Un disco que se recupera del olvido: ‘National Avenue’ (Blues Boulevard Records) del guitarrista británico Michael Messer, un trabajo editado originalmente en 1996. Este es uno de esos álbumes que todos los buenos seguidores del blues y de la ‘slide guitar’ debieran tener en su discoteca.

Michael Messer es un virtuoso de la ‘slide guitar’ que ha sido comparado con luminarias como Duane Allman y Ry Cooder y que ha sido incluido por derecho propio en la ‘The Virgin Encyclopedia of the Blues’.

Desconozco el por qué, pero este ‘National Avenue’ sólo se editó en su momento en el Reino Unido y de él sólo se despacharon 300 copias, lo que hizo de este trabajo una auténtica rareza en el catálogo del guitarrista. Y merece la pena, y mucho, su rescate.

Michel Messer conoce muy bien el terreno en el que se mueve y el disco no deja de ser un homenaje muy sentido a todos aquellos que hicieron del blues la gran música que es. ‘King guitar’, ‘Crow blues’, ‘Language of the blues’ o ‘Robert Johnson’s wake’ dan una idea de por donde se mueve conceptualmente el guitarrista en esta ocasión.

Messer pone de manifiesto que es un gran músico y que bien merece la pena que ahora este álbum tenga la suerte que en su momento no tuvo. O dicho de otra manera; que merece la pena descubrir esta pequeña joya en forma de blues.

José Manuel Pérez Rey

El Joaquin Chacon-Mariano Diaz Project acumula mucha calidad musical encima del escenario. (Foto: Jo Setters)

Pocas veces hay habido tantos músicos del jazz español de tan alta calidad sobre un solo escenario. Y aunque cada uno podría fácilmente atraer el público a sus propios conciertos, juntos formaron un conjunto muy equilibrado que daba espacio para cada uno de los integrantes.

Mariano Díaz usaba todo el teclado para ejecutar unos solos rápidos y expansivos y a veces hasta frenéticos, sus manos corriendo de un extremo del teclado al otro. Joaquín Chacón subía el volumen de su instrumento y mezclaba acordes y líneas rápidas con algunos licks hasta que a veces parecía más bien un guitarrista de rock.

Guillermo McGill usaba su batería con mucha sutileza y variedad llevando el grupo a un ritmo incansable pero sin esforzarlo: más como aportando ruedas bien engrasadas que como empujando desde atrás. Perico Sambeat como siempre mostró una fluidez melódica en sus improvisaciones y Mario Rossi discretamente aportó contrabajo ajustado a las circunstancias evitando tropezar con los otros instrumentos.

Perico Sambeat y Joaquín Chacón en un momento de la actuación (Foto: Jo Setters)

Aparte del primer tema, Díaz y Chacón contribuyeron en todas las canciones. Los de Chacón especialmente tienen algo de jazz rock con melodías sostenidas tocados por guitarra y saxo en unísono con un acompañamiento del trío de piano, contrabajo y batería. En muchos casos fueron más bien bases para la improvisación y se desarrollaron ganando fuerza hasta durante unos quince minutos en algún caso.

No dejaron relajar el ritmo durante todo el concierto, mostrando que es un proyecto con mucha fuerza y hay la promesa de que pronto sacarán un disco.

Jo Setters

‘El libro negro’ (Círculo de Lectores-Galaxia Gutenberg) es un catálogo de la infamia: Vasili Grossman e Ilyá Ehrenburg reunieron testimonios y documentos sobre la aniquilación de los judíos: violaciones en masa, sadismo, pogromos, quema de personas vivas, estrangulamiento de niños… Testimonios todos ellos de unos macabros sucesos que no dejan nunca de ser escalofriantes.

La idea de este libro, auspiciado por el Comité Judío Antifascista, creado tras la invasión de Rusia por los alemanes en 1941, y en el que colaboraron más de cuarenta periodistas, era el de acopiar material que brindase evidencias documentales de lo que más tarde se llamaría el Holocausto.

Uno de los objetivos de los compiladores era demostrar que el genocidio fue cuidadosamente planificado y ejecutado por unidades adoctrinadas, al margen de los avances de la contienda. Su acción criminal no podía ser enmarcada, como pretendieron después algunos de los responsables, en el cuadro general de los desastres de la guerra, ni tampoco como consecuencia de una violencia indiscriminada.

En un principio el proyecto contó con el beneplácito de las autoridades soviéticas. Sin embargo, una vez ganada la guerra, esa actitud cambió de raíz: se borró de un plumazo la solidaridad internacional para con los judíos y la histeria antisemita reapareció en Rusia.

