La valoración del festival podría calificarse como excelente, con una programación variada y completa, y con una ración de buenas películas que ha hecho las delicias de todos los allí congregados. El nivel medio de las películas de la Sección Oficial ha sido notable, las películas elegidas para la siempre esperada “Perlas de otros festivales” han sido magníficas, y para el resto de las secciones siempre ha habido un hueco para poder descubrir trabajos muy notables.
La lluvia fue la protagonista del fin de semana, coincidiendo con la masiva afluencia de aficionados y simpatizantes, pero tras la tormenta se instaló la calma y el clima ha sido de lo más benigno para pasear de sal en sala.
Glenn Close se ganó la confianza de los aficionados y profesionales de cine con su comportamiento cercano y afable, un nuevo Premio Donostia merecido y agradecido.
La fluencia de estrellas del celuloide sigue siendo la espina clavada de un festival que siempre ofrece mucho más de lo que puede. Las presencias más aplaudidas han sido: Glen Close, Antonio Banderas, Michael Fassbinder (por cierto, que llegó en moto tras un recorrido turístico por Europa), Miguel Ángel Silvestre, Clive Owen y Catherine Deneuve (estos dos últimos con algo de desgana que no gustó).
Respecto a la afluencia de público, que decir que no se haya dicho ya, es espectacular ver las filas para retirar entradas durante los días previos, es increíble ver como día tras día, sala tras sala, la gente acude en masa, es grandioso observar esa otra cara que no sale en los telediarios ni en los diarios, la de gente hablando y conversando de cine…

Un breve resumen de lo mejor:

SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

Kiseki (Milagro) de Hirokazu Kore-eda – 8,5
No habrá paz para los malvados de Enrique Urbizu – 8,5
Mundo injusto de Filippos Tsitos – 8
Le Skylab de Julie Delpy – 7,5
Las razones del corazón de Arturo Ripstein – 7,5

Partiendo de la idea de que no ha surgido esa obra maestra que me emocione como lo pudo hacer el año pasado “El secreto de sus ojos”…
Cualquiera de estas películas tienen mi consideración de buenas películas, son trabajos con los que he disfrutado de una u otra forma en el cine, y sólo espero que el tiempo las coloque en el lugar que les corresponde.
Tras este TOP 5 de lo que más me ha gustado, me gustaría trabajar los buenos trabajos de Benito Zambrano y su “La voz dormida”, el encomiable trabajo de dirección e interpretación de la portuguesa “Sangre de mi sangre”, y el estilo en la dirección de Sarah Polley con su “Take this Waltz”.
No me han gustado nada de nada: “Amen” de Kim Ki-dux, ni la de Terence Davis “The Deep Blue Sea”, ni “Rampart” de Oren Moverman.
Del resto, ni fu ni fa, algunas cosas ha destacar, pero en conjunto obras menores.

ZABALTEGUI – PERLAS DE OTROS FESTIVALES

The Artist de Michel Hazanavicius – 10   UNA OBRA MAESTRA, QUE LE DEN YA EL OSCAR…
El árbol de la vida de Terrence Malick – 8
Shame de Steve McQueen – 8
Marta Marcy May Marlene de Sean Durkin – 7
Le Havre de Aki Kaurismäki – 7
Tiranosaurio de Paddy Considine – 7

Y se han quedado en el tintero películas tan interesante como la ganadora del Oso de Oro en Berlín, la iraní “Nader and Simin, A Separation”, o la americana “Drive” premiada en Venecia con la mejor dirección.

ZABALTEGUI – NUEVOS DIRECTORES

Wild Bill de Dexter Fletcher – 8
Silver Tongues de Simon Arthur – 8
Arrugas de Ignacio Ferreras – 7,5

HORIZONTES LATINOS

Miss Bala de Gerardo Naranjo – 7
Asalto al cine de Iria Gómez Concheiro – 6,5
Todos tus muertos de Carlos Moreno y Alonso Torres – 6,5

Y muchas otras películas a las que ha sido materialmente imposible acceder por falta de tiempo…

Firmado por: Reverendo “Harry Powell”

COMPETICIÓN OFICIAL

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

LOS PASOS DOBLES de Isaki Lacuesta (España-Suiza)   

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

LE SKYLAB de Julie Delpy (Francia)  

CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR

FILIPPOS TSITOS por Adikos Kosmos / Mundo injusto (Grecia)  

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ

MARÍA LEÓN por su trabajo en La voz dormida (España)  

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR

ANTONIS KAFETZOPOULOS por su trabajo en Adikos Kosmos / Mundo injusto (Grecia)  

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

ULF BRANTÅS por Happy End (Suecia)  

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN

HIROKAZU KORE-EDA por Kiseki / Milagro (Japón)  

Fuera del reparto de premios se han quedado películas como la de Urbizu (No habrá paz para los malvados) o la de Arturo Ripstein (Las razones del corazón), fuera se ha quedado el tremendo trabajo de José Coronado, y por el contrario, películas como la griega Mundo injusto sale de aquí dos premios bajo el brazo, premian a María León con un merecido premio a la mejor actriz (a pesar de la gran competencia, se acuerdan de Kiseki (Milagro) con el premio del mejor guión, o conceden un muy merecido premio a Julie Delpy y su Le Skylab.
El caso es que, con la excepción del premio gordo y el de mejor fotografía, todos los demás premios han recaído en películas que me han gustado por una u otra razón, no creo que lo mejor de Kiseki sea su guión, al igual que creo que no le han dado el premio a Coronado por no hacer coincidir dos premios de interpretación para actores españoles, y ¿Happy End como mejor fotografía?, las había mucho mejores…

OTROS PREMIOS PARALELOS

PREMIO KUTXA NUEVOS DIRECTORES

THE RIVER USED TO BE A MAN de Jan Zabeil (Alemania)

A BEAUTIFUL VALLEY de Hadar Friedlich (Israel-Francia) – Mención especial
STILL LIFE de Sebastian Meise (Austria) – Mención especial

PREMIO HORIZONTES

LAS ACACIAS de Pablo Giorgelli (Argentina-España)

HISTORIAS QUE SÓ EXISTEM QUANDO LEMBRADAS de Julia Murat (Brasil-Argentina-Francia) – Mención especial
MISS BALA de Gerardo Naranjo (México) – Mención especial

PREMIO DEL PÚBLICO

THE ARTIST de Michel Hazanavicius (Francia)

PREMIO PELÍCULA EUROPEA

ET MAINTENANT ON VA OÙ? de Nadine Labaki (Francia-Líbano-Italia-Egipto)

PREMIO EUSKALTEL DE LA JUVENTUD

WILD BILL de Dexter Fletcher (Reino Unido)

PREMIO TV OTRA MIRADA

NADER AND SIMIN, A SEPARATION de Asghar Farhadi (Irán)

SANGUE DO MEU SANGUE de João Canijo (Portugal) – Mención especial

Para mañanel resumen y la valoración personal del festival, uno de los mejores de los últimos años…

Firmado por: Reverendo “Harry Powell”

LA QUINIELA DE DCINE es la siguiente:

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA
Me gustaría que ganara: KISEKI (MILAGRO) de Hirokazu Kore-eda
Creo que tienen posibilidades: LAS RAZONES DEL CORAZÓN de Arturo Ripstein, LE SKYLAB de Julie Delpy, o SANGRE DE MI SANGRE de João Canijo

Ganará: KISEKI (MILAGRO) de Hirokazu Kore-eda

POSIBLE PREMIO ESPECIAL DEL JURADO (no es obligatorio y deben razonar el porqué lo conceden)
Me gustaría que se lo dieran a: MUNDO INJUSTO de Filippos Tsitos
Creo que tienen posibilidades: THE DEEP BLUE SEA de Terence Davies, LOS PASOS DOBLES de Isaki Lacuesta, SANGRE DE MI SANGRE de João Canijo

Ganará: SANGRE DE MI SANGRE de João Canijo

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN
Me gustaría que ganara: ENRIQUE URBIZU por No habrá paz para los malvados
Creo que tienen posibilidades: JULIE DELPY por Le Skylab, BENITO ZAMBRANO por La voz dormida, JOÄO CANIJO por Sangre de mi sangre

Ganará: JULIE DELPY por Le Skylab

CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR
Me gustaría que ganara: JOSÉ CORONADO por No habrá paz para los malvados
Creo que tienen posibilidades: WOODY HARRELSON por Rampart, GUILLERMO FRANCELLA por Los Marziano, MATHIEU DEMY por Americano

Ganará: JOSÉ CORONADO por No habrá paz para los malvados

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ
Me gustaría que ganara: RITA BLANCO por Sangre de mi sangre
Creo que tiene posibilidades: ARACELIA RAMIREZ por Las razones del corazón, RACHEL WEISTZ por The Deep Blue Sea, MARIA LEÓN por La voz dormida

Ganará: ARACELIA RAMIREZ por Las razones del corazón

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN
Me gustaría que ganara: LE SKYLAB
Creo que tiene posibilidades: LAS RAZONES DEL CORAZÓN, TAKE THIS WALTZ, 11 FLOWERS

Ganará: LE SKYLAB

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA
Me gustaría que ganara: LA VOZ DORMIDA
Creo que tiene posibilidades: THE DEEP BLUE SEA, LAS RAZONES DEL CORAZÓN, LOS PASOS DOBLES

Ganará: THE DEEP BLUE SEA

Sólo uno de estos premios puede ser ex-aequo.
Ninguna película podrá recibir más de dos premios.

