Et c’est ça qui m’a piquée. Pas la question en soi, mais ce qu’elle sous-entend : que n’importe qui, ou n’importe quelle machine, aurait pu pondre la même chose. Honnêtement, ça en dit plus long sur l’époque que sur mon livre. On est rendus à regarder un texte en se demandant si c’est vraiment quelqu’un qui l’a écrit. Avant, la question ne se posait même pas.

Soyons claires sur une chose. L’IA comme outil, ça ne me dérange pas. Je m’en sers dans la vie de tous les jours. Pour classer, résumer, reformuler, dégrossir le travail mécanique qui prenait des heures avant. On va se le dire, ça sauve un temps fou sur les tâches répétitives. De ce côté-là, aucun problème, c’est utile et c’est tout.

Ça change quand on parle de création. Il y a des choses qu’on ne peut pas faire faire par quelqu’un d’autre. Faire l’amour, par exemple. Personne n’accepterait qu’un autre le fasse à sa place, parce que ce qu’on cherche, c’est l’intimité qu’on vit à la première personne, l’émotion qui se dégage de l’acte et l’expérience fondamentalement humaine. Un marathon, c’est pareil. Les 42 kilomètres, tout l’intérêt, c’est de les avoir courus avec ses propres jambes. Une médaille gagnée par quelqu’un d’autre, ça ne veut rien dire.

Mon livre, je l’ai écrit en six jours, presque une semaine. Et quelle semaine. J’ai pleuré, j’ai détesté ce que j’écrivais, je me suis trouvé nulle et “unworthy”, puis je me suis resaisie et j’ai continué. J’ai à peine dormi, j’ai bu beaucoup trop de thé noir, et j’ai posé le dernier mot à 4 h du matin, le samedi de mon anniversaire, le 23 mai. Sérieusement, cette expérience a été tellement intense que quelque chose en moi a changé. Ça m’a poussée plus loin que ce que je pensais possible. Et même si je l’ai écrit en une semaine, tout ce qu’il y a dedans vient d’années dans des archives poussiéreuses de musée, à lire, me tromper et recommencer. Une machine peut produire le même nombre de pages. Elle n’a juste pas vécu cette semaine-là, ni les années d’avant.

Et je ne suis pas la seule à voir ça comme ça. À Cannes, en mai, Seth Rogen a été pas mal direct : se servir de l’IA pour écrire, ce n’est pas écrire, et “si tu ne veux pas passer par le processus, tu ne devrais pas être écrivain” (Variety, 2026). Son film d’animation Tangles est dessiné à la main, image par image. Et ce gars-là a gagné des prix pour l’écriture de sa série The Studio, donc il sait de quoi il parle. Le processus, c’est exactement ça, la création.

Et oui je sais que la création a toujours emprunté d’autres mains. Rubens (1577-1640), le peintre Baroque, avait son atelier de peintres, tous entrainés dans son style pour l’aider à peindre ses fresques et murales. Les grands.es couturiers.ères, ont leurs équipes pour mettre en oeuvre leurs idées. C’est vrai. Sauf que l’atelier exécute une idée qui vient de quelqu’un. Avec l’IA, on lui demande de trouver l’idée à notre place, et une idée sans personne derrière, c’est un collage de millions d’autres idées disponibles sur le web avec lesquelles l’IA fait une moyenne pour pondre une idée dépourvue d’expérience humaine. À contrario, l’éditorial d’Elle Fanning pour Who What Wear a complètement rejeté les préceptes de l’IA pour proposer un shooting avec des découpages de carton quirky et unique.

Ce qui m’inquiète pour vrai, c’est qu’on va se retrouver noyés sous des objets “corrects” mais vides, parce que c’est rentable et illimité. La création va continuer d’exister. C’est plutôt l’imitation qui devient gratuite, et notre capacité à faire la différence entre ce qui est uniquement humain et ce qui a été généré par une machine qui risque d’en souffrir. I said what I said.

On le voit déjà dans les arts décoratifs. Allez sur n’importe quel engin IA et demandez-lui de générer un intérieur. Le résultat sera “parfait” sur papier : bonnes proportions, palette accordée, mobilier bien agencé, fenestration abondante, un nombre de sources lumineuses adéquat. Ok, mais où est l’âme de cet intérieur? Son petit givrage sucré qui le rend unique et qui fait qu’on s’y reconnaît. Ça c’est une question de goût et de discernement, et le goût demande plus que de la technique. C’est un point de vue, et un point de vue se construit avec l’expérience : ce qu’on a vu, aimé, détesté.

Ce qui donne du caractère à un intérieur, c’est souvent un détail avec une histoire : un objet rapporté de voyage, une couleur liée à un souvenir. D’ailleurs, les grandes maisons l’ont compris. Loewe, fondée à Madrid en 1846, fait de sa dernière pub un éloge du fait main, que la presse a lu comme un non assumé à l’IA. Le fait main est rendu un argument de vente.

Donc quand on me demande si une machine a écrit mon livre, je comprends maintenant pourquoi ça m’a fâchée. La question touchait exactement à ce que mon travail a d’irremplaçable. Une machine peut tout imiter, sauf avoir vécu. Et le reste, le goût, le point de vue, ma voix, ça vient de là. On ne crée pas à la place de quelqu’un, pas plus qu’on ne vit à sa place.

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On a enterré le rideau avec le minimalisme. Fenêtre nue, store invisible, lumière crue sur le mur blanc : pendant vingt ans, le tissu aux fenêtres a incarné tout ce qu’on voulait fuir. Le lourd, le sombre, le décor hérité. Je pense qu’on s’est trompés sur la nature de ce qu’on jetait. Le rideau qu’on a retiré n’était pas un ornement superflu. C’était la dernière trace d’une idée beaucoup plus ancienne : le textile comme architecture, au même titre que le mur et la poutre.

