El saxofonista Branford Marsalis (26/8/1960) es el mayor de los cinco hermanos Marsalis y de todos los que se dedican al jazz es el que ha tenido una carrera más iconoclasta, heterogénea y diversa, que lo han convertido tanto en uno de los líderes de los músicos de su generación como en uno de los artistas de jazz más respetado.

A lo largo de su trayectoria Branford Marsalis ha tocado tanto con los Jazz Messengers de Art Blakey como con luminarias del pop como Sting y Phil Collins, y todo ello pasando por ser el director musical del ‘Tonight Show’ de Jay Leno, sin olvidar su proyecto de Buckshot LeFonque, donde fusiona el rap y el hip hop con el jazz. Y por supuesto es el fundador y líder del Branford Marsalis Quartet, una de las mejores y más respetadas formaciones en su estilo.

El nuevo disco del Branford Marsalis Quartet lleva por título Four MFs Playin’ Tunes y verá la luz el próximo 12 de abril. El álbum lo componen nueve temas; siete son originales de los distintos miembros del grupo; hay una versión del Teo de Thelonious Monk y un standar, My Ideal, que data de los años treinta. En este disco debuta como baterista Justin Faulkner, que sustituye a Jeff ‘Tain’ Watts, mientras que el resto de la banda sigue siendo la misma; Branford Marsalis al saxo tenor; Joey Calderazzo al piano y Eric Revis al contrabajo.

Con motivo de la aparición de su nuevo disco, Four MFs Playin’ Tunes, www.distritojazz.com ha tenido la oportunidad de poder enviarle a Branford Marsalis, vía correo electrónico, un pequeño cuestionario que ha tenido la amabilidad de contestar con una rapidez inusitada. El resultado es el que sigue.

¿Cual es la idea que alimenta su nuevo disco?
Las canciones son la fuerza impulsora de la música de calidad, la melodía es más importante que la armonía.

En escasos meses ha lanzado dos discos, Songs of Mirth and Melancholy y este con el cuarteto. ¿2012 quiere ser el año de Branford Marsalis?
Se necesitarán seguramente más de dos grabaciones para lograr eso. Si venden millones cada uno, entonces estaré de acuerdo contigo. Pero sabemos que eso no va a ocurrir.

Tocan My Ideal, un standar de los años 30 ¿Cual es su ideal?
Lo perfecto son 72 golpes para 18 hoyos en un campo de golf

¿Por qué eligieron Teo de Monk como standar para ser interpretado en el disco?
Porque me gusta la canción

Me figuro que Endymion se referirá al mito griego. ¿Le interesa la mitología griega? ¿Que hay de usted en Endymion?
Conozco el mito de Endymion. Sólo me gustó la forma en que sonaba la canción. El título no tiene nada que ver con el tema, es sólo un medio de identificación.

Treat It Gentle cierra el disco. ¿Nada mejor que algo gentle (tierno, afectuoso) para acabar un disco?
Al igual que el sexo, depende de la mujer.

Hay tres composiciones suyas, dos de Ravis y dos de Calderazzo. ¿Esta es la prueba de que el Branford Marsalis Quartet es un grupo de jazz y no tres músicos al servicio de un líder?
La manera en que tocamos las canciones es la prueba de que somos un grupo más que el hecho de por quién están escritas. Si no me gustasen las canciones que han escrito, no estarían en el disco.

Debuta en disco con ustedes el joven baterista Justin Faulkner. ¿Qué cualidades posee Faulkner para haberlo seleccionado?
Justin tiene un gran sentimiento, es un gran baterista, y está aprendiendo jazz desde la base. Su sonido está equilibrado con la tradición, y sin embargo no se puede decir que no sea un intérprete moderno.

Usted grabó un magnífico disco titulado A Love Supreme Live ¿Qué significó ese disco en su vida y que influencia a ejercido John Coltrane en su carrera?
Ese disco no era más que otro disco en nuestro intento de llegar a ser mejores músicos. El peso de su significado hizo que lo tocáramos con más cuidado para no interpretarlo mal. Fue una gran experiencia.

¿Cual es su jazz?
Con suerte, el mismo jazz que mis maestros; Bechet, Armstrong, Monk, Parker, Hawkins, Young, para nombrar unos pocos.