El menú de mañana es el siguiente:
Lista de premiados de las categorías oficiales y en el resto de los premios paralelos.
Resumen de las películas que más han gustado en esta edición.
Valoración personal del festival.

Firmado: Reverendo “Harry Powell”

“Un trabajo loable, aceptable como ópera prima, pero fallida en su resultado final. Cine de autor, cine que pretende ser universal, cine que se queda a medio camino de todo”

Opinión: una renqueante historia de redención maternal de un hijo que ha vivido alejado de su madre casi toda la vida, y que en un momento confusión sentimental decide que es el momento de cerrar las cuentas del pasado.
Es una historia bastante personal, y lo demuestra con sucesivos flashbacks con imágenes en 16 mm recicladas de la película “Documenteur” de su madre, Agnès Varda, en la que el joven Demy aparece con ocho años.
La búsqueda de respuestas le llevará a toparse con personajes pertenecientes a una realidad totalmente ajena a la suya. En medio de una especie de western noctámbulo por los rincones más oscuros de Jalisco, el protagonista tratará de encontrar no sólo respuestas sino también su madurez personal.
Un Mathieu Demy con un personaje tristón y falto de chispa, y muy bien encarnado, una Salma Hayek bastante delgada y guapa, y con un papel a lo Natalie Portman de Closer, una Geraldine Chaplin encasillada en esos papeles de bicho raro, un Carlos Bardem con una de sus mejores caras, la de personaje bipolar…, y una Chiara Mastroianni que solo pone su cara bonita.
Nota: 5,5

Título: LAS RAZONES DEL CORAZON
Director: Arturo Ripstein
Intérpretes: Arcelia Ramírez, Vladimir Cruz, Plutarco Haza, Patricia Reyes Spíndola, Alejandro Suárez…
País: México, España
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: Emilia, un ama de casa frustrada por la mediocridad de su vida, por los fracasos de su marido y por una maternidad agobiante y mal llevada, siente que el vaso de su paciencia está a punto de desbordarse. Para colmo en un mismo día la abandona su desdeñoso amante y le embargan la tarjeta de crédito. En su apartamento, vacío y desolado, decide tomar por fin una decisión largamente meditada: el suicidio. Curiosamente su muerte provoca el acercamiento entre el marido cornudo y el amante esquivo.

“Libre adaptación de Madame Bovary, el clásico de Gustave Flaubert, una de las novelas de adulterio más conocidas, esta vez situada en el México actual, y en blanco y negro. La película hurga en el tema de las crisis matrimoniales y de los motivos de la infidelidad femenina en el matrimonio.”

Opinión: Emilia es una ama de casa que no tiene vocación de tal y a la cual la maternidad no le proporciona ninguna satisfacción, más bien al contrario, ya que sus hijos la agobian. Su marido es un desastre, un hombre fracasado. Todo ello ha llevado a Emilia a tener una relación extramatrimonial, aunque ni con su amante puede encontrar un poco de estabilidad, ya que es un hombre que nunca está cuando se le necesita.
El día que su amante la abandona y en que es también embargada por el descubierto de una tarjeta de crédito, Emilia tomará la decisión que ha estado rondando por su cabeza durante mucho tiempo y que ve como única salida a su situación…
Una pequeña cantidad de decorados dentro de un sólo edificio, muchos diálogos (en ocasiones estirados), y una actriz con una interpretación muy teatral y exagerada, consiguen mantener en pie una película seguramente excesiva y un pelín larga, aunque eso sí, sabiendo retratar perfectamente la obsesión enfermiza de su protagonista, transmitiendo sentimientos (y es de lo que se trataba, ser melodramático).
Ambientes opresivos y atmósfera enrarecida, que tan sólo es aliviada por la aparición de una serie de personajes secundarios como por ejemplo el de la hija, la portera, o un vecino con suerte, entre otros…, y gracias a ellos podemos tomar respiro ante tanto sufrimiento personal, ante tantas cargas de profundidad en forma de monólogos extraídos desde el interior de un corazón partido en dos.
Arcelia Ramírez se nos destapa como una actriz auténtica, de esas que sabe transmitir muy bien los sentimientos más íntimos, y con un repertorio que va desde la alegría, a la tristeza, del enfado, al perdón, del orgullo, a la fragilidad.
Nota: 7,5

Título: MUNDO INJUSTO
Director: Filippos Tsitos
Intérpretes: Christos Stergioglou, Antonis Kafetzopoulos, Theodora Tzimou, Minas Hatzisavvas…
País: Grecia
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: La tierna y tragicómica historia de Sotiris, un funcionario de policía con un gran sentido de la ética que siempre perdona a aquellos delincuentes que son víctimas de un mundo injusto. Su fijación por la justicia será puesto a prueba cuando mate a un hombre y se enamore de una mujer. Una fábula moral narrada con humor minimalista.

“Filippos Tsitos hace una reflexión sobre la ética y la moralidad en la época actual. En clave de tragicomedia cuenta la historia sobre un policía que siempre perdona a los delincuentes si se han visto obligados a delinquir por unas circunstancias injustas”

Opinión: un policía, aburrido y moralmente mermado por la rutina y la cotidianidad, y por ser consciente de que a su edad no ha hecho nada en la vida… decide ser justo con un caso que le toca resolver y archivar, y se involucra con un compañero a punto de jubilarse en una historia de engaños, mentiras, idas y venidas, y un humor un tanto absurdo que hace que el realismo con el que nos impregna la película desde el primer minuto deje paso a una complicidad necesaria con el espectador (porque en caso contrario, es de esas películas que no aguantas ni quieres aguantar).
En mi caso particular, fui paciente con el personaje, con el tratamiento minimalista, y con esa puesta en escena tan desesperante por su inmovilismo…, y gracias a ello me he encontrado con una propuesta al menos interesante, con tres personajes entrañables, y con varios momentos surrealistas muy bien llevados, una historia que consigue explicar perfectamente los dilemas morales del protagonista.
Especialmente encantadora la relación entre los dos policías veteranos, como especial es la rutina en la comisaría, como especial es la aparición de una extraña mujer en la vida del protagonista (por cierto, con un parecido asombroso a Aitana Sánchez Gijón), como especial es tener el sentimiento de haber aceptado que soy un bicho raro al reconocer que me ha gustado una película vapuleada por la crítica especializada y por muchas personas que optaron por abandonar la sala durante su proyección. Cosas de los festivales…
Nota: 8

Título: THE ARTIST
Director: Michel Hazanavicius
Intérpretes: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Joshua Margulies, Beth Grant, Penelope Ann Miller…
País: Francia
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: la cinta nos sitúa en el Hollywood de 1927 para contar la historia de una estrella del cine mudo con nombre de príncipe rumano, George Valentin (Jean Dujardin), al que la irrupción del cine sonoro condenará al fin de su carrera y al olvido. Pero en su camino se cruzará una joven extra, Peppy Miller (Bérénice Bejo), que empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

“Un maravilloso, excepcional, sublime, y valiente homenaje de Hazanavicius al cine mudo. Un clásico del siglo XXI que te provocará un torrente de emociones del que no te querrás bajar nunca. Un regalo, una joya”

Opinión: The Artist no es la primera película que versa sobre la decadencia del cine mudo, que cuenta el drama que supuso que los actores empezaran a ser escuchados, ya lo hicieron obras como El crepúsculo de los dioses. Pero sí es la primera que lo hace sin sonido, más de 80 años después. Y hacer una cinta muda en la época del 3D, y en blanco y negro, es de valientes, o más bien de osados, o incluso de locos…
No os asustéis… es muda, SÍ, pero es la película muda que a muchos nos gustaría haber realizado, y de no ser posible, poder haberla visto. Yo he podido cumplir uno de ellos.
El vestuario, la caracterización de los personajes, la fotografía, los actores, la música, la belleza de sus imágenes, su ritmo, algunas escenas memorables… todo es perfecto, es sobresaliente, es raramente excepcional.
Hay escenas fantásticas, como cuando el protagonista oye el ruido de un vaso y se da cuenta de que ha llegado una nueva era o cuando la aspirante a actriz se auto abraza con una chaqueta o cuando asistimos al rodaje de las películas o con el precioso y optimista final.
Hay películas que nos hacen sentir bien y esta es una de ellas. Las imágenes de The Artist, plagadas de poesía y dotadas de gran verdad, nos reconcilian con ese cine de buenos sentimientos y pasiones castas que todos nosotros disfrutamos en nuestra infancia.
Una película para nostálgicos, con el humor de entonces, con un montaje primitivo. Todo lo que uno espera no encontrarse en una película de hoy, por superado, pero que expresado en forma de guiño, de homenaje, quizá de cierta parodia, vuelve a funcionar, consigue que tengamos la sensación de que la historia del cine comienza de nuevo
Su estreno, en diciembre, me imagino que la espera se os hará muy larga….
Se rumorea que podría ser una de las grandes favoritas de los próximos Oscar, no me imagino mejor propuesta (con el permiso de dos pesos pesados llamados Steven Spielberg y Clint Eastwood y sus nuevas propuestas del 2011).
Nota: 10

El menú para mañana sábado:
La quiniela de Dcine para los premios de este año.