Le tissu a précédé le mur lisse

Avant d’être décoratif, le textile était structurel. Au Moyen Âge, la tapisserie n’habillait pas la pierre par goût du motif. Elle isolait du froid, absorbait le son, découpait des pièces dans des salles immenses, et se roulait pour suivre son propriétaire d’une résidence à l’autre. Une richesse portative autant qu’un confort. Le damas tient son nom de Damas, carrefour par lequel ce tissage réversible a transité vers l’Europe. La dentelle, à certaines époques, valait plus cher au mètre que l’argent travaillé. Deux mots qui disent la même chose : le tissu d’ameublement a longtemps été un objet de statut et d’ingénierie domestique, pas une fioriture. La fenêtre nue, elle, n’a rien d’une évidence. C’est une position idéologique, héritée du modernisme, qui a confondu l’absence de tissu avec l’honnêteté de l’espace.

Au-delà de la tendance, une fonction

Ce que je constate depuis deux ou trois ans ne relève pas du cycle décoratif. Le rideau ne revient pas parce qu’il est joli. Il revient parce qu’on redécouvre ce qu’il fait. Un intérieur sans textile sonne creux, littéralement : il renvoie le bruit, surtout dans les plans ouverts qu’on a multipliés. Le tissu corrige cela. Il adoucit l’acoustique, filtre la lumière au lieu de la subir, et donne au regard une surface qui respire. On parle d’architecture souple pour décrire cette couche : un matériau qui structure sans cloisonner, qui module la pièce selon l’heure. Le rideau ne cache pas une fenêtre. Il met la lumière en scène et organise le temps d’une journée dans une pièce. C’est exactement la fonction que la baie vitrée nue avait évacuée au nom de la pureté. La même logique explique le retour du tapis épais, du panneau de feutre, de la tête de lit capitonnée. Le textile rentre par toutes les portes, parce qu’il répond à un manque que vingt ans de surfaces dures ont rendu palpable.

Pierre Frey, gardien d’une lignée

S’il fallait une maison pour incarner cette continuité, ce serait Pierre Frey. Fondée à Paris en 1935, elle crée et fabrique étoffes, papiers peints et tapis dans un éclectisme revendiqué, puisant aussi bien dans le XVIIIe siècle français que dans les arts du monde. Mais l’essentiel est ailleurs. En rachetant Braquenié, née en 1824, et Le Manach, née en 1829, Pierre Frey est devenue dépositaire d’archives textiles dont les plus anciennes remontent à la Renaissance : damas, brocatelles et velours reproduits à partir de pièces conservées. Choisir une de ces étoffes pour une paire de rideaux, ce n’est pas suivre une saison. C’est faire entrer chez soi un motif qui a déjà traversé quatre siècles. À Montréal, les collections Pierre Frey sont disponibles à La Maison Générale. Reste ensuite le travail de la confection, là où une étoffe d’archive devient un rideau qui tombe juste : un atelier sérieux compte autant que le tissu choisi.

La nuance qui compte

Une réserve s’impose. Le retour du rideau peut vite basculer dans la surenchère : tringles dorées, drapés théâtraux, tissu partout pour signaler qu’on a du goût. Ce serait répéter l’erreur inverse du minimalisme. Le but n’est pas de tout recouvrir. Il est de réintroduire une seule couche que l’ère de la fenêtre nue avait supprimée. Un panneau bien fait, dans une étoffe juste, en dit plus qu’une pièce surchargée. La règle est simple : on choisit le tissu pour ce qu’il fait à la lumière et au son, pas pour ce qu’il proclame.

Un objet qu’on achète une fois

Le rideau appartient à la même famille que la bibliothèque d’auteur ou le meuble transmis : ces objets qu’on n’achète qu’une fois. Il ne se démode pas, parce qu’il n’a jamais vraiment été une mode. Il était là avant le mur lisse, il sera là après. Dans une économie de l’attention courte, le tissu reste la première architecture du confort, et la plus durable.

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L’étagère comme architecture du soi

Bien avant TikTok, la bibliothèque domestique était déjà un marqueur de statut. Les Harvard Classics, publiées à partir de 1909, étaient vendues avec une étagère de cinq pieds spécialement conçue pour les contenir, et un livret promettant un programme de lecture en quinze minutes par jour. Le Book-of-the-Month Club américain a été fondé en 1926 (Rappler). L’histoire du meuble-bibliothèque comme déclaration culturelle est centenaire.

Ce qui change en 2026, c’est la pièce elle-même. La bibliothèque cesse d’être un contenant neutre. Elle redevient ce qu’elle était à la Renaissance dans les studioli italiens : une scène, un autoportrait, un objet sculptural à part entière.

Voici sept bibliothèques disponibles au Québec, qui couvrent l’éventail des budgets et des intentions.

Sept bibliothèques pour habiter la tendance

Disk, par Sacha Lakic. Une structure noire fine sertie de disques de verre coloré, conçus comme un vitrail contemporain. La pièce joue sur la transparence et la lumière. Idéale pour qui veut afficher quelques objets précis et laisser le meuble lui-même devenir l’œuvre.

Ruban, par Luca Binaglia. Une bibliothèque qui se déploie comme un ruban, étagères de bois soulignées d’une bande laquée. La fluidité formelle structure l’espace sans l’écraser. Convient aux intérieurs qui veulent du volume sans verser dans la massivité du built-in à l’américaine.

Étagère Primordial de Roche Bobois

Primordial, Roche Bobois. Silhouette organique, irrégulière, travaillée à la main comme une sculpture. C’est la pièce-statement par excellence : elle assume qu’une bibliothèque puisse être une œuvre avant d’être un rangement.

Nuage à Plots, par Charlotte Perriand. Une référence absolue du XXᵉ siècle. Conçue par Perriand entre 1952 et 1956, inspirée des étagères flottantes du Palais impérial de Kyoto, et rééditée par Cassina depuis 2012. Étagères en chêne massif, éléments verticaux en aluminium anodisé courbé. C’est la bibliothèque qu’on achète une fois et qu’on transmet.

Bibliothèque Fil, par Pierre Paulin. Conçue par Paulin en 1972, structure en fil d’acier laqué et étagères en contreplaqué de hêtre. Minimaliste, modulaire, légère visuellement. C’est l’option pour qui veut faire entrer un classique du design français dans son salon sans bloquer la lumière. Ligne Roset est distribué à Montréal via Maison Corbeil au sein du groupe Must Société (La Presse, 3 décembre 2025).

