De quoi ?

De la main noire (non, pas la blague pourrie)

Val — Mon, 30 Jun 2008 18:38:00 +0000

Comme promis, je continue dans ma lancée de découvertes en vous proposant cette fois-ci un petit arrêt en gare de l'Esperanza avec ce formidable groupe qu'est la Mano Negra !

King Of Bongo :

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Santa Maradona :

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Out Of Time Man :

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Mala Vida :

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Et comme toujours une petite chronique pour approfondir : King Of Bongo - 1991

Des Exploited

Val — Tue, 24 Jun 2008 20:39:00 +0000

Une fois encore L'Boulevard permet à la jeunesse marocaine de rêver et de découvrir ce qu’elle n’aurait jamais pu voir ailleurs. Je veux parler ici de The Exploited en concert : véritable machine à pogo et décharge d’adrénaline assurée.

Toujours accompagné de mon fidèle acolyte Réda ainsi que de Antoine et Réda (un autre), nous assistons à ce concert en fin de soirée après une journée de concerts pour le moins agréable (Vicious Vision, Z.W.M., Syncopea ou Psykup), organisés pour les 10 ans du Festival, quand vient enfin le moment tant attendu, la prestation de The Exploited !

Et là, quelle monumentale tuerie ! Le meilleur show qu’il m’ait été donné de vivre durant ma courte putain de vie ! Wattie Buchan est remonté à bloc et hurle sa rage au public qui l’incorpore et la fait ressortir sous forme de pogos endiablés. Le public est totalement en transe, à l’instar de votre serviteur, et le mosh pit s’intensifie pour laisser place à un nuage de terre flottant dans les airs, rendant l’ambiance complètement surréaliste !

Le groupe joue de nombreux classiques comme "Fuck The USA", "Troops of Tomorow", "Punk’s Not Dead" ou "Sex And Violence".

Cette dernière chanson est d’ailleurs le théâtre d’un événement qui fait définitivement basculer le groupe du côté du public et lui assure un soutien sans faille. Je m’explique : tout au long du concert, lorsque les vigiles voulaient virer un spectateur trop excité, le groupe s’arrêtait de jouer et exiger le retour dudit spectateur. Cette fois-ci, un innocent voulait monter sur scène lorsqu’il est bien évidemment rattrapé par un vigile. Le groupe, cette fois-ci, s’arrête de nouveau. Et Wattie tend la main au jeune (un des plus beaux moments de sa vie) pour l’aider à le rejoindre et chanter sur scène. Le public, déjà bien accroché, se lâche, et applaudit à tout rompre le groupe, chantant les paroles de chaque chanson à se péter les cordes vocale (ce qui est un peu mon cas aujourd’hui). Un tel comportement inspire un putain de respect !

Le show se termine sous les applaudissements nourris des spectateurs qui ont vécu une des plus belles soirées du Boulevard.

En partenariat avec Destination Rock.

Ils en "chieraient dans leur froc"

Mehdi — Sat, 21 Jun 2008 13:53:00 +0000

Ces Reiche millénaires qui ne purent même fêter leur douzième anniversaire, ces empires morcelés et changés en pays miniatures, ces nains cruels et maniaques qui s'autoproclamèrent empereurs à vie, dictateurs, petits pères des peuples, stratèges militaires ou prophètes, mais qui en chieraient dans leur froc s'ils pouvaient voir ce qu'on écrit d'eux dans les manuels d'histoire pour classes primaire.

(Angel Wagenstein, dans Le Pentateuque)

D'un retour (que l'on espère) en force

Val — Fri, 20 Jun 2008 18:02:00 +0000

Je m'en excuse au nom de toute l'équipe, mais nous avons été plus qu'absent ce dernier mois. La faute au bac, aux inscriptions, et autres tracas de la vie... Notre retour n'en sera que plus époustouflant ! Pour commencer, je vais me lancer dans une série de découvertes axée sur le thème de la musique. En quoi cela consiste ? Je vous ferais découvrir au moyen de vidéos, les différents groupes que j'affectionne... Mehdi, je le sais, devrait lui aussi se remettre à écrire. Pour les deux autres, leur présence n'a jamais été extrêmement appuyée, et ils continueront d'agir comme ils l'ont toujours fait. Quoi qu'il en soit, nous sommes de retour !

