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Dans un quartier résidentiel contemporain de Minsk, un appartement de 63 m² réinvente l’idée même de l’habitat compact. Imaginé par l’architecte et designer biélorusse Mihail Kurnosov pour un jeune passionné de musique, ce projet ne se contente pas d’organiser l’espace : il le met en scène, comme une composition dont chaque couleur, chaque volume et chaque meuble constitue une note essentielle.

Dès l’entrée, le ton est donné. Entièrement habillée de bleu profond, cette séquence inaugurale agit comme un prélude. Un miroir trapézoïdal agrandit la perspective tandis qu’un ensemble de rangements sur mesure dissimule vestiaire, équipements techniques et buanderie.

Depuis le seuil, rien ne se dévoile immédiatement. L’appartement se découvre progressivement, à travers une succession de cadrages soigneusement orchestrés.

Le plan, entièrement repensé à partir d’un plateau livré brut par le promoteur, s’organise autour de trois séquences principales : l’entrée et les espaces techniques, la pièce de vie ouverte regroupant salon et cuisine, puis la zone privée comprenant chambre et salle de bains. Loin d’une multiplication de petites pièces, l’architecte privilégie de grands volumes fonctionnels qui structurent naturellement les usages.

Au cœur du projet, la cuisine devient l’expression la plus directe de la passion musicale du propriétaire. Inspiré par les synthétiseurs analogiques des années 1970, Kurnosov imagine un ensemble sculptural où les meubles hauts évoquent subtilement le rythme d’un clavier de piano. Un imposant volume doré, traité en acier inoxydable revêtu de nitrure de titane, vient interrompre la composition.

La couleur joue ici un rôle fondamental. Plus qu’un simple choix décoratif, elle devient un véritable outil architectural. Le bleu de l’entrée, le vert profond de la cuisine, les tonalités terracotta de la salle de bains et les éléments bleu nuit de la chambre construisent des univers distincts tout en participant à une narration cohérente. Des accents corail et saumon viennent relier ces séquences comme un fil conducteur.

Le mobilier, majoritairement dessiné par l’architecte lui-même, participe à cette volonté de créer des espaces lisibles et immersifs. Dans le salon, les modules du canapé Zavalinok et la table d’appoint Stoik, édités sous sa marque ZAPAZUHA, composent un paysage domestique flexible. Une grande porte coulissante en verre corail révèle une bibliothèque consacrée à l’art, au design, à l’architecture et à la danse, tandis que des œuvres d’artistes biélorusses ponctuent discrètement le parcours.

La chambre poursuit cette logique de synthèse entre architecture et objet. Un unique meuble monumental structure tout l’espace : le lit Ramp, également conçu par Kurnosov. Son imposante tête de lit intègre tables de chevet, éclairage et connectiques dans une seule forme continue. Une approche qui traduit parfaitement la philosophie du projet : réduire le nombre d’éléments visibles pour renforcer la qualité spatiale.

La salle de bains développe quant à elle sa propre identité matérielle. Les carreaux terracotta créent une atmosphère chaleureuse qui contraste avec les couleurs plus franches du reste de l’appartement. Au centre, un module suspendu réunit lavabo, rangements et prises électriques dissimulées dans un seul volume fonctionnel, illustrant la recherche constante d’efficacité et de cohérence formelle.

Au-delà de son esthétique graphique et de ses références musicales, ce projet révèle une réflexion plus profonde sur l’habitat contemporain. Dans un espace relativement modeste, Mihail Kurnosov démontre qu’il est possible de créer une expérience riche, narrative et émotionnelle sans recourir à la surenchère formelle. Chaque détail participe à une composition minutieuse où architecture, design de mobilier, couleur et art dialoguent avec une rare précision.

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This is how a wooden frame with four legs became one of the most loaded objects humans make. From Tutankhamun’s golden throne to the Greek klismos. From the Ming horseshoe-back armchair to the Shaker meetinghouse. From Thonet’s No. 14 — the first piece of furniture ever made for the world rather than for a person, to the modernist break of Breuer, Rietveld, Mies, Perriand, and Aalto. From the Eames lounge to Wegner’s Round Chair on the Kennedy-Nixon debate stage. From Bertoia’s lattice of welded steel to Newson’s hand-hammered aluminum Lockheed Lounge, which sold at auction for $3.7 million.