Strip, Castiglia Associati pour Da a, vendue chez Bonaldo Montréal. Cadre métallique soudé à la main, finition noire, version intérieure ou intérieure-extérieure. Graphique, presque architecturale. Disponible directement en showroom au 2, rue Le Royer dans le Vieux-Montréal (Bonaldo Montréal).

Grow Simple Shelving Unit, EQ3. Système modulaire signé EQ3, la marque canadienne basée à Winnipeg, avec montants en hévéa massif plaqué de chêne blanc. Modulable horizontalement, conçu pour s’étendre dans le temps. La pièce d’entrée de gamme pour qui veut construire son bookshelf wealth par strates, sans engager d’emblée le prix d’une icône signée.

La nuance qui compte

Une critique mérite d’être posée. Le bookshelf wealth peut basculer dans ce que Dazed décrit pour la mouvance analogue : une surconsommation déguisée en bien-être. Acheter une bibliothèque pour paraître quelqu’un qui lit, ce n’est plus du bookshelf wealth, c’est son contraire exact. La designer Taylor Migliazzo Simon le formule sans ambiguïté : « If you rush to buy a bunch of books or try to achieve an aesthetic for the sake of a trend, it will come off as inauthentic » (The Everygirl).

La pièce de mobilier, elle, n’est pas la tendance. Elle en est l’infrastructure. Choisir une bibliothèque qui tient trente ans, c’est faire le pari inverse de l’algorithme : un objet long, dans une économie de l’attention courte. C’est probablement ce que le retour du livre, du book club et du vinyle nous dit collectivement depuis deux ans. Le statut, en 2026, ne s’achète plus à la pièce. Il se construit dans la durée.

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Le terme n’est pas né hier. Le minimalisme puise ses racines aussi loin qu’Épicure, 300 ans avant notre ère, pour qui le bonheur passait par un mode de vie simple et frugal. Au XXe siècle, Mies van der Rohe en fait un principe architectural : “less is more”. Puis Marie Kondo en fait une méthode de rangement mondial. Chaque génération réinterprète le concept selon ses angoisses propres. La nôtre, saturée d’images générées à la demande, avait besoin d’une version qui ne soit pas une punition. Ce qui est nouveau de cette ronde de minimalisme est l’aspect “heureux”.

Peralta Vivadi à présent chez Coeur d’Artichaut

Ce qu’on constate actuellement, en design et dans nos intérieurs, n’est pas une rupture avec le minimalisme classique, c’est sa correction. Le blanc total, le dépouillement sans âme, l’espace pour l’espace, c’est terminé. Ce qu’Elisheva propose à la place, c’est un intérieur qui nous appartient. « J’existe, à travers mon décor » dit-elle, pour éviquer le fait que nos intérieurs ont une vocation identitaire et unique à chacun.e. Le minimalisme heureux, c’est aussi une réponse à la fatigue du décor performatif. On n’aménage plus pour impressionner, on aménage pour soi. La perennité remplace la tendance. Un objet prend une place dans l’espace parce qu’il a été adopté et puis aimé et utilisé au quotidien.

Chez Cœur d’Artichaut, les objets ne sont pas là pour remplir un vide. La boutique, nichée avenue Laurier Est dans le Petit Laurier, mise sur une sélection méticuleuse de pièces venues des quatre coins du monde, mais chaque objet a une histoire, une provenance, une raison d’être dans l’espace de quelqu’un. C’est exactement ce que le minimalisme heureux revendique : moins, mais choisi. Moins, mais aimé.

Chaise Carlo par Honoré Design

La réflexion d’Elisheva s’inscrit dans un contexte plus large. Après Pinterest, après l’ère des intérieurs Instagram-parfaits, l’intelligence artificielle est devenue le nouveau moodboard. Puissant pour visualiser, certes. Mais fondamentalement limité : il manque l’aspect de comment on vit dans l’espace. L’IA peut produire en trente secondes un intérieur parfaitement cohérent, chromatiquement juste, tendance au pixel près. Ce qu’elle ne sait pas faire : raconter pourquoi ce bol en grès a voyagé de Porto à Montréal dans un bagage à main, ni ce que représente la lampe héritée d’une grand-mère dans un salon autrement contemporain. Mon intérêt en tant qu’observatrice de ces grands courants design se situe à cette intersection où se rencontre le temps, l’usage, & la mémoire. C’est elle qui donne de la densité à un espace. L’intérieur parfait mais sans biographie, c’est une coquille. Le minimalisme heureux, lui, fait de la place pour cette couche-là.

Le décor vécu échappe à l’algorithme.

En vingt ans à étudier les intérieurs, je n’ai jamais retenu ceux qui étaient parfaits. J’ai retenu ceux qui portaient des traces. Une rayure sur un bureau. Un mur repeint trente fois. Des objets qui n’auraient pas dû aller ensemble et qui, pourtant, forment un récit. C’est ça que le minimalisme heureux protège : le droit d’habiter un espace plutôt que de le mettre en scène.

Suspension “Screen” 70 par Market Set, chez Coeur d’Artichaut

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Un cycle de plus, après le minimalisme scandinave et le maximalism coloré, quelque chose qui passera. Je ne crois pas à cette lecture. Ce que j’ai observé à la Galerie Foil le 2 mai, dans le cadre d’une conférence réunissant six studios montréalais, ressemble davantage à une évolution structurelle qu’à un mouvement de surface.

La question posée en ouverture était précise : le retour à l’artisanat est-il une réaction ou une évolution ? La nuance n’est pas sémantique. Une réaction est défensive, conjoncturelle. Une évolution est organique, irréversible. Ce que les praticiens présents décrivaient relevait clairement de la seconde catégorie.

Le Baiser. Ensemble de salle à manger en noyer par À DEUMAIN STUDIO.

