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Leningrad Cowboys Go America (1989)

2012-01-10T17:50:00.000-05:00

"Leningrad Cowboys go America" entusiasmará a muy poca gente. Comedia disparatada y caricaturesca perpetrada por un Kaurismaki que debía de estar de muy buen humor cuando la rodó.

No hay detalles, hay detallazos. La estética de los músicos, su familia y su mascota, de tupés infinitos y botas de punta interminable, ya indica que no se puede tomar en serio. El hecho de que todos los personajes se expresen en italiano, estén en la tundra, en Nueva York, en la divertida Nueva Orleans o en la profunda América sureña, es otro juego con el espectador. De hecho, en uno de los primeros momentos, el mánager habla por teléfono y se le escapa un "da" en ruso, en vez de un "si", algo hecho a propósito para confundir aún más al público.

Luego se suceden las situaciones disparatadas, con golpes secos de humor. A mí me tiran de la silla, y a otros les hará tirar lo que tengan a mano a la pantalla para destrozarla. Todo a ritmo de rockabilly, polka, country, blues y hasta hard rock, en una road movie que le mete un repaso a la cultura americana, a la que pone a caer de un burro: sus gentes, sus costumbres, sus ciudades, sus leyes, etc. Cualquier neófito puede llegar a pensar que vaya mala leche de Kaurismaki Vs. USA. Hay que decir que cuando sus películas transcurren en su Finlandia natal, el país escandinavo tampoco sale en absoluto bien parado con retratos de gente gélida, en un entorno feo y sin futuro.

Jim Jarmusch, también en italiano, por supuesto, tiene una pequeña aparición como vendedor de coches. El primo perdido que encuentran en una gasolinera es el cantante del grupo punk The Members. Y el mánager fue el actor fetiche de Aki hasta su temprana muerte, Matti Pellonpää.

El resultado: unos músicos muertos de hambre y sin un duro, que se meten en una road movie absurda, entre cervezas, algún amor imposible, incompresión y absoluta frialdad cáustica. Aki deja su sello con unos cuidadísimos planos generales y uso de elegantes grúas. Además de homenajear al cine mudo con unos rótulos narrativos que también contribuyen al humor en la misma medida que la camisa con la hoz y el martillo, el muerto conservado con cubitos de hielo, o pinchar una rueda con la punta del zapato.

Crítica de Pas en Filmaffinity

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A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (1995)

2012-01-10T12:03:00.001-05:00

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En 1948, cuando tenía cuatro años, la madre de Martin Scorsese lo llevó al cine para ver "Duelo al sol" de King Vidor. Desde los títulos iniciales quedó hipnotizado por los disparos, la brutal intensidad de la música, el sol ardiente, la sensualidad, la carnalidad del color. Todo era excesivo y a la vez amenazante, en un paisaje hostil habitado por dos personajes que sólo podían consumar su pasión matándose mutuamente. Con esta película y con una escena maravillosa de "Cautivos del mal" de Vincente Minnelli, esta lección magistral de Scorsese sobre la historia del cine estadounidense. Un viaje personal que elabora un canon privado y subjetivo a partir de grandes hitos de la industria, pero también con obras y directores que no fueron necesariamente los más correctos a nivel cultural y que han caído en el olvido: Samuel Fuller, Irving Lerner, Delmer Daves, Phil Karlson, Allan Dwan, Ida Lupino, André de Toth... Un museo imaginario con algunas de las películas que colorearon sus sueños y que de una forma u otra lo impulsaron a ser director de cine. El documental está dividido en tres capítulos organizados por temas, en los que se mezclan los comentarios de Scorsese, las imágenes de las películas que analiza y fragmentos de entrevistas a otros directores y actores como John Ford, Cassavettes, Wilder, Coppola, De Palma, Lang, Gregory Peck, Kazan, Welles y Kubrick, entre muchos otros.

Un documental de 4 horas de duración donde Scorcese analiza sus películas favoritas, y el cine yankee en su apogeo hasta la epoca en que él comenzo a dirigir (70s-80s) y a sus directores favoritos los analiza a través de 3 grupos: el director como un ilusionista -D.W. Griffith o F. W. Murnau- que crearon nuevas formas de edición, entre otras innovaciones que lograron que la apariencia a color y el sonido posteriormente; el director como "contrabandista": directores como Douglas Sirk, Samuel Fuller, y Vincente Minnelli, que utilizaban sus películas para ocultar mensajes subversivos; y el director como iconoclasta: los cineastas que atacaban los convencionalismos sociales - Charles Chaplin, Erich von Stroheim, Orson Welles, Elia Kazan, Nicholas Ray, Stanley Kubrick, Arthur Penn, y Sam Peckinpah.

Todo con intervenciones de grandes como Wilder, Eastwood, Lang, Coppola, Arthur Penn, entre otros. Imprescindible.

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The Plague Dogs (1982)

2011-12-24T16:16:00.003-05:00

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I hope you make sure we're properly dead before you start old rip-beak! Esta frase fue la primera que escuché de la película como Sample al principio de “Testure” de Skinny Puppy. Tiempo después gracias a un buen amigo vi la película y esta se convirtió en una de mis favoritas por muchas razones, entre ellas la originalidad de la historia, la sensibilidad y verdades en voces de los personajes y la calidad de la animación.

The Plague Dogs es la historia de Rowf y Snitter, dos perros que logran escapar de un laboratorio en donde se realizan diversos y crueles experimentos con animales. Absurdas practicas que van desde conocer su resistencia física o su reacción a intervenciones quirúrgicas.

Se trata de dos victimas de la modernidad y de la obsesión del hombre por la ciencia, su indiferencia y desprecio hacía otras formas de vida sin importar los traumas y el daño que otros puedan sufrir. Un descuido brinda la oportunidad a estos dos perros de escapar de una muerte horrible y juntos deciden buscar un lugar lejos del hombre en donde tener una vida digna. Desorientados, confundidos y hambrientos viven una aventura que los llevará a conocer aún más de lo que son capaces los humanos. Ambos sueñan con tener vivir en paz, con quizá encontrar un amo cariñoso. Estos son algunos de los motivos que los animan a resistir hambre, a padecer las inclemencias del tiempo y a soportar una agotadora persecución.

Es una historia conmovedora que da un enfoque interesante al tema de la experimentación con animales y a la crueldad e impunidad con la que estos son tratados. Una película de Martín Rosen, basada en una novela de Richard Adams que sin duda vale la pena ver aunque sea una vez.

Rips y reseña compartida por

Alfonso R.

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Watership Down (1978)

2011-12-17T14:09:00.000-05:00

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En los pacificos prados de Inglaterra vive una comunidad de conejos. Cuando su madriguera se ve amenazada, un pequeño grupo de valientes conejos escapa de la madriguera en busca de un nuevo hogar. Conducidos por Fiver el visionario, Bigwig el valeroso, y el honorable Hazel hacen frente a multitud de desafios y peligros que superan gracias a su fuerza y astucia para sobrevivir, mientras persiguen su sueño.

"Todo el mundo será tu enemigo, príncipe de los Mil Enemigos, y cuando te atrapen, van a matarte, pero primero te deben alcanzar", el tag-line del poster que adornó las calles de Londres no daba lugar a dudas, estábamos ante una película de animación que no era para los más pequeños de la casa,y que fue un éxito absoluto que se ha ido olvidando con el pasar del tiempo.

Una película imprescindible que demuestra, una vez más, que se pueden contar historias serias sin ningún disimulo en dibujos animados.

Originalmente Watership Down era un cuento que relató Richard Adams a sus dos hijas en un largo camino de coche, fue su mujer quien instó para que escribiese el libro. Tras ser rechazado por diferentes editores finalmente la editorial Rex Collings Ltd. se hizo cargo y desde entonces no ha parado de reeditarlo. Era la primera novela de Richard Adams que se convirtió en todo un éxito en Inglaterra. El guionista, y definitivamente director por haber cambios al comienzo de la producción, Martin Rosen comentó que desde que leyó el libro quiso llevarlo al cine, no tenía claro si serían personas disfrazadas, con conejos de verdad, en stop-motion o como finalmente hizo, en dibujos animados.

