De momento habrá que esperar para lo primero, pero para lo segundo se han inventado, de la mano de nuevo de Lluís Prieto, su propio anuncio veraniego, con un videoclip de excelente realización que no nos cansamos de ver y que como siempre causará todo tipo de reacciones polarizadas. Así que, si les apetece, pueden dejar debajo de estas líneas sus opiniones de asco, admiración, indiferencia o morbo. La nuestra, o más bien la mía, ya la saben: enormes.

Kala

Pues vaya que si lo ha hecho. Este nuevo trabajo es una nueva muestra de la personalidad arriegada y del talento musical del su creadora. Y además consigue despejar de una vez por todas las dudas que temíamos sobre si la calidad de su trabajo era mérito propio o más bien culpa de su (hasta el momento) inseparable productor. Por que aquí M.I.A. relega a un segundo plano a Diplo para tomar las riendas de su obra, asumiendo todas las cosecuecias y responsabilidades.

M.I.A. nos dijo que quería un disco animalcollectiviano, raro y vanguardista, y es así. Pero los de Baltimore no son la única influencia visible en este álbum. Sin nombres como los de Sleigh Bells (grupo que fichó para su propio sello discográfico y que han publicado este año uno de los debuts más molones y arrebatadores del lo que llevamos de año) o Lady Gaga (aunque suene extraño) no podríamos entender el sonido que conforma este brillante trabajo. Unas influencias que se mezclan y se remzclan en esa mágica coctelera que es Maya, para crear una musica personal y sabrosísima. Una Maya que se nos presenta más ecléctica que nunca, pero también más ruda, más salvaje.Y es por este motivo que el disco suene descontrolado y caótico en un primer acercamiento. Pero poco a poco, dejando reposar cada escucha, todos los ingredientes van ocupando su sitio y se transforman en vigorosas y estupendas canciones.

El disco se abre con ese pequeño engaño de menos de un minuto que es “The Message”. Una canción que tomaríamos como una intro más, como una broma intrascendente, pero que reúne todos lo elementos que configuran el grueso del álbum. A partir de aquí M.I.A. se vuelve más pop que nunca en el single “XXXO”. Después de las acusaciones que le hizo a Lady Gaga de que la copiaba mejor que ella misma, este tema es un trallazo electropop, que mezcla comercialidad y riesgo, un tema que parece reírse de sus declaraciones y de la Gaga, cómo diciéndole a la Germanotta: sí tu me copias, yo también lo hago, y puede que mejor que tú.

Claro que si “XXXO” es un tema comercial, muy digerible para las masas, la canción que le sigue es totalmente lo contrario. “Teqkilla” es en sus seis minutos de duración lo más experimental que ha firmado la artista. Es un auténtico pastiche, un orgía cacofónica, de ruido y soniditos desinhibidos, que además es un auténtico himno a las bebidas espirituosas. Un tema que podría ser la evolución lógica de estas maravillosas batucadas de Kala, “Boyz” y “Bird Flu”, en el que se cambian los tambores por raquíticos beats electrónicos. Una música electrónica, que como atestiguan “Story To Be Told”, “Lovalot” o “Tell Me Why” toma más presencia en su discurso. Una electrónica que bebe, como era de esperar, de los Animal Collective más accesibles y a los que se aúnan el R&B y el hip-hop por una parte y el pop, por otra.

“Born Free” y “Feds and Meds” conformarían la parte más rockera del disco, con la influencia clara de Sleigh Bells. Rugosos y musculosos riffs de guitarra eléctrica sobre una base que no nos costaría ver en un hit de Beyoncé o Rihanna y un aliento cheerleader, que me recuerda mucho a esa maravilla de Gwen Stefani llamada “Hollaback Girl” (y que no por casualidad muchos dijeron que era una canción que podría haber compuesto M.I.A.). Entre ellas, aparece un clásico reggae llamado “It Takes A Muscle”.

/\/\/\ /\ Y /\ es un disco extraño, que te descoloca por momentos, pero que conserva totalmente la esencia del trabajo anterior de Maya, cambiado, transformado en una nueva experiencia musical estimulante, por momentos fascinante. Una tarea arriesgada, trabajada y que forma parte ya de una de las tres idas de olla más fantásticas que hemos podido presenciar (de momento) este año 2010, junto al Have One On Me de Joanna Newsom y el Tomorrow, In a Year de The Knife. Un trabajo que no sé si será entendido, pero que a mí, que adoro las idas de olla, me encanta.

PUNTUACIÓN: 8,9/10

Dum Dum Girls empezaron sorprendiendo con unos cuantos trallazos como “Longhair” antes de sacar este primer largo. Sucios como sólo el garage y el lo-fi pueden serlo y con unas influencias del C86 que parecían apuntarlas al carro de The Pains of Being Pure at Heart y de los 50-60 que las acercaban a Best Coast, como tantas otras bandas de aire deliberadamente retro.