D'un groupe über culte

Val — Fri, 20 Jun 2008 09:21:00 +0000

On continue dans la découverte ! On ne les présente plus, mais moi je vais quand même le faire. Voici les Clash ! Vous avez du vous en rendre compte, si vous avez lu quelques uns de mes billets, j'aime beaucoup le punk. Or, les Clash représentent la quintessence de ce mouvement : j'aime les Clash... Comme toujours, dans la série "découverte", je vous propose donc un choix de vidéos représentant le groupe afin de vous faire un avis.

London Calling :

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Rock The Casbah :

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I Fought The Law :

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The Guns Of Brixton :

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Should I Stay Or Should I Go :

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Pour les amateurs, voici quelques chroniques des différents albums du groupe : - The Clash - 1977 - London Calling - 1979 - From Here To Eternity - 1982

Du western couscous

Val — Sat, 17 May 2008 16:22:00 +0000

Voilà le fruit de mon travail. Mon court métrage d'option cinéma audiovisuel qui comptera pour le bac.

De Game Over

Mehdi — Wed, 14 May 2008 15:59:00 +0000

Si t'as pas de raison de vivre, trouve une raison de crever.
Félicitations.

De l'analyse (3)

Val — Fri, 02 May 2008 11:34:00 +0000

L’utilisation de la musique :

Que serait Apocalypse Now sans sa célèbre scène de l’attaque par des hélicoptères du village vietnamien sous la déferlante implacable qu’est la Chevauchée des Walkyries de Wagner. Une nouvelles fois dans le but de démontrer la perte d’esprit des soldats, dans ce cas du Lieutenant Kilgore, Coppola utilise la musique là où on ne l’attend pas. Ou du moins, là où ne l’attendait pas à l’époque. En effet, depuis, il est devenu courant d’utiliser une symphonie épique pour caractériser la montée au front d’un détachement. Ce passage est donc devenu mythique tant la musique donne un cachet particulier à cette séquence.

Cette scène n’est pas sans rappeler les westerns des années 30/40. D’ailleurs, le bataillon est mobilisé au son du clairon et se superpose peu à peu à l’image qu’on se fait d’une cavalerie. Pour le spectateur et bien évidemment le soldat, élevé par ces aventures au beau milieu des grands espaces, l’ennemi vietnamien n’est qu’un indien de plus. C’est ce sentiment qui se traduit par l’épique de la séquence, instauré par la musique. La folie est ainsi bel et bien là, tous se jetant tel des héros pour affronter ce que, pareil au spectateur semble-t-il, ils ont appris à détester depuis toujours.

Toujours dans le domaine de la folie, l’utilisation de la chanson des Doors : The End reste néanmoins la plus marquante. Cette dernière est présente lors de la scène d’introduction et de la fin du film. Long poème traitant du complexe d’œdipe (Mythe antique dans lequel un fils tue son père et épouse sa mère. Principal complexe de l’homme selon la psychanalyse), son texte colle avec intensité à ce que l’on voit à l’image.

Tout d’abord lors de la scène d’introduction, tandis que nous voyons se faire bombarder une forêt surgissent les mots « this is the end » (ceci est la fin). Plutôt paradoxal pour commencer un film, le texte révèle en fait, dès les premières images, la vision du réalisateur : cette guerre emmène quiconque y participe aux tréfonds de la folie humaine, un point de non-retour pour l’être humain. A travers ce bombardement, allié à cette chanson, Coppola tente de transmettre l’idée que c’est la fin de l’humain tel qu’on l’a connu. Ici tout n’est que brutalité, rage, violence et folie.