La introducción, muy acertada en el momento de llevar al espectador al universo de los conejos, sin duda es obligada verla como una gran escena. La música también es algo que han hecho extraordinariamente bien.

También cable mencionar la violencia y la crudeza de la película, al contrario de Disney, esta no es una película para niños. La película muestra el sacrificio, el honor, la maldad y la muerte de una forma poco halagadora, en una forma que puede llegar a ser en extremo estremecedora por las bien hechas escenas de violencia.

Está dentro de la lista de los mejores Films animados de todos los tiempos, de las mejores adaptaciones de libro a cine y las mejores películas producidas de animación en Inglaterra.

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Harakiri, Seppuku, 切腹 (1962)

2011-12-15T18:15:00.000-05:00

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Un samurái, pide permiso para practicarse el Seppuku (o Harakiri), ceremonia durante la cual se quitará la vida abriéndose el estómago al tiempo que otro samurái lo decapitará. Solicita también poder contar la historia que le ha llevado a tomar tan trágica decisión.

Masaki Kobayashi, uno de los grandes directores japonés de toda la historia, lamentablemente no dirigió muchas películas, pero cada una de ella constituyen un testimonio palpable de los ideales y principios de su director, películas tales como Seppuku, La trilogía de La condición Humana, Samurai Rebellion y Río Negro, que eran eminentemente humanistas.

Las películas de Kobayashi muestran la resistencia al poder, como figura inamovible, al igual que “Samurai Rebellion”, “Harakiri” trata sobre como se intenta desafiar a la autoridad, siempre con el tono muy critico del propio Kobayashi a todo aquel sistema absurdo, todo con una fotografía, música, dirección, ritmo, iluminación y guión, elegantes a la par que precisos. Todo este atrevimiento, y la fama de Kobayashi de “antisistema”, trajo consigo una mala consecuencia para el director, la imposibilidad de grabar más películas, o al menos no tantas como sus compatriotas mas destacados de aquel entonces.

Vale la pena ver la película aunque solo sea por ver la actuación de Tatsuya Nakadai que hace la historia aun mas creíble si cabe, con una de las mejores actuaciones que se han visto en mucho tiempo y que ayuda a que no decaiga en ningún momento una trama y una historia que ya de por si se sustentan bastante bien solas. El final es el más lógico y verdadero que se ha visto en mucho tiempo.

Todo un clásico que no tiene nada que envidiar a ninguna cinta de Kurosawa o Mizoguchi, y que además a ningún fan de estos dos directores les defraudara.

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Stranger than Paradise (1984)

2011-12-15T11:16:00.000-05:00

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Los personajes de esta película son tres jovenes solitarios, dos de ellos inmigrantes húngaros, que, básicamente, se aburren todo el tiempo. Un día algo -tal vez el mismo aburrimieno-, los lleva a salir en busca del paraíso. La película se divide en tres partes, con tres locaciones muy diferentes.

El universo de Jim Jarmusch está plagado de personajes marginales, solitarios e indolentes, que andan algo perdidos (o escapando de algo), y que son redimidos por una estética exageradamente under. Usando, casi en un sentido religioso, elementos como el blanco y negro, los espacios abandonados, la decoración kitsch, los ídolos (Elvis Presley, William Blake, Iggy Pop), el blues y el rock, logra transformar la marginalidad y el desamparo en algo con valor -moral y estético. Esta visión profética es llevada al extremo con la figura del viaje (Mistery train, Stranger than Paradise, Dead Man…) y la búsqueda (Broken Flower, Ghost Dog), donde siempre está latente un cierto “algo” que está más allá.

En cualquier caso, los sentimientos mutuos entre los tres protagonistas no llegan a hacerse evidentes nunca y cada cual guarda para sí mismo las esperanzas de llegar a encontrarse de nuevo.La sensación de desarraigo que arrastra cada personaje queda expresada en esa no-pertenencia a ninguna parte.

Extraños en el paraíso obtuvo inmediatamente un enorme éxito de crítica; fue premiada con la prestigiosa Camera d'Or del Festival de Cannes y reconocida desde entonces como una de los obras insignia del denominado cine independiente norteamericano. Vista hoy, la película de Jarmusch no ha perdido un ápice de su frescura ni del subversivo espíritu juvenil con que fue concebida, y su propuesta estética sigue siendo considerada una de las más audaces del cine contemporáneo.

Extracto de reseñas de Blogdecine y miradas.net

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Cuentos de Tokyo, Tokyo Monogatari, 東京物語 (1953)

2011-12-14T18:54:00.000-05:00

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La historia es triste como la realidad de nuestras existencias, es decir, llegar a viejos es llegar al nivel donde nos constituimos en un estorbo para los demás (incluso para la propia familia o mejor dicho, los hijos), en sobrantes, en personas que ya no merecen la centralidad en este mundo sino sólo apartarse a un lado y tratar de morirse ni molestar a nadie, lo antes posible. Es el caso de un matrimonio de sesenta y tantos años que van a visitar a sus hijos y notan como a pesar de que aún le guardan respeto, ya no son verdaderamente importantes ni cruciales ni imprescindibles para ellos, pues los hijos e hijas ya son mayores, crearon sus propias familias, vidas y problemas, de manera que la llegada de los progenitores, luego de que pasan unos días, ya se convierten en una carga que unos tratan de quitarse de encima echandósela a otros.

La tesis de Yasujiro Ozu en este filme es: CON FRECUENCIA, LA VIDA ES DECEPCIONANTE, PERO SOBRE TODO CUANDO LLEGAMOS A VIEJOS. Y da en la diana de la realidad, pues cuando se llega a viejo, por más que uno haya tenido muchos hijos, al final nadie puede evitar sentirse solo, experimentar la más terrible soledad, verse echado a un lado, inservible y estorbando.

Toda esta atmósfera familiar, existencial, sociológica, humana, la expone Yasujiro Ozu de manera serena, sencillamente brillante, haciéndonos ver que sólo cabe asumirla, porque no hay remedio para tales circunstancias, es ley de vida: siempre fue más o menos lo mismo y continuará siéndolo.

Crítica de Fej Delvahe en Filmaffinity.

Una de mis películas favoritas y también lo es de Jim Jarmusch, quién en varias entrevistas la incluyo en su "top10" y se refirió a ella como una clara influencia. Y es algo que se manifiesta claramente. La tranquilidad, la sencillez con que se trata una tragedia...

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Onibaba, 鬼婆 (1964)

2011-12-14T14:17:00.000-05:00

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Onibaba es un tipo de demonio japonés que engatusaba mediante su belleza a hombres y niños para después comérselos. Pero no hay que ser ningún demonio para hacer el mal como se muestra, magníficamente, en ésta notable película de Kaneto Shindo; sólo hace falta sentirse amenazado.

En el contexto de las guerras civiles que azotaron el Japón medieval previamente al Shogunato de Ashikaga, el caos imperaba por doquier; ello justifica todo, la muerte, la envidia, el recelo y la crueldad, unos sentimientos que flotan arrastrados por el aire que mece los juncos de Onibaba.

Extraordinarias las actuaciones de los escasos participantes del film; también destacan los encuadres, la fotografía, la música y la efectividad de la historia, que a pesar de ser simple, transmite bien el mensaje. Gusta el ambiente sórdido, sucio, del que está impregnado el film, y que de alguna forma anticipa los hechos grotescos que cuenta la historia...porque al final todos tenemos un demonio dentro... tan sólo hace falta despertarlo.

Hay películas actuales (de calidad, no cualquier bodrio) que al minuto de estrenarse ya han envejecido más que ésta en 40 años.

