Le O-Museum in Nagano , Le musée d’art contemporain à Kanazawa (both in Japan), le pavillon de verre au Toledo Museum (Ohio), Le théâtre et le centre culturel de Almere (Almere, the Netherlands), Le nouveau musée d’art contemporain de New York (New York, NY), et le centre de formation de Rolex (Lausanne, Switzerland).

L’architecture de SANAA est essentielle dans le sens où elle se concentre sur l’essence d’un édifice, la perception de l’édifice comme un tout immuable où chaque partie contribue à donner de la force au tout, une synthèse entre le programme, le site, les personnes, les usages.

SANAA explore les matériaux contemporains et les fait vivre par des jeux de transparence, de lumière, d’ombre et de matière. SANAA cherche des réponses claires, simples à des problèmes complexes.

SANA reprend les fondement de l’architecture, le principe d’économie ( tel que l’a énoncé Alberti) pour produire une architecture simple, lisible, une esthétique de la précision.

L’idée architecturale est maîtresse du projet, et chaque détail du projet vise à répondre à cette idée maîtresse. Chez SANAA un cube doit rester un cube, une ligne, une ligne, un point, un point.

L’architecture de SANAA, par son élégance et sa précision est souvent associée à des marques de prestige tels que Rolex ou Dior.

SANAA appellent les édifices publics des « montagnes dans le paysage » soulignant ainsi le souci d’intégration de leurs édifices dans l’environnement. L’édifice et l’environnement doivent former un tout, comme les montagnes le font dans le paysage : c’est l’essence d’habiter.

Article sur dailyCharrette sur Sanaa:
EPFL Learning Center

Source:
aRoots

Article sur Archdaily:
Glass pavilion at the toledo museum of art
Serpentine Gallery Pavilion

Site web de l’agence (pas très bien fait):
Sanaa

Tout le monde a eu sa période Libeskind, en particuliers ceux d’entre nous qui sont passés sur les ban(c)s de l’école d’archi entre, disons, 1995 et 2005. Le projet hallucinant du musée juif (extension au musée historique de Berlin), par son geste très explosif, soufflait autour de lui un grand nombre d’idées reçues sur l’architecture muséo-touristique, concrétisant un certain nombre de positions militantes contre la culture neutralisante de la muséographie , le basculement de l’architecture « contenante » devenant elle même le contenu inremplissable du musée (le musée juif est tellement plus beau « vide »). Le signifié devenu, à ses risques et périls, signifiant. En en payant les conséquences. Ce n’était pas le premier à oser mais c’était le premier à recevoir une telle médiatisation.

La position métaphorique de l’architecture de Libeskind, affutée stylistiquement par un vocabulaire que l’on ne tarda pas à retrouver dans de nombreux autres projets de l’architecte américain ont certainement agacé nombreux amateurs d’architecture (milieu dans lequel les fines bouches sont légion). En particulier, les exemples de centres commerciaux dessinés par Libeskind avec la tête d’un musée juif, cela faisait, franchement, un peu mal au cœur. C’était plus douloureux que de voir Botta bégayer sur les mêmes approches formelles car, à la différence de Botta d’un style beaucoup plus paisible, Libeskind avait réussi à faire à associer à son vocabulaire formel, l’idée que l’architecture disposait d’une capacité tranchante à crier son indignation contre un certain ordre du monde. Retrouver une telle palette expressive dans un projet de centre commercial était donc, potentiellement, un peu fort de café.

Mais Libeskind est un bon architecte. Il agace beaucoup pour des questions formelles, mais au delà d’une provocation bien légitime, il convient de se pencher sur l’intelligence urbain des dispositifs architecturaux par lui engendré. C’est là où finalement, la fascination passagère qui fut celle de nombreux étudiants pour le style Libeskind rate d’une certaine manière toujours sa cible: l’essentiel est invisible pour les yeux.

L’architecture par les pieds

Il faudrait pouvoir être aveugle de temps en temps pour mieux apprécier, avec ses pieds par exemple, l’intelligence urbaine d’une architecture: sa capacité à l’établissement de connexions, de continuités, de flux, de boucles et de transitions.