Firmado: Reverendo “Harry Powell”

“Todo lo que apuntaba hacia una muy buena incursión en el género del thriller policíaco y urbano, por desgracia se ha quedado en algo olvidable, incluso a pesar del encomiable trabajo desplegado por un Woody Harrelson en un papel a su medida”

Opinión: segunda película del guionista, director de cine y ex periodista israelí con pasaporte norteamericano tras “The Messenger” (inédita en nuestro país), con la que nos cuenta la historia de un oficial de policía corrupto que se ve atrapado en su propia mierda de engaños, mentiras, y sobornos continuados e intentará salir de ella como sea y le pese a quien le pese.
Tras su pase por Toronto, la prensa de allí la tildó de descenso hacia los infiernos de un veterano policía con problemas personales y una ética por los suelos. Un “policía limpiacalles” que bien podría tener su paralelismo con “Taxi Driver”… ya será menos… como mucho un “Terriente corrupto” de Abel Ferrara.
Un Woody Harrelson agresivo, pasado de vueltas, e incluso rozando el patetismo (tiene pintas de nominado a los Oscar a poco que se sepan vender en EEUU), unas cuantas intervenciones de actores conocidos diseminadas en escenas muy secundarias, un guión firmado por James Ellroy, y una estética muy callejera y sórdida, pero poco más que contar.
Acaba fatigando este densísimo pasaje de cine negro, es seco y contundente, pero está falto de emociones y de historias paralelas que den un respiro al apabullante descenso a los infiernos de este sucio policía.
Una vez pasado el estruendo del principio, una vez que conocemos lo desalmada que puede llegar a ser la comisaría de Rampart en Los ángeles (con el comisario Dave Brown a la cabeza), y una vez que los acontecimientos van acorralando al protagonista, la película se acaba, te ves obligado a desconectar, mi interés se fue al carajo.
Nota: 5

Título: LOS MARZIANO
Director: Ana Katz
Intérpretes: Guillermo Francella, Mercedes Morán, Rita Cortese, Arturo Puig, Daniel Hendler…
País: Argentina
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: Juan Marziano tiene dos hermanos: Luis y Delfina. Desde hace varios años, debido a un difuso historial de deudas y peleas, Juan y Luis están distanciados. Sin embargo, una extraña enfermedad obliga a Juan a viajar a Buenos Aires para hacerse estudios. Eso facilitaría un posible reencuentro entre ellos, aunque ambos están demasiado ocupados en sus asuntos. En el medio de esa situación, Delfina y Nena, la mujer de Luis, tratarán de que los hermanos vuelvan a encontrarse.

“No nos vamos a encontrar con una historia mordaz ni un guión inteligente, ni siquiera con una crítica de la familia, tan sólo, vamos a disfrutar de una historia sencilla que puede suceder, y sucede, en cualquiera de nuestras familias”

Opinión: comedia dramática que juega con el presumible encuentro de dos hermanos separados hace tiempo no sólo por la distancia sino también por tener vidas opuestas, o incluso por cuentas pendientes, que se yo, porque en esta historia no cuenta mucho lo ocurrido anteriormente, ya se encarga la directora de escondernos continuamente cualquier dato que nos aporte luz sobre el odio entre estos hermanos.
Y el riesgo de vivir de lo anecdótico es lo que lleva a esta película a instalarse en lo común, en lo anodino, en un minimalismo falto de emociones que no le hace ningún bien a este excelente grupo de actores encabezado por una Rita Cortese excepcional (la hermana que promueve el encuentro), una muy correcta Mercedes Morán, y un Guillermo Francella (El secreto de sus ojos) que sigue pletórico, aunque me da la sensación de que ha sido desaprovechado.
No es una película para ser demonizada, tampoco creo que se una película para una Sección Oficial, pero tiene un algo que la hace extraña e interesante, no desea ser ejemplarizante con el tema que trata, y tampoco profundiza, más bien se invita al espectador a ser testigo de esta amable historia.
Atención a la escena final de la hermana y la esposa de uno de los hermanos junto a la mesa supervisando que todo está en su sitio, es una gozada, y es un resumen de todo lo vivido anteriormente…
Se deja ver.
Nota: 5,5

Título: SANGRE DE MI SANGRE
Director: João Canijo
Intérpretes: Rafael Morais, Nuno Lopes, Fernando Luís, Rita Blanco, Cleia Almeida, Anabela Moreira…
País: Portugal
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: Márcia es madre soltera de dos hijos, trabaja como cocinera y comparte su casa en un barrio periférico de Lisboa con su hermana, Ivete, peluquera en un centro comercial. Un día, Cláudia, su hija, que estudia enfermería y trabaja como cajera en un supermercado, le cuenta que se ha enamorado de un hombre casado mayor que ella. Un apasionado relato familiar con todo el espíritu de los grandes melodramas.

“A punto de perdérmela… y para mí, una de las sorpresas agradables de la Sección Oficial. Construida con unos interesantes y bien elaborados planos secuencia, la cámara taladra la nada tranquila superficie de una familia sin muchos recursos pero mucho amor que ofrecer”

Opinión: João Canijo (antiguo ayudante de Oliveira o Wenders, y asiduo a secciones paralelas de festivales como Cannes) no ha obsequiado con una muy acertada exploración del amor incondicional que cualquier madre de este mundo le profesaría a sus hijos. Tras visionar “Sangre de mi sangre” queda muy claro porqué la frase de la llamada “princesa del pueblo” caló tan hondo entre los españoles: ¡¡¡Yo por mis hijos… mato!!!
Drama familiar en el que una “madre coraje” tiene que enfrentarse a situaciones difíciles provocadas por sus hijos (una hija muy joven que se enamora de un hombre casado, y un hijo mezclado en temas de drogas), todo ello aderezado por las circunstancias propias de pertenecer a una clase social baja, a un ambiente nada fácil, y a un momento personal difícil.
En este contexto surge la figura de esa madre, un personaje interpretado por la actriz Rita Blanco, por cierto, una de las candidatas a la Concha de Plata a la mejor interpretación femenina, un personaje capaz de criticar el estilo de vida de sus hijos , aconsejar sobre sus relaciones sentimentales, e incluso inmiscuirse con aquellos asuntos personales que pudieran perjudicarles.
Me quedo con el personaje de la madre, me quedo con las naturalidades de las interpretaciones, me quedo con esos planos secuencias con dos escenas funcionando a la vez, me quedo con una factura técnica impecable, y no hablamos de una película redonda porque… acaba arrastrando un lastre según nos vamos acercando al final, se alarga en demasía, se enzarza en una serie de “fuegos artificiales” en forma de golpes dramáticos que eran del todo innecesarios y que no os voy a contar porque traen sorpresita, una auténtica pena.
Nota: 7

Título: LE HAVRE
Director: Aki Kaurismäki
Intérpretes: André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Jean-Pierre Léaud…
País: Finlandia, Francia, Alemania
Sección: Zabaltegui – Perlas de otros festivales
Sinopsis: Marcel Marx, antiguo escritor y bohemio famoso, se ha exiliado voluntariamente en la ciudad portuaria de Le Havre donde su trabajo honorable pero no lucrativo de limpiabotas le hace sentirse más cerca de la gente por estar a su servicio. Ha aceptado renunciar a su ambición literaria y lleva una vida satisfactoria en el triángulo formado por el bar de la esquina, su trabajo y su mujer Arletty, cuando de repente el destino hace que se cruce en su camino un niño inmigrante originario del África negra. Cuando en ese momento Arletty cae gravemente enferma y debe guardar cama, Marcel debe luchar contra el frío muro de la indiferencia humana armado únicamente con su optimismo innato y la obstinada solidaridad de los habitantes de su barrio.

“Para aquellos que conozcan el particular cine de Kaurismäki, se sorprenderán, porque casi no hay ironía, según el propio director: es puro corazón. Es más romántica, más optimista, transmite la confianza en el futuro que yo no tengo en mi corazón, que está roto. He visto ya demasiado y la mayor parte de lo que he visto ha sido miseria”

Opinión: Le Havre es una localidad portuaria de Francia a la que Kaurismäki traslada su universo personal en una especie de fábula con tintes sociales en el que nos habla de la persecución de los inmigrantes y de cómo los pequeños gestos humanos pueden cambiar el mundo…
Un encantador alegato en defensa de los inmigrantes, sin sermones ni mensajes políticos, tan sólo con la ayuda de ese microcosmos tan particular del director, y unos actores siendo cómplices de la forma de trabajar de este autor (inexpresividad, citas surrealistas e ingeniosas, comportamientos rozando el ridículo).
La considero una obra menor en la filmografía de este director, aunque poblada de buenas intenciones, de personajes entrañables (como ese inspector de policía vestido de negro sólo por aparentar), de diálogos ingeniosos y de milagros que sólo podrían serlo en un barrio que parece salido del mismísimo Barrio Sésamo… al final tienes la sensación de haber asistido a una comedia dramática sin drama, a una simpática y ligera historieta sin fondo (aunque en verdad lo tiene), a una obra que te arranca sonrisas pero que no te apasiona, que disfrutas en todo momento pero que no te dejará poso alguno.
Prefiero al  Kaurismäki con mayor nivel de acidez, mala leche, y que toma más riesgos dramáticos.
Nota: 7

El menú para mañana es el siguiente:
Americano, debut de Mathieu Demy (hijo de Jacques Demy) en Sección Oficial
Un doble ganador de la Concha de Oro, Arturo Ripstein, con Las razones del corazón
La griega Mundo injusto
Y una de las más esperadas tras su éxito en Cannes, The Artist

“Dirigida por el director de La bicicleta de Pekin (2001). Una lección de la historia reciente de China con la ayuda de un relato más bien costumbrista de un chico de 11 años y sus tres inseparables amigos en un pequeño pueblo del interior”