Se superposant presque immédiatement, les yeux de Martin Sheen au son de « I’ll never look into your eyes » (je ne verrais plus jamais tes yeux) montre que la séquence a été montée en parallèle de la bande-son dans un but précis et qu’elle ne sert pas juste à accompagner les images en couvrant un fond sonore. C’est de notre personnage dont il s’agit dans la chanson. Le complexe œdipien prend alors toute son importance lors de la scène finale : tandis qu’à l’écran, nous assistons à la mort de Marlon Brando, abattu par Martin Sheen ; le tout couplé par une association d’image à un rituel autochtone où une vache se fait brutalement tuée vivante ; la musique nous confirme la position de l'acteur développée tout au long de la remontée du fleuve. En s’identifiant au colonel Kurtz, Willard l’a remplacé peu à peu par ce qui pourrait ressembler à la figure du père, qu’il s’empresse d’abattre tandis que Jim Morrison martèle « father, I want to kill you ! » (Père, je veux te tuer). Le tempo s’augmente alors brusquement suivi dans cela par le montage alors que nous ne voyons pas ce que Willard réserve au colonel, mais plutôt la mort de la bête sous les coups des chamans, le tout sous un déluge sonore montant crescendo à l’instar de la tension palpable tout au long de la séquence.

Calme et hypnotisante au début du film, rythmée et agressive sur sa fin, The End colle aux sentiments de Martin Sheen : déboussolé, dans un état lamentable de détresse dans sa chambre d’hôtel puis transformé par ce voyage initiatique qui l’a conduit à la découverte de lui-même et qui l’a fait commettre ce que jamais il n’aurait pensé.

Coppola signe donc Apocalypse Now un film éminemment critique, notamment en insistant sur l’aspect démentiel de la guerre ; tout en réalisant une œuvre complexe, visuellement travaillée, au traitement particulier, surtout dans le domaine de la musique.

De l'analyse (2)

Val — Fri, 02 May 2008 11:20:00 +0000

La guerre : une folie humaine :

Tout au long du trajet, l’équipage du bateau de Willard traverse des territoires hostiles où les habitants ont perdu la raison. Coppola montre ainsi la relation entre le conflit et la folie humaine.

Tout commence dans la chambre d’hôtel de Saigon du capitaine. Celui-ci, de retour du front, délire et en vient à se blesser lui-même. Dès les premières images du film, Coppola donne ainsi le ton. La musique est là pour introduire cette folie, mais visuellement le spectateur est touché également. On sent une touche de psychédélisme dans le traitement des errements du capitaine. Celui-ci, complètement abattu, en manque du front, fait des cauchemars, se mutile et attend désespérément qu’on le renvoie. Son souhait est bientôt exaucé : on lui confie cette mission suicide qu’il accepte avec empressement. Coppola montre ici le décalage entre les soldats qui reviennent du front et le reste de la population. Ils ont perdu leur part d’humanité et ne seront plus jamais comme avant.

Au cours de son périple, le capitaine et son équipage font la connaissance du Lieutenant Colonel Kilgore, autre figure essentiel de la déraison. Ce dernier, passionné de surf choisit ses attaques en fonction des spots qu’elles peuvent offrir. Totalement décalé, en constant marge, ce personnage est un nouveau pas franchis dans le domaine de la folie. Il n’a plus aucun sens des priorités ou de la gravité de la situation et ne pense qu’à son sport, quitte à mettre ses hommes en danger de mort. Sa folie est également visible dans la célèbre séquence de l’attaque des hélicoptères, où l’utilisation de la Chevauchée des Walkyries révèle la facette malade du personnage.

