On en découvre quelques extraits dont le single « s33.u.in/hall » adressé avec son clip promo dans le kit presse. A première écoute on retrouve les atmosphères du groupe, mais elles sont cette fois traitées de façon plus directe. Boucles et échantillons s’entremêlent sur des grooves cycliques , hypnotiques , à l’élasticité venue du dub… Il y a quelque chose de suspendu, un déploiement lent de chaque titre comme sur « Dewey ‘s Dirge ».Les guitares ne sont jamais franches et les voix, rarement en avant, se fondent dans un ensemble qui va s’élargissant… Résultat très étonnant.

I’m DADA suppose une immersion de l’auditeur dans son univers. Les grooves sont présents, les compositions sont construites, présentes, qui évoquent les thèmes décrits en introduction. C’est exactement le cas pour « s.33.u.In/HAL » ( indécodable pour moi!) dont le clip troublant montrerait la robotisation du monde et le vieillissement de l’humain… Le groupe lui-même s’efface et n’est aperçu qu’à travers un écran T.V…

Si Holy Wave ne se réinvente pas en 2026, il s’affirme et affine sa musique. Notre curiosité est stimulée ce qui est toujours bon.

Sortie de l’album le 10 juillet.

https://holywave.bandcamp.com/album/im-dada

Photo mise en avant (c) Holy Wave, communiquée par Modulor Music ( press kit) https://www.modulormusic.com/

Tapete est né à Hambourg, et il existe depuis déjà 24 ans. Peu connu dans nos contrées, sauf de quelques initiés aux bons goûts, le label développe et soutient une scène musicale pop allemande , souvent issue des courants punks,  post-punks et de l’indie-pop. Une scène prolixe mais dont les ondes ne traversent que rarement les rivages d’ Outre-Rhin . Andréas Dorau , Anajo, Black Helno, pour n’en citer que quelques uns , sont réunis dans le catalogue très fourni du label.

Une petite curiosité, cependant, est à signaler chez Tapete, avec le groupe Bambi Kino, qui tente de faire revivre les très riches heures (non pas du Duc de Berry !) mais plutôt des  Beatles, quand ces derniers expérimentèrent tout à la fois, la scène et la vie dans les bas-fonds portuaires d’Hambourg, au tout début des années 60… (La boucle serait-elle bouclée ?).

Dans une démarche plus risquée, néanmoins ambitieuse et plutôt couronnée de succès, le label a misé sur une scène plus internationale, en cherchant à signer et mettre en avant, une ribambelle d’artistes issus de la scène britannique des années 80/90. Cet intérêt a eu l’avantage de faire ainsi revivre les plus belles années de labels mythiques tels que El Records, Rough Trade et Creation.

Tapete a redonné vie et un second souffle (voire parfois un troisième !) à tout un tas d’artistes , tous aussi exigeants que mélodistes hors-pairs et souvent aussi loufoques et excentriques . On peut citer pêle-mêle: Bmx Bandits, Lloyd Cole, Martin Carr ( ex Boo Radleys), Robert Forster ( ex Go Betweens), The Clientele, The Lilac Time…

Certains sont bien connus de nos services, puisque régulièrement, cités ou chroniqués dans les espaces numériques de Dark Globe.fr et très régulièrement en tournée dans l’hexagone,  grâce aux bons soins de l’association-amie Life Is A Minestrone (Penny Arcade, Bill Pritchard, Pete Astor …).

D’autres, méritent aussi que l’on s’ y attarde plus longuement. J’ai envie de leur donner un éclairage particulier, parce que détenteurs d’une solide réputation et discographie, mais pas toujours parés de leurs plus beaux atours, un peu comme des éternels «  Poulidor » qui n’atteignent que la seconde voire la troisième marche des podiums. Je veux parler de The Monochrome Set, Comet Gain et The Telescopes!

The Monochrome Set

Fortement lié à son leader charismatique et véritable dandy, Ganesh Seshadri  plus connu sous le nom de Bid ( ça ne s’invente pas !), le Monochrome Set en est aujourd’hui à sa troisième résurrection ( il lui en reste donc 6 si l’on suit les préceptes hindouistes ! )

En effet, le groupe a connu 3 périodes d’activités intenses sur presque 50 ans d’existence !

–            La 1^ère, la plus connue et la plus intense , de 1979 à 1985, est celle où le groupe aligna un certain nombre de « tubes » ( « The Strange Boutique », Jet Set Junta », « The Mating Game », « Jaccob’s Ladder », »Wallflower »).

–  La 2^ème, s’étire entre 1990 et 1998 après un split de cinq années.

–   La 3^ème, depuis 2008.

Il faut préciser qu’entre 1998 et 2008, Bid a développé un autre projet tout aussi foisonnant, également hébergé chez Tapete. Il s’agit de Scarlett’s Well dont un petit extrait s’impose, ne serait-ce que pour en donner le ton…

En cette année 2026, le groupe revient. Et, en regard de sa si longue carrière, c’est donc avec rien de moins que son 18^ème album ! ( le 6^ème pour le label Tapete) . The Lotus Bridge, c’est son titre, met en valeur le song writing de Ganesh Senadri. A L’instar d’un Ray Davies, Senadri nous livre, avec ses talents de conteur et de chroniqueur, une nouvelle galerie de portraits, de réflexions et de saynètes : The Lotus Bridge fait référence à un pont entre le Monde des terriens et le Monde du Rêve… On suit un fil parfois ténu, entre le passé, le présent et un avenir parfois incertain. Les arrangements pop s’y font plus feutrés, au profit d’accents parfois plus jazzy. Le groupe est toujours en évolution.

Comet Gain, du post-punk loin d’un fourre-tout stylistique…

Considérés comme The Monochrome Set, Comet Gain sont à tort coincés dans la catégorie «  Fourre-tout » du Post Punk. La case est bien trop restrictive, dans les 2 cas pré-cités, tant  par la diversité de leurs influences que par l’éclectisme de leurs productions,. Les 2 groupes méritent une écoute bien plus approfondie, au vu de leur richesse et de leur inventivité !

Comet Gain , créé en 1992, par le talentueux, David Feck, alias David Christian ou Charlie Damage, personnalité aussi multiple que touche à tout, a repris et défriché le chemin entrepris puis délaissé par The Pastels ou les Television Personalities, ceci pour notre plus grand bonheur !

