Es ist ein geradezu episches Bild, das der Künstler Nick Pedersen kürzlich geschaffen hat. Es trägt den Titel „Refuge“ und zeigt eine Szenerie in den Rocky Mountains, in der sich zahlreiche Tiere tummeln. Sofort kommt der Gedanke auf, dass es sich um eine Montage handelt. Das stimmt auch, allerdings hat Pedersen alles, was auf dem Bild zu sehen ist, selbst fotografiert und anschließend zusammengeschnitten.

„My artwork is primarily inspired by my experience with nature and environmentalism. It is specifically motivated by my concern for the future due to the effects of climate change, sea level rise, deforestation and many other environmental impacts humans have had on the planet.“ – Nick Pedersen

Mehr als 100 Fotos hat Pedersen in Photoshop miteinander verschmelzen lassen. Dank einer Breite von 30.000 Pixeln können wir zahlreiche Details erkennen, so wie die Vögel, die über dem Gipfel kreisen, und die Gämsen auf der Felsformation links. Schon immer hat sich Pedersen für Fotografie interessiert und 2005 darin seinen Bachelor an der University of Utah gemacht.

Aber erst die digitale Kunst, in der er 2011 einen Master am Pratt Institute nachgelegt hat, hat seine Kreativität so richtig zum Erblühen gebracht. Seine Werke wurden vielfach ausgezeichnet und in Ausstellungen in den USA und weltweit gezeigt. Auf Instagram kannst du dir einen Überblick über seine Arbeit verschaffen.

(via) Copyright Nick Pedersen

Nachdenklich sitzt Elton John am Klavier und spielt ein paar Noten. Die werden bald zu einer Melodie, die dir wahrscheinlich bekannt vorkommt. Es ist „Your Song“, einer der größten Hits des Superstars. Während er spielt, lässt er sein bewegtes Leben Revue passieren – und wir dürfen die Rückschau mitmachen. Immer jünger und agiler wird John, bis er als Knirps zu sehen ist, der sich auf sein Weihnachtsgeschenk freut: ein Klavier.

So sieht der Werbespot aus, den die britische Warenhauskette John Lewis & Partners ins diesjährige Weihnachtsgeschäft schickt. Besonders ist er nicht nur wegen der authentischen Rückblenden, sondern auch wegen seines Endes. Das Klavier, das der kleine Elton damals zu Weihnachten bekommen hat, ist nämlich das gleiche, an dem er in der Gegenwart sitzt. Dazu passend bekommen wir zu lesen: „Manche Geschenke sind mehr als nur ein Geschenk.“

(via) Copyright Sony Music

Auf Ibiza ist am vergangenen Wochenende das BLOOP Festival zu Ende gegangen. Zwei Wochen lang zeigten Künstler verschiedener Richtungen, was sie können. Unter anderem durften die Besucher zahlreiche Werke von Street Artists bewundern, die sich am Thema des Festivals – „Hope“ – abgearbeitet haben. Einer von ihnen war der Grieche INO, der das Thema einfach umgedreht und ein Mural namens „Hopeless“ geschaffen hat.

„INO is a visual artist from Greece who is worldwide known for his large scale murals. His first pieces emerged during school, when he started creating graffiti fonts and characters. Few years after, he studied painting at the Athens School of Fine Arts. INO has participated in art exhibitions and projects mainly in Europe, America and the Middle East.“

In Grautönen zeigt es ein Mädchen, das die Hände zum Gebet faltet. Weil von oben ein paar Münzen gefallen kommen, erkennen wir schnell: Das Mädchen bittet höhere Mächte um Geld. Allerdings ist es nicht mittellos, sondern verknüpft seine Zufriedenheit mit materiellen Gütern. INO kritisiert mit seinem Werk nämlich die großen Konzerne, die mit enormem Werbebudget eine immer jüngere Kundschaft anspricht. Und der ironische Titel „Hopeless“ nimmt uns die Hoffnung, dass sich das jemals wieder ändern wird.

(via) Copyright INO

Tarot, die uralte Kunst des Kartenlegens, wird heute nicht nur zum Wahrsagen, sondern auch zu spirituellen Zwecken praktiziert. Sich selbst erkennen und seine Umwelt begreifen, eigene Ängste besiegen und voller Hoffnung der Zukunft entgegen schreiten – mithilfe von Tarot-Karten möchte der Schweizer Andreas Graf von „Neusteller“ den Teilnehmern seiner Seminare psychologische Hilfe leisten.

„Working across the field of  creative direction, from graphic design to art direction. Each project challenges current design norms by experimenting with unique typographic layouts and carefully curated colour palettes. Projects are approached with conceptual and strategic thinking, creating work that is considered, charismatic and beautiful.“

Extra dafür entwarf Caterina Bianchini ein ganz besonderes Deck Tarot-Karten. Im Unterschied zu mittelalterlichem Tarot mit seiner opulenten Ornamentik sind Caterinas Karten beinahe puristisch gestaltet. Auch ihre Symbolik unterscheidet sich von der klassischen Tarot-Kunst: Statt dem „Gehängten“ – „Gute Geister“, statt dem unabwendbaren „Rad des Schicksals“ – das hoffnungsvolle „Erwachen“.

Ästhetisch anspruchsvoll und hoffentlich hilfreich – ein Kunstwerk der besonderen Art.

(via) Copoyright Caterina Bianchini

Der Künstler Aakash Nihalani hat in seiner Heimatstadt New York genug Gelegenheit, die Augen wandern zu lassen. Was ist echt und was nur Reflexion? Das ist in dieser Metropole gar nicht so klar. Schließlich schiebt sich hier Wolkenkratzer an Wolkenkratzer in den Himmel. Im Sommer werfen die Stahlbetonkolosse erbarmungslos die Sonne von der gläsernen Fassade und im Winter glänzen sie mit extra kühlem Flair. Oben und unten, innen und außen, das scheint in der Betonwüste von Big Apple alles relativ – und in den Werken von Aakash Nihalani auch.

„Nihalani wants to give people a momentary escape from the routine, and his bold graphics do just that. The viewer is given a momentary opportunity to live a little more playfully, within the “new” space created by Nihalani. People can enter freely into these spaces and disconnect from their daily reality for a few unexpected moments. Aakash Nihalani places his graphics around New York City in a selective way, intending them to highlight aspects of the city itself.“

Wiederkehrende geometrische Formen verschlingen sich zu immer neuen Gebilden, um unsere Wahrnehmung herauszufordern. Denn Moment mal, hier stimmt doch etwas nicht! Mit kräftigen Farben und klarer Linienführung entwickelt der Künstler optische Illusionen. Seine nächste Solo-Ausstellung findet vom 28. März bis zum 28. April in der Mailänder Galerie „Wunderkammern“ statt. Geplant sind ein maßgeschneidertes Wandgemälde für den Ausstellungsraum sowie ein Kunstwerk aus Klebeband. Der Titel „Tilt“ trägt den gewünschten Perspektivwechsel durch Schrägstellen des Kopfes ja bereits im Namen.

(via) Copyright Aakash Nihalani

Wer sich beeilt, hat noch eine gute Chance im Museum Art Mûr in Montreal ein Autowrack zu bewundern. Aber nicht irgendein demoliertes Auto, sondern ein von Jannick Deslauriers aus Seide und Tüll kunstvoll genähtes Autowrack.

Die Skulptur sieht düster aus – wie ein richtiges Wrack auch auszusehen hat. In irgendeinem schweren Unfall zerstört, vielleicht von einem Raser oder Geisterfahrer zu Schrott gefahren, steht die einst elegante und schnelle Karosse hilflos da. Sie ist im Verfall begriffen, sie schwindet dahin.

” Fractured, the “translucent and dislocated” form caught in a moment of demolition which is the eponymous work in Deslauriers’ Sentence, souffle et linceul is a full scale automobile: its form distilled from meticulously researched images of both intact and damaged vehicles; its bespoke distressed surfaces conveying a visceral engagement with the reality of “certain geopolitical issues,” the artist seeks to address, the premeditated destruction which is “a symbol of our times.”

Die paradoxe Wahl des Werkstoffs lässt das Autowrack surreal wirken – es scheint nicht von dieser Welt zu sein und ist doch ein starkes Symbol. Es steht für die Vergänglichkeit von allem Seienden und auch dafür, wie doch lachhaft unsere menschliche Eitelkeit ist. Wir streben nach Luxus, wir lieben Geschwindigkeit und schaffen uns protzige Karren an. Doch nur ein Augenblick – und es alles vorbei…

Jannicks Kunst ist aber aus meiner Sicht weit mehr als nur ein wehmütiges Klagelied: Dieses textile Autowrack symbolisiert nicht zuletzt die menschliche Glanzleistung – die Fähigkeit, aus semitransparenten, fragilen Stoffen eine expressive Skulptur entstehen zu lassen.

(via) Copyright Jannick Deslauriers’

Nicht dass alle früheren Barbies völlig gesichtslos wären. Doch so individuell und charaktervoll präsentieren sich die beliebten Puppen wohl zum ersten Mal in ihrer Geschichte. Mattel überrascht neuerdings mit einer eher ungewöhnlichen Idee: Barbies sind jetzt nicht irgendwer, sondern lauter berühmte Frauen. Mehr noch, der Spielzeughersteller orientiert sich bei der Wahl der Protagonistinnen weniger am Beauty-Faktor, sondern vielmehr an den inneren Werten.

Sein Ziel – Frauen als inspirierende Vorbilder zu zeigen. So wie zum Beispiel die mexikanische Malerin Frieda Kahlo, eine emanzipierte, starke Frau und eine vielseitige Künstlerin. Oder Bindi Irwin, eine passionierte Naturschützerin und erfolgreiche Schauspielerin aus Australien. Oder aber die Fechterin und Olympiasiegerin Ibtihaj Muhammad, die erste Sportlerin, die das Recht errungen hat, mit Kopftuch aufzutreten. Sogar die Barbiefigur mit einem Kopftuch sorgte hierzulande für hitzige Debatte. Für mich ist Ibtihaj ein Beispiel einer modernen Muslimin und ein Beweis, dass der Glaube und die Freiheit einander nicht zwangsläufig im Wege stehen müssen.