De este modo, el magno trabajo recopilatorio acabó confinado en los archivos de la Seguridad del Estado. ‘El libro negro’ no vio la luz hasta 1980, en una editorial de Jerusalén. Hubo que esperar a la desintegración de la Unión Soviética para que apareciera publicado en Rusia, en una que restituía los pasajes censurados por los burócratas en las sucesivas cribas a las que fue sometido el manuscrito. Sobre esa versión que cabría llamar definitiva, publicada en 1993, ha trabajado el traductor de la edición castellana.

‘El libro negro’ es un documento perturbador, valiente y controvertido. Ninguna historia del Holocausto estará completa sin hacer referencia a él.

Si al posible lector de esta reseña discográfica le gusta el blues, la música étnica y, en general, la música delicada y sutil, este ‘African Blues’ (Putumayo/Karonte) es su disco.

Este disco es ferozmente bueno, un recopilatorio de esos hechos con gusto y buen sentido.

Son diez canciones donde no sobra ninguna, donde todas tienen un nivel muy alto y todas ellos ofrecen valores que merecen la pena ser descubiertos. Hay que descubrirse ante cantantes como Mali Latino, Kalaban Coura o Taj Mahal en compañía de Culture Musical Club of Zanzibar.

Este ‘African blues’ es la prueba irrefutable de que todas las músicas, en mayor o menor grado, son música de ida y vuelta. Quedan aquí patentes los vínculos entre los músicos de África con el blues tradicional de Estados Unidos, y todo ello sin olvidar la pequeña pero intensa aportación europea.

‘African blues’ es uno de esos discos que se pueden escuchar varias veces seguidas sin que lleguen a aburrir. Una joya que bien merece la pena tener en la discoteca propia.

José Manuel Pérez Rey

Con ‘The real thing’ el contrabajista madrileño Miguel Angel Chastang, uno de los músicos sobre los que se construyó el devenir del jazz español, entrega la cuarta parte de su proyecto ‘From Harlem to Madrid’ (Karonte), lo que no deja de ser un hito en el empobrecido panorama jazzístico español.

Como es conocido el propósito de esta serie de discos es trazar un puente entre el jazz de Harlem, lugar donde vivió y estudió Chastang, y Madrid, la ciudad donde vive y donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera. Una de las características del proyecto es que siempre cuenta con un músico invitado del barrio neoyorquino con el que, además, ha tenido alguna relación profesional o personal. Así, el primero fue el pianista Larry Willis, el segundo el trombonista Frank Lacy y el tercero el baterista Greg Bandy. Como se ve músicos muy bregados y con una amplia experiencia. En esta ocasión, sin embargo, el invitado es un músico muy joven, el baterista Chris Beck, que el contrabajista descubrió en una serie de sesiones de trabajo conjuntas y que es una de las nuevas revelaciones del jazz que se hace en Nueva York.

El repertorio seleccionado para esta ocasión es una mezcla de temas antiguos compuestos por Miguel Angel Chastang y versiones de temas de algunos de los músicos preferidos por el líder de la formación. De esta manera el contrabajista recupera piezas como ‘Jean Luc’s mood’, ‘En el Central’ y ‘The real thing’, mientras que las composiciones ajenas son un ‘Black eyes’, una obra de Wayne Shorter poco conocida, ‘Law years’ de Ornette Coleman, una balada de toda la vida como es ‘My one and only love’ y por último ‘Firm roots’ que lleva la firma de Cedar Walton.

Para sacar adelante este disco Chastang se ha rodeado de un quinteto de jóvenes músicos pero ya con una amplia carrera a sus espaldas, y que realizan un trabajo sólido y muy atractivo. Hay que destacar la labor del pianista Albert Bover, que cada día que pasa se muestra más dueño de su instrumento, así como la presencia de dos músicos cubanos que desarrollan su carrera en la capital española; el saxofonista Ariel Bringuez, que  ya estuvo en la primera entrega de la serie, y el trompetista Jorge Vistel; que aportan su poderoso saque a la propuesta musical.

‘The real thing’ es un disco muy agradable y fácil de escuchar, con un jazz que se sitúa, en su conjunto, en lo mejor del moderno post-hardbop y que está lleno de buenas fusiones, tanto personales como musicales y geográficas. Sólo la presencia del ‘Law years’ rompe con la unidad y coherencia del disco y sus ocho minutos de duración Chastang los podía haber evitado.

Ahora sólo cabe esperar que este ambicioso y sugestivo proyecto siga teniendo continuidad.