¿Por qué creo su propio sello discográfico?
Las grandes discográficas se estaban alejando de jazz. Me pareció que era lo que debía hacer en ese momento.

¿Qué tipo de músicos y qué tipo de sonido busca con su discográfica?
Músicos que comprendan la tradición y que traten de hacer antes que nada música, en lugar de la ilusión de la innovación

En Marsalis Music graban Miguel Zenón y Claudia Acuña, pero que se sepa usted no ha hecho mucho latin jazz. ¿Le atrae ese sonido? ¿Tocará alguna vez latin jazz?
No lo creo, ya que hay muchos músicos que lo hacen muy bien. Pero podría suceder. Tengo que encontrar algo que me gustaría hacer.

Tiene una carrera muy heterogénea y valiente: ¿Que aprendió trabajando con Sting?
Con Sting, aprendí como poner mis ideas juntas más rápidamente y con más intensidad de lo que lo estaba haciendo en la banda de Wynton. Después de 18 meses haciendo eso, me hice mucho mejor solista.

¿Volverá alguna vez Buckshot LeFonque?
Espero que pronto. Echo de menos a esos chicos.

Usted ha dicho que “La música de jazz es tan incestuosa que está empezando a matarse a si misma” ¿Cree que el jazz puede acabar suicidándose?
Es una metáfora. No creo que el sonido pueda suicidarse. Pero la música puede hacerse seguramente menos popular de lo que ya es a causa de músicos que piensan que la música es un vehículo para glorificarse a sí mismos.

¿El jazz es una negociación o una confrontación entre varios desiguales?
Es ambos, dependiendo de la mujer.

José Manuel Pérez Rey

Después de pasar una larga temporada tocando con supergurpos como Five Peace Band y The Freedom Band, el saxofonista Kenny Garret vuelve con Seeds from the underground (Mack Avenue Records /Distrijazz) al formato clásico de cuarteto acústico.

Seeds from the underground es un disco que va a gustar tanto a los aficionado más estrictos del jazz como a los más neófitos. Hay mucho jazz del bueno, muy moderno y actual, entrando en muchos registros jazzeros, pero sin perder en ningún momento el gusto por la música que esta haciendo. Y es que en este disco Garrett pone de manifiesto porque se ha convertido en uno de los grandes saxos de su generación después de una sólida carrera de treinta años.

La idea fundamental que subyace en este disco compuesto todo él de composiciones propias, es la de rendir homenaje a sus maestros: el saxofonista Jackie Mclean (tremendo como sopla Garrett en J. Mac); el baterista Roy Haynes, el trompetista y maestro de trompetistas Marcus Belgrave, el pianista Keith Jarrett (Ballad Jarret)ty el guitarrista, originario de Pointe-à-Pitre, en la isla de Guadalupe, Christian Laviso (Laviso, I bon?). Es justo esta heterogeneidad de artistas a los que homenajea lo que proporciona la variedad sonora del disco.

Merece la pena detenerse en canciones como Boogety Boogety, con ese intenso y cálido ritmo afrocaribeño que posee, en la que destaca el trabajo del pianista venezolano Benito González (atención a este hombre); la descansada Haynes here, todo lirismo, o la cinematográfica Detroit, en homenaje a Belgrave.

Sin duda este Seeds from the underground está llamado a ser uno de los discos de este año 2012.

José Manuel Pérez Rey

Vuelven de nuevo a la escena discográfica los dos hermanos Holmes, junto al batería Popsy Dixon. Su regreso es un regreso triunfante y por todo lo alto, pues su nuevo trabajo rezuma calidad de principio a fin, con cuidadas y bellas melodías que son pura delicia para el oído.

Este trío de Virginia nos presenta catorce nuevos temas con la firma particular que los define y los distingue de otros muchos grupos que intentan emularlos. La mezcla de soul, rhythm and blues, gospel, country y Americana que nos proponen es francamente irresistible, incluso fascinante sería quizás un adjetivo mas apropiado.

Para estos hermanos el hecho de llevar treinta años en el negocio no les anestesia, más bien al contrario, les despierta. Uno puede darse perfecta cuenta de ello porque después de haber editado nueve álbums, este Feed My Soul que ahora nos llega es el más inspirado y brillante de cuantos han realizado hasta el momento.

