DIFFUSAMENTEMUSEO

Nando Citarella e il ballo di San Giovanni

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Mon, 20 Jun 2011 21:54:00 +0000

giovedì 23 giugno dalle ore 20,00

Le voci, i suoni e i ritmi che da un punto all’altro del Mare si sono incontrati partendo dalla cultura Arabo-Andalusa della Siviglia “Porta d’Oriente” giunta a Napoli “Porta del Mediterraneo” e ritrovatasi nell’America-Latina, grazie (o per colpa) agli Spagnoli.

In molte culture vi si ritrovano elementi Sacro-Rituali o semplicemente Popolari e l’elemento che li unisce è proprio il Tamburo che pur cambiando forma di cultura in cultura ha sempre un ruolo fondamentale.

Ancora oggi in molte feste popolari (Sud-Italia, Sud-America, Africa-Mediterranea), lo strumento che scandisce il Ritmo Magico-Rituale è il Tamburo (a Calice, a Cornice, a Doppia pelle, etc).

Nando Citarella (studioso e suonatore di questo strumento), propone l’incontro tra queste forme Metrico-Ritmiche e Magico-Rituali.

Quindi dall’Eleguà e lo Jesà cubano si arriva al Canto alla Disperata sia Pugliese che Calabrese o al Canto a Ffigliola e alla FronnaVesuviana come alle Off Mediorientali e al Cante Jondo Flamenco.

Giocando con questi intrecci ritmici si arriva poi ad un” Pastiche” o “Divertimento in Musica” che unisce ancor di più le varie culture da noi citate.

La sera del 23, festeggeremo insieme, presso il Campo dell'Arte, la notte di San Giovanni, accompagnati nelle danze dalle musiche travolgenti di questi strumenti, dai suoni resi ancor più accattivanti grazie alla bravura del poliedrico artista NANDO CITARELLA

Ed inoltre: ENO-GASTRONOMIA, PRODOTTI BIOLOGICI, FALO' E RITI DELLA TRADIZIONE POPOLARE

Fondazione “Il Campo dell’Arte”
Via di Valle Marciana snc 00046 Grottaferrata (Rm)

per maggiori informazioni:

mobile: 346.6861336

info@campodellarte.it

www.campodellarte.it
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La Casa della Terra: percorsi nella natura, nell'arte e nel gusto

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Wed, 15 Jun 2011 15:32:00 +0000

18 giugno 2011 ore 19.00

Percorso nella natura

Roberto Braglia, ricercatore presso l’Orto Botanico Dip. di Biologia Università degli Studi di Roma “Tor Vergata”, ci accompagna nel percorso su ecologia e risparmio energetico “Un mondo senza piante” : un’esperienza a tappe ricca di suggestioni su come ridurre consapevolmente la nostra impronta ecologica, ovvero l’impatto che ciascuno di noi produce sull’ambiente naturale.

Percorso nell’arte
Si inaugura l’opera “La Casa della Terra”, installazione multimediale interattiva, realizzata dal gruppo “Aye-Aye” con Alessandro F. Pernice ed in collaborazione con l’artista Francesco Pernice, che ha come scopo quello di sensibilizzare i suoi visitatori ad un vivere più rispettoso della natura, vista come casa del genere umano.

Percorso nel gusto
Pier Francesco Lisi, giornalista enologo, ci introduce al mondo del vino biologico con una degustazione di tre differenti vini dei Castelli Romani. Seguiranno aperitivo, video proiezioni e musica.

Fondazione “Il Campo dell’Arte”
Via di Valle Marciana snc 00046 Grottaferrata (Rm)

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Ascanio Celestini presenta il suo ultimo libro "Io cammino in fila indiana"

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Fri, 27 May 2011 07:42:00 +0000

Negli spazi immersi nell'arte e nella natura de "Il Campo dell'Arte", Ascanio Celestini presenta il suo nuovo libro “Io cammino in fila indiana”; Riccardo Dalisi assegna il premio “Compasso di Latta” ad Ascanio Celestini per un’arte che cerca “una medicina per questo mondo pieno di storture” e a Costantino Faillace per l’opera di ingegneria sociale realizzata in India.

Visita a Sperlonga e Gaeta

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Wed, 04 May 2011 09:14:00 +0000

La Fondazione "Il Campo dell'Arte"
è lieta di invitarla

Domenica 22 maggio 2011
alla Visita di Sperlonga e Gaeta

con partenza da Piazza della Pace, Ciampino

alle ore 7.00

Programma della giornata

ore 7.00
partenza da Piazza della Pace, Ciampino

ore 8.30
arrivo a Sperlonga con visita al borgo antico

ore 10.00
Visita al Museo Archeologico Nazionale di Sperlonga sul mito di Ulisse e alla Villa di Tiberio

ore 12.00

sosta a Gaeta con visita al borgo medioevale e pranzo

ore 15.00
Visita alla montagna spaccata, al Duomo e alla Cappella d'Oro annessa allo Stabilimento dell'Annunziata ed al Santuario con opere del Criscuolo con apertura straordinaria

ore 17.00

passeggiata nei vicoli del borgo di Gaeta

ore 19.00

partenza per Ciampino con arrivo previsto alle ore 21.00

La prenotazione è obbligatoria entro il giorno 16 maggio 2011

al numero telefonico 0679350732 o
all'indirizzo email info@campodellarte.it

LiberAzione

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Thu, 21 Apr 2011 10:12:00 +0000

lunedì 25 aprile dalle ore 10,00

presso la Fondazione "Il Campo dell'Arte"

Via Vicinale di Valle Marciana snc, Grottaferrata (Roma)

"LiberAzione"

giornata all'insegna di natura, arte e relax con:

installazioni sul tema della Liberazione che l'arte ci induce a non dimenticare.