Quelques extraits pour donner envie d’en savoir plus :

The Telescopes, on a voyagé sur la lune…

Avec The Telescopes, on part sur un voie (lactée) que Syd Barrett, Jason Pierce, Peter Kember ( Spiritualized, Spacemen 3, Sonic Boom) n’auraient pas reniée. Moins connus que leur illustres prédécesseurs ou contemporains, le groupe et Stephen Lawrie  avaient pourtant bien commencé leur chemin, en croisant notamment celui d’Alan Mc Gee( CREATION) et avaient été diffusés sur les ondes radiophoniques par Bernard Lenoir.

Bien que certains morceaux, notamment « 1992 », auraient pu, par erreur, les rattacher à la scène baggy mancunienne, nous sommes ici bien plus en présence de longs mantras psychédéliques et de paysages sonores expérimentaux,  torturés et bruitistes . J’aurais 2 albums à vous conseiller, si vous souhaitez explorer cette veine, plus en détail :

–  Une double compilation, sortie en 2015, chez le label londonien, Cherry Records, bien connu, pour exhumer et compiler des groupes parfois assez obscurs, des années 60 aux années 90. Titre:  Splashdown, qui reprend les sorties de la période Creation ( 1990-1992).

–  Un album «  Live » Radio sessions, couvrant une période bien plus sauvage de 2016 à 2019.

Sans oublier, puisque c’est aussi mon sujet, le dernier né, chez  Tapete,   Static Charge ( leur 19 ème lp ),   au climat plus apaisé, parfois bucolique, mais toujours empreint d’une belle étrangeté psychédélique.

Visuellement le clip vidéo de « Made Up » est abstrait, sans narration, dans la ligne esthétique 90’s de 4AD et Creation. « Le clip, co-réalisé par le groupe et Benjamin Cebrian, joue avec les codes du shoegaze » , lit-on dans les infos presse qui l’accompagnent. On ne saurait dire mieux, en effet, en regard des diverses saturations, superpositions d’images ainsi que de l’impression générale brutale qui s’en dégage. Le côté authentique et live est rendu par la capture de séquences filmées en répétition , images qui musclent encore la dynamique du titre. Très clairement le quintet cherche à nous accrocher et souhaite qu’on ne le lâche pas en cours de route, ni lui ni un lp annoncé comme « une collection de singles éclectique« .

Ce 4 juin Xavier Boyer et Medéric, membres du groupe, seront en DJ set chez Major Tom à Ground Control ( Paris 12) pour la sortie du single. Prochain concert le 11/12 à l’Alhambra .

Photo Tahiti 80 (c) Benjamin Cedrian – avec l’aimable autorisation du groupe et Xavier Boyer

Les photographies, la plupart du temps mystérieuses, montrent des paysages semi ruraux ou semi urbains, souvent brumeux ou peu lumineux saisis pendant le lockdown de 2021, ainsi que des portraits de personnages incertains et fantomatiques…Les photos de l’artiste sont autant de petits tableaux empreints d’étrangeté, de non dits et – en regard du titre de l’exposition- semblent imprégnées d’un stoïcisme implicite…

Catalogue disponible via le lien ci dessous. 30€. Nathalie Curtis est représentée en France par la galerie Arnaud Lefebvre ( Paris)

https://www.slimvolume.org/natalie-curtis-because-i-want-nothing-second-edition

Illustration photo couverture catalogue (c) Nathalie Curtis/ Andrew Hunt éditeurs.

Image mise en avant détail assemblage/ collage (c) Dark Globe, d’après avatar instagram (c) Nathalie Curtis

Ceci posé, ce 27 mai 2026 la question ne s’est pas posée longtemps quant à savoir s’il fallait ou non faire un déplacement au Rockstore… Après le karaoké des Pistols featuring Franck Carter en juillet 2025 ( Jardins Sonores, Vitrolles), on ne risquait rien à se rendre au rendez-vous avec le « patron », si on peut voir les choses ainsi bien entendu? En tous les cas, la salle montpelliéraine de la rue de Verdun est pleine. Sold Out. La moyenne d’âge du public est plutôt haute et on ne croise pas vraiment de teenagers malingres dans la salle. La jeunesse de 2026, amatrice de rock indie ignore t-elle un de ses fondateurs essentiels? Possiblement. Ou bien préfère t-elle un autre type de son que ce dub lourd, rythmique , le drums and bass mâtiné de disco et de post punk que joue le groupe? A mon humble avis la vérité est entre ces deux pôles… PIL ltd, pourtant mondialement reconnu, n’est sans doute plus up to date. Les derniers disques n’ont eu qu’un relatif succès et ne collent pas à l’air du moment. Mais l’air du moment est-il autre chose que l’air du moment?

Ecouter PIL, écouter John Lydon est une expérience. A la fois artistique , émotionnelle, rageuse et …historique. Parce que c’est un sacré bout de l’histoire du rock post punk qu’on a l’occasion d’écouter et voir ce soir de fin mai. L’histoire et la légende urbaine… Deux composantes qui font le rock…La set list balance des titres qu’on reconnait immédiatement – si on a la culture suffisante, il est vrai – de « Pop Tones » à « Public Image », de « Warrior » ( trop étiré , je me permets la remarque…) à « Chant », de « Death Disco » à « This is Not a Love song », « Flower of Romance » , « Rise » etc…ces classiques qui sont ponctués de chansons plus récentes comme « Home », « World Destruction » etc… Le concert qui,en y repensant, peut-être perçu comme une forme d’opéra bouffe tragi-comique et grinçant, propose une quinzaine de titres, tous menés tambours battants. Ils se complètent et le groove martial ne fléchit pas, c’est le mot! Le chant de Lydon nous conduit dans une histoire, celle de PIL ltd et il en est le narrateur éloquent.

