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El año pasado nació un proyecto que busca rescatar el diseño moderno nacional, aquellas piezas de Legorreta, Goeritz y Ramírez Vázquez (entre otros) que por muchos años solo hemos visto en fotos en blanco y negro dentro de libros. Clásicos Mexicanos está recuperando del olvido estos muebles que fueron parte importante del modernismo mexicano y vistieron los espacios de grandes construcciones por los pioneros de la arquitectura nacional.

El proyecto es llevado por el historiador del arte Aldo Solano Rojas, especialista en mobiliario moderno mexicano, y  Mónica Landa, comunicóloga interesada en la difusión de la cultura mexicana. Recientemente entrevistamos a Aldo sobre CM:

D-A: ¿Cómo surge el proyecto de Clásicos Mexicanos?

ASR: Clásicos Mexicanos surgió cuando Mónica Landa (comunicóloga) y yo (historiador del arte) nos dimos cuenta de la poca atención al diseño histórico mexicano, sobre todo al que compete al movimiento moderno. Esto por la poca atención al diseño y también a que estas piezas son poco conocidas a pesar de su importancia para la historia, esto es porque muchas veces se produjeron muy pocas, sólo para proyectos específicos.

D-A: ¿Por qué es importante un proyecto como Clásicos Mexicanos para la actualidad del Diseño en México?

ASR: Ya llevamos un buen tiempo desde que empezó el «boom del diseño» en México, sin embargo muchos diseñadores jóvenes ignoran la importante historia de esta disciplina en el país, esto se traduce en una constante preocupación por actualizarse con la escena internacional cuando hay grandes ejemplos mexicanos que incluso influyeron en diseñadores extranjeros.

Reintroduciendo clásicos, introduciendo coleccionables

D-A: ¿Qué representa Clásicos Mexicanos en el escenario actual del diseño coleccionable?

ASR: Clásicos Mexicanos es única en su género, nosotros estamos reintroduciendo al mercado piezas que, en su mayoría, se fabricaron dos o tres veces para proyectos específicos, así mismo, estamos vendiendo piezas originales, se trata de reediciones facsimilares que la mayoría de las veces son manufacturadas por los mismos talleres que trabajaron con los arquitectos y diseñadores durante el siglo XX, se entregan las piezas con certificado de autenticidad y todo está respaldado por una investigación académica.

D-A: ¿Cuál es el siguiente paso para el proyecto?

ASR: Constantemente estamos dando muchos pasos, nuestro catálogo se está ampliando una y otra vez, la investigación histórica nos da información sobre diseñadores y arquitectos que hicieron obra relevante en el campo del diseño moderno.

Clásicos Mexicanos también está trabajando en la publicación de estas investigaciones y desde luego, en reintroducir al mercado nuevos diseños modernos que el público no conoce.

Aldo Solano

La colección y los favoritos

D-A: ¿Cuál es fue la pieza más complicada para tener dentro de la colección? ¿Por qué?

ASR: Las piezas de la colección COFRAN del arquitecto Armando Franco, colaborador y amigo de Teodoro González de León y autor del plan maestro de Ciudad Universitaria. Esta colección se produjo una sola vez en 1955 como parte del proyecto de artesanía industrial coordinado por el artista José Chávez Morado. Fue complicado porque al tratarse de muebles diseñados hace tanto tiempo y de los cuales sólo sobrevive una pieza de la época, tuvimos que trabajar con el arquitecto para resolver dudas y tratar de descifrar los planos (muchas veces ya ilegibles) para poder explicar al artesano el proceso de producción. Al final cuando el arquitecto vio los resultados fue muy satisfactorio para nosotros el traer de vuelta de forma tan fiel unos diseños de más de 50 años de antigüedad.

D-A: ¿Cuál es tu pieza favorita? ¿Por qué?

ASR: Mi pieza favorita es la Silla Para El Eco de Mathias Goeritz, es una pieza muy importante para la historia del arte, y es el único ejercicio de diseño que hizo el artista, con esta silla llevo trabajando varios años, investigando y trazando su historia. Esta pieza, además, es increíblemente cómoda y tiene un diseño espectacular. Ha sido fascinante ver cómo al ver un mueble en vivo, en tres dimensiones y poder sentarte y cargarlo se comprende mejor el diseño y su funcionamiento.