Sur le bateau, l’équipage, quant à lui, sombre peu à peu dans la déraison. On s’en aperçoit avec le jeune Lance qui tombe dans le piège de la drogue et qui suite à la prise d’un acide perd complètement la raison. Ce dernier, tel un légume, suit alors sans broncher, en compagnie d’un petit chiot qu’il a recueilli, formant ainsi un duo pour le moins détonnant dans cette jungle. Tout en s’enfonçant dans la jungle, l’équipage fait des rencontres étranges. Comme celle avec ces playmates perdues au fond des territoires vietnamiens, emmenées pour distraire les soldats et semble-t-il oubliée depuis. Sous une pluie battante, le bateau arrive ainsi près d’un camp militaire désert où l’autorité n’a plus lieu. Les soldats, tous fous, errent entre les tentes, ne répondant pas aux questions du capitaine, ce dernier ayant l’impression de marcher dans un cimetière.

Une des scènes ajoutées dans cette version « redux » est celle dite de la Plantation française. Le bateau, à travers la brume, accoste et se retrouve face à une bande d’irréductibles colons, farouchement attachés à leur terre en dépit de toute logique. S’en suit une scène de repas qui pose enfin toute les conditions pour comprendre cette guerre, une explication toutefois aux relents d’hystérie. Les mots remplacent les balles et les français se déchirent entre eux, oppressés par cette jungle environnante qui les mangent peu à peu. Le capitaine, qui, on pourrait le croire, avait résisté à ce parfum de folie depuis le début du film, est alors initié aux délices de l’opium et commence ainsi à sombrer aux côtés de tout ce monde.

Tout près du but, les hommes de Willard passe enfin par une dernière étape avant de retrouver Kurtz. Ce dernier pont avant la frontière cambodgienne marque alors la frontière vers la folie. Se rendant sur place, le capitaine tombe sur un paysage désolé, où les explosions retentissent sans fin. L’assaut continu des vietnamiens a contribué à rendre totalement fou les quelques hommes qui subsistent. Plus d’officier, les soldats sous l’emprise de la drogue, Willard fait face à un schéma terrifiant ; le tout magnifiquement rendu visuellement par les jeux de lumières et les ombres mouvantes.

Tout au long de la traversée, Willard se plonge dans des documents et étudie ce qui fait qu’un tel homme d’exception comme Kurtz ait décidé de se retirer, quittant femme et enfants, et de vivre une existence recluse au milieu des indigènes. Au début, déterminé à remplir à bien sa mission : éliminer l’homme, Willard devient peu à peu intrigué par sa personne. Cet état d’esprit prend alors toute son ampleur, lorsque le capitaine est capturé et emprisonné. Kurtz vient alors lui dispenser son savoir, lui transmettant ses valeurs. Le spectateur s’en rend tout à fait compte lors de la mort de « Chef », l’un des derniers membres de l’équipage et ami du capitaine. Ce dernier, fou de rage, se laisse alors lui aussi glisser lentement mais sûrement vers la folie. Devenu un familier de Kurtz, Willard est alors libre de ses mouvements, et projette enfin d’assassiner ce qui est devenu son mentor, prenant presque la place du père, ce qui aura un sens avec l’utilisation de la chanson des Doors, The End. Willard assassine alors Kurtz, prenant sa place pour les indigènes, devenant lui aussi une sorte de demi-dieu. La boucle est ainsi bouclée est la guerre a atteint son objectif : la folie a atteint tout le monde.

De l'analyse (1)

Val — Fri, 02 May 2008 11:16:00 +0000

Le capitaine Willard reçoit la mission secrète d’aller abattre l’ancien colonel Kurtz durant la guerre du Viêt-Nam. Tout en remontant le fleuve vers son objectif, le capitaine et son équipage sombrent alors peu à peu dans la folie au beau milieu d’un environnement hostile pour finir par arriver sur les lieux, d’où tous ne partiront pas indemne.