Across five thousand years, the chair has answered the same question, again and again: who deserves to sit?

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Dans le vocabulaire du design contemporain, rares sont les objets capables de suspendre le temps autant que l’espace. Avec Suspens, Perron et Frères imagine un fauteuil qui semble défier les lois de la gravité autant que celles du mobilier traditionnel.

Fabriqué à partir de deux blocs de frêne massif et d’une simple toile de laine mélangée, Suspens est la première chaise que Perron et Frères ont créée en toute autonomie. L’atelier de Pantin, dirigé par Mayeul Reignault, produit du mobilier sur mesure et sur commande, où les artisans sont aussi les designers.

Ce fauteuil lounge est le fruit d’une démarche introspective, où la création d’un objet domestique se fait de toutes pièces, sans contrainte de cahier des charges.

La structure se présente comme deux éléments boulonnés ensemble. Deux épais blocs de frêne laqué, d’un noir profond, reposent sur le sol tels des pierres. Une simple toile de laine et de polyester mélangés est tendue entre eux, drapant le bord avant de l’assise et remontant derrière le corps pour former le dossier. Il n’y a ni mousse, ni coussin, ni rembourrage au sens traditionnel du terme. Le tissu constitue l’assise.

Au premier regard, la pièce apparaît comme un dessin dans l’air. Une ligne tendue, quelques points d’appui, et soudain une présence. Rien de superflu, rien qui ne vienne troubler la pureté du geste. La structure se fait discrète, presque silencieuse, laissant la matière exprimer toute sa force. Entre tension et équilibre, l’objet trouve son point de suspension idéal.

L’objectif était de créer un fauteuil où le confort ne rime pas avec une forme massive et rembourrée de mousse, les propriétés des matériaux contribuant à un équilibre parfait entre structure et douceur.

La toile de laine assure le confort, tandis que le frêne apporte la structure. De fins accoudoirs, en porte-à-faux depuis le dossier, maintiennent le tissu tendu. Vue de profil, la chaise se révèle comme un dessin géométrique épuré, composé d’horizontales, de verticales et d’une courbe suspendue.

Cette apparente simplicité dissimule un assemblage complexe. Les sections de frêne s’assemblent par tenons et mortaises, joints à recouvrement et entretoises angulaires qui solidarisent les deux blocs latéraux au niveau du sol. Le grain du bois est visible à travers le vernis foncé, préservant ainsi son aspect naturel plutôt que de le réduire à une simple surface peinte. Ses dimensions généreuses (800 mm de large, 680 mm de profondeur et 650 mm de hauteur) permettent de s’y adosser confortablement pour lire.

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Avec OTDR, le designer Antoine Breton transpose à l’outdoor un principe de conception qu’il explore depuis plusieurs années : celui de la tôle découpée, puis pliée, pour faire naître le mobilier.

Une plaque de tôle découpée au laser à partir d’un dessin et qui, en deux plis, fait naître un objet. Avec sa nouvelle marque OTDR, fabriquée au Portugal, Antoine Breton développe une approche nourrie par le design industriel mais aussi par un autre univers qui l’a toujours intéressé, celui du vêtement et du patron.

Appliquée à la fabrication d’un tabouret et d’un banc, cette méthode donne naissance à une gamme pensée pour les terrasses de cafés et de restaurants. Des pièces empilables, recyclables et accessibles, conçues sans vis ni boulon et avec un minimum d’étapes de fabrication.

Une méthode inspirée par les patrons de vêtements

Formé au design industriel, Antoine Breton a passé plusieurs années en Amérique Centrale et en Amérique du Nord. Il réalise ses premiers prototypes au Mexique avant de revenir en France. En 2024, il fonde Obra Studio au sein duquel il conçoit des pièces de mobilier.

Il poursuit en parallèle des projets plus expérimentaux, à l’image de la collection N52, où le mobilier tend vers une présence plus sculpturale. C’est dans ce cadre qu’Antoine commence à explorer plus concrètement le travail du pli. Je me suis toujours intéressé à la couture et à la mode, explique-t-il. Je customisais des vêtements, je réalisais des patrons. J’ai alors eu l’idée de créer un patron 2D pour l’appliquer au mobilier.

