Curioso pero de Cine

CENSURA EN LOS CINES ESPAÑOLES

noreply@blogger.com (mmmmm) — Thu, 22 Oct 2009 13:31:00 +0000

Lo siento chicos, pero esto me parece ya el colmo.

Aviso, esta va a ser una entrada muy fuerte y no apta para menores.

.
.
.
.
.
.
..
...
....

YO YA HE AVISADO.

Esto se emitió en los cines normales. Era Lucía y el sexo.

Esto se emitió en los cines normales. Era Crimen ferpecto.

Esto se emitió en los cines normales. Era Jamón, jamón.

Esto se emitió en los cines normales. Era Amor, curiosidad, prozac y dudas

En fin, no sigo, porque no creo que haga falta.

¿Por qué esta sucesión de porno en este blog tan respetable? Porque es la mejor manera que se me ha ocurrido para protestar contra esto (versión Elmundo) esto (versión Elpaís). Vamos, que ahora porque al ICAA (o sea, al Ministerio de "Kultura") le sale de ahí, resulta que si yo quiero ver la última película de la saga de SAW, me tengo que meter en un cine porno. ¡Manda carajo!

En serio, ya no sabéis cómo promocionar las películas españolas. Vale (QUE NO)que uséis mis impuestos para pagarlas aunque no las vea nadie. Vale (QUE NO) que promulgarais una ley obligando a los cines exhibir un porcentaje mínimo de películas españolas, haciendo quebrar y cerrar a los cines de una sola sala (que por porcentaje sólo podía poner la española, y claro, no iba nadie). Pero que ahora empecéis a impedirme ver lo que quiero ver, o a meterme en un cine cochambroso lleno de salidos, me está empezando a tocar las narices.

POR FAVOR, SENTIDO COMÚN YA.

¡Quién te ha visto y quién te ve!

noreply@blogger.com (mmmmm) — Mon, 12 Oct 2009 16:51:00 +0000

Cómo han cambiado los ídolos de nuestra infancia. Algunos no tanto en cuanto a aspecto, pero físicamente están bastante mal (hablo de mi queridísimo Michael J. Fox), otros están irreconocibles (Mel Gibson), y otros no han cambiado apenas (Depp o Clooney). Los que no han cambiado, tienen menos misterio. Pero ¿qué ha sido de...?

¿Os acordáis de esa piloto taaaan guapa que protagonizaba junto al doctor Fleischmann la serie Doctor en Alaska? Al médico, Joel, le tenemos localizado en Numb3rs, pero ¿qué pasó con O'Connell?

Yo he llegado a oír rumores sobre su homosexualidad. Pues bien, no es así. Janine Turner siguió haciendo televisión, es madre soltera de una preciosa niña, y ha resultado una activista política, republicana, y admiradora de Sarah Palin. No, no me lo invento, lo dice ella misma en este vídeo.

A mi parecer, le sentaba mejor el pelo corto. A lo mejor no, pero es que ¡era tan graciosa Maggie O'Connell!

Pero es que el tiempo pasa para todos. Si no, pinchad aquí y mirad cómo estaban todos por lo menos un lustro después de finalizar la serie

Big Bang

noreply@blogger.com (mmmmm) — Thu, 01 Oct 2009 12:34:00 +0000

Nuestro universo entero se encontraba en un estado caliente y denso.
Entonces hace casi 14 mil millones de años empezó la expansión, espera... La Tierra empezó a enfriarse, los seres autótrofos comenzaron a babear, los neandertales inventaron las herramientas, construimos una muralla(construimos las pirámides),
matemáticas, ciencias, historia, desentrañando los misterios ¡y que todo empezó con el big bang!

A quién no le suena ya esta canción dicharachera, y es que los personajes de la serie Big Bang Theory han hecho mella en nuestros corazones. Quizá porque son una panda de frikis creíbles (lo siento por los seguidores de IT Crowd, que aunque graciosos, provocan poca empatía), con una mente privilegiada y un corazón casi virgen, aunque adorables.

El planteamiento es el siguiente: dos amigos y colegas (de alto cociente intelectual), Sheldon Cooper y Leonard Hofstadter, viven en un edificio de esos tan neoyorkino donde se comparten lavadoras. Descubren un buen día que tienen una nueva vecina, la potente y no tan inteligente Penny. Trabaja de camarera y su aspiración es ser actriz. Para Sheldon no es ningún acontecimiento importante, probablemente a causa de su síndrome de Asperger (enfermedad que ya aparece en otras series como Boston Legal, o Bones, y que se está convirtiendo en la muletilla cómica de Hollywood). Pero para Leonard supondrá todo un flechazo. Sea como sea, la relación entre vecinos supone el eje argumental de esta hilarante serie, aderezada con dos personajes más que le dan ese toque tan geek: Howard el judío -un donjuán frustrado-, y Rajesh el indio, que debido a cierto trastorno que no sé explicar, es incapaz de hablar a las mujeres (de hecho es incapaz de hablar en voz alta cuando hay una mujer delante).

Dato curioso: A pesar del horrible aspecto de Leonard, se trata de un chico bastante agraciado que tuvo, hace un tiempo, un papel en la serie Roseanne, protagonizada por John Goodman.

Este era, más o menos, su aspecto.

Clash of the Titans

noreply@blogger.com (el gato cuantico) — Sun, 30 Aug 2009 12:06:00 +0000

Si me preguntan por el Olimpo, inevitablemente me viene a la cabeza algo de mi más (y menos) tierna infancia, y no me refiero al "Olimpo de los Diésel" de Guillermo Summers e Ignacio Salas. Me viene a la cabeza Laurence Olivier y Ursula Andress (entre otros). Exacto, hablo de Furia de Titanes (Clash of the Titans, 1981).

Es por eso que no pude/quise resistirme cuando lo vi en la estanteria de mi hipermercado. Podría hacer la crítica después de más de 15 años sin verla, pero confieso que soy demasiado indulgente con estas cosas de mi infancia, y perdono las licencias en el argumento (Pegaso no pudo ser el animal de compañía de Perseo y Kraken no pertenece a la mitología griega), y perdono esos adorables y mega-cutres efectos especiales que parecen salidos de King Kong. Pero todo eso lo podemos dejar para futuras entradas.

de izquierda a derecha: Bubo, el búho mecánico, Calibo, uno de los malos de mi infancia y Kraken (creo, porque todos estos monstruos marinos son iguales)

Y ¡es que están haciendo un re-make! El estreno está previsto para 2010, y cuenta con un reparto de lujo. En el papel de Perseo nos encontramos a Sam Wortington (Terminator 4), Andromeda será Alexa Davalos (Las Crónicas de Riddick), Gemma Arterton (Quantum of Solace) hará de Io y Ralph Fiennes es Hades. Y como el rey de los dioses (o como diría un amigo mio, el máquina del Olimpo), Liam Neeson dará vida a Zeus.

Esperemos que sepan conservar el encanto de la original. Mientras tanto, y a falta de un trailer de la nueva, os dejo con el de la vieja. Seguiremos informando. Estreno, según imdb, para el 26 de Marzo de 2010.

PD: el Gato Cuantico sale de nuevo de su caja.

El Adiós del Indomable

noreply@blogger.com (Jess) — Sun, 02 Aug 2009 18:00:00 +0000

La vida de Curioso pero de Cine parece estar apunto de extinguirse. Entono el mea culpa por ello, no le he dedicado el tiempo que debería. El pasado mes de octubre publiqué aquí la primera parte de un reportaje sobre la vida y carrera de Paul Newman, con motivo de su fallecimiento. No quiero abandonar definitivamente el blog (aunque un blog nunca se abandona para siempre) sin publicar el reportaje al completo. Aquí va.

* * *

EL ADIÓS DEL INDOMABLE

Se fue. Paul Newman, el último mito de Hollywood, falleció a causa de un cáncer de pulmón el pasado fin de semana. Atrás quedan decenas de actuaciones memorables y un sin fin de premios y alabanzas. Una leyenda formada con talento y personalidad en una carrera sin parangón en la historia del cine

Los primeros pasos
Paul Leonard Newman nació el 26 de enero de 1925 en Shaker Heights, Cleveland, Ohio. Los ojos azules más famosos del cine echaron su primer vistazo en el frío invierno de Cleveland, en el seno de una familia acomodada. A Paul, nunca le faltó de nada, aunque su padre le educó para que conociera el valor de las cosas. Durante su niñez, no mostró ninguna inclinación importante por la interpretación, salvo dos pequeñas obras teatrales cuando aún iba al colegio de primaria. Durante su adolescencia, tuvo diferentes trabajos, mientras nacían en él los primeros brotes de rebeldía: vendió sandwiches en el Palacio de la Carne y, poco después, incluso se puso a vender enciclopedias de casa en casa. Ganó, con estos trabajos insustanciales, 500 dólares que invirtió en montar una obra teatral (por entretenimiento, casi sin vocación) en la que gastó 495, los otros cinco dólares le valieron para tomar su primera copa.

En 1941, cuando los japoneses atacaron Pearl Harbour, Newman, como muchos jóvenes de la época, abandonó temporalmente sus estudios de Económicas y Dirección de Empresas y se alistó a la Marina. Como voluntario para piloto, fue enviado a Yale para recibir un curso especializado. Ese era el lugar que Paul necesitaba. Newman encontró en Yale un aire nuevo, un universo mucho más amplio que nada de lo que había conocido. Pero le duró poco. A los cuatro meses, una revisión rutinaria reveló un defecto en sus ojos (¡en sus ojos!): era daltónico. Este asunto le apartó del sueño aéreo y fue destinado al Pacífico como operador de radio. La guerra pasó, para Newman, tan rápido como había llegado. Tras el conflicto, en 1946, y con una beca militar del gobierno, se dispuso a reanudar sus estudios, pero, esta vez, en el Kenyon College.

Apuntando maneras
Por suerte para el cine, la guerra le había hecho madurar y aclarar sus ideas. Tenía claro que el teatro era el camino. La Universidad estaba organizando una obra de teatro llamada Primera Plana y Paul echó el resto. Se presentó a la prueba para el papel principal y lo consiguió; papel que Newman recuerda muy bien: “Tuvimos una gran acogida. Me incliné varias veces y, por primera vez, tuve conciencia de estar actuando”. Paul se volcó en la actuación y apareció en varias producciones de la Universidad, y, pese a que la actuación sólo había sido, en principio, una escapada, Newman encontró su camino sobre las tablas.
-
Ya con el título en sus manos (papel que poco le importaba), en 1949 se dirigió a Williams Bay, Wisconsin, con un contrato para una gira teatral de verano. Tras la gira, Newman se unió a otra compañía teatral, The Woodstock Players, donde intervino en obras como Cyrano de Bergerac, Suspect, El Zoo de Cristal (que, 40 años después, él mismo llevaría al cine) y John y Mary, donde, dándole la réplica como actriz principal, conoció a una rubia de ojos castaños llamada Jackie White. Fue un flechazo. Tras un romance relámpago, en la primavera de 1950, la pareja se escapó para casarse y, al final del verano, volvieron a unirse a la compañía. Newman actuó en 16 obras después de su boda y, tras esto, decidió tomarse un descanso del teatro para trabajar en una granja cercana a Woodstock, mientras Jackie esperaba el nacimiento de su primogénito, el malogrado Scott.
-
Ese mismo año, el padre de Paul cayó gravemente enfermo. Newman regresó a Shaker Heights y cogió las riendas del negocio familiar, olvidando por un tiempo la actuación. Los negocios se le daban bien y la tienda prosperaba. Unos meses más tarde, Arthur murió. Paul resolvió vender el negocio y, mientras se completaba la transacción, trabajó en diversos lugares, entre ellos, recogiendo pelotas de golf en un club, para limpiarlas y devolverlas a un saco. La clase de rutina que le sacaba de sus casillas.
-
En 1951, Newman decidió cambiar de vida y, con Jackie y el pequeño Scott al lado, dejó Shaker Heights para siempre. Con sus modestos ahorros, volvió a Yale y se matriculó en la Escuela de Arte Dramático. Allí, participó en varias obras (nada importante); pero su talento era evidente para los demás. Presentes en una de las obras (una función sobre la vida de Beethoven), estaban los agentes teatrales Liebling y Wood, que elogiaron, olvidándose de los demás, el trabajo de Newman como sobrino del músico. Quizá con este encuentro empezó todo. Paul sabía que estaba en el camino correcto y, aunque eso suponía dejar sus estudios, se fijó el objetivo que cambió su vida: Broadway.

Comienza la leyenda
Paul y Jackie se lanzaron a la aventura de la Gran Manzana y se dieron un año de plazo para averiguar si él tenía algo que hacer en el feroz mundo de Broadway. Paul se marchaba cada mañana a New York con su mejor traje (el único decente que tenía) para lograr encontrar un trabajo. Newman era un hombre afortunado. Con asombro para el propio Paul, encontró su primer trabajo en la televisión: una breve aparición en el telefilme The March of Time, donde interpretaba a un anciano y por lo que cobró 65 dólares (quién le iba a decir a él entonces que llegaría a ser el actor mejor pagado del año repetidas veces). Tras pequeños papeles en otras producciones de televisión como Tales of tomorrow o Suspense, no tardó mucho en llegar su primer papel fijo en una serie, The Aldrich Family. Poco a poco se estableció en la televisión trabajando regularmente y su rostro se tornó familiar para el público. Para entonces, Jackie ya había alumbrado a la segunda hija de la pareja, Susan, y casi a la par, Newman logró un papel en el musical Our Town.

De mano de unos viejos conocidos (Liebling y Wood) que le pusieron en contacto con el dramaturgo William Inge, Newman accedió a un casting y logró un papel en Picnic, la obra de teatro que marcaría el inicio de la leyenda. Su papel no era el protagonista, sino el de un universitario inexperto que pierde la novia (y su orgullo) ante un compañero de clase más baja; pero las críticas fueron inmejorables. El New York Daily News declaraba: “El niño rico ha sido muy bien interpretado por Paul Newman”; el New York Post afirmó: “El joven Paul Newman ha hecho un estupendo trabajo”; y R. Coleman, del New York Daily Mirror, sucumbió a Newman con un simple y rotundo “excelente”.

Picnic se representó en el teatro durante catorce meses y, con la seguridad económica que eso le daba, podía plantearse la idea de entrar en el Actors Studio, el sueño de cualquier actor. La suerte le acompañaría también aquí. La admisión dependía de dos pruebas: una frente al público y la otra frente a críticos tan notables como Elia Kazan. Una chica que también realizaba las pruebas para entrar en la prestigiosa academia necesitaba un chico para un papel de apoyo, y se lo pidió a Newman. Paul aceptó y la ayudó a que funcionase. El mundo giró inesperadamente y pocos días después de la prueba de la actriz, Paul recibió la noticia de su ingreso en el Actors. Técnicamente, él no había realizado la prueba, pero su papel de apoyo le había asegurado la plaza en la academia del Método. Talento en estado puro.

En el Actors, Newman aprendería todo lo que se puede aprender y entablaría amistad con estudiantes como Geraldine Page, Eli Wallack o Rod Steiger. Pero la amistad más importante de su vida la estableció con Joanne Woodward, una hermosa y talentosa actriz. La conoció poco antes de pisar las tablas de Picnic, y ninguno se llevó una buena impresión del otro. Sin embargo, el destino les volvió a juntar en esa obra de teatro (ella sustituía a dos de las actrices) y ambos recordaron su primer encuentro, se conocieron mucho mejor y floreció entre ellos una gran amistad personal y profesional.

Mientras tanto, Newman empezó a llamar la atención de las figuras de Hollywood, siempre en busca de caras nuevas. Newman era ya bastante conocido en New York y Hollywood parecía el siguiente paso. Pero Paul era reticente a la meca del cine. Muchos de sus compañeros del Actor’s hablaban de Hollywood con desdén, aunque en el fondo envidiaban a los elegidos. Era el momento. Newman tenía entonces 30 años, toda una carrera por delante y un contrato con la Warner Brothers para 7 años. Poco después de clausurarse Picnic, Paul decidió marcharse a California. Jackie y los niños se quedaron en Long Island, y Paul, no sin recelo, se marchó hacia el estrellato.