D-A: ¿Qué pieza crees que falte en la colección o te gustaría incluir?

ASR: Justo estamos trabajando en esto, descubriendo muebles de arquitectos no sólo de la Ciudad de México, si no de Guadalajara, Michoacán y Puebla, hay grandes sorpresas por venir.

D-A: ¿Consideras que existe algún “clásico instantáneo” del diseño mexicano de los últimos 20 años?

Creo que aún tenemos que esperar un poco para decir si uno u otro es clásico, hay que reconocer que los últimos 20 años han sido cruciales para la historia reciente del diseño en nuestro país. Hay grandes ejercicios de diseño, pero no me atrevo a señalar un clásico, a veces la historia escoge los ejemplos más inesperados para volverlos íconos de una época, creo que esto está por verse.

Conoce más sobre Clásicos Mexicanos en su sitio web.

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Jonah Takagi estudió diseño de mobiliario en Rhode Island School of Design y fundó Atelier Takagi en Washington D.C en el 2010. Ha desarrollado proyectos en colaboración con marcas como Kvadrat, Roll and Hill, Le Klint, Design Within Reach, Umbra Shift, Matter, La Chance, y Hem; y es co-fundador y director creativo de Field, una marca de objetos por diseñadores internacionales.

D-A: ¿Qué es o qué crees que es la importancia de mostrar tus trabajos como estudiante, como joven o como nuevo en el campo del diseño? ¿Cómo muestras tu trabajo? ¿Dónde muestras tu trabajo ?, ¿Qué opinas sobre la importancia de él?

JT: La importancia de exhibir los trabajos como joven diseñador; para mi personalmente, hizo toda la diferencia. Tomé un largo descanso de mi bachillerato a mis estudios universitarios. En el momento en que me convertí en diseñador, hubo una serie de exposiciones y el trabajo de otros jóvenes diseñadores marcó una diferencia realmente tangible. Se aprende mucho poniéndose a prueba por ende mejoras en la articulación de tu pensamiento de diseño y también cómo intentas transmitir los objetivos de lo que estás exhibiendo. Conoces a otros diseñadores contemporáneos de cualquier lugar, internacionales, todo ésto dependiendo de dónde estés exhibiendo por supuesto, no sé qué opciones están disponibles. Puedo hablar de mi experiencia como expositor en Nueva York, Alemania e Italia como un joven diseñador.

Hay diseñadores de todas partes que comparten experiencias y estas relaciones duran años y años hasta el punto en que te encuentras a alguien que te invita a visitarlo, te mantienes en contacto con ellos, 7 años después colaboras con ellos en proyectos de sillas o proyectos de iluminación, y eso es realmente importante; crear una red profesional y, más importante, una red personal con sus relaciones, conéctese con otras personas.

D-A ¿Considerarías importante visitar estos eventos ?, ¿Quizás antes de estar en uno?

JT: Totalmente, quiero decir que es una cosa que, en retrospectiva, simplemente lo hice, en realidad nunca había visitado ningún evento así antes. Solo llevé mis cosas en la puerta principal y me dejé volar la mente. En retrospectiva, sí, si creo que es más productivo haber visitado estos eventos antes, son el centro de los diseñadores, para ver qué está sucediendo en el mundo. El internet es una gran herramienta para consultar cualquier música, imágenes, diseño o lo que sea; pero poder ir allí y poner tus manos en algo y sentarte en las sillas, ves cómo se ve realmente este color. Puedes mirar en un monitor pero, ¿es eso una madera simple? ¿O es simplemente otra fuente de material? Por lo tanto, ir allí y realmente ver estas cosas y ver cómo los diseñadores y cómo las empresas presentan sus productos al público es realmente importante; especialmente cuando se trata de crear tu propia marca y de crear tu propia identidad como diseñador.

D-A: La mayor parte de tu trabajo lo has hecho tu mismo, como diseñador independiente, además de tener colaboraciones, y organizar proyectos colaborativos; ¿Cuál es la importancia de construir una comunidad? ¿A través de la colaboración de diseño?