José Manuel Pérez Rey

El tercer disco en estudio del pianista cubano Roberto Fonseca,‘Yo’ (Jazz Village/Harmonia Mundi), lo confirma como uno de los músicos más dotados de su generación y con él ha realizado el que hasta el momento es su mejor trabajo.

Roberto Fonseca se presenta en la portada del disco desnudo y con las palmas hacia arriba como dando a entender que se presenta como tal cual es, sin dobleces, de forma directa y que por extensión la música que contiene el cd es lo que mejor le define como músico (y cabe pensar que como persona). Y como no podía ser de otro modo lo que es Fonseca es la mezcla de muchas cosas; pero sobre todo dos: Cuba y Africa.

La presencia africana en este disco tiene un papel muy destacado con la presencia de artistas tan brillantes como la cantante maliense Fatoumata Diawara, el korista Sekou Kouyate, el intérprete de n’goni Baba Sissoko y el que fuese uno de los más importantes cantantes de la banda senegalesa Orchestra Baobab, Mboup Assane. La parte cubana estaría representada por el mundo de la religión yoruba, en la radio que oía de joven el pianista, así como la literatura de su país , con la presencia de la voz de uno de los más grandes poetas cubanos como fue Nicolás Guillén (el autor de ‘La muralla’).

‘Yo’ es un disco intenso, donde aparece uno de esos temas que son auténticas pepitas de oro como es el caso de ‘Mi Negra Ave Maria’, un tema producido por DJ Gilles Peterson, y que cuenta con la colaboración del poeta Mike Ladd que recita una de sus creaciones. El inicio del tema es lento y tranquilo y todo él va creciendo como si de un tsunami se tratase hasta arrastrar al oyente en una suerte de éxtasis poético-musical. Una delicia de canción que pone de manifiesto lo bien que funcionan juntos la poesía y el jazz. Pero también hay que destacar temas como ‘80’, un homenaje a esa década; ‘7 rayos’, la mirada al mundo de la religión yoruba y donde aparece la voz de Nicolás Guillén; y el ‘El Mayor’, en un bonito homenaje al mundo de la radio.

‘Yo’ es uno de esos discos que se deben tener y que al final de este año 2012 acabarán entrando en cualquier lista de ‘lo mejor de…’ que se precie.

José Manuel Pérez Rey

Si aun eres capaz de poder sorprenderte a estas alturas de tu vida oyendo música, este “Speed of Grace” (ACT/Karonte) de Jens Thomas puede ser uno de tus discos del 2012. Temas de AC/DC de su primera época hechos preciosas baladas con teclados, trompeta y alguna percusión esto es lo que contiene esta pequeña joya fuera de tiempo.

Todos los aficionados al rock conocemos los temas que componían aquellos primeros discos de AC/DC que llenaban parte de nuestro tiempo musical. Aquellos riffs de guitarra imposibles que surgían con pasmosa facilidad de las manos de Angus Young o aquella voz aguardentosa de Bonn Scott que fue sustituida después de su muerte por la de Brian Johnson. Todo esto era la marca de este grupo australiano y así ha quedado para siempre en nuestra memoria.

Pues bien, olvida todo esto y estate dispuesto a dejarte sorprender por la increíble propuesta de Jens Thomas y Verneri Pohjola. Adentrarse en las esencias de los temas de AC/DC abandonando la parte dura y rítmica y dejarte llevar a una nueva faceta secreta escondida bajo ese caparazón sonoro que existía en el fondo de estas composiciones y que reaparece con la voz tranquila y sugerente de Jens Thomas, que me recuerda a la de Rogers Waters en las partes mas relajadas del disco “The Wall” o a la de David Silvain y a esa musica entre delicada e intimista que surge de la ajustada mezcla de teclados y viento que se crea a lo largo del proyecto.

Estamos ante un cd que va a descolocar a los seguidores de AC/DC y rokeros al uso y tambien a los jazzeros, pero que encantara a los buscadores de nuevas sensaciones. Temas como “Higway to Hell”, “Live Wire”, “T.N.T.” o “Rock N´ Roll Singer” resurgen con una nueva vida debido al tratamiento que reciben de la voz y teclas de Jens Thomas y a las aportaciones a la trompeta de Verneri Pohjola. Además se añaden dos temas del propio Jens hasta completar las trece composiciones que llenan de buena musica este “Speed of Grace” que ya ocupa un lugar entre mis cedes favoritos para este año.

De verdad abandona tus prejuicios y abre todos tus sentidos, si es que aun te quedan, a la opción de Jens Thomas y aprende a disfrutar de este revelador disco.