Opinión: drama rural sobre gentes muy humildes que viven una zona rural de China durante una época en la que se avecinan cambios, en un lugar donde uno no elige lo que quiere ser, en un tiempo en el que la tan esperada revolución cultural del proletariado de Mao Zedong estaba a punto de venirse abajo.
Momentos históricos convulsos luchas políticas internas, que están muy bien reflejados en el devenir de este pequeño rincón montañoso, aunque lo destacable de esta película es que el director sabe transmitirnos todos esos cambios a través de las experiencias de un niño de 11 años que por las casualidades del destino se ve inmerso en todos y cada uno de los “fregaos” entre dos bandos políticos irreconciliables.
Una historia que se alimenta de la anécdota diaria de un niño al que su padre (un intelectual venido a menos con la Revolución Cultural del Proletariado) le intenta inculcar otros valores que no son los que imperan en ese momento, esos pensamientos junto a la realidad vivida en las calles, provocarán que el niño empiece a reflexionar sobre muchas de las cosas hasta ahora ninguneadas en su vida.
No es transcendente, no se pasa de dramática, no es intensa, no llega a apasionar, no sorprende, pero precisamente por ello es más reconfortante, porque no es pedante, no carga las tintas en la propaganda de uno u otro bando político, no es empalagosa con lo histórico, es agradable y sutil a partes iguales, consigue sin muchas florituras lo mismo que otros directores con megalómanas producciones históricas.
Nota: 8

Título: HAPPY END
Director: Björn Runge
Intérpretes: Peter Andersson, Anna Azcarate, Malin Buska, David Dencik, Fredric Gildea, Mariah Kanninen…
País: Suecia
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: Un drama que tiene como tema central el maltrato físico y psicológico a la mujer en la sociedad actual. Aunque Jonna, Peter, Katrine, Asger y Mårten tienen importantes vínculos entre sí, evitan ser sinceros los unos con los otros. Todos ellos viven en un mundo de sombras, lleno de mentiras y falsedades.

“Hay que ver el gusto e interés que tienen los realizadores nórdicos por introducirnos el interior de sus casas, por enseñarnos la trastienda de unas vidas normales por fuera y tristes o negras por dentro”

Opinión: una historia sobre el maltrato de género, sobre vidas salpicadas por la desesperanza, sobre lo deprimente que puede ser la vida. Y todo ello aderezado con la habitual dosis de tristeza, frialdad nórdica, y desnudez visual. Una más.
Tan sólo reconocer la buena mano del director sueco a la hora de unir las historias que se cruzan: la de la madre profesora de autoescuela, que se deja la vida en tratar de salvar la de su único hijo que ha intentado suicidarse; la de la chica que limpia su casa, novia de un cabrón que la maltrata físicamente; y la de un viudo ex alcohólico con ganas de empezar de nuevo.
Todos ellos creen poder salir adelante por sí solos, finalmente todos ellos conseguirán tener a alguien cerca para que les ayude a salir y buscar un “final feliz”.
Como el mismo director ha dicho: “La película no trata de personas fuertes frente a débiles, sino de gente que intenta liberarse de una mala vida. He procurado hablar de las emociones que afloran en el encuentro de esos personajes y en cómo esos encuentros cambian la manera en que se perciben y se miran a sí mismos”.
“Si tienes una mala relación y surge la oportunidad de cambiarla, aprovecha las circunstancias”.
Pero por mi parte las alabanzas ante esta propuesta se quedan en eso, en un bien estructurado mural de vidas no deseadas que consiguen ver la luz gracias a esos encuentros fortuitos con otras personas y otros problemas.
Nota: 5,5

Título: WILD BILL
Director: Dexter Fletcher
Intérpretes: Charlie Creed-Miles, Will Poulter, Liz White, Sammy Williams, Leo Gregory, Neil Maskell, Iwan Rheon…
País: Reino Unido
Sección: Zabaltegui – Nuevos directores
Sinopsis: Tras permanecer ocho años en la cárcel Bill Ward tendrá que hacerse cargo de sus dos hijos que apenas conoce.

“Debut en la dirección de un conocido actor secundario de nacionalidad inglesa al que yo recuerdo por  la película Lock & Stock de Guy Ritchie, y desde hoy, alumno aventajado de Ritchie”

Opinión: la sección Zabaltegui  – Nuevos Directores me está ofreciendo las sorpresas más agradables del festival, tras títulos como Silver Tongues y Arrugas, ahora le ha tocado el turno a una cinta inglesa de un debutante, y mi sensación al salir de la sala era la de decir a los cuatro vientos “cojonuda”.
Bill Ward, conocido por todos como el “loco Bill”, es un ex presidario recién salido tras 8 años encerrado por asuntos relacionados con las drogas, la extorsión, la violencia,…
Sus intenciones son claras, pasar fugazmente por su antiguo barrio para visitar a su familia (una mujer  y 2 hijos de 11 y 16 años), conseguir algo de dinero, presentarse a la funcionaria encargada de su condicional, y emprender viaje al norte para empezar una nueva vida.
Lo que no sé esperaba, era encontrase a sus hijos desamparados a su suerte, con una madre huída a España con otro, y con el hijo mayor haciendo de padre y manteniendo a su hermano menor.
Su nueva vida deberá esperar un mejor momento… antes tendrá que aprender el oficio de padre, y lo tendrá que hacer a pasos agigantados, ya que nadie se lo va a poner fácil, ni siquiera esos hijos que lo miran como un extraño.
Y lo mejor de la película viene a partir de ahora…
Todo es inesperado, fresco y sorprendente en esta propuesta, el camino elegido me ha encantado, y es que resulta que la historia tiene todos los ingredientes para ser una especie de Trainspotting o Snatch. Cerdos y diamantes, ya que hay drogas de por medio, hay conflicto social, hay vidas truncadas, hay un barrio difícil, hay jóvenes dispuestos a salir demasiado rápido de la marginalidad, pero no, lo que no hay es acción, ni tiros, ni montajes mareantes, ni escenas efectistas, lo que hay es UNOS PERSONAJES PERFECTAMENTE DEFINIDOS, UN GUIÓN QUE FUNCIONA, UNA HISTORIA QUE NO DECAE, UNOS SECUNDARIOS IMPECABLES, Y UN ACTOR CREIBLE EN TODO MOMENTO.
Un sencillo y natural drama social de un hombre que desea sentirse “padre”, que hará lo que sea por  luchar por sus hijos, y que tratará de utilizar sus experiencias pasadas para evitar que nadie caiga en el profundo pozo al que él mismo cayó.
Nota: 8

Título: TYRANOSAURIO
Director: Paddy Considine
Intérpretes: Peter Mullan, Olivia Colman, Eddie Marsan…
País: Reino Unido
Sección: Zabaltegui – Perlas de otros festivales
Sinopsis: Joseph (Peter Mullan), un hombre atormentado y autodestructivo con impulsos violentos, encuentra la esperanza de la redención en Hannah (Olivia Colman), un trabajadora de la caridad cristiana a la que se encuentra un día mientras huía de un altercado.

“Ópera prima del actor inglés Paddy Considise. Premio a la mejor dirección en Sundance y el Premio Especial del Jurado a su pareja protagonista. Un intenso y descarnado drama alrededor del maltrato doméstico y la violencia de los individuos”

Opinión: drama centrado en dos almas perdidas con orígenes diametralmente diferentes, supuestamente sin puntos de conexión, aunque más cercanas entre sí de lo que ellas podrían creer.
Una propuesta cinematográfica muy del estilo de su protagonista, el siempre espléndido Peter Mullan, huele a que el director y él son buenos amigos o se entienden a la perfección, ya que el resultado de esta película se acerca bastante al ideal dramático del ganador el año pasado por NEDS.
Dos vidas al parecer predestinadas a cruzarse aunque con los tiempos cambiados, el personaje masculino (Peter Mullan) proviene de un infierno de alcohol, violencia, y drama familiar, y está tratando de salir de ahí en busca de una reinserción difícil y costosa, mientras que el personaje femenino (Olivia Colman) proviene de un drama personal que la tiene colocada al borde del precipicio, aunque en su caso, caminando con paso a firme hacia su caída.
Sus vidas se cruzan, y de repente se enciende el motor que acelerará sus pasos, ¿podrán ayudarse mutuamente?, ¿podrán comprenderse?, ¿es posible la esperanza en un entorno tan malsano?…
Una muy correcta primera película, unas muy buenas interpretaciones (aunque durante los 5 primeros minutos pensaba que Peter Mullan iba pasado de vueltas), una narración poco novedosa aunque solvente, que funciona como viaje al abismo, pero que nunca termina de provocarnos un verdadero desasosiego dramático (no como otras propuestas anteriores).
Nota: 6,5

El menú para mañana es el siguiente:
Rampart con Woody Harrelson en una de sus mejores interpretaciones
Los Marziano de Ana Katz (desde Argentina)
Una producción portuguesa de título Sangre de mi sangre
Le Havre de Kaurismäki

Firmado por: “Reverendo” Harry Powell

“Los sueños, los deseos de un niño como parte del aprendizaje de la vida. Historia ligera sobre unos niños que aprenden que aunque se pida un deseo, no significa que el mundo vaya a cambiar, que será parte de su formación, algo que les ayudará a crecer, el milagro de la vida”