JT: En mi experiencia, paso el 90% del tiempo trabajando solo, tratando de recopilar mis pensamientos y las cosas que me interesan y las que me parecen relevantes. Últimamente, tuve más oportunidades de colaborar con diseñadores y eso fue muy importante para la práctica del estudio. Últimamente, he estado trabajando con un diseñador en Noruega, y él es genial, él trabaja mucho por sí mismo, por lo que fue muy agradable tener un diálogo, hablar sobre diseño, simplemente salir de tu cabeza.

También creo que es realmente importante colaborar y crear una comunidad, diría que «tirar de tus recursos»; como jóvenes diseñadores es realmente difícil para una sola persona pagar los precios y participar en uno de estos shows, pagar las tarifas y tener un Airb & b para uno solo; si tienes 3 o 4 de tus amigos, hablas de diseño y de esa manera también te sientes bien. Es muy importante que saques tus recursos, conexiones personales y profesionales. Además, cuando estás más establecido, tener contemporáneos para conversaciones de diseño es realmente importante.

D-A: Habla un poco más sobre el proyecto colaborativo de Furnishing Utopia..

JT: Todo comenzó como una investigación de la cultura estadounidense de los Shakers por los asociados con este grupo. En los últimos 3 años tuvimos varias exposiciones, hicimos 3 exposiciones en Nueva York, una en Estocolmo y ha habido exposiciones más pequeñas.

La misión es entender a los shakers que en el período 1800-1900 que crearon esta forma de vida y trabajo utópica, y también los diseños que crearon, de alguna manera es el resultado de esa forma de pensar, por lo que es realmente importante para acercarnos cuando estamos organizando una exposición o planeando un taller de investigación dividiéndonos y todos estamos aprovechando nuestros propios contactos personales, contactos profesionales, para llegar a un día en el que estamos todos cubiertos de tristeza y sudoración haciendo planes y pronto. Estas cosas llevan mucho tiempo y trabajo. Para las exposiciones, siempre que haya una buena química y la dinámica sea algo saludable y la gente compruebe que sus egos es una forma realmente efectiva de exhibir las exposiciones, realmente a cualquier escala, quiero decir si si se muestran dos o tres personas. o si es más grande o más ambicioso el contenido es.

D-A: Pasando a la educación, ¿Que piensas sobre la educación de diseño hoy en día?

JT: Hace poco, empecé a enseñar en Chicago, es realmente mi primera vez. Ha sido una experiencia de aprendizaje, realmente solo ver dónde están los estudiantes en 2019 en comparación con cuando yo estaba en la escuela, (me gradué en 2002), por supuesto que es diferente. He visto cómo las nuevas tecnologías se vuelven fuertes e importantes herramientas.

Siento que en mi experiencia limitada al trabajar con estudiantes universitarios, tienden a saltar directo a la computadora y me veo a mí mismo cuando la computadora era realmente básica, cuando estaba estudiando cómo utilizar el modelado 3D y los programas de renderizado tenía la sensación que puedes construir lo que sea.

También tiene sus propias limitaciones, a veces es mejor tomar un lápiz y dibujar, de esa manera aprendes mucho, ensuciándote las manos, quiero decir no sucio como tal, pero imagina esto a gran escala… es realmente importante encontrar eso como profesional, especialmente cuando tiene diferentes propuestas. Pero, cuando trabaja con clientes, presenta cómo funcionó en respuesta a un resumen que ellos desean.

Cuando empecé, no tenía suficiente experiencia, pero tengo un montón de propuestas en las que había pasado horas y horas haciendo estas presentaciones maestras, mapeando texturas y creando fotos realistas, e incluirlas en mis propuestas fue efectiva. cuando vieron estas imágenes realistas, les gustó «lo amo o lo odio», por más sencillo que sea, como se ven las cosas realistas y si lo odiaron ese fue el final de la conversación, pero si les encantó lo comprarán. Es decir, hay mucho de lo que puedes hacer en las computadoras.

Así que creo que, especialmente en el proceso, ya sea en respuesta a un informe breve o un cliente es importante involucrarlos en el proceso, eso los hará sentir bien, aunque sea un boceto o una impresión 3D donde con un marcador puedes volver a dibujar y dar al cliente una cierta imaginación en la que puede proyectar y comprender mejor los detalles, lo que fomentará el diálogo y hará que actúen o no en el proceso creativo. Pero sí, hay que tener cuidado con eso también, ya que es una herramienta, hay un tiempo y un lugar.