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Historias Extraordinarias (2008)

2011-11-25T17:16:00.000-05:00

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“Historias extraordinarias” es una apasionante épica ambientada en la pampa húmeda argentina que, durante cuatro horas, entrelaza las peripecias de tres personajes distintos.

El filme está protagonizado por el propio Llinás, Walter Jakob y Agustín Mendilaharzu y aborda -en cuatro horas intensas y cautivantes- las increíbles aventuras de tres hombres que recorren la provincia de Buenos Aires.

Exhibida en el decimo Bafici, resulto ser la gran atracción del festival y convirtió esa fecha como el dia como la primera vez que se proyecto Historias Extraordinarias. Más tarde gano premios como la Mejor Película Latinoamericana de 2008.

El cineasta y autor de este guión monumental consiguió crear un mundo de aventuras, personajes enigmáticos y misterios que no tienen nada que envidiar a cualquier superproducción local o extranjera y, sobre todo, proponer un nuevo modo de pensar el cine en la Argentina.

Es esta una película en la que que las tres narraciones centrales no dejan de ramificarse en un sinnúmero de historias y personajes, en pequeñas anécdotas y detalles, fotos e indicios que conducen hacia otras nuevas e infinitas narraciones; Llinás logró seducir a la prensa especializada y llamó la atención del público, dividiendo las aguas. He leído comentarios que dicen “llegar a los 30 minutos y aburrise” Esta repulsa, se debe principalmente por su larga duración y por su estructura narrativa. Casi no hay diálogos, hay una constante voz en off que sirve como narrador, literalmente (nos narra las situaciones, acciones, pensamientos, movimientos y hasta los mismos diálogos), que nos adentra en una historia compleja. Pero en realidad esta película desacomoda a mucha gente, porque se ha perdido el placer de escuchar una narración, cosa que esta película lleva al paroxismo.

Además de rescatar el valor de las narraciones, es darle un lugar nuevo y desprejuiciado a la literatura, al uso desbordado de la voz en off. Los narradores llevan adelante el relato de punta a punta de la película, derribando el viejo mito cinéfilo que relaciona el voiceover con una suerte de fracaso en el intento de contar con imágenes. Llinás considera que un buen texto se integra perfectamente con las imágenes: son las dos las que forman parte del cine con iguales derechos y deberes. No sólo se reinventó una manera de contar, también de hacer cine. ”Historias extraordinarias” costó sólo 50 mil dólares, y fue hecha entre amigos. El cine como experiencia personal, colectiva y artística. Esto hace que Historias extraordinarias sea una experiencia única, un filme sorprendentemente entretenido y un homenaje del cine a la literatura.

Llinás le escribio a Quintin (un critico argentino) explicándole como produjo la pelicula. Es largo, pero interesante. Si lo quieren leer lo deje ACA

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Bad Boy Bubby (1993)

2011-11-22T19:00:00.000-05:00

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Pretende ser una parábola sobre la necesidad de ser amado en la infancia para poder ser feliz y hombre de provecho en la sociedad; también una crítica del mundo actual, carente de valores, basado en las apariencias y convenciones egoístas, y, finalmente, una búsqueda intelectual de lo que es culpa e inocencia. Al igual que la taquillera producción norteamericana Forrest Gump (1994), de Robert Zemeckis, la película australiana Bad Boy Bubby (1993) también narra la historia de un disminuido psíquico a lo largo de un amplio periodo de su vida, pero con la gran diferencia de que el Forrest Gump de la primera es un notable reaccionario y el Bubby de la segunda un enloquecido anarquista. Un film extraño y fascinante, que parece una mezcla de las líneas argumentales de films tan surreales como “Desde el jardín” de Hal Ashby, “Kaspar Hauser” de Herzog y “Tommy” de Ken Russell. “Bubby, el chico malo” –no estrenada en cines en Argentina- es un film de culto entre los cinéfilos de todo el mundo, MUY DIFICIL DE CONSEGUIR y ha recibido numerosos e importantes galardones: el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia, el premio mayor en el festival de Seattle y cuatro lauros de la Academia Australiana de Cine (director, actor, guión y compaginación). (DVDrip, Datos del Rip, Poster, Caps y Trailer en "Mas Información links nuevos 22/11/11") .

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Teorema (1968)

2011-11-20T20:40:00.001-05:00

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Una familia burguesa de Milán recibe un telegrama que incluye sólo dos palabras: "Arrivo domani" (Llego mañana). Al día siguiente, reciben la visita de un muchacho que sin más explicación se instala en la casa como un integrante más de la familia. Esta premisa, que otros directores han usado para crear historias de terror o para satirizar las costumbres de su época, le sirve a Pasolini como punto de partida para crear una de las obras maestras del cine religioso.

El argumento es el siguiente. El visitante (Terence Stamp) acompaña a la familia en sus actividades cotidianas y despierta en ellos deseos que parecían no existir. Gradualmente el muchacho seduce física y emocionalmente a cada uno, incluyendo a la sirvienta. No lo hace de forma egoísta. Al contrario, es precisamente su capacidad de dar amor sin esperar nada a cambio lo que hace que todos los integrantes de la familia se le entreguen. Todo transcurre felizmente hasta que un nuevo telegrama indica que su huésped debe partir.

Estrenada en 1968, supone la consagración internacional de Pasolini, dotándole de un prestigio que incluso atrapó al público mayoritario. Presentada en la Mostra de Venecia, le traería duras críticas tanto por parte de la izquierda, que sostenía que se trataba de un film reaccionario por el misticismo que el autor desplegaba en la obra, como por parte de la derecha, que proclama su disgusto por el modo en que se representaba el tema de la sensualidad.

Partamos de la novela homónima publicada el mismo año. Tanto la novela como la película se pueden disfrutar por separado, sin necesidad de haber pasado por ambas. Pero ambas se complementan y enriquecen el visionado de la otra así que es recomendable leer la novela; una novela compuesta por breves capítulos y frecuentemente se mezclan con poesías del autor (si, Pasolini es el autor) Esta idea se ve reflejada en la película, que se compone de escenas claramente diferenciadas en las que se aborda las situaciones de cada personaje por separado y su forma de relacionarse con el personaje central, tal y como en la novela, y asimismo, sus arranques líricos tienen eco en la película en forma de poderosas imágenes con una plasticidad y belleza admirables.

El ritmo de la película es lento e indirecto en su mensaje. Muchos la califican de aburrida. Es que Teorema es una película que hace más filosofía que entretenimiento. Abundan metáforas y poética que pueden ser vistas demasiadas rebuscadas y fastidiosas. Repito, novela y película pueden ser vistas por separado aunque puede que sea pertinente leer la novela antes como hice yo que me ayudo a disfrutarla mucho más.

La banda sonora fue encargada a Ennio Morricone, quien interpreta el Requiem de Wolfang Amadeus Mozart.

Les dejo el prologo escrito por Pasolini en la novela:

"Teorema nacio Teorema nació como si yo lo hubiese pintado con la mano derecha mientras con la izquierda componía un fresco en un gran muro (la película del mismo nombre). En esa índole anfibológica, no sé decir que parte prevalece: si la cinematográfica o la literaria. A decir verdad, Teorema fue concebido como pièce en verso, hace unos años; después se transmuto en película y, al mismo tiempo, en el relato del cual proviene la película, que a su vez lo corrige. Todo lo cual hace que el mejor modo de leer este manual laico acerca de una irrupción religiosa en el orden de una familia de Milán sea el de seguir los “hechos”, la “trama”, deteniéndose lo menos posible en la pagina. Al menos así lo creo yo. En cuanto al resto, el “estilo indirecto libre” burgués que, queriéndolo o no, he debido extender sobre la urdimbre de la prosa poética, ha acabado por contagiarme hasta darme un leve sentido del humorismo, del desapego, de la mesura (haciéndome, quizá, menos escandaloso de lo que el tema hubiese requerido): sin embargo, creo que todo ha sido observado y descrito desde un Angulo visual muy extremo, quizá algo amable (no dejo de advertirlo) pero, en compensación, sin alternativas. “

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La robe du soir (2009)

2011-10-26T19:10:00.002-05:00

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Observamos unos tejados, y con una música ambiental, de tonos suaves y profundos nos adentramos en lo que esta pequeña joya, “el vestido de la noche”; la puerta de una de las casas se abre y vemos por primera vez a Juliette, magistralmente interpretada por Alba Gaïa kraghede Bellug, y desde ese momento vemos todo desde su perspectiva, el entorno distante, ella en su mundo, perdida en sus pensamientos y emociones, de una forma tan natural y tan real que podemos sentir a esa niña tímida en sus emociones y nuevas sensaciones.