Un actor en la meca del cine
Los temores de Paul con respecto a Hollywood se confirmaron en cuanto puso los pies en el estudio de la Warner. A los ejecutivos les preocupaba más el color de su pelo y el dinero que podía recaudar, que su nivel de actuación. El talento de los actores y que se adecuaran a los papeles que se les daba era secundario; Hollywood estaba en el negocio del lucro. Newman no se encontraba a gusto, él se sentía actor más que estrella. Además, todos allí se regían por el “star system”, y el alcoholismo, la drogadicción y la pérdida de dignidad estaban a la orden del día. Por supuesto, había actores que se rebelaban contra eso: Humphrey Bogard, Kirk Douglas, Jack Lemmon, John Houston… Newman no se iba a dejar seducir por Hollywood y se unió a estos rebeldes, iba a ser un nuevo indomable.
-
Por si esto fuera poco, lo primero que la Warner le tenía preparado podía haber acabado con su carrera antes de empezar: El cáliz de plata (The Silver Chalice, 1955), donde Newman interpretaba el papel secundario de un esclavo griego llamado Basil. Fue, sin duda, una de las peores películas de los 50 y uno de los mayores fracasos de la Warner. Años después, cuando la televisión emitió este filme, Newman publicó un anuncio en la prensa pidiendo perdón a los espectadores por la horrible película.
-
Paul consiguió este papel tras un casting con el malogrado James Dean. James se quedó con Al este del edén y Newman se quedó con el cáliz. Paul se arrepentía cada día más de haberse ido a Hollywood. Las cosas no funcionaban en la pantalla grande, pero, por suerte, el teatro le rescató. Durante la última semana de rodaje, Paul consiguió el papel protagonista en la obra Horas desesperadas, y su trabajo logró apartar la pesadilla griega; las críticas a su interpretación fueron inmejorables.
-
El Cáliz de Plata fue un fracaso rotundo para la taquilla y para la crítica (tuvieron que emborrachar a Paul para que fuera a verla al cine), y, mientras la Warner se pensaba qué hacer con su nuevo fichaje, Newman continuó con el teatro y yendo al Actors dos veces por semana. En los años 50, las películas para televisión era de gran calidad, y Newman encontró en ellas un buen lugar para demostrar su talento, por lo que grabó varios filmes para la pequeña pantalla.
-
Ese mismo año la Warner cedió a Newman a la Metro-Goldwyn-Mayer y éstos le reclamaron para un nuevo proyecto llamado Traidor a su patria (The Rack, 1956), donde Newman interpretaría a un oficial americano acusado de colaborar con los comunistas en Corea. Esta jugada salió bien. La película tuvo un aceptable éxito de crítica y público y Paul se reconcilió con el cine.
-
Un desgraciado accidente ocurrido el 30 de septiembre de 1955 cambió las perspectivas laborales de Newman. James Dean, el actor de moda de Holywood, murió al volante de su Porche Spyder, dejando un gran hueco en la meca del cine. Paul y James iban a trabajar juntos en un telefilme llamado The Battler, en el que Paul secundaba al boxeador que interpretaría Dean. La muerte del “rebelde sin causa” fue un duro golpe para Paul, habían sido grandes amigos desde que llegó a Hollywood, y su primera impresión era que The Battler no podía continuar sin James. Sin embargo, los productores le ofrecieron el papel de Dean en el filme, y Newman, tras ciertas dudas, lo aceptó como homenaje a su difunto amigo. Todo su mundo estaba apunto de cambiar.

Y llegó el momento
The Battler se emitió de costa a costa y muchos directores, entre ellos Robert Wise, se fijaron en Newman. Con un ojo morado fruto de una pelea en un bar tras la emisión de The Battler (Paul era un actor del Método) acudió Newman a una reunión con Wise. El director había visto la película y tenía un papel para él, papel escrito en un principio para Dean y que cambiaría la vida de Newman para siempre dando inicio a la leyenda. El rebelde pasando el testigo al indomable.

Se trataba de Marcado por el odio (Somebody up there likes me, 1956), la biografía de un famoso boxeador, Rocky Graziano. Durante varios días antes de la filmación, Newman convivió con Graziano de la mañana a la noche. Estudió su manera de hablar, moverse, boxear… Paul entrenó con sparrings profesionales y se sumergió en el gimnasio; ponía todas sus energías en perfeccionar el retrato de Rocky.

Para el verano del 56, la película estaba ya preparada. Muchas fueron las comparaciones con Brando, pero con Marcado por el odio nacería una nueva leyenda del cine. “El joven actor interpreta tan acertadamente a Graziano que consigue que no se le distinga de Brando (New York Times)”. La sombra de Marlon Brando se resistía a abandonarle, pero su talento iba a llevar su figura más allá, eliminando etiquetas injustas. “Para Newman, Marcado por el odio es un recital que lo libera del handicap de su parecido con Brando. Su talento es enorme y flexible. (Variety)”

El primer éxito en el cine había llegado y desde aquí, todo subiría como la espuma. Y ahora que había llegado el éxito, ¿cómo se sentía Paul? Mal. A Jackie le costaba adaptarse al éxito de su marido, aunque era lo que siempre había deseado para él. Las vidas de actor de éxito y hombre de familia convivían con dificultad. La vida personal de Newman estaba convulsa, ya que Paul sólo pensaba en Joanne Woodward, y ésta chocaba en su mente con su familia, que le esperaba en Long Island. Quería a Jackie, pero realmente ya tenía muy poco en común con ella. Newman viajaba, conocía a gente, gente con sus mismas inquietudes y, poco a poco, Jackie y Paul se habían distanciado.

Poco después de que Newman llegara a Hollywood, Joanne consiguió un contrato con la 20th Century Fox y era, como Paul, una actriz de éxito. Amigos desde Picnic, pasaban más tiempo juntos del que el matrimonio de Paul y Jackie podía soportar. Sin embargo, la educación y los valores inculcados en Newman le alejaban de la infidelidad. No pensaba ni por un momento engañar a Jackie; pero era incapaz de negar sus sentimientos hacia Joanne, y cada día que pasaba sin ella le hacía más desdichado. En el mejor momento de su vida se sentía hundido en la miseria.

La Warner Bros. le pagaba por entonces 1.000 dólares a la semana, y se llevaba 75.000 en concepto de arrendamiento. Además, las dos películas que llegarían tras Marcado por el odio y a las que estaba obligado por contrato fueron realmente horribles: Mujeres culpables (Until they sail, 1957) y Para ella un solo hombre (The Helen Morgan story, 1957).

Newman ahogó sus penas en el alcohol, llegando a ser detenido, en 1956, por conducir borracho. No quería ver a Joanne para no romper su matrimonio, pero la echaba terriblemente de menos. El sentido común afloró y recurrió al psicoanálisis, que le ayudó a seguir adelante. Sin embargo, el destino no entendía de divanes. La Warner, continuando con su explotación, arrendó a Newman a la 20th, que buscaba un actor para la adaptación de una obra de Faulkner titulada El largo y cálido verano. Newman pasó la prueba y fue elegido, y (bendito destino) la actriz que protagonizaría el filme con él era Joanne Woodward, actriz en alza tras su interpretación (valedora de un Oscar) en Las tres caras de Eva.

El destino les había juntado, trabajarían por primera vez en la misma película y su amor estaría a la vista de todos. Newman y Woodward trabajaban bien juntos y Martin Ritt, director del filme, aprovechó su química para el romance de la historia. Paul le pidió el divorcio a Jackie (que ya se sentía muy lejos de su marido) y éste se produjo sin problemas. La película fue un éxito y Newman ya estaba aposentado en Hollywood. En enero de 1958, Paul y Joanne se casaron en una pequeña capilla de Las Vegas y han sido uno de los matrimonios más estables de Hollywood, sólo truncado por la muerte de Paul; 50 años de feliz matrimonio. En marzo del mismo año se estrenó la película, y poco después Joanne recibió el Oscar por Las tres caras de Eva, y Paul fue galardonado, por El largo y cálido verano (The Long, Hot Summer, 1958), con el Premio al Mejor Actor en Cannes (el primero concedido a un americano). La pareja esperaba su primer hijo, y el siguiente filme de Paul, El zurdo (The left handed gun, 1958), obtuvo un éxito aceptable. Todo parecía ir bien para Newman.

Su siguiente película fue una joya: La gata sobre el tejado de zinc (Cat on a hot tin roof, 1958), donde compartía cartel con Elisabeth Taylor. Por su interpretación en este filme, Paul ganó 17.500 dólares y consiguió su primera nominación a los Oscar, aunque no se llevó el premio (la codiciada estatuilla de le resistió hasta seis veces antes de conseguirla). La película funcionó a la perfección y Newman empezó a notar el precio de la fama. La prensa le acosaba y le atribuía romances con Taylor y otras actrices. Esto no iba con él.

Para evitar encasillarse en el drama, Paul probó suerte, junto a su esposa, con una comedia titulada Un marido en apuros (Rally’ round the flag, boys, 1959), pero la crítica no le respaldó. Volvió al drama con La ciudad frente a mí (The young philadelphians, 1959), película de guión y dirección bastante mejorables que Newman salvó con su interpretación. Esta fue la última película que rodaría con la Warner, ya que en 1959 se pudo permitir el lujo de comprar los tres años que le quedaban de contrato pagando la considerable cifra de 500.000 dólares. En estas, nació Elionor Theresa, la cuarta hija de Newman y primera con Joanne; e, inesperadamente, Paul decidió marcharse a Broadway, a probar suerte de nuevo en el teatro con una obra llamada Dulce pájaro de juventud. “La representación es magnífica. El muchacho interpretado por Newman es el centro perfecto de la obra (Brooks Atkinson)”. “Memorable, excelente (Coleman, New York Daily Mirror)”. El talento de Newman arrasaba allá donde iba.

La siguiente película que protagonizó fue una extraña elección del propio Newman, el drama lacrimógeno Desde la terraza (From the terrace, 1960), la tercera interpretación junto a su esposa. Bien en taquilla, pero nada más. Quizá Newman solamente quería algo relajado antes de entrar de pleno en la década de los 60, sus años gloriosos.

El éxito
Tras Éxodo (Exodus, 1960), película por la que cobró 200.000 dólares y donde, con serios problemas con el director, interpretaba a un oficial del movimiento clandestino judío sito en Palestina, le llegó el papel que le marcaría para toda su carrera, y que, a la larga, le iba a reportar un Oscar: El buscavidas (The Hustler, 1961), una oportunidad que lo consagraría como el gran actor que era. “Con este tuve buena impresión desde el principio” afirmaba Newman.

Era su alter ego cinematográfico, un tipo de personaje que siempre ha sobrevolado por su filmografía: el antihéroe solitario, rebelde e indomable, pero sin malas intenciones. Eddie “el rápido” Felson, un jugador de billar que engañaba a los pardillos por un puñado de dólares, y que, irremediablemente, se tiene que enfrentar, tras la tragedia, a sus fantasmas y a la moralidad en una partida interminable con Minnesotta Fats, el que decían que era el mejor. Los elogios a la interpretación de Newman (y, en realidad, a toda la película) fueron increíbles. Era la mejor interpretación de Newman hasta la fecha. “Esta vez hay algo más en su intenso ardor como el hombre que hace trampas en el juego con fervor religioso. Su listón estaba muy alto, pero esta vez lo ha superado (Alton Cook, Time)”.

De entre las nueve nominaciones a los Oscar de El buscavidas, surgió la segunda para Newman como mejor actor, pero tampoco lo consiguió en esta ocasión. Sin embargo, ganó el premio de la Academia Británica por su actuación, y El buscavidas se convirtió en un clásico del cine.

Sus dos siguientes películas, Un día volveré (Paris blues, 1961) y Cuando se tienen 20 años (Hemingway’s adventure of a young man, 1962), estuvieron eclipsadas por la sombra de Eddie Felson, aunque, en realidad, eran dos filmes sin grandes pretensiones. Después, en 1962, interpretó, ahora en la gran pantalla, el personaje principal de Dulce pájaro de juventud (Sweet bird of youth, 1962), éxito que sirvió de adelanto de otra de las célebres películas de Newman, Hud (1963), donde interpretaba a otro antihéroe, un ganadero amargado, ambicioso y egoísta. De nuevo la crítica y el público aplaudió a Paul. Acababa de tener a su segunda hija con Joanne y era el actor más demandado del momento. ¿Qué más podía pedir? Un Oscar, aunque, de nuevo, solamente consiguió una nominación. Parecía tener una maldición, era su tercera nominación en cinco años.

Newman seguía empeñado en romper clichés y trabajar en una comedia. Lo hizo, junto a su mujer, en Samantha (A new kind of love, 1963), pero la comedia parecía no ser lo suyo. Tras este proyecto fallido llegaron películas sin mucho fuste como El premio (The Prize, 1963), entretenida, pero que no lograba sus pretensiones; Ella y sus maridos (What a way to go!, 1964), Cuatro confesiones (The Outrage, 1964) y Lady L (1965). Entre tanto, antes del nacimiento de su sexto retoño, Clea, estrenó (junto a su mujer) una comedia en Broadway, Baby want a kiss, demostrando que sí podía ser un buen comediante.

Tras estos proyectos, llegaría el personaje de Harper en Harper, investigador privado (Harper, the moving target, 1966), otro de los éxitos de los 60. Tras ésta trabajó con Hitchcock en Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966) y con su viejo amigo Martin Ritt (El largo y cálido verano, Hud) en Hombre (1967)

Fue en este año, 1967, tras Hombre, cuando llegaría un nuevo título y un nuevo personaje para el recuerdo en la filmografía de Newman: La leyenda del indomable (Cool Hand Luke, 1967). Un papel que sólo Newman podía interpretar. Luke es encerrado en una dura prisión durante dos años por un delito menor (en realidad, casi surrealista). Pero él no puede vivir enjaulado. Es un indomable. Diversos intentos de fuga, alguno que otro fructífero, bravuconadas con los compañeros (“¿a que no eres capaz de comerte 50 huevos duros de una sentada?”) y un final fantástico, que Newman regó con una interpretación sobresaliente, con una sonrisa cínica llevada hasta el final en un filme carcelario tan atípico como trágico y divertido. Sólo Newman podía hacerlo, y, al parecer, sólo a Newman, de nuevo nominado por esta excepcional interpretación, se le podía escapar el Oscar por cuarta vez. “Se consideró una injusticia que Newman no se llevase el Oscar. La aclamación de la crítica rozaba la veneración. La vitalidad, destreza y sensibilidad de Newman se reconocían como únicas” apuntaba en 1990 J.C. Landry, amigo y biógrafo de Paul.

Tenía entonces 42 años (muy bien llevados) y el éxito le perseguía. Pero Newman era obstinado y volvió a probar suerte con otra comedia Comando secreto (The secret war of Harry Frigg, 1968); pero seguía sin parecer ese su sendero. En 1966 fue nombrado, en los Globos de Oro, Actor Favorito Mundial y, un año más tarde, fue nominado a Mejor Actor del año por la Asociación Nacional de Propietarios de Cines.

En 1968, siendo ya uno de los actores más aclamados de Hollywood, Newman continuaba siendo indomable. Cambió de lado y se situó detrás de las cámaras para dirigir su primer filme: Rachel, Rachel (1968). “Casi disfruto más de esto que de subir a un escenario o de plantarme delante de una cámara”, llegó a admitir Newman tras el estreno del filme. Las productoras no confiaban en el proyecto (que interpretaría Woodward) y la Warner (precisamente la Warner) solamente aportó 700.000 dólares (producir un filme en un estudio de Hollywood costaba alrededor de dos millones y medio de dólares). La película, inesperadamente, fue un éxito en todos los sentidos. Se aclamó la película (nominada al Oscar al mejor filme del año), el trabajo de Joanne e, incluso, la dirección de Newman; tanto que la revista Life destacó “los matices emocionales y la seguridad técnica, algo muy destacable para una primera película” y ganó el Globo de Oro a la mejor dirección y el premio del New York Critics Circle. Newman era imparable. Ahora le llovían ofertas para dirigir, pero prefería esperar a un proyecto que valiera la pena. Joanne fue rescatada de su inactividad laboral con esta película y recibió varios premios por su interpretación.

