Proyecto Puente, Córdoba, Argentina.

Ciudad de Córdoba, Argentina

De priorizar la visibilidad de sus obras eligiendo puntos neurálgicos en su Córdoba natal, pasó a buscar escenarios que, sin importar la ubicación, sostengan y acompañen sus ideas. “Me interesa que el concepto de una obra se relacione con todos los factores externos a ella, y la arquitectura sobre la cual trabajo es el principal”.

La fachada de un edificio público, una casa abandonada o un puente se transforman en lienzos gigantes donde plasmar sus murales, que si bien son minimalistas, aluden a la cultura latina en la extravagancia del color.

Centro Cultural España, Córdoba

Elian participó en festivales como Trimarchi, Unconvention, Pixelations y Tecnópolis y pintó en ciudades como Nueva York, Atlanta y Miami. Trabajó con artistas como el director de ballet Alejandro Cervera, la especialista en arte público Dolores Cáceres, y compartió paredes con grandes figuras del street art latinoamericano.

En Córdoba es codirector de Kosovo Gallery, un espacio pensado para artistas que en su búsqueda mantienen un vínculo con la calle como espacio de expresión y manifestación de su obra.

Latir Latino 2012 – Lima, Peru.

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Latir Latino, Lima, Peru. Video por Jonatan Magario.

Más de Elian en su sitio web, Flickr y Facebook.

Madera de demolición, herrajes encontrados en ferias y objetos vintage -como latas que alguna vez conservaron café- encuentran la forma de combinarse entre sí para lograr diseños que suelen escapar al boceto original, transformando a las lámparas de Veinticuatro en pequeñas obras de arte.

Desde pavonar un tornillo o un caño, pulir una madera o realizar una pieza específica de herrería, cada proceso es realizado de manera artesanal, dándole a cada unidad su propio número de insignia.

“El resultado final de cada lámpara es siempre una sorpresa, no sólo por cómo iluminan un espacio, sino por cómo se ven cuando están encendidas. Poner la lamparita es el último eslabón del proceso, y es un momento espectacular”.

Más información sobre Veinticuatro en Facebook.

Alguna vez, Franco Peralta (aka Coco Posible) se propuso encontrar un vínculo entre todas las actividades que realiza. Agarró una hoja de papel, dibujó un triángulo y en cada uno de sus vértices escribió “Arquitectura”, “Música”, y “Artes Plásticas”, y en el centro incluyó lo imprescindible: la «Poesía», lo íntimo y el amor.

De este ejercicio surgieron las Topografías, enormes instalaciones realizadas en madera que al ritmo de curvaturas logradas con vapor expresan paisajes geográficos de su vida. En la obra se materializa la unión de las tres disciplinas signadas por un compromiso: “Tanto en las instalaciones que construyo como en la música que escribo, siento la responsabilidad de representar los sonidos y las formas que me rodean, esas que son propias de nuestro entorno”.

Esta filosofía se hace clara en Topografía del Otro (2010-2011), la instalación ganadora del premio Itaú, basada en representaciones de tres cortes sobre la cordillera de los Andes (Bolsón, Malargüe y Humahuaca). Realizada en tres etapas y expuesta en el espacio Itaú Cultural, la obra irrumpió en la escena urbana con un pedacito de nuestra geografía andina.

O Topografías de Todtro (2011), un proyecto alentado por la Secretaría de Cultura de La Plata que incluyó instalaciones en los patios del rectorado de la UNLP y de la Facultad de Bellas Artes; grandes estructuras con juntas y encastres a la vista donde era posible sumergirse y descansar.

En “Cerrado por vacaciones”, la muestra que realizó en la galería Fiebre dos años atrás, una estructura de guatambú recreaba, en compañía de la poética existencial de Alfredo Zitarrosa, la pelopincho en la que Coco (y los galeristas) se refugiaron lo que duró el verano.

En su Taller Posible, Coco acumula maderas que esperan curvarse y dar forma a nuevas ideas que vinculen, una vez más, sus disciplinas, su poesía y el amor por el lugar que habita. Entre ellas: una línea de muebles, o la topografía romántica que, con ayuda del viento, formará grandes bancos de arena escribiendo un TE AMO de un kilómetro a lo largo de Rada Tilly, el pueblo de su infancia.

Más obras de Coco Posible en Flickr, gifs en Tumblr, sonidos en Bandcamp.