Feed My Soul refleja y resume perfectamente el mensaje de este trío que viene a ser algo así como ‘Siente la alegría de la vida sin olvidar al mismo tiempo lo frágil que esta es’. De cualquier modo, es un álbum lleno de esperanza, porque la esperanza es algo que nunca deberíamos perder.

Vicente Zumel

Giovanni Mirabassi reincide, amplia, se reinventa y retoma el programa de temas políticos que ya empleo en su disco Avanti del año 2000. Temas reivindicativos de todos los tiempos y países llenan este Adelante (Discograph/Karonte), pero no creáis que lo hace a la brava. No. Este proyecto esta lleno de cariño, gusto y elegancia.

Desde el inicial La Internacional hasta el final Gracias a la Vida tenemos diecisiete versiones de temas revolucionarios, en distinta medida, que se escuchan con placer por que encuentras algo diferente, algo nuevo en cada revisión, y eso es lo que da mas validez aún a este proyecto.

Mirabassi no se queda en lo fácil y reivindica la musicalidad que cada tema posee; ese piano solo para La Internacional, esa voz de Ángela Elvira para el Hasta Siempre o esos arreglos para piano solo de El Partisano, A Luta Continua o L’Estaca, llenos de emoción que nos llevan a la esencia con una gran fineza y saben inundarnos de sentimientos. La verdad es que la sensibilidad esta a flor de piel durante toda la grabación e incluso se desborda por momentos como solo este pianista lo sabe hacer.

Un reharmonizado Lili Marlen nos adentra en una segunda parte donde aparecen temas como Gallo Rojo, Gallo Negro de Sánchez Ferlosio, el Libertango de Piazolla readaptados y que consiguen sorprendernos gracias a la vida que les imbuyen los acertados arreglos de Giovanni Mirabassi. Yo me quedo de Pablo Milanes pone la nota caribeña al disco con la presencia de una rítmica cubana impecable. Por cierto, comentar que el disco esta grabado en La Habana y eso tambien se nota.

De hecho los únicos temas que añaden voz son los que provienen de Cuba y Gracias a la Vida donde volvemos a encontrarnos con el color caribeño. En los demás es el piano y la voz de Mirabassi por lo “bajini” los principales actores. Llegando al final de la grabación temas como Le Temps du Muget o Uno de Abajo sirven de puente a un final Gracias a la Vida lleno de sabor cubano.

En este disco podemos afirmar que Mirabassi busca más emocionarnos que deslumbrarnos o sorprendernos deliberadamente y creo que lo consigue aunque nunca abandone ni la facilidad ni el virtuosismo que siempre ha poseído y que es marca de la casa.

Estamos ante un gran disco que gustará y servirá para reivindicar este cancionero relativamente abandonado.

I. Ortega

Latin jazz sin prejuicios y entregado, hecho con mucha solvencia desde Valencia, es lo que se puede escuchar en este Camino Sanjuan (Sedajazz Records) que protagoniza el septeto liderado por el percusionista Carlos Llidó.

Carlos Llidó es un percusionista con una formación sólida y versátil que lleva tras de sí una amplia trayectoria profesional que plasma en este disco, en el que ha buscado, en colaboración con sus compañeros de aventura, mostrar la evolución de su trabajo a través de las diversas agrupaciones en las que ha tocado.

Excepto por la intimista e intensa versión del clásico cubano Drume Negrita, el resto de los temas, hasta completar siete, son obra de algunos de los más destacados músicos valencianos que han compuesto estos temas para la ocasión; y de esta manera hay piezas firmadas, entre otros, por el saxofonista Perico Sambeat (Zombie), el trombonista Toni Belenguer (Carmen) y el saxofonista Jesús Santandreu (Camino Sanjuan y Carlitos, mambo!), quien no toca en el disco pero que ejerce de productor artístico.

Llidó y sus acompañantes saben lo que se traen entre manos y demuestran que conocen bien el entramado del latin jazz para hacer disfrutar con esta música a los seguidores de estos sonidos.

J. Outis

Esta gran vocalista llegada desde Philadelphia para establecerse en Alemania y que ha colaborado con Eric Clapton, George Benson, Four Tops e incluso con Michael Jackson entre otros, se asienta con propiedad para demostrarnos que los géneros musicales que abarca son para todos los gustos y colores y que los domina con propiedad y sin fisuras.