A finales de los 60, Newman ya cobraba 1.000.000 de dólares por película. En junio de 1969 formó una sociedad con Sydney Poitier y Barbara Streisand (en 1971 se uniría a ellos Steve McQueen) y la llamaron First Artists Productions Company. Un tiempo antes, junto a su esposa y John Foreman, había formado también otra asociación, la Newman-Foreman Company, productora del siguiente filme de Paul, Quinientas Millas (Winning, 1969), un drama inmerso en el mundo de las carreras de coches. A raíz de este filme, la pasión de Newman por los coches de carreras creció, llegándolo a convertir, con el tiempo, en una segunda (o tercera, si consideramos la dirección como algo a aparte) profesión. No quiso usar un doble y se matriculó en la escuela de Bob Bondurant. Éste percibió el don natural de Newman tras el volante. Newman fue cogiendo más y más afición a las carreras. En una semana, Paul progresó hasta dominar los mismos modelos que usaban los profesionales, y, en unos pocos meses, ya tenía el nivel suficiente para competir (aunque tardó cuatro años desde la finalización de Quinientas Millas en obtener el permiso especial que le permitía correr en carreras de competición). Más tarde formó su propio equipo, ganando con él numerosas carreras e, incluso, Paul (con más de 50 años, un auténtico viejo dentro del mundo automovilístico) ganó, en 1977, al volante de un Datsun, dos campeonatos nacionales. Pese a todos estos éxitos, el punto más álgido de su carrera y su popularidad estaba aún por llegar.

En lo más alto
Las críticas para Quinientas millas fueron realmente buenas, pero nada comparado con lo que le vendría encima con su siguiente película: Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and The Sundance Kid, 1969), donde formó un legendario equipo junto a George Roy Hill y Robert Redford. El guión de este western tan atípico había rodado por Hollywood durante muchos meses sin que nadie le hiciera demasiado caso. Sin embargo, Newman se interesó por él, le gustaba la relación de amistad que se formaba entre los dos protagonistas. De repente, al revelarse que Newman le había echado el ojo, toda la industria del cine se interesó por el proyecto, convirtiéndose en el guión más preciado del momento. Para entonces la Newman-Foreman ya le había echado el guante a los derechos. Con Newman en el papel de Butch, el jefe de la banda, el papel de Sundance Kid fue para Robert Redford y el de la chica para Katherine Ross, dirigiendo el film Roy Hill y componiendo Burt Bacharach el tan tarareado tema principal “Raindrops keep falling on my head”.

Dos hombres y un destino cosechó un éxito sin precedentes en la historia del cine. La química de Newman y Redford en pantalla era espectacular; al público, el filme le llegó al corazón; Ross ganó el Oscar a la mejor actriz; la carrera de Redford resurgió reportándole este filme varios premios y nominaciones; y en cuanto a Newman… Newman era de otro planeta. La admiración se tornó devoción y Paul alcanzó el estatus de superestrella. El Oscar se le volvió a resistir, pero era, sin duda, además de uno de los actores de más talento del momento, la estrella Número Uno Mundial en Taquillas. El filme reportó unos 30.000.000 de dólares y fue el western más taquillero de la historia del cine.

El mundo estaba a los pies de Newman, pero él los tenía bien pegados al suelo. A principios de esta década se le ofrecieron dos papeles (ahora reconocidos) que rechazó: el Padre Karras en El exorcista y Harry en Harry el sucio. Paul tenía otras cosas en mente. Newman siempre había estado interesado en los temas sociales y políticos de su país, y sus dos siguientes filmes, Un hombre de hoy (WUSA, 1970) y Casta invencible (Sometimes a great notion, 1971) fueron dos películas comprometidas de la Newman-Foreman, y en esta última Paul realizó la doble labor de actor/director con Joanne como protagonista. Después, de manos de la First Artists llegaron Los indeseables (Pocket money, 1972), El juez de la horca (The life and time of Judge Roy Bean, 1972) de John Houston, El hombre de Mackintosh (The Mackintosh man, 1973) también de Houston… ninguna con gran éxito. Ninguna salvo el tercer trabajo de Newman como director: El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (The effect of the gamma rays on Man-on-the-moon marigolds, 1972), un filme realmente mal titulado, pero admirable, que protagonizó Joanne Woodward, y que le brindó a Paul una nominación al mejor director en el festival de Cannes.

Las cosas, sin embargo, no iban bien. Una de seis era un mal promedio para la estrella más grande del momento. Necesitaba una película que le reestableciera como actor y superestrella; pero esto no iba a suceder. Su siguiente filme no le iba a reestablecer como superestrella, sino que iba a sobrepasar todos los listones conocidos. En 1973 llegó El golpe (The sting, 1973), la película que marcó su pìco de popularidad y le colocó más allá de cualquier estrella conocida, un éxito rotundo. La Academia de Hollywood, aunque no nominó a Newman, no le dio la espalda al filme y le concedió 7 estatuillas: mejor película, director, guión, montaje… un éxito. En esta película, Paul se reencontraba con sus compañeros de Dos hombres y un destino, Hill y Redford. La fórmula que tan bien había funcionado en el filme de 1969 volvió a funcionar aquí. Newman en el papel de Henry Gondorf y Redford en el del novato pero talentoso Johnny Hooker formaban una estupenda pareja en la gran pantalla, y Hill y Ward (guionista) trabajaron de manera sobresaliente.

Los golpes de la vida
A la historia de estos dos estafadores que dan el golpe de su vida al vengarse de Doyle Lonnegan con un estupendo y estudiado guión, le secundó una película espectacular (literalmente) que obedecía a la nueva moda de Hollywood, las películas de catástrofes. El coloso en llamas (The towering inferno, 1974) reunió a Newman con su socio Steve McQueen, también una gran estrella del momento, y, pese a su éxito, fue el inicio de los años malos de Newman, la segunda mitad de los 70.

Fueron años sin éxitos cinematográficos, unidos al tremendo golpe que supuso el fallecimiento, en 1978, de su hijo Scott, víctima de los fármacos y el alcohol. Aunque Paul, Joanne y Jackie intentaron que el divorcio se produjera de la forma menos dañina para los niños, Scott siempre había sido el más vulnerable. Él ya tenía siete años en el momento de la separación, y le afectó más que a sus hermanas. Su adolescencia fue problemática, debido al desarraigo y a la sensación de fracaso de Scott frente a su padre. La depresión se apoderó de él, y Paul y Jackie, aunque hicieron lo posible para ayudarle, no pudieron solucionarlo.

Para Newman, este fue un duro golpe personal inmerso en su peor momento laboral. En este bajón, Newman se refugió en los coches y en torpes proyectos cinematográficos. Fue a finales de esta década cuando se le ofreció el papel de Teniente Ripley (protagonista de la saga Alien), pero Newman lo rechazó. Fueron cinco años sin éxitos que habrían acabado con la carrera de cualquiera. La semi-secuela de Harper Con el agua al cuello (The drowning pool, 1975), un cameo en La última locura de Mel Brooks (Silent Movie, 1976), Buffalo Bill (Buffalo Bill and the indians, 1976), El castañazo (Slap shot, 1977) -esta, al menos, fue taquillera-, Quinteto (Quintet, 1978), El día del fin del mundo (When time ran out, 1979)… desidia.

El renacer de una estrella
Distrito apache (Fort Apache - The Bronx, 1981) fue el guión que necesitaba para salir del bache setentero, con Newman encarnando a un policía cincuentón en una historia que hacía honor a su nombre. A partir del moderado éxito de este filme, aconteció el renacer de Newman. Salió del agujero y de nuevo el público y la crítica le abrazó. La carrera de Paul se relanzó como ninguna lo había hecho jamás. Su increíble talento seguía estando ahí, y la década de los 80 fue testigo de ello.

En 1981 llegó Ausencia de Malicia (Absence of malice, 1981), un drama sobre la responsabilidad de la prensa que no solamente fue un éxito comercial, sino que fue aclamado como un filme reflexivo y valeroso. Newman interpretaba al hijo de un gangster (20 años después encarnaría al padre de uno de éstos) que se ve inmerso en un gran conflicto tras la muerte de su progenitor. Este papel le valió su quinta nominación a los Oscar (sexta si contamos la de mejor película por Rachel, Rachel), pero se le volvió a escapar. No importaba. Con su siguiente película consiguió otra nominación de la Academia de Hollywood al mejor actor principal. La sexta. El filme en cuestión era Veredicto final (The veredict, 1982), un drama judicial dirigido por Sydney Lumet que consiguió una gran interpretación de Newman. Otro éxito, tres de tres en dos años; pero el Oscar resbaló de nuevo entre sus manos. “¿Qué diablos tiene que hacer Paul Newman para conseguir un Oscar?”, publicaba Variety a toda página. La gente no entendía que la Academia no le premiara; pero Newman no desesperaba.

En 1984 dirigió y protagonizó Harry e hijo (Harry and son, 1984), una película necesaria para Newman que le sirvió para aplacar los fantasmas por la muerte de su hijo y como homenaje a éste, sin importar la repercusión en taquilla o la crítica. Después de esto se volvió a refugiar en los coches esperando un buen proyecto en el que trabajar.

En la ceremonia de los premios de la Academia de Hollywood de 1986, Paul Newman recibió un Oscar honorífico “en reconocimiento a sus numerosas y memorables interpretaciones y su dedicación a este oficio”. Aunque dudó (eran migajas, pago atrasado para quedar bien) fue a recogerlo, y en su discurso se tomó ciertas licencias: “Agradezco de forma muy especial que este premio no esté envuelto en un certificado de defunción. Espero que mi mejor trabajo esté aún por llegar”. En la gala del año siguiente, Paul ganó el Oscar al Mejor Actor Principal por su interpretación en El color del dinero.

El color del dinero (The color of money, 1986) era el proyecto por el Paul había esperado desde Harry e hijo. Fue el propio Newman quien decidió rescatar a Eddie “el buscavidas” Felson escribiendo él mismo un guión (posteriormente mejorado por Richard Price) según las líneas de la nueva novela de Walter Tevis, cuya obra inspiró también El buscavidas. Newman se volvía a armar con el taco de billar que había tirado al final de El buscavidas, donde comprendía que la moralidad estaba por encima del dinero, y arrancó una sobria y brillante interpretación haciendo madurar 25 años al personaje que encarnó en 1961 y que le reportó su segunda nominación a los Oscar. La Academia no se pudo resistir. “Acertada reflexión generacional. Brillante puesta en escena e inteligente guión (...) De la interpretación de Paul Newman, premiada con el Oscar, sólo puede decirse una cosa: impresionante”, rezaba desde nuestro país Fernando Morales del diario El País. Martin Scorsese se encargó de la dirección, como Paul quería (aunque en la carta adjunta al guión, Newman le llamara Michael en vez de Martin) y se contó para el papel del novato y talentoso principiante con un muchacho que acababa de empezar, pero al que Newman ya le había pronosticado un gran futuro, llegándole a decir “seguro que serás uno de los grandes de Hollywood”; se trataba de Tom Cruise. Éste y su posterior trabajo en Top Gun ese mismo año, lanzaron su carrera.

Tras la vuelta al tapete de Eddie, Newman volvió a la dirección, con su mujer ante las cámaras en El zoo de cristal (The Glass menagerie, 1987), su última película como director, e intervino en tres filmes casi consecutivos: Creadores de sombras (Fat man little boy, 1989), El escándalo Blaze (Blaze, 1989) y Esperando a Mr. Bridge (Mr. And Mrs. Bridge, 1990), último filme junto a su mujer, Joanne Woodward, tras 14 colaboraciones.

Casi con 70 años, en 1993, la Academia de Hollywood le galardonó con el Jean Hersholt Humanitarian Award por su labor en obras benéficas y su labor humanitaria en el campo del alcohol y la droga.

Volvió al cine en 1994 con El gran salto (The Hudsucker Proxy, 1994), un filme de los hermanos Coen donde Newman interpretó a un supervillano; y protagonizó, también en 1994, Ni un pelo de tonto (Nobody’s fool, 1994), un personaje hecho a medida, un compendio de Luke Jackson, Eddie Felson, Butch Cassidy o, incluso, el Henry Gondorf de El golpe, pero con unos cuantos años más y la frustración de un paro forzado. Todo un pillo sin un pelo de tonto que Newman interpretaría con maestría y que le reportaría su octava nominación a los Oscar como Mejor Actor. Para seguir con la tradición (sólo interrumpida en 1987) no le dieron la estatuilla; pero Newman ya estaba de vuelta. Además, en 1996, su hija menor, Melissa, le hizo abuelo dando a luz al primer nieto de Paul: Peter Elkind.

Pasaron cuatro años hasta que Newman volviera a actuar. No había prisa para escoger proyecto, y Al caer el sol (Twilight, 1998) parecía el correcto. Un gran papel, un reparto de excepción (Gene Hackman, Susan Sarandon, James Garner) y una historia de detectives a la vieja usanza, quizá demasiado clásica para gustar a la generación postmoderna de finales del siglo XX. La década de los 90 terminó con Mensaje en una botella (Message in a bottle, 1999), secundando y adoptando a Kevin Costner, en una historia sobre un romance marino donde Newman lograba aportar un poquito de personalidad.

El ocaso de una leyenda
Dos filmes y un homenaje han sido el legado de Newman para el último milenio. En un personaje que sin duda podía haber sido Butch Cassidy con 75 años y viviendo en nuestros días, Paul interpretó a un ladrón de bancos que simula una apoplejía (magistralmente) para salir de la cárcel y seguir haciendo de las suyas en Donde este el dinero (Where the money is, 2000). Este film, aunque divertido y entretenido, y con una buena interpretación de Newman y Linda Fiorentino, hubiera sabido a poco como última película de la gran leyenda que era ya Paul Newman. Numerosas ofertas llegaron a sus manos para volver a actuar, pero fue Spielberg como productor y Sam “American beauty” Mendes tras la cámara, quienes le convencieron. Newman tenía olfato, y su papel, y el proyecto en sí, era una delicia. En Camino a la Perdición (Road to perdition, 2002), Newman interpretó brillantemente a John Rooney, el padrino de una importante banda mafiosa que tiene como protegido a Michael Sullivan (Tom Hanks), hombre, que bajo un gran respeto hacia Rooney, realiza el trabajo sucio que le permite mantener a su familia. La crítica le respaldó. “Obra maestra (...) extraordinaria, reinventa el mejor cine negro sin traicionar los códigos de este glorioso género (...) Newman y Hanks bordan sus papeles” (Carlos Boyero, Diario El Mundo).

Newman tenía 77 años, y su interpretación le valió una nueva nominación a los Oscar, esta vez como Mejor Actor Secundario, aunque al final se hizo con la estatuilla Chris Cooper por su actuación en Adaptation. Camino a la perdición sería la última aparición del legendario actor de Ohio en la gran pantalla, ya que, posteriormente, actuó en tres producciones para televisión: Freedom: A History of Us (2003) Our Town (2003) y Empire Falls (2005).

El último adiós
En 1976, en pleno apogeo de su éxito, Richard Warren Lewis le preguntó en una entrevista como le gustaría ser recordado tras su muerte; esto fue lo que Newman respondió: “Me gustaría ser recordado como un hombre que trató de ser de su tiempo, de ayudar a la gente a comunicarse, que trató de producir algo decente en su propia vida. El recuerdo de alguien que ha sabido crecer sin celebrar demasiado sus victorias, que nunca estuvo totalmente satisfecho consigo mismo. El recuerdo de alguien que no fue amilanado por los fracasos. Porque hay que seguir intentándolo. Siempre. Eso es lo más importante”.

En 2006, Paul Newman estrenó una obra atípica en su filmografía, ultimada en los estudios de Disney/Pixar. Se trató de una película de animación sobre coches de carreras llamada Cars. Paul cedía su voz al automóvil protagonista del filme, igual que James Dean cedió su leyenda a Newman en The Battler. Una última aportación en el año de las bodas de oro de su debut como actor de cine. Un homenaje a una de sus más grandes pasiones, en el medio que creo su leyenda. El último adiós del indomable.

Teología y civilización, y una despedida

noreply@blogger.com (Delirium) — Thu, 09 Apr 2009 16:01:00 +0000

Hay melodías que, por cualquier razón, uno encuentra maravillosas. Algún día te visitan, quizá en mitad de alguna película. Por espacio de unos te días te conviertes en su compañero y las veneras. Las repites durante días, andando por la calle, al entrar al trabajo con una sonrisa o al ir a la cama. Finalmente desaparecen. Y sin embargo, no se han ido; permanecerán en algún rincón oculto de la mente y, el día menos pensado, te asaltarán para hacerte de nuevo compañía.

Hace relativamente poco me reencontré con una de ellas. Se metió en mi cabeza por primera vez hace mucho, mucho tiempo, cuando Internet ni siquiera existía para mí. Ni siquiera conocía su nombre, pero sí su procedencia. Aquella melodía que me entusiasmaba formaba parte de la banda sonora de Conan el Bárbaro. Ni más ni menos: la hipermuscolosa película del no menos gobernador de la actual California.

Digo lo de Internet para que quede claro. Quizá la primera vez no pudiera atrapar aquella melodía, pero esta vez sí. Esta vez tenía las armas.