L’intérêt du Grand Canal Square Theatre, réside dans cette dimension urbaine, qui est l’appanage des grands projets bien pensés, par delà les questions de cosmétique tectonique qui relèvent d’une autre discussion. Un théâtre qui s’ouvre d’un côté sur une grande place devenant elle même théatre urbain en plain air, de l’autre côté, une place ouverte sur la mer, une forme monumentale formant arc de triomphe, annonçant pompeusement la ville aux marins. L’érogénéité à grande échelle, incontournable pour une grande ville désireuse d’offrir une lisibilité basique capable d’attirer la foule, le chaland. La monumentalité ne laisse que peu d’entre nous indifférents.

Un programme de bureaux et d’hôtel prend appui autant qu’il aide à articuler, par son potentiel d’activation de la ville, ces différentes facettes et places urbaines. Du commerce, du bureau, de l’hôtelirie, toutes les choses programmatiques qui font que les choses ne peuvent pas se  faire autrement, question d’argent s’entend.

On aura peut être pas tort de regretter un n-ième projet en oblique lacérée. Ces questions d’obsession constructive sont une chose qui peut faire l’objet d’un débat toujours passionnant mais qui, au regard de ce qui fait la substance de la ville et son génie fonctionnel, importe bien peu. C’est aussi de ce côté-là, du côté de l’attitude urbaine,  qu’il faut apprendre à regarder l’architecture , et sans rancunes et quand bien même elle chercherait bien volontiers la provocation vestimentaire.

Architecte: Daniel Libeskind
Client: Ramford Limited, Chartered Land
Budget: 270 millions US$
Année: 2009-2010
Surface Théatre: 13 800 m²
Surface bureaux nord: 33 300 m²
Surface bureaux sud: 21 100 m²
Associé superviseur: Stefan Blach
Chef de projet: Gerhard Brun
Equipe de projet: Feargal Doyle, Patrick Cox, Andreas Baumgärtner, Matthias Rühl, Toralf Sümmchen, Anna Poullou, Guillaume Chapallaz, Nathaniel Lloyd, Jens Jessen, Jens Hoffman, Kaori Hirasawa, Luca Mangione, Anja Bungies et Christian Müller
Crédits Photographiques: Ros Kavanagh

Source: Archdaily

Ce sera bientôt fait: la démolition de la Cité des Poètes (voir article de France 3 du 26 février 2010) oeuvre des architectes Jéronimo Padron-Lopez, Yves Euvremer et Luc Euvremer construite dans les années 1980 à Pierrefitte-sur-Seine (Seine-Saint-Denis, France). Oeuvre dans la lignée des opérations novatrices, iconiques, éminentes de logements sociaux en terrasses, en pyramide de verdure et de terrasses triangles par Jean Renaudie et Renée Gailhoustet à Ivry-sur-Seine, l’architecture de la cité des Poètes (Robert Desnos, Georges Brassens) est accusée d’être responsable de tous les maux de notre temps.

Prenez le même batiment: foutez-le à Monaco ou à Porte Dauphine ou dans une de ces stupides « gated communities » américaines (quartiers privatisés) et vous aurez la Jérusalem Céleste. J’y viens quand vous voulez.

On peut toujours passer son temps à rappeler qu’un ensemble architectural non entretenu n’a pas plus d’avenir qu’une voiture non entretenue, que là où le chômage et la misère font des ravages, le sadisme désespéré de quelques citoyens abandonnés à eux-même (régression intra-utérine du caca dans la cage d’ascenseur), peut pourrir la vie de centaines d’habitants impuissants, etc. et que l’architecture (pas plus que la psychanalyse comme se plaisait à le dire Lacan) ne peut faire quoi que se soit contre la connerie humaine.

On veut faire croire que le débat est architectural alors qu’il n’est pas. Quelques ambitions politiques locales soutenues par un système de profit économique (qui aurait tort de s’en priver) font semblant de vouloir porter une critique architecturale et urbaine sur l’ensemble en dénigrant sa qualité. Mais ce n’est que pour faire avancer une cause qui n’est pas architecturale. Si nous étions étatsuniens, la chose serait banale et entendue: le patrimoine architectural n’a pas vocation à rester et à faire poids contre les enjeux d’argent. C’est un tantinet compréhensible lorsque l’oeuvre visée par la démolition ne constitue pas un exemple singulier de la pensée humaine en action.

Ce n’est hélas pas le cas de l’oeuvre de Padron-Lopez, Euvremer & Evremer : un gramme de finesse dans un monde de brutes. De grosses brutes.