Sur scène, au centre, Lydon est factuellement le pilier autour duquel tourne le set. Visuellement les regards vont vers lui et son songbook noir qui porte l’étiquette de « Fairy tales », mots tracés au marqueur de la main de Lydon… Humour, toujours. Vêtu d’un longue blouse ( ou robe?) à manches courtes qui sera trempée de sueur, l’homme montre un très net embonpoint en contraste total avec le famélique Johnny Rotten… On s’y était habitué depuis quelques années, John Lydon, né en 1956, n’a plus 22 ans, c’est certain… Il a physiquement changé – c’est lui qui parmi les Pistols est le moins proche physiquement de celui qu’il fût – et on se dit que certaines épreuves – dont la perte de son épouse, Nora Foster (1942-2023) il y a trois ans – l’ont visiblement marqué. L’homme reste néanmoins égal à lui-même. Il fait autant preuve d’auto dérision que de capacité à se poser devant nous, chantant avec ostentation et de façon incantatoire des textes qui peuvent être tour à tour redoutables et effrayants ( lisez ceux de « Pop Tones » extrait de Metal Box), critiques de la société contemporaine ( « Public Image » – texte fondateur! ou « This is Not a Love Song ») ou encore batailleurs et ambigus , méritant une étude détaillée : « Les champs ont des yeux, les bois ont des oreilles.
Les poissons coulent toujours, la tête la première. Je ne descendrai jamais.
Je chevauche ce tigre. Les croix sont des échelles qui mènent au ciel. Je suis un guerrier, je ne fais pas de prisonnier. Que la bougie brûle, brillante à la fenêtre. C’est la seule lumière que je verrai ce soir. Les mendiants ne peuvent pas faire la fine bouche. Ils n’ont pas de linceuls, pas de poches. Certains se réveillent, d’autres se retournent, mais pas moi. Je suis un guerrier. Ceci est ma terre. Je suis un guerrier. Ceci est ma terre . Je ne me rendrai jamais. Je suis un guerrier. » (« Warrior »)

Bref, Lydon est Lydon et il est unique. Théâtral, carnavalesque, présent et provocateur quand il se mouche entre ses doigts de nombreuses fois ( un pur jeu scénique?) ou boit quelques rasades de whisky, boisson dont il fait quelques fois la publicité dans ses posts internet… On l’apprécie pour ces raisons, sans pour autant l’envier ou le prendre comme modèle. La personne est ce qu’elle est . On sait qu’elle a pu dériver malgré une intégrité tout à son honneur sur certains points, qualité dont ses ex band mates n’ont pas forcément fait preuve. Question de point de vue?

Le concert qui a commencé à l’heure annoncée ( 20h40) sera efficace. Section rythmique inattaquable et guitares singulières de Lu Edmonds qui commença sa carrière avec The Damned. Ce dernier qui alterne Gretsch, bouzouki électrifié et 12 cordes joue dans la lignée de Levene , maitrise comme un cheval fougueux un son qui oscille entre stridences et riffs destructeurs. Il est sonique sans l’être, assurant avec brio une des composantes stylistiques du son de PIL. On pourrait entrer dans une transe dub en écoutant les titres qui s’enchainent… sauf que Lydon en maître de cérémonie ou chef indien d’un rituel très personnel, ne nous laisse pas vraiment aller vers une extase hypnotique. Il guide les événements, par gestes et mimiques nombreuses. Sa voix chantée est celle d’une sorte de prêtre païen, peut-être un peu uniforme dans le ton, peut-être trop forcée aussi? Le mélodique semble au second plan. Le public suit le chaman, danse par moments – on pourrait plus avec davantage de légèreté ou d’aération dans les titres mais ceci n’est évidemment pas le propos de PIL…

Fin de concert qui après une pause cigarette (!) de quatre minutes demandée par Lydon, enchaine 3 titres en rappel préparé. « Public Image », « Rise » et ce que j’ai interprété comme un mix de « Annalisa » et « Chant » – corrigez moi si je me trompe…Les quatre musiciens se retrouvent au devant de la scène pour un salut, commenté par Lydon, lequel nous suggère que ce groupe n’est pas près de finir… Remarque faite sur un ton énigmatique, pince sans rire… et l’on sait que si PIL vient de sillonner le monde, des dates sont déjà programmées pour 2027 en Australie et Nouvelle Zélande. Qui a dit que cette tournée serait la dernière ? Pour la première fois du set, Lydon sourit franchement et oublie peut-être de jouer son propre rôle…

Vidéo live par (c) Jota S / photos (c) Dark Globe

Extrait interview avec Jonathan Thornton : « OL : Et maintenant, la question délicate mais inévitable : les albums de Moose seront-ils un jour réédités ?
MM : Eh bien, c’est encore possible. On y travaillait, puis le projet est un peu tombé à l’eau. Mais je pense que oui, il y a une chance qu’ils sortent tous ensemble dans un coffret. Tout dépend du coût : vinyle ou CD ? Personnellement, j’adorerais les deux, mais sortir un coffret des albums de Moose, c’est un vrai pari. On a étudié la question. Avec tous les singles, les faces B et les quatre albums studio, on arrive à un coffret de six ou sept albums, et ça ne va pas être donné. Il faut se demander si ça vaut le coup pour la maison de disques. Mais bon, c’est possible. Ça devrait se faire.« 

En mai 2026 on n’a pas, à priori d’information plus solide ( après recherches!) , mais c’est l’occasion de faire un retour sur Moose qu’on a beaucoup apprécié en son temps…

En effet, au-delà des 4 albums officiels sortis sur divers labels,  et avec des fortunes diverses de destinée, le groupe a été extrêmement prolifique. Notamment durant la période 1992-1999, en sortant divers EP quasiment introuvables aujourd’hui, diffusés sur leur propre label ( Cool Badge ). Une réédition de tous ces morceaux, à la production à la fois subtile et  luxuriante, qui mélangeaient de manière étonnante arrangements boisés et composition sixties au son  shoegazing  des années 90, mérite amplement de voir le jour et de manière exhaustive. On peut aisément imaginer les inédits et morceaux jamais enregistrés, tant le groupe a montré créativité et originalité durant la période 1992-1999. La nouvelle annoncée par Mackillop , on le comprend, nous a mis en haleine et on attend patiemment qu’elle voit le jour… ( ou pas?)