Le opere  degli artisti Giorgio Galli, Claudio Marini, Vincenzo Pennacchi,  Francesco Pernice sono espressione di molteplici sguardi che ci parlano di "LiberAzione"  in un percorso che mescola continuamente la storia, l'individuo e le sue  speranze di "resurrezione". L'attrice Adonella Monaco legge Pasolini, Potenza, Farinella. 

Pranzo conviviale e raccolta di erbe selvatiche commestibili con l'esperta Giuliana Giuberi.

è richiesta la prenotazione.

biglietto intero € 15,00

biglietto ridotto (bambini dai 4 agli 11 anni) € 7,00

ingresso gratuito per i piccolissimi

Riabitare la nostra Terra: l'arte al servizio della natura

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Mon, 11 Apr 2011 10:47:00 +0000

Nel periodo in cui si celebra la Giornata Mondiale della Terra, l’Associazione Arianna Onlus, in collaborazione con la Fondazione “Il Campo dell’Arte”, Slow Food Condotta di Ciampino, le Scuole elementari del I e del II circolo didattico di Ciampino e gli Istituti d’arte “Paolo Mercuri” di Marino e di Via Novelli di Velletri, raccoglie l’invito dell’organizzazione internazionale a svolgere la “sua buona azione”, coinvolgendo in più di venticinque incontri laboratoriali dai bambini degli asili ai bambini delle scuole elementari, dagli studenti degli Istituti d’Arte ai cittadini di Ciampino, di Marino, di Grottaferrata e di Velletri.
Le diverse comunità partecipano al progetto “Scuola di creatività per i territori” promosso dalla Provincia di Roma e realizzato con il patrocinio dell’organizzazione “Giornata Mondiale della Terra”, dei Comuni di Ciampino, Grottaferrata e Velletri e dell’Orto Botanico - Università di Tor Vergata.
Con questo progetto l’Associazione Arianna Onlus vuole attivare attraverso la creatività e l’arte la partecipazione dei cittadini su specifici temi sociali ed ecologici organizzando laboratori artistici diffusi e aperti a tutti, al termine dei quali verrà realizzata l’installazione multimediale interattiva: la “Casa della Terra”.
Quest’opera che ha ricevuto l’apporto di artisti che operano nell’ambito dell’arte ambientale, tecnici ed esperti di produzioni multimediali interattive, intende riportare il tema della Terra al centro dell’attenzione; soprattutto vuole promuovere una maggiore responsabilità sociale attraverso una sentita e attiva partecipazione.
Si richiede in questa sede ad ognuno di noi di agire, realmente e simbolicamente, per contribuire al miglioramento delle condizioni attuali del nostro territorio e quindi del nostro pianeta.
Le attività laboratoriali e le installazioni proposte vogliono indicare un modo possibile per donare ai materiali di scarto un nuovo ciclo di vita e per ripristinare un nuovo rapporto con la natura, sapendo che l’arte e la creatività sono fonti inesauribili di reinvenzione di oggetti che la civiltà industriale sovraproduce e abbandona troppo velocemente.

PROGRAMMA DEGLI EVENTI

sabato 16 aprile 2011
ore 16.00 inaugurazione dell’intervento urbano “Butterfly Effect”
Portici di Via G. Pastore, Velletri (Roma)
domenica 17 aprile 2011
ore 11.00 in occasione del Mercato della Terra organizzato da Slow Food, inaugurazione della “Casa della Terra”
ore 18.00 inaugurazione dell'installazione “Fuocondiviso"
Via Mario Calò, Ciampino (Roma)
lunedì 25 aprile 2011
dalle ore 10.00 “LiberAzione”, installazioni d’arte degli artisti G. Galli, C. Marini, V. Pennacchi , F. Pernice accompagnati dalle poesie documento di Farinella, Potenza, Pasolini
Fondazione "Il Campo dell'Arte" - Via di Valle Marciana snc, Grottaferrata (Roma)
domenica 1 maggio 2011
dalle ore 10.00 la “Casa della Terra” verrà installata presso “Il Campo dell’Arte” , tornando così al suo ambiente naturale di origine da cui è nato il progetto e l’impegno di chi vi ha lavorato.
Fondazione "Il Campo dell'Arte" - Via di Valle Marciana snc, Grottaferrata (Roma)

Il Campo dell'Arte in "Viaggiare Informati nei Castelli Romani": una guida per un turismo accessibile

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Mon, 31 Jan 2011 08:17:00 +0000

La Fondazione "Il Campo dell'Arte" è stata inserita nella guida "Viaggiare Informati nei Castelli Romani".
La Presidente della Regione Lazio, Renata Polverini, e l'Assessore alle Politiche Sociali e Famiglia, Aldo Forte, hanno presentato il 21 Gennaio 2011, a Roma presso la Sala Tevere della Regione Lazio, la Guida "Viaggiare Informati nei Castelli Romani".
Frutto dell'esperienza decennale del Presidio del Lazio in materia di turismo accessibile, prerogativa di un corretto approccio inclusivo volto ad un "fare turismo" che tenga conto delle necessità di tutti e in particolare delle persone con disabilità, "Viaggiare Informati nei Castelli Romani" offre, accanto alla descrizione delle strutture e dei servizi, un'informazione attendibile e verificata in loco relativamente alle caratteristiche di fruibilità degli spazi e all'eventuale presenza di barriere architettoniche.
Una guida fruibile da tutti ed ora usabile per tutti, è realizzata anche in formato mp3 per le persone non vedenti, secondo lo stile degli audio-libri.

Work in progress

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Fri, 14 Jan 2011 18:48:00 +0000

STIAMO PREPARANDO PER VOI IL "MONUMENTO ALLA TERRA" PER CELEBRARE DEGNAMENTE L' "EARTH DAY 2011", "LA GIORNATA MONDIALE DELLA TERRA" DEL 22 APRILE PROSSIMO...