D-A ¿Cuál crees que es la importancia de hacer otras cosas y tener otras pasiones además del diseño, y cómo contribuyen en tu trabajo?

JT: Yo hago mucha música, pero siento que he hablado mucho sobre eso recientemente, así que para hablar de mi experiencia personal … lo que hago es hacer cosas para mantenerme saludable. En mi carrera, la música es una parte importante, pero también uso mucho mi bicicleta y creo que esta es una forma clara de ilustrar la necesidad de otras cosas en tu vida que te alimentan, y también esto es diferente para todos, según cómo trabajes. Para mí, mi bicicleta es una gran cosa, es una gran parte de mi vida, la disfruto como una satisfacción física y mentalmente también me brinda descanso. Es realmente interesante cómo puedes encontrar una respuesta en esta multitud y campo, intentas analizar toda esta información, las cosas que ves, las cosas que experimentas y simplemente te estás moviendo. Para mí es una sensación de seguir avanzando, en la bicicleta vas en una línea de una dirección desde el punto A al punto B, no retrocede; Si vas al punto B en tu bici o en tu auto, sabes que completas algo, no hay nada que está mal, no hay preguntas, “hice eso y es bueno, 15 millas, tuve un ejercicio físico y en general es refrescante”.

Así que sí, puedo decir que ayuda a mi proceso de diseño, creo que mirar fuera del mundo del diseño y encontrar algo que te libere es importante; para algunas personas es cocinar, leer, viajar o lo que sea.

D-A

Aquí el video de la conferencia de Jonah Takagi en la Nave Generadores del Centro de las Artes en Parque Fundidora, Monterrey organizada por DECODE y la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño del Tec de Monterrey.

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“Con presencia digital, física y conceptual, MASA desafía la convención y presenta ideas en un escenario global.”

Masa fue fundada en la Ciudad de México por un colectivo de creativos, Héctor Esrawe, Cristobal Riestra, Agé Salajõe y Brian Thoreen.

Diseño Coleccionable, Diseño Experimental

Los participantes de Masa son una mezcla de artistas, diseñadores y arquitectos, en distintos puntos de su carrera, con procesos y medios diferentes, que comulgan en “Collective / Collectible” una propuesta novedosa dentro de lo que se conocía como diseño coleccionable en México.

“Collective / Collectible” contiene ediciones de piezas por Ewe Studio, Brian Thoreen, Tezontle Studio, Pedro Reyes, José Dávila, Hector Esrawe, Vissio y Frida Escobedo, entre otros. Excluyendo el Pabellón “And so on for Thousands of Years” de 49m2 por Jorge Mendez Blake, los precios van desde los $2,500 USD hasta los 60k USD.

Galería Nómada

En su primera itinerancia, Masa ocupa una casa abandonada de los años setentas en Paseo de las Palmas, cuyas paredes pintadas de rojo vivo generan un dramático escenario para las piezas. Masa tiene el objetivo de posicionar el diseño coleccionable mexicano en un plano global. La exposición está abierta al público hasta el 13 de abril 2019.

Visita la web de Masa

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Le hicimos 3 preguntas a Mario Ballesteros, curador de la exposición y director de Archivo, uno de los espacios más importantes para las disciplinas creativas actualmente en el país.

D-A: ¿Por qué es importante una Expo cómo está, de Fernando Laposse para la el Diseño en México?

MB: Yo creo que Transmutaciones es una exposición muy importante por varias cosas. Primero porque creo que es una exposición que demuestra un proceso de madurez a pesar de que Fernando es un diseñador muy joven, tiene apenas 30 años. Es una exposición que es una evolución de proyectos que lleva trabajando 4, 5 años o más como es el caso de la “Lufa “ , que fue un proyecto escolar. Entonces creo que, sobretodo en diseño, ya no hay esa sensación de que puedes dedicarle 4 o 5 años a un proyecto o darle el tiempo que necesite. Creo que también es una exposición importante por la esencia de estos proyectos. La idea de pensar en el diseño realmente como un ámbito completo y circular.

Es una exposición que tiene todo los aspectos de lo que debería ser un buen proyecto de diseño. Desde la conceptualización, el trabajo, el desarrollo, el enfoque social, el enfoque de sustentabilidad, el enfoque estético es muy completo.