La banda sonora de Conan el Bárbaro fue compuesta por Basil Poledouris. En un principio se barajó la idea de ambientar la película con temas pop (¿Queen sonando en Conan, tal vez?). Al final triunfó la cordura y Poledouris se encargó de elaborar la temática de corte épico que acompaña al héroe durante la mayor parte de sus andanzas.

Entre todos los temas, Teología y Civilización emerge en el instante que más valoro de una película en exceso hipertrofiada. Me ha costado encontrar el momento en Tutubo. Al parecer, los legionarios fans de Conan prefieren el instante en que Arnold desea almorzar con las tripas de sus enemigos o cuando plantea a Crom una interesante disyuntiva: o bien le ayuda a alcanzar su venganza, o bien se marcha al infierno. Pero les pongo en antecedentes y ya me dicen si opinan lo mismo que yo.

Conan ha sido abandonado por su amo. Ya no es esclavo, y sin embargo, vaga como un perro de pelea por los desiertos. Sin apenas haber cruzado jamás dos palabras con nadie, poco recuerda de su infancia, más allá del culto a Crom, y la veneración de lo que le enseño su padre. Y es entonces, sólo entonces, cuando se encuentra con Subotai.

http://www.youtube.com/watch?v=-Jm-tH706qw

(la inserción del video se encuentra deshabilitada, lo siento)

Conan ha salvado a Subotai de perecer bajo las fauces de los lobos, pero sólo porque le ha parecido graciosa su respuesta. Quizá no tengan mucho en común, pero, a la noche, Conan inquiere: "¿a qué Dios rezas?". Subotai reza a los Cuatro Vientos y Conan a Crom, aunque no le escuche. Crom se ríe, desde su montaña, de los Cuatro Vientos. Subotai replica: los Cuatro Vientos son eternos, y viven por encima de Crom.

Ante la magnitud de la discusión teológica y visto el empaque dialéctico de los contendientes uno esperaría que, o bien el cimmerio austriaco machacara al recién rescatado colega o bien el arquero oriental tuviera a bien poner una flecha en el ojo del primero. Sin embargo, ambos ríen y dan por terminada la discusión teológica. Como deberían terminar todas.

Y a través de la teología, la civilización, con sus hedores y sus placeres, se le descubre a Conan por primera vez. La música de Poledouris se nos aparece entonces plena y maravillosa.

A lo largo de la película, la melodía vuelve a aparecer, con cuentagotas, alguna que otra vez. No importa: la mejor escena ya ha pasado. Y lo mejor es que, gracias a Internet, podemos disfrutar una y otra vez del momento, de ésta y de mil películas más. Eso, le pese a quien le pese.

Y atrapar la melodía, esquiva y revoloteadora y compartirla una y otra vez, con todos ustedes.

Y con esto me despido. No quería dejar este blog sin mandar un último adiós. Quizá algún día retome la escritura aquí, ya que tan bien me lo he pasado compartiendo mis opiniones. Pero eso será sólo si mis compañeros virtuales deciden darle un impulso a este moribundo CPC. Sólo no sólo no puedo, es que no me apetece: este blog es mucho mejor con todos.

PD: Por cierto, ¡ésta es la entrada número 200!

Homenaje a Edgar Allan Poe

noreply@blogger.com (Major Reisman) — Mon, 19 Jan 2009 14:43:00 +0000

Hola.

Es posible que el blog este algo muerto, así que ya que es el día en que se conmemora el 200 aniversario del nacimiento de Edgar Allan Poe pues vamos a intentar una pequeña resucitación.

Aquí os dejo un corto animado del año 1953 sobre su obra "El corazón delator" que tiene como narrador a James Mason.

Yo lo vi de pequeñito cuando la TVE-1 emitía en blanco y negro. Puedo aseguraros que aquella noche no dormí y que estuvo presente en mis pesadillas infantiles durante algún tiempo.

Os recomiendo que lo veáis a oscuras.

Si os interesa la relación del cine y Poe os recomiendo que vayais a esta página del blog de Ramón Monedero.

Hasta la próxima.

De la que me he librado

noreply@blogger.com (Major Reisman) — Sun, 14 Dec 2008 17:48:00 +0000

Eso es lo que debió de pensar más de uno al recordar aquel guión que le ofrecieron como "el futuro gran éxito del séptimo arte" o "la película que marcaría un antes y un después en el cine" y que una vez estrenada se convirtió en un rotundo fracaso.

Los anglosajones utilizan el término "flop" para definir a aquellas películas en las que se ha invertido una gran cantidad de dinero, esfuerzo y que luego resultan un fiasco. No hay que confundirlas con películas de serie Z o realizadas con pocas pretensiones. Dudo mucho que Peter George esperase su reconocimiento en el festival de Sundance por su "Surf nazis must die" o que George Clooney ganara el oscar al mejor actor por su papel en "Return of the Killer Tomatoes!". Los "flops" suelen ser superproducciones con un gran director, un elenco de actores de prestigio, y un gran guión, pero por alguna razón todos esos elementos se mezclan para producir una catástrofe. Y como suele decirse, cuanto más grandes son, más ruido hacen al caer.

Empecemos por el flop más clásico y probablemente mejor conocido por todos. "Cleopatra"

La primera actriz que se pensó para el papel de la mítica reina de Egipto fue Susan Hayward, pero dijo que no. Entonces se lo ofrecieron a Joan Collins, pues había protagonizado "Tierra de faraones" e incluso se realizó un spot publicitario con su nombre. Sin embargo parece que decidió finalmente que no quería verse encasillada en el papel de egipcia. La segunda estrella en la que se pensó fue la dulce Audrey Hepburn, pero también dijo que no. Así que el productor Walter Wanger le ofreció el papel a Elizabeth Taylor, que en ese momento estaba rodando "De repente, el último verano". Quien cogió la llamada del productor fue Eddie Fisher, el marido de la Taylor en ese momento. Éste le comunicó a su esposa la oferta y Elizabeth en plan broma dijo "Seguro, dile que por un millón de dólares". Wanger aceptó el salario y la Taylor se convirtió en la primera estrella en tener un sueldo de 1 millón de dólares.

Tampoco estuvieron las cosas claras para el papel masculino. Para Marco Antonio se pensó en Marlon Brando, pero este estaba ya comprometido para "El motín de la Bounty". Otros que fueron tanteados fueron Richard Johnson, Peter O'Toole, Laurence Harvey aunque quien se lo llevó fue Stephen Boyd. Para Julio Cesar se contrató a Peter Finch. Pero lo que ocurrió es que el comienzo del rodaje comenzó a retrasarse y Boyd y Finch se vieron obligados a dejarlo. Así que como sustitutos se contrató a Richard Burton y a Rex Harrison.

Aunque ahora se mira con unos ojos más condescendientes, "Cleopatra" fue uno de los mayores fracasos comerciales de la historia del cine. Costó 44 millones de dólares de aquella época y sólo recaudó la mitad. Teniendo en cuenta la inflación, el coste equivaldría a 295 millones de dólares, lo que la convierte en el tercer film más caro de la historia después de "Piratas del Caribe 3" y "Voina i Mir".

Hay otros flops que resultan tan desastrosos que acaban con la carrera de aquellos que intervinieron en su producción. Entre estos está "La puerta del cielo", una película que acabó con la carrera de Michael Cimino, el galardonado director de "El cazador" y con la United Artist. La historia está basada en lo que se conoció como la guerra del Condado de Johnson, una disputa de tierras en el Oeste americano. El primer guión fue ofrecido a John Wayne en 1970, pero prefirió dejarlo pasar. Parece ser que a Cimino le gustaban las historias del oeste y decidió llevarlo a cabo gracias a su recién adquirida fama. En principio se pensó como un western típico de bajo presupuesto en el que la United Artist pensaba gastarse 7 millones de dólares. Pero Cimino quería actores y profesionales de primera fila así que se elevó la suma hasta los 11 y medio.

Se contrató a John Willians para realizar la partirtura. Para la protagonista femenina se pensó en Jane Fonda, pero a esta no le gustó el guión. Entonces se pensó en Diane Keaton, que también lo rechazó. Finalmente la francesa Isabelle Huppert aceptó el papel. El rodaje fue mal desde el principio. La leyenda dice que la mitad del presupuesto se gastó en cocaína. Lo cierto es que Cimino se descubrió como un director tremendamente picajoso y detallista al que no le importaba destruir un set entero de decorados si estos no eran de su agrado. Comenzaron a acumularse retrasos y Willians abandonó el proyecto porque estaba comprometido con la realización de las partituras de "El imperio contraataca" y "En busca del arca perdida". El estudio intentó sustituir a Cimino por Norman Jewison, pero sabiamente declinó la oferta. El coste final fue de 40 millones de dólares y la película duraba 5 horas. Se recortó hasta las 3 horas, pero fue un absoluto fracaso.

Otras veces el flop parece producto de una maldición. Es el caso del novelista de best-sellers Clive Cussler. Para la adaptación de su novela "Rescatad el Titanic" a la pantalla se contrató al director Stanley Kramer. Pero éste demostró tener un sexto sentido para oler los naufragios porque a las dos semanas abandonó el proyecto por "diferencias creativas". Para sustituirle se contrató a Jerry Jameson, que había dirigido "Aeropuerto 77", (el del avión que se hunde en el mar). Se le ofreció el papel protagonista a Steve McQueen, que lo rechazó haciendo gala de la misma intuición. Tras el fracaso en la pantalla, Cussler prometió que no volvería a dejar que se adaptase una novela suya al cine. Debería haber seguido fiel a su promesa.

Veinte años después, Cussler accedió a que se adaptase otro de sus best-sellers. Se trataba de "Sahara". Inicialmente, Hugh Jackman iba a ser el protagonista comenzando el rodaje en octubre de 2001. Pero entonces vino el 11-S y se tuvo que aplazar. En 2003 se intentó retomar el rodaje, pero Jackman estaba metido de lleno en "X-men 2". Entonces se pensó en Tom Cruise, pero parece ser que se negó en redondo (¿Tendría Pe que ver con ello?). Por cierto, el papel femenino fue ofrecido a su amiga Salma Hayek por insistencia del propio Cussler, pero lo rechazó. En el 2005 la película llegó a las pantallas y aunque hizo una taquilla de 202 millones de dólares no llegó a cubrir los 281 millones que había costado.

Y para acabar ....

¿Qué tienen en común Chow Yun-Fat, Wesley Snipes, Jet Li, Vin Diesel y Silvester Stallone? Pues que todos ellos pudieron haber sido el personaje que finalmente interpretaría el actor español más famoso después de Bardem. Si señores, el incombustible Antoñito Banderas protagonizó junto a Lucy Liu la película "Ballistics Ecks vs Sever". Dicha producción está considerada por la web Rotten Tomatoes como la peor película de todos los tiempos. Se gastaron 70 millones de dólares y sólo recaudaron 20. Lucy Liu, la cabeza favorita del robot Bender no tuvo tanta competencia para su puesto. Se pensó en Michelle Yeoh (la protagonista de "Tigre y Dragón"), pero como su compatriota Chow, declinó la oferta.

Pues esto ha sido todo por mi parte durante este año. Espero que paséis unas felices vacaciones

Nos vemos en el 2009

¿Qué hubiera pasado si ...

noreply@blogger.com (Major Reisman) — Tue, 04 Nov 2008 10:47:00 +0000

Si cualquier aficionado al cine escucha "El padrino" lo más seguro es que piense en la imagen de Vito Corleone susurrando en un inquietante claroscuro - Tengo una oferta que no podrá rechazar. Y sin embargo esa imagen podría haber sido totalmente distinta si el protagonista hubiera sido Burt Lancaster en lugar de Marlon Brando.

Porque Burt Lancaster estuvo persiguiendo el papel de Vito Corleone desde que supo que se iba a rodar la adaptación cinematográfica de la obra de Mario Puzzo. Llegó a suplicar una prueba de cámara a Coppola, sin ningún éxito. Pero Burt no fue el único candidato. Otros nombres sonaron para dicho papel como Edward G. Robinson, Orson Welles o Ernest Borgnine. Sin embargo ninguno lo consiguió pues Coppola tenía muy claro desde el principio que sólo había dos actores capaces de interpretar a Vito Corleone. Uno era Lawrence Olivier, pero estaba tan enfermo que rechazó el papel. El otro fue Marlon Brando.

Vito Corleone no es el único personaje que ha tenido más de una candidatura a ser interpretado. Ottro ejemplo es el de "Lawrence de Arabia". El productor Sam Spiegel anunció que sería Marlon Brando pero David Lean se negó en redondo. El propio Brando resolvió la disputa al aceptar el papel protagonista de "Motín a bordo". El siguiente en la lista fue Albert Finney. Realizó unas pruebas que están consideradas como increíblemente buenas, pero cuando se le ofreció el contrato lo rechazó en plan divo diciendo que esa superproducción podía destruir al actor que interpretase al protagonista. Así que medio a la desesperada se hizo una prueba a un actor teatral con fama de juerguista y mujeriego llamado Peter O'Toole. Éste se preparó a conciencia para la prueba pues comprendió que era una oportunidad única. Tuvo éxito y solo le pusieron una condición para darle el papel. Debía de operarse la nariz.

Pero probablemente el personaje con más "novias" fue el de Escarlata O'Hara para "Lo que el viento se llevó". David O. Selznick tuvo la genial idea publicitaria de hacer un casting a nivel nacional. En realidad él tenía muy claro que el papel de Escarlata debía de ser para una actriz profesional, pero cada vez que llegaba la caravana del casting a una ciudad estadounidense se creaba una gran expectación y evidentemente era noticia en todos los periódicos y radios locales. De todas formas, la busqueda de Escarlata fue larga. Entre las numerosas candidatas estuvieron Bette Davies, Lana Turner, Joan Fontaine, Susan Hayward, Katherine Hepburn, Carole Lombard, Joan Crawford. Entre las muchas candidatas Olivia de Havilland quedó finalista y se llevó el premio de consolación al interpretar a la virtuosa Melania. Pero el gato al agua se lo llevó Vivien Leigh.

En el otro extremo tenemos los papeles que son rechazados por las estrellas y estas luego quedan estrelladas. Es el caso de Andy Dufresne en la película "Cadena perpeuta". Es entendible que Tom Hanks lo rechazara porque en ese momento estaba metido de lleno con "Forrest Gump". Es menos entendible que lo rechazaran Tom Cruise y Charlie Sheen pues ambos eran los favoritos de la productora. Lo que ya es de risa es que Kevin Costner lo dejara pasar pues en ese momento iba a involucrase con la producción de "Waterworld". Probablemente ese fue el motivo de su calvicie pues creo que aun está tirándose de los pelos.

Con las féminas uno de los ejemplos más claros de oportunidad perdida es el de "Pretty Woman". La primera opción para el papel de Vivian fue para Molly Ringwald, seguida de Meg Ryan y de Michelle Pfeiffer, pero las tres lo rechazaron porque no se sentían cómodas interpretando a una prostituta. Daryl Hannah en cambio lo rechazó porque consideraba que el papel era degradante para las mujeres. Valeria Golino pensaba que su acento italiano no iba con el papel. Jennifer Jason Leigh inicialmente aceptó pero luego decidió retirarse. Finalmente Julia Roberts aceptó ese papel de cenicienta moderna que la llevaría a la fama.

Y es que uno no sabe donde puede saltar la liebre.

Crítica: El Caballero Oscuro

noreply@blogger.com (Delirium) — Sun, 26 Oct 2008 13:33:00 +0000

...o Batman nisesabe.

¿Creían acaso que se habrían librado de la sensación cinematográfica del verano (al menos en USA)? Pues no, haganse a la idea. Este es un blog de cine y si todos los blogs de cine han dedicado centenares de posts a la película de Christopher Nolan, nosotros no íbamos a ser menos. Lo que vamos a ser es un poco retrasados -se entiende- y vamos a hablar de la película cuando ya está absolutamente todo dicho sobre ella. Somos así. Nos gustan los retos.

En realidad, yo fui a ver la peli la primera semana del estreno. Pero como la presión de recomendar me abruma, escribo sobre ella cuando mi opinión ya no cuenta para casi nada.

Supongo que, por lo general, la película ya la habrán visto y no les voy a desvelar nada nuevo, y que ya habrán leído todo lo que se puede leer acerca de las opiniones que de la película El Caballero Oscuro han inundado la red. Que si Shakespeare, que si la mejor película de superhéroes, que si Oscar póstumo... en fin, todo un dechado de elogios. Excepto Mi Mesa Cojea. No se le tiene en cuenta porque al fin al cabo es un blog que pretende provocar. Y es cierto que tan aclamada recepción mosquea un poco.