...PRESTO MAGGIORI DETTAGLI!

Verso la città diffusa di Michele Costanzo

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Sat, 08 Jan 2011 12:50:00 +0000

Quello che caratterizza la forma dei grandi agglomerati urbani che si sviluppano ai margini delle città è il senso della disomogeneità.
Il nostro Paese ha rinunciato a progettare in modo unitario le grandi quantità edilizie della ricostruzione e del boom ed ha, altresì, consentito alla speculazione sui terreni privati di far crescere un immenso magma edilizio attorno ai centri antichi, privo di un interno ordine.
Esiste un curioso paradosso che investe tali moderne periferie: esse vengono realizzate per soddisfare un bisogno primario (che è quello del vivere in uno spazio organizzato) e, nello stesso tempo, sono rifiutate da chi le abita in quanto non sembrano trasmettere dei valori.
La spazialità atopica che le costituisce non è più il margine dell’edilizia storica ma l’essenza di una realtà nuova, quella della “città diffusa”, una sorta di polvere densa che si espande in maniera inarrestabile nel territorio, senza alcun principio d’ordine.
Essa non può essere definita città, o campagna, o area metropolitana ma, piuttosto, ‘controcittà’; il suo modello risulta essere assolutamente diverso da quello considerato ‘ideale’.
Non a caso, nell’immagine di “città ideale” della tavoletta di Urbino, ciò che nella prospettiva viene posto in primo piano non è tanto il valore estetico delle singole architetture quanto, piuttosto, la ‘struttura’ dello spazio pubblico che esse configurano, vale a dire il criterio sintattico a cui ogni elemento, presente nella rappresentazione, risponde.
La consapevolezza di tale discrasia viene percepita come una forma di deprivazione; ne consegue che lo spazio urbano è letto come non-luogo o luogo del disagio.
Il malessere che si sviluppa nella “città diffusa”, ha come punto d’origine il senso della lontananza (lontananza dal ‘centro’, ossia dalla città storica) e quindi dell’emarginazione.
Sarebbe necessario (o perlomeno auspicabile) invertire questa tendenza e riuscire a leggere la ‘periferia’ come un fenomeno urbanistico rappresentativo della nostra realtà e della nostra cultura; un fenomeno che ha cambiato il paesaggio ed ora attende di essere compreso riconosciuto.
Ciò che è necessario, dunque, è modificare lo sguardo sulla nuova realtà territoriale che si sta configurando.
Una soluzione possibile sarebbe quella di attivare una capacità di visione in analogia a ciò che, ad esempio, è già avvenuto nel cinema con Wenders, nella fotografia con Basilico e Ghirri, nell’arte figurativa con Hopper e nella letteratura con Pasolini; i quali hanno saputo esplorare in maniera poetica le risorse offerte dalla nuova realtà.

SNAP: intersezioni di itinerari della cultura

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Tue, 04 Jan 2011 07:15:00 +0000

Tra aprile del 1997 e dicembre del 1999 fu pubblicata, a cura dell'Associazione Arianna onlus, una rivista monografica chiamata "SNAP" dal sottotitolo "intersezioni di itinerari della cultura". Dopo un primo numero zero, ne seguirono altri 4 e i temi scelti furono: la biblioteca contemporanea, il giardino contemporaneo, il museo contemporaneo, l'artigianato contemporaneo.
Alla base delle scelte editoriali ci fu la percezione di una realtà in rapida metamorfosi che, se da un lato, diveniva sempre più complessa, dall'altro tendeva, anche grazie allo sviluppo di nuove tecnologie, a connettersi in reti diffuse. Così si scriveva nell'editoriale del Numero 0: "...Tra i concetti in grado di sintetizzare con efficacia i caratteri essenziali della realtà contemporanea, due hanno avuto un particolare successo: quello di complessità e quello di rete.
Sebbene possano essere visti come contrapposti, entrambi colgono aspetti caratterizzanti il mondo in cui viviamo: da un lato la presenza di una molteplicità di esperienze e culture non più esprimibili attraverso grandi sistemi di pensiero universali, dall’altra l’emergere dei nuovi mezzi di comunicazione multimediali che moltiplicano a dismisura i dati della conoscenza disponibili. In questo magma informatico, sistematicamente intersecato da novità autentiche e da fenomeni puramente mercantili, le espressioni culturali e artistiche, pervase da tale turbinio di stimoli, non possono che riflettere il senso della generale frammentazione.
Facendo riferimento al concetto di “agire comunicativo”, secondo il quale la conoscenza degli oggetti deve essere sostenuta dall’intesa tra soggetti che si esprimono, seppure con linguaggi diversi, l’intento del nostro foglio sarà quello di osservare la realtà da un punto di vista che si
potrebbe definire fenomenologico, rivolgendosi ad oggetti, situazioni, eventi sempre circoscritti, sollecitando, nel contempo, conoscenze e sensibilità di più discipline, a convergere su di essi attraverso letture anche minimali.
Per quanto riguarda il nome scelto per il nostro piccolo giornale, SNAP deriva da un termine usato nell’informatica per indicare l’atto di “agganciare” un oggetto (ad esempio un disegno che si intende rielaborare). É una parola breve dal suono onomatopeico, con cui si vuole indicare l’interesse a “mettere in contatto”, a “fare interagire” esperienze e molteplici linguaggi, cogliendo le possibili connessioni determinabili su temi diversi..."
Nei prossimi post saranno riproposti articoli estratti da questa rivista che, dalle ceneri della sua precedente versione cartacea, rinascerà in formato digitale, desiderosa di riprendere un discorso interrotto più di 10 anni fa, ma consapevole della ancor maggiore necessità che oggi si ha di dare un senso a questa nostra realtà contemporanea.