Il y en a toujours pour nous casser les couilles avec les pièces en triangle chez Renaudie: ben, qu’ils me le donnent leur 75m² à Ivry, je me débrouillerai pour caser mes meubles dans toutes ses pièces biscornues. Et puis quand j’en aurai marre, après 10 ans dans ce bel appart, je le refilerai à quelqu’un qui en aura envie et je ferai un heureux. Vous vous voyez vivre toute votre vie dans un appart de la Casa Batlló de Gaudi ? Non, moi non plus et ni les propriétaires d’ailleurs. Cela fait-il de l’oeuvre de Gaudi, de Renaudie, de Padron Lopez une oeuvre indigne de notre culture ?

Le mois dernier avait lieu à la Société Française des Architectes  une conférence sur l’oeuvre de Renée Gailhoustet, par Renée Gailhoustetherself. L’occasion boulversante de réaliser qu’il y a eu quelques hussards valeureux qui ont pondu des ensembles urbains d’une grande humanité et d’une grande sensibilité et qu’ils ne furent pas nombreux à lutter.

« A quoi ils pensaient les architectes ? »

Sur un panneau annonçant les projets futurs à l’emplacement de la cité des poètes, on peut lire cette phrase d’un populisme absolu: « A quoi ils pensaient les architectes? », c’est une phrase scandaleuse à tous points de vue. C’est puant, faire croire que les architectes qui se sont cassés le cul à faire un telle oeuvre sont des tocards qui se foutent de la vie des gens alors qu’il eut été beaucoup plus simple et rémunérateur de faire des barres comme à la Courneuve. Oui, il y a des architectes qui se foutent pas mal de tout, mais tous sauf Padron-Lopez et consorts, à en juger à la qualité improbable des dispositifs spatiaux qui articulent les rapports en intérieur et extérieur, entre public, semi-public et privé. Il ne faut avoir aucune éducation architecturale et aucune expérience des rapports entre maîtrise d’oeuvre et maîtrise d’ouvrage publique pour envisager condamner une telle oeuvre.

Autant demander à un enfant de 7 ans de goûter un chateau Lafite-Rothschild de 1985. Il trouvera cela dégeulasse et on ne lui en voudra pas. Mais dans tous les cas, on ne le laissera pas vider la bouteille dans l’évier après en avoir bu, horrifié, une toute petite gorgée.

Au final, on peut se rassurer que l’expérience soit documentée et qu’il restera une trace dans nos archives de cette belle tentative. 800 résidents ont signé une pétition. Jean Nouvelet de grandes signatures de la scène architecturale parisienne ont apporté leur soutien pour la conservation de l’oeuvre. L’association DOCOMOMO ( Association pour la DOcumentation et à la COnservation des édifices, sites et ensembles urbains du MOuvement MOderne) a fait valoir et médiatisé l’intérêt architectural mais aussi environnemental de l’oeuvre. Nous n’avons pas fait ici tout le commentaire architectural que l’oeuvre mérite: ses qualités sont aussi nombreuses qu’elles sont rares dans la plupart des ensembles urbains HLM.

La rénovation de l’ensemble ne couterait qu’un cinquième (1/5ème, 20%) du coût d’une opération de démolition et de reconstruction… en sauvant au passage la mémoire du lieu, ce qui n’a pas de prix. Avec les économies réalisées sur sa démolition, on pourrait rénover d’autres ensembles en déshérence. Mais que fait la police ?!

Au final, cette expérience triste ne sera pas la première du genre. En d’autres lieux, des esprits novateurs ont, à perte, donné de leur temps pour une architecture urbaine et humaine. Mais la perte n’est jamais sèche, quand bien même l’expérience se solde sur un échec matériel. Le meilleur exemple est sans doute le village égyptien de New Gourna par l’architecte Hassan Fathy, dont la lecture de l’ouvrage « Construire avec le Peuple » est un incontournable des études d’architecture.

Hassan Fathy, à l’occasion du déplacement forcé d’un village de pilleurs de tombe qui se trouvait sur une emprise archéologique, avait montré qu’on pouvait reconstruire avec un faible apport de capital tout un village flambant neuf, doté des meilleurs infrastructures viaires, sanitaires et même culturelles  en utilisant les techniques ancestrales nubiennes de construction en terre et en faisant réaliser le chantier par la population elle-même, seule solution pour permettre aux habitants d’habiter dans des constructions abordable (Fathy montre, en gros, que le salaire de toute une vie d’un habitant de Gourna ne lui permet pas d’acheter le fer à béton pour une construction en béton armé, et que l’argent ne tombant du ciel, construire en terre était la seule solution à ses yeux).