La kneeling chair comme premier terrain d’exploration

Antoine imagine l’assise Uvita, une kneeling chair en tôle d’acier galvanisé. Il revisite ce principe de “chaise à genoux” introduit dans les années 1970 par Hans Christian Mengshoel. Après une année de recherche, la pièce aboutit à une forme resserrée autour de quelques opérations seulement : découpe laser, plis et aimants.

Il dessine ensuite le fauteuil Gemini, toujours sur le principe de tôle pliée. C’est même ce fauteuil qui inspirera les produits outdoor lancés ce mois-ci et rassemblés sous la marque OTDR.

OTDR : une gamme de tabourets et de bancs pensés pour les terrasses

Avec OTDR, le travail de recherche d’Antoine Breton prend une dimension plus directement industrielle. Il applique sa méthode de tôle pliée à une gamme de mobilier pensée pour le secteur du CHR, avec la contrainte d’imaginer des assises empilables, légères et suffisamment robustes pour un usage intensif sur les terrasses de cafés et de restaurants.

Les premières pièces de la gamme : un tabouret et un banc. Ils sont fabriqués à partir d’une tôle d’aluminium recyclé de 4 mm, découpée au laser puis pliée, avant d’être thermolaquée. Tout repose sur une économie de moyens revendiquée : aucun vissage, aucun boulon, aucune soudure. Seulement une mise en forme obtenue par la découpe et deux plis.

Fabriqué au Portugal… par un spécialiste des machines agricoles

Cette simplicité apparente repose pourtant sur un vrai travail de mise au point. À chaque étape, il y a toujours une main derrière la machine, rappelle Antoine Breton. Il faut composer avec les capacités de l’outil, ajuster les formes, ouvrir la discussion avec les industriels et trouver, peu à peu, le bon dessin.

Derrière l’apparente sobriété du résultat, il y a donc un long travail d’adaptation, de réglage et de rationalisation. L’une des premières contraintes évidemment, c’était le prix. Pour moi, il est important de conserver un design accessible.

Les pièces sont fabriquées au Portugal, avec un partenaire qu’Antoine Breton connaissait déjà pour avoir réalisé un premier élément de la collection N52. Le dialogue avec cet atelier, habitué à produire des machines agricoles, éclaire aussi sur sa manière de travailler : faire se rencontrer culture du design et savoir-faire industriel.

Pensé pour le terrain

Le mobilier est pensé pour être facilement empilé et manipulé, notamment grâce à une prise latérale intégrée au dessin. Un détail qui n’en est pas vraiment un : Antoine Breton connaît les contraintes du secteur de la restauration et cherche ici à y répondre de manière concrète. Travailler l’aluminium, c’était aussi une manière de proposer une alternative au mobilier en plastique, avec un matériau recyclable à l’infini.

Déjà déclinée en trois teintes, un bordeaux cerise profond, un vert sauge et un orange plus vif, la collection devrait s’élargir en 2027 avec des tabourets et des chaises de bar conçus sur le même principe.

Une marque qui devrait se développer sans faux pli.

Pour en savoir plus : www.otdrcollection.fr

Instagram : @otdr.collection

By Blog Esprit Design

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Le tournoi de Roland-Garros 2026 se termine dans quelques jours, mais nous ne pouvions pas passer à côté de l’arrivée de Novak Djokovic pour son premier match. Le joueur serbe est entré dans la compétition avec une veste ornée d’un loup imprimé en 3D et incrustée de vraie terre battue issue des courts mythiques du tournoi parisien.

La pièce a été conçue par Pelagia Kolotouros, directrice artistique de Lacoste, en collaboration avec Les Teintures de France, un atelier spécialisé dans les teintures et finitions textiles. La veste a été créée pour célébrer la 22e participation de Djokovic à Roland-Garros, égalant un record historique.

À droite, Djokovic portant sa veste lors de son entrée à Roland-Garros 2026. À gauche, le processus d’application de la véritable terre battue sur le vêtement.

Plutôt qu’un imprimé ou une broderie, le choix s’est porté sur un loup en relief, que Djokovic désigne comme son « guide spirituel », et représentant la Serbie. Pour obtenir cet effet 3D, Les Teintures de France ont recouru à la technologie de l’entreprise Stratasys qui dispose d’une ligne spécifique pour les textiles appelée 3DFashion, capable d’imprimer directement sur des vêtements, chaussures et accessoires. Bien que le doute demeure sur l’utilisation ou non de cette machine, il s’agit de la seule ligne de Stratasys dédiée aux textiles, et l’atelier y a déjà eu recours pour des projets antérieurs.