Mario Ballesteros

También por qué creo que es una exposición que toca las fibras sensibles de temas que son indispensables para México ahorita; para el campo en México, el tema de la diversidad, el tema de los recursos; y creo que hay pocos diseñadores entrándole de lleno y a conciencia a estos temas que son cruciales para la viabilidad no sólo del país, sino de la forma que vivimos en el futuro.

D-A: ¿Qué podemos reflexionar de que un diseñador Mexicano que está en Londres regresé a México y nos enseñe ese tipo de manera de hacer trabajo con lo que hay en el país?

MB: Yo creo que la distancia siempre ayuda, ver las cosas desde fuera, desde cierta distancia ayuda a poner las cosas en perspectiva. A veces cuando estamos trabajando aquí, viviendo aquí es muy fácil entrar en el día a día y en la forma típica de hacer las cosas; y cuesta un poco de trabajo tomar distancia de ese ritmo y “tren cotidiano”.

Creo que también estando lejos, México se vuelve todavía se vuelve más fuerte de modo que te “jala”. Digo él está fuera, pero viene dos veces al año, trabaja con la comunidad cada vez que tiene una cosecha y constantemente está pensando y reflexionando sobre su responsabilidad como diseñador Mexicano, a pesar de que está viviendo, trabajando y estudiando fuera desde hace tiempo.

Entonces yo creo que para los diseñadores mexicanos debería ser una invitación a .. y algo que dice Fernando “México es un mundo distinto , a veces tenemos más cosas en común gente de la Ciudad de México con gente de Islandia o de Reykjavík que con gente de la Sierra Mixteca. Creo que eso es muy fuerte y es una realidad; entonces también creo que debe ser una invitación para que los diseñadores en México amplíen un poco su visión hacia quienes o para quienes están aportando y porque.

D-A: ¿Qué representa el trabajo de Fernando Laposse en el escenario actual del diseño coleccionable?

MB: Bueno para mi en lo personal, siento que es una perspectiva un poquito distorsionada pensar que el diseño tiene que alcanzar al arte ya sea como mercado o como práctica estética. Yo creo que muchos diseñadores cargan con este sentimiento de inferioridad  del diseño como disciplina creativa. También creo que el diseño debe seguir sus propios ritmos, sus propias reglas y sus propios principios.

Lo que es muy interesante del trabajo de Fernando es que no está tratando de entrar en el juego del diseño coleccionable. Para mí son como efectos secundarios los objetos, son resultados que no es lo más interesante ni lo que le da más valor al trabajo. Lo que sí es, es el proceso y el planteamiento social y/o conceptual de los proyectos”.

Mario Ballesteros

Entonces, creo que para nosotros es un “statement” de alguna manera decir “porque no en lugar de voltear a los precios estratosféricos y las toneladas de mármol pensamos en que el diseño pueda aportar otro tipo de valor; que eso también lo hace digno de atención, de reconocimiento y al final también de unas condiciones de mercado importantes.

El Sábado 9 de Marzo se inaugura la nueva exposición TANAT + Sergio López y Nicolás Cuéllar: Primordial en Archivo, conoce más sobre ella aquí.

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Los Pasillos de Ambiente

Ambiente presenta una amplia gama de productos de consumo en temas de cocina, comedor, artículos para el hogar y de ocio, así como también en el diseño de interiores y decoración de interiores. Este evento insignia de la ciudad de Frankfurt atrae más de 4,000 expositores de 88 países, ocupando más de 308,000 metros cuadrados de espacio de exposición bruto y demostrando sus nuevos desarrollos e innovaciones que recorrimos durante cinco días.

País invitado: India

Cada año, Ambiente invita a un país a organizar un pabellón con distintas propuesta representativas de su diseño y las tendencias actuales. En la presentación de India se incluyó artesanía tradicional y artesanos dentro de un espacio concebido por el diseñador Ayush Kasliwal.

Soluciones Inteligentes para la cocina y el hogar

Otro espacio interesante dentro de Ambiente es Solutions, que este año fue curado por el diseñador Sebastian Bergne quien buscó objetos que optimizan las actividades realizadas en el hogar y la cocina con particular importancia para soluciones prácticas y basadas en materiales.

“Estamos particularmente interesados ​​en la funcionalidad. Luego viene el manejo fácil y, por supuesto, en última instancia, el estilo y el diseño. La forma y la función tienen que coincidir.”