D’un autre côté il semble malheureusement qu’aucune reformation ne soit à l’ordre du jour, tant les ex bandmates sont dispersés géographiquement (Californie, Grande Bretagne, Portugal, Croatie). Kevin J Mac Killop ne s’est pourtant pas « rangé des charrettes » et  poursuit sa carrière dans les divers projets musicaux menés par sa compagne Miki Berenyi ( ex Lush) . En particulier dans les groupes Piroskha et Miki Berenyi Trio ( voir lien BC en bas d’article) – formations pas franchement connues d’un large public toutefois…

Moose est un groupe majeur des années 90 qui, me semble t-il, doit être réhabilité. En raison de la richesse, de la subtilité et de la densité des morceaux qu’il proposa. On a pu les voir sur la scène du Rockstore ( Montpellier), à l’époque florissante où les groupes britanniques n’hésitaient pas régulièrement à s’arrêter sur les scènes de la capitale Héraultaise. Certains d’entre nous se souviennent ainsi d’ une même soirée avec Sidi Bou Said, Moose et The Divine Comedy! ( novembre 1993).

Rappel discographique :

XYZ ( HUT-1992) / Honey Bee  ( PIAS-1993) /Live a little love a lot ( PIAS-1995 ) / High Ball Me! (LE GRAND MAGISTERY-1997)

Quelques clips pour redonner vie à cette formation (nb il n’y a pas de BC de Moose…) :

Moose/ Mc Killop l’Interview complète Outsideleft Music et Miki Bereny Trio

Crédit photo (c) Outsideleft Music

O’ Brien a enregistré ses titres au pays de Galles au Seven Sound studio et on peut penser que l’environnement campagnard a joué un rôle dans leur écriture. Il y a une dimension introspective évidente dans des pièces musicales calmes , contemplatives et souvent longues, dépassant les 5 minutes. On y ressent un désir d’apaisement qui devient communicatif à l’écoute des pistes… Stylistiquement l’album est entre nouvelles tendances folk, jazz et trip hop avec des nuances hypnotiques et psychédéliques. Le jeu de guitare est remarquable , démontrant toute la maturité du musicien parmi les meilleurs de sa génération, qui se laisse aller à des expérimentations inspirées.

Sur la pochette on note les contributions grand luxe de Shabaka Hutchings, Dave Okumu, Philip Selway ainsi que celle des musiciens du Tallin Chamber Orchestra. Production par Paul Epworth & Riley McIntyre de Ezra Collective ( le quintette jazz sera en concert à Marseille le 9 Juillet)

Lp paru chez Transgressive Records ( Londres)

Laurent, après la visite de ces nouveaux locaux inaugurés en septembre 2025, et qui m’a fait découvrir une installation réussie et un environnement chaleureux, peux tu me rappeler d’où vient le nom de ta radio « RayVox »?

Laurent Rump : J’avais fourni à mon ami Sébastien Jarnot qui est animateur actuellement, une liste de noms de marques un peu anciennes, des marques de fabricants de matériel sonore… Donc tu avais dedans beaucoup d’appareils qui finissent par « Vox »… Et « Ray » c’est un peu comme le rayonnement de la voix , du son… Et il y avait la marque Revox! Plein d’appareils que j’avais jeune ado, sur lesquels j’ai bidouillé, des appareils sur lesquels je faisais mes copies de CD… C’est venu de là.

Donc « RayVox Radio » est un nom référencé? Un clin d’oeil?

On va dire que oui. C’est un clin d’œil à l’histoire du son, tout à fait…

En parlant d’histoire du son, je sais que l’origine de ta station radio vient de la récupération de matériel ancien…de l’ORTF je crois….

Oui, c’est ça. Du matériel de 1954. Celui de l’antenne de Radio Nîmes, passée sous l’égide de l’état après la seconde guerre. J’ai récupéré ce matériel monophonique, à lampes et qui a un son incroyable.

Tu as restauré tout ça?

Oui. Ca m’a pris sept ans, de longues soirées. Je partais à l’atelier, je travaillais la nuit. Sept ans aussi pour récupérer, récolter ce qui manquait. Quelques pièces, des connectiques, il n’y a pas d’XLR dans ces machines là, il faut de la prise militaire… Donc voilà, ça m’a pris pas mal d’années. Et un jour tout a fonctionné.

L’idée de cette restauration d’un matériel ancien, plutôt que la création d’une station radio avec directement du matériel actuel, est associée chez toi à quelle intention? Qu’est-ce qui se cache derrière?

L’idée c’est de faire bénéficier tous ceux qui travaillent au studio, d’un matériel d’excellente qualité. Je t’avoue que lorsque j’ai restauré toutes ces machines là, je savais un peu vers où j’allais en matière de qualité de restitution. Parce que j’avais auparavant fabriqué un pré-ampli hi fi, du haut de gamme, et donc c’était au delà de toutes mes espérances. Bien au delà de références auxquelles on a pu me comparer… Mais la radio n’est pas venue comme ça. D’abord on a pratiqué l’enregistrement. Pendant deux ans, avec des groupes que nous avons accueillis avec un ami ingénieur du son, pour voir tout ce qu’on pouvait faire ou ne pas faire avec ce matériel… Et après, l’idée de la radio est venue car la console est une console de radio à la base. Avec tous les artifices liés…. Une discussion entre amis a lancé le projet RayVox.

Donc, si je comprends bien, tu as voulu une radio qui privilégie aussi la texture sonore?

Alors oui. En tous cas dans le contenu, déjà, on est à part. Au niveau du rendu sonore c’est toujours délicat. Parce qu’on a beau avoir de très belles machines qui ont un son extraordinaire, en webradio à un moment, on convertit tout ça en numérique et on compresse… On essaie le moins possible, mais c’est obligatoire et il y a quand même de grosses pertes. … Mais l’intérêt de ce studio, de cette machine là, c’est que les animateurs viennent aussi pour ça. Il y a un côté très charnel. Tactile. Physique dans la relation. et l’univers sonore qui s’en dégage s’en ressent.

Tu m’as fait visiter ton atelier que tu appelles « La grotte ». J’ai senti une relation à la fois technique, électronique avec cet espace, mais aussi physique, émotionnelle avec le matériel qui te sert d’équipement. Ce n’est pas le cas dans tous les locaux radios…

Bien oui, on peut dire ça. Mais j’ai toujours essayé d’éviter de tomber dans des travers comme celui de la thésaurisation de matériel. Mais c’est vrai que le jour où j’ai eu tout l’équipement, après avoir longtemps fabriqué les amplis, etc, je me suis dit voilà quelque chose que j’ai fabriqué et franchement je n’avais jamais vu ça… Tous les composants utilisés, par exemple, sont conçus pour durer, pour ne jamais tomber en panne. Et pour avoir une restitution phénoménale. Donc je peux dire que je suis tombé vraiment amoureux de ce que j’ai rassemblé, de ces machines, grâce aussi à leur conception..