"Sull'incontro" - Testimonianza di Alberto Garutti

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Thu, 30 Dec 2010 08:52:00 +0000

Un'ulteriore testimonianza sull'arte pubblica per chiudere il 2010 in bellezza: "Sull'incontro" di Alberto Garutti. Le due immagini si riferiscono all'installazione "Che cosa succede nella stanza quando gli uomini se ne vanno?", sedie laccate con smalto fosforescente. L'artista immagina che all'interno di una stanza, in assenza di esseri umani, "gli oggetti, le cose, i mobili possano percepire la luce del giorno e della notte, sentano suoni e rumori provenire da luoghi vicini o lo squillo del telefono risuonare nella stanza...".

"Le forme e le condizioni del vivere contemporaneo stanno rapidamente cambiando e l’arte, prima e sensibile interprete del mondo, parallelamente ad esse muta i suoi modi e le sue strutture, formali e soprattutto istituzionali.
La società della comunicazione veloce, quindi della multiculturalità e della stratificazione, si consuma e vive oggi la condizione del tempo presente come luogo di sintesi perfetta tra passato e futuro, guidando l’arte a nutrirsi della realtà della vita, spazio fisico in cui il tempo reale (il presente) trova la sua unica espressione.
L’artista si accorge così dell’obsolescenza del tempo sospeso e della condizione stessa (di chiusura) del museo, forma “astratta” da un mondo in cui la gente ha trovato proprio nell’incontro, tra persone e tra pensieri diversi, la modalità più necessaria del vivere.
Credo che il dialogo con lo spettatore, da sempre alla base dell’esistenza dell’opera stessa, venga ad assumere un ruolo ancora più importante adesso, in un momento in cui l’arte ritorna a vivere nello spazio pubblico, in stretto legame con la realtà della vita, quindi con l’architettura, i contesti pubblici, i media e soprattutto un pubblico che non è più quello selezionato del ristretto sistema artistico.
Le grandi opere d’arte non si raccontano mai nella loro interezza all’occhio dell’osservatore; portatrici di senso e significati molto complessi ci sfuggono, contenitori di futuro, prodotti di una visione così obliqua e laterale propria dell’artista, da diventare interpretazioni e sguardi scardinatori del mondo contemporaneo.
Dove trovare allora la verità dell’opera ?
Proprio nell’andare verso di essa, nella ricerca continua dello spettatore (che è in latino colui che si muove verso), nella relazione-incontro che egli intesse con questa forma inafferrabile, e proprio per ciò inesauribile, che è l’opera stessa.
È proprio alla luce di queste considerazioni che sento importante la dimensione dell’incontro all’interno del lavoro dell’arte, sia nella sua forma più “classica” (museale), che in quella contemporanea operante nel mondo urbano e sociale (post-museale). Anche le città, apparentemente freddi e cinici organismi in mutazione solo secondo caratteri funzionali , nascono e si sviluppano a soddisfare proprio un bisogno di relazione che non esito a definire una necessità, un bisogno sentimentale.
Continuo allora a vedere nella figura dell’artista che è il primo vero spettatore, un interprete di questa nuova modalità dell’incontro tra umanità e pensieri di cui la società contemporanea sente forte l’esigenza.
Ma per fare ciò l’artista deve essere capace di scendere dal celebrativo piedestallo che il sistema dell’arte gli ha costruito , pena la progressiva e fatale emarginazione dalla società.
Se infatti l’artista è adottato dal grande museo perché da lui ricava pubblicità e risonanza mediatica, l’artista che incontra la città ha un’occasione straordinaria per ridare valore e forma etica all’operazione artistica; nell’approccio sentimentale con quell’umanità (alterità) che non è il pubblico dell’arte, ma più in generale la gente.
Sento di dover scendere da quel piedistallo che proprio lo status di artista mi concede così da dare vita ad un dialogo in cui l’opera sia protagonista e diventi il vero legame tra me, il mio intervento e il contesto urbano e sociale.
Addirittura sostengo quanto non sia importante che il mio lavoro sia riconosciuto da tutto il pubblico come opera d’arte, ma che venga sentito dalla gente come sguardo nuovo e bello su una realtà a loro vicina.
Quelle opere che si impongono nei luoghi della vita quotidiana senza una riflessione critica minima sul tema dell’intervento in spazi pubblici, appaiono vecchie non tanto dal punto di vista formale, ma da quello metodologico, e perdente nei confronti di quella realtà con la quale il mondo della comunicazione e quindi l’arte in varie forme si stanno misurando.
Definisco proprio per questo la mia opera un lavoro anche di metodo e sui procedimenti del fare. Il percorso realizzativo (l’insieme delle connessioni con la realtà) e il processo mentale che si antepongono alla realizzazione fisica del lavoro risultano così parte integrante e perciò non meno importante dell’opera stessa.
I cittadini ascoltati, sentiti e toccati si trasformano così in committenti reali di un lavoro finalizzato alla loro stessa utilità, sentimentale e concreta, forse proprio senza riconoscere in questa modalità l’antica forma utile che l’arte ha sempre recitato nello scenario della vita.
Sono allora proprio i vincoli e le limitazioni imposte da questa “nuova forma di committenza” a generare nuove strade e imprevedibili sviluppi del pensiero; dunque se la realizzazione fisica del mio lavoro in fondo si nasconde silenziosamente nella città e nel territorio l’intervento che io definisco “sentimentale” invece vuole superare quella sterile stabilità che nasce dalla mancanza di volontà comunicativa tra artista e contesto, e si impone come protagonista proprio perché desidera essere capito, compreso e amato dagli stessi “committenti”.
è sbagliato pensare a questa modalità del fare come al frutto di una strana e inutile forma di demagogia populistica; considero l’importante valore etico da sempre insito nel “piacere artistico” e guardo al tema fortissimo dell’”incontro” come ad una metafora della destabilizzazione, dell’incertezza e quindi del progresso e dell’apertura."