Esta musa llamada a convertirse en la nueva Aretha Franklin, despacha con excelente voz, buen criterio y formidables matices vocales, estilos como el soul, el blues, el gospel, el jazz y el rhythm and blues, géneros que le vienen como anillo al dedo para exponerlos con fidelidad, de la mano del guitarrista germano Gregor Hilden, quien junto a su banda responden de forma brillante a las elegantes facetas interpretativas de esta cantante a lo largo de los aproximadamente setenta minutos de buena música que incluye el cd.

El disco contiene trece temas donde se crea una atmósfera envolvente y misteriosa llena de magia, twist y mucho ‘groove’, atacando diversos ‘covers’ tales como Dr. Feelgood de Aretha Franklin, On Broadway de Leiber y Stoller o Amazing Grace.

Un álbum tranquilo y relajado para disfrutarlo en momentos de calma y sosiego.

Vicente Zumel

El compositor y pianista británico Michael Nyman, uno de los creadores británicos contemporáneos más innovadores y polifacéticos, presentó en la Sala de Cámara del Kursaal su último trabajo, Vertov Sounds, que a su vez es la banda sonora de la película A Sixth Part in the World, dirigida por Dziga Vertov.

El concierto se dividió en dos partes muy diferenciadas; en la primera, y casi a modo de calentamiento, Michael Nyman al frente de su banda interpretaron algunos de sus grandes éxitos; mientras que en la en la segunda, y sin solución de continuidad, y durante más de hora y media, tocaron su nuevo trabajo.

A Sixth Part in the World es una obra monumental en la que se encuentra todo, o casi, de la obra de Nyman. Música minimalista y repetitiva hasta sus últimas consecuencias, con lo que hay momentos que se acercan a lo sublime junto con otros más tediosos. La interpretación de esta pieza se realizó mientras en una pantalla iban pasando las imágenes de las películas documentales de Dziga Vertov en las que está inspirada la obra; Las seis partes del mundo y El año once.

Imagenes y música en el concierto de la Michael Nyman Band.

Michael Nyman no es la primera vez que se acerca a musicar la obra de Vertov, ya lo hizo antes en 2003 cuando compuso la banda sonora de Man with a Movie Camera. Para quienes desconozcan a Dziga Vertov baste decir que fue el creador de la idea del ‘ojo cámara’ y uno de los primeros grandes documentalistas del cine así como pieza fundamental del cine soviético de los años 20 y 30.

En la primera parte del concierto Nyman y su banda interpretaron algunas de sus piezas más emblemáticas y famosas, que son las que coincidían con las bandas sonoras de las películas de Peter Greenaway. De esta manera se pudieron escuchar la extraordinaria Chasing Sheep is Best Left to Shepherds, una de esas canciones que alegran una vida, y An Eye for Optical Theory que se podían oír en El contrato del dibujante; la no menos soberbia y maravillosa Time Lapse que es capaz de hacer llorar de pura a emoción a quien la escucha y que se escucha en A Zed and Two Noughts; y la primera parte acabó con Come unto these Yellow Sands y Miranda que pertenecían a la banda sonora de Prospero’s Books’. En fin, una primera parte que funcionó entre lo sublime y lo maravilloso.

La Michael Nyman Band no decepcionó a sus muchos seguidores.

Michael Nyman, que acabó firmando sus discos a la salida del concierto, no defraudó a los muchos seguidores que tiene y que llenaron la Sala de Cámara del Kursaal. Está claro que no hay que dejar pasar los conciertos de este compositor británico.

José Manuel Pérez Rey

Es posible que sea verdad que Don Winslow ya no escriba una novela como El poder del perro, una de las cimas literarias de la novela negra del siglo XXI; pero no es menos cierto que su capacidad narrativa, absorvente hasta la extenuación, sigue estando en plena forma como se puede comprobar en El invierno de Frankie Machine (Ediciones Martínez Roca).

Escrita en 2006, inmediatamente después de El poder del perro, Don Winslow relata en esta historia la vida, pasada y presente, de Frank Machianno, un hombre maduro -más de 60 años-, que se gana la vida vendiendo carnaza a los pescadores y que tiene tres trabajos más para mantener el vida que lleva; el gusta surfear, tiene una ex que le pide favores domésticos, una hija que quiere estudiar medicina, es un gran amante de la ópera y, por si fuera poco, tiene una amante que es una auténtica milf. Sin embargo, un día, de repente, su pasado vuelve de golpe, y tendrá que hacer frente a él. Y es que el apacible Frank Machianno fue en su juventud y madurez Frankie Machine, uno de los más eficaces asesinos de la Mafia en California y Las Vegas.