Opinión: protagonizada por un dúo cómico infantil, el dueto Maeda Maeda, Koki Maeda, de 12 años y su hermano Oshiro, de 10, que han trabajado en el mundo televisivo. Kore-eda, al parecer un gran amante del mundo de los trenes, quería realizar una película coincidiendo con la apertura de de la línea Kyushu Shinkansen, que une las ciudades de Fukuoka y Kagoshima. Inspirado tras conocer al dúo infantil en una audición creó, con ellos en mente como protagonistas, el guión de esta entrañable historia.
Un simple divertimento para su director, aunque nosotros encantados de ello.
Todo el metraje está envuelto en un aura de cotidianidad y ligereza que asombra, no hablamos de historias con conflictos sociales o relaciones familiares profundas, hablamos de la poesía del día a día de unos niños con deseos tan corrientes y reconocidos como los de querer ser como los mayores, o de desear que las cosas cambian a mejor. Lo que le hace especial a Kore-eda es su maestría para tratar el tema con sutil delicadeza, dejando que sean los niños quienes vayan descubriendo los secretos de la vida, sin la ayuda de los mayores, sin necesidad de que nadie les aleccione.
Una película para dejarse llevar por unos niños jugando a ser mayores, para esbozar sonrisas de complicidad cada vez que surgen esos momentos de espontaneidad tan típicos de la edad, para confirmar de nuevo que hay culturas muy diferentes aunque iguales inquietudes, para darse cuenta que no hay mejor escuela que la vida.
Y aunque hablamos de una historia infantil, también los mayores tienen su protagonismo, eso sí, siempre desde la distancia, sin molestar, como espectadores de un mundo que ellos dejaron mucho tiempo atrás, encantados de ver como esa vida llena de descubrimientos aflora y se agolpa sin descanso.
Nota: 8,5

Título: EXTRATERRESTRE
Director: Nacho Vigalondo
Intérpretes: Michelle Jenner, Julián Villagrán, Carlos Areces, Raúl Cimas…
País: España
Sección: Zabaltegui – Especiales
Sinopsis: Julia y Julio no se conocen el uno al otro, pero despiertan en la misma cama, después de una borrachera de la que no recuerdan nada. Él se enamora al instante. Ella no. Y por si la situación no fuese lo suficientemente incómoda, Julio y Julia se enteran de que un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad, de que no pueden salir de casa…

“Segunda película del cineasta cantabro Nacho Vigalondo tras Los cronocrímenes (una película que me encantó y que reivindico). Y para que abramos boca: todos sabríamos qué hacer si el cielo, una mañana, se viese invadido por OVNIS: echar a correr. Pero ¿qué pasaría si la invasión te pillara en el piso de la mujer de tu vida, a la que acabas de conocer?”

Opinión: comedia sombría sobre las relaciones humanas de cuatro personajes (la chica, un ligue de una noche, el novio de la chica, y un vecino una tanto freak) que no tienen otra cosa que hacer que enzarzarse en una pelea encarnizada por querer imponer su amor por la chica (hablamos de una magnífica Michelle Jenner).
No es una película para tomarla en serio, tampoco llega a ser una tomadura de pelo, más bien es una mezcla. Tiene mucho de cortometraje al que se le alarga la vida y tiene mucho de comedia del absurdo. Vigalondo utiliza la supuesta amenaza alienígena como excusa para crear una historia de relaciones, de encuentros y desencuentros, y para generar un espacio un tanto claustrofóbico e insano en forma de “apartamento de los hermanos Max”.
Desde mi punto de vista, hablamos de una película que aprueba con nota en su inicio (especialmente cuando se trata de ir presentando a cada uno de los personajes) y que ha medida que se adentra en su resolución, pierde mucha fuerza, y la pierde porque el director se dedica a colocar alrededor de una trama que está pillada con pinzas unos cuantos “scketchs” que puedan cerrar dignamente la aventura.
Me ha gustado la idea, me ha gustado el trabajo de los actores (incluidos los “Muchachada Nui”), me ha gustado ese clima insano que va “in crescendo” alrededor de esos chicos enamorados, me ha gustado ese humor absurdo.
No me ha gustado el desarrollo posterior de la trama, no me gustado que se halla desaprovechado la supuesta invasión alienígena, no me han gustado ninguno de los momentos fuera del apartamento, no me ha gustado el final (tonto y apresurado).
Nota: 6

Título: LIFE WITHOUT PRINCIPLE
Director: Johnnie To
Intérpretes: Lau Ching Wan, Denise Ho,Richie Jen…
País: Hong Kong
Sección: Zabaltegui – Perlas de otros festivales
Sinopsis: los destinos de tres personas ordinarias se cruzan un día cualquiera en el que se comete un robo en un banco. Y se da la circunstancia de que las tres personas necesitan dinero urgentemente.

“Cinta que clausuró el pasado Festival de Venecia. Con un Johnnie To menos violento de lo habitual…”

Opinión: la nueva película de Johnnie To parecía prometer, una historia que mezcla a la mafia china con la crisis financiera actual y sus efectos parecían elementos suficientes como para conformar un thriller interesante. Sin embargo y por desgracia el resultado se queda a medio camino de todo. La trama nos cuenta una historia de vidas cruzadas dividida en diferentes partes, según el punto de vista de cada uno de los personajes protagonistas, un recurso que bien utilizado puede dar muy buenos resultados, pero en este caso no sirve para prácticamente casi nada, quedando éste como una “modernez” más de las que se suelen ver últimamente en este tipo de películas que algo realmente útil para la trama y para la película.
Para colmo de males la trama tarda en arrancar, y para cuando lo hace el espectador ya se ha tenido que “tragar” un montón de jerga bancaria que además de no aportar nada a la historia, consigue aburrir hasta al más pintado.
De todas formas sí que es verdad que una vez arranca ésta se ven destellos de lo que podría haber sido la película y no es, ciertos personajes que más definidos y formando parte de una trama más trabajada podrían haber resultado interesantes, pero todo se viene abajo por culpa de un guión con poca o nula intensidad y al que parece que le habrían venido bien unas cuantas reescrituras.
En resumidas cuentas, una especie de thriller en el que, lo único que quizás pueda parecer algo original, es que, tratándose de una película que se enmarca en los efectos de la crisis financiera que nos atenaza y martiriza, los que terminan triunfando son los típicos perdedores. Menos es nada.
Nota: 5,5

Título: LA VOZ DORMIDA
Director: Benito Zambrano
Intérpretes: Inma Cuesta, Marc Clotet, María León, Ana Wagener, Antonio Dechent…
País: España
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: la película cuenta la historia de Pepita, una muchacha que tratará por todos los medios que pospongan la ejecución de su hermana, Hortensia, embarazada y encarcelada en el Madrid de posguerra. Tendrá que luchar además por defender su amor hacia Paulino, valenciano de familia burguesa que lucha junto a su cuñado en la sierra madrileña.

“Nueva, que no novedosa, película sobre la posguerra civil española. Adaptación literaria de una novela de la escritora ya fallecida, Dulce Chacón. Revisión histórica que homenajea a todas aquellas mujeres que tantas lágrimas derramaron tras la contienda”

Opinión: según reza la distribuidora de la película, una historia de mujeres, una historia sobre la fuerza, el tesón y la lucha contra las injusticias en un mundo adverso, en plena posguerra, en los años duros de la dictadura. En definitiva, es una historia que rescata la memoria de las mujeres que además de perder la Guerra, perdieron todos los derechos que acababan de ganar.
Benito Zambrano demuestra sus amplias capacidades, ha conseguido que “La voz dormida” sea una buena cinta comercial, su producción está muy cuidada, y consigue extraer unas actuaciones de altura (atención a María León). Todo está en su sitio, todo nos es conocido, es lo esperado en este tipo de producciones (con las típicas injusticias, los momentos dramáticos, las reivindicaciones, malos muy malos y malos compasivos, dos vados enfrentados, romance), y por ahí suele venir la única pega, que tratamos de valorar un trabajo mil veces visto ya, mil veces tratado ya en nuestra cinematografía.
Aunque como dice el mismo director: los americanos hacen películas del Vietnam, de la 2ª Guerra Mundial y no pasa nada. No olvidemos que aquí hay muchas familias que todavía no han encontrado ni enterrado a sus muertos.
Tiene más razón que un santo, pero aún así, para el que os escribe, esta es una de esas películas a la que hubiera acudido con mi mujer al cine de mi ciudad, una de esas películas que recomendaré a mi madre y mi tía (ambas cinéfilas cada domingo), una película que tan sólo esconde una razón para su inclusión en la sección oficial, la excelente actuación de sus protagonistas, con especial atención a una maravillosa María León, una firme candidata a la Concha de Plata junto a Rachel Weisz y Michelle Williams.
Por y para mujeres,
Nota: 6,5

Mañana los protagonistas serán otros:
11 Flowers de Wang Xiaoshuai, desde China, para la Sección Oficial
La apuesta sueca para también de la Sección Oficial, Happy End
La americana Rampart con Woody Harrelson
Dos cintas independientes provenientes del Reino Unido, Wild Bill y Tyrannosaur

“Ejemplar demostración de que hay talento para la animación en nuestro país, que lo hay para dar y tomar; una película encantadora a la vez que necesaria, un trabajo completo y muy sólido”