“En mi memoria el río Reconquista no aparece como el paisaje estático de una foto familiar, sino como algo que cambia todo el tiempo atrayendo historias y gente”, explica Delfina. Esos fragmentos de su pasado se tiñen con la impronta de ilustraciones enciclopédicas de antiguos viajeros y toques de esos dibujos de la literatura infantil al estilo hermanos Grimm. El resultado son imágenes que con un halo misterioso atrapan la atención creando la expectativa de que algo, en cualquier momento, está a punto de suceder.

En su taller Fábrica de Estampas, la artista produce obra en una antigua prensa, dicta clases de grabado con el afán de difundir la práctica y prepara su primera muestra individual el año próximo en la galería Ruby.

Más información: http://www.flickr.com/delfiestrada/

Con un lanzamiento celebrado el jueves pasado en tiendamalba, el estudio de diseño retomó su premisa original «para ser feliz, hay que crear» dando origen a dos plataformas nuevas:

La Feliz Editora será el espacio a través del cual el estudio asistirá el desarrollo y resolución de productos diseñados por colegas consagrados. En su primera edición, el diseñador Martín Huberman presentó XYZ, la nueva familia de equipamiento para el hogar inspirada en andamios de obra; Federico Churba mostró su lámpara Chau, basada en el desarrollo de un sistema de mimbre autoportante; la dupla de arquitectos Adamo-Faiden lanzó Triombo, un divisor de ambientes modular; y la diseñadora María Mata, su Sillón de oficio, una estructura que se desprende de la alianza interdisciplinaria La Feliz – Mata Studio.

Por su parte, La Feliz Nacimiento impulsará a una nueva camada de diseñadores que pasaron por ésta casa. El debut incluye a Antonio Lenzi con una investigación sobre el potencial morfólogico de chapas de madera; a Carmen Vergara con su versión aggiornada de un perchero galán de noche; y a Tasio Picollo, con su taburete Warnes de hierro doblado y estructurado.

Al mismo tiempo, el estudio dio a conocer su nuevo trabajo de investigación de materiales a través de una serie de productos de iluminación, mobiliario y objetos. Cada colección refleja el intento de separarse de esa obsesión por la copia exacta, de la reproducción monótona y masiva; un objetivo que La Feliz sostiene desde el comienzo.

Más información: www.lafeliz.com

Kraft test drummie & Robert Plant

Todo empezó cuando Cristian Martinez — a.k.a. Normanbates — sumó a su prontuario de actividades alternas (teatro, diseño, producción musical) un taller de armado de drawdio, un sintetizador musical que utiliza propiedades conductoras de diversos materiales. La historia siguió cuando dejó de fumar, ahorró ese dinero que gastaba en cigarrillos y lo invirtió en componentes surtidos que compró como caramelos en una casa de electrónica. Lo que vino después es una especie de regresión a la infancia donde lo único que importa es tocar-todo-lo-que-aparezca-alrededor.

Homenaje serrano a John Cage

Frutas, mates, esponjas de metal o el sillón del living, son todos instrumentos en potencia que según la intensidad y tipo de contacto que emplee su ejecutor bien pueden recrear el sonido de un berimbau o permitir un “homenaje serrano a John Cage”, como el que hizo tocando las espinas de un cactus en algún jardín cordobés.

Frascus por Normanbates

РЕФЛЕКТОР (reflektor) en el Museo del Juguete San Isidro

Más información: https://vimeo.com/normanbates

El proceso de producción que Najt sigue para sus estructuras es siempre el mismo: primero elige la madera con la que va a trabajar, la corta en distintas medidas para luego envolverla en papeles que son parte de una colección de años, fruto de sus viajes. “El ritual de cortar la madera, lijarla, forrarla, y luego ensamblarla requería de un estado de concentración que me parecía liberador. Así fue que continué haciéndolo, cada vez con más regularidad, hasta llegar a las piezas de mayor tamaño que empecé a principios de este año y que siguen en gestación”.

Aunque el trabajo se llama «Wood Love» la madera no se ve. Uno supone qué es lo que está oculto dentro de cada paquetito pero no lo sabe… Entonces, ¿por qué el nombre? “Es porque las esculturas, si bien la madera no está a la vista, es de lo que están hechas principalmente. Love porque realmente desarrollé un gran amor por este material”.