Le panel réunissait cinq studios et pratiques montréalaises dont le point commun n’est pas un style, mais une posture. Juliette et Sharlène de smallmediumlarge travaillent le mobilier custom à l’intersection de l’objet et de la narration. Jérémie St-Onge de Verre d’Onge improvise des vases de verre au moment précis où l’artisan devient aussi l’artiste. Marion Selma Gamba et Julien Peltier d’ADeumain Studio font dialoguer le bois et la céramique dans une gestuelle commune. Zachary Bleau Prevost, sous le nom de l’Atelier Igor Zigor, travaille un bois qui vient directement de la terre familiale : le lien à l’héritage n’est pas décoratif, il est structurant. Jeremy Le Chatelier opère comme artiste multidisciplinaire ancré dans la matérialité. La modération était assurée par Rebecca Murdock, designer industrielle et consultante en art contemporain, dont la pratique se situe précisément là où la ligne entre design et art devient floue.

Ce qui m’a intéressée, c’est que personne dans cette salle ne défendait un retour à quoi que ce soit.

Le mot nostalgie n’avait pas sa place.

Ces praticiens n’imitent pas un passé artisanal idéalisé. Ils intègrent des techniques ancestrales dans une pratique contemporaine, consciente, revendiquée. Le bois de la terre familiale chez Igor Zigor n’est pas un geste folklorique. C’est une déclaration sur la continuité, la transmission, ce qu’un matériau porte avant même d’être transformé.

Table HYPERBOLE par Rebecca Murdock

La question du temps est centrale. L’artisanat propose une temporalité qui s’oppose directement à l’instantané & à la vitesse des médias sociaux, à la cadence de l’IA, à la logique de la production de masse. Un objet fait main raconte son propre temps de fabrication. Il porte la trace du corps qui l’a produit. Comment ça a été fait est aussi important que l’objet lui-même, une observation partagée par Le Chatelier, est la plus juste que j’aie entendue sur le sujet depuis longtemps. Elle déplace la valeur de l’objet fini vers le processus qui l’a rendu possible. C’est un renversement considérable dans un secteur habitué à ne valoriser que le résultat.

Chaise HUBLOT par Jeremy Le Chatelier

C’est là que la notion d’auteur prend son plein sens.

Le designer comme auteur ne signe pas seulement un objet. Il signe une vision, une méthode, une éthique de fabrication. Créer, comme le formulait Rebecca Murdock, c’est divulguer une idéologie. Smallmediumlarge pose l’enjeu autrement, mais revient au même : mettre une valeur sur qui on est. Ce positionnement est la seule chose qui distingue réellement le designer-artisan du maker hobbyiste. Ce n’est pas la technique. C’est l’intentionnalité.

La question de l’accessibilité reste ouverte, et je pense qu’on aurait tort de la fermer trop vite. L’artisanat est né d’un besoin fonctionnel. Le design l’a poussé vers le désir, le statut, parfois le luxe. William Morris, Eileen Gray, Charlotte Perriand ont tous buté sur ce paradoxe : comment faire que l’objet bien fait soit autre chose qu’un privilège ? La réponse pragmatique du panel — la galerie accessible gratuitement permet de vivre l’objet sans l’acheter — est honnête mais partielle. Elle résout l’accès à l’appréciation, pas l’accès à la possession. C’est une distinction qui mérite d’être maintenue.

Ce que cette génération de designers montréalais incarne, en revanche, me semble solide et durable. Ils produisent en petites séries, travaillent leurs matériaux avec une connaissance réelle, documentent leur démarche, refusent que la valeur d’un objet soit définie uniquement par son prix ou sa scalabilité. Ce n’est pas contre le marché. C’est en dehors de sa logique dominante.

Et ça, ce n’est pas une tendance. Les tendances cherchent à séduire. Ce mouvement-là cherche à durer.

Conférence « Le designer: auteur avant tout », Galerie Foil, Montréal, 2 mai 2026. Dans le cadre de la Semaine design de Montréal, initiative retenue par le Bureau de design de la ville de Montréal.

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Le nom de Kate Reed circule peu dans les conversations sur l’histoire du design canadien. Pourtant, cette femme née à Cobourg en Ontario en 1856 a, selon toute vraisemblance, posé les fondements du métier de décoratrice d’intérieur au pays, bien avant qu’Elsie de Wolfe n’ouvre le Colony Club à New York en 1907, souvent cité comme acte fondateur de la décoration professionnelle féminine en Amérique du Nord.

Topley Studio, Kate Reed, Avril 1896, Library and Archives Canada, PA-201232

Reed, née Kate Armour, était la fille aînée du juge John Douglas Armour de la Cour suprême du Canada. Elle avait fréquenté l’élite du Gilded Age new-yorkais : les Morgan, les Astor, les Vanderbilt, Thomas Edison. Elle comptait aussi parmi ses relations Sir Wilfrid Laurier et les grands magnats du chemin de fer canadien, William Van Horne et Sir Thomas Shaughnessy. Ce réseau n’était pas anecdotique : c’est précisément ce capital social qui lui a ouvert les portes du Canadien Pacifique.

En 1900, lorsque son second mari Hayter Reed devient directeur général des hôtels du C.P.R., elle prend en charge la redécoration de l’ensemble du réseau hôtelier : Château Frontenac, Banff Springs Hotel, Empress Hotel, Hôtel Viger, Château Lake Louise, entre autres. Elle n’avait pas de formation formelle en design. Ce qu’elle avait, c’est un œil, un carnet d’adresses, un accès direct aux archives de la mode décorative de son époque, et des journaux personnels dans lesquels elle consignait chaque décision, chaque achat, chaque hésitation. Ces journaux, conservés aux archives du Musée McCord, constituent aujourd’hui une source primaire exceptionnelle.

Salon décoré Kate Reed au Château Frontenac, Québec, entre 1900 et 1905, Archives du Canadian Pacific Railway, A.16541.

Son travail au Château Frontenac illustre avec précision les tensions de son époque. D’un côté, les salons communs, le Red Room et la Ladies’ Drawing Room, reflètent le vocabulaire victorien tardif qu’elle maîtrisait : meubles anciens achetés chez son amie Ada près des chutes Montmorency, plantes tropicales en pots de laiton, chintz, bibelots, papiers peints japonisants. Elle préférait les antiques aux reproductions industrielles, rejetant les objets de fabrication mécanique au profit de pièces façonnées à la main. Rémi Labrusse nommerait ce geste une réponse au « chaos » ornemental de l’ère industrielle : une tentative d’inscrire la modernité par l’accumulation plutôt que par la rupture.

