx o Serial ya lo hicieron). ¿Qué tiene, entonces, este documental para haber atraído tanto la atención?

En primer lugar, un ingrediente esencial es el hecho de que cuenta con un caso más que atractivo. En el primer episodio (que podéis ver aquí subtitulado, subido por el propio canal de Netflix) se nos presenta la historia de Steven Avery, un ciudadano de Wisconsin que es acusado de violación y, consecuentemente, encarcelado por ello. Lo llamativo de su caso es que, 18 años después de su ingreso en prisión, una prueba de ADN (método que no se encontraba lo suficientemente desarrollado cuando fue juzgado) sirve para demostrar su inocencia.

Tenemos, pues, a un hombre al que injustamente se le han arrebatado casi dos décadas de vida por un error humano. Un condenado que, de la noche a la mañana, pasa a ser prácticamente un símbolo; un mártir. Una víctima de uno de esos fallos estadísticamente inevitables en cualquier sistema, por fiable que sea.

Pensaréis entonces, ¿y qué interés puede tener este caso, una vez resuelto? Ahí viene la gran sorpresa del arranque de la serie: una vez liberado de todos los cargos, y a punto de recibir una compensación económica más que jugosa, Steven es acusado de un delito mucho más grave: el asesinato de Teresa Halbach.

El documental surge a raíz de la curiosidad de sus propias creadoras, quienes conocieron el caso a través de la televisión nacional, y pronto vieron que había elementos muy sospechosos. Empezando por el más obvio: ¿tiene sentido que un hombre que ha perdido 18 años de su vida injustamente sea capaz de cometer un error tan grave justo cuando tiene la oportunidad de empezar de nuevo? Esta y otras preguntas se plantean en un documental que irá exponiendo poco a poco todas las inconsistencias de un caso que se vuelve más extraño conforme más ahondamos en él.

Los errores judiciales, la incompetencia de los agentes y la manipulación evidente de pruebas son sólo algunas muestras de lo que este documental saca a la luz, ante la mirada de impotencia de todos los que los seguimos.

Una de las grandes virtudes del documental es que no muestra las voces de los entrevistadores. Vemos declaraciones a la cámara, claro está, pero con más frecuencia aún tenemos la sensación de ser testigos invisibles de la intimidad de las vidas de sus protagonistas. Escuchamos sus conversaciones de teléfono, o simplemente les vemos en situaciones cotidianas, como si fueran totalmente ajenos a la presencia de las cámaras. Como si lo que viéramos fuera totalmente real, sin estar alterado por la presencia de los reporteros. A ello contribuye también el ritmo de la narración, que no escatima a la hora de presentar silencios, suspiros, o pausas, que nos ayudan mucho más a dibujar un retrato de los personajes que vemos.

Sus personajes son, sin lugar a dudas, otro de los pilares fundamentales del éxito del documental. Los miembros de la familia Avery no son personas al uso: son marginados sociales, personajes extraños por naturaleza, rednecks endogámicos con los que en cualquier otro contexto habría sido prácticamente imposible empatizar. Hombres y mujeres con muy bajo coeficiente intelectual cuyas carencias quedan en evidencia en sus diálogos, a menudo compuestos por frases inconexas y llenos de dubitaciones. Y aquí es donde realmente radica el éxito de Making a Murderer.

Al mostrar las debilidades de sus protagonistas, el espectador adopta una actitud protectora y paternalista ante lo que ve: es imposible que gente tan simple pueda orquestar lo que plantea la acusación. Una acusación, además, que pronto se gana la antipatía de los espectadores. No podemos negarlo: el documental anda lejos de ser objetivo. Se viste de objetividad anulando a un narrador que nos dé ningún tipo de juicio de valor. E incluso nos plantea dudas, bien repartidas y en momentos concretos, para que dudemos de la inocencia de Avery; sólo para volver a mostrarnos, con más fuerza aún, que estamos ante una víctima. Making a Murderer tiene una opinión muy sesgada, y no se ruboriza al reconocerlo.

No pretendo con esto decir que lo que nos muestran sea falso. No puedo afirmarlo. Pero tampoco lo contrario. Sólo pretendo llamar la atención ante el hecho de que sólo se nos muestre el lado de los Avery, mientras que la familia de la víctima sólo se vea de manera tangencial, a través de declaraciones oficiales en televisión, o en imágenes del proceso judicial. Nos falta justo aquello que logra que empaticemos con el otro lado. Igualmente, no puede uno dejar de tener la sospecha de que detrás de la versión de los Avery hay dudas mucho más razonables de las que se muestran en el visionado.