En homme cultivé qu’il était (les bonnes familles egyptiennes envoyaient alors leurs enfants dans les Lycées Français d’Egypte) il avait dessiné un ensemble urbain d’une grande sensibilité, respecteux des traditions et des usages culturels. Tout était à portée de main, sur le papier. Le village a été construit. Mais il ne fut jamais vraiment habité. Des crépages de chignons à tous les niveaux, local et national, des querelles d’opportunisme et d’immobilisme ont eu raison de son oeuvre. Comme souvent.

Résultat, 50 ans après le début des travaux du nouveau village (New Gourna, qui tombe à présent en ruine, faute d’entretien), les villageois qui n’avaient pas quitté l’ancien village (Old Gourna) se sont fait reloger manu militari dans des barraques en béton au milieu de nulle part, tombant dans la précarité matérielle que Fathy voulait leur éviter.

Les échecs, comme les succès, sont essentiellement imaginaires. C’est en cela qui peuvent, toujours, nourrir la force de l’esprit.

Crédits photographiques: DOCOMOMO,
(une galerie de photographies par Nicolasoran est disponible sur Flickr ou par d’autres auteurs sur Panoramio

Si vous souhaitez vous rendre sur les lieux (du crime) et prendre des photos avant qu’il ne soit plus possible, l’adresse est : place Robert Desnos, 93380 Pierrefitte-sur-Seine. (lien google maps) (ou place Georges Brassens, allée boris vian, allée andré breton).

C’est aujourd’hui le cas avec le très beau (bah oui, très beau) Musée du Design de Holon (banlieue sud de Tel-Aviv, Israël ) qui fait montre d’une sublime enveloppe en rubans d’acier COR-TEN qui se plient à la manière des maquettes en bandelettes de papier que nous avions réalisées jadis.

Il arrive souvent qu’on retrouve dans le travail d’un architecte des portions plastiques que l’on a soi-même tâtonnées. Généralement, la frustration est grande: « moi aussi j’y avais pensé« . Sauf, qu’il en suffit pas d’y penser. Faut réussir à le construire. C’est comme le cube en verre. Tout le monde en a l’idée. Et peu d’élus fidèles sur la ligne d’arrivée.

Le corten est (merci Wikipedia ) « un acier  auto-patiné à corrosion superficielle forcée, utilisé pour son aspect et sa résistance aux  conditions atmosphériques, dans l’architecture, la construction et l’art principalement en  sculpture d’extérieur ». Par exemple, Gigon et Guyer ont livré un très beau musée à Osnabrück  en Allemagne en cor-ten ou la célèbre T-house de Simon Ungers (avec Tom Kinslow)

Dans ce musée à Holon, l’exploit esthétique consiste en la palette de couleurs obtenue avec le Cor-Ten. Alors que les deux projets susmentionnés ne comprenaient pas de jeu  intentionnels sur les niveaux de patine, le projet de Ron Arad, fait la part belle à un dégradé d’oranges, ocres, bruns, rouges. Il y a sûrement tout un tas de noms pour ces  nuances de patine. Mais en tous cas, c’est très réussi.

Le principe du bâtiment, c’est que les rubans sinueux d’acier encerclent des espaces de galerie, offrant pléthore d’effets optiques (dégradés de couleurs, jeux d’ombres, etc.) Le bâtiment brouille les cartes entre architecture et sculpture. L’ouverture du bâtiment sur le ciel et la négociation des échappées visuelles vers l’extérieur enrichit fabuleusement l’expérience du visiteur.

Le projet a mis 4 ans être construit, pour une surface muséale de 3700 m², etc. etc. C’est la première œuvre architecturale construite par Ron Arad. Vous connaissez sûrement l’une de ses œuvres, même si le nom en vous dit rien à première vue.