Je saisis très bien, et tu réponds à mon ressenti… Je trouve ainsi que la couleur du son de RayVox est étroitement liée au type de matériel de production du son. La couleur générale des émissions , de ce que tu souhaites transmettre: comment la décrirais – tu en quelques mots ?

C’est complexe. On m’a déjà demandé quelle était la ligne éditoriale de la radio, c’est moins planifié que ça en réalité. Les choses ont démarré avec des amis qui étaient fans de musique. Et globalement j’appréciais leurs propositions. Puis à 90% tout ce qui s’est rajouté c’est au fur et à mesure de rencontres, de gens qui avaient envie de faire de la radio. C’est donc toujours par raccord… En tous les cas nous ne sommes pas dans le commercial. C’est assez underground RayVox.

Dirais-tu que tu as lancé une radio culturelle, intello, branchée? Ou hype et à part? « A part » me semble sûr…

Oui, »A part » c’est sûr! Culturelle oui. On fait des lectures de poèmes, les gens sont parfois accompagnés par des musiciens, il y a un mélange de moments culturels et artistiques.

Certaines émissions ont des titres qui sont assez littéraires ? Second degré?

Oui, Verrine Goût de Tripes..! (rires)… Entre le début de la radio et maintenant on a eu beaucoup d’évolution vers ce genre de choses.

La radio existe depuis combien d’années maintenant ?

Depuis 2018.

Les animateurs qui viennent sont des bénévoles, comme tu me l’as dit, c’est souvent le cas. Mais combien as-tu d’intervenants, de collaborateurs directs? Ceux qui régulièrement sont avec toi? Ceux qui composent la grille des programmes…

Des personnes vraiment actives qui font fonctionner la radio, l’association, sont au nombre de quatre ou cinq. C’est la structure de base. Ils montent programmation et grilles. Après il y a ceux qui sont là pour m’aider quand il y a besoin. Par exemple en extérieur, quand il faut aider au niveau technique, tenir les micros et accompagner techniquement lors des animations. Parce que moi je ne suis pas du tout animateur. Je parle très rarement au micro. Je n’ai pas d’émission en mon propre nom – à part pendant le confinement où j’en ai fait.

La dominante musicale de la radio, tu la vois comment? Un style est-il défendu en particulier?

Il y a plein de styles. Ca va aussi bien dans l’électro – l’émission Obscura Data est très ouverte sur ce style , tout en naviguant beaucoup d’un style à l’autre… Il y a du rock, du punk, du rock indé…

Est-ce qu’il y a un genre que vous ne diffusez pas du tout ?

Heu…variété française…Ca viendra peut-être un jour. Si je fais une émission peut-être ferais-je cela.(rires) Non, je ne sais pas… En fait on n’a pas eu de propositions dans ce domaine.

Pour rester sur les émissions musicales, allez-vous vers des directs, des événements extérieurs, vers les groupes et artistes qui existent à Nîmes ou dans la région?

Oui…Il y a une émission qui s’appelle la Nim attitude, son animateur est en contact avec des groupes d’ici. Nous recevons aussi des demandes …

C’est à dire?

Certains groupes demandent à venir sur l’antenne. Sinon ils demandent la diffusion d’enregistrements.

Tu m’as parlé des sessions live, je trouve ça très intéressant.

Oui. On préfère ça. Des concerts en direct. Publics. On faisait ça déjà, soit dans les anciens locaux, rue Gauthier, soit dans la rue.

Et, supposons qu’un groupe de metal arrive et que vous aimiez ce qu’il joue. Vous le diffusez tel quel ou bien est-il besoin d’adapter pour l’antenne? En fonction des lieux?

Je pars plutôt pour une adaptation ( rires). Je pense en effet, en regard des lieux, au confort auditif du public. Enfin dans ce lieu, il n’y a eu que deux sessions live dans le cadre de l’émission Nim attitude, c’est du petit format, ouvert au public. Sinon il y a des concerts que nous avons enregistrés et qui seront diffusés. On les trouve dans la rubrique « En direct ». Avec une grosse installation, il n’y en a eu qu’un dans ces nouveaux locaux. C’était sympa. Public et musiciens mêlés, proches. Des spectateurs sur la mezzanine…

Est-ce quelque chose que tu souhaites développer?

Alors c’est sans doute le grand sujet de la deuxième partie de cette interview, si tu veux bien… C’est que en dehors de la station radio, il y a un autre projet qui va venir, renaître. C’est à dire que je vais relancer le studio d’enregistrement, ce que je ne faisais plus depuis pas mal de temps. Par manque de temps et de place. Et donc dans le cadre du studio, en partenariat avec d’autres associations musicales nîmoises, dont Le Label qui vient d’être créé et qui diffusera des groupes.

C’est intéressant que tu abordes ce nouveau point, parce que ça nous emmène vers un développement possible qui est celui des partenariats, avec d’autres structures culturelles orientées vers les arts du son. Es-tu en relations avec quelques unes qui sont sur le territoire gardois ou nîmois? J’ai vu que tu participais au Off de TINALS, par exemple.

Oui, en lien avec Come on People, et beaucoup d’associations musicales, depuis le TINALS 2025, on a décidé de faire un off… Il y a le Musigt club, le Sac à Sons, une émission sur Raje, le RAKAN, etc on a organisé ce projet de Off. Nous ferons des retransmissions des concerts, nous RayVox et la radio Raje, qui auront lieu au Bar du Midi, sur le boulevard Gambetta le jeudi soir. Donc en direct sur nos antennes. Et aussi celui du dimanche ( midi ou soir) au restaurant Chez Yo, rue de l’Agau, dans le centre, quartier de l’îlot Littré. Un concert folk.

Oui, on a vu que ce Off était dans des lieux parfois étonnants comme le Comptoir des Halles! Ou le toit roof top du Musée de la Romanité?

Oui, ça on avait déjà essayé mais c’était plus compliqué…

Il y a ainsi une participation active de ta radio aux moments culturels de la ville. Est-ce que cette démarche existe depuis longtemps?