Alberto Garutti

"Castelli Romani e Arte Pubblica” - Testimonianza di Gillo Dorfles

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Wed, 22 Dec 2010 04:56:00 +0000

"Uno dei fenomeni che colpisce maggiormente lo straniero che giunga in Italia, o anche l’italiano che faccia ritorno in patria dopo un lungo soggiorno all’estero, è la straordinaria qualità “architettonica” del paesaggio. Soprattutto chi giunge dagli USA o dall’America Latina - dunque da continenti con scarse memorie storiche - rimane affascinato dalle costanti interferenze tra zone agricole e abitazioni rurali, tra città e campagna, e soprattutto dalla particolare eccellenza “compositiva” di alcune vaste zone da tempo abitate e facenti parte di antiche e gloriose civiltà autoctone (come l’Etruria, la Campania, la Sicilia, ecc...). In altre parole: il dialogo tra le aree edificate (castelli, villaggi, chiese, cascine) e il mondo circostante ci rivela subito quali misteriosi legami si sono venuti costituendo tra il paesaggio e gli artefatti umani in alcune regioni del nostro Paese: come la Toscana, la Campania, e anche nel caso specifico di cui oggi intendiamo trattare: i Castelli Romani, da Marino a Velletri, da Nemi a Albano o Grottaferrata.
Ma quello che dovrebbe innanzi tutto preoccupare l’abitante del presente che ha avuto sotto gli occhi sin dalla nascita lo spettacolo di straordinaria armonia del suo ambiente, è di poter preservare e eventualmente migliorare questo rapporto, rendendosi conto come questa armonia - anche quando appare del tutto “spontanea” - è in realtà dovuta all’intervento costante dell’uomo e che è di massima importanza mantenere e possibilmente accrescere questo legame di reciproca intesa tra la Natura e l’Artificio. “Artificio”, che può consistere nella centrale elettrica, come nella chiesa, nel terminal aeroportuario come nell’antico palazzo feudale, nel grattacielo come nel supermercato, studiando accuratamente quale possa essere il miglior progetto capace di determinare l’invidiabile rapporto esestente tra le premesse naturali e le creazioni artificiali realizzate dall’uomo.
La zona dei Castelli Romani, tra le tante, è una di quelle che si prestano molto bene a valere da esempio per una attuale e futura possibilità du nuovi interventi da inserire in un paesaggio urbano e agreste già cosi ricco di situazioni naturali e di presenze storiche e artistiche...
...Credo tuttavia che l’urgenza e la “necessità” di studiare questo rapporto sia fondamentale e debba essere considerato attentamente proprio per evitare certe infelici soluzioni, di cui purtroppo siamo spessi testimoni.
Un primo quesito che si pone a questo proposito è quello da sempre dibattuto: fini a che punto si avverte oggi la necessità di inserire nuove opere pubbliche in uno spazio pubblico; non solo entro le cerchia urbane, ma nei tanti “spazi vuoti” delle periferie, degli svincoli stradali, delle oasi ancora esistenti in mezzo alle grandi arterie del traffico? Fino a che punto, in altre parole, ha diritto di esistere una “arte puibblica”, una progettazione plastica o pittorica che possa essere inclusa in un panorama già esistente, senza distruggerlo?
Ritengo - anche a prescindere da ogni valutazione critica - che sia di notevole peso la realizzazione di determinate strutture che possono presentare innanzitutto una funzione spiccatamente “semantica”.
In altre parole: come un viale di cipressi, un albero millenario, uno sperone roccioso, sono in grado di movimentare un paesaggio di per sè monotono e poco attraente, così la presenza di importanti strutture architettoniche e plastiche - poste nei punti più strategici - potranno offrire all’ambiente circostante una “riconoscibilità” (una “semantizzazione”) del tutto essenziale: avranno, dunque, la funzione di verie propri modulatori segnaletici di un territorio...
...A questo proposito mi sembra ancora una volta opportuno di ribadire come sia necessario tornare a coinvolgere la cittadinanza (anche di piccoli nuclei urbani ed extraurbani) nella creazione, visualizzazione, e critica di monumenti o comunque di nuove strutture pubbliche.
Soltanto attraverso la familiarizzazione con le correnti artistiche attuali, sarà possibile che anche “il grosso pubblico” possa aggiornarsi e partecipare alla valutazione di quanto viene offerto dall’arte e dall’architettura dei nostri giorni."

Gillo Dorfles

"L’arte pubblica in Italia: lo spazio delle relazioni" - Testimonianza di Anna Detheridge

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Sun, 19 Dec 2010 11:33:00 +0000