Ella, al igual que muchos de sus compañeros varones siente una atracción por su maestra, la señorita Solenska, mujer sin inhibiciones, de trajes elgantes y provocativos; con quien Juliette siente una atención exclusiva y una hermosa complicidad, por lo que se esfuerza en ser una buena estudiante con tal de no defraudarla, y así poder robarle sonrisas, palabras y segundos de su tiempo.

Remotamente acompañada por sus familiares quienes no se esfuerzan en entenderla, la niña comienza a desarrollar una gran admiración por su profesora, desea tener objetos de su pertenencia y sentir su aroma, darle importancia a su apariencia, es su sol y su todo hasta el día en que Solenska parece volcar su atención a uno de sus compañeros, quien tiene problemas de atención pero mucho potencial.

Los celos invaden a la niña quien comienza a espiar a su admirada profesora, quien es la guía de sus travesuras escolares, con el fin de obtener sus propias conclusiones sin ser consciente de las consecuencias de su obsesión, una que los adultos ven con otros ojos y solo le acarrearan problemas y más confusión en su vida.

Actualmente su título traducido no es oficial, y hasta hace un mes no era posible contar con subtítulos en español. La película se mostró al publico por primera vez en el BACFICI 2009, dirigida por Myriam Aziza, una directora francesa responsable junto a Sophie Bredier del documental Nos Traces Silencieuses; ambas unen fuerzas nuevamente para coescribir el guión de La robe du soir, uno que trata con una increíble sutileza el despertar sexual y la delgada linea entre la niñez y la adolescencia.

La dirección impecable, que nos hace sumergirnos en Juliette e identificarnos con ella y su angustia, donde vemos todo de manera distante y pesada, llevando a la perfección el reto que conlleva retratar la soledad, con momentos sin diálogos ni interacción entre la niña y los demás personajes, una soledad perceptible que no sería posible si la actuación de Bellug no fuera del calibre que es.

La música es de golpes suaves, en momentos ambiental y de tonos melancólicos, hace un perfecto juego con las imágenes sin tener que recargar el significado o el mensaje de las mismas en sus notas, sino más bien un acompañamiento perfecto a la adorable actuación y dirección.

Sin embargo debido a su temática y estilo no es posible recomendar el filme a todos, puesto que lo más probable no sea del agrado de algunos, mas de aquellos que la sepan apreciar para los cuales parece estar hecha, quienes como en mi caso, se enamoraran de Juliette y su entorno y guardaran este pequeño tesoro en su corazón y memorias.

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Shark Skin Man and Peach Hip Girl (1998)

2011-10-18T15:26:00.002-05:00

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Shark Skin Man (Tadanobu Asano) es un delincuente sin escrúpulos que le ha robado a la mafia y por ello es perseguido por toda una legión de Yakuzas cada uno mas excéntrico que el otro, pero en su escape, conocerá a Peach Hip Girl (Sie Kohinata), una chica que trabaja en un hotel y que quiere huir de éste, por el constante acoso sexual y maltratos por parte de su tío que esta obsesionado por ella. Juntos tienen que lograr huir no solo de los Yakuzas sino de un asesino a sueldo gay que cree ser un robot (Tatsuya Gashuin)

Antes que Tadanobu Asano fuera Kakihara (Ichi The Killer) o Dragon-Eye Morrison (Electric Dragon 80.000 V), el fue Samehada (Shark Skin) un personaje oscuro que huye y huye de los yakuzas con su particular estilo. Es Asano quizás uno de los mejores actores japoneses, uno de mis favoritos sin duda. Sin expresiones y gesticulaciones tranquilas son tan divertidas, una extraña forma de encarar situaciones peligrosas y complicadas. Quien diga que los asiáticos carecen de expresiones para actuar, que digan lo mismo después de ver a Asano trabajar.

Basado en un manga de Minetaro Mochizuki, Katsuhito Ishii se presenta al mundo con esta delirante película de huida (Si, otra mas) Pero, aquel que luego ganaría cantidades de premios con su “El Sabor del Te”, hace desfilar gran variedad de personajes extravagantes que logra dejar de lado la repetida historia, como a Tatsuya Gashuin haciendo de un sicario gay que persigue sin cesar a El hombre piel de ballena (Asano) a la par de un grupo de yakuzas desesperados, como el punk de pelo blanco con gran olfato y el fanatico de los cuchillos. ¿Personajes a analizar? No, personajes que no son más que acordes de una divertidísima partitura de la que nos podemos flipar con sus armas de fuego, su narrativa y dirección distorsionada. El sonido juega un papel importante también. Con frecuencia se aísla para congelar la escena como una auditiva cámara lenta, y se ve contrarrestada por el uso efectivo de una buena banda sonora.

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Begotten (1991)

2011-10-16T22:18:00.001-05:00

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En una cabaña en ruinas, el Dios Que Se Mata A Sí Mismo vomita sangre al tiempo que se lacera con una navaja. Tras una larga agonía de espasmos y excremento, la Madre Tierra emerge del cadáver, puta y virgen como todas las mujeres, para fecundarse con el semen del Dios muerto. El fruto de esta unión-incesto es el Hijo de la Tierra - Carne y Hueso, un ser indefenso que se convulsiona incontrolablemente y que es hallado en medio del lodo por cuatro nómadas que lo atan y lo golpean sin misericordia. La Madre interviene y es violada, tras lo cual ella y su Hijo son descuartizados por los miembros de la tribu, mientras el ciclo de vida y muerte de la naturaleza prosigue inalterable.

El cine experimental siempre provoca discordias y la audiencia termina dividida en dos partes: los que la consideran una obra de arte o una tomadura de pelo. Tal historia fantástica, deja pensar rápidamente en una busca del director (E. Elias Merhige, quien luego dirigió la reconocida “La sombra del Vampiro”) en tratar de transmitirnos un mensaje a través de metáforas. El mismo director reveló posteriormente que la inspiración venía de una experiencia cercana a la muerte que había sufrido durante un accidente de coche, cuando contaba con 19 años, que también se alimento de diversos sueños que tuvo.

No consta de ningún diálogo, pero usa imágenes de gran intensidad para contar la historia. De hecho, también carece de música. Su única banda sonora son ruidos de grillos y de vez en cuando algún otro efecto de sonido.

También cuenta con un montaje en blanco y negro, literal. Nada de escalas de grises. Se utilizaron un montón de filtros uno encima de otro para dar ese aspecto de película vieja y medio dañado; cada uno de sus fotogramas fue refotogradiado hasta conseguir una ausencia total de semitonos. Merhige declaró que por cada minuto de la película se tardó más de 10 horas de postproducción para conseguir dicha apariencia.

Lo raro y original no siempre es bueno. Desde esta base hay que partir para decidir ver la película. Es calificada como una película de terror. Pero ojo. Si lo que queres ver es una película de miedo, definitivamente Begotten no lo es. Antes que nada, es cine experimental. Y ante una película experimental, debemos apagar nuestra mente y no rebuscar una historia recta. Sino, experimentar; o utilizar para quien siguiendo el tratamiento Ludovico, ¿quizas?