On participe avec des événements qu’organise le Musight club, des interviews d’artistes, un des derniers réalisés était au Spot pour le concert de HeiMate. Donc interview et retransmission du concert. Encore plus récemment un duo avec Fabien Tolosa ( batteur et percussionniste nîmois*ndlr) sur le projet Cutter. Nîmes est une petite ville, on rencontre souvent des musiciens connus sur d’autres projets…

Nîmes est une « petite ville » de 150 000 habitants… C’est donc relatif. La ville n’est-elle pas suffisamment grande? On doit être la vingtième ville de France, quelque chose comme ça, .. Il y a tout de même un public possible… As tu d’ailleurs idée de qui écoute RayVox? Du profil des auditeurs?

Tout dépend de ce qu’on propose dans la grille. On a eu des émissions Rap, hyper actives, avec trois jeunes animateurs. Emissions et free style en direct, avec une régie mobile qui a permis des directs d’un peu partout, de Paris etc…Et ça , oui, ça apportait aussi une autre écoute… Sur la musique électro aussi, nous sommes suivis….

Dark Globe a une majorité de lectrices et lecteurs quadras, quinquas et plus, par exemple. Les auditeurs de RayVox, selon les émissions des animateurs qui sont ici, et dont tu m’as parlé, ne se situent-ils pas un peu dans ces mêmes tranches d’âge?

C’est à peu près ça. Entre quarante et soixante.

Ceci m’inspire une réflexion, parce que je me souviens au début des années 1980, avec l’émergence des radios libres en France, il y a eu une appétence réelle des jeunes gens dont j’étais (rires), y compris à Nîmes, et aussi bien en tant qu’animateurs qu’auditeurs… Sur Radio Cigale, Canal 30… il y avait kyrielle de jeunes animateurs… Est-ce que dans une radio comme RayVox tu vois arriver des jeunes gens entre 20 et 25 ans?

Heu, oui, franchement…ça fait pas mal d’années qu’on doit relancer des appels à candidatures, et il y a quelques années on a eu pas mal de monde, oui. C’est pas forcément allé très loin, mais des étudiants des Beaux arts sont venus. Même s’ils n’ont pas tenu la route longtemps… sur le fait de faire des émissions récurrentes, mais en tous cas ils viennent, ils participent, ils donnent un coup de main sur un événement… Il y a des rencontres, tu vois, un peu comme à la maison en ce qui nous concerne. les choses se mélangent et c’est ce qui est sympa.

Ce qui prime chez RayVox est-ce une ambiance associative et bénévole, interactive parfois sans formalisation?

(Hésitations)… C’est parfois très spontané. On décide des choses au dernier moment. Des fois les propositions viennent de moi et qui veut me suit.

Dans le savoir faire, la réalisation, par exemple de podcast, y a t-il cette spontanéité? Il me semble qu’une maitrise technique est nécessaire? Est-ce toi alors qui « tiens la main »?

Je tiens la main sur pas mal d’émissions, oui. Je suis souvent à la console, ou juste derrière. Pour être sûr que tout se passe bien. Même si le parti pris, dès le départ, c’est que chaque animateur soit autonome. Chaque animateur est normalement formé. Il sait comment on allume toutes les machines, comment on les éteint.. et comment on s’en sert. Et donc chaque animateur a la clef du lieu… Certains aiment bien que je sois là, parce que ça les rassure et si je suis là, je viens. Pour certaines émissions je suis tout le temps là parce que ce sont des propositions musicales que j’adore. Mais je ne suis pas forcément à la technique, j’écoute.

Donc tu n’es pas omniprésent ( rires) ? Mais tu es quand même la clef de voute…

Non, je ne suis pas omniprésent! (rires)… Clef de voute, oui. Mais certains animateurs se passent de moi. Et c’est très bien. Ils gèrent très très bien l’équipement, savent bien régler les niveaux, travailler avec le micro, parler, donc c’est super.

Tu as une équipe chevronnée…

Oui. Il y a une équipe centrale de cinq ou six personnes, comme je l’ai dit. Mais autour il y a une vingtaine d’animateurs. C’est plus ou moins régulier mais c’est ça…

La grille des programmes est quotidienne, n’est-ce pas?

Oui. 24h sur 24. Sur le web. Il y a quotidiennement plusieurs émissions. Pas de bande son qui tourne… Mais de la diffusion ou de la rediffusion de nos émissions. Et le soir, plus régulièrement, ce sont des directs. Nous en sommes à plus de 1200 émissions depuis les débuts de la radio. à classifier. et c’est le rôle de chaque programmateur de construire une grille cohérence avec une certaine régularité.

Une très belle activité, avec bientôt ce tournant que tu annonces, d’une partielle transformation en studio d’enregistrement?

Le studio a existé. Sans existence légale, mais pendant deux ans avant le démarrage de la radio. Il portait le joli nom de « Studio de Parole », qui est l’appellation technique de notre console. Il va renaitre à partir de septembre 2026, avec des propositions d’enregistrement. Nous développons aussi un 24 pistes qui vient de la Maison de la Radio, il sera au point d’ici six mois. Finalement ce sera « Le studio de Parole » qui hébergera la radio… Avec une activité potentielle d’archivage sonore, avec magnétos à bandes, platines vinyles. Une activité de réparation de matériel audio à tube, électronique… et après aussi la construction d’une gamme d’appareils pour les studios qui sortira de là.

Très bien. Nous avons dit beaucoup de choses. je vais terminer par la question piège, ambigüe (Rires)… Est-ce que tu penses après tout ce que tu viens de me dire que « la parole est d’argent mais que le silence est d’or » ?

Oui, le silence est extrêmement important. La qualité du silence.

Est-ce parce qu’il y a justement une qualité du silence que la parole est mieux entendue?

Oui, parce que le silence n’est jamais totalement silencieux.

La parole a t-elle besoin de ce silence, la radio en a t-elle besoin? La radio serait alors un souffle…

Oui. C’est la respiration. C’est important. Ray Vox est une radio qui respire et qui a du souffle. Je pense que celles et ceux qui nous écoutent doivent se le dire! Pour faire tout cela il faut respirer, avoir du souffle!