"Nella società disarmonica della tarda modernità, ogni artista è solo con la propria visione del mondo. Definito soltanto dal rapporto che stabilisce (o no) con ciò che normalmente viene definito il sistema dell’arte, le sue gallerie, giornali specializzati e il museo, ha la sensazione che la libertà assoluta di cui gode nell’elaborazione della propria poetica assomigli sempre di più a una esclusione o estromissione dal corpo sociale, e che la sua posizione rasenti l’isolamento. La sua attività soffre inevitabilmente di un mancato suffragio, e conseguentemente di consistenza. Épater le bourgeois, il committente collezionista, non ha più alcun senso.
Le rapide trasformazioni in atto che portano le persone a godere di una socialità vissuta fuori dall’ambito domestico in situazioni e luoghi che non hanno più le logiche di condivisione di un tempo, ma sono piuttosto di “attraversamento distratto” (dalle vie commerciali delle città, alle tangenziali, alla metropolitana, all’aeroporto, all’ospedale, agli uffici pubblici, ai luoghi di lavoro), riposizionano il senso del fare artistico. Nasce l’esigenza sentita da molti artisti di ritrovare un dialogo con un committente diverso, di esplorare una realtà che ponga finalmente dei vincoli, quelli dell’ascolto e delle richieste provenienti non più dal collezionista, ma da una committenza che prospetti interventi creativi per la collettività. I luoghi della ricostruzione di socialità sono piuttosto ai margini della società e nascosti nelle pieghe del particolarismo, negli interstizi tra luoghi e persone senza volto nel mondo mediatico autoriferito.
Non si tratta in realtà di un progetto utopico, anche se impropriamente di utopia si è molto discusso, ma piuttosto di un nuovo realismo, intento a rilevare realtà quotidiane celate sotto l’immensa coltre della comunicazione commerciale. Le finalità dell’arte relazionale nella sfera pubblica non sono propriamente politiche ma più semplicemente “demofone” e cioè mirate a fornire un terreno neutro d’incontro e dar voce e visibilità a chi ne è sprovvisto.
Alcuni artisti trovano le radici della loro prassi artistica nell’attivismo degli anni 60 e 70, ma la maggior parte esprime una consapevolezza diversa, un bagaglio culturale e sentimentale apolitico e tutt’altro che militante. Nemmeno si può parlare di estetica relazionale, termine coniato in Francia per un’estetica ludica che in quanto “estetica” non possiede come principio del proprio agire l’esigenza di un confronto reale tra le parti ...
... Gli interrogativi sui quali chinarsi sono innanzitutto la qualità e il senso della democrazia oggi a cominciare dal nostro Paese, l’autonomia e la funzione dell’arte. Il paradosso che “Lo spazio delle relazioni” spalanca è il seguente: l’unico modo per l’arte di ritenere la propria autonomia oggi non è quello di farsi prassi dentro il corpo sociale?
Da almeno dieci anni si moltiplicano le iniziative fuori dal circuito delle gallerie e che hanno poco a che fare con la produzione di opere nel senso più convenzionale. Nell’aprile del 2000 alla Royal College of Art a Londra si è tenuta una mostra intitolata democracy in cui si è tentata una prima ricognizione internazionale di quelle pratiche artistiche e curatoriali che non sono intese come prodotto, ma come processo, mettendo in mostra ciò che non è destinato in prima istanza all’esposizione. Il titolo democracy è un punto di partenza per esaminare da vicino il senso del rapporto tra artista, spettatore e committente. Si riesamina lo status sociale dell’arte, i suoi significati reconditi, le sue ambizioni, i suoi pubblici...
...Esattamente come lo sviluppo sostenibile, anche “l’arte sostenibile” si fonda su una contabilizzazione del valore della vita civile e di relazione. L’obiettivo finale è di fornire un contesto al lavoro pubblico degli artisti, segnalando il ruolo delle nuove forme di mediazione, e, in fin dei conti, delle istituzioni. Le scelte di questi ultimi saranno determinanti nella ricerca di soluzioni rispettose della vita collettiva delle persone, per salvaguardare e ricucire i rapporti tra le parti sociali, e per guidare i processi di trasformazione e di rigenerazione urbana in un’ottica di negoziazione e di superamento dei conflitti."

Anna Detheridge

"Arte per il territorio" - Testimonianza di Michele Costanzo

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Thu, 16 Dec 2010 17:11:00 +0000