La primera vez que se exhibió “Wood Tale”, una de las principales piezas que componen la serie, fue en la galería AWA (Artists With Attitude) de Amsterdam, donde la artista realizó un site specific con varias de sus obras. La segunda muestra fue en Pup Gallery, en el Hotel Arena, una muestra colectiva que duró tres meses en la misma ciudad.

Si bien las principales técnicas de sus obras pasadas siempre fueron el collage, la pintura y la fotografía, las esculturas que forman parte de Wood Love están inscriptas en el mismo recorrido. “Estas obras son parte de mi universo creativo, dialogan con las obras 2D. Se trata de un pasaje pictórico de una dimensión a la otra en donde la idea es mantener la paleta, las formas, la organicidad, el concepto de “collage”.

El trabajo de Celeste es una reflexión completa sobre las partes y el todo. Sus obras exploran cómo distintos elementos se encuentran, relacionan y acoplan formando una unidad, pero a su vez dejando espacios incompletos. “Los temas a los que aluden las esculturas son similares a los de mis obras planas, el tema central es el lleno y el vacío. En estas piezas ambos aspectos están representados e intercalados de una manera muy similar a lo que sucede en la vida cotidiana, donde a veces estadios de plenitud se alternan con otros de vacío”.

¿Qué es lo que se viene para el 2013? La artista nos lo anticipa: “Por el momento, volví a Buenos Aires por unos meses para trabajar en mi obra, visitar a los amigos y familia y preparar mis muestras del 2013, tanto en Argentina como en Europa. En febrero estoy exponiendo en Estocolmo y en marzo en Amsterdam, donde haré una muestra individual de 16 collages realizados entre el 2005 y el 2011”.

Más sobre Celeste Najt en www.celestenajt.com.ar

Luego vivió unos años en Nueva York para en 1979 radicarse definitivamente en España. Allí participó activamente de la vanguardia artística madrileña donde conoció a Pedro Almodóvar y se convirtió en el responsable del diseño gráfico de la mayoría de sus películas. Su talento también le permitió trabajar junto a otros grandes del cine como Alex de la Iglesia, Fernando Trueba, Manuel Gómez Pereira y John Malkovich, entre otros.

Pero con Ciencias Naturales Gatti pasa de colaborador a protagonista. Según su curador Rafael Doctor, esta es “la primera exposición de un trabajo personal de Juan Gatti”, “capaz de transitar por diferentes ámbitos de la creación contemporánea que hasta la fecha no había sentido la necesidad de mostrar su obra aislada en un espacio de arte”.

Presentada el año pasado en La Fresh Gallery de Madrid, se trata de una serie de intrigantes láminas que surgieron a partir del encargo realizado por Almodóvar para la ambientación de su última película, La piel que hábito, que ya puede verse en el CCEBA (Centro Cultural de España en Buenos Aires).

Inspirándose en los cuadernos de científicos y exploradores del siglo XIX, Gatti cruza el cuerpo humano desnudo hasta los músculos con la naturaleza más colorida y frondosa. Son 27 collages con puntillosas ilustraciones de músculos, órganos, venas y tendones rodeados pájaros e insectos y flores enormes que recrean lo que él llama “el paraíso perdido”. Para dar vida a estos paisajes entre científicos y bíblicos, el artista recurre a los colores y la superposición de planos diseñados digitalmente, que luego se imprimen sobre el lienzo y se colocan en imponentes marcos victorianos.

Además de Ciencias Naturales, habrá en Buenos Aires otras muestras que recorren sus más de tres décadas de trabajo. Contraluz, en el Museo Sívori a partir del 8 de diciembre, será la primera gran muestra de Gatti: una antología de 350 obras de diferentes formatos y técnicas, incluida la serie de cuarenta fotografías inéditas, que le da nombre a la muestra. Esta se complementa y culmina con el trabajo audiovisual de Gatti que se proyectará en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires con el título de Contraluz, Sound + Vison.

Lobo empezó a trabajar como fotógrafo a los 20 años. Buscando nuevos lenguajes estéticos, comenzó a experimentar interviniendo sus fotos con diferentes técnicas hasta lograr definir su estilo personal a través del collage.

Su técnica consiste en sacar fotos en película negativo de 35mm — entre 6 y 36 fotogramas para cada collage — que copia varias veces a distintos tamaños, para luego recortalas y combinarlas entre si para lograr nuevas perspectivas y formas. A medida que va avanzando, también las interviene con distintos materiales como acrílico, esmaltes y otras fotos de su archivo.