Sebastian Bergne

Ganadores del German Design Award

Las mejores innovaciones en productos se exhiben en el espacio del German Design Award. El premio de mayor distinción del Consejo de Diseño Alemán se otorga a los productos, fabricantes y diseñadores que marcan tendencias internacionales. Los ganadores de la categoría Diseño de producto, la Personalidad del año y los finalistas se muestran en una exposición dentro de la feria.

Los mayores exponentes del diseño en Vidrio

Algo que nos encanta de Ambiente es poder recorrer sus pasillos y observar, comparar y contrastar grandes exponentes de alguna industria; esta ocasión fue en específico la del vidrio. Empresas transnacionales como Libbey, Pasabache y Arc presentaron sus últimas novedades en diseño en vidrio con un tinte más comercial, mientras que proyectos como Nude Glass destacaron por su exquisito diseño y experimentación.

El Anti Premio: Plagarius

En Ambiente, el premio negativo «Plagiarius» se otorga a los fabricantes y revendedores de productos falsificados particularmente flagrantes. La exposición que acompaña tiene como objetivo crear conciencia sobre el desarrollo del producto y la protección de la marca. Esta es una de nuestras exposiciones favoritas ya que exhibe la pelea entre la innovación y la imitación, mostrando los múltiples daños del mercado de la copia en el mundo.

Durante nuestro viaje a Ambiente pudimos observar con detenimiento como es la dinámica de la industria de bienes de consumo. Cada una de las numerosas exposiciones, presentaciones especiales, premios y eventos nos mostraron la diversidad de factores que darán forma al futuro. Ambiente es un excelente lugar para visitar año con año para estar al frente de lo que viene en el diseño mundial.

Más info

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Los Veteranos

Héctor Esrawe ha sido sin duda uno de los pilares de Zona Maco Diseño desde su primera edición años atrás. Además de mostrar trabajo de su estudio de diseño, Esrawe es parte de EWE, un estudio dedicado a crear objetos artesanales de edición limitada, y Vissio, una plataforma para la experimentación junto con Brian Thoreen y Emiliano Godoy.

Otros pilares de Zona Maco Diseño que siguen participando año con año son Casa Gutiérrez Nájera, Iker Ortiz y la oficina de Ezequiel Farca + Cristina Grappin, que en este año presentó piezas realizadas en resina en colaboración con Moisés Hernández.

Colaboraciones Diseñador + Marca

Por segunda ocasión Joel Escalona se presentó en Zona Maco con piezas en formato coleccionable, esta vez con “Laws of Motion” en colaboración con Breuer Studio.

Esta colección colección pretende explorar conceptos concretos como la gravedad, la fuerza o el movimiento, y cómo estos pueden expresarse como piezas de diseño, que a primera vista parecen estáticas, pero ocultan un segundo significado inesperadamente personal para Escalona. En entrevista, el diseñador nos platicó:

«En mi actividad diaria de diseño industrial, dame un material, un proceso y un problema en especifico y puedo resolverlo por medio de un objeto con potencial comercial. Usualmente tengo suficientes repuestas para todas estas cuestiones, no obstante cuando hago ejercicios de introspección y experimentación es cuando conscientemente me cuestiono desde ese punto vulnerable, que me permite crear no necesariamente más libre, si no desde un punto de vista más personal.»

También considerado un veterano en Zona Maco Diseño, Nouvel Studio mostró nuevos diseños por Torres Hanhausen y Julie Richoz que mezclan la gran calidad de fabricación de su taller de vidrio con distintas formas y procesos que empujan los límites del material.

Nuestro booth favorito fue Merkki, un brazo comercial de Cerámica Suro, uno de los talleres de cerámica más reconocidos en México por sus colaboraciones con diseñadores y artistas de todo el mundo. Es ZMD, Merkki presentó su más recientes colaboraciones de Fabien Cappello, Moisés Hernández, Sara Pereyra y el estudio Francés Thiry Filliatreau.

Las Galerías

En formato de Galería, Studio IMA mostró piezas de los daneses Frama y ediciones especiales de piezas por La Metropolitana.