¿Merece la película tantos elogios?. Yo creo que sí. De este modo los apresurados ya se pueden saltar el resto.

El Caballero Oscuro

Director: Christopher Nolan
Guión: Jonathan Nolan, Christopher Nolan, David S. Goyer
Actores: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman
Año: 2008

Sinopsis

Un tenebroso personaje, el Joker -Heath Ledger-, ha irrumpido en la dura lucha que mantiene la policía y fiscalía de Gotham contra el crimen organizado. Brutal y despiadado de cruel nihilismo, su objetivo es sólo uno: poner a Batman al borde de un ataque de nervios. Pero Batman -Christian Bale- ha subido el Everest en camiseta y no es de tipo histérico, el ataque de nervios lo sufre entonces el espectador. A través del puro terror, el Joker lleva a la ciudad a una situación límite, donde Batman, el inspector Gordon y el fiscal Harvey Dent (Aaron Eckhart) se replantearán sus funciones para detener al malvado payaso.

Opinión

No me gusta subir en montañas rusas. Ni en el barco pirata. Lo digo porque, sencillamente, no me parece una sensación agradable. Tampoco las películas de miedo, porque me dan miedo. (Soy un tío coherente con los géneros). Batman, el Caballero Oscuro me puso los pelos de punta y me encogió el estómago un par de veces. Pero también, por otro lado, hubo un par de momentos en los que estuve a punto de ponerme de pie y aplaudir en mitad de la sala.

El Caballero Oscuro es una película a la que le sobra Batman para ser un thriller de acción y suspense de gran calidad. La presencia del superhéroe tan sólo sirve para clasificar el film en una categoría donde destaca claramente sobre los productos de los últimos años. Género donde, por otro lado, abundan las hipérboles y los vacíos argumentales. Quizá por ello sorprenda tanto esta película.

No diré que la trama argumental de El Caballero Oscuro sea un prodigio, porque no lo es. La duda moral que se le plantea al superhéroe se resume en determinar hasta que punto puede impartir justicia alguien fuera de la ley. La duda del fiscal es en cambio inversa: cuándo la legalidad debe extralimitarse para cumplir sus objetivos. A todo esto se le suma una tímida tensión emocional por parte de la ex de Batman que ahora está liada con el famoso fiscal. Está muy bien, pero de ahí a ser una tragedia shakespeariana va un largo.

Lo que es la película es intensa, hasta decir basta. La culpa de todo ello es del Joker (que es quien realmente parece tener poderes en la película). Ejerciendo de siniestro titiritero coloca a cada personaje -y al espectador- en la incertidumbre y el miedo absoluto. Finalmente la ciudad entera termina bailando al son de las bombas. Por lo general el espectador pasa la película tratando de averiguar cuál será la siguiente jugada del Joker.

Un Joker magistral, que nos aterra y nos cautiva, interpretado a la perfección por Heath Ledger. Un Joker que extrañamente nos convence y nos introduce en su lógica (o ausencia de ella) perversa y que es capaz de provocarnos escalofríos con una única frase. ¿Por qué no sonríes?.

No se puede comparar esta película con las primeras, firmadas, por Tim Burton. No ya porque a éste el cómic creado por Bob Kane le importó bien poco y fabricó a su Batman. Es que sencillamente las primeras entregas palidecen en cuanto a realismo en comparación con El Caballero Oscuro. El maravilloso Joker de Jack Nicholson es un extravagante bufón a cuyo lado uno viviría a gusto con tal de no estar cerca del nuevo villano. Resulta impensable imaginar a un Batman sin modulador de voz. Parece una tontería, pero marca una clara diferencia. Es la pérdida de la inocencia en las películas de superhombres, la que nos hacía creer que Superman no sólo vuela, sino que además con gafas está irreconocible.

El caballero Oscuro es una película coral, y ese es otro logro. Batman cede el protagonismo a Aaron Eckhart y la película retrata el ascenso y caída de Harvey Drent, destinado a ser el sucesor del justiciero enmascarado si no fuera por la aparición del incontrolable Joker. Se habla mucho del Oscar póstumo a Ledger, pero lo cierto es que Aaron Eckhart también realiza un papelón.

En fin, no deseo que la crítica se extienda demasiado. Lo mejor es verla y, si es posible, adquirirla. En mi opinión, esta película debe suponer un estímulo para los jóvenes directores ahora que el cine de superhéroes ha tomado cierto impulso. Es posible crear historias donde los efectos especiales y poderes sobrehumanos se integren en la trama sin robarle el protagonismo. Donde la victoria de bueno, predecible en el cine, no cause toda la satisfacción que debería.

Incluso siendo derrotado el cruel payaso.

Lo mejor: que mi chica se lo pasó en grande, como yo mismo.
Lo peor: quizá una excesiva duración del film.

Si quieren un poco más de información les dejo con un par de blogs realmente interesantes que vienen a cuento de la película:
Iconografía del Joker, por el Predicador Malvado.
El dilema del prisionero, de Historias de la Ciencia.

Mundo Pasmado

noreply@blogger.com (el gato cuantico) — Sat, 18 Oct 2008 16:47:00 +0000

De vez en cuando escuchamos noticias que nos dejan pasmados.

En el festival de Sitges de este año, se ha presentado la película Blindness, la adaptación realizada por el brasileño Fernando Meirelles de la novela de Jose Saramago "Ensayo sobre la Ceguera".

Me encantaría poder comentar mi asombro por el valor de Meirelles de llevar "Ensayo sobre la Ceguera" a la gran pantalla (novela de complicada adaptación por... no voy a contar demasiados detalles, mejor leeerse el libro). También podría hablar de lo pasmado que me quedé cuando me enteré que estaba protagonizada por Julianne Moore (yo la verdad, le ponía una cara más portuguesa mientras leía la novela)...

...pero mucho me temo que el motivo de mi desconcierto es otro un poco más mundano. Parece ser que la película viene cargada de polémica, ya que la asociación americana de ciegos ("National Federation of the Blinds") ha decidido boicotearla por el trato vejatorio a las personas invidentes.

A falta de ver la película, y usando como referencia las novelas, no creo que haya que ser tan duro: "El ensayo sobre la Ceguera" no habla de los ciegos, sino de la ceguera (y no una ceguera al uso) como excusa para hacer una reflexión sobre la sociedad misma. Os animo que leáis (y vayáis a ver la película) para que forjéis vuestra propia opinión.

Si nos pusiéramos tan melindrosos, cuántas cosas nos habríamos perdido, me imagino protestas por:

101 Dálmatas por la Asociación de Peleteros
Último Tango en París por la Cofradía de fabricantes de mantequilla
Casablanca por la Federación de fabricantes de agua con gas

¿Se os ocurre alguna más?

Por fin es viernes. Estrenos 10 de octubre

noreply@blogger.com (Jess) — Thu, 09 Oct 2008 22:01:00 +0000

Título: Happy. Un cuento sobre la felicidad
Título Original: Happy-go-lucky
Género: Drama
Nacionalidad: Reino Unido
Director: Mike Leigh
Guión: Mike Leigh
Reparto: Sally Hawkins, Alexis Zegerman, Andrea Riseborough, Sinead Matthews, Kate O’Flynn, Sarah Niles, Eddie Marsan, Sylvestra Le Touzel, Karina Fernandez, Stanley Townsend, Samuel Roukin, Caroline Martin, Oliver Maltman, Nonso Anozie
Sinopsis: Poppy (Sally Hawkins) es profesora de primaria en una escuela en Londres. Es una mujer alegre, divertida, optimista, un espíritu libre que se toma la vida tal como viene. Un día, al salir de una librería descubre que le han robado la bici, pero en lugar de enfadarse reacciona con buen humor y de manera relajada. Decide así no comprarse otra bici y aprovechar para sacarse el carné de conducir. Su instructor se llama Scott y es un neurótico de unos treinta años que no encaja muy bien con el carácter abierto y hablador de Poppy. Más bien contrasta radicalmente con la naturaleza amable de su alumna. Poppy ignorará los comentarios desagradables de Scott e intentará tomarse su desacertada actitud con humor. A medida que se conozcan, Poppy acabará enseñando al instructor más de lo que él puede enseñarle a ella...
Trailer

Título: La Conspiración Del Pánico
Título Original: Eagle Eye
Género: Thriller
Nacionalidad: USA
Director: D.J. Caruso
Guión: Dan McDermott, John Glenn, Travis Adam Wright, Hillary Seitz
Reparto: Shia LaBeouf, Michellle Monaghan, Rosario Dawson, Billy Bob Thornton, Michael Chiklis, Anthony Azizi, Anthony Mackie, Lynn Cohen
Sinopsis: Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michellle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos. A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué. Luchando por sus vidas, se convierten en marionetas de un enemigo sin rostro que al parecer cuenta con ilimitados poderes para manipular todo lo que hacen.
Trailer

Título: Quemar Después De Leer
Título Original: Burn After Reading
Género: Comedia, Thriller
Nacionalidad: USA
Director: Joel Coen, Ethan Coen
Guión: Joel Coen, Ethan Coen
Reparto: George Clooney, Frances McDormand, Brad Pitt, John Malkovich, Tilda Swinton, Richard Jenkins, Elizabeth Marvel, Jk Simmons
Sinopsis: Inspirada en la novela "Burn before reading: Presidents, CIA directors, and secret intelligence", escrita por el Almirante Stansfield Turner (director de la CIA desde 1977 a 1981). El analista Osborne Cox (John Malkovich) llega al cuartel general de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) en Arlington, Virginia, para una reunión ultrasecreta. Por desgracia para él, el secreto no tarda en salir a la luz: le han despedido. Cox no encaja muy bien la noticia y regresa a su casa en Georgetown, Washington DC, para entregarse a la redacción de sus memorias y a la bebida – el orden no altera el producto. Su esposa Katie (Tilda Swinton) está consternada, aunque no parece muy sorprendida. Ya hace tiempo que tiene una aventura con Harry Pfarrer (George Clooney), un agente federal casado, y empieza a hacer planes para dejar a Cox por Harry. En un barrio a las afueras de la capital, en un mundo totalmente diferente, Linda Litzke (Frances McDormand), empleada de Hardbodies Fitness Centers (Gimnasios Cuerpos Duros), tiene dificultad para concentrarse en su trabajo. Sólo piensa en hacerse la cirugía plástica total y decide confiar su plan a su compañero Chad (Brad Pitt). Linda no se da cuenta de que Ted Treffon (Richard Jenkins), el director del centro, está loco por ella y se cita con otros hombres a través de Internet. Cuando un disco de las memorias del analista de la CIA llega accidentalmente a manos de Linda y Chad, los dos deciden sacar provecho de esta casualidad. Pero Ted se preocupa con razón: “No puede salir nada bueno de esto”. Los acontecimientos se precipitan en una serie de oscuros e hilarantes encuentros fortuitos.
Trailer

Título: Santos
Título Original: Santos
Género: Comedia Ciencia Ficción
Nacionalidad: España, Chile
Director: Nicolás López
Guión: Nicolás López
Reparto: Javier Gutiérrez, Elsa Pataky, Leonardo Sbaraglia, Guillermo Toledo, Pablo Pinedo
Sinopsis: Salvador Santos -obeso, casi calvo y con 33 años- (Javier Gutiérrez) no parece la persona adecuada para vestirse de héroe. Pero no tiene otra opción, especialmente desde que un extraño viajero interdimensional (Guillermo Toledo) le advierte de que su mejor amigo, el multimillonario y guapo Arturo Antares (Leonardo Sbaraglia), es en realidad Nova, un tirano de otra dimensión que se ha ocultado durante años en el cuerpo de Arturo. Nova podría hacer que nuestros dos universos imploten, y Salvador tendrá que detenerlo... aunque no lo quiera. Después de resistirse mucho, Salvador aceptará ser entrenado y descubrirá que años dibujando y leyendo comics no han sido en vano. Especialmente si siendo un héroe podrá rescatar a Laura Luna (Elsa Pataky), el amor de su vida, de las manos de Nova.
Trailer

Título: Sexykiller
Título Original: Sexykiller
Género: Comedia, Terror
Nacionalidad: España
Director: Miguel Martí
Guión: Paco Cabezas
Reparto: Macarena Gómez, Cesar Camino, Alejo Sauras, Angel De Andrés, Nadia Casado, Andreu Castro, Carolina Bona, Fernando Ramallo, Juan Díaz, Ramón Langa, Lucciano Federico, María Lanau
Sinopsis: El Campus de una exclusiva facultad de Medicina comienza a sembrarse de cadáveres. La policía no tiene ninguna pista de quién es el responsable de la carnicería. Nadie sospecha de Bárbara (Macarena Gómez), una joven de aspecto inocente cuya única preocupación parece ser la moda. Sin embargo, bajo esa fachada de frivolidad, se oculta la más letal e implacable de las asesinas. “SexyKiller” nos descubre un nuevo y escalofriante sentido del término "Fashion Victim". La asesina de “SexyKiller” es el cruce perfecto entre Paris Hilton y Hannibal Lecter: Tiene el carácter de un psicópata caníbal y un fondo de armario repleto de diseños exclusivos que sólo luce una vez … Porque siempre acaban perdidos de la sangre de sus víctimas.
Trailer

Título: Tres Mujeres Y Un Plan
Título Original: Mad Money
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Director: Callie Khouri
Guión: Glenn Gers, Callie Khouri
Reparto: Diane Keaton, Queen Latifah, Katie Holmes, Ted Danson, Adam Rothenberg, Stephen Root, Roger Cross, Christopher McDonald, Finesse Mitchell
Sinopsis: Bridget Cardigan (Diane Keaton) es un ama de casa de clase media que aparentemente vive el sueño americano, con una casa en una urbanización, con jardín y criada. Un año y medio después de que su marido, Don Cardigan (Ted Danson), haya perdido su trabajo de director en una gran empresa –y su mujer todavía no lo sabe–, el matrimonio está a punto de perderlo todo, incluida la casa. Cuando Bridget lo descubre, se busca un trabajo en el Banco de la Reserva Federal de conserje, el único puesto para el que está cualificada. Allí conoce a Nina Brewster (Queen Latifah), una madre soltera y trabajadora que vive en los suburbios con sus dos niños. Nina se pasa el día alimentando una trituradora con millones y millones de dinero viejo y deteriorado. A pesar de ser una empleada trabajadora y de confianza que lleva muchos años en el puesto, como les sucede a muchos empleados, Nina vive al día. No le llega para ahorrar ni un céntimo. En cuanto Bridget convence a Nina de que se plantee participar en el plan para apropiarse de algo de dinero de la Reserva Federal, ambas buscan una tercera cómplice, una de las empleadas que transporta las carretas de billetes. Finalmente, eligen a Jackie Truman (Katie Holmes), una muchacha joven, de espíritu libre que no necesita más argumentos para unirse a la trama. Las tres forman un equipo indivisible al darse cuenta de que cada una posee un elemento clave para conseguir todo el dinero que siempre habían soñado o necesitado… pero sólo si trabajan juntas.
Trailer

Título: Una Conejita En El Campus
Título Original: The House Bunny
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Director: Fred Wolf
Guión: Karen McCullah Lutz, Kirsten Smith
Reparto: Anna Faris, Colin Hanks, Emma Stone, Kat Dennings, Katharine McPhee, Rumer Willis, Tyson Ritter, Christopher McDonald
Sinopsis: Shelley Darlington (Anna Faris), ‘conejita’ Playboy, lleva una vida sin preocupaciones hasta que es expulsada de la Mansión Playboy. Sin ningún sitio donde ir, el destino la introduce en las vidas de un grupo de chicas universitarias poco integradas socialmente, que perderán su residencia universitaria si no logran atraer a nuevos miembros. Para que consigan su objetivo, Shelley tiene que usar todos sus trucos y darles un curso intensivo sobre maquillaje y sobre hombres. Al mismo tiempo, Shelley aprende duramente que ella necesita algo que las chicas tienen: espíritu de individualidad. Cuando la belleza se une a la inteligencia todas aprenden a dejar de fingir y empiezan a ser ellas mismas.
Trailer

Estreno recomendado de la semana: "Quemar después de leer" ("Burn After Reading")

Y para que podáis consultar los horarios y los cines de vuestra ciudad:
La Netro

La Guía del Ocio

Homenaje a Paul Newman (I)

noreply@blogger.com (Jess) — Thu, 02 Oct 2008 18:49:00 +0000

Como todos sabéis, Paul Newman falleció el pasado 26 de septiembre a causa de un cáncer de pulmón. Su muerte ha sido una gran pérdida para todos los amantes del cine. "Curioso pero de cine" ha elaborado su propio homenaje a este gran actor. Desde hoy y en tres entregas, podréis leer en este blog un reportaje biográfico centrado en la carrera del actor de Ohio.