De l’autre côté, les suites thématiques du Château Frontenac racontent une autre histoire. La suite Habitant, avec ses meubles en pin, ses catalognes tissées à la main, son rouet dans le coin et son prie-dieu, présentait les premiers colons canadiens-français comme un peuple figé dans un passé immuable. Rustique, pittoresque, destiné à être admiré par une clientèle anglo-américaine fortunée plutôt qu’à être reconnu comme contemporain. La chambre canadienne-française, les lits à colonnes gravés de Je me souviens, les panneaux sculptés géométriquement : tout cela fabriquait une scénographie du passé colonial, non du présent vivant.

Chambre “canadienne française”, Château Frontenac, Archives du Canadian Pacific Railway, M.5017.

Ce n’est pas un hasard si ces choix coïncident avec le projet identitaire du Canadien Pacifique lui-même : celui de vendre un Canada exotique, sublime, à la fois archaïque et accessible. Kate Reed en était, consciemment ou non, une actrice centrale.

Kate Reed lit à son pupitre dans la suite Royale du Château Frontenac. Un portrait d’elle (1901), par Robert Harris, est accroché au-dessus. Vers 1905, C.P.R. Archives, A.1651.9.

Son portrait, commandé à Robert Harris en 1901 et accroché dans son bureau-salon de la suite royale du Château, dit beaucoup sur la femme qu’elle était. Elle écrit dans son journal : “I know Hayter will think I am crazy to put myself into a portrait — BUT I feel I owe it to my children and to their children. I want them to feel ME.” Cette phrase saisit une femme qui savait son importance, même si l’histoire officielle tardait à la lui reconnaître.

Robert Harris, Portrait de Kate Reed, 1901, Musée McCord, MEL 966.188.1.

Kate Reed est décédée en 1928, sans jamais figurer dans le canon des Great Lady Decorators qu’Adam Lewis a reconstitué en 2010, aux côtés de Dorothy Draper, Syrie Maugham et Elsie de Wolfe. Cette absence est révélatrice. Le design canadien reste trop souvent regardé depuis ses marges, avec des œuvres majeures laissées dans l’ombre des récits institutionnels. Reed mérite sa place dans cette histoire : pas comme anecdote, mais comme figure fondatrice dont l’œuvre, complexe et contradictoire, reflète précisément les forces qui ont façonné ce pays.

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Cette saison, les podiums de Paris à New York ont affiché des options sky blue en abondance, dans un élan collectif vers quelque chose de plus léger, plus libre, ouvertement expressif. , Dior, Miu Miu, Chanel: des maisons différentes dans leurs codes visuels, réunies par une même teinte. Ce genre de convergence sur les podiums n’arrive pas par hasard.

Chez Louis Vuitton, Nicolas Ghesquière a construit sa palette autour du powder blue, du rose pâle, du crème et du beige chaud dans une gamme qui suggère l’intimité, la douceur, le luxe sans ostentation. Le bleu ciel y fonctionne comme un neutre élevé plutôt qu’une couleur declarative. C’est précisément ce qui le distingue des tendances couleur des saisons précédentes, plus agressives dans leur logique de visibilité.

Chez Loewe, le trio bleu ciel, émeraude et orange tient parce que les couleurs s’y partagent l’espace au lieu de se disputer l’attention. C’est une leçon utile pour l’habillage quotidien : le sky blue ne cherche pas à dominer. Il organise.

Comment l’intégrer sans effort apparent.

Le bleu ciel supporte très bien l’écru et le blanc cassé par son association nette, lisible, propre. Avec du caramel ou du brun tabac (comme ce pull rayé de chez Noble), il prend une qualité plus chaude et inattendue. Avec de l’argent, il penche vers le glacial et le contemporain ; avec du chocolat brun, il retrouve quelque chose de terreux et ancré.

pull à rayures, NOBLE, 119$

En matière, il demande de la légèreté : coton fin, soie, lin souple. Une chemise oversize, une jupe midi fluide, un blazer non structuré. Les silhouettes fluides et le plissé lui donnent une qualité presque liquide. L’entrée la plus facile reste l’accessoire unique dans une tenue neutre. Un sac, une ceinture, un carré de soie (comme le Horse Variation de Chromatic Vibes) , une paire de mules. Suffisant pour signaler la saison sans en faire le sujet de la conversation.

sac à main Masaki, chez Buk & Nola, 98$

Ce qui se passe sur les podiums annonce rarement l’intérieur de façon directe. Mais la couleur, elle, voyage. Et le bleu ciel a toujours voyagé vite, parce qu’il appartient à une mémoire profonde des espaces habités.

Une couleur avec un passé long

Le bleu dans l’intérieur n’est pas une invention contemporaine. Dans les cultures anciennes, le bleu était associé au ciel et aux dieux. C’était la couleur du divin, du transcendant, de ce qui dépasse l’humain. En Occident, cette charge symbolique s’est progressivement déposée dans les objets du quotidien. Dès le XVIIe siècle, la porcelaine bleue et blanche chinoise était exportée massivement vers l’Europe et collectionnée par des rois. Les faïenceries de Delft ont repris ce bleu, en ont fait l’identité d’une industrie entière, et ont diffusé la couleur dans tous les intérieurs européens, des cuisines aux salons. William Morris lui-même utilisait des carreaux de Delft bleu et blanc pour décorer sa maison, Red House (source: V&A).

Hello Djerf Avenue, Gotain

Ce que la couleur fait dans un espace

Le bleu ciel agrandit visuellement les volumes, ajoute de la lumière et donne aux pièces une qualité aérienne. Il fonctionne comme un dilatateur d’espace. C’est de la physique de la perception qui dépasse largement la tendance.

Il est aussi remarquablement stable dans ses associations. Avec du blanc ou de l’écru : clarté totale, intemporelle. Avec du bourgogne : la chaleur équilibre la fraîcheur (comme avec ce jeté Arctic Fox chez Kaléidopamine). Avec du laiton ou du bronze: sophistication immédiate. Avec de l’émeraude et de l’orange, les couleurs se partagent l’espace sans se concurrencer.

Jeté Arctic Fox chez Kaléidopamine, 85$

Comment l’habiter, concrètement

Le bleu ciel peut prendre plusieurs formes dans un intérieur selon le degré d’engagement voulu.