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Dersu Uzala (1975)

2011-09-21T17:02:00.000-05:00

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A principios de la década de los 70, la productora de cine estatal soviética Mosfilm, ofreció a Akira Kurosawa la posibilidad de adaptar la novela "Dersu Uzala" del capitan Vladiminir Arseniev, quien mientras viajaba por la cuenca del río Ussuri en la parte más oriental de Rusia, conocío a Dersu Uzala (1849-1908), un cazador de la tribu china Hezhen, que sirvío como guía del grupo de expedición entre 1902 y 1907, salvándolos de morir de hambre y frío en varias ocasiones. Dersu era nómada y animista, entablaba una relación con la Naturaleza de igual a igual sin intentar imponerse como hacía la civilización occidental. Este libro está considerado en Rusia como un clásico.

Kurosawa, que ya había pensado en ese proyecto una veintena de años atrás, había intentado suicidarse tras el fracaso que ante la crítica y el público supuso Dodeskaden (1970), a lo que se sumó la quiebra económica de la productora de su propiedad. Este cúmulo de circunstancias a priori desmoralizantes dieron como resultado el "si, quiero" de Kurosawa a la adaptación y como fruto la que es una de sus mejores películas, permitiendo así el resurgimiento de su prestigio como director y el refluir de su filmografía, dando termino con 6 películas más a una carrera cinematográfica admirable, hasta que fallece en el año 1998, a la edad de 88 años.

Esta incursión del director nipón en el cine ruso supone probablemente una de las mejores películas de la historia. Rodada en 70 milímetros y casi en su totalidad en exteriores, aprovecha los largos planos con travellings y panorámicas para convertir la naturaleza en otro actor con el que se integran los de carne y hueso alternándose en planos más cortos que dan a la proyección el dinamismo apropiado. Todo ello redondeado con un excelente trabajo de los dos protagonistas, principalmente de Maksim Munzuk, cuya primera aparición en escena supone una de las más logradas introducciones de un personaje que jamás se hayan filmado: “¡No disparen, soy gente!”

La cinta lleva la marca de la casa de Kurosawa, con cierto fluir lento de la acción y maneras japonesas en la actuación de los actores, lo que es sorprendente si tenemos en cuenta que la mayoría de ellos son occidentales, referencias a los grandes temas de siempre del cine de Kurosawa, como la muerte, una banda sonora poderosa y algunas escenas de gran belleza visual y gran impacto, como en la que Dersu Uzala salva a Arseniev de morir congelado por primera vez.

Kurosawa nos muestra todo lo que lleva Dersu en su interior y además hace especial hincapié en como la gente que le rodea lo trata, desde un profundo respeto y cariño, ya que es alguien que se hace querer. No sólo en la película podemos observar esa amistad, sino podemos admirar y gozar de la belleza de la taiga, disfrutar su paisaje y embarcarnos también en esa expedición como uno más. Es posible que la película adolezca tal vez de un ritmo lento, pero esa no es una de las cualidades que se busca en este tipo de películas. Kurosawa transmite más en los gestos, miradas o en simples frases que en desarrollados diálogos y en eso ayudan muchos los actores, parte imprescindible de esta película.

En definitiva y en cualquier caso, un film que deberían poner en todas las escuelas y que todo el mundo debería ver al menos una vez. Imprescindible en cualquier videoteca.

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El ángel exterminador (1962)

2011-09-21T15:49:00.000-05:00

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1. La vida también es enigmática y chocante, replicaba Buñuel a un comentario sobre esta película. ¿Que por qué las repeticiones? Respuesta sardónica: La película quedó corta y había que alargarla.

Para Buñuel el misterio era elemento esencial de una obra de arte. Le irritaba la tendencia a explicar racionalmente imágenes casuales: "La mejor explicación es que no tiene explicación racional; es pura poesía, y nadie pide que le expliquen un poema. O no debería, al menos".

2. Idea insólita: a causa de una fuerza incomprensible, unos cuantos burgueses no consiguen abandonar una mansión donde han sido invitados a cenar. Obligados a convivir, las fórmulas de cortesía dan paso a la agresión. Por entre los jirones de la etiqueta emerge una naturaleza humana malintencionada que no se limitará a la violencia verbal.

La degradación de la convivencia va instaurando una atmósfera terrible, atenuada por el tono anecdótico con que avanza la narración: se hilvanan viñetas variadas, con diálogos muy cortos, rápido intercambio en régimen absurdo:

—¿Piensa permanecer mucho entre nosotros?

—¿Y usted?

—No, dígalo usted antes.

—Yo vivo aquí.

—Me lo esperaba…

3. Para Buñuel, la educación y cultura universitarias son barniz: la mentalidad de la élite se basa en un individualismo abstracto, inútil para lo comunitario, sin iniciativa práctica, conformista y falto de espontaneidad, que en situación límite se descompone en neuras y paranoias. Prisionero de códigos y tabúes, ante lo inexplicable aflora un fondo primario. La casa ya no es refugio contra la amenaza exterior. Invertida la función, se vuelve jaula. La amenaza está dentro.

4. Buñuel reescribió con fuerza narrativa una pieza compuesta con Alcoriza, “Los náufragos de la calle Providencia”. El título quedaba largo y pidió a Bergamín el de una obra de teatro suya, aparcada: “El ángel exterminador”. Ningún problema, está sacado de la Biblia, del Apocalipsis.

Con el productor Alatriste, Buñuel tenía libertad sobrada para trabajar a su manera más personal, parecida a la del entómologo: estudio distante e irónico del comportamiento de los personajes, mezclado con guiños privados y una constante buñuelesca, la imposibilidad absurda de satisfacer un deseo sencillo.

En la Residencia de Estudiantes, Dalí y Lorca, sin dinero, se encerraron un par de días en una habitación, fingiéndose náufragos que no podían salir y pedían auxilio.

También en la Residencia, Buñuel tuvo un compañero de habitación a quien odiaba por su manía de peinarse a conciencia sólo media cabellera, como hace un personaje de la película.

En la obra más original de Buñuel, lo intelectual y planificado tiene menos peso que la exploración subjetiva y arbitraria (como las repeticiones: de la llegada de los invitados, de las presentaciones y brindis…). No son películas para entender y descifrar sino para vivirlas.

5. Alatriste, cuando vio el film, recién terminado: “No he entendido nada. Es maravilloso”.

Critica de Archilupo en Filmaffintiy

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Carandiru (2003)

2011-09-19T20:05:00.000-05:00

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Carandirú es un barrio céntrico de Sao Paulo, Brasil, pero ese nombre hace a los brasileños recordar principalmente la llamada Casa de Detención, el mayor presidio existente en el país hasta ser desactivado en 2002. Diez años antes, la policia reprimio brutalmente a los presos amotinados masacrando a mas de 100 presos.

Carandiru es un film de un maestro veterano en la historia del cine brasileño, realizado de forma clásica, sin interferencias estéticas consideradas contemporáneas. Aun así escapa a los matices tradicionales de las películas carcelarias, es decir, no hay planes de escape, gobernadores corruptos, guardias malvados, etc. En ella vemos reflejadas las vidas antes de las rejas muchos de los presos. No de todos obviamente, ya que la cárcel que era para 5000 personas estaba sobrepasada en 7500. Las historias son de aquellos que mas rodearon el entorno del medico Drauzio Varella que luego escribió el libro en el que se basaría esta película. Carandiru es más como una pequeña ciudad de delincuencia, donde los trapicheos, las armas, las drogas y el sida campan a sus anchas. Sobre todo este último, que acecha a todos en Carandiru y al que intenta hacer frente el protagonista principal de la película, el nuevo doctor que llega con la esperanza de paliar el desgaste que la enfermedad está causando entre los presos.