* * *

Paul Newman había entrado en el edificio. Toda la actividad paró. Todos los ojos apuntaban a la estrella, secundada por sus compañeros de reparto. La frenética actividad del edificio de la Bolsa de Chicago se redujo a una quietud absoluta. Nadie contrataba, nadie contestaba los teléfonos. El tiempo parecía detenerse a su paso. Paul Newman, el actor mejor pagado del momento, había puesto sus pies en el parqué. Era abril de 1973; Newman, Robert Redford, Robert Shaw y el director George Roy Hill habían sido invitados por un broker a visitar la Bolsa de Chicago durante el rodaje de El Golpe. Sin embargo, la leyenda de Newman había comenzado mucho tiempo antes.

Los primeros pasos
Paul Leonard Newman nació el 26 de enero de 1925 en Shaker Heights, Cleveland, Ohio. Los ojos azules más famosos del cine echaron su primer vistazo en el frío invierno de Cleveland, en el seno de una familia acomodada. A Paul, nunca le faltó de nada, aunque su padre le educó para que conociera el valor de las cosas. Durante su niñez, no mostró ninguna inclinación importante por la interpretación, salvo dos pequeñas obras teatrales cuando aún iba al colegio de primaria. Durante su adolescencia, tuvo diferentes trabajos, mientras nacían en él los primeros brotes de rebeldía: vendió sandwiches en el Palacio de la Carne y, poco después, incluso se puso a vender enciclopedias de casa en casa. Ganó, con estos trabajos insustanciales, 500 dólares que invirtió en montar una obra teatral (por entretenimiento, casi sin vocación) en la que gastó 495, los otros cinco dólares le valieron para tomar su primera copa.

En 1941, cuando los japoneses atacaron Pearl Harbour, Newman, como muchos jóvenes de la época, abandonó temporalmente sus estudios de Económicas y Dirección de Empresas y se alistó a la Marina. Como voluntario para piloto, fue enviado a Yale para recibir un curso especializado. Ese era el lugar que Paul necesitaba. Newman encontró en Yale un aire nuevo, un universo mucho más amplio que nada de lo que había conocido. Pero le duró poco. A los cuatro meses, una revisión rutinaria reveló un defecto en sus ojos (¡en sus ojos!): era daltónico. Este asunto le apartó del sueño aéreo y fue destinado al Pacífico como operador de radio. La guerra pasó, para Newman, tan rápido como había llegado. Tras el conflicto, en 1946, y con una beca militar del gobierno, se dispuso a reanudar sus estudios, pero, esta vez, en el Kenyon College.

Apuntando maneras
Por suerte para el cine, la guerra le había hecho madurar y aclarar sus ideas. Tenía claro que el teatro era el camino. La Universidad estaba organizando una obra de teatro llamada Primera Plana y Paul echó el resto. Se presentó a la prueba para el papel principal y lo consiguió; papel que Newman recuerda muy bien: “Tuvimos una gran acogida. Me incliné varias veces y, por primera vez, tuve conciencia de estar actuando”. Paul se volcó en la actuación y apareció en varias producciones de la Universidad, y, pese a que la actuación sólo había sido, en principio, una escapada, Newman encontró su camino sobre las tablas.
-
Ya con el título en sus manos (papel que poco le importaba), en 1949 se dirigió a Williams Bay, Wisconsin, con un contrato para una gira teatral de verano. Tras la gira, Newman se unió a otra compañía teatral, The Woodstock Players, donde intervino en obras como Cyrano de Bergerac, Suspect, El Zoo de Cristal (que, 40 años después, él mismo llevaría al cine) y John y Mary, donde, dándole la réplica como actriz principal, conoció a una rubia de ojos castaños llamada Jackie White. Fue un flechazo. Tras un romance relámpago, en la primavera de 1950, la pareja se escapó para casarse y, al final del verano, volvieron a unirse a la compañía. Newman actuó en 16 obras después de su boda y, tras esto, decidió tomarse un descanso del teatro para trabajar en una granja cercana a Woodstock, mientras Jackie esperaba el nacimiento de su primogénito, el malogrado Scott.
-
Ese mismo año, el padre de Paul cayó gravemente enfermo. Newman regresó a Shaker Heights y cogió las riendas del negocio familiar, olvidando por un tiempo la actuación. Los negocios se le daban bien y la tienda prosperaba. Unos meses más tarde, Arthur murió. Paul resolvió vender el negocio y, mientras se completaba la transacción, trabajó en diversos lugares, entre ellos, recogiendo pelotas de golf en un club, para limpiarlas y devolverlas a un saco. La clase de rutina que le sacaba de sus casillas.
-
En 1951, Newman decidió cambiar de vida y, con Jackie y el pequeño Scott al lado, dejó Shaker Heights para siempre. Con sus modestos ahorros, volvió a Yale y se matriculó en la Escuela de Arte Dramático. Allí, participó en varias obras (nada importante); pero su talento era evidente para los demás. Presentes en una de las obras (una función sobre la vida de Beethoven), estaban los agentes teatrales Liebling y Wood, que elogiaron, olvidándose de los demás, el trabajo de Newman como sobrino del músico. Quizá con este encuentro empezó todo. Paul sabía que estaba en el camino correcto y, aunque eso suponía dejar sus estudios, se fijó el objetivo que cambió su vida: Broadway.

Comienza la leyenda
Paul y Jackie se lanzaron a la aventura de la Gran Manzana y se dieron un año de plazo para averiguar si él tenía algo que hacer en el feroz mundo de Broadway. Paul se marchaba cada mañana a New York con su mejor traje (el único decente que tenía) para lograr encontrar un trabajo. Newman era un hombre afortunado. Con asombro para el propio Paul, encontró su primer trabajo en la televisión: una breve aparición en el telefilme The March of Time, donde interpretaba a un anciano y por lo que cobró 65 dólares (quién le iba a decir a él entonces que llegaría a ser el actor mejor pagado del año repetidas veces). Tras pequeños papeles en otras producciones de televisión como Tales of tomorrow o Suspense, no tardó mucho en llegar su primer papel fijo en una serie, The Aldrich Family. Poco a poco se estableció en la televisión trabajando regularmente y su rostro se tornó familiar para el público. Para entonces, Jackie ya había alumbrado a la segunda hija de la pareja, Susan, y casi a la par, Newman logró un papel en el musical Our Town.

De mano de unos viejos conocidos (Liebling y Wood) que le pusieron en contacto con el dramaturgo William Inge, Newman accedió a un casting y logró un papel en Picnic, la obra de teatro que marcaría el inicio de la leyenda. Su papel no era el protagonista, sino el de un universitario inexperto que pierde la novia (y su orgullo) ante un compañero de clase más baja; pero las críticas fueron inmejorables. El New York Daily News declaraba: “El niño rico ha sido muy bien interpretado por Paul Newman”; el New York Post afirmó: “El joven Paul Newman ha hecho un estupendo trabajo”; y R. Coleman, del New York Daily Mirror, sucumbió a Newman con un simple y rotundo “excelente”.

Picnic se representó en el teatro durante catorce meses y, con la seguridad económica que eso le daba, podía plantearse la idea de entrar en el Actors Studio, el sueño de cualquier actor. La suerte le acompañaría también aquí. La admisión dependía de dos pruebas: una frente al público y la otra frente a críticos tan notables como Elia Kazan. Una chica que también realizaba las pruebas para entrar en la prestigiosa academia necesitaba un chico para un papel de apoyo, y se lo pidió a Newman. Paul aceptó y la ayudó a que funcionase. El mundo giró inesperadamente y pocos días después de la prueba de la actriz, Paul recibió la noticia de su ingreso en el Actors. Técnicamente, él no había realizado la prueba, pero su papel de apoyo le había asegurado la plaza en la academia del Método. Talento en estado puro.

En el Actors, Newman aprendería todo lo que se puede aprender y entablaría amistad con estudiantes como Geraldine Page, Eli Wallack o Rod Steiger. Pero la amistad más importante de su vida la estableció con Joanne Woodward, una hermosa y talentosa actriz. La conoció poco antes de pisar las tablas de Picnic, y ninguno se llevó una buena impresión del otro. Sin embargo, el destino les volvió a juntar en esa obra de teatro (ella sustituía a dos de las actrices) y ambos recordaron su primer encuentro, se conocieron mucho mejor y floreció entre ellos una gran amistad personal y profesional.

Mientras tanto, Newman empezó a llamar la atención de las figuras de Hollywood, siempre en busca de caras nuevas. Newman era ya bastante conocido en New York y Hollywood parecía el siguiente paso. Pero Paul era reticente a la meca del cine. Muchos de sus compañeros del Actor’s hablaban de Hollywood con desdén, aunque en el fondo envidiaban a los elegidos. Era el momento. Newman tenía entonces 30 años, toda una carrera por delante y un contrato con la Warner Brothers para 7 años. Poco después de clausurarse Picnic, Paul decidió marcharse a California. Jackie y los niños se quedaron en Long Island, y Paul, no sin recelo, se marchó hacia el estrellato.

Un actor en la meca del cine
Los temores de Paul con respecto a Hollywood se confirmaron en cuanto puso los pies en el estudio de la Warner. A los ejecutivos les preocupaba más el color de su pelo y el dinero que podía recaudar, que su nivel de actuación. El talento de los actores y que se adecuaran a los papeles que se les daba era secundario; Hollywood estaba en el negocio del lucro. Newman no se encontraba a gusto, él se sentía actor más que estrella. Además, todos allí se regían por el “star system”, y el alcoholismo, la drogadicción y la pérdida de dignidad estaban a la orden del día. Por supuesto, había actores que se rebelaban contra eso: Humphrey Bogard, Kirk Douglas, Jack Lemmon, John Houston… Newman no se iba a dejar seducir por Hollywood y se unió a estos rebeldes, iba a ser un nuevo indomable.
-
Por si esto fuera poco, lo primero que la Warner le tenía preparado podía haber acabado con su carrera antes de empezar: El cáliz de plata (The Silver Chalice, 1955), donde Newman interpretaba el papel secundario de un esclavo griego llamado Basil. Fue, sin duda, una de las peores películas de los 50 y uno de los mayores fracasos de la Warner. Años después, cuando la televisión emitió este filme, Newman publicó un anuncio en la prensa pidiendo perdón a los espectadores por la horrible película.
-
Paul consiguió este papel tras un casting con el malogrado James Dean. James se quedó con Al este del edén y Newman se quedó con el cáliz. Paul se arrepentía cada día más de haberse ido a Hollywood. Las cosas no funcionaban en la pantalla grande, pero, por suerte, el teatro le rescató. Durante la última semana de rodaje, Paul consiguió el papel protagonista en la obra Horas desesperadas, y su trabajo logró apartar la pesadilla griega; las críticas a su interpretación fueron inmejorables.
-
El Cáliz de Plata fue un fracaso rotundo para la taquilla y para la crítica (tuvieron que emborrachar a Paul para que fuera a verla al cine), y, mientras la Warner se pensaba qué hacer con su nuevo fichaje, Newman continuó con el teatro y yendo al Actors dos veces por semana. En los años 50, las películas para televisión era de gran calidad, y Newman encontró en ellas un buen lugar para demostrar su talento, por lo que grabó varios filmes para la pequeña pantalla.
-
Ese mismo año la Warner cedió a Newman a la Metro-Goldwyn-Mayer y éstos le reclamaron para un nuevo proyecto llamado Traidor a su patria (The Rack, 1956), donde Newman interpretaría a un oficial americano acusado de colaborar con los comunistas en Corea. Esta jugada salió bien. La película tuvo un aceptable éxito de crítica y público y Paul se reconcilió con el cine.
-
Un desgraciado accidente ocurrido el 30 de septiembre de 1955 cambió las perspectivas laborales de Newman. James Dean, el actor de moda de Holywood, murió al volante de su Porche Spyder, dejando un gran hueco en la meca del cine. Paul y James iban a trabajar juntos en un telefilme llamado The Battler, en el que Paul secundaba al boxeador que interpretaría Dean. La muerte del “rebelde sin causa” fue un duro golpe para Paul, habían sido grandes amigos desde que llegó a Hollywood, y su primera impresión era que The Battler no podía continuar sin James. Sin embargo, los productores le ofrecieron el papel de Dean en el filme, y Newman, tras ciertas dudas, lo aceptó como homenaje a su difunto amigo. Todo su mundo estaba apunto de cambiar.

DESCANSE EN PAZ

noreply@blogger.com (mmmmm) — Sat, 27 Sep 2008 23:31:00 +0000

PERMANECERÁS

SIEMPRE VIVO

EN NUESTROS CORAZONES

Parecidos Razonables

noreply@blogger.com (el gato cuantico) — Sat, 27 Sep 2008 17:34:00 +0000

El tedio, a veces, es fuente de curiosos pensamientos... y más cuando la fuente del tedio es la Teletienda. Gracias a la TDT disfrutamos de incontables horas más de Teletienda, y entre tanto anuncio, siempre podemos rescatar algo curioso pero de cine

Les presento al Chef Tony, maestro vendedor de cuchillos que lo cortan todo como la mantequilla (...y la mantequilla, ¿cómo la cortarán?), y otras muchas otras soluciones para el hogar, que cambiarán drásticamente tu vida, como una tapa multi-usos, cortadores de patata... etc...etc

Y que conste que os traemos lo mejor de la Teletienda, porque este simpático "cocinero" ha sido un maestro en el oficio, introduciendo en el sector las demostraciones hiperactivas, donde se mezclan hielo con tomates...

Pero basta de presentaciones, con ustedes: El Chef Tony

El caso es que el look me resulta familiar...

Chef Louis, La Sirenita

Si el Chef Louis hubiera usado los cuchillos de su clon Tony, les aseguro que Sebastian no llegaba al final de la película, para desgracia de algunos, y goce de otros

La expectación, las buenas peliculas y la falta de perspectiva en las criticas de cine

noreply@blogger.com (Mr_Guybrush) — Sat, 20 Sep 2008 13:12:00 +0000

De tanto en tanto conozco a alguien que me cuenta algo así como: "pues sí, últimamente me he puesto a ver cine, y tengo una lista de las películas que debería ver para ser un buen cinéfilo/cinéfila" bueno, el discurso no es exactamente así, pero creo que se coge la idea.

Aparte de que el hecho de que tener que haber visto ciertas películas para poder decir que te gusta el cine sea o no una tontería, la cuestión es que siempre que te incorporas o te empiezas a interesar por una afición tienes que empezar por algún sitio. Lo normal con el cine es preguntar a los amigos, o echarle un vistazo a lo que dice la crítica (o cada vez mas comúnmente ver que puntuación tiene en filmaffinity o imdb). Pero llega la hora de ver la supuesta obra maestra y resulta que te parece un muermo. Pero claro, ahora a ver con que cara le dices a tus amigos que ha sido una porquería de peli cuando todos la han puesto por las nubes. La cuestión es que te has creado una idea de como debería ser la película, y si es diferente a tu idea preconcebida en cuanto a trama o calidad, ya no te parece que haya valido la pena.

Pero, ¿que hace buena a una película?
Podría decirse que los actores, la historia, la dirección, los efectos especiales (si, a veces los efectos hacen buena a una peli malilla) o una mezcla de todo lo anterior. Para mi lo que hace buena a una película es el la empatía que consiga que sienta yo con su universo particular. De como se consigue eso no tengo ni idea, pero sí tengo alguna teoría.
Por ejemplo, creo que cuanto mas cariño se ponga en una producción, mas cariño se recibirá del publico que la disfrute. Pero aquí también hay un handicap, y es que para conseguir esta relación con el espectador, para que no se distraiga de lo que le quieres transmitir, hay una serie de "trucos" que suelen venir muy bien a los guionistas; seguro que todos hemos visto un mismo gag repetido en cientos de películas diferentes, y he ahí donde reside el problema: cuanto mas te expones a algo mas te acostumbras y menos efecto tiene.
Quiero decir que cuando has visto un numero considerable de películas casi todo te parece previsible, los gags no tienen gracia y acabas valorando la película por la calidad de los actores o por lo bien que el director mantuvo el pulso con ese plano de cámara en mano. Eso es falta de perspectiva, y nos trae a donde estamos ahora, a un mundo donde critica y taquilla pocas veces coinciden. Lo cual, por cierto, tampoco es necesariamente malo, aunque da una referencia equivocada al joven incauto que se fía demasiado de dichas críticas.