• Un mur peint: idéalement dans une pièce orientée sud pour éviter le glissement vers le gris.
• Un textile suffit souvent : rideau en lin, draps bleus ciels à fleurs blanches, tapis à trame visible.
• La céramique: un vase, une série de bols, ou un plateau introduit la couleur sans permanence, avec la richesse de la matière en prime.

La règle la plus utile reste celle du fond neutre : le bleu ciel porteur dans un espace, ça signifie souvent que tout le reste est calme. Il n’a pas besoin de compétition. Il a besoin de silence autour de lui.

Guide shopping:

• Veste de travail Le Mont Saint-Michel chez La Maison Générale, 425$
• Jeté fraises chez Coeur d’Artichaut, 119.95$
• Ustensiles de Sabre Paris chez Goodee World, 99$ le set de 4.
• Robe chemise de Province of Canada, 188$
• Vernis à ongles “les Hamptons” de Bkind, 10$
• Casquette Avila par le Mont Saint-Michel chez La Maison Générale, 115$
• Crayons “the Explorer” chez Kaléidopamine, 18$
• Chaise N02 de Fritz Hansen chez Goodee World, 615$

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Chaque année, c’est sans doute la liste la plus attendue, et la plus joyeuse, à préparer. Offrir à mes filles, c’est un peu comme leur glisser un morceau de mon cœur enveloppé de douceur, de couleur et d’un brin de fantaisie. Ce sont les petites choses qui racontent leur univers : un carnet pour noter leurs idées, une huile à lèvres qui brille juste assez, un pull douillet pour les soirs d’hiver. Voici les cadeaux qui, je crois, feront naître chez les ados ce sourire que j’aime tant.

Pour les ados:

• Réveil intelligent Hatch Restore 2 Smart
• Mascara BigShow Electro d’Annabelle (compagnie québécoise)
• Annabelle BigShow stylo ombre à paupières (compagnie québécoise)
• Fenty Beauty by Rihanna Huile à lèvres
• Carnet personnalisé Roadbook de Louise Carmen
• Ensemble de 5 feutres fins High Energy chez Bref Montréal
• Boîte à lunch puffy fraises de Baggu chez Bref Montréal
• Pull en cachemire d’UNIQLO
• Barrel jeans “Danica” de Yoga Jeans (compagnie québécoise)
• Casquette sherpa Yankees à la Maison Simons
• Vinyle deluxe 99 Nights de Charlotte Cardin (artiste québécoise)
• Ballerines Speedcat de Puma chez Little Burgundy

Pour lui, j’aime choisir des objets à la fois beaux et utiles, qui allient confort, caractère et un soupçon de raffinement. Des détails qui accompagnent le quotidien sans le dominer, comme une chemise bien coupée, un parfum de bois flotté ou un accessoire pensé pour durer. Cette sélection, c’est un peu un hommage à sa façon d’être : calme, précis, toujours curieux des choses bien faites.

Pour chéri:

• • • Mocassins “The Fall of the Giants” Duke & Dexter chez Simons
    • Bonnet “Teddy Bear” Ralph Lauren
    • chemise en demin “Envolée de canards” par Hooké (compagnie québécoise)
    • Rosemont Bleuets signé Distillerie de Montréal (companie québécoise)
    • Sel Tadoussac par Sel St-Laurent (compagnie québécoise)
    • Solaires Carrera “CA-1053 S TI” chez IRIS
    • Revitalisant à barbe de GROOM (compagnie québécoise)
    • Serres livres PI créés par Alain van Havre chez Coeur d’Artichaut
    • Ensemble Rituel quotidien pour les cheveux d’Alcôve (compagnie québécoise)
    • Coffret de fumage à cocktails de Helius Originals (compagnie canadienne)

Pour ma Mommy, j’aime imaginer des présents qui enveloppent, qui apaisent et qui rappellent la beauté du quotidien. Des textures douces, des senteurs réconfortantes, un livre à feuilleter lentement, un bijou discret qui capte la lumière. Maman, c’est celle qui donne sans compter, alors chaque année, j’essaie de lui offrir un peu de calme, un peu de luxe, et surtout beaucoup d’amour.

Pour Maman:

• Livre Habiter la mer chez La Maison Générale
• Coussin en velour brodé chez Buk & Nola
• Collier en jade SOGA par Nina Janvier (compagnie québécoise)
• Assortiment d’infusions “À la carte 5” de Camellia Sinensis (compangie québécoise)
• Huile à la Vitamine E de Pura d’Or
• Lunettes “LO-778S” de Longchamps chez IRIS
• Chemise Valentine par Lele de Baltzac chez Coeur d’Artichaut (compagnie québécoise)
• La Collection Aritzia de Salt & Stone
• Veste de travail Le Mont Saint-Michel à la Maison Générale
• Baume à lèvres Pur Miel de Miels d’Anicet (compagnie québécoise)

Pour mes copines, mes “ride or die”, je choisis des objets qui célèbrent la douceur, la créativité et le plaisir de prendre soin de soi. Ce sont mes alliées du quotidien, celles avec qui les fous rires éclatent, les confidences s’étirent et les cafés durent toujours un peu trop longtemps. Alors leurs cadeaux, je les veux à leur image : lumineux, un brin arty, et toujours pensés avec le cœur.

Pour les copines:

• Mini créoles avec perles de Summer Memories (compagnie québécoise)
• Farah veste de denim par LOIS Jeans
• Palette en céramique pour l’aquarelle de L’Atelier Retailles X Keven Lee (compagnie québécoise)
• Ensemble de peinture aquarelle “couleurs neutres” faites à la main au Québec par Marie Fil (compagnie québécoise)
• Rhode Miniessence pour le visage aux céramides Glazing Milk
• Annabelle Biggie Bronzer, poudre bronzante radieuse sans talc (compagnie québécoise)
• Trio de gloss, saveurs des fêtes, de Summer Fridays
• Bague “Miel de fleurs”, une collabo entre Claudie Lamarre (Out of The) et Le Chatelier (compagnies québécoises)
• Chocolat noir au thé Chai de Avanaa (compagnie québécoise)
• Le trench réversible Noble (compagnie québécoise)

Parce qu’on passe une bonne partie de nos journées ensemble, j’aime offrir à mes collègues des attentions qui prolongent un peu la chaleur du bureau, des objets beaux, utiles, gourmands, et toujours choisis avec soin. Qu’il s’agisse d’un carnet pour noter leurs idées, d’un savon qui parfume subtilement le quotidien ou d’un chocolat à partager entre deux réunions, ce sont de petits clins d’œil qui disent : merci pour cette année passée côte à côte.