El realismo de Carandiru es patente durante las algo más de dos horas de metraje. Para empezar fue rodada en las mismas instalaciones antes de la demolición, y los actores se meten en la piel de los personajes a la perfección, transmitiendo toda la angustia, la esperanza por una vida mejor, el arrepentimiento, la desilusión por la justicia, el miedo o incluso el amor. Los presidiarios se exhiben como individuos en "situación límite", ansiosos, con previsibles carencias afectivas, aunque "mágicamente" dotados de virtudes, debilidades y sueños, individuos de una complejidad tal que parecen escapar a su estigmatización.

Babenco, un premiado director del cine brasileño aunque de origen argentino, se aboca por primera vez a la televisión, asumiendo la dirección general de ”Carandirú, otras historias”, y compartiendo la realización de los 10 episodios con otros tres directores, también de destacada trayectoria, y otros dos guionistas. Es en esta serie donde se enfocan en las historias del libro que tuvieron que obviar (más de 160), para no alargar tanto la película.

No soy un fanatico de los dramas sociales, pero recuerdo al haber visto esta película en el tiempo que apenas salió, me dejo impresionado por el realismo conseguido. Es quizás por su estilo documental, su frialdad.

Como dijo un usuario asiduo del blog (en su forzado castellano):

Dimitri@Belgium,EU dijo...

If it's true that, as a certain ImDb-reviewer puts it:

"It's a great example of the new Latin-American cinema, like "Cidade de deus" (brazil), "Amores perros¨(Mexico) and "Y tu mamá también", (mexico) I recommend it very much.",then this movie will be a great addition to my list of recommended Latin-American "peliculas"...

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Fando y Lis (1968)

2011-09-18T15:20:00.000-05:00

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La carrera como cineasta de "Jodo" arranca estrepitosamente en medio de un gran alboroto, con motivo del estreno de la versión fílmica de "Fando y Lis" en el Festival Internacional de Cine de Acapulco de 1968. Hasta entonces, el nombre de Jodorowsky estaba ligado a sus anteriores contribuciones artísticas como director teatral, mimo, actor, filósofo, dibujante, poeta y dramaturgo.

La cinta estaba basada en la obra teatral homónima del dramaturgo español Fernando Arrabal, quien junto con el propio Jodorowsky y el ilustrador Roland Topor había fundado el célebre "Movimiento Pánico" en la ciudad de París unos años antes.

Debido a sus múltiples enfrentamientos anteriores con los sindicatos en su paso por los escenarios, "Jodo" se decide a rodar su película de manera independiente, al márgen de la industria, sin presiones y controlando personalmente el control de cada fase de la producción del proyecto.

Para ello contará con la inestimable colaboración de Juan López Moctezuma (amigo personal de Jodorowsky dentro del medio teatral, cineasta alternativo y responsable del clásico de culto bizarro, "Alucarda" (1975) quien le asesora en tan ardua tarea, informándole de los gastos que supone filmar un largometraje.

Por ejemplo: un rollo de película vírgen costaba aproximadamente unos 10 mil pesos; se necesitarían un total de siete rollos para conseguir una película completa. Así pues, ¿por qué no conseguir el dinero según se vaya rodando, rollo por rollo?

Para empezar a financiar su loca aventura bastaría con echar mano de los ahorros y agradecer el mecenazgo del joven e inconsciente empresario Samuel Rosenberg y de su padre, Moisés Rosenberg, con los que Jodorowsky funda su propia compañía (Producciones Pánicas), junto con Roberto Viskin y el mismo López Moctezuma.

Una vez con las espaldas bien cubiertas, se sirven de un último e inspirado subterfugio legal que permite que "Jodo" recibe el visto bueno por parte del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (STIC) y pueda así iniciar el rodaje. Debido a su condición de "director novel", recurre a dicho sindicato dedicado a la subvención y filmación de cortometrajes de jóvenes valores; dividiendo la película en cuatro partes -cada una con un título independiente- y haciéndola pasar como un film de episodios.

"Fando y Lis" se filmó entre julio y diciembre de 1967, a golpe de jornadas intensivas en régimen estricto de fin de semana.

A la hora de intentar concretar algo parecido a un resúmen o “hilo argumental” para orientar al lector de cara al visionado de la película, resulta imposible abarcar la sucesión de acontecimientos e imágenes poéticas de un modo específicamente narrativo y racional.

Digamos pues que los protagonistas titulares se dirigen a Tar, un topónimo utópico al que el padre de Fando se refería continuamente como una especie de Paraíso terrenal y que desde su más tierna infancia parece haber ejercido en él un poderoso influjo. Su compañera paralítica, Lis, le acompaña en su deambular por el Desierto, sentada en un carrito empujado por el propio Fando.

A lo largo de la cinta Fando y Lis experimentan una catártica confrontación de sus traumas infantiles. Fando revive el asfixiante recuerdo de su Madre, una especie de bruja castrante y sobreprotectora que trata de alimentarlo en exceso con huevos cocidos, para finalmente pedirle que la mate; Fando obedece, estrangulándola con su cabello en una pesadillesca y explícita negación del freudismo edípico. Por su parte, Lis rememora la ocasión en la que fue violada, experimentando una suerte de exorcismo cuando Fando le obliga parir cerdos… literalmente.

La escandalosa exhibición de atrocidades pánicas.

En su estricta adopción de la premisa pánica de "todo exceso es genial", Jodorowsky se entrega a fondo durante todo el metraje. Diana Mariscal se ve obligada (en su personificación de Lis) a comerse enterita una flor, acostarse desnuda sobre una montaña de cráneos de reses en plena putrefacción, ser arrastrada infinidad de veces por caminos pedregosos… Sin contar el ser manoseada, besuqueada y vejada sexualmente (en pantalla) por el propio productor, Rafael Corkidi o Juan José Arreola.

En su escena más explítamente enfermiza, la cinta muestra como un anciano extrae sangre del brazo de Lis para bebérsela a continuación con delectación sádica. Todo ello rodado sin trucaje alguno por un Jodorowsky visceralmente provocador y poéticamente escatológico.

Las reacciones al respecto no se hicieron esperar y, durante la proyección de la película en Acapulco, el público, indignado, comenzó a gritar insultos a la pantalla y poco a poco fue abandonando el recinto hasta permanecer en la sala tan sólo una quinta parte del mismo al final de la proyección. La audiencia mexicana, sensible a la cruenta exposición sanguínea poco después de una matanza de estudiantes en Ciudad de México, instigó la definitiva suspensión del festival, así como que se prohibiese y requisase la película.

A ello contribuyó también una nota publicada al día siguiente en el“Excélsior”, acusando al realizador de haber encauzado la cinta con el mero fin de epatar y escandalizar, "(...) acumulando porquería y ofensas a la dignidad del propio público, que no tenía otra cosa que protestar violentamente (...)una película negativa desde que empieza hasta que termina, porque tal fue el propósito de un hombre que no puede conformarse con lo natural, con la normalidad de las cosas...".

Los directores Servando González y Raúl de Anda exigieron que se le aplicara el Artículo 33 (deportación inmediata) al chileno por considerarle "indeseable, extranjero y pornógrafo". Pero fue precisamente el legendario actor y director "Indio” Fernández el que llegó más lejos en esta escalada de violentas amenazas y acusaciones, declarando públicamente y a viva voz que en cuanto se topase con el indeseable firmante de semejante blasfemia, lo mataría con sus manos desnudas...

Jodorowsky cuenta que ese mismo día, tras salir escoltado del lugar en donde se presentó la película, se dirigió hacia el hotel donde tenía lugar una recepción previa a la rueda de prensa. Al reconocer al “Indio”entre los invitados presentes en el “hall”, encargó rápidamente dos botellas de whisky para convidarle. Una vez borracho, Fernández vió aplacada ostensiblemente su furia, declarando a los medios que en la próxima realización de Jodorowsky él ejercería las funciones de asistente del director.