El resultado son obras de gran formato — generalmente entre uno y dos metros de largo — en las que fotografía y plástica se funden para reconstruir un mundo inevitablemente fragmentado por nuestra propia percepción.

Más sobre Lobo Velar en www.lobographia.com.ar

¿Cómo surgió la posibilidad de trabajar para el último disco de IK&V?

El contacto nació un tiempo atrás por medio de Oscar Fernández Roho por un lado y de Calu Rivero por el otro. Nosotros trabajamos mucho con Oscar, y por otro lado estábamos trabajando con Calu, y así nos fuimos contactando con los IKV. Veníamos hablando con ellos desde que se volvieron a juntar para participar del arte y del diseño general, y terminamos concretando para el álbum.

Los IKV siempre tuvieron un fuerte componente visual… me imagino que tenían bastante claro lo que querían para el disco. ¿Había un brief muy preciso para el diseño?

En realidad se laburó muy en conjunto, tanto con los chicos, como con Hernán Corera (el fotógrafo) y todo fluyo bastante rápido y natural. Ellos sí tenían en claro qué idea tenían en cuanto a la fotografía, y en cuanto al diseño, solo querían que fuese noble, que perdure en el tiempo, y que tenga algo de vintage pero a su vez actual. Pero trabajamos con bastante libertad y el proceso fue un placer.

¿Cómo fue el proceso creativo? ¿Hace cuánto empezaron, qué etapas tuvo el trabajo?

Empezamos a laburar con ellos apenas volvieron… al principio trabajamos en algunas cosas que finalmente no salieron a la luz porque en ese momento todavía no necesitaban nada puntual pero sí fue un buen proceso para conocernos y hacer un ejercicio en conjunto. Por eso también el proceso del disco fue bastante rápido, ya nos entendíamos bastante.

Empezamos a laburar hace unos cuatro meses. Nos juntamos todos, nos contaron un poco qué imaginaban, y nosotros les dimos nuestra devolución. Sumamos la idea de generarles un logo y tipografía única y los chicos la verdad es que estaban super copados… y nosotros más aún! Conectamos bastante rápido en cuanto a qué camino tomar. Hubo varios procesos tipográficos en cuanto al “Chances”, pero el logo y la tipografía salieron muy rápido. Nos juntamos unas tres veces y en la última nos sentamos todos frente a la compu y lo fuimos organizando… mientras escuchábamos el disco a todo volumen. Amamos ese día!!

¿Quiénes más trabajaron en el disco? ¿Cuánto participó la banda?

Los chicos a nivel imagen están en todo!! Eso es lo que los hace que todo sea tan ellos y tan especial… no hay nadie más de la banda que se encargue de estas cosas, pero si estuvimos bastante en contacto con Rafa Arcaute que es el productor.

El disco como objeto está en declive al punto que algunos ya lo dan por obsoleto… ¿esto influenció en algo a la hora de diseñar el disco?

Por más que el CD en si está en declive, creo que para cualquier diseñador sigue siendo uno de los objetos que más disfruta crear, y más aún cuando se trata de una banda que admirás! Y no va a dejar de existir el arte de discos, si bien ya empieza a funcionar de modo mas digital, va a seguir existiendo.

A nosotros a la hora de diseñar no nos influenció en nada, sí afectó en el sentido que tuvimos que sacrificar algunas piezas, hoy en día hay un gran porcentaje de personas que lo compra en iTunes. Igualmente el objeto disco para un amante de la música siempre es hermoso y no creo que eso vaya a cambiar.

¿Qué piezas realizaron además del LP?

Realizamos el EP de Ula Ula, afiches para vía pública, e iremos laburando en lo que se vaya necesitando.

¿Algo más que quieran agregar?

Sí, que los amamos! Creo que nadie de nuestra edad no amó a los IKV! jajaa! y poder haber hecho su disco de regreso fue uno de los trabajos que más disfrutamos en el estudio! Estábamos todos muyyyy excitados! Y ni hablar de que es un discazo que va a ser gigante!!

Credítos de Chances:

Arte, logo y tipografía: Pogo
Fotografía: Hernán Corera
Dirección de arte: Lucho Cieza & Hernán Corera
Pelo IKV: Oscar Fernández Roho
Retoque digital: Delfina Muñoz de Toro
Estilismo: Lyla Pen & Ailin Bisi
Make-up: Jesica Baez
Modelos: Civiles