¿Qué se puede sacar de todo esto, aparte de cierto dolor de cabeza?, pues un par de cosillas.
La primera es que siempre hay que ir a ver una película sabiendo lo menos posible y pensando que no va a ser muy buena, de esta forma se puede valorar cada película como lo que es: un pasatiempo sin pretensiones, una obra experimental, una gran super producción o una película de culto. Estas son unas categorías como otras cualquiera, que me sirven para decir que un pasatiempo sin pretensiones, por ejemplo, puede ser tan bueno como una película e culto, pero nunca serán comparables entre si, y una no debería hacer desmerecer a la otra.

Lo segundo que hay que recordar es que toda visión es subjetiva, y si no expresas la tuya las de los demás te dominarán, y eso es algo que nunca se debe permitir, no puedes ir por la vida pensando que tal película es buena si cuando la viste te pareció horrorosa. Aunque por supuesto que debemos ser permeables a las opiniones ajenas, es importante forjar un criterio lo mas independiente posible.

Y con todo esto pues ya aprovecho para decir: Ciudadano Kane es una autentico tostón infumable (ya está, lo he dicho :D) y quizás en otra ocasión haga el sacrificio de volverla a ver para detallar aquí por que me gusta tan poco, todo sea por este blog.

Kevin Smith

noreply@blogger.com (mmmmm) — Wed, 10 Sep 2008 04:05:00 +0000

¿QUÉ TIENEN EN COMÚN TODAS ESTAS CARAS?

-Pasa el cursor por encima de la foto y verás el nombre
-Haz click en la foto y podrás leer su filmografía

ESTA OTRA:

Efectivamente, este tío es la brillante mente que ha unido tantas caras famosas (vale, unas más que otras), y ha conseguido que numerosos espectadores conozcamos las caras de sus amigos de la infancia.

Nacido en New Jersey (¡qué novedad!), profesa una admiración por su ciudad como la de Woody Allen por su Manhattan (sólo hay que ver sus películas). Mientras trabajaba como dependiente en una tienda de comestibles (que además todos conocéis porque es la de Clerks), decide enfocar su futuro al cine, matriculándose en la Vancouver Film School. Comienza a escribir Clerks. Conoce a Scott Mosier. Conoce a David Klein. Los tres deciden que hay que rodar Clerks, pero ¿cómo? no hay dinero... Pues nada, Kevin vuelve a la tienda de comestibles, vende su preciada colección de cómics y busca dinero donde no lo hay. Y ruedan Clerks. En 21 días. En 16 mm. En blanco y negro. 27.000 dólares.

Mosier produce, monta y mezcla. Klein se ocupa de la fotografía y Kevin se ocupa del guión, de la dirección, de la producción y del montaje. Y de paso, todos actúan interpretando a 8 personajes distintos, a lo más puro Monty Python. Fue un éxito en el Festival de Sundance. Miramax se interesó y preguntó: "Kevin, ¿qué vas a hacer ahora?" Y Kevin pensó que si decía que ésta era la primera película de una trilogía, lo más probable es que le dejaran grabar otras dos. La productora se lo creyó.. y así nació La Trilogía de New Jersey.

Recuperadas su anterior posición económica y su colección de cómics, Kevin comienza en 1995 (pasado un año el estreno de Clerks) la segunda película de su improvisada trilogía. Decantándose por el lado cómico de sus guiones, con un presupuesto de ocho millones de dólares y con su antiguo equipo (Scott y David), Kevin rueda Mallrats, que es un fracaso en taquilla, (cosa que personalmente no me explico porque a mí me encantó). Pero por lo menos Smith se dio el gustazo de hacer un homenaje a una de sus mayores aficiones: los cómics. Aún así, esta película fue una gran oportunidad para conocer a un gran elenco de actores y acercarse más a las grandes compañías.

Y de ahí a la última parte de la trilogía: Persiguiendo a Amy. Para compensar el lado cómico de Mallrats, e imagino que a causa del poco éxito de ésta, Kevin decide explotar la perspectiva dramática de sus historias, intentando enlazar las tres películas no tanto en la parte argumental sino en las conexiones familiares de los personajes, y en pequeños guiños que pueden pasar perfectamente inadvertidos.

Las tres partes tienen algo en común, que es lo que caracteriza a las películas de Kevin Smith: diálogos ocurrentes, ingeniosos, divertidos y políticamente incorrectos. Bueno, y a Jay y Bob el Silencioso, claro.

Para cuando terminó con la trilogía, su nombre ya tenía prestigio y su cine era reconocido. Había forjado amistad con Ben Affleck durante las dos películas en las que habían trabajado juntos, y éste decidió incluir en el fregado a Matt Damon, en su nueva película: Dogma. Aunque Damon no es la única cara conocida. En esta cuarta parte de la 'trilogía', valga la incoherencia (os recuerdo que en principio sólo era una excusa), participan nombre tan conocidos como Alan Rickman (Harry Potter, El Perfume), Salma Hayek (Abierto Hasta el Amanecer, Frida, Traffic), Linda Fiorentino (MIB, Jo qué noche), Chris Rock (Arma Letal 4, El clan de los Rompehuesos) , que ya había participado en Chasing Amy, interpretando a un negro gay que se hace pasar por hetero hiper racista.

Dogma fue vista por un público masivo que desconocía la existencia de las películas anteriores. Por eso, mucha gente se mantuvo al margen de los chistes recurrentes de los ya viejos amigos Jay y Bob, que protagonizaron, por fin, la que iba a ser su última película (aunque luego no fue así, paciencia, que también lo contaremos): Jay y Bob el Silencioso contraatacan.

Jay and Silent Bob strike back es un título referido claramente a la Guerra de las Galaxias: Imperio contraataca. Si uno no cae en la cuenta con el título, lo hace al ver el logo.

Es más, en el reparto Smith cuenta con Mark Hamill (Luke Skywalker), haciendo de supervillano, y con Carrie Fisher (Princesa Leia), interpretando a una monja de paciencia limitada. El director aprovecha también esta entrega para cerrar las relaciones entre los personajes de las películas anteriores: De Clerks aparece de nuevo Randal, el encargado del videoclub, Dante, el protagonista dependiente del Quick Stop, de Mallrats aparece Tricia Jones, la quinceañera que escribía el bestseller pornográfico. De Persiguiendo a Amy, hacen cameo Holden (Ben Affleck), el protagonista que se enamora de una lesbiana; también Banky (Jason Lee), y Alyssa Jones, la lesbiana.

Algunos tienen más de un papel: Ben Affleck hace de sí mismo, Matt Damon también, de sí mismo y de Will Hunting, Shannen Doherty hace de sí misma, aunque aparece también como René de la película Mallrats. También hacen de ellos mismos Wes Craven, Jason Biggs, James Van Der Beek, y otros muchos.

Y cuando parecía que por fin esta serie había terminado, Smith prometió que si su amigo Jason Mewes (Jay) dejaba las drogas, haría una segunda parte de Clerks. Afortunadamente para Jason y para los fans, las dejó, y Smith cumplió su palabra. En septiembre de 2006 se estrenó Clerks II, con un reparto que incluía los viejos amigos del director, es decir, los actores originales de Clerks, y con alguna otra sorpresa, como la esposa de Kevin Smith y madre de sus hijos, Jennifer Schwalbach, como Ethan Suplee (Mallrats, el que buscaba el barco de vela en 3D), Ben Affleck, que ya no puede faltar a ninguna película de Smith, y Jason Lee, otro clásico de estas películas.

Kevin Smith dirigió Jersey Girl, que protagonizó, ¡cómo no!, Ben Affleck, y en la que participaron, además de las anteriores, nuevas caras como Will Smith, la preciosa Liv Tyler, y la sensual Jennifer Lopez. Este director, actor, guionista de cómics y productor es para muchos frikis como yo, la mejor demostración de que con perseverancia, un poquito de suerte, y una dosis abundante de talento se pueden conseguir los más altos sueñor (por lo menos los Hollywoodienses).

Trailer de Harry Potter 6

noreply@blogger.com (Curioso Pero de Cine) — Sat, 06 Sep 2008 09:53:00 +0000

Para los fans del niño mago, os dejamos a mano el teaser trailer de la película que se iba a estrenar en noviembre, pero que según la Warner, por razones comerciales se ha pospuesto a julio del 2009. Tiene buena pinta, luego ya sabemos que se trata de gustos. Disfrutadlo.

Crítica: Hellboy II

noreply@blogger.com (Delirium) — Fri, 05 Sep 2008 07:08:00 +0000

¡Ya he visto Hellboy!. El entusiasmo viene a cuento de que, como alguna vez he reconocido, me encantan las pelis de superhéroes. Y si son superhéroes que fuman puracos y beben cerveza a granel, aún más. Por eso tenía muchas ganas de ver ésta película. Sin embargo, como la economía tampoco es que vaya demasiado bien, tenía que elegir entre ir a ver al cine la película del demonio rojo... e ir a ver la estupenda - maravillosa - requeteguay - obra-que-te-cagas película del Caballero Oscuro. Opté por ver la primera en mi ordenador y, si acaso fuera muy buena, volver a verla en el cine. Pero no fue el caso.

Creo que cuando a Guillermo del Toro le criticaron el exceso de efectos especiales y poca chicha de Blade respondió algo así como: es una película de un medio-vampiro que mata vampiros. ¿Qué esperaban, a Blade leyendo Shakespeare?. Y tenía razón. Una película no precisa ser intelectualmente compleja. En muchos casos basta que sea entretenida e interesante. A mi Hellboy (la primera) me lo pareció. Pero veamos que tal me fue con la segunda película.

Hellboy II - The Golden Army

Director: Guillermo del Toro.
Guión: Guillermo del Toro, Mike Mignola.
Actores: Ron Perlman, Selma Blair, Doug Jones, Jeffrey Tambor, Luke Goss, Anna Walton.
Año: 2008

Sinopsis

La Oficina Federal para el Estudio de lo Paranormal sigue con sus actividades secretas. ¿Secretas?. Bueno, no tanto, porque Hellboy -Ron Perlman- empieza a estar un tanto cansado de permanecer en la sombra y le resulta difícil no hacerse notar: mide dos metros, es rojo y ha salvado a la humanidad al menos una vez. Así que no es extraño que pretenda darse a conocer al gran público. Tanto afán de notoriedad empieza a perturbar su relación con Liz (Selma Blair), pero eso es lo de menos. Lo de más es que las criaturas del mundo mágico reclaman la Tierra para sí, sin humanos de por medio. ¿Qué hará entonces Hellboy?. ¿Defenderá a unos humanos que le ven como un monstruo? ¿salvará su relación con Liz? ¿Conseguirá el pez (Doug Jones) echarse novia?. Más emoción imposible.

Crítica

Curiosamente en tiempos de precuelas, ésta es una secuela. Repiten casi todos los actores excepto Myers para quien inventan un destierro a Alaska que se supone arroja a Liz a brazos de Hellboy. Pues vale, considero normal buscar un novio distinto tras una ruptura. La primera película cuenta con la ventaja de poder dedicar tiempo a presentar unos personajes que están bastante bien logrados. Pero la segunda ya los tiene... ¿qué harán los guionistas con ellos?.

Bueno, algún personaje nuevo sí que se presenta, pero vamos, que que ni por actuación ni papel merece la pena detenerse en ellos. El malo (Luke Goss) es una especie de elfo con cara enferma y su hermana (Anna Walton) también, pero es buena. El nuevo bueno no tiene ni cara. Ni historia que contar, excepto que es alemán y se comporta tal y como los (norte)americanos suponen deben ser los alemanes¹. En la película aparecen tropecientas criaturas de diferentes aspectos que se mueven por el mercado en hora punta. Sólo eso: se mueven.

Podrían existir varios aspectos que habrían dotado a la trama de profundidad e interés, respetando todos los mamporros que Hellboy recibe y aporta. El primero, la dificultad en la relación entre el protagonista y Liz, que pasa por horas bajas. La cosa no va muy lejos y se resuelve con el efecto Blancanieves (no sé qué nombre técnico tendrá). Otro tema de interés podría ser el dilema al que se enfrenta Hellboy y que le plantea el malo malísimo: ¿merece la humanidad ser salvada?. ¿Seguro que no sería mejor el triunfo de las criaturas mágicas? ¿Cuánto hermoso se perderá si Hellboy extermina a éstas?. El dilema moral dura medio minuto, aproximadamente.

Por lo demás, lo que se esperaba. Muchos tiros, leches y galletas. Adobado todo ello con el carácter de Hellboy, que hay que reconocer es magnético. La película también nos deja un momento irrepetible cuando Hellboy y Abraham, bolingas perdidos, entonan a dúo una canción de amor. En todo eso la película no defrauda. Por otro lado tengo la idea de que, a estas alturas, hablar de efectos especiales magníficos es una tontería. Todos son magníficos.

Por último un detalle que me desilusionó. En el trailer de la película vemos a Hellboy haciendo explotar cosas al ritmo de Mein Herz Brennt (mi corazón arde), la primera canción del espléndido e histórico álbum de Rammstein: Mutter. Esperaba con ansiedad el momento de escuchar la música durante la película... y al final nada. Pues vaya decepción. Incluso podrían haber sacado al grupo en la película sin desentonar demasiado: la media de altura de sus componentes supera con facilidad los 1'90. Y ya tienen experiencia como actores en xXx, ¿no?

Lo mejor: lo bien que me cae Hellboy.
Lo peor: No hacía falta Shakespeare, tan sólo excavar un poco más donde ya estaba marcado.
Mi opinión: Bueno, pues no iré a verla al cine, pero es entretenida.

¹ Como curiosidad, al alemán le pone voz Seth MacFarlane, el creador de Padre de Familia.

Wall-E

noreply@blogger.com (Mr_Guybrush) — Sun, 31 Aug 2008 05:00:00 +0000

Sinopsis

En el año 2700, en un planeta Tierra devastado y sin vida, tras cientos de solitarios años haciendo aquello para lo que fue construido -limpiar el planeta de basura- el pequeño robot WALL•E (la abreviatura de Waste Allocation Load Lifter Earth-Class) descubre una nueva misión en su vida (además de recolectar cosas inservibles) cuando se encuentra con una moderna y lustrosa robot exploradora llamada EVE. Ambos viajarán a lo largo de la galaxia y vivirán una emocionante e inolvidable aventura... (FILMAFFINITY)

WALL•E, mucho se ha hablado ya de esta película, y lo que le queda.
Quiero empezar descubriéndome: sí, soy un fiel seguidor de todas y cada una de las películas de Pixar, y aunque intento ser crítico con las de menor calidad, que no por ello malas (Cars y Toy Story 2 por ejemplo) bien es cierto que tengo una predisposición favorable al ir a ver una de sus películas. Dicho esto continúo diciendo que tenía grandes esperanzas con esta en particular, y ya se sabe, que a mayor espectación menor es el impacto y más regulera te parece la película. Pues NO. WALL•E es ahora mismo y sin ninguna duda la obra cumbre de su director Andrew Stanton, de Pixar y probablemente la mejor película del año, quizás con el permiso de la película de el Joker, estoo, quiero decir de Batmam ;).

La película se divide en 2 actos claramente diferenciados, en el primero vemos una gran ciudad americana asolada por la basura, y como único habitante a nuestro amigo WALL•E, el último superviviente de un batallón de limpieza de robots como él. Sin pronunciar una sola palabra, el carisma del pequeño robotito, consigue explicárnoslo todo; claramente influenciado por mi querido Johnny 5, sus emociones son como una cascada de realidad en un mundo y un paisaje totalmente irreal. Vemos cómo curiosea entre nuestra basura, cómo se las apaña para sobrevivir y sobre todo cómo se siente: brutalmente solo. La empatía con el personaje es tan grande que en ninguna ocasión recuerdas estar sentado mirando una pantalla, solo te preocupa que no le pase nada. Esto, que ocurre desde los primeros 10 min de película, se prolonga durante toda la cinta.

Hacia la mitad de esta primera parte llega Eva, con una misión que realizar que no revelaré por que es mejor ver la película sabiendo lo menos posible. Y WALL•E se enamora, algo totalmente comprensible, pues el carácter de Eva y esa estructura minimalista al estilo Apple que luce son una auténtica gozada. Siguen unas cuantas escenas cómico/románticas absolutamente deliciosas y más tarde viene el segundo acto, donde se ponen manos a la obra con la trama principal.