En cualquier caso, no es mi función emitir un juicio de valor sobre la inocencia o culpabilidad de los implicados, sino del documental en sí. Y tengo que decir que, a pesar de las faltas que hemos mencionado (y de un ritmo que empieza a declinar poco a poco en la segunda mitad de la temporada), Making a Murderer es más que recomendable.

No sólo ha logrado remover la conciencia de sus espectadores, dejándonos con un sentimiento de vulnerabilidad que será difícil de borrar. Es que, según me temo, sus consecuencias reales aún están por ver: a día de hoy, cuando aún no se han cumplido dos meses desde su estreno, la serie ha logrado que surjan decenas de webs dedicadas a recopilar información sobre el caso, aportando nuevos datos, o arrojando luz ante inconsistencias graves. ¿Llegará el momento en el que se revise el caso sólo por su influencia mediática? ¿Hemos llegado al punto en el que una serie de televisión puede tener efectos prácticos en el sistema judicial? Creo que queda poco para poder comprobarlo...

Crítica: Deadpool (2016)

noreply@blogger.com (Mariano Tapia) — Wed, 10 Feb 2016 16:21:00 +0000

Por fin llega uno de los estrenos más esperados del año, Deadpool, personaje que forma parte del universo de X-Men recibe su propio largometraje. Sin embargo no es la primera vez que podemos ver a Wade Wilson (alter ego de Deadpool) en la franquicia, sino que ya tuvo una muy discutible aparición en X-Men Origenes: Lobezno donde también fue interpretado por Ryan Reynolds. Esta nueva entrega de La casa de las Ideas se convierte en la primera de obtener la categoría para mayores de 18 años, debido a su alto contenido en violencia, algunas escenas sexuales y un lenguaje más que inapropiado. Pero tras ese torbellino rojo que va dejando un rastro de cadaveres a su paso, existen unos comentarios mordaces, ingeniosos e hilarantes hasta tal punto que personalmente yo la consideraría como una de las comedias del año.

Sinopsis: Después de ser un ex agente de las Fuerzas Especiales de EE.UU, Wade Wilson se somete a un experimento para salvar su vida que lo deja con poderes curativos acelerados y otras habilidades sorprendentes, adopta el alter ego de Deadpool para cazar al hombre que casi destruyó su vida, todo con una oscura intención y un retorcido sentido del humor.

Deadpool, también conocido como el mercenario bocazas (the merc with a mouth) es un antihéroe mutante con una capacidad de regeneración instantánea que ríetete tú de Lobezno. Esta no es la típica película en la que el mundo está en peligro y el bueno tiene que salvar el día, de hecho él se burla de ese tipo de superhéroes señalando lo absurdos y estúpidos que pueden llegar a ser. Por el contrario, Deadpool va a su bola, es un cruzado enmascarado en busca de venganza que va desatando su ira en una vorágine de violencia nada característica de la típica imagen de superhéroe que tenemos.

La forma de empezar la película es inmejorable, con una escena de créditos iniciales de lo mejorcito que he visto, y que deja entrever lo que se nos avecina. Con una escena que me recordó a los títulos de Watchmen (para mi la mejor intro de la historia) por el uso de una canción tranquila mientras visualizamos una escena caótica, todo ello aderezado con el toque cómico de los títulos de crédito que se alejan de lo tradicional y en lugar de mostrar el nombre de los actores rezan cosas rales como "Una tía buena" o "un villano británico".

Una de las características peculiares de este personaje es la ruptura de la cuarta pared, recurso que ha sido muy bien extrapolado de los cómics, donde Deadpool es consciente que es un personaje de cómics y habla a los lectores; pues bien, también en la película vemos esta técnica varias veces con cómico resultado. Pero sin duda, lo que más me gustó fue el uso constante de referencias a otras películas tales como Lobezno Origins, 127 Horas, Blade, Todo en un día (Ferris Bueller's day off). Entre ellas, de las más graciosas son un par hacia Green Lantern, película protagonizada por el propio Reynolds y destrozada por la crítica, y hacia X-Men en general, la que más me gustó en particular fue: SPOILER ALERT -Coloso: Te voy a llevar con el profesor; -Deadpool: ¿Cual de ellos?¿Stewart o McAvoy? Las distintas líneas temporales me confunden. FIN DE SPOILER.