Apocalypse Now tient une place à part dans l’œuvre de Francis Ford Coppola. Réalisateur déjà reconnu internationalement grâce à des films comme Le Parrain, ce dernier s’investit totalement sur son nouveau projet : l’adaptation du roman de Joseph Conrad, Au cœur des ténèbres, dont l’action serait transposée durant la guerre du Viêt-Nam. Au terme d’une production démentielle (dépassement du budget de près de 13 millions de dollars), et d’un tournage chaotique (un typhon ravage le décor, l'acteur principal Martin Sheen est victime d'une crise cardiaque), Coppola sort totalement épuisé de ce projet : il a perdu 40 kilos, a pratiquement sombré dans la folie et même tenté de mettre fin à ses jours. Le film sort enfin en 1979, après trois ans de préparation et s’impose comme le nouveau chef d’œuvre du cinéaste, raflant de nombreuses récompenses à travers le monde. En 2001, Coppola sort une nouvelle copie du film rehaussé de 49 minutes, baptisée « Redux ».

En quoi Apocalypse Now est il caractéristiques de films sur la guerre du Viêt-Nam tout en conservant une identité propre ?

Une Fresque gigantesque, œuvre complexe et (re)travaillée :

Apocalypse Now est, souvent à l’instar de grands classiques du cinéma, une fresque gigantesque, une œuvre complexe travaillée et retravaillée. Tout d’abord ne serait-ce que concernant son tournage, lieu de toutes les galères, contretemps et autres problèmes. En effet, Coppola sélectionne de prime abord Harvey Keitel pour le rôle de Willard et tourne quelques scènes avec lui. À la vision de ces premières prises, mécontent de l'acteur, il décide finalement de le remplacer par Martin Sheen. Ce dernier, contre toute attente fait un infarctus pendant le tournage, ce qui contribue à accentuer les difficultés concernant ce dernier. Enfin, suite à des conditions météorologiques extrêmement pénibles, le plateau dans la jungle est ravagé par un ouragan. Au final, après 238 jours de tournage et un budget qui était initialement de 17 millions de dollars passé à 30 millions, Apocalypse Now sort enfin dans une version de 153 minutes récompensée au Festival de Cannes par la Palme d’Or et par bien des récompenses à travers le monde. Coppola dira plus tard à propos de ce périple :

« La façon dont nous avons réalisé Apocalypse Now ressemble à ce qu'étaient les Américains au Viêt Nam. Nous étions dans la jungle, nous étions trop nombreux, nous avions trop d'argent, trop de matériel et petit à petit, nous sommes devenus fous ».

Abordant la guerre du Viêt-Nam, le film se fend évidemment d’une critique contre cette guerre qui a traumatisé la population américaine. Mais pas seulement : également véritable chef d’œuvre esthétique au travail sur la lumière de qualité, Apocalypse Now est plus simplement un film sur la folie humaine : voyage initiatique au milieu du conflit, grâce au personnage du capitaine Willard, le film brasse une quantité de personnages tous plus ou moins atteint par une démence inguérissable.

Néanmoins, Coppola ne semble pas satisfait de la version de 1979 et propose au début du nouveau millénaire une version au montage totalement nouveau de son chef d’œuvre : Apocalypse Now Redux (du latin : qui est de retour) est rehaussé de près de 49 minutes, ce qui apporte une narration différente de l’original, notamment par le ralentissement qu’opère la séquence de la plantation française qui contribue à créer une atmosphère d’étouffement. On y voit en effet différentes familles de colons convaincues de leur place à cet endroit, touchés semble-t-il par la folie eux aussi. A propos de ce montage, le réalisateur exprime son intention de donner un nouveau souffle au film, de l’ancrer encore plus dans un cadre historique (la scène de la plantation donne de nombreuses indications sur le contexte) pour mieux toucher le spectateur :

« Mon but avec Apocalypse Now Redux est de présenter une expérience plus riche, plus ample, plus texturée du film, qui comme l'original à l'époque donne aux spectateurs la sensation de ce que fut le Viêt Nam ; l'immédiateté, l'insanité, la griserie, l'horreur, la sensualité et le dilemme moral de la guerre la plus surréaliste et la plus cauchemardesque de l'Amérique ».