En I Will Be, las Dum Dum Girls usan todos sus trucos: las harmonías vocales, la reverberación, los estribillos repetitivos, las melodías de pop cincuentero a lo Phil Spector; pero más limpios y quizás algo exagerados por la producción de Richar Gottehrer, productor también de The Raveonettes. Podría quedarse en una mera lección de estilo si no fuese por el empeño constante de las chicas de buscar el single perfecto, por su buen ojo para las melodías -que es difícil que no entren a la primera- y por su capacidad de retorcer el modelo hasta que vuelve a sonar nuevo otra vez. A I Will Be se le puede acusar de repetitivo en ocasiones, pero no puede cansar porque no llega a la media hora de duración. También interrumpe el subidón acelerado de temas como “Jail La La” o “Yours Alone” con canciones como “Rest of Our Lives” o “Baby Don’t Go“. Entre estos temas más calmados hay también una colaboración con los Crocodiles para alimentar el cotilleo indie en la que el cantante y novio de una de ellas les dice lo bien que lo están haciendo y que están pasando de patito feo a cisne. Habrá que estar atentos para ver en qué acaba esta transformación.

Evidentemente, no fue el de Papa Topo un concierto perfecto, todavía están demasiado verdes en directo, pero es probable que quien los desprecie ahora se dé cuenta de su error en el futuro. En la Sala Caracol presentaron un directo completamente distinto al desnudo del Salón Myspace del Primavera Sound, a veces para mejor, a veces para peor. A Paulita se la oía más nítidamente que otras veces, pero Adrià parece seguir teniendo un cierto déficit de atención. Si pasa una mosca por delante, deja de tocar, deja de cantar, mira hacia un lado, se aleja más (si cabe) del micro… Al menos esta vez le pusieron un Rafa Spunky (grande, Juanjo Montserrat), pero tienen muchas cosas que pulir, sí. Sobre el citado Juanjo recae gran parte del mérito del giro a la electricidad que vienen insinuando últimamente sin mucho disimulo, y es lo que les llevará a superar definitivamente el síndrome del “Oso Panda” y lo que hará que, olvidados ciertos prejuicios, algún día se reconozca a Adrià como el mejor compositor de melodías pop de los últimos tiempos en el país. Tiene 18 años y ha firmado “Lo que me gusta del verano es tomar helado” y “La chica vampira”, por citar un par. De otros hablaban parecido y acabaron ganando un Goya. Adrià, si se pone, ganará dos. Acabaron con un mash-up entre “Murciana marrana” y “Tus amigos”, no digo más.

Los Punsetes dieron su mejor concierto hasta la fecha, y mira que no lo habían hecho mal anteriormente. Pero, no sé, sonaron más contundentes, no se dejaron canciones en el tintero (esta vez, sí, “Fin del mundo”, ¡bien!), y me hicieron quedar mal cuando les dije a mis amigos (que le den por culo) que no, que de ninguna manera hacían bises (supongo que había más gente que pensaba lo mismo, porque un poco más y nos tiene que instar Anntona a nosotros a que lo pidiéramos). Ariadna volvió a deslumbrar con sus coreografías, sus triples saltos mortales y su breakdance, marca de la casa, y ellos, los señores, con sus inenarrables distorsiones. Muy grandes.

(Fotos: Carlos Risingson).

Porque lo de “One Touch”, el tercer corte del disco, es tan descarado que le sale bien. Casi ocho minutazos (todas las canciones salvo el single “Drunk Girls” rondan esa duración) que parece que empiezan como “Destroy everything you touch” de Ladytron para, en cuanto entra la voz, parecerse (a muerte) al “Fashion” de David Bowie. Y tan contentos. Sobre todo porque justo después viene “All I want”, la canción estrella del disco, que no es balada pero tampoco es rápida ni es medio tiempo ni es rock ni es electrónica y es todo a la vez y podría ser una letra de (de nuevo) de Bowie y está guay y se puede escuchar en Spotify (en España sólo se pueden escuchar dos canciones del disco, pero por suerte esta es una de ellas).

Hay más: “Dance yrself clean”, el tema que abre el disco, recuerda de forma rara a los Architecture in Helsinki de “In case we die”. “Drunk girls”, el single que ya conoce todo el mundo, tiene un poquito de Blur, otro (una vez más) de Bowie… y bueno, que da igual. Que hay que escucharlo. Aunque sólo sea por “All I want”. Qué canción más bonita.

Carrusel Deportivo es un programa mítico para los aficionados al deporte, pero es innegable que adquirió un nuevo aire desde que empezó a dirigirlo González (un gran tipo, además), que consiguió un producto redondo. Incluso aquellos no aficionados al fútbol y que asocian el periodismo deportivo con el generalizado estilo analfabeto y mamporrero (cuyo mayor representante es José Ramón de la Morena) se sorprenderían escuchando la ya clásica primera hora de los sábados, hoy suprimida por la ausencia de su director. Esa primera hora era más que nada una reunión informal de periodistas y amigos (las dos cosas unidas) que, con la excusa del deporte, componían un programa de humor delirante que González intentaba (y conseguía) que no se fuera de las manos. Y, sorpréndanse, escuchar a Arctic Monkeys, The Killers o Delorean era habitual, gracias a los esfuerzos de Jesús Gallego por acercar a sus compañeros una música menos convencional.