"La diversa sensibilità con cui l’umanità tende in epoca contemporanea a confrontarsi con la realtà che la circonda, ha prodotto nel campo dell’arte, come effetto omologo, un diverso modo di essere dell’oggetto estetico, e l’idea di poter entrare in comunicazione con esso attraverso criteri e modalità del tutto nuove; e questo, attraverso una variegata gamma di espressioni, di manifestazioni che hanno come obiettivo comune il coinvolgimento ‘emotivo’ degli spettatori.
In tale differente condizione, che fa seguito ad una generale crisi del sapere e delle certezze che finora avevano segnato l’individuale tracciato esistenziale, l’utente (diversamente dal passato) non attende più dall’opera risposte ad interrogativi su valori generali trascendenti o, come riflesso più circoscritto, sul senso del proprio esistere, ma piuttosto prende atto della realtà con cui ciclicamente si confronta, entrando in contatto con i materiali artistici in forma diretta, immediata cercando di tessere insieme ad essi un genere di rapporto tutto rivolto verso il piano della sensibilità e del sentimento, piuttosto che verso quello logico/riflessivo, caratterizzato, ora dall’osservazione della banalità, della normalità, della quotidianità dei fatti immediati, ora dall’approccio ad aspetti della vita di tipo edonistico, ludico, o fantastico.
A tutto questo bisogna aggiungere il fondamentale ruolo assunto, nell’ansiosa condizione del presente, dal dinamismo impresso in forma generalizzata al vivere sociale, che ha portato come conseguenza più o meno diretta a considerare la contemplazione come una forma d’improvviso arresto del ritmo dell’esistere, una sorta d’intollerabile “perdita di tempo” da cui sembra possibile ricavare solo paura, o angoscia.
A seguito di ciò, l’arte non si pone più come un’entità irraggiungibile, imperfettibile, al di fuori del flusso temporale, ma come forma d’espressione che tende a scendere al livello della coscienza ordinaria, per cui in un certo senso essa viene ‘offerta’ in modo che possa essere afferrata dal fruitore per integrarla nella propria coscienza, o nel contesto fisico a cui è destinata. Così alla spettacolare potenza dell’espressione, che un tempo apparteneva al mondo della raffigurazione, all’insinuante, rapinoso fascino che l’immagine artistica ha sempre cercato di trasmettere di sé, si è andata sostituendo una valenza di genere evocativo che consiste nell’indirizzare l’attenzione di chi guarda non più verso la percezione del messaggio ideale-formale contenuto nell’opera, quanto piuttosto nel suo proporsi come evento e, quindi, come coinvolgimento e spettacolo.
In questo senso, per l’arte contemporanea bisogna considerare una diversa reazione percettiva e una differente risposta interpretativa da parte di chi osserva, in rapporto a due situazioni distinte: ossia rispetto all’opera in sé, considerata come entità autonoma, astratta dall’ambiente di riferimento, e alle presenze materiali che definiscono lo spazio in cui, nelle diverse occasioni che si presentano, essa trova luogo. In questo secondo caso, l’ambiente interagisce con l’opera, e chi osserva è indotto, in tal modo, ad elaborare significati sempre nuovi. L’intervento espositivo, concepito il più delle volte fuori degli schemi tradizionali (per destare sorpresa e interesse), stimola la fantasia interpretativa del riguardante, anche aldilà delle intenzionalità stesse dall’autore.
Da tale considerazione emerge un dato distintivo dell’arte contemporanea, che è la tensione indirizzata non più al raggiungimento di un significato univoco dell’opera, ma piuttosto all’arricchimento della sensibilità e della fantasia di chi la fruisce. L’arte in questo modo punta al “farsi del significato”, che è un’espressione spesso impiegata per esprimere in forma icastica le profonde implicazioni, che mette in luce nel rapportarsi con la realtà e con gli stessi molteplici aspetti che la costituiscono. Significato, che tende a raggiungere il suo compimento, in senso formale e concettuale, attraverso un serrato intreccio di relazioni, sviluppate fra artista, pubblico, opera e luogo, anche se tutto questo può portare ad un esito non necessariamente stabile nel tempo. L’ambiente, in questo caso, è la dimensione concreta in cui l’oggetto artistico vive, e da cui trae ‘alimento’, ed è, altresì, il decisivo termine di confronto nel processo di ‘riconoscimento’ del suo significato.
Le elaborazioni spaziali più interessanti e singolari della nuova architettura museale, gli allestimenti più eclatanti delle mostre, per non parlare delle strutture che gli artisti realizzano in ambienti che potremmo definire ‘impropri’ (in quanto originariamente creati per assolvere ad altre finalità funzionali), o all’aperto in ambienti urbani, o in spazi naturali, non sembrano voler più esprimere quella volontà di “riappaesamento” che, ancora negli allestimenti museali degli anni Ottanta, rappresentavano il tentativo di risarcimento del mitico paesaggio perduto della ‘contemplazione dell’arte’, quanto piuttosto quello della ricerca di reciproche influenze/interferenze (magari in base a modalità del tutto nuove e inesplorate) con le diverse forme in cui si materializza il mondo circostante, e con i molteplici aspetti della vita quotidiana.
Tali rapporti relazionali possono avere luogo (anche se con fondamentali, intrinseche differenze), sia nel vibrante silenzio e nella spoglia semplicità di uno spazio geometricamente ordinato che, all’opposto, in confusi, dissonanti, caotici ambienti, in cui vige la compresenza del molteplice. Tutto questo può indifferentemente attuarsi nel processo percettivo tramite le accese diversità cromatiche di certe rappresentazioni, o la netta distinzione/separazione tra le opere esposte mediante l’impiego di sapienti pause, o serrate scansioni ritmiche, o attraverso la diversificazione visiva della lontananza/vicinanza, o infine, lasciando che nello sguardo rivolto all’opera, agiscano imponderabili fattori quali l’improvviso cambio di luminosità del cielo (a seguito del movimento delle nuvole), o la ciclica mutazione quantitativa/qualitativa dell’intensità della luce nell’arco stagionale. Di tutte queste problematiche (che sembrano costantemente sottrarsi alla comune consapevolezza) si nutre l’arte d’oggi, per la sensibilità acquisita nei confronti della varietà/diversità dei caratteri ambientali, derivanti dalle caratteristiche fisiche (in senso tradizionale) dello spazio-contenitore interno/esterno, ed anche dagli stessi criteri espositivi impiegati per organizzare, dislocare i materiali artistici negli specifici ambiti riservati all’esposizione."

Michele Costanzo

"Punto di cristallizzazione per contatti ravvicinati" - Testimonianza di Francois Burkhardt

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Mon, 13 Dec 2010 21:10:00 +0000

Riproponiamo la prima di quattro testimonianze molto interessanti sull'arte pubblica, inserite sul sito diffusamentemuseo.it, in occasione della mostra "Arte in Giusta Misura" tenutasi presso le Scuderie Aldobrandini di Frascati (Roma) tra fine 2005 e inizio 2006. Personalità come Francois Burkhardt, Michele Costanzo, Anna Detheridge e Gillo Dorfles fanno il punto della situazione sull'arte pubblica, in particolar modo in Italia, esaltandone la sua funzione sociale e di integrazione fra ambiente umano e ambiente naturale.
Il primo testo presentato, di Francois Burkhardt, si intitola: "Arte pubblica e sociale: Punto di cristallizzazione per contatti ravvicinati".