I. Ortega

Música de y para el Entierro de la Sardina en las fiestas de los carnavales en la localidad venezolana de Naiguata, lugar donde se celebra una de las más populares carnestolendas de ese país caribeño . Esto es lo que se puede escuchar en “Parranda! Venezuelan Carnival Music” (Smithsonian Folkways Misión/Karonte).

La Sardina de Naiguata es una banda formada en la década de los setenta por el trompetista Ricardo Diaz, que tuvo la feliz y atrevida idea de introducir sonidos más modernos a las canciones tradicionales de su afamada fiesta con la aparición del bajo eléctrico, los teclados y los vientos, a la ya de por sí poderosa sección rítmica de tambores africanos y caribeños que protagonizan los carnavales venezolanos.

A través de las catorce canciones del disco se puede comprobar la variedad y diversidad de influencias musicales que aparecen en la música venezolana, que recoge influencias africanas, caribeñas y europeas. De este forma se pueden escuchar calipsos, parrandas, fulías y valses. Música llena de color y alegría para que los participantes en las fiestas de carnaval bailen y disfruten.

Editado por Smithsonian Folkways Misión, una de las instituciones norteamericanas más importantes en la conservación y difusión de las músicas tradicionales de cualquier parte del mundo, “Parranda! Venezuelan Carnival Music” es un disco que va a dar más de una sorpresa a los aficionados a las músicas de raíz, pero no sólo a ellos.

J.M.P.R.

El Festival de Jazz de Granollers le encargó al guitarrista Joan Sanmartí con motivo de su decimoctava edición un disco, y el resultado fue este “1967” (Jazz Granollers Records), un álbum cargado de modernidad, historia y numerología.

Parece que en el ser humano hay la necesidad de marcar el tiempo, de crear algo así como mojones en la historia que nos anclen al pasado y nos lancen al futuro. En fin, que de alguna manera los números, en este caso concreto, acaben desvelando el sentido y el fin de un mundo en el que no tenemos nada claro que hacemos en él. Si los números además están unidos a fechas entonces la cosa ya se pone como de película…

A la vista de la propuesta de Joan Sanmarti parece claro que para el guitarrista un año crucial en la historia de la humanidad fue el año 1967. Y a conmemorar algunas de las fechas más destacadas de ese año así como los sucesos que en el se produjeron, es a lo que se dedica con gusto y pasión en este disco.

Las doce composiciones, todas originales de Sanmartí, recrean algunos de los acontecimientos sucedidos en ese año: la criogenización del doctor James Bedford (“Bedford’s Dream”), el descubrimiento de los púlsares (“Pulsar”), el primer trasplante de corazón (“De corazón, transplante”) o la votación en la que los habitantes de Gibraltar decidieron que el famoso peñón no se uniera a España (“44 de Gibraltar”). En un disco de estas características, con una importante carga historiográfica, es normal que en su interpretación se hagan guiños al pasado, pero el guitarrista catalán es lo suficientemente inteligente para no caer en el revisionismo y si plantear un trabajo de jazz moderno y actual.

Hay que destacar el trabajo de Joan Sanmartí así como el del acordeonista Víctor Prieto, un músico gallego prácticamente ignorado por aquí pero que en Nueva York desarrolla un trabajo muy prolífico e interesante.

Por cierto, media aritmética de los años de nacimiento de los cuatro músicos del disco es 1967…

José Manuel Pérez Rey

Fredrik Carlquist (izda) y Karl-Martin Almqvist (dcha). (Foto: Oliver Adell Torne)

Fredik Carlquist ha colaborado con músicos de la talla de George Garzone, Bob Mintzer, Richie Beirach y Reggie Workman antes de formar su primer cuarteto en el año 1996 con el que realizo giras por todo el mundo de gran exito y grabó discos como “Full Circle” (Prophone, 2004).

Por otro lado, Karl-Martin Almqvist es un compositor de piezas profundas, un saxofonista de sonido incisivo, expresionista, limpio y visceral al mismo tiempo, y hoy es uno de los mejores músicos del jazz del norte de Europa; un mérito extraordinario en un lugar con grandes figuras del jazz internacional.

En esta ocasión los temas representados eran en su mayoria composiciones de Carlquist y la sensación que le dio a un servidor fue agridulce: buena profesionalidad de los musicos y momentos realmente buenos de musicalidad, aunque noté a faltar una mayor conexión con Fimister e Hinojosa y también la frialdad escandinava en la ejecución de las piezas.

El Almqvist/Carlquist Quartet en plena acción. (Foto: Oliver Adell Torne)

Espero poder tener la revancha con Fredrik y Karl-Martin algun día y cambiar esas dudas por alabanzas bien merecidas.

Aqui os espero!!!

Oliver Adell Torne