Ron Arad est un designer israélien (Tel Aviv, 1951) qui a étudié à l’AA de Londres sous l’enseignement de Tschumi. Malgré (ou grâce à?) ses études d’architecture, Il se lance dans le design et nous avons tous déjà vu sa célèbre étagère à livres: Bookworm qui se plie et se déplie tout en courbes(Bookworm désigne en anglais les larves qui se nourrissent de bois sec et qui se retrouvent parfois à dévorer du papier dans les vieilles bibliothèques mal entretenues. Ces mites ou vers à livre ont donné en anglais (ou en allemand également, et certainement dans tout un tas d’autres langues), de manière fort à propos, leur nom à ce que nous appelons en français des rats de bibliothèque).

Bref, ce musée est le bel exemple de ce que les recherches d’un designer (l’obsession de la courbe par exemple) peut permettre de donner dans la durée et dans l’obstination constructive. La construction d’un telle structure aussi complexe avec une telle perfection (seamless, comme diraient les anglais: sans couture) est tout à fait éblouissante.

Le musée a ouvert ses portes le 2 février 2010.

1. plafond de la galerie supérieure, comprenant des variateurs de lumière naturelle
2. galerie supérieure
3  structure courbe en béton formant perimètre
4. premier étage, aile est de bureaux
5. structure en acier soutenant la galerie supérieure
6.  sous sol, aile EST
7. rez de chaussée, aile EST
8. poutres sur champ permettant à la lumière naturelle d’irriguer l’espace sous-jacent
9. poutres en béton formant la structure du plafond de la galerie inférieure
10. galerie inférieure
11. structure courbe en béton formant périmètre
12. cour intérieure
13. rubans en acier corten s’enroulant autour de la cour.

Projet: Holon Design Museum
Lieux:Holon (banlieue sud de Tel Haviv), Israël
Architecte: Ron Arad
Construction: 2006-2010
Surface: 3700 m²

Sources et crédits photographiques: deezen, présence sur la toile du holon design musuem, marielle (photo bookworm, sous licence creative commons).

LE CUBE EN EAU

L’exposition universelle à Yeosu se concentre sur la puissance et la beauté des océans. Comment exprimer cela ? Peut être en faisant un bloc d’eau ? Un bloc qui est extrait de l’océan.

LE HALL DES OCÉANS

L’espace d’eau central se transforme en cathédrale, comme un espace qui célèbre les océans. Avec toutes les différences environnementales dans le monde. La mer profonde, les pièces tropicales, les palétuviers, les récifs, etc.

LA CARTE DU MONDE

Les bassins sont organisés comme une carte du monde. De sorte que n’importe quelle mer puisse être montrée et placée clairement : les mers polaires sur le dessus et le bas, et les pièces tropicales au milieu, …

Plus d’infos en Anglais sur ArchDaily

Ce projet a déjà plus de deux ans mais une amis me l’a fait découvrir le week end dernier. Je trouve ce projet assez intéressant, c’est pourquoi je reviens dessus.

Ce projet est donc une sorte de chapelle origami. Elle a été construite pour les religieuses catholique du village de Saint-Loup dans le sud de la Suisse. Le bâtiment est temporaire, il a été construit par LocalArchitecture, une agence basée à Lausanne, ils utilisent les principes structurels inspirés par le papier plié (origami). L’agence a gagné ce concours afin de construire ce lieux de culte temporaire afin que les religieuses puissent aller au culte comme avant car leur église etait en travaux pour 18 mois.

Les architectes ont contacté des ingénieurs de l’université ETH de Zurich afin qu’on les aide à la construction d’une structure de bois à bon marché. L’agence a été mis en contact avec le professeur Yves Weinhard et le Dr Hani Buri, qui travaille sur les façons d’utiliser le pliage pour créer la force et la rigidité des structures de petite taille.

La chapelle est assez petite. Des murs de bois de 7m jusqu’à 12m dans la nef. À l’extrémité ouest, se trouve un mur de verre recouvert de cuivre. La forme complexe des panneaux de bois a été produite par une découpe laser numérique, mais elle a été construite par des charpentiers locaux. La chapelle a été conçu pour être démontés et reconstruits ailleurs à la fin de son mandat.

Les diaconesses avait besoin d’une structure temporaire pour des activités religieuses de leur communauté au cours d’une vaste rénovation de leur maison-mère. Le nouveau procédé développé récemment en IBOIS pour générer des formes architecturales fondées sur l’origami a fourni une solution idéale. La chapelle a été construite en moins de deux mois, et l’ensemble du projet a pris moins de 6 mois, du début à la fin. La structure est à la fois économique et écologique, car il a été construit en utilisant des panneaux de bois.