En esta segunda parte se podría decir que es mas "típica" de una película dirigida a un público infantil. Transcurre en la Axiom, una nave espacial donde unos humanos aletargados se dedican a una vida de placer e inactividad a la espera de volver a la tierra. Me pareció apreciar en ciertas escenas algo de condescendencia hacia el espectador, sobre todo cuando salen en pantalla los pasajeros de la Axiom, pero es tan ligera la sensación, que pasa desapercibida; el publico adulto disfrutará tanto o más que los pequeños con esta película, y apreciará sus moralejas, en absoluto cargantes, pues están totalmente integradas en el argumento de la película y siempre con un aire cómico que suma puntos al guión.

Me gustaría hacer una mención especial a la banda sonora, por que es absolutamente perfecta, es fácilmente la mitad de la película y convierte a WALL•E, junto con otros méritos, en una obra maestra.

*Algunos apuntes con spoilers*

Algunos piensan que la película pierde en su segunda mitad, y no estoy de acuerdo, creo que es el desarrollo que debía seguir. Al fin y al cabo no es una película de cine independiente o experimental, en la que puedan pasársela entera con escenas en silencio de un planeta desolado, que esto no es 2001, aunque tenga referencias de ella :D. El conflicto, la acción y el desenlace feliz son los pilares que consiguen que la película siga adelante, con un ritmo de la acción perfecto en todos los sentidos, lo que hace que no pierdas detalle en ningún momento. Y no creo que WALL•E debiese permanecer sin memoria, porque a mi me partiría el alma, así que no quiero imaginar lo que le haría a un niño de 8 años...

*Fin de spoilers*

En esta película Pixar da lo mejor de sí misma y supera cualquier expectativa que pudiese haber creado. La animación, con algunas escenas con la cámara en la lejanía, como si estuviésemos espiando la acción desde un arbusto, eso es maestría. La banda sonora es épica. Y por último, la atención a los detalles es tan grande que absolutamente todo tiene su explicación, no hay nada dejado al azar. Esta película está hecha con tanto mimo, que da verdadera pena salir del cine cuando acaba.

Los extras que carecieron de gloria

noreply@blogger.com (redrum) — Mon, 25 Aug 2008 20:29:00 +0000

Sí amigos, el cine es así de ingrato. La fama, el dinero y el reconocimiento recaen siempre en las caras visibles de los films, en nuestros héroes, cayendo en el olvido infinidad de personajes anónimos cuya labor es esencial para considerar un arte el cine.

Bud Spencer no seria nadie sin esos clientes de bar que sufren la ira del grandullón. A Elvis le componían las canciones y pocos saben del tercer tripulante del Apollo XI en su llegada a la Luna.

Hoy rindo homenaje a esos desconocidos, en un clip recopilatorio de grandes escenas donde dichos extras cumplieron su labor y fueron borrados del metraje, o desestimada su aparición a favor de otros seres. Un despropósito que merece ser enmendado.

Falsos Secretos del Cine

noreply@blogger.com (el gato cuantico) — Sat, 23 Aug 2008 19:45:00 +0000

Queridos Espectadores,

El Mundo del Cine está lleno de secretos... finales que se cambian, guiones que se modifican o actores, que a última hora no gusta a los Productores. Pero Curioso Pero de Cine, en su más fiel interés informativo, os descubre algunos de estos secretos, tan vilmente ocultados... Mucho ponemos en juego, pero poque ciertas cosas, merecen ser contadas aún a cuenta y riesgo de las terribles consecuencias.

Por ejemplo, a muchos no les ha gustado el nuevo 007, Daniel Craig, en Casino Royale. Pero lo que muy poca gente sabe, es que la primera opción se parecía menos a Sean Connery...

Con ustedes, Gump Royale

Pero aún no terminamos con Tom Hanks. Pocos saben que la primera versión de Salvar al Soldado Ryan difería bastante de la actual. Spielberg se sintió presionado por la A.R.U (Asociación de Ryans Unidos) para que Salving Private Ryan no fuera...

... Where's Private Ryan, ¡la comedia del verano!

Cambiando de tercio, la fama es peligrosa, puede destruir la carrera de una estrella, pero gracias a ella, podemos llenar post y post como este. La siguiente historia es de un actor por todos recordado que por sus excentricidades y sus problemas de sobrepeso obligó a un director ocultarlo de escena... y no me refiero a Marlon Brando en Apocalypse Now... Para saber quién es, os recomiendo que veáis este fragmento de Cloverfield.

Queridos espectadores, y es que youtube está lleno de misterios y secretos, sólo hay que saber dónde buscarlos...

Otra serie de médicos: Scrubs

noreply@blogger.com (mmmmm) — Tue, 19 Aug 2008 20:20:00 +0000

J.D. (John Dorian), un joven feo de narices, interno en el hospital Sagrado Corazón, trabaja con la casi guapa y totalmente paranoica Elliot, su mejor amigo el cirujano Chris Turk,la enfermera Carla Espinosa, un cruel y trastornado conserje cuyo nombre ignoramos (no porque seamos unos vagos, es que no lo dicen), el sarcástico y terrible Dr. Cox y el inhumano jefe de medicina, el Dr. Kelso.

Este equipo es el grupo principal de personajes de la serie Scrubs, que se emite en algunos canales, pero señores, como yo no veo la tele los tengo en DVD. Una serie de tantas sobre un hospital, como puede ser Urgencias, solo que esta es una comedia, como puede ser House, solo que esta es más intrascendente, como Anatomía de Grey, solo que todavía más inocua. Y es que en esta serie nos da igual que se mueran los pacientes, que diagnostiquen correctamente o que prosperen en su trabajo. Lo que nos importa es cuál será la nueva gamberrada que le jugará el conserje a JD, qué maquiavélica respuesta tendrá preparada el Dr. Cox para cualquiera que se le acerque, cuál será la nueva belleza que conocerá JD y que inexplicablemente acabará en su cama (repito, el protagonista es feeeeeeo), el nuevo cotilleo de la enfermera, la nueva metida de pata de Elliot, es decir, sus vidas personales, que realmente tampoco nos importan, porque no es una serie profunda.

Entonces ¿para qué verla? Porque es hilarante, rápida, de diálogos intensos, con situaciones extremadamente divertidas, porque aunque no es profunda, acabas por sentir empatía por casi todos sus personajes, porque no tiene risas de esas que te dicen cuándo se supone que te tienes que reír. Y además, el protagonista tiene una fértil imaginación que aparece representada como si de la realidad se tratase. Yo, a veces, me siento identificada.

Como os he dicho, JD es difícil de mirar, pero es extremadamente expresivo. Zach Braff es el nombre del actor, y ya hizo sus pinitos en alguna película de Woody Allen y otras series. Las malas (o buenas) lenguas dicen que antes fue mimo, pero yo no he conseguido contrastarlo con ninguna fuente. En cuanto pueda, os lo confirmaré.

En lo que llevo yo visto de serie, ya han pasado Michael J. Fox, Brendan Fraser, Heather Graham, Tara Reid y Matthew Perry.

¡Ah! lo olvidaba. Scrubs es en inglés el uniforme de los médicos, por si os lo habíais preguntado.

Bueno, que la veáis, y los que la habéis visto ya, contadnos qué os ha parecido.

Crítica: Hancock (desde los 11 años)

noreply@blogger.com (Delirium) — Sun, 03 Aug 2008 11:26:00 +0000

Esta entrada no la escribo yo. Bueno, sí que la escribo yo, pero me dictan. Porque yo soy un poco vago y he decidido emplear a mi hermano de 11 años, para que me haga las críticas. Esperemos que no se enteren los responsables de Ministerio de Trabajo, no sea que me caiga una buena por no estar en Tailandia o Sudán. Bueno, no se enfaden los tailandeses o sudaneses lectores del blog: en realidad no sé si allá los niños trabajan. En cualquier caso, una forma nueva de ver una película en este blog.

Y a partir de aquí empieza a 'escribir' mi hermano.

La película que vamos a comentar es Hancock, que es una película de acción, de superhéroes. Aunque un superhéroe un poco raro, como verán después. La película la vi en el cine y me habían dicho que era mala, pero la fuente que me lo dijo tampoco era muy de fiar. Por ejemplo me dijo que Kung Fu Panda era muy buena y a mí no me gustó tanto como Hancock. En el cine había bastante gente y me gustó mucho que en la sala la gente se lo pasara bien con la película y a veces participara un poco, pero riéndose y sin molestar.

Hancock

Director: Peter Berg.
Guión: Vincent Ngo, Vince Gilligan.
Actores: Will Smith, Charlize Theron, Jason Bateman, Jae Head.
Año: 2008.

Sinopsis

Hay un superhéroe (Will Smith) en Los Ángeles. Salva vidas, pero lo destroza todo. Para salvar una vida destrozó un tren entero. Por eso a la gente de la ciudad no le gusta. Le piden que se vaya, aunque a él lo que piensan los otros le da igual. Pero resulta que al que ha salvado en el tren es una asesor de imagen y le ayuda a ser mejor persona. Porque Hancock (que así se llama el superhéroe) es borracho y maleducado. Pero cuando lo consigue se tiene que enfrentar a unos atracadores que conocen la debilidad de Hancock.

Opinión

Es una historia original, porque es un superhéroe especial: que no se parece a Superman, aunque tiene unos poderes muy parecidos (Superman lanza rayos por los ojos y Hancock no). Al principio a nadie le gusta y todos quieren que se vaya y luego no. Eso lo consigue con el asesor de imagen, que le dice que se deje meter en la cárcel para luego, cuando haya un atraco, la gente quiera que Hancock les ayude. Y entonces Hancock, ya educado, soluciona el problema.

Al asesor de imagen Ray Embrey (Jason Bateman) Hancock le cae bien porque salvó su vida y decide ayudar en lo que pueda a Hancock. Un momento gracioso es cuando el asesor le recomienda felicitar a los policías por su trabajo y luego cuando Hancock llega al lugar del atraco grande felicita a todos los policías que se encuentra, uno por uno, diciendo "buen trabajo".

La película en general es muy graciosa, por el carácter de Hancock. En la cárcel los reclusos que él había encarcelado, que eran la mayoría, vamos, le intentar propinar una paliza y entonces Hancock les pega. En la película hay bastantes insultos [esto viene a petición del hermano mayor], no paran de llamarle capullo, pero el insulto más grande lo dicen en un idioma extranjero y esa parte no la subtitulan.

A lo largo de la película no se sabe bien de dónde viene Hancock. Se supone que es de una raza de algo, pero no se sabe de qué. Se llama Hancock porque, tras despertarse tras un golpe sin recordar nada toma el nombre de una marca de cerillas que llevaba en el bolsillo. Y al final de la película nos quedamos sin saber más. Tal vez hacen una segunda.

Hay acción casi todo el rato, sólo están los ratos en que él está en prisión y el asesor busca cómo limpiar la imagen del héroe. En las películas de superhéroes suele haber un malo principal y poderoso, pero aquí los malos son personas normales que encuentran un punto débil de Hancock y casi le matan. Los efectos especiales están bien y el mejor es cuando se rompe todo el tren.

Hay un poco de misterio en la debilidad de Hancock y un poco de sorpresa, aunque pasa algo raro que no se puede explicar muy bien aquí.

En fin una película entretenida, aunque en vez de volverla a ver, vería otra.

Lo mejor: que tiene mucha sorpresa y es original.
Lo peor: que es bastante grosero.
Mi opinión: Una peli de acción para ver en el cine.

[Y ahora escribe Delirium] A mí no me pregunten acerca de la película. No la he visto. Yo me he encargado tan sólo del aspecto gramatical, ortográfico y html del post. He dirigido con preguntas, claro, todo el escrito, para darle la forma a la que estamos acostumbrados. Pero si comentan algo de la película sepan que lo consultaré a mi hermano a ver qué les contesta. Un saludo a todos y espero que les haya parecido bien la idea.

¿Son incompatibles la cerveza y el cine?

noreply@blogger.com (Major Reisman) — Mon, 28 Jul 2008 14:20:00 +0000

Como dentro de poco me voy de vacaciones de verano y no se si este blog va a seguir funcionando, quiero hacer una aportación, esperando que no sea la última.

Cuando se oye la palabra "verano" hay muchas cosas que acuden a la cabeza de uno. Por ejemplo, vacaciones, calor, helado y por supuesto, cerveza. Con el permiso de Delirium, voy a comentar la relación entre el cine y la refrescante y sabrosa bebida. Y en opinión de este amante de la cerveza, desgraciadamente es una relación bastante pobre.

Si me hubiera decidido a hacer una entrada sobre cine y vino lo habría tenido bastante fácil. Tanto, que probablemente me habría dado para más de un post. El mundo del vino en sus diferentes facetas, desde su elaboración hasta su venta, ha sido reflejado generosamente por el séptimo arte. A bote pronto se me ocurren las siguientes películas: "Entre copas", "Un paseo entre las nubes", "Un buen año" o "French Kiss", "Esta tierra es mía" y "Sangre y vino". Adicionalmente, hay un montón de películas en las que el vino aparece como un toque de distinción o clase. ¿Quién no ha deseado alguna vez pedir una botella de Dom Perignon del 53?

Pero ¿Y la cerveza? No digo que no haya películas en las que la cerveza haya tomado un cierto papel estelar. Sin embargo, al contrario de lo que ha pasado con el vino, creo que no hay ninguna cinta famosa en la que veamos la pasión depositada en el proceso del malteado y la subsiguiente fermentación. Ni el reposo reflexivo de su maduración. O ningún romance, tormentoso o gracioso, que transcurra entre campos de cebada. Ni recorridos entrañables entre las microcervecerias de Bélgica.

Por supuesto, si uno busca por internet bajo las palabras clave "beer and movies", encontrará una lista de sitios con películas en las que el dorado líquido tiene un cierto protagonismo. Una de las primeras páginas se titula "Top 10 Beer Movies". Y bajo tan sugestivo título se encontrará con las siguientes:

1. The Fatal Glass of Beer (1933)

2. Three Little Beers (1935)

3. The Lost Weekend (1945)

4. Leaving Las Vegas (1995)

5. National Lampoon's Animal House (1978)

6. Terciopelo Azul Blue Velvet (1986)

7. Los caraduras. Smokey And The Bandit (1977)

8. Beer (1985)

9. American Beer (2004)

10. Entre copas. Sideways (2004)

Cuando leí la lista me entró una profunda depresión. En dicha lista hay dos películas que tratan del alcoholismo. Otra está protagonizada por un psicópata que no le gusta la Heineken y prefiere la Pabst Blue Ribbon. En aquellas que aparece "beer" en el título, dos son comedias de los años 30 y las otras dos son documentales. ¡Incluso hay una que trata del vino y no de la cerveza! Ya puestos, podríamos incluir en la lista "Gangs of New York" porque una de las bandas tiene su guarida en una fábrica de cerveza.

Pero justo es reconocerlo, la cerveza tiene menos protagonismo que el vino en el cine. Si bien es cierto que cuando suele aparecer lo hace para intentar reflejar la amistad o la camaradería. El epítome de ese tipo de películas es sin duda "El hombre tranquilo" de John Ford. Una gran parte de la película transcurre alrededor del pub de Innisfree y el apoteosis es la pinta compartida en medio de la lucha entre Sean Thorton y Will Danaher.

Hay otros grandes momentos de amistad cervecera como por ejemplo la escena del techo en "Cadena perpetua". Pocas veces se ha representado tan bien lo que significa una cerveza fría en un día de calor

Otros episodios cinematográficos en que la cerveza es imprescindible es cuando hay un gran banquete, sobre todo si se desarrolla en la época medieval. Los cuernos rebosantes de espuma no pueden faltar en dichas comidas pantagruélicas. En ese caso, mi escena predilecta es el banquete que se desarrolla en la película "Los vikingos". Para mi es inolvidable el momento en que Kirk Douglas sustituye en el lanzamiento de hachas al marido cornudo.

Pero si de historia y cerveza hablamos, creo que la secuencia más curiosa es una que pertenece a "Sinuhé, el egipcio". En un determinado momento Sinuhé tiene una conversación con la madre del faraón, la cual se nos muestra bebiendo cerveza. Sinuhé incluso llega a advertirle sobre el nocivo efecto que tiene su abuso.

Y para terminar, una película en la que se habla de uno de los componentes esenciales de la cerveza pero en el que generalmente no pensamos. Se trata de el lúpulo, y la cosecha de dicha planta viene reflejada en la película "La insoportable levedad del ser". Creo que es la única vez que dicho proceso está reflejado en una obra cinematográfica.

Nada más, que disfrutéis del verano y de la cerveza fresquita, si es que dicha bebida os gusta.

¡Salud!