Después de un sinfín de engorrosos trámites legales, “Fando y Lis” no pudo ser exhibida comercialmente hasta cinco años después de su realización en el Cine Roble (México D.F.), permaneciendo en cartelera sólo cuatro semanas. Para entonces el escándalo de Acapulco ya había pasado al olvido y el film pasó sin pena ni gloria. Pero a pesar de los agoreros presagios que despertó la cinta en su momento, el director no sólo no fue expulsado del país, sino que todavía filmaría allí el grueso más importante de su obra fílmica: “El Topo” (1969), “La Montaña Sagrada” (1974) y “Santa Sangre”(1989).

"La palabra es un material que se transmite, un material precioso. Son como joyas que se transmiten, como semillas y espero que fructifiquen... y que sean fértiles, claro".
- Alejandro Jodorowsky.

*Texto encontrado en la red, firmada como anónimo aparentemente.

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The Evil Dead (1981)

2011-09-18T14:29:00.000-05:00

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Cinco amigos se disponen a pasar el fin de semana en una vieja casa de campo que han alquilado. Durante la primera noche, encuentran en el sótano un extraño libro y unas grabaciones pertenecientes al anterior inquilino, un viejo profesor de universidad. Una de las chicas sale fuera y es atacada por fuerzas sobrenaturales. Consigue escapar, pero una vez dentro de la casa es poseida por un demonio y ataca a sus compañeros.

"Evil dead" no es sólo una obra de culto, no es sólo una de las mejores películas de terror de la historia cinematográfica, no es sólo el alzamiento de un gran valor, no es sólo la mitificación de un personaje que ha ido ganando adeptos a lo largo de los años, sino que también es una muestra en toda regla de un magnífico talento. El talento de un tipo que, adoptando unas bases preestablecidas, supo forjarlas y amoldarlas a su propio estilo dejando entrever grandes cualidades que le llevarían a firmar una auténtica genialidad que los amantes de este gran género sabrán apreciar.

Porque, ¿quien podría pensar que partiendo de una base tan sencilla se lograría un producto tan inteligentemente servido y culminado? Raimi supo otorgar un carácter gradual a su obra, y anteponer unas facetas a otras a medida que avanzaba el film, haciendo así que el agotamiento y el desazón no se vieran presentes ni un solo momento ante lo que parecía una esperanzadora obra.

También demostró el debutante estadounidense que, además de inteligencia, poseía un diestro manejo del lenguaje cinematográfico, sabiendo como generar atmósferas de lo más convincentes, inducidas por una banda sonora muy bien interpretada, una magnífica iluminación y excelentes planos que sabían como otorgar una sensación de inquietud verdaderamente intensa.

Hay algo de heroico en el estilo de Raimi, como si fueran un comic de terror rodado por Sergio Leone - el mal se encuadra en planos torcidos; hace cortes rápidos en la edición, y hay primeros planos de los protagonistas cuando éstos se ponen en acción -.

La primera media hora de la pelicula es mediocre. Es cuando el pedante de turno decide meter la pata al encontrar una cinta y reproducirla que la pelicula empieza a correr a toda velocidad. Es a partir de alli que Evil Dead se dispara al delirio. Es cuando Raimi puede abandonar el guión y dedicarse a crear una imaginería visual salvaje. Demonios deformes y burlones, visiones de pesadilla, muertes realmente grotescas. Y eso por no hablar del final, soberbio, así como de la fabulosa figura de Ash que, más delante, ascendería al olimpo de los dioses.

Akira Kurosawa dijo que era imposible realizar una buena película con un guión malo, o sea, que por muy bueno que fuera el director sería inevitable. Por ahora puedo dar dos ejemplos que escapen a la regla: Hard-Boiled de John Woo y The Evil Dead de Sam Raimi.

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Sôseiji, Gemini (1999)

2011-08-26T20:41:00.000-05:00

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Chu Ishikawa: Deinonychus - OST

El director de culto Shinya Tsukamoto es el genio de Tetsuo (1989), pero como no fascinarme con el director si se nota su gran influencia Cronenbergniana y le rindo culto a la carne, larga vida a la nueva carne; de todas las películas de Tsukamoto la más calmada y tranquila es sin duda Gemini, una balada cyberpunk filmada al estilo clásico, con cámaras quietas, colores profundos con tonalidades sepia, azules y rojizos, una constante del director pero poco mezclados como aquí, es repulsiva pero inteligente.

La estructura narrativa nos muestra un encuentro entre los gemelos idénticos que fueron separados al nacer. En esta historia el ideal de auto-conocimiento total es realizado a través de la reunión de su opuesto genético. Uno de los hermanos (Yukio) se crió en la casa lujosa de sus padres naturales y teniendo en cuenta todas las ventajas. El otro hermano (Sutekichi) fue enviado por un río en una canasta y se esperaba que mueriera. Fue criado, en cambio, en un barrio de los ladrones. Un hermano es un médico que gana medallas por su heroico trabajo en Europa. El otro regularmente robos y asesinatos con el fin de sobrevivir.

Tsukamoto utiliza las convenciones del género de horror como un dispositivo para explorar la clase y la identidad. Una película visceral con las claves del cine surreal para tratar la condición social, una joya devaluada, infravalorada y super desconocida de un director que ha recogido cientos de elogios, uno de los fascinados con su trabajo es Darren Aronofsky, Pi y The Fountain son un claro ejemplo de su influencia.

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Crumb (1994)

2011-08-26T05:34:00.000-05:00

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Esta producción de David Lynch llamada “Crumb” es una síntesis de carácter, accesibilidad y elocuente invisibilidad por parte del director Terry Zwigoff (conocido posteriormente por “Bad Santa” o “Ghost World”). Se trata de un documental ciertamente astuto a la hora de tratar el proceso creativo, que nos muestra un icono de la contra-cultura americana como el producto de un desorden post-traumático.

Íntimo y objetivo a partes iguales, el film retrata a un hombre poliédrico y torturado que nos muestra todos sus ángulos y todas sus máscaras a lo largo del metraje, manteniendo un reconocimiento (e indiferencia) de sus peculiaridades (misoginia, misantropía, desviaciones sexuales, entre otras cosas...) y que por ello logra nuestro afecto y respeto.

En el aspecto narrativo, está secuenciado de una manera magistral y su contenido no se centra simplemente en los aspectos biográficos, sino que más bien intenta desentramar el amalgama de neurosis e impulsos creativos que conducen a la creatividad, estando repleto de personajes de lo más pintorescos y excéntricos, comenzando por la propia familia de Crumb. La gestación y convivencia del genio en la familia, la lucha por la supremacía creativa y el trágico destino final de los desechos del genio (sus hermanos) que acabaron en manos de la locura, son aspectos que se muestran en la película de forma completamente sobrecogedora. Además también nos ayuda a comprender la vida familiar de la Norteamérica de la década de los 5 y cómo la realidad de la posguerra distorsionó los sueños de prosperidad moral e idealismo americano de clase media.

Cabe destacar también la manera en que está reflejada la relación simbiótica que Robert Crumb establece entre su vida y su obra, a través de unos personajes absolutamente geniales que casi siempre son extraídos de experiencias reales y que interactúan con él como si ambas partes fuesen vasos comunicantes.
Resumiendo, “Crumb” es un documental imprescindible, un ejercicio formalista realizado con éxito sobre la defensa de los valores artísticos, y que sobre todo nos deja convencidos de que no hay nada accidental en el arte, y que Robert Crumb es un gran artista, al igual que Zwigoff. (Comentada por Malpertuis(DVDrip, Datos del Rip, Poster, Caps y Trailer en "Mas Informacion")

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Mistérios de Lisboa (2010)

2011-08-26T00:54:00.000-05:00

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En el Portugal del siglo XIX, Pedro da Silva es un huérfano de 14 años. Durante toda su vida toda la gente que le ha rodeado le ha ocultado la verdadera identidad de sus padres, en una maraña de intrigas y celos que implican a una vengativa condesa, a un cura, un antiguo pirata o un libertino que acaba convirtiéndose en un héroe.