Por esa actitud desenfadada y socarrona, Deadpool se ha convertido automáticamente en mi personaje favorito de Marvel, por encima de otros como Iron Man o Lobezno. Sin embargo, la cinta cuenta también con sus puntos flacos, uno de ellos es la falta de personajes secundarios, probablemente por el bajo presupuesto con el que contaba comparada con otras creaciones de Marvel, lo que lleva a complicaciones para adquirir los derechos de varios personajes. El antagonista, no es muy carismático que digamos, con unos poderes que no creo que sean la envidia de nadie y va acompañado por su guardaespaldas, Angel Dust (Polvo de ángel (no sé si traducirán el nombre en español)), que tira del clásico recurso de la superfuerza. Por el lado de los mutantes buenos solo contamos con la aparición de Coloso y la mutante con el nombre más molón de la franquicia Negasonic Teenage Warhead. Durante la película, Deadpool incluso llega a bromear ante la ausencia de otros mutantes: "Es casi como si el estudio no pudiera permitirse más X-Men".

Otro pequeño inconveniente que le encuentro es un argumento no muy desarrolado. Debido a que gran parte de la historia se centra en contar el origen del personaje (en mi opinión algo necesario, ya que Deadpool no es el más conocido entre la plantilla de Marvel) la trama principal queda algo diluida, pero por lo visto la inclusión del origen de Deadpool era un requisito impuesto para la realización de la película. El lado bueno es que se plantan los cimientos para una muy probable segunda parte, y que en la escena después de créditos (porque la hay) nombra a un personaje que podría co-protagonizarla junto a Wade Wilson, y que su simple mención hará la boca agua a los seguidores de los cómics.

Como no me gusta la idea de acabar con estos puntos negativos, vuelvo a insistir en que Deadpool es una divertidísima y MUY recomendable película que personalmente disfruté enormemente viendo. Espero que compartáis vuestra impresión en los comentarios cuando la veais para contrastar opiniones, así que poneos cómodos y disfrutad del espectáculo.

Mientras seamos jóvenes

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 29 Jan 2016 18:00:00 +0000

Esta película nos presenta a un matrimonio formado por Josh Srebnick (Ben Stiller), un célebre y veterano director de documentales, y Cornelia (Naomi Watts), una productora de documentales e hija de otro importante director. Josh está trabajando en su última obra, en la cuál lleva invertidos nada menos que 8 años y los que parece que faltan, y se niega a trabajar para su mujer por orgullo, para que no le resten méritos. La pareja está inmersa en una vida monótona y aburrida, no tienen hijos ni ganas, a diferencia de la pareja que forman sus mejores amigos.

Esta monotonía cambia cuando empiezan a salir con una joven pareja toda vitalidad y pasión, formada por la atractiva Darby (Amanda Seyfried) y el molón Jamie (Adam Driver), autodeclarado admirador de Josh y joven realizador de documentales. Este último actor lo descubrí en la última de Star Wars, donde no me dejó del todo buena imagen, ya que me pareció estar viendo a Severus Snape de Harry Potter en lugar de a un digno heredero de Darth Vader. Sin embargo, en esta película hace un papel realmente bueno, independientemente de si cae mejor o peor su personaje.

La película me sorprendió en su desarrollo, ya que esperaba el típico humor propio de la mayoría de películas del genial Ben Stiller, pero deriva en un enfoque más adulto. No se centra tanto en el humor por el humor, sino que muestra la evolución de las personas según pasan los años. La pérdida de sueños de futuro, sustituidos por el paso insulso de los días. En ese mirar atrás y pensar en lo que no se hizo y se podría haber hecho, en lo que nos gustaría haber hecho.

Incluso al final, cuando se descubre todo el pastel, el espectador espera esa vuelta de tuerca, el resurgimiento del héroe caído. Y una vez más, la película vuelve a sorprender gratamente, con un final con los pies en la tierra. No es un peliculón. No es la mejor para ver con un grupo de colegas con la idea de echar unas risas. Ni la mejor para ver en el cine, ni para alquilar. Pero es de esas películas que ves en una de esas tardes aburridas y al terminar no te arrepientes de verla. Incluso hace reflexionar, por lo menos a gente de mi generación, que aun siendo y sintiéndome joven, cada vez veo más cerca ese momento, y siento cada vez más rápido el paso de los años.

Así que un claro mensaje que deja la película es que hay que aprovechar el momento y vivir con pasión, para no mirar atrás y arrepentirse. Volviendo a los clásicos:

Carpe Diem

Expediente X

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 25 Jan 2016 13:48:00 +0000

Si uno tiene que echar la vista hacia atrás, y tratar de recordar cuándo empezó a engancharse a esto de las series, es imposible pasar por alto Expediente X. Por muchos motivos: porque fue una de las mejores, tanto de su época como en toda la historia de la televisión; porque todos quisimos ser Mulder en algún momento (Scully era demasiado analítica, demasiado empírica); porque todos queríamos creer, aunque sólo fuera un poco (I want to believe, decía el cartel que Mulder tenía colgado en su despacho); pero, sobre todo, porque no conozco a nadie que no haya visto, al menos, un capítulo de la serie.