Aux côtés du loup, l’équipe a appliqué un liant sur le tissu pour fixer de la vraie terre battue de Roland-Garros directement sur la veste. Le résultat offre cet « aspect usé, qui évoque l’intensité du jeu et l’empreinte laissée par le joueur sur le terrain », selon Serge Haouzi, responsable design chez Les Teintures de France.

Le tennisman a remporté son premier match face au Français Giovanni Mpetshi Perricard, avant d’être éliminé par le Brésilien João Fonseca au troisième tour à l’issue d’une rencontre de près de cinq heures.

Que pensez-vous de la veste portée par Djokovic lors de son entrée à Roland-Garros 2026 ? Partagez votre avis dans les commentaires de l’article. Retrouvez toutes nos vidéos sur notre chaîne YouTube ou suivez-nous sur Facebook ou LinkedIn !

*Crédits de toutes les photos : Serge Haouzi, Manager of Design chez Les Teintures de France, vía LinkedIn. 

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L’architecte Cyrus Ardalan a eu l’impression d’être « à la proue d’un navire » lors de sa visite de cet appartement, qu’il a ensuite rénové en y intégrant des ouvertures façon hublot et un sol évoquant un pont pour la DJ Louise Chen et sa famille.

Ancré au cœur du 9ᵉ arrondissement de Paris, l’appartement a, dès les premières visites, fait naître une image spatiale singulière. Le salon, largement ouvert sur les toits parisiens et inondé de lumière grâce à ses grandes fenêtres, évoquait la proue d’un navire. De cette intuition est née l’idée directrice du projet : une référence maritime discrète, présente en filigrane dans l’ensemble de l’aménagement.

Dans la tradition des appartements parisiens, le couloir structure le plan. Il relie l’entrée au séjour tout en distribuant les chambres et la salle de bain. Plutôt que de le considérer comme un simple espace de passage, le projet lui donne un rôle plus affirmé. Des portes inspirées de celles des bateaux et des hublots circulaires ponctuent les parois, permettant à la lumière de pénétrer dans un espace autrefois obscur. Munies de volets coulissants, ces ouvertures permettent aux chambres de s’ouvrir ponctuellement sur le couloir ou, au contraire, de préserver leur intimité.

Un bandeau continu de contreplaqué teinté habille les murs de l’appartement. Le bois s’interrompt avant le plafond, permettant à l’intervention de s’inscrire dans l’architecture existante sans la dominer. Cette ligne horizontale traverse les pièces et crée une continuité visuelle, tout en marquant discrètement la transition entre les espaces de jour et les espaces de nuit.

Le projet repose sur une palette de matériaux volontairement restreinte, afin de préserver une atmosphère calme et cohérente. Le parquet d’origine a été conservé puis peint en blanc : un choix qui limite les interventions tout en révélant le dessin et la texture des lames anciennes, et qui contribue à amplifier la lumière naturelle.

La salle de bain reprend ce même vocabulaire avec son carrelage, qui prolonge la palette chromatique ainsi que la ligne horizontale présente dans tout l’appartement. Dans la cuisine, l’acier inoxydable apporte une tonalité plus froide, venant contraster avec la chaleur du contreplaqué et de la mosaïque brune en pâte de verre.

Une arche en mosaïque de couleur crème masque certains éléments structurels et les réseaux existants tout en soulignant l’entrée de la cuisine. Elle marque un seuil discret et introduit une dernière nuance de couleur dans un ensemble sobre. C’est le seul élément qui s’élève jusqu’au plafond ; sa présence est adoucie par une imposte aménagée entre la salle de bains et la cuisine, qui permet à la lumière de circuler.

Cette rénovation contribue à définir un nouvel équilibre entre deux dimensions de la vie de Louise Chen. Le lieu devait pouvoir accueillir, d’une part, son activité de DJ qui l’amène à voyager fréquemment; et d’autre part, la vie quotidienne de sa famille, en offrant un cadre à la fois chaleureux et fonctionnel pour son partenaire et leur jeune fils.