Pour les collègues:

• Porte documents Barbour à la Maison Simons
• Appareil photo à films 35mm AgfaPhoto
• Bouteille à café glacé Nespresso (en 4 couleurs)
• Cardigan “Gaspard” de Sézane
• Savon à mains “Forêt” de Christian Tortu, Paris, chez Sur mon X
• Receuil de pensées et dessins “Pastis & Plaisanteries” par Le Chatelier (compagnie québécoise)
• Bougie “Feu de bois” de Diptyque à La Maison Générale
• Boîte de 24 chocolats de Lecavalier Petrone (compagnie québécoise)

Ces présents sont faits pour remercier celles et ceux qui ouvrent leur porte avec générosité et créent cette atmosphère où l’on se sent tout de suite bien. Des attentions délicates, gourmandes ou parfumées, qui laissent un souvenir après le départ des invités. Parce qu’un bon repas se prolonge toujours un peu dans le geste d’offrir.

Cadeaux d’hôtesse:

• Assortiment Découverte 6 de Camellia Sinensis (compagnie québécoise)
• Trio de tartinades au chocolat & noisettes d’Allo Simonne (compangie québécoise)
• Main de sel + sel de mer par Sel St-Laurent (compagnie québécoise)
• Jardin intérieur Gardencube
• Livre Miel par Anne-Virginie Schmidt + Miel d’été des Miels d’Anicet (compagnies québécoises)
• Parfum d’ambience “Terre” de Palo (compagnie québécoise)
• Carafe poisson signée Paola Navone chez La Maison Générale
• Bougie Forêt de conifères de Feu & Co

À travers ce guide, il ne s’agissait pas seulement de trouver le bon cadeau, mais de redécouvrir le plaisir d’offrir avec intention. Dans un monde où tout circule vite, prendre le temps de choisir  devient un acte presque méditatif. Ces objets, ces marques et ces maisons rassemblées ici traduisent une même idée: celle que la beauté quotidienne ne réside pas dans le luxe tapageur, mais dans les détails qui durent, dans la justesse d’un geste, dans la qualité d’une pensée. Qu’il s’agisse d’un savon, d’un livre ou d’un cardigan, chacun de ces présents porte une part de nous : nos goûts, nos valeurs, nos affections.

Puissent ces suggestions inspirer vos propres choix et, surtout, rappeler que la saison des cadeaux n’est pas tant une affaire d’achats que de liens. Car offrir, au fond, c’est reconnaître la présence de l’autre, et lui dire, simplement, qu’elle compte.

Joyeuses fêtes!

v.

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Récemment, j’ai eu l’opportunité d’être invitée en voyage de presse pour visiter la maison mère d’IKEA à Älmhult, en Suède, et découvrir en détail l’évolution de l’enseigne ainsi que ses archives emblématiques.

L’héritage du catalogue IKEA : un outil clé du développement de la marque

Depuis sa création en 1951, le catalogue IKEA a été un pilier fondamental de la stratégie de l’enseigne suédoise. Plus qu’un simple support publicitaire, il a joué un rôle clé dans la démocratisation du design, en présentant aux consommateurs des intérieurs accessibles et fonctionnels. Distribué dans plus de 50 pays et imprimé à plusieurs centaines de millions d’exemplaires, il a été pendant des décennies la vitrine principale d’IKEA, bien avant l’essor du numérique.

L’impact du catalogue repose notamment sur sa capacité à raconter des histoires et à proposer des solutions d’aménagement adaptées aux évolutions de la vie moderne. Chaque édition intégrait des mises en scène inspirantes, conçues dans le studio photo d’Älmhult, un espace de 8 000 m² où les stylistes et designers construisaient des décors reflétant les tendances de l’époque.

En 2021, après 70 ans de publication, IKEA a annoncé la fin de son catalogue emblématique, marquant une nouvelle ère pour la marque. Aujourd’hui, l’expérience client repose sur une plateforme en ligne interactive, permettant aux consommateurs d’explorer les produits en réalité augmentée et de personnaliser leurs choix d’aménagements. Lors de mon récent voyage de presse au IKEA Museum à Älmhult, j’ai eu l’occasion d’observer l’évolution du catalogue à travers les décennies, découvrant comment il a façonné l’image et la communication de l’enseigne.

Les modèles rétro revisités dans la collection Nytillverkad

Pour célébrer son 80ᵉ anniversaire en 2025, IKEA relance plusieurs pièces iconiques à travers sa collection Nytillverkad. Ces rééditions s’inspirent des designs emblématiques des décennies passées, offrant une seconde vie à certains classiques du mobilier et de la décoration. Voici quelques modèles phares de cette nouvelle collection :

• Les vases KÄLLARHALS (1995) Imaginés, en orange et jaune, par la designer Anna Efverlund, ces vases au design distinctif incarnent le mariage entre fonctionnalité et audace visuelle. Leur silhouette sculpturale et leurs couleurs vibrantes en font des pièces de caractère, parfaites pour apporter une touche rétro aux intérieurs contemporains. Ils se marient idéalement avec des étagères en bois clair ou des surfaces en béton poli pour créer un contraste subtil entre tradition et modernité.
• L’abat-jour suspension GULLSUDARE (années 1960) Grand classique en papier de riz fabriqué à la main, cet abat-jour suspendu illustre l’attachement d’IKEA aux matériaux légers et à la simplicité scandinave. Son design intemporel continue de séduire grâce à sa douceur lumineuse et sa silhouette élégante. Installé en accumulation au-dessus d’une table de salle à manger ou en solo dans un coin lecture, il apporte une ambiance douce et diffuse à tout espace.