"Misterios de Lisboa" es sin duda una de las películas más fascinantes de la última década, todo servido como un gran y largo culebrón que maravillara a cualquiera que aún sepa apreciar el arte de contar historias.

La penúltima película que rodó el tristemente fallecido Raoul Ruíz es un fresco que hereda esa tradición de historias de pasiones, envidias y aventuras de época herederas del cine de aventuras hollywoodienses de los años 40 y 50. A pesar de que la película dura sus cuatro horas, esto no debería ser ninguna excusa para no disfrutar de tan magna obra que destila belleza por sus cuatro costados. La mayor obra de ese genio llamado Ruíz.

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SLC Punk! (1998)

2011-08-24T21:08:00.000-05:00

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SLC fue la película que inauguro el festival de cine Sundance en el año 1999, ese mismo año gano en Mar del plata el premio a mejor película y a mejor actor Matthew Lillard, escrita y dirigida por James Merendino.

Según la visión del director James Merendino, el punk surgió de forma natural en una época en la que la música había quedado desprovista de cualquier implicación en los problemas sociales. De hecho, afirma el director, "la música parecía expresar el fracaso de la gente a la hora de cambiar el mundo". Su propia convicción de que seguían existiendo desigualdades sociales a las que había que hacer frente le llevó en su adolescencia a internarse en la cultura punk, con la consecuencia de plasmar dicha etapa de su vida de manera más o menos autobiográfica en esta película.

Afirma Merendino que "la rebelión adolescente es una actitud que se deriva directamente de la necesidad de apartarnos de nuestros padres, para lo cual no basta un mero distanciamento sino que es necesario que cada uno encuentre una nueva identidad "en letras mayúsculas". Un intento de distanciarse que fuera menos radical no acabaría de romper los lazos que, según cree, necesitamos evitar para alcanzar una completa madurez durante nuestra época adolescente".

SLC Punk! es una película sobre la vida de Stevo y Heroin Bob, dos punks de Salt Lake City, capital de Utah y una ciudad bastante conservadora debido a su mayoritaria religión mormona. La vida de Stevo y Bob se narra partiendo de la época en que ambos tienen aproximadamente 22 años y están dedicados por entero al punk y a la anarquía.

Puede que la visión del punk y el anarquismo este distorsionada, pero exactamente lo natural de su narración, los numerosos cortes abruptos que friccionan la estructura, la muestran real, no es una película típica llena de clichés, es equivocada pero sencilla y humana, como en su momento los grandes de la nueva ola decidieron contar sus historias.

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Rosso come il cielo (2006)

2011-08-24T18:35:00.001-05:00

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Mirco es un niño inteligente y alegre que vive en una pequeña villa de la Toscana italiana. Es aficionado al cine, en especial le gustan las películas de acción. Todo funcionaba muy bien hasta que un día, mientras estaba jugando con un rifle, sufre una grave herida en la cabeza, que lo deja totalmente ciego. Las leyes de su país lo consideran perdidamente discapacitado y por ello lo obligan a abandonar la escuela pública y a sus amigos. El pequeño debe asistir a partir de ese momento al Instituto David Chiossone en Génova. Allí, viviendo en la oscuridad total, descubre que con la ayuda de una grabadora, al cortar y pegar las cintas, puede crear pequeños cuentos hechos solo de sonidos, desde este momento un mundo nuevo se abre para él. La película se basa en la historia real de Mirco Mencacci, uno de los editores de sonido más famosos del cine mundial.

Mirco Mencacci desarrolló una sensibilidad auditiva única, es el editor de sonido de La mejor juventud. La meglio gioventù (2003)

Recién publicada aquí en CultMoviez, es una brillante fabula con una formula muy similar a la de Cinema Paradiso, conmueve y más si la ficción es una historia basada en la vida real, es superación personal, es una película familiar. Da gusto ver una película como esta.

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Bukowski: Born into This (2003)

2011-08-21T19:11:00.000-05:00

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Los tugurios se llenan
los vertederos se llenan
los manicomios se llenan
los hospitales se llenan
las tumbas se llenan

Nada más se llena.

Fue Charles Bukowski un exponente de lo que luego se llamo “Dirty realism” , que cuenta en su cabecera a John Fante, Raymond Carver, Richard Wolf, etc. El alcohol, el sexo, la soledad y los aspectos más absurdos y sordidos de la civilización ocupan un lugar de honor en la obra de Bukowski, que siempre evito los ambientes literariors; preferías los bares y las habitaciones sombrías

Dirigida por John Dullaghan, la cinta mezcla imágenes de archivo con intervenciones de personas que conocieron a Bukowski y fans ilustres del borracho, mujeriego y brutal escritor. Dullaghan investigó y recopiló cintas por un período de siete años para desarrollar el documental . Y por ahí aparecen desde su esposa Linda Lee Bukowski hasta Sean Penn o Tom Waits (e incluso el energúmeno de Bono que no para de salir de hasta debajo de las piedras)

El documental empieza con un Bukowski borracho frente a un micrófono abierto durante una de sus tantas lecturas. De fondo suena una música clásica compuesta por Jim Stemple de acuerdo a los gustos musicales del propio Bukowski.

Hay muchos momentos interesantes en el documental. Como ejemplo el retrato del escritor sin usar una voz en off que reemplaza por relatos de conocidos, amigos, personalidades y a través de sus propios cuentos y poemas relatados por el mismo Buk (Bukowski)

“El alcohol es una de las mejores cosas que han llegado a esta tierra, además de mí. Siempre escribo intoxicado. No creo haber escrito nunca un poema completamente sobrio.

Algunos me han llamado el más grande poeta de Estados Unidos. Mis amigos solo me llaman Hank.”

Otro punto fuerte del documental son las imágenes conseguidas por Schroeder (quien dirigió la película “Barfly”, adaptación de una especie de autobiografía de Bukowski, protagonizada por Mickey Rourke) en la cual iba casi todos los fines de semana a visitar a Buk y filmaba largas sesiones. En una de esas filmaciones se ve a un Bukowski bastante borracho y beligerante, discutiendo con, quien sería luego su esposa, Linda Lee. La discusión va subiendo de tono, hasta que Buk, completamente ofuscado y cegado de celos patea e insulta a Linda. Y si bien, es cierto, hay algo de eso también en su literatura, el hecho de verlo filmado, en esa violencia injusta y desigual, durante una etapa madura de su vida, ya bastante realizado como escritor, le agrega una capa de complejidad a la comprensión de Bukowski como persona.

“Me gustan los hombres desesperados, hombres con los dientes rotos y los destino rotos. También me gustan las mujeres viles, con las medias caídas y arrugadas y con maquillaje barato. Me gustan más lo pervertidos que los santos. Me encuentro bien entre los marginados porque soy un marginado. No me gustan las leyes, ni morales, religiones o reglas. No me gusta ser modelado por la sociedad.”

Un borracho, un cogedor, un desecho social, un egoísta, un misántropo, un vago, un pordiosero, un tipo que escribía todos los días, que mandaba treinta cuentos y poemas a distintas editoriales y todas eran rechazadas, que trabajo en una oficina de correos por doce años hasta que al fin alguien le propuso una editorial en la que publicar absolutamente todo lo que escribiera. Un fracasado con suerte, que tuvo más mujeres que vos y yo solo por su forma de escribir, que le importaba todo un carajo, que mientras trabajaban nueves horas al día, mientras la única aspiración era un aumento de sueldo, que mientras se votaba cada cuatro años pensando que se cambiaba el mundo, mientras le lamian el zapato a sus jefes y decían “si, señor”; El, vivio. El fue Charles Bukowski.

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