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La table est peut-être le meuble le plus consensuel qui soit. Un plateau horizontal, des pieds et voilà. L’histoire du design en regorge, des plus sobres aux plus spectaculaires, des tables empilées de Jo Nagasaka jouant avec la résine époxy aux multiples essences superposées de Luis Gimeno. On a tout essayé, ou presque. Pourtant, une question reste rarement posée : et si le problème, c’était le plateau lui-même ?

C’est exactement le point de départ de Nobutaka Torii, architecte japonais basé à Nagoya et fondateur du studio Border Design Architects. Ceux qui suivent BED s’en souviennent peut-être : il était récemment passé sur le blog avec Ma-chair, une chaise en bois récompensée au Wood Furniture Design Competition 2025, déjà construite autour du concept japonais de ma, cet espace interstitiel qui rend la relation possible, ou encore avec le projet Tsuranari. Avec Seed, il applique la même philosophie à la table, et le résultat est une collection assez intéressante.

Un projet né pour un café de galerie

Seed a été conçue pour un petit café de galerie. Une galerie n’est pas un restaurant, ce n’est pas non plus un espace de travail. C’est un endroit où les gens circulent, s’arrêtent, regardent, repartent, reviennent. Les interactions y sont communes, périphériques, jamais directes. Et c’est précisément ce que la table standard, avec son plateau unique et sa pied central métallique, ne sait pas gérer ou optimiser.

Torii part d’un constat simple : la surface horizontale unique crée ce qu’il appelle une « tyrannie du plat ». Quand deux personnes s’assoient face à face autour d’un plateau, leurs lignes de regard se croisent inévitablement. La confrontation visuelle est mécanique, parfois dérangeante. Pour un café de galerie, où l’on souhaite que les gens se sentent à l’aise sans se sentir obligés d’interagir, c’est un problème ou un désagrément que l’on peut repenser.

Trois hauteurs, quatre noms, une géométrie

Seed est une collection de trois tables partageant le même dessin, mais à des hauteurs différentes : 68,5 cm, 72 cm et 75,5 cm. L’écart de 3,5 cm entre chaque niveau est précis, calculé, fonctionnel. Ces légères variations créent des frontières douces entre les personnes assises autour d’un même ensemble. Pas de cloisons, pas de séparations visibles, mais une micro-topographie qui suffit à dégager ce que Torii nomme un ma confortable, une marge spatiale invisible.

La collection emprunte ses noms au vocabulaire végétal japonais selon la configuration des tables. Seule, elle est Tane, la graine. Deux ensemble forment Futaba, la pousse. Trois réunies deviennent Hana, la fleur. Alignées en ligne droite, elles composent Tsuru, la vigne. Ce n’est pas un artifice poétique plaqué sur le projet après coup. La logique de transformation est directement lisible dans l’espace.

La forme en oeuf : une géométrie sans façade

Le plateau ovale, proche d’une forme d’oeuf, est le coeur fonctionnel du projet, la forme organique élimine tout « devant ». Il n’y a pas de bonne ni de mauvaise (situation) place autour de cette table. On peut s’y asseoir de n’importe quel angle, sans se retrouver dans le dos de quelqu’un, sans squatter la place réservée, tout en ayant un oeil sur les oeuvres. Le plateau invite à une liberté de positionnement que le rectangle ou le carré ne permettent pas.

On pense à d’autres démarches similaires sur le blog : le travail de Kobayashi pour Taiyou&C., dont le mobilier en bois est conçu pour les professionnels afin de se fondre dans l’espace en toutes configurations. L’enjeu est proche : penser le meuble non comme objet isolé, mais comme élément d’un système spatial.

Le choix du bois contre le poteau métallique

Torii rejette délibérément la colonne centrale en métal, ce pied unique que l’on retrouve dans la quasi-totalité des tables de café. Son argument est sémiologique autant qu’esthétique. Le poteau métallique est, dit-il, un signal trop fort de « table de café commercial ». Dans une galerie silencieuse, il parlerait trop fort.

À la place, Seed repose sur plusieurs pieds en bois fins, répartis sous le plateau. Quand les tables sont assemblées en grappe, ces pieds se regroupent pour former ce que Torii décrit comme un petit bosquet, un rythme spatial que le poteau central ne peut pas produire. On rappellera ici la Floating Table d’Ingo Maurer, qui jouait elle aussi sur la question du pied de table comme élément discursif, mais en sens inverse, en le supprimant complètement pour créer l’illusion.