• Le motif original de la housse KLIPPBRÄCKA (1997) Créé par Anna Efverlund, ce motif graphique a marqué les années 1990 avec ses contrastes audacieux. Réédité dans cette nouvelle collection, il permet d’insuffler une touche rétro aux espaces de vie tout en restant fidèle à l’esprit ludique et accessible du design IKEA. Il fonctionne particulièrement bien dans un intérieur aux influences minimalistes, apportant une touche dynamique sans surcharger visuellement l’espace.

• Le fauteuil POÄNG (1977) Dessiné par le designer japonais Noboru Nakamura, le fauteuil POÄNG est sans doute l’un des modèles les plus emblématiques d’IKEA. Avec sa structure en bois courbé et son assise ergonomique, il allie confort et élégance. Réintroduit dans cette collection, il reste une pièce phare pour les amateurs de design fonctionnel et intemporel. Je recommande de l’associer à un tapis berbère ou à une lampe d’appoint en laiton pour lui donner une allure encore plus sophistiquée. Disponible en plusieurs couleurs, c’est le rouge qui me fait craquer!

• Le fauteuil SKÅLBODA (1983) Conçu par Niels Gammelgaard, ce fauteuil au siège creux illustre l’expérimentation des formes et des matériaux propre aux années 1980. Son design audacieux et son confort distinctif en font un élément phare de la collection Nytillverkad, rappelant l’innovation constante d’IKEA dans le mobilier accessible. Il se prête parfaitement aux espaces modernes et épurés, tout en ajoutant une dimension sculpturale et artistique au décor.

En tant que designer d’intérieur, ce qui me fascine avec cette collection, c’est sa capacité à transcender le temps et à s’adapter aux intérieurs d’aujourd’hui. Ces rééditions ne sont pas seulement des hommages au passé, elles s’intègrent parfaitement dans des espaces contemporains grâce à leur design intemporel et leurs matériaux revisités. L’un des défis du design d’intérieur est de savoir équilibrer l’ancien et le nouveau. Par exemple, l’abat-jour GULLSUDARE s’harmonise à merveille avec un mobilier aux lignes épurées, tandis que les vases KÄLLARHALS peuvent être mis en valeur sur une console en métal noir pour un effet résolument moderne.

J’ai également pu observer, lors de mon passage au IKEA Museum il y a 10 jours, comment ces objets étaient intégrés dans des mises en scène rappelant différentes époques. Cela m’a inspiré à les utiliser comme points focaux dans un intérieur, en jouant avec les couleurs et les textures pour leur donner une nouvelle dimension. À travers la collection Nytillverkad, IKEA réussit à conjuguer nostalgie et innovation, en redonnant vie à des icônes du passé tout en restant fidèle à son ADN : proposer un design accessible, fonctionnel et intemporel.

Photos: IKEA Canada

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Il y a dans le passage à une nouvelle année quelque chose de profondément symbolique, presque rituel. Une page qui se tourne, un cycle qui se referme, un autre qui s’ouvre, empli de promesses et de possibles. C’est l’occasion, rare et précieuse, de s’autoriser à rêver, à recommencer, à se réinventer. Et cette année, pourquoi ne pas l’accueillir avec un éclat particulier – celui du glitter, non seulement dans nos espaces, mais aussi dans nos cœurs ?

Briller, au-delà des apparences

Les paillettes, ces minuscules éclats de lumière, sont bien plus que de simples ornements. Elles évoquent une quête de lumière, un désir d’éclat dans l’obscurité. Elles sont une déclaration audacieuse : celle de vouloir rayonner, même face à l’inconnu.

Dans un monde souvent marqué par la retenue et la discrétion, choisir de briller, c’est refuser de s’effacer. C’est célébrer la beauté du moment présent, l’envie d’exister pleinement. Alors que les festivités du Nouvel An battent leur plein, laissez ces étincelles devenir le reflet de vos propres ambitions : scintiller avec intention, éclairer votre chemin. C’est aussi le moment de repenser sa créativité, ou comment l’exprimer. Je vous ai déjà partagé la petite histoire de ma vie créative.  Mais si ce sont plutôt les livres qui vous attirent et bien, voici une liste de livres qui pourraient vous inspirer.

Créer une atmosphère pour accueillir le renouveau

La décoration du Nouvel An n’est pas qu’une affaire de mise en scène ; c’est une préparation intérieure. Le glitter, sous forme de guirlandes, de bougies, de vaisselle dorée ou de détails sur un tissu, devient une métaphore visuelle du changement. Chaque objet scintillant est une invitation à réfléchir : Quelles sont les lumières que je veux rallumer dans ma vie cette année ? Quels sont les coins d’ombre où je désire désormais voir briller la clarté ?

Le vêtement comme une seconde peau de lumière

Choisir une tenue pailletée ou métallique, c’est envelopper son corps d’une énergie qui attire, qui capte, qui rayonne. Une robe qui étincelle, une veste aux reflets métalliques, ce sont des armures modernes qui annoncent au monde : Je suis prêt·e pour tout ce qui viendra.

Mais au-delà du vêtement, c’est un état d’esprit que l’on enfile. Oser les éclats, c’est oser se mettre en avant, accepter d’être vu·e. Et peut-être, pour cette soirée particulière, s’accorder à soi-même la lumière que l’on réserve si souvent aux autres.

Rêver d’un avenir éclatant

Le Nouvel An est un carrefour où passé et avenir se rencontrent, où l’on regarde derrière soi pour mieux imaginer ce qui est à venir. Le glitter, avec sa lumière mouvante et imprévisible, illustre cette incertitude brillante qui nous habite tous en début d’année.

Dans chaque étincelle, il y a un reflet de ce que nous espérons. Plus qu’une décoration ou un vêtement, c’est une invitation à briller avec audace. À avancer dans l’année qui s’ouvre non pas en demandant la perfection, mais en acceptant l’éclat unique que chaque moment peut offrir.

Que cette année soit une constellation de vos propres éclats. Que vous trouviez la lumière en vous et autour de vous. Que 2025 soit un terrain fertile où chaque rêve, chaque ambition, chaque geste trouve sa propre brillance.

Retrouvez toutes mes inspirations “Happy New Year” sur Pinterest.

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