Yo recuerdo con especial cariño las noches de Expediente X. En mi casa todos veíamos la serie. Devorábamos los capítulos como se devora una tortilla de patata poco cuajada y con cebolla. Por cierto, si en mi casa había tortilla de patata la misma noche de Expediente X, el mundo podía detenerse, que ya estaba todo hecho.

Pero aquella emblemática serie se acabó, llegó a su final (como todo en la vida). Y todos los amantes del género nos quedamos huérfanos, buscando series que se le parecieran, que nos permitieran creer en fenómenos extraños, en extraterrestres, en gobiernos que ocultan la verdad para que nadie sepa que en realidad no estamos solos.

Y llegaron otras series. Algunas muy buenas, otras no tanto. Llegaron series que nos dejarían con la boca abierta, y nos harían olvidar, al menos durante un ratito, que vivíamos sin Expediente X. Pero seguíamos buscando...

Pero Expediente X vuelve... ¡Y vuelve mañana!

Mañana (26 de enero) vuelven los nuevos capítulos de Expediente X, que emitirá la FOX, más de 20 años después de que se diera por cerrada la serie. Ganas y emoción, intriga, suspense y, por qué no decirlo, cierto temor. Temor, sobre todo, a que los nuevos episodios no estén a la altura, no ya de aquellos míticos de hace 20 años, sino del recuerdo que aquellos dejaron en nosotros. El tiempo y la ausencia son los ingredientes básicos de la idealización. ¿Cuántas veces no os ha ocurrido que, después de ver una película, o simplemente después de volver a un lugar que teníais idealizado en vuestra mente, os disteis cuenta de que era mejor en vuestro recuerdo que en la realidad?

El olvido, las largas ausencias, ayudan a que idealicemos el objeto ausente. Ese temor es que que existe con esta serie. Esa es la barrera que debe (debemos) superar. Han pasado más de 20 años y, aunque las buenas historias son para siempre, la forma de contarlas cambia, porque cambia el espectador. ¿Será capaz Expediente X de mantener el nivel? Espero, sinceramente, que sí. Porque, pase lo que pase, yo quiero creer. Hablaremos en unos días... ;)

Un día perfecto

noreply@blogger.com (Soulie) — Thu, 21 Jan 2016 17:00:00 +0000

¿Acaso el agua no se convierte en pura delicia cuando fluye por nuestra garganta para saciar la sed o cuando resbala por nuestro cuerpo en un día caluroso? ¿No es un tesoro esencial para la vida y, por tanto, un bien por el que merece la pena cualquier esfuerzo?

Esa lógica es la que mueve al grupo de cooperantes protagonista de Un día perfecto a recurrir a todos sus medios para recuperar el pozo que abastece a una población rural. Una historia de personas con un encanto especial, contada con sencillez pero con gusto.

Todo empieza con un pozo y un cadáver que flota en el fondo. El propósito es claro, sacarlo antes de que contamine el agua y extienda enfermedades por la zona. Este objetivo que aunque desagradable podría ser relativamente sencillo, se convierte en toda una odisea al tener lugar en medio de un conflicto bélico. Lo de menos es dónde (los Balcanes –aunque en realidad se rodara en tierras granadinas) ya que no se profundizará en el porqué o en el cómo. La guerra simplemente será el contexto en el que se desarrolle esta pequeña aventura, simple pero intensa. Con guerra pero sin bombardeos o cuerpos descuartizados. Un ambiente gris (o negro) que sugiere más que muestra, como una escena erótica del cine clásico en el que el fundido en negro llega tras el primer abrazo entre amantes.

Esto no impide que el mensaje llegue igualmente o que se perciba el dolor. Lo que podría resultar excesivamente plano o insípido se resuelve con la participación del elenco que aporta esa fuerza y credibilidad que salva la historia: Mambrú (Benicio del Toro) que llora sin lágrimas por las desgracias que ha vivido, con ojos cansados de sufrir y con la calma del que carga con años de servicio a su espalda. Sophie (Mélanie Thierry) que desde su inexperiencia se desespera con las burocracias que otros ya han asimilado y todavía es incapaz de impedir que sus emociones afloren y estallen; y B (Tim Robbins) que tras vivir tantos y tantos conflictos ha aprendido a enfrentar las situaciones con un particular sentido del humor que aunque para los compañeros pueda resultar desconcertante supone una necesaria dosis cómica que enriquece esta obra dirigido por Fernando León de Aranoa.

Un título recomendable para conocer otra cara de los conflictos bélicos y que acerca la labor de esos cooperantes sin nombre con vidas sin rutina y trabajos sin horario que allí donde van se convierten en pequeños grandes héroes.