" Il progetto fu realizzato in occasione di un concorso nel quadro dell’utilizzazione del 2% del prezzo del costo delle costruzioni dedicate all’arte (Kunst am Bau) stabilito dalla normativa sulle costruzioni in Germania. In un quartiere periferico pianificato ed edificato di nuovo alla fine degli anni ’60 ad Amburgo era stato bandito un concorso per la presentazione di opere d’arte lungo un asse pubblico che portava dalla stazione periferica al cuore del nuovo quartiere residenziale. Lungo questo asse erano stati posti servizi pubblici e centri commerciali lasciando uno spazio di verde pubblico che doveva servire come luogo di ricreazione e di passeggiate. Le opere d’arte dovevano essere poste lungo questo asse pedonale.
Urbanes-Design, un gruppo interdisciplinare che abbiamo creato nel 1968, aveva lo scopo di far uscire l’arte dai circuiti abituali per attribuirle una funzione sociale e cercare di integrarla nell’ambiente urbano, una ricerca di integrazione delle funzioni dell’arte in un contesto più vasto mettendola al servizio dei bisogni collettivi. Una specie di dialogo tra architettura, arte e contesto urbano che dà all’arte un senso che va bene al di là della pratica abituale attribuita all’estetica aprendosi alle funzioni ambientale-ornamentale e a quella dell’orientamento, due aspetti fondamentali per il benessere degli abitanti in un quartiere residenziale. Poiché l’abitante ha bisogno di riconoscersi e di identificarsi con i luoghi dove è radicato, funzione psicologica di base che permette contatti armoniosi con la collettività.
Forte delle conoscenze acquisite nel corso degli studi universitari con il gruppo della scuola psicoanalitica di Francoforte che ruotava intorno a Alexandre Mitscherlich e Alfred Lorenzer, Urbanes–Design decise di applicare queste conoscenze al progetto del concorso e di contribuire ad una nuova funzione dell’arte. Con nostro stupore la giuria del concorso comprese l’approccio e ne apprezzò il concetto formale, assegnandoci il primo premio. Avevamo centrato mezzi e programmi, scegliendo un punto cruciale che permetteva la vista dell’oggetto da lontano: l’opera d’arte diveniva un punto di riferimento, una specie di segnale nel paesaggio urbano, ma doveva nello stesso tempo coprire delle funzioni pratiche, mettendo un oggetto estetico nelle mani degli abitanti del quartiere, sollecitandoli all’utilizzo. Per questo motivo abbiamo disegnato una struttura, una sorta di piccola arena protetta sulla parte posteriore con un laghetto sulla parte anteriore, un luogo intimo e aperto capace di offrire molteplici possibilità a funzioni diverse. Una struttura pensata per favorire gli incontri, gli scambi, la presentazione, per assemblare e favorire i contatti tra gli abitanti e rafforzare i legami sociali, da cui il nome di “punto di cristallizzazione”. Nello stesso tempo l’oggetto doveva essere un punto di orientamento, di riferimento specifico, inconfondibile, un segno di riferimento per l’identità del quartiere, facendo di un luogo comune un luogo di riferimento e di comunicazione, scopo del nostro progetto.
I materiali utilizzati: calcestruzzo armato per formare l’arena, assi di legno per i tramezzi verticali. Le assi di legno servono ad assicurare una struttura visiva che vive con la variazione dell’altezza di queste ultime. Il concetto cromatico: nella parte posteriore convessa le assi di legno sono dipinte con colori primari passivi: bianco grigio e nero. Quelle sulla parte concava in colori attivi: rosso, giallo e blu.
La pratica ha dimostrato che l’oggetto nella sua utilizzazione e nel suo concetto corrisponde perfettamente agli scopi che noi avevamo fissato."

Francois Burkhardt

Ricerca, sperimentazione, fare creativo / Research, Experimentation, Creative doing

noreply@blogger.com (Atelier Natura) — Thu, 21 Oct 2010 21:17:00 +0000

Il Campo dell'Arte è un campo aperto alla ricerca, alla sperimentazione, al fare creativo con l'obiettivo di creare una "rinnovata" consapevolezza individuale e sociale.

L'arte in questo senso diventa strumento stesso per individuare suoi nuovi modi d'essere, nonché anello di congiunzione tra i diversi settori del sistema sociale e produttivo per creare interazioni, partecipazioni e forme di progettualità legate a valori di sviluppo eco-sostenibile.

Si tratta di mettere, in questo modo, al centro l'individuo, la comunità, il territorio in sinergia con altre e diverse realtà per costruire percorsi condivisi.

Attraverso l'esperienza emozionale unita alla pratica della creatività, il fine dell'iniziativa è quello di tendere a far acquisire agli utenti interessati maggiore consapevolezza di sé, apertura all'altro, al mondo della natura, attenzione alla salute.

Con le sue attività, "Il Campo dell'Arte" punta a superare la divisione tra marginalità e centralità, ritenendo queste categorie legate a puro concetto di profitto, per dare nuovi significati ai valori economici.

La produzione sarà, quindi l'espressione non solo di opere, ma anche di progetti, ricerca, esperienze, tra artisti, e i diversi soggetti coinvolti.

Il progetto vuole contribuire, in un'ottica interdisciplinare, ad una rilettura del rapporto uomo ambiente, dove la creatività artistica è intesa come mezzo privilegiato di pensiero, espressione, comunicazione e relazione umana.

The “Campo dell’Arte” is an open field for research, experimentation, creative doing that wants to create a “renewed” individual and social awareness.
With this aim, Art becomes itself a tool to find new life styles, besides being a conjunction ring in the different areas of social and productive systems to create interactions, sharing and planning for eco sustainable development projects. What we need is to put in front the human being, community and territory working in synergy with other aspects of reality to create common ways.
People involved in an emotional experience through creativity practice can get to a deeper awareness of themselves, a larger opening towards others, towards Nature and care for one’s own health.
Through its contributions “Il Campo dell’Arte” aims to overcome the split between central and fringe positions, we believe these as categories related exclusively to profit, we want to find new meanings for economical values. Our productions will be not just art pieces, but also joint experiences and projects shared by artists and all the people interested. This project is our contribution to re-read the relationship Man/Environment, with a cross-disciplinary view, in which artistic creativity is meant as a privileged tool for thinking, expressing, communicate and human relationships.