Opinión: de la viñeta al cine, del reconocimiento en papel (va ya por la 4ª edición, con más de 17.000 ejemplares vendidos), al éxito en la gran pantalla (es lo que espero ya que durante estos días se está cerrando su venta).
Como reza un párrafo al final del film “para todos, para los ancianos de hoy, para los ancianos de mañana”, para un público adulto que quiera aproximarse al tan manido tema del Alzheimer, no ya desde una perspectiva dramática ni sentimental ni aleccionadora, sino desde la realidad más cercana, desde el vivo ejemplo de unos ancianos cualquiera en una residencia cualquiera, de un lugar cualquiera.
Una historia muy normal, llena de clichés (el anciano espabilado que se aprovecha de los demás, la anciana abandonada por sus hijos, la anciana con sueños de grandeza, la pareja inseparable de ancianitos unidos por el amor,…), por todos conocida, aunque no hayamos estado en el interior de ninguna, con anécdotas ya contadas en otras muchas películas, y con un tema otras muchas veces utilizado…, pero con una diferencia muy importante, un gusto por el detalle visual que convierte el 2D en una pequeña obra de arte, un guión cuidado y conciso, y un ritmo que provocan que el espectador esgrima un continuo entusiasmo por lo que está viviendo, hasta el punto de convertir una historia, en principio poco atrayente, en una de esas historia de las que desearías algo más…
Todo está en su sitio, con una decisión por el 2D acertadísima, con un trabajo visual excelente, y con un guión que no decae, y con momentazos llenos de ternura, de esos que siempre pueden arrancar la lágrima del espectador (aunque es tal la vitalidad de la cinta, que la mayor parte de los 90 minutos que dura te los pasas con una media sonrisa en tu rostro).
Mucha suerte en su andadura comercial, se lo merece.
Nota: 7,5

Título: LOS PASOS DOBLES
Director: Isaki Lacuesta
Intérpretes: —–
País: España
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: la mejor forma de huir de tus perseguidores sin dejar rastro es caminar hacia atrás, sobre tus propias huellas. Eso creía François Augiéras, que cubrió de pinturas un búnker militar en el desierto, y luego lo dejó hundirse en la arena para que nadie lo encontrara hasta el siglo XXI. ¿Pero quién es Augiéras? ¿Legionario, pintor, escritor, pistolero, santo, ladrón, diablo o una mezcla de todo ello?

“Cine que sugiere más que cuenta, que fluye libre sin ninguna atadura, que trata de reinventarse en cada fotograma, un cine difícil de explicar, difícil de entender, de esos que necesitan un estado de ánimo óptimo si lo que se quiere es no sucumbir al desánimo”

Opinión: un cine en el que ves muchas cosas y a la vez ninguna, un cine imposible de resumir y muy difícil de catalogar, un cine con el que me veo incapaz de criticar sin escuchar al director sobre sus intenciones y sus razones para muchos de los planos.
Lo que sí me ha quedado claro es que este “Los pasos dobles” es un actor secundario del documental “El cuaderno de barro”, que también podrá verse en el festival, y que seguramente propició un torrente de ideas y de caminos volcados finalmente en esta película.
Una cinta que no tiene principio ni final, que parte de ¿una leyenda?, ¿un dato histórico?, la de un artista (François Augiéras), para después ser la escusa perfecta para jugar con muchas cosas, con la búsqueda y reencuentro del pasado, con la vida nómada de las personas, con el choque de civilizaciones, con el comportamiento humano, con el arte de las pequeñas cosas, con la vida libre,…
Y el espectador se queda un tanto alucinado, un tanto descolocado, con la clara sensación de haber asistido a un montaje libre de la excursión de dos personas (un director de cine y un pintor reconocido) por el África negra, es decir, sueños poéticos, tal vez oníricos, de dos amantes del arte que han querido transmitirnos lo que para ellos ha debido ser una gran aventura hacia un mundo desconocido.
Isaki Lacuesta tiene el mérito de no encasillarse, de ser arriesgado en sus propuestas, de ganarse su puesto en cualquier festival que se precie, pero está corriendo el riesgo de reducir su cuota de seguidores a un reducido grupo de cinéfilos sedientos de experiencias extrasensoriales y poco corrientes.
Nota: 6

Título: LE SKYLAB
Director: Julie Delphy
Intérpretes: Lou Alvarez, Julie Delpy, Eric Elmosnino, Aure Atika, Noémie Lvovsky, Bernardette Lafont, Emmanuelle Riva, Vincent Lacoste…
País: Francia
Sección: Sección oficial a concurso
Sinopsis: Albertine, de viaje con su marido y sus dos hijos, recuerda otro viaje que hizo cuando tenía 10 años: la celebración del cumpleaños de su abuela en casa de su tía Suzette en Bretaña. El skylab, la primera estación espacial estadounidense, se convierte en una enorme fantasía para los más jóvenes de la familia, y en una obsesión para Anna, la madre de Albertine, una mujer neurótica aterrorizada ante la posibilidad de que el satélite se estrelle en la costa oeste de Francia.

“Julie Delpy ha conseguido el aplauso casi unánime (nunca es total) de una sala abarrotada, un reconocimiento a un gran trabajo, un sincero SI, tú película nos ha gustado, nos ha entretenido, nos ha complacido”

Opinión: no es una obra maestra, ni seguramente una obra imperecedera, es una película más diseccionando una reunión familiar (como tantas otras propuestas, sobre todo francesas o americanas).
Pero sí que es una obra notable, y lo es porque no flaquea en casi nada: el ambiente años 70 está muy bien calado, la elección de los personajes es variopinta y acertada, los diálogos son mordaces, punzantes y deslenguados, las pequeñas historias discurren fluidamente, hay humor inteligente, hay momentos para el recuerdo, no hay espacio para el aburrimiento.
Tenéis que haceros a la idea, 2 abuelos, 1 hermano, 5 hijos con sus respectivas esposas o maridos, y una decena de hijos de todas las edades (los que véis en la foto), ¿os imagináis lo que tiene que suponer organizar y coordinar todo eso?, pues Julie Delpy lo consigue, y con nota, logra que la cámara fluya libremente por entre todos los personajes para enseñarnos todos sus matices, y logra que cada uno de ellos tenga su cuota necesaria en pantalla.
La lista de momentos para esbozar una media sonrisa o para la carcajada es interminable: desde ese niño que no hace ascos a experimentar con todo lo que llega a sus manos, a esos padres capaces de llevar a su hija de 11 años a ver en el cine Apocalipse Now, o a ese adolescente en la edad del pavo queriendo ser el Tony Manero de un pequeño pueblo de la Bretaña, o ese momentazo en una playa nudista, y muchos más…
Yo, que siempre he odiado este tipo de reuniones familiares, multitudinarias y caóticas, de puro compromiso, llenas de conflictos y reproches, de falsedad… he de reconocer que he disfrutado y mucho con esta reunión familiar, en un día caluroso, en una pequeña casa de campo de la Bretaña francesa, en una época que me ha traído mucho y buenos recuerdos.
Os la recomiendo, tranquilos es ligera, no hay grandes dramas, ni giros, ni sorpresas, tan sólo una ventana al entretenimiento.
Nota: 7,5

Título: TODOS TUS MUERTOS
Director: Carlos Moreno
Intérpretes: Alvaro Rodríguez, Jorge Herrera, Martha Márquez…
País: Colombia
Sección: Horizontes Latinos
Sinopsis: aunque es un domingo y día de elecciones, Salvador se levanta temprano y comienza a trabajar en su parcela como cualquier otro día. Es un campesino humilde y tranquilo, que hace poco caso del alboroto que se ha armado en el pueblo por la elección del próximo alcalde. Pero su rutina cambia sorpresivamente. Durante la madrugada, alguien ha arrojado varios cadáveres que se amontonan en medio de sus cultivos de maíz. Salvador, lleno de preocupación y rabia, va al pueblo a denunciar la masacre, pero el alcalde y el comandante de la policía deciden no avisar a nadie para no perturbar los comicios.

“Hay comedias que por su temática he intenciones se las suele tildar de comedias negras. Todos tus muertos se puede decir que más que una comedia negra es una comedia negrísima, si es que se me permite la exageración”

Opinión: atento a la sinopsis querido lector: un agricultor de la Colombia rural al que todos en el pueblo llaman “bizcocho” porque su mirada está un tanto distraída, acude a sus tareas en una más que soleada mañana de un domingo de verano cuando de pronto se encuentra con que han dejado una montonera de cadáveres hacinados en un claro de su maizal. El pobre desgraciado intenta acudir a las autoridades para explicar el macabro hallazgo, y es ahí cuando comienzan a desarrollarse unas cuantas situaciones que de puro surrealistas terminan siendo cómicas. Resulta que es un día de elecciones y, o nadie le escucha, o cuando le escuchan todo el mundo pretende escurrir el bulto y mirar para otro lado. Lo paradójico es que nadie repara en los muertos, en qué les ha ocurrido, porqué están ahí, y quién ha podido cometer tamaña atrocidad. Ni siquiera el desdichado agricultor que lo único que busca desde el principio es que le quiten a los muertos de sus tierras.
Una macabra comedia que, aunque ligera y fácil de ver, va dejando entre sonrisa y sonrisa, pinceladas de la situación social y política en la que se encuentra la Colombia actual, en la que los caciques todavía siguen campando a sus anchas y hacen y deshacen a su voluntad, y las fuerzas de seguridad muchas veces son todavía más temidas y temibles que los propios delincuentes.
Y es que no hay mejor forma que usar la comedia para hablar de las cosas serias de la vida.
Nota: 6