La narración se estructura mediante flashbacks donde pasado y presente se mezclan, ya que Frank Machianno quiere desentrañar las claves del por qué alguien le quiere ver bien muerto. En el medio de esta narración hay tiempo para la crítica política, social y económica y por supuesto también hay espacio para las sorpresas y las vueltas de tuerca que impiden dejar de leer el libro.

No ofrece esta novela un lenguaje “literario”, ese que los lectores exquisitos encuentran tan satisfactorio y que no es necesariamente el “literario” per se. Nada de florituras. Winslow utiliza un lenguaje directo, ágil, sin concesiones, que permite un desarrollo de la acción de gran velocidad y potencia.

El invierno de Frankie Machine es una obra redonde, hipnótica hasta el final, que va a quitar al lector muchas horas de sueño pero que también le va a hacer disfrutar como pocas novelas pueden hacerlo. Flor de novela negra.

José Manuel Pérez Rey

Este disco es una auténtica singularidad ya desde sus inicios; si hay pocos cantantes de jazz masculinos, los que lo hacen en euskera son una auténtica rareza: Andoni Arcilla junta en su figura estas dos características; es cantante de jazz y lo hace en euskera. Y el resultado es este Hilkorra ez banintz (Errabal), que puede traducirse como ‘Si no fuera mortal’, y que es su debut discográfico como líder.

Andoni Arcilla, que fue alumno de Judy Niemack en Musikene y al que se le ha podido escuchar en The New Jazz Voices Ensemble de Mikel Gaztelurrutia, plantea un disco de jazz, sí, pero con pinceladas de diferentes estilos; desde el pop a la música clásica pasando por el rock y el funk.

Las diez canciones que componen Hilkorra ez banintz son adaptaciones de otros tantos poemas escritos por algunos de los más distinguidos poetas vascos modernos; Koldo Izagirre, Hedoi Etxarte, Ángel Erro, Itxaro Borda… No es mala opción esta de unir el jazz con la poesía más actual, sin caer con ello en el ‘cantautorismo’, y si, en cambio continuar una importante tradición musical.

El registro vocal de Arcilla acaso este más cerca del pop que del jazz más heterodoxo, pero eso no le ha echado atrás a la hora de afrontar su primer en solitario. El cantante, y en esta oportunidad, teclista, adapta los textos a sus posibilidades y los hace propios convirtiéndolos en canciones llenas de sentimiento.

Ya sólo por la valentía y el coraje a la hora de llevar adelante un proyecto de este tipo, discos así merecen, cuando menos, un respeto y un punto de admiración.

J. Outis

El guitarrista zaragozano Luís Giménez edita Capitulo III (FreeCode), un trabajo con el que debuta discográficamente y en el que recoge composiciones propias que abarcan desde su época en Berklee hasta la actualidad.

Luís Giménez es un guitarrista de largo recorrido, aunque su nombre no figure habitualmente entre los músicos más activos en la escena jazzística española, acaso por su dedicación a la enseñanza impartiendo clases de guitarra jazz en el Conservatorio Superior de Música Pablo Sarasate de Pamplona. De la valía de este músico baste con decir que se licenció cum laude en Berklee College of Music (Boston, USA).

Capitulo III es, antes que nada, un disco tranquilo, sobrio por momentos, e intimista siempre. Y es aquí donde está el punto flaco de este álbum; en su linealidad expresiva lo que le conduce a una propuesta sonora que raya lo esteticista. Se aprecia que Giménez domina su instrumento de una manera perfecta pero, acaso, le falte esa capacidad de transmisión, que dicen los taurinos, necesaria en la música. Giménez no se desmelena en ningún momento y plantea un jazz que bebe de fuentes como las de Joe Pass, Jim Hall y John Scofield.

El guitarrista se hace acompañar por un grupo muy sólido y de músicos muy contrastados, y entre todos ellos hay que destacar el trabajo de Coco Fernández a los teclados, que le dan mucho empaque y solidez a las canciones.

J. Outis