Lien adresse web RayVox.org + Page Facebook RayVox

Vidéo 24h RayVox, février 2025 – Emissions non stop, fête radiophonique pour le déménagement de la station.

Photos (c) Dark Globe.fr

Barrett, qu’on connut un peu facétieux avant d’être taiseux et confus, s’est plu un temps à raconter que l’idée lui en était venue d’un rêve qu’il avait fait…« Alors que je dormais dans un bois après un concert dans le Nord de l’Angleterre, j’ai rêvé d’une fille approchant parmi les arbres, criant et dansant. C’était Emily. » dit-il à la presse, selon ce que rapportent deux de ses biographes sérieux dont Julian Palacios dans Syd Barrett et Pink Floyd, Dark Globe (2016). De façon plus certaine, la composition du single débuta lors de répétitions du groupe le 6 mai 1967, préparatoires à un concert prévu dans la foulée. Pour ce qui est du personnage féminin, Barrett s’est très probablement inspiré de Emily Young ( qui deviendrait ensuite une célèbre sculptrice), alors une adolescente fréquentant la London Free School de Notting Hill et qui croisa dans ce secteur les membres du Pink Floyd ( moyenne d’âge 21 ans à l’époque). Très impliqués dans tout ce qui changeait des habitudes et conventions anglaises, les Pink Floyd de 1966/67 jouèrent plusieurs fois dans ce quartier au All Saints Church Hall, en soutien à l’établissement scolaire peu conventionnel… Le contexte avant-gardiste et utopiste des lieux amenait à se croiser jeunes gens, étudiants et artistes œuvrant au développement d’une contre-culture active. Barrett remarqua très certainement Emily dans ce petit milieu turbulant où chacun se parlait volontiers. La jeune fille bohème et aristocrate, issue d’une grande famille, l’inspira, bien que de son côté Emily Young ne confirma pas, quelques années plus tard, de véritables rencontres avec les musiciens du Floyd…

Emily Young en 1967 , photomaton ( auteur inconnu ) (c) pinterest

La chanson est jouée la première fois le 12 mai, dans un spectacle intitulé Games for May – Space Age relaxation for the climax of Spring, donné au Queen Elisabeth Hall de Londres. Effets visuels et sonores présidèrent à la représentation, avec en particulier des projections d’images et des jeux de lumières novateurs (coucher de soleil, parterre de fleurs, bulles de savons etc…). Ce qui s’appelle une expérience artistique et sensorielle!

See Emily Play raconte ou plutôt suggère de manière très poétique et romantique , l’évolution d’une jeune fille dans un paysage de forêts plus ou moins accueillantes… Emily s’y perd. Elle est à mi chemin de l’enfance et du début de l’âge adulte, dans une période de transition, de passage qu’elle ne sait comment prendre. L’adolescente joue et s’égare, comme le souligne Robert Chapman dans A Very Irregular Head, sa biographie de Barrett qui fait date. Les vers et strophes du refrain sont proches de la comptine, ce qui raccroche la chanson à la thématique de l’enfance. De plus, l’illustration de pochette, signée par Syd Barrett, est un dessin qui va aussi dans ce sens. On y voit une locomotive qui transporte des voyageurs dans un wagon et qui sont tous des enfants d’allure joyeuse… Tout irait bien dans le meilleur des mondes…

Y a -t’il d’autres « messages » dans la chanson ? Probablement. Emily – dont le modèle reste donc une adolescente de 15 ou 16 ans – est un personnage qui va au hasard, s’interroge, traverse des états d’âme contraires, voire hésite entre plusieurs tendance de sa personnalité. Citons Barrett: « Emily tries but misunderstands / She’s often inclined to borrow somebody’s dreams till tomorrow. » Typique! quand bien même la jeune Emily est -elle symboliquement une reine du mois de mai, célébrant le printemps selon certains rites païens présents dans la tradition britannique – aspect avancé par Julian Palacios.

En regard du style d’écriture de Barrett, Palacios trouve dans le texte des échos littéraires se référant au Prometheus Unbound (1820) de Percy Bysshe Shelley, dont « Astronomy Domine » ( de Barrett toujours, mais sur The Piper at the Gates of Dawn) relève également selon lui.

Quoi qu’il en soit, cette chanson d’un Barrett très cultivé et lettré, il est vrai, nous conduit dans une ambiance de rêve, hors temporalité et dans un univers féérique. La jeune fille qui traverse les bois, devient toutefois au dernier couplet beaucoup moins légère ou insouciante. On peut voir en elle Ophélia de Shakespeare ( Hamlet) qui se perd corps et âme – toujours selon l’analyse de Palacios… En mai, tu ne fais pas forcément tout ce qu’il te plaît, dira t-on de notre côté.

Musicalement, l’entrée dans la chanson se fait par un glissando de guitare électrique, façon souvent utilisée par Barrett. La batterie martèle le tempo et l’orgue de Richard Wright vient produire un effet d’ étrangeté. L’intro se termine avec la basse de Waters, juste avant le début du chant. Barrett se fait narrateur et chanteur avec sa voix caractéristique et un accent so british. Il est accompagné sur les refrains par Waters et Wright, la tessiture de ce dernier étant très proche de celle du lead singer. Les passages guitare/orgue avec chambre d’écho, participent grandement au style psychédélique , tout comme les slides de guitare, la distorsion mixée en retrait et la place importante donnée aux claviers. Ceci bien plus que dans le single « Arnold Layne », enregistré seulement deux mois plus tôt. Les expérimentations ( impossible à rejouer sur scène) ne manquent pas, comme celle de l’arpège de piano accéléré au son de style bastringue, placée avant la reprise du couplet…

Games for May (titre originel) devient See Emily Play  lors des sessions studio entre le 18 et le 21 mai 1967. Le groupe a raccourci sa durée pour le format 45 tours. C’est Norman Smith qui est à la production aux Sound Techniques Studios réservés par le label Columbia EMI UK. Des titres du Piper ne sont pas encore terminés et le groupe retournera très vite en studio pour boucler l’album. Le label a senti le succès avec cette chanson et il ne veut pas trainer. Le single sort le 16 juin 1967 avec « The Scarecrow » en face B. Quelques jours plus tard le titre paraît aux USA, plaçant le Pink Floyd parmi les jeunes groupes anglais archi prometteurs… Ce succès mérité va cependant bientôt peser sur les épaules du jeune leader Pink Floydien, et la charge s’avèrera beaucoup trop lourde… Le premier lp ne tarde pas à être à son tour dans les bacs. Le Pink Floyd de Barrett, en deux singles et un album, est désormais parmi les nouvelles stars d’un rock en mouvement et mutation.