La chapelle de bois est la première structure à grande échelle qui intègre la conception et l’analyse structurale basée sur les études de Weinand & Buri. Ils ont créé SHEL, une start-up qui sert à développer au mieux cette combinaison unique entre l’architecture et l’ingénierie.

Source: ArchDaily, LocalArchitecture

L’épisode de cette semaine que vous pouvez encore voir pendant cinq jours sur Arte+7 (ici) fait la part belle à des projets très high-tech dont les tours à parking automatiques de l’usine Volkswagen à Wolfsburg avec une interview de l’architecte très intéressante.  Nous retiendrons au delà des prouesses de la technique des silos à voiture, le projet très original de Carloft s.a.r.l. dans le quartier de Kreuzberg à Berlin, soi disant snob mais bigrement intéressant, d’un ascenseur à voiture qui permet de garer sa voiture sur la terrasse de son appartement (avec femme et enfants). La vie révée de la typologie de la maison conciliée avec les contraintes de la densité qui nous rapproche en clin d’oeil des villas supperposées de Le Corbusier. C’est quand même mieux de décharger le coffre de son gros 4×4 porsche sur sa terrasse que de se taper le déchargement au troisième sous-sol et de galérer pour tout remonter. Idem pour emener les enfants à l’école…  Certes, un accessoire pour clients très fortunés, mais intéressant quand même! Pour une fois que les caprices architecturaux de riches ne sont pas totalement dénués de bon sens …

Crédits: Der Glamour des Abstellraumes (l’Art du Parking), Episode 2, Série documentaire, 2009, Allemagne (ZDF), réalisé par Michael Trabitzsch

Joli coup pour une campagne de pub sur la sécurité routière à vélo et l’importance d’allumer ses lumières… Un remake d’un bon vieux Jackie Chan. Le bâtiment avec sa pente monumentale s’appelle le Willemswerf, oeuvre de l’architecte Wim Quist. Le bâtiment s’inscrit dans la géniale tradition hollandaise de bâtiments en hauteur qui réalisent le tour de force, par variations « apparement formelles » sur le thème générique de la « boite-qui-répond-aux-contraintes-économiques-du-marché-de-la-construction-et-dont-tant-d’architectes-prétendent-ne-pouvoir-s’affranchir » , de créer des lieux non seulement uniques mais aussi pertinents et opportuns du points de vue urbain: l’intelligence architecturale en un mot.   

source: www.fatbmx.com,

crédits photographiques: (sous licence creative commons): tdietmut  pour limage d’ensemble (vue urbaine), et Silvain de Munck  image de titre (détail de façade)

- On mate des films et on essaye de les poster ensuite ». qu’on répond.

Hier c’était séance Arte+7 chez DailyCharrette. Après le reportage sur les paradoxes du cannabis,  on s’est envoyé un autre très bon documentaire derrière la cravate.

26 min de film sur l’architecture contemporaine des parking que vous pouvez encore visionner gracieusement pendant 5 jours sur Arte+7.

Le travail du vide sous terre, de la lumière, de ce qui aide à la perception d’un espace rassurant etc. etc. Sacralisation du banal, ode au mouvement, contrastes entre la technologie mobile et vrombissante de l’auto et l’immobilité imposante, silencieuse de l’architecture etc. Une histoire que les gros sous de l’ingénierie ne parvenaient pas à résoudre. Il fallait effectivement faire plancher des architectes sur la question.

Une bonne surprise, Jean-Michel Wilmotte y fait bonne impression. Son projet à Lyon (et au delà, la volonté de fil rouge et d’innovation architecturale impulsée par la ville de lyon, maître d’ouvrage éclairé) est tout à fait convainquant. Un peu classique, diront certains, mais c’est fort beau.

Un projet d’OMA suivi par Floris Alkemade à La Haye, un autre à Graz (quelle belle ville, si joliment baroque avec son petit bijou de Peter Cook) , histoire de montrer la richesse de la pratique contemporaine du parking en ville et des problématiques de continuité urbaines associées aux technologies futuristes.

Dépêchez vous de jeter un oeil sur Arte+7 tant qu’il en est encore temps, ca vaut le coup!

Crédits: Der Glamour des Abstellraumes (l’Art du Parking), Film documentaire, 2009, Allemagne (ZDF), réalisé par Michael Trabitzsch