Le choix du bois pour les pieds n’est pas uniquement formel. Il assure une cohérence visuelle avec le plateau, donne à la table une présence discrète quand elle est seule, et produit cet effet de petite forêt miniature dès que plusieurs tables se rejoignent. Le matériau joue ainsi à deux échelles : l’objet individuel, et la composition collective.

Un meuble qui change d’état

Ce qui est rare avec Seed, c’est que la table n’est pas le même objet selon sa situation. Seule, elle se camouffle. Réunie, elle devient un dispositif architectural. Torii utilise le terme de micro-topographie pour désigner ce que ces variations de hauteur produisent dans l’espace : un territoire modelé par des différences de niveau infimes, suffisantes pour que chaque personne assise trouve naturellement une position qui évite le regard direct avec les autres.

Jusqu’à six personnes peuvent s’installer autour de la grappe formée par les trois tables. Chacun y trouve son espace sans que personne ne l’ait assigné. C’est une organisation sociale obtenue par la géométrie plutôt que par la règle.

En savoir plus sur le studio : border design architects

By Blog Esprit Design

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Salam, cette semaine je m’attaque à l’un des sujets les plus controversés de l’année dans le monde du design automobile : la Ferrari Luce, la toute première Ferrari 100 % électrique.

Et plus j’ai analysé cette voiture, plus je me suis rendu compte que le véritable sujet n’était pas l’électrique. Le véritable sujet, c’est la rencontre entre deux visions du design qui semblent incompatibles.

D’un côté, Ferrari.
Une marque construite sur l’émotion, la passion, le bruit, le mythe, l’irrationnel et une certaine forme de bestialité mécanique.

De l’autre, Jony Ive.
Le designer de l’iPhone, de l’iMac et de l’Apple Watch, dont toute la carrière repose sur la simplification, l’accessibilité, l’interface utilisateur et l’expérience utilisateur.

Alors que se passe-t-il lorsque le plus célèbre designer produit de sa génération doit concevoir une Ferrari ?

C’est exactement la question que je me pose dans cette vidéo.
Je reviens également sur le contexte qui a conduit Ferrari à développer cette voiture électrique et sur les contraintes réglementaires européennes qui imposent progressivement aux constructeurs automobiles de se tourner vers des véhicules à très faibles émissions.

J’analyse également ce que j’appelle le principe de la « patate chaude ».

Ferrari a-t-elle volontairement confié la responsabilité de cette voiture à Jony Ive ?
Pourquoi la communication autour du projet met-elle davantage en avant le designer que la marque elle-même ?
Pourquoi Ferrari a-t-elle choisi de présenter cette voiture à des influenceurs issus de la tech plutôt qu’à des journalistes spécialisés dans l’automobile sportive ?
Et surtout : Ferrari croit-elle réellement à cette voiture ?

Dans cet épisode, je vous partage donc une analyse complète de cette voiture, de son design, de sa stratégie, de sa communication et surtout de ce qu’elle raconte sur l’évolution du design automobile aujourd’hui.

Si cette vidéo vous plaît, pensez à vous abonner, à activer la cloche et surtout à me dire dans les commentaires ce que vous pensez réellement de cette Ferrari Luce.
Est-ce une révolution ?
Ou est-ce une Ferrari qui a oublié ce qu’est une Ferrari ?

00:00 Ferrari Luce : pourquoi tout le monde la déteste ?
02:14 Introduction et contexte
05:16 Jony Ive, Ferrari et le choc des cultures
09:06 Ferrari est-elle obligée de faire une voiture électrique ?
11:27 La stratégie Ferrari : balancer la patate chaude ?
17:19 Pourquoi Ferrari vise les milliardaires de la tech
20:09 Le problème de Jony Ive avec Ferrari
25:20 Ferrari : une émotion, pas un problème à résoudre
29:14 Pourquoi la Ferrari Luce est pourtant une excellente voiture
33:52 Ferrari VS Jony Ive : émotion contre rationalité

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Je suis Younes Duret, designer basé à Marrakech, et chaque semaine depuis mon studio de design, je vous invite à plonger dans l’univers captivant du design, où innovation, culture et créativité se rencontrent.

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