La presse anglaise de mai 1967 accueille très positivement le single pourtant mystérieux à bien des égards. Les critiques participent à la large diffusion du 45 tours. Le disque grimpe dans les charts et reste 6 semaines en première place au Royaume Uni…John Peel le diffuse souvent dans son émission, ce qui le place également dans le top des charts radiophoniques. « See Emily Play », « Arnold Layne » sont des réussites qui marquent le public, lequel ne comprend pas toutefois pourquoi ces chansons ne sont pas , sur scène, jouées de la même façon que sur les disques qu’il écoute et qu’il a achetés…En effet les sets du Floyd de fin 1967 sont soniques et sauvages! Il suffit d’écouter les enregistrements « pirates » des dates nord européennes de septembre pour se rendre compte du fracas sonore que produit le groupe, lequel s’engage souvent dans le longues expérimentations sonores (cf Live in Stockholm 10/9/67). Au TOTP, toutefois, le groupe mime la chanson qui est entendue par les auditeurs de façon identique à celle du 45t . En Novembre 1967, malgré les débuts de troubles plus ou moins imprévisibles chez Barrett, le groupe passe à la télévision Nord Américaine où il réalise deux play backs sans surprise et donne de courtes interviews.

Après le départ forcé de Syd Barrett en avril 1968, remplacé par David Gilmour, le groupe rééditera ces singles dans des compilations du début 1970 ( Relics en particulier). Ces albums qui se vendront très bien, feront découvrir à une nouvelle génération, plus jeune, les hit singles des premiers mois du Pink Floyd. Economiquement ils rapporteront des royalties bienvenues à leur auteur en panne totale ( et définitive) de créativité depuis ses deux albums solo enregistrés grâce à l’aide de Gilmour… En 1975, dans WYWH, lp largement consacré à Barrett, Rick Wright fera une citation de See Emily Play… Ce joyau de pop psychédélique ( repris récemment par The Damned) est classé parmi les chansons majeures qui ont influencé le Rock au travers des décennies…

Vidéo non officielle. Création(c) Heavenlyblueorange

Image mise en avant , Pochette originelle du 45t (c) Columbia Emi / Poster promotionnel 1967 (c) Columbia Emi

En 1978 le timing est fascinant : Pink Floyd sort d’Animals, Roger Waters verrouille peu à peu le pouvoir créatif, les tensions internes montent dangereusement, et Wright, lui, part enregistrer en France un disque baigné de soleil méditerranéen, de jazz-rock feutré et de douce mélancolie. Pendant que Waters prépare psychologiquement The Wall, Rick semble déjà en vacances sur un voilier avec un cocktail à la main. Après la noirceur de l’album du Floyd, franchement, ça fait du bien.
Dès “Mediterranean C”, le ton est donné : claviers soyeux, guitare fluide de Snowy White, ajoutez le saxophone élégant de Mel Collins…et on flotte immédiatement dans une ambiance qui rappelle parfois Wish You Were Here. D’ailleurs , et ce n’est peut-être pas un hasard , on retrouve sur la pochette de l’album un homme qui plonge dans une mer paisible ; ce qui ressemble étrangement à la pochette intérieure de l’album WYWH.
L’un des grands plaisirs de Wet Dream, c’est justement sa simplicité . Wright ne cherche jamais à impressionner. Là où Waters construit des opéras rock paranoïaques et où Gilmour soigne ses solos comme un orfèvre, Rick préfère suggérer. Les morceaux instrumentaux comme “Waves” ou “Mad Yannis Dance” avancent tranquillement, comme la boule de pétanque du pointeur une après midi d’été . Ce n’est pas un album qui vous scotche immédiatement : il s’installe doucement dans le décor, comme un chat qui décide que votre canapé lui appartient désormais. En parlant de chat justement , le solo de guitare de « Cat Cruise » est totalement envoutant ( je rappelle que l’excellent Snowy white a été un des guitaristes de Thin Lizzy , groupe mythique de hard rock Irlandais ) . Le morceau qui suit , « Summer Elegy » , très mélodique , laisse la guitare vous guider dans vos souvenirs d’été …
Et puis il y a “Pink’s Song”. Rien que le titre mérite une petite pause. On peut parfaitement imaginer le clin d’œil au groupe mais en grattant un peu “Pink” renvoie au personnage conceptuel qui viendra plus tard dans The Wall. Le morceau possède une beauté fragile, presque crépusculaire, comme un regard tendre vers un passé déjà en train de disparaître. Certains fans y voient même une sorte d’hommage discret à Barrett.
Le chant de Wright reste souvent critiqué, parfois à tort. Certes, il n’a ni la puissance dramatique de Waters ni le velours de Gilmour. Mais cette voix fragile et presque timide donne justement au disque son humanité. Sur “Against the Odds” ou “Holiday”, on entend un homme qui semble chanter davantage pour lui-même que pour un stade entier. Et dans un univers prog souvent obsédé par la virtuosité, cette modestie devient touchante.
L’album souffrira longtemps du symptôme de l’album solo , c’est-à-dire l’album qui est éclipsé par la mythologie écrasante du groupe . Pourtant, beaucoup de fans le redécouvrent aujourd’hui comme l’un des projets solos les plus “floydiens” de la galaxie du groupe …La réédition remixée par Steven Wilson en 2023 a d’ailleurs permis de remettre en lumière ce disque longtemps oublié.
Au fond, Wet Dream ressemble beaucoup à Richard Wright lui-même : élégant, discret, contemplatif et infiniment plus important qu’on ne l’a longtemps admis. Ce n’est peut-être pas l’album le plus spectaculaire issu du clan Floyd mais c’est probablement l’un des plus sincères. Un disque qui préfère les couchers de soleil aux projecteurs, les vagues tranquilles aux murs qui s’effondrent.

Conseil d’écoute, Wet Dream de Richard Wright, version remixée par Steven Wilson (2023).

photo R. Wright (c) Barry Plummer