Pero lo de Paco González no es sino una muestra más del declive que la SER ha experimentado en los últimos años. Casualidad o no, desde que Daniel Anido, máximo responsable de la suspensión de González, se hiciera cargo de la dirección de la cadena, se han tomado una serie de decisiones que la han ido convirtiendo en la sombra de lo que fue. Había una magnífica cantera de profesionales (Pedro Blanco, Miguel Ángel Muñoz Encinas, Javier Casal, Javier Ruiz, Joseba Larrañaga, Miguel Ángel Oliver…) que podrían haberla revitalizado: locutores jóvenes, representantes del nuevo periodismo, que están al día y tienen presencia en las redes sociales de internet y que ahora o están fuera o han sido relegados a un segundo plano, principalmente a las ediciones locales de los programas bandera de la SER o a suplencias. En lugar de eso, se fichó de fuera y mal, y así, al frente de esos programas estrella encontramos al lamentable Carles Francino, a la aséptica Àngels Barceló o al odioso José Ramón de la Morena (este ya estaba pero parece inamovible). Otros méritos de Anido han sido la supresión del programa de cine de Lo Que Yo Te Diga o de SER Consumidor (esta última rectificada a las pocas semanas) para introducir en la parrilla espacios de nulo interés, como SER Latino u Hora 25 Global.

Así las cosas, la suspensión de González es un aliciente más para dejar de escuchar definitivamente la SER. Muchos pensarán que uno oye una emisora determinada de radio por su ideología, pero esta sigue siendo, teóricamente, la misma, y los periodistas son mucho peores, no todo es cuestión de pensar en izquierdas o derechas. Si se confirma la marcha del director de Carrusel, las cosas podrían empezar a ir todavía peor económicamente para PRISA (los ingresos de publicidad del programa suponen un porcentaje muy alto de todos los de la cadena), pero puede ser una consecuencia justa para quienes, sus directivos, hacen las cosas mal. Al principio me apenó mucho la noticia, no puedo negarlo, pero ahora hasta tengo ganas de que Paco no siga. Que se vaya a otra cadena, con todo su equipo, y habrá quienes les sigamos a ese nuevo destino. Y mientras, en la SER, que acaben de cavarse su propia tumba.

A los pocos días, me lo vuelvo a poner. “Doe Deer” vuelve a no entrarme. Pero la aguanto entera y empieza “Baptism”. Y ahí ya dije “venga, vale, YA SÍ”. Al final he acabado teniendo el disco puesto en bucle toda la semana de cara al SOS4.8 del fin de semana pasado, donde Crystal Castles dieron el que fue para mi gusto el concierto del festival (no hay más que ver este vídeo) teniendo sólo unas cuantas maquinitas, unas luces estroboscópicas, un buen puñado de cancionzacas y una frontwoman con ganas de tirarse lanzarse al público (hasta tres veces lo hizo, con grave perjuicio para algún que otro objetivo de cámara según me contaron). A tope, aunque no la liara tanto como en el Sónar del año pasado (casi mejor, que íbamos con miedo a que repitiera y nos dejase con el concierto a medias).

Crystal Castles, el (segundo) disco, mola. Sin más. Sonando menos nintendero que el anterior y mucho más ¿bakala?, tiene al menos siete temas de los de marcar como favoritos en last.fm o en el nuevo jari que es Spotify. 7 de 14, no está nada mal: “Fainting Spells”, “Celestica” (el primer single), “Year of Silence”, “Intimate” y sobre todo; “Baptism” (de los temas que más levantaron a la gente en el concierto murciano, luz mediante) es una especie de “Alice Practice” algo más refinada, y “Vietnam” (rebautizada por parte de twitter como “Ay, julai” – y que no sonó en el SOS) recuerda a unos Klaxons disparados, a algo de lo que hicieron Kap Bambino pero, sobre todo, recuerda a los propios Crystal Castles (la canción es a este disco lo que “Crimewave” era al primero; la que queda a medio camino – pero bien – entre los temas más reposados y los más gritones). Pero ojo, que esto no quiere decir que las 7 pistas restantes sean de relleno (bueno, quizá “I am made of chalk”, que cierra, lo sea un poco), porque entre ellas quedan temas “menores” pero de nivelón, como “Pap smear”, quizá la más pinchable y remixeable, o “Empathy” y “Suffocation”, más tranquilas… para lo que son estos dos canadienses. Es muy pronto (y ahí están amenazando The Dead Weather o los Black Keys), pero mucho tiene que dar de sí 2010 para que este no sea el mejor disco extranjero del año.