Mañana los protagonistas serán otros:
Kiseki (Milagro) del esperado Hirokazu Kore-eda
Extraterrestre de Nacho Vigalondo (en un pase especial dentro de  Zabaltegui)
Life Without Principle del director hongkonés Johnnie To
La española La voz dormida de Benito Zambrano

Firmado por: Reverendo “Harry Powell” y Barry Collins

“La galardonada este año con el Premio Donostia nos regala una de esas interpretaciones a las que nos tiene acostumbrados; una mujer y actriz fuera de serie, que camina con paso firme a la que pudiera ser una nueva nominación al Oscar, y quien sabe, hacia su primera estatuilla ”

Opinión: la película se sustenta por el creíble trabajo de la actriz y por el diseño de producción, se queda un pelín corta en cuanto a la historia que nos quiere contar y el mensaje que se nos quiere transmitir, pero es perdonable, Rodrigo García sabía que ese personaje más teatral que cinematográfico era una perita en dulce que había que cuidar al máximo (anteponiendo cualquier cosa que pudiera entorpecer su atención).
En el fondo hablamos de una historia al estilo “Arriba y Abajo”, en este caso enclavada en un hotel, con sus clases bajas y serviciales y sus clases altas y acomodadas, con los problemas para vivir en una sociedad que pasa hambre, con esos pequeños y grandes dramas de quienes quieren tirar hacia delante y cumplir sus sueños, con las dificultades propias de una sociedad eminentemente machista, religiosa, e hipócrita, o sea, nada nuevo en el horizonte.
Película que ha de gustar a un amplio abanico de espectadores, sobre todo a mi mujer, mi madre, o mi tía (por nombrar a algunos espectadores cercanos), ha de iniciar una buena carrera comercial (más si cabe en el caso de entrar en la carrera de los Oscar), y ha servido dignamente de representante digna del paso por San Sebastián de su actriz y productora.
Rodrigo García tiene buena mano para la dirección de actores (sobre todo actrices), pero le cuesta manejarse con soltura con las historias que tiene entre manos, echo en falta que la historia de esta superviviente de principios de siglo fluya con algo más de alegría, se le dé más oportunidades a alguno de los personajes secundarios, o que el director norteamericano hubiese tomado buena nota de alguna que otra serie de época como por ejemplo Downtown Abbey.
Nota: 6

Título: TAKE THIS WALTZ
Director: Sarah Polley
Intérpretes: Michelle Williams, Seth Rogen, Luke Kirby…
País: Canadá
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: cuando Margot conoce a Daniel, surge de inmediato entre ellos una intensa química. Pero Margot sofoca la atracción que siente porque está felizmente casada con Lou, un escritor de libros de cocina. Lo que ella no sabe es que Daniel vive muy cerca de su casa…

“La segunda película de Sarah Polley como directora parecía tener todos los puntos para ser un caramelo, con un poco de cine indie por aquí, un poco de música “moderna” por allá, y “el tema” por excelencia como eje central de la trama. Y la verdad es que una vez vista la película te das cuenta de que es todo eso, pero por suerte es bastante más”

Opinión: “He comprado un abremelones para abrirte la cabeza con él”. Cualquiera que oyera esa frase seguro que pensaría que delante tiene a un perturbado, sin embargo esta misma frase dicha en la intimidad de la pareja, como una broma privada que no tiene por qué ser comprendida por el resto de la humanidad, es un acto de cercanía, de complicidad, de cariño.
La trama nos cuenta la historia de una joven casada y aparentemente feliz que descubre su propia insatisfacción al conocer a un vecino del que poco a poco se enamora, para finalmente descubrir que el vacío que le atenazaba y que pensaba era fruto de la relación con su marido, en realidad es algo inherente al ser humano, que siempre le acompañará, aunque tenga una vida feliz y satisfactoria.
A cualquiera que haya vivido en pareja mucho tiempo le sonaran las situaciones, la complicidad de la protagonista con su marido, los gestos, las miradas, sus inseguridades. Es verdad que hay momentos en los que el azúcar amenaza con adueñarse de la historia, pero su directora sabe sortearlos si no con brillantez, si con la necesaria soltura como para que la película no termine siendo el caramelo que amenazaba.
Normalmente creemos que la vida en pareja, además de darnos amor, cariño, intimidad o esa complicidad que nos hace decir frases como la que abre este texto también va a servir para llenar el vacío existencial que nos acompaña.
El mensaje que deja la película es que ese vacío no se puede llenar y que la vida en pareja, es casi seguro que no logre rellenarlo, aunque ayuda bastante.
Al que logre saber cómo vivir en pareja toda su vida, claro.
Nota: 6,5

Título: SHAME
Director: Steve McQueen
Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan…
País: Reino Unido
Sección: Zabaltegui – Perlas de otros festivales
Sinopsis: Brandon (Michael Fassbender) es un treintañero de Nueva York con serios problemas para controlar y disfrutar su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y teniendo contactos con solteras en Manhattan…

“Una excelente y dura película que a buen seguro dará que hablar, para bien o para mal”

Opinión: Brandon, el personaje que interpreta de forma más que brillante el alemán Michael Fassbender, es un treintañero que vive en Nueva York al que parece acompañarle el éxito: tiene un trabajo como ejecutivo de una gran empresa, un apartamento de lujo y no tiene aparentes problemas para conocer y gustar a todo tipo de mujeres, con las que práctica sexo a todas horas y en todos los lugares.
Sin embargo su aparente éxito es solo una fachada, Brandon vive enganchado al sexo, una adicción que le consume por dentro. Todo su mundo gira en torno al sexo, cuando no se masturba viendo porno en internet, se tira a la primera que se le pone a tiro, putas, compañeras de trabajo o lo que sea, incluso llega a visitar cuartos oscuros en los que mantiene sexo con el primero que pilla…
La vergüenza que da título a la película le corroe y el sexo que llena sus días le encierra en un infierno de insatisfacción y vacío que le hace incapaz de mantener una relación afectiva estable. Practica sexo como una forma de lograr sentirse vivo, pero poco a poco le va encerrando en su propia cárcel de incomunicación.
La inesperada visita de su hermana, que como él tiene grabes problemas anímicos, terminará por trastocar su vida haciendo aflorar todos los sentimientos ocultos que el personaje protagonista a estado intentando esquivar a base de su rutina sexual.
Filmada con una estética visual y una banda sonora muy cuidadas, aunque sin privar al espectador de las necesarias crudas imágenes, la nueva película de Steve McQueen es un muy interesante, turbador y ambiguo relato que transmite de forma valiente y certera toda la amargura y el aislamiento interior de sus desdichado protagonista, que te revuelve por dentro, que te altera.
Nota: 8

Título: THE DEEP BLUE SEA
Director: Terence Davis
Intérpretes: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Simon Rusell Beale…
País: Reino Unido
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: Davies nos traslada atrás en el tiempo, en el período de la década de los años 50, donde el sur a Londres y los salones dorados de la alta sociedad, durante la posguerra, sirven de marco incomparable para desarrollar el filme. Rachel Weisz y Tom Hiddleston son una pareja de enamorados. Weisz es la deslumbrante Hester Collyer, la mujer de un juez del tribunal supremo, interpretado por Simon Russell Beale, mientras que Hiddleston es un apuesto expiloto de la RAF. Un amor imposible en una sociedad rígida y moralista es lo que nos trae su director, aderezado con la eterna elección imposible en la enrevesada red del triángulo amoroso.

“Cómo diría un buen amigo, un truño en toda regla, una pesada y aburrida apuesta por acerarnos la historia de una mujer suicida compulsiva, que lo mismo es capaz de dejarlo todo por el amor de su vida como de poner fin a su existencia porque ese mismo amor no recuerda felicitarla por su cumpleaños…”

Opinión: una historia romántica y pasional llevada hacia los extremos de lo absurdo ya sea porque desconocemos los porqués del comportamiento destructivo de su protagonista (en manos de la siempre efectiva Rachel Weisz) o ya sea porque el director opta por un montaje caótico lleno de saltos temporales que despistan más que aclaran y lleno de momentos parsimoniosos que consiguen aburrir al más pintado.
Os hablo de situaciones y comportamientos muy poco creíbles; escenas estiradas hasta la extenuación para nada; una historia sin casi pasado, con muy poco presente, y sin ningún futuro; personajes mal definidos o con función de florero; canciones tradicionales metidas con calzador; una ambientación de cartón piedra,… mejor no sigo.
Sólo salvo a Rachel Weisz, y es gracias a que su sola presencia (sin casi palabras, en muchas ocasiones con monosílabos, con sutiles gestos y miradas) es capaz de que mantengamos la vista fijada en la pantalla, pero una vez que ella sale del plano…, lo mejor es desconectar y mirar para otro lado, esperando que regrese lo antes posible.
Nota: 4

Mañana los protagonistas serán otros:
Arrrugas, una película de animación sobre un geriátrico
Los pasos dobles, una de las dos nuevas apuestas de Isaki Lacuesta
Le Skylab de la actriz y directora Julie Delpy

Firmado por: Reverendo “Harry Powell” y Barry  Collins

“Una noticia importante, es un thriller policiaco fantástico, y no es americano, es español…”