Ángulo Cero, una propuesta de Montserrat Castañón, que opera como una verdadera galería editora de diseño coleccionable presentó nuevas piezas de Ad Hoc, Luisa Restrepo, Aitor Garrido y José María Balmaceda

Zona Maco Diseño también da espacio a propuestas jóvenes de escuelas como Centro, Anáhuac y el Tec de Monterrey. El Tec presentó una colección de objetos llamada “Souvenir Cotidiano” con piezas que los alumnos diseñaron y produjeron. Cada una de las piezas presentada estaba a la venta.

Una de las cosas más emocionantes de esta edición de ZMD fueron las Sillas de México de Oscar Hagerman que presentó la Galería Kurimanzutto y fueron puestas en medio de ZMD para que todos pudieran sentarse en ellas.

En Zona Maco Diseño vimos más de 30 expositores, piezas de colección y ediciones limitadas que impulsan el concepto del coleccionismo de diseño en México cuando aún no tenemos una institución, privada o gubernamental, o colección personal verdadera, como lo plantea la curadora Cecilia León de la Barra en su último libro. ¿Que tiene que suceder? No lo sabemos; pero estamos seguros que Zona Maco Diseño tiene que seguir alzando la bandera.

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Por segunda ocasión, los ojos de la escena del Diseño Mexicano voltearon a Guadalajara con respecto a Campamento, una feria de diseño mexicano que considera la práctica del diseño como un articulador de ideas, relaciones e historias.

Campamento ha logrado en tan solo 2 ediciones ser uno de los mejores espacios de encuentro entre profesionales, estudiantes, instituciones, además de introducir diseño, como tema, a nuevos públicos al insertarse en el consagrado fin de semana de Pre Maco en Guadalajara.

Campamento 2019

A través de distintas iniciativas enmarcadas en su formato de feria, Campamento celebra y promueve la importancia del diseño como agente cultural, económico y de transformación social.

El área principal de Campamento se llama Brújula y está destinada al trabajo de

diseñadores, proyectos y marcas consolidadas en México “que entiendan al diseño como una práctica creativa de impacto comercial y cultural”. Cabe destacar la exhibición y mezcla de proyectos de corta, mediana y larga trayectoria posicionados hombro con hombro, todos con gran relevancia en la actualidad del diseño mexicano.

Algunos de nuestros favoritos:

• BiYuu y Estudio Marisol Centeno quien mostró su nuevo proyecto Para Espacios que realizó como parte de su proyecto de Jóvenes Creadores del FONCA,
• Merkki con nueva piezas de Sara Pereyra y Moisés Hernández,
• Los Patrones quienes presentaron la nueva Silla en colaboración con Cross Cultural Chairs y José de la O y Pirwi con muchos objetos de la nueva colección de Moisés Hernández.

Otras marcas de fuera de Guadalajara como Txt.ure, Cuchara, Shelf, Rokam, y Mestiz estuvieron compartiendo el espacio con marcas locales como Mexa, Tributo, Peca y Bibiana Huber.

Linterna

Una de las secciones con mayor trascendencia en Campamento es Linterna; “una plataforma que señala los posibles caminos y desenlaces del diseño a través del trabajo de jóvenes diseñadores”. En forma de exposición colectiva en un espacio íntimo casi teatral, objetos de talentos emergentes dieron a notar las tendencias actuales en objetos decorativos. El ganador de este año fue Marcelo Suro, una gran manera de arrancar su carrera creativa.

Acervo y Programa Académico

Otra iniciativa muy emocionante de la segunda edición de Campamento fue la creación del Acervo Campamento, el cual reúne títulos recomendados y donados por personalidades de la escena creativa de México como Alberto Kalach, Arturo Revilla, José de la O, Elisa Otoñez, Mario Ballesteros, entre otros. Es como tener acceso a una pequeña parte del cerebro de cada uno. El diseño de la biblioteca está a cargo de Eric Martin de Delvendahl Martin Architects.

El Programa Académico estuvo comprendido por debates, charlas y mesas de diálogo provocan y examinan las preocupaciones y discusiones de temas como colaboraciones, pedagogías creativas, prácticas de diseño, curaduría de diseño y coleccionismo. Algunas de nuestras charlas favoritas estuvieron a cargo de Mario Ballesteros, Cecilia León de la Barra, Ana Elena Mallet, Fernando Laposse.

El Impacto de Campamento

Campamento busca generar más para la comunidad creativa, dando contenido relevante para la escena del diseño y nuevos espacios para la exposición y venta del trabajo de los diseñadores.

Ya sea a través Brújula, el espacio para explorar el diseño mexicano, la oportunidad de exposición para el talento emergente en Linterna, el acceso a la biblioteca Acervo, y más importante de todo: una gran comunidad donde se manifieste el potencial del diseño mexicano.

Guadalajara siempre ha sido un referente para la escena creativa nacional, y ahora Campamento se ha convertido en su faro al cual todo debemos de voltear a ver.

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El proyecto involucró la renovación de 259 cuartos de hotel y suites, el lobby y salas de junta, así como la introducción de un nuevo restaurante en el hotel, el cual fue abierto originalmente en 1960.

El edificio que fue diseñado por el arquitecto Arne Jacobsen la empresa Scandinavian Airlines System (SAS) fue el primer rascacielos de Copenhagen, y es uno de los ejemplos mejor conocidos y más celebrados de la arquitectura modernista danesa.

El hotel ahora conocido como el “Radisson Blu Royal”, es también famoso por ser el gesamtkunstwerk de Jacobsen, un proyecto el cual estuvo a cargo de todos los aspectos de su diseño, desde la arquitectura hasta el diseño mobiliario para el hotel. E incluso diseñó la vajilla y cubiertos que se usaron el restaurante original.

El rediseño del mobiliario para hotel que realizó Space Copenhagen  — un estudio creado en 2005 por Signe Bindslev Henriksen y Peter Bundgaard Rützou — busca modernizar los interiores al mismo tiempo que se celebra los espacios existentes.

“Los hoteles son un verdadero punto de referencia para los aficionados al diseño alrededor del mundo,” dicen Bundgaard Rützou y Bindslev Henriksen  “Nuestra intención es preservar el carácter extraordinario, pero no queremos convertirlo en un museo — queremos traerle vida para la siguiente generación.”

Muchas de las características originales y el mobiliario fueron re-introducidas en los nuevos interiores, por ejemplo las sillas Egg, Swan y Drop, las cuales fueron diseñadas por Jacobsen especialmente como parte del mobiliario para el hotel.

La colaboración en el Mobiliario para Hotel con Raf Simons y tradition

Space Copenhagen trabajo con el productor de mobiliario danés, Fritz Hansen, para actualizar el mobiliario del hotel, usando una gama de materiales con el diseñador Raf Simons, y combinando estos diseños clásicos con un nuevo espejo y silla creada por  &tradition, otra firma danesa de diseño

El mobiliario para hotel se toma orgullosamente una ubicación en el lobby recién remodelado, donde los arquitectos removieron el bar que existía y el espacio de puntos comerciales para enfatizar el espacio de la recepción y crear nuevas áreas para que los huéspedes se relajen y trabajen.

Los pisos originales de mármol se reinstalaron a través de la planta baja, junto con la madera y paneles de mármol en las paredes. La escalera en espiral suspendida que es una de las características del diseño de interiores original más reconocidas, también fue re-introducida junto con acabados únicos como el pasamos cubierto de piel.

El halo luminoso fue cuelga del techo en el mezzanine justo encima de las escaleras, introduce un elemento contemporáneo y acentúa el drama del espacio.

Los cuartos de los huéspedes buscan sacar el mayor provecho a la luz y las vistas, al proveer bandas horizontales de ventanas que envuelven el edificio.

Los arquitectos también re-introdujeron el marco de las ventanas usando un alféizar profundo y hecho con mármol que enfatiza la transición entre la habitación y la vista. También desarrollaron la serie Espejos Amore, los cuales son usados la interior de las habitaciones para crear el éco de la secuencia horizontal de las ventanas.

Estas habitaciones fueron diseñadas con la intención de ser cálidas y brindar una sensación de hogar, con las camas tapizadas y el mobiliario que incluye el Sofa Fly, diseñado también por &tradition que complementa las piezas originales del mobiliario para el hotel creadas por Jacobsen.

Actualmente, las renovaciones del lobby, el bar y restaurante así como las salas de juntas y algunas habitaciones ya están terminadas. El resto de las habitaciones y renovaciones adicionales se terminarán en primavera 2018.

Texto en Inglés por Alyn Griffiths en Dezeen
Fotografía de Joachim Wichmann

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