Die neue Puppen-Generation geht sogar einen Schritt weiter und verzichtet – zumindest teilweise – auf die Schlankheitsideale der klassischen Barbie. Denn da ist die liebe Ashley Graham, ein erfolgreiches Plus-Size-Model und laut Eigenbeschreibung „Body Activist“. Eine mollige Barbie sieht m.E. voll cool aus.
Kurzum – ein beachtenswertes Projekt und ein sympathisches Spielzeug. Nicht nur für Mädchen.

(via)

Ihre meisterhaften Zeichnungen verkörpern unsere schönsten Träume. In den Bildern von Tran Nguyen, einer gebürtigen Vietnamesin, seit Jahrzehnten in den USA wohnhaft, ist ein sanfter Hauch von Fernost stets zu spüren. Feine Linienführung, dezente Pastelltöne und mandelförmige Augen der romantischen Schönheiten lassen eine buchstäblich zauberhafte Atmosphäre entstehen.

Tran’s Bilder scheinen ein modernes Märchen zu erzählen – eine Sage, in der es von gutmütigen Riesinnen, mächtigen Zauberinnen und starken Heldinnen handelt. Ja, die Protagonisten ihrer Bilder sind tatsächlich vor allem außergewöhnliche Frauen. Die meisten von ihnen erscheinen in Begleitung ihrer Totemtiere – zahmer und doch wehrhafter Tiger, Bären oder Löwen. Wer hat denn sich solch einen mystischen, treuen Beschützer nicht schon mal heimlich gewünscht?

„Tran’s paintings are created with a soft, delicate quality using colored pencil and acrylic on paper. She creates illustrations for magazines, book covers, wine and beer labels, film, animation, as well as other advertising assets. She has worked for clients such as VH1, Tiger Beer, World Wildlife Fund, and has showcased with galleries across the world.“

Die neue Bilderserie beschäftigt sich noch intensiver mit der weiblichen Schönheit. Die geheimnisvollen Frauen tragen kostbaren Goldschmuck, ihre Haut zieren edle Blütentattoos, zarte Schmetterlinge verschmelzen mit den femininen Zügen. Die romantischen Frauenporträts erinnern beizeiten an die verspielte Poesie des Jugendstils mit seiner Begeisterung für die immerwährende Weiblichkeit und florale Motive.

Ich frage mich gerade: Wann findet sich endlich ein Autor, der ein Märchen zu all den wunderbaren Kunstwerken schreiben würde?

(via) Copyright Tran Nguyen

Eigentlich hat Libby Oliver Internationale Entwicklung und Gender Studies studiert. Durch ihre kreative Arbeit im kanadischen Guelph hat sie sich jedoch einen Ehrentitel in Bildender Kunst verdient. In ihren Werken vermischen sich tatsächlich alle drei Zugänge – politisch, genderspezifisch und künstlerisch. Für das Projekt „Soft Shells“ hat sie Menschen verschiedener Herkunft, unterschiedlichen Alters sowie Männer und Frauen mit ins Boot geholt, um ihren Kleiderschrank auszuräumen.

Jedes Kleidungsstück wird zu einem ganz persönlichen Wäschehaufen getürmt, in dem sich – wenn Du nur genau hinsiehst – ein Mensch verbirgt. Mit ihrer Fotostudie möchte Libby Oliver zum Vorschein bringen, wie Kleidung unsere Persönlichkeit unterstreicht, aber auch Unsicherheiten verstecken kann. Um ein noch breiteres Spektrum an Identitäten zeigen zu können, plant die Künstlerin mit „Soft Shells“ über die kanadischen Grenzen hinaus zu reisen.

(via) Copyright Libby Oliver

Die zunehmende Verstädterung stellt bereits jetzt eine Herausforderung für Metropolen von Berlin bis Tokio dar. Damit der urbane Lebensraum auch in Zukunft lebenswert bleibt, sind clevere sowie nachhaltige Konzepte gefragt. Im Februar dieses Jahres sind genau solche Ideen auf dem von UN-Habitat veranstalteten World Urban Forum diskutiert worden. Ein Projekt im Zuge der Konferenz in der malaysischen Hauptstadt ist der bunte Pavillon von Eleena Jamil gewesen.

„EJA was formed in 2005 by Eleena Jamil and is based in Kuala Lumpur, Malaysia. It has a breadth of experience in delivering successful and imaginative projects. With a dynamic and committed team of architects and assistants, it focusses on creating enduring architecture by seeking tactile spatial solutions with strong references to context and culture.“

Schön sowie funktional hat sie den schnellwachsenden Rohstoff Bambus vor der Kulisse glitzernder Wolkenkratzer inszeniert. Der Pavillon, verkleidet mit 7.000 farbigen Bambusringen, steht auf einer Grundfläche von vier mal vier Metern und eröffnet eine farbenfrohe Sicht auf das asiatische Riesengras. Inwieweit der nachhaltige wie robuste Rohstoff als Baumaterial im Großstadtdschungel Verwendung finden wird, wird sich erst noch zeigen.

(via) Copyright Eleena Jamil

Von den meisten Alltagsgegenständen erwarten wir vor allem eins – eine einwandfreie Funktionalität. Klar, hübsch verziertes Toilettenpapier, bunte Wäscheklammern oder gemustertes Klebeband sind definitiv eine nette Idee. Doch der praktische Nutzen steht immer im Vordergrund.
Aber hat nicht jeder Gegenstand ein gewisses Potential, zu etwas mehr als nur einem treuen Helfer zu werden? Können vielleicht sogar eine bescheidene Klopapierrolle oder ein schlichter Spiegel Kunst? Mauricio Alejo, ein Designer und Fotograf aus Mexiko, würde diese beiden spannenden Fragen mit einem überzeugten „Ja!“ beantworten.

„His work is part of important collections such as Daros Latinoamérica Collection in Zürich . His work has been reviewed in important journals, such as Flash Art; Art News and Art in America. He has had solo exhibitions in New York, Japan, Madrid, Paris and Mexico.“

Mauricio setzt scheinbar geistlose Gegenstände in einen neuen Kontext: In den denkbar unpersönlich wirkenden Räumen rücken seine Protagonisten, allerlei Plastikbeutel, Kissen oder Putztücher, plötzlich in den Vordergrund. Sie entfalten ihr erstaunlich komplexes Innenleben und lassen sich effektvoll in Szene setzen.

Ein weißer Faden verwandelt sich in eine Mischung aus Spitze und Geografie. Ein Kissenstapel avanciert zu einem romantischen architektonischen Element. Ein Buch streckt uns unvermittelt die Zunge raus und die grüne Grütze missachtet auf eine freche Weise die physikalischen Gesetze. Ich mag diese surrealen Alltagsfantasien. Nur der schöne Holzstuhl ist mir irgendwie schade, aber na ja – die hohe Kunst fordert doch ihre Opfer…

















(via) Copyright Mauricio Alejo

In den 1970er Jahren hielten Plaste und Elaste erstmals im großen Stil Einzug in die heimischen vier Wände. Heute sind Gadgets aus Platik aus dem Haus nicht mehr wegzudenken. Allerdings hat sich über die Jahrzehnte einiges in Sachen Design getan.

„A nice project that turns turntable, hair dryer, stereo or electric shaver into letters of the alphabet. You can follow the work of Goa Yang on his Behance portfolio, and I also recommend you Electronic Font, a typography in tribute to cult gadgets.“

Schade eigentlich, denn alles vom Haartrockner bis zum Plattenspieler sah doch damals richtig gut aus. Für alle Retro-Fans hat die chinesische Grafikdesignerin und Illustratorin Gao Yang ihre persönlichen Highlights von A bis Z als „CLASSIC. Typeface“ mit 3D-Effekt zusammengefasst. Mindestens genauso kultig ist jedoch die Buchstabensammlung von Vinicius Araújo.

(via) CXopyright Gao Yang

Die Spinnen sind richtige Netzwerker und professionelle Spinner, denn die meisten von ihnen können exzellente Fangnetze spinnen. Die Spinnen sind Nützlinge – gäbe es sie nicht, wäre unser Planet buchstäblich unter einer glitschigen Insektenschicht erstickt.

Aber so richtig konnten die flinken Achtbeiner die Menschenherzen bisher noch nicht erobern. Sogar die harmlosesten, winzigsten Spinnen verursachen oft mit ihrem – meist ungewollten – Auftritt ein heilloses Durcheinander und führen zu unkontrollierten Panikausbrüchen.

„I am not a spider person. I don’t like them. Spiders rank right up there with rats, birds and snakes in my big book of fears. But there’s one spider who could change everything. He is ADORABLE. In fact, I want to hold him, squeeze him and put him in my pocket.“ Joshua Slice

Joshua Slice wollte ein Zeichen gegen die Volksparanoia Arachnophobie setzen und stellte auf seinem YouTube-Kanal ein Kurzvideo über die Spinne namens Lucas online. Sein Neffe Lucas gab übrigens dem Tierchen nicht nur seinen Namen, sondern auch seine Stimme.

Der kleine Lucas huscht in diesem Clip über die Sitzfläche eines Holzstuhls, lugt über den Rand hervor und seilt sich geschickt ab. Mehr geschieht hier nicht. Doch der wuschelige Lucas ist so unglaublich niedlich, dass das Video bereits innerhalb von paar Tagen Millionen Male angeklickt wurde. Dem ersten Internethit folgten inzwischen einige weiteren Lucas-Geschichten. Vielleicht wurde nun ein oder anderer Arachnophobiker endlich geheilt!

(via) Copyright Joshua Slice

Für Natasha Newton gibt es kaum etwas Schöneres als entlang der Küste von Suffolk zu strandräubern. Die britische Illustratorin und Künstlerin ist fasziniert von blankpolierten Steinen und geschliffenem Meerglas.

„Through my paintings I try to communicate or evoke a particular emotion; a deep love of nature and the countryside, the magical stillness found during the Autumn and Winter seasons, a sense of history and feeling of nostalgia viewed through the eyes of a contemporary painter, and a longing for a simpler way of life.“ Natasha Newton

Gezeichnet von Wellen und Sandabrieb erzählt jedes Fundstück eine eigene Geschichte, welche Natasha Newton um ein weiteres Kapitel ergänzt. Hierfür bemalt sie das Strandgut mit feinem Pinsel, um Bäume, Blätter und Tiere auf die harte Leinwand zu bringen. Die minimalistischen Acryl-Gemälde verkauft sie anschließend bei Etsy. Wer jedoch eins der handschmeichelnden Kunstwerke ergattern möchte, muss schnell sein. Denn meist ist das bebilderte Strandgut innerhalb weniger Sekunden vergriffen.

(via) Copyright Natasha Newton

Was ist dort, am anderen Ende eines romantischen Regenbogens, wo führen die Wege hin, die Daniel Mercadante aus Kalifornien bahnt? Auf seinen neuesten Bildkreationen schlängelt sich ein leuchtender Regenbogenweg entlang eines Baches und verliert sich in der Ferne. Einem schwerelosen Schleier gleich, schwebt das farbige Band über dem Boden und entführt unsere Fantasie dorthin, wo das Glück vollkommen und wohin dem Leid der Zutritt für alle Ewigkeit verwehrt ist.

„Daniel Mercadante founded a directing collective called Everynone in 2009. He made several popular and award winning films under that name including Symmetry, Words, Laughs, and Losers.“

Nicht zufällig glauben viele Menschen, dass ihre geliebten Haustiere nach einem erfüllten Leben über die Regenbogenbrücke schreiten werden, um dort spielend auf ihre Besitzer zu warten. Nicht zufällig steht der Regenbogen im Glauben der Juden und Christen für den ewigen Bund der Menschen mit Gott. Der Regenbogen ist ein starkes Symbol, aber auch als ein Naturphänomen einfach faszinierend.

Daniel und seine Frau Katina sind beide Filmemacher mit Leib und Seele. Auf ihrer Internetseite The Mercadantes stellen sie ihre Arbeiten vor. In ihren Kurzfilmen zelebrieren sie das Leben, auch das Glaubensleben der verschiedenen Religionen, sie treten für den Frieden ein oder gehen auf eine kleine Sprachreise. Ich finde, es ist eine sehenswerte Kunst, auch jenseits der Regenbogenbilder.

(via) Copyright Daniel Mercadante

Was würde uns eine Physalis sagen, wenn sie sprechen könnte? Und wie wäre eigentlich eine Feige drauf, wäre sie eine Frau? Marija Tjurina aus London geht diesen äußerst spannenden Fragen nach, indem sie ihre Aquarelle malt. Die unmittelbare Nachbarschaft zum größten Obst- und Gemüsehändler der britischen Hauptstadt empfindet die Künstlerin als äußerst inspirierend, wenn wo lässt sich denn sonst ein herrlich lilafarbener Blumenkohl entdecken? Auch eine Drachenfrucht ist für uns Europäer noch nicht ganz alltäglich.

„I am pretty lucky to live near (probably) the best greengrocer in London, and for the past few years, I have been going over there at least once a week to gaze at the mind-blowing range of beautiful fruits and vegetables….“ Marija Tiurina

Ach so, die Physalis… Diese geheimnisvolle Natur und eine in jeder Hinsicht helle Leuchte würde vielleicht uns nicht viel mehr als ein freundlich-distanziertes Ciao zuflüstern und sich in ihre Welt zurückziehen. Die Feige ist keineswegs feige, dafür aber eine Skeptikerin und von Natur aus misstrauisch.

Nicht so die Wassermelone – diese Dame ist sensibel und hilfsbereit, emphatisch und offenherzig. Und der Blumenkohlmann? Stolz auf seinen coolen Lila-Haarschnitt, ist der smarte Herr bestimmt ein Dandy und vielleicht genauso wie Marija ein begnadeter Zeichner. Was meinst du?

(via) Copyright Marija Tiurina

Es gab eine Zeit, da war es in der Malerei das höchste der Gefühle, die Welt möglichst realitätsgetreu abzubilden. Mit dem Aufkommen der Fotografie übernahm der Fotoapparat diese Aufgabe und zeigte uns die Welt ganz einfach so, wie sie war. Dass die Kamera auch anders kann, beweist beispielsweise Platon Yurich. Der russische Künstler und Fotograf nimmt Menschen und Kulissen vor die Linse, um nach kreativer Bildretusche eine Welt aufzutun, die es gar nicht geben kann.

Die surrealistischen Bilder in Tradition mit Künstlern wie René Magritte spielen mit unserer Erwartungshaltung, während sie uns in den Bann ziehen. Eine junge Frau fährt im Unterwasserzug an einem Schwarm Delfine vorbei. Ein Herr puzzelt sich das Firmament zurecht. Und ein Kind versteckt sich unterm wolkenbedruckten Himmelszelt. Weitere visuelle Unmöglichkeiten, die zum Träumen einladen, findest Du auf Instagram.

(via) Copyright Platon Yurich

Jennifer Nolan hat das Homeoffice zu ihrer Kreativschmiede erklärt. Für die Grafikdesignerin lassen sich auf diese Weise Beruf und Familie am besten vereinen. Die Mutter weiß ihre dreiköpfige Rasselbande im Alter von elf, zehn und drei Jahren mit viel Kreativität in Schach zu halten. Eine Kostprobe ihres Schaffens hat sie mit dem Etsy-Shop dsgn Grl nun auch in die Öffentlichkeit getragen.

„Jennifer Nolan is an artist, crocheter, photographer and military mom, living in Las Vegas, Nevada.“

Dort vertreibt sie kleine Figuren aus Garn. Die Handarbeit ist ein willkommener Zeitvertreib, wenn der Familienvater mit der US Navy in der Welt unterwegs ist. Besonders gern fertigt die dreifache Mutter, in Anlehnung an japanische Amigurumis, Mini-Stofftiere aus Garn. Kreationen vom Regenbogen-Pinguin über flauschige Angry Birds bis hin zum Baby-T-Rex sind so niedlich, dass ich am liebsten auch gleich zur Häkelnadel greifen möchte. Jennifer sollte definitiv noch Anleitungen in ihrem Shop anbieten!

(via) Copyright Jennifer Nolan

Was die Künstlerin Nora Fok schafft, sieht auf den ersten Blick nicht unbedingt wie Schmuck aus. Dabei trägt man die Kreationen der gebürtigen Chinesin wie Ketten um den Hals. Sie sind allerdings nicht glänzend und schlank wie Werke aus Edelmetall, sondern ausladend und auffällig. Fok orientiert sich mit ihren Arbeiten an Formen, die die Natur ihr vorgibt. Diese setzt sie dann mit verschiedenen Techniken um.

„Working from her home in Hove, a town on the English coast, Nora meticulously crafts sculptural jewelry pieces using techniques like braiding, weaving and knitting.“

Flechten, Weben, Stricken – Fok braucht einige handwerkliche Fertigkeiten, um ihre Schmuckstücke zu machen. Als Material verwendet sie Mikrofilamente, also die fadenförmigen Strukturen von Nylon. Sämtliche Handgriffe, die für ein Werk nötig sind, macht Fok selbst, oftmals dauert es Wochen, bis die Arbeit vollendet ist. Die Ergebnisse sind tragbare Skulpturen, die garantiert die Aufmerksamkeit des Umfelds erregen. Einige sind gerade im New Yorker Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum zu sehen, wo bis Mai die Ausstellung Jewelry of Ideas stattfindet. Auch in der Vergangenheit zeigte Fok ihren außergewöhnlichen Schmuck in Museen, Galerien und auf Messen. Die Künstlerin hat ihr Studio im englischen Hove.







(via) Copyright Nora Fok

Portraits sind die Spezialität der jungen Kim Hyunji . Die 26-Jährige zeigt in ihren Gemälden Mitglieder ihrer Generation: junge Menschen, die mit einer Mischung aus Neugier und Angst in die Zukunft blicken und noch dabei sind, ihre Persönlichkeit zu entwickeln. Mit Nasen- und Ohrringen und einer fast schon greifbaren Verletzlichkeit blicken sie dem Betrachter entgegen. Dennoch schafft es Kim, eine gewisse Distanz zu schaffen, in dem sie ihre Protagonisten in unwirklichen Farben darstellt.

„Mirror Stage“ heißt die Serie, in der Kim sich auch selbst malt. Interessant ist, dass sie die Bilder auf Acryl oder Glas, also auf durchsichtigem Untergrund erstellt hat. Kim ist in Washington D.C. geboren, aber im südkoreanischen Seoul aufgewachsen. 2014 hat sie ihren Bachelor in Kunst an der Curtin University in Perth in Australien gemacht. Ein Jahr später waren Werke von ihr in Galerien in den USA, Australien und London zu sehen. „Mirror Stage“ wurde zuletzt Ende 2017 in Melbourne gezeigt. Werke von Kim sind in ihrem Online-Shop  erhältlich, auf Instagram ist die Künstlerin auch präsent.

(via) Copyright Kim Hyunji

Ein einzelnes Haar ist zwischen 0,02 und 0,08 Millimeter dick. So sind um die hunderttausend Haare nötig, um einen Schopf zu bilden. Ob es diese Masse an feinen Einzelteilen ist, die Parth Kothekar fasziniert? Jedenfalls steht die Haarpracht im Zentrum seines künstlerischen Schaffens, denn er fertigt Frisuren aus Papier.

„This art form made me feel more connected to my work. I felt the ‘life’ in them. Initially I did this only as a hobby, but the inspiration from my close friends made me consider this as a profession.“

Geht der Coiffeur vorzugsweise mit Rasierklinge ans Werk, greift der Künstler zum Schablonenmesser, um „Paper Hair Cuts“ zu kreieren. Die überaus filigranen Scherenschnitte überzeugen mit ruhiger Fingerfertigkeit und Liebe zum Detail. Weitere kunstvolle Miniaturen vom Schriftzug bis zum Traumfänger kannst Du im Etsy-Shop von Parth Kothekar kaufen.

(via) Copyright Parth Kothekar

Carl Lavia aka Sketch ist ein Künstler, der 3D-Stadtpläne in monatelanger Arbeit nur mit einem Kugelschreiber skizziert. In ein bis drei Monaten entstehen so im Großformat die Städte aus Großbritannien.

„A talented, self-taught artist, Carl has been sketching since he was 5 years old. As a child, he was fascinated with drawing maps, architecture and fictional cities.“

Er recherchiert, kartografiert und produziert jedes Bild in mühsamer Handarbeit. Dundee ist das neueste Stadtbild, das jetzt in der McManus Art Gallery gezeigt wird. Es dauerte drei Monate und kostete über 100 Stifte, um dieses drei Meter große 3D-Stadtbild zu erschaffen.

Copyright Carl Lavia aka Sketch I Video The Edinburgh Reporter

Die Philippinen gehören zu den ärmsten Staaten der Welt. Dass die Realisierung einer künstlerischen Vision aber nicht davon abhängt, wie teuer die verwendeten Materialien sind, zeigt Tatay Carlito Romanillos. Der Filipino biegt aus Draht eindrucksvolle Skulpturen, die alltägliche Objekte darstellen. Moderne Autos, Oldtimer, Fahr- und Motorräder – alles, was auf zwei oder vier Rädern unterwegs ist, kann Romanillos aus dünnem Metall nachbauen.

“I hope people don’t haggle too much because this is my work of art. I put a lot of effort into this. After all, I just wanted to make a hobby out of it,” he said.

In den sozialen Netzwerken sorgen die Werke des 52-Jährigen bereits seit einiger Zeit für Aufsehen. Zahlreiche User wollen ihn unterstützen und seine Kunst kaufen. Dazu müssen sie allerdings nach Manila kommen, wo Romanillos seinen Stand hat. In der Bambang M. Hizon St. wartet er auf Kunden und hofft, dass sie nicht allzu sehr mit ihm um den Preis feilschen. Denn er steckt eine Menge Zeit und Aufwand in sein Hobby und würde sich damit gerne ein Zubrot verdienen. Hauptberuflich ist er nämlich als Taxifahrer tätig. Anfangs hat es sechs Monate gedauert, bis er ein Motorrad aus Draht gebogen hat, mittlerweile schafft er das in einer Woche.

Copyright Tatay Carlito Romanillos

Westlich von Doha im Ort ar-Rayyan erhebt sich majestätisch das Khalifa International Stadium. 2011 war es einer von fünf Spielorten der Fußball-Asienmeisterschaft. 2014 schloss das Nationalstadion von Katar für über drei Jahre seine Pforten, um ein Makeover über sich ergehen zu lassen. Seit der Wiedereröffnung im Mai 2017 verfügt die Sportstätte unter anderem über eine neue schwungvoll geformte Dachkonstruktion.

Die Arbeiten dort und an anderen Stadien gingen allerdings nicht ohne Aufruhr über die Bühne. In Vorbereitung auf das Mega-Event, die Fußball-Weltmeisterschaft 2022, sind Schlagzeilen von Korruptionsvorwürfen über die Vergabe der Spiele sowie von miserablen Arbeitsbedingungen, die an Sklavenarbeit grenzten, durch die Schlagzeilen gegangen. Davon unberührt haben MK und die katarischen Partner von Eclick Multimedia in einer fünfminütigen Timelapse den langwierigen Renovierungsprozess festgehalten – emsig arbeiten sehen wir in dem Video jedoch lediglich die Kräne.

Copyright Eclick Multimedia

Dir ist es bestimmt auch schon passiert: Plötzlich gibt der Computer den Geist auf, das Handy bleibt schwarz oder beim Fernseher schaust Du sprichwörtlich in die Röhre – nichts geht mehr. Oft lässt sich das Gerät nicht mehr reparieren oder die Reparatur ist zu teuer. Also ab in den Elektroschrott damit! Beim Recycling lassen sich aus den Elektroleichen wertvolle Rohstoffe zurückgewinnen, die für die Produktion neuer Geräte verwendet werden können. Dass Recycling aber auch kreativ sein kann, zeigt Zayd Menk aus Simbabwe.

„Wow, this is pretty cool. Using recylced notherboards from computers, Zimbabwean artist Zayd Menk created a scale model of NYC’s midtown area, Empire State Building and all.“

Unter Einsatz von Säge und Heißklebepistole hat er in mühevoller Kleinarbeit den New Yorker Bezirk Manhattan im Maßstab von 0,0635:100 aus Elektroschrott nachgebaut. Es hat über drei Monate gedauert, Empire State Building & Co mithilfe ausgedienter Hauptplatinen, Grafikkarten, Akkus, Kühlereinheiten usw. zusammenzusetzen. Für typisch großstädtisches Neon-Flair sorgen vier integrierte LEDs, die in der detailverliebten Miniatur-Skyline das Empire State Building aufleuchten lassen.

(via) Copyright Zayd Menk

Warum Urlaubserinnerungen nur auf Film oder SD-Karte festhalten, wenn DIY doch voll im Trend liegt? Das französisch-schwedische Künstlerduo Le Kadre fertigt baumwollene Schnappschüsse, die Raum für Kreativität lassen. Für ihre bunten Mitbringsel von ihren Städtetrips durch Europa nutzen Charles Henry und Elin Petronella Nadel und Faden, um die schönsten Ecken Dänemarks, Frankreichs und Italiens in Handarbeit festzuhalten.

Jede Stadtansicht, von den blumenschwangeren Fenstergärten in Paris bis hin zum farbenfrohen Hafenviertel Kopenhagens, wird zunächst als Skizze auf das Tuch gezeichnet. Erst durch den Einsatz von in Mustern gestochenen Garns nimmt die Destination im Stickrahmen Form an. Mit einem Stil zwischen verträumt und realistisch – gerne auch in Anspielung auf Vincent van Gogh – strebt das Paar durch seine architektonischen Stickereien danach, auch andere für Handarbeit zu begeistern. Im Webshop kannst Du daher neben fertigen Arbeiten eine Reihe von Stickmustern zum Nachmachen erwerben. Dann heißt es: An den Stickrahmen, fertig, los!

(via)

Weihnachten ist vorbei, und die Nussknacker bleiben bis auf Weiteres im Schrank. Der Designer Georg Klöck hat jedoch ein Gerät entwickelt, mit dem das Nussknacken das ganze Jahr über Spaß macht. Es benutzt nämlich eine recht simple, aber auch rabiate Methode: An einem schmalen Holzbalken ist ein Vorschlaghammer angebracht, den der Nutzer manuell anheben muss. Beim Loslassen saust der Hammer dann gegen einen Zylinder.

Das Werkzeug ist fünf Kilogramm schwer, entwickelt also ausreichend Energie beim Schwingen. Um auszuschließen, dass Reibung die Geschwindigkeit des Hammers verringert, hat Klöck noch ein Kugellager eingebaut. Der Zylinder wird mittels eines Magneten festgehalten, drinnen liegt die Nuss und wartet darauf, ihre Schale zu verlieren. Dass sie nicht vollkommen zermalmt wird, liegt an dem Hohlraum innerhalb des Zylinders, der den Aufprall abbremst. Klöck hat an der Design Academy Eindhoven und an der Weißensee Kunsthochschule Berlin studiert. Der Fokus seiner Beschäftigung liegt auf der physischen Interaktion von Materialien. Zwar ist er auf Instagram vertreten, seine Aktivitäten dort lassen aber eindeutig noch Luft nach oben.

(via) Copyright Georg Klöck

Seine Kunst speist sich aus der großen Pastellmalerei des 19. Jahrhunderts und ist doch prickelnd modern. Die Serie „Daily Art“ des Franzosen Jean André ist schon wieder seinem Lieblingsmotiv – den herrlichen femininen Kurven und Rundungen – gewidmet.

„In his collection of “Daily Art,” Jean André gives viewers a soft and subtle look into intimacy, seduction, and self-pleasure.“

Selbstverständlich knistert auch diese in gedeckten Farben gehaltene Serie nur so von erotischer Spannung.
Jedes Bild ist wie ein Startschuss für ein tolles Kopfkino und der Betrachter ist gefragt, eine Liebesgeschichte dazu zu konstruieren. Wird es sich um verletzte Gefühle oder um ein neues romantisches Abenteuer handeln? Wer ist der Verführer und wer lässt sich nur zu gerne verführen?

Diese sinnlichen Bilder leben von der Spannung und den Andeutungen. Der Künstler erlaubt uns, durch ein Schlüsselloch einen kurzen Blick erhaschen und will keineswegs zu viel verraten. Genau dieses Fragmentarische, Subtile macht für mich den besonderen Reiz der „Daily Art“-Serie aus.

(via) Copyright Jean Andre´

Dass Benjamin Sack als Artist in Residence einige Zeit in Amsterdam verbracht hat, lässt sich unschwer an seinen Zeichnungen erkennen. Warum? Wie in der Endlosschleife verdichtet sich in seinen urbanen Wimmelbildern Architektur zu chaotischen Gebilden, was unweigerlich an Werke des niederländischen Künstlers M. C. Escher erinnert. Detailverliebt und weit verzweigt lässt er sich Gassen, Brücken und Bögen unter dem Einfluss seines Stiftes zu Spiralen winden, die sich immerfort auszudehnen scheinen. Was in der Vogelperspektive noch geordnet und planmäßig aussieht, verändert sich mit einem Perspektivwechsel zu einem verwirrenden Formenwust, in dem wir uns gedanklich verlaufen können. Kleiner Rundgang gefällig? Hier geht’s lang:

Copyright Benjamin Sack

Mit Essen spielt man nicht? Von wegen! Diese beiden Charaktere kommen gar nicht auf die Idee, ihre Spaghetti einfach nur zu verputzen. Stattdessen gönnen sie sich ein wenig Spaß darin – und zwar nackt. Der Kurzfilm, in dem zwei Papierfiguren Frühstück, Mittag und Abendessen auf ganz besondere Art und Weise genießen, stammt von der Slowenin Michaela Mihalyiová, eine Absolventin der Prager FAMU (Film- und Fernsehfakultät der Akademie der Musischen Künste).

Diese kam übrigens auf die ungewöhnliche Idee für das Filmchen, während sie morgens ihren Kaffee trank und sich fragte, wie es wohl wäre ein kleines Bad darin zu nehmen. Das Projekt „FOOD“ besteht komplett aus Papier und wurde innerhalb von zwei Wochen fertiggestellt.

Short stop motion film about different kinds of food. Film was made as a cut-out exercise at FAMU in Prague. Making of timelapses are down in the photos.“

(via) Copyright by Michaela Mihalyiová