Opinión: primera película de la Sección Oficial y primera gran película de esta edición, por fin una película que cumple las expectativas creadas, un paso adelante de su director, una historia bien hilvanada, una acabado setentero muy acertado, y un personaje que está hecho a la medida de un José Coronado, por cierto, inconmensurable.
Un personaje de esos que se denominan “caramelo”, creado sin grandes artificios, más bien desde el minimalismo, compuesto a partir de alguien a quien la vida no le ha tratado nada bien, con pocas ganas de vivir, de carácter seco, cortante, con tendencia a rechazar y ser rechazado, o sea, un “cabrón” con todas las letras.
Pero en el fondo, un gran policía, un tipo con los huevos bien puestos, capaz de asumir por sí sólo toda una investigación de enormes proporciones, al estilo Harry Callahan, pero sin un Magnum 44. Un héroe que nunca ha buscado serlo…
Es verdad que el comienzo es brutal, no sólo por la cruda escena del principio, sino por esa fantástica presentación del personaje (un ejemplo para cualquier aficionado al cine), pero igualmente no desmerece esa lenta, elaborada, pero también absorbente investigación paralela de los hechos, por un lado, la de un policía pasado de vueltas que va atando cabos, por el otro, una juez y su equipo policial acercándose poco a poco a la verdad.
El punto de encuentro desembocará en una de esas escenas brutales que también sabe filmar Urbizu, y de postre, un final un tanto juguetón, asumiendo riesgos, nada fácil ni complaciente.
Por favor, no dejen de verla, este próximo viernes en los cines de toda España, estoy seguro que no os defraudará.
Nota: 8,5

Título: SILVER TONGUES
Director: Simon Arthur
Intérpretes: Maureen Carr, James Grant, Una McLean, Jon Morrison, Alison Peebles…
País: Estados Unidos
Sección: Zabaltegui – Nuevos directores
Sinopsis: la película cuenta el inquietante relato de una pareja entregada a un oscuro juego de destrucción con las personas que se cruzan en su camino.

“Esta mañana teníamos un desafío, la cita era a las 09:30 horas en el Teatro Principal, se trataba de jugar “una partida de cartas en un cine”, los contendientes eran un director escocés de nombre Simon Arthur y unos pocos espectadores (entre los que me encontraba yo), por cierto, una muy buena partida, y a mí me ha ganado el director”

Opinión: es difícil reconocer abiertamente que una historia de dos personas perturbadas, maquiavélicas, enfermizas, mentirosas compulsivas, retorcidas… y un sinfín de adjetivos más, pueda ser tan atrayente y maravillosa (a la vez que inquetiante).
Y es que este trabajo ha logrado atraparme en todo momento, ha conseguido elevar progresivamente mi interés, y ha captado mi atención muy positivamente. ¿Qué porqué?
Es muy simple, porque está basado en personas y personalidades de carne y hueso, con comportamientos muy reprochables pero que no dejan de ser humanos, porque nos muestra algunos momentos de cine inteligente pocas veces visto (la escena del encuentro de parejas del principio y una de las escenas finales en una comisaría son excelentes), porque cuando parecía que nadie nos podía sorprender ya con un final sorprendente… va alguien inesperado y “nos la da con queso”, porque contiene unos diálogos chispeantes, porque consigue un doble juego increíble, jugar con los pobres personajes que se cruzan con los protagonistas, a la vez que juega con nosotros y las verdaderas personalidades ocultas esos protagonistas.
Una joya a descubrir, desde hoy mismo, en mi lista de esos pequeños descubrimientos por los que dar las gracias por poder acudir a eventos como este.
Nota: 8,5

Título: AMEN
Director: Kim Ki-duk
Intérpretes:…
País: Corea del Sur
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: una mujer va a Francia en busca de su novio, con el que ha perdido contacto, y se entera de que éste se ha marchado a Venecia. De camino a Venecia, es violada en el tren por un hombre cubierto con una máscara antigás que, además, le roba el equipaje. A partir de ahí, y en vista de que su novio tampoco se encuentra en Venecia, la mujer inicia un periplo por media Europa perseguida por su violador, que le irá devolviendo todas sus pertenencias una a una.

“Amén. Esa es la palabra que el reconocido Kim Ki Duk – no por el que esto escribe, la verdad…-a escogido para su disparate o pseudo-película. También es la palabra que suelen usar los cristianos para terminar una oración (“palabra de Dios”).  No sé si es que al director coreano se le ha subido toda la sangre y el ego a la cabeza o que ha pretendido colarnos gato por liebre, pero de lo que sí que estoy casi seguro es de que lo que ha ofrecido hoy en la sección oficial es algo hueco y casi, casi vacío”

Opinión: grabada en alta definición, sin presupuesto y con sonido directo.  Aunque debería decir para ser más claro con sonido, sonido atronador y unas cuantas imágenes sin ton ni son, repetitivas hasta la extenuación y con un contenido mínimo. Porque una cosa es grabar con sonido directo (como por ejemplo las películas del extinto movimiento Dogma) y otra la atrocidad que Kim Ki Duk nos endilga durante los largos 72 minutos que dura la película (nótese que escribo “largos”, porque es que es una película que, a base de repetir todo el rato lo mismo, se hace larga a la media hora). Que la acción -por decir algo- se desarrolla en un aeropuerto, pues te planta todos, pero absolutamente todos los sonidos que se pueden escuchar, que la protagonista se desplaza en un tren, pues otro tanto de lo mismo. De hecho si el espectador no llega a dormirse seguramente será porque frente a tal sinfonía de ruidos no hay forma humana…
Pero ¿qué nos cuenta “Amen”? Pues, por lo que parece, la apasionante trama nos relata la historia de una pobre desgraciada que se va desplazando por distintos lugares de Europa buscando a un pintor que parece que viaja más que Marco y su mono, mientras por el camino un bellaco con una máscara antigás (?) le va complicando el viaje.
Una especie de Road movie (al fin y al cabo la película trata sobre un personaje en perpetuo viaje que después de tantos kilómetros ya no es el mismo, porque el viaje le ha transformado…) pero arbitraria, repetitiva, intranscendente…
Y digo que “parece” porque al final el ¿director? se saca de la manga una presunta coartada metalingüística que pretende elevar el ¿discurso? pero que, de nuevo para el que esto escribe, pedante y pretencioso. Un presunto sentido que se sujeta en la nada más anodina y absoluta.
En la rueda de prensa posterior el director ha comentado que ha pretendido ser libre prescindiendo del presupuesto, del sistema y hasta del espectador. Ya, ya se nota. Con ver su película te das cuenta de forma prístina. Por supuesto, al final seguro que se lleva algún premio, del que, curiosamente no prescindirá como del resto. ¿Apostamos?
Nota: 3

Título: MARTHA MARCY MAY MARLENE
Director: Sean Durkin
Intérpretes: Elizabeth Olsen, Sarah Paulson, John Hawkes…
País: Estados Unidos
Sección: Oficial a concurso
Sinopsis: atormentada por dolorosos recuerdos y sufriendo una creciente ansiedad, Martha escapa de la influencia de una secta y regresa a casa para vivir con Lucy, su hermana mayor, y Ted, el marido de ésta. Desesperada, Martha intenta asimilar el estilo de vida de la clase media-alta. Pero acosada por constantes pesadillas, su retorno al mundo real no está resultando cómodo. Mientras asume su soledad, la paranoia resquebraja su existencia. Finalmente, desciende a un vertiginoso estado de pánico cuando comienza a sospechar que alguien sigue todos sus movimientos.

“Por suerte para el sufrido espectador, los festivales de cine también se nutren de buenas películas. Uno siempre piensa que va a ver un ladrillo con planos infinitos del cogote de un señor mirando una pared blanca, pero de vez en cuando tienes la suerte de ver películas como  “Marta Marcy May Marlene” que te reconcilian con tu cerebro -como todo el mundo se empeña en poner por las nubes lo que a ti no te ha parecido más que basura filmada, muchas veces llegas a pensar que a lo mejor el que está mal hecho eres tú y no la película- y con el mundo del cine”

Opinión: película de claro corte independiente, ” Marta Marcy May Marlene ” nos cuenta de forma muy inteligente y hábil el proceso de desconexión de una joven que durante un tiempo indefinido a estado viviendo ¿sufriendo? en una especie de secta destructiva.
Jugando con el tiempo su director relata la historia intercalando 2 niveles: por un lado vemos lo que le va ocurriendo a la sufrida protagonista después de huir de su ¿calvario? y resguardarse en la casa donde pasa el verano su hermana y su marido, por el otro vemos como llegó a entrar en la “familia”  y como fue cayendo en la red tejida por sus miembros.
Al principio todo es extraño, el comportamiento de la protagonista parece errático, sin sentido, no entiendes el porqué de sus actos. Poco a poco, y de forma casi transparente, la trama te va mostrando las razones que la han llevado al estado en que se encuentra, vas  entendiendo su absoluta zozobra, la comprendes, y es cuando descubre el porqué de su título. La protagonista se encuentra perdida, más incluso que cuando comienza la trama junto a la “familia”, y no sabe quién es o ha sido, si es Marta Marcy May Marlene, y lo que es peor, no sabe quien quiere ser…
En resumidas cuentas, una estupenda película, que cuenta una historia interesante y humana a la que no le hace falta mostrar planos de media hora de una chica durmiendo para contarte una historia profunda, a ratos dura, pero en todo momento interesante.
Nota: 7

Mañana los protagonistas serán otros:
Glenn Close en busca del Oscar en Albert Nobbs
Sarah Polley y su nuevo trabajo titulado Take this Waltz
Shame con Michael Fassbinder (auténtica sensación en Venecia)

Firmado: Reverendo